El Mercurio
El espectáculo se desarrollará el 13 de abril en el Movistar Arena y tendrá como invitados chilenos a Noche de Brujas.
Por JOSÉ VÁSQUEZ
En el último Festival de Viña del Mar, Gente de Zona entregó una de las postales más compartidas del evento en redes sociales. El dúo cubano riendo durante las rutinas de humor fue una imagen que se viralizó tanto, que terminó prácticamente transformando a Alexander y Randy en sinónimo de parranda por la alegría que proyectaron.
Las voces detrás de "La gozadera" -un símil de su propuesta artística- traerán ahora de vuelta a Chile su fiesta para animar como protagonistas el desembarco de un espectáculo que se promueve como Billboard Latin Music Showcase, una maratón de presentaciones que llegará por primera vez a la capital justo en el mes de la premiación de la revista, que se llevará a cabo en Las Vegas.
El evento se desarrollará el próximo 13 de abril en el Movistar Arena, y según sus organizadores, Nearctic LLC Media Music Entertainment y Emax Entertainment, el plan es transformar la producción en un suceso social, con alfombra roja incluida, a la que asistirían los artistas invitados y diversas personalidades locales. Para esto todavía se gestiona la transmisión de esta gala en el Hotel Santiago (ex Hyatt) con Mega.
Además de Gente de Zona, el cartel incluye a Yandel -quien este año reeditará el dúo junto a Wisin con una gira que comienza en marzo-, el venezolano Nacho, los colombianos de Lemgy & Parce y el español Juan Magán, entre otros nombres que se podrían sumar en los próximos días, además de músicos locales. Hasta el momento, Noche de Brujas es la única banda nacional confirmada.
Germán González, CEO de Emax Entertainment, había adelantado a "El Mercurio" en enero que habría una mixtura de artistas chilenos y extranjeros y que habían pensado en Santiago para esta producción, por ser "una de las capitales de la música en el continente. Además, Chile tiene el Festival de Viña del Mar, lo que nos pareció representativo para iniciar este camino hacia los premios", señaló entonces.
Las entradas estarán a la venta a partir de este sábado 3 de marzo a través de Ticketek, y sus precios irán desde los $25.000 a los $250.000, y estos últimos boletos permitirán asistir a la gala previa al espectáculo, e incluso al backstage del show.
miércoles, febrero 28, 2018
Estrenarán ópera inédita de Donizetti
Casi después de 180 años, la ópera "El ángel de Nisida", escrita por Donizetti, será estrenada el 18 de julio en el Covent Garden de Londres. Originalmente, la obra iba a ser presentada en París, pero la compañía a su cargo entró en bancarrota un poco antes de su estreno. El espectáculo contará con la participación de la soprano Joyce El-Khoury, el tenor David Junghoon Kim y el barítono Vito Priante.
Revelan una canción inédita de Amy Winehouse
El Mercurio
"My Own Way" es el nombre del tema escrito por James McMillan e interpretada por Winehouse, que el compositor y músico de Candem, Cil Can, rescató y publicó en su cuenta de YouTube, a casi siete años de la muerte de la intérprete. La mayoría del material sin terminar fue destruido por la disquera, para evitar la publicación de un álbum póstumo.
"My Own Way" es el nombre del tema escrito por James McMillan e interpretada por Winehouse, que el compositor y músico de Candem, Cil Can, rescató y publicó en su cuenta de YouTube, a casi siete años de la muerte de la intérprete. La mayoría del material sin terminar fue destruido por la disquera, para evitar la publicación de un álbum póstumo.
Ed Sheeran es el artista que vendió más discos en 2017
Según informó ayer la Federación Internacional de la Industria Fonográfica, el disco "Divide" del cantautor británico, que salió a la venta en marzo del año pasado, alcanzó la distinción de multiplatino en 36 países. Además, la canción "Shape of You", de su autoría, fue el sencillo más vendido en todo el mundo y fue certificado como multiplatino en 32 naciones.
martes, febrero 27, 2018
Batallas de improvisación: la tendencia actual del rap chileno
El Mercurio
Últimamente el freestyle se ha convertido en la tendencia nacional del género, siendo Chile impulsor de campeonatos internacionales.
Por Natalia Carrasco
El año pasado el hip hop se consolidó como uno de los géneros musicales más populares en el mundo. Y en Chile este panorama parece estar dando un giro de la música hacia las batallas de improvisación, que se están profesionalizando cada vez más y de donde salen los nuevos exponentes del rap local.
"Estos dos últimos años ha surgido una nueva escena en torno al freestyle , que siempre ha existido, pero antes no tenía tanto protagonismo. Este tipo de espectáculos es lo que hoy congrega a más personas", dice Cristián Bórquez, "Seo2", ex integrante de Makiza y actual animador de Red Bull Batalla de los Gallos en Chile.
En enero pasado, en el Teatro Caupolicán, se realizó la quinta versión del God Level Fest, la primera competencia internacional de freestyle en español creada solo por chilenos. Esta vez reunió a más de cinco mil personas, duró cerca de 10 horas, y coronó a los chilenos Kaiser, Nitro y Teorema como los campeones mundiales. El streaming del evento estuvo a cargo de Red Bull, cuya transmisión en Facebook tiene más de un millón de reproducciones.
Es tanta la popularidad de este evento a nivel internacional, que este año por primera vez exportaron la competencia a Argentina. Ahí, el español Skone destronó a Chile como campeón mundial. "Allá fue todo un éxito y ahora queremos tratar de llevarlo a España y México", dice Sergio Sánchez, "Omega", productor del festival.
Estos eventos repletan recintos sin promoción en radios, televisión o en la vía pública. "Es curioso, porque el rap es de la calle, pero ni siquiera necesitamos salir a pegar afiches. Pero una cosa es llenar un teatro y otra es el Movistar Arena. No sé si hoy hay raperos que puedan hacer eso", destaca Bórquez.
Se genera debate
Esta tendencia también ha generado un debate entre los raperos de la vieja y nueva escena del género. "Hemos atrapado público nuevo, pero hay muchos que solo buscan ver la 'pelea' y se pierde un poco el respeto a los artistas que hacen música en estos eventos. Falta interés en la cultura de parte del público", afirma el ex miembro de Makiza.
Matías Moena, "NFX", que se ha convertido en uno de los referentes de esta nueva generación y que pasó del mundo del freestyle al rap, cree que eso pasa porque mezclan públicos. "Pero igual creo que a la audiencia actual le falta cultura y los eventos también deberían aportar a eso", agrega.
De las competencias de improvisación, la más antigua y conocida es la Batalla de los Gallos, pero hoy la oferta es más variada. El próximo sábado, en Chillán, se realizarán las clasificatorias nacionales de la zona sur de la Batalla de Maestros, un evento creado en Chile que también traspasó las fronteras nacionales y se transformó en una franquicia que hoy se realiza en más de 15 países de habla hispana, incluyendo la comunidad latina de Estados Unidos.
Y el próximo 12 de mayo en el Teatro Caupolicán tendrá lugar la segunda edición del Double AA, un espectáculo que cuenta con 16 participantes preclasificados -que son reconocidos improvisadores internacionales- y 16 competidores que serán elegidos por votación popular en el sitio web del evento.
Últimamente el freestyle se ha convertido en la tendencia nacional del género, siendo Chile impulsor de campeonatos internacionales.
Por Natalia Carrasco
El año pasado el hip hop se consolidó como uno de los géneros musicales más populares en el mundo. Y en Chile este panorama parece estar dando un giro de la música hacia las batallas de improvisación, que se están profesionalizando cada vez más y de donde salen los nuevos exponentes del rap local.
"Estos dos últimos años ha surgido una nueva escena en torno al freestyle , que siempre ha existido, pero antes no tenía tanto protagonismo. Este tipo de espectáculos es lo que hoy congrega a más personas", dice Cristián Bórquez, "Seo2", ex integrante de Makiza y actual animador de Red Bull Batalla de los Gallos en Chile.
En enero pasado, en el Teatro Caupolicán, se realizó la quinta versión del God Level Fest, la primera competencia internacional de freestyle en español creada solo por chilenos. Esta vez reunió a más de cinco mil personas, duró cerca de 10 horas, y coronó a los chilenos Kaiser, Nitro y Teorema como los campeones mundiales. El streaming del evento estuvo a cargo de Red Bull, cuya transmisión en Facebook tiene más de un millón de reproducciones.
Es tanta la popularidad de este evento a nivel internacional, que este año por primera vez exportaron la competencia a Argentina. Ahí, el español Skone destronó a Chile como campeón mundial. "Allá fue todo un éxito y ahora queremos tratar de llevarlo a España y México", dice Sergio Sánchez, "Omega", productor del festival.
Estos eventos repletan recintos sin promoción en radios, televisión o en la vía pública. "Es curioso, porque el rap es de la calle, pero ni siquiera necesitamos salir a pegar afiches. Pero una cosa es llenar un teatro y otra es el Movistar Arena. No sé si hoy hay raperos que puedan hacer eso", destaca Bórquez.
Se genera debate
Esta tendencia también ha generado un debate entre los raperos de la vieja y nueva escena del género. "Hemos atrapado público nuevo, pero hay muchos que solo buscan ver la 'pelea' y se pierde un poco el respeto a los artistas que hacen música en estos eventos. Falta interés en la cultura de parte del público", afirma el ex miembro de Makiza.
Matías Moena, "NFX", que se ha convertido en uno de los referentes de esta nueva generación y que pasó del mundo del freestyle al rap, cree que eso pasa porque mezclan públicos. "Pero igual creo que a la audiencia actual le falta cultura y los eventos también deberían aportar a eso", agrega.
De las competencias de improvisación, la más antigua y conocida es la Batalla de los Gallos, pero hoy la oferta es más variada. El próximo sábado, en Chillán, se realizarán las clasificatorias nacionales de la zona sur de la Batalla de Maestros, un evento creado en Chile que también traspasó las fronteras nacionales y se transformó en una franquicia que hoy se realiza en más de 15 países de habla hispana, incluyendo la comunidad latina de Estados Unidos.
Y el próximo 12 de mayo en el Teatro Caupolicán tendrá lugar la segunda edición del Double AA, un espectáculo que cuenta con 16 participantes preclasificados -que son reconocidos improvisadores internacionales- y 16 competidores que serán elegidos por votación popular en el sitio web del evento.
Todos los diálogos improvisados de Ramiro Molina
El Mercurio
El guitarrista presenta cinco grabaciones.
Trabajos cara a cara con el noruego Frode Gjerstad, el argentino Luis Conde y una serie de cultores chilenos dan cuenta del interesante momento de la "composición en tiempo real".
Por IÑIGO DÍAZ
"Me interesa observar el concepto de 'obra abierta', propuesto por Umberto Eco. Ahí la obra no es de ninguna manera fija: se construye sobre factores variables y relaciones móviles", explica el guitarrista Ramiro Molina, un músico chileno que ha estado permanentemente dentro de esa turbulencia que se produce entre la obra fija y la obra variable; dicho de otra forma, entre la partitura y la improvisación.
Si bien se consolidó como cultor de la música improvisada en el año 2000, pasó un largo período de silencio discográfico. Hoy está concentrado en dotar a la música improvisada de registros fonográficos, pese a que su esencia dice que se trata de una música para ser oída en el "aquí y el ahora". El resto será silencio.
"Hoy grabo todo lo que hago. Hay cosas que ni siquiera las podemos publicar porque es muy difícil, pero muchas otras están apareciendoen sellos como el inglés FMR o aquí, en Chile, por Anacrónico Discos", señala.
Y en sintonía con ese pensamiento, Molina presenta cinco títulos de su último período de trabajo, todos en un diálogo bilateral con colaboradores, músicos de improvisación y cultures afines, como el saxofonista noruego Frode Gjerstad, uno de los grandes nombres de la llamada "segunda generación de improvisadores europeos", la que sucede a los clásicos modernos: Derek Bailey, Evan Parker, Peter Brötzmann.
Con Gjerstad trabajó tras su visita a Piso 3, escenario consagrado a la música improvisada, fundado por Molina y otros músicos en 2010. El disco "Unseen seas" llama la atención por las texturas logradas en ese vínculo de la guitarra eléctrica y el saxofón, genuinas improvisaciones libres.
Ese registro dio pie entonces para una ampliación de la serie, cuyas grabaciones están en estrecha comunicación y dinámica interacción entre los improvisadores. Con el saxofonista Luis Conde, otro de sus cercanos colaboradores extranjeros, Molina realizó dos trabajos. El disco "Subitáneo" fue grabado en Buenos Aires, mientras que "Atractor extraño", en Santiago. "Curiosamente, este último se trata de un disco de composiciones. Es una excepción. Pero en ningún caso pienso que la partitura y la improvisación estén reñidas. Ahí está, otra vez, el concepto de obra abierta".
Finalmente, el guitarrista editó trabajos con improvisadores chilenos, primero con Lorenzo Román, en un dúo de guitarras eléctricas para el disco "La bastardilla es nuestra", y luego con la contrabajista Amanda Irarrázabal, en "Sizigias", álbum de doble extensión dada la cantidad de material de alta calidad que se reunió.
El guitarrista presenta cinco grabaciones.
Trabajos cara a cara con el noruego Frode Gjerstad, el argentino Luis Conde y una serie de cultores chilenos dan cuenta del interesante momento de la "composición en tiempo real".
Por IÑIGO DÍAZ
"Me interesa observar el concepto de 'obra abierta', propuesto por Umberto Eco. Ahí la obra no es de ninguna manera fija: se construye sobre factores variables y relaciones móviles", explica el guitarrista Ramiro Molina, un músico chileno que ha estado permanentemente dentro de esa turbulencia que se produce entre la obra fija y la obra variable; dicho de otra forma, entre la partitura y la improvisación.
Si bien se consolidó como cultor de la música improvisada en el año 2000, pasó un largo período de silencio discográfico. Hoy está concentrado en dotar a la música improvisada de registros fonográficos, pese a que su esencia dice que se trata de una música para ser oída en el "aquí y el ahora". El resto será silencio.
"Hoy grabo todo lo que hago. Hay cosas que ni siquiera las podemos publicar porque es muy difícil, pero muchas otras están apareciendoen sellos como el inglés FMR o aquí, en Chile, por Anacrónico Discos", señala.
Y en sintonía con ese pensamiento, Molina presenta cinco títulos de su último período de trabajo, todos en un diálogo bilateral con colaboradores, músicos de improvisación y cultures afines, como el saxofonista noruego Frode Gjerstad, uno de los grandes nombres de la llamada "segunda generación de improvisadores europeos", la que sucede a los clásicos modernos: Derek Bailey, Evan Parker, Peter Brötzmann.
Con Gjerstad trabajó tras su visita a Piso 3, escenario consagrado a la música improvisada, fundado por Molina y otros músicos en 2010. El disco "Unseen seas" llama la atención por las texturas logradas en ese vínculo de la guitarra eléctrica y el saxofón, genuinas improvisaciones libres.
Ese registro dio pie entonces para una ampliación de la serie, cuyas grabaciones están en estrecha comunicación y dinámica interacción entre los improvisadores. Con el saxofonista Luis Conde, otro de sus cercanos colaboradores extranjeros, Molina realizó dos trabajos. El disco "Subitáneo" fue grabado en Buenos Aires, mientras que "Atractor extraño", en Santiago. "Curiosamente, este último se trata de un disco de composiciones. Es una excepción. Pero en ningún caso pienso que la partitura y la improvisación estén reñidas. Ahí está, otra vez, el concepto de obra abierta".
Finalmente, el guitarrista editó trabajos con improvisadores chilenos, primero con Lorenzo Román, en un dúo de guitarras eléctricas para el disco "La bastardilla es nuestra", y luego con la contrabajista Amanda Irarrázabal, en "Sizigias", álbum de doble extensión dada la cantidad de material de alta calidad que se reunió.
Luis Fonsi cantó versión sinfónica de "Despacito"
El domingo último, el cantante puertorriqueño llevó su éxito mundial al Teatro Colón de Buenos Aires, donde una orquesta de 44 músicos -compuesta, entre otros, por violines, contrabajos y chelos- se sumó a una interpretación sinfónica inédita. "Es un honor y un privilegio pisar este escenario, acompañado de estos músicos", dijo el intérprete.
The Rolling Stones anuncia nueva gira
La legendaria banda de rock volverá a los escenarios con un tour de once conciertos que los llevará por Europa y que los tendrá de vuelta en el Reino Unido, donde no se presentan desde 2006. "No filter", como ha sido bautizada esta gira, comenzará el 17 de mayo en Dublín y finalizará en Varsovia el 8 de julio.
lunes, febrero 26, 2018
Hoy serán funerales del vocalista de Los Ramblers
El Mercurio
Valentín Fernández murió la madrugada del sábado en un accidente cuando viajaba de Parral a Santiago junto a la agrupación.
Por Natalia Carrasco
En la Parroquia San Antonio de Padua, en Santiago Centro, se efectuó ayer el velorio del vocalista de Los Ramblers, Valentín Fernández, quien falleció la madrugada del sábado último cuando regresaba a Santiago luego de una actuación en Parral junto a los integrantes del grupo.
En la ocasión, estuvieron presentes familiares del músico y amigos como el animador Enrique Maluenda.
"Hubo mucha gente, amistades y me dijeron que más rato vendrían algunos miembros de la Nueva Ola", señaló Gerardo Fernández, hijo del cantante.
Los funerales serán hoy en el Cementerio General, por el ingreso de Recoleta.
Valentín Fernández trabajó primero con la banda Los Stereos en los años 60 y luego se integró a Los Ramblers tras la salida de Germán Casas. Fue junto a esta agrupación musical que alcanzó grandes éxitos, como su paso por el Festival de Viña en 1993.
Además, el año pasado, Fernández había recibido un reconocimiento de la Sociedad Chilena del Derecho de Autor (SCD) por sus 50 años de trayectoria.
Paola Fernández, hija del fallecido músico, dijo que "todos queremos que los papás se vayan primero, pero de vejez. Él no se merecía esto, pero por lo menos se fue haciendo lo que le gustaba: actuar".
Fernández falleció en un accidente cuando el bus en el que viajaba con su banda impactó a un camión que estaba detenido en la carretera. Además, quedaron varios miembros de la banda heridos. El más grave es Jorge Rojas, director de la agrupación y compositor del recordado éxito "El Rock del Mundial", quien está con un coma inducido en el Hospital de Talca.
"Entiendo que lo operaron la misma madrugada del accidente y que perdió un pie. Además, él sufría otras enfermedades que han hecho más difícil su recuperación, ya que era diabético", señaló Gerardo Fernández.
Los Ramblers tenían programado un show para el próximo mes en Antofagasta. "A diferencia de otros años, este fue bien especial porque tocaron en festivales de verano organizados por las municipalidades. El último fue en Parral, pero hace tres semanas estuvieron en Maule, Los Ángeles, Copiapó y Valdivia", agregó Fernández.
Valentín Fernández murió la madrugada del sábado en un accidente cuando viajaba de Parral a Santiago junto a la agrupación.
Por Natalia Carrasco
En la Parroquia San Antonio de Padua, en Santiago Centro, se efectuó ayer el velorio del vocalista de Los Ramblers, Valentín Fernández, quien falleció la madrugada del sábado último cuando regresaba a Santiago luego de una actuación en Parral junto a los integrantes del grupo.
En la ocasión, estuvieron presentes familiares del músico y amigos como el animador Enrique Maluenda.
"Hubo mucha gente, amistades y me dijeron que más rato vendrían algunos miembros de la Nueva Ola", señaló Gerardo Fernández, hijo del cantante.
Los funerales serán hoy en el Cementerio General, por el ingreso de Recoleta.
Valentín Fernández trabajó primero con la banda Los Stereos en los años 60 y luego se integró a Los Ramblers tras la salida de Germán Casas. Fue junto a esta agrupación musical que alcanzó grandes éxitos, como su paso por el Festival de Viña en 1993.
Además, el año pasado, Fernández había recibido un reconocimiento de la Sociedad Chilena del Derecho de Autor (SCD) por sus 50 años de trayectoria.
Paola Fernández, hija del fallecido músico, dijo que "todos queremos que los papás se vayan primero, pero de vejez. Él no se merecía esto, pero por lo menos se fue haciendo lo que le gustaba: actuar".
Fernández falleció en un accidente cuando el bus en el que viajaba con su banda impactó a un camión que estaba detenido en la carretera. Además, quedaron varios miembros de la banda heridos. El más grave es Jorge Rojas, director de la agrupación y compositor del recordado éxito "El Rock del Mundial", quien está con un coma inducido en el Hospital de Talca.
"Entiendo que lo operaron la misma madrugada del accidente y que perdió un pie. Además, él sufría otras enfermedades que han hecho más difícil su recuperación, ya que era diabético", señaló Gerardo Fernández.
Los Ramblers tenían programado un show para el próximo mes en Antofagasta. "A diferencia de otros años, este fue bien especial porque tocaron en festivales de verano organizados por las municipalidades. El último fue en Parral, pero hace tres semanas estuvieron en Maule, Los Ángeles, Copiapó y Valdivia", agregó Fernández.
domingo, febrero 25, 2018
Los Premios Nacionales cambian después de 25 años
El Mercurio
Nueva ley Este año debutan modificaciones.
El Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio pasa a gestionar los cuatro galardones artísticos: Literatura, Artes Plásticas, Música y Artes de la Representación. Además, se amplía el jurado: se suman dos creadores a la deliberación.
Por Roberto Careaga C.
Era una ocasión de pura felicidad, pero aun así el poeta Manuel Silva Acevedo, al recibir el Premio Nacional de Literatura, en agosto de 2016, se permitió una crítica: tras los agradecimientos, pidió públicamente que el sistema de entrega del galardón fuera reformulado. Instalado en el Ministerio de Educación y con las cámaras de todos los medios enfocándolo, Silva Acevedo hacía eco de una sensación que por años ha circulado no solo en el ambiente literario, sino en toda la cultura: los premios necesitaban un cambio. Y así será: este año los galardones serán diferentes.
En el marco de la legislación que crea el nuevo Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio, que fue promulgada en octubre de 2017, fue incluida una modificación a la Ley N° 19.169, que regula la entrega de los Premios Nacionales y ahí se establecen cambios que impactarán fuertemente el destino de los galardones artísticos. El más lógico es que de los 11 galardones que hoy se entregan, cuatro dejarán de ser gestionados por el Ministerio de Educación y pasarán a manos del nuevo Ministerio de las Culturas. Se trata de los llamados artísticos: Literatura, Música, Artes Plásticas y Artes de la Representación.
Esos cuatro galardones, además, se verán afectados por otro cambio más profundo: una nueva conformación del jurado. Según la nueva legislación, se mantendrá el panel ya existente, pero con cambios. Hoy deciden los premios el rector de la Universidad de Chile, un representante de la academia chilena del área a premiar, un académico designado por el Consejo de Rectores -muchas veces ha sido un rector-, el último premiado y el ministro de Educación, que será reemplazado por el de Cultura. A ellos se sumarán dos creadores destacados del ámbito a premiar; es decir, escritores en el caso de Literatura, músicos en el de Música, artistas visuales en el de Artes Plásticas. Ellos serán escogidos por el Consejo Nacional de la Cultura, las Artes y el Patrimonio, entidad que seguirá existiendo en el nuevo ministerio.
La subsecretaria de Cultura, Ana Tironi, asegura que la modificación precisamente buscó "actualizar y enriquecer la composición" del jurado de los premios. Y, además, hacerlo al estilo ciudadano que marca la gestión cultural del organismo: "La nueva institucionalidad cultural tiene como eje central la participación de la sociedad civil en la generación de políticas culturales, siendo relevante, sin duda, que el Consejo Nacional del Ministerio, órgano representativo de la sociedad civil, designe jurados en cada una de las disciplinas relativas a las artes", explica.
Más allá de intentar resolver el vacío de la sociedad civil en el jurado del galardón, también estos dos nuevos jurados vendrían, al menos en el papel, a especializar a un jurado usualmente criticado por su potencial falta del conocimiento en las áreas que premian. En 2016, de hecho, se dio una situación particular en el caso de Literatura: por problemas de salud, Antonio Skármeta se excusó de participar del jurado en su calidad de premiado anterior, por lo que quienes decidieron al ganador fueron dos rectores -el de la U. de Chile y el de la UMCE-, la ministra de Educación, Adriana Delpiano, y la representante de la Academia Chilena de la Lengua, Adriana Valdés. Esta última era la única experta en el tema.
Ahora el cálculo de especialistas queda así: antes de esta modificación, solo dos miembros del jurado -el anterior premiado y el representante de la Academia Nacional del ámbito a galardonar- eran expertos en la materia, mientras que ahora serán cinco: a los mencionados se suman los dos creadores y el académico representante del Consejo de Rectores. "Me parece bien que sean los mismos escritores los que disciernan, más que los rectores o sus delegados. Me parece que deben ser los mismos escritores quienes escojan el galardón, con todos los riesgos que eso entraña, las enemistades y amistades. Pero hay que correr esos riesgos, porque realmente lo que importa es la calidad", dice el poeta Manuel Silva Acevedo. Mientras que Horacio Salinas, director musical de Inti Illimani, agrega: "Que sean músicos me parece muy importante porque a veces nos sorprendíamos con que parte del jurado desconocía absolutamente quiénes eran las personas que se iba a premiar".
En una línea similar está el artista y crítico Gaspar Galaz, que en siete oportunidades fue miembro del jurado del galardón de Artes Plásticas, en representación de la Academia de Chilena de Bellas Artes. "Me parece muy importante, porque se van a sumar al jurado dos actores, dos lectores, dos artistas. Verdaderos especialistas en el tema. Porque aunque a veces se preparaban mucho, rectores y ministros no tienen por qué estar al tanto de la situación de todas las áreas de la cultura y sus artistas. Empieza un mundo nuevo", plantea. Pero agrega: "Aunque obviamente el jurado nuevo sabrá perfectamente los nombres que están circulando y que son merecedores del premio; en el caso de Artes Plásticas, obviamente Ricardo Irarrázaval debería ya haber sido premiado, o Juan Pablo Langlois, o Juan Domingo Dávila. Siempre hay cinco o seis nombres rondando y a uno le cae. No hay muchos más".
Las críticas no escuchadas
La historia de los Premios Nacionales se remonta a 76 años. En 1942 fue creado el galardón; originalmente estaba gestionado por la Universidad de Chile y solo estaba consagrado a Artes Plásticas y a Literatura. De hecho, fue desde esta última disciplina de donde surgió la idea y, específicamente, de su primer ganador. Según cuenta el crítico Alone en sus memorias, poco antes de cumplir 60 años Augusto D'Halmar pidió entre sus colegas un regalo de cumpleaños que estuviera a la altura. De su preeminencia en las letras nacionales no había duda, pero según Luis Sánchez Latorre tampoco de la necesidad financiera que lo aquejaba: desde su inicio, el premio incluía una pensión vitalicia. Con los años, el galardón cambiaría sus reglas muchas veces.
La última modificación fue en 1992, cuando se definieron como 11 los galardones tutelados por el Ministerio de Educación: de Literatura, Periodismo, Ciencias Exactas, Ciencias Naturales, Ciencias Aplicadas y Tecnológicas, Historia, Ciencias de la Educación, Artes Plásticas, Música, Artes de la Representación y Audivisuales, y de Humanidades y Ciencias Sociales. Con los años, la ley empezó a recibir críticas, hubo iniciativas para modificarla, incluso en 2005 el por entonces senador Gabriel Valdés dirigió una comisión para reformular el sistema de entrega de los galardones.
Para el cambio que viene ahora solo faltan los detalles finales. Según la subsecretaria Tironi, el decreto con fuerza de ley que concretará la puesta en marcha del Ministerio de las Culturas está hoy en Contraloría para su toma de razón. No hay una fecha definida para que se supere ese trámite, pero será antes del último domingo de junio, que es cuando los Premios Nacionales hacen su tradicional convocatoria pública a los postulantes. Aun así, faltará un paso para concretar la nueva normativa: la ley establece que los dos jurados creadores que se suman al panel deben designarse a partir de un procedimiento normado por un reglamento que aún no está escrito. La tarea será de la nueva administración de Cultura, encabezada por la ministra Alejandra Pérez.
Pero aún quedan flancos abiertos en los galardones. Horacio Salinas, de Inti Illimani, ha sido un férreo crítico de la tendencia del Premio Nacional de Música a distinguir a compositores del ámbito docto, ignorando la música popular. Sobre ese tema no hay cambios en la nueva ley. "Hoy suena un poco decimonónico eso de la música académica, y lo digo entre comillas. Muchos no percibimos la trascendencia que se le da. Eso impidió por años premiar a Vicente Bianchi. La música implica hoy música de lenguajes que entrecruzan disciplinas populares y académicas, de manera que valorar la importancia de un solo tipo de música me parece que es el problema", dice Salinas. Y agrega: "Y en ese sentido, si se escogen para el jurado a creadores muy ligados a la academia o que van a defender ese nicho, no sé qué tan importante sea el cambio", añade.
Para el investigador musical Juan Pablo González, la diferencia entre música docta y popular le ha pesado al premio. Advierte que si criticó el galardón a Vicente Bianchi el año pasado, fue porque, según él, estaba fuera de actividad. El problema, apunta, es que el tiempo ha pasado: "Este premio se dio por primera vez en 1945, cuando el concepto de compositor estaba totalmente vinculado con la música clásica y la Universidad de Chile era el único lugar donde un compositor se podía formar, trabajar y estrenar su obra. Esa lógica cambió, pero en el premio no cambió", dice.
Ante los cambios al galardón, González añade: "Lo bueno del nuevo jurado es que puede hacerse cargo de la apertura que ha tenido el concepto de música en los últimos 30 años. Las fronteras de la música se han ido acercando. No digo que sea lo mismo peras y manzanas, hay muchas músicas. Pero en el ámbito popular sí aparece la figura del creador, que abre nuevos rumbos e instala nuevos sonidos. Y ellos tienen todo el derecho a postular a este premio. Veamos ahora a qué nuevos jurados escoge el Consejo de la Cultura".
En el ámbito de la literatura, el poeta Manuel Silva Acevedo vuelve a la carga. Al recibir el galardón en 2016, se lanzó contra esa regla no escrita del Premio de Literatura: bienal como todos los premios, se va alternando el género ganador entre poesía y narrativa. Así la cosas, un poeta solo puede aspirar a ganar cada cuatro años. La nueva ley tampoco se pronuncia sobre el tema. "Lo encuentro grave, porque creo que poesía merece un renglón especial. Sobre todo considerando la cantidad de poetas que postulan; cuando yo lo gané postularon 18. Tenemos dos premios Nobel en poesía, hay una tradición que lo amerita", dice. Y añade: "Este año me tocaría a mí ser jurado para narrativa. Y después a un narrador le tocaría ser jurado para la poesía. Eso lo encuentro un poco absurdo. Debería haber dos premios, claramente. Yo pido un Premio Nacional de Poesía".
Los cambios a los premios empiezan este año: los galardones de Literatura y Música tendrán nuevas reglas.
Narradores y músicos: Candidatos para 2018
En 2018, dos premios serán los encargados de probar la nueva modalidad: el de Literatura y el de Música. Los de Artes de la Representación y de Artes Plásticas, que también se ven afectados, se entregan el año que viene.
No está escrita, pero la regla opera: hace dos años se le dio a un poeta y este año el Premio Nacional de Literatura se le debe entregar a un narrador. Así las cosas, hay que remitirse a las campañas de 2014 para suponer el panorama de candidatos que veremos en los próximos meses: fallecidos Pedro Lemebel y Poli Délano -postulantes de aquel año-, siguen en la posible carrera Diamela Eltit y Germán Marín, así como Jorge Guzmán, Patricio Manns (que también se presenta al de música), José Luis Rosasco, Fernando Emmerich y Francisco Rivas. Es posible que se sumen nuevos autores en el camino, pero por ahora las campañas aún no empiezan.
En el caso de la música, que también se entrega este año, los postulantes posibles son los compositores Gabriel Brncic y Hernán Ramírez, ambos ligados a música docta, como también el pianista Roberto Bravo; Guillermo Rifo, los representantes de la Nueva Canción Chilena Patricio Manns y Horacio Salinas, y el investigador Luis Merino Reyes. También se repite el nombre de Sylvia Soublette. Para este caso corre también la advertencia de Literatura: las campañas aún no arrancan.
Además de los galardones que gestionará el nuevo Ministerio de las Culturas, en 2018 se entregarán otros tres premios nacionales bajo el alero del Ministerio de Educación: de Historia, de Ciencias Aplicadas y Tecnología y de Ciencias Naturales. Se fallan a fines de agosto.
"Debería haber dos premios (de Literatura), claramente. Pido un Premio Nacional de Poesía".
MANUEL SILVA ACEVEDO, POETA
"Se buscó actualizar y enriquecer la composición del jurado de los Premios Nacionales relativos a las artes".
ANA TIRONI, SUBSECRETARIA DE CULTURA
"El nuevo jurado puede hacerse cargo de la apertura que ha tenido el concepto de música".
JUAN PABLO GONZÁLEZ, INVESTIGADOR
"A veces, parte del jurado desconocía quiénes eran las personas que se iba a premiar".
HORACIO SALINAS, INTI ILLIMANI
Nueva ley Este año debutan modificaciones.
El Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio pasa a gestionar los cuatro galardones artísticos: Literatura, Artes Plásticas, Música y Artes de la Representación. Además, se amplía el jurado: se suman dos creadores a la deliberación.
Por Roberto Careaga C.
Era una ocasión de pura felicidad, pero aun así el poeta Manuel Silva Acevedo, al recibir el Premio Nacional de Literatura, en agosto de 2016, se permitió una crítica: tras los agradecimientos, pidió públicamente que el sistema de entrega del galardón fuera reformulado. Instalado en el Ministerio de Educación y con las cámaras de todos los medios enfocándolo, Silva Acevedo hacía eco de una sensación que por años ha circulado no solo en el ambiente literario, sino en toda la cultura: los premios necesitaban un cambio. Y así será: este año los galardones serán diferentes.
En el marco de la legislación que crea el nuevo Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio, que fue promulgada en octubre de 2017, fue incluida una modificación a la Ley N° 19.169, que regula la entrega de los Premios Nacionales y ahí se establecen cambios que impactarán fuertemente el destino de los galardones artísticos. El más lógico es que de los 11 galardones que hoy se entregan, cuatro dejarán de ser gestionados por el Ministerio de Educación y pasarán a manos del nuevo Ministerio de las Culturas. Se trata de los llamados artísticos: Literatura, Música, Artes Plásticas y Artes de la Representación.
Esos cuatro galardones, además, se verán afectados por otro cambio más profundo: una nueva conformación del jurado. Según la nueva legislación, se mantendrá el panel ya existente, pero con cambios. Hoy deciden los premios el rector de la Universidad de Chile, un representante de la academia chilena del área a premiar, un académico designado por el Consejo de Rectores -muchas veces ha sido un rector-, el último premiado y el ministro de Educación, que será reemplazado por el de Cultura. A ellos se sumarán dos creadores destacados del ámbito a premiar; es decir, escritores en el caso de Literatura, músicos en el de Música, artistas visuales en el de Artes Plásticas. Ellos serán escogidos por el Consejo Nacional de la Cultura, las Artes y el Patrimonio, entidad que seguirá existiendo en el nuevo ministerio.
La subsecretaria de Cultura, Ana Tironi, asegura que la modificación precisamente buscó "actualizar y enriquecer la composición" del jurado de los premios. Y, además, hacerlo al estilo ciudadano que marca la gestión cultural del organismo: "La nueva institucionalidad cultural tiene como eje central la participación de la sociedad civil en la generación de políticas culturales, siendo relevante, sin duda, que el Consejo Nacional del Ministerio, órgano representativo de la sociedad civil, designe jurados en cada una de las disciplinas relativas a las artes", explica.
Más allá de intentar resolver el vacío de la sociedad civil en el jurado del galardón, también estos dos nuevos jurados vendrían, al menos en el papel, a especializar a un jurado usualmente criticado por su potencial falta del conocimiento en las áreas que premian. En 2016, de hecho, se dio una situación particular en el caso de Literatura: por problemas de salud, Antonio Skármeta se excusó de participar del jurado en su calidad de premiado anterior, por lo que quienes decidieron al ganador fueron dos rectores -el de la U. de Chile y el de la UMCE-, la ministra de Educación, Adriana Delpiano, y la representante de la Academia Chilena de la Lengua, Adriana Valdés. Esta última era la única experta en el tema.
Ahora el cálculo de especialistas queda así: antes de esta modificación, solo dos miembros del jurado -el anterior premiado y el representante de la Academia Nacional del ámbito a galardonar- eran expertos en la materia, mientras que ahora serán cinco: a los mencionados se suman los dos creadores y el académico representante del Consejo de Rectores. "Me parece bien que sean los mismos escritores los que disciernan, más que los rectores o sus delegados. Me parece que deben ser los mismos escritores quienes escojan el galardón, con todos los riesgos que eso entraña, las enemistades y amistades. Pero hay que correr esos riesgos, porque realmente lo que importa es la calidad", dice el poeta Manuel Silva Acevedo. Mientras que Horacio Salinas, director musical de Inti Illimani, agrega: "Que sean músicos me parece muy importante porque a veces nos sorprendíamos con que parte del jurado desconocía absolutamente quiénes eran las personas que se iba a premiar".
En una línea similar está el artista y crítico Gaspar Galaz, que en siete oportunidades fue miembro del jurado del galardón de Artes Plásticas, en representación de la Academia de Chilena de Bellas Artes. "Me parece muy importante, porque se van a sumar al jurado dos actores, dos lectores, dos artistas. Verdaderos especialistas en el tema. Porque aunque a veces se preparaban mucho, rectores y ministros no tienen por qué estar al tanto de la situación de todas las áreas de la cultura y sus artistas. Empieza un mundo nuevo", plantea. Pero agrega: "Aunque obviamente el jurado nuevo sabrá perfectamente los nombres que están circulando y que son merecedores del premio; en el caso de Artes Plásticas, obviamente Ricardo Irarrázaval debería ya haber sido premiado, o Juan Pablo Langlois, o Juan Domingo Dávila. Siempre hay cinco o seis nombres rondando y a uno le cae. No hay muchos más".
Las críticas no escuchadas
La historia de los Premios Nacionales se remonta a 76 años. En 1942 fue creado el galardón; originalmente estaba gestionado por la Universidad de Chile y solo estaba consagrado a Artes Plásticas y a Literatura. De hecho, fue desde esta última disciplina de donde surgió la idea y, específicamente, de su primer ganador. Según cuenta el crítico Alone en sus memorias, poco antes de cumplir 60 años Augusto D'Halmar pidió entre sus colegas un regalo de cumpleaños que estuviera a la altura. De su preeminencia en las letras nacionales no había duda, pero según Luis Sánchez Latorre tampoco de la necesidad financiera que lo aquejaba: desde su inicio, el premio incluía una pensión vitalicia. Con los años, el galardón cambiaría sus reglas muchas veces.
La última modificación fue en 1992, cuando se definieron como 11 los galardones tutelados por el Ministerio de Educación: de Literatura, Periodismo, Ciencias Exactas, Ciencias Naturales, Ciencias Aplicadas y Tecnológicas, Historia, Ciencias de la Educación, Artes Plásticas, Música, Artes de la Representación y Audivisuales, y de Humanidades y Ciencias Sociales. Con los años, la ley empezó a recibir críticas, hubo iniciativas para modificarla, incluso en 2005 el por entonces senador Gabriel Valdés dirigió una comisión para reformular el sistema de entrega de los galardones.
Para el cambio que viene ahora solo faltan los detalles finales. Según la subsecretaria Tironi, el decreto con fuerza de ley que concretará la puesta en marcha del Ministerio de las Culturas está hoy en Contraloría para su toma de razón. No hay una fecha definida para que se supere ese trámite, pero será antes del último domingo de junio, que es cuando los Premios Nacionales hacen su tradicional convocatoria pública a los postulantes. Aun así, faltará un paso para concretar la nueva normativa: la ley establece que los dos jurados creadores que se suman al panel deben designarse a partir de un procedimiento normado por un reglamento que aún no está escrito. La tarea será de la nueva administración de Cultura, encabezada por la ministra Alejandra Pérez.
Pero aún quedan flancos abiertos en los galardones. Horacio Salinas, de Inti Illimani, ha sido un férreo crítico de la tendencia del Premio Nacional de Música a distinguir a compositores del ámbito docto, ignorando la música popular. Sobre ese tema no hay cambios en la nueva ley. "Hoy suena un poco decimonónico eso de la música académica, y lo digo entre comillas. Muchos no percibimos la trascendencia que se le da. Eso impidió por años premiar a Vicente Bianchi. La música implica hoy música de lenguajes que entrecruzan disciplinas populares y académicas, de manera que valorar la importancia de un solo tipo de música me parece que es el problema", dice Salinas. Y agrega: "Y en ese sentido, si se escogen para el jurado a creadores muy ligados a la academia o que van a defender ese nicho, no sé qué tan importante sea el cambio", añade.
Para el investigador musical Juan Pablo González, la diferencia entre música docta y popular le ha pesado al premio. Advierte que si criticó el galardón a Vicente Bianchi el año pasado, fue porque, según él, estaba fuera de actividad. El problema, apunta, es que el tiempo ha pasado: "Este premio se dio por primera vez en 1945, cuando el concepto de compositor estaba totalmente vinculado con la música clásica y la Universidad de Chile era el único lugar donde un compositor se podía formar, trabajar y estrenar su obra. Esa lógica cambió, pero en el premio no cambió", dice.
Ante los cambios al galardón, González añade: "Lo bueno del nuevo jurado es que puede hacerse cargo de la apertura que ha tenido el concepto de música en los últimos 30 años. Las fronteras de la música se han ido acercando. No digo que sea lo mismo peras y manzanas, hay muchas músicas. Pero en el ámbito popular sí aparece la figura del creador, que abre nuevos rumbos e instala nuevos sonidos. Y ellos tienen todo el derecho a postular a este premio. Veamos ahora a qué nuevos jurados escoge el Consejo de la Cultura".
En el ámbito de la literatura, el poeta Manuel Silva Acevedo vuelve a la carga. Al recibir el galardón en 2016, se lanzó contra esa regla no escrita del Premio de Literatura: bienal como todos los premios, se va alternando el género ganador entre poesía y narrativa. Así la cosas, un poeta solo puede aspirar a ganar cada cuatro años. La nueva ley tampoco se pronuncia sobre el tema. "Lo encuentro grave, porque creo que poesía merece un renglón especial. Sobre todo considerando la cantidad de poetas que postulan; cuando yo lo gané postularon 18. Tenemos dos premios Nobel en poesía, hay una tradición que lo amerita", dice. Y añade: "Este año me tocaría a mí ser jurado para narrativa. Y después a un narrador le tocaría ser jurado para la poesía. Eso lo encuentro un poco absurdo. Debería haber dos premios, claramente. Yo pido un Premio Nacional de Poesía".
Los cambios a los premios empiezan este año: los galardones de Literatura y Música tendrán nuevas reglas.
Narradores y músicos: Candidatos para 2018
En 2018, dos premios serán los encargados de probar la nueva modalidad: el de Literatura y el de Música. Los de Artes de la Representación y de Artes Plásticas, que también se ven afectados, se entregan el año que viene.
No está escrita, pero la regla opera: hace dos años se le dio a un poeta y este año el Premio Nacional de Literatura se le debe entregar a un narrador. Así las cosas, hay que remitirse a las campañas de 2014 para suponer el panorama de candidatos que veremos en los próximos meses: fallecidos Pedro Lemebel y Poli Délano -postulantes de aquel año-, siguen en la posible carrera Diamela Eltit y Germán Marín, así como Jorge Guzmán, Patricio Manns (que también se presenta al de música), José Luis Rosasco, Fernando Emmerich y Francisco Rivas. Es posible que se sumen nuevos autores en el camino, pero por ahora las campañas aún no empiezan.
En el caso de la música, que también se entrega este año, los postulantes posibles son los compositores Gabriel Brncic y Hernán Ramírez, ambos ligados a música docta, como también el pianista Roberto Bravo; Guillermo Rifo, los representantes de la Nueva Canción Chilena Patricio Manns y Horacio Salinas, y el investigador Luis Merino Reyes. También se repite el nombre de Sylvia Soublette. Para este caso corre también la advertencia de Literatura: las campañas aún no arrancan.
Además de los galardones que gestionará el nuevo Ministerio de las Culturas, en 2018 se entregarán otros tres premios nacionales bajo el alero del Ministerio de Educación: de Historia, de Ciencias Aplicadas y Tecnología y de Ciencias Naturales. Se fallan a fines de agosto.
"Debería haber dos premios (de Literatura), claramente. Pido un Premio Nacional de Poesía".
MANUEL SILVA ACEVEDO, POETA
"Se buscó actualizar y enriquecer la composición del jurado de los Premios Nacionales relativos a las artes".
ANA TIRONI, SUBSECRETARIA DE CULTURA
"El nuevo jurado puede hacerse cargo de la apertura que ha tenido el concepto de música".
JUAN PABLO GONZÁLEZ, INVESTIGADOR
"A veces, parte del jurado desconocía quiénes eran las personas que se iba a premiar".
HORACIO SALINAS, INTI ILLIMANI
Raffaella Carrà: "Viña del Mar es algo que no olvidaré nunca"
El Mercurio
La cantante y animadora italiana habló con "El Mercurio" y recordó su presentación de 1982, cuando también se convirtió en la primera reina del Festival. Reconoce que no ha podido volver: "Todos los años me invitan, pero tengo mi agenda llena de cosas".
Por Eduardo Miranda
Al teléfono su voz exclama en perfecto castellano y con inconfundible acento italiano: "¡Madre mía, cuánto tiempo!". Es Raffaella Carrà, la cantante detrás de un puñado de éxitos bailables de las décadas de los 70 y 80, la mujer que conquistó el escenario de la Quinta Vergara hace 36 años y que hoy es recordada como la primera reina del certamen y por el show que ofreció en esa oportunidad. "Te digo la verdad, esa vez tuve una impresión grandísima por la cantidad de gente. ¡Había espectadores arriba de los árboles! Eran miles y miles. Recuerdo muy bien que en esa presentación lo pasé bomba".
A sus 74 años, es una de las mujeres de mayor trayectoria en el mundo del espectáculo europeo: intérprete, actriz, presentadora de televisión y productora musical, ha cimentado su carrera, principalmente en Italia y España. Al teléfono, desde su casa en Roma, conversa con "El Mercurio" para recordar su aplaudido paso por el Festival: "Tengo aquí un premio que me dieron, la antorcha. Cuando la recibí estaba tranquila, aunque muy emocionada, porque había terminado el show y tuve una respuesta muy calurosa del público".
Aunque su primera visita a Chile fue en 1978, la llamada "diva italiana" debutó en la Quinta Vergara el 21 de febrero de 1982 y, en esa ocasión, compartió escenario con Salvatore Adamo, los españoles Pecos y el cantante chileno Cristóbal.
Carrà llegó, en ese entonces, al Hotel O'Higgins junto a un equipo de 25 personas, entre bailarines, asistentes y productores que la acompañaban. "Cuando salí a escena había mucha humedad y mis bailarines me advirtieron que el piso era resbaloso como una pista de hielo. Me dijeron que debía ir despacio y como yo nunca voy despacio, pensaba que me iba a caer en medio de esta audiencia tan importante". Y continúa con su recuerdo en medio de risas: "Cuando llegó el momento de las acrobacias estaba concentrada en el público y con una parte de mi mente pensando en el suelo. Yo pensaba: 'Nos vamos a caer, nos vamos a caer todos', pero no pasó nada. Hace poco he visto el video que grabó la televisión chilena de esa presentación y ha sido fantástico".
¿Si tuviera que definir esa experiencia? Carrà se toma un par de segundos y luego dice: "¡Qué noche! Fue una experiencia dramática, un momento tremendo. Estaba emocionada porque antes había estado ante grandes audiencias, pero nada como este Festival. Viña del Mar es algo que no olvidaré nunca".
La artista dice estar hoy un poco alejada del mundo del espectáculo, pero sigue alerta y a la espera de algún proyecto que le llame la atención. "De momento solo estoy lanzando la carrera de un joven cantante y comprometida con otros asuntos", señala. El año pasado, tras animar la gala de los 60 años de Televisión Española (TVE), circuló la noticia de que se retiraría de la TV. "No se entendió porque he dicho que me gustaría hacer un proyecto para las nuevas generaciones. Personas que puedan hacer como yo: cantar, bailar, presentar y entrevistar". Luego agrega: " La televisión no tiene el encanto que tenía antes. No sé qué pasa, se hace todo al segundo y a mí me gusta ensayar profundamente y ser profesional. De lo contrario no hubiera tenido tanto éxito en el mundo con mis shows".
- ¿Cree que ese ha sido su sello?
"No conozco otro camino. Hay que prepararse mucho, aunque la suerte también puede acompañarte. Si llegas al éxito entonces ya no tendrás tiempo de desarrollarte. Esto lo dicen grandes artistas, no lo he inventado yo. El éxito te mata: lo tienes una vez y luego te apagas".
-¿Cuáles son sus requisitos para sumarse a un proyecto?
"A muchas cosas les dije que no, porque soy muy intuitiva. Si se sabe que algún día vuelvo a la televisión, quiere decir que lo que se me propuso me puso la piel de gallina y sentí que debía hacerlo. He tenido tantas satisfacciones en mi carrera que no voy buscando nuevas cosas para hacer".
Este año Carrà cumple otro hito: los 40 años del lanzamiento de la canción "Hay que venir al sur (Tanti auguri)" , además de otros éxitos bailables que incluyó en su álbum "Raffaella", de 1978. "Esto es increíble, no sé cómo explicártelo. Es una canción inmortal y no sé qué provoca en la gente: la he cantado en inglés, en japonés y otros idiomas, y siempre tiene un encanto".
- También se cumplen cuarenta años de su primera vez en Chile ¿Piensa volver?
"Cada año me invitan a Viña del Mar, pero la verdad es que febrero es un periodo en que tengo compromisos importantes. Mi agenda está llena de cosas. Lo siento mucho. Ir a Chile a hacer de jurado no me interesa y para cantar de nuevo y resbalar, ¡Dios mío!... Por ahora, me conformo con verlo por televisión".
Certámenes
Carrà planteó la vigencia de los festivales: "Cada cual tiene un motivo. Viña del Mar es muy importante para el mundo latino. Si los concursantes hicieran giras sería muy útil. También está San Remo, es muy italiano y reconocido en nuestra nación, y Eurovisión, que es muy importante para el continente europeo".
La cantante y animadora italiana habló con "El Mercurio" y recordó su presentación de 1982, cuando también se convirtió en la primera reina del Festival. Reconoce que no ha podido volver: "Todos los años me invitan, pero tengo mi agenda llena de cosas".
Por Eduardo Miranda
Al teléfono su voz exclama en perfecto castellano y con inconfundible acento italiano: "¡Madre mía, cuánto tiempo!". Es Raffaella Carrà, la cantante detrás de un puñado de éxitos bailables de las décadas de los 70 y 80, la mujer que conquistó el escenario de la Quinta Vergara hace 36 años y que hoy es recordada como la primera reina del certamen y por el show que ofreció en esa oportunidad. "Te digo la verdad, esa vez tuve una impresión grandísima por la cantidad de gente. ¡Había espectadores arriba de los árboles! Eran miles y miles. Recuerdo muy bien que en esa presentación lo pasé bomba".
A sus 74 años, es una de las mujeres de mayor trayectoria en el mundo del espectáculo europeo: intérprete, actriz, presentadora de televisión y productora musical, ha cimentado su carrera, principalmente en Italia y España. Al teléfono, desde su casa en Roma, conversa con "El Mercurio" para recordar su aplaudido paso por el Festival: "Tengo aquí un premio que me dieron, la antorcha. Cuando la recibí estaba tranquila, aunque muy emocionada, porque había terminado el show y tuve una respuesta muy calurosa del público".
Aunque su primera visita a Chile fue en 1978, la llamada "diva italiana" debutó en la Quinta Vergara el 21 de febrero de 1982 y, en esa ocasión, compartió escenario con Salvatore Adamo, los españoles Pecos y el cantante chileno Cristóbal.
Carrà llegó, en ese entonces, al Hotel O'Higgins junto a un equipo de 25 personas, entre bailarines, asistentes y productores que la acompañaban. "Cuando salí a escena había mucha humedad y mis bailarines me advirtieron que el piso era resbaloso como una pista de hielo. Me dijeron que debía ir despacio y como yo nunca voy despacio, pensaba que me iba a caer en medio de esta audiencia tan importante". Y continúa con su recuerdo en medio de risas: "Cuando llegó el momento de las acrobacias estaba concentrada en el público y con una parte de mi mente pensando en el suelo. Yo pensaba: 'Nos vamos a caer, nos vamos a caer todos', pero no pasó nada. Hace poco he visto el video que grabó la televisión chilena de esa presentación y ha sido fantástico".
¿Si tuviera que definir esa experiencia? Carrà se toma un par de segundos y luego dice: "¡Qué noche! Fue una experiencia dramática, un momento tremendo. Estaba emocionada porque antes había estado ante grandes audiencias, pero nada como este Festival. Viña del Mar es algo que no olvidaré nunca".
La artista dice estar hoy un poco alejada del mundo del espectáculo, pero sigue alerta y a la espera de algún proyecto que le llame la atención. "De momento solo estoy lanzando la carrera de un joven cantante y comprometida con otros asuntos", señala. El año pasado, tras animar la gala de los 60 años de Televisión Española (TVE), circuló la noticia de que se retiraría de la TV. "No se entendió porque he dicho que me gustaría hacer un proyecto para las nuevas generaciones. Personas que puedan hacer como yo: cantar, bailar, presentar y entrevistar". Luego agrega: " La televisión no tiene el encanto que tenía antes. No sé qué pasa, se hace todo al segundo y a mí me gusta ensayar profundamente y ser profesional. De lo contrario no hubiera tenido tanto éxito en el mundo con mis shows".
- ¿Cree que ese ha sido su sello?
"No conozco otro camino. Hay que prepararse mucho, aunque la suerte también puede acompañarte. Si llegas al éxito entonces ya no tendrás tiempo de desarrollarte. Esto lo dicen grandes artistas, no lo he inventado yo. El éxito te mata: lo tienes una vez y luego te apagas".
-¿Cuáles son sus requisitos para sumarse a un proyecto?
"A muchas cosas les dije que no, porque soy muy intuitiva. Si se sabe que algún día vuelvo a la televisión, quiere decir que lo que se me propuso me puso la piel de gallina y sentí que debía hacerlo. He tenido tantas satisfacciones en mi carrera que no voy buscando nuevas cosas para hacer".
Este año Carrà cumple otro hito: los 40 años del lanzamiento de la canción "Hay que venir al sur (Tanti auguri)" , además de otros éxitos bailables que incluyó en su álbum "Raffaella", de 1978. "Esto es increíble, no sé cómo explicártelo. Es una canción inmortal y no sé qué provoca en la gente: la he cantado en inglés, en japonés y otros idiomas, y siempre tiene un encanto".
- También se cumplen cuarenta años de su primera vez en Chile ¿Piensa volver?
"Cada año me invitan a Viña del Mar, pero la verdad es que febrero es un periodo en que tengo compromisos importantes. Mi agenda está llena de cosas. Lo siento mucho. Ir a Chile a hacer de jurado no me interesa y para cantar de nuevo y resbalar, ¡Dios mío!... Por ahora, me conformo con verlo por televisión".
Certámenes
Carrà planteó la vigencia de los festivales: "Cada cual tiene un motivo. Viña del Mar es muy importante para el mundo latino. Si los concursantes hicieran giras sería muy útil. También está San Remo, es muy italiano y reconocido en nuestra nación, y Eurovisión, que es muy importante para el continente europeo".
Todos los misterios de la orquesta, en un solo libro
El Mercurio
"Orquesta de Cámara de Chile. Experiencias musicales para la escuela", el séptimo Cuaderno Pedagógico del Consejo de la Cultura, aclara la mayoría de los equívocos más comunes respecto de la música clásica.
Por Romina de la Sotta Donoso
Con los 66 conciertos gratuitos que dio durante 2017 a lo largo del país y con las más de 40 mil personas que asistieron a ellos, es innegable el rol que cumple la Orquesta de Cámara de Chile en el acceso a la música de tradición escrita.
Una vocación que le dio su fundador y primer director titular, el infatigable Fernando Rosas, mientras Juan Pablo Izquierdo, su sucesor, le otorgó un nuevo nivel de calidad artística, además de expandir su repertorio. Y ahora, Alejandra Urrutia, la actual titular, acaba de dar un nuevo paso para potenciar esa vocación al colaborar activamente en la elaboración del Cuaderno Pedagógico "Orquesta de Cámara de Chile. Experiencias musicales para la escuela" (134 páginas), del Consejo Nacional de la Cultura y las Artes (CNCA).
En este volumen se identifican las cuatro familias instrumentales -cuerdas, maderas, metales y percusión-, con infografías e ilustraciones, y se aborda cómo ha evolucionado la orquesta desde el siglo XVII y cómo se han organizado espacialmente los instrumentos en cada época, dando ejemplos concretos.
Se aclaran equívocos muy comunes, por ejemplo, que lo único que diferencia a una orquesta de cámara y una sinfónica es la cantidad de instrumentos y no su orgánico (conformación instrumental), y que los nombres de los estilos musicales, como Barroco, Clasicismo y Romanticismo responden a concepciones musicales vigentes durante un período, mucho más que coincidir con corrientes homónimas que se dieron en otras artes.
También se definen las distintas formas sinfónicas -sinfonía, concierto, poema sinfónico y obertura- y se explica cada elemento del lenguaje musical: forma, ritmo, altura, dinámica y textura, timbre y notación musical.
Aun cuando se le dedica un capítulo entero a la Orquesta de Cámara de Chile, el verdadero protagonismo del conjunto está en el DVD que acompaña al libro. Se incluyen 25 videoclips de 30 segundos, que fueron producidos grabando los ensayos del conjunto.
El DVD contiene conciertos íntegros y una docena de audios de interpretaciones de distintos estilos, con algunas creaciones chilenas, como el Concierto para corno, de Carlos Zamora; "Voz de piedra", de Miguel Farías, y "Tres aires chilenos", de Enrique Soro. "Uno de los principales aportes de este cuaderno es poner a disposición de las escuelas parte del repertorio de la Orquesta de Cámara, dentro del que se incluyen obras de compositores nacionales", apunta Daniela Márquez, coordinadora de elencos artísticos estables del CNCA y encargada de la publicación.
En un par de semanas se distribuirán los primeros 3 mil ejemplares del cuaderno y en 2019 se imprimirán otras 10 mil copias para llevarlas a las bibliotecas CRA -escolares- del país. Asimismo, se puede descargar gratis en Cultura.gob.cl.
Tarea para estudiantes
En la sección de propuestas didácticas del libro (para 4° y 7° básico, y 1° y 3° medio) se enseña, por ejemplo, la sinestesia, aconsejando un ejercicio: que los estudiantes observen pinturas impresionistas de 1888, mientras escuchan "Arabesque I", de Debussy, y "Gymnopédie N° 1", de Satie.
"Además de generar un aprendizaje más significativo al crear puentes entre varias asignaturas, se pone en valor el trabajo colaborativo que caracteriza a la orquesta, buscando establecer espacios que sitúen a los niños, niñas y jóvenes como protagonistas de los procesos de aprendizaje", cierra Márquez.
"Orquesta de Cámara de Chile. Experiencias musicales para la escuela", el séptimo Cuaderno Pedagógico del Consejo de la Cultura, aclara la mayoría de los equívocos más comunes respecto de la música clásica.
Por Romina de la Sotta Donoso
Con los 66 conciertos gratuitos que dio durante 2017 a lo largo del país y con las más de 40 mil personas que asistieron a ellos, es innegable el rol que cumple la Orquesta de Cámara de Chile en el acceso a la música de tradición escrita.
Una vocación que le dio su fundador y primer director titular, el infatigable Fernando Rosas, mientras Juan Pablo Izquierdo, su sucesor, le otorgó un nuevo nivel de calidad artística, además de expandir su repertorio. Y ahora, Alejandra Urrutia, la actual titular, acaba de dar un nuevo paso para potenciar esa vocación al colaborar activamente en la elaboración del Cuaderno Pedagógico "Orquesta de Cámara de Chile. Experiencias musicales para la escuela" (134 páginas), del Consejo Nacional de la Cultura y las Artes (CNCA).
En este volumen se identifican las cuatro familias instrumentales -cuerdas, maderas, metales y percusión-, con infografías e ilustraciones, y se aborda cómo ha evolucionado la orquesta desde el siglo XVII y cómo se han organizado espacialmente los instrumentos en cada época, dando ejemplos concretos.
Se aclaran equívocos muy comunes, por ejemplo, que lo único que diferencia a una orquesta de cámara y una sinfónica es la cantidad de instrumentos y no su orgánico (conformación instrumental), y que los nombres de los estilos musicales, como Barroco, Clasicismo y Romanticismo responden a concepciones musicales vigentes durante un período, mucho más que coincidir con corrientes homónimas que se dieron en otras artes.
También se definen las distintas formas sinfónicas -sinfonía, concierto, poema sinfónico y obertura- y se explica cada elemento del lenguaje musical: forma, ritmo, altura, dinámica y textura, timbre y notación musical.
Aun cuando se le dedica un capítulo entero a la Orquesta de Cámara de Chile, el verdadero protagonismo del conjunto está en el DVD que acompaña al libro. Se incluyen 25 videoclips de 30 segundos, que fueron producidos grabando los ensayos del conjunto.
El DVD contiene conciertos íntegros y una docena de audios de interpretaciones de distintos estilos, con algunas creaciones chilenas, como el Concierto para corno, de Carlos Zamora; "Voz de piedra", de Miguel Farías, y "Tres aires chilenos", de Enrique Soro. "Uno de los principales aportes de este cuaderno es poner a disposición de las escuelas parte del repertorio de la Orquesta de Cámara, dentro del que se incluyen obras de compositores nacionales", apunta Daniela Márquez, coordinadora de elencos artísticos estables del CNCA y encargada de la publicación.
En un par de semanas se distribuirán los primeros 3 mil ejemplares del cuaderno y en 2019 se imprimirán otras 10 mil copias para llevarlas a las bibliotecas CRA -escolares- del país. Asimismo, se puede descargar gratis en Cultura.gob.cl.
Tarea para estudiantes
En la sección de propuestas didácticas del libro (para 4° y 7° básico, y 1° y 3° medio) se enseña, por ejemplo, la sinestesia, aconsejando un ejercicio: que los estudiantes observen pinturas impresionistas de 1888, mientras escuchan "Arabesque I", de Debussy, y "Gymnopédie N° 1", de Satie.
"Además de generar un aprendizaje más significativo al crear puentes entre varias asignaturas, se pone en valor el trabajo colaborativo que caracteriza a la orquesta, buscando establecer espacios que sitúen a los niños, niñas y jóvenes como protagonistas de los procesos de aprendizaje", cierra Márquez.
sábado, febrero 24, 2018
La historia detrás de 10 himnos de los Rolling Stones
El Mercurio
De "(I Can't Get No) Satisfaction" a "Start Me Up", el grupo de Mick Jagger y Keith Richards ha compuesto un gran número de clásicos del rocanrol. Letras de amor, mujeres, excesos y violencia son parte del cancionero rollingo , uno que ahora viene narrado hasta el detalle en el libro "Rolling Stones. La historia detrás de sus 365 canciones".
Por Felipe Ramos
"(I Can't Get No) Satisfaction" (1965)
El 20 de agosto de 1965 quedó marcado en los oyentes ingleses como el día que por primera vez escucharon "(I Can't Get No) Satisfaction". Compuesta en parte mientras Keith Richards dormía -el famoso riff lo registró en una grabadora sin darse cuenta-, su letra está contra el sistema, la sociedad, los medios, la publicidad, además de constatar la frustración sexual. "Es así como Jagger se comporta como un cronista de su época al igual que Bob Dylan", dicen los autores de "Rolling Stones. La historia detrás de sus 365 canciones", Phillipe Margotin y Jean-Michel Guesdon. Según cuentan, la canción pasó de ser una composición country a su versión conocida gracias a la incorporación de un efecto de guitarra Fuzz-Tone. Además, se desconoce si Brian Jones participó de la grabación que tuvo lugar el 12 de mayo de 1965 en los estudios RCA de Hollywood, pues sufría de mala salud y ya resentía el protagonismo de Jagger y Richards.
"Paint it Black" (1966)
Aunque muchos asocian esta canción con la Guerra de Vietnam, resulta que una de las canciones más famosas de los Stones no tiene que ver con el conflicto del sudeste asiático, sino que su temática está en torno a la muerte. Es así como frases del tipo "veo una hilera de automóviles, todos pintados de negro" dan cuenta de un cortejo fúnebre. No obstante, sirvió como banda de sonido para el fin de una época llena de utopías surgidas de la contracultura. En cuanto a la melodía, fue compuesta por Richards, quien ha dicho que "le encontraba un aspecto 'Hawa Naguila', casi gitano". Con Jones en el sitar -influenciado por lo que habían hecho previamente los Beatles-, Bill Wyman en el órgano y bajo, y Charlie Watts tocando la batería con un patrón robado de una canción de Smokey Robinson, "Paint it Black" se volvió un éxito apenas salió en el disco "Aftermath".
"She's a Rainbow" (1967)
Guiños a Bartók y Mozart son parte de esta canción en la que los Stones se alejaron del blues de Muddy Waters y el rocanrol de Chuck Berry para entrarse en el Flower Power imperante en el Londres de Twiggy y Carnaby Street. Tal como señalan Margotin y Guesdon, esta canción parece una continuación lógica de "Lady Jane" o de "Ruby Tuesday". "Es una especie de cuento de hadas... La protagonista tiene unas características casi sobrenaturales. Aparece como un arcoíris o una reina de antaño, diseminando colores por los aires a su alrededor", dicen en el libro. Con Brian Jones en el mellotron , la ayuda de Nicky Hopkins en el piano y clavecín, y los arreglos de cuerda de John Paul Jones, quien meses después se uniría a Led Zeppelin, tanta dulzura termina con Keith Richards poniendo un acorde pesado y saturado al final de la canción, para recordarnos que el rock también existe en la vida.
"Sympathy for the Devil" (1968)
Los bolcheviques asesinando a la familia del Zar mientras Anastasia grita en vano; Jesucristo en sus momentos de duda; las invasiones de tanques nazis durante la Segunda Guerra Mundial; la década de 1960 y la muerte de Kennedy. En resumen, la victoria del mal por sobre el bien, del diablo por sobre Dios. Esa es la temática de "Simpatía por el demonio", canción escrita y compuesta en su totalidad por Mick Jagger, quien se inspiró en la novela "El maestro y la margarita", del escritor Mijaíl Boulgakov. La canción que abre el disco "Beggars Banquet" tiene un ritmo en clave de samba-rock, con una fuerte presencia de percusiones y en la que Richards toca todas las guitarras y el bajo, mientras que Brian Jones y Bill Wyman se limitaron a participar de los coros. En la letra original, Jagger solo hacía referencia a John F. Kennedy, pero el 6 de junio de aquel año, justo mientras la grababan, Robert Kennedy fue asesinado. Por eso Mick grabó la nueva frase "¿Quién ha matado a LOS Kennedy?".
"Gimme Shelter" (1969)
Si "Sympathy for the Devil" fue obra de Jagger, "Gimme Shelter" podría ser considerada la respuesta de Richards, quien la compuso mientras veía cómo un aguacero caía sobre Londres al mismo tiempo que su novia, Anita Pallenberg, grababa la cinta "Performance" con Mick Jagger, en una situación nada de cómoda para el guitarrista. "Una tormenta amenaza mi propia vida", dice la primera línea de la canción, algo que se podía extender a Vietnam, la represión tras la primavera de Praga y la masacre de Sharon Tate. Con una introducción envolvente "que demuestra que el rocanrol puede ser a la vez bello y peligroso", como dijese el ex guitarrista de The Smiths, Johnny Marr, la canción perteneciente a "Let it Bleed" cuenta con la participación de la cantante Merry Clayton, quien desde el minuto 2,46 lleva a "Gimme Shelter" al olimpo del rocanrol.
"Brown Sugar" (1971)
Mujeres de color y alusiones a la heroína mezcladas en 3 minutos y 48 segundos de pura intensidad rollinga. "Brown Sugar" es uno de los grandes temas de los Stones, el que fue completamente compuesto por Mick Jagger mientras se encontraba filmando la película "Ned Kelly" en Australia. Según Richards, "yo soy el maestro del riff , pero la única canción en la que no tuve nada que ver fue obra de Mick, 'Brown Sugar'". Escrita en nada menos que 45 minutos, Jagger ha dicho que "solo Dios sabe lo que he querido contar en esta canción. Es una especie de revoltijo de ideas". Punto aparte es el solo de saxo interpretado por Bobby Keys que resume por sí mismo la inmediatez del rocanrol.
"Wild Horses" (1971)
Al igual que "Brown Sugar", esta pieza en clave country es parte del disco "Sticky Fingers", el que con su carátula diseñada por Andy Warhol llevó el sonido de los Stones a fronteras sucias y garajeras. Compuesta por Keith Richards luego de permanecer varias semanas junto al músico norteamericano Gram Parsons, "Wild Flowers" nació como una canción para su hijo Marlon, de quien cada vez le costaba más separarse cada vez que salía de gira. En la interpretación, Richards toca una guitarra de 12 cuerdas afinada en Sol abierto y sin las dos cuerdas más altas, mientras que Mick Jagger logra una de sus interpretaciones mejor logradas del disco. "Me gusta esta canción", diría en 1995.
"Angie" (1973)
Tras terminar las grabaciones de "Exile On Main Street", la pareja formada por Keith Richards y Anita Pallenberg tuvo que dejar la Costa Azul para huir de la justicia francesa, que los buscaba por tráfico de drogas. Fue así como terminaron en Suiza, en donde Anita dio a luz a su hija Dandelion (Angela) en abril de 1972, mientras Keith era internado en una clínica de rehabilitación. Fue en ese lugar donde compuso la música de "Angie", a la que luego Mick daría una letra que puede ser acerca de todas las mujeres que deambulaban el universo de los Stones. "¿No es bueno estar vivos? Angie, no puedes decir que no lo intentamos", puede ser una referencia al intento de suicidio de Marianne Faithfull, pero también al descenso a los infiernos que vivió la pareja Richards-Pallenberg.
"Beast of Burden" (1978)
Un oasis despreocupado en un disco lleno de canciones energéticas. "Beast of Burden" es parte de quizás el último gran álbum de los Rolling Stones, "Some Girls", el que tiene partes disco, punk, country y rocanrol, pero que encuentra en esta canción original de Richards uno de sus puntos más altos con su tempo suedoreggae y un groove muy soul. Compuesta por Keith como una forma de agradecerle a Mick todos los años en que tuvo que hacerse cargo de la banda mientras él lidiaba con sus adicciones, la famosa introducción de la canción es gentileza de Jagger en la guitarra rítmica.
"Start Me Up" (1981)
Aunque apareció a comienzos de los 80, las primeras grabaciones de "Start Me Up" datan de 1975. Originalmente tenía un ritmo reggae , el que dio paso a la versión conocida por todos, la que, según el productor Chris Kimsey, Keith mandó a borrar, pues le sonaba repetida. "Yo, evidentemente, no lo hice, pero a él no le gustó nada y no estoy seguro de que le guste ahora", dice quien estuviera detrás de las grabaciones del disco "Tattoo You". Con un riff enorme, "Start Me Up" es el último gran éxito del grupo, y tal como señalan los autores del libro, "esperamos el siguiente con impaciencia". Ojalá que así sea.
De "(I Can't Get No) Satisfaction" a "Start Me Up", el grupo de Mick Jagger y Keith Richards ha compuesto un gran número de clásicos del rocanrol. Letras de amor, mujeres, excesos y violencia son parte del cancionero rollingo , uno que ahora viene narrado hasta el detalle en el libro "Rolling Stones. La historia detrás de sus 365 canciones".
Por Felipe Ramos
"(I Can't Get No) Satisfaction" (1965)
El 20 de agosto de 1965 quedó marcado en los oyentes ingleses como el día que por primera vez escucharon "(I Can't Get No) Satisfaction". Compuesta en parte mientras Keith Richards dormía -el famoso riff lo registró en una grabadora sin darse cuenta-, su letra está contra el sistema, la sociedad, los medios, la publicidad, además de constatar la frustración sexual. "Es así como Jagger se comporta como un cronista de su época al igual que Bob Dylan", dicen los autores de "Rolling Stones. La historia detrás de sus 365 canciones", Phillipe Margotin y Jean-Michel Guesdon. Según cuentan, la canción pasó de ser una composición country a su versión conocida gracias a la incorporación de un efecto de guitarra Fuzz-Tone. Además, se desconoce si Brian Jones participó de la grabación que tuvo lugar el 12 de mayo de 1965 en los estudios RCA de Hollywood, pues sufría de mala salud y ya resentía el protagonismo de Jagger y Richards.
"Paint it Black" (1966)
Aunque muchos asocian esta canción con la Guerra de Vietnam, resulta que una de las canciones más famosas de los Stones no tiene que ver con el conflicto del sudeste asiático, sino que su temática está en torno a la muerte. Es así como frases del tipo "veo una hilera de automóviles, todos pintados de negro" dan cuenta de un cortejo fúnebre. No obstante, sirvió como banda de sonido para el fin de una época llena de utopías surgidas de la contracultura. En cuanto a la melodía, fue compuesta por Richards, quien ha dicho que "le encontraba un aspecto 'Hawa Naguila', casi gitano". Con Jones en el sitar -influenciado por lo que habían hecho previamente los Beatles-, Bill Wyman en el órgano y bajo, y Charlie Watts tocando la batería con un patrón robado de una canción de Smokey Robinson, "Paint it Black" se volvió un éxito apenas salió en el disco "Aftermath".
"She's a Rainbow" (1967)
Guiños a Bartók y Mozart son parte de esta canción en la que los Stones se alejaron del blues de Muddy Waters y el rocanrol de Chuck Berry para entrarse en el Flower Power imperante en el Londres de Twiggy y Carnaby Street. Tal como señalan Margotin y Guesdon, esta canción parece una continuación lógica de "Lady Jane" o de "Ruby Tuesday". "Es una especie de cuento de hadas... La protagonista tiene unas características casi sobrenaturales. Aparece como un arcoíris o una reina de antaño, diseminando colores por los aires a su alrededor", dicen en el libro. Con Brian Jones en el mellotron , la ayuda de Nicky Hopkins en el piano y clavecín, y los arreglos de cuerda de John Paul Jones, quien meses después se uniría a Led Zeppelin, tanta dulzura termina con Keith Richards poniendo un acorde pesado y saturado al final de la canción, para recordarnos que el rock también existe en la vida.
"Sympathy for the Devil" (1968)
Los bolcheviques asesinando a la familia del Zar mientras Anastasia grita en vano; Jesucristo en sus momentos de duda; las invasiones de tanques nazis durante la Segunda Guerra Mundial; la década de 1960 y la muerte de Kennedy. En resumen, la victoria del mal por sobre el bien, del diablo por sobre Dios. Esa es la temática de "Simpatía por el demonio", canción escrita y compuesta en su totalidad por Mick Jagger, quien se inspiró en la novela "El maestro y la margarita", del escritor Mijaíl Boulgakov. La canción que abre el disco "Beggars Banquet" tiene un ritmo en clave de samba-rock, con una fuerte presencia de percusiones y en la que Richards toca todas las guitarras y el bajo, mientras que Brian Jones y Bill Wyman se limitaron a participar de los coros. En la letra original, Jagger solo hacía referencia a John F. Kennedy, pero el 6 de junio de aquel año, justo mientras la grababan, Robert Kennedy fue asesinado. Por eso Mick grabó la nueva frase "¿Quién ha matado a LOS Kennedy?".
"Gimme Shelter" (1969)
Si "Sympathy for the Devil" fue obra de Jagger, "Gimme Shelter" podría ser considerada la respuesta de Richards, quien la compuso mientras veía cómo un aguacero caía sobre Londres al mismo tiempo que su novia, Anita Pallenberg, grababa la cinta "Performance" con Mick Jagger, en una situación nada de cómoda para el guitarrista. "Una tormenta amenaza mi propia vida", dice la primera línea de la canción, algo que se podía extender a Vietnam, la represión tras la primavera de Praga y la masacre de Sharon Tate. Con una introducción envolvente "que demuestra que el rocanrol puede ser a la vez bello y peligroso", como dijese el ex guitarrista de The Smiths, Johnny Marr, la canción perteneciente a "Let it Bleed" cuenta con la participación de la cantante Merry Clayton, quien desde el minuto 2,46 lleva a "Gimme Shelter" al olimpo del rocanrol.
"Brown Sugar" (1971)
Mujeres de color y alusiones a la heroína mezcladas en 3 minutos y 48 segundos de pura intensidad rollinga. "Brown Sugar" es uno de los grandes temas de los Stones, el que fue completamente compuesto por Mick Jagger mientras se encontraba filmando la película "Ned Kelly" en Australia. Según Richards, "yo soy el maestro del riff , pero la única canción en la que no tuve nada que ver fue obra de Mick, 'Brown Sugar'". Escrita en nada menos que 45 minutos, Jagger ha dicho que "solo Dios sabe lo que he querido contar en esta canción. Es una especie de revoltijo de ideas". Punto aparte es el solo de saxo interpretado por Bobby Keys que resume por sí mismo la inmediatez del rocanrol.
"Wild Horses" (1971)
Al igual que "Brown Sugar", esta pieza en clave country es parte del disco "Sticky Fingers", el que con su carátula diseñada por Andy Warhol llevó el sonido de los Stones a fronteras sucias y garajeras. Compuesta por Keith Richards luego de permanecer varias semanas junto al músico norteamericano Gram Parsons, "Wild Flowers" nació como una canción para su hijo Marlon, de quien cada vez le costaba más separarse cada vez que salía de gira. En la interpretación, Richards toca una guitarra de 12 cuerdas afinada en Sol abierto y sin las dos cuerdas más altas, mientras que Mick Jagger logra una de sus interpretaciones mejor logradas del disco. "Me gusta esta canción", diría en 1995.
"Angie" (1973)
Tras terminar las grabaciones de "Exile On Main Street", la pareja formada por Keith Richards y Anita Pallenberg tuvo que dejar la Costa Azul para huir de la justicia francesa, que los buscaba por tráfico de drogas. Fue así como terminaron en Suiza, en donde Anita dio a luz a su hija Dandelion (Angela) en abril de 1972, mientras Keith era internado en una clínica de rehabilitación. Fue en ese lugar donde compuso la música de "Angie", a la que luego Mick daría una letra que puede ser acerca de todas las mujeres que deambulaban el universo de los Stones. "¿No es bueno estar vivos? Angie, no puedes decir que no lo intentamos", puede ser una referencia al intento de suicidio de Marianne Faithfull, pero también al descenso a los infiernos que vivió la pareja Richards-Pallenberg.
"Beast of Burden" (1978)
Un oasis despreocupado en un disco lleno de canciones energéticas. "Beast of Burden" es parte de quizás el último gran álbum de los Rolling Stones, "Some Girls", el que tiene partes disco, punk, country y rocanrol, pero que encuentra en esta canción original de Richards uno de sus puntos más altos con su tempo suedoreggae y un groove muy soul. Compuesta por Keith como una forma de agradecerle a Mick todos los años en que tuvo que hacerse cargo de la banda mientras él lidiaba con sus adicciones, la famosa introducción de la canción es gentileza de Jagger en la guitarra rítmica.
"Start Me Up" (1981)
Aunque apareció a comienzos de los 80, las primeras grabaciones de "Start Me Up" datan de 1975. Originalmente tenía un ritmo reggae , el que dio paso a la versión conocida por todos, la que, según el productor Chris Kimsey, Keith mandó a borrar, pues le sonaba repetida. "Yo, evidentemente, no lo hice, pero a él no le gustó nada y no estoy seguro de que le guste ahora", dice quien estuviera detrás de las grabaciones del disco "Tattoo You". Con un riff enorme, "Start Me Up" es el último gran éxito del grupo, y tal como señalan los autores del libro, "esperamos el siguiente con impaciencia". Ojalá que así sea.
El podcast, un flanco para las radios
El Mercurio
A los tradicionales programas de las emisoras sobre política, tendencias, negocios y tecnología se están sumando audios sobre temas tan diversos como mascotas, familia, ciencia, poesía, flora y fauna... Revisamos las aplicaciones que están permitiendo esta revolución.
Por Luis Goycoolea U.
Si usted no ha escuchado un podcast ya es hora que lo haga. Las plataformas de streaming de música como Spotify (www.spotify.com) cambiaron nuestra rutina y forma de escuchar música, ahora es el turno del podcast como herramienta que cambiará nuestra manera de consumir los tradicionales programas de radio. Y aunque en Chile no hay estadísticas al respecto, sí podemos ver que la tendencia en Estados Unidos apunta hacia allá. Según Edison Research, aproximadamente 57 millones de estadounidenses escuchan algún podcast con frecuencia.
El podcast es un audio que puede ser "bajado" al móvil o al computador. Suelen ser transmisiones habituales de radio, pero en el último tiempo, con el advenimiento de la cultura digital, han surgido podcast no tradicionales provenientes de diversas fuentes: diarios, revistas, empresas, instituciones, personas, ONG, juntas de vecinos, equipos deportivos...
¿Cómo escuchar un podcast ? Hay varias formas. Hoy las radios nacionales permiten descargar sus programas desde la página web. Radio Duna (www.duna.cl/podcasts) y Radio 13 (http://t13radio.cl/podcast) son buenos ejemplos. La otra alternativa es bajar una aplicación que reúne una amplia gama de podcasts .
Entre las más populares está Stitcher (www.stitcher.com), una app intuitiva y atractiva gráficamente. Al ingresar a su portada uno se enfrenta a una selección de podcast basados en los gustos de la persona cuando se inscribió (es gratis). Se puede optar a escuchar alguno de esos programas o seleccionar de las categorías existentes: noticias, cine, tecnología, negocios, tendencias, libros, educación, entretención, cultura, ciencia, familia, mascotas, medicina... La cantidad de temas es abismante.
Spreaker (www.spreaker.com) es otra app muy popular. Disponible en español e inglés. Funciona con "canales", que son episodios de diversos programas. Aquí también es posible elegir episodios por categorías, pero además Spreaker ofrece su propia selección de "lo más bajado", elección editorial y joyitas de programación como "el hombre en su cueva", "poesías", " podcast para mujeres", "marketing", "periodismo" y "últimas noticias", con programas noticiosos en español.
Con un estilo minimalista, Overcast (https://overcast.fm) es similar a los anteriores, pero combina lo mejor de cada uno. Tiene programas, episodios, categorías, zonas creadas especialmente por el equipo editorial y permite que terceros hagan recomendaciones de programas. En su portada aparecen los episodios guardados como favoritos, por lo que se accede rápidamente a lo que se quiere escuchar. Muy entretenido y fácil de usar. Solo en inglés.
Podbean (www.podbean.com) es una alternativa muy entretenida. Su selección de temas es amplio, cuenta con series, una sección premium , cultura -incluye un programa sobre "asesinos en serie"-, y además tiene un "top 100", con lo más escuchado, categorías, estaciones de radio y audiolibros. Es una app muy completa que vale la pena revisar.
A los tradicionales programas de las emisoras sobre política, tendencias, negocios y tecnología se están sumando audios sobre temas tan diversos como mascotas, familia, ciencia, poesía, flora y fauna... Revisamos las aplicaciones que están permitiendo esta revolución.
Por Luis Goycoolea U.
Si usted no ha escuchado un podcast ya es hora que lo haga. Las plataformas de streaming de música como Spotify (www.spotify.com) cambiaron nuestra rutina y forma de escuchar música, ahora es el turno del podcast como herramienta que cambiará nuestra manera de consumir los tradicionales programas de radio. Y aunque en Chile no hay estadísticas al respecto, sí podemos ver que la tendencia en Estados Unidos apunta hacia allá. Según Edison Research, aproximadamente 57 millones de estadounidenses escuchan algún podcast con frecuencia.
El podcast es un audio que puede ser "bajado" al móvil o al computador. Suelen ser transmisiones habituales de radio, pero en el último tiempo, con el advenimiento de la cultura digital, han surgido podcast no tradicionales provenientes de diversas fuentes: diarios, revistas, empresas, instituciones, personas, ONG, juntas de vecinos, equipos deportivos...
¿Cómo escuchar un podcast ? Hay varias formas. Hoy las radios nacionales permiten descargar sus programas desde la página web. Radio Duna (www.duna.cl/podcasts) y Radio 13 (http://t13radio.cl/podcast) son buenos ejemplos. La otra alternativa es bajar una aplicación que reúne una amplia gama de podcasts .
Entre las más populares está Stitcher (www.stitcher.com), una app intuitiva y atractiva gráficamente. Al ingresar a su portada uno se enfrenta a una selección de podcast basados en los gustos de la persona cuando se inscribió (es gratis). Se puede optar a escuchar alguno de esos programas o seleccionar de las categorías existentes: noticias, cine, tecnología, negocios, tendencias, libros, educación, entretención, cultura, ciencia, familia, mascotas, medicina... La cantidad de temas es abismante.
Spreaker (www.spreaker.com) es otra app muy popular. Disponible en español e inglés. Funciona con "canales", que son episodios de diversos programas. Aquí también es posible elegir episodios por categorías, pero además Spreaker ofrece su propia selección de "lo más bajado", elección editorial y joyitas de programación como "el hombre en su cueva", "poesías", " podcast para mujeres", "marketing", "periodismo" y "últimas noticias", con programas noticiosos en español.
Con un estilo minimalista, Overcast (https://overcast.fm) es similar a los anteriores, pero combina lo mejor de cada uno. Tiene programas, episodios, categorías, zonas creadas especialmente por el equipo editorial y permite que terceros hagan recomendaciones de programas. En su portada aparecen los episodios guardados como favoritos, por lo que se accede rápidamente a lo que se quiere escuchar. Muy entretenido y fácil de usar. Solo en inglés.
Podbean (www.podbean.com) es una alternativa muy entretenida. Su selección de temas es amplio, cuenta con series, una sección premium , cultura -incluye un programa sobre "asesinos en serie"-, y además tiene un "top 100", con lo más escuchado, categorías, estaciones de radio y audiolibros. Es una app muy completa que vale la pena revisar.
Crean diplomado para aprender payas
El Mercurio
Será gratuito
En abril se inicia la "Escuela Canto a lo Pueta", un proyecto que pretende enseñar la cultura de la paya y la poesía popular chilena. La iniciativa es impulsada por la organización Creadores Infantiles de Chile (CRIN) y tendrá profesores como la payadora Cecilia Astorga. Son 20 cupos y la inscripción es en contacto@percusionchile.cl, hasta el 10 de marzo.
Será gratuito
En abril se inicia la "Escuela Canto a lo Pueta", un proyecto que pretende enseñar la cultura de la paya y la poesía popular chilena. La iniciativa es impulsada por la organización Creadores Infantiles de Chile (CRIN) y tendrá profesores como la payadora Cecilia Astorga. Son 20 cupos y la inscripción es en contacto@percusionchile.cl, hasta el 10 de marzo.
Bus que transportaba al grupo Los Ramblers colisionó y terminó con una víctima fatal
Primerafuentenoticias
El bus que trasladaba al grupo Los Ramblers se vio involucrado en un accidente en el kilómetro 290 a la altura de Putagan de la ruta 5 sur. Por causas que se investigan el vehículo colisionó en la parte posterior a un camión que se encontraba en panne en la ruta.
Los Ramblers se trasladaban desde la ciudad de Parral donde tuvieron una presentación anoche. 9 personas resultaron lesionadas y fueron trasladadas hasta el hospital de Linares algunos en estado crítico por las heridas.
A raíz de este fatal accidente falleció en el lugar el vocalista del grupo Valentín Fernández, información que fue confirmada por el guitarrista del grupo, quien resultó ileso.
El director del conjunto, Jorge Rojas, está internado en estado grave.
 |
| Valentín Fernández |
viernes, febrero 23, 2018
Entradas al Festival de Viña del Mar han subido en promedio un 30% en la era Chilevisión
El Mercurio
Si en 2011 un ticket para Galería -el más barato- costaba $18.533, en esta edición del certamen una entrada para la misma ubicación asciende a $25 mil.
Aunque el Festival de Viña del Mar continuará siendo la fiesta que cierra el verano de los chilenos, este certamen se está volviendo cada vez más inaccesible para muchos de ellos. Si bien millones de personas disfrutan de las seis noches del evento a través de sus televisores -en Chile y el extranjero- solo 15 mil espectadores pueden asistir a la Quinta Vergara, los que año a año están pagando cada vez más para ser parte del show.
De hecho, desde 2011, el primer año en que Chilevisión organizó el Festival, a la fecha, en promedio los tickets para el evento han subido un 30% -sobre la base de los precios corregidos por inflación-, pasando, por ejemplo, de entradas a Palco que costaban $176.067 hace siete años, a valores sobre los $225 mil para esta edición.
Sin embargo, esta no es la mayor alza en el período comandado por el canal de Turner. Las entradas de Platea Golden fueron las que registraron una mayor variación, al elevar su valor un 51% en estas últimas siete ediciones, seguidas de cerca por el 49,1% registrado por las entradas de Platea General.
Si bien fuentes de la industria aseguran que el aumento de los precios puede deberse a una mayor inversión en las contrataciones para la parrilla festivalera, esta razón no sería suficiente para explicar cabalmente las importantes alzas interanuales. En concreto, las variaciones más importantes son las registradas entre las ediciones de 2017 y 2018 en Platea Golden, con un crecimiento de un 8%, y la de Platea Premium entre 2016 y 2017, que registró un incremento de un 8,2%; mientras que en solo una oportunidad, en las entradas para Galería en 2017 el valor cayó por ticket un 2,7%.
Si en 2011 un ticket para Galería -el más barato- costaba $18.533, en esta edición del certamen una entrada para la misma ubicación asciende a $25 mil.
Aunque el Festival de Viña del Mar continuará siendo la fiesta que cierra el verano de los chilenos, este certamen se está volviendo cada vez más inaccesible para muchos de ellos. Si bien millones de personas disfrutan de las seis noches del evento a través de sus televisores -en Chile y el extranjero- solo 15 mil espectadores pueden asistir a la Quinta Vergara, los que año a año están pagando cada vez más para ser parte del show.
De hecho, desde 2011, el primer año en que Chilevisión organizó el Festival, a la fecha, en promedio los tickets para el evento han subido un 30% -sobre la base de los precios corregidos por inflación-, pasando, por ejemplo, de entradas a Palco que costaban $176.067 hace siete años, a valores sobre los $225 mil para esta edición.
Sin embargo, esta no es la mayor alza en el período comandado por el canal de Turner. Las entradas de Platea Golden fueron las que registraron una mayor variación, al elevar su valor un 51% en estas últimas siete ediciones, seguidas de cerca por el 49,1% registrado por las entradas de Platea General.
Si bien fuentes de la industria aseguran que el aumento de los precios puede deberse a una mayor inversión en las contrataciones para la parrilla festivalera, esta razón no sería suficiente para explicar cabalmente las importantes alzas interanuales. En concreto, las variaciones más importantes son las registradas entre las ediciones de 2017 y 2018 en Platea Golden, con un crecimiento de un 8%, y la de Platea Premium entre 2016 y 2017, que registró un incremento de un 8,2%; mientras que en solo una oportunidad, en las entradas para Galería en 2017 el valor cayó por ticket un 2,7%.
Miguel Bosé superó sus problemas vocales en Santiago
El Mercurio
B. C.
Al mismo tiempo en que se iniciaba la tercera jornada del Festival de Viña, el diez veces visitante a la Quinta Vergara deleitaba anoche a su más leal fanaticada en la capital. A las 21.15 horas, Miguel Bosé subió al escenario del Movistar Arena con un vestuario calcado al de su presentación viñamarina: estricto negro, zapatillas y un profuso delineado en sus ojos.
El español comenzó su espectáculo con "Sereno", seguido de "Duende" y "Nena", en una réplica del que había dado dos noches antes en Viña del Mar. Fue una actuación que, salvo mínimas rotaciones, se mantuvo fiel a la que presentó en el Festival.
Junto con invitar a repasar su carrera de 40 años, Bosé planteó: "Viña fue increíble, pero ahora le toca a Santiago y aquí comienza la aventura".
En su voz ya no había signos de la ronquera -producto del resfrío de que fue objeto- que fue notoria en su presentación del martes último y que le produjo dificultades vocales en algunas interpretaciones.
La energía del intérprete español no decayó anoche en ningún momento. Solo hizo algunas pausas para recordar su relación con Chile o para pedir a los presentes que alzaran sus brazos en medio de un descargo a favor de la paz mundial.
B. C.
Al mismo tiempo en que se iniciaba la tercera jornada del Festival de Viña, el diez veces visitante a la Quinta Vergara deleitaba anoche a su más leal fanaticada en la capital. A las 21.15 horas, Miguel Bosé subió al escenario del Movistar Arena con un vestuario calcado al de su presentación viñamarina: estricto negro, zapatillas y un profuso delineado en sus ojos.
El español comenzó su espectáculo con "Sereno", seguido de "Duende" y "Nena", en una réplica del que había dado dos noches antes en Viña del Mar. Fue una actuación que, salvo mínimas rotaciones, se mantuvo fiel a la que presentó en el Festival.
Junto con invitar a repasar su carrera de 40 años, Bosé planteó: "Viña fue increíble, pero ahora le toca a Santiago y aquí comienza la aventura".
En su voz ya no había signos de la ronquera -producto del resfrío de que fue objeto- que fue notoria en su presentación del martes último y que le produjo dificultades vocales en algunas interpretaciones.
La energía del intérprete español no decayó anoche en ningún momento. Solo hizo algunas pausas para recordar su relación con Chile o para pedir a los presentes que alzaran sus brazos en medio de un descargo a favor de la paz mundial.
Marco Antonio Solís y Mon Laferte son los más exitosos de canal de YouTube con hitos del Festival
El Mercurio
La presentación del cantante mexicano en 2016 tiene el récord de ser el video más visto, mientras que el material más comentado es la actuación de la intérprete de "Amárrame" en 2017.
Por María Paz Contreras
Con 15 millones de visitas, la actuación de Marco Antonio Solís, del año 2016, es el video más visto del canal histórico del Festival en YouTube. Mientras, la presentación del año pasado de la cantante chilena Mon Laferte es el video más comentado de ese canal.
La plataforma, que es administrada por la Municipalidad de Viña del Mar y que nació en 2011, muestra las distintas etapas que ha tenido el certamen. Lo más antiguo que hay es de 1973 con el cantante español Julio Iglesias interpretando "Así nacemos" y los participantes de la competencia, entre ellos Charo Cofré y el francés Romuald con la canción "Laisse moi le temps", que luego dio origen a "Let me try again", que popularizó Frank Sinatra.
Este canal, al que se puede acceder por YouTube, Facebook y las páginas de la municipalidad y del Festival, se dedica principalmente a compilar la historia audiovisual del certamen y las cintas son de propiedad de la municipalidad. Respecto del material más antiguo, Christian Díaz, encargado de la plataforma, explica que esas cintas han tenido que traspasarlas al formato digital para poder subirlo. "Los videos de los años 80 y 70 son los más difíciles de llevar a este formato", admite.
Díaz comenta que el material estuvo sin usarse muchos años, guardado en una bodega. "Nadie tenía claridad en todo lo que había". Las señales organizadoras, por contrato deben entregarle al municipio las grabaciones de cada versión del Festival.
Incluso ya están disponibles los shows de este año de Miguel Bosé y Luis Fonsi, entre otros.
Botón dorado
Este proyecto hace unas semanas logró obtener un millón de suscriptores, por lo que recibió el botón dorado que entrega YouTube a sus más exitosos productores de contenido. "Es impresionante cómo la gente disfruta del Festival, creemos que nos siguen porque entregamos un producto de calidad", dice Díaz.
En la plataforma, que tiene alrededor de 8.500 videos, se pueden encontrar shows completos, rutinas de los comediantes y la selección de algunas canciones como la que hizo en 1997 Leonardo Favio de "Ella ya me olvidó".
"Hay muchos videos que se perdieron, sobre todo los más antiguos, porque no había ningún registro", añade Díaz.
Entre las particularidades del canal, que promedia al mes 22 millones de visitas, se pueden encontrar momentos históricos, como el mítico Festival de 1981, cuando en el cierre Julio Iglesias, al ser presentado junto a José Luis "Puma" Rodríguez, subió después al escenario, cuando estaban apareciendo los créditos.
El video más popular es el de 2016 de Marco Antonio Solís, quien tiene el primer lugar en las preferencias en YouTube. Le siguen la presentación de Romeo Santos en 2015, con 13 millones de visitas; la canción "Abrázame muy fuerte" de Juan Gabriel; Bryan Adams cuando interpretó "Have you ever really loved a woman" en 2007, y el show de Romeo Santos en 2013.
La presentación del cantante mexicano en 2016 tiene el récord de ser el video más visto, mientras que el material más comentado es la actuación de la intérprete de "Amárrame" en 2017.
Por María Paz Contreras
Con 15 millones de visitas, la actuación de Marco Antonio Solís, del año 2016, es el video más visto del canal histórico del Festival en YouTube. Mientras, la presentación del año pasado de la cantante chilena Mon Laferte es el video más comentado de ese canal.
La plataforma, que es administrada por la Municipalidad de Viña del Mar y que nació en 2011, muestra las distintas etapas que ha tenido el certamen. Lo más antiguo que hay es de 1973 con el cantante español Julio Iglesias interpretando "Así nacemos" y los participantes de la competencia, entre ellos Charo Cofré y el francés Romuald con la canción "Laisse moi le temps", que luego dio origen a "Let me try again", que popularizó Frank Sinatra.
Este canal, al que se puede acceder por YouTube, Facebook y las páginas de la municipalidad y del Festival, se dedica principalmente a compilar la historia audiovisual del certamen y las cintas son de propiedad de la municipalidad. Respecto del material más antiguo, Christian Díaz, encargado de la plataforma, explica que esas cintas han tenido que traspasarlas al formato digital para poder subirlo. "Los videos de los años 80 y 70 son los más difíciles de llevar a este formato", admite.
Díaz comenta que el material estuvo sin usarse muchos años, guardado en una bodega. "Nadie tenía claridad en todo lo que había". Las señales organizadoras, por contrato deben entregarle al municipio las grabaciones de cada versión del Festival.
Incluso ya están disponibles los shows de este año de Miguel Bosé y Luis Fonsi, entre otros.
Botón dorado
Este proyecto hace unas semanas logró obtener un millón de suscriptores, por lo que recibió el botón dorado que entrega YouTube a sus más exitosos productores de contenido. "Es impresionante cómo la gente disfruta del Festival, creemos que nos siguen porque entregamos un producto de calidad", dice Díaz.
En la plataforma, que tiene alrededor de 8.500 videos, se pueden encontrar shows completos, rutinas de los comediantes y la selección de algunas canciones como la que hizo en 1997 Leonardo Favio de "Ella ya me olvidó".
"Hay muchos videos que se perdieron, sobre todo los más antiguos, porque no había ningún registro", añade Díaz.
Entre las particularidades del canal, que promedia al mes 22 millones de visitas, se pueden encontrar momentos históricos, como el mítico Festival de 1981, cuando en el cierre Julio Iglesias, al ser presentado junto a José Luis "Puma" Rodríguez, subió después al escenario, cuando estaban apareciendo los créditos.
El video más popular es el de 2016 de Marco Antonio Solís, quien tiene el primer lugar en las preferencias en YouTube. Le siguen la presentación de Romeo Santos en 2015, con 13 millones de visitas; la canción "Abrázame muy fuerte" de Juan Gabriel; Bryan Adams cuando interpretó "Have you ever really loved a woman" en 2007, y el show de Romeo Santos en 2013.
Carlos Vives cantará con Wisin y Sebastián Yatra
El Mercurio
Por Raimundo Flores
Un show especial será el que presentará mañana Carlos Vives en el Festival. Según confirmó la organización del certamen, su actuación contará con la presencia como invitados de dos cantantes urbanos: el portorriqueño Wisin y el colombiano Sebastián Yatra. Ambos artistas han colaborado recientemente con el intérprete de "Pa' Mayté" en éxitos que han tenido amplia difusión en las radios y suman millones de reproducciones en las plataformas de streaming .
En el caso de Wisin, ha participado con Vives en el remix de "Al filo de tu amor" y en "Nota de amor", donde también canta Daddy Yankee. Será la cuarta vez del reggaetonero en la Quinta Vergara, quien se presentó junto a Yandel en 2008 y 2013, y en solitario en 2016.
En tanto, Sebastián Yatra fue una de las revelaciones de la música urbana del año pasado, y junto a Vives grabó "Robarte un beso". El joven cantante había sonado como uno de los artistas que podrían llegar a esta versión del Festival, después de que él mismo admitiera estar en negociaciones con la organización del certamen.
Los dos invitados son fiel reflejo de la línea que ha tomado la música de Vives en el último tiempo, mezclando los ritmos tradicionales colombianos, que lo caracterizan, con la música urbana.
Por Raimundo Flores
Un show especial será el que presentará mañana Carlos Vives en el Festival. Según confirmó la organización del certamen, su actuación contará con la presencia como invitados de dos cantantes urbanos: el portorriqueño Wisin y el colombiano Sebastián Yatra. Ambos artistas han colaborado recientemente con el intérprete de "Pa' Mayté" en éxitos que han tenido amplia difusión en las radios y suman millones de reproducciones en las plataformas de streaming .
En el caso de Wisin, ha participado con Vives en el remix de "Al filo de tu amor" y en "Nota de amor", donde también canta Daddy Yankee. Será la cuarta vez del reggaetonero en la Quinta Vergara, quien se presentó junto a Yandel en 2008 y 2013, y en solitario en 2016.
En tanto, Sebastián Yatra fue una de las revelaciones de la música urbana del año pasado, y junto a Vives grabó "Robarte un beso". El joven cantante había sonado como uno de los artistas que podrían llegar a esta versión del Festival, después de que él mismo admitiera estar en negociaciones con la organización del certamen.
Los dos invitados son fiel reflejo de la línea que ha tomado la música de Vives en el último tiempo, mezclando los ritmos tradicionales colombianos, que lo caracterizan, con la música urbana.
Ha*Ash: "Nos preparamos para tener una noche inolvidable"
El Mercurio
Hanna, la rubia del dúo, contó cómo ha logrado sobrellevar una exitosa carrera de 15 años junto a su hermana Ashley, y también de su papel en el jurado de la competencia del Festival.
Por José Vásquez
Más que un desafío, prefiere verlo como una oportunidad. Hanna, la mitad del dúo Ha*Ash, que completa su hermana Ashley, está consciente de que su música todavía no es conocida masivamente en Chile, pese a su gran popularidad en redes sociales. Por eso su próximo debut en el Festival de Viña del Mar lo enfrenta con la intención de revertir este panorama.
"Es un lugar al que siempre hemos soñado con llegar, un certamen icónico en Latinoamérica, así que será un gran momento para que más gente tenga la posibilidad de conocer nuestra música", dice la artista a "El Mercurio". Agrega entusiasmada: "Nos preparamos para tener una noche inolvidable en Viña".
El dúo llega al Festival como parte del jurado del certamen, un trabajo en el que ya ha tenido, junto a su hermana, experiencias previas en la televisión mexicana. "Fuimos juezas en algunos programas, pero esto será distinto, ya que será nuestra primera vez en la Quinta Vergara y llegamos con muchas expectativas".
Ha*Ash se ha encontrado durante toda esta semana compartiendo labores con Prince Royce como colega evaluador, con quien, además, grabaron "100 años", el primer sencillo de "30 de febrero", el álbum que lanzaron a comienzos de diciembre pasado. Una reunión que ahora debería continuar y repetirse arriba del escenario cuando el sábado llegue el momento de interpretar el tema con el que se acercaron por primera vez a los ritmos urbanos en una carrera marcada por la balada pop.
Hanna y Ashley nacieron en Estados Unidos en el estado de Luisiana, un lugar que todavía sigue siendo una gran influencia musical para ellas. "Y no solo en los instrumentos orgánicos, sino que también en la parte lírica. Nosotras crecimos escuchando música góspel, lo que fue una gran escuela y una gran base para nuestra interpretación vocal".
Tras quince años de carrera juntas, la cantante dice han sentido "curiosidad" por hacer cosas separadas, aunque al final siempre han optado por seguir trabajando en pareja. "Aprendimos a encontrar un punto medio, sabemos el lado fuerte de cada una y lo apoyamos y reforzamos. Para nosotras ha sido una ventaja ser hermanas, agradezco que puedo tener a mi familia viajando conmigo para celebrar nuestros logros y cumplir nuestros sueños de conocer el mundo juntas".
Con Prince Royce
El dúo comparte labores en el jurado con Prince Royce, con quien grabaron su último éxito, "100 años" y que interpretarían mañana en la Quinta.
Hanna, la rubia del dúo, contó cómo ha logrado sobrellevar una exitosa carrera de 15 años junto a su hermana Ashley, y también de su papel en el jurado de la competencia del Festival.
Por José Vásquez
Más que un desafío, prefiere verlo como una oportunidad. Hanna, la mitad del dúo Ha*Ash, que completa su hermana Ashley, está consciente de que su música todavía no es conocida masivamente en Chile, pese a su gran popularidad en redes sociales. Por eso su próximo debut en el Festival de Viña del Mar lo enfrenta con la intención de revertir este panorama.
"Es un lugar al que siempre hemos soñado con llegar, un certamen icónico en Latinoamérica, así que será un gran momento para que más gente tenga la posibilidad de conocer nuestra música", dice la artista a "El Mercurio". Agrega entusiasmada: "Nos preparamos para tener una noche inolvidable en Viña".
El dúo llega al Festival como parte del jurado del certamen, un trabajo en el que ya ha tenido, junto a su hermana, experiencias previas en la televisión mexicana. "Fuimos juezas en algunos programas, pero esto será distinto, ya que será nuestra primera vez en la Quinta Vergara y llegamos con muchas expectativas".
Ha*Ash se ha encontrado durante toda esta semana compartiendo labores con Prince Royce como colega evaluador, con quien, además, grabaron "100 años", el primer sencillo de "30 de febrero", el álbum que lanzaron a comienzos de diciembre pasado. Una reunión que ahora debería continuar y repetirse arriba del escenario cuando el sábado llegue el momento de interpretar el tema con el que se acercaron por primera vez a los ritmos urbanos en una carrera marcada por la balada pop.
Hanna y Ashley nacieron en Estados Unidos en el estado de Luisiana, un lugar que todavía sigue siendo una gran influencia musical para ellas. "Y no solo en los instrumentos orgánicos, sino que también en la parte lírica. Nosotras crecimos escuchando música góspel, lo que fue una gran escuela y una gran base para nuestra interpretación vocal".
Tras quince años de carrera juntas, la cantante dice han sentido "curiosidad" por hacer cosas separadas, aunque al final siempre han optado por seguir trabajando en pareja. "Aprendimos a encontrar un punto medio, sabemos el lado fuerte de cada una y lo apoyamos y reforzamos. Para nosotras ha sido una ventaja ser hermanas, agradezco que puedo tener a mi familia viajando conmigo para celebrar nuestros logros y cumplir nuestros sueños de conocer el mundo juntas".
Con Prince Royce
El dúo comparte labores en el jurado con Prince Royce, con quien grabaron su último éxito, "100 años" y que interpretarían mañana en la Quinta.
Jamiroquai transformó la Quinta en una discoteca
El Mercurio
Jay Kay, el líder de la banda, actuó provisto de un sombrero de luces, en el estilo que ha popularizado en sus shows y que él mismo activa con un control remoto durante el espectáculo. Se llevó gaviotas de Oro y Plata.
Equipo de Espectáculos
Jamiroquai y Europe cerraban anoche un ciclo importante para CHV. El canal que este año termina su segunda licitación del evento viñamarino debutó tímidamente en 2011 con la denominada noche anglo y consiguió mantenerla durante estos ocho años de concesión. Sting (2011), Morrisey (2012), Rod Stewart (2014), Cat Stevens (2015) y Olivia Newton-John (2017), entre otros, son algunos de los nombres que han marcado estas jornadas que se han convertido en las más complicadas de estructurar para la organización.
Apostando al presente antes de mirar por el retrovisor, Jay Kay apareció en el escenario a las 22:18 horas moviéndose con el pulso de "Shake it on", un funk rock de pista de baile sacado de "Automaton", el álbum que lanzó en marzo pasado, separando de inmediato aguas con todo lo que había ocurrido hasta ahora, en un espectáculo sobre todo diverso.
La noche anglo comenzó arriba con un artista que este año después de Viña del Mar actuará en Coachella, el festival más popular de Estados Unidos, en abril próximo. Tras la débil jornada que el año pasado tuvo al tándem de Peter Cetera con Olivia Newton-John, la potencia sonora de Jamiroquai ecualizó el mejor sonido de esta edición en la Quinta Vergara, una banda que funciona de memoria mientras extiende su interpretación de "Little L" porque Jay Kay desapareció del escenario, sin parar un segundo la fiesta.
El británico volvió a tomar el micrófono y encendió las luces de su sombrero más espacial siguiendo con la revisión de su tecnológico último trabajo, con "Superfresh". Y de ahí en adelante, abrió la puerta a los hits.
Así pasaron "Space cowboy", "Alright" y una galopante "Cosmic girl" con el cantante bailando dueño del escenario. Le siguieron "Travelling without moving", "Canned heat" y "Love foolosophy", cuando llegaron los premios y el siempre incómodo momento de la entrega a los artistas anglo: Jamiroquai se llevó Gaviotas de Plata y Oro antes de despedirse con con una poderosa "Deeper underground" que literalmente movió el piso, tras una hora y 45 minutos.
Hasta ahora, la banda liderada por el músico británico ha sido la que más complicaciones le ha traído al evento. Primero, porque el miércoles canceló la conferencia de prensa que tenía agendada durante la tarde y que tampoco quisieron realizar ayer. Además, desechó cualquier contacto con los programas satélites del Festival. Anoche en redes sociales hubo reclamos por la emisión y algunos televidentes hicieron notar su molestia por la cantidad de imágenes del público que tuvo Chilevisión: la mayoría apuntó al director Álex Hernández. Desde la producción indican que simplemente se debió a un estilo decidido en la transmisión.
El inicio de la noche fue algo eufórico. Un par de minutos antes de las 22:00 horas, los animadores, Carolina de Moras y Rafael Araneda, llegaron al escenario para presentar la programación de la noche: "Tomen aire, respiren, que hoy tenemos fiesta", dijo el presentador.
Un exitoso regreso
Tras el show de los británicos, a las 00:25 horas fue el turno del comediante Stefan Kramer, quien no se presentaba en ese escenario desde 2008. Un video previo lo había mostrado junto con su caracterización del Presidente electo Sebastián Piñera que lo llevaba en un helicóptero a la Quinta Vergara.
El tenista Marcelo Ríos, el empresario Leonardo Farkas, la ex candidata presidencial Beatriz Sánchez, además de los animadores Don Francisco y Sergio Lagos fueron parte de las 35 imitaciones que hizo en los primeros 40 minutos de su presentación y que arrancaron las carcajadas del público, obteniendo -hasta el cierre de esta edición- un peak de 46 puntos, de rating a las 00:37 y a las 00:42 horas.
Fue una rutina extraída de su espectáculo "Super papá", pero adaptado a Viña. "Incluyendo contingencia y cosas que la gente puede esperar. Es una historia que tiene que ver con mi internalización, con el nacimiento de mi cuarto hijo, con el equilibrio familia-trabajo. Es un espectáculo que dura, de principio a fin, unos 45 minutos y mis bis", había dicho el comediante.
El cierre de la jornada estaba a cargo de los suecos Europe.
Competencia
Entre las 21:45 y las 01:00 horas CHV promedió 28,7 con un peak de 46. Le siguieron Mega con 12,7 puntos; Canal 13, 6,5 y TVN 3,1 puntos. Entre las 23:07 y las 23:34 la teleserie "Perdona nuestros pecados" (21,1) se acercó al Festival (24,4) y, durante un minuto, se mantuvo arriba en la sintonía, con un peak de 25.
Jay Kay, el líder de la banda, actuó provisto de un sombrero de luces, en el estilo que ha popularizado en sus shows y que él mismo activa con un control remoto durante el espectáculo. Se llevó gaviotas de Oro y Plata.
Equipo de Espectáculos
Jamiroquai y Europe cerraban anoche un ciclo importante para CHV. El canal que este año termina su segunda licitación del evento viñamarino debutó tímidamente en 2011 con la denominada noche anglo y consiguió mantenerla durante estos ocho años de concesión. Sting (2011), Morrisey (2012), Rod Stewart (2014), Cat Stevens (2015) y Olivia Newton-John (2017), entre otros, son algunos de los nombres que han marcado estas jornadas que se han convertido en las más complicadas de estructurar para la organización.
Apostando al presente antes de mirar por el retrovisor, Jay Kay apareció en el escenario a las 22:18 horas moviéndose con el pulso de "Shake it on", un funk rock de pista de baile sacado de "Automaton", el álbum que lanzó en marzo pasado, separando de inmediato aguas con todo lo que había ocurrido hasta ahora, en un espectáculo sobre todo diverso.
La noche anglo comenzó arriba con un artista que este año después de Viña del Mar actuará en Coachella, el festival más popular de Estados Unidos, en abril próximo. Tras la débil jornada que el año pasado tuvo al tándem de Peter Cetera con Olivia Newton-John, la potencia sonora de Jamiroquai ecualizó el mejor sonido de esta edición en la Quinta Vergara, una banda que funciona de memoria mientras extiende su interpretación de "Little L" porque Jay Kay desapareció del escenario, sin parar un segundo la fiesta.
El británico volvió a tomar el micrófono y encendió las luces de su sombrero más espacial siguiendo con la revisión de su tecnológico último trabajo, con "Superfresh". Y de ahí en adelante, abrió la puerta a los hits.
Así pasaron "Space cowboy", "Alright" y una galopante "Cosmic girl" con el cantante bailando dueño del escenario. Le siguieron "Travelling without moving", "Canned heat" y "Love foolosophy", cuando llegaron los premios y el siempre incómodo momento de la entrega a los artistas anglo: Jamiroquai se llevó Gaviotas de Plata y Oro antes de despedirse con con una poderosa "Deeper underground" que literalmente movió el piso, tras una hora y 45 minutos.
Hasta ahora, la banda liderada por el músico británico ha sido la que más complicaciones le ha traído al evento. Primero, porque el miércoles canceló la conferencia de prensa que tenía agendada durante la tarde y que tampoco quisieron realizar ayer. Además, desechó cualquier contacto con los programas satélites del Festival. Anoche en redes sociales hubo reclamos por la emisión y algunos televidentes hicieron notar su molestia por la cantidad de imágenes del público que tuvo Chilevisión: la mayoría apuntó al director Álex Hernández. Desde la producción indican que simplemente se debió a un estilo decidido en la transmisión.
El inicio de la noche fue algo eufórico. Un par de minutos antes de las 22:00 horas, los animadores, Carolina de Moras y Rafael Araneda, llegaron al escenario para presentar la programación de la noche: "Tomen aire, respiren, que hoy tenemos fiesta", dijo el presentador.
Un exitoso regreso
Tras el show de los británicos, a las 00:25 horas fue el turno del comediante Stefan Kramer, quien no se presentaba en ese escenario desde 2008. Un video previo lo había mostrado junto con su caracterización del Presidente electo Sebastián Piñera que lo llevaba en un helicóptero a la Quinta Vergara.
El tenista Marcelo Ríos, el empresario Leonardo Farkas, la ex candidata presidencial Beatriz Sánchez, además de los animadores Don Francisco y Sergio Lagos fueron parte de las 35 imitaciones que hizo en los primeros 40 minutos de su presentación y que arrancaron las carcajadas del público, obteniendo -hasta el cierre de esta edición- un peak de 46 puntos, de rating a las 00:37 y a las 00:42 horas.
Fue una rutina extraída de su espectáculo "Super papá", pero adaptado a Viña. "Incluyendo contingencia y cosas que la gente puede esperar. Es una historia que tiene que ver con mi internalización, con el nacimiento de mi cuarto hijo, con el equilibrio familia-trabajo. Es un espectáculo que dura, de principio a fin, unos 45 minutos y mis bis", había dicho el comediante.
El cierre de la jornada estaba a cargo de los suecos Europe.
Competencia
Entre las 21:45 y las 01:00 horas CHV promedió 28,7 con un peak de 46. Le siguieron Mega con 12,7 puntos; Canal 13, 6,5 y TVN 3,1 puntos. Entre las 23:07 y las 23:34 la teleserie "Perdona nuestros pecados" (21,1) se acercó al Festival (24,4) y, durante un minuto, se mantuvo arriba en la sintonía, con un peak de 25.
Colaboraciones virtuales cobran protagonismo en las noches de Viña
El Mercurio
Enrique Iglesias, Jennifer Lopez, Pitbull, Wisin y Demi Lovato. Ninguno de estos nombres está en la parrilla de Viña 2018, pero todos pasaron ayer por la Quinta Vergara. Y es que el fenómeno de las colaboraciones entre artistas también ha significado un desafío en la puesta en escena de cada show, teniendo que valerse muchas veces de colaboraciones virtuales, a través de la proyección de videos en las pantallas gigantes o la reproducción de las pistas de audio con la voz de los ausentes.
Tanto el show de Luis Fonsi como el de Gente de Zona, la noche del miércoles pasado, se sumaron a la tendencia. que tiene evidentes ventajas y desventajas.
Si bien el truco permite la "presencia" de una lista de invitados de lujo e imposible de concretar presencialmente, también resta mérito a la puesta en escena y el desempeño en vivo de quienes están sobre el escenario, sobre todo en el caso de artistas que han forjado su carrera como invitados de artistas que están en la primera línea de la música popular.
"Yo tenía el mismo punto de vista, la duda de si la gente iba a pensar que el show se debilitaría, pero la gente lo pasó increíble. En el mundo ideal, ojalá los invitados estuvieran, pero funciona de todas maneras", opina Álex Hernández, director del Festival, sobre el show de Gente de Zona.
En las noches restantes de Festival, el fenómeno debería repetirse al menos un par de veces más. Por ejemplo, el último gran éxito de Prince Royce, quien se presenta hoy, es "Deja Vu", una canción en la que colabora con Shakira, a quien ha proyectado a través de videos en presentaciones de su última gira. También está por verse cómo suplirá Carlos Vives la ausencia de la colombiana en su éxito conjunto, "La bicicleta". Al menos en el Festival de Talca del año pasado, Vives se apoyó en sus coristas para sacar adelante la canción.
Para la última noche, el dúo portorriqueño Zion & Lennox, que será el encargado de cerrar el Festival, también se adelantó que ocuparán proyecciones para sus canciones con invitados, como por ejemplo "Otra Vez", junto al colombiano J Balvin.
Enrique Iglesias, Jennifer Lopez, Pitbull, Wisin y Demi Lovato. Ninguno de estos nombres está en la parrilla de Viña 2018, pero todos pasaron ayer por la Quinta Vergara. Y es que el fenómeno de las colaboraciones entre artistas también ha significado un desafío en la puesta en escena de cada show, teniendo que valerse muchas veces de colaboraciones virtuales, a través de la proyección de videos en las pantallas gigantes o la reproducción de las pistas de audio con la voz de los ausentes.
Tanto el show de Luis Fonsi como el de Gente de Zona, la noche del miércoles pasado, se sumaron a la tendencia. que tiene evidentes ventajas y desventajas.
Si bien el truco permite la "presencia" de una lista de invitados de lujo e imposible de concretar presencialmente, también resta mérito a la puesta en escena y el desempeño en vivo de quienes están sobre el escenario, sobre todo en el caso de artistas que han forjado su carrera como invitados de artistas que están en la primera línea de la música popular.
"Yo tenía el mismo punto de vista, la duda de si la gente iba a pensar que el show se debilitaría, pero la gente lo pasó increíble. En el mundo ideal, ojalá los invitados estuvieran, pero funciona de todas maneras", opina Álex Hernández, director del Festival, sobre el show de Gente de Zona.
En las noches restantes de Festival, el fenómeno debería repetirse al menos un par de veces más. Por ejemplo, el último gran éxito de Prince Royce, quien se presenta hoy, es "Deja Vu", una canción en la que colabora con Shakira, a quien ha proyectado a través de videos en presentaciones de su última gira. También está por verse cómo suplirá Carlos Vives la ausencia de la colombiana en su éxito conjunto, "La bicicleta". Al menos en el Festival de Talca del año pasado, Vives se apoyó en sus coristas para sacar adelante la canción.
Para la última noche, el dúo portorriqueño Zion & Lennox, que será el encargado de cerrar el Festival, también se adelantó que ocuparán proyecciones para sus canciones con invitados, como por ejemplo "Otra Vez", junto al colombiano J Balvin.
Hijo de Nicanor Parra se suma a la recuperación del legado de su padre
El Mercurio
En un mensaje en Facebook, Juan de Dios "Barraco" Parra Tuca dice que está de acuerdo con todo lo realizado por su familia.
En una nueva arista de los hechos ocurridos antes de la muerte de Nicanor Parra, el 23 de enero pasado, ayer el hijo menor del poeta, Juan de Dios Parra Tuca, el Barraco, emitió una declaración pública en la que señala su acuerdo con las acciones que ha tomado su familia.
Parra Tuca estaba fuera de Chile cuando su hermana Colombina y su sobrino Cristóbal Ugarte Parra iniciaron el proyecto de inventario junto con la Universidad Católica. Fue ahí cuando se denunció que papeles, bandejas y otros documentos y objetos de Parra habían sido sustraídos. Rápidamente, el nombre de Juan de Dios Parra surgió como el de quien había vendido algunas de estas cosas a sus conocidos.
Ya de regreso en el país, el aludido señala en su mensaje en Facebook que está en Chile "y vengo a recuperar los cuadernos de mi padre. Estoy de acuerdo en todo lo que se ha hecho y todo lo que queda por hacer. Me integro al equipo y mi fin es preservar el legado que le pertenece a Chile y al mundo".
Juan de Dios Parra agrega en este mensaje que es "importante decir que la única declaración que yo he dado es la que escribí acá en fb. Cualquier cosa que haya salido en los medios es falso". De esta manera desmiente lo que circuló como una declaración pública de él.
En un mensaje en Facebook, Juan de Dios "Barraco" Parra Tuca dice que está de acuerdo con todo lo realizado por su familia.
En una nueva arista de los hechos ocurridos antes de la muerte de Nicanor Parra, el 23 de enero pasado, ayer el hijo menor del poeta, Juan de Dios Parra Tuca, el Barraco, emitió una declaración pública en la que señala su acuerdo con las acciones que ha tomado su familia.
Parra Tuca estaba fuera de Chile cuando su hermana Colombina y su sobrino Cristóbal Ugarte Parra iniciaron el proyecto de inventario junto con la Universidad Católica. Fue ahí cuando se denunció que papeles, bandejas y otros documentos y objetos de Parra habían sido sustraídos. Rápidamente, el nombre de Juan de Dios Parra surgió como el de quien había vendido algunas de estas cosas a sus conocidos.
Ya de regreso en el país, el aludido señala en su mensaje en Facebook que está en Chile "y vengo a recuperar los cuadernos de mi padre. Estoy de acuerdo en todo lo que se ha hecho y todo lo que queda por hacer. Me integro al equipo y mi fin es preservar el legado que le pertenece a Chile y al mundo".
Juan de Dios Parra agrega en este mensaje que es "importante decir que la única declaración que yo he dado es la que escribí acá en fb. Cualquier cosa que haya salido en los medios es falso". De esta manera desmiente lo que circuló como una declaración pública de él.
Teatro Regional del Biobío tendrá un mes de inauguración
El Mercurio
El esperado inicio de las actividades en el escenario de Concepción, que considera una sala principal para 1.200 personas y una sala secundaria para 250 más, captará el pulso de las escenas artísticas locales, además de presentar convenios con espacios creativos de Santiago. "Iremos de menos a más", dicen en el teatro.
Por IÑIGO DÍAZ
La metáfora propuesta por el arquitecto Smiljan Radic para el Teatro Regional del Biobío plantea el edificio como el "esqueleto de un teatro embalado". En su interior se simulan las bambalinas, "como si fuera la parte trasera de una escenografía", ha dicho el autor del gran edificio emplazado en el borde oriental del río Biobío, justo entre los puentes Llacolén y Chacabuco.
El proyecto contó con fondos por más de $19.000 millones. Con las obras ya cien por ciento finalizadas, el teatro se alista para una inminente inauguración, considerando que las autoridades pretenden que esté en funciones antes del cambio de mando presidencial del 11 de marzo.
"Todavía estamos guardando el secreto de la fecha exacta, pero podemos confirmar que no será un día de inauguración, sino un marzo completo de actividades inaugurales", adelanta Francisca Peró, directora ejecutiva del teatro, respecto de las programaciones en sus dos salas.
La principal de ellas cuenta con 1.188 butacas además de 12 espacios para sillas de ruedas, mientras que la sala de cámara, una caja negra sin escenario, tiene 250 aposentadurías retráctiles, lo que le da mayor versatilidad. Ese espacio está reservado completamente para obras de teatro y danza, conciertos y otros montajes de los artistas regionales, como los que comenzarán a fines de marzo.
"Los montajes locales se van a ir sumando de manera escalonada a las actividades en la sala principal. Vamos a ir de menos a más en este inicio del año", asegura Peró.
Se trata de las obras de teatro "El pájaro de Chile" (22 de marzo al 7 de abril), dirigida por Leyla Selman; "Hortensia" (12 al 28 de abril), de la dramaturga y directora Ingrid Fierro, y el montaje de danza "Volver" (28 y 29 de abril), de la coreógrafa penquista Paola Aste y la compañía Calaukalis.
La sala principal, en cambio, abre las opciones de espectáculos mayores, y sobre todo el intercambio que existirá con espacios de la capital: GAM, Matucana 100 y el Municipal de Santiago. Un ejemplo de ello es la función del 15 de junio, proveniente del coliseo de Agustinas, del ballet "Don Quijote".
Además, ya están confirmadas la obra "Paloma ausente", de la compañía La Patogallina para marzo; la entrega de los Premios Ceres, dedicados a las artes creativas de la región; la visita de la pianista clásica japonesa Yuko Sano y el concierto de Manuel García, todos en abril. También se anunció la realización de los festivales BiobioCine, Chilemonos Internacional y de Teatro del Biobío, el segundo semestre.
Edificio controversial
Con 10.000 m {+2} construidos, una altura similar a la de un edificio de seis pisos y una extensión equivalente al frontis del Palacio de La Moneda, el recinto cuenta con una instalación lumínica de Iván Navarro titulada "Es telar", formada por más de 100 luces de neón lineales instaladas como una red en distintas direcciones.
Este tejido electrificado dota al edificio de una imponente presencia de noche, sin embargo muchas opiniones del público penquista han considerado que pierde valor cuando es de día. En Twitter las opiniones disonantes siguen vigentes. Una persona comparó el edificio con "una resma de papel de oficio a punto de desmoronarse".
"Este es un edificio que remueve y no te deja indiferente y genera opinión, porque no tiene una forma clásica: ¿me gusta?, ¿no me gusta?, ¿por dónde se entra? A mí me parece interesante que exista un debate más allá del gusto, tal como ocurre con las artes escénicas", dice Francisca Peró.
El esperado inicio de las actividades en el escenario de Concepción, que considera una sala principal para 1.200 personas y una sala secundaria para 250 más, captará el pulso de las escenas artísticas locales, además de presentar convenios con espacios creativos de Santiago. "Iremos de menos a más", dicen en el teatro.
Por IÑIGO DÍAZ
La metáfora propuesta por el arquitecto Smiljan Radic para el Teatro Regional del Biobío plantea el edificio como el "esqueleto de un teatro embalado". En su interior se simulan las bambalinas, "como si fuera la parte trasera de una escenografía", ha dicho el autor del gran edificio emplazado en el borde oriental del río Biobío, justo entre los puentes Llacolén y Chacabuco.
El proyecto contó con fondos por más de $19.000 millones. Con las obras ya cien por ciento finalizadas, el teatro se alista para una inminente inauguración, considerando que las autoridades pretenden que esté en funciones antes del cambio de mando presidencial del 11 de marzo.
"Todavía estamos guardando el secreto de la fecha exacta, pero podemos confirmar que no será un día de inauguración, sino un marzo completo de actividades inaugurales", adelanta Francisca Peró, directora ejecutiva del teatro, respecto de las programaciones en sus dos salas.
La principal de ellas cuenta con 1.188 butacas además de 12 espacios para sillas de ruedas, mientras que la sala de cámara, una caja negra sin escenario, tiene 250 aposentadurías retráctiles, lo que le da mayor versatilidad. Ese espacio está reservado completamente para obras de teatro y danza, conciertos y otros montajes de los artistas regionales, como los que comenzarán a fines de marzo.
"Los montajes locales se van a ir sumando de manera escalonada a las actividades en la sala principal. Vamos a ir de menos a más en este inicio del año", asegura Peró.
Se trata de las obras de teatro "El pájaro de Chile" (22 de marzo al 7 de abril), dirigida por Leyla Selman; "Hortensia" (12 al 28 de abril), de la dramaturga y directora Ingrid Fierro, y el montaje de danza "Volver" (28 y 29 de abril), de la coreógrafa penquista Paola Aste y la compañía Calaukalis.
La sala principal, en cambio, abre las opciones de espectáculos mayores, y sobre todo el intercambio que existirá con espacios de la capital: GAM, Matucana 100 y el Municipal de Santiago. Un ejemplo de ello es la función del 15 de junio, proveniente del coliseo de Agustinas, del ballet "Don Quijote".
Además, ya están confirmadas la obra "Paloma ausente", de la compañía La Patogallina para marzo; la entrega de los Premios Ceres, dedicados a las artes creativas de la región; la visita de la pianista clásica japonesa Yuko Sano y el concierto de Manuel García, todos en abril. También se anunció la realización de los festivales BiobioCine, Chilemonos Internacional y de Teatro del Biobío, el segundo semestre.
Edificio controversial
Con 10.000 m {+2} construidos, una altura similar a la de un edificio de seis pisos y una extensión equivalente al frontis del Palacio de La Moneda, el recinto cuenta con una instalación lumínica de Iván Navarro titulada "Es telar", formada por más de 100 luces de neón lineales instaladas como una red en distintas direcciones.
Este tejido electrificado dota al edificio de una imponente presencia de noche, sin embargo muchas opiniones del público penquista han considerado que pierde valor cuando es de día. En Twitter las opiniones disonantes siguen vigentes. Una persona comparó el edificio con "una resma de papel de oficio a punto de desmoronarse".
"Este es un edificio que remueve y no te deja indiferente y genera opinión, porque no tiene una forma clásica: ¿me gusta?, ¿no me gusta?, ¿por dónde se entra? A mí me parece interesante que exista un debate más allá del gusto, tal como ocurre con las artes escénicas", dice Francisca Peró.
Retailers buscan potenciar ventas en sus plataformas electrónicas
El Mercurio
Industria estaría inquieta por eventual llegada de Amazon al país.
Por Isidora Barberis A.
Pese a que los grandes retailers del país - Paris, Ripley y Falabella- actualmente venden más mercadería a través de sus tiendas físicas, estos estarían reorientando sus esfuerzos para potenciar las ventas de vestuario y calzado en sus plataformas online . Eso, pues ambas categorías de productos tienen un alto potencial de crecimiento, lo que generaría mayores retornos a las firmas y mejoraría los márgenes, según afirman fuentes conocedoras de la industria.
"Las multitiendas del país están buscando potenciar las ventas de vestuario y calzado en sus negocios online . Para esto, están desplegando varios esfuerzos, como mejorar las campañas publicitarias que incentivan el consumo de estos productos, realizar promociones exclusivas para compras a través de sus respectivas páginas web e introducir nuevas marcas que solo estén disponibles en los canales online ", detallan las fuentes.
Además de potenciar las ventas de las multitiendas, lo anterior también busca consolidar los negocios online de los grandes retailer s , los que estarían inquietos por la eventual llegada de Amazon al país.
"El interés de los retailers por potenciar las ventas de vestuario y calzado busca más que solo aumentar las comercializaciones y, por ende, los márgenes de las firmas. Los esfuerzos pretenden fidelizar a los consumidores y así consolidar los negocios online de cada firma, que están aún muy en pañales, pues se avecina cada día la posible llegada de Amazon, gigante del comercio electrónico, que tiene bastante inquieta a la industria del retail por su tamaño, trayectoria y buen desempeño en la entrega de servicios", indican fuentes conocedoras del comercio minorista.
Desde Paris.cl indican "estamos trabajando estas categorías como focos relevantes a potenciar dada la mayor contribución que genera este tipo de productos en comparación a los bienes durables. Nuestro objetivo para los próximos años es que estas categorías pesen el doble de lo que representan hoy para la compañía. Son por lejos las con mayor crecimiento dentro de las ventas totales online y por nuestra parte, nos venimos preparando hace bastante tiempo tanto en lo logístico como operacionalmente".
El retail que pertenece a Cencosud agrega que dado lo anterior, "tratamos de diferenciarnos lo más posible de los demás actores, que ya no son solo nacionales. El cliente hoy nos compara constantemente con otros retailers y también con los del e-commerce internacional, sitios de market place y hasta emprendedores que logran ofrecer sus productos por redes sociales".
Visión similar tienen vendedores de Ripley y Falabella de un mal l del sector oriente, quienes consultados afirman que cada día se busca potenciar más las ventas de productos a través de los canales online , sobre todo de las categorías vestuario y calzado.
"Hay muchas promociones de ropa y zapatos disponibles en internet que no están en tienda. También ocurre con ciertas marcas para los mismos productos. Esto, sin duda, demuestra el interés que tienen para potenciar el consumo de estas categorías en específico", afirma el vendedor de Falabella.
Línea blanca
Línea blanca es la categoría que más vende hoy a través de las plataformas online .
6,9%
crecieron las ventas de vestuario en el país durante el año pasado.
3,6%
fue el alza con que cerró las ventas de calzado en 2017.
20%
anual han crecido las ventas online en el país los últimos cinco años, por ejercicio.
Industria estaría inquieta por eventual llegada de Amazon al país.
Por Isidora Barberis A.
Pese a que los grandes retailers del país - Paris, Ripley y Falabella- actualmente venden más mercadería a través de sus tiendas físicas, estos estarían reorientando sus esfuerzos para potenciar las ventas de vestuario y calzado en sus plataformas online . Eso, pues ambas categorías de productos tienen un alto potencial de crecimiento, lo que generaría mayores retornos a las firmas y mejoraría los márgenes, según afirman fuentes conocedoras de la industria.
"Las multitiendas del país están buscando potenciar las ventas de vestuario y calzado en sus negocios online . Para esto, están desplegando varios esfuerzos, como mejorar las campañas publicitarias que incentivan el consumo de estos productos, realizar promociones exclusivas para compras a través de sus respectivas páginas web e introducir nuevas marcas que solo estén disponibles en los canales online ", detallan las fuentes.
Además de potenciar las ventas de las multitiendas, lo anterior también busca consolidar los negocios online de los grandes retailer s , los que estarían inquietos por la eventual llegada de Amazon al país.
"El interés de los retailers por potenciar las ventas de vestuario y calzado busca más que solo aumentar las comercializaciones y, por ende, los márgenes de las firmas. Los esfuerzos pretenden fidelizar a los consumidores y así consolidar los negocios online de cada firma, que están aún muy en pañales, pues se avecina cada día la posible llegada de Amazon, gigante del comercio electrónico, que tiene bastante inquieta a la industria del retail por su tamaño, trayectoria y buen desempeño en la entrega de servicios", indican fuentes conocedoras del comercio minorista.
Desde Paris.cl indican "estamos trabajando estas categorías como focos relevantes a potenciar dada la mayor contribución que genera este tipo de productos en comparación a los bienes durables. Nuestro objetivo para los próximos años es que estas categorías pesen el doble de lo que representan hoy para la compañía. Son por lejos las con mayor crecimiento dentro de las ventas totales online y por nuestra parte, nos venimos preparando hace bastante tiempo tanto en lo logístico como operacionalmente".
El retail que pertenece a Cencosud agrega que dado lo anterior, "tratamos de diferenciarnos lo más posible de los demás actores, que ya no son solo nacionales. El cliente hoy nos compara constantemente con otros retailers y también con los del e-commerce internacional, sitios de market place y hasta emprendedores que logran ofrecer sus productos por redes sociales".
Visión similar tienen vendedores de Ripley y Falabella de un mal l del sector oriente, quienes consultados afirman que cada día se busca potenciar más las ventas de productos a través de los canales online , sobre todo de las categorías vestuario y calzado.
"Hay muchas promociones de ropa y zapatos disponibles en internet que no están en tienda. También ocurre con ciertas marcas para los mismos productos. Esto, sin duda, demuestra el interés que tienen para potenciar el consumo de estas categorías en específico", afirma el vendedor de Falabella.
Línea blanca
Línea blanca es la categoría que más vende hoy a través de las plataformas online .
6,9%
crecieron las ventas de vestuario en el país durante el año pasado.
3,6%
fue el alza con que cerró las ventas de calzado en 2017.
20%
anual han crecido las ventas online en el país los últimos cinco años, por ejercicio.
jueves, febrero 22, 2018
Ópera para Todos: Nabucco de Giuseppe Verdi
Comunicado de prensa
El ciclo que trae lo mejor de la ópera internacional, presenta en esta oportunidad a Nabucco, registrada en la Ópera Real de Valonia (Bélgica) en el año 2016. La pieza es protagonizada por el aclamado barítono italiano Leo Nucci.
En el marco del ciclo Ópera para todos, el Centro Arte Alameda exhibirá Nabucco de Giuseppe Verdi, espectáculo grabado en el Ópera Real de Valonia, Lieja, Bélgica. Los personajes principales son interpretados por el renombrado barítono Leo Nucci, en el papel de Nabucco y la talentosa y reconocida soprano Virginia Tola, como Abigail.
Con una poderosa tensión dramática unida a la irresistible belleza de sus melodías, Nabucco narra un conocido episodio de la Biblia, en el cual un pueblo emerge para reivindicar su independencia de la dominación extranjera.
El rey Nabucco luego de conquistar al pueblo hebreo se autoproclama como Dios, sin embargo al poco tiempo el monarca se vuelve loco.
La cita es el próximo domingo 25 de febrero a las 17:00 hrs. en el Centro Arte Alameda. Valor de las entradas $5.000 preventa; $5.000 Convenio Cine y Barrio y $6.000 el día del evento.
Mas info acá
El ciclo que trae lo mejor de la ópera internacional, presenta en esta oportunidad a Nabucco, registrada en la Ópera Real de Valonia (Bélgica) en el año 2016. La pieza es protagonizada por el aclamado barítono italiano Leo Nucci.
En el marco del ciclo Ópera para todos, el Centro Arte Alameda exhibirá Nabucco de Giuseppe Verdi, espectáculo grabado en el Ópera Real de Valonia, Lieja, Bélgica. Los personajes principales son interpretados por el renombrado barítono Leo Nucci, en el papel de Nabucco y la talentosa y reconocida soprano Virginia Tola, como Abigail.
Con una poderosa tensión dramática unida a la irresistible belleza de sus melodías, Nabucco narra un conocido episodio de la Biblia, en el cual un pueblo emerge para reivindicar su independencia de la dominación extranjera.
El rey Nabucco luego de conquistar al pueblo hebreo se autoproclama como Dios, sin embargo al poco tiempo el monarca se vuelve loco.
La cita es el próximo domingo 25 de febrero a las 17:00 hrs. en el Centro Arte Alameda. Valor de las entradas $5.000 preventa; $5.000 Convenio Cine y Barrio y $6.000 el día del evento.
Mas info acá
Festival In-Edit Chile anuncia sus primero títulos 2018
Comunicado de prensa
Algunas cosas cambian, otras no. El Festival internacional de cine y documental musical In-Edit Chile vuelve con su 14ª edición fijada, por primera vez, en el primer semestre del año (18 al 23 de abril) y en cuatro sedes ya confirmadas, gracias al patrocinio de Nescafé, Ley de Donaciones Culturales y el Fondo de Fomento Audiovisual, convocatoria 2018. Aquí entregamos un adelanto parcial de su programación 2018.
Documentales sobre Eric Clapton, Iggy Pop junto a Josh Homme (Queens of the Stone Age), Rolling Stones, el chileno Ricardo Villalobos y una extraña incursión rockera en Corea del Norte entre los confirmados.
Tras el anuncio de cambio de fecha de su tradicional mes de diciembre a abril, el festival prepara su programación, como ya es costumbre, con estrenos de documentales musicales e historias esenciales de supervivencia y creación. Las secciones de competencia nacional e internacional tendrán sus títulos destacados y habrá calendario también para charlas, invitados extranjeros, música en vivo y sorpresas. Serán cuatro las sedes que exhibirán la nutrida programación de este 2018: Teatro NESCAFÉ de las Artes, Teatro Oriente, Centro Arte Alameda y Cine UC, además de un quinto espacio en la Escuela Moderna, un nuevo aliado académico para este año.
Leyendas y homenajes
Marcan esta primera tanda de películas que el festival In-Edit Chile entrega a sus seguidores, un gran registro sobre la vida y genio del autor detrás de Layla: “Eric Clapton: life in 12 bars”. Estreno en latinoamérica para un documental a la altura de un héroe del blues-rock que indaga en la vida del músico, su carrera, amigos y colegas de la talla de George Harrison, BB King, Jimi Hendrix y Ginger Baker. El propio Clapton colaboró con entrevistas y material para este documental dirigido por Lili Fini Zanuck -productora de “Driving miss Daisy” ganadora de un Oscar- y el oficio de Gustavo Santaolalla en la música incidental.
Otra leyenda se confesará frente a una cámara. El incombustible Iggy Pop, a sus 70 años, encuentra amistad y creatividad en la producción de su último disco “Post-pop depression” quien lo acompañará en esta travesía será Josh Homme (Queens of the Stone Age). La colaboración entre ambos músicos resultará reveladora y sorprendente para sus vidas en este documental cuyo título es “American Valhalla”.
Pasaron 50 años para que “Sympathy for the Devil”, un particular documental sobre los Rolling Stones filmado por el francés Jean-Luc Godard en 1968, llegase a las pantallas de In-Edit Chile. El contexto cruza el florecimiento de los movimientos civiles como Mayo del '68, enfrentamientos raciales protagonizados por los Panteras Negras junto a la policía de Estados Unidos y dos tremendos conflictos del siglo XX: Vietnam y la Guerra Fría. En su aniversario número 50 este documental es un certero e incómodo registro social de la época para una sección homenaje que el festival preparó y que completa la cinta “Blow Up”.
Palma de Oro en 1967, Cannes aprovechó la conmemoración para proyectar una remasterización aniversario 50 en mayo pasado, la misma que el festival In-Edit Chile exhibirá dentro de su programación. Blow Up es Antonioni filmando a Eric Clapton y los Yardbirds en vivo y en 5 minutos memorables, además de dos datos para curiosos: Herbie Hancock tenía tan sólo 23 años cuando musicalizó esta ficción basada en un cuento de Julio Cortázar (lejanamente inspirado en un relato del fotógrafo chileno Sergio Larraín). Y, claro, delante de la cámara, Jane Birkin, Vanessa Redgrave y David Hemmings.
Inspirados y Rebelados
¿Cómo llega una banda de rock a actuar sobre un escenario en Norcorea al mando de Kim Jong-un? “Liberation Day” cuenta la increíble travesía de la banda eslovena Laibach hasta llegar a un problemático primer concierto de rock en Pionyang, la dura capital de Corea del Norte. Un viaje será también el detonante que cambiará la vida de Aidan Moffat, ex-cantante del grupo indie Arab Strap, quien recorrerá en furgoneta la verde y húmeda Escocia reinterpretando clásicos folk con humor e inquietantes reflexiones sobre la muerte en “Were you’re meant to be”.
Romper con lo establecido en dos cintas sobre rebeldes. Los británicos XTC a punta de pop sofisticado quebrarán las rígidas estructuras del punk. En esa tarea también se encontrará una desafiante camada de artistas y activistas de mediados de los ‘80. Juntos, levantarán una escena que pronto terminará por llamarse Queercore con Bruce LaBruce, Pansy Division, John Waters y Kim Gordon hasta las riot grrls y Peaches. En esta misma línea, una comunidad golpeada por el racismo se identificará con las rimas hip-hop lanzadas y registradas en el sótano de “los Rainey”. En “Quest”, se hará un seguimiento de ocho años a la vida cotidiana de esta familia desde la primera elección de Obama hasta la de Donald Trump.
Aterrizados y modernos
La historia de los Sleaford Mods, es un relato sobre la fama de golpe y de cómo no perder la cabeza ante los múltiples elogios, merecidos, por supuesto. Si en este documental -”Bunch of Kunst”- los protagonistas son un dúo de electrónica-punk nacido en Nottingham, Inglaterra, en “If I Think of Germany at Night” los que llevan la batuta pertenecen a la escena alemana. Apariciones de Sonja Moonear, Ata Macias, Roman Flügel, Move D y el chileno (residente en Berlín) Ricardo Villalobos se cruzan entre pistas de baile, espacios domésticos poblados por infinitas perillas y caminatas por parques públicos.
Algunas cosas cambian, otras no. El Festival internacional de cine y documental musical In-Edit Chile vuelve con su 14ª edición fijada, por primera vez, en el primer semestre del año (18 al 23 de abril) y en cuatro sedes ya confirmadas, gracias al patrocinio de Nescafé, Ley de Donaciones Culturales y el Fondo de Fomento Audiovisual, convocatoria 2018. Aquí entregamos un adelanto parcial de su programación 2018.
Documentales sobre Eric Clapton, Iggy Pop junto a Josh Homme (Queens of the Stone Age), Rolling Stones, el chileno Ricardo Villalobos y una extraña incursión rockera en Corea del Norte entre los confirmados.
Tras el anuncio de cambio de fecha de su tradicional mes de diciembre a abril, el festival prepara su programación, como ya es costumbre, con estrenos de documentales musicales e historias esenciales de supervivencia y creación. Las secciones de competencia nacional e internacional tendrán sus títulos destacados y habrá calendario también para charlas, invitados extranjeros, música en vivo y sorpresas. Serán cuatro las sedes que exhibirán la nutrida programación de este 2018: Teatro NESCAFÉ de las Artes, Teatro Oriente, Centro Arte Alameda y Cine UC, además de un quinto espacio en la Escuela Moderna, un nuevo aliado académico para este año.
Leyendas y homenajes
Marcan esta primera tanda de películas que el festival In-Edit Chile entrega a sus seguidores, un gran registro sobre la vida y genio del autor detrás de Layla: “Eric Clapton: life in 12 bars”. Estreno en latinoamérica para un documental a la altura de un héroe del blues-rock que indaga en la vida del músico, su carrera, amigos y colegas de la talla de George Harrison, BB King, Jimi Hendrix y Ginger Baker. El propio Clapton colaboró con entrevistas y material para este documental dirigido por Lili Fini Zanuck -productora de “Driving miss Daisy” ganadora de un Oscar- y el oficio de Gustavo Santaolalla en la música incidental.
Otra leyenda se confesará frente a una cámara. El incombustible Iggy Pop, a sus 70 años, encuentra amistad y creatividad en la producción de su último disco “Post-pop depression” quien lo acompañará en esta travesía será Josh Homme (Queens of the Stone Age). La colaboración entre ambos músicos resultará reveladora y sorprendente para sus vidas en este documental cuyo título es “American Valhalla”.
Pasaron 50 años para que “Sympathy for the Devil”, un particular documental sobre los Rolling Stones filmado por el francés Jean-Luc Godard en 1968, llegase a las pantallas de In-Edit Chile. El contexto cruza el florecimiento de los movimientos civiles como Mayo del '68, enfrentamientos raciales protagonizados por los Panteras Negras junto a la policía de Estados Unidos y dos tremendos conflictos del siglo XX: Vietnam y la Guerra Fría. En su aniversario número 50 este documental es un certero e incómodo registro social de la época para una sección homenaje que el festival preparó y que completa la cinta “Blow Up”.
Palma de Oro en 1967, Cannes aprovechó la conmemoración para proyectar una remasterización aniversario 50 en mayo pasado, la misma que el festival In-Edit Chile exhibirá dentro de su programación. Blow Up es Antonioni filmando a Eric Clapton y los Yardbirds en vivo y en 5 minutos memorables, además de dos datos para curiosos: Herbie Hancock tenía tan sólo 23 años cuando musicalizó esta ficción basada en un cuento de Julio Cortázar (lejanamente inspirado en un relato del fotógrafo chileno Sergio Larraín). Y, claro, delante de la cámara, Jane Birkin, Vanessa Redgrave y David Hemmings.
Inspirados y Rebelados
¿Cómo llega una banda de rock a actuar sobre un escenario en Norcorea al mando de Kim Jong-un? “Liberation Day” cuenta la increíble travesía de la banda eslovena Laibach hasta llegar a un problemático primer concierto de rock en Pionyang, la dura capital de Corea del Norte. Un viaje será también el detonante que cambiará la vida de Aidan Moffat, ex-cantante del grupo indie Arab Strap, quien recorrerá en furgoneta la verde y húmeda Escocia reinterpretando clásicos folk con humor e inquietantes reflexiones sobre la muerte en “Were you’re meant to be”.
Romper con lo establecido en dos cintas sobre rebeldes. Los británicos XTC a punta de pop sofisticado quebrarán las rígidas estructuras del punk. En esa tarea también se encontrará una desafiante camada de artistas y activistas de mediados de los ‘80. Juntos, levantarán una escena que pronto terminará por llamarse Queercore con Bruce LaBruce, Pansy Division, John Waters y Kim Gordon hasta las riot grrls y Peaches. En esta misma línea, una comunidad golpeada por el racismo se identificará con las rimas hip-hop lanzadas y registradas en el sótano de “los Rainey”. En “Quest”, se hará un seguimiento de ocho años a la vida cotidiana de esta familia desde la primera elección de Obama hasta la de Donald Trump.
Aterrizados y modernos
La historia de los Sleaford Mods, es un relato sobre la fama de golpe y de cómo no perder la cabeza ante los múltiples elogios, merecidos, por supuesto. Si en este documental -”Bunch of Kunst”- los protagonistas son un dúo de electrónica-punk nacido en Nottingham, Inglaterra, en “If I Think of Germany at Night” los que llevan la batuta pertenecen a la escena alemana. Apariciones de Sonja Moonear, Ata Macias, Roman Flügel, Move D y el chileno (residente en Berlín) Ricardo Villalobos se cruzan entre pistas de baile, espacios domésticos poblados por infinitas perillas y caminatas por parques públicos.
Adelaida estrena nuevo single producido por Jack Endino
Comunicado de prensa
Grabado en marco del Workshop de Producción Musical organizado por IMICHILE en diciembre de 2017, el nuevo single llamado “Fantasma” contó con la colaboración del destacado productor internacional y hoy se estrena en plataforma digitales.
Aprovechando la visita del estadounidense Jack Endino a nuestro país y gracias a la realización del workshop de Producción Musical del NODO de Música de IMICHILE en diciembre pasado, Adelaida grabó su nuevo sencillo.
Se trata de “Fantasma”, single que contó con la colaboración de Endino, conocido por su trabajo con bandas fundamentales de la época grunge como: Soundgarden, Mudhoney y Nirvana y con bandas latinoamericanas como: Titãs (Brasil), Guillotina (México), Banda de la Muerte (Argentina), The Ganjas (Chile) y más.
Esta es la segunda ocasión en que Adelaida trabaja con Endino, ya que anteriormente grabaron con él “Adormidera” y “Holograma”, singles que fueron parte del disco “Madre Culebra”, editado en 2015.
Endino es reconocido mundialmente por su labor como productor, ingeniero, mezclador y músico. Desde 1986 ha trabajado en más de 500 discos para bandas de 14 países y 4 continentes. Siendo colaborador en muchos álbumes de comienzos de la etapa grunge de grupos como Soundgarden y Mudhoney, el álbum más famoso que ha producido es “Bleach” de Nirvana de 1989. Otra de las características especiales de Endino es su relación con la escena chilena habiendo trabajado con bandas como: The Ganjas, Sordera, Adelaida e Icarus Gasoline.
Workshop Producción Musical IMICHILE
Dentro de las actividades desarrolladas por la Asociación en el marco del proyecto NODO de Música IMICHILE este fue la única dirigida a la producción en sí. Por lo mismo, se sumaron todos los esfuerzos para hacer de ésta una gran experiencia, lo más productiva y educativa posible. El objetivo fue repasar todo el proceso de producción de una canción junto a un productor de primer nivel.
De esta forma se llega a un acuerdo con Jack Endino, que se encontraba de visita en nuestro país, y Pablo Giadach de Estudio Lautaro, donde se realizó la grabación y trabajó en la producción del single, para la realización del workshop. Junto a ellos se repasaron y definieron todos los detalles del taller, que contó con en tres bloques: montaje, grabación y producción.
Considerando que Adelaida ya había trabajado antes con Endino y tenía material nuevo para grabar, se le invitó a participar de la actividad.
El workshop fue práctico y partió de lo más básico. En él se incluyó montaje de micrófonos e instalación de la banda para lograr un mejor sonido, además de detalles y tips de grabación y producción. Se trabajó en una canción: “Fantasma”.
Fue un día de trabajo en estudio -6 de diciembre 2017-, en el que participaron representantes de diferentes empresas socias de IMICHILE y cuyo resultado podemos ver estrenado hoy.
ESCUCHA "FANTASMA" AQUÍ
Grabado en marco del Workshop de Producción Musical organizado por IMICHILE en diciembre de 2017, el nuevo single llamado “Fantasma” contó con la colaboración del destacado productor internacional y hoy se estrena en plataforma digitales.
Aprovechando la visita del estadounidense Jack Endino a nuestro país y gracias a la realización del workshop de Producción Musical del NODO de Música de IMICHILE en diciembre pasado, Adelaida grabó su nuevo sencillo.
Se trata de “Fantasma”, single que contó con la colaboración de Endino, conocido por su trabajo con bandas fundamentales de la época grunge como: Soundgarden, Mudhoney y Nirvana y con bandas latinoamericanas como: Titãs (Brasil), Guillotina (México), Banda de la Muerte (Argentina), The Ganjas (Chile) y más.
Esta es la segunda ocasión en que Adelaida trabaja con Endino, ya que anteriormente grabaron con él “Adormidera” y “Holograma”, singles que fueron parte del disco “Madre Culebra”, editado en 2015.
Endino es reconocido mundialmente por su labor como productor, ingeniero, mezclador y músico. Desde 1986 ha trabajado en más de 500 discos para bandas de 14 países y 4 continentes. Siendo colaborador en muchos álbumes de comienzos de la etapa grunge de grupos como Soundgarden y Mudhoney, el álbum más famoso que ha producido es “Bleach” de Nirvana de 1989. Otra de las características especiales de Endino es su relación con la escena chilena habiendo trabajado con bandas como: The Ganjas, Sordera, Adelaida e Icarus Gasoline.
Workshop Producción Musical IMICHILE
Dentro de las actividades desarrolladas por la Asociación en el marco del proyecto NODO de Música IMICHILE este fue la única dirigida a la producción en sí. Por lo mismo, se sumaron todos los esfuerzos para hacer de ésta una gran experiencia, lo más productiva y educativa posible. El objetivo fue repasar todo el proceso de producción de una canción junto a un productor de primer nivel.
De esta forma se llega a un acuerdo con Jack Endino, que se encontraba de visita en nuestro país, y Pablo Giadach de Estudio Lautaro, donde se realizó la grabación y trabajó en la producción del single, para la realización del workshop. Junto a ellos se repasaron y definieron todos los detalles del taller, que contó con en tres bloques: montaje, grabación y producción.
Considerando que Adelaida ya había trabajado antes con Endino y tenía material nuevo para grabar, se le invitó a participar de la actividad.
El workshop fue práctico y partió de lo más básico. En él se incluyó montaje de micrófonos e instalación de la banda para lograr un mejor sonido, además de detalles y tips de grabación y producción. Se trabajó en una canción: “Fantasma”.
Fue un día de trabajo en estudio -6 de diciembre 2017-, en el que participaron representantes de diferentes empresas socias de IMICHILE y cuyo resultado podemos ver estrenado hoy.
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Gloria Benavides: "Me encantaría volver a cantar en Viña algún día"
El Mercurio
Por María Paz Contreras
Gloria Benavides estuvo por primera vez en el Festival de Viña en 1963. En 2002, la cantante y comediante realizó su décima presentación en la Quinta Vergara, interpretando a su famoso personaje "La Cuatro Dientes", pero no recibió el premio al artista ícono, que este año fue entregado a Miguel Bosé en su show del pasado martes.
La artista fue la primera mujer humorista en lograr el éxito sobre ese escenario. "Creo que tienen que homenajear a su gente primero, los chilenos tenemos que querernos un poco más".
Plantea que en otros países, como México y Estados Unidos, reconocen y destacan la trayectoria de sus artistas.
"Yo me despedí con 'La Cuatro Dientes', pero no me he despedido como Gloria Benavides", dice quien partió en el movimiento de la Nueva Ola. Benavides admite que le encantaría volver como cantante al certamen, pero no porque quiera un homenaje por su trayectoria, sino porque como intérprete cuenta con muchos proyectos. Ya tiene listo su último trabajo discográfico, donde colaboraron músicos como Natalino, pero aún no tiene fecha de lanzamiento.
Aunque la artista reconoce que "el humor y la comedia están siempre en mi vida", descarta volver con su emblemático personaje. Además, recuerda que en 2002, su última vez en el Festival, la distinguieron como la "Hija del Monstruo", reconocimiento que recuerda con cariño.
La intérprete de "La gotita" también lamentó la hora en que se presentó el grupo nacional Illapu: "Dejarlos a las tres de la mañana es una ofensa... ya no quedaba gente en la Quinta; no es justo". Sobre las disculpas que les dio la organización del evento, la cantante es categórica: "Qué sacan, si ya se hizo". Opina que los shows no se pueden alargar tanto y sobrepasar las dos horas.
Por María Paz Contreras
Gloria Benavides estuvo por primera vez en el Festival de Viña en 1963. En 2002, la cantante y comediante realizó su décima presentación en la Quinta Vergara, interpretando a su famoso personaje "La Cuatro Dientes", pero no recibió el premio al artista ícono, que este año fue entregado a Miguel Bosé en su show del pasado martes.
La artista fue la primera mujer humorista en lograr el éxito sobre ese escenario. "Creo que tienen que homenajear a su gente primero, los chilenos tenemos que querernos un poco más".
Plantea que en otros países, como México y Estados Unidos, reconocen y destacan la trayectoria de sus artistas.
"Yo me despedí con 'La Cuatro Dientes', pero no me he despedido como Gloria Benavides", dice quien partió en el movimiento de la Nueva Ola. Benavides admite que le encantaría volver como cantante al certamen, pero no porque quiera un homenaje por su trayectoria, sino porque como intérprete cuenta con muchos proyectos. Ya tiene listo su último trabajo discográfico, donde colaboraron músicos como Natalino, pero aún no tiene fecha de lanzamiento.
Aunque la artista reconoce que "el humor y la comedia están siempre en mi vida", descarta volver con su emblemático personaje. Además, recuerda que en 2002, su última vez en el Festival, la distinguieron como la "Hija del Monstruo", reconocimiento que recuerda con cariño.
La intérprete de "La gotita" también lamentó la hora en que se presentó el grupo nacional Illapu: "Dejarlos a las tres de la mañana es una ofensa... ya no quedaba gente en la Quinta; no es justo". Sobre las disculpas que les dio la organización del evento, la cantante es categórica: "Qué sacan, si ya se hizo". Opina que los shows no se pueden alargar tanto y sobrepasar las dos horas.
Illapu: Candombe al amanecer
El Mercurio
Por José Vásquez
Hay entereza en Roberto Márquez, demasiada dignidad en un artista que sabe que posee fuego en su garganta. Casi como pidiendo permiso, cuando promediaba su actuación, que cerró groseramente tarde la primera jornada festivalera, tomó el micrófono para decir con encomiable humildad que era un "abuso estar hasta esta hora", y que todo lo que venía luego lo harían "con el corazón siendo las cuatro de la mañana". Y no fue una exageración la hora, de un show que salió a escena apenas unos minutos antes de las 3:30 de la madrugada y que hasta una hora más tarde logró mantener cautivos a "los abusados", el público, a quienes se refería Márquez.
La respuesta de la gente también fue genuina, en una noche donde fueron los únicos artistas que lograron verdadera sintonía, entre lo que exigió el público y su traducción en Gaviotas. Otra reivindicación para el conjunto chileno, en una jornada donde la entrega de premios, una vez más, fue algo acelerada ante algunos gestos con los brazos imitando los aleteos del símbolo del Festival.
Claro que el inicio no fue el mejor para el espectáculo de Illapu, con su "Baila caporal", ese ritual andino instrumental, que con exceso de bailarines en el escenario y por la hora de inicio del show, resultó algo muy parecido a un acto escolar, aunque muy bien producido. Los aplausos, eso sí, llegaron a continuación con "Lejos del amor" y el charango poderoso del cantante del grupo, una figura de apariencia frágil y de relato bondadoso, pero discurso claro y directo a la hora de entregar el mensaje.
El tema volvía a sonar por segunda vez en el escenario, esta vez en la completa interpretación de sus titulares, tras el multicolor y coral inicio del evento. La voz de Márquez sale entera, poderosa y sigue con su versión para el clásico de Víctor Heredia, "Sobreviviendo". Luego las pantallas proyectan un video de Violeta Parra y el homenaje a la cantautora sigue asomando como pertinente, en un espectáculo que ya comenzaba a tomar forma de un relato orientado también al reconocimiento de algunos de los puntos cardinales de la música chilena.
De Violeta cantaron "Paloma ausente" y de Víctor Jara, su "Manifiesto", y entre esos temas, "Sincero positivo", una canción que en los 90 le puso música al cuidado ante el sida. El cantante habló de lo prudente que resultaba hacerse un test para prevenir la enfermedad, de cuidar a la pareja usando preservativos, e hizo un llamado a la Iglesia a no poner "piedras en el camino" para ayudar en la prevención de este virus. Un discurso que sin duda hubiera generado debate si se hubiera realizado algunas horas antes, cuando la sintonía era mayor.
Al final y ya con los animadores Carola de Moras y Rafael Araneda bailando al costado del escenario, luego de entregar las Gaviotas de Plata y Oro, vinieron sus éxitos "Vuelvo a vivir" y "Candombe para José", un término de fiesta que estuvo cerca de coincidir con el horario de cierre de las discotecas los fines de semana.
Por José Vásquez
Hay entereza en Roberto Márquez, demasiada dignidad en un artista que sabe que posee fuego en su garganta. Casi como pidiendo permiso, cuando promediaba su actuación, que cerró groseramente tarde la primera jornada festivalera, tomó el micrófono para decir con encomiable humildad que era un "abuso estar hasta esta hora", y que todo lo que venía luego lo harían "con el corazón siendo las cuatro de la mañana". Y no fue una exageración la hora, de un show que salió a escena apenas unos minutos antes de las 3:30 de la madrugada y que hasta una hora más tarde logró mantener cautivos a "los abusados", el público, a quienes se refería Márquez.
La respuesta de la gente también fue genuina, en una noche donde fueron los únicos artistas que lograron verdadera sintonía, entre lo que exigió el público y su traducción en Gaviotas. Otra reivindicación para el conjunto chileno, en una jornada donde la entrega de premios, una vez más, fue algo acelerada ante algunos gestos con los brazos imitando los aleteos del símbolo del Festival.
Claro que el inicio no fue el mejor para el espectáculo de Illapu, con su "Baila caporal", ese ritual andino instrumental, que con exceso de bailarines en el escenario y por la hora de inicio del show, resultó algo muy parecido a un acto escolar, aunque muy bien producido. Los aplausos, eso sí, llegaron a continuación con "Lejos del amor" y el charango poderoso del cantante del grupo, una figura de apariencia frágil y de relato bondadoso, pero discurso claro y directo a la hora de entregar el mensaje.
El tema volvía a sonar por segunda vez en el escenario, esta vez en la completa interpretación de sus titulares, tras el multicolor y coral inicio del evento. La voz de Márquez sale entera, poderosa y sigue con su versión para el clásico de Víctor Heredia, "Sobreviviendo". Luego las pantallas proyectan un video de Violeta Parra y el homenaje a la cantautora sigue asomando como pertinente, en un espectáculo que ya comenzaba a tomar forma de un relato orientado también al reconocimiento de algunos de los puntos cardinales de la música chilena.
De Violeta cantaron "Paloma ausente" y de Víctor Jara, su "Manifiesto", y entre esos temas, "Sincero positivo", una canción que en los 90 le puso música al cuidado ante el sida. El cantante habló de lo prudente que resultaba hacerse un test para prevenir la enfermedad, de cuidar a la pareja usando preservativos, e hizo un llamado a la Iglesia a no poner "piedras en el camino" para ayudar en la prevención de este virus. Un discurso que sin duda hubiera generado debate si se hubiera realizado algunas horas antes, cuando la sintonía era mayor.
Al final y ya con los animadores Carola de Moras y Rafael Araneda bailando al costado del escenario, luego de entregar las Gaviotas de Plata y Oro, vinieron sus éxitos "Vuelvo a vivir" y "Candombe para José", un término de fiesta que estuvo cerca de coincidir con el horario de cierre de las discotecas los fines de semana.
El evento enfrentó su jornada más larga en la era CHV
El Mercurio
Fue tema. Tanto en la reunión de pauta del equipo Festival como entre las voces críticas que surgieron, porque Illapu terminó presentándose pasadas las 3:20 de la madrugada del miércoles, en la jornada inaugural del evento viñamarino.
Lo que ocurrió le valió a CHV un récord: se transformó en la jornada más larga en sus ocho años organizando el Festival, con una extensión de poco más de siete horas, entre las 21:41 y las 04:45. Antes, la noche más larga fue el 25 de febrero de 2017, que duró hasta las 04:38 horas con J Balvin, Mon Laferte y Fabrizio Copano, entre otros.
El director general del evento, Álex Hernández, admitió que tuvo que pedirle disculpas a Illapu por el horario en que salieron a escena. Además, el equipo de producción del certamen se vio obligado a cambiar ayer sus horarios de trabajo para alcanzar a descansar: atrasaron la pauta general del programa, agendada para mediodía, hasta las 17 horas. Entre ellos existía consenso en que la transmisión no debiera durar más allá de las 3:30 de la madrugada. "Afortunadamente, solo tenemos una obertura más, que es la del día sábado 24, para recordar a Nicanor Parra. Eso nos permite acotar más los tiempos", comentó una fuente.
Artistas solidarizaron con Illapu
Sin duda que el grupo chileno que cerró la primera edición de este Festival fue el más afectado con el horario. Incluso Roberto Márquez, líder de la agrupación, planteó sobre el escenario que era "un abuso" tener al público esperando hasta tan tarde. "Sabemos que la Quinta tiene un público familiar; por lo tanto, no era bueno que pasaran las horas, tomando en cuenta la noche fría y la humedad", dice a "El Mercurio" el vocalista de la banda, quien además oficia como presidente del jurado en las competencias musicales de este año. "Al principio estábamos preocupados, porque pensábamos subir al escenario antes de las 2, pero pasaron las 2:30, las 3 y ya queríamos hacer nuestra presentación. Cuando finalmente nos encontramos con el público, ya todo fue una fiesta".
El músico reconoce que por el horario tuvieron que acortar su repertorio. "Quedaron fuera algunas canciones que teníamos pensado interpretar. Todo el tiempo estuvimos conversando con la organización y con el director Álex Hernández, quien nos fue acompañando en la espera. Sabemos que estas cosas pasan en los shows en vivo", agrega.
Ayer, en las redes sociales, varios músicos nacionales solidarizaron con los intérpretes de "Lejos del amor". Luis Jara planteó en su cuenta de Twitter: "No puede ser que este magistral grupo salga a las 3 am. Arriba, muchachos. Habemos muchos esperando". Quique Neira lanzó: "Se les falta el respeto a Illapu y a su trayectoria. Una pena que se haga algo así a artistas de tamaña calidad y trascendencia". La cuenta de Los Huasos Quincheros agregó: "Lamentable que un artista tenga que presentarse en el escenario del Festival pasadas las 3 am".
Fue tema. Tanto en la reunión de pauta del equipo Festival como entre las voces críticas que surgieron, porque Illapu terminó presentándose pasadas las 3:20 de la madrugada del miércoles, en la jornada inaugural del evento viñamarino.
Lo que ocurrió le valió a CHV un récord: se transformó en la jornada más larga en sus ocho años organizando el Festival, con una extensión de poco más de siete horas, entre las 21:41 y las 04:45. Antes, la noche más larga fue el 25 de febrero de 2017, que duró hasta las 04:38 horas con J Balvin, Mon Laferte y Fabrizio Copano, entre otros.
El director general del evento, Álex Hernández, admitió que tuvo que pedirle disculpas a Illapu por el horario en que salieron a escena. Además, el equipo de producción del certamen se vio obligado a cambiar ayer sus horarios de trabajo para alcanzar a descansar: atrasaron la pauta general del programa, agendada para mediodía, hasta las 17 horas. Entre ellos existía consenso en que la transmisión no debiera durar más allá de las 3:30 de la madrugada. "Afortunadamente, solo tenemos una obertura más, que es la del día sábado 24, para recordar a Nicanor Parra. Eso nos permite acotar más los tiempos", comentó una fuente.
Artistas solidarizaron con Illapu
Sin duda que el grupo chileno que cerró la primera edición de este Festival fue el más afectado con el horario. Incluso Roberto Márquez, líder de la agrupación, planteó sobre el escenario que era "un abuso" tener al público esperando hasta tan tarde. "Sabemos que la Quinta tiene un público familiar; por lo tanto, no era bueno que pasaran las horas, tomando en cuenta la noche fría y la humedad", dice a "El Mercurio" el vocalista de la banda, quien además oficia como presidente del jurado en las competencias musicales de este año. "Al principio estábamos preocupados, porque pensábamos subir al escenario antes de las 2, pero pasaron las 2:30, las 3 y ya queríamos hacer nuestra presentación. Cuando finalmente nos encontramos con el público, ya todo fue una fiesta".
El músico reconoce que por el horario tuvieron que acortar su repertorio. "Quedaron fuera algunas canciones que teníamos pensado interpretar. Todo el tiempo estuvimos conversando con la organización y con el director Álex Hernández, quien nos fue acompañando en la espera. Sabemos que estas cosas pasan en los shows en vivo", agrega.
Ayer, en las redes sociales, varios músicos nacionales solidarizaron con los intérpretes de "Lejos del amor". Luis Jara planteó en su cuenta de Twitter: "No puede ser que este magistral grupo salga a las 3 am. Arriba, muchachos. Habemos muchos esperando". Quique Neira lanzó: "Se les falta el respeto a Illapu y a su trayectoria. Una pena que se haga algo así a artistas de tamaña calidad y trascendencia". La cuenta de Los Huasos Quincheros agregó: "Lamentable que un artista tenga que presentarse en el escenario del Festival pasadas las 3 am".
Fonsi volvió a la Quinta como estrella con su "Despacito" y una cita a Los Prisioneros
El Mercurio
El cantante derrochó carisma sobre el escenario e interpretó su mayor éxito. El público lo premió con Gaviotas de Plata y Oro.
Por Equipo de Espectáculos
Inició con energía y con la promesa de ir arriba y abajo con los ritmos, como un carrusel. Anoche Luis Fonsi volvió a Viña del Mar por quinta vez, convertido en el suceso musical de 2017, aunque esa explosión mundial la dejó reservada para el final de su presentación, cuando regaló un bis de su exitosa "Despacito" remixada.
Igual que en su última gira por Chile en octubre pasado, el cantante inició su show con la energía pop de "Tanto para nada", hilvanada a "Corazón en la maleta", como si no quisiera perder tiempo, moviéndose a la par con su atlético cuerpo de baile, al que no le perdía pisada.
El vaivén comenzó con la poderosa balada "Nada es para siempre" y volvió al baile con "Apaga la luz", para bajar otra vez el ritmo y abrir el karaoke con "Llegaste tú" y "¿Quién te dijo eso?". Sus canciones románticas siguen siendo uno de los portentos de un espectáculo que tiene al carismático puertorriqueño sobre todo como un gran entretenedor.
Fonsi citó desde The Police a David Guetta con Usher en un repertorio que incluyó la interpretación de "Estrechez de corazón", el éxito noventero de Los Prisioneros. Y lo hizo con soltura, apoyado en su banda por su director musical, el chileno Roberto Trujillo, nieto del Tío Valentín. Después, en el backstage , dijo que había querido hacer un "humilde homenaje" a la música chilena y Jorge González con la canción. Fue una sorpresa exclusiva para el Festival, que terminó con el público gritando sonoramente por una Gaviota, la que llegó minutos después de cantar "Despacito", el tema que hizo historia en el Billboard y en el streaming , y que ya comienza a relevar con su nuevo éxito "Échame la culpa", junto a una Demi Lovato que en la Quinta lo acompañó desde una pista grabada.
Fonsi se fue del escenario viñamarino tras una hora y 43 minutos, con Gaviota de Plata y Oro.
El público que lo esperó en la Quinta era esencialmente femenino e iluminó el anfiteatro con coronas fluorescentes. Faltaban un par de minutos para las 22:00 horas y todo estalló en gritos cuando por las pantallas se mostraron las primeras imágenes de Fonsi llegando al recinto. Los animadores subieron al escenario: Carolina de Moras, en un vestido color marfil, diseño de Pato Moreno, y Rafael Araneda, con un traje en colores burdeo y acero. A las 22:23 horas presentaron al artista como "el hombre récord" ante una ovación.
El artista es el fichaje más caro de esta edición del Festival. Trascendió que cobró cerca de US$ 700 mil ($415 millones) y que vino acompañado por un staff de más de 20 personas. Sus actividades en la Ciudad Jardín han sido pocas, prefiriendo concentrarse en la suite que ocupa en el Sheraton Miramar.
Tras la salida de Fonsi, a las 00:27 entró la primera de las tres mujeres que están presentes en el evento. Jenny Cavallo, quien había gritado a los cuatro vientos que Viña le había dado una oportunidad para volver al humor, corría un riesgo importante por tener que actuar después de la estrella del momento. "No me lo he planteado como un desafío, sino como un regalo. Es un público de mujeres y parejas, y es a ellos a quienes yo les hablo en mi rutina. Es una gran oportunidad", decía la comediante en las horas previas a su presentación. Subió al escenario al ritmo de "Respect" de Aretha Franklin y el público, especialmente femenino, la apoyó con aplausos y gritos. "Soy una mujer multifuncional. Estoy feliz, pero raja", partió diciendo en su rutina, que logró risas con comentarios sobre la maternidad y el feminismo. Se llevó la Gaviota de Plata pasada la 01:10.
Rating
Entre las 21:45 y las 00:20 horas, CHV lideró con un promedio de 29,5 puntos y un peak de 37. Siguió Mega con 11.5, Canal 13 con 5.9 y con 4.1.
El cantante derrochó carisma sobre el escenario e interpretó su mayor éxito. El público lo premió con Gaviotas de Plata y Oro.
Por Equipo de Espectáculos
Inició con energía y con la promesa de ir arriba y abajo con los ritmos, como un carrusel. Anoche Luis Fonsi volvió a Viña del Mar por quinta vez, convertido en el suceso musical de 2017, aunque esa explosión mundial la dejó reservada para el final de su presentación, cuando regaló un bis de su exitosa "Despacito" remixada.
Igual que en su última gira por Chile en octubre pasado, el cantante inició su show con la energía pop de "Tanto para nada", hilvanada a "Corazón en la maleta", como si no quisiera perder tiempo, moviéndose a la par con su atlético cuerpo de baile, al que no le perdía pisada.
El vaivén comenzó con la poderosa balada "Nada es para siempre" y volvió al baile con "Apaga la luz", para bajar otra vez el ritmo y abrir el karaoke con "Llegaste tú" y "¿Quién te dijo eso?". Sus canciones románticas siguen siendo uno de los portentos de un espectáculo que tiene al carismático puertorriqueño sobre todo como un gran entretenedor.
Fonsi citó desde The Police a David Guetta con Usher en un repertorio que incluyó la interpretación de "Estrechez de corazón", el éxito noventero de Los Prisioneros. Y lo hizo con soltura, apoyado en su banda por su director musical, el chileno Roberto Trujillo, nieto del Tío Valentín. Después, en el backstage , dijo que había querido hacer un "humilde homenaje" a la música chilena y Jorge González con la canción. Fue una sorpresa exclusiva para el Festival, que terminó con el público gritando sonoramente por una Gaviota, la que llegó minutos después de cantar "Despacito", el tema que hizo historia en el Billboard y en el streaming , y que ya comienza a relevar con su nuevo éxito "Échame la culpa", junto a una Demi Lovato que en la Quinta lo acompañó desde una pista grabada.
Fonsi se fue del escenario viñamarino tras una hora y 43 minutos, con Gaviota de Plata y Oro.
El público que lo esperó en la Quinta era esencialmente femenino e iluminó el anfiteatro con coronas fluorescentes. Faltaban un par de minutos para las 22:00 horas y todo estalló en gritos cuando por las pantallas se mostraron las primeras imágenes de Fonsi llegando al recinto. Los animadores subieron al escenario: Carolina de Moras, en un vestido color marfil, diseño de Pato Moreno, y Rafael Araneda, con un traje en colores burdeo y acero. A las 22:23 horas presentaron al artista como "el hombre récord" ante una ovación.
El artista es el fichaje más caro de esta edición del Festival. Trascendió que cobró cerca de US$ 700 mil ($415 millones) y que vino acompañado por un staff de más de 20 personas. Sus actividades en la Ciudad Jardín han sido pocas, prefiriendo concentrarse en la suite que ocupa en el Sheraton Miramar.
Tras la salida de Fonsi, a las 00:27 entró la primera de las tres mujeres que están presentes en el evento. Jenny Cavallo, quien había gritado a los cuatro vientos que Viña le había dado una oportunidad para volver al humor, corría un riesgo importante por tener que actuar después de la estrella del momento. "No me lo he planteado como un desafío, sino como un regalo. Es un público de mujeres y parejas, y es a ellos a quienes yo les hablo en mi rutina. Es una gran oportunidad", decía la comediante en las horas previas a su presentación. Subió al escenario al ritmo de "Respect" de Aretha Franklin y el público, especialmente femenino, la apoyó con aplausos y gritos. "Soy una mujer multifuncional. Estoy feliz, pero raja", partió diciendo en su rutina, que logró risas con comentarios sobre la maternidad y el feminismo. Se llevó la Gaviota de Plata pasada la 01:10.
Rating
Entre las 21:45 y las 00:20 horas, CHV lideró con un promedio de 29,5 puntos y un peak de 37. Siguió Mega con 11.5, Canal 13 con 5.9 y con 4.1.