domingo, julio 23, 2017

Joakín Bello: Notas hacia el silencio

El Mercurio

Algo parecido a un violín eléctrico resuena en el lago. Parece rebotar en los montes y enredarse entre los cactus en la senda que bordea el embalse Puclaro y las cabañas turísticas, y desemboca en el estudio del compositor y multiinstrumentista Joakín Bello, quien, tras vivir en distintos lugares del mundo, eligió radicarse en el lugar que había visto en sueños: el Valle de Elqui.  

Elisa Montesinos 

Hay que sacarse los zapatos para ingresar a su estudio. Ahí, en medio de las sillas, está Joakín Bello, de barba blanca, cabellos largos, túnica color crema y profundos ojos azules. Rodeado de sintetizadores y un piano, toca el instrumento que creó y construyó hace cuatro años, la Bellectra. Del techo cuelga su colección de instrumentos musicales de cuerdas y vientos, recolectados en viajes que lo han llevado de los Himalayas a los Andes, tal como el título de uno de sus discos y que dice relación con la creencia de que el centro magnético terrestre, antiguamente localizado en los Himalayas (Tíbet) se trasladó a los Andes, específicamente a esta zona del norte chico. Grandes ventanales dejan ver el agua del embalse y las montañas del Valle de Elqui. El compositor chileno encontró aquí el sitio ideal para componer y grabar bajo su propio sello disquero, Total Music, que creó en 1989, cuando vivía en Estados Unidos. "Para independizarme de todo aspecto más mercantil y de los vaivenes del mercado", dice.

La Bellectra, modificación del violín eléctrico, le permite un sonido que califica de "cósmico", parte de un estilo catalogado como New Age, y que él prefiere denominar Música Total. Una búsqueda que le ha llevado casi toda la vida y que hace dialogar la tradición clásica europea con la música no occidental, tanto de oriente como de los pueblos indoamericanos, y los sintetizadores y elementos electrónicos de la música contemporánea. Un largo camino que comenzó siendo niño, estudiando violín por una década en el Conservatorio Nacional de la Universidad de Chile con el maestro Jaime de la Jara, recientemente fallecido. Luego obtuvo una beca de la ex Unión Soviética para formarse durante cinco años en el Conservatorio Tchaikovsky con los grandes músicos de aquel entonces en Moscú. Sus jefes de cátedra fueron Aram Khachaturian en composición y Leonid Kogan en violín.

Al interior

Desde que se fue a la URSS a los 18 años, viajó mucho para dar conciertos o por motivos espirituales. Ahora ya no lo atrae recorrer el mundo ni hacer carrera. Prefiere quedarse en su estudio, componiendo, grabando, escribiendo sus libros u oyendo las aguas del embalse, que, según dice, recuerdan a los sonidos del útero materno. Solo sale para dar conciertos. "Me encanta tocar en el valle; he tocado desde en la Cruz del Tercer Milenio hasta en la Capilla de Huanta o en La Serena, Coquimbo, en las plazas, los campos, en los observatorios. Me gusta mucho tocar para la gente de acá".

Pero es en su propio estudio donde ofrece la mayoría de sus conciertos; cantantes como Cecilia Frigerio, bailarines, y poetas como Benjamín León y sus invitados a las Jornadas Mistralianas se han presentado también acompañados por él como anfitrión. Todas las actividades, incluidas charlas de astrónomos y observación en un telescopio que tienen en el lugar, son patrocinadas por la Corporación Cultural Elqui, asociación cultural sin fines de lucro creada por el músico y su asesora legal, Gilda González.

A Puclaro llegó en el 2000, tras buscar sin éxito el lugar que se le repetía en sueños. "Se me empezó a presentar recurrentemente un lugar en el Valle de Elqui. En cierta ocasión yo regresaba de La Serena en auto y advierto que el paisaje que observaba era el mismo de mis sueños. Fue increíble, compré el lugar y estoy feliz acá. Aquí es tremendamente inspirador para componer. Lo principal: hay silencio. Todos los días agradezco al cielo por estar en este lugar".

El cuerpo de la Pachamama

Incorporar las voces de la naturaleza ha sido uno de los gestos que lo han caracterizado desde que sacó el álbum "Detrás del Arcoíris (Beyond the Rainbow)", en 1988. Así como el compromiso con el planeta y la paz mundial. En los álgidos años 80 en Chile, organizó el aún recordado Primer Festival de Santiago por la Paz en el Parque O'Higgins. En 1992 participó en la Cumbre de la Tierra en Río de Janeiro, donde tocó su música ante el Dalai Dama y otros líderes políticos y espirituales del mundo.

El actor Robert Redford lo invitó junto a otros artistas a su rancho para elaborar un documento en defensa del planeta, que fue entregado a la ONU en 1991. La naturaleza es fundamental para él y al igual que varios de los vecinos de la zona, le preocupa el avance minero, simbolizado actualmente en el proyecto Alturas de Barrick Gold, en etapa de prospección. "Soy contrario a la actual Ley de Minería en Chile. Gran parte del agua del río Elqui se va para los relaves mineros. Creo que los minerales están bien donde están, al interior de la Tierra. El oro, el cobre, la plata vibran subterráneamente y, desde ahí, contribuyen magnéticamente al equilibrio del planeta. Extraer metales en grandes cantidades desequilibra al cuerpo más sutil de la Tierra, de la Pachamama".

Más información sobre los conciertos en www.islapuclaro.cl o al mail islapuclaro@gmail.com. Teléfono: 968184839.

Premio para Luis Rossi, clarinetista y luthier

El Mercurio

El músico argentino ha hecho una carrera internacional desde Chile.
A punto de cumplir 70 años , su carrera sigue igual de activa. Sus discos los distribuye Naxos, fabrica tres instrumentos al mes y ahora recibirá un reconocimiento en Orlando.  

Romina de la Sotta Donoso 

"Siento que he vivido aquí la mayor parte de mi vida", dice el clarinetista argentino Luis Rossi. En septiembre cumple 70 años, y se radicó en nuestro país hace 39 años, cuando lo eligieron como primer clarinete de la Orquesta Sinfónica de Chile, posición que ocupó durante tres años. Luego se cambió a la Filarmónica de Santiago, entre 1982 y 1986, y después integró por algunos años la Orquesta de Cámara de Chile.

Pero la práctica orquestal no le bastaba; quería ser un solista. "Dejé la orquesta para dar cursos en el exterior, para dar más recitales y tocar más Conciertos", reconoce. Y lo logró: labró una sólida carrera, actuando en reputados escenarios y ampliando el repertorio.

Sigue igual de activo. En 2016 asumió el desafiante "Cuarteto para el fin de los tiempos" (Messiaen), y pronto dará un recital con la pianista Paulina Zamora. También tiene festivales en Paraguay y Costa Rica; sus seis CD los distribuye Naxos, y trabaja en un nuevo disco con registros históricos suyos.

Además, Rossi tiene otras dos facetas musicales. Por un lado, fue una pieza clave en El Sistema de Venezuela. "José Antonio Abreu me encomendó formar una escuela nacional de clarinete, en 1980. Me lo tomé en serio; viajé cada tres meses a Venezuela por casi 30 años. En uno de esos viajes, en una semana enseñé a 55 alumnos en clases particulares. Ese era el rigor", recuerda. "Dejé de ir hace unos tres años; esos programas se cortaron por la situación económica. Afortunadamente, surgió una maestría en la U. de Chile", detalla.

Su tercera faceta es como luthier y le ha dado fama mundial. Los clarinetistas de la Filarmónica de Israel le encargan a él sus instrumentos. Y lo mismo en la Orquesta Estable del Teatro Colón, la Sinfónica de San Petersburgo y la Orquesta del Teatro Mariinsky. También Paquito d'Rivera lo hace.
Rossi fabrica tres clarinetes al mes. La gran mayoría en madera, pero también algunos son sintéticos. "Mi objetivo siempre fue un mejoramiento del diseño, porque los clarinetes están dominados por fábricas multinacionales, tanto en Francia como en Japón, y todo lo producen en serie. Estoy muy orgulloso de ver que las grandes fábricas han copiado muchas de las cosas que hice. Eso significa que he contribuido a la evolución del instrumento", dice. Sus mayores innovaciones son sus clarinetes sin anillos metálicos, y unos tornillos que los músicos pueden ajustar.

Estas tres facetas musicales serán premiadas el 26 de julio: la International Clarinet Association (ICA) lo nombrará Honorary Member en su congreso anual, en Orlando. Reconocimiento que ya recibieron figuras como el maestro de Rossi, John McCaw, solista de la Orquesta Philharmonia de Londres, Stantley Drucker y Michele Zukovsky, solistas de las filarmónicas de Nueva York y Los Angeles.

Rossi será el primer latinoamericano en recibirlo. "Me lo tomo con sorpresa y con alegría, porque es un muy buen regalo para mis 70 años", comenta. Viajará al congreso en Orlando, como lo ha hecho desde 1991, con clarinetes que les mostrará a sus colegas.

-¿Dónde está la clave del sonido de un clarinete?
"Por un lado, en el material, y por otro, en las dimensiones de las paredes del instrumento. Así como en un violín si la madera está muy gruesa el violín va a ser sordo, en el clarinete es más o menos lo mismo. Es un equilibrio muy delicado y hay muchas posibilidades para que el sonido sea más claro o más oscuro. Cada luthier tiene su receta".

¿Y si ponemos la música en el centro de la educación?

El Mercurio

En los últimos años, diversos estudios muestran los beneficios de aprender a tocar un instrumento en la infancia. En algunos países nórdicos, la enseñanza musical es considerada una parte esencial en el desarrollo de los niños. ¿Qué tiene que hacer Chile para mejorar en este ámbito?  

Guillermo Tupper 

Cuando iba en séptimo básico, Ana Leiva (21) se enamoró del cello. Fue en taller de música de su colegio, el Hispano Italiano de Iquique, donde pasó a formar parte de la orquesta del establecimiento. Después de las clases regulares, sus integrantes tenían lecciones particulares y un ensayo semanal para repasar el repertorio grupal. "Pasó a ser mi segunda prioridad después del colegio", dice. "Te enseña a relacionarte y a compartir con los demás. Y uno empieza a asimilar la frustración: como es un proceso de años, la música te va desarrollando la paciencia y disciplina. Y yo veía que me ayudaba mucho en otras áreas".

Originaria de Alto Hospicio, Leiva encontró su vía de escape a un entorno social precario. Gracias a la orquesta viajó por primera vez en avión y sus presentaciones cubrieron desde las poblaciones más peligrosas de Iquique hasta zonas rurales del sur. Hoy cursa tercer año de Licenciatura en Música en la Universidad Católica y rescata los múltiples beneficios de aprender a tocar un instrumento. "Yo pude ver cómo a mis compañeros de la orquesta les empezó a ir mejor en los ramos que tenían problemas, como matemática, porque se desarrolla una disciplina", señala. "Y no es un desarrollo obligado y latoso. Es algo que ejecutas por gusto".

La profesora de esta joven cellista, e ideóloga de la orquesta, fue Ximena Valverde, una docente de música que trabajó durante diez años en Iquique y Alto Hospicio. En vez de seguir los rígidos métodos de la academia, Valverde -quien hoy cursa un doctorado en España- decidió innovar en sus clases para acercar la música a sus alumnos. Una de sus ideas fue estimular la creación a través del estilo favorito de sus estudiantes: el reggaetón. "Trabajábamos los textos. Ya no vamos a hablar de sexualizar a la mujer, sino de las problemáticas sociales que atañen a la cultura de Alto Hospicio", dice. "Los chiquillos expresaron sus sentimientos y emociones a partir de su propia música".

En sus clases, Valverde pudo comprobar in situ los beneficios de este tipo de enseñanza. "Lo que logramos, al final, son estudiantes más creativos y expresivos, lo que es tremendo en un liceo de Alto Hospicio", apunta. "Hay indicadores cuantitativos que dicen que la educación musical mejora los niveles de autoestima y de trabajo en equipo. El problema que tenemos en Chile es que cada vez nos van reduciendo más las horas de clases. A largo plazo, los principales afectados son los estudiantes que, probablemente, no van a tener en su vida otra opción de acercarse a la música".

Música para el cerebro

En los últimos años, distintos estudios muestran que aprender a tocar un instrumento en la infancia contribuye al desarrollo cerebral de los niños. Esta práctica permite desarrollar una "distinción neurofisiológica" de ciertos sonidos, los que ayudan en la alfabetización y pueden traducirse en mejores resultados académicos. "Tocar un instrumento en la infancia afecta el procesamiento de sonido en el cerebro", dice Nina Kraus, profesora y neurocientífica de la Universidad de Northwestern de Estados Unidos. "El procesamiento del sonido es importante, no solo para la música, sino para la comunicación en general, por ejemplo, a través del habla".

En el 2014, Kraus lideró un estudio que concluyó que, para aprovechar los beneficios cognitivos de una clase de música, los niños no deben ser meros espectadores, sino que involucrarse de forma activa. Midiendo las respuestas cerebrales de un grupo de niños de bajos ingresos de Los Angeles (California) , se demostró que los que tocaban instrumentos tenían un mejor procesamiento neuronal que aquellos que solo apreciaban la música. "Cuando tocan un instrumento, se activan las redes sensoriales, cognitivas y de recompensa", dice.

En la última década, una serie de estudios han establecido que la práctica instrumental también puede ser una defensa adicional a la pérdida de memoria y el deterioro cognitivo. Dos de ellos fueron conducidos por la neuropsicóloga clínica estadounidense Brenda Hanna-Pladdy: en el primero, dividió en grupos a 70 adultos sanos, de entre 60 y 83 años, y determinó que el grupo de los músicos (los que habían tocado un instrumento por diez años o más) marcaba los puntajes más altos en memoria no verbal y visuoespacial. En el segundo, evaluó la edad de adquisición musical y su impacto cognitivo. "Los individuos con una edad de adquisición anterior a los nueve años de edad tuvieron puntuaciones más altas en la memoria de trabajo auditiva, en consonancia con períodos sensibles de desarrollo del lenguaje", dice la investigadora.

Según los expertos, los beneficios de la práctica instrumental van desde cosas simples, como el desarrollo de la psicomotricidad de los niños, hasta otras más profundas, como el desarrollo del pensamiento creativo. "No es solo desde la perspectiva artística, sino que desde la resolución de problemas: cómo un chico, con su instrumento musical, es capaz de descubrir caminos de resolución, por ejemplo, para la ejecución de cualquier tipo de repertorio", afirma Óscar Pino, musicólogo y profesor de música en el Instituto de Humanidades Luis Campino y la Academia de Humanismo Cristiano. "Te autoafirmas como persona, porque adquieres una forma de expresarte nueva que se complementa con las formas tradicionales en las que te relacionas con el mundo o tus pares. Y, tratándose de niños, eso es muy importante".

Los países nórdicos

Uno de los países que tiene a la música como un eje importante de su educación es Finlandia. En su educación general, que es gratuita, la música es una asignatura obligatoria de primero a octavo grado, con una clase semanal. En noveno grado se convierte en electivo y, entre décimo y duodécimo grado, hay un curso obligatorio de música. Sus contenidos son fijados por el Consejo Nacional de Educación -que depende del Ministerio de Educación- y los profesores gozan de mucha autonomía para determinar los materiales y métodos específicos de su enseñanza.

"Yo diría que la educación musical todavía tiene un rol importante en la educación finlandesa, a pesar de que las horas de música han sido poco a poco reducidas", dice Marja-Leena Juntunen, profesora de Educación Musical en la Academia Sibelius de la Universidad de las Artes de Helsinki. "Es considerada una parte esencial de la educación general, una asignatura que apoya el crecimiento holístico y comprensivo de un niño. Tiene un importante rol en su crecimiento, especialmente en los primeros años".

En el sistema de educación artística extracurricular destaca la Asociación Finlandesa de Escuelas Musicales. Activa desde 1956, esta entidad posee 97 escuelas y conservatorios repartidos a lo largo del país, con más de 60 mil alumnos, y sus gastos son financiados por el Estado (57%), la municipalidad (27%) y las familias (16%). Aquí, los estudiantes son instruidos para dominar un instrumento principal y saber de teoría musical, composición, historia de la música, tecnología musical y tocar en ensambles y orquestas. "Los niños son aprendices activos al hacer, experimentar y descubrir cosas", dice Timo Klemettinen, director de la Asociación de Escuelas Musicales en Finlandia y Europa.

Otro país nórdico con un fuerte acento en la educación musical es Suecia. Su modelo de escuelas municipales de música fue fundado en la década del 40, pero no fue hasta los 60 que se esparció rápidamente. Su objetivo general era darles a las nuevas generaciones la oportunidad de tocar un instrumento o cantar, sin importar sus antecedentes culturales o sociales. En la actualidad, existen 283 de estas escuelas en los 290 municipios del país nórdico, las que suman 230 mil alumnos. En los colegios "convencionales", en tanto, la educación musical es obligatoria hasta los 16 años de edad y, en la secundaria superior, los alumnos pueden elegir el "Programa de Estética", donde optan entre música, artes visuales y teatro, entre otras disciplinas.

"En un nivel más general, confío en que la importancia de la educación musical, primero y ante todo, es un asunto de democracia. Dar a los estudiantes acceso a toda la variedad de posibilidades que la música aporta: sociales, musicales y emocionales", apunta Eva Georgii-Hemming, profesora de musicología en la Universidad de Örebro (Suecia) y docente de música en la secundaria durante quince años. "Los estudiantes pueden obtener herramientas para ideas y expresiones y desarrollar un entendimiento de sí mismos y de los demás: cuestiones de identidad, colaboración y habilidades sociales, pero también emocionales y, quizás, existenciales".

 El caso chileno

A finales del siglo XIX, la música se transformó en una asignatura obligatoria en la educación pública chilena. Después de la Guerra del Pacífico, el gobierno de Domingo Santa María vio que a través de la música se podía desarrollar y reforzar una serie de características que el ciudadano promedio tenía que cumplir. "Todas esas cualidades de tipo valórico, como aprender a ser buen chileno, a ser patriota, respetar a las mujeres, las instituciones y los padres se podían enseñar a través de la música y, especialmente, a través del canto", dice Óscar Pino. "Se instaló en el currículum porque se hizo una conexión con ese objetivo moralizante, más que por la música en sí misma".

Entre los años 40 y 60, la Facultad de Artes de la U. de Chile fue el eje de una serie de instituciones aglutinantes -como la Orquesta y Coro Sinfónico y el Instituto de Extensión Musical- que convirtió a Chile en una vanguardia continental de educación musical. "Se instalaron instituciones de capacitación de profesores a nivel iberoamericano y primaba una visión más artística de la música. Así, en el currículo escolar empezaron las primeras indicaciones para que los chicos tocaran instrumentos e incorporaran repertorio folclórico", relata Pino. "Pero, después, con el régimen militar, perdimos la posibilidad de interactuar con el mundo. Mientras, a inicios de los 70, en Occidente se produce una revolución en educación musical súper potente, con la figura señera del canadiense (Raymond) Murray Schafer, que instala el concepto de paisaje sonoro y ecología acústica, nosotros nos perdimos de todo eso".

En julio del 2011, se instaló un debate académico cuando el Ministerio de Educación de la época fijó una reducción para el Subsector de Educación Artística (Artes Visuales y Artes Musicales) de tres a dos horas en quinto y sexto básico, en los establecimientos que no implementan la Jornada Escolar Completa; de cuatro a dos horas en séptimo y octavo básico en el mismo tipo de establecimientos; y de cuatro a tres horas en séptimo y octavo, en aquellos que cuentan con Jornada Escolar Completa. "A nivel de país no se le da la relevancia que tiene la educación musical para la formación, desde los niños de sala cuna en adelante", señala Patricia Vásquez, cantante profesional y decana de la Facultad de Artes y Educación Física de la Universidad Metropolitana de Ciencias de la Educación (UMCE). "Me encantaría que las autoridades entendiesen que la música, en ningún nivel de la formación de niños, es prescindible".

Más allá de esta medida, los expertos coinciden en que la educación musical nunca ha sido una prioridad. "Históricamente, ha tenido una visión bien accesoria en la educación. Mucho de esto tiene que ver con que la enseñanza básica no requiere de especialistas para este tema", señala Francisco Valdés, docente de Pedagogía en Música en la Universidad Alberto Hurtado. "¿Qué hacer para mejorarla? Una cosa muy importante es que todos los niños tengan la experiencia musical desde temprana edad, que se convierta en una actividad habitual y que puedan desarrollar su relación con la música a partir de la creatividad".

Elena Roger y Piazzolla: "La fuerza de esa música te atrapa, quieras o no"


La premiada intérprete de "Evita" y "Piaf" vuelve a Chile con el grupo Escalandrum y el espectáculo "3001 Proyecto Piazzolla". "Escalandrum evoluciona esta música, le aporta algo nuevo, pero no lo hace de manera rupturista, sino desde un lugar que al compositor le habría gustado mucho", dice.  

Juan Antonio Muñoz H. 

Todo llega a su tiempo. Y el tiempo también llegó para que Elena Roger (1974), la voz argentina femenina más destacada de los últimos años, se lanzara sobre la música de Astor Piazzolla. Por supuesto, no lo haría siguiendo los esquemas, digamos, tradicionales, sino buscando un sonido contemporáneo y aun futurista. En "3001 Proyecto Piazzolla", estrenado en 2016, trabaja directamente con Daniel "Pipi" Piazzolla, nieto del compositor, que sabe bien que a su abuelo le gustaba que se interpretaran sus obras, pero no que se hicieran como él las hacía: "Para eso estoy yo; ustedes hagan otra cosa", decía.

Son momentos de muchas conexiones en la vida Elena Roger. Y todo tiene que ver con hechos que se produjeron hace años, cuando ella era una adolescente de 15, comenzaba a estudiar canto y se integraba al grupo Fundación Vida Silvestre, el que levantó la Reserva Ecológica argentina. Eran los días en que se armaba su estructura como artista, y todo aportaba lo suyo.

Como también bailaba, de pronto se sorprendía lanzada sobre "El lago de los cisnes", pues era uno de los long play de su madre, que amaba la música clásica. "Hasta ópera cantaba; cosas como el vals de Mussetta ("La Bohème") o "Ah! Non giunge" ("La Sonámbula"). Pero por ahí iba con mi padre manejando por la 9 de Julio y sonaban los tangos y Piazzolla, y la fuerza de esa música te atrapa quieras o no. Es algo tremendo. Escuchaba, por ejemplo, que a mi madre no le gustaba tanto la corriente de Piazzolla en el tango, y yo trataba de entender por qué. Y estaba también mi hermana, que escuchaba rock, y eso también se me impregnó, con Cerati y Soda", relata con pasión desde Barracas, Buenos Aires, uno de sus hogares, pues el otro está en Ushuaia, en el sur-sur, de donde es su pareja, el actor y cantante Mariano Torre ("Los ricos no piden permiso"), con quien levanta una vida y también una familia y una casa autosustentable -"Nave Tierra", la primera construcción en América, hecha con botellas, neumáticos y paneles de lavarropas- que la tiene enamorada.

Con Mariano tienen a Bahía -"que significa hermosura en árabe"-, un nombre que escogieron porque no querían que su hija fuera referencia de nadie.

Esa poesía de Ferrer...

"3001 Proyecto Piazzolla" la une con Escalandrum, una banda dedicada, fundamentalmente, al jazz y donde no hay bandoneón. Hay contrabajo, piano, batería y tres vientos.

"Son unos hermosos; el sonido que logran es increíble. Esa articulación de los vientos con la que se consigue una fuerza tan poderosa... Trabajamos tan bien juntos; desde el inicio. De hecho, nuestro primer ensayo fue la prueba de sonido de una presentación; yo había estudiado 15 días con sus pistas en Ushuaia mientras ellos estaban en Buenos Aires. Y todo fue perfecto. Salimos a tocar y todo resultó".

¿La voz no se resiente cantando estas cosas? "No, no. Tal vez la única canción que me lleva hacia un momento de tensión es 'Balada para mi muerte', que es una maravilla de intensidad. Todas esa obras son increíbles y te traspasan; en especial las que tienen poesía de (Horacio) Ferrer, como 'Balada para un loco', 'Chiquilín de Bachín', 'La bicicleta blanca'... La imágenes de sus letras... Si escuchás frases como 'Que hoy Dios me deja de soñar...' o 'Mi penúltimo whisky quedó sin beber' o la palabra 'renaceré'... Escalandrum está acostumbrado a todo, tienen una capacidad increíble, y yo aporto lo mío, enfatizar lo que es más dramático o más romántico. Cuando Nico Guerschberg, el arreglador, presenta algo, de inmediato te emocionás... Escalandrum evoluciona la música de Piazzolla; le aporta algo nuevo, pero no lo hace de manera rupturista, sino desde un lugar que a Piazzolla le habría gustado mucho".

"Antes era muy gritona"

Elena ama los animales, las plantas y la vida natural; y quiere dejar bien claras las cosas que le interesan y también hacer una suerte de proclama: "Los artistas somos ejemplo", subraya.

"Estamos aquí por algo; tenemos un contacto con la gente que nadie más tiene. Nos metemos en sus casas y en sus vidas. No es cuestión de andar por ahí diciendo o haciendo tonterías. Para qué puedo hablar con un periodista si no puedo decir algo que sirva. Como digo, somos ejemplo para lo bueno y para lo malo. Aunque para algunos lo bueno nuestro sea considerado lo malo, y al revés. Es parte del juego. Yo soy una artista y canto, pero me gusta comunicar que hay que preocuparse del medio ambiente, ser conscientes de lo que bebemos y comemos, que hay que ocuparse de hacer algo más en la vida que no sea ganar más y más plata. Siempre he sido amante de los animales y ahora me muero por tener un perrito, pero no puedo porque vivimos en medio de viajes y la casa de Barracas aún no está lista. Sería malo para el perro. Tampoco me gusta llevar a los perros en un avión... He resuelto cosas en estos años, como la alimentación, por ejemplo; porque una cosa es querer ser vegetariana y otra es saber hacerlo, sin morir en el intento. Soy vegetariana casi vegana, pero tengo que decir que a veces me muero de ganas de comer lentejas o un buen jamón crudo, y claro que me lo como. No me gusta ser extrema en nada; de pronto uno asume un viaje, pero ese viaje no tiene por qué ser eterno. Uno cambia y la libertad está en eso, en poder volver, en seguir, en cambiar, en alternar. Hay que ejercer la libertad, incluso en el amor".

La vida de Elena Roger está poblada de otras mujeres. Cuatro, principalmente. Eva Perón en "Evita", que la llevó a Londres y Nueva York; Edith Piaf, que también paseó por el mundo; Mina, la extraordinaria cantante italiana, y la gran Lotte Lenya, la mujer de Kurt Weill. ¡Vaya señoras! Se llenó de premios con ellas, incluso el Laurence Olivier por Piaf.

"¿Me preguntás cómo salgo de ellas después de una función? Agotada. Son extraordinarias, pero exigen de uno todo y uno también quiere darles todo. Me he vuelto bastante zen después de ellas. También me ayudó el yoga y la meditación trascendental, supongo. Ahora soy una persona más tranquila. Antes gritaba todo el día, era muy gritona. En casa de mis padres todavía se discute a gritos. He ido puliéndome en todo; antes usaba cosméticos no probados en animales; ahora uso maquillaje solo para las obras".

Elena Roger y Escalandrum -Daniel "Pipi" Piazzolla, en batería y dirección; Nicolás Guerschberg, en piano y arreglos; Mariano Sívori (contrabajo), Damián Fogiel (saxo tenor), Gustavo Musso (saxo alto y soprano) y Martín Pantyrer (clarinete) estarán en el Teatro Nescafé de las Artes el domingo 30 de julio, a las 19:30 horas. Precios entre 54 mil y 25 mil pesos.

El Teatro Oriente reabre con gala estelar

El Mercurio

La Fundación Cultural de Providencia anunció que la reapertura oficial del Teatro Oriente será el viernes 25 de agosto con una Gala Internacional de Ballet, en la que estarán presentes destacados bailarines de compañías de primera línea. "El espectáculo tendrá una segunda función -26 de agosto- gratuita para los vecinos. Ha sido un esfuerzo tremendo para todo el equipo; quisimos darle un realce único a la reapertura del Oriente", comenta el abogado Jorge González Granic, baletómano y miembro del directorio de la Fundación Cultural de Providencia.

Evelyn Matthei, alcaldesa de Providencia, añade que "estamos ansiosos de que lleguen el 25 y 26 de agosto, para que nuestros vecinos sean parte de esta gran presentación, en un teatro más seguro, más cómodo y más acogedor, con espectáculos de calidad, muchos de ellos gratuitos".

Una de las estrellas será la primera bailarina del Ballet Nacional del Sodre de Montevideo, la uruguaya María Riccetto, premiada este año con el Benois de la Danse. "Es algo totalmente inédito que, en un mes, tengamos en Chile a dos de las más grandes estrellas de la danza latinoamericana y ganadoras del Benois de la Danse", dice Granic, refiriéndose a María Riccetto y Ludmila Pagliero (en el Teatro del Lago).

Riccetto integró el American Ballet Theatre hasta que Julio Bocca la convocó para primera bailarina del Ballet del Sodre. En el escenario de Providencia se presentará junto al brasileño Gustavo Carvalho, quien también fue nominado al Benois de la Danse. "Ellos bailarán lo que ya interpretaron en mayo, cuando María recibió el premio en el Teatro Bolshoi de Moscú: el pas de deux del balcón de 'Romeo y Julieta', en la versión de Kenneth MacMillan y que nunca se ha mostrado en Chile", adelanta Granic. También actuará Sebastián Vinet, ex solista del Ballet de Santiago y actual miembro de la Compañía Nacional de Danza de México. "Por primera vez en Chile tendremos a artistas de la Scala de Milán: Vittoria Valerio y Claudio Coviello", asegura el miembro del directorio de la Fundación Cultural de Providencia. Del Ballet de Santiago se confirmó a Gustavo Echeverría, al primer bailarín José Manuel Ghiso y a la primera bailarina estrella, Natalia Berríos.

Dificultades en construcción de nuevo teatro en el GAM amenazan con retrasar su entrega

El Mercurio

Obra registra un 35% de avance a cinco meses del plazo comprometido por el Gobierno.
Instalación de iluminación y sonido podría postergar hasta la próxima administración el pleno funcionamiento del recinto. MOP asegura que se trabajará para cumplir compromiso presidencial.  

Manuel Valencia 

Diciembre fue el plazo definido oficialmente para el término de la construcción del edificio del teatro en el Centro Cultural Gabriela Mistral (GAM) por los ministros de Obras Públicas, Alberto Undurraga, y de Cultura, Ernesto Ottone, en una visita a las faenas que realizaron en abril pasado.
El segundo semestre también aparece en los letreros de obra y se reitera en distintos artículos de prensa dedicados al proyecto.

Luego, en su mensaje del 1 de junio, la Presidenta Michelle Bachelet dijo que "la segunda etapa del GAM" empezaría "a funcionar a principios del próximo año".

Sin embargo, a cinco meses del término comprometido, la meta se avizora compleja. La obra recién completa el 35% de avance y según fuentes ligadas al proyecto, "es muy complejo terminar en diciembre y que el teatro funcione a inicios del próximo año. Hay que instalar la escenotecnia, con luces y audios que no se han usado en un edificio de esta magnitud en Chile. Estaría para junio del próximo año", señalan.

Esta situación se une a dificultades que ha tenido la ejecución de los trabajos, como inundaciones que lo afectaron tras la crecida del río Mapocho en 2016.

Según la directora de Arquitectura del Ministerio de Obras Públicas, Claudia Silva, el 35% de avance se refiere a lo que se ha pagado de la obra. "La empresa constructora nos ha declarado un avance sobre el 60%".

Admite que "no estamos holgados de tiempo, es una obra que está difícil, muy exigida, pero tenemos mucha energía puesta en ella. Es un compromiso tenerlo en verano".

En relación a la escenotecnia, Silva dice que lo más complejo fue definir "un sinfín de alternativas de iluminación y audio. Eso está comprado. Llegó una parte de los productos en junio y el resto llega en septiembre y octubre". A partir de lo anterior, reafirma que el compromiso de la cartera es entregar el teatro "equipado, con butacas, escenografía, vestuario escénico e iluminación". "El Mercurio" intentó conocer la opinión del director del GAM, pero desde el centro declinaron referirse al tema, debido a que aún está en manos del MOP.

Una vez recibida la obra, el centro cultural debe capacitar al personal que destinará a la administración del teatro, lo que podría tomar tres meses.

Para realizar una inauguración oficial del edificio, el Gobierno debe contar con la recepción final de obras de la infraestructura, lo que podría completarse con todos los equipos instalados. Las fuentes insisten que ello es difícil que se produzca antes del 11 de marzo próximo. "Se podría hacer una entrega del edificio, pero tener un cantante de ópera en la inauguración se ve difícil".

Impacto vial

El recinto fue diseñado con 800 estacionamientos, lo que preocupa a los vecinos del sector por el impacto vial que podría generar el teatro, cuando se realicen espectáculos con la capacidad total. "Acá se llena de autos, y con el teatro lleno los autos van a terminar estacionados en segunda fila", dice Cristina Carrasco, residente del barrio.

Para el especialista en transportes y urbanismo, Raimundo Cruzat, la cantidad de estacionamientos es razonable. "A estos lugares la gente no va sola en un auto. No se justifica tampoco hacer un estacionamiento por butaca", señala.

Louis de Grange, experto en transportes, coincide. "El teatro está cerca del metro y es accesible. Un estacionamiento de 800 cupos no es pequeño y si sale por la Alameda podría generar tacos", afirma.

FLUJO

Hoy, el GAM recibe a un millón de personas al año. Con el nuevo recinto operando se espera que esta capacidad aumente a 1,5 millones anuales. 

Detalles

La "gran sala" del GAM hará crecer en 15.800 m2 el recinto cultural, ubicado en el ex edificio de la Unctad. Hoy tiene 22 mil m2 y llegará a 37 mil m2 .

Características: La gran sala tendrá un escenario principal, un foso de orquesta, parrilla sobre el escenario, una caja escénica, sistemas de iluminación, cuatro plataformas eléctricas que ascenderán hasta la superficie, un diseño "electroacústico" y equipamiento de seguridad.

Capacidad: Tendrá 1.853 butacas retráctiles. Si se retiran, en el edificio pueden caber 2.500 personas como máximo.

Monto: El MOP destinará $41 mil millones en la construcción del proyecto que tiene como plazo de entrega oficial el segundo semestre de este año. De ese presupuesto, 75% corresponde a obras civiles y el 25% restante ($10 mil millones) se invertirán en la escenotecnia.

Perl Jam encabezaría el próximo Lollapalooza

El Mercurio

Según el medio brasileño Destak Jornal -que con frecuencia entrega adelantos del festival musical de Perry Farrell-, la banda liderada por Eddie Vedder estaría confirmada como uno de los shows principales de Lollapalooza 2018 en Sudamérica (Chile, Brasil y Argentina). Esta sería la segunda presentación de Pearl Jam en el evento realizado en el Parque O'Higgins, luego que en 2013 cerrara la tercera edición del festival. Además, la publicación señaló que The Killers es otro de los grupos que negocia su participación.

Palmenia Pizarro y Ensamble Musicactual. 22 Julio 2017


Desde que supe que iba a ocurrir este concierto quise darme el tiempo para poder darme una vuelta y finalmente fui.

La ocasión era un Concierto de Doña Palmenia Pizarro acompañada por Conjunto de Cámara dirigido y con arreglos de Sebastián Errázuriz, que iba a ocurrir en ese horrible adefesio arquitectónico de la Universidad San Sebastián entrando por calle Bellavista. 

By the way independiente de las actividades que ahí realicen ese edificio deberían echarlo abajo.

Volviendo a lo nuestro, el concierto comenzó casi puntual a las 19.00, en una sala llena, excelentemente habilitada, con capacidad para unas 500 personas si no me falla el cálculo. Partió la orquesta con un pequeño preludio que se unió a los primeros compases de Cariño Malo, momento en el cual hizo su presencia en el escenario Doña Palmenia Pizarro para  a interpretar el tema con la Orquesta.

Lo que vi en esa hora y media fue único. Cuando uno ve un concierto como este, uno se da cuenta que en ciertos caminos de la música si existen diversos idiomas musicales, diversas vías de la perfomance. Por un lado un músico popular, con una vasta carrera, que tiene flujos de interpretación propios, personales, y que se acompaña siempre por músicos que la conocen al revés y al derecho por los años que llevan juntos, y que saben leer, anticipar, adivinar, sentir, cada variación en los tempos, en cada rubbato, en cada acelerando que va a realizar y realiza, en las variaciones infinitas, en el sentimiento de agregar vueltas al final, en las pausas, y que finalmente se van plegando a la piel del músico y todo suena perfecto.

Por otro lado, es lo que vi en este concierto, están los músicos doctos que se apegan directamente a lo escrito en la partitura, a las directrices del director, a cierta rigidez en la interpretación, pero que no necesariamente llevan años tocando con un músico.

A que viene todo esto?, a que fueron varios los pasajes en el concierto en que los tiempos de la interpretación de la cantante y de la orquesta no fueron alineados, así era posible que Palmenia acelerara, o se tomara más tiempo en algunas frases, y la orquesta seguía por su camino a pesar de los esfuerzos del director de alinearse a las fuerzas interpretativas de Palmenia.

Pero no hay que dejar de reconocer que también hubieron varios pasajes del concierto en que los flujos interpretativos de Palmenia y de la Orquesta se aunaron, dando celestiales resultados. Ahí, uno podía percibir que los arreglos musicales estaban hechos con cariño, con respeto, en algunos casos tratando de emular el sonido de las Orquestas que acompañaban a los músicos en la década de 1950 o 1960 en las radios;  ya que para el director hubiera sido totalmente factible tomar un camino de arreglos difíciles, con enmarañados armonías y rítmicas, pero no, todo fue con respeto, con sincero homenaje a la cantante.

Mientras el concierto iba avanzando Doña Palmenia iba contando historias de cada una de las canciones con una memoria prodigiosa para recordar cada detalle, y esto también hacía que ella misma se fuera relajando mientras iba avanzando el concierto. Así por ejemplo, fue posible escuchar al final del concierto un bis de Cariño Malo brillante, si bien el concierto comenzó con este tema, el tema en su primera versión presentó los detalles de los tempos que comenté párrafos más arriba, pero ahora todo fue perfecto.

Tal vez si hubieran hecho una segunda función, todo hubiera salido perfecto; pero es claro que en muchos casos lo perfecto es enemigo de lo bueno. Y este concierto, en donde se aunaron dos universos de la música chilena, bien valía la pena las casi 3 horas de viaje en total, en una muy buena presentación de Palmenia Pizarro junto a la Orquesta dirigida por Sebastián Errázuriz.

Espero que un evento como este se pueda volver a repetir, y que ideas como estas, de juntar estos universos, puedan ser eternamente posibles.

Víctor Tapia



viernes, julio 21, 2017

Palmenia Pizarro grabará con ingeniero de los Rolling Stones


El Mercurio

La cantante dará mañana un concierto junto a los músicos de la Universidad San Sebastián, presentación que será registrada en vivo por Barry Sage.

JOSÉ VÁSQUEZ 

Juntar en una oración a Palmenia Pizarro con los Rolling Stones suena descabellado, pero el punto de unión se encuentra viviendo en Chile. La voz del "Cariño malo" no disimula su satisfacción: "Tengo a Barry Sage conmigo, lo que me pone muy orgullosa. Él me va a grabar, por lo que siento que definitivamente esto sí que es soñar en grande", expresa.

La cantante habla del ingeniero musical británico que a finales de los 70 y principios de los 80 trabajó con Mick Jagger y compañía en exitosos álbumes, como "Some girls" y "Tattoo you".

Sage -avecindado en el país hace cinco años- es uno de los cabecillas de Mapa Records, compañía nacional que editará el próximo proyecto de la artista: un concierto de cámara que será registrado en vivo y posteriormente lanzado en formato de disco compacto y DVD y que se transformará en la producción número 84 de Palmenia.

"Barry también hará la mezcla, por lo que la calidad está asegurada", dice la cantante sobre el ingeniero, que también cuenta en su currículum con trabajos con bandas chilenas como Solar y Alamedas, entre otras.

La artista admite sentir "algunos nervios" antes de la presentación que se realizará mañana -a las 19:00 horas en el Aula Magna de la sede de Bellavista de la Universidad San Sebastián, en Bellavista-, principalmente por la adaptación a los nuevos arreglos de cuerda de sus éxitos.

Hace un año, Sebastián Errázuriz, el director musical de la universidad, le propuso este proyecto centrado en su repertorio, pero interpretados por una orquesta de 12 músicos.

"Él respetó la esencia de algunas canciones, y los arreglos quedaron maravillosos", aplaudía la cantante después de uno de los ensayos durante esta semana del concierto que lleva por título "¡Qué lindo canta Palmenia!".

"Voy a cantar mis canciones desde la década del 60, pero con los nuevos matices de Sebastián (Errázuriz), muy en su estilo. Al tener mis canciones arraigadas, me he sorprendido de las nuevas versiones, cuando hay que hacer compases de espera, pero para eso hemos estado ensayando", cuenta la cantante.

Tributo a Juan Gabriel

El concierto también incluirá una sección de homenaje al fallecido ídolo mexicano Juan Gabriel. Se tratará de un espacio más íntimo, donde solo estará acompañada de un piano para interpretar un par de temas de él. La artista también tendrá la compañía de su director artístico, Roberto Trujillo, y la cantante Soledad del Río en un tema que anuncia como sorpresa.

"Siento que todavía puedo plantearme desafíos. Sebastián está muy entusiasmado, y a él le ha gustado mucho cómo está sonando todo, lo que finalmente nos ha dado mucha tranquilidad", señala Palmenia Pizarro.

Sábado 22 de julio a las 19 horas. Campus Bellavista. Bellavista 7, Recoleta, Santiago, Chile
Entrada Liberada
Puede confirmar su asistencia Acá

Cumbre chileno-argentina tributó a Violeta Parra en el Teatro Colón de Buenos Aires

El Mercurio

Músicos de ambos países realizaron la noche del miércoles un concierto sinfónico en el tradicional recinto trasandino por el centenario de la artista, algo que se busca replicar en Chile. La Presidenta Michelle Bachelet aplaudió el espectáculo desde un palco.

Jorge Soto

Buenos Aires
 Las voces de Javiera Parra y Soledad Pastorutti se unieron el miércoles para dar inicio a un homenaje sinfónico que también juntó a dos países. La obra de Violeta Parra, la festejada en el centenario de su natalicio, llegó hasta el tradicional Teatro Colón de Buenos Aires, que anoche abrió sus puertas a las composiciones de la principal cantautora chilena que fue tributada por artistas de ambos lados de la cordillera.

Parra y Pastorutti interpretaron "Run run se fue pa'l norte" en la obertura del espectáculo, que contó con los arreglos orquestales del maestro chileno Guillermo Rifo y que tuvo la dirección artística de Ángel Parra.

El ex guitarrista de Los Tres llegó la semana pasada a la capital trasandina, donde tuvo intensas jornadas de ensayo junto a Rifo, a quien agradeció a través de su cuenta de Instagram. "Él con sus arreglos y su humildad supo hacer de las canciones geniales de Violeta una realidad sinfónica".

El músico también utilizó esta red social para criticar a TVN por no transmitir en directo el espectáculo, "luego de mucho insistir", argumentó. Desde la señal pública admitieron poseer los derechos del evento, pero manifestaron que aún no definían el momento de su emisión. De todas maneras, ayer, el concierto fue llevado a las pantallas por la televisión pública argentina y se transmitió online en la página del Consejo de la Cultura.

El Miércoles, el espectáculo titulado "Concierto Sinfónico Violeta Parra 100 años" comenzó con el actor Patricio Contreras introduciendo a la obra de la cantautora, que con sus temas más representativos -como "Casamiento de negros", en la voz de Kevin Johansen; "El rin del angelito", en la interpretación de Gepe, o "La jardinera", a cargo de Sandra Mihanovich- se fue sucediendo durante la jornada.

Participaron también músicos como Camila Moreno, Roberto Márquez, Patricio Manns y Beto Cuevas por Chile y Loli Molina, por Argentina, entre otros, que se unieron al final de la presentación cantando un coreado "Gracias a la vida".

Admiración presidencial


Terminado el concierto, una entusiasmada Soledad Pastorutti declaraba que "este homenaje puede ir por el mundo, incluso pueden ser otros los intérpretes, la única que no puede cambiar es Violeta", proponía, y Javiera Parra, quien se declaraba todavía emocionada por la experiencia, celebraba que "un teatro tan importante, tan docto y, digamos, no dedicado al arte popular, se haya abierto para la Violeta".


La nieta de la cantautora contó que el proyecto se había iniciado hace seis meses, cuando comenzó a recibir los primeros audios con los arreglos orquestales y que recién hace dos días pudieron ensayar con todos los invitados. "Espero que tengamos homenajes de este nivel en Chile, estamos en conversaciones para poder replicar algo tan lindo como esto. Todavía no puedo anunciar una fecha, pero por cierto que queremos que sea en el Teatro Muncipal", apuntó Parra.

La Presidenta Michelle Bachelet, quien vio el espectáculo desde un palco del teatro, también manifestó su admiración por la artista. "Tanto la comunidad chilena como la argentina han tenido un momento especial, y yo creo que esta es una gran conmemoración a Violeta Parra, una gran mujer, gran luchadora. Preocupada de lo humano y a veces también de lo divino, y de los dolores y amores de nuestros pueblos".

La Mandataria señaló que se están preparando más actividades para conmemorar en el país el centenario de la cantautora. "No queremos que sea un solo día (el 4 de octubre). Queremos que la voz de Violeta esté siempre presente en las nuevas generaciones".

La Jefa de Estado estuvo acompañada por el ministro de Cultura, Ernesto Ottone; el embajador en Argentina, José Antonio Viera-Gallo, e Isabel Parra, hija de Violeta.




Muere Chester Bennington, líder de Linkin Park

El Mercurio

El cantante tenía 41 años y se habría quitado la vida en su hogar.  

El luto sigue persiguiendo a la música, Chester Bennington (41), la voz irascible de Linkin Park, fue encontrado sin vida ayer en su residencia de Palos Verdes, en California.

Agencias de noticias como The Associated Press y portales dedicados a las informaciones del mundo del espectáculo, como TMZ, divulgaron tempranamente la tesis del suicidio por ahorcamiento, lo que conmocionó a sus compañeros de grupo y seguidores.

"En shock y con el corazón roto, pero es verdad", comentó en redes sociales Mike Shinoda, miembro del conjunto que ayer tenía planificado reunirse para una sesión fotográfica que no se alcanzó a realizar.

La banda, que se presentó el pasado 9 de mayo en el Movistar Arena, estaba en completa actividad e iba a iniciar el próximo jueves 27 de julio un nuevo tour por Estados Unidos para promocionar su reciente disco, "One more light".

La vida de Bennington estuvo marcada por el dolor, al confesar un abuso sexual del que fue víctima cuando era niño. El cantante había contado que durante años luchó contra las drogas y el alcoholismo, señalando en 2011 que desde entonces llevaba seis años sobrio.

El músico era amigo cercano a Chris Cornell -el líder de Soundgarden que se quitó la vida en mayo pasado, donde Bennington incluso cantó "Hallelujah", de Leonard Cohen, en su funeral-, dejó a seis hijos, producto de dos relaciones.

Camerata Vocal da inicio a nueva temporada coral

El Mercurio

Obras de Janequin , Debussy, Saint-Saëns, Ravel, Poulenc y Duruflé interpretará el jueves 27 la Camerata Vocal de la U. de Chile, en la apertura el 27 de Julio de la Temporada Coral 2017 del ex Teatro Baquedano (19:40 horas, $6 mil). "He tratado de hacer una muestra de lo que son, a mi juicio, los períodos más significativos de la música francesa", asegura Juan Pablo Villarroel, director del conjunto.

La pianista Gabriela Montero estrena obra propia en el Teatro del Lago

El Mercurio

Junto con la YOA Orquesta de las Américas, y en el marco del Festival de Invierno, la intérprete venezolana tocará en Frutillar obras de Copland, Ravel y Stravinsky. También estrenará su propio Concierto para Piano N° 1.  

Daniela Silva A. 

En este territorio, por los conciertos que dio en 2013 y 2016, ya se la conoce, en vivo, como una virtuosa pianista, con grandes habilidades y gusto por la improvisación, y también como una acérrima opositora a los gobiernos de Hugo Chávez y de Nicolás Maduro. "Los músicos no somos artistas que vivimos en una nube donde nada nos toca o afecta. Con nuestro arte les damos voz a los que no la tienen", enfatizó, en 2016, durante una entrevista con "Artes y Letras".

Pero hoy, en el Teatro del Lago de Frutillar, el público local podrá apreciar otra faceta de la venezolana Gabriela Montero (1970), cuando estrene una obra compuesta por ella: su Concierto para Piano N° 1. Lo ejecutará en compañía de la YOA Orquesta de las Américas -con la que ganó un Grammy Latino (2015)-, y bajo la dirección del mexicano Carlos Miguel Prieto (1965).

Durante la presentación en el Espacio Tronador del teatro, la pianista también tocará "El salón México", de Aaron Copland; el Concierto para Piano en Sol Mayor, de Maurice Ravel, y "Petrushka", de Igor Stravinsky.

Así sigue el Festival de Invierno que el teatro desarrolla, junto con la YOA Orquesta de las Américas, hasta el 22 de julio. El encuentro, que terminará con el violonchelista Gautier Capuçon, ha contemplado conciertos de cámara -con músicos de la YOA y el Ensamble Residente del Teatro del Lago-, ensayos abiertos y conversaciones. "Calculamos que entre todas estas instancias, al cierre habremos convocado a unas 1.600 personas. Ha sido magnífico: proyectos como este, que cruzan lo artístico y lo educativo, nos hablan de la visión y el espíritu del teatro. Hemos reunido a jóvenes músicos de 24 países con grandes maestros, y con Montero y Capuçon. Y, además, desarrollamos actividades gratuitas y le mostramos el backstage al público", dice Carmen Gloria Larenas, directora artística del teatro.

En tanto, la pianista Gabriela Montero llevará al disco su concierto de hoy (para el sello Orchid Classics). Lo grabará con la asistencia en el sonido de Jonathan Allen, quien por 22 años trabajó en los Abbey Road Studios de Londres, y ha hecho registros en la Royal Opera House. Un momento -inédito en la historia de este escenario- que además será documentado por el canal franco-alemán ARTE.

 EL FESTIVAL

Continúa mañana con el concierto de Montero y el sábado con la presentación de Gautier Capuçon (Teatrodellago.cl).

miércoles, julio 19, 2017

El comandante del beat está llamando

El Mercurio

Christian Hirth actúa en Thelonious.
Tras 20 años, el baterista se sitúa en un proyecto propio. Mañana, en vivo, presenta su disco.

IÑIGO DÍAZ 

"El Comandante Beat es un personaje futurista. Puede ser un alter ego mío, pero tiene vida propia, como el Joe's Garage de Frank Zappa. Más que el beat de la música, se trata del beat que está presente en el tiempo. Y en el universo todo es tiempo", filosofa el músico Christian Hirth (1974), uno de los cerebros en la música de vanguardia de la última década.

Desde los estudios CHT pilota una serie de proyectos de música actual, junto al ingeniero Gonzalo González y al guitarrista de jazz Nicolás Vera, con quienes mantiene el sello Aconcagua Records. La disquera independiente lanza el primer disco de su catálogo, "Comandante Beat", que presentará mañana en Thelonious.

Es también el primer disco del baterista, compositor e improvisador Christian Hirth, formado en la percusión docta en los 90, y con un recorrido que lo sitúa entre los más versátiles y activos solistas avant-garde . Desde el Grupo de Percusión UC, con que se inició en la música de cámara, al noneto MediaBanda, pasando por el rock experimental de Yonhosago y Klaine Trío, además de Code, toda una experiencia de investigación sobre las percusiones.

"Podría decir que este es mi proyecto personal después de más de 20 años en la música", dice, en referencia al trío Zet, junto a Aurelio Silva (guitarra) y Cristóbal Arriagada (sintetizadores).

Todo es factible

"Zet significa Zona Ecléctica Terminal. Es una síntesis de lo que he vivido, porque en esa zona ecléctica entran y salen todo tipo de ideas musicales y sonidos. Es como una terminal de transporte, donde hay flujos permanentes", dice acerca de una música de gran dinámica y depurado sonido, que él vincula a compositores de electrónica, como Squarepusher, o bateristas, como Mark Guiliana y Jojo Mayer.

"Con el disco 'Comandante Beat' marcamos la línea editorial de Aconcagua Records, con publicaciones solo en vinilo y versiones digitales. No queremos producir tantas grabaciones, como sí alcanzar una cualidad especial de sonido. En Chile somos muy buenos para tocar, pero muy malos para crear un sonido. Con Zet vamos hacia allá", cierra.

Cecilia Echenique graba disco con invitados como Palmenia Pizarro, Gepe y Francisca Valenzuela

El Mercurio

La cantante celebrará sus 30 años de carrera como solista con un álbum donde congregó a distintas generaciones de artistas. Además, interpretará en vivo su repertorio en un concierto en que estará acompañada por varios artistas.  

JOSÉ VÁSQUEZ 

Hay una línea editorial que Cecilia Echenique quiso seguir al pie de la letra en la celebración de sus 30 años como solista, y en esa tarea lo primero era lograr que fueran sus invitados los que llegaran con las ofrendas.

La cantante convocó a un grupo ecléctico de artistas para que se adueñaran de sus temas y le ofrecieran nuevas versiones para registrar en un disco que, probablemente, se titulará sencillamente "30 años", un álbum que se estrenaría a fin de año. "Ha sido complejo lograr coincidir con las agendas de todos", dice Echenique, quien explica que las otras condiciones que se autoimpuso para este trabajo fueron que los participantes debían ser chilenos y artistas con los cuales no hubiera hecho música anteriormente.

Aunque el proyecto todavía se sigue fraguando en el estudio, la cantautora planea mostrar varios avances en su próximo concierto del 22 de agosto en el Teatro Nescafé de las Artes, cita en la que participarán como invitados su hijo Benjamín Walker, con quien grabó el primer sencillo del disco -"Porque siempre hay tiempo"-, Joe Vasconcellos, Elizabeth Morris y Palmenia Pizarro, con quien registró "Valió la pena", tema que ya definió va a ser el segundo single y que dará a conocer en las próximas semanas.

"La Palmenia es un ícono de la música popular. El tema es un vals y sentí que era una oportunidad para cantar con ella en un género que maneja y donde le dio una nueva mirada. La canción quedó preciosa, creció muchísimo en esa versión", cuenta Echenique, quien anticipa interpretará los temas remozados, además de las canciones de toda su carrera, en un concierto que se extenderá por cerca de dos horas.

"Con mi hijo grabé 'Porque siempre hay tiempo', un tema muy simbólico para mí que compuse antes de que él naciera y ahora coincide con que él está empezando su carrera. Fue muy bonito hacerlo ahora de profesional a profesional", confiesa la cantante sobre el disco al que aún se podrían sumar un par de nombres al resto de los ya confirmados como Francisca Valenzuela, Paz Court, Inti Illimani Histórico, Eduardo Gatti, Nano Stern y Gepe. "Quise mezclar distintas generaciones para que me dieran su propia mirada de mis canciones, para cantarlas a dúo conmigo. Cada canción está hecha en la onda del músico invitado, no en la mía. Por ejemplo, invité como figura femenina a la Fran Valenzuela en 'Secreta intimidad', que es una de las canciones importantes de mi repertorio, pero que todavía no la concluimos porque ella está en Los Angeles. La gracia está en la diversidad, aunque hagamos distintos géneros musicales, finalmente todos sentimos la misma pasión por lo que hacemos".

Show y duetos

La cantante se presentará el 22 de agosto en el Teatro Nescafé de las Artes con invitados como Palmenia Pizarro, Elizabeth Morris, Joe Vasconcellos y Benjamín Walker.

Muestra de luthería en La Reina

El Mercurio

Luis Valdés Aguilar expone hasta mañana.
En el Centro Cultural de La Reina Vicente Bianchi (Santa Rita 1153), el luthier Luis Valdés Aguilar está exponiendo una serie de huapangueras, cuatros, guitarrones, ukeleles, mandolinas, guitarras, rabeles y charangos que ha fabricado. Durante las mañanas, él trabaja in situ construyendo sus instrumentos. Asimismo, el público puede hacerle preguntas sobre su oficio. El acceso es gratuito y esta muestra itinerante fue financiada a través de un Fondart.

martes, julio 18, 2017

Víctor Alarcón se atreve con un gran reto de Monteverdi

El Mercurio

El especialista dirigirá mañana a un grupo de jóvenes cantantes, en la primera presentación en Chile de los 20 madrigales amorosos del Libro IV del compositor del temprano barroco.  

Romina de la Sotta Donoso 

Al cumplirse 450 años de uno de los compositores más influyentes de todos los tiempos, este miércoles se presenta por primera vez en Chile el Libro IV de Madrigales (1603), de Claudio Monteverdi.

El concierto es parte del Ciclo Coral a Capella del Instituto de Música UC, que se realiza en el Templo Mayor del Campus Oriente UC (Jaime Guzmán 3300, 19:30 horas, gratis).

Se trata de 20 madrigales amorosos. "Requieren mucho, pero mucho trabajo. Los estamos preparando desde febrero, pues está el reto del ensamble, y también está el reto de la individualidad de la voz, pero al servicio del texto que está diciendo el otro. Tiene que haber mucha complicidad para afinar estos acordes tan curiosos, recordemos que esta música no es armónica todavía, sino que es modal armónica", explica Víctor Alarcón, quien hace 15 años estrenó en Chile las "Vísperas de la Santísima Virgen", de Monteverdi.

Alarcón está a cargo de la dirección de un grupo de jóvenes cantantes, que integran Vanessa Rojas, soprano; Javiera Lara, mezzo; Diego Arellano, tenor, y Pablo Santa Cruz, barítono, todos estudiantes de Canto de Rodrigo del Pozo, en el Instituto de Música UC. Hay, además, tres invitados: Javiera Saavedra, soprano; Bryan Ávila, tenor, y Catalina Menares, narradora.

"Monteverdi fue uno de los genios vanguardistas más importantes de todos los tiempos", dice Alarcón. Y asegura que el cambio que este compositor cremonés protagonizó en la música es igual de relevante al que lideró Cervantes, también a inicios del siglo XVII, con "El Quijote": "Cervantes marcó el paso de la vieja literatura medieval a la moderna. Y Monteverdi también instala la modernidad a través de sus ocho Libros de madrigales, que fueron verdaderas investigaciones artísticas". De hecho, fundó el stile moderno , dando un gran paso más allá de la polifonía renacentista que entonces tenía una tradición de 1.500 años.

"Monteverdi hace una búsqueda del afecto de las palabras, por medio del cromatismo y del uso de las disonancias, que es muy vanguardista. Esta búsqueda lo conduce a escribir la primera ópera conocida, 'Orfeo', en 1607", detalla. Un desarrollo del lenguaje musical que realizó bajo su premisa fundamental: "Prima la parola dopo la musica" ("Primero la palabra, luego la música").

Los textos del Libro IV de Monteverdi son de Boccaccio, Rinuccini y Guarini. "El amor y el desamor es tratado en toda su complejidad, desde la alegría del compartir hasta el dolor de la despedida y el abismo de la soledad, llegando hasta la idealización del sentimiento ante la muerte. En la tradición del amor inalcanzable, de Dante por Beatrice y Petrarca por Laura, las voces están siempre cargadas del dramatismo y de la fatalidad que el amante siente al perder la libertad e independencia al donar su libre albedrío al ser amado", comenta Alarcón.

Y recalca que otro gran aporte de Monteverdi fue darles espesor psicológico a los afectos: "El Libro IV está emparentado con los grandes ciclos de lieder , de Schubert y Schumann".

MÁS MÚSICA

Además, hoy, en el Ciclo Coral a Capella de la UC, Marcela Canales y el Coro Magnificat contrastarán una Misa de Palestrina y otra de Rheinberger: El jueves, el Coro de Estudiantes UC abordará a Monteverdi, Poulenc y Pärt.

El otro teatro del lago: Panguipulli prepara su gran sala

El Mercurio

Con fondos comprometidos por $1.400 millones, un concurso público reveló esta semana al equipo de arquitectos que diseñará el gran edificio en forma de cubo. Las obras comenzarán este semestre, por lo que el teatro estaría terminado a fines de 2019.  

IÑIGO DÍAZ 

En la ribera poniente del lago, de espaldas al pueblo y mirando hacia el volcán Choshuenco, los habitantes y visitantes de Panguipulli coinciden en que se trata de uno de sus lugares privilegiados. En un terreno de 3.000 m2 , que fue donado por el club de boga 21 de Mayo, se levantará la gran sala de esa localidad.

"Por ahora lo llamaremos Teatro de las Artes. No tendrá las grandes dimensiones ni los volúmenes de financiamiento con que cuenta el Teatro del Lago de Frutillar, pero en lo esencial es un proyecto similar: una sala para las disciplinas artísticas, a orillas de un lago del sur", dice el arquitecto Alfredo Cruz, integrante de la Corporación de Adelanto Amigos de Panguipulli, que impulsa la construcción.

Esta semana se conoció la oficina que se adjudicó el proyecto, elegida por un jurado donde figuraban dos premios nacionales de Arquitectura. El concurso público superó las expectativas que tenía la corporación: 70 oficinas adquirieron las bases y 35 entregaron sus proyectos.

"El teatro estará vinculado a la ciudad y al lago, a través de una plaza cívica por un lado y una plaza de actividades hacia la orilla. Nuestra idea es que sea un referente del borde costero, como lo es la iglesia en la ciudad", comenta Tomás Villalón, que junto con los arquitectos Nicolás Norero y Leonardo Quintero -quienes se reunieron para presentar el proyecto ganador- diseñaron este cubo de 15 metros de altura, 24 de frente y 24 de fondo. El edificio es versátil: podrá replegar sus caras principales a través de puertas, para relacionar ambos espacios con el escenario interior.

"El teatro viene a consolidar la idea de esta corporación que tres personas formaron hace 10 años y hoy cuenta con 210 socios. Nuestro objetivo ha sido fomentar y promover el desarrollo de Panguipulli y sus habitantes, desde el punto de vista de la cultura", refiere Aníbal Montero, presidente de la corporación.

Con costos de $1.400 millones, que serán suministrados en partes iguales por el gobierno regional de Los Ríos y por la corporación, el teatro debería estar terminado dentro de dos años y medio, según estima Montero.

Con la casona cultural

Su sala tendrá capacidad para 250 butacas. Será un escenario de usos múltiples: conciertos, obras de teatro y de danza, funciones de cine y conferencias. Además, contará con espacio de exposiciones en el foyer y una cafetería. En una segunda etapa, se proyecta incorporar una biblioteca, un restaurante y un embarcadero, que permitirá conectar a los niños con la cultura de la navegación.

Además de programación artística, como las jornadas musicales de la "Ruta de las Misiones", con conciertos durante el verano, las actividades de la corporación consisten principalmente en talleres de diversas disciplinas: música, pintura, danza, cerámica, telar. Actualmente tienen lugar en la llamada Casona Cultural, que con sus dos niveles y fachadas de tonos amarillos es otro referente en Panguipulli.

Fue entregada a la corporación en comodato por la diócesis de Villarrica. Remodelada e inaugurada en 2012, anualmente alcanza los 25 mil visitantes. "En una comuna de 32 mil habitantes, prácticamente todos pasan por la casona", dimensiona Montero.

El Teatro de las Artes estará vinculado a la Casona Cultural, que seguirá siendo el espacio principal de creación. "En cambio, la sala nueva será el espacio de muestra de estos resultados, la vitrina de lo que ocurre en los talleres y las escuelas", anticipa Alfredo Cruz. "Con el programa 'Vive la Música' tenemos mil niños estudiando instrumentos y formando varias orquestas. El teatro será el gran escenario para ellos", cierra Aníbal Montero.

"Tesoros del pueblo": serie retrata diez fiestas religiosas populares

El Mercurio

Hace unos días se liberó en internet un detallado documental sobre La Fiesta de La Tirana. Forma parte de un registro de diez fiestas tradicionales que está transmitiendo el canal EWTN.

Elena Irarrázabal 

Todos los años, para la fiesta de la Virgen del Carmen, más de 200 mil peregrinos de Chile, Bolivia y Perú llegan al árido pueblo de La Tirana para celebrar a su patrona. "Cuando uno llega a la fiesta es muy difícil pretender realizar algo tan sencillo como una entrevista, no solo por la estruendosa música -que no para durante casi una semana de día y noche-, sino que también al constatar que el baile es oración para el danzante, y no se los puede interrumpir. Están muy concentrados, la mayoría no quiere ser visto por las cámaras", explica Carolina Requena, directora de la serie "Tesoros del pueblo", quien con su equipo registró, pese a los obstáculos, diez fiestas religiosas populares en documentales de media hora de duración "Para ellos es más que una danza, es su entrega por amor a la Virgen María. Ya no les basta rezar, no es suficiente con cantar, sino que tienen que expresar lo que traen en su corazón con todo su cuerpo", comenta sobre su experiencia en La Tirana.

"Más que para el creyente o el no creyente, los documentales fueron producidos para aquellos que quisieran conocer el corazón de estas fiestas. Tratar de comprender qué mueve a tantos a caminar kilómetros hasta un santuario, por qué bailan a todo sol o en el frío de una noche en el desierto, por qué tocan con cariño el manto de una imagen, qué sentido tiene todo esto".

Dos años tardaron en registrar diez festividades desde Arica hasta Chiloé. El ciclo incluye celebraciones tan conocidas como las de Yumbel y Andacollo, hasta otras en lugares tan remotos, como la de la Virgen de Las Peñas, a 80 kilómetros de Arica. "Es una ruta solo para valientes, tiene un sentido épico. No hay acceso vehicular, tendido eléctrico, ni señal de teléfono. El asfalto se acaba cuando faltan 20 kilómetros para llegar. Esa distancia hay que cubrirla a pie atravesando ríos sin puentes, siguiendo signos marcados en las rocas. Algo que no detiene a los más de 30 mil peregrinos del altiplano, que veneran la imagen de la Virgen María incrustada en la roca", señala la directora de la serie.

La iniciativa, impulsada por la Fundación CEC, incluye la fiesta del Nazareno de Caguach, celebrada en pleno invierno en esta isla chilota; el masivo homenaje a la "chinita de Andacollo" en el corazón minero del país, y la peregrinación juvenil a Los Andes. "Existe un gran tesoro escondido detrás de cada fiesta religiosa chilena que, muchas veces, resulta inexplicable a la lógica humana. En terreno nos dimos cuenta de que el verdadero trabajo de producción estaba en detenernos y tratar de descubrir esa sabiduría presente en los más humildes y sencillos. A ellos les pusimos cámara y micrófono", comenta Requena. De esta forma, se documentan en forma fiel y transparente las vivencias cotidianas y testimonios de una serie de anónimos peregrinos.

Los documentales no soslayan aristas antropológicas y culturales, pero su eje es la experiencia de fe. "La fe jamás se puede imponer, pero no porque algunos no la tengan se puede esconder la fe de millones. Basta mirar esas multitudes que llegan con sacrificio a los santuarios para darse cuenta de que sería un absurdo hablar de la cultura popular sin considerar lo más popular de esta cultura, que es su vivencia de la fe. Hoy hay mucho miedo de mencionar la fe en los espacios públicos, pero no podemos mutilar la realidad", argumenta Requena.

La serie se transmite durante julio por el canal EWTN (este martes  se exhibirá el documental sobre la peregrinación juvenil a Los Andes). Además se liberó en forma especial el documental completo sobre la fiesta de La Tirana, para que cualquier persona pueda verlo en el sitio web Tesorosdelpueblo.cl. La producción contó con el apoyo de las universidades Gabriela Mistral y San Sebastián.

 Coordenadas
Documentales sobre las fiestas de San Lorenzo, Los Andes, Andacollo, Yumbel, Las Peñas y Caguach transmitirá este mes EWTN. Informaciones en www.tesorosdelpueblo.com.

Fenómeno del pop coreano se extiende a regiones

El Mercurio

KARD, cuarteto integrado por dos hombres y dos mujeres, llegará en septiembre a La Serena, Valparaíso y Concepción, en una breve pero inédita gira que no tendrá escala en Santiago.  

José Vásquez 

Las postales con multitudes incluso durmiendo en la calle para conseguir boletos para conciertos de estrellas del pop coreano, como sucedió en enero pasado con BTS, van a dejar de ser exclusivas de Santiago.

El fenómeno de la música asiática está lejos de decaer. El furor crece y se expande rompiendo los límites de la Región Metropolitana con la próxima visita de los debutantes KARD, cuarteto mixto que de forma inédita realizará su primera gira por Chile a finales de septiembre. Tienen programadas actuaciones en Valparaíso (27, Teatro Municipal), Concepción (29, Gimnasio Municipal) y el 1 de octubre en La Serena (Coliseo Municipal), dejando fuera de su agenda a la capital y rompiendo con la hegemonía centralista.

"Después de lo que pasó con BTS, donde vendimos dos Movistar Arena en el día en que las entradas salieron a la venta -el primero concierto en apenas dos horas-, supimos que esto era un fenómeno que, además de popular, estaba muy fuerte. Entonces nos preguntamos '¿cuál tiene que ser el próximo paso?' y ahí nos dimos cuenta de que el objetivo debía ser consolidar el K-pop de manera nacional, saliendo de Santiago, e incluso de Chile", dice Gonzalo García, CEO de Noix Entertainment, la productora que se ha especializado en el mercado asiático y que ahora será la encargada de los conciertos de este conjunto en Lima y Buenos Aires.

En 2008, García comenzó trayendo bandas de Japón y en 2012 comenzó con el pop coreano. Durante este tiempo ha tenido hitos como un festival de K-pop en la Quinta Vergara y ahora va por más. Tras el furor por BTS -donde también se agotaron 10 mil productos exclusivos de la banda importados desde Corea del Sur-, el 29 de agosto tiene en cartelera el concierto de la boy band Seventeen, conjunto integrado por 13 jóvenes de entre 18 y 21 años, que en apenas cinco horas vendió el 90% de las ubicaciones del Movistar Arena. A ellos se suma la llegada de Monsta X, el 14 de septiembre (ver nota relacionada) en el mismo recinto.

"Siempre he querido profesionalizar el pop coreano, no quiero que se quede en el lenguaje común donde se habla de 'los chinos que cantan y bailan'", dice el productor, que luce números más efectivos que varias de las estrellas mundiales que han venido en los últimos meses a Chile. "Hay artistas como Ariana Grande que acá no venden dos Movistar Arena", plantea.

Tras extender el fenómeno a estas tres ciudades, el proyecto es llegar en el futuro a zonas más alejadas dentro del país. "Hicimos esta apuesta con KARD, una banda que está debutando y todavía no saca su primer álbum, pero que ya en los lugares donde se ha presentado ha agotado sus conciertos, situación que buscamos repetir acá", dice García sobre este grupo que inició su carrera recién en 2016.

Las entradas para este concierto se pondrán a la venta en los próximos días.

 Monsta X debutará en la capital

Pese al interés por descentralizar el K-pop en el país, la capital no quedará olvidada y también para septiembre se agenda el debut en Santiago de Monsta X, otro joven conjunto de Corea del Sur que combina elementos del R&B y el hip hop.

La banda se presentará el próximo 14 de septiembre en el Movistar Arena, en una gira también producida por Noix Entertainment, que llevará al conjunto al Luna Park trasandino y al Auditorio Blackberry de la Ciudad de México, donde ya se habían presentado anteriormente.

Monsta X está integrada por siete miembros que tienen entre 21 y 25 años. El conjunto lanzó recién en marzo de este año su primer álbum larga duración, "The clan 2.5 The final chapter" y en junio comenzaron su también primera gira mundial.

Las entradas para este concierto saldrán a la venta en los próximos días a través de Puntoticket y sin cargo por servicio en NoiX Store, en los Dos Caracoles de Providencia.

Daniel Melero: "No me gusta el Cirque du Soleil aunque sea de Soda. No creo que la visión sobre la música de Soda Stereo sea acrobática"

El Mercurio

El músico bonaerense habla sobre el espectáculo "Sép7imo Día" del Cirque du Soleil, los veinticinco años de "Dynamo" y su nuevo disco "Cristales de Tiempo".  

Bárbara Alcántara 

Locuaz, certero e indómito. Prolífico como pocos. Daniel Melero (59) carga con dieciocho discos en el cuerpo y es responsable de la producción de más de trescientos. Famoso por su apodo, "el Brian Eno argentino", llevó a Gustavo Cerati a dar vueltas por el universo electrónico en la colaboración "Colores Santos" (1992). Sus caminos sonoros están ligados a la electrónica, el  ambient , rock, pop y hasta el bossanova. Todo marcado por letras conceptuales e irónicas que lo han convertido en una de las figuras remarcables del rock trasandino. Cuando todos enloquecían con el punk rock ochentero, él se dejaba abrazar por los sintetizadores. Luego, a fines de los noventa, la rendición ante la música de máquinas era total y él, cual crooner, publicaba un disco de piano. Eternamente ubicado un paso adelante y en la vereda de enfrente.

La participación del creador de "Travesti" (1994) fue fundamental en la carrera de Soda Stereo. Tomó las decisiones finales en emblemas del catálogo del trío, como lo fueron "Canción Animal" (1990), "Rex Mix" (1991) y "Dynamo", cuyo lanzamiento fue en octubre de 1992. Hace veinticinco años, aquellas atmósferas acuosas, ásperas capas de sonido junto con guitarras sicodélicas y ruidosas fueron incomprendidas. La promoción fue tibiona y no pasó más allá de la programación de "Primavera 0" en las radios. La pandilla de "La Ciudad de la Furia" se había dejado influenciar por agrupaciones tales como My Bloody Valentine, Sonic Youth, Ride y Slowdive. "Cuando salió, todo el mundo dijo que era 'fulero'. A la crítica no le gustó y yo pasé a ser el Yoko Ono de la banda, como si Yoko fuera mala", asegura el porteño. Así, desganados y tediosos, fueron los primeros pasos de un disco pionero al incorporar sonidos del shoegazing . Una pieza que se convirtió en álbum de culto de una de las agrupaciones más importantes del continente.

"Cuando recién lo hicimos, no me gustaba nada", reconoce el autor de "Trátame suavemente" y luego explica que "después de haber estado componiendo temas, mi padre falleció. Aparte, ellos estaban por firmar un contrato con otra compañía y se hablaba mucho de eso en el estudio. Lo que interrumpía la inspiración por la posición de cada uno. Llegó un momento en que yo pedí irme, les iba a devolver el dinero que me habían dado por anticipado y también se negaron a que eso sucediera. Gustavo, personalmente, me pidió que le diese mi opinión sobre las mezclas y que corrigiese lo que me parecía que no era adecuado. Lo hice en honor a la amistad que nos une. No corregí casi nada porque me pareció que estaba perfecto aunque no era de mi gusto".

-¿Y lo ha vuelto a escuchar?
"Hace tres meses lo hice y me pareció espectacular. Yo trato de pasarla bien en el estudio, sin embargo 'Dynamo' demuestra que pasándola mal puedes llegar a hacer un disco muy interesante. Ahora sentí el impacto de esos tipos haciendo esa música. Ya no veo los problemas, sino sus virtudes".

-Pero siempre has dicho que "Canción Animal" es tu favorito.
"Después de haberme reconciliado con 'Dynamo', creo que podría llamar 'mi favorito' a todo lo que vivimos juntos".

Lejos del circo

Dada su cercanía a Cerati y Soda, la voz de Melero se ha vuelto una referencia obligada a la hora de hablar de la banda argentina, la que vuelve a estar en boga por estos días con el estreno en Chile del esperado nuevo show de Cirque du Soleil, "Sép7imo Día - No Descansaré", inspirado en la música e historia de Soda Stereo, que debuta el próximo miércoles en el Movistar Arena. Con más de setenta funciones en el Luna Park de Buenos Aires, el homenaje a Cerati y compañía tuvo su puntapié inicial en marzo de este año.

Consultado sobre si fue a verlo, Melero es claro al decir "no, no fui". Siempre polémico, el autor de "Trátame suavemente" agrega que "para empezar no me gusta el Cirque du Soleil aunque sea de Soda. Si los acróbatas cayeran de cabeza me gustaría más. No creo que la visión sobre la música de Soda Stereo sea acrobática".

-¿Cree que a Gustavo Cerati le hubiera gustado?
"No. Yo no voy a responder por él".

-Pero tengo entendido que fue a un ensayo...
"Fui solo a firmar papeles, debido a que soy autor de varios temas que se utilizan".

Huérfano de Bowie

En 1982, Melero configura la primera agrupación de pop electrónico trasandino, Los Encargados. Después de concebir tres discos de los cuales solo publicaron el tercero, "Silencio" (1986), el hombre de los sintetizadores inició un largo recorrido como productor. Trabajó con Babasónicos, Todos Tus Muertos y Los Brujos, además de liderar "Teledirigido" (1998), el debut de los chilenos Canal Magdalena. Hoy, a pesar de editar prácticamente un disco por año, continúa la ruta de la producción. Detalla que en la actualidad se siente atraído musicalmente por la banda sonora en la que trabaja Diego Tuñón, tecladista de Babasónicos. "Es para una película sobre Marcel Duchamp y sus tiempos en Buenos Aires", explica, y luego destaca "admiro a Duchamp profundamente".

-¿Y qué chilenos le han dado revelaciones últimamente?
"Mika Martini me llamó la atención, además de Joaquín Contreras alias Quim Font. Mucho más no te puedo contar. Conocí más la escena de los noventa".

-¿Y a quién más admira?
"A David Bowie. Soy un huérfano de Bowie. Si vos me decís, ¿qué disco te llevas a una isla desierta? 'Low'".

 Un viaje por el Polo Sur

La célebre expedición del irlandés Ernest Shackleton al Polo Sur en 1914 fue la piedra fundacional de "Cristales de Tiempo". Sin fecha de lanzamiento definida, el nuevo material debería publicarse dentro de un mes aproximadamente. "La fecha se fue corriendo debido a mi 'inconducta'", cuenta entre risas. "Jamás me había atrasado tanto. Me rendí ante el disco. Fue muy atrapante".

El creador de "Travesti" (1994) se explayó sobre esta nueva experiencia. "En algunos álbumes prefiero ir con un plan. En este caso, no sabía bien a dónde quería llegar y eso se refleja de una manera muy grata. No saber el por qué, ni el sentido, y sin embargo encontrarlo en el camino".

-¿Por qué se basa en la expedición de Shackleton?
"Es que supuestamente él publicó un pequeño aviso en el que se buscaba gente dispuesta a hacer un viaje peligroso. Tal vez sin posibilidad de regresar. Estando ya en la mitad del proceso me enteré de que eso era falso. Una de las típicas informaciones que con los años se convierten en realidades. El famoso aviso nunca existió, pero a mí me inspiró grandemente cuando creía que era realidad y cuando me enteré que no, mucho más".

-Y el sonido, ¿por dónde va?
"No es ambient . Más bien es espacial, muy cósmico. Lo que pretendo es que se escuche con los ojos cerrados y no mirando una pantalla".

-A propósito de pantalla táctil, noté que tiene redes sociales...
"Sí, pero no sé ni el password de mi Twitter o Facebook. En general, las maneja Rodrigo, mi mánager. Mis redes sociales son más táctiles que cualquier pantalla. Se trata de cuerpos humanos".

-¿Nunca le interesó o le aburrieron?
"La palabra red social me suena terrible. Para mí, seguir gente es una actitud propia de un acosador. Si voy a hacerlo prefiero que sea en el mundo real".