miércoles, noviembre 28, 2012

Consejo de la Música elige ganadores del Premio a la Música Nacional Presidente de la República



Cultura.gob


El Ministro de Cultura, Luciano Cruz-Coke, dio a conocer hoy los nombres de quienes recibirán este año el Premio Presidente de la República por su aporte a la Música Nacional. Escogidos por un jurado integrante del Consejo de la Música, en las categorías de Música Docta, Popular y Folklórica, los ganadores de este año son: Eduardo Cáceres, José Alfredo Fuentes y Los Huasos Quincheros, respectivamente.

El premio, creado en 1999, distingue a aquellas personas e instituciones que se destacan por su aporte al desarrollo y consolidación de la identidad musical chilena. Desde entonces se ha consolidado como un reconocimiento y estímulo para los artistas nacionales que, por su excelencia y creatividad, han realizado un aporte trascendente al repertorio nacional y al acervo cultural del medio.

Los nuevos ganadores se suman a un listado diverso de representantes de la música, como Pedro Yáñez, Illapu, Tita y Ángel Parra, Patricio Manns y Eleodoro Campos, en la categoría Folclor; Luis Advis, Miguel Aguilar, el Coro de la Universidad de Chile, Juan Pablo Izquierdo y la Orquesta Sinfónica de Chile, en Música Clásica; y figuras como Palmenia Pizarro, Inti Illimani, Los Jaivas, Valentín Trujillo, Los Tres, Manuel García y Buddy Richard en Música Popular.

Cada uno de los ganadores de las tres categorías, recibe un diploma firmado por el Presidente de la República y un estímulo de dinero por la suma de 270 UTM. Las menciones de Productor fonográfico y Editor musical quedaron desiertas este año.

Música Popular
José Alfredo Fuentes, el legendario intérprete de canciones como “Te perdí”, “Dirladada” y “Mi bombo y mi chin-chin”, que durante años fue conductor de televisión, hoy recibe los máximos honores desde La Moneda por su larga trayectoria musical de reconocimiento nacional e internacional, en la categoría de “Música Popular”.

Música Folclórica
Con el apoyo de la destacada folklorista Margot Loyola, el premio en esta categoría recae sobre los Huasos Quincheros, agrupación que por años le ha cantado a Chile, su paisaje y su gente, a través de tonadas que han sido escuchadas en diversos escenarios del país y el extranjero, como el Kennedy Center, la Sala Paulo VI en el Vaticano, el Metropolitan Opera House y el teatro del Ejército Soviético, entre otros.

Música Docta
Tan multifacético como la propia música, Eduardo Cáceres, ganador del Premio en la categoría Música Docta, ha transitado por diversos estilos como compositor. Ha dado origen a más de 90 obras en los géneros Solista, Sinfónico, Música de Cámara, Coral y Electroacústico. Además, ha compuesto música para danza, teatro, cine y televisión; además de bandas sonoras para instalaciones, performances, y más. El 2005 recibió el Premio Altazor por su obra “Cantos ceremoniales para aprendiz de machi”, y este año se le otorga la distinción firmada por el propio Presidente de la República.

martes, noviembre 27, 2012

Encuentro Internacional de Payadores


Reviven la música colonial de la Catedral de Santiago

El Mercurio


Hoy y mañana , el Coro Madrigalista de la Usach y Les Carillons reestrenarán obras que solían cantarse hace 200 años en Chile.

Romina de la Sotta Donoso

"Tenemos la idea de que durante la Colonia nuestro país estaba bastante aislado, especialmente por la cordillera. Pero eso, en el ámbito de la música, es absolutamente falso. Todo lo que se hacía en cualquier lado llegaba rápidamente a Lima y a Santiago", asegura el musicólogo Alejandro Vera, profesor del Instituto de Música UC. Él, que lleva años estudiando el Archivo de la Catedral de Santiago, confirmó el año pasado que parte de ese acervo proviene de Perú. "Lo comprobé en el Archivo Arzobispal de Lima. Analizando caligrafías y copistas, pude seguirle la huella a algunas obras que pasaron desde la Catedral de Lima a la de Santiago", explica.

Ese trabajo de rescate ahora vive una nueva etapa, pues una selección de esas piezas provenientes de Perú será reestrenada tras 200 años. El programa "De Lima a Santiago" será presentado hoy y mañana, por el Coro Madrigalista de la Usach y el conjunto de música antigua de la U. de Chile Les Carillons, con la dirección de Rodrigo Díaz.

Es el caso de los villancicos "Hermoso imán mío" (anónimo) y "Hoy al portal ha venido", del español Antonio Ripa -maestro de capilla en Sevilla-, el que describe a un charlatán que opera justamente en Navidad.
También será reestrenado el anónimo "Oh portento, qué glorioso". Se sumarán "Amados pastores" y "Trisagio a solo", del catalán José de Campderrós, maestro de capilla de la Catedral de Santiago hasta 1811.

El programa incluirá música que se interpretaba durante el siglo XVIII y hasta la Independencia. Aunque todas las piezas son religiosas, la mayoría son villancicos y cantatas en español. Pero también hay dos obras sacras: el Dixit Dominus de Joseph de las Heras, y una Misa de difuntos de Claudio Casciolini. Esta última, explica Díaz, "es la única que no tiene acompañamiento instrumental, es una polifonía a varias voces, es decir, a lo Palestrina".

"Todas estas obras fueron conservadas en el Archivo de la Catedral de Santiago, y han sido estudiadas y transcritas por Alejandro Vera", aclara Díaz. Y Vera destaca que "este repertorio tiene una sonoridad un poco distinta de la actual, y es bastante atractivo en lo musical, son obras bien escritas".

Los conciertos se realizarán a las 19:30 horas de hoy, en la Sala Arrau del Teatro Municipal de Santiago (en su 2º Festival de Música Barroca, desde $1.500), y mañana, a las 19:00 horas, en el Aula Magna Usach (Ecuador 3659, gratis).

lunes, noviembre 26, 2012

Obras de nueve compositores chilenos sonarán en concierto de fagot y piano

Radio U de Chile

El novedoso y atractivo repertorio está dedicado al destacado fagotista Emilio Donatucci, quien actuará junto a otros cinco intérpretes de este instrumento de viento y al pianista Sergio Massardo Cavajal.


Obras compuestas y arregladas por nueve reconocidos compositores chilenos componen el programa del Concierto para Fagot y Piano que ofrecerá el fagotista Emilio Donatucci, acompañado por el pianista Sergio Massardo y cinco músicos de la Orquesta Sinfónica de Chile y de la Orquesta de la USACH.

La presentación se realizará el sábado 1 diciembre, a las 19:00 horas, en el Teatro Escuela Moderna de Música, con entrada liberada.

Las obras que forman parte del repertorio de este concierto son “La muerte de una marioneta” de Charles Gounod, en un arreglo para seis fagotes del recordado cantautor  Nino García;  “Divertimento para fagot y piano” de Guillermo Rojas; “Ojos de uva” de Sergio Berchenko; “Sonatina” de Luis Advis; “Sextupla Fagótica” para seis fagotes de Eduardo Cáceres; “Caída 22” de Sergo Massardo; “Milongazo para Emilio” de Adolfo Flores; “Tributo” de Astor Piazzolla, en un arreglo para fagot y piano de René Arangua y “Tonada y cueca”· de Guillermo Rifo, en un arreglo de Sergio Massardo.

En la interpretación de este programa estarán los fagotistas Emilio Donatucci, Marina Martelli, Paulina González, José Molina, Patricio Cano y Armando Aguilar Zegers, acompañados por el pianista Sergio Massardo.

Emilio Donatucci ha desarrollado una larga y brillante trayectoria profesional en Chile y el extranjero como solista y músico de cámara. Nacionalizado chileno, llegó a los 20 años a Chile (1957) desde Argentina, su país natal, para ocupar el cargo de fagot solista en la Orquesta Filarmónica de Santiago, donde se desempeñó hasta 1962. Luego integró durante dos años la Orquesta Sinfónica de la Universidad de Cuyo, en Mendoza. Regresó como Primer Fagot de la Orquesta Sinfónica de Chile donde permaneció durante más de dos décadas.

En 1971 fue clasificado como uno de los cuatro mejores fagotistas del mundo y elegido como el único representante de Chile para integrar la World Symphony Orchestra, que ofreció tres conciertos en el Lincoln Center de Nueva York.

Su fructifica actividad artística abarca actuaciones como solista con orquesta, recitales y música de cámara. Fundó varios conjuntos musicales como el Quinteto de Vientos Hindemith,  “Hindemith, 76”, “Latinoamérica viva” y la agrupación Vivaldi. Estrenó obras del repertorio universal y de autores chilenos escritas para fagot. También desempeñó la docencia en Chile y el extranjero donde ofreció clases magistrales.

Sábado 1 de diciembre, 19:00 hrs.
Teatro  Escuela Moderna de Música,  Luis Pasteur 5303
Entrada liberada

Jorge González y Pulp fueron el broche perfecto para Primavera Fauna

El Mercurio


En un día con una intensa temperatura, el festival congregó estilos como el pop, la sicodelia y el funk y tuvo peaks con las actuaciones de The Walkmen, Dinosaur Jr. e Illya Kuryaki. El acceso y los puestos de comida fueron un problema para los asistentes.

FELIPE RODRÍGUEZ y JOSÉ VÁSQUEZ

Comenzó con puntualidad como lo avisaba el cartel. Recién pasaban algunos minutos del mediodía y los emergentes Protistas subían al Escenario Latino a defender las canciones de su recién estrenado álbum, "Las Cruces" (2012).

A esa hora el sol pegaba duro y el escaso público que comenzaba a llegar al espacio Broadway, ubicado en la Ruta 68, le hacía una finta a la música: la mayoría prefería instalarse en las piscinas. La segunda versión del festival Primavera Fauna tenía este año su propia meta: dar un salto rotundo con respecto al debut de 2011. Y casi lo consiguió. Si el año pasado partió tímido y con !!! y The Raveonettes como responsables de la fiesta, esta temporada era la hora de ponerse los pantalones largos. No sólo el cartel concitaba interés -la presencia de Pulp es un pequeño hito para los que fueron jóvenes en los 90-, sino que las exigencias eran mayores. La asistencia de público -diez mil personas- era el doble del año pasado y los grupos eran exponentes sólidos en diversos estilos. Pero, como suele suceder en este tipo de festivales, hubo problemas. El lento acceso desde la carretera provocó atochamientos y los sitios de comida fueron un parto: sólo para comer algún sándwich o papas fritas, las personas debieron hacer filas por más de treinta minutos.

Con el sol en su máxima expresión, Francisca Valenzuela brindó un show correcto y breve que fue la antesala de José González. El sueco de padres argentinos amortiguó la alta temperatura con canciones templadas e intimistas. El músico estaba en consonancia con el calor: sus melodías, inspiradas en Simon & Garfunkel, llamaban a escuchar y no bailar; a contemplar en lugar de enloquecer. Estuvo casi una hora soltando su folk bucólico y se ganó al público que pidió un bis que nunca llegó.

Mientras la audiencia subía y las piscinas se llenaban de personas, Astro subió al escenario latino para confirmar sus virtudes en vivo. Y lo lograron rápido: su propuesta sicodélica bailable se plegó a los deseos de un auditorio que, a esa hora, quería comenzar a moverse. Como de costumbre, fueron de menos a más. Partieron casi con indiferencia y, luego, empujados por títulos como "Maestro distorsión" y "Mono tropical" -apoyados por una coreografía de mujeres enmascaradas- se metieron al auditorio en el bolsillo.

Cuando el sol comenzaba a decaer, The Walkmen cumplieron con su cartel de estrellas de banda de reparto. Ese repertorio de canciones delicadas, elegantes e ideales para musicalizar un capítulo de "Mad men" lo desarrollaron con una calidad impresionante. Entre temas como "Blue as your blood", "Heartbreaker" y la finísima "On the water", los estadounidenses se balancearon por ese rock nostálgico y guitarrero de sus comienzos, cuando compartían cartel con The Strokes y The White Stripes, hasta su actual interpretación, donde la emotividad instrumental y el timbre vocal de Hamilton Leithauser, similar al Bob Dylan de comienzos de los 60, gatillan una de las mejores versiones del pop distinguido de esta década.
Con un nuevo álbum recién bajo el brazo, "Elegancia tropical" (2012), los colombianos Bomba Estereo ejecutaron un show donde exponen claramente sus preferencias: el sonido caribeño enlazado a melodías sintéticas que invitan a mover pies y cadera. Lo suyo fue un triunfo y una advertencia: son más que el single "Fuego".

Mientras Dinosaur Jr., la banda grunge antes de que existiera el grunge, prendió la mecha con un show eléctrico y distorsionado en que la dupla compuesta por el líder J Mascis y el bajista Lou Barlow reinterpretaron la urgencia y el frenesí del rock independiente noventero con énfasis en su última obra, "I bet on sky" (2012).

El mismo espíritu de esa década fue el que atrapó Illya Kuryaki. Con ese sello de funk canchero, los argentinos lograron simpatizar, aunque con pocas novedades. Cerca de las 23 horas, Clap Your Hands Say Yeah, émulos de Talking Heads, calentaban motores en espera de los shows más esperados: Jorge González recreando por primera vez el disco "Corazones", y Pulp debutando en el primero de sus dos conciertos en el país.

25 shows en el festival

Desde Protistas a Pulp, fueron cerca de 14 horas de música continua en esta segunda edición del evento.
 Música, sol y piscina

Los 28 grados de temperatura que marcó Santiago ayer tuvieron en las piscinas de Espacio Broadway el mejor escape del calor. Rodeados por una serie de músicos electrónicos que se turnaron durante toda la jornada -entre ellos Daniel Klauser, Goldroom y Surtek Collective-, decenas de bañistas aprovecharon las instalaciones para disfrutar en el agua acompañados de algún trago de alcohol. Beneficios de un evento para mayores de 18 años. Otros se divirtieron flotando en unos llamativos patos inflables que uno de los auspiciadores del evento repartió entre el público.
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El cierre del festival cautivó con el revisionismo del ex líder de Los Prisioneros y los británicos más queridos del brit pop. Atochamientos de autos y largas filas para comer fueron la nota roja del evento.  

El final de Primavera Fauna era una contradicción. En un festival consagrado a escuchar a músicos contemporáneos, los shows de Jorge González y Pulp, los principales de la jornada, rendían culto a una mirada que, cada vez con mayor frecuencia, se repite en el Primer Mundo: el revisionismo.

Aunque los horarios de los shows se respetaron y las más de diez mil personas que llegaron al Espacio Broadway, en plena ruta 68, se retiraron conformes con el sonido de los espectáculos a lo largo del día, los baches fueron otros. Los interminables tacos para llegar e irse del recinto sacaron de quicio a la mayoría. Si para ingresar, los asistentes demoraron largos minutos por los atochamientos que comenzaban en la carretera, el retorno se extendió por una hora. Salvo las escasas 200 personas que se quedaron en el escenario electrónico para alargar la noche, las hileras de vehículos que regresaban a Santiago se volvían interminables.

No fue el único problema. Los lugares de comida y bebestibles se hicieron pocos -habían filas de cientos de personas tratando de conseguir sándwiches y hot dogs -, los baños colapsaron -especialmente los de mujeres- y el servicio de micros se tornó exiguo para la alta cantidad de público que se concentró a la salida al terminar el último show.

La música, en tanto, convenció de que este es el festival con mejores nombres de la temporada primaveral. En el escenario latino, Illya Kuryaki cerró su frenético set con "Abarajáme" (1995), el primer hit que tuvieron en el continente. Entonces, de inmediato vino el pase para que comenzara su presentación Clap Your Hands Say Yeah.

El grupo de Brooklyn, capitaneado por Alec Ounsworth, salió a realizar la primera de sus dos presentaciones en el país y lo hicieron ordenando bailar bajo las instrucciones del mismísimo demonio. Con "Satan said dance", esa parodia oscura de rock independiente sampleado para la discoteca atrajeron a un público que ya llegaba para encontrar un mejor puesto para el plato fuerte de la noche: Pulp.

Ounsworth, con su voz característica al borde de la desafinación y con reminiscencias de David Byrne remató su presentación en alto, con el público agradeciendo su hora de música y con cimas en temas como "Is this love?" y "The skin of my yellow country teeth".

El ambiente y la temperatura eran inmejorables para recrear "Corazones" (1990), el álbum más popular en la carrera de Los Prisioneros. Junto a la tecladista Cecilia Aguayo y su marido, Uwe Schmidt, Jorge González dio otra prueba de su presente pletórico. Por primera vez, el ex líder de Los Prisioneros se sintió querido por todos. Los demonios de sus supuestos adversarios -sobre todo, en la prensa- quedaron en la historia y el músico disfrutó su rol de sumo pontífice del rock chileno. Cantó con ganas, recordó que ese disco es de "la transición de mi vida" y no olvidó la ironía para hablar de los comienzos de su carrera cuando lo acompañaban "unos colegas". Fue una victoria plena de un álbum cargado de himnos masivos, aunque es hora de verlo con un repertorio de novedades.

El cierre con Pulp fue, para la mayoría de los asistentes, un sueño hecho realidad. Introducidos por error a mediados de los 90 en el vagón repleto de brit pop -a un rincón de los súper héroes, Blur y Oasis-, su show se concentra en un solo personaje: el vocalista Jarvis Cocker. Teatral, juguetón y divertido, el cantante es el hilo que enhebra la música intrínsicamente británica del grupo con líricas que recurren con agudeza a los pensamientos más recurrentes de la humanidad: el amor, el futuro, la tristeza y la muerte. Cocker y su equipo nunca bajaron la guardia. Partieron con "Do you remember the first time?", instaron al baile con "Disco 2000", afianzaron su diversidad musical con "This is hardcore" y "I spy", y desataron el delirio masivo con "Common people".
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Queda festival

Como parte de los sideshows, hoy toca The Walkmen en la ex Oz y el miércoles Clap Your Hands Say Yeah en Amanda.

El Mundo al Instante: Muere Juan Carlos Calderón, compositor esencial de la música latina


El Mercurio

Productor español, quien lanzó las carreras de Mocedades y Luis Miguel, e internacionalizó a Myriam Hernández.

"Nunca tiraré la toalla. Seguiré haciendo música hasta que me muera", dijo Juan Carlos Calderón en 2010, de entonces 72 años, luego de recibir el Premio de Honor de la Academia de las Artes y las Ciencias de la Música, máximo galardón del medio musical hispano. Y ese momento llegó anoche. El compositor español falleció a los 74 años por una insuficiencia cardíaca en una clínica madrileña, en la cual estaba internado desde hace cuatro semanas.

Nacido en 1938 en Santander, el también productor, intérprete y arreglista fue uno de los autores más influyentes de la música popular iberoamericana de los últimos cincuenta años. De su autoría son clásicos como "Eres tú", popularizado por Mocedades, o "Cartas amarillas", de Nino Bravo. Pero fue en México, en la década de los 80, donde se ganó el estatus de "Rey Midas" de la industria. Su sociedad con Luis Miguel, máxima estrella de la música latina, le valió el reconocimiento absoluto. Sus créditos se pueden leer en temas esenciales de la carrera del artista azteca, como "Entrégate" y "La incondicional".

Pero en los 70 ya había brillado en España como productor de Mocedades, arreglista de Joan Manuel Serrat o colaborador permanente de Nino Bravo. Tras su exitosa alianza con Luis Miguel, el músico comenzó a ser requerido por los principales intérpretes latinos, siendo fichado, entre otros, por Chayanne, Emmanuel y Ricky Martin. También tuvo un vínculo con Chile, al trabajar junto a Myriam Hernández, para quien compuso "Un hombre secreto" y "Se me fue", ambas del disco "Myriam Hernández III" (1992), álbum que le abrió definitivamente las puertas del mercado internacional.

Calderón no escondía su orgullo por haber trabajado con "las mejores voces de habla latina", desde Julio Iglesias, Massiel, José José y Rocío Durcal, hasta artistas más contemporáneos, como Amaral. Lamentaba, eso sí, no haber podido hacerse un nombre en la música de habla inglesa. "Me encantaría producir a Celine Dion", afirmaba. O se permitía soñar y confesar que si hubiese nacido antes, habría trabajado para Nat King Cole, "la voz más maravillosa que ha existido".

domingo, noviembre 25, 2012

Cantante Lucho Gatica es condecorado con la Orden al Mérito Pablo Neruda

Emol

El Rey del Bolero dijo que "este premio es lo máximo que he podido recibir en mi carrera, que felicidad más grande, me emociona mucho".


GUADALAJARA.- El cantante nacional, Lucho Gatica, recibió esta tarde en el pabellón de Chile en la Feria del Libro de Guadalajara la Orden al Mérito Pablo Neruda, la cual es la máxima distinción que entrega el Consejo de la Cultura y las Artes a figuras del quehacer artístico cultural de nombre internacional.

En la oportunidad, el cantante nacional recordó cuando conoció a Pablo Neruda, precisamente en México, y le pidió que le firmara 30 libros, los que luego le robaron. De ellos sólo “tengo Canto General firmado por él,  en que hace un corazón en la dedicatoria, con una flecha. El corazón era ella, mi señora. La flecha soy yo, y abajo pone,  Pablo Neruda”.

Sobre el reconocimiento, el Rey del Bolero señaló que “este premio es lo máximo que he podido recibir en mi carrera, que felicidad más grande, me emociona mucho”.

El Ministro de Cultura, Luciano Cruz-Coke, destacó el aporte de Gatica: “Ha marcado a fuego la música chilena y ha representado también, como ninguno tal vez, el nombre de nuestro país en el extranjero (…) pasa a formar ahora  parte de ese panteón de notables condecorados con la orden al Mérito Pablo Neruda, entre los que se encuentran la dramaturga Isidora Aguirre, el cineasta Patricio Guzmán, La folclorista Margot Loyola, y también relevantes figuras internacionales como es el caso de Rubén Blades, Ennio Morricone, y Pina Bausch”.

Cuidado con la reedición vinilo 2012 de The Beatles !



Casa Central

Llegamos al disco Sgt. Pepper de The Beatles en su edición en vinilo 2012, una de los discos mas importantes dentro de la Historia de la Música Popular...

Por cosas del destino recibimos la misma semana una edición en vinilo japonesa de la década del 70 de este disco, y por otro lado la versión 2012; y al comparar ambas versiones uno se da cuenta que la versión 2012 suena HORRIBLE: tiene fuertes problemas de saturación en los agudos desde los primeros temas de cada lado, siendo incontrolables llegando casi al final de cada faz. Una muestra notoria es el caso del tema  "Good Morning", el vinilo versión 2012 corta el sonido de los saxofones al inicio de la canción, si quieren comparar a continuación encontrarán primero una muestra del vinilo edición japonesa de la década del 70, y la segunda muestra extraído del vinilo edición 2012 ocupando mismo equipo, misma aguja, todo igual, solo un par de días de diferencia entre la audición de un disco y otro... y el resultado es sorprendente: La versión 2012 literalmente se escucha como la mierda.

Good Morning Vinilo Edición japonesa década del 70
Good Morning Vinilo Edición 2012

Hemos revisado algunos comentarios en Amazon.com, y hay varios compradores que han manifestado este problema al comprar el BOX de vinilos, se supone que la partida de producción de estos vinilos son desde USA y desde Europa, la edición que presentaría problemas es la de fabricación Norteamericana; pero cuando uno compra el disco o la caja no necesariamente sabe que partida de fabricación le va a tocar, es casi como una ruleta...

Y si quiere invertir dinero en estas reediciones, por lo menos tengan conciencia que finalmente pueden llegar a disfrutar solo del arte de cada vinilo.

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Actualización:

-Acabo de abrir un Magical Mystery Tour vinilo 2012, el diseño y el sonido del vinilo es perfecto, en este ejemplar no encontramos problemas de sonido.

- Lo mismo en un ejemplar de Revolver vinilo 2012: diseño y sonido perfecto

En resumen, y no teniendo en la mano otros discos de esta reedición, y tomando los comentarios publicados en Amazon, las reediciones que tendrían problemas son:
-Sgt Pepper
-White Album disc 1
-Abbey Road

Víctor Tapia

Contrapunto de Libros: Keith Richards: Vida- Geoff Emerick: El Sonido de Los Beatles





Casa Central


Podría escribirse la historia de la música necesariamente?, se pueden hilar ciertos aspectos que se pasan por alto por cierto… pero hay que tener algo por seguro: la música es vida, y es algo inútil darle la misma importancia al comentario, al estudio o a la critica, que a la importancia que se merece la música. La música vive, y como vida es eterna, casi alcanzando el nivel de los dioses, los comentarios, las criticas y los estudios en cambio son opiniones mortales sobre aspectos divinos, es decir a millones de pies por debajo del ser musical…

Teniendo esto en claro, y además acotando que para poder entender la historia de la música chilena es imprescindible mirar mas allá de las fronteras, podemos dar los pasos necesarios para acercarnos a este par de libros de música inglesa, y se trata sobre dos puntales fundamentales, el libro de Keith Richards (guitarrista de los Rolling Stones) : Vida; y el libro de Geoff Emerick (uno de los principales ingeniero de sonido de The Beatles): Here, there and everywhere, o como se conoce en edición española “El sonido de los Beatles por su ingeniero”; sin duda son rastros y datos de primera mano sobre todo esta proceso musical que comienza en los 50 y que fue revolucionariamente importante en la historia de la música popular a partir de la década del 60; Keith Richard, por cierto que cuenta la historia desde dentro de lo que le tocó vivir toda la carrera de los Rolling. Mientras Emerick cuenta con lujo de detalles los procesos evolutivos del trabajo de Los Beatles durante sus años mas importantes.

Primero que nada, estos libros son casi inencontrables en Chile, y si los busca por ahí el precio es desorbitante, si puede trate de comprarlo a través de Amazon USA, sino tiene tarjeta pídale a un amigo que se los compre, no los dos juntos, pruebe primero con uno. Lo recibe, lo lee. Y después pida al otro, así no se autoexige demasiado, y así también se evita el IVA y los derechos de aduana que pueden multiplicar el precio de los dos libros más allá de lo que tiene estimado.

Primero hay que imaginarse un ambiente de guerra y post guerra en Inglaterra, con todo lo que ello significa; estar preparados para los ataques de las fuerzas alemanas, después del fin de la guerra vivir diariamente con la destrucción de la ciudad que se mantiene por largos años, así también como el racionamiento alimenticio. Sin duda no es un ambiente sicológicamente muy tranquilo; y así también dentro de ese ambiente, las radios en Londres mantenían su tradicional secuencia de música que habían transmitido por décadas, las únicas alternativas que tenían los Ingleses de escuchar música distinta era sintonizar Radio Luxemburgo, que transmitía su señal desde Europa, y que tenía diversos espacios con música norteamericana, esta es la vía bajo la cual el medio inglés se fue influenciando paulatinamente de música Norteaméricana, y algo que descubren estos libros: Podían recibir la música norteamericana puramente en sus oídos sin saber que cara, que rostro, que color de piel tenían los músicos, sin saber cual era la situación de segregación racial que podían tener esos músicos en su propio país, y que grado de difusión tenían allá; los ingleses recibían la música desde la distancia; llegando a pedir directamente singles a los sellos norteamericanos sin intermediarios, y crearon desde la lejanía una recopilación sonora tan completa de la música norteamericana, de tal calidad, que ni los mismos norteamericanos podían lograr con todas sus segregaciones y aislamientos regionales que vivían diariamente; por lo tanto el sonido que llegó a Inglaterra era toda la paleta sonora americana sin limites. Por supuesto que después se percataron del rostro, del fraseo, de los colores de los intérpretes, de los estilos, de la forma de tocar, pero el contacto y el aprendizaje ya estaba instaurado.

Los primeros espacios de encuentro de los interesados en la música eran los colegios, después algunos de una u otra forma entraban a las escuelas de arte, que no eran mas que escuelas técnicas sobre aspectos vinculados al diseño o a la industria publicitaria, pero que permitieron los espacios generacionales para poder compartir y escuchar todas las nuevas propuestas que llegaban de Norteamérica. Fue cosa de tiempo que los jóvenes británicos comenzaran a interpretar esta música, y el espacio natural fue aquellos lugares en que se cobijaban las expresiones del Jazz; ahí cupieron el blues, algunas expresiones de R&B, aunque nunca faltaban aquellos puristas que veían con horror que estas interpretaciones no tenía sincopa, y cómo el blues “diabólicamente” se electrificaba haciendo perder, según su percepción, toda aquella pureza divina de su origen.

De ahí a que los jóvenes pudieran crear sus grupos, tener aceptación en los medios, a que la industria musical se alimentara de estas expresiones o de otros jóvenes que recién salidos de la secundaria querían probar suerte en un sello de grabación, eran cosas que podían ocurrir naturalmente. Se percibe la naturalidad de los pasos, de la vida, algo que sería casi imposible hoy en día en la cual las variables se miden después de evaluar a tantos postulantes, tantos curriculums, tanta experiencia de seguro en una situación similar. Esos milagros hoy no ocurrirían, y tal vez de cuanto nos estamos perdiendo.

Así por un lado un joven comenzó a ser guitarristas de los Rolling, una agrupación que estudiaba con devoción las expresiones del Blues norteamericano, por otro lado un joven de casualidad lo llaman a trabajar en los estudios ubicados en Abbey Road de la EMI; uno se ve arrastrado desde su amor al Blues a las presión por componer, por arrancar de las chicas, y por verse enfrascados en toda esa llamarada que habían abierto poco antes The Beatles. El otro llegó después de algunos meses a estar en la sala de grabación de The Beatles, y con el tiempo llega a romper las estrictas reglas del sello de grabación para probar nuevas experiencias sonoras, nuevos acercamientos, compresiones, experimentación al máximo para sacar provecho a esas grabadoras de 4 pistas con nuevas texturas y sonidos que cambiarían para siempre el mundo del registro sonoro de la música popular.

Las drogas, el alcohol, las jornadas extenuantes de trabajo se mezclan en los libros; las rencillas, las peleas, el trabajo milagroso de hermanos musicales, también queda reflejado después de leer estos voluminosos libros.

En el libro de Keith siempre queda la sensación que su mirada subjetiva de alguna u otra forma mira livianamente todas aquellos exceso de su vida, los mira desde la vejez, y de la experiencia de estar vivo después de todo lo consumido, lo cargado, lo vivido. En sus páginas se saborea de otra forma cierto grado de sabiduría musical, de cómo pudo reinterpretar esas tradicionales cuerdas de la guitarra transpuesta en el rock, de cómo su vida estuvo llena de amores, de drogas, y de una muerte segura.

En las líneas de Emerick, está la visión mas objetiva posible de la intimidad del estudio de grabación de los Beatles, como no hay libros, ni creo que hayan de registros autobiográficos de ninguno de ellos, ni de su productor, las mirada de Emerick, es la mas cercana disponible, y también nos da toda sensibilidad de abrir horizontes, de probar, de entregarse enteramente por el trabajo que amaba, y como ha pesar de todo el grupo de desarmaba ante sus ojos, y como nunca pudo darse cuenta que pronto llegaría el fin de esa historia.

Si el rock puede ser carne de estudio musicológico, pues bien , que otros lo hagan,, creo que eso se lee frecuentemente como una autopsia, en cambio en las paginas de este par de libros hay vida por montones, está la mirada transparente de que todo era posible, y de que a las finales todos eran inmortales, hasta el fin.

Sexo, Drogas, Rock and Roll mirados y contados desde la carne y el alma, vistos con cercanía, con todo el mundo y la vida que eso significa, para poder aprender de donde partimos, en que estamos y hacia donde vamos.

Víctor Tapia

viernes, noviembre 23, 2012

Mañana Sabado: Un inédito experimento de música radiofónica

El Mercurio


"El espacio del sonido", del compositor electroacústico Federico Schumacher, se escuchará en la sala de conciertos, pero a través del dial 96.5.

Iñigo Díaz

"El espacio del sonido" es la nueva obra del compositor electroacústico Federico Schumacher. Se estrenará mañana en el Goethe Institute (Holanda 100, 19:45 horas, gratis) en el marco de los 60 años de vida de este instituto alemán de cultura. Pero ni siquiera se escuchará por el sistema de audio interno de su sala de conciertos, como ocurre con los programas de música electroacústica. "Cada asistente tendrá que llevar su radio portátil, reproductores digitales, smartphones o equipo de conexión a internet, porque esta obra será transmitida solamente por radio", explica Federico Schumacher.

Así, "El espacio del sonido" saldrá al aire por Radio Beethoven (96.5), en un programa especial. "Es mi primera obra radiofónica, es decir, que fue destinada a pasar por radio, aprovechando sus diversos formatos. En este caso, la obra es una entrevista subvertida", anticipa su autor.

Los protagonistas de esa conversación son el propio Schumacher y el productor de Radio Beethoven José Oplustil, quien desde 1995 conduce el programa "Siglo XX", consagrado a los repertorios de música contemporánea y emitido diariamente a las 23:30 horas.

Pero las colaboraciones entre Schumacher y Oplustil no se remiten sólo a esta transmisión. En el concierto también se estrenará "Oplustil mix", un trabajo que preparó el sonidista. "Federico me entregó siete de sus obras y me dijo 'haz lo que quieras con ellas'. Hice un mix de 27 minutos con fragmentos superpuestos o mezclados para conseguir un relato basado en el timbre y el contenido. Tiene algo de cíclico. Espero que haya sido un buen mix", dice Oplustil.

"De la manera en que trabajó el material, a través de una reconstrucción lineal donde hay relaciones entre elementos, puedo decir con seguridad que José ya se convirtió en un compositor electroacústico", señala Schumacher. Oplustil es más cauto: "No, nunca tanto. Es sólo un experimento".

"Corazones", el disco más influyente para la actual generación del pop chileno

El Mercurio


El álbum será interpretado íntegramente por Jorge González en el Primavera Fauna. Gepe, Dënver y Álex Anwandter consideran que es una obra clave porque mezcla sonidos bailables con letras crudas y tristes.

FELIPE RODRÍGUEZ

En un comienzo, algunos fanáticos no lo toleraron. Los Prisioneros vivían un nuevo período sin Claudio Narea y el cambio de estrategia de Jorge González era radical. Las canciones de identidad barrial y carácter contestatario de sus tres primeros y excelentes álbumes eran historia. El cuarto trabajo -también conocido como el debut solista del líder de la banda-, "Corazones", envolvía otros intereses: un desarrollado apego a la electrónica con referencias a Pet Shop Boys y a Depeche Mode, y letras acuñadas bajo el mismo formato romántico de glorias de la balada como Camilo Sesto.

El disco, donde González unió fuerzas por primera vez con el productor argentino Gustavo Santaolalla -y que será interpretado íntegramente mañana en el Primavera Fauna-, fue un proyecto vanguardista e incomprendido. Pero con el tiempo, una obra maciza y glorificada por la actual generación de músicos chilenos que lo sitúan como imprescindible. En febrero, Javiera Mena grabó una versión de "Amiga mía" para la película "Joven y alocada" y artistas como Mariana Montenegro, del dúo Dënver, consideran que es el mejor álbum chileno de todos los tiempos. "A nosotros nos enseñó a entender el sentido pop de la música. Tiene una originalidad única al mezclar sonidos electrónicos con letras románticas. Algo que nunca se había hecho en Chile", reconoce.

Para Álex Anwandter, "Corazones" es un disco revolucionario al mismo nivel que "Doble Opuesto" (1991), de La Ley. Un tipo de música que marcaba una actualización del pop local con lo que sucedía en el Primer Mundo. "Sus canciones nos enseñaron a no disociar el idioma castellano del pop en inglés. Se podían unir los dos conceptos. Es música que no tiene prejuicios y, por eso, para algunos escucharlo es como ir a la escuela del pop. Ahí está todo".

Daniel Riveros, alias Gepe, cree que el cuarto disco de Los Prisioneros es un trabajo bisagra. Once canciones que rompen esquemas porque en sus letras se concentran actitudes románticas cotidianas y expuestas en forma sencilla y desgarrada. "Tengo recuerdos de viajes a la playa con mi familia escuchando "Corazones" y "Burbujas de Amor", de Juan Luis Guerra, y también Locomía. "Te hacían aprender tanto esas letras melancólicas con acordes bailables. Es un disco súper clave para los que, en esa época, éramos niños", finaliza.

 Los otros imperdibles de Primavera Fauna

Cuando se supo a fines de 2010 que volvían a reunirse, la ilusión de los fans de Pulp era una sola: que vinieran a Sudamérica. En Chile, donde actúan por primera vez, los representantes más elegantes del brit pop brindarán dos shows -el domingo estarán en La Cúpula-, que, según su líder Jarvis Cocker, combinará canciones de sus distintos álbumes.

Por su parte, Dinosaur Jr., una de las bandas seminales para Kurt Cobain, debuta esta noche en la ex Oz y mañana en Fauna, con un disco nuevo en sus brazos, "I Bet on Sky" (2012), y un estilo en que las guitarras sucias son su marca registrada. Junto con The Walkmen -quienes presentarán en Fauna y en ex Oz este lunes "Heaven" (2012), un álbum donde la austeridad y la delicadeza instrumental son el sello-, promete ser uno de los mejores shows del año.

Lollapalooza anuncia lineup por día y el lunes comienza venta de pases diarios

La Tercera

Pearl Jam y Queens of Stone Age liderarán el primer día, mientras que el cierre estará a cargo de The Black Keys.


La organización de la nueva edición del festival Lollapalooza Chile ya anunció el lineup dividido por día de los artistas que se presentarán.

Además, este lunes comienza la venta de pases diarios, a un valor de preventa de $55.000 hasta agotar stock. Más tarde, el valor aumentará a $65.000. El pase por un día en la zona VIP, en tanto, tiene un valor de $120.000. Las entradas, al igual que los abonos de dos días, se pueden adquirir mediante el sistema Puntoticket.

El sábado 6 de abril Lollapalooza comienza, encabezado por Pearl Jam y Queens of Stone Age.

Otros grupos que se presentarán también ese día son Kaskade, The Hives, Kaiser Chiefs, Two Door Cinema Club, Passion Pit, Los Tres, Foals, Crystal Castles, Major Lazer, Puscifer, The Temper Trap, Alabama Shakes, Chancho en Piedra, Zeds Dead, Gepe, Banda Conmoción, Dread Mar I, Carla Morrison, DJ Marky, Zonora Point, Mecánico, Pascuala y Fauna, Intimate Stranger, Tréboles y Keko Yoma.

El domingo 7, en tanto, el lineup estará liderado por The Black Keys, deadmau5 y A Perfect Circle.

También se presentarán Franz Ferdinand, Steve Aoki, Hot Chip, Keane, Nas, Tomahawk, Manuel García, Porter Robinson, Feed Me, Of Monsters and Men, Gary Glark Jr., Marcelo D2, Bad Brains, Toro y Moi, Perrosky, Russian Red, Poncho, De Saloon, Protistas, Red Oblivion, Kali Mutsa, Resina Lala, Daniel Klauser y Agents.



50 años de chicos malos, canciones y Rolling Stones









Wiken- El Mercurio

La banda británica partió siendo una respuesta a los angelicales Beatles: chicos malos con buenas canciones.

Jon Pareles, The New York Times Cincuenta años.

"No puedes escaparte de ese número", dice Keith Richards con una risita por teléfono desde París, donde los Rolling Stones han estado ensayando para sus conciertos en estadio y han tocado en teatros y pequeños clubes. Los Stones, liderados por Mick Jagger y el señor Richards (aunque los otros miembros han cambiado), hicieron su primera presentación en 1962. Y con menos de dos meses restantes de este año aniversario, la maquinaria de conmemoración y promoción se ha puesto en marcha. 

Hay conciertos agendados en Londres (25 y 29 de noviembre) y en Newark (13 y 15 de diciembre). Hay documentales, tanto nuevos (en HBO) como viejos (en DVD), así como una completa retrospectiva de películas y videos de los Rolling Stones en el Museo de Arte Moderno de Nueva York desde el 15 de noviembre hasta el 2 de diciembre. Incluso hay dos nuevas canciones que fueron grabadas este año: "Doom and Gloom," una canción de Jagger, y "One More Shot," escrita por Richards.

En cierta manera los Stones han estado haciendo lo mismo por medio siglo: tocando obstinadamente un rock n'roll poco pulido. Es música estadounidense -blues, country, R&B, gospel- modificada por las sensibilidades inglesas y a la vez abandonando el decoro y montando el ritmo de fondo. Sin embargo y en relación a esa música, todo significado concebible ha cambiado.

Lo que una vez fue considerado radical, sin sentido, incluso peligroso, ahora se considera privilegiado y de la vieja escuela. Las canciones que una vez escandalizaron a los padres son ahora clásicos para transmitir a los nietos. "Han recorrido todo el camino desde 'Es demasiado peligroso ir' a que la gente lleve a sus niños" a los conciertos, dice Jagger desde París. "Se transformó en un panorama familiar". Y una banda que una vez fue sinónimo de impulsividad desenfrenada se ha vuelto -a pesar de todas las probabilidades comerciales, culturales y químicas- en un símbolo de estabilidad. Los miembros ahora describen a la banda con una palabra inesperada para los Rolling Stones: disciplina. "Se requiere mucha disciplina para ser un Rolling Stone," dice Richards. "Si bien parece ser caótico, somos un grupo muy disciplinado".

Entrevistado por separado, el guitarrista Ronnie Wood, quien se incorporó a la banda en 1975, está de acuerdo. "Sin importar qué estuviera sucediendo en el exterior, sin importar cuánta fiesta armáramos", dice, "sentíamos una responsabilidad, y todavía la sentimos, de hacer buena música".

La simple familiaridad, a través del paso del tiempo y de las generaciones, es una de las razones por las que la popularidad de los Stones ha perdurado. Sin embargo podría decirse que desde fines de los años 80, cuando se juntaron para grabar "Steel Wheels" y regresaron al circuito de estadios, cada gira y cada álbum ha sido una gran victoria gracias a lo que lograron durante los primeros 20 años.

Para entonces, Jagger y Richards habían forjado un catálogo de grandes canciones, tan diversas como -para empezar- "The Last Time", "(I Can't Get No) Satisfaction", "Ruby Tuesday," "No Expectations", "Honky Tonky Women", "Brown Sugar" y "Gimme Shelter." No hay ingenuidad en las canciones de los Stones; ellas se han mantenido vigentes.

El potencial de la banda para vender es innegable. Los álbumes más recientes de los Stones, cuando logran hacerlos -el último fue "A Bigger Bang," en 2005- han vendido al menos un millón de copias cada uno solamente en Estados Unidos, sin siquiera contener singles particularmente importantes.

"Life," la autobiografía de Richards de 2010, lideró la lista de libros más vendidos del New York Times, y lo merecía, con su franca y caleidoscópica mezcla de sabiduría musical, crónicas de drogas, romance, conflictos, lealtades, ajustes de cuentas e improbable supervivencia. Los Stones siempre agotan las entradas a los estadios. La fascinación continúa.

La nostalgia y las canciones duraderas son parte del atractivo perpetuo de los Stones. También lo son los espectáculos de rock en grandes escenarios en los que ellos fueron pioneros, con suplementos inflables, pirotecnias o tal vez una grúa levantando a Jagger por sobre la multitud. (Ahora Taylor Swift anda en una).

No le hace mal a la venta de entradas que Jagger, de 69 años, todavía sea lo suficientemente ágil para saltar, moverse y contonearse por todo el escenario; cuando Maroon 5 logró un hit con "Moves Like Jagger," las audiencias jóvenes no necesitaron una nota explicativa. En una prometedora visión para sus contemporáneos menos ágiles y sus fanáticos nacidos en los años 60, Jagger tuvo suficiente desorden de estrella de rock para robarles completamente el show a los cantantes de la mitad de su edad en los Premios Grammy de 2011. ("Eso es bastante fácil", dice Jagger desde París. "Si tú estás haciendo un solo número, puedes romperlo todo".) Un video del primer concierto desde 2007, el 25 de octubre en el club Le Trabendo en París, muestra a una banda canosa y desarticulada pero que todavía se atreve.

Sobre el escenario y, muy a menudo, en el estudio, los Rolling Stones mantienen su sonido libre: es practicado y no debe ser confundido con algo caótico, precisamente impreciso. Sobre la batería de Charlie Watts, las dos guitarras de la banda comparten una maraña musical, constantemente entretejiéndose, desenredándose, reconfigurándose. "Siempre estamos deslizándonos entre el ritmo y el liderazgo", dice Richards. "Es una cosa intuitiva, instintiva. No podrías explicarlo".

Don Was, quien produjo "A Bigger Bang" y las dos nuevas canciones de la banda, dice: "Es una bonita conversación la que ellos desarrollan. Keith tomará algo que Charlie toca en los platillos, y lo hará reaccionar de cierta forma, lo cual inspirará a Ronnie a hacer otra cosa. Están constantemente interactuando".

LOS ANTI BEATLES

Pero las canciones y sus aptitudes para el show no explican del todo el enganche que tienen los Stones sobre su audiencia. Poco después de formarse, ellos hicieron una elección tan crucial como sus gustos musicales. Su manager de comienzos de los 60, Andrew Loog Oldham, los instó a convertirse en los "anti-Beatles": el opuesto de la educada, uniforme y limpia banda de rock & pop.

"Al ser Los Beatles tan demasiado limpios, estaban obviamente usando el sombrero blanco", recuerda Richards. "El otro papel a jugar era el de ponerse el sombrero negro. Mientras más nos atacaba la prensa, más te encontrabas a ti mismo en el papel del villano. Y después nos acostumbramos. Era más fácil. En los Stones podías realmente ser tú mismo".

Esa actitud no sólo liberó a los Stones para verse, comportarse y escribir como se les ocurriera, sino también los transformó en arquetipos del rock, viviendo una libertad -y licencia- con que la mayoría de sus fans sólo podía soñar. Por supuesto que antes había habido hombres salvajes del R&B y la rockabilia, y Jagger claramente los estudiaba, pero sus carreras fueron más cortas o mucho menos celebradas. Los Stones, ingleses inadecuados, rompieron con las corrientes convencionales, creando un ejemplo para todo holgazán del rock, talentoso o no, que vino después. Décadas más tarde, en gigantes escenarios y en medio de efectos computacionales, el distante olor a anarquía de los Stones todavía atrae, especialmente porque es acentuado por el ajustado, pero suelto, sonido de la banda, esa forma en que incluso canciones venerables suenan caóticas.

La consecución por parte de los Stones de su arquetipo de forajidos es la línea central de "Crossfire Hurricane," un documental que recorre los primeros 20 años de la banda, de HBO. "Ellos comienzan jugando este rol, ellos se convierten en el rol, y después ese rol casi los mata", dice el director, Brett Morgen. Y finalmente, como dice Jagger en la película, los Stones cambian de ser "la banda que todos odiaban a la banda que todos aman".

"Crossfire Hurricane" recurre a otros documentales más viejos sobre los Stones que ahora se ven sorprendentemente ingenuos. El material más temprano viene de "Charlie Is My Darling," el documental de Peter Whitehead de una caótica gira de los Stones por Irlanda en 1965, que mostró conciertos que a menudo eran finalizados antes de tiempo mientras las audiencias despotricaban contra el escenario; esa película recién ha sido lanzada en DVD, junto con craqueladas presentaciones en vivo de la misma época. Los jóvenes Rolling Stones eran serios, considerados y se divertían con la furia que generaban sus presentaciones. "Éramos niños tan simpáticos, bajo todas las apariencias", recuerda Jagger. "Fue un tiro por la culata para Andrew Oldham: Los Rolling Stones son los rebeldes. Y el tiro por la culata fue bastante intenso, porque nos etiquetaron con esto y fue una profecía auto-realizadora".

La violencia dio paso a la decadencia. Los Stones terminaron una gira por Estados Unidos con el deprimente concierto de 1969 en Altamont, California, donde cuatro personas murieron, y luego se retiraron a los estudios para grabar dos de sus piezas maestras: "Sticky Fingers" y "Exile on Main Street". La racha de grandes álbumes comenzó con "Beggars Banquet" en 1968 y "Let It Bleed" en 1969. Las cámaras los siguieron a las grabaciones de "Exile" -drogados, como cuenta Richards en su libro, con cocaína y heroína- y a una gira en 1972, donde Robert Frank filmó un video rara vez mostrado con un título irreproducible. "Crossfire Hurricane" incluye desinhibidas escenas descartadas de esa filmación, con desnudos casuales y abierto uso de drogas. "Yo era un adicto muy bien adaptado", dice Richards. "Nunca sentí que eso dificultara lo que yo hacía. Pero era raro encontrarse a uno mismo en medio de un experimento que siguió por demasiado tiempo".

No podía durar. Luego de que un arresto en Toronto en 1977 amenazara con dejarlo en prisión y separar a la banda -el mismo que inspiró una de sus mejores canciones, "Before They Take Me Run"-, Richards puso fin a sus hábitos heroinómanos. "Ya no la echo de menos", dice. "Pero sí sueño con ella algunas veces". Le recuerdo que su última canción es "One More Shot." Él responde, "Te puedes inyectar un montón de cosas".

LA RUTINA DEL ROCKSTAR

Después de que Wood se unió a los Stones, la banda tuvo su álbum de mejor venta con "Some Girls" en 1978, quitando terreno al estilo disco y al punk que estaban saliendo de Nueva York. Sin embargo para comienzos de los 80, la camaradería de la banda estaba desapareciendo; "La Tercera Guerra Mundial" es como Richards ha descrito sus roces con Jagger. "Fue una época muy difícil", dice Jagger. "Todos estábamos hartos -un poco aburridos, la verdad. No hay muchas cosas buenas ahí". Jagger, y después Richards, comenzaron bandas propias mientras hacían erráticos álbumes con los Stones.

Pero con "Steel Wheels" en 1989, los Stones reemergieron en su estilo actual: una banda que hace ostentosas megagiras aproximadamente cada cinco años, ligadas a un nuevo álbum o, en este caso, a una compilación de éxitos con dos nuevas canciones (llamado "Grrr!").

"La gente dice 'Ah, es un negocio,"' dice Jagger. "No es realmente el negocio mismo. Es la creación de todo el asunto. Por supuesto que el dinero es parte de eso, pero lo más importante es poner el asunto en marcha, con cientos de personas y toneladas y toneladas de equipos. Es una misión interesante".

Jagger agrega: "Cuando estás en el comienzo de tu carrera, estás en la banda las 24 horas del día. Pero a medida que envejeces ya no quieres hacer eso. Yo creo que la banda está contenta de estar en la banda, y también a la banda le gusta no estar en la banda. Es un buen equilibrio".

Los Stones dicen que en los ensayos en París la moral está alta. "Una vez que se cuelgan las guitarras, están de vuelta", dice Watts. "Lo hemos estado haciendo por tanto tiempo, es lo que hacemos".

La banda está examinando su catálogo, pero Jagger sabe que la audiencia espera los grandes éxitos. "No quiero ser totalmente predecible, lo cual es difícil cuando has estado haciendo algo durante 50 años", dice. "Son los Rolling Stones sobre el escenario. Ya sabes cómo es. Tocan 'Honky Tonk Women.' Tocan 'Satisfaction.' La gente que viene a un show de 50 años espera cierto tipo de predictabilidad".

Richards, por su parte, se declara a sí mismo "impresionado" por la longevidad de la banda: "Hay un cierto pegamento magnético que nos une a todos, que predomina sobre cualquier otra cosa periférica," dice. "Una vez que nos ponemos detrás de nuestros instrumentos, hay algo más grande. La suma es superior a las partes. Sólo hay un sentimiento de que estamos destinados a hacer esto, que tenemos que hacerlo, y nosotros sólo seguimos ese curso".

Jon Pareles, The New York Times.



jueves, noviembre 22, 2012

La faceta más íntima de Roberto Parra

El Mercurio


En la Biblioteca Nacional se exhiben desde hoy una serie de objetos personales del padre de "La Negra Ester" y las cuecas choras.

Romina de la Sotta Donoso

La Galería de Cristal de la Biblioteca Nacional ha estado cambiando la piel estos días: allí se ha instalado una línea férrea que, flanqueada por gigantografías, contará la vida y la obra de Roberto Parra (1921-1995). A lo largo de esos "durmientes", se despliega un collage de ilustraciones de Ignacio del Real y fotografías históricas, todo, articulado por textos inéditos del músico y escritor.

Con museografía de Alejandra Lührs, la investigación estuvo a cargo de Carolina Tapia. "Roberto Parra siempre fue muy patiperro, por eso utilizamos la idea del tren, para que él mismo cuente los eventos más importantes de su vida", aclara Tapia. "Apostamos por rescatar las entrevistas que él dio en su vida, porque en ellas uno descubre a una persona muy filosófica. Todo el mundo lo asocia con la cueca chora y el jazz guachaca, o con su obra literaria, pero su pensamiento más profundo ha quedado oculto, y él es mucho más que 'La Negra Ester", agrega.

En paralelo, sendas vitrinas reúnen objetos personales de Parra. La mayoría proviene de la colección de Catalina Rojas, y los manuscritos, del Archivo de Literatura Oral.

Junto a su guitarra está, por ejemplo la primera edición de "El Golpe" (que se publicó en forma póstuma), y los cuadernos y las hojas sueltas donde escribió esas décimas.

"No está su sombrero de cotelé, porque lo enterraron con él, pero sí el de marinero. También sus zapatos, corbatas y pañuelos, que usaba cuando se encachaba ", detalla Tapia. Igualmente, hay una colcha que le hizo su adorada madre, Clarisa Sandoval. Y al lado de sus boletas de honorarios como escritor están las de su taller de bicicletas.

No faltan los premios. Los que recibió en vida: medallas del Festival Cervantino y de la SCD, y que son los menos. Tampoco los que son más, los póstumos, como la medalla "Pablo Neruda".

Habla Tapia: "También hay uno que no recibió, pero que igual lo tuvo, el Apes, que se lo dieron al elenco de 'La Negra Ester', no a él. Así que el Boris Quercia se lo regaló".

VI Festival Tsonami, desde el 27 de noviembre: El tsunami de artes sónicas que golpeará a Valparaíso

El Mercurio


Este encuentro que integra sonido con disciplinas visuales, plásticas y tecnológicas tendrá diez invitados extranjeros.

IÑIGO DÍAZ

"John Cage es un referente de la performance sonora. Estaba muy dedicado a preparar situaciones para obtener sonido, en cambio a Alvin Lucier, un compositor tan pionero como desconocido, le interesaba la naturaleza del sonido como material", señala Fernando Godoy , director de Tsonami, el festival de arte sonoro que desde el martes 27 de noviembre dominará los espacios en Valparaíso.

Entre Cage y Lucier se ubica el compositor estadounidense Nicolas Collins . Es uno de los diez invitados internacionales a la sexta edición del festival, que finaliza el 2 de diciembre, con una serie de conciertos, performances, charlas, instalaciones y talleres acerca de una modalidad creativa que integra el fenómeno físico del sonido con otras disciplinas creativas, desde lo visual a lo narrativo, y desde lo tecnológico a lo medial. Collins, que fue colaborador de Cage, recreará el sábado 1 un experimento de Lucier titulado "Music for solo performer". Consiste en la obtención de ondas cerebrales de una persona en completo reposo a través de electrodos que transmitirán la información a un sistema de parlantes para obtener sonidos. "Nunca se ha realizado en América Latina. Es un privilegio tener a Collins dirigiendo esta experiencia", completa Godoy.

De propuestas como ésta se nutre el Tsonami porteño, encuentro que en 2007 comenzó "sin fondos y a puro pulso. No deben haber ido más de mil espectadores a todo el festival. Ya en 2011 nos consolidamos, con 3.500 personas, y este año las dimensiones son mucho mayores", confirma Godoy. Entre las actividades encabezadas por los extranjeros aparece "Respire", de la artista sonora canadiense Anna Friz , quien presentará en el ascensor El Peral una instalación de 150 receptores de radio que transmitirán durante toda la semana una serie de sonidos; o la intervención de la trompetista alemana Birgit Ulher el viernes 30 en el Cementerio N°2 Cerro Cárcel, quien utilizará parlantes en las sordinas de su instrumento para generar ruido y sonido.

El compositor estadounidense Brandon LaBelle tendrá una categoría de residente en Tsonami. Su proceso creativo consistirá en un taller, una performance y una instalación, a partir de las experiencias que recoja durante sus recorridos por Valparaíso. Su obra definitiva, "The rhythm project" será presentada en la Plaza Bismarck, desde el miércoles 28.


Inti Illimani Histórico habla de su paso por los Grammys y su vigencia

Publimetro

Vienen regresando de una gira por Europa y Australia, como parte de la celebración de sus 45 años de carrera musical. Este fin de semana se presentaron en la Feria Pulsar de la Estación Mapocho.


Ensayando para su presentación de este jueves se encontraba Inti Illimani Histórico, sin embargo se hicieron un tiempo para conversar con Publimetro sobre este show, su experiencia en la entrega de los Grammy Latino y sobre todo para darnos su visión sobre la nueva camada de músicos nacionales.
En conversación telefónica con Horacio, nos contó algunos detalles de lo que fue el estar por primera vez invitados y nominados a un premio tan relevante en la escena musical latinoamericana.

¿Cómo fue la experiencia de ser nominados a los Grammy Latino?
R.- Mira fue una experiencia extraordinaria, fue la primera vez que vamos a un evento tan grandioso, de estar junto a otros exponentes la música latina, que está más fuerte en el mundo. Bueno, aunque nosotros no ganamos igual queda para la reflexión lo lejano que está el cono sur en el aspecto musical.
Hay una producción muy grande en el Caribe, Cuba, Puerto Rico y en México la industria está muy centrada. Para nosotros el haber sido nominados por nuestro disco ya es un premio, un logro, nos sentimos muy honrados.

¿Esto de tocar con artistas de la nueva camada de rock chileno, ¿cómo lo sienten? Vigencia.
Yo creo que es una comunión o lazo afectivo muy importante con generaciones distintas de música. Ver que para ellos nuestra producción musical es importante, es sentirnos todos en el mismo barco y apreciar mutuamente lo que hacemos. Con Los Tres, compartimos esas cosas como es el sentir del corazón de la gente, las vicisitudes de la gente, las que aprendimos de Violeta Parra".

Los eventos tales como la Cumbre del Rock Chileno que convoca 30 mil personas o la Feria Pulsar que se realizó también este fin de semana en la Estación Mapocho, ¿Creen que deberían tener mayor importancia a nivel mediático ante la arremetida de festivales como Maquinaria y Lollapalooza?

"Yo creo que se le está dando, para promocionar y dar un espaldarazo para que nos desarrollemos con mayor efectividad. Los artistas en su fragilidad, no tienen las armas para promocionarse, por lo que el rol de la industria tiene que ser muy solidario con los artistas".
"En términos estratégicos es muy importante para los pueblos la música, que sea un espejo de reconocimiento, apoyo, es su arte y dentro de su arte, la música. Es una cosa estratégica desde el Estado hacia abajo".
Los músicos por ahora siguen preparándose para el resto de las presentaciones que tienen agendadas, siendo el concierto de este jueves en el Caupolicán junto a Los Tres y De Saloon el más cercano, esto luego de realizar una gira por Europa y Australia, como parte de las celebraciones de sus 45 años de carrera, la que finalizará con presentaciones llenas de sorpresas en el norte y el sur del país.

Homenajes a Lucho Gatica y Violeta Parra en FIL 2012

Informador


Violeta Parra será homenajeada el 2 de diciembre. Gatica es uno de los grandes representantes del bolero y una figura muy simbólica en términos de interpretar esa hermandad y lazos culturales

SANTIAGO DE CHILE, CHILE (21/NOV/2012).-  Los chilenos Lucho Gatica y Violeta Parra serán objeto de un homenaje en la Feria Internacional del Libro (FIL) de Guadalajara, donde Chile figura como invitado de honor, dijo el ministro de Cultura, Luciano Cruz Coke.

"Nos pareció que estas dos figuras eran muy fundamentales en esta materia", enfatizó Cruz Coke respecto a la inclusión de los homenajes a Gatica y Parra en el programa de la delegación chilena en la FIL, que inicia este sábado.

Recordó que Gatica "es uno de los grandes representantes del bolero y es una figura muy simbólica en términos de interpretar esa hermandad y lazos culturales muy fuertes que se manifiestan hasta el día de hoy con México".

El homenaje a Gatica, quien reside en México desde fines de la década de los 50, se realizará el próximo domingo en el espacio del Foro FIL y estará cargo de la cantante chilena Javiera Mena.

Cruz Coke añadió que la folclorista Violeta Parra, por otra parte, será homenajeada el 2 de diciembre próximo por sus nietos Javiera y Angel Parra "precisamente para dar cuenta de nuestra diversidad musical".

La idea de este "desembarco cultural" en Guadalajara, apuntó el ministro, es no solamente exhibir a Chile como un país de escritores, poetas y ensayistas, sino también reforzar el vínculo cultural con México.

En la parte musical, la presencia chilena en la FIL 2012 contempla la participación de bandas e intérpretes como Los Jaivas, Los Bunkers, Los Tres, Gepe y Pedro Piedra, además de exhibiciones teatrales y de cine chileno.

La participación de Chile en la FIL, precisó el funcionario, "responde a una enorme demanda del sector cultural y de nuestra industria cultural-audiovisual, de la música y del sector literario, por abrir los mercados internacionales".

"Por ello nos presentamos como un desembarco cultural, pero también como una oportunidad también de hacer negocios y ampliar fronteras", indicó Cruz Coke.

Señaló que "la literatura es un material exportable bastante tradicional, tenemos dos premios Nobel, Gabriela Mistral y Pablo Neruda, y tenemos representantes importantísimos, como Vicente Huidobro, Gonzalo Rojas y Nicanor Parra".

Indicó que tras los nombres de algunos políticos o futbolistas, "lejos los nombres con más recordación de Chile en el extranjero son el pintor Roberto Matta y los poetas Gabriela Mistral, Pablo Neruda y Vicente Huidobro".

"Parte de ese reconocimiento, como ser invitado a la Feria del Libro de Guadalajara, que es la más importante de Latinoamérica, es un reconocimiento al acervo cultural chileno", comentó Cruz Coke.

martes, noviembre 20, 2012

Escaso Aporte celebra 15 años de trayectoria musical y resistencia.




La banda nacional de rock mestizo ESCASO APORTE promete una gran fiesta para el próximo viernes 23 de noviembre en el Galpón Víctor Jara. Un show único, repleto de sorpresas y grandes invitados que animarán la jornada.

La tocata tendrá contertulios especiales en el escenario, como al rapero Guerrillerokulto y a los músicos de Guachupé, Sandino Rockers, Drakos y Kitra, que quisieron estar presentes en tan magno evento. Abrirá los fuegos  el grupo de Valparaíso de reggae MANOLO VERDEJO y la fiesta estará a cargo de los DJ PULPO y DJ POLLO Y LA VIEJA CUMBIA, que animarán la noche en una sesión de sólo vinilos.

Formados en 1997 en la comuna de La Florida, Escaso Aporte produce un sonido donde conviven ska, rock, reggae, punk, hip-hop y ritmos afro latinos. La banda ha editado tres discos producidos de forma independiente: “EA!” (2002), “Balas & Llamas” (2006) y el más reciente “Vida de Calle” (2012), álbum producido y grabado por el reconocido ingeniero Francisco Straub y con excelentes críticas de la prensa especializada y del público general. Este álbum significó un salto en la producción y la calidad del registro.

“Esperamos que vaya mucha gente a vernos, queremos entregar un show de categoría, donde haya espacio consciente, un espacio libertario y que sea una gran fiesta” dice Camilo Cornejo, bajista de la banda.

Mauricio Rodríguez estrena álbumes: La tripleta discográfica del guitarrista

El Mercurio


Mañana, el músico de jazz presenta en Thelonious el doble volumen "Personas". En paralelo tiene los discos "Nativo" y "Weikap", editados por el nuevo sello Andante.

IÑIGO DÍAZ

Mañana, mientras la famosa Banda del Capitán Corneta esté lanzando su disco "Historias de un hijo del blues" (Teatro Ladrón de Bicicletas), el guitarrista Mauricio Rodríguez presentará en el club Thelonious el primero de los tres trabajos que hizo en 2012. "Un ciclo se está cerrando este año, el del fin del mundo", comenta el jazzista.

Se refiere a su paso por ese recordado grupo de blues y rock al que llegó en 1991, con 16 años y como promesa de la guitarra eléctrica. En su paso también grabó el que hasta hoy era su único disco, una pieza de culto: "Perros días" (1994).

"En el año 2010 tuve una crisis personal muy importante. Renuncié a mi trabajo de profesor, estaba descontento con todo y muy insoportable. Entonces era comprensible que los cabros me echaran de La Banda del Capitán Corneta cuando nos reunimos. Nadie me aguantaba", admite.

Ahora está concentrado en la presentación de "Personas", disco doble que registra momentos del ciclo de conciertos realizado este otoño junto a cultores de una música latinoamericana: el mandolinista Antonio Restucci, el charanguista Freddy Torrealba, el guitarrista Juan Antonio Sánchez y el cantante Marcelo Vergara.

"Cuando estudié en Nueva York en 1995, mis compañeros me decían '¿eres chileno?, qué bien, muéstranos algo de lo que se toca allá'. Y yo no tenía qué tocar porque no sabía nada. Los músicos de jazz tenemos mucho que aprender de la influencia sudamericana. Necesito aprender a tocar la tonada", dice.

Pero "Personas", editado por el sello Andante, no es el único disco nuevo de Mauricio Rodríguez. En paralelo ha reunido elencos de jazzistas para multiplicar su catálogo. "Nativo" aparece como un trabajo más cercano a lo que se entiende como world music , e incluye a la guitarrista y cantante radicada en Nueva York Camila Meza, mientras que "Weikap" combina elementos del jazz, el funk y el rock. Incluso presenta un rap, escrito y cantado por Almendra Rodríguez, su hija mayor, quien nació durante los momentos de gloria de La Banda del Capitán Corneta.

Rodríguez concluye: "Para mí este disco fue un despertar. Por eso se llama 'Weikap' (fonética del inglés wake up ). Siempre me interesaron la música y el sonido. Durante esa crisis apagué la tele, me puse a escuchar canciones y atender las letras. Fue una absoluta revelación. Y qué bueno que lo fue".

Villa Cariño proyecta la internacionalización con su tercer disco

El Mercurio


La banda que comenzó como telonera de Chico Trujillo se prepara para lanzar "La fiesta es de nosotros", que presentarán en México y Argentina.

José Vásquez

Será el tercer disco en cuatro años. Una producción acelerada en una banda que comenzó su carrera animando las fiestas que tenían como plato de fondo a Chico Trujillo en las maratones cumbiancheras del Galpón Víctor Jara en la Plaza Brasil y que hoy, a punto de lanzar "La fiesta es de nosotros", fija en el extranjero sus próximos pasos con presentaciones en México y Argentina.

"Nunca hemos tocado fuera del país y estas son nuestras primeras fechas confirmadas. El plan es editar nuestra música en los lugares en que toquemos", dice Max Vivar, vocalista de Villa Cariño sobre los shows que darán entre el 15 y el 17 de febrero en la capital mexicana y entre el 14 y el 16 de marzo en Buenos Aires y Córdoba.

Su última producción de 17 canciones incluye covers a La Pozze Latina con "Chica eléctrica" y el éxito de José Luis Rodríguez "Tengo derecho a ser feliz" que se decidieron a hacer una tarde en que toda la banda estaba desanimada, cuenta Max. "Había una onda depresiva en el grupo en invierno. Un día antes de llegar a un ensayo escuché esa canción en la radio y la propuse para que nos animáramos y funcionó perfecto en merengue. Este año el Puma estuvo harto tiempo en Chile, pero no tuvimos la oportunidad de juntarnos con él. Ojalá le guste si es que alguna vez la escucha".

-¿Crees que el boom de la nueva cumbia tocó techo?
"Ojalá que ya haya llegado a su punto máximo y ahora llegue una nueva música chilena. Hay aires de querer renovar esto. Quizás en nuestro próximo disco no hagamos cumbia, sino que ritmos latinos en otras claves".

"La fiesta es de nosotros" tendrá un doble lanzamiento en vivo el próximo 30 de noviembre en el Teatro La Cúpula del Parque O'Higgins. La primera función será a las 20:30 horas en la que los menores de 8 años entrarán gratis y la segunda a las 22:30 con fiesta post show. La entrada dará a derecho a una de las 3 mil copias de la edición especial del disco.

Inti-Illimani (Coulón) realizará un taller gratuito sobre «Música popular folclórica de Latinoamérica» exclusivo para vecinos de Las Condes

Cancioneros. com / Las Condes.cl

El grupo chileno Inti-Illimani realizará un taller sobre «Música popular folclórica de Latinoamérica» que se plantea como un lugar de encuentro para compartir, debatir y reflexionar, desde un enfoque práctico temas como composición, ejecución y comunicación de la música popular; a partir de mañana miércoles 21 de noviembre en Las Condes (Santiago, Chile).


"Sin duda es una oportunidad a la que pocas veces se tiene el privilegio de acceder", señalan los encargados de la Municipalidad de Las Condes y que organizan el taller Música Popular de Raíz Folclórica Latinoamericana a cargo de los músicos del grupo Inti-Illimani.

El curso finalizará con un concierto en el Teatro Municipal de Las Condes, el viernes 7 de diciembre a las 20. 30 hrs.

El taller se plantea como un lugar de encuentro para compartir, debatir y reflexionar, desde un enfoque práctico temas como composición, ejecución y comunicación de la música popular. Está dirigido a músicos, estudiantes de música, grupos y en general cualquier persona interesada en profundizar sobre aspectos prácticos y teóricos de la música popular chilena de raíz folclórica.

El lugar elegido para el curso es la Casona Santa Rosa de Apoquindo, emblemático espacio de la comuna y centro de las actividades relacionadas, en su gran mayoría, con la creación chilena.

El taller consta de 3 módulos y entre otras materias se abordarán los instrumentos tales como la guitarra, el charango, o el tiple.

Los 3 módulos se realizarán el miércoles 21 de noviembre (Presentación y demostración de ejemplos musicales), viernes 23 de noviembre (Conformación de grupos de trabajo y experiencia práctica) y sábado 24 de noviembre (Exposiciones temáticas y práctica de conjunto). Los participantes podrán acudir gratuitamente al concierto que ofrecerá el conjunto en el Teatro Municipal de Las Condes, el 7 de diciembre.


Informaciones e inscripciones

Departamento de Eventos, ubicado en Paul Harris sur Nº 701 (Estadio Municipal de Las Condes), o a los teléfonos 950 79 20 - 950 79 26. CUPOS LIMITADOS.

La inscripción es gratuita presentado Tarjeta Vecino y cédula de identidad.

lunes, noviembre 19, 2012

En memoria de Juan Azúa (1938-2006): La Universal Orchestra recuerda a su maestro

El Mercurio


Después de su muerte , la big band que fundó en el año 2000 ha permanecido activa, y este martes dará un concierto de homenaje en el Teatro Nescafé de las Artes, con la dirección del famoso "Parquímetro" Briceño.

IÑIGO DÍAZ

Esa noche dejó a un grupo de músicos de su orquesta tocando en un escenario de Borderío, bajo la dirección del pianista Pancho Aranda. Rápidamente partió a Huechuraba para jugar por la selección de la Liga Unida de Fútbol en la categoría Diamante, es decir para mayores de 50 años. Juan Azúa tenía 67. A los pocos minutos cayó, víctima de un ataque al miocardio.

"Era un fanático del fútbol y de la U. Empezó a jugar a los doce años en el club Small Star, del barrio Purísima, un equipo fundado en 1907 y uno de los diez más antiguos de Chile. Siempre combinó su trabajo como músico con el fútbol. Uno puede ver fotos de la revista Ritmo en los años 60, donde él aparecía en los campeonatos de baby ", cuenta Gloria Beltrami, su mujer durante sus últimos 20 años y actual representante de la orquesta que dejó tras su muerte.

Es la Universal Orchestra, la big band que fundó el año 2000 para las temporadas de música en el Hotel Hyatt. Allí reunió a antiguos músicos de sección que había dirigido en programas televisivos de los 80 como "Éxito" o "Lunes gala", y promovió a nuevos músicos.

Después del 14 de diciembre de 2006, la Universal Orchestra siguió tocando, "para continuar con el espíritu de Juan Azúa, que fue un gran defensor de la big band como tal. Siempre que algún productor quería reducir gastos achicando la orquesta, Juan se oponía", señala el trombonista Héctor "Parquímetro" Briceño, quien dirigirá a la agrupación en su próximo concierto.

Se trata de un espectáculo de homenaje a Azúa que la Universal Orchestra dará en el Teatro Nescafé de las Artes este martes. La big band suma además un elenco de cinco cantantes. José Luis Arce, Claudio Escobar y Alejandra Silva harán homenajes a Frank Sinatra, Tony Bennet y Liza Minelli, respectivamente. "Juan Saravia tomará el repertorio que cantaba en esta orquesta el maestro Humberto Lozán (voz de la Orquesta Huambaly en los años 50). Y Marco Aurelio no requiere presentación. Todos saben que es un grande del bolero", dice Briceño.

La Universal Orchestra llegó a actuar incluso en el Teatro Municipal, donde grabó el disco "Jazz, The Universal Orchestra en vivo" (2003), y en 2005 volvió a presentarse en ese escenario como la big band de apoyo del Great Voices of Gospel, conjunto vocal neoyorquino que estrenó en Chile los monumentales "Conciertos sacros", de Duke Ellington.

"Como arreglador, Azúa fue muy metódico y estudioso. Escribió orquestaciones maravillosas para Humberto Lozán. Conocía todos los estilos, desde el swing americano a la música latina. Admiraba a Quincy Jones y Benny Goodman, pero sobre todo a Glenn Miller. Era su fan numero uno. Él fue quien rescató los juegos escénicos de los músicos de Miller, que se levantaban de sus puestos para hacer cosas divertidas", cierra "Parquímetro" Briceño.

Jordan, el próximo fenómeno de la música tropical chilena

El Mercurio


Tiene 28 años, es de Peñalolén y acaba de lanzar su segundo álbum. Bajo la guía de Melitón Vera, ex manager de Américo, va rumbo a convertirse en el nuevo cantante de cumbias de moda.

Diego Rammsy

Jordan Salinas recibió su primer disco de oro cuando tenía 18 años. Las oficiaba de cantante en el grupo Voltaje, con el que había vendido 10 mil copias del disco "La cumbia del pueblo". Corría el 2002 y aún se disfrutaban los vestigios del sound en Chile. Jordan usaba el pelo largo y hacía pasos de baile coreográficos junto a sus compañeros de banda.

Antes había pasado por otro grupo popular llamado La Gran Magia Tropical, y ahora, con 32 clubes de fans a lo largo del país, giraba de norte a sur con Voltaje.

"En 2007 pasé por 'Rojo' que fue una buena escuela para entender el medio televisivo, me sirvió para nutrirme, y adquirir experiencia, pues tenía un equipo completo de televisión a mi disposición", recuerda ahora el cantante en la terraza del departamento de Melitón Vera, su manager actual y ex representante de la última sensación tropical del país, Américo.

Ya bastante fogueado como cantante, Jordan lanza su primer aventura solista en 2010. "Jordan y la fórmula" logró abrirse terreno gracias a canciones como "Por qué lloras?" y "Lárgate".

"El nombre de mi primer disco no tiene nada que ver con la banda, se lo puse en homenaje a mi bisabuelo, quien disfrutaba mucho mi música. Él solicitaba el vino con jugo a escondidas de mi abuela pidiendo 'la fórmula'", revela el joven de 28 años.

Confeso admirador del trabajo de Juan Luis Guerra y Marc Anthony, Jordan Salinas recientemente puso en las tiendas su segundo disco, llamado "Jordan y tú", el que lanza el próximo 7 de diciembre en Ex Oz. También saldrá por primera vez del país en gira, invitado por el canal Red Uno de Bolivia, a explorar los mismos mercados que La Noche y Américo han visitado con éxito.

"La idea es que Jordan se convierta en algo más grande y como meta llegar a Viña en 2014, pues la respuesta del público en vivo ha sido avasalladora", dice un calmado y seguro Melitón Vera.
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Nuevo disco
"Jordan y tú" es el segundo álbum del cantante y será lanzado el próximo viernes 7 de diciembre en Ex Oz, a las 22:00 horas.

domingo, noviembre 18, 2012

Fiesta Nacional de la Guitarra Grande Pircana 2012




25 de noviembre, 16 hrs.

Participan:

 Agrupación “Guitarra Grande Pircana”:

Manuel Saavedra
Juan Pérez Ibarra
Fidel Améstica
Oscar Ibarra
Arturo Varela
María Ignacia Rubio
Manuel Ulloa
Juan Ferreira
Nelson Moreno
Daniela Moreno
Erick Gil Cornejo

INVITADOS

Jorge Castro Arenas (Curicó)
Rodrigo Torres Garrido (Puente Alto)
Alejandro Ramírez Correa (Estación Central)
José Pablo Catalán Guajardo (San Fernando)
Alexis Yañez Gana (El Arrayán, Lo Barnechea)

Animador

Leonel Sánchez Moya, Poeta y Payador (Rancagua)

La Cumbre del Rock Chileno tomó nota del crecimiento de la música local

Emol

Por David Ponce

Más de cuarenta músicos actuaron ayer en Cerrillos y dieron cuenta de un recambio escénico en el circuito musical chileno. La poca disponibilidad de agua fue el mayor llamado de atención, por el calor imperante y la larga duración del espectáculo.


SANTIAGO.- Fueron instantáneas registradas en distintos momentos del festival de larga duración celebrado durante todo el día de ayer en Santiago. Katona Katrina, la cantante de Vodoo Zombies, criticaba a eso de las dos y media la falta de bandas rockeras de verdad en un espectáculo que se hace llamar Cumbre del Rock, molesta además por haber tenido que acortar la duración del show del grupo.

"Para la gente que le gusta la música chilena hagan un gran ruido" invitaba poco más tarde uno de los integrantes de Movimiento Original, que lejos de ser rockeros hacen rap sobre bases de reggae. "Chao, Cumbre del Pop Rock Chileno", fue la despedida de Álex Anwandter ya entrada la noche, un cantante pop por definición.

Una de las evidencias que dejó la tercera versión de este espectáculo es que la marca Cumbre del Rock Chileno podrá estar registrada y ser muy reconocible, pero que los propios gestores de este festival han tenido el criterio para expandir más que en las dos versiones anteriores la convocatoria del encuentro a varias de las diversas tendencias que hace años coexisten en la música chilena. Y que lejos de de ser un problema, ésa es una perspectiva saludable.

La Cumbre del Rock III fue en realidad un encuentro de rock, fusiones latinas, rap, elementos del jazz, el blues y el reggae, pop rock, folk, funk y electropop, de acuerdo con lo que pusieron a sonar en los dos escenarios los más de cuarenta solistas y músicos invitados.

Una primera incógnita más allá de la música era el uso de la Ciudad Parque Bicentenario, ex aeródromo de Cerrillos, como una plaza para festivales masivos. Las versiones previas de la cumbre habían sido hechas en el Estadio Nacional y el Club Hípico, recintos más habituales para estos espectáculos. Y las buenas condiciones de acceso así como la existencia de una explanada de gran tamaño probaron que el viejo aeródromo puede funcionar bien para estos propósitos, si se presta atención a las condiciones climáticas y al suministro de agua, dos variables que se conjugaron para generar el mayor problema de la tarde.

Las treinta mil personas que llegaron a Cerrillos, de acuerdo con las estimaciones de los organizadores, pasaron horas expuestas a un sol inclemente, y los tanques con agua potable dispuestos en la mitad de la pista del ex aeródromo no dieron abasto. El público se agolpó frente a ellos en largas filas durate toda la jornada en espera del camión cisterna. Y recién pasadas las seis de la tarde hubo mangueras con agua para refrescar a parte de las primeras filas de la audiencia, inmovilizadas frente al escenario: factores que va a ser preciso tener en cuenta para seguir relizando espectáculos masivos en este recinto.

La nueva generación y el tributo-bisagra

Al inicio actuaron músicos que cuadran con la definición de "emergente" otorgada por la industria a nombres que considera más desconocidos, pero hubo varias buenas lecciones a las que prestar atención en esas primeras horas.

Entre ellas está la garra que sacó a relucir Ángelo Pierattini para aleonar ya temprano al público, o la oportunidad de ver muestras aunque fueran breves del rockabilly de Voodoo Zombies, del sonido blusero de Jiminelson o Perrosky o de la fusión de rock, rap y jazz de Cómo Asesinar a Felipes, entre varios otros.

Pero también hubo señales importantes de lo que vendría más tarde, en las intervenciones de Pascuala Ilabaca, que ya a las 13.56 refrescó la tarde con sonidos latinoamericanos e instrumentos como acordeón y guitarra acústica; o de Dënver, que a las 15.40 hicieron un anticipo del contingente pop que vendría más tarde; o la colaboración entre Juana Fe y Nano Stern desde las 16.14, buena muestra del mestizaje prendido hace ya más de cinco años en el circuito musical chileno.

En un punto hacia las 14.30 sobrevino un par de bloques musicales ordenados por afinidad, primero entre las tendencias del hip-hop que pusieron a sonar Pacto Latino, Cómo Asesinar a Felipes, Legua York, Zaturno y Movimiento Original, un grupo que volvió a demostrar cómo desde su origen en el underground logró apelar a un público joven mucho más amplio. Y sobre todo un bloque más ligado al funk y al soul iniciado a las 17.38 hizo una primera marca generacional en la Cumbre.

A partir de esa hora actuaron Papanegro, Mamma Soul y, como bono adicional a la presentación de Felo Foncea, la reunión de la banda de rap metal Dracma, seguidos poco más tarde por el sentido del show a toda prueba de Sinergia. Todos grupos iniciados a mediados o a fines de los '90 y programadas en el segmento central del encuentro. Y a las 16.59 el trío De Saloon fue el mejor exponente de esa "generación": una banda que sacó máximo partido a un repertorio masificado gracias a la vieja escuela de la radio y que volvió a demostrar en vivo ese arrastre con cuarenta minutos de show.

"La nueva generación" era el subtítulo de esta edición de la Cumbre, y ésa es la otra evidencia mayor del festival: el balance entre esos músicos que iniciaron sus carreras en los '90 y nombres más recientes aparecidos en la última década. Porque a partir de las 18.39 el escenario fue la prueba de un recambio. Desde la actuación de los flamantes Ases Falsos con su disco "Juventud americana" recién editado, pasaron por ahí, unos tras otros Astro, Fernando Milagros, Chinoy, Camila Moreno, Gepe, Álex Anwandter ("Oh, mi apellido está mal escrito", dijo cuando miró las pantallas gigantes. "Pero es la historia de mi vida"), Javiera Mena, Manuel García, Pedropiedra y Francisca Valenzuela.

Hay muchas diferencias musicales entre todos ellos, y tampoco están todos los que son, pero sí tienen en común que, salvo en el caso de Francisca Valenzuela, las radios han llegado tarde, mal o nunca a darse cuenta de la existencia de estos músicos, y no porque hagan precisamente rock alternativo. En ese sentido La Cumbre del Rock Chileno III cumplió en gran forma con tomar nota del crecimiento de la música local registrado en los últimos años, y, tal como ha pasado en espectáculos previos como Vive Latino o Lollapalooza, fue una prueba de lo bien que funciona poner a estos músicos en grandes escenarios.

Para el último tramo del festival sí fueron guardados grupos de trayectorias previas, en particular Saiko con su formación original reunida, Los Bunkers con una poderosa actuación final y Pettinellis con el catálogo en vivo de único disco, junto a la aparición de Jorge González para ser objeto de un tributo. Y con toda la historia que tiene, el cantante de Los Prisioneros fue la mejor bisagra para unir generaciones. No sólo por el tributo y el trofeo que recibió, sino porque desde mucho antes viene habiendo pruebas de ese reconocimiento en la música. Sólo durante esta jornada Camila Moreno lo mencionó y homenajó en su actuación; Manuel García citó dos versos de Los Prisioneros a su turno; y Javiera Mena volvió a mostrar en vivo la emocionante sintonía que hay entre su disco "Mena"(2011) y el tecnopop de "Corazones" (1990).

El maestro de ceremonias del festival, Nicolás Copano, lo decía en algún momento tras el escenario: "Tengo la teoría de que Inernet derrotó definitivamente a la radio", proponía, a raíz del hecho cierto de que varios de estos músicos se han hecho oír por Internet ante la consabida desidia de las radios chilenas. Es un diagnóstico atento, aunque puede ser optimista todavía. Por lo pronto, este sábado 17 de noviembre, La Cumbre del Rock Chileno III fue un festival  con una línea editorial despierta y con los recursos de una plataforma de "megaevento" para poner música chilena en vivo a disposición del público. La prueba de que un mejor trato a la música chilena y sobre todo a la audiencia chilena es posible.
Por David Ponce, Emol Domingo, 18 de Noviembre de 2012, 13:55


Festivales 2012 - 2013

Continuando con la ola de festivales que se realizarán en Chile, te mostramos cuáles son los que vienen a finales de este 2012 y a principios de 2012:

Primavera Fauna: 24 de noviembre / Espacio Broadway
Artistas: Pulp, The Walkmen, Poolside, Clap You Hands Say Yeah, The Virgins, Fran Valenzuela, Alez Anwandtr, The Valderramas y más.

Festifunk: 24 de noviembre / Movistar Arena
Artistas: Illya Kuryaki and The Valderramas, Chancho en Piedra, Los Tetas, Papa Negro, Emma Lihn y más.

Día de Música 2012: 25 de noviembre / San Bernardo, Maipú, San Miguel, Peñalolén, La Florida
Artistas: Los Miserables, Combo Ginebra, La Guacha y más (Depende del lugar).

Festival Kid's Rock: 8 de diciembre / Parque Alberto Hurtado (Ex Intercomunal de La Reina)
Artistas: 31 minutos, Los Pulentos, Zapallo, Mosquitas Muertas, Plumabits y Achú.

Un Paso Adelante, La Historia del Ska en Chile: 9 de diciembre / Matucana 100
Artistas: Santiago Rebelde, Los Revolucionarios, Santo Barrio, Sandino Rockers, Rojo Vivo, Drakos, Sonora de Llegar y más.

Lollapalooza 2013: 6 y 7 de abril /Parque O'Higgins
Artistas: Pearl Jam, The Black Keys, Deadmau5, Queens of the Stone Age y más.