sábado, marzo 31, 2018
El futuro ya vive en los shows en vivo
Patricio Zenklussen Franco
Espectáculos
El Mercurio
Audífonos para ecualizar un concierto, hologramas que reemplazan a los artistas de carne y hueso, y gafas de realidad virtual que nos permiten rockear desde casa. La tecnología ha iniciado su avanzada para cambiar la forma en la que vivimos los espectáculos en directo.
A pesar de que en nuestra época la tecnología ha abordado casi todos los aspectos de nuestras vidas, todavía existen algunos lugares y situaciones que han sabido mantener formas más tradicionales y alejadas del flujo digital. Las grandes orquestas siguen prefiriendo las partituras de papel a los softwares interactivos de los tablets, y en algunos lugares del mundo el streaming no ha podido reemplazar los formatos físicos como el CD o el blu-ray .
Los conciertos, por su parte, son otra experiencia que ha logrado mantenerse prácticamente inalterada desde su origen. La fórmula compuesta con un artista sobre un escenario y un grupo de espectadores al frente ha sido la misma desde hace miles de años.
Sin embargo, eso estaría por cambiar. Artistas e ingenieros han comenzado a crear experiencias en vivo que dan un giro a los formatos tradicionales, echando mano a toda la potencialidad de los avances tecnológicos del momento.
Aparatos que modifican el sonido de un show, imágenes digitales que traen a la vida a personajes que ya no existen, computadoras como estrellas de pop y la capacidad de asistir de manera virtual a un concierto a través de sistemas de realidad virtual son algunos ejemplos del futuro arribando a los espectáculos en vivo.
Hologramas musicales
Una de las tendencias más desarrolladas entre la música en vivo y la tecnología es la utilización de hologramas.
Aunque la técnica para llevar a cabo este tipo de fenómenos ópticos ya tiene sus años, los avances de la última década han permitido desarrollar shows realmente impactantes.
Uno de los primeros espectáculos de este tipo fue en 2006, durante la 48 {+a} ceremonia de los Grammy. En esa ocasión, la banda de Damon Albarn, Gorillaz, interpretó su hit "Feel Good Inc." con sus figuras proyectadas sobre el escenario. A continuación, Madonna se unió al show de manera virtual, para luego salir en persona y romper la ilusión óptica.
Desde ese punto, decenas de artistas han recurrido a este tipo de formato para potenciar sus presentaciones, pero también para volver desde más allá de la tumba. Y aunque esta última frase pueda resultar tétrica, no deja de ser cierta.
"If I can dream" fue la canción escogida por Céline Dion para cantar en dueto con Elvis Presley en 2007, a 30 años del fallecimiento del Rey del Rock'n Roll; y en 2012, el rapero Tupac Shakur compartió rimas con Dr. Dre y Snoop Dogg en el festival Coachella.
Michael Jackson también regresó a la vida para interpretar "Slave to the rhythm" -de su disco póstumo "Xscape"- durante la ceremonia de entrega de los Billboard Awards en 2014; y el icónico cantante de heavy metal Ronnie James Dio ha vuelto del más allá en varias ocasiones para hacer vibrar a la gente con su música.
Las reacciones, eso sí, no siempre han sido positivas. El realismo del sistema, y la utilización del mismo con personajes que ya han muerto ha sido categorizado como raro, espeluznante y hasta irrespetuoso.
Lo cierto es que día a día los espectáculos con hologramas van ganando terreno y diversificándose en estilos y puestas en escena. En Tokio se estrenará próximamente el espectáculo "Callas in concert", que tendrá como protagonista a la legendaria soprano Maria Callas, y en Reino Unido "In dreams", show dedicado a la memoria del cantautor norteamericano Roy Orbison que contará con el apoyo de la Royal Philharmonic Orchestra.
Personalizando el sonido
Conscientes de los problemas de audio que se suele experimentar en conciertos, desde una mala acústica en el recinto a problemas de volumen o irregularidades entre los instrumentos, la compañía francesa Augmented Acoustics desarrolló el sistema SupraLive, que "habilita a los asistentes de un concierto a tener una experiencia sonora inmersiva y flexible a los gustos y perfiles de escucha de cada uno".
En términos simples, SupraLive nos deja manipular todo lo que llega a nuestros oídos y crear una experiencia sonora personalizada, con tan solo un par de audífonos, un pequeño dispositivo similar a una cajita de remedios llamado Peeble y una aplicación para celulares. Nada más.
El funcionamiento es bastante simple: el usuario se pone los audífonos, equipados con cancelación de ruido de alto nivel, para aislarse completamente del exterior. A continuación, el Peeble recibe la señal de audio transmitida directamente desde la mesa de sonido y la reproduce a los auriculares con la más alta calidad posible y sin ningún retraso. Luego, desde un smartphone conectado por bluetooth , se puede manipular el sonido de todas las formas imaginables, desde subir o bajar el volumen, hasta ecualizar o separar cada instrumento que está sonando.
Este sistema ha sido puesto a prueba satisfactoriamente en varios y diversos espectáculos en vivo, desde festivales de rock y metal, hasta conciertos de ópera, y aunque todavía no se ha alcanzado la masividad, sí aparece como una de las más promisorias novedades de la música en vivo. Después de todo, quién no quisiera tomarse una ligera venganza con los tan criticados ingenieros de sonido.
Cantando en binario
La tecnología y el animé, dos facetas muy fuertemente arraigadas en la cultura japonesa, se juntaron para crear un fenómeno que rápidamente ha traspasado las fronteras de la isla asiática para viajar por todo el globo: los shows de Vocaloid.
El Vocaloid, nacido a principios de milenio en los laboratorios de Yamaha, es un programa que permite a los usuarios escribir letras y melodías para que una computadora las interprete. Adicionalmente, se escoge entre varios tipos de voz, con timbres y personalidades distintivas, para así alcanzar un resultado que mezcla lo humano y lo robótico.
Pero la música fue solo el comienzo. Grandes productoras atentas a la positiva recepción de la gente decidieron dar vida a los personajes que interpretaban estas a través de animaciones digitales. El resultado: el nacimiento de verdaderos íconos pop.
Hatsune Miku, Gumi y los Kagamine Twins son algunos de los nombres más famosos en este mundo de artistas binarios, que viajan por el mundo llenando recintos de fanáticos ávidos por cantar y bailar al ritmo de estas proyecciones.
La dinámica es similar a la de un recital tradicional, con una banda de músicos tocando en vivo y miles de personas expectantes. La única diferencia es que la estrella del show es un personaje animado que no existe más allá de una computadora.
Este particular fenómeno goza de mucha fuerza en Chile -de la mano de los movimientos otaku y la afinidad cultural con el país del sol naciente-, al punto de que el único concierto de este tipo que se ha dado en Latinoamérica fue el de la vocaloid IA, en la Super Japan Expo del año pasado, realizada en el Movistar Arena.
Natalia Lafourcade: El regreso de la ganadora del Oscar
El Mercurio
Ella es la intérprete de la canción "Recuérdame", triunfadora en el Oscar 2018 por la Mejor Canción Original en "Coco", la película más vista en Chile durante este año.
Natalia Lafourcade ya ha estado en el país y ahora regresa para presentar su trabajo "Musas", en el que homenajea a "héroes musicales", como Agustín Lara, María Grever, Margarita Lecuona y Atahualpa Yupanqui.
Ese es el repertorio que trae a Santiago el domingo 29 de abril, a las 20:00 horas, en el Teatro Coliseo. Actuará junto a Los Macorinos, dúo de guitarras famoso por acompañar en vivo a la célebre Chavela Vargas.
La artista mexicana, uno de los nombres más destacados de su país, se refiere así a sus influencias: "Julieta Venegas, sin duda. Ella se convirtió en un referente para mí. Pero también Nina, Toña la Negra, Violeta Parra y La Lupe. Ese tipo de mujeres se ha convertido en una fuente de inspiración".
Las entradas para su concierto en Chile van desde los 22 mil a los 30 mil pesos, y se encuentran a la venta a través del sistema Puntoticket.
Ella es la intérprete de la canción "Recuérdame", triunfadora en el Oscar 2018 por la Mejor Canción Original en "Coco", la película más vista en Chile durante este año.
Natalia Lafourcade ya ha estado en el país y ahora regresa para presentar su trabajo "Musas", en el que homenajea a "héroes musicales", como Agustín Lara, María Grever, Margarita Lecuona y Atahualpa Yupanqui.
Ese es el repertorio que trae a Santiago el domingo 29 de abril, a las 20:00 horas, en el Teatro Coliseo. Actuará junto a Los Macorinos, dúo de guitarras famoso por acompañar en vivo a la célebre Chavela Vargas.
La artista mexicana, uno de los nombres más destacados de su país, se refiere así a sus influencias: "Julieta Venegas, sin duda. Ella se convirtió en un referente para mí. Pero también Nina, Toña la Negra, Violeta Parra y La Lupe. Ese tipo de mujeres se ha convertido en una fuente de inspiración".
Las entradas para su concierto en Chile van desde los 22 mil a los 30 mil pesos, y se encuentran a la venta a través del sistema Puntoticket.
Los Tetas acusan a radio de veto
El Mercurio
Luego de que un conductor de 40 Principales dijera al aire que en la frecuencia no está tocando música de la banda, a propósito de las acusaciones de violencia de género en contra de su ex vocalista Tea Time, el resto del conjunto criticó a la emisora por censurar su material luego de haber tomado medidas para expulsarlo del grupo.
Luego de que un conductor de 40 Principales dijera al aire que en la frecuencia no está tocando música de la banda, a propósito de las acusaciones de violencia de género en contra de su ex vocalista Tea Time, el resto del conjunto criticó a la emisora por censurar su material luego de haber tomado medidas para expulsarlo del grupo.
El 6 de abril: Dúo rossiniano en Providencia
El Mercurio
Organizado por la Embajada de Italia, este concierto contará con la interpretación de la soprano Laura Cherici y el pianista Nicola Ventrella, en el auditorio de la Fundación Cultural de Providencia (Nueva Providencia 1995). Reservas en iicsantiago@esteri.it.
Organizado por la Embajada de Italia, este concierto contará con la interpretación de la soprano Laura Cherici y el pianista Nicola Ventrella, en el auditorio de la Fundación Cultural de Providencia (Nueva Providencia 1995). Reservas en iicsantiago@esteri.it.
viernes, marzo 30, 2018
Patricia Maldonado retoma su carrera musical
El Mercurio
La cantante grabará un álbum de boleros que producirá Luis Jara. "Voy a ser la primera en decir: 'Me retiro', si mi voz no está funcionando".
Por MARÍA PAZ CONTRERAS
Hace cinco años, Patricia Maldonado volvió a un estudio de grabación junto a Luis Jara, para reinterpretar sus mayores éxitos. Hoy, la cantante nuevamente regresa a la música de la mano del animador de "Mucho Gusto". Esta vez para recopilar en un disco grandes boleros de la historia. "A mí me gusta mucho la bachata y el reggaetón, pero un bolero bien cantado me mata y este es un mercado que no ha sido explotado", afirma.
La decisión la tomó luego de que Jara, quien producirá el disco, la invitara a participar de una serie de conciertos que realizaron durante enero y febrero. "Nos fue súper bien, yo quedé fascinada. Ahí me di cuenta de que tenía que ser tonta para dejar esto que me gusta", sostiene.
Su nuevo proyecto comenzará en estos días con la preproducción para entrar a grabar en julio. Algunos de los temas que piensa incluir son "El reloj", de Roberto Cantoral; "Contigo aprendí", de Armando Manzanero, y "Tú me acostumbraste", de Frank Domínguez. "Elegimos canciones que están en el inconsciente colectivo de las personas".
Este álbum tendrá dos discos. "No es suficiente para la cantidad de canciones que tengo en mente", asegura. La producción contará con la colaboración de su compañero del matinal. "Lucho quiere grabar conmigo y quizás haya más colaboraciones".
Han pasado 40 años desde que la intérprete de "Desde hace tiempo" lanzó su primer disco, en 1978. Continuó con su carrera musical hasta los años 80, en paralelo con su rol de animadora y panelista de televisión.
También se ha dedicado a producir espectáculos, convocando a diversas figuras de la TV. Ahora ha estado presentando el show "Quién dijo que no éramos amigos", con el animador José Miguel Viñuela.
Si bien la cantante ha estado años sin grabar, nunca se ha alejado de la música. Según afirma, cantar es su pasión y lo hará hasta que su voz se lo permita: "A mí me queda mucha. Voy a ser la primera en decir: 'Me retiro', si mi voz no está funcionando", enfatiza.
Maldonado critica duramente a Miguel Bosé, por la calidad vocal en su presentación del último Festival de Viña. "Uno tiene que darse cuenta cuando uno no está en las condiciones óptimas para cantar, hay que dar un paso al lado", sostiene.
En su caso, explica: "No he sido tonta. Sola fui cambiando mi registro, para que me quedara cómodo".
En 2015, la orquesta chilena de salsa Santiago All Stars la invitó a participar en su disco "Para gozar y bailar". Maldonado, quien hizo una versión de "Qué sabes tú", confiesa haber estado muy nerviosa cuando entró al estudio. Para ella este era un desafío, nunca había interpretado ese tipo de música. A ello agrega que el productor musical era Ricky González, quien es pianista en la orquesta que acompaña a Marc Anthony en sus giras. "Cuando conocí a Ricky me sentí insegura, no quería cantar", reconoce.
Hoy las cosas son distintas, afirma, ya que dice tener mucha confianza en Luis Jara, a quien más que un compañero de trabajo lo considera su amigo.
Fuera de este proyecto y de los conciertos que planea dar en el año para promocionar el disco, cuenta que Ricky González la invitó a participar en un álbum que reunirá a las mejores intérpretes latinoamericanas.
La cantante grabará un álbum de boleros que producirá Luis Jara. "Voy a ser la primera en decir: 'Me retiro', si mi voz no está funcionando".
Por MARÍA PAZ CONTRERAS
Hace cinco años, Patricia Maldonado volvió a un estudio de grabación junto a Luis Jara, para reinterpretar sus mayores éxitos. Hoy, la cantante nuevamente regresa a la música de la mano del animador de "Mucho Gusto". Esta vez para recopilar en un disco grandes boleros de la historia. "A mí me gusta mucho la bachata y el reggaetón, pero un bolero bien cantado me mata y este es un mercado que no ha sido explotado", afirma.
La decisión la tomó luego de que Jara, quien producirá el disco, la invitara a participar de una serie de conciertos que realizaron durante enero y febrero. "Nos fue súper bien, yo quedé fascinada. Ahí me di cuenta de que tenía que ser tonta para dejar esto que me gusta", sostiene.
Su nuevo proyecto comenzará en estos días con la preproducción para entrar a grabar en julio. Algunos de los temas que piensa incluir son "El reloj", de Roberto Cantoral; "Contigo aprendí", de Armando Manzanero, y "Tú me acostumbraste", de Frank Domínguez. "Elegimos canciones que están en el inconsciente colectivo de las personas".
Este álbum tendrá dos discos. "No es suficiente para la cantidad de canciones que tengo en mente", asegura. La producción contará con la colaboración de su compañero del matinal. "Lucho quiere grabar conmigo y quizás haya más colaboraciones".
Han pasado 40 años desde que la intérprete de "Desde hace tiempo" lanzó su primer disco, en 1978. Continuó con su carrera musical hasta los años 80, en paralelo con su rol de animadora y panelista de televisión.
También se ha dedicado a producir espectáculos, convocando a diversas figuras de la TV. Ahora ha estado presentando el show "Quién dijo que no éramos amigos", con el animador José Miguel Viñuela.
Si bien la cantante ha estado años sin grabar, nunca se ha alejado de la música. Según afirma, cantar es su pasión y lo hará hasta que su voz se lo permita: "A mí me queda mucha. Voy a ser la primera en decir: 'Me retiro', si mi voz no está funcionando", enfatiza.
Maldonado critica duramente a Miguel Bosé, por la calidad vocal en su presentación del último Festival de Viña. "Uno tiene que darse cuenta cuando uno no está en las condiciones óptimas para cantar, hay que dar un paso al lado", sostiene.
En su caso, explica: "No he sido tonta. Sola fui cambiando mi registro, para que me quedara cómodo".
En 2015, la orquesta chilena de salsa Santiago All Stars la invitó a participar en su disco "Para gozar y bailar". Maldonado, quien hizo una versión de "Qué sabes tú", confiesa haber estado muy nerviosa cuando entró al estudio. Para ella este era un desafío, nunca había interpretado ese tipo de música. A ello agrega que el productor musical era Ricky González, quien es pianista en la orquesta que acompaña a Marc Anthony en sus giras. "Cuando conocí a Ricky me sentí insegura, no quería cantar", reconoce.
Hoy las cosas son distintas, afirma, ya que dice tener mucha confianza en Luis Jara, a quien más que un compañero de trabajo lo considera su amigo.
Fuera de este proyecto y de los conciertos que planea dar en el año para promocionar el disco, cuenta que Ricky González la invitó a participar en un álbum que reunirá a las mejores intérpretes latinoamericanas.
Yuko Sano, la premiada pianista que debuta en Chile
El Mercurio
Actuará en el GAM y en el Teatro Regional del Biobío.
Es la única Steinway Artist nipona y en sus recitales contrastará grandes composiciones de Schumann y Liszt con las "Doloras", de Alfonso Leng.
Por Romina de la Sotta Donoso
"Me enamoré de Chile en febrero. La gente fue amable y la comida y la cultura, sorprendentes. ¡Disfruté mucho su rica vida musical!", dice Yuko Sano (1989). Durante una semana, la pianista japonesa asistió a todos los conciertos de las 50 {+a} {+s} Semanas Musicales. Y ahora decidió volver, esta vez como artista: "Para mí es un honor actuar en un país tan hermoso".
Dará dos recitales gratuitos. Dentro de la temporada del Departamento de Música de la U. de Chile actuará el miércoles 4 de abril en el GAM (19:30 horas), y el día 11 será la primera solista en presentarse en la gran sala de 2.000 butacas del nuevo Teatro Regional del Biobío (19 horas).
La virtuosa y premiada pianista tuvo estudios en la Academia Franz Liszt, de Budapest, y la Royal Academy of Music, de Londres, ciudad donde reside. Además de ser una Steinway Artist desde los 25 años y tener una activa agenda de conciertos en Europa y Asia, acaba de lanzar su primer CD, "Kotoba".
"Me interesa la música chilena moderna y contemporánea", señala Sano, quien ha grabado las "Doloras", del chileno Alfonso Leng. "Su música es realmente expresiva y profunda, y es muy interesante que los poemas de Pedro Prado que incluye la partitura hayan sido escritos después de la música", comenta. Las incluyó en el programa que presentará acá -llamado "Danzas y poemas"-, además de "Danza Chilena", del iquiqueño Fabián Andrades.
También tocará tesoros del repertorio pianístico, como "Waldszenen" ("Escenas del bosque"), de Schumann, y la Fantasía "Húngara" N° 2, de Liszt, además de las "Danzas Argentinas", de Ginastera, y "Ondine", de "Gaspard de la Nuit" de Ravel. E incorporará a Japón, a través de "Uninterrupted Rest", de Takemitsu. "Esta música muestra valores esenciales del espíritu japonés, como la calma, la aceptación y el respeto por la naturaleza", aclara. Además, desde este lunes, Sano dará clases magistrales en el Liceo Experimental Artístico, la U. de Chile y el Conservatorio "Laurencia Contreras", de Concepción. "Estoy ansiosa por interactuar con jóvenes chilenos a través de la música; considero que es mi idioma nativo, porque mi carrera internacional de concertista partió cuando yo tenía ocho años", ríe.
Actuará en el GAM y en el Teatro Regional del Biobío.
Es la única Steinway Artist nipona y en sus recitales contrastará grandes composiciones de Schumann y Liszt con las "Doloras", de Alfonso Leng.
Por Romina de la Sotta Donoso
"Me enamoré de Chile en febrero. La gente fue amable y la comida y la cultura, sorprendentes. ¡Disfruté mucho su rica vida musical!", dice Yuko Sano (1989). Durante una semana, la pianista japonesa asistió a todos los conciertos de las 50 {+a} {+s} Semanas Musicales. Y ahora decidió volver, esta vez como artista: "Para mí es un honor actuar en un país tan hermoso".
Dará dos recitales gratuitos. Dentro de la temporada del Departamento de Música de la U. de Chile actuará el miércoles 4 de abril en el GAM (19:30 horas), y el día 11 será la primera solista en presentarse en la gran sala de 2.000 butacas del nuevo Teatro Regional del Biobío (19 horas).
La virtuosa y premiada pianista tuvo estudios en la Academia Franz Liszt, de Budapest, y la Royal Academy of Music, de Londres, ciudad donde reside. Además de ser una Steinway Artist desde los 25 años y tener una activa agenda de conciertos en Europa y Asia, acaba de lanzar su primer CD, "Kotoba".
"Me interesa la música chilena moderna y contemporánea", señala Sano, quien ha grabado las "Doloras", del chileno Alfonso Leng. "Su música es realmente expresiva y profunda, y es muy interesante que los poemas de Pedro Prado que incluye la partitura hayan sido escritos después de la música", comenta. Las incluyó en el programa que presentará acá -llamado "Danzas y poemas"-, además de "Danza Chilena", del iquiqueño Fabián Andrades.
También tocará tesoros del repertorio pianístico, como "Waldszenen" ("Escenas del bosque"), de Schumann, y la Fantasía "Húngara" N° 2, de Liszt, además de las "Danzas Argentinas", de Ginastera, y "Ondine", de "Gaspard de la Nuit" de Ravel. E incorporará a Japón, a través de "Uninterrupted Rest", de Takemitsu. "Esta música muestra valores esenciales del espíritu japonés, como la calma, la aceptación y el respeto por la naturaleza", aclara. Además, desde este lunes, Sano dará clases magistrales en el Liceo Experimental Artístico, la U. de Chile y el Conservatorio "Laurencia Contreras", de Concepción. "Estoy ansiosa por interactuar con jóvenes chilenos a través de la música; considero que es mi idioma nativo, porque mi carrera internacional de concertista partió cuando yo tenía ocho años", ríe.
Ernesto Ottone va a trabajar a la Unesco
El Mercurio
El ex ministro fue nombrado subdirector de Cultura de la Unesco. La actual designación, según la directora de la institución, Audrey Azoulay, "responde a la dinámica que pretendo dar a nuestra institución. La calidad de sus recorridos profesionales y su diversidad enriquecen a la Unesco".
Ottone presidió el Consejo Nacional de la Cultura y las Artes desde 2015, donde llevó adelante la discusión legislativa para la creación del Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio, que entró en vigencia en marzo de este año.
El ex ministro fue nombrado subdirector de Cultura de la Unesco. La actual designación, según la directora de la institución, Audrey Azoulay, "responde a la dinámica que pretendo dar a nuestra institución. La calidad de sus recorridos profesionales y su diversidad enriquecen a la Unesco".
Ottone presidió el Consejo Nacional de la Cultura y las Artes desde 2015, donde llevó adelante la discusión legislativa para la creación del Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio, que entró en vigencia en marzo de este año.
Inglaterra: Músico gana demanda por pérdida auditiva
El Mercurio
El violista Christopher Goldscheider ganó una demanda contra la Royal Opera House, luego de quedar sordo en un ensayo en 2012, ocasión en que estuvo expuesto a más de 130 decibelios.
El violista Christopher Goldscheider ganó una demanda contra la Royal Opera House, luego de quedar sordo en un ensayo en 2012, ocasión en que estuvo expuesto a más de 130 decibelios.
jueves, marzo 29, 2018
Museo Violeta Parra: Familia Madariaga encabeza recital de canto a lo poeta
Tres generaciones de decimistas, cantores y guitarroneros cartageninos, los Madariaga llegan al Museo Violeta Parra para dar un recital de canto a lo divino y canto a lo humano este Sábado Santo. Son Arnoldo Madariaga Encina (80), su hijo Arnoldo Madariaga López (52) y su nieta Emma Madariaga Valladares (15), quienes el año pasado fueron distinguidos como Tesoro Humano Vivo. La presentación, gratuita, será a las 16:30 horas.
miércoles, marzo 28, 2018
Jean-Michel Jarre debutó con un estimulante show en Santiago
El Mercurio
El pionero de la música electrónica se presentó anoche en el Movistar Arena ante cerca de 12 mil personas con un espectáculo tecnológico, apoyado en un festival de rayos láser.
Por José Vásquez
Las luces se apagan y frenan la impaciencia de un público que ya comenzaba a silbar por el retraso de un concierto por el que primero se esperaron décadas y recientemente otros cuatro meses, tras la primera cancelación del debut de Jean-Michel Jarre en la capital, fijado entonces para noviembre último.
Pasadas las 21:20 horas, el Movistar Arena se oscurecía mientras las pantallas del escenario -dos laterales, una central al fondo y otra también al centro- comenzaban a entregar imágenes tridimensionales.
En escena aparecían tres músicos, cada uno en su propia nave, rodeados de sintetizadores, percusiones y un Jarre al centro, triunfante con el brazo y el puño en alto.
El pionero de la música electrónica iniciaba transmisiones con "Automatic", una energética pieza que finalizaba con el primer saludo de la noche, con el francés hablando en español y diciendo estar "muy contento de estar aquí finalmente", como si aludiera al momento en que él mismo acusó que no estaban las condiciones acordadas para realizar el aplazado espectáculo.
Superado el desencuentro con Fenix, la productora a cargo del show, anoche lo del artista fue una demostración de la vigencia de una carrera que ya acumula casi cinco décadas.
Un montaje sostenido en estimulantes proyecciones y rayos láser apoyó un repertorio en que el músico recorrió su historia, con especial atención a sus "Oxygène", tocando "Oxygène 2", "Oxygène 8" -que presentó con un "bienvenidos a mi cocina" donde a través de unos lentes proyectaba todo lo que veía mientras tocaba sus instrumentos-, y sobre todo "Oxygène 4", que fue una de las más celebradas por las cerca de 12 mil personas que llegaron anoche al recinto del Parque O'Higgins.
El pionero de la música electrónica se presentó anoche en el Movistar Arena ante cerca de 12 mil personas con un espectáculo tecnológico, apoyado en un festival de rayos láser.
Por José Vásquez
Las luces se apagan y frenan la impaciencia de un público que ya comenzaba a silbar por el retraso de un concierto por el que primero se esperaron décadas y recientemente otros cuatro meses, tras la primera cancelación del debut de Jean-Michel Jarre en la capital, fijado entonces para noviembre último.
Pasadas las 21:20 horas, el Movistar Arena se oscurecía mientras las pantallas del escenario -dos laterales, una central al fondo y otra también al centro- comenzaban a entregar imágenes tridimensionales.
En escena aparecían tres músicos, cada uno en su propia nave, rodeados de sintetizadores, percusiones y un Jarre al centro, triunfante con el brazo y el puño en alto.
El pionero de la música electrónica iniciaba transmisiones con "Automatic", una energética pieza que finalizaba con el primer saludo de la noche, con el francés hablando en español y diciendo estar "muy contento de estar aquí finalmente", como si aludiera al momento en que él mismo acusó que no estaban las condiciones acordadas para realizar el aplazado espectáculo.
Superado el desencuentro con Fenix, la productora a cargo del show, anoche lo del artista fue una demostración de la vigencia de una carrera que ya acumula casi cinco décadas.
Un montaje sostenido en estimulantes proyecciones y rayos láser apoyó un repertorio en que el músico recorrió su historia, con especial atención a sus "Oxygène", tocando "Oxygène 2", "Oxygène 8" -que presentó con un "bienvenidos a mi cocina" donde a través de unos lentes proyectaba todo lo que veía mientras tocaba sus instrumentos-, y sobre todo "Oxygène 4", que fue una de las más celebradas por las cerca de 12 mil personas que llegaron anoche al recinto del Parque O'Higgins.
Breves Musicales
Dañaron estatua en honor a David Bowie
Menos de dos días permaneció intacta la escultura en homenaje al artista británico antes de que fuera rayada por desconocidos. Los vándalos escribieron en el piso los mensajes "Alimenten a los vagabundos primero" y "RIP DB". Las autoridades de la localidad de Aylesbury, al noroeste de Londres, ya comenzaron a trabajar en la reparación de los daños, apoyados por un grupo de voluntarios.
Céline Dion anuncia cancelación de sus conciertos por problemas auditivos
La cantante canadiense comunicó a través de redes sociales que sufre una enfermedad en el oído medio que le provoca irregularidades en su audición y dificultades para cantar. Por ello, deberá someterse a una pequeña cirugía que no le permitirá realizar los espectáculos que tenía agendados en la ciudad de Las Vegas desde el 27 de marzo al 18 de abril. "Lo siento por aquellas personas que tenían planeado viajar para ver mi espectáculo. Sé que es muy decepcionante y me disculpo por ello", manifestó Dion, quien aseguró que volverá a los escenarios a finales de mayo próximo.
Murió Seo Min-woo, líder de la banda 100%
El joven de 33 años, miembro de la banda de K-pop 100%, fue hallado muerto en su hogar de la capital coreana, Seúl, tras sufrir un paro cardíaco. Aunque su deceso ocurrió el domingo, la información recién se hizo pública ayer a través de un comunicado de la productora de la banda, TOP Media: "Su familia, el equipo de producción y sus compañeros están viviendo el luto tras recibir estas terribles noticias. Min-woo era un amigo con un sincero afecto por sus cercanos y fanáticos".
Menos de dos días permaneció intacta la escultura en homenaje al artista británico antes de que fuera rayada por desconocidos. Los vándalos escribieron en el piso los mensajes "Alimenten a los vagabundos primero" y "RIP DB". Las autoridades de la localidad de Aylesbury, al noroeste de Londres, ya comenzaron a trabajar en la reparación de los daños, apoyados por un grupo de voluntarios.
Céline Dion anuncia cancelación de sus conciertos por problemas auditivos
La cantante canadiense comunicó a través de redes sociales que sufre una enfermedad en el oído medio que le provoca irregularidades en su audición y dificultades para cantar. Por ello, deberá someterse a una pequeña cirugía que no le permitirá realizar los espectáculos que tenía agendados en la ciudad de Las Vegas desde el 27 de marzo al 18 de abril. "Lo siento por aquellas personas que tenían planeado viajar para ver mi espectáculo. Sé que es muy decepcionante y me disculpo por ello", manifestó Dion, quien aseguró que volverá a los escenarios a finales de mayo próximo.
Murió Seo Min-woo, líder de la banda 100%
El joven de 33 años, miembro de la banda de K-pop 100%, fue hallado muerto en su hogar de la capital coreana, Seúl, tras sufrir un paro cardíaco. Aunque su deceso ocurrió el domingo, la información recién se hizo pública ayer a través de un comunicado de la productora de la banda, TOP Media: "Su familia, el equipo de producción y sus compañeros están viviendo el luto tras recibir estas terribles noticias. Min-woo era un amigo con un sincero afecto por sus cercanos y fanáticos".
martes, marzo 27, 2018
Luis Alberto Latorre marca la pauta en su gira por Italia
El Mercurio
El pianista también dará una charla sobre música chilena.
Apostó por una obra de Enrique Soro entre dos Sonatas de Beethoven en sus recitales en el Piamonte. Y cosechó grandes aplausos.
Por Romina de la Sotta Donoso
Respetado por los auditores, sus colegas y la crítica, Luis Alberto Latorre (1959) representa lo que se conoce como un músico integral: es un solista excepcionalmente virtuoso, que hace también música de cámara y orquestal, y que aborda todos los repertorios que existen, con entregas memorables, sin olvidar jamás la música nacional.
De gira en el Piamonte, anoche Latorre dio un recital en Turín dentro de la temporada "Policontri Classica", y el domingo actuó en el Teatro Giacosa, de Ivrea, espacio patrimonial que tiene 175 años. El público lo aplaudió con tanto entusiasmo, que el pianista chileno tuvo que volver cinco veces a saludar.
Pero además de demostrar su madurez y versatilidad interpretativa al abordar dos Sonatas tan contrastantes de Beethoven como son la "Claro de Luna" y la "Hammerklavier", Latorre incluyó entre ambas una obra chilena: el "Andante Apassionato" de Enrique Soro. "En Italia lo conocen como Enrico Soro, y creen que es un músico del Piamonte", cuenta Latorre. Además de que el padre de Soro era de Alessandría, que queda al lado de Turín, aún existe memoria local de la fama internacional que tuvo el compositor chileno cuando estudiaba en Milán. "Por eso quise conectar a Chile con Italia a través suyo", aclara el pianista.
La recepción del público fue tan buena, que de encore tocó una de las "Doloras" de Alfonso Leng. "Les encantó", reconoció Latorre anoche, tras el concierto.
Múltiples funciones
Pero el compromiso de este pianista con la música nacional no se detiene en lo histórico, como lo demuestra la clase magistral que dará hoy en el Conservatorio Giuseppe Verdi. "Será un encuentro con profesores, pianistas y compositores, y les hablaré de lo que está sucediendo con el piano en Chile, desde Cirilo Vila en adelante. Tocaré ejemplos de Aliocha Solovera, Ricardo Silva, Christian Donoso, Miguel Farías y Andrés Maupoint".
Latorre agradece, además, al Fondo de la Música, que lo apoyó con los pasajes para esta gira, a través de la modalidad Ventanilla Abierta.
A su regreso, retomará sus múltiples funciones: solista de piano de la Orquesta Sinfónica de Chile; profesor de "Pianismo en los siglos XX y XXI", en el Instituto de Música UC, y director artístico del concurso de piano infantil "Toca el cielo" y del Ciclo de Pianistas del Teatro U. de Chile, que este año ofrecerá el ciclo completo de las Sonatas de Beethoven. Además, se concentrará en preparar su recital de la Escuela de Schoenberg (junio, UC) y el estreno en Chile del Concierto para piano de Penderecki (septiembre, Municipal de Santiago).
"Me gusta crear e inventar en función de lo que está sucediendo hoy, trabajar con compositores y colegas. La carrera solística, en cambio, es muy restringida y algo egomaníaca. No me interesa estar adelante de nadie", asegura.
El pianista también dará una charla sobre música chilena.
Apostó por una obra de Enrique Soro entre dos Sonatas de Beethoven en sus recitales en el Piamonte. Y cosechó grandes aplausos.
Por Romina de la Sotta Donoso
Respetado por los auditores, sus colegas y la crítica, Luis Alberto Latorre (1959) representa lo que se conoce como un músico integral: es un solista excepcionalmente virtuoso, que hace también música de cámara y orquestal, y que aborda todos los repertorios que existen, con entregas memorables, sin olvidar jamás la música nacional.
De gira en el Piamonte, anoche Latorre dio un recital en Turín dentro de la temporada "Policontri Classica", y el domingo actuó en el Teatro Giacosa, de Ivrea, espacio patrimonial que tiene 175 años. El público lo aplaudió con tanto entusiasmo, que el pianista chileno tuvo que volver cinco veces a saludar.
Pero además de demostrar su madurez y versatilidad interpretativa al abordar dos Sonatas tan contrastantes de Beethoven como son la "Claro de Luna" y la "Hammerklavier", Latorre incluyó entre ambas una obra chilena: el "Andante Apassionato" de Enrique Soro. "En Italia lo conocen como Enrico Soro, y creen que es un músico del Piamonte", cuenta Latorre. Además de que el padre de Soro era de Alessandría, que queda al lado de Turín, aún existe memoria local de la fama internacional que tuvo el compositor chileno cuando estudiaba en Milán. "Por eso quise conectar a Chile con Italia a través suyo", aclara el pianista.
La recepción del público fue tan buena, que de encore tocó una de las "Doloras" de Alfonso Leng. "Les encantó", reconoció Latorre anoche, tras el concierto.
Múltiples funciones
Pero el compromiso de este pianista con la música nacional no se detiene en lo histórico, como lo demuestra la clase magistral que dará hoy en el Conservatorio Giuseppe Verdi. "Será un encuentro con profesores, pianistas y compositores, y les hablaré de lo que está sucediendo con el piano en Chile, desde Cirilo Vila en adelante. Tocaré ejemplos de Aliocha Solovera, Ricardo Silva, Christian Donoso, Miguel Farías y Andrés Maupoint".
Latorre agradece, además, al Fondo de la Música, que lo apoyó con los pasajes para esta gira, a través de la modalidad Ventanilla Abierta.
A su regreso, retomará sus múltiples funciones: solista de piano de la Orquesta Sinfónica de Chile; profesor de "Pianismo en los siglos XX y XXI", en el Instituto de Música UC, y director artístico del concurso de piano infantil "Toca el cielo" y del Ciclo de Pianistas del Teatro U. de Chile, que este año ofrecerá el ciclo completo de las Sonatas de Beethoven. Además, se concentrará en preparar su recital de la Escuela de Schoenberg (junio, UC) y el estreno en Chile del Concierto para piano de Penderecki (septiembre, Municipal de Santiago).
"Me gusta crear e inventar en función de lo que está sucediendo hoy, trabajar con compositores y colegas. La carrera solística, en cambio, es muy restringida y algo egomaníaca. No me interesa estar adelante de nadie", asegura.
Ramón Gener: "La ópera se creó como un espectáculo popular"
El Mercurio
El ex barítono español es el creador y conductor de "Esto es ópera", programa con el que busca acercar el género a públicos masivos.
Por Patricio Zenklussen Franco
"Yo había visto programas en los que expertos hablaban para otros expertos y siempre pensé que si eso ya existía, había que hacer algo para quienes piensan que la ópera o la música clásica no va con ellos", cuenta Ramón Gener (50) sobre su programa "Esto es ópera", que se transmite en Chile a través de Film&Arts de domingo a martes, en diversos horarios, y en el que en cada capítulo selecciona y analiza una obra específica.
Gener nació en Barcelona y siempre tuvo una relación muy cercana con la música. Durante varios años se desempeñó como barítono, llegando a interpretar papeles en obras como "El barbero de Sevilla" y "Las bodas de Fígaro". Años más tarde, tras abandonar los escenarios, descubrió su gusto por la enseñanza y la difusión, faceta que decantaría en la creación de esta serie.
Para él, este género musical tiene una profundidad y capacidad transformativa que la convierten en atemporal y transcendente: "La ópera es como cualquier espectáculo que merece la pena, como una buena obra de teatro o un buen libro, porque es capaz de hacerte reflexionar de dónde vienes y a dónde vas, por qué eres como eres, por qué vives tu vida como la vives".
"Si vamos a ver 'Carmen', vemos a una mujer que necesita ser libre, pero que tiene a un varón que no puede soportar que ella quiera serlo y decide matarla. Eso que se estrenó en 1875, lamentablemente sigue pasando día a día. Entonces no se trata solamente de la música, sino también de entender que esa obra nos está hablando de realidades que nos tocan a todos", agrega.
Consultado por las barreras que separan a esta música del oído popular, Gener tiene una postura bien definida -"las cosas que merecen la pena requieren un esfuerzo, y hacerlo no siempre resulta fácil para todo el mundo"-, aunque también es crítico de aquellos personajes que se esmeran en situar al género como un bien cultural exclusivo para las élites: "No se trata de lucirse, o mostrar un esmoquin o un abrigo. No tiene nada que ver con eso y el que lo piense está muy equivocado. Es todo lo contrario: la ópera se creó como un espectáculo popular".
"Lo que importa es la actitud interior, lo que estás dispuesto a dar de tu vida para que ese espectáculo que vas a ver pueda transformarte", aclara.
Adelantando la serie y ante la pregunta sobre qué obras recomienda a los principiantes para adentrarse en este mundo, Gener asegura tener dos ideas: "La respuesta sencilla es "La traviata" o "Rigoletto". Alguna ópera italiana de Verdi o de Puccini. Pero lo que a mí me gustaría poder hacer sería conversar con cada persona para escuchar de sus gustos e inquietudes, de sus circunstancias y sus vidas. Recién ahí podría decirles qué ópera recomiendo".
El ex barítono español es el creador y conductor de "Esto es ópera", programa con el que busca acercar el género a públicos masivos.
Por Patricio Zenklussen Franco
"Yo había visto programas en los que expertos hablaban para otros expertos y siempre pensé que si eso ya existía, había que hacer algo para quienes piensan que la ópera o la música clásica no va con ellos", cuenta Ramón Gener (50) sobre su programa "Esto es ópera", que se transmite en Chile a través de Film&Arts de domingo a martes, en diversos horarios, y en el que en cada capítulo selecciona y analiza una obra específica.
Gener nació en Barcelona y siempre tuvo una relación muy cercana con la música. Durante varios años se desempeñó como barítono, llegando a interpretar papeles en obras como "El barbero de Sevilla" y "Las bodas de Fígaro". Años más tarde, tras abandonar los escenarios, descubrió su gusto por la enseñanza y la difusión, faceta que decantaría en la creación de esta serie.
Para él, este género musical tiene una profundidad y capacidad transformativa que la convierten en atemporal y transcendente: "La ópera es como cualquier espectáculo que merece la pena, como una buena obra de teatro o un buen libro, porque es capaz de hacerte reflexionar de dónde vienes y a dónde vas, por qué eres como eres, por qué vives tu vida como la vives".
"Si vamos a ver 'Carmen', vemos a una mujer que necesita ser libre, pero que tiene a un varón que no puede soportar que ella quiera serlo y decide matarla. Eso que se estrenó en 1875, lamentablemente sigue pasando día a día. Entonces no se trata solamente de la música, sino también de entender que esa obra nos está hablando de realidades que nos tocan a todos", agrega.
Consultado por las barreras que separan a esta música del oído popular, Gener tiene una postura bien definida -"las cosas que merecen la pena requieren un esfuerzo, y hacerlo no siempre resulta fácil para todo el mundo"-, aunque también es crítico de aquellos personajes que se esmeran en situar al género como un bien cultural exclusivo para las élites: "No se trata de lucirse, o mostrar un esmoquin o un abrigo. No tiene nada que ver con eso y el que lo piense está muy equivocado. Es todo lo contrario: la ópera se creó como un espectáculo popular".
"Lo que importa es la actitud interior, lo que estás dispuesto a dar de tu vida para que ese espectáculo que vas a ver pueda transformarte", aclara.
Adelantando la serie y ante la pregunta sobre qué obras recomienda a los principiantes para adentrarse en este mundo, Gener asegura tener dos ideas: "La respuesta sencilla es "La traviata" o "Rigoletto". Alguna ópera italiana de Verdi o de Puccini. Pero lo que a mí me gustaría poder hacer sería conversar con cada persona para escuchar de sus gustos e inquietudes, de sus circunstancias y sus vidas. Recién ahí podría decirles qué ópera recomiendo".
Breves Musicales
Rod Stewart critica a Elton John
"Decir 'me voy a retirar' apesta a querer vender entradas... es deshonesto". Esas fueron las duras palabras con que Stewart cuestionó al autor de "Rocket man" ante el anuncio de su próxima gira de despedida.
Willie Colón reagenda gira
El cantante estadounidense reprogramó las fechas de sus shows en Sudamérica. El 9 de abril se comunicará la nueva calendarización para su paso por Chile, que estaba fijado para el 29 de marzo.
Horacio Salinas, nominado para el Salón de la Fama de Compositores Latinos
El director de Inti Illimani Histórico y presidente de la SCD fue seleccionado como uno de los 25 músicos destacados de Sudamérica, de los cuales solo seis serán premiados el 18 de octubre en Miami.
"Decir 'me voy a retirar' apesta a querer vender entradas... es deshonesto". Esas fueron las duras palabras con que Stewart cuestionó al autor de "Rocket man" ante el anuncio de su próxima gira de despedida.
Willie Colón reagenda gira
El cantante estadounidense reprogramó las fechas de sus shows en Sudamérica. El 9 de abril se comunicará la nueva calendarización para su paso por Chile, que estaba fijado para el 29 de marzo.
Horacio Salinas, nominado para el Salón de la Fama de Compositores Latinos
El director de Inti Illimani Histórico y presidente de la SCD fue seleccionado como uno de los 25 músicos destacados de Sudamérica, de los cuales solo seis serán premiados el 18 de octubre en Miami.
domingo, marzo 25, 2018
Industria de conciertos: Las cifras tras el primer balance de un mercado que en 2017 facturó US$ 120 millones
El Mercurio
La AGEPEC, que reúne a las principales productoras de Chile, realizó un detallado informe sobre la evolución en el país de un negocio que desde 2013 muestra un notable crecimiento, tanto en cantidad de espectáculos como de asistentes.
Por José Vásquez
Los focos apuntan a los titanes del espectáculo. La atención mediática es un imán demasiado poderoso cuando se trata de seguir a tipos como Rod Stewart, Phil Collins o, recientemente, a Gorillaz, algunos de los números musicales que se han presentado durante este primer trimestre en la capital.
El éxito de público y la calidad de sus shows han sido un común denominador y dan cuenta de una industria que aparece fortalecida, entregando una cartelera de conciertos que fue particularmente abundante en las últimas dos semanas. Un triunfo que asoma como un negocio millonario, pero que, pese a la amplificación que generan sus nombres, es cuatro veces más pequeño que la venta anual de una producción como la de las cerezas.
Según la AGEPEC (Asociación Gremial de Empresas Productoras de Entretenimiento y Cultura, que reúne a las principales gestoras de recitales del país y representa el 80% de la oferta), en 2017 se realizaron en Chile 334 eventos con venta de entradas, a los cuales asistieron 1.546.052 personas. Una cifra voluminosa que generó una recaudación de US$ 120 millones.
El monto es un récord y se establece a través de un reporte minucioso que se da a conocer ahora por primera vez. El informe del gremio inició el conteo en 2013, y desde entonces ha anotado un importante incremento: ese año la recaudación fue de US$ 63 millones, lo que significa que en cinco años la cifra prácticamente se duplicó.
Hay varios factores que explican este gran salto. "El año pasado se realizaron más eventos en estadios, por lo que hubo una mayor venta de entradas. También estuvo el factor dólar, que al estar en un valor más bajo permitió la contratación de números que de otra forma no hubiera sido posible conseguir, y por eso volvió una banda como U2, por ejemplo", dice Jorge Ramírez, gerente general de la AGEPEC, quien agrega que también influyó en esta alza el que aparecieran nuevos escenarios, como el Teatro Coliseo y el Arena Monticello. Este último es un recinto que al mes tiene 10 espectáculos en promedio.
Si esto se traslada a los números, en 2013 se realizaron 200 eventos, a los cuales asistieron 1.091.786 personas. El incremento de 2017 representa un 32%. Pero Ramírez dice que todavía no es prudente hablar de un crecimiento de audiencia de la misma forma.
Negocio abierto
El representante de la AGEPEC cuenta que el plan del gremio es entregar estos balances de forma anual a partir de 2019, en una acción que busca transparentar los números de la industria. "Creemos que lo mejor que podría ocurrir es que tanto el INE (Instituto Nacional de Estadísticas) como la SCD (Sociedad Chilena del Derecho de Autor) pudieran trabajar junto con nosotros para mejorar nuestra metodología, que, por ejemplo, hoy no contempla los conciertos de música docta", dice Ramírez. Señala, además, que para este informe se trabajó estrechamente con las ticketeras para chequear la realidad de la venta de boletos, además de contrastar la información entre el número de conciertos anunciados y los que finalmente se realizaron.
Acerca del precio de los boletos, que el año pasado llegaron a un costo promedio de $55 mil, el productor sostiene que esta cifra no difiere del resto de los países de la región. "Pero sí el chileno paga un precio más alto por estar mejor ubicado. Una entrada promedio en Chile no es muy distinta a una entrada promedio en Europa", cuenta, y detalla los factores que inciden en su costo, como el 19% por el pago del IVA, el 5% que corresponde a la SCD, el 56% perteneciente a los gastos del artista y los impuestos asociados, además de un 7% adicional de impuestos si el concierto se realiza en el Estadio Nacional.
sábado, marzo 24, 2018
Murió José Antonio Abreu, quien cambió la música desde América Latina
El Mercurio
Hoy será el funeral del maestro de 78 años de edad.
El venezolano creó en 1975 un modelo educativo que ha sido replicado en 25 países, "El Sistema". Sus colegas chilenos destacan su enorme legado.
Por Romina de la Sotta y Carlos Carrasco
La música clásica vuelve a estar de luto, esta vez, por un hombre que logró poner a la educación, la cultura y el arte en el primer lugar de las urgencias, creando un programa que ha sido replicado en 25 países del mundo.
Ayer murió, a los 78 años de edad, José Antonio Abreu, quien en 1975 creó el Sistema Nacional de Orquestas y Coros Juveniles e Infantiles de Venezuela, conocido mundialmente como "El Sistema". Se trata de un programa que actualmente les da acceso real a la educación musical a 950 mil niños y jóvenes venezolanos.
Uno de los chilenos que mejor conocieron a Abreu es Maximiano Valdés, quien ha trabajado en "El Sistema" por más de 30 años. El director confiesa desde Puerto Rico que "estamos todos consternados, a pesar de que sabíamos que estaba muy mal de salud, cosa que conversé con su hermana el jueves. Todos le debemos mucho, tenemos mucha pena. Espero acercarme a Caracas, para su funeral".
La capilla ardiente se iniciará a las 8 horas de hoy y a las 15:30 horas se realizará el funeral en el Cementerio del Este, en Caracas.
Simon Rattle, titular de la Filarmónica de Berlín, fue uno de los primeros en reaccionar ayer, vía Twitter, ante el deceso: "Abreu ha dedicado su vida a cambiar la vida de generaciones de jóvenes a través de la música y del 'Sistema'. Gracias a su influencia, más gente joven del mundo puede beneficiarse del poder de la música y lograr un cambio".
También Gustavo Dudamel (37), director de la Filarmónica de Los Angeles y estrella símbolo del milagro venezolano, tuiteó. "Con todo mi amor y eterna gratitud a nuestro padre y creador del 'Sistema'", escribió.
No obstante, "El Sistema" es mucho más que una fábrica de estrellas, como explica Valdés: "Venezuela ha producido una gran cantidad de músicos que están en las mejores orquestas del mundo. Pero José Antonio Abreu hizo mucho más que eso; él pretendió crear una sociedad basada en los valores morales que la música culta encarna en cuanto expresión de los sentimientos más profundos de los compositores que a lo largo de los siglos la fueron creando. En este mundo en donde el consumo y el lucro son prioritarios, su obra musical y social adquiere un significado aún más brillante".
Valdés, además, recuerda dos frases proféticas de Abreu: "La música es para las grandes mayorías y no para las minorías", y "La cultura que sobrevive es aquella que nace desde abajo para arriba, y no al revés".
También Juan Pablo Izquierdo, Premio Nacional de Música, conoció personalmente a Abreu y junto con destacar que hizo una labor extraordinaria y que "era un hombre muy inteligente y de gran cultura, además de un visionario", revela que "Abreu tuvo una relación personal muy importante con Chile, porque para crear este gran movimiento de categoría mundial tomó el ejemplo del trabajo pionero que estaba haciendo aquí en Chile Jorge Peña Hen hasta 1973, año en que muchos de los músicos que trabajaron con él se fueron a hacerle clases a la Orquesta Simón Bolívar".
El venezolano recibió, entre otros, el Premio Polar y el Príncipe de Asturias, y vino a Chile en 1990, 2005 y 2011. En esta última ocasión, acompañó a Dudamel y la Orquesta Simón Bolívar.
Felipe Hidalgo no tiene más que palabras de agradecimiento para el maestro Abreu. Lo conoció cuando era concertino de la Orquesta Sinfónica Nacional Juvenil, y fueron de gira a Caracas, en 1994. Y Abreu lo invitó a seguir formándose allá. "Trabajé para 'El Sistema'. Empecé mis estudios junto a Dudamel y todo eso gracias a lo que el maestro siempre hizo: llevar gente talentosa de Latinoamérica a Venezuela para aprender el sistema y luego poder divulgarlo en el resto de los países. De vuelta en Chile fundé varias orquestas juveniles y dirigí por más de 10 años la Orquesta Sinfónica Estudiantil Metropolitana", detalla.
Igualmente Alejandra Kantor, directora ejecutiva de la Fundación de Orquestas Juveniles e Infantiles (FOJI), destaca que "su legado es muy grande y se mantiene hoy en la FOJI, que es el sueño de los niños de poder salir de sus espacios de vulnerabilidad para soñar en ser músicos y convertirse en personas que pueden entregar mucho a nuestra sociedad".
Hoy será el funeral del maestro de 78 años de edad.
El venezolano creó en 1975 un modelo educativo que ha sido replicado en 25 países, "El Sistema". Sus colegas chilenos destacan su enorme legado.
Por Romina de la Sotta y Carlos Carrasco
La música clásica vuelve a estar de luto, esta vez, por un hombre que logró poner a la educación, la cultura y el arte en el primer lugar de las urgencias, creando un programa que ha sido replicado en 25 países del mundo.
Ayer murió, a los 78 años de edad, José Antonio Abreu, quien en 1975 creó el Sistema Nacional de Orquestas y Coros Juveniles e Infantiles de Venezuela, conocido mundialmente como "El Sistema". Se trata de un programa que actualmente les da acceso real a la educación musical a 950 mil niños y jóvenes venezolanos.
Uno de los chilenos que mejor conocieron a Abreu es Maximiano Valdés, quien ha trabajado en "El Sistema" por más de 30 años. El director confiesa desde Puerto Rico que "estamos todos consternados, a pesar de que sabíamos que estaba muy mal de salud, cosa que conversé con su hermana el jueves. Todos le debemos mucho, tenemos mucha pena. Espero acercarme a Caracas, para su funeral".
La capilla ardiente se iniciará a las 8 horas de hoy y a las 15:30 horas se realizará el funeral en el Cementerio del Este, en Caracas.
Simon Rattle, titular de la Filarmónica de Berlín, fue uno de los primeros en reaccionar ayer, vía Twitter, ante el deceso: "Abreu ha dedicado su vida a cambiar la vida de generaciones de jóvenes a través de la música y del 'Sistema'. Gracias a su influencia, más gente joven del mundo puede beneficiarse del poder de la música y lograr un cambio".
También Gustavo Dudamel (37), director de la Filarmónica de Los Angeles y estrella símbolo del milagro venezolano, tuiteó. "Con todo mi amor y eterna gratitud a nuestro padre y creador del 'Sistema'", escribió.
No obstante, "El Sistema" es mucho más que una fábrica de estrellas, como explica Valdés: "Venezuela ha producido una gran cantidad de músicos que están en las mejores orquestas del mundo. Pero José Antonio Abreu hizo mucho más que eso; él pretendió crear una sociedad basada en los valores morales que la música culta encarna en cuanto expresión de los sentimientos más profundos de los compositores que a lo largo de los siglos la fueron creando. En este mundo en donde el consumo y el lucro son prioritarios, su obra musical y social adquiere un significado aún más brillante".
Valdés, además, recuerda dos frases proféticas de Abreu: "La música es para las grandes mayorías y no para las minorías", y "La cultura que sobrevive es aquella que nace desde abajo para arriba, y no al revés".
También Juan Pablo Izquierdo, Premio Nacional de Música, conoció personalmente a Abreu y junto con destacar que hizo una labor extraordinaria y que "era un hombre muy inteligente y de gran cultura, además de un visionario", revela que "Abreu tuvo una relación personal muy importante con Chile, porque para crear este gran movimiento de categoría mundial tomó el ejemplo del trabajo pionero que estaba haciendo aquí en Chile Jorge Peña Hen hasta 1973, año en que muchos de los músicos que trabajaron con él se fueron a hacerle clases a la Orquesta Simón Bolívar".
El venezolano recibió, entre otros, el Premio Polar y el Príncipe de Asturias, y vino a Chile en 1990, 2005 y 2011. En esta última ocasión, acompañó a Dudamel y la Orquesta Simón Bolívar.
Felipe Hidalgo no tiene más que palabras de agradecimiento para el maestro Abreu. Lo conoció cuando era concertino de la Orquesta Sinfónica Nacional Juvenil, y fueron de gira a Caracas, en 1994. Y Abreu lo invitó a seguir formándose allá. "Trabajé para 'El Sistema'. Empecé mis estudios junto a Dudamel y todo eso gracias a lo que el maestro siempre hizo: llevar gente talentosa de Latinoamérica a Venezuela para aprender el sistema y luego poder divulgarlo en el resto de los países. De vuelta en Chile fundé varias orquestas juveniles y dirigí por más de 10 años la Orquesta Sinfónica Estudiantil Metropolitana", detalla.
Igualmente Alejandra Kantor, directora ejecutiva de la Fundación de Orquestas Juveniles e Infantiles (FOJI), destaca que "su legado es muy grande y se mantiene hoy en la FOJI, que es el sueño de los niños de poder salir de sus espacios de vulnerabilidad para soñar en ser músicos y convertirse en personas que pueden entregar mucho a nuestra sociedad".
Música para Semana Santa: Guía con los mejores conciertos
El Mercurio
Desde el Oratorio "Jephté", de Carissimi, hasta el dramatismo de Verdi, pasando por el archifamoso Réquiem de Mozart, la introspección de estas fechas resuena en propuestas sinfónico-corales, vocales y dúos.
Por Romina de la Sotta Donoso
MÚSICA SACRA.- Dos misas de Réquiem muy distintas representan a la música sacra esta semana. El más famoso es el Réquiem de Mozart, que será interpretado por solistas, el Ensamble Libre que conduce Paula Elgueta y la Orquesta de Cámara de Chile, con la dirección general de Pablo Carrasco. "Es una de las tres obras sinfónico-corales preferidas del público, junto con la Novena de Beethoven y 'Carmina Burana'. Costaría encontrar a alguien que no conozca su Dies Irae ", bromea el director. "Es una joya, por su armonización, su orquestación y el tratamiento vocal, y tiene toda la profundidad mozartiana", agrega.
Carrasco, además, eligió una sorpresiva -y plausible- pieza para abrir los conciertos: el "Encantamiento de Viernes Santo", de la ópera "Parsifal", de Wagner. Martes, miércoles y jueves, en la Iglesia de la Anunciación de Providencia, Parroquia Santa Elena de Las Condes y el Teatro Municipal de Ñuñoa (20 horas, gratis).
En cambio, el Coro Sinfónico U. de Chile, con la Sinfónica y solistas, más la dirección general de Leonid Grin, presentarán el Réquiem de Verdi.
"Verdi es lírica, y su Réquiem es muy dramático; el Día del Juicio Final cruza toda la obra, y repite tres veces el Dies Irae . No es luminoso como el Réquiem de Fauré, sino muy triste, sufrido", explica Juan Pablo Villarroel, director del coro. Junto con destacar su belleza, aclara que su mayor complejidad está en la amplitud del registro vocal que exige. Hoy y el miércoles, en el Teatro U. de Chile; el martes, en Lo Barnechea, y el jueves, en el Aula Magna de la U. Santa María en Valparaíso (Ceacuchile.com).
EL GRAN BARROCO.- Tanto la Universidad de Santiago como la Católica apuestan por el Barroco.
El Coro Madrigalista de la Usach, que conduce Rodrigo Díaz, contrastará música religiosa de dos genios del Barroco. Serán dos Motetes de Bach (el BWV 226, "El Espíritu nos ayuda en nuestra debilidad", y el BWV 230, "Alabad al Señor, todas las naciones"), y el Oratorio "Jephté", de Carissimi.
"Haremos un contrapunto entre dos formas muy distintas. El Motete que usa Bach era muy arcaico, ya en esa época, mientras que el Oratorio era vanguardista. De hecho, Carissimi creó esta forma musical. Sin embargo, ambos autores utilizan recursos musicales descriptivos y una estrecha unión de texto y música, que era la fórmula más efectiva para conmover al alma y expresar las pasiones", explica Díaz. Este miércoles, en el Aula Magna de la Usach (19 horas, gratis).
La U. Católica, en tanto, invitó a Julio Doggenweiler para que dirija a solistas, el Coro de Cámara UC y el Estudio MusicAntigua UC en dos Cantatas de Bach: la BWV 182, "Rey del cielo, bienvenido seas", que corresponde a Domingo de Ramos, y la BWV 198, Oda fúnebre. Este lunes, en el Centro de Extensión UC (19:30 horas, gratis).
FESTIVALES EN REGIONES. - El Teatro del Lago invita al festival "Semana Santa", que se realizará entre este jueves y el sábado. Serán tres fechas, incluyendo un recital en el que la mezzo Constanza Dörr y el pianista Andrés Maupoint abordarán arias de Bach y un concierto en el que el especialista Joaquim Piqué conducirá a 40 voces de la Escuela Coral del teatro (Teatrodellago.cl).
En tanto, la Orquesta Barroca Nuevo Mundo dará cinco conciertos gratuitos en varias locaciones de la Región de O'Higgins, en el 1 {+e} {+r} Festival de Música Sacra de Colchagua, desde este jueves al domingo (Orquestanuevomundo.net).
Con la soprano Nora Miranda recorrerán la música religiosa a través de piezas litúrgicas y repertorio de las "reuniones piadosas" del Renacimiento (jueves, Peralillo), e igualmente la Nuevo Mundo abordará la obra cumbre del "compositor de Dios": el Réquiem de Tomás Luis de Victoria (viernes, en Lolol; sábado, en Palmilla). También habrá un recital de Patricio Sabaté con motetes de Victoria (domingo, El Huique).
En paralelo, el Coro Polifónico del Teatro Regional de Rancagua y su director, Eduardo Díaz, presentarán el jueves el Stabat Mater de Pergolesi y la Misa N° 2 de Schubert (20 horas, gratis).
COROS UNIDOS.- Las alternativas corales gratuitas son múltiples. Se destaca el festival que organiza la Santiago Community Church, de calle Holanda, mañana. Entre otros, actúan el Coro Ortodoxo de Santiago y el de Ingeniería UC (18 horas).
Y mientras el martes el Ensamble Oltremontani actúa junto a Ars Excelsa, Ensamble Quodlibet y Viri Cantores de Santiago en la Parroquia Santa Ana de calle Catedral (20:30 horas), el miércoles el Coro Singkreis lo hará en Casas de Lo Matta (20 horas).
La Universidad Alberto Hurtado, en tanto, hará un concierto de Pascua de Resurrección: con la dirección de Jessica Quezada, su coro hará selecciones del Oratorio "El Mesías" de Haendel, en la Iglesia San Ignacio (19:30 horas, martes 3 y jueves 5 de abril).
FORMATOS DISTINTOS.- No son propiamente conciertos clásicos, pero tienen su público.
El conjunto Los Perales invita al programa "Oratorio de Cuaresma y Pasión", con creaciones inspiradas en la música religiosa popular (martes, 20:30 horas, Parroquia Los Castaños de Vitacura, y viernes, 12:30 horas, Colegio San Ignacio de El Bosque).
Este martes y jueves, el Teatro Municipal de Las Condes presenta el concierto teatralizado "La Pasión", que se inspira en el Canto a lo Divino y es una producción de la compañía Árbol 4, responsable de los montajes "Los Miserables" y "Broadway Histórico" (20 horas, $6 mil).
Desde el Oratorio "Jephté", de Carissimi, hasta el dramatismo de Verdi, pasando por el archifamoso Réquiem de Mozart, la introspección de estas fechas resuena en propuestas sinfónico-corales, vocales y dúos.
Por Romina de la Sotta Donoso
MÚSICA SACRA.- Dos misas de Réquiem muy distintas representan a la música sacra esta semana. El más famoso es el Réquiem de Mozart, que será interpretado por solistas, el Ensamble Libre que conduce Paula Elgueta y la Orquesta de Cámara de Chile, con la dirección general de Pablo Carrasco. "Es una de las tres obras sinfónico-corales preferidas del público, junto con la Novena de Beethoven y 'Carmina Burana'. Costaría encontrar a alguien que no conozca su Dies Irae ", bromea el director. "Es una joya, por su armonización, su orquestación y el tratamiento vocal, y tiene toda la profundidad mozartiana", agrega.
Carrasco, además, eligió una sorpresiva -y plausible- pieza para abrir los conciertos: el "Encantamiento de Viernes Santo", de la ópera "Parsifal", de Wagner. Martes, miércoles y jueves, en la Iglesia de la Anunciación de Providencia, Parroquia Santa Elena de Las Condes y el Teatro Municipal de Ñuñoa (20 horas, gratis).
En cambio, el Coro Sinfónico U. de Chile, con la Sinfónica y solistas, más la dirección general de Leonid Grin, presentarán el Réquiem de Verdi.
"Verdi es lírica, y su Réquiem es muy dramático; el Día del Juicio Final cruza toda la obra, y repite tres veces el Dies Irae . No es luminoso como el Réquiem de Fauré, sino muy triste, sufrido", explica Juan Pablo Villarroel, director del coro. Junto con destacar su belleza, aclara que su mayor complejidad está en la amplitud del registro vocal que exige. Hoy y el miércoles, en el Teatro U. de Chile; el martes, en Lo Barnechea, y el jueves, en el Aula Magna de la U. Santa María en Valparaíso (Ceacuchile.com).
EL GRAN BARROCO.- Tanto la Universidad de Santiago como la Católica apuestan por el Barroco.
El Coro Madrigalista de la Usach, que conduce Rodrigo Díaz, contrastará música religiosa de dos genios del Barroco. Serán dos Motetes de Bach (el BWV 226, "El Espíritu nos ayuda en nuestra debilidad", y el BWV 230, "Alabad al Señor, todas las naciones"), y el Oratorio "Jephté", de Carissimi.
"Haremos un contrapunto entre dos formas muy distintas. El Motete que usa Bach era muy arcaico, ya en esa época, mientras que el Oratorio era vanguardista. De hecho, Carissimi creó esta forma musical. Sin embargo, ambos autores utilizan recursos musicales descriptivos y una estrecha unión de texto y música, que era la fórmula más efectiva para conmover al alma y expresar las pasiones", explica Díaz. Este miércoles, en el Aula Magna de la Usach (19 horas, gratis).
La U. Católica, en tanto, invitó a Julio Doggenweiler para que dirija a solistas, el Coro de Cámara UC y el Estudio MusicAntigua UC en dos Cantatas de Bach: la BWV 182, "Rey del cielo, bienvenido seas", que corresponde a Domingo de Ramos, y la BWV 198, Oda fúnebre. Este lunes, en el Centro de Extensión UC (19:30 horas, gratis).
FESTIVALES EN REGIONES. - El Teatro del Lago invita al festival "Semana Santa", que se realizará entre este jueves y el sábado. Serán tres fechas, incluyendo un recital en el que la mezzo Constanza Dörr y el pianista Andrés Maupoint abordarán arias de Bach y un concierto en el que el especialista Joaquim Piqué conducirá a 40 voces de la Escuela Coral del teatro (Teatrodellago.cl).
En tanto, la Orquesta Barroca Nuevo Mundo dará cinco conciertos gratuitos en varias locaciones de la Región de O'Higgins, en el 1 {+e} {+r} Festival de Música Sacra de Colchagua, desde este jueves al domingo (Orquestanuevomundo.net).
Con la soprano Nora Miranda recorrerán la música religiosa a través de piezas litúrgicas y repertorio de las "reuniones piadosas" del Renacimiento (jueves, Peralillo), e igualmente la Nuevo Mundo abordará la obra cumbre del "compositor de Dios": el Réquiem de Tomás Luis de Victoria (viernes, en Lolol; sábado, en Palmilla). También habrá un recital de Patricio Sabaté con motetes de Victoria (domingo, El Huique).
En paralelo, el Coro Polifónico del Teatro Regional de Rancagua y su director, Eduardo Díaz, presentarán el jueves el Stabat Mater de Pergolesi y la Misa N° 2 de Schubert (20 horas, gratis).
COROS UNIDOS.- Las alternativas corales gratuitas son múltiples. Se destaca el festival que organiza la Santiago Community Church, de calle Holanda, mañana. Entre otros, actúan el Coro Ortodoxo de Santiago y el de Ingeniería UC (18 horas).
Y mientras el martes el Ensamble Oltremontani actúa junto a Ars Excelsa, Ensamble Quodlibet y Viri Cantores de Santiago en la Parroquia Santa Ana de calle Catedral (20:30 horas), el miércoles el Coro Singkreis lo hará en Casas de Lo Matta (20 horas).
La Universidad Alberto Hurtado, en tanto, hará un concierto de Pascua de Resurrección: con la dirección de Jessica Quezada, su coro hará selecciones del Oratorio "El Mesías" de Haendel, en la Iglesia San Ignacio (19:30 horas, martes 3 y jueves 5 de abril).
FORMATOS DISTINTOS.- No son propiamente conciertos clásicos, pero tienen su público.
El conjunto Los Perales invita al programa "Oratorio de Cuaresma y Pasión", con creaciones inspiradas en la música religiosa popular (martes, 20:30 horas, Parroquia Los Castaños de Vitacura, y viernes, 12:30 horas, Colegio San Ignacio de El Bosque).
Este martes y jueves, el Teatro Municipal de Las Condes presenta el concierto teatralizado "La Pasión", que se inspira en el Canto a lo Divino y es una producción de la compañía Árbol 4, responsable de los montajes "Los Miserables" y "Broadway Histórico" (20 horas, $6 mil).
Figura de la cueca: A los 86 años muere baterista porteño Elías Zamora
El Mercurio
Histórico nombre de la cueca de la orilla e integrante de elencos como Los Paleteados del Puerto y La Isla de la Fantasía, ayer murió en Valparaíso Elías Toribio Zamora Oyarce. Reportes médicos indicaban una serie de complicaciones respiratorias. Zamora es un referente de la batería chilena, al elaborar modalidades de acompañamiento propio para cuecas, tonadas y valses.
Histórico nombre de la cueca de la orilla e integrante de elencos como Los Paleteados del Puerto y La Isla de la Fantasía, ayer murió en Valparaíso Elías Toribio Zamora Oyarce. Reportes médicos indicaban una serie de complicaciones respiratorias. Zamora es un referente de la batería chilena, al elaborar modalidades de acompañamiento propio para cuecas, tonadas y valses.
Andrea Carè: "Incluso yo repetí como papagayo cosas sobre Pavarotti"
El Mercurio
El joven tenor italiano fue alumno de Luciano Pavarotti y asegura que es una mentira absoluta que este no supiera de música ni de técnica.
Por Juan Antonio Muñoz H.
Andrea Carè (36) es uno de los tenores italianos más promisorios de la actualidad. Pero él mismo ni sospechaba siquiera, cuando bordeaba los 19 años, el rumbo que tomaría su vida. De hecho, entonces ni siquiera sabía qué era la ópera. "Son cosas del destino. Y una bella historia. Yo estaba muy dedicado a cantar música pop; lo hacía con mis amigos, en fiestas, en matrimonios. Cantaba de manera totalmente espontánea. Recuerdo que llegó a mis manos un disco de Andrea Bocelli, 'Aria', y yo me puse a cantar lo que él cantaba. Y un día, una vecina se me acercó y me dijo que mi voz era para la ópera. ¿Qué será eso?, me dije yo. Mi mundo era el del pop y la canción italiana. Es curioso, mi abuela amaba la ópera y conocía todo Verdi y Puccini, pero ese amor lo mantuvo en secreto, no lo transmitió ni a sus hijos ni a sus nietos. Cuando supe lo que era la ópera, no quise abandonarla nunca más; se me abrió un mundo y también un apetito", relata desde Londres, donde canta el rol de Don José en "Carmen".
La voz de Andrea era natural, pero hasta cierto punto. "Sí, yo tenía una voz, pero cuando llegué al Conservatorio de Turín, donde estudié, los maestros no sabían bien cómo clasificarme. Decían que era 'baritenor' e incluso bajo-barítono. De pronto tenía lo squillo del tenor, pero no lograba ir sobre las notas del pasaje. Tuve que comenzar a construir mis agudos y no fue una tarea fácil ni de un día para el otro".
Y como la fortuna siempre toca a los que tienen que hacer algo en este mundo, el momento de Andrea llegó en el Concurso Internacional de Canto de Spoleto, donde triunfó en 2005. Allí era presidenta del jurado la soprano Raina Kabaivanska. "Ella ha sido fundamental. Me llamó para escucharme personalmente y me dijo que estaría dispuesta a guiarme si yo estaba dispuesto a trabajar duro. Yo estaba feliz, pero también preocupado porque no sabía cuánto costaría eso; yo no tenía dinero para pagar a un profesor así. Y ella me dice entonces que lo hará absolutamente gratis. Su compromiso con mi voz fue total, y también con la forma en que empecé a delinear los personajes, pues ella es también una gran actriz. Después tuve la suerte de trabajar también con Renato Bruson y Leo Nucci. Y Raina me contactó con Pavarotti porque decía que era muy bueno que yo tuviera la experiencia de trabajar tenor a tenor".
-Nuevamente la suerte, entonces. ¿Qué me puede decir de Pavarotti como maestro de canto? Todos conocemos lo que él hizo como cantante, pero la enseñanza es otra cosa...
"Es verdad, he tenido gran fortuna. Respecto de Luciano me gustaría decir que el mundo está muy desinformado y que todos hemos caído en hablar cosas tontas. Se decía que Pavarotti tenía una voz natural y que no tenía idea de técnica ni de música. Incluso yo repetí esas cosas como papagayo, y es una total mentira. Él tenía una conciencia y un conocimiento absolutos de lo que es cantar, y una técnica de gran precisión. Además de una voz natural, por supuesto. Fue él quien me ayudó con los agudos. También él me hizo clases sin cobrarme un euro".
-¿Fue difícil para usted domar el miedo a salir al escenario?
"De verdad sí. Aunque no lo parezca, soy muy tímido. Cuando joven, cantaba sin preocuparme y no me importaba nada. Pero cuando aprendí el canto y lo que el canto significaba en mi vida, me entró el pánico. Hasta ahora necesito prepararme para salir".
-¿Y qué es lo que hace? ¿Tiene ritos? ¿Es supersticioso?
"Sí, soy supersticioso. Tengo todo un itinerario de cosas que debo hacer antes de cada actuación. Una lista muy estricta y metódica. Nada raro, pero sigo un orden determinado y eso me ayuda a estar tranquilo".
-Es bien difícil, sin embargo, estar bien al ciento por ciento para una actuación...
"Es imposible. Raina Kabaivanska me decía que una persona está al ciento por ciento solo 15 días en el año. Si en esos 15 días te toca la suerte de tener una actuación sería una maravilla, pero eso casi nunca ocurre".
-Junto a sus roles que hoy son más habituales, como Cavaradossi ("Tosca") y Don José ("Carmen"), usted ha cantado títulos poco comunes como "Sigurd" (Reyer) y "Stifelio" (Verdi).
"Sí, me gusta explorar títulos nuevos. 'Stifelio' es una obra estupenda y el rol principal es muy difícil. Para mí está muy próximo a Otello".
-¿Y en sus sueños? ¿Qué roles aparecen ahí?
"Bueno, claramente Otello. Ya he rechazado dos o tres veces la propuesta de algunos teatros. Quiero hacerlo, pero cuando corresponda. Sobre los 40 años, o los 45. Cuando uno canta Otello, ¿qué viene después? Es una cima. Es un rol complejo y no se lo puede tomar a la ligera".
-En este mundo de las locuras escénicas, ¿le han pedido hacer cosas que no le gustan o con las que no está de acuerdo?
"Sí, eso sucede. Y no me refiero a puestas en escena modernas, porque he hecho muchas y hay algunas que son extraordinarias. Pero de pronto hay cada ocurrencia, incluso en quienes pretenden hacer una producción clásica. Yo no voy a salir desnudo a cantar ni nada de eso, pero a veces además hay conceptos ilógicos, absurdos, sobre los personajes, y ahí uno tiene que ver cómo reacciona, cómo se adapta o si es imposible hacerlo. Lo que sí es claro es que yo no voy a hacer nada que vaya contra mi moral como artista".
El joven tenor italiano fue alumno de Luciano Pavarotti y asegura que es una mentira absoluta que este no supiera de música ni de técnica.
Por Juan Antonio Muñoz H.
Andrea Carè (36) es uno de los tenores italianos más promisorios de la actualidad. Pero él mismo ni sospechaba siquiera, cuando bordeaba los 19 años, el rumbo que tomaría su vida. De hecho, entonces ni siquiera sabía qué era la ópera. "Son cosas del destino. Y una bella historia. Yo estaba muy dedicado a cantar música pop; lo hacía con mis amigos, en fiestas, en matrimonios. Cantaba de manera totalmente espontánea. Recuerdo que llegó a mis manos un disco de Andrea Bocelli, 'Aria', y yo me puse a cantar lo que él cantaba. Y un día, una vecina se me acercó y me dijo que mi voz era para la ópera. ¿Qué será eso?, me dije yo. Mi mundo era el del pop y la canción italiana. Es curioso, mi abuela amaba la ópera y conocía todo Verdi y Puccini, pero ese amor lo mantuvo en secreto, no lo transmitió ni a sus hijos ni a sus nietos. Cuando supe lo que era la ópera, no quise abandonarla nunca más; se me abrió un mundo y también un apetito", relata desde Londres, donde canta el rol de Don José en "Carmen".
La voz de Andrea era natural, pero hasta cierto punto. "Sí, yo tenía una voz, pero cuando llegué al Conservatorio de Turín, donde estudié, los maestros no sabían bien cómo clasificarme. Decían que era 'baritenor' e incluso bajo-barítono. De pronto tenía lo squillo del tenor, pero no lograba ir sobre las notas del pasaje. Tuve que comenzar a construir mis agudos y no fue una tarea fácil ni de un día para el otro".
Y como la fortuna siempre toca a los que tienen que hacer algo en este mundo, el momento de Andrea llegó en el Concurso Internacional de Canto de Spoleto, donde triunfó en 2005. Allí era presidenta del jurado la soprano Raina Kabaivanska. "Ella ha sido fundamental. Me llamó para escucharme personalmente y me dijo que estaría dispuesta a guiarme si yo estaba dispuesto a trabajar duro. Yo estaba feliz, pero también preocupado porque no sabía cuánto costaría eso; yo no tenía dinero para pagar a un profesor así. Y ella me dice entonces que lo hará absolutamente gratis. Su compromiso con mi voz fue total, y también con la forma en que empecé a delinear los personajes, pues ella es también una gran actriz. Después tuve la suerte de trabajar también con Renato Bruson y Leo Nucci. Y Raina me contactó con Pavarotti porque decía que era muy bueno que yo tuviera la experiencia de trabajar tenor a tenor".
-Nuevamente la suerte, entonces. ¿Qué me puede decir de Pavarotti como maestro de canto? Todos conocemos lo que él hizo como cantante, pero la enseñanza es otra cosa...
"Es verdad, he tenido gran fortuna. Respecto de Luciano me gustaría decir que el mundo está muy desinformado y que todos hemos caído en hablar cosas tontas. Se decía que Pavarotti tenía una voz natural y que no tenía idea de técnica ni de música. Incluso yo repetí esas cosas como papagayo, y es una total mentira. Él tenía una conciencia y un conocimiento absolutos de lo que es cantar, y una técnica de gran precisión. Además de una voz natural, por supuesto. Fue él quien me ayudó con los agudos. También él me hizo clases sin cobrarme un euro".
-¿Fue difícil para usted domar el miedo a salir al escenario?
"De verdad sí. Aunque no lo parezca, soy muy tímido. Cuando joven, cantaba sin preocuparme y no me importaba nada. Pero cuando aprendí el canto y lo que el canto significaba en mi vida, me entró el pánico. Hasta ahora necesito prepararme para salir".
-¿Y qué es lo que hace? ¿Tiene ritos? ¿Es supersticioso?
"Sí, soy supersticioso. Tengo todo un itinerario de cosas que debo hacer antes de cada actuación. Una lista muy estricta y metódica. Nada raro, pero sigo un orden determinado y eso me ayuda a estar tranquilo".
-Es bien difícil, sin embargo, estar bien al ciento por ciento para una actuación...
"Es imposible. Raina Kabaivanska me decía que una persona está al ciento por ciento solo 15 días en el año. Si en esos 15 días te toca la suerte de tener una actuación sería una maravilla, pero eso casi nunca ocurre".
-Junto a sus roles que hoy son más habituales, como Cavaradossi ("Tosca") y Don José ("Carmen"), usted ha cantado títulos poco comunes como "Sigurd" (Reyer) y "Stifelio" (Verdi).
"Sí, me gusta explorar títulos nuevos. 'Stifelio' es una obra estupenda y el rol principal es muy difícil. Para mí está muy próximo a Otello".
-¿Y en sus sueños? ¿Qué roles aparecen ahí?
"Bueno, claramente Otello. Ya he rechazado dos o tres veces la propuesta de algunos teatros. Quiero hacerlo, pero cuando corresponda. Sobre los 40 años, o los 45. Cuando uno canta Otello, ¿qué viene después? Es una cima. Es un rol complejo y no se lo puede tomar a la ligera".
-En este mundo de las locuras escénicas, ¿le han pedido hacer cosas que no le gustan o con las que no está de acuerdo?
"Sí, eso sucede. Y no me refiero a puestas en escena modernas, porque he hecho muchas y hay algunas que son extraordinarias. Pero de pronto hay cada ocurrencia, incluso en quienes pretenden hacer una producción clásica. Yo no voy a salir desnudo a cantar ni nada de eso, pero a veces además hay conceptos ilógicos, absurdos, sobre los personajes, y ahí uno tiene que ver cómo reacciona, cómo se adapta o si es imposible hacerlo. Lo que sí es claro es que yo no voy a hacer nada que vaya contra mi moral como artista".
Los fervorosos días de Sandro en Chile
Solitario, pero siempre rodeado de fans y de sus amigos chilenos. Así recuerdan a Roberto Sánchez los que lo conocieron en su época de gloria, quienes aquí cuentan los lugares favoritos del Gitano, sus manías y cómo fue marcando la vida de tantos. Canal 13 transmite una aplaudida serie biográfica acerca del artista argentino.
Federico Grünewald
Espectáculos
El Mercurio
Santiago llevaba un buen tiempo sin lluvia, pero ese día regresó con fuerza. Era 5 de mayo de 1969 y Luis Soto Ibáñez, arquero del Teatro Municipal (llamaban arquero a quien llevaba el foco que sigue a un artista), estaba en el Teatro Rex, listo para iluminar a Sandro. Luis Soto Riquelme estaba con su papá en el teatro. Tenía trece años y quería estrecharle la mano al ídolo argentino. Tuvo que esperar más de una hora para verlo, porque Sandro tenía dos actuaciones, la primera en el Teatro Nataniel, "para las chiquillas que gritaban harto", recuerda, y la segunda era en el Rex, "para la gente más de corbata. No se admitían los fan clubs".
"Palmenia Pizarro tuvo que cantar como una hora o más, porque Sandro no llegaba. Lo esperaban las niñas con corbatita y él seguía en el otro show", cuenta Soto Riquelme, quien pudo conocer esa noche al artista, darle la mano, contarle que tenía sus discos, que compraba la revista Ritmo para coleccionar los artículos que se publicaban sobre él y, lo mejor, "me dio el teléfono y su dirección en Argentina para que le escribiera. Él estaba muy agradecido de mi papá, encontraba que lo había iluminado muy bien".
El Gitano murió a los 64 años, en el año 2010, pero dejó recuerdos en cada chilena y chileno que conoció. Esta semana debutó en Canal 13 la serie "Sandro de América", que recrea su historia y que ya mostró, por ejemplo, su primera actuación en el Festival de Viña, en 1968, el trampolín perfecto para saltar luego a todo el continente. Por supuesto, Luis Soto Riquelme estaba ahí. Aprovechó que el ballet del Municipal se presentaba en Viña y le pidió a su padre que lo llevara al Festival para ver al Black Combo, el conjunto que acompañaba a Roberto Sánchez, Sandro.
Las revistas de esa época consignaron que el grupo chileno Los Bric a Brac se llevaron a uno de los músicos del Black Combo, Fernando Bermúdez, provocando la disolución del grupo, pero Sandro siguió adelante. Venía de ganar el primer festival de la canción porteña en Buenos Aires, en 1967, con la canción "Quiero llenarme de ti". Izidor Handler, director musical del Festival de Viña, había ido a Argentina a buscar artistas y se encontró con el joven Sánchez. No hubo dudas, tenía que estar en Viña 1968.
El Pollo y el Pato
En Buenos Aires, el tercer lugar de ese festival fue el chileno José Alfredo Fuentes, el Pollo. Ahí conoció a Sandro. Eran amigos, recuerda. "Una vez, él llegó a verme a un recital que yo daba en el Teatro Astor. Vino de sorpresa a saludarme, a darme un abrazo y a desearme éxito. Yo ni sabía que estaba en Santiago. En otro teatro estaba Roberto Carlos, coincidieron los shows, y Sandro me vino a decir: 'Che, te cagaste a Roberto Carlos. No hay nadie en el otro teatro, vos tenés todo lleno acá'. Era bueno para contar chistes, los alargaba, realmente era muy gracioso", cuenta.
Sandro en Chile mantuvo siempre un perfil lejano al divismo. Firmaba autógrafos, recibía a su fan club e invitaba a sus líderes a tomar once. Fumaba como chino y visitaba radios y revistas. Luz María Vargas era directora de Arte en Revista Ritmo y cuenta que en el cuarto piso de Providencia 711, donde estaban sus oficinas, había una guitarra acústica roja. "Era costumbre que los artistas fueran a tocar la guitarra a la revista. El Pollo Fuentes, Gervasio. Sandro también iba cuando estaba en Santiago y lo veíamos siempre", dice.
En Santiago, Sánchez solía quedarse en el Hotel Carrera, que estaba frente a la Plaza de la Constitución. Ahí recibía a sus amigos. Luis Soto Riquelme también se reunió ahí con su ídolo. Asegura que "a él le gustaba ese hotel, porque en el entrepiso había un piano y se juntaba con sus amigos a tocar piano. Nos amanecíamos en eso. Ahí cantamos juntos 'Penumbras'. Iban Gloria Simonetti, Jorge Pedreros, Óscar Anderle (jazzista que musicalizó casi todos los temas de Sandro), Pollo Fuentes también, y Sandro generalmente no cantaba, tocaba el piano".
De cualquier lugar, incluido el Carrera, el ídolo tenía que salir camuflado. Gloria Simonetti hizo una gira con él en 1971 por todo el norte de Chile. Duró quince días. "Se viajaba en avión y en bus, y en todas partes el colapso más grande era al entrar y al salir de los teatros, de los estadios. Yo era la telonera, iba pegada a él como chicle y teníamos que ver que no se nos colara gente", cuenta Simonetti, quien recuerda una vez que salieron del Hotel Carrera en Santiago (iban a comer a la casa de su hermano) con Sandro envuelto en una frazada en el asiento trasero de un auto, "como un bultito".
En Viña, el hotel favorito de Sandro era el O'Higgins. José Alfredo Fuentes recuerda que cuando coincidían en los festivales (Sandro también fue al de 1975), solían almorzar y tomar café junto a Patricio Renán, que era muy amigo del argentino. "Pato Renán era Renán Patricio Sánchez. Entonces, cuando le llevaban la cuenta, firmaba como R. Sánchez, como si fuera Sandro, y se la cargaban a esa cuenta. Una vez, Sandro lo pilló y le dijo: '¿Hasta cuándo me cagás con las cuentas?', pero todo muy en buena onda", cuenta Fuentes.
La sandrista más ferviente
Luis Soto Riquelme es el doble chileno de Sandro. Cumplió recién 49 años como tal. Gracias al parecido de voz, pudo estar con él en varias ocasiones. Dice que algo característico, y que finalmente le costó la vida, era verlo fumar. "Fumaba todo el día, hasta cuando comía. Andaba con una maleta de cartones de cigarrillos de los que él fumaba; salía un camello en la caja", recuerda Riquelme, y agrega que además comía poco, pero sano, que platos como el cordero los dejaba para Argentina y que le gustaba mucho el whisky.
Pero el código sagrado de Sandro y de todo su entorno era jamás hablar de su vida privada. Lo recuerdan claramente Luz María Vargas y también Gloria Simonetti. Ni de parejas ni de familia. Absoluto hermetismo. Riquelme, sin embargo, recuerda un detalle: "Él, cada una hora y media, estaba siempre llamando a Argentina para saber cómo estaba su mamá. Ella sufría de un mal que le deformaba los huesos y pasó casi toda la vida en silla de ruedas o postrada. Él siempre la estaba llamando, aunque sabía que estaba bien. Era muy preocupado y respetuoso de su madre, así como era respetuoso con las mujeres".
Gloria Simonetti cuenta que viajar junto a Sandro era como estar metidos en una novela. La complicidad había nacido en 1968, cuando ella debutó en la Quinta Vergara. "Tengo una foto de él muy linda. Estábamos en bambalinas y me tiene agarrado el brazo, con un cigarro en la mano. Había sido mi peor experiencia en Viña, cuando me pifiaron vermouth y noche. Después, en la gira, él siempre me dijo que tenía que seguir adelante, que no hiciera caso, y al año siguiente se revirtió todo conmigo".
Simonetti también recuerda el nivel de histeria que causaba Sandro. Cuenta que las mujeres se desvanecían durante toda su actuación. "Era una especie de bomba atómica en el escenario, tenía energía y te llevaba a la locura", dice.
En los años 80, Sandro comenzó a frecuentar los estelares de la televisión chilena. Estuvo en los programas de Raúl Matas, César Antonio Santis y Antonio Vodanovic, entre otros. Ya era una estrella mundial, pero cada vez que iniciaba una gira trataba de pasar antes a Chile. Le tenía aprecio al país que lo vio surgir y muy especialmente a sus fanáticos, incluyendo a su doble, y trataba de complacerlos. "Era enamoradizo, era bien mirón con las mujeres", acota el Pollo Fuentes. "Era muy atractivo, muy sensual, a diferencia de Julio Iglesias, que también era muy atractivo, pero más empalagoso. Sandro era tres cucharadas y a la papa", dice Gloria Simonetti.
Probablemente Gladys Año es la chilena más ferviente que tuvo Sandro. Era presidenta de uno de los clubes de fans que había en aquella época y se reunieron varias veces. Luis Soto Riquelme recuerda que "era tan sandrista, que el marido le rompía todas las cosas. Una vez le dijo: tienes que elegir: Sandro o yo. Y ella eligió a Sandro, y el marido se fue".
Gladys Año está de viaje y sin teléfono, pero en su casa en Recoleta dos de sus nueve hermanos confirman la historia, aunque creen que el Gitano no debe ser el único motivo de su separación.
Sandro en Chile mantuvo siempre un perfil lejano al divismo. Firmaba autógrafos, recibía a su fan club, fumaba como chino y visitaba radios y revistas.
viernes, marzo 23, 2018
La Revista Musical Chilena se renueva y tributa a Vicente Bianchi
Radio U Chile
La tradicional publicación, iniciada en 1945, es dirigida ahora por el musicólogo Cristian Guerra y su último ejemplar está dedicado el último ganador del Premio Nacional de Artes Musicales.
Por Rodrigo Alarcón
En una ceremonia realizada este miércoles en la Sala Isidora Zegers se presentaron los dos números más recientes de la Revista Musical Chilena, creada hace 73 años al alero del antiguo Instituto de Extensión Musical de la Universidad de Chile, que actualmente se publica semestralmente y cuyos diferentes números están disponibles en línea.
Los ejemplares presentados corresponden al año 2017 y representan un momento de transición: después de 45 años como director, el musicólogo Luis Merino dejó ese cargo para ser sustituido por Cristian Guerra, también académico de la Facultad de Artes.
En cuanto a los contenidos, el número 227 incluye, por ejemplo, artículos sobre la música de las comunidades de inmigrantes en Santiago, escrito por Rodrigo Torres y Marisol Facuse; y sobre el compositor peruano-boliviano Pedro Ximénez Abrill Tirado, por José Manuel Izquierdo y Zoila Vega.
En su número 228, en tanto, la Revista Musical Chilena está dedicada en parte importante a la figura de Vicente Bianchi, el último ganador del Premio Nacional de Artes Musicales. “Es una antigua tradición de la revista rendir homenaje a aquel músico galardonado con el Premio Nacional, se ha hecho siempre. La revista parte en 1945 y en ese año Pedro Humberto Allende es el primer músico que recibe el premio, entonces la revista le rindió un homenaje con una serie de artículos que se hicieron saludándolo”, explicó Cristián Guerra.
El mismo musicólogo publica un artículo sobre las obras religiosas del autor de la Misa a la chilena, mientras que el musicólogo Álvaro Menanteau hace un repaso biográfico sobre el músico y las implicancias del reconocimiento. También se incluye un catálogo selectivo sobre su extensa obra.
En su texto, Menanteau muestra cómo Vicente Bianchi relaciona dos mundos: “Él tiene el mundo de la música académica, por sus estudios de piano, armonía y otros temas en el Conservatorio de aquellos años, y luego aplica todos esos conocimientos en su práctica cotidiana de músico popular, en la radio, en los sellos grabadores, en la variada, amplia y dinámica escena de la música popular de los años 40, 50 y 60. Para mí, es importante ese nexo: cómo él se nutre de esos estudios para potenciar su trabajo profesional en música popular”, explicó.
Menanteau recalcó que Vicente Bianchi reunía cuatro aspectos codiciados en el medio profesional de la época -pianista, director, arreglista y compositor- y además analiza las implicancias de que haya recibido el Premio Nacional: “Yo tengo la teoría de que no es una excepción lo que pasó, sino más bien una tendencia que empezó a forjarse dentro de la dinámica del premio hacia 1980, cuando ya no solo son premiados compositores, sino que empieza a premiarse a intérpretes de música clásica y empieza a aparecer la figura femenina, con Elvira Savi, Margot Loyola y Carmen Luisa Letelier”, dijo.
“Le quito un poco de dramatismo y tal vez es menos sorpresivo que haya obtenido el premio, considerando que ya se veían algunos indicios de apertura de parte de los criterios del jurado”, añadió.
¿Cómo se proyectará la revista en el futuro? Cristian Guerra sostuvo que la publicación ha tenido “una apertura hacia otras culturas musicales y es algo que tiene que seguir, es una línea que no se puede romper a estas alturas”.
“Hay renovaciones y ampliaciones del comité editorial de la revista y hay un desafío muy importante, sobre el cual todavía no hemos tomado una decisión, que es la posibilidad de abrirnos a trabajos que no solo se publiquen en castellano, como ocurre en este momento. Dado lo que se espera de una revista de circulación internacional, habría también que considerar la posibilidad de artículos en portugués o en inglés”, adelantó.
Disponibles en línea
Tanto los números nuevos como los anteriores se pueden leer en línea y descargar en Revista Musical Chilena.
Madvanna llega con su rock hecho a mano a SCD Egaña
El Mercurio
Por Bárbara Castro
"No queremos que parezca que somos una boyband ", murmuran entre foto y foto. A simple vista, la propuesta de Madvanna, cinco jóvenes con un estilo de vestir particular y gustos musicales diferentes, habla de algo diseñado para el consumo. Pero con su nuevo EP a lanzarse en mayo, el quinteto aspira a algo hecho a mano. "Queríamos algo que fuera 100 por ciento autogestionado, un experimento por completo nuestro", dice Diego Lindemann, vocalista de la banda, que decidió producir su próximo trabajo -cuyo primer sencillo, "Volver", ya fue liberado en internet- sin apoyo de un sello, tomando por sus propias manos el proceso de composición y grabación.
Esta noche, el conjunto se subirá al escenario de la Sala SCD Egaña, para presentar su primer show de larga duración, en el que además estrenarán un nuevo tema. "Mas allá de las fotos, cuando la gente nos escucha y nos ve en vivo nos dice que somos muy rockeros. Eso habla de cómo somos los chilenos, que nos basamos mucho en apariencias", dice Lindemann.
Por Bárbara Castro
"No queremos que parezca que somos una boyband ", murmuran entre foto y foto. A simple vista, la propuesta de Madvanna, cinco jóvenes con un estilo de vestir particular y gustos musicales diferentes, habla de algo diseñado para el consumo. Pero con su nuevo EP a lanzarse en mayo, el quinteto aspira a algo hecho a mano. "Queríamos algo que fuera 100 por ciento autogestionado, un experimento por completo nuestro", dice Diego Lindemann, vocalista de la banda, que decidió producir su próximo trabajo -cuyo primer sencillo, "Volver", ya fue liberado en internet- sin apoyo de un sello, tomando por sus propias manos el proceso de composición y grabación.
Esta noche, el conjunto se subirá al escenario de la Sala SCD Egaña, para presentar su primer show de larga duración, en el que además estrenarán un nuevo tema. "Mas allá de las fotos, cuando la gente nos escucha y nos ve en vivo nos dice que somos muy rockeros. Eso habla de cómo somos los chilenos, que nos basamos mucho en apariencias", dice Lindemann.
DG Medios cancela concierto de Richard Ashcroft en Chile
La Tercera
El concierto que tendría lugar en el Teatro Caupolicán, ya no se realizará por motivos personales del artista, según señala la producción.
El concierto del ex vocalista de The Verve, que tendría lugar en el Teatro Caupolicán el 14 de abril, fue cancelado por motivos personales del artista, según explica el comunicado de DG Medios.
“Por motivos ajenos a la producción, DG Medios y Espectáculos lamenta comunicar a los fans que el show a realizarse por el artista Richard Ashcroft el día 14 de Abril de 2018 en el Teatro Caupolicán se ha cancelado. La cancelación se produce por motivos personales del Artista, donde, DG Medios y Espectáculos, no tiene ninguna responsabilidad en que se haya tomado esa decisión por parte de Richard Ashcroft. De igual manera, anunció la cancelación de otros conciertos en Latinoamérica”.
La producción expresó su pesar por la decisión de Ashcroft y se disculpa por los inconvenientes causados a sus clientes.
Quienes adquirieron sus entradas obtendrán devolución completa de lo pagado. Este procedimiento se puede realizar desde el lunes 26 de marzo enviando un correo serviciocliente@ticketek.cl o llamando al 226902000, tanto quienes compraron vía web como quienes lo adquirieron en puntos físicos de venta.
El concierto que tendría lugar en el Teatro Caupolicán, ya no se realizará por motivos personales del artista, según señala la producción.
El concierto del ex vocalista de The Verve, que tendría lugar en el Teatro Caupolicán el 14 de abril, fue cancelado por motivos personales del artista, según explica el comunicado de DG Medios.
“Por motivos ajenos a la producción, DG Medios y Espectáculos lamenta comunicar a los fans que el show a realizarse por el artista Richard Ashcroft el día 14 de Abril de 2018 en el Teatro Caupolicán se ha cancelado. La cancelación se produce por motivos personales del Artista, donde, DG Medios y Espectáculos, no tiene ninguna responsabilidad en que se haya tomado esa decisión por parte de Richard Ashcroft. De igual manera, anunció la cancelación de otros conciertos en Latinoamérica”.
La producción expresó su pesar por la decisión de Ashcroft y se disculpa por los inconvenientes causados a sus clientes.
Quienes adquirieron sus entradas obtendrán devolución completa de lo pagado. Este procedimiento se puede realizar desde el lunes 26 de marzo enviando un correo serviciocliente@ticketek.cl o llamando al 226902000, tanto quienes compraron vía web como quienes lo adquirieron en puntos físicos de venta.
Se cancela la edición 2018 del festival Surfbeats en Pichilemu
La Tercera
La producción del evento argumentó que la cancelación se debe a problemas con la entrega de permisos por parte de la gobernación.
Por Valentina Tobar
El festival Surfbeats tendría su cuarta edición el próximo 31 de marzo, cuando Shaggy, Los Cafres y Chico Trujillo se tomaran Pichilemu para el evento que lleva la música a la costa preferida de los surfistas. Sin embargo, la producción tomó la decisión de cancelar el festival, luego de que la gobernación no les entregara los permisos para el último fin de semana de este mes.
Los encargados del festival argumentaron que ellos habían entregado los papeles necesarios en el tiempo requerido, pero que la gobernación se había negado de igual forma. “Dado el paupérrimo argumento de las autoridades de la Gobernación, de la administración anterior y actual, exceptuando la Municipalidad de Pichilemu, la producción se vio obligada a cancelar el festival pese a los costos asociados para los involucrados en el evento”, señalaron.
Las entradas se podrán devolver desde el 23 de marzo al 23 de junio a través de Puntoticket.
La producción del evento argumentó que la cancelación se debe a problemas con la entrega de permisos por parte de la gobernación.
Por Valentina Tobar
El festival Surfbeats tendría su cuarta edición el próximo 31 de marzo, cuando Shaggy, Los Cafres y Chico Trujillo se tomaran Pichilemu para el evento que lleva la música a la costa preferida de los surfistas. Sin embargo, la producción tomó la decisión de cancelar el festival, luego de que la gobernación no les entregara los permisos para el último fin de semana de este mes.
Los encargados del festival argumentaron que ellos habían entregado los papeles necesarios en el tiempo requerido, pero que la gobernación se había negado de igual forma. “Dado el paupérrimo argumento de las autoridades de la Gobernación, de la administración anterior y actual, exceptuando la Municipalidad de Pichilemu, la producción se vio obligada a cancelar el festival pese a los costos asociados para los involucrados en el evento”, señalaron.
Las entradas se podrán devolver desde el 23 de marzo al 23 de junio a través de Puntoticket.
Joan Manuel Serrat confirma concierto en Valparaíso
La Tercera
El cantautor español regresa a Chile en el marco de su gira Mediterráneo de capo, la cual comienza en España el 22 de abril para finalizar en Latinoamérica.
Tras agotarse las entradas para sus dos presentaciones en el Teatro NESCAFÉ de las Artes, se confirma un nuevo concierto de Joan Manuel Serrat el sábado 24 de noviembre en el Teatro Aula Magna de la Universidad Federico Santa María de Valparaíso.
La venta de entradas comenzará el lunes 26 de marzo a las 12:00 horas por el sistema PuntoTicket.
Si bien actualmente estas tres presentaciones son las únicas confirmadas, la producción trabaja para programar nuevas fechas tanto en Santiago como en regiones.
El cantautor español regresa a Chile en el marco de su gira Mediterráneo de capo para celebrar su disco Mediterráneo de 1971. El concierto contempla canciones como “Lucía”, “Aquellas cosas pequeñas” y “Barquito de papel”, además de grandes éxitos pertenecientes a otros discos.
La gira comenzará el 22 de abril en Roquetas de Mar, España, y tras recorrer el país ibérico y una parada en Francia, aterrizará en varias ciudades de Latinoamérica.
COORDENADAS:
Teatro Aula Magna
Universidad Federico Santa María
Valparaíso
Sábado 24 de noviembre – 21:00 horas.
PRECIOS:
*Valores: 30.000 a 120.000 pesos (sin cargo por servicio). A través del sistema PuntoTicket.
*30% de descuento para socios de la Comunidad de las Artes (válido hasta agotar stock de 300 entradas y máximo dos entradas por socio).
El cantautor español regresa a Chile en el marco de su gira Mediterráneo de capo, la cual comienza en España el 22 de abril para finalizar en Latinoamérica.
Tras agotarse las entradas para sus dos presentaciones en el Teatro NESCAFÉ de las Artes, se confirma un nuevo concierto de Joan Manuel Serrat el sábado 24 de noviembre en el Teatro Aula Magna de la Universidad Federico Santa María de Valparaíso.
La venta de entradas comenzará el lunes 26 de marzo a las 12:00 horas por el sistema PuntoTicket.
Si bien actualmente estas tres presentaciones son las únicas confirmadas, la producción trabaja para programar nuevas fechas tanto en Santiago como en regiones.
El cantautor español regresa a Chile en el marco de su gira Mediterráneo de capo para celebrar su disco Mediterráneo de 1971. El concierto contempla canciones como “Lucía”, “Aquellas cosas pequeñas” y “Barquito de papel”, además de grandes éxitos pertenecientes a otros discos.
La gira comenzará el 22 de abril en Roquetas de Mar, España, y tras recorrer el país ibérico y una parada en Francia, aterrizará en varias ciudades de Latinoamérica.
COORDENADAS:
Teatro Aula Magna
Universidad Federico Santa María
Valparaíso
Sábado 24 de noviembre – 21:00 horas.
PRECIOS:
*Valores: 30.000 a 120.000 pesos (sin cargo por servicio). A través del sistema PuntoTicket.
*30% de descuento para socios de la Comunidad de las Artes (válido hasta agotar stock de 300 entradas y máximo dos entradas por socio).
Carlos Zamora y sus obras este fin de semana
Mientras la Orquesta Marga Marga estrenará hoy "Chacabuco. Una plegaria en el desierto", del compositor chileno Carlos Zamora (Palacio Rioja, 19:30 horas, gratis), la Orquesta de Cámara de Valdivia abordará su Concierto para clarinete en la Iglesia Luterana (hoy, a las 20:00 horas, y mañana en la UACh).
Festival 14° In- Edit Chile Libera su programación 2018
Cerca de una treintena de trabajos audiovisuales se exhibirán en la 14ª edición del único festival nacional dedicado completamente al cine y el documental musical.
Destacan en esta entrega: el esperado registro sobre la espectacular artista, cantante e ícono fashion, Grace Jones; un monumental trabajo de recopilación de 70 años de la música popular brasileña a través de la historia de la legendaria agrupación Os Cariocas y las imágenes inéditas de Sex Pistols, The Clash, Slits y Chrissie Hynde, bajo el lente super 8 de Don Letts.
In-Edit Chile es un proyecto de la Fundación Música Para Tus Ojos y está auspiciado por Nescafé -10 años junto a In-Edit- , La Ley de Donaciones Culturales y cuenta con el financiamiento del Fondo de Fomento Audiovisual convocatoria 2018
Comunicado de prensa
Santiago, 22 de marzo.- Con la totalidad de sus abonos agotados, prácticamente “en verde”, y a pocas semanas de comenzar una nueva versión de In-Edit Chile, el festival ya define sus secciones, actividades y los títulos que acompañarán su versión 2018. Serán seis días entre el 18 y el 23 de abril, cinco sedes, dos salas paralelas en la Escuela Moderna y Fundación Providencia; charlas, invitados internacionales y música en vivo.
Este año In-Edit Chile se realizará por primera vez en el mes de abril, pero como todos los años, exhibirá una programación que integra a famosas figuras de la música internacional, mujeres pioneras, pequeñas e increíbles historias de canto y creación de diferentes países y documentales que incluyen géneros como el rock, folk, pop, electrónica, punk y jazz. Son, en su mayoría, títulos recientes en estreno para Sudamérica.
Cintas sobre Grace Jones, Eric Clapton, Rolling Stones, The Clash y Sex Pistols; Iggy Pop junto a Josh Homme, Ricardo Villalobos, Lucybell, Residente, John Coltrane, XTC, Os Cariocas y Sleaford Mods, entre muchas otras, completarán la programación 2018 del único festival chileno especializado en cine y documental musical. Revisa aquí todos los títulos de la programación
En cuanto a la competencia nacional de este año, cuatro trabajos audiovisuales buscarán destacar como lo mejor del documental chileno vinculado a la música: “Cuando respiro en tu boca: la creación del disco Peces” dirigido por Carlos Moena, sobre cómo se realizó este disco fundamental de la música chilena con imágenes inéditas de Lucybell. La última heredera de la tradición oral de Isla de Pascua retratada en “Riu, lo que cuentan los cantos” de Pablo Berthelon. “Cuatro” de Diego Santana Kortmann que indaga en el entramado de experiencias y relaciones en la construcción de un instrumento de 4 cuerdas y “Fuerza Mayor: IOVI. Los márgenes de la electrónica” de Tomás Achurra, un músico emergente que se abre paso en la electrónica chilena.
INVITADOS INTERNACIONALES
Este año contaremos con la visita de la destacada actriz y realizadora, Lucía Verissimo, directora del documental ganador de In-Edit Brasil “EU, MEU PAI E OS CARIOCAS - 70 Anos de Música no Brasil”, además de Marcelo Aliche, director de In-Edit Brasil , cuya versión cumple 10 años este 2018. A ellos se les unirá Bettina Walter, productora alemana que presidirá el jurado de la competencia nacional, habitual en cadenas como la BBC, ARTE, TVE, TVC y PBS, entre muchas otras. Todos tendrán encuentros con la audiencia en las distintas jornadas del festival.
In-Edit Chile continuará hasta el lunes 23 de abril para celebrar el día mundial del libro y la conmemoración de Sant Jordi. Sin embargo, la ceremonia de premiación será el domingo 22 de Abril en el Teatro Nescafé a las 20:30 hrs. donde se darán a conocer las cintas ganadoras en las tres categorías en competencia, incluyendo el mejor documental nacional.
Mantente al tanto de estas actividades y otras sorpresas que trae In-Edit Chile visitando la página web inedit.cl
Programación chilena
Programación Internacional
Denise Rosenthal fija el lanzamiento en vivo de su disco "Cambio de piel"
Comunicado de prensa
La cantante nacional realizará un show para presentar su último disco, que incluye temas que ya son todo un éxito.
El lanzamiento oficial se realizará en Santiago, Teatro Nescafé de las Artes el 24 de mayo a las 21:00 hrs.
Concepción, Teatro Marina del Sol el 26 de mayo.
VENTA DE ENTRADAS A PARTIR DE ESTE VIERNES 23 DE MARZO.
Luego de un exitoso verano, en el que Denise Rosenthal se presentó en la Cumbre del Rock, el Festival de Talca y recorrió distintas ciudades del país, la cantante se prepara para lanzar oficialmente su álbum “Cambio de piel”. El show en vivo se realizará el próximo jueves 24 de mayo en el Teatro Nescafé de las Artes.
Los singles, “Cambio de Piel” e “Isidora”, han tenido gran recepción del público, al igual que “Cabello de Ángel” que fue estrenado en enero pasado. Sus video clips cuentan con millones de views en YouTube e igual cantidad de reproducciones en las principales plataformas digitales de música.
En este último material discográfico, Denise Rosenthal explora sonidos actuales, mezclando el pop, soul y hip hop, junto a bases electrónicas; que convierten su música en una propuesta fresca y llamativa donde la calidad de su voz también se luce.
Esta nueva placa contiene 10 canciones, donde además de los tres singles ya conocidos, brillan “Encadená”, “Lucha en equilibrio", "Niñita de mar" y "Amor con amor se paga", entre otros. Con esta propuesta musical, la cantante ya superó las 8 mil copias vendidas, lo que eleva a “Cambio de piel” a la categoría de Disco de Oro a nivel nacional.
El álbum cuenta con la producción ejecutiva de Marcelo Aldunate, que también ha trabajado con Francisca Valenzuela, Manuel García y Camila Moreno, entre otros. Y dentro del equipo de producción, figuran los destacados Danilo Donoso, Lego Moustache, Bastián Herrera, Andres Landon, Bruno Borlone, Lorena Gormez y Guillermo Scherping.
El show de lanzamiento de “Cambio de piel” se realizará el jueves 24 de mayo a las 21:00 hrs en el Teatro Nescafé de las Artes, ubicado en Av. Manuel Montt 32, Providencia.
Entradas a la venta, a partir del viernes 23 de marzo, a través del sistema Ticketek para Santiago y DaleTicket para Concepción.
Ernesto Holman EtnoJazz Trío realiza cambio de nombre y sello apuntando a la internacionalización
Comunicado de prensa
HOLMAN TRÍO, es el nuevo nombre de la banda del destacado bajista nacional Ernesto Holman, quien además cerró con el sello de Artemedios con miras a la internacionalización de su carrera.
El grupo ha cerrado acuerdo con "World Note" sello de Artemedios con quienes realizarán una fuerte campaña de internacionalización entre otros. Ahora en adelante "HOLMAN TRÍO", que es su nuevo nombre, tiene grandes planes a futuro fuera del país.
“De cara a las nuevos proyectos que estamos planeando, ha sido necesario un nombre más corto y que no nos encasille exclusivamente en el género Jazz, ya que de éste originalmente solo utilizamos el concepto de improvisación y la estructura de trío instrumental: piano, bajo y batería . El uso de ritmos chilenos nos llevó a elaborar el concepto Etno Jazz que nos permitió ser escuchados en circuitos musicales afines”, señaló Ernesto Holman sobre el cambio de nombre de su agrupación.
Por otro lado Giorgio Varas, director del sello de Artemedios, “Word Note”, declaró valorar la firma que cerraron con Holman Trío. “La solidez y la trayectoria de Holman y la persistencia en la investigación musical en formato Trío , han generado un producto musical de una extraordinaria calidad y potencial exportador . Para La plataforma ArteMedios , es un privilegio contar con Holman Trío en el el catálogo World Note”
Fusión musical de ritmos ancestrales chilenos con elementos jazzísticos como el lenguaje de la improvisación y la configuración de trío, es lo que “HOLMAN TRÍO” presentará el jueves 05 de Abril a las 20:00 horas en la Sala SCD Plaza Egaña.
“Nuestra música es más que un género, abarca más conceptos y si nos quisiéramos definir diríamos que sólo hacemos música chilena fusionada", agrega Holman.
El destacado bajista y compositor de jazz fusión y rock progresivo, Ernesto Holman, que como músico se ha dedicado a implementar al bajo como instrumento melódico, creando el género etnojazz y fundando la fusión de la inspiración mapuche con dicho género. Junto a sus compañeros de banda, Josué Villalobos en batería y Gustavo Cerqueiras en piano, se alzó como ganador del Premio Pulsar 2017 a Mejor Artista Fusión.
De la mano del Sello EROICA, “Ernesto Holman Etnojazz Trío” editó su último disco “De Raíz”, una producción musical que interpreta la relación de nuestra cultura chilena con los sonidos de la tierra y el pueblo mapuche, desde el jazz. “De raíz” no sólo ha sido galardonado con el Premio Pulsar, además fue considerado como “Mejor disco de Vanguardia 2016” por revista Rockaxis y lo ha llevado de gira por Corea del Sur y Canadá en 2017 representando a Chile en prestigiosos Festivales de Jazz y World Music.
HOLMAN TRÍO
Presentación: JUEVES 05, 20:00HS
Lugar: Sala SCD PLAZA EGAÑA
(Av. Larraín 5862, 4to piso Mall Plaza Egaña, La Reina.)
ENTRADAS: $4000
VENTA EN BOLETERÍA DE LA SALA O POR EL SIGUIENTE LINK: http://www.dticket.cl/evento/1248/ERNESTO-HOLLMAN-TRIO
Evento Facebook: https://goo.gl/dBzQti
jueves, marzo 22, 2018
Cancelan proyecto original del Centro Cultural Mercedes Sosa
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| El Centro Cultural Mercedes Sosa (a la izquierda), del arquitecto Cristián Undurraga, cambiará el enfoque que había sido diseñado en su origen. |
El Mercurio
El sitio aledaño al Museo Violeta Parra y a la embajada de Argentina en Santiago, pasará a la gestión de la U. de Chile para un nuevo inmueble con fines educacionales y artísticos.
Por IÑIGO DÍAZ
Iba a ser un espacio de encuentro entre países, en el ámbito de la cultura. A pasos de Plaza Italia, donde alguna vez estuvo la carpa de la compañía Gran Circo Teatro, dos edificios se unirían en un mismo lugar: Vicuña Mackenna 51 y 39.
En la primera dirección, opera desde 2015 el Museo Violeta Parra, tal como estaba dispuesto en el plan de dotación de infraestructura cultural para Santiago. En la segunda iba a construirse el Centro Cultural Mercedes Sosa, en memoria de la folclorista tucumana. Sin embargo, esta semana la Embajada de Argentina confirmó un cambio en el proyecto original.
El embajador José Octavio Bordón informó a "El Mercurio" que el proyecto salió de la agenda próxima, debido a razones presupuestarias originadas en el gobierno central de Buenos Aires. Se trataba, de todas formas, de un proyecto que ya había generado polémica en el país trasandino, motivada por el alto costo del proyecto: cerca de 10 millones de dólares, para un edificio de 4.500 m {+2} , en ese terreno cedido en 2010, según publicó entonces el diario La Nación.
El diseño del edificio había sido entregado hace cinco años por el arquitecto Cristián Undurraga, autor del Centro Cultural Palacio La Moneda y del propio Museo Violeta Parra. Hace justo una semana, Undurraga recibió la llamada del embajador Bordón, que le daba a conocer la cancelación de su proyecto arquitectónico. "(Bordón) adujo razones de orden presupuestario y de costo de la futura gestión. En todo caso, dejamos establecidas ciertas directrices que permitirán construir la calle entre ambos edificios", señaló Undurraga.
La Embajada de Argentina informó, además, que dicho terreno, aledaño a esta, será cedido a la U. de Chile para la construcción de un nuevo edificio que se unirá a un polo cultural de Plaza Italia, conectado al Teatro Baquedano y al futuro Teatro Sinfónico de Vicuña Mackenna 20.
"Este proyecto ha sumado un nuevo actor, que mantendrá el espíritu del anterior", dijo el embajador Bordón. El personero agregó que el nuevo espacio "se destinará a potenciar el desarrollo de actividades culturales y educativas, además de la promoción de la cultura argentina y de la figura de Mercedes Sosa".
Por su parte, el prorrector de la U. de Chile, Rafael Epstein, señaló que "no me parece que se trate de una cancelación, sino de una ampliación mayor del proyecto original. Tenemos tres meses para presentar un plan, que está liderado por la Facultad de Artes". Su enfoque está siendo diseñado: "El edificio tendrá un fin educacional y también contará con espacios para muestras de arte latinoamericano y un auditorio. La presencia de Mercedes Sosa está garantizada. No tiene un nombre aún, aunque perfectamente podría ser el de Mercedes Sosa", dijo.
Al enterarse extraoficialmente de la determinación, la directiva del Museo Violeta Parra se mostró sorprendida. "Durante un año, el museo trabajó en la propuesta de un Parque Mercedes Sosa, en conjunto con la Embajada de Argentina, entregando un espacio público inmejorable a la comunidad", indicó en un comunicado la directora del museo, Cecilia García-Huidobro. "Como lo anterior implica externalidades para el museo, me reuní con autoridades de la U. de Chile, que quedó de responderlas. No se ha recibido aún una propuesta ni documento formal que permita evaluar la situación", agregó.
Paul Anka: “Mi próximo tributo en Chile tendrá que ser a Peter Rock”
La Tercera
Antes de su regreso a Santiago, el canadiense habla de su vínculo con el ídolo de la Nueva Ola y de su trabajo junto al rapero Drake: “El hip hop mató al rock”, sentencia.
Por Andrés del Real
Con seis décadas de carrera en el cuerpo, Paul Anka no sólo domina a la perfección el escenario, sino también el arte de la reinvención y el factor sorpresa. A tres meses de su regreso a Santiago, con un concierto fijado para el 8 de junio en Arena Monticello, el legendario cantautor canadiense revela de entrada su próxima aventura musical: un próximo sencillo junto a la estrella del hip hop y el R&B Drake.
“El hip hop está impulsando la cultura hoy en día, socialmente hablando. El hip hop mató al rock, ya no hay grandes bandas de rock and roll y eso está bien, porque los tiempos tienen que cambiar”, dice el solista de 76 años, quien cuenta que además trabaja en una colaboración junto al rapero californiano Tyga.
“Estoy en un momento de creatividad y el hip hop es parte de ese proceso”, agrega Anka, siempre versátil y generoso a la hora de compartir su talento compositivo con otras estrellas, como Frank Sinatra o Michael Jackson, o de homenajear a figuras que ya no están, como hizo con Prince en su último paso por Chile, cantando Purple rain.
Para su próximo concierto en el país, el autor de “Diana” planea un nuevo tributo en vivo, enterado del fallecimiento de Peter Rock en 2016 y del particular vínculo que los une. Porque además de telonear a Anka en su ya mítico primer concierto en Santiago, en 1961, el primer registro del cantante chileno-austríaco, aquel single de 1959 que inauguró el rock and roll en la historia discográfica nacional, traía en su lado B un cover de “Something happened”, original del canadiense. “Definitivamente mi próximo tributo en Chile tendrá que ser a Peter Rock”, promete.
– ¿Qué más se puede esperar de su regreso? ¿Habrá también nuevos arreglos para sus clásicos?
– Sí, definitivamente. Siempre trato de llevar algo nuevo cuando regreso a lugares como Chile, que son importantes para mí y a los que voy hace tiempo. Como me es imposible ir para allá cuatro veces al año, siempre intento escuchar al público de allá para saber qué quieren escuchar realmente, y a partir de eso vamos armando los arreglos, decidimos las canciones y evaluamos si incluimos la canción de Michael Jackson [“This is it”] que no tocamos la última vez o los Rock swings [su disco de covers de 2005]. Nunca voy a llegar a decirles, “hola, aquí tienen doce nuevas canciones de las que nunca han escuchado”. Cuando llevas 60 años de música, como es mi caso, tienes que ser muy cuidadoso al seleccionar lo que tu gente quiere escuchar, en especial en Chile, el país de Sudamérica al que más voy.
– Antes de su anterior visita contó sus planes de adaptar sus memorias al cine o a Broadway. ¿Hay novedades con ese proyecto?
– Este es un proyecto grande así que seguimos en conversaciones con distinta gente. Lo que pasa es que en el intertanto las cosas han ido cambiando, la industria del cine ya no es el negocio que solía ser y ahora todo pasa por la televisión, por Netflix, todo el contenido y el dinero se está yendo a ese tipo de plataformas. Sin ir más lejos, mi yerno, que se llama Jason Bateman y es un actor bastante conocido, tiene una serie en Netflix que se llama Ozark, donde está muy involucrado y trabajando en nuevos capítulos. Esa es una posibilidad que me atrae, así como también la de hacer un documental, pero siento que hay solo una oportunidad para hacer esto y hay que tomar la decisión correcta, así que me lo tomo con calma.
– ¿Y le gustaría que Jason Bateman lo interpretara en su película biográfica?
– Bueno, tendría que ser alguien más joven para que me interprete en mi época juvenil, pero el principal problema es que Jason no canta (ríe).
– En su caso, su voz sigue en buena forma. Ahora que muchos de sus colegas han decidido dejar de tocar en vivo, ¿se ve saliendo de gira por varios años más?
– Mi forma de verlo es: si lo sigo disfrutando y sintiéndome bien, no veo razón para no continuar en esto. Otros artistas han decidido parar porque no están bien de salud, como Neil Diamond o Elton John, y eso lo entiendo y solidarizo con ellos. Pero en mi caso no estoy pensando en el retiro. Yo vivo el momento, soy un devoto del momento.
Antes de su regreso a Santiago, el canadiense habla de su vínculo con el ídolo de la Nueva Ola y de su trabajo junto al rapero Drake: “El hip hop mató al rock”, sentencia.
Por Andrés del Real
Con seis décadas de carrera en el cuerpo, Paul Anka no sólo domina a la perfección el escenario, sino también el arte de la reinvención y el factor sorpresa. A tres meses de su regreso a Santiago, con un concierto fijado para el 8 de junio en Arena Monticello, el legendario cantautor canadiense revela de entrada su próxima aventura musical: un próximo sencillo junto a la estrella del hip hop y el R&B Drake.
“El hip hop está impulsando la cultura hoy en día, socialmente hablando. El hip hop mató al rock, ya no hay grandes bandas de rock and roll y eso está bien, porque los tiempos tienen que cambiar”, dice el solista de 76 años, quien cuenta que además trabaja en una colaboración junto al rapero californiano Tyga.
“Estoy en un momento de creatividad y el hip hop es parte de ese proceso”, agrega Anka, siempre versátil y generoso a la hora de compartir su talento compositivo con otras estrellas, como Frank Sinatra o Michael Jackson, o de homenajear a figuras que ya no están, como hizo con Prince en su último paso por Chile, cantando Purple rain.
Para su próximo concierto en el país, el autor de “Diana” planea un nuevo tributo en vivo, enterado del fallecimiento de Peter Rock en 2016 y del particular vínculo que los une. Porque además de telonear a Anka en su ya mítico primer concierto en Santiago, en 1961, el primer registro del cantante chileno-austríaco, aquel single de 1959 que inauguró el rock and roll en la historia discográfica nacional, traía en su lado B un cover de “Something happened”, original del canadiense. “Definitivamente mi próximo tributo en Chile tendrá que ser a Peter Rock”, promete.
– ¿Qué más se puede esperar de su regreso? ¿Habrá también nuevos arreglos para sus clásicos?
– Sí, definitivamente. Siempre trato de llevar algo nuevo cuando regreso a lugares como Chile, que son importantes para mí y a los que voy hace tiempo. Como me es imposible ir para allá cuatro veces al año, siempre intento escuchar al público de allá para saber qué quieren escuchar realmente, y a partir de eso vamos armando los arreglos, decidimos las canciones y evaluamos si incluimos la canción de Michael Jackson [“This is it”] que no tocamos la última vez o los Rock swings [su disco de covers de 2005]. Nunca voy a llegar a decirles, “hola, aquí tienen doce nuevas canciones de las que nunca han escuchado”. Cuando llevas 60 años de música, como es mi caso, tienes que ser muy cuidadoso al seleccionar lo que tu gente quiere escuchar, en especial en Chile, el país de Sudamérica al que más voy.
– Antes de su anterior visita contó sus planes de adaptar sus memorias al cine o a Broadway. ¿Hay novedades con ese proyecto?
– Este es un proyecto grande así que seguimos en conversaciones con distinta gente. Lo que pasa es que en el intertanto las cosas han ido cambiando, la industria del cine ya no es el negocio que solía ser y ahora todo pasa por la televisión, por Netflix, todo el contenido y el dinero se está yendo a ese tipo de plataformas. Sin ir más lejos, mi yerno, que se llama Jason Bateman y es un actor bastante conocido, tiene una serie en Netflix que se llama Ozark, donde está muy involucrado y trabajando en nuevos capítulos. Esa es una posibilidad que me atrae, así como también la de hacer un documental, pero siento que hay solo una oportunidad para hacer esto y hay que tomar la decisión correcta, así que me lo tomo con calma.
– ¿Y le gustaría que Jason Bateman lo interpretara en su película biográfica?
– Bueno, tendría que ser alguien más joven para que me interprete en mi época juvenil, pero el principal problema es que Jason no canta (ríe).
– En su caso, su voz sigue en buena forma. Ahora que muchos de sus colegas han decidido dejar de tocar en vivo, ¿se ve saliendo de gira por varios años más?
– Mi forma de verlo es: si lo sigo disfrutando y sintiéndome bien, no veo razón para no continuar en esto. Otros artistas han decidido parar porque no están bien de salud, como Neil Diamond o Elton John, y eso lo entiendo y solidarizo con ellos. Pero en mi caso no estoy pensando en el retiro. Yo vivo el momento, soy un devoto del momento.
Ricardo Montaner vuelve con show pensado para los inmigrantes venezolanos
La Tercera
El artista se presentará a mediados de año en el Movistar Arena con su nueva gira.
Ricardo Montaner ha pasado por Chile en casi todas sus facetas. Como animador, como invitado de estelares, como rostro solidario en diversas versiones de la Teletón y, sobre todo, como cantante propietario de uno de los catálogos más reconocibles de la balada hispanohablante durante los 80 y los 90.
Y en ese último rol, el más efectivo de todos, volverá a pasar por escenarios nacionales. Según anuncian desde la productora FreeTime, el intérprete se presentará en el país el sábado 21 de julio, en el Movistar Arena de Santiago, como parte de su tour Ida y vuelta, el que lo llevará no sólo por las plazas más tradicionales de Latinoamérica, sino que también por alrededor de una veintena de ciudades de EE.UU. y Canadá.
Por consecuencia, su itinerario en vivo estará centrado en lo obvio: su catálogo de grandes hits, desde las más rítmicas como “Bésame”, hasta las más inspiradas, como “La cima del cielo”.
En el anuncio de su nuevo recorrido, Montaner ha puesto especial acento en su preocupación por los venezolanos repartidos por el planeta, debido a la difícil situación política y social que atraviesan en esa nación, donde ha residido gran parte de su vida pese a nacer en Argentina.
Chile no será la excepción. Según informan los responsables de la cita, habrá una preventa especial para los venezolanos que residen en el país, tomando en cuenta que hoy son unas de las colonias extranjeras de mayor crecimiento.
Por lo demás, la venta de entradas empieza este lunes 26, a través del sistema y los locales Puntoticket, además de las tiendas Hites.
Pese a siempre repasar en reversa su carrera, priorizando sus clásicos antes que sus lanzamientos más recientes, Montaner ha dado señales de una posible renovación.
En una entrevista concedida al periódico El Nuevo Herald, de Miami, ha dicho que no tendría problemas en el futuro en asociarse a algún emblema de la música urbana, tal como lo han materializado un puñado importante de sus coetáneos.
“Es un género muy respetable, como todos los géneros de la música y en mi inmensa familia, en la que hay personas de todas las edades, escuchamos todos los géneros: Desde tango y música clásica, hasta balada y sí, también música urbana”, comento el cantante.
En la misma entrevista, eso sí, aclaró que no comulga en demasía con las letras explícitas que exhibe el trap, ese sonido bailable decorado con frases sexuales y de ostentación material. “Creo que cada quien escucha lo que quiere y cada quien compone lo que quiere, y los respeto a todos. Pero en mi casa, con ese tipo de palabras, probablemente ni lo compondremos ni lo escucharemos”, aseguró.
El artista se presentará a mediados de año en el Movistar Arena con su nueva gira.
Ricardo Montaner ha pasado por Chile en casi todas sus facetas. Como animador, como invitado de estelares, como rostro solidario en diversas versiones de la Teletón y, sobre todo, como cantante propietario de uno de los catálogos más reconocibles de la balada hispanohablante durante los 80 y los 90.
Y en ese último rol, el más efectivo de todos, volverá a pasar por escenarios nacionales. Según anuncian desde la productora FreeTime, el intérprete se presentará en el país el sábado 21 de julio, en el Movistar Arena de Santiago, como parte de su tour Ida y vuelta, el que lo llevará no sólo por las plazas más tradicionales de Latinoamérica, sino que también por alrededor de una veintena de ciudades de EE.UU. y Canadá.
Por consecuencia, su itinerario en vivo estará centrado en lo obvio: su catálogo de grandes hits, desde las más rítmicas como “Bésame”, hasta las más inspiradas, como “La cima del cielo”.
En el anuncio de su nuevo recorrido, Montaner ha puesto especial acento en su preocupación por los venezolanos repartidos por el planeta, debido a la difícil situación política y social que atraviesan en esa nación, donde ha residido gran parte de su vida pese a nacer en Argentina.
Chile no será la excepción. Según informan los responsables de la cita, habrá una preventa especial para los venezolanos que residen en el país, tomando en cuenta que hoy son unas de las colonias extranjeras de mayor crecimiento.
Por lo demás, la venta de entradas empieza este lunes 26, a través del sistema y los locales Puntoticket, además de las tiendas Hites.
Pese a siempre repasar en reversa su carrera, priorizando sus clásicos antes que sus lanzamientos más recientes, Montaner ha dado señales de una posible renovación.
En una entrevista concedida al periódico El Nuevo Herald, de Miami, ha dicho que no tendría problemas en el futuro en asociarse a algún emblema de la música urbana, tal como lo han materializado un puñado importante de sus coetáneos.
“Es un género muy respetable, como todos los géneros de la música y en mi inmensa familia, en la que hay personas de todas las edades, escuchamos todos los géneros: Desde tango y música clásica, hasta balada y sí, también música urbana”, comento el cantante.
En la misma entrevista, eso sí, aclaró que no comulga en demasía con las letras explícitas que exhibe el trap, ese sonido bailable decorado con frases sexuales y de ostentación material. “Creo que cada quien escucha lo que quiere y cada quien compone lo que quiere, y los respeto a todos. Pero en mi casa, con ese tipo de palabras, probablemente ni lo compondremos ni lo escucharemos”, aseguró.
Depeche Mode repasó su carrera y volvió a triunfar con sus éxitos
El Mercurio
En su tercera vez en Santiago, la banda presentó anoche en el Estadio Nacional un concierto de inicio denso, pero con un desenlace poblado de hits.
Por JOSÉ VÁSQUEZ
Las luces del Estadio Nacional se apagaron anoche, puntuales a las 21 horas, para dejar rugir por los parlantes del recinto a Lennon y compañía con "Revolution". Los Beatles sonaban en una partida energética mientras las pantallas del escenario proyectaban dos pies marchando.
Depeche Mode volvió a Chile con "Spirit", su trabajo de características más políticas y con un sencillo como "Where's the revolution", que promediando el concierto llegaba como el rebote de una idea que enunciaron con los de Liverpool, pero que rápidamente decantó en un inicio denso y una progresión que recién en el desenlace se pobló con sus éxitos más rotundos, dejando su revolución, musical, básicamente al descanso en su repertorio más antiguo.
Dave Gahan en vivo mantiene una voz que desde el comienzo calibra potente y que comanda una banda que desde atrás empuja con un sonido limpio, aunque a un volumen bajo para los parámetros de un show de estadio, el que sí fue mejorando con el paso de los temas. "Going backwards" fue la primera, que también es la que abre su último álbum, un tema que ralentizó un arranque que continuó en la misma tónica con una dupleta del "Ultra", el disco con el que abandonaron los noventa.
"It's no good" y "Barrel of a gun" -más tarde llegaría "Useless"-, dos sencillos que pese a los bailes de un Gahan, que se adueñaba del escenario bailando y girando como un trompo con los brazos abiertos, no lograba todavía sacudir a un público más bien contemplativo, pero que se dejaba sentir al final de cada tema.
Recién en "A pain that I'm used to", el vocalista se asomó por la pasarela que se adentraba en la cancha para conectar mejor con la gente, aunque solo fue un asomo, ya que la terminaría recorriendo solo en un par de canciones.
"Precius" y "World in my eyes" despertaron a un público que luego volvió a ser contemplativo cuando Martin Gore, el cerebro compositor del grupo -y que el martes fue un animado espectador de Gorillaz en el Movistar Arena- tomó el micrófono para cantar "Insight" y que al momento de "Home", la gente terminó coreando animada.
Fue pasado una hora de show que el concierto, como partido en dos, se inclinó a su mejor momento, con una "Everything counts" que dio la partida a la seguidilla de éxitos que continuó "Stripped", "Enjoy the silence" y la electrónica de masas con un coro cantado con fuerza cuando Gahan le entregó el micrófono a la gente, un clímax que se extendió hasta "Never let me down again" -y el público agitando sus brazos de lado a lado- antes de un bis que los trajo de vuelta con "Stragelove", otra vez en la voz de Gore y "Walking in my shoes", una guitarrera versión de "A question of time" y una "Personal Jesus", que sigue siendo una de sus cumbres musicales.
Previa chilena
Antes del comienzo del show de Depeche Mode, Matías Aguayo, el músico electrónico chileno radicado en Alemania, subió a escena, pasadas las 20 horas, para realizar un breve set junto a su nueva banda The Desdemonas.
Con una formación orgánica de bajo, batería y guitarra, Aguayo interpretó temas de este proyecto, siendo recibido con tibieza por el público que a esa hora comenzaba a poblar el recinto de Ñuñoa en la espera de los británicos.
En su tercera vez en Santiago, la banda presentó anoche en el Estadio Nacional un concierto de inicio denso, pero con un desenlace poblado de hits.
Por JOSÉ VÁSQUEZ
Las luces del Estadio Nacional se apagaron anoche, puntuales a las 21 horas, para dejar rugir por los parlantes del recinto a Lennon y compañía con "Revolution". Los Beatles sonaban en una partida energética mientras las pantallas del escenario proyectaban dos pies marchando.
Depeche Mode volvió a Chile con "Spirit", su trabajo de características más políticas y con un sencillo como "Where's the revolution", que promediando el concierto llegaba como el rebote de una idea que enunciaron con los de Liverpool, pero que rápidamente decantó en un inicio denso y una progresión que recién en el desenlace se pobló con sus éxitos más rotundos, dejando su revolución, musical, básicamente al descanso en su repertorio más antiguo.
Dave Gahan en vivo mantiene una voz que desde el comienzo calibra potente y que comanda una banda que desde atrás empuja con un sonido limpio, aunque a un volumen bajo para los parámetros de un show de estadio, el que sí fue mejorando con el paso de los temas. "Going backwards" fue la primera, que también es la que abre su último álbum, un tema que ralentizó un arranque que continuó en la misma tónica con una dupleta del "Ultra", el disco con el que abandonaron los noventa.
"It's no good" y "Barrel of a gun" -más tarde llegaría "Useless"-, dos sencillos que pese a los bailes de un Gahan, que se adueñaba del escenario bailando y girando como un trompo con los brazos abiertos, no lograba todavía sacudir a un público más bien contemplativo, pero que se dejaba sentir al final de cada tema.
Recién en "A pain that I'm used to", el vocalista se asomó por la pasarela que se adentraba en la cancha para conectar mejor con la gente, aunque solo fue un asomo, ya que la terminaría recorriendo solo en un par de canciones.
"Precius" y "World in my eyes" despertaron a un público que luego volvió a ser contemplativo cuando Martin Gore, el cerebro compositor del grupo -y que el martes fue un animado espectador de Gorillaz en el Movistar Arena- tomó el micrófono para cantar "Insight" y que al momento de "Home", la gente terminó coreando animada.
Fue pasado una hora de show que el concierto, como partido en dos, se inclinó a su mejor momento, con una "Everything counts" que dio la partida a la seguidilla de éxitos que continuó "Stripped", "Enjoy the silence" y la electrónica de masas con un coro cantado con fuerza cuando Gahan le entregó el micrófono a la gente, un clímax que se extendió hasta "Never let me down again" -y el público agitando sus brazos de lado a lado- antes de un bis que los trajo de vuelta con "Stragelove", otra vez en la voz de Gore y "Walking in my shoes", una guitarrera versión de "A question of time" y una "Personal Jesus", que sigue siendo una de sus cumbres musicales.
Previa chilena
Antes del comienzo del show de Depeche Mode, Matías Aguayo, el músico electrónico chileno radicado en Alemania, subió a escena, pasadas las 20 horas, para realizar un breve set junto a su nueva banda The Desdemonas.
Con una formación orgánica de bajo, batería y guitarra, Aguayo interpretó temas de este proyecto, siendo recibido con tibieza por el público que a esa hora comenzaba a poblar el recinto de Ñuñoa en la espera de los británicos.