Todos deben saber quien es Jorge González, líder de Los Prisioneros, y que de tanto en tanto nos entrega obras de sus proyectos en solitario (que va por los 20 años) siempre sorprendiéndonos con su camino hacia delante. En esta oportunidad tenemos en nuestras manos el CD “First if you Please” de “Los Updates”, proyecto que desarrolla Jorge con su pareja Loreto Otero, editado por cadenzarecords en USA. Este es un disco de casi 58 minutos de pura electrónica continua, que cuenta con 8 canciones con letras en Inglés. Si bien a alguien le puede parecer extraño escuchar a Jorge en inglés, ya existía un antecesor en su participación el año 2004 en el trabajo de Sieg Über Die Sonne +1 editado en Alemania por multicolor recording y que conoció una edición en Chile a través del sello Warner Music, en donde interpreta la voz en todo ese disco con textos en inglés.
Incluso uno de los integrantes de ese trío que se dio para el CD 2004 también aparece por acá, Dandy Jack está por allá y por acá.
Creo que lo que aleja de la música electrónica es cierta repetición eterna de los bits y de las posible líneas melódicas que se pueden dar… y acá esta la gran diferenciación de este trabajo; los bits siempre muestran un desarrollo, siempre hay un nuevo pulso, un nuevo sonido que se agrega, que aparece, que desaparece, que evoluciona, siempre mantiene el interés el oído; y ese seguir en el interés te puede hacer llevar a un hermoso trance.
Acá nada esta al natural, todo es pasado por el ordenador, pienso que incluso la voz de Jorge en cada tema esta procesada por su MAC, se pueden oir por ahí ciertos sampleos a guitarras, a la voz de Rafaela Carrá de “03” (exactamente en el tercer track del disco).
Es interesante escuchar el track 6 en donde se desarrolla el bit a través de una agrupación ternaria, y la evolución que esta va tomando y mezclándose son bits binarios….
Para escuchar en profundidad este trabajo es necesario tener un buen equipo con buenos bajos, para disfrutar de los bajos en su verdadera dimensión, también para este caso no sirve los archivos que te comprimen el sonido, fuera el MP3 para escuchar este disco; salvo que fuera un ripeo de alta calidad.
Las letras de esta obra van mas por el lado de la vida diaria de pareja, de los niveles de desarrollo que se pueden dar, de preguntarse si este sueño es de uno o del otro, o como comparten el sexo, los temores, las amistades…. Podría entenderse como un viaje sobre la vida actual de Jorge, y su perspectiva es mas global, nada que ver con Chile, pero si con aquello que si bien es tan global que pertenece a lo mismo que hay en todo el mundo, la intimidad, el mundo propio, que de ser tan intimo llega a tener grados de igualdad con el total…
Un disco interesante que muestra un desarrollo en la obra de jorge, que nos sorprende y nos hace esperar con ansias cualquier aventura por la cual se sumerja.
Este es un blog que tiene como misión recopilar información o noticias sobre música chilena, la Industria musical y la industria cultural de nuestro país aparecida en diversos medios de comunicación. Por lo tanto los textos son propiedad de los medios y de los periodistas que encabezan cada nota.
jueves, enero 22, 2009
Quilapayún 17 de enero de 2009 La Florida
El conjunto Quilapayún se presentó el día 17 de enero de 2009 en el estadio Bicentenario de La Comuna de La Florida, bajo el alero del festival de teatro de esta comuna. Esta velada era con invitaciones y estas se agotaron rápidamente; como lo suponía algunas se repartieron entre el público; otras de ellas se distribuyeron a concejales, y un gran porcentaje de las localidades estaba habilitada para invitaciones de carácter político, espacio que estaba celosamente vigilada por guardias, para evitar que cualquier extraño de invitación común quisiera ingresar.
Cómo no teníamos invitaciones de ni una ni de la otra, la opción fue llegar temprano antes que abrieran las puertas e ir preguntando humildemente a cada una de las personas que estaban esperando en la fila para entrar al estadio si les sobraba una invitación… así pude conseguir 2.
El estadio es de una gran hermosura, con instalaciones nuevas, es un orgullo provinciano, podríamos decir; el que siente uno cuando ingresa a este recinto de primer nivel. El escenario estaba instalado en la mitad de la cancha (sobre el circulo central), dirigido hacia lo que llamamos “Galería Andes” (es decir mirando hacia el este). A cada costado del escenario había amplias pantallas gigantes que nos irían entregando el detalle de las interpretaciones.
Pasadas las 21.40 horas las luces del estadio se apagaron completamente para dar inicio al espectáculo: Después de una breve coreografía, se presentó en el escenario el Locutor Miguel Davagnino para dar el inicio del Concierto. Y Aparecen en el escenario el Conjunto Quilapayún en la sgte formación:
Eduardo Carrasco, Carlos Quezada, Rubén Escudero, Guillermo García, Ricardo Venegas, Ismael Oddó, Ricardo Venegas hijo, mas un músico invitado de Ventiska en el charango, y un cellista. Para los que seguimos al conjunto ésta no es una formación muy común en relación a la que generalmente vemos en el grupo dirigido por Eduardo Carrasco, pero tal como él lo comentara, se trataba de una formación que buscaba de alguna forma apechugar frente a los compromisos adquiridos paralelamente, frente a una eventual actuación en el Festival de Olmué, que finalmente no se concretó.
A pesar de lo comentado mas arriba el conjunto respondió con profesionalismo al interpretar una obra de envergadura como es la cantata; es así como se mostró a un grupo versátil que puede cubrir los espacios que dejan los integrantes que se quedaron en Europa. De esta forma se pudo ver a Rubén Escudero interpretando la obra en guitarra durante toda su duración; algunas voces principales fueron cubiertas por él y por Ricardo Venegas. Por ejemplo la canción letanía fue tomada por Ricardo, La canción “Un niño juega en la escuela”… fue iniciada por Rubén. La quenas fueron tomadas por Ricardo y por Eduardo, demostrando Eduardo que ha superado largamente las deficiencias que le encontramos el año 2003 en la interpretación de este instrumento, tiene un sonido mas continuo, sin tanta vibración extrema en el flujo de aire, aún así debe continuar en su trabajo de recuperar el nivel interpretativo que tenía a finales de los ’80.
Como comentábamos fue una obra entregada profesionalmente por los integrantes de esta formación, pero que mostraba en ciertas partes una textura levemente distinta en la fuerza grupal de las voces; tenían la misma fuerza, la misma intención, pero la armonización tradicional tenía un color distinto, que creemos que se explica al no poder contar con todos los integrantes. También hubo un mínimo momento en que casi se quiebra la interpretación de la obra en la canción soy obrero; en la entrega tradicional esta parte es interpretada en guitarra por Guillermo García y por Hernán Gómez, como Hernán quedó en Francia; la guitarra la tomo Rubén; en la mitad de esta canción Guillermo se perdió en la sucesión de acordes, y calló la guitarra; y Rubén también se fue a “blanco”, mientras Ismael seguía cantando acompañado por la línea de contrabajo (interpretada en Bajo eléctrico por Ricardo Venegas Hijo), y por el cello. No fueron mas de 2 compases en esta situación; pensé que podía ocurrir lo peor; pero Guillermo se reintegró en el tiempo-acorde preciso para seguir con la canción; y detrás de él Rubén arremetió con precisión en la guitarra; solo un par de compases de debilidad para una obra que fue entregada llena de fortalezas.
En los relatos estuvo Jorge Gajardo (recién electo alcalde de esta comuna), quien los había acompañado en las presentaciones del 2007; y que si bien muestra una interpretación demasiado teatralizada comparándola con la idea original; cumple su función mirándolo desde el punto de vista del escenario en donde se estaba presentando la obra en esta oportunidad.
Fue una entrega largamente aplaudida por el respetable.
Después de la obra vino de inmediato, sin intermedios ni nada, la entrega de una serie de canciones:
Plegaria
Que dirá el santo padre
Siempre
Cuculí
Tío Caimán
Te Recuerdo Amanda
Quita Hurpillay
La Muralla
Donde esta la que quiero
La Batea
El Pueblo Unido
En la entrega de estas canciones se repitieron las características que hemos comentado sobre la cantata; un grupo versátil, que entrega profesionalmente su repertorio, y que tiene como un gran plus la comunicación con el público: le habla, lo escucha; fue así como que cada músico fue presentado (incluyendo al percusionista invitado de Inti Illimani histórico que estuvo presente en toda esta sección del concierto), que se invitara a cantar juntos el tío caimán, etc.
También podemos ver que Ismael se ha convertido en una parte fundamental del conjunto, es así como llevó las responsabilidad de la primera guitarra, tocó solo en cuerdas Te recuerdo Amanda, fue al piano a tocar Donde esta la que quiero; tocó el tres en Tío Caimán, etc.
También pudimos ver interpretaciones únicas debido a como estaba compuesta esta formación: Carlos Quezada cantando el inicio de Quita Hurpillay, y Rubén Escudero cantando como solista La Muralla,
Como detalle destaco como presentaron Quita Hurpillay: nombraron en todos los idiomas que habían grabado: ingles, francés, italiano, ruso, etc, etc, pero que nunca habían grabado en quechua, y esa era la canción Quita Hurpillay, y que tenían un especialista en Quechua (y una leve sonrisa en el que presento esta parte), me parece que lo mismo pasó en la presentación de este tema el año 2007; por que sonreírse de que hay un especialista en quechua?, es chistoso el especialista?, es chistoso el quechua?, o ambos a la vez y no por separado?; creo que ni el Inti, ni el Illapu se reirían sobre como y que tan certeramente interpretan el quechua; el quechua es una lengua como otra, pero su diferencia es que pertenece naturalmente a esta tierra….
Sumando y restando fue un concierto entregado con envergadura, con peso, y que a pesar de las ausencias fue cubierto noblemente por todos los Quilapayún.
Cómo no teníamos invitaciones de ni una ni de la otra, la opción fue llegar temprano antes que abrieran las puertas e ir preguntando humildemente a cada una de las personas que estaban esperando en la fila para entrar al estadio si les sobraba una invitación… así pude conseguir 2.
El estadio es de una gran hermosura, con instalaciones nuevas, es un orgullo provinciano, podríamos decir; el que siente uno cuando ingresa a este recinto de primer nivel. El escenario estaba instalado en la mitad de la cancha (sobre el circulo central), dirigido hacia lo que llamamos “Galería Andes” (es decir mirando hacia el este). A cada costado del escenario había amplias pantallas gigantes que nos irían entregando el detalle de las interpretaciones.
Pasadas las 21.40 horas las luces del estadio se apagaron completamente para dar inicio al espectáculo: Después de una breve coreografía, se presentó en el escenario el Locutor Miguel Davagnino para dar el inicio del Concierto. Y Aparecen en el escenario el Conjunto Quilapayún en la sgte formación:
Eduardo Carrasco, Carlos Quezada, Rubén Escudero, Guillermo García, Ricardo Venegas, Ismael Oddó, Ricardo Venegas hijo, mas un músico invitado de Ventiska en el charango, y un cellista. Para los que seguimos al conjunto ésta no es una formación muy común en relación a la que generalmente vemos en el grupo dirigido por Eduardo Carrasco, pero tal como él lo comentara, se trataba de una formación que buscaba de alguna forma apechugar frente a los compromisos adquiridos paralelamente, frente a una eventual actuación en el Festival de Olmué, que finalmente no se concretó.
A pesar de lo comentado mas arriba el conjunto respondió con profesionalismo al interpretar una obra de envergadura como es la cantata; es así como se mostró a un grupo versátil que puede cubrir los espacios que dejan los integrantes que se quedaron en Europa. De esta forma se pudo ver a Rubén Escudero interpretando la obra en guitarra durante toda su duración; algunas voces principales fueron cubiertas por él y por Ricardo Venegas. Por ejemplo la canción letanía fue tomada por Ricardo, La canción “Un niño juega en la escuela”… fue iniciada por Rubén. La quenas fueron tomadas por Ricardo y por Eduardo, demostrando Eduardo que ha superado largamente las deficiencias que le encontramos el año 2003 en la interpretación de este instrumento, tiene un sonido mas continuo, sin tanta vibración extrema en el flujo de aire, aún así debe continuar en su trabajo de recuperar el nivel interpretativo que tenía a finales de los ’80.
Como comentábamos fue una obra entregada profesionalmente por los integrantes de esta formación, pero que mostraba en ciertas partes una textura levemente distinta en la fuerza grupal de las voces; tenían la misma fuerza, la misma intención, pero la armonización tradicional tenía un color distinto, que creemos que se explica al no poder contar con todos los integrantes. También hubo un mínimo momento en que casi se quiebra la interpretación de la obra en la canción soy obrero; en la entrega tradicional esta parte es interpretada en guitarra por Guillermo García y por Hernán Gómez, como Hernán quedó en Francia; la guitarra la tomo Rubén; en la mitad de esta canción Guillermo se perdió en la sucesión de acordes, y calló la guitarra; y Rubén también se fue a “blanco”, mientras Ismael seguía cantando acompañado por la línea de contrabajo (interpretada en Bajo eléctrico por Ricardo Venegas Hijo), y por el cello. No fueron mas de 2 compases en esta situación; pensé que podía ocurrir lo peor; pero Guillermo se reintegró en el tiempo-acorde preciso para seguir con la canción; y detrás de él Rubén arremetió con precisión en la guitarra; solo un par de compases de debilidad para una obra que fue entregada llena de fortalezas.
En los relatos estuvo Jorge Gajardo (recién electo alcalde de esta comuna), quien los había acompañado en las presentaciones del 2007; y que si bien muestra una interpretación demasiado teatralizada comparándola con la idea original; cumple su función mirándolo desde el punto de vista del escenario en donde se estaba presentando la obra en esta oportunidad.
Fue una entrega largamente aplaudida por el respetable.
Después de la obra vino de inmediato, sin intermedios ni nada, la entrega de una serie de canciones:
Plegaria
Que dirá el santo padre
Siempre
Cuculí
Tío Caimán
Te Recuerdo Amanda
Quita Hurpillay
La Muralla
Donde esta la que quiero
La Batea
El Pueblo Unido
En la entrega de estas canciones se repitieron las características que hemos comentado sobre la cantata; un grupo versátil, que entrega profesionalmente su repertorio, y que tiene como un gran plus la comunicación con el público: le habla, lo escucha; fue así como que cada músico fue presentado (incluyendo al percusionista invitado de Inti Illimani histórico que estuvo presente en toda esta sección del concierto), que se invitara a cantar juntos el tío caimán, etc.
También podemos ver que Ismael se ha convertido en una parte fundamental del conjunto, es así como llevó las responsabilidad de la primera guitarra, tocó solo en cuerdas Te recuerdo Amanda, fue al piano a tocar Donde esta la que quiero; tocó el tres en Tío Caimán, etc.
También pudimos ver interpretaciones únicas debido a como estaba compuesta esta formación: Carlos Quezada cantando el inicio de Quita Hurpillay, y Rubén Escudero cantando como solista La Muralla,
Como detalle destaco como presentaron Quita Hurpillay: nombraron en todos los idiomas que habían grabado: ingles, francés, italiano, ruso, etc, etc, pero que nunca habían grabado en quechua, y esa era la canción Quita Hurpillay, y que tenían un especialista en Quechua (y una leve sonrisa en el que presento esta parte), me parece que lo mismo pasó en la presentación de este tema el año 2007; por que sonreírse de que hay un especialista en quechua?, es chistoso el especialista?, es chistoso el quechua?, o ambos a la vez y no por separado?; creo que ni el Inti, ni el Illapu se reirían sobre como y que tan certeramente interpretan el quechua; el quechua es una lengua como otra, pero su diferencia es que pertenece naturalmente a esta tierra….
Sumando y restando fue un concierto entregado con envergadura, con peso, y que a pesar de las ausencias fue cubierto noblemente por todos los Quilapayún.
viernes, enero 16, 2009
"2 Sisters" Estreno en Chile de obra de Patricio Wang
Hay un concepto que dice Toretti (tomado de Einstein) dentro de las conversaciones con Carrasco, en relación a que ciertas obras musicales tienen su necesidad de ser, de tener esa forma, ese desarrollo, y yo creo que eso también se puede llevar a la existencia misma de la obra; uno siente que ciertas obras o ciertas canciones deben estar ahí, que tenían la obligación de ser creadas. Llevándolo al área chica de este grupo, que sería de nuestros oídos sin La Muralla, sin Contraste, sin el Galileo?.
Esas obras existen porque las existencia las obligo a ser, la existencia de cada uno de nosotros las invocó, desde antes de nuestro nacimiento, para nuestro regocijo presente (entre los pasados), y futuro.
A que viene tanto desvarío?, a la asistencia que realicé el día de ayer al festival de música contemporánea en la universidad de Chile. Si bien hace unos años era muy asiduo a estos festivales, me fui alejando naturalmente al no ver grados de originalidad entre los compositores, casi todos utilizaban aleatoriamente los ruidos, sonidos disonantes sin curso, sin relación con nada, y si bien las primeras veces me llamaron la atención abiertamente por su originalidad, con el tiempo llegue a pensar que muchos de esas obras podrían ser verdaderas tomaduras de pelo
El concierto de ayer comenzó con Willimapu, una obra para cuarteto de cuerdas desarrollado con exquisitas texturas, y con hermosas estructuras; era un viaje por el espacio y el viento, con una excelente interpretación por cuatro “casi niños”. (Uno se da cuenta que el tiempo pasa, no solo mirándose al espejo, sino cuando uno ve con sorpresa que los interpretes en los conciertos de música son más jóvenes que uno);
Después vino Unión III de Mario Mora a la cual clasifico casi en el punto de tomadura de pelo, nada mas, ;
Después vino “Traces” de Carlos Silva, una obra rígida para piano, con una buen desplante de la interprete. La cuarta obra me la perdí y la quinta obra del programa era “2 Sisters” de Patricio Wang, para dos pianos y dos sopranos; y sobre esta obra me voy a centrar.
La obra deja un gusto de bastante oscuridad, con pianos interpretados certeramente por las jóvenes Camila Vaccaro y Pilar Peña, que también interpretan simultáneamente las voces de soprano (algo no muy usual dentro de la música de concierto). Una vestida de riguroso blanco y otra de riguroso negro, son las 2 hermanas de un grupo de 3 que ven como su vida es tan miserable comparada con la majestuosa vida de su hermana menor. Los textos interpretados en ingles, con una traducción simultánea, fueron pronunciados con una dicción regular; y la traducción simultánea proyectada sobre el fondo del escenario fue correcta, pero en algunos momentos estuvo derechamente perdida.
Así la obra transcurre escuchando los lamentos de estas hermanas, las envidias que corroe sus vidas llenas de dolor y exilio, y los planes que desarrollan dentro de su infelicidad para que su hermana mate a su esposo así sea igual de infeliz que ellas. La obra tiene un desarrollo dramático de excelente calidad, y la música va por los juegos más arriesgados del experimentalismo como por la vía a la cual nos tiene familiarizados Pwang. Ciertas secciones melódicas de la voz se parecen a las que ha utilizado Stephen Sondheim en alguna de sus obras, aún así tiene grandes niveles de originalidad en la trama, en la puesta en escena, en la interpretación; que hacen mantener la atención e involucrarse en el desarrollo de la obra.
Al término de la obra la sala explotó en fuertes aplausos y gritos, (quiero ser lo mas objetivo posible), que hace años no veía por parte del público dentro de un concierto de música contemporánea.
La obra superó largamente las expectativas, y hay que asumir que el nivel de desarrollo de las obras de PWang están en un nivel distinto a lo que nos tienen acostumbrados los festivales de la nueva música; un nivel que para mi gusto es excelente, abriendo en cada nota, en cada segundo, nuevos horizontes para el desarrollo de la música.
Esta obra tiene razón de ser, fue llamada, y ahí esta, la pudimos sentir el día de ayer.
Saludos,
Esas obras existen porque las existencia las obligo a ser, la existencia de cada uno de nosotros las invocó, desde antes de nuestro nacimiento, para nuestro regocijo presente (entre los pasados), y futuro.
A que viene tanto desvarío?, a la asistencia que realicé el día de ayer al festival de música contemporánea en la universidad de Chile. Si bien hace unos años era muy asiduo a estos festivales, me fui alejando naturalmente al no ver grados de originalidad entre los compositores, casi todos utilizaban aleatoriamente los ruidos, sonidos disonantes sin curso, sin relación con nada, y si bien las primeras veces me llamaron la atención abiertamente por su originalidad, con el tiempo llegue a pensar que muchos de esas obras podrían ser verdaderas tomaduras de pelo
El concierto de ayer comenzó con Willimapu, una obra para cuarteto de cuerdas desarrollado con exquisitas texturas, y con hermosas estructuras; era un viaje por el espacio y el viento, con una excelente interpretación por cuatro “casi niños”. (Uno se da cuenta que el tiempo pasa, no solo mirándose al espejo, sino cuando uno ve con sorpresa que los interpretes en los conciertos de música son más jóvenes que uno);
Después vino Unión III de Mario Mora a la cual clasifico casi en el punto de tomadura de pelo, nada mas, ;
Después vino “Traces” de Carlos Silva, una obra rígida para piano, con una buen desplante de la interprete. La cuarta obra me la perdí y la quinta obra del programa era “2 Sisters” de Patricio Wang, para dos pianos y dos sopranos; y sobre esta obra me voy a centrar.
La obra deja un gusto de bastante oscuridad, con pianos interpretados certeramente por las jóvenes Camila Vaccaro y Pilar Peña, que también interpretan simultáneamente las voces de soprano (algo no muy usual dentro de la música de concierto). Una vestida de riguroso blanco y otra de riguroso negro, son las 2 hermanas de un grupo de 3 que ven como su vida es tan miserable comparada con la majestuosa vida de su hermana menor. Los textos interpretados en ingles, con una traducción simultánea, fueron pronunciados con una dicción regular; y la traducción simultánea proyectada sobre el fondo del escenario fue correcta, pero en algunos momentos estuvo derechamente perdida.
Así la obra transcurre escuchando los lamentos de estas hermanas, las envidias que corroe sus vidas llenas de dolor y exilio, y los planes que desarrollan dentro de su infelicidad para que su hermana mate a su esposo así sea igual de infeliz que ellas. La obra tiene un desarrollo dramático de excelente calidad, y la música va por los juegos más arriesgados del experimentalismo como por la vía a la cual nos tiene familiarizados Pwang. Ciertas secciones melódicas de la voz se parecen a las que ha utilizado Stephen Sondheim en alguna de sus obras, aún así tiene grandes niveles de originalidad en la trama, en la puesta en escena, en la interpretación; que hacen mantener la atención e involucrarse en el desarrollo de la obra.
Al término de la obra la sala explotó en fuertes aplausos y gritos, (quiero ser lo mas objetivo posible), que hace años no veía por parte del público dentro de un concierto de música contemporánea.
La obra superó largamente las expectativas, y hay que asumir que el nivel de desarrollo de las obras de PWang están en un nivel distinto a lo que nos tienen acostumbrados los festivales de la nueva música; un nivel que para mi gusto es excelente, abriendo en cada nota, en cada segundo, nuevos horizontes para el desarrollo de la música.
Esta obra tiene razón de ser, fue llamada, y ahí esta, la pudimos sentir el día de ayer.
Saludos,