Comunicado de prensa
MESÓN NERUDIANO
LUNES 14 DE ABRIL
Varias colaboraciones musicales cuentan ya en su agenda estos dos cómplices de la Chanson Francophone en Santiago: varios Lunes con tributos a personajes clave como Serge Gainsbourg, Jacques Brel y Claude Nougaro, visitas y saludos musicales recíprocos en eventos de ambos en el Mesón, la Máquina y otros escenarios… E incluso Tito ha reemplazado a Eduardo un Lunes que este último tuvo que cantar fuera del país!
Ahora cantan juntos al señor 100.000 voltios, el genial Gilbert Bécaud, de quien harán sus clásicos Nathalie, Et Maintenant, L’Important c’est la Rose,
Quand Il est Mort le Poète y otros… pero también canciones menos conocidas como Le Petit Oiseau de Toutes les Couleurs y Les Marchés de Provence…
Es la primera vez que un Lunes Brassensiano es dedicado a Bécaud con varios de sus temas, y Eduardo paga una deuda de muchos años, ya que las primeras canciones francesas que aprendió en el Colegio Notre Dame fueron precisamente Nathalie y L’Important c’est la Rose!
Por supuesto habrá temas de Georges Brassens en castellano (trabajo de Eduardo doblemente premiado por Francia hace 10 años) y de otros grandes de la canción francesa en ambos idiomas, más varias canciones creadas por Eduardo y Tito!
LUNES 14 DE ABRIL 21 HRS.
MESÓN NERUDIANO – Dominica 35
Adhesión: $ 6.000 Est. Y 3ª Edad: $ 4.000
Reservas al 27371542
Barrio Bellavista SANTIAGO
domingo, abril 13, 2014
Jóvenes músicos de la U. de Chile rescatan obra con las principales medidas de la UP
Comunicado de prensa
Canto al Programa es la musicalización de las principales medidas del gobierno de la Unidad Popular que en 1970 fue encargada a Sergio Ortega y Luis Advis. Sin partituras, los integrantes del conjunto Canto Crisol se embarcaron en el proyecto de recuperarlas y, a más de 40 años después de su estreno, se presentará en dos conciertos el 25 y 26 de abril en el Museo de la Memoria.
Por encargo del Partido Comunista, en 1970 los compositores Sergio Ortega y Luis Advis desarrollaron el proyecto consistente en musicalizar las principales medidas del gobierno de la Unidad Popular. Buscando difundir dichas iniciativas, la obra de Ortega y Advis, que además cuenta con textos de Julio Rojas, se denominó Canto al Programa y fue grabada ese mismo año por el grupo Inti Illimani.
“La obra tenía que estar grabada para el día en que Salvador Allende firmara el decreto de la nacionalización del cobre. Había poco más de un mes, para crear el texto, hacer la música, ensayar y grabarlas” cuenta Max Berrú, fundador de Inti Illimani. De esa pieza sólo queda el registro sonoro, ya que las partituras desaparecieron con el advenimiento del Golpe de Estado.
Buscando resarcir esa pérdida, los integrantes del conjunto artístico Canto Crisol, todos estudiantes de la Universidad de Chile, realizaron durante casi un año el rescate y recuperación de la obra de Ortega y Advis, trabajo que durante el mes de abril presentarán en el Museo de la Memoria y los Derechos Humanos.
“El proceso de recuperación consistió en transcribir en partitura las voces e instrumentación a partir de la grabación original. La transcribimos en pocos días, ya que pese a la duración total y la cantidad de canciones, fue un proceso sin contratiempos debido a la buena calidad de la grabación que se conserva” cuenta Arnaldo Delgado, director musical de Canto Crisol.
La propuesta de Canto Crisol consiste en intercalar los doce temas que contempla el Canto al Programa con grabaciones audiovisuales en las que distintas personas, relacionadas con las temáticas de la obra, entregan sus impresiones al respecto. Entre los participantes de la iniciativa se encuentran Melissa Sepúlveda, presidenta de la Fech, y Francisco Figueroa, candidato a diputado por Ñuñoa-Providencia 2013, entre otros.
“En un comienzo la idea de la recuperación surgió a propósito de la conmemoración de los 40 años del Golpe de Estado. Sin embargo, consideramos que rescatarla y reestrenarla responde al contexto dado bajo las demandas levantadas por los movimientos sociales en el último tiempo” cuenta Daniela Pacheco, sonidista de Canto Crisol.
Los conciertos de “Canto al Programa” se realizarán en el auditorio del Museo de la Memoria y los Derechos Humanos el 25 y 26 de abril a las 20:00 hrs. Las entradas tienen un valor único de $2000 y se venderán antes de las presentaciones en la boletería del museo.
El conjunto Canto Crisol también se encuentra trabajando en el montaje de la obra Canto de Rokha, basada en la obra del poeta licantenino Pablo de Rokha y compuesta especialmente para el grupo.
Canto al Programa es la musicalización de las principales medidas del gobierno de la Unidad Popular que en 1970 fue encargada a Sergio Ortega y Luis Advis. Sin partituras, los integrantes del conjunto Canto Crisol se embarcaron en el proyecto de recuperarlas y, a más de 40 años después de su estreno, se presentará en dos conciertos el 25 y 26 de abril en el Museo de la Memoria.
Por encargo del Partido Comunista, en 1970 los compositores Sergio Ortega y Luis Advis desarrollaron el proyecto consistente en musicalizar las principales medidas del gobierno de la Unidad Popular. Buscando difundir dichas iniciativas, la obra de Ortega y Advis, que además cuenta con textos de Julio Rojas, se denominó Canto al Programa y fue grabada ese mismo año por el grupo Inti Illimani.
“La obra tenía que estar grabada para el día en que Salvador Allende firmara el decreto de la nacionalización del cobre. Había poco más de un mes, para crear el texto, hacer la música, ensayar y grabarlas” cuenta Max Berrú, fundador de Inti Illimani. De esa pieza sólo queda el registro sonoro, ya que las partituras desaparecieron con el advenimiento del Golpe de Estado.
Buscando resarcir esa pérdida, los integrantes del conjunto artístico Canto Crisol, todos estudiantes de la Universidad de Chile, realizaron durante casi un año el rescate y recuperación de la obra de Ortega y Advis, trabajo que durante el mes de abril presentarán en el Museo de la Memoria y los Derechos Humanos.
“El proceso de recuperación consistió en transcribir en partitura las voces e instrumentación a partir de la grabación original. La transcribimos en pocos días, ya que pese a la duración total y la cantidad de canciones, fue un proceso sin contratiempos debido a la buena calidad de la grabación que se conserva” cuenta Arnaldo Delgado, director musical de Canto Crisol.
La propuesta de Canto Crisol consiste en intercalar los doce temas que contempla el Canto al Programa con grabaciones audiovisuales en las que distintas personas, relacionadas con las temáticas de la obra, entregan sus impresiones al respecto. Entre los participantes de la iniciativa se encuentran Melissa Sepúlveda, presidenta de la Fech, y Francisco Figueroa, candidato a diputado por Ñuñoa-Providencia 2013, entre otros.
“En un comienzo la idea de la recuperación surgió a propósito de la conmemoración de los 40 años del Golpe de Estado. Sin embargo, consideramos que rescatarla y reestrenarla responde al contexto dado bajo las demandas levantadas por los movimientos sociales en el último tiempo” cuenta Daniela Pacheco, sonidista de Canto Crisol.
Los conciertos de “Canto al Programa” se realizarán en el auditorio del Museo de la Memoria y los Derechos Humanos el 25 y 26 de abril a las 20:00 hrs. Las entradas tienen un valor único de $2000 y se venderán antes de las presentaciones en la boletería del museo.
El conjunto Canto Crisol también se encuentra trabajando en el montaje de la obra Canto de Rokha, basada en la obra del poeta licantenino Pablo de Rokha y compuesta especialmente para el grupo.
Nicanor Parra: "La Violeta siempre fue abajista, yo siempre fui arribista"
A poco más de cuatro meses de cumplir 100 años, Nicanor Parra resiste estoico el paso del tiempo frente al mar. Pasa el día escribiendo, es capaz de recitar de memoria y cantar. Aquí cuenta por qué rechazó la oferta de Farkas para la traducción de Hamlet y que hoy está más interesado en Diego Portales. Sobre su siglo no habla, tampoco de las fiestas que lo celebrarán.
por Roberto Careaga C.
Es un cuaderno universitario de hojas blancas que todos los días, a cada rato, gana una anotación. Una frase, un dibujo. Una pista. Es otro más de una colección que crece todos los días desde hace años. Nicanor Parra no lo suelta. La mañana del miércoles pasado, mientras la gata Rosita entraba y salía de la casa sin que nadie la llamara, el antipoeta detuvo la lectura del diario y empuñó su Bic negro para garabatear una idea al vuelo: una elemental portada de un libro que sólo lleva el título en la parte superior, Otro libro, y abajo el nombre de su autor, Nicanor Parra. “Lo acabo de hacer”, dice mostrándolo. “El título es todo. Tiene que ser vendedor. El poeta tiene que ser un empresario”, añade.
Envuelto en chalecos y camisas, Parra está sentado en el living de su casa en Las Cruces, iluminado por el tibio sol del mediodía. Está rodeado de diarios, algunos libros, a ratos también de la gata. Su vista al mar es inmejorable: “Ni los empresarios viven así”. Y sigue. “Los poetas les piden becas a la municipalidad, al Departamento de Literatura de la Universidad de Chile, se hacen socios de la Sech… Tienen que ser negociantes. Empresarios de empresarios. Casi no hay, salvo Neruda, que se metió al bolsillo al capitalismo y al marxismo, con los premios Nobel y el Stalin. Pero eso era otra época”.
A menos de 150 días de cumplir un siglo de vida, Parra desafía estoico al tiempo. El lumbago del año pasado, por decir algo, hoy está en calma. El autor de Versos de salón aún funciona por los mismos impulsos que hace 60 años lo llevaron a desmantelar los engranajes de la poesía y el lenguaje. Es capaz de recitar poemas de memoria, citar autores -de Heiddegger a Enrique Lihn- e incluso cantar sin desafinar. En una esquina del living hay un afiche de un recital que se realizó en la playa en enero pasado, celebrando anticipadamente sus 100 años, que cumple el 5 de septiembre. Lo colgó uno de sus hijos, el Chamaco. A él no le interesa mucho el tema.
- Se vienen los 100 años -dice indiferente. Luego mira de frente, cierra la boca y pasa dos dedos por los labios como si corriera un cierre. Termina con un shisst.
La fecha atrae a todo tipo de visitantes a Las Cruces, cuenta Rosa Avendaño, su celosa empleada y guardiana. Muchos más que antes. No hace mucho, un bus se estacionó frente a la casa de Parra: era un tour de la tercera edad que venía a conocer la casa del ganador del Premio Miguel de Cervantes 2011. También se aparecen magnates. En noviembre del año pasado llegó a verlo el empresario Leonardo Farkas: “Llegó con una maleta llena de billetes con un millón de dólares”, cuenta el poeta, recordando que no hacía mucho él había pedido a un mecenas para trabajar en su famoso proyecto de traducir el Hamlet de William Shakespeare. Pidió públicamente un millón de dólares y, según dice, Farkas se lo tomó literal.
La colaboración no prosperó. Esa misma tarde se aguó. Parra prefiere un gesto: cierra el puño y le pega a un extremo con la otra palma abierta, haciendo tapa. También pasó que el autor de Sermones y Prédicas del Cristo del Elqui ya no está para traducciones. “Yo estuve trabajando en el Hamlet durante 40 años, me lo sabía de memoria. Después pasó lo que pasó y lo dejé”, dice. Luego eleva el tono. “Dejé al Quijote, dejé a Hamlet. Dejé a todos los personajes. Dejé la ficción. Qué me importan las voladas personales de Shakespeare o Cervantes. Me quedé con Diego Portales”, añade.
Muchas cosas le interesan a Parra de Portales, pero disfruta sobre todo de su lado oscuro: “Le gustaba ir a La Chimba, al otro lado del Mapocho. Ahí era más rápido el amor”, dice, y recuerda a la “señorita Z”, una mujer que engañó a Portales falseando su virginidad. Todo eso está en la correspondencia del político, la más preciada lectura del poeta por estos días: “En las cartas de Portales, y también en las de O’Higgins, está la realidad-realidad. Eso no es literatura. Es la historia de Chile, de la República”, asegura.
¿Piensa escribir algo sobre Diego Portales?
Yo, ya no ya… -dice sin terminar la frase. Y la repite, degustándola: “Yo, ya no ya”.
No, no escribe. Regularmente, al menos, no. Hoy lo de Parra son chispazos, notas al pie de una obra que redefinió la poesía a la luz del habla popular y la duda radical. Ya se sabe: bajó a los poetas del Olimpo y los dejó a la intemperie. El primer disparo de su revolución fue Poemas y antipoemas, publicado en 1954 y que está cumpliendo 60 años. Precisamente ese hito será el que dé la partida para un año consagrado al antipoeta: el 28 de abril la Biblioteca Nicanor Parra, de la UDP, inaugurará la exposición Antiprofesor. 60 años de Poemas y Antipoemas, preparada por Marcelo Porta, y que recoge la historia del volumen en fotografías y documentos. En el segundo semestre, en tanto, la editorial de la universidad reeditará el libro, inaugurando una colección de clásicos latinoamericanos.
Las fiestas continúan con una nueva edición de los Artefactos (1972), impulsada por la Municipalidad de Santiago junto a Aguas Andinas, la que será distribuida gratuitamente entre los habitantes de la comuna para que en septiembre se hagan exposiciones en la calle con las postales. En agosto, en tanto, la Biblioteca Parra recibirá Obras públicas, la misma exposición que antes estuvo en Guadalajara y Madrid y que recoge su largo coqueteo con las artes plásticas, desde los Quebrantahuesos (1952). Poco después, el GAM abrirá una muestra curada por el nieto de Parra, Cristóbal Ugarte, el “Tololo”, con fotografías y documentos desconocidos.
“¿Fiestas?”, pregunta Parra incrédulo, descartando alguna visita a Santiago para las actividades. No es que no le gusten, pero prefiere los libros sobre su obra. Los “evangelios”, les llama bromeando, y pide más, justo antes de que golpee la puerta el editor de La antipoesía de Nicanor Parra, un legado para todos & para nadie (Ed. Museo Histórico Nacional), de César Cuadra. Nicanor revisa un ejemplar y lo pone junto a La poesía de Violeta Parra, de Paula Miranda, recién publicado por la Universidad Católica. “Pero ahora me di cuenta que el genio de la familia es otra: Clara Sandoval. La top one”, dice el poeta, recordando a su madre, fallecida en 1982.
El poeta agarra vuelo y recita, sin repetir ni equivocarse, un poema de cuatro estrofas de su mamá: es la historia de un matrimonio y un funeral, el de la hija y una madre: “Uhhhh… Devastador”, dice el terminar. Después de una pausa se pone a cantar una tonada de su padre. “A ese hay que descubrirlo ahora”, asegura, y trae del pasillo de la casa una foto antigua donde aparece su papá con un traje elegante. “Propietario, pues. ¿Ve? La Viola les hizo creer a todos que éramos forajidos, pero éramos más propietarios. La Violeta siempre fue abajista, yo siempre fui arribista”, lanza.
Paul McCartney: "No tiene sentido retirarse"
El Mercurio
El ex Beatle llega por tercera vez a Chile, con plena vigencia a sus 71 años, para ofrecer dos conciertos en Santiago. "Mientras el público siga pidiendo, la música sigue sonando", dice.
Diego Rammsy S.
Hace unos días que Paul McCartney se encuentra en Los Angeles ensayando con la banda que lo acompaña en sus giras. Su próximo destino es Sudamérica -tramo que incluye una doble función en Santiago los días 21 y 22 de abril en Movistar Arena-, y mientras viaja en un auto dentro de la ciudad californiana, concede un tiempo para conversar sobre su actualidad musical, que a sus 71 años lo mantiene tan vigente como en su mejor época junto a los Beatles, solo que ahora no debe compartir los créditos con nadie más.
"Las cosas van estupendamente, estamos pasando un buen rato, la banda suena bien, el clima es bueno...", dice el músico con voz relajada. Porque ¿qué motivos podría tener el bajista para preocuparse? Tiene la mejor banda, el mejor repertorio, el mejor sonido, incluso el mejor manager . Scott Rodger, el representante que comparte con la banda Arcade Fire, fue escogido como Manager del Año en los Artist & Manager Awards 2014. "Es muy bueno, es un gran tipo, yo le enseñé todo lo que sabe (risas)... no, en realidad es un tipo genial, es muy trabajador, definitivamente merece ese reconocimiento", dice McCartney con humor.
A estas alturas de su vida y su carrera, nada parece sorprenderle mucho. Lo que habla de los Beatles suena como discurso aprendido de memoria; en cambio, haber sido sorprendido en un partido de básquetbol de la NBA junto a su esposa Nancy (52) y su hijo James (36), le devuelve el ánimo a su tono algo displicente. "¡Sí! Esas son las cosas que hacemos con mi familia, ir a partidos. Claro, las cámaras me siguen, pero no quiero estar en la audiencia con lentes oscuros y un gorro pretendiendo no estar ahí, voy a divertirme y cuando veo las cámaras enfocándome, no me importa. Creo que mucha gente solo piensa 'es un buen tipo que se divierte'", comenta. Porque el domingo pasado, el ex Beatle fue visto entre el público del partido entre los Clippers y los Lakers. Pero aparte de ser captado por las cámaras celebrando, aplaudiendo y conversando, fue la famosa kiss cam la que lo enfocó, obligándolo a besar a su mujer frente a toda la audiencia, a lo que accedió con la dulzura de un muchacho enamorado.
-¿Puede disfrutar de una vida normal con esa fama sobre los hombros?
"Sí, aunque no puede ser tan normal porque todo el tiempo están las cámaras sobre mí. Una alternativa es sentarte ahí y fingir no pasarla bien, pero yo la paso bien, entonces actúo naturalmente y cuando nos ponen la kiss cam y nos besamos, es muy divertido. La única diferencia para mí es que todo sería ordinario si las cámaras no me pusieran en TV, de otra forma solo seríamos mi esposa y yo como dos personas comunes. Ya sé que eso es lo que va a pasar si salgo a ver un partido, entonces solo lo disfruto".
McCartney en el siglo XXI
Sin duda el bajista de una de las bandas más populares de todos los tiempos se las ha arreglado para mantener una vigencia de la que pocos podrían presumir. Tras su época dorada junto con el cuarteto de Liverpool, este sobresaliente compositor de melodías populares comenzó una carrera solista que no ha menguado a lo largo de 40 años. También su espectáculo en vivo ha cobrado una madurez y una calidad reconocida hoy en el mundo entero. No es coincidencia que tras su tardío debut en Chile en 1993, tuviese la oportunidad de regresar al país dos veces en menos de tres años. Ahora incluso con dos conciertos consecutivos en Santiago. "Antes solía ser más difícil tocar en Sudamérica, porque la gente tenía más preocupaciones. Pero hoy en día los promotores están más felices de mandar gente a países como Chile, porque está mucho mejor, entonces hice un espacio para ir, porque la audiencia es genial", explica
McCartney, que esta vez llega con la gira "Out there!" recreando sus mayores éxitos. Pero, a diferencia de su última visita al país, en 2011, trae dos nuevos discos de estudio en el equipaje: "Kisses on the bottom" (2012) y "New" (2013).
Otro frente que McCartney no había explorado hasta hace poco era el de los festivales musicales masivos, un aspecto que le ha dado una nueva cara a este veterano de la industria.
-¿Cree que sus participaciones en festivales como Coachella y Bonnaroo lo han acercado a un público más joven?
"Sí, en el pasado nunca pensé en festivales porque no estaba seguro de que fuéramos la banda adecuada para tocar en ellos. Pero como dices, estuvimos tocando en Coachella, Bonnaroo y Glastonbury, y es una gran audiencia de básicamente jóvenes, pero cuando ves el público en Chile, muchos también son jóvenes. Es sorprendente que haya gente tan joven asistiendo a nuestros conciertos y es bueno que vayan las generaciones nuevas".
-¿Cree que apostar por un sonido más contemporáneo ha marcado una diferencia para llegar a las nuevas generaciones?
"Sí, creo que siempre es bueno tener un nuevo álbum para tocar nuevas canciones en el concierto y esa fue la idea. Es genial porque ha sido exitoso y mucha gente lo ha escuchado. Los productores con los que trabajé también lo han hecho con bandas más jóvenes y eso trae sonidos nuevos que hacen que se escuche muy bien, que se toque mucho en la radio; es justo lo que queríamos".
-Con respecto al aniversario de los 50 años de la Beatlemanía, ¿existen nuevos planes que incluyan a Ringo Starr?
"No, ya hicimos eso en Los Angeles para los Grammy, tocamos juntos, y luego la noche siguiente tuvimos un discreto tributo en TV, donde tocamos nuevamente. Pero aparte de eso, no tenemos planes. Cada uno está por su cuenta".
-Mirando atrás, ¿qué fue lo más importante que hicieron los Beatles?
"Hacer buena música, y libertad. Creo que para mucha gente a la que llegamos parecía que no estaba permitido tener libertad y miraron a los Beatles y dijeron 'podemos tener esa libertad'. Porque éramos un grupo muy libre, eso era muy importante para nosotros en la música y en nuestro estilo de vida. En Estados Unidos, cuando nos presentamos en el show de Ed Sullivan por primera vez, he conocido a gente que me ha dicho 'sí, era un niño, estaba viendo la TV y no sabíamos qué era eso, pero no podíamos creerlo'. Y muchos de ellos decidieron seguir ese camino y se convirtieron en músicos o managers porque querían ser parte de ese sentimiento. Pero por encima de todo estaba la música".
-¿Compararía a los Beatles con algún músico de hoy?
"Con ninguno. Es difícil compararlos con los grupos que hay actualmente, y es muy difícil para cualquiera compararse con los Beatles porque fueron algo muy especial. Y aunque hay muchos buenos músicos actualmente, como U2, Coldplay y Kings of Leon, no es fácil hacer una comparación porque nosotros tuvimos muy buenos tiempos y buenos discos. En la época en que sucedió todo tuvimos un efecto muy grande, eran tiempos muy diferentes y cuesta tener ese efecto hoy en día".
-¿Alguna vez se cansa de su trabajo?
"No. A veces es normal sentirse cansado del trabajo, físicamente, pero amo lo que hago y soy muy afortunado, no todos tienen la oportunidad de tener un trabajo que disfruten, que te lleve a diferentes lugares. Para mucha gente estas serían las vacaciones soñadas. Tengo una gran banda, amamos la música que tocamos y amamos al público. Y soy muy afortunado porque el público nos ama, entonces tenemos el paquete completo".
-Entonces, ¿pensar en el retiro no está dentro de sus opciones?
"Mientras te sientas bien, mientras el público siga pidiendo, la música sigue sonando. Por el momento tenemos todo lo que necesitamos, una buena banda, una gran familia, buena música, excelentes canciones, hacemos lo que amamos, amo tocar instrumentos y me es posible, y aunque me retirara lo seguiría haciendo como un hobby . No tiene sentido retirarse. Y además ¡solo tengo 45! (risas)".
Sus pasos por Chile
El 13 de diciembre de 1993 Paul McCartney aterrizó en Chile por primera vez en su carrera para ofrecer un concierto en el Estadio Nacional. "The new world tour" era la gira que lo llevaba a debutar en Santiago el 16 de diciembre, con entradas que costaban entre 8 mil y 20 mil pesos. Más tarde saldría una promoción poco antes del día del show con la intención de vender más boletos, que permitía adquirirlos a solo 5 mil pesos más tres tapas de cerveza Cristal, marca auspiciadora del evento entonces.
Tuvieron que pasar 17 años para que el ex Beatle regresara al país. El 11 de mayo de 2011 fue la fecha fijada para su retorno, ocasión en la que brindó un concierto ante un repleto Estadio Nacional con el "Up and coming tour". Esa vez, en solo el primer día de venta se despacharon 19 mil entradas, poco menos de la mitad de la convocatoria total del lugar. En esa ocasión, el espectáculo tuvo de todo: pirotecnia, pantallas de 18 metros y homenajes a sus ex compañeros de los Beatles fallecidos.
Ahora, en su tercera visita, ofrecerá dos conciertos consecutivos en Movistar Arena el 21 y 22 de abril para los que quedan menos de mil boletos para cada jornada.
El ex Beatle llega por tercera vez a Chile, con plena vigencia a sus 71 años, para ofrecer dos conciertos en Santiago. "Mientras el público siga pidiendo, la música sigue sonando", dice.
Diego Rammsy S.
Hace unos días que Paul McCartney se encuentra en Los Angeles ensayando con la banda que lo acompaña en sus giras. Su próximo destino es Sudamérica -tramo que incluye una doble función en Santiago los días 21 y 22 de abril en Movistar Arena-, y mientras viaja en un auto dentro de la ciudad californiana, concede un tiempo para conversar sobre su actualidad musical, que a sus 71 años lo mantiene tan vigente como en su mejor época junto a los Beatles, solo que ahora no debe compartir los créditos con nadie más.
"Las cosas van estupendamente, estamos pasando un buen rato, la banda suena bien, el clima es bueno...", dice el músico con voz relajada. Porque ¿qué motivos podría tener el bajista para preocuparse? Tiene la mejor banda, el mejor repertorio, el mejor sonido, incluso el mejor manager . Scott Rodger, el representante que comparte con la banda Arcade Fire, fue escogido como Manager del Año en los Artist & Manager Awards 2014. "Es muy bueno, es un gran tipo, yo le enseñé todo lo que sabe (risas)... no, en realidad es un tipo genial, es muy trabajador, definitivamente merece ese reconocimiento", dice McCartney con humor.
A estas alturas de su vida y su carrera, nada parece sorprenderle mucho. Lo que habla de los Beatles suena como discurso aprendido de memoria; en cambio, haber sido sorprendido en un partido de básquetbol de la NBA junto a su esposa Nancy (52) y su hijo James (36), le devuelve el ánimo a su tono algo displicente. "¡Sí! Esas son las cosas que hacemos con mi familia, ir a partidos. Claro, las cámaras me siguen, pero no quiero estar en la audiencia con lentes oscuros y un gorro pretendiendo no estar ahí, voy a divertirme y cuando veo las cámaras enfocándome, no me importa. Creo que mucha gente solo piensa 'es un buen tipo que se divierte'", comenta. Porque el domingo pasado, el ex Beatle fue visto entre el público del partido entre los Clippers y los Lakers. Pero aparte de ser captado por las cámaras celebrando, aplaudiendo y conversando, fue la famosa kiss cam la que lo enfocó, obligándolo a besar a su mujer frente a toda la audiencia, a lo que accedió con la dulzura de un muchacho enamorado.
-¿Puede disfrutar de una vida normal con esa fama sobre los hombros?
"Sí, aunque no puede ser tan normal porque todo el tiempo están las cámaras sobre mí. Una alternativa es sentarte ahí y fingir no pasarla bien, pero yo la paso bien, entonces actúo naturalmente y cuando nos ponen la kiss cam y nos besamos, es muy divertido. La única diferencia para mí es que todo sería ordinario si las cámaras no me pusieran en TV, de otra forma solo seríamos mi esposa y yo como dos personas comunes. Ya sé que eso es lo que va a pasar si salgo a ver un partido, entonces solo lo disfruto".
McCartney en el siglo XXI
Sin duda el bajista de una de las bandas más populares de todos los tiempos se las ha arreglado para mantener una vigencia de la que pocos podrían presumir. Tras su época dorada junto con el cuarteto de Liverpool, este sobresaliente compositor de melodías populares comenzó una carrera solista que no ha menguado a lo largo de 40 años. También su espectáculo en vivo ha cobrado una madurez y una calidad reconocida hoy en el mundo entero. No es coincidencia que tras su tardío debut en Chile en 1993, tuviese la oportunidad de regresar al país dos veces en menos de tres años. Ahora incluso con dos conciertos consecutivos en Santiago. "Antes solía ser más difícil tocar en Sudamérica, porque la gente tenía más preocupaciones. Pero hoy en día los promotores están más felices de mandar gente a países como Chile, porque está mucho mejor, entonces hice un espacio para ir, porque la audiencia es genial", explica
McCartney, que esta vez llega con la gira "Out there!" recreando sus mayores éxitos. Pero, a diferencia de su última visita al país, en 2011, trae dos nuevos discos de estudio en el equipaje: "Kisses on the bottom" (2012) y "New" (2013).
Otro frente que McCartney no había explorado hasta hace poco era el de los festivales musicales masivos, un aspecto que le ha dado una nueva cara a este veterano de la industria.
-¿Cree que sus participaciones en festivales como Coachella y Bonnaroo lo han acercado a un público más joven?
"Sí, en el pasado nunca pensé en festivales porque no estaba seguro de que fuéramos la banda adecuada para tocar en ellos. Pero como dices, estuvimos tocando en Coachella, Bonnaroo y Glastonbury, y es una gran audiencia de básicamente jóvenes, pero cuando ves el público en Chile, muchos también son jóvenes. Es sorprendente que haya gente tan joven asistiendo a nuestros conciertos y es bueno que vayan las generaciones nuevas".
-¿Cree que apostar por un sonido más contemporáneo ha marcado una diferencia para llegar a las nuevas generaciones?
"Sí, creo que siempre es bueno tener un nuevo álbum para tocar nuevas canciones en el concierto y esa fue la idea. Es genial porque ha sido exitoso y mucha gente lo ha escuchado. Los productores con los que trabajé también lo han hecho con bandas más jóvenes y eso trae sonidos nuevos que hacen que se escuche muy bien, que se toque mucho en la radio; es justo lo que queríamos".
-Con respecto al aniversario de los 50 años de la Beatlemanía, ¿existen nuevos planes que incluyan a Ringo Starr?
"No, ya hicimos eso en Los Angeles para los Grammy, tocamos juntos, y luego la noche siguiente tuvimos un discreto tributo en TV, donde tocamos nuevamente. Pero aparte de eso, no tenemos planes. Cada uno está por su cuenta".
-Mirando atrás, ¿qué fue lo más importante que hicieron los Beatles?
"Hacer buena música, y libertad. Creo que para mucha gente a la que llegamos parecía que no estaba permitido tener libertad y miraron a los Beatles y dijeron 'podemos tener esa libertad'. Porque éramos un grupo muy libre, eso era muy importante para nosotros en la música y en nuestro estilo de vida. En Estados Unidos, cuando nos presentamos en el show de Ed Sullivan por primera vez, he conocido a gente que me ha dicho 'sí, era un niño, estaba viendo la TV y no sabíamos qué era eso, pero no podíamos creerlo'. Y muchos de ellos decidieron seguir ese camino y se convirtieron en músicos o managers porque querían ser parte de ese sentimiento. Pero por encima de todo estaba la música".
-¿Compararía a los Beatles con algún músico de hoy?
"Con ninguno. Es difícil compararlos con los grupos que hay actualmente, y es muy difícil para cualquiera compararse con los Beatles porque fueron algo muy especial. Y aunque hay muchos buenos músicos actualmente, como U2, Coldplay y Kings of Leon, no es fácil hacer una comparación porque nosotros tuvimos muy buenos tiempos y buenos discos. En la época en que sucedió todo tuvimos un efecto muy grande, eran tiempos muy diferentes y cuesta tener ese efecto hoy en día".
-¿Alguna vez se cansa de su trabajo?
"No. A veces es normal sentirse cansado del trabajo, físicamente, pero amo lo que hago y soy muy afortunado, no todos tienen la oportunidad de tener un trabajo que disfruten, que te lleve a diferentes lugares. Para mucha gente estas serían las vacaciones soñadas. Tengo una gran banda, amamos la música que tocamos y amamos al público. Y soy muy afortunado porque el público nos ama, entonces tenemos el paquete completo".
-Entonces, ¿pensar en el retiro no está dentro de sus opciones?
"Mientras te sientas bien, mientras el público siga pidiendo, la música sigue sonando. Por el momento tenemos todo lo que necesitamos, una buena banda, una gran familia, buena música, excelentes canciones, hacemos lo que amamos, amo tocar instrumentos y me es posible, y aunque me retirara lo seguiría haciendo como un hobby . No tiene sentido retirarse. Y además ¡solo tengo 45! (risas)".
Sus pasos por Chile
El 13 de diciembre de 1993 Paul McCartney aterrizó en Chile por primera vez en su carrera para ofrecer un concierto en el Estadio Nacional. "The new world tour" era la gira que lo llevaba a debutar en Santiago el 16 de diciembre, con entradas que costaban entre 8 mil y 20 mil pesos. Más tarde saldría una promoción poco antes del día del show con la intención de vender más boletos, que permitía adquirirlos a solo 5 mil pesos más tres tapas de cerveza Cristal, marca auspiciadora del evento entonces.
Tuvieron que pasar 17 años para que el ex Beatle regresara al país. El 11 de mayo de 2011 fue la fecha fijada para su retorno, ocasión en la que brindó un concierto ante un repleto Estadio Nacional con el "Up and coming tour". Esa vez, en solo el primer día de venta se despacharon 19 mil entradas, poco menos de la mitad de la convocatoria total del lugar. En esa ocasión, el espectáculo tuvo de todo: pirotecnia, pantallas de 18 metros y homenajes a sus ex compañeros de los Beatles fallecidos.
Ahora, en su tercera visita, ofrecerá dos conciertos consecutivos en Movistar Arena el 21 y 22 de abril para los que quedan menos de mil boletos para cada jornada.
Los niños músicos de Arauco
En Chile hay 12 mil niños en orquestas juveniles. Una de ellas es Ayekafe, en Arauco. Estos músicos, la mayoría de origen rural, se han presentado en el Luna Park de Buenos Aires y en el Municipal de Santiago. Ahora están seleccionados para el mayor hito de su carrera, el encuentro mundial de orquestas juveniles en Iguazú. El problema es uno solo: aún les falta dinero para ir.
Por Claudio Gaete, desde Arauco. Fotos Felipe Ignacio González
Mical soñó una vez que su violín estaba hecho de cristal. Era delicado y frágil, y tenía que tomarlo con cuidado para que no se rompiera.
Ella tiene 11 años y está en sexto básico. Ha tenido ese sueño solo una vez y no sabe si significa algo. Lo que sí sabe es que le apasiona ese instrumento. Cuenta que cuando un grupo de profesores llegó a su curso en la Escuela Edelmira Vergara de Arauco, hace dos años, para preguntar si alguien quería participar en la orquesta juvenil, ella fue la primera en levantar la mano.
No sabía mucho de música y mucho menos de música clásica, pero le gustaba el violín. Lo había visto en unos videos y tiene un primo que sabe tocarlo. Siempre le gustó el sonido.
Hoy lleva dos años en la Orquesta Juvenil de Arauco Ayekafe, que en mapudungún significa "los que tocan instrumentos", y ya es capaz de sacar algunas melodías con tan solo escucharlas.
"Me enseñaron la postura del violín y del arco, y luego a leer las partituras. Lo que más me costó fue hacer los ligados (legato) y empezar a hacer notas distintas, en diferentes cuerdas, y cambiar de una posición a otra. Ahora ya lo domino. Cuando nos enseñan una canción, la busco por internet para saber cuál es el ritmo. Ya he sacado dos canciones". Una es "La niña de tus ojos" (canción cristiana de Daniel Calveti), y "La canción de la alegría" (de la novena sinfonía de Beethoven). Mical habla con entusiasmo. Pronuncia cada palabra con cuidado, con todas las eses y con una elocuencia poco común para un niño.
"Me gusta Vivaldi. Y siempre me ha gustado Mozart. En un libro leí que él empezó a componer música a los cinco años y en esa época era el único niño prodigio que había. Eso me llamó mucho la atención. Yo me siento un poco prodigio", dice tímida.
Su padre, Luis Huenimilla, cree que el amor por la música le viene de cuando su esposa estaba embarazada de ella y escuchaban himnos evangélicos. También a Beethoven.
Ensayar y ensayar
Es la tarde del viernes en una sala de clases de la escuela Edelmira Vergara, en Arauco, una ciudad de no más de 20 mil habitantes a 67 kilómetros al sur de Concepción. Es el día que la orquesta se reúne a ensayar, bajo la batuta del maestro Manuel Fuentealba. Él viaja especialmente desde Concepción cada viernes para dirigir a los cerca de 30 niños y jóvenes de entre 9 y 19 años que componen la orquesta.
Con un metrónomo electrónico, Fuentealba va revisando uno por uno los instrumentos para ver si están afinados. Entre las conversaciones y risas, se escuchan violines, violas, cellos, flautas, clarinetes, tambores, algunos afinando y otros repasando melodías frente a una partitura. De pronto, el maestro se para frente al grupo y pide silencio con energía. Golpea su batuta contra un atril y pide afinar por grupos de instrumentos. Luego levanta la batuta, da una mirada a todo el grupo y ordena: "Farándula".
Con ímpetu, la orquesta comienza a tocar la suite número 2 de "La Arlesiana", de George Bizet, que incluye la pieza llamada "Farándula".
Una vez terminada, comenta:
-¡Tienen que ser mucho más expresivos! ¡Esto requiere fortissimo!
Se repite la pieza. Luego se toca otra. Así, hasta pasadas las 6 y media de la tarde. La orquesta se está preparando para su desafío más importante: Iguazú en Concierto, un festival de orquestas y coros juveniles de todo el mundo y para el cual fueron seleccionados entre cientos de agrupaciones.
El evento contempla seis días de presentaciones en distintos lugares naturales y cierra con un megaconcierto, donde más de 700 músicos interpretarán distintas piezas. Una de ellas es una versión sinfónica de la canción de Los Jaivas, "Todos juntos". El tema fue interpretado por la orquesta en una presentación que realizó en Buenos Aires en 2013, en otro encuentro de orquestas juveniles.
"Fue tal la impresión que causó que los organizadores decidieron que esa pieza debería estar en el megaconcierto de clausura", cuenta Jaime Escobar, presidente de la Agrupación Cultural de Padres y Amigos de la orquesta Ayekafe, que fue formada para poder postular a fondos concursables que les permitan solventar los gastos.
Aaron tiene 12 años, va en séptimo básico y toca la caja y el bombo. Ingresó a la orquesta hace cuatro años, es el hijo de Jaime Escobar y le gusta la percusión, "porque es una forma libre de expresarse".
Dice que antes sabía algo de música, porque una tía tiene un piano y él, a veces, tocaba un poco. "Además, el piano igual es un instrumento de percusión y no mucha gente lo sabe", afirma con seguridad. Hiperactivo y con alma de líder, según sus profesores, Aaron cuenta que le gustaría seguir en la orquesta. Gracias a ella, fue a Argentina en 2013 e hizo un solo en el teatro Luna Park. "Igual me dio un poco de nervios, pero me sentía tranquilo porque estaba haciendo lo que me gusta", dice.
Ingresó a la agrupación a los ocho años, ensaya dos horas al día y aunque no sabía de música clásica, hoy se preocupa de bajar piezas de Mozart desde internet, y en su computador guarda videos de orquestas que le gustan. Tiene promedio 6 y espera con ansias el notebook que le va a llegar de regalo por parte de su escuela. También le gusta el fútbol, es hincha de Colo Colo y del Real Madrid y es seleccionado de su escuela.
Como los otros niños, formar parte de la orquesta le ha permitido ampliar su vocabulario y familiarizarse con términos musicales, como el adagio y el forte. Le encantan los platillos porque suenan muy fuerte y entre sus obras favoritas está la "Obertura 1812", de Tchaikovski. La pieza, incluye el uso de cañones en la parte final. "Al final es pura percusión, es muy buena. Este año, cuando fuimos a Lebu, la escuché en vivo, es emocionante, se me pone la piel de gallina", afirma.
"Amo la música"
En 2007, el entonces director de la escuela Edelmira Vergara, José Parada, junto con la jefa técnica de la entidad y actual directora, Soledad Vega, y la profesora de Música, Alba Vargas, le dieron vida a la orquesta Ayekafe. Querían fomentar la música entre los alumnos, para que mejoraran el rendimiento y tuvieran una actividad atractiva a la cual dedicarse. En el pueblo no hay mucho que hacer, los inviernos son lluviosos y grises, y vive una importante comunidad de origen mapuche de escasos recursos.
Postularon a los fondos que entrega la Fundación Orquestas Infantiles y Juveniles de Chile y lograron que les pasaran instrumentos en comodato. Luego les pidieron a profesores de Música de la Universidad de Concepción que hicieran audiciones entre los niños y que impartieran clases.
"El tema de la música clásica implica más dedicación, más responsabilidad y apoyo de la casa para permanecer en la orquesta. La música docta no es habitual que sea escuchada por los niños", cuenta Soledad Vega.
Al principio, la actitud de los padres no fue tan cercana, pero luego se fueron involucrando y hoy están organizados en la agrupación que preside Jaime Escobar.
Actualmente la orquesta tiene 33 músicos y hay un semillero de nuevos integrantes cada año, lo cual da una cifra final de 49 músicos.
Gerardo Millar tiene 19 años y estudia Ingeniería Civil en la Universidad del Biobío, pero aún pertenece a la orquesta. Entró hace tres años y toca el violín. En la escuela dicen que tiene un talento innato.
Gerardo dice, timidamente, que no tiene talento. Pero, cuando entró a la orquesta no sabía nada de música. Aprendió a tocar el violín en poco tiempo. "Aprendí viniendo a las clases, de oído. Siempre me ha gustado la música clásica, pero no escuchaba mucho. Eso sí, me daba cuenta de que memorizaba todas las melodías rápidamente y cada vez me gustó más".
Sus compositores favoritos son Bach, Mozart, Boccherini, Mendelssohn y Schumann, a quien considera más expresivo.
De repente la timidez desaparece y deja ver su pasión por la música. Habla de su admiración por Itzhak Perlman y Yehudi Menuhin, dos de los más connotados violinistas del mundo. De Perlman lamenta no haberlo podido ir a escuchar cuando vino a Chile en 2012 y que le gustaría tocar como él.
"Pero se me complicaron las cosas. Mis papás me dijeron que no, que esto no da plata. Ya lo he conversado mucho con ellos. Igual me dolió, pero me acostumbré a la carrera", afirma.
Su papá es obrero y trabaja arreglando jardines para la municipalidad de Arauco por el sueldo mínimo. Gerardo se ganó una beca gracias a sus buenas notas y ya no tiene que viajar todos los días a Concepción, sino que le pagan una residencial cerca de la universidad.
-¿Te gusta ingeniería más que música?
-No, me gusta más la música. Me encanta la música, amo la música.
El dinero que falta
Entre el 26 y el 31 de mayo se realizará en Puerto Iguazú la quinta versión del Festival Iguazú en Concierto. El viaje ha sido motivo de alegría para estos niños. Pero también de preocupación. Se requieren, al menos, 22 millones de pesos para traslados, alojamiento y alimentación. Esto, considerando un viaje en bus: más de 60 horas de ida y otras 60 de vuelta. Hasta la fecha, cuenta Jaime Escobar, han logrado juntar 19 millones y medio. Soledad Vega, la directora de la escuela, detalla que redestinó dinero para un plan de mejora para el establecimiento y pudo aportar 5 millones. La municipalidad de Arauco también realizó una contribución y la empresa Celulosa Arauco entregó un cheque por 4 millones de pesos. "El resto se ha obtenido a punta de bingos, rifas, completadas, venta de empanadas, pescado frito y todo tipo de actividades que realizan los apoderados cada fin de semana", cuenta Escobar.
El viernes, el día del ensayo, Escobar les dio un reporte a los niños con todo lo recaudado y les dijo que habían conseguido permiso municipal para tocar en lugares públicos, así que les anunció que iban a presentarse los domingos en la plaza, después de misa.
"Esperamos conseguir la plata que nos falta. Queremos que tres integrantes, los que están en la universidad, se vayan en avión, porque así, en vez de perder dos semanas de clases, solo será una. Pero lo ideal sería que todos los niños se fueran en avión y no en bus", cuenta Escobar. "Pero eso sí que nos saldría caro".
El ensayo general ha terminado. Algunos alumnos se quedan a practicar un rato más, mientras se escuchan los acordes de "La Cumparsita". Entre ellos está Francisco Matamala. Antes de entrar a la orquesta, no era buen alumno. A los 12 años se lo pasaba jugando fútbol y, en sus propias palabras, dice que era "desordenado e inquieto". Tenía malas notas y, según Soledad Vega, "costaba que aprendiera, que se quedara quieto, sus padres trabajaban y pasaba mucho tiempo sin supervisión".
Eso, hasta que apareció la orquesta juvenil. Y un cello. De eso ya van seis años y hoy es considerado el más talentoso por los profesores. Actualmente está en un preuniversitario preparando la PSU para poder estudiar Licenciatura en Música en la Universidad de Chile.
Francisco cuenta que no sabía nada de música, pero le llamaba la atención la clásica. Un día vio un comercial de tallarines, donde tocaban algo que le gustó, pero no conocía. Buscó la pieza en internet y quiso sacarla con su instrumento. En poco tiempo, tenía dominada la suite número 1 para cello de Bach.
"El cello me gustó desde el principio. Cuando llegaron los profesores, cada uno tocó una melodía con un instrumento y un profesor interpretó 'La Pantera Rosa', y yo dije, ese es mi instrumento. Nunca me cambie. Fue un flechazo. El sonido me gusta, los graves, los agudos, se pueden interpretar cosas románticas, rápidas, uno puede expresar muchos sentimientos con más facilidad".
El cambio que la música provocó en Francisco es innegable. Sus notas y su comportamiento mejoraron. "El solo hecho de haber rescatado a ese niño, le da un valor a la orquesta", dice la directora.
Hoy Francisco le dedica siete horas diarias a la práctica.
Su único sueño es pertenecer a una orquesta profesional.
El Teatro Municipal de Santiago abrirá sus puertas al rock espacial de Spiritualized
El Mercurio
La banda inglesa regresa a la capital para presentar un show íntimo acompañado de un coro gospel y un cuarteto de cuerdas, en agosto próximo.
FELIPE RAMOS
En los últimos años el Teatro Municipal de Santiago ha visto circular por su escenario a una serie de artistas y espectáculos que han extendido su oferta programática fuera del mundo clásico. Si hace años fueron Los Tres, Los Jaivas y más recientemente el grupo Electrodomésticos y Jorge González los encargados de llevar las guitarras al recinto de calle Agustinas, el 21 de agosto próximo se presentará la banda inglesa Spiritualized, lo cual significa la primera aparición de un grupo de rock extranjero en dicho lugar.
Spiritualized, banda formada a principios de los 90 en Gran Bretaña y que alcanzó gran popularidad con su disco "Ladies and Gentlemen we are floating in space" -que, de acuerdo a la prensa especializada, batió a "Ok Computer" de Radiohead como mejor disco de 1997-, tocó por primera vez en Chile en noviembre del año pasado como plato fuerte del festival Primavera Sound. En esa ocasión el grupo vino con su formación más rockera, pero esta vez regresa para dar vida a un concierto acústico bajo el mando del líder y único miembro permanente de la banda, Jason Pierce, quien estará acompañado de un tecladista, tres coristas y un cuarteto de cuerdas integrado por músicos chilenos.
El concierto de agosto -cuyas entradas van desde 14 mil a 42 mil pesos- se enmarca dentro del ciclo S.U.E.N.A. que realizan Virgin y Converse. Según Andrés Rodríguez, director general del Teatro Municipal de Santiago, "desde el año pasado, el Teatro Municipal de Santiago ha ido ampliando su oferta programática con el fin de abrir este escenario a otras formas de hacer música y artes escénicas y, por tanto, también a públicos nuevos. En ese espíritu, comenzamos este año con el concierto de Jorge González y continuamos con el de Spiritualized. Esta alianza con el ciclo Virgin Converse S.U.E.N.A. nos permitirá no solo presentar a un gran artista internacional, sino también dialogar con una audiencia sintonizada con la cultura. De esta forma, más que eventos aislados, este 2014 queremos convertir estas primeras incursiones en una política sólida, tanto temporal como curatorialmente".
Denominado "Acoustic Mainline", Jason Pierce viene presentando este show desde hace un lustro, transformando el potente sonido de sus canciones en versiones íntimas que se mezclan con soul y gospel. Así se pueden escuchar temas como "I walk with Jesus" de Spacemen 3 -la banda que Pierce tuvo en los 80-, la desgarradora "Broken Heart" o el clásico de la música religiosa negra "Oh Happy Day", que impactan por la belleza que adquieren gracias a los instrumentos de cuerda y, sobre todo, a las voces del coro.
En 2012, Spiritualized lanzó el disco "Sweet heart, sweet light", trabajo donde predominaban las orquestaciones y la música celestial. En entrevista con "El Mercurio" efectuada en noviembre del año pasado, Pierce sostuvo que "Spiritualized siempre ha sido un grupo libre. Escribo canciones que nunca buscan ser estructuradas. No les digo a mis músicos cómo tocar, sino que se expresen y toquen como quieran. Eso es lo que le da magia y electricidad a nuestra música y logra que consigamos lo que buscamos: distinción".
En ese plano, el concierto de agosto será una oportunidad única de ver a una de las grandes bandas del rock británico de los últimos 25 años en su raíz más pura. Señalados por muchos como "los Pink Floyd de los 90" por su amor por el space rock ("rock del espacio"), el cual mezclaban con experimentación y psicodelia, las temáticas de sus canciones muchas veces entrelazan religiosidad y trascendencia. En palabras de su compositor, "trato de hacer música que todos puedan comprender. Creo que es fundamental entender que cada experiencia importante, como estar enamorado o al borde de la muerte, forma parte de mi música".
Todo partió en el Royal Albert Hall
Uno de los principales antecedentes que existen para entender el show que presentará Spiritualized en el Teatro Municipal se encuentra en su disco en vivo "Royal Albert Hall October 10 1997", álbum grabado en el famoso recinto londinense y que contó con la presencia de 19 músicos en escena que dieron vida a una fusión de rock, sonidos sinfónicos y gospel. Esa misma presentación la reprodujeron posteriormente en el festival británico de Glastonbury en momentos en que la alineación original de la banda se estaba desarmando.
Tras el quiebre, Jason Pierce fue el único miembro que se mantuvo en el grupo, editando en los últimos 13 años cuatro discos que tuvieron siempre buena recepción en los rankings ingleses y que han permitido que la banda se mantenga vigente.
En YouTube se puede ver un show similar al que trae la banda al Teatro Municipal en http://youtu.be/l0mqZgV3KEc
Un espacio para la música alternativa
Desde hace dos años que el ciclo Virgin Converse S.U.E.N.A. (Serie de Únicos Eventos Notablemente Atractivos) se realiza en Santiago, en lo que se ha transformado en una plataforma para conocer a parte de las mejores bandas alternativas que giran en la actualidad. Así, durante 2012 se presentaron en distintos conciertos Pulp, James Murphy (líder de LCD Soundsystem) y Best Coast. Al año siguiente, 2013, fue el turno de los aplaudidos Tame Impala y Beach House, además de leyendas de los 70 y 80 como Television y B-52's. En lo que va de este año, ya han tocado Mac DeMarco y Jagwar Ma -dos de los nuevos referentes del indie-, y se confirmó la visita de Yo La Tengo para el 7 de junio en el Teatro La Cúpula del Parque O'Higgins.
La banda inglesa regresa a la capital para presentar un show íntimo acompañado de un coro gospel y un cuarteto de cuerdas, en agosto próximo.
FELIPE RAMOS
En los últimos años el Teatro Municipal de Santiago ha visto circular por su escenario a una serie de artistas y espectáculos que han extendido su oferta programática fuera del mundo clásico. Si hace años fueron Los Tres, Los Jaivas y más recientemente el grupo Electrodomésticos y Jorge González los encargados de llevar las guitarras al recinto de calle Agustinas, el 21 de agosto próximo se presentará la banda inglesa Spiritualized, lo cual significa la primera aparición de un grupo de rock extranjero en dicho lugar.
Spiritualized, banda formada a principios de los 90 en Gran Bretaña y que alcanzó gran popularidad con su disco "Ladies and Gentlemen we are floating in space" -que, de acuerdo a la prensa especializada, batió a "Ok Computer" de Radiohead como mejor disco de 1997-, tocó por primera vez en Chile en noviembre del año pasado como plato fuerte del festival Primavera Sound. En esa ocasión el grupo vino con su formación más rockera, pero esta vez regresa para dar vida a un concierto acústico bajo el mando del líder y único miembro permanente de la banda, Jason Pierce, quien estará acompañado de un tecladista, tres coristas y un cuarteto de cuerdas integrado por músicos chilenos.
El concierto de agosto -cuyas entradas van desde 14 mil a 42 mil pesos- se enmarca dentro del ciclo S.U.E.N.A. que realizan Virgin y Converse. Según Andrés Rodríguez, director general del Teatro Municipal de Santiago, "desde el año pasado, el Teatro Municipal de Santiago ha ido ampliando su oferta programática con el fin de abrir este escenario a otras formas de hacer música y artes escénicas y, por tanto, también a públicos nuevos. En ese espíritu, comenzamos este año con el concierto de Jorge González y continuamos con el de Spiritualized. Esta alianza con el ciclo Virgin Converse S.U.E.N.A. nos permitirá no solo presentar a un gran artista internacional, sino también dialogar con una audiencia sintonizada con la cultura. De esta forma, más que eventos aislados, este 2014 queremos convertir estas primeras incursiones en una política sólida, tanto temporal como curatorialmente".
Denominado "Acoustic Mainline", Jason Pierce viene presentando este show desde hace un lustro, transformando el potente sonido de sus canciones en versiones íntimas que se mezclan con soul y gospel. Así se pueden escuchar temas como "I walk with Jesus" de Spacemen 3 -la banda que Pierce tuvo en los 80-, la desgarradora "Broken Heart" o el clásico de la música religiosa negra "Oh Happy Day", que impactan por la belleza que adquieren gracias a los instrumentos de cuerda y, sobre todo, a las voces del coro.
En 2012, Spiritualized lanzó el disco "Sweet heart, sweet light", trabajo donde predominaban las orquestaciones y la música celestial. En entrevista con "El Mercurio" efectuada en noviembre del año pasado, Pierce sostuvo que "Spiritualized siempre ha sido un grupo libre. Escribo canciones que nunca buscan ser estructuradas. No les digo a mis músicos cómo tocar, sino que se expresen y toquen como quieran. Eso es lo que le da magia y electricidad a nuestra música y logra que consigamos lo que buscamos: distinción".
En ese plano, el concierto de agosto será una oportunidad única de ver a una de las grandes bandas del rock británico de los últimos 25 años en su raíz más pura. Señalados por muchos como "los Pink Floyd de los 90" por su amor por el space rock ("rock del espacio"), el cual mezclaban con experimentación y psicodelia, las temáticas de sus canciones muchas veces entrelazan religiosidad y trascendencia. En palabras de su compositor, "trato de hacer música que todos puedan comprender. Creo que es fundamental entender que cada experiencia importante, como estar enamorado o al borde de la muerte, forma parte de mi música".
Todo partió en el Royal Albert Hall
Uno de los principales antecedentes que existen para entender el show que presentará Spiritualized en el Teatro Municipal se encuentra en su disco en vivo "Royal Albert Hall October 10 1997", álbum grabado en el famoso recinto londinense y que contó con la presencia de 19 músicos en escena que dieron vida a una fusión de rock, sonidos sinfónicos y gospel. Esa misma presentación la reprodujeron posteriormente en el festival británico de Glastonbury en momentos en que la alineación original de la banda se estaba desarmando.
Tras el quiebre, Jason Pierce fue el único miembro que se mantuvo en el grupo, editando en los últimos 13 años cuatro discos que tuvieron siempre buena recepción en los rankings ingleses y que han permitido que la banda se mantenga vigente.
En YouTube se puede ver un show similar al que trae la banda al Teatro Municipal en http://youtu.be/l0mqZgV3KEc
Un espacio para la música alternativa
Desde hace dos años que el ciclo Virgin Converse S.U.E.N.A. (Serie de Únicos Eventos Notablemente Atractivos) se realiza en Santiago, en lo que se ha transformado en una plataforma para conocer a parte de las mejores bandas alternativas que giran en la actualidad. Así, durante 2012 se presentaron en distintos conciertos Pulp, James Murphy (líder de LCD Soundsystem) y Best Coast. Al año siguiente, 2013, fue el turno de los aplaudidos Tame Impala y Beach House, además de leyendas de los 70 y 80 como Television y B-52's. En lo que va de este año, ya han tocado Mac DeMarco y Jagwar Ma -dos de los nuevos referentes del indie-, y se confirmó la visita de Yo La Tengo para el 7 de junio en el Teatro La Cúpula del Parque O'Higgins.
La polémica reinvención del club de Jazz
El Mercurio
Durante cuatro años itineraron de un lado a otro, porque el terremoto del 27-F dañó gravemente su sede de Macul. Pero el Club de Jazz de Santiago ya tiene un nuevo local al lado del Mall Plaza Egaña. Muchos dicen que la mística se perdió y que el restaurante es más importante. Otros, alaban que hoy exista una academia. Aquí, algunos de sus miembros fundadores repasan los momentos de gloria del pasado y reflexionan sobre el presente.
CAMILA SÁEZ
Poco se acercan al jazz Pedropiedra, Javiera Parra y Dënver. Sin embargo, son algunos de los artistas que ya tienen programado tocar en la nueva sede del Club de Jazz de Santiago, que abrió hace dos semanas en una casa patrimonial de los años 20, al lado del Mall Plaza Egaña. El terremoto del 27-F dañó la sede de Macul donde funcionaban hasta entonces, y el Club de Jazz de Santiago -que hoy cuenta con más de 50 agrupaciones y solistas de forma estable- estuvo itinerando por cuatro años, dando conciertos en la Corporación Cultural de La Reina, de Las Condes y en el restaurante La Chimenea. La nueva sede, entonces, es una buena noticia. Pero ya se han escuchado algunas voces de alerta.
-Antes, tocar en el club algo que no fuera jazz era profanarlo -dice Víctor Roa, socio veterano y miembro de Santiago Stompers, una de las primeras bandas de jazz chilenas. -Pero hoy las cosas han cambiado, hay mucho más público y ya no hay mecenas -reconoce.
Aunque esperaron por cuatro años una nueva sede, los miembros más antiguos dicen que ahora solo han ido cuando les ha tocado presentarse. "Antes íbamos casi todos los días, o los fines de semana. Yo llegaba no más y conocía a todo el mundo. Ahora vengo y no conozco a nadie", dice Jorge Espíndola, otro miembro veterano del club.
Patricio Ramírez, quien grabó el primer long play de jazz en Chile con la banda Nahuel Jazz Cuartet, también asistía al club semanalmente, pero aún no conoce la nueva sede. "Todavía le falta la patente de alcoholes, y un jazzista no funciona sin alcohol", bromea.
Hoy una parte importante del club es el restaurante italiano La Fabbrica, que funciona en su interior y que tiene pastas y pizzas. Y aunque para muchos esta oferta gastronómica representa un upgrade respecto de lo que había antes, a muchos antiguos miembros no les gusta que funcione un restaurante dentro del local. Dicen que eso hace que se pierda la mística de antes. Víctor Roa es uno de ellos: "Lo bonito que tenía la antigua sede de Macul era que estaba ambientada como club. Tenía las fotos, el escenario grande, los instrumentos. Lo único que queda de eso ahora es ese logo chico que dice 'Club de Jazz' ahí en la cortina detrás de este escenario diminuto. Esto es un restaurante".
Cucho Cruz, actual presidente del club, matiza: "Queremos que el restaurante sea un aliado. Eso va a depender también de los precios", dice. "Mucha gente ha conocido el lugar porque ha ido a comer, y no saben que hay conciertos. Por eso ahora optamos por avisarles antes que el concierto empieza a las 10 y que, si se quedan, les vamos a cobrar. Si no quieren quedarse, también les damos el tiempo para que terminen de comer. Tampoco le podemos decir a la gente, 'si no quiere escuchar, váyase"', agrega.
Esa mezcla de familiaridad y bohemia que se respiraba en el Club de Jazz en sus inicios estaba dada porque el club fue acuñado en lo más purista del jazz, cuando por los años 50, sus miembros hacían lo imposible por conseguir vinilos y reunir el dinero suficiente para arrendar una pieza para juntarse a escucharlos. Las reuniones en casas de generosos mecenas, donde se conversaba de esa música que apenas llegaba a Chile -los pocos discos o revistas que llegaban, eran de rock-, y las largas sesiones para sacar temas de oído, porque no había acceso a partituras, quedaron en el recuerdo.
El nuevo Club de Jazz se ha ajustado a los tiempos y apunta al futuro. Pero es imposible hacerlo sin revivir las glorias del pasado.
***
Hoy, sentado en una silla en el único escenario de la nueva sede, de unos tres metros de ancho y no más de 50 cm de alto, José "Pepe" Hosiasson (82), uno de los primeros miembros del mítico Club de Jazz de Santiago en la década del 50, recuerda la época de oro. "Nos juntábamos para escuchar y conversar. Algunos de nosotros tocábamos, pero más o menos no más", se ríe.
Junto a Pepe están Felipe Harrison, actual vicepresidente del club, y Jorge Alvarado, director secretario. Además los acompañan Jorge Espíndola y Víctor Roa, miembros de la banda Santiago Stompers, que además son dos de los miembros más antiguos. Todos recuerdan cuando debían sortear las carencias económicas para mantener el club en marcha.
El club nunca ha tenido una sede propia. Siempre ha dependido de arrendatarios, o incluso de mecenas para sobrevivir, por lo que a lo largo de sus 71 años de historia, ha tenido que cambiarse varias veces de casa. Pepe recuerda la primera sede oficial en la calle Merced. Después estuvo en una casona en Mac Iver, luego en Infante, Lota, California y finalmente en Macul, hasta el terremoto del 2010.
Los mejores recuerdos son los de la sede de Mac Iver, casa que Jorge Espíndola, de los Stompers, recuerda con más cariño: "La primera vez que fui tenía 14 años. Era un niño. Tuve que pedir permiso para ir en micro con un amigo. Nos bajamos en Mac Iver con la Alameda, y ya se escuchaban los trompetazos del club. Cuando entramos no lo podía creer. Era maravilloso".
Pepe Hossiason concuerda en que los mejores años fueron en Mac Iver. Como no había televisión, las grandes bandas estaban en las radios, y en sus tiempos libres, los músicos se iban a tocar al club. Recuerdan que en ese entonces iba a parar a la casona toda la bohemia santiaguina. También pasaron por el club los máximos exponentes del jazz mundial, como Paquito D'a Rivera, Herbie Hancock, Billy Cobham y Benny Goodman, entre muchos grandes. Pepe Hossiason recuerda, como si hubiese sido ayer, la vez que vino Elvin Jones -uno de los bateristas más influyentes del jazz- en los 80 y, como el concierto terminó tarde, tuvo que quedarse tocando con él, de toque a toque. Incluso en una oportunidad, en 1957, estuvo Louis Armstrong, el rey, que pidió de forma especial a los miembros del club que le prepararan porotos con riendas.
Hubo conciertos memorables, pero el Club de Jazz también pasó por momentos difíciles. En varias ocasiones estuvieron meses sin sede, y muchas veces eran los mismos miembros los que abrían las puertas de sus casas para que no se perdiera la continuidad de los conciertos y las juntas. Hoy, los veteranos recuerdan una de sus etapas más difíciles. En una ocasión arrendaron un departamento en el primer piso de un edificio en la calle Santo Domingo. Víctor Roa asegura que hacían caber a unas 40 personas en el living comedor. "Teníamos hasta un bar clandestino. Servíamos trago en tacitas".
Pero uno de los cambios más grandes del club lo vivieron en la casa de Lota, por los años 70. Ahí dejó de ser un punto de encuentro para amantes de jazz que se juntaban a escuchar discos, y a veces a tocar, y pasó a ser algo más. "Hasta ese entonces, hacíamos conciertos y llegaba mi señora, mi mamá, puros familiares. No teníamos público. Un día uno de los miembros del club, que también trabajaba en televisión, habló con una animadora muy famosa de esa época: Mirella Latorre. Le pidió que pasara el aviso del club, ella lo hizo, y desde ahí en adelante nunca más faltó público", recuerda Jorge Espíndola.
Eso también coincidió con un auge en la formación de músicos. "En una primera etapa no teníamos la posibilidad de conseguir discos. ¡Hoy esta YouTube!", dice Pepe. Jorge recuerda que en ese tiempo nadie leía música. Trataban de sacar los temas de oído y aprendérselos de memoria. Luego cambió drásticamente la situación. Los músicos se empezaron a profesionalizar, a estudiar, comenzaron las escuelas especializadas, y surgieron los primeros músicos que podían vivir del jazz. "Antes eso era impensable. Tocaban en su tiempo libre, y los primeros que se dedicaron a tocar eran unos muertos de hambre", recuerda Cucho Cruz, actual presidente del club.
"Los músicos no cobraban por tocar aquí. De hecho algunos incluso pagaban. Eso hoy es impensable. Los músicos profesionales viven de eso. Ya no hay vuelta atrás", dice Pepe Hossiason.
***
No hay vuelta atrás. Pero este nuevo impulso, de la mano de la nueva sede, promete darle un nuevo aire. "Hoy es un club a escala mundial, que no tiene nada que envidiarle a los extranjeros. El restaurante va a permitir que el jazz llegue a más gente", dice Felipe Harrison, actual vicepresidente del Club. El gran orgullo de la directiva actual es que la nueva sede cuenta con el espacio y los fondos para cumplir un sueño que hace décadas tenían en el tintero: la formación de músicos. Hoy tienen salas de ensayo y una pequeña academia que pretende formar músicos de calidad en el jazz. Cucho Cruz, su actual presidente, adelanta que tendrán una biblioteca de libros y discos, y también, una sala de luthier. Para Felipe Harrison, la nueva cara del club es un proyecto cultural: "El club tenía que pensar hacia el futuro, y está entrando en una de las etapas más integrales que ha tenido en su historia".
En el escenario de la nueva sede, los miembros más antiguos, junto a los de la nueva directiva, posan para una foto. Pepe Hossiason se sienta en el sillín del piano de cola, estira sus dedos y se pone a tocar, con la misma destreza que pudo hacerlo hace más de seis décadas atrás. A un costado lo mira Jorge Espíndola: "Estamos todos muy contentos de tener al fin una nueva sede. Creo que hay muchos intereses entrecruzados que, si no se maneja bien la cosa, podemos perder todos. Pero este nuevo local es la gran esperanza que tenemos".
Durante cuatro años itineraron de un lado a otro, porque el terremoto del 27-F dañó gravemente su sede de Macul. Pero el Club de Jazz de Santiago ya tiene un nuevo local al lado del Mall Plaza Egaña. Muchos dicen que la mística se perdió y que el restaurante es más importante. Otros, alaban que hoy exista una academia. Aquí, algunos de sus miembros fundadores repasan los momentos de gloria del pasado y reflexionan sobre el presente.
CAMILA SÁEZ
Poco se acercan al jazz Pedropiedra, Javiera Parra y Dënver. Sin embargo, son algunos de los artistas que ya tienen programado tocar en la nueva sede del Club de Jazz de Santiago, que abrió hace dos semanas en una casa patrimonial de los años 20, al lado del Mall Plaza Egaña. El terremoto del 27-F dañó la sede de Macul donde funcionaban hasta entonces, y el Club de Jazz de Santiago -que hoy cuenta con más de 50 agrupaciones y solistas de forma estable- estuvo itinerando por cuatro años, dando conciertos en la Corporación Cultural de La Reina, de Las Condes y en el restaurante La Chimenea. La nueva sede, entonces, es una buena noticia. Pero ya se han escuchado algunas voces de alerta.
-Antes, tocar en el club algo que no fuera jazz era profanarlo -dice Víctor Roa, socio veterano y miembro de Santiago Stompers, una de las primeras bandas de jazz chilenas. -Pero hoy las cosas han cambiado, hay mucho más público y ya no hay mecenas -reconoce.
Aunque esperaron por cuatro años una nueva sede, los miembros más antiguos dicen que ahora solo han ido cuando les ha tocado presentarse. "Antes íbamos casi todos los días, o los fines de semana. Yo llegaba no más y conocía a todo el mundo. Ahora vengo y no conozco a nadie", dice Jorge Espíndola, otro miembro veterano del club.
Patricio Ramírez, quien grabó el primer long play de jazz en Chile con la banda Nahuel Jazz Cuartet, también asistía al club semanalmente, pero aún no conoce la nueva sede. "Todavía le falta la patente de alcoholes, y un jazzista no funciona sin alcohol", bromea.
Hoy una parte importante del club es el restaurante italiano La Fabbrica, que funciona en su interior y que tiene pastas y pizzas. Y aunque para muchos esta oferta gastronómica representa un upgrade respecto de lo que había antes, a muchos antiguos miembros no les gusta que funcione un restaurante dentro del local. Dicen que eso hace que se pierda la mística de antes. Víctor Roa es uno de ellos: "Lo bonito que tenía la antigua sede de Macul era que estaba ambientada como club. Tenía las fotos, el escenario grande, los instrumentos. Lo único que queda de eso ahora es ese logo chico que dice 'Club de Jazz' ahí en la cortina detrás de este escenario diminuto. Esto es un restaurante".
Cucho Cruz, actual presidente del club, matiza: "Queremos que el restaurante sea un aliado. Eso va a depender también de los precios", dice. "Mucha gente ha conocido el lugar porque ha ido a comer, y no saben que hay conciertos. Por eso ahora optamos por avisarles antes que el concierto empieza a las 10 y que, si se quedan, les vamos a cobrar. Si no quieren quedarse, también les damos el tiempo para que terminen de comer. Tampoco le podemos decir a la gente, 'si no quiere escuchar, váyase"', agrega.
Esa mezcla de familiaridad y bohemia que se respiraba en el Club de Jazz en sus inicios estaba dada porque el club fue acuñado en lo más purista del jazz, cuando por los años 50, sus miembros hacían lo imposible por conseguir vinilos y reunir el dinero suficiente para arrendar una pieza para juntarse a escucharlos. Las reuniones en casas de generosos mecenas, donde se conversaba de esa música que apenas llegaba a Chile -los pocos discos o revistas que llegaban, eran de rock-, y las largas sesiones para sacar temas de oído, porque no había acceso a partituras, quedaron en el recuerdo.
El nuevo Club de Jazz se ha ajustado a los tiempos y apunta al futuro. Pero es imposible hacerlo sin revivir las glorias del pasado.
***
Hoy, sentado en una silla en el único escenario de la nueva sede, de unos tres metros de ancho y no más de 50 cm de alto, José "Pepe" Hosiasson (82), uno de los primeros miembros del mítico Club de Jazz de Santiago en la década del 50, recuerda la época de oro. "Nos juntábamos para escuchar y conversar. Algunos de nosotros tocábamos, pero más o menos no más", se ríe.
Junto a Pepe están Felipe Harrison, actual vicepresidente del club, y Jorge Alvarado, director secretario. Además los acompañan Jorge Espíndola y Víctor Roa, miembros de la banda Santiago Stompers, que además son dos de los miembros más antiguos. Todos recuerdan cuando debían sortear las carencias económicas para mantener el club en marcha.
El club nunca ha tenido una sede propia. Siempre ha dependido de arrendatarios, o incluso de mecenas para sobrevivir, por lo que a lo largo de sus 71 años de historia, ha tenido que cambiarse varias veces de casa. Pepe recuerda la primera sede oficial en la calle Merced. Después estuvo en una casona en Mac Iver, luego en Infante, Lota, California y finalmente en Macul, hasta el terremoto del 2010.
Los mejores recuerdos son los de la sede de Mac Iver, casa que Jorge Espíndola, de los Stompers, recuerda con más cariño: "La primera vez que fui tenía 14 años. Era un niño. Tuve que pedir permiso para ir en micro con un amigo. Nos bajamos en Mac Iver con la Alameda, y ya se escuchaban los trompetazos del club. Cuando entramos no lo podía creer. Era maravilloso".
Pepe Hossiason concuerda en que los mejores años fueron en Mac Iver. Como no había televisión, las grandes bandas estaban en las radios, y en sus tiempos libres, los músicos se iban a tocar al club. Recuerdan que en ese entonces iba a parar a la casona toda la bohemia santiaguina. También pasaron por el club los máximos exponentes del jazz mundial, como Paquito D'a Rivera, Herbie Hancock, Billy Cobham y Benny Goodman, entre muchos grandes. Pepe Hossiason recuerda, como si hubiese sido ayer, la vez que vino Elvin Jones -uno de los bateristas más influyentes del jazz- en los 80 y, como el concierto terminó tarde, tuvo que quedarse tocando con él, de toque a toque. Incluso en una oportunidad, en 1957, estuvo Louis Armstrong, el rey, que pidió de forma especial a los miembros del club que le prepararan porotos con riendas.
Hubo conciertos memorables, pero el Club de Jazz también pasó por momentos difíciles. En varias ocasiones estuvieron meses sin sede, y muchas veces eran los mismos miembros los que abrían las puertas de sus casas para que no se perdiera la continuidad de los conciertos y las juntas. Hoy, los veteranos recuerdan una de sus etapas más difíciles. En una ocasión arrendaron un departamento en el primer piso de un edificio en la calle Santo Domingo. Víctor Roa asegura que hacían caber a unas 40 personas en el living comedor. "Teníamos hasta un bar clandestino. Servíamos trago en tacitas".
Pero uno de los cambios más grandes del club lo vivieron en la casa de Lota, por los años 70. Ahí dejó de ser un punto de encuentro para amantes de jazz que se juntaban a escuchar discos, y a veces a tocar, y pasó a ser algo más. "Hasta ese entonces, hacíamos conciertos y llegaba mi señora, mi mamá, puros familiares. No teníamos público. Un día uno de los miembros del club, que también trabajaba en televisión, habló con una animadora muy famosa de esa época: Mirella Latorre. Le pidió que pasara el aviso del club, ella lo hizo, y desde ahí en adelante nunca más faltó público", recuerda Jorge Espíndola.
Eso también coincidió con un auge en la formación de músicos. "En una primera etapa no teníamos la posibilidad de conseguir discos. ¡Hoy esta YouTube!", dice Pepe. Jorge recuerda que en ese tiempo nadie leía música. Trataban de sacar los temas de oído y aprendérselos de memoria. Luego cambió drásticamente la situación. Los músicos se empezaron a profesionalizar, a estudiar, comenzaron las escuelas especializadas, y surgieron los primeros músicos que podían vivir del jazz. "Antes eso era impensable. Tocaban en su tiempo libre, y los primeros que se dedicaron a tocar eran unos muertos de hambre", recuerda Cucho Cruz, actual presidente del club.
"Los músicos no cobraban por tocar aquí. De hecho algunos incluso pagaban. Eso hoy es impensable. Los músicos profesionales viven de eso. Ya no hay vuelta atrás", dice Pepe Hossiason.
***
No hay vuelta atrás. Pero este nuevo impulso, de la mano de la nueva sede, promete darle un nuevo aire. "Hoy es un club a escala mundial, que no tiene nada que envidiarle a los extranjeros. El restaurante va a permitir que el jazz llegue a más gente", dice Felipe Harrison, actual vicepresidente del Club. El gran orgullo de la directiva actual es que la nueva sede cuenta con el espacio y los fondos para cumplir un sueño que hace décadas tenían en el tintero: la formación de músicos. Hoy tienen salas de ensayo y una pequeña academia que pretende formar músicos de calidad en el jazz. Cucho Cruz, su actual presidente, adelanta que tendrán una biblioteca de libros y discos, y también, una sala de luthier. Para Felipe Harrison, la nueva cara del club es un proyecto cultural: "El club tenía que pensar hacia el futuro, y está entrando en una de las etapas más integrales que ha tenido en su historia".
En el escenario de la nueva sede, los miembros más antiguos, junto a los de la nueva directiva, posan para una foto. Pepe Hossiason se sienta en el sillín del piano de cola, estira sus dedos y se pone a tocar, con la misma destreza que pudo hacerlo hace más de seis décadas atrás. A un costado lo mira Jorge Espíndola: "Estamos todos muy contentos de tener al fin una nueva sede. Creo que hay muchos intereses entrecruzados que, si no se maneja bien la cosa, podemos perder todos. Pero este nuevo local es la gran esperanza que tenemos".
Los ídolos del pop juvenil que en mayo llegan a Santiago
El Mercurio
La doble función que ofrecerán los británicos de One Direction, debutando en Chile, tiene sus entradas casi agotadas. Demi Lovato y Avril Lavigne también traen sus conciertos a la capital.
Diego Rammsy
Son los que mandan sin tener mayoría de edad y los que compran sin tener dinero propio. Jóvenes, adolescentes, twin (entre 8 y 14 años) o teen (entre 14 y 17), el grupo etario que es capaz de llenar estadios, agotar funciones de cine y arrasar con el stock de sea cual sea la obsesión del momento.
Sin duda, el producto estrella de esta temporada es el quinteto británico One Direction, los favoritos de la industria en el último año. Y es tal la fiebre por ver a la boyband del momento -que no ofrecerá uno, sino dos conciertos en el Estadio Nacional-, que las entradas para el primero de sus shows se agotaron con anticipación exagerada: cerca de 50 mil boletos en tres días, con nueve meses de antelación. Por eso sumaron un segundo show en el mismo recinto, que a la fecha ya supera el 70% de su capacidad y que no sería extraño que también se agotara pronto.
Los muchachos británicos llegan con la gira "Where we are", que en su paso por Sudamérica incluye 10 conciertos en seis países. Y dado el éxito de la venta de sus espectáculos, One Direction no se detendrá este año. Luego de su tramo latinoamericano, recorrerá Europa hasta mediados de julio, donde tras sólo dos semanas de descanso, enfilarán hacia Estados Unidos y Canadá, finalizando en Miami el 5 de octubre. Hablamos de 69 conciertos de manera continuada, parte de la labor que incluye ser el grupo juvenil del momento.
En cuanto a su último disco, "Midnight memories" (2013), la banda se encuentra a punto de lanzar el cuarto sencillo del disco, titulado "You and I". Como ha sido tónica en su corta trayectoria, este último y tercer disco de estudio de los ingleses debutó en el primer lugar del listado Billboard, lo que los convierte en el primer grupo de la historia en debutar en el primer puesto con sus primeros tres discos. En Chile, "Midnight memories" ha obtenido cuatro discos de platino en ventas (equivalente a 40.000 copias vendidas).
Demi Lovato, tras años de altibajos, llega en un momento precisamente alegre: su versión del tema principal de la exitosa película de Disney "Frozen: una aventura congelada" le significó un gran empujón a la primera plana estadounidense al margen de los escándalos pasados. "Demi" se titula su último disco, que lanzó al mercado en mayo de 2013, ubicándolo en el tercer lugar del listado Billboard 200 en Estados Unidos, país en que se vendieron 110 mil copias en su primera semana. Internacionalmente, es el disco más exitoso de su carrera, y también fue celebrado por la crítica norteamericana. El próximo 8 de mayo cantará por quinta vez en Chile, ahora en Movistar Arena.
La canadiense Avril Lavigne llega por tercera vez al país gracias a su último y homónimo trabajo discográfico, que a pesar de haber cosechado buenas críticas, ha demostrado un pobre desempeño en radios. Se presenta el viernes 9 de mayo en Movistar Arena.
Miley Cyrus en septiembre
La cantante estadounidense regresaría a Chile durante el segundo semestre con su "Bangerz tour", según reveló su agente en una entrevista con la revista Billboard.
La doble función que ofrecerán los británicos de One Direction, debutando en Chile, tiene sus entradas casi agotadas. Demi Lovato y Avril Lavigne también traen sus conciertos a la capital.
Diego Rammsy
Son los que mandan sin tener mayoría de edad y los que compran sin tener dinero propio. Jóvenes, adolescentes, twin (entre 8 y 14 años) o teen (entre 14 y 17), el grupo etario que es capaz de llenar estadios, agotar funciones de cine y arrasar con el stock de sea cual sea la obsesión del momento.
Sin duda, el producto estrella de esta temporada es el quinteto británico One Direction, los favoritos de la industria en el último año. Y es tal la fiebre por ver a la boyband del momento -que no ofrecerá uno, sino dos conciertos en el Estadio Nacional-, que las entradas para el primero de sus shows se agotaron con anticipación exagerada: cerca de 50 mil boletos en tres días, con nueve meses de antelación. Por eso sumaron un segundo show en el mismo recinto, que a la fecha ya supera el 70% de su capacidad y que no sería extraño que también se agotara pronto.
Los muchachos británicos llegan con la gira "Where we are", que en su paso por Sudamérica incluye 10 conciertos en seis países. Y dado el éxito de la venta de sus espectáculos, One Direction no se detendrá este año. Luego de su tramo latinoamericano, recorrerá Europa hasta mediados de julio, donde tras sólo dos semanas de descanso, enfilarán hacia Estados Unidos y Canadá, finalizando en Miami el 5 de octubre. Hablamos de 69 conciertos de manera continuada, parte de la labor que incluye ser el grupo juvenil del momento.
En cuanto a su último disco, "Midnight memories" (2013), la banda se encuentra a punto de lanzar el cuarto sencillo del disco, titulado "You and I". Como ha sido tónica en su corta trayectoria, este último y tercer disco de estudio de los ingleses debutó en el primer lugar del listado Billboard, lo que los convierte en el primer grupo de la historia en debutar en el primer puesto con sus primeros tres discos. En Chile, "Midnight memories" ha obtenido cuatro discos de platino en ventas (equivalente a 40.000 copias vendidas).
Demi Lovato, tras años de altibajos, llega en un momento precisamente alegre: su versión del tema principal de la exitosa película de Disney "Frozen: una aventura congelada" le significó un gran empujón a la primera plana estadounidense al margen de los escándalos pasados. "Demi" se titula su último disco, que lanzó al mercado en mayo de 2013, ubicándolo en el tercer lugar del listado Billboard 200 en Estados Unidos, país en que se vendieron 110 mil copias en su primera semana. Internacionalmente, es el disco más exitoso de su carrera, y también fue celebrado por la crítica norteamericana. El próximo 8 de mayo cantará por quinta vez en Chile, ahora en Movistar Arena.
La canadiense Avril Lavigne llega por tercera vez al país gracias a su último y homónimo trabajo discográfico, que a pesar de haber cosechado buenas críticas, ha demostrado un pobre desempeño en radios. Se presenta el viernes 9 de mayo en Movistar Arena.
Miley Cyrus en septiembre
La cantante estadounidense regresaría a Chile durante el segundo semestre con su "Bangerz tour", según reveló su agente en una entrevista con la revista Billboard.
Guía de conciertos para esta Semana Santa
El Mercurio
Música religiosa, obras sacras y también espirituales , desde el Barroco hasta el siglo XXI, ofrecen los mejores especialistas en este repertorio en Santiago y regiones.
ROMINA DE LA SOTTA DONOSO
Juan Pablo Izquierdo rescata al más profundo y monumental Bach, con su Pasión según San Juan
El Premio Nacional de Música 2012, Juan Pablo Izquierdo, conduce la Pasión según San Juan de Bach. Participan el Coro Sinfónico, la Camerata Vocal y solistas, todos preparados por Juan Pablo Villarroel, más la Sinfónica de Chile.
"La base del texto es el Evangelio de San Juan, que lo lleva un narrador, el evangelista, que será interpretado por Rodrigo del Pozo. Otro personaje importante es Jesucristo, que está a cargo de Patricio Sabaté. Sobre ese texto hay interpolaciones poéticas que cantan los solistas vocales: Claudia Pereira, Evelyn Ramírez, y además Del Pozo y Sabaté, y también están los corales que representan a la comunidad, a los feligreses comentando lo que está sucediendo. Todo esto está intercalado en la acción", explica Izquierdo.
El director aclara que la orquesta que participa es pequeña, y que incluye un continuo: Camilo Brandi, al órgano. "Pero también es relevante el rol continuista de Celso López, al cello" .
Y remata: "Esta Pasión es una de las obras más profundas y monumentales de Bach y, musicalmente, aquí está toda su ciencia".
Música sacra de los siglos XX y XXI en Valparaíso
A dos conciertos gratuitos invita la U. Católica de Valparaíso, ambos ofrecidos por el Coro Femenino de Cámara y el Ensamble Ex Corde PUCV, dirigidos por Boris Alvarado. El Viernes Santo, en la Iglesia de Los Jesuitas (Eusebio Lillo con Pedro Montt, Barrio Almendral, Valparaíso), ofrecerán el programa "Levántate, Oh Dios, y juzga la tierra". Junto a solistas vocales, interpretarán "Es sang vor langen Jahren" y "Silouan's Song" de Arvo Pärt; "Alba" de María Josefa Silva, "Donna Nobis Pacem" de Peteris Vasks y "The Lament of the Mother of God", "Hymns of Paradise" y "Eternity Sunrise" de John Tavener ( viernes 18 , a las 19:30 horas).
Además, en la apertura del ciclo "Territorios de la Música" del Parque Cultural de Valparaíso (Subida Cummings s/n, Cerro Cárcel), presentarán el programa "Vigilia de la Resurrección" con nueve piezas del repertorio sacro contemporáneo de compositores de Chile, México, Inglaterra, Estonia, Letonia y Polonia, con la participación de la compañía de danza Instantes ( sábado 19 , a las 19:00 horas).
La faceta religiosa de Gounod y otros románticos
El Instituto de Música UC invita a dos alternativas musicales esta Semana Santa. Como parte de su XI Encuentro de Música Sacra, que se desarrolla en el Templo Mayor del Campus Oriente UC (Jaime Guzmán 3300, 19:30 horas, entrada liberada), el Jueves Santo se presentará el programa "Entre Dios y yo...", dedicado a la música religiosa en el Romanticismo francés. La pieza clave será el Réquiem en Ut de Gounod , a 120 años de su estreno. El compositor, acongojado por la muerte de su nieto de cuatro años, falleció antes de completar esta obra. El programa también incluye piezas de Saint-Saëns, Fauré y Poulenc. Actúan los solistas vocales Doris Silva, María José Uribarri, Francisco Huerta y Eduardo Jahnke, y el Coro de Cámara UC, más un conjunto instrumental de profesores y alumnos, sumados al Cuarteto Surkos ( jueves 17 ), con la dirección de Mauricio Cortés.
A la semana siguiente ( jueves 24 ) el turno será de una serie de Negro Spirituals , interpretados por el Cuarteto Bethel, y de la Misa Gospel de Robert Ray, por solistas vocales más el Coro de Estudiantes UC y el Coro Crecer Cantando, con la conducción de Víctor Alarcón.
El retorno a nuestro país de Helmuth Rilling
Helmuth Rilling, autoridad mundial en Bach, vuelve a Chile para liderar la Pasión según San Juan. Ochenta músicos sub 35, entre voces e instrumentistas, de todas partes del mundo, seleccionados a través de audiciones, abordarán esta obra cumbre en el Teatro del Lago de Frutillar bajo su dirección ( sábado 19 , a las 19:00 horas, desde $8 mil). También ofrecerán versiones reducidas de esta Pasión, en el formato de lecture concert -con explicaciones de Rilling- en el Teatro Municipal de Temuco ( domingo 20 , 20:00 horas, desde $6.400) y en el Centro de Extensión UC ( lunes 21 , 19:00 horas, con retiro previo de invitaciones gratuitas).
"El Mesías", gratis
La Universidad de los Andes abre su temporada 2014 con una versión de "El Mesías" de Haendel, a cargo del Ensamble Vocal e Instrumental "Concerto Vocale", y con la dirección de Víctor Alarcón. Se trata de una composición clave del Barroco, con bastante influencia en sus contemporáneos. A las 20:00 horas del martes 15 , en Monseñor Álvaro del Portillo 12455, Las Condes. Gratis.
Repertorio americano
El Coro de alumnos SIP Red de Colegios, que dirigen Angélica Figueroa y Nora Miranda, y ensamble instrumental, abordarán en el Teatro Nescafé de las Artes (Manuel Montt 032), 15 piezas del Cancionero Chilidugú del padre Bernardo de Havestadt, todas obras misionales jesuitas en mapudungún de 1777, y además estrenarán en Chile la Misa "Apomaya", colonial anónima del siglo XVIII, de Cochabamba. El domingo 20 , a las 12:00 horas. Desde $10 mil (adultos) y $5 mil (niños).
Música religiosa, obras sacras y también espirituales , desde el Barroco hasta el siglo XXI, ofrecen los mejores especialistas en este repertorio en Santiago y regiones.
ROMINA DE LA SOTTA DONOSO
Juan Pablo Izquierdo rescata al más profundo y monumental Bach, con su Pasión según San Juan
El Premio Nacional de Música 2012, Juan Pablo Izquierdo, conduce la Pasión según San Juan de Bach. Participan el Coro Sinfónico, la Camerata Vocal y solistas, todos preparados por Juan Pablo Villarroel, más la Sinfónica de Chile.
"La base del texto es el Evangelio de San Juan, que lo lleva un narrador, el evangelista, que será interpretado por Rodrigo del Pozo. Otro personaje importante es Jesucristo, que está a cargo de Patricio Sabaté. Sobre ese texto hay interpolaciones poéticas que cantan los solistas vocales: Claudia Pereira, Evelyn Ramírez, y además Del Pozo y Sabaté, y también están los corales que representan a la comunidad, a los feligreses comentando lo que está sucediendo. Todo esto está intercalado en la acción", explica Izquierdo.
El director aclara que la orquesta que participa es pequeña, y que incluye un continuo: Camilo Brandi, al órgano. "Pero también es relevante el rol continuista de Celso López, al cello" .
Y remata: "Esta Pasión es una de las obras más profundas y monumentales de Bach y, musicalmente, aquí está toda su ciencia".
Música sacra de los siglos XX y XXI en Valparaíso
A dos conciertos gratuitos invita la U. Católica de Valparaíso, ambos ofrecidos por el Coro Femenino de Cámara y el Ensamble Ex Corde PUCV, dirigidos por Boris Alvarado. El Viernes Santo, en la Iglesia de Los Jesuitas (Eusebio Lillo con Pedro Montt, Barrio Almendral, Valparaíso), ofrecerán el programa "Levántate, Oh Dios, y juzga la tierra". Junto a solistas vocales, interpretarán "Es sang vor langen Jahren" y "Silouan's Song" de Arvo Pärt; "Alba" de María Josefa Silva, "Donna Nobis Pacem" de Peteris Vasks y "The Lament of the Mother of God", "Hymns of Paradise" y "Eternity Sunrise" de John Tavener ( viernes 18 , a las 19:30 horas).
Además, en la apertura del ciclo "Territorios de la Música" del Parque Cultural de Valparaíso (Subida Cummings s/n, Cerro Cárcel), presentarán el programa "Vigilia de la Resurrección" con nueve piezas del repertorio sacro contemporáneo de compositores de Chile, México, Inglaterra, Estonia, Letonia y Polonia, con la participación de la compañía de danza Instantes ( sábado 19 , a las 19:00 horas).
La faceta religiosa de Gounod y otros románticos
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A la semana siguiente ( jueves 24 ) el turno será de una serie de Negro Spirituals , interpretados por el Cuarteto Bethel, y de la Misa Gospel de Robert Ray, por solistas vocales más el Coro de Estudiantes UC y el Coro Crecer Cantando, con la conducción de Víctor Alarcón.
El retorno a nuestro país de Helmuth Rilling
Helmuth Rilling, autoridad mundial en Bach, vuelve a Chile para liderar la Pasión según San Juan. Ochenta músicos sub 35, entre voces e instrumentistas, de todas partes del mundo, seleccionados a través de audiciones, abordarán esta obra cumbre en el Teatro del Lago de Frutillar bajo su dirección ( sábado 19 , a las 19:00 horas, desde $8 mil). También ofrecerán versiones reducidas de esta Pasión, en el formato de lecture concert -con explicaciones de Rilling- en el Teatro Municipal de Temuco ( domingo 20 , 20:00 horas, desde $6.400) y en el Centro de Extensión UC ( lunes 21 , 19:00 horas, con retiro previo de invitaciones gratuitas).
"El Mesías", gratis
La Universidad de los Andes abre su temporada 2014 con una versión de "El Mesías" de Haendel, a cargo del Ensamble Vocal e Instrumental "Concerto Vocale", y con la dirección de Víctor Alarcón. Se trata de una composición clave del Barroco, con bastante influencia en sus contemporáneos. A las 20:00 horas del martes 15 , en Monseñor Álvaro del Portillo 12455, Las Condes. Gratis.
Repertorio americano
El Coro de alumnos SIP Red de Colegios, que dirigen Angélica Figueroa y Nora Miranda, y ensamble instrumental, abordarán en el Teatro Nescafé de las Artes (Manuel Montt 032), 15 piezas del Cancionero Chilidugú del padre Bernardo de Havestadt, todas obras misionales jesuitas en mapudungún de 1777, y además estrenarán en Chile la Misa "Apomaya", colonial anónima del siglo XVIII, de Cochabamba. El domingo 20 , a las 12:00 horas. Desde $10 mil (adultos) y $5 mil (niños).
Primer documental chileno sobre música electrónica se estrena en mayo
El Mercurio
"We are sudamerican beats", del realizador Francisco Gómez, muestra el gran momento de los DJ nacionales en el extranjero.
D. Rammsy
Es una de las escenas de mayor crecimiento en la última década en Chile. Las numerosas y multitudinarias fiestas electrónicas que se realizan cada año en el país -ya sea Creamfields, Mysteryland, Sensation o Ultra-, demuestran que la música electrónica y el culto en torno a ella crecen a un ritmo constante que va en franco aumento de decibeles.
"We are sudamerican beats", el documental que se estrena el próximo 29 de mayo en el Cine Arte Alameda, da muestra de este fenómeno, y además, de los subterráneos orígenes de éste.
"Abordamos el principio de la música electrónica en Chile, con el exilio de estos artistas, su regreso, las primeras fiestas... Muestra el auge de un movimiento que partió en el underground , donde la gente iba por escuchar la música y no por moda", explica el director Francisco Gómez, quien junto al productor Daniel Véliz, dio forma a la idea con la ayuda financiera del Consejo de la Cultura.
Destacados músicos chilenos, que hoy brillan en las mejores fiestas de Norteamérica y Europa, como Luciano y Ricardo Villalobos, son el centro del documental, que los retrata en diferentes partes del mundo. "Nos propusimos que el trabajo sea entretenido, musical, fácil de ver y que en él se aprecie el éxito que tienen estos artistas chilenos en el extranjero", explica Gómez.
Porque de los logros de los DJ locales en el mundo, poco o nada de información llega a Chile. Sin ir más lejos, Luciano, célebre en Europa donde fundó su propio sello discográfico Cadenza, participó en febrero junto a Skrillex y Richie Hawtin en Sudáfrica del programa "Bridges for music", y también ha colaborado musicalmente con Lenny Kravitz y, más recientemente, con el popular Pharrell Williams.
Jorge González, el ex líder del grupo Los Prisioneros, es otra de las figuras en que se centra el documental debido a su cercanía con la escena electrónica chilena en Europa, lo que le ha llevado a editar música propia de factura sintética y a trabajar junto a los chilenos Vicente Sanfuentes, Dinky y Pier Bucci.
"We are sudamerican beats", del realizador Francisco Gómez, muestra el gran momento de los DJ nacionales en el extranjero.
D. Rammsy
Es una de las escenas de mayor crecimiento en la última década en Chile. Las numerosas y multitudinarias fiestas electrónicas que se realizan cada año en el país -ya sea Creamfields, Mysteryland, Sensation o Ultra-, demuestran que la música electrónica y el culto en torno a ella crecen a un ritmo constante que va en franco aumento de decibeles.
"We are sudamerican beats", el documental que se estrena el próximo 29 de mayo en el Cine Arte Alameda, da muestra de este fenómeno, y además, de los subterráneos orígenes de éste.
"Abordamos el principio de la música electrónica en Chile, con el exilio de estos artistas, su regreso, las primeras fiestas... Muestra el auge de un movimiento que partió en el underground , donde la gente iba por escuchar la música y no por moda", explica el director Francisco Gómez, quien junto al productor Daniel Véliz, dio forma a la idea con la ayuda financiera del Consejo de la Cultura.
Destacados músicos chilenos, que hoy brillan en las mejores fiestas de Norteamérica y Europa, como Luciano y Ricardo Villalobos, son el centro del documental, que los retrata en diferentes partes del mundo. "Nos propusimos que el trabajo sea entretenido, musical, fácil de ver y que en él se aprecie el éxito que tienen estos artistas chilenos en el extranjero", explica Gómez.
Porque de los logros de los DJ locales en el mundo, poco o nada de información llega a Chile. Sin ir más lejos, Luciano, célebre en Europa donde fundó su propio sello discográfico Cadenza, participó en febrero junto a Skrillex y Richie Hawtin en Sudáfrica del programa "Bridges for music", y también ha colaborado musicalmente con Lenny Kravitz y, más recientemente, con el popular Pharrell Williams.
Jorge González, el ex líder del grupo Los Prisioneros, es otra de las figuras en que se centra el documental debido a su cercanía con la escena electrónica chilena en Europa, lo que le ha llevado a editar música propia de factura sintética y a trabajar junto a los chilenos Vicente Sanfuentes, Dinky y Pier Bucci.
El ex Teatro Humoresque es declarado monumento y revive los shows revisteriles
El Mercurio
La sala que recupera su nombre original, Teatro Parque Cousiño, está ubicada en la calle San Ignacio 1249 y agregará 350 butacas a la plaza teatral capitalina.
Eduardo Miranda
El listado de artistas evoca los años de gloria para las compañías de revistas en Chile. Eduardo Aránguiz, Chicho Azúa, Eduardo Thompson, Lucho Barra, Blanca Casanova y el clan de vedettes de las hermanas Ubilla fueron algunos de los célebres nombres que pisaron el escenario del ex Teatro Humoresque, entre los años 1950 y 1973.
Ubicada en el barrio Viel, en plena calle San Ignacio, la sala se convirtió en uno de los escenarios más concurridos por la bohemia santiaguina de la época, y esta temporada pretende volver a encender el brillo de sus luces. Nació con el nombre de Teatro Parque Cousiño y ayer fue declarado Monumento Histórico por el Consejo de Monumentos Nacionales. El segundo semestre volverá a levantar el telón.
"Me enamoré de esta sala apenas la vi. Es un espacio histórico y estamos rehabilitando sus instalaciones lentamente. Queremos que sea un teatro que vuelva a funcionar, que tenga su escenario siempre lleno y que la comunidad aproveche el patrimonio que tiene", explica Mario Contreras, gestor teatral que se hizo cargo de la sala que desde 1946 es propiedad de la familia Zacur.
Esta nueva vida para el espacio teatral también contempla el renacer de los espectáculos revisteriles. De hecho, un grupo de artistas egresados de la Universidad Católica ya está preparando un espectáculo de variedades, tal como los que tuvo la sala durante su apogeo. "Es un show que se inspira en las revistas y el cabaret, porque buscamos rescatar muchos de sus elementos emotivos", agrega Contreras.
Diseñado por el arquitecto Manuel Cifuentes en 1926, el Teatro Parque Cousiño tiene 350 butacas y la idea de rescatarlo provino de un grupo de vecinos del barrio Viel, liderados por el arquitecto Leonardo Suárez: "En sus orígenes era un espacio donde la comunidad se reunía, donde funcionaban distintas instancias culturales, deportivas y sociales. Nuestra idea como vecinos es volver a rescatar ese espíritu".
Entre los pasos a seguir por los gestores del Teatro Parque Cousiño está conseguir la patente de teatro para tener una temporada permanente. Mientras tanto, la sala alberga esporádicos espectáculos familiares, orientados al público escolar. También ha servido de escenario para eventos municipales y algunas actividades de los vecinos.
La sala que recupera su nombre original, Teatro Parque Cousiño, está ubicada en la calle San Ignacio 1249 y agregará 350 butacas a la plaza teatral capitalina.
Eduardo Miranda
El listado de artistas evoca los años de gloria para las compañías de revistas en Chile. Eduardo Aránguiz, Chicho Azúa, Eduardo Thompson, Lucho Barra, Blanca Casanova y el clan de vedettes de las hermanas Ubilla fueron algunos de los célebres nombres que pisaron el escenario del ex Teatro Humoresque, entre los años 1950 y 1973.
Ubicada en el barrio Viel, en plena calle San Ignacio, la sala se convirtió en uno de los escenarios más concurridos por la bohemia santiaguina de la época, y esta temporada pretende volver a encender el brillo de sus luces. Nació con el nombre de Teatro Parque Cousiño y ayer fue declarado Monumento Histórico por el Consejo de Monumentos Nacionales. El segundo semestre volverá a levantar el telón.
"Me enamoré de esta sala apenas la vi. Es un espacio histórico y estamos rehabilitando sus instalaciones lentamente. Queremos que sea un teatro que vuelva a funcionar, que tenga su escenario siempre lleno y que la comunidad aproveche el patrimonio que tiene", explica Mario Contreras, gestor teatral que se hizo cargo de la sala que desde 1946 es propiedad de la familia Zacur.
Esta nueva vida para el espacio teatral también contempla el renacer de los espectáculos revisteriles. De hecho, un grupo de artistas egresados de la Universidad Católica ya está preparando un espectáculo de variedades, tal como los que tuvo la sala durante su apogeo. "Es un show que se inspira en las revistas y el cabaret, porque buscamos rescatar muchos de sus elementos emotivos", agrega Contreras.
Diseñado por el arquitecto Manuel Cifuentes en 1926, el Teatro Parque Cousiño tiene 350 butacas y la idea de rescatarlo provino de un grupo de vecinos del barrio Viel, liderados por el arquitecto Leonardo Suárez: "En sus orígenes era un espacio donde la comunidad se reunía, donde funcionaban distintas instancias culturales, deportivas y sociales. Nuestra idea como vecinos es volver a rescatar ese espíritu".
Entre los pasos a seguir por los gestores del Teatro Parque Cousiño está conseguir la patente de teatro para tener una temporada permanente. Mientras tanto, la sala alberga esporádicos espectáculos familiares, orientados al público escolar. También ha servido de escenario para eventos municipales y algunas actividades de los vecinos.
Radio Beethoven premiará nuevamente a jóvenes pianistas
El Mercurio
El certamen contará con un jurado compuesto por reconocidos intérpretes nacionales, además del propio público, que podrá evaluar a los nuevos talentos.
Paula Fredes Cortés
Todo un éxito resultó ser el concurso "Toca el cielo" de la Radio Beethoven, que premió, en 2013, a los mejores intérpretes sub 16 en el piano. Más de 25 mil votaciones en la página web de la radioemisora para elegir al ganador y una amplia convocatoria fueron razones suficientes para realizar este año un segundo certamen, que busca promover en los más pequeños el estudio y la ejecución de este instrumento.
En esta ocasión, los postulantes podrán participar en dos categorías: hasta 13 años y de 13 a 16. Los solistas tendrán hasta el 28 de julio para entregar su video y el resto de la documentación, cuyo detalle está en www.radiobeethoven.cl.
Después de la fase de inscripciones, comenzará una primera selección a cargo de un jurado compuesto por destacados pianistas con trayectoria nacional e internacional, como Luis Alberto Latorre, Edith Fischer, Paulina Zamora, Mario Alarcón y Felipe Browne, quienes además han dedicado largos años de su carrera a la formación de nuevos músicos.
La nómina oficial será dada a conocer a través de la programación de la radio, en pequeñas cápsulas que se transmitirán al aire durante un mes y medio. De esta manera los auditores -el sexto jurado- podrán escuchar a los participantes interpretando piezas de Bach, Schumann o Chopin, como también de compositores chilenos de la talla de Soro, Amengual o Allende. Como se trata de un concurso interactivo, el público votará por sus favoritos, ingresando al portal web de la radio y marcando su preferencia.
Solo 20 elegidos -como máximo- podrán pasar a la siguiente ronda, donde deberán tocar piezas del repertorio clásico pianístico, junto con una obra del compositor nacional Miguel Farías, escrita especialmente para esta oportunidad. Los jueces serán los encargados de dirimir quiénes serán los seis finalistas que se presentarán en la ceremonia final, a celebrarse en el Teatro de Carabineros la última semana de octubre, y que premiará al ganador con $1.500.000.
El certamen contará con un jurado compuesto por reconocidos intérpretes nacionales, además del propio público, que podrá evaluar a los nuevos talentos.
Paula Fredes Cortés
Todo un éxito resultó ser el concurso "Toca el cielo" de la Radio Beethoven, que premió, en 2013, a los mejores intérpretes sub 16 en el piano. Más de 25 mil votaciones en la página web de la radioemisora para elegir al ganador y una amplia convocatoria fueron razones suficientes para realizar este año un segundo certamen, que busca promover en los más pequeños el estudio y la ejecución de este instrumento.
En esta ocasión, los postulantes podrán participar en dos categorías: hasta 13 años y de 13 a 16. Los solistas tendrán hasta el 28 de julio para entregar su video y el resto de la documentación, cuyo detalle está en www.radiobeethoven.cl.
Después de la fase de inscripciones, comenzará una primera selección a cargo de un jurado compuesto por destacados pianistas con trayectoria nacional e internacional, como Luis Alberto Latorre, Edith Fischer, Paulina Zamora, Mario Alarcón y Felipe Browne, quienes además han dedicado largos años de su carrera a la formación de nuevos músicos.
La nómina oficial será dada a conocer a través de la programación de la radio, en pequeñas cápsulas que se transmitirán al aire durante un mes y medio. De esta manera los auditores -el sexto jurado- podrán escuchar a los participantes interpretando piezas de Bach, Schumann o Chopin, como también de compositores chilenos de la talla de Soro, Amengual o Allende. Como se trata de un concurso interactivo, el público votará por sus favoritos, ingresando al portal web de la radio y marcando su preferencia.
Solo 20 elegidos -como máximo- podrán pasar a la siguiente ronda, donde deberán tocar piezas del repertorio clásico pianístico, junto con una obra del compositor nacional Miguel Farías, escrita especialmente para esta oportunidad. Los jueces serán los encargados de dirimir quiénes serán los seis finalistas que se presentarán en la ceremonia final, a celebrarse en el Teatro de Carabineros la última semana de octubre, y que premiará al ganador con $1.500.000.
Absolutamente solo: jazzista belga Jef Neve debuta en Chile
El Mercurio
Después de diez años de trabajar con tríos, el pianista se lanzará al vacío con esta propuesta que, adelanta, tendrá un 80 por ciento de improvisación libre.
Iñigo Díaz
En septiembre de 2009 quedó registrado el único concierto del pianista Brad Mehldau en Chile. Esa noche en el Teatro Oriente, el músico de jazz estadounidense debió regresar al escenario en ocho oportunidades para seguir tocando, solo en el piano.
"Brad Mehldau ha sido un músico muy importante para mí desde hace unos quince años. Lo escuché mucho cuando yo era estudiante de piano", apunta el pianista belga Jef Neve, figura de la escena europea actual del jazz, que tendrá una presentación especial en su debut en Chile el 17 de abril en el Teatro Nescafé de las Artes (20:30 horas, entradas de $10.000 a $30.000).
Es básicamente el mismo recorrido de Melhdau que ahora está describiendo Neve. Porque si el músico belga de 37 años comenzó explorando la composición a través del formato contemporáneo del trío, con discos como "It's gone" (2004), "Nobody is illegal" (2006) y "Soul in a picture" (2008), hoy está iniciando una nueva etapa creativa que lo ubica solo frente al piano.
"He escrito mucha música muy diferente, para conjuntos pequeños, ensambles mayores, orquestas y coros. Este año me concentré en componer para piano. Es un proyecto que concluye con la grabación de un disco de piano, en octubre de este año y por eso voy a mostrarlo en conciertos como este, en Chile", dice el músico que planea titular ese trabajo "Lost life". "Son piezas originales, influenciadas por la música clásica europea, aunque tienen el elemento de la improvisación natural del jazz", agrega.
-El jazz europeo siempre es una incógnita. ¿Cómo lo describiría?
"La principal diferencia es nuestra formación musical clásica. Está en nuestros huesos. Personalmente tuve influencias de esta música clásica, a través de compositores como Stravinsky, pero también he aprendido de grandes pianistas de jazz contemporáneo, como Keith Jarrett y Brad Mehldau, sin olvidarme de Radiohead o Joni Mitchell.
-¿Será un desafío para usted tocar sin acompañamiento?
"Tocar en solitario siempre da mucha libertad. El piano puede representar a toda una orquesta y yo quiero explorar estas posibilidades, creando mi propia atmósfera musical. Tiene que ver con cómo se puede controlar la técnica de dominio del instrumento. Y así se produce una directa comunicación con el público. Son temas compuestos en su melodía principal, pero yo diría que el 80 por ciento de la música se improvisa".
Después de diez años de trabajar con tríos, el pianista se lanzará al vacío con esta propuesta que, adelanta, tendrá un 80 por ciento de improvisación libre.
Iñigo Díaz
En septiembre de 2009 quedó registrado el único concierto del pianista Brad Mehldau en Chile. Esa noche en el Teatro Oriente, el músico de jazz estadounidense debió regresar al escenario en ocho oportunidades para seguir tocando, solo en el piano.
"Brad Mehldau ha sido un músico muy importante para mí desde hace unos quince años. Lo escuché mucho cuando yo era estudiante de piano", apunta el pianista belga Jef Neve, figura de la escena europea actual del jazz, que tendrá una presentación especial en su debut en Chile el 17 de abril en el Teatro Nescafé de las Artes (20:30 horas, entradas de $10.000 a $30.000).
Es básicamente el mismo recorrido de Melhdau que ahora está describiendo Neve. Porque si el músico belga de 37 años comenzó explorando la composición a través del formato contemporáneo del trío, con discos como "It's gone" (2004), "Nobody is illegal" (2006) y "Soul in a picture" (2008), hoy está iniciando una nueva etapa creativa que lo ubica solo frente al piano.
"He escrito mucha música muy diferente, para conjuntos pequeños, ensambles mayores, orquestas y coros. Este año me concentré en componer para piano. Es un proyecto que concluye con la grabación de un disco de piano, en octubre de este año y por eso voy a mostrarlo en conciertos como este, en Chile", dice el músico que planea titular ese trabajo "Lost life". "Son piezas originales, influenciadas por la música clásica europea, aunque tienen el elemento de la improvisación natural del jazz", agrega.
-El jazz europeo siempre es una incógnita. ¿Cómo lo describiría?
"La principal diferencia es nuestra formación musical clásica. Está en nuestros huesos. Personalmente tuve influencias de esta música clásica, a través de compositores como Stravinsky, pero también he aprendido de grandes pianistas de jazz contemporáneo, como Keith Jarrett y Brad Mehldau, sin olvidarme de Radiohead o Joni Mitchell.
-¿Será un desafío para usted tocar sin acompañamiento?
"Tocar en solitario siempre da mucha libertad. El piano puede representar a toda una orquesta y yo quiero explorar estas posibilidades, creando mi propia atmósfera musical. Tiene que ver con cómo se puede controlar la técnica de dominio del instrumento. Y así se produce una directa comunicación con el público. Son temas compuestos en su melodía principal, pero yo diría que el 80 por ciento de la música se improvisa".
Realizan balance cultural del gobierno de Sebastián Piñera
El Mercurio
El Observatorio de Políticas Culturales analizó la gestión entre 2010 y 2014. Hubo mayor presupuesto, pero no se creó el Ministerio de Cultura.
Daniela Silva Astorga
Una de las primeras promesas fue incrementar el dinero destinado a la cultura. Incluso, al inicio del gobierno de Sebastián Piñera, el titular de la cartera, Luciano Cruz-Coke, anunció que se duplicarían los fondos concursables. Y ahora, ya terminado el período, el Observatorio de Políticas Culturales (OPC), dirigido por Bárbara Negrón, acaba de lanzar un informe que consigna que el presupuesto para la materia aumentó 22,9% en los últimos cuatro años, sumando los recursos que obtienen el Consejo de la Cultura (CNCA) y la Dibam. Mientras que en el caso del Fondart, se registra un incremento de 28,9% en el mismo lapso. No obstante, la materia continuó representando un 0,4% del presupuesto público.
Más allá de los números, este informe también recuerda cómo el patrimonio marcó la agenda y las prioridades del gobierno desde el comienzo, en gran parte por los daños que el 27-F dejó en edificios históricos del centro-sur. La preocupación se evidenció tras el primer discurso de 21 de mayo, cuando se comprometió la modificación de la Ley de Monumentos Nacionales. Pero, en discordancia con la urgencia, el proyecto ingresó al Congreso en enero de 2014.
El Consejo de Monumentos Nacionales incrementó su presupuesto 117% en cuatro años, quedando en $2.425 millones para 2014. En materia de recuperación de inmuebles históricos, en 2010 el CNCA creó un Programa de Reconstrucción Patrimonial que mezcló recursos públicos con privados, y que en 2013 debutó como un fondo concursable permanente (incorporado a la Ley de Presupuestos de 2013 y 2014). "Sin embargo, si uno observa los porcentajes del presupuesto del Consejo de la Cultura, se advierte que ese fondo no genera gran cambio. Eso, pensando en que el Fondart ocupa un 46% del total; la infraestructura, un 16%; los programas, un 21%; y las transferencias a otras instituciones, un 16%. El Fondo del Patrimonio no modifica sustancialmente el presupuesto. No se le puede atribuir a eso que no existan avances en otros campos", comenta Negrón.
El informe del OPC no incluye el trabajo de la Subsecretaría de Desarrollo Regional en materia de reconstrucción.
"Con respecto al patrimonio -agrega Negrón- se vio coherencia entre el plan de gobierno y lo que resultó, al margen de la Ley de Monumentos". Pero no pasó lo mismo con el compromiso de fundar un Centro de Fomento de la Cultura Indígena y tampoco con la promesa, hecha el 21 de mayo de 2011, de crear un Ministerio de Cultura y Patrimonio: el proyecto de ley entró al Congreso dos años después y quedó en la comisión respectiva de la Cámara de Diputados. Al contrario, la modificación a la Ley de Donaciones Culturales fue uno de los compromisos que más rápido se concretó.
Sobre el fomento a la creación y a la industria cultural, el informe del OPC muestra que hubo bastante continuidad, porque se mantuvieron, con algunos cambios, los fondos concursables. Y lo mismo pasó con el programa para construir centros culturales en comunas de más de 50 mil habitantes, impulsado en 2005. Al contrario, en relación al fomento de la lectura, el gobierno de Sebastián Piñera desarrolló el programa "Lee Chile Lee", y aumentó el presupuesto en 374,6%.
"Una de las grandes falencias que existe en el sector es la dificultad de medir el impacto de los programas. Es urgente crear mecanismos para hacerlo", concluye Barbara Negrón.
El Observatorio de Políticas Culturales analizó la gestión entre 2010 y 2014. Hubo mayor presupuesto, pero no se creó el Ministerio de Cultura.
Daniela Silva Astorga
Una de las primeras promesas fue incrementar el dinero destinado a la cultura. Incluso, al inicio del gobierno de Sebastián Piñera, el titular de la cartera, Luciano Cruz-Coke, anunció que se duplicarían los fondos concursables. Y ahora, ya terminado el período, el Observatorio de Políticas Culturales (OPC), dirigido por Bárbara Negrón, acaba de lanzar un informe que consigna que el presupuesto para la materia aumentó 22,9% en los últimos cuatro años, sumando los recursos que obtienen el Consejo de la Cultura (CNCA) y la Dibam. Mientras que en el caso del Fondart, se registra un incremento de 28,9% en el mismo lapso. No obstante, la materia continuó representando un 0,4% del presupuesto público.
Más allá de los números, este informe también recuerda cómo el patrimonio marcó la agenda y las prioridades del gobierno desde el comienzo, en gran parte por los daños que el 27-F dejó en edificios históricos del centro-sur. La preocupación se evidenció tras el primer discurso de 21 de mayo, cuando se comprometió la modificación de la Ley de Monumentos Nacionales. Pero, en discordancia con la urgencia, el proyecto ingresó al Congreso en enero de 2014.
El Consejo de Monumentos Nacionales incrementó su presupuesto 117% en cuatro años, quedando en $2.425 millones para 2014. En materia de recuperación de inmuebles históricos, en 2010 el CNCA creó un Programa de Reconstrucción Patrimonial que mezcló recursos públicos con privados, y que en 2013 debutó como un fondo concursable permanente (incorporado a la Ley de Presupuestos de 2013 y 2014). "Sin embargo, si uno observa los porcentajes del presupuesto del Consejo de la Cultura, se advierte que ese fondo no genera gran cambio. Eso, pensando en que el Fondart ocupa un 46% del total; la infraestructura, un 16%; los programas, un 21%; y las transferencias a otras instituciones, un 16%. El Fondo del Patrimonio no modifica sustancialmente el presupuesto. No se le puede atribuir a eso que no existan avances en otros campos", comenta Negrón.
El informe del OPC no incluye el trabajo de la Subsecretaría de Desarrollo Regional en materia de reconstrucción.
"Con respecto al patrimonio -agrega Negrón- se vio coherencia entre el plan de gobierno y lo que resultó, al margen de la Ley de Monumentos". Pero no pasó lo mismo con el compromiso de fundar un Centro de Fomento de la Cultura Indígena y tampoco con la promesa, hecha el 21 de mayo de 2011, de crear un Ministerio de Cultura y Patrimonio: el proyecto de ley entró al Congreso dos años después y quedó en la comisión respectiva de la Cámara de Diputados. Al contrario, la modificación a la Ley de Donaciones Culturales fue uno de los compromisos que más rápido se concretó.
Sobre el fomento a la creación y a la industria cultural, el informe del OPC muestra que hubo bastante continuidad, porque se mantuvieron, con algunos cambios, los fondos concursables. Y lo mismo pasó con el programa para construir centros culturales en comunas de más de 50 mil habitantes, impulsado en 2005. Al contrario, en relación al fomento de la lectura, el gobierno de Sebastián Piñera desarrolló el programa "Lee Chile Lee", y aumentó el presupuesto en 374,6%.
"Una de las grandes falencias que existe en el sector es la dificultad de medir el impacto de los programas. Es urgente crear mecanismos para hacerlo", concluye Barbara Negrón.
Alan Trampe: "Deberían retomarse las conversaciones para comprar el MAC"
El Mercurio
El experto, con una reconocida trayectoria en la implementación y modernización de museos regionales, habla de los desafíos de la ampliación del Museo de Bellas Artes y de crear un ministerio de la cultura. También responde las preguntas de algunos especialistas en su área.
Maureen Lennon Zaninovic
Hasta hace una semana Alan Trampe Torrejón (1963) se desempeñaba como subdirector nacional de museos. Un estatus laboral que cambió radicalmente cuando el ministro de Educación, Nicolás Eyzaguirre, le pidió que asumiera de manera interina el mando de la Dirección de Bibliotecas, Archivos y Museos (Dibam), a la espera de que su cargo se provea vía Alta Dirección Pública.
Trampe -por un período que aún no está definido- reemplazará en su puesto a la autoridad saliente: Magdalena Krebs: "Con ella siempre realicé un muy buen trabajo, además que nos conocíamos de años ya que fue una funcionaria de indiscutida antigüedad en este servicio. Las iniciativas a largo plazo que ha ido implementando la Dibam se mantienen. Efectivamente, en algunos ministerios podrían producirse cambios más drásticos, pero en nuestro ámbito sería muy difícil", dice a "Artes y Letras", dando una señal de continuidad a la gestión. Y, en esa misma línea, también confirma en sus cargos a los directores de los museos santiaguinos más icónicos que dependen de esta entidad: el Bellas Artes, el Museo Histórico Nacional y el Museo Nacional de Historia Natural: "Roberto Farriol, Diego Matte y Claudio Gómez siguen. Cada uno de ellos ingresó a través de distintos concursos, con plazos definidos, y cuya renovación se deberá analizar en el minuto que sea necesario".
Tampoco soslaya las recientes declaraciones de Magdalena Krebs a este diario, quien señaló que cargos como el de director de la Dibam debieran ser más técnicos, sobre todo en el ámbito de la cultura y el patrimonio, y menos vinculados a los gobiernos de turno. "Ningún país de la OCDE cambia un cargo como el mío porque hay un nuevo gobierno; a nadie se le ocurre", dijo la autoridad saliente. Alan Trampe considera que este servicio "se ha caracterizado por ser una institución bastante técnica. Yo, por ejemplo, he pasado por varios gobiernos, partiendo por Lagos, luego Bachelet y Piñera, y ahora nuevamente Bachelet. No quiero decir que cuando hay alternancia la continuidad no sea posible, pero obviamente es mucho más fácil cuando tienes más tiempo y puedes planificar en un mediano y largo plazo. Hoy la Dibam tiene un know how en bibliotecas, archivos y museos que no puedes encontrar afuera".
La prioridad número uno
En su primera y agitada semana como director interino se reunió con la ministra de Cultura, Claudia Barattini. Un encuentro clave, sobre todo tomando en cuenta que históricamente se han producido tensiones entre ambas entidades.
"Tuvimos una muy buena conversación sobre temas que son un anhelo presidencial, como la creación del Ministerio de la Cultura y del Patrimonio. Desde un principio yo he sido el primero en querer lo antes posible un Ministerio de Cultura. Para nosotros es absolutamente necesario que estemos bajo un mismo paraguas y coordinados. La práctica es que hoy tenemos dos servicios con áreas comunes, pero que no están trabajando de la mano. Coincidimos con la ministra en que esto no se puede ver como un 'gallito' entre las dos autoridades por ver quién gana. Lo que nos debe mover es un fin superior: generar una institucionalidad que nos acoja de la mejor manera posible", comenta. Y sobre el proyecto de Ministerio de Cultura y del Patrimonio que se ingresó durante el gobierno de Piñera, dice que lo que hay que hacer es "tratar de complementarlo y mejorarlo, pero, sobre todo, aprovechar lo que ya se ha avanzado".
Otra de sus tareas prioritarias será el nombramiento, aún sin plazo definitivo, del secretario ejecutivo del Consejo de Monumentos Nacionales, además de regularizar la situación laboral de algunos funcionarios de esta entidad. "Estoy viendo algunos nombres que podrían asumir en este cargo, pero este nombramiento también se debe consensuar con la autoridad: el ministro de Educación".
En el arte y los museos
Licenciado en Teoría e Historia del Arte de la Universidad de Chile y Magíster en Estudios y Administración Cultural de la Universidad de Tarapacá, Alan Trampe rememora que comenzó sus primeros contactos con la Dibam a través del Museo Histórico Nacional y una apasionante área: la numismática. "Gracias a la Fundación Andes, a la que nuestro país le debe mucho por su aporte a la cultura, recibimos financiamiento para trabajar con las valiosas colecciones de monedas que este museo alberga. Con un equipo hicimos inventarios y documentación de miles de piezas, además contribuimos fuertemente a su difusión. Paralelamente comencé a vincularme con otra entidad de la Dibam: el Museo de Artes Decorativas, que por aquel tiempo funcionaba en Casas de Lo Matta, y trabajé en algunos proyectos específicos".
Durante la administración de Marta Cruz-Coke (1993-2000) nació la Corporación Patrimonio Cultural de Chile, como una manera de contribuir, desde el ámbito privado, a una mejor gestión de este servicio público. "Por varios años funcionó en la Biblioteca Nacional. A mediados de los 90 me contactaron y me transformé en el primer director de proyectos de esta corporación. Fueron años de instalación y una época muy bonita". ¿Qué pasó después? En una suerte de giro laboral importante, decidió postular al cargo de director del Museo Regional de Magallanes. "Por razones familiares ya conocía Punta Arenas. Es una ciudad que siempre me ha gustado, le tengo mucho cariño. No tuve una permanencia muy larga (poco más de año y medio), pero sin duda fue una experiencia tremendamente enriquecedora trabajar los temas de los museos desde regiones".
Durante la dirección de Clara Budnik (2000-2006) fue convocado a asumir como subdirector de museos. "Tras mi gestión en Punta Arenas, que aparentemente fue buena, Clara tomó contacto conmigo y acepté este nuevo desafío. De inmediato visualicé un plan de mejoramiento para los museos a lo largo del país". El experto se refiere al diseño del Plan Nacional de Mejoramiento Integral de Museos que llevó a cabo a partir de 2001. "Hoy, si uno tiene la posibilidad de viajar, te puedes encontrar en lugares increíbles con espacios de muy buena calidad", señala con orgullo, y cita como ejemplo al Museo Martín Gusinde de Puerto Williams. "Una localidad de 1.500 habitantes que hoy tiene una museografía de primer nivel".
¿No se lamenta por el estado de abandono de algunos museos santiaguinos? ¿Hay planes de mejoramiento del Museo Nacional de Bellas Artes?
"El Bellas Artes ha mejorado, sin duda, durante el tiempo. Ha avanzado en pensamiento y en conceptualización. Hoy tiene una infraestructura y exposiciones de muy buen nivel. Pero, sin duda, uno de los problemas estructurales es su falta de espacios. ¿Qué esperaría uno de este museo? Que te ofrezca una panorámica del arte chileno, que cualquier persona se encuentre con los artistas relevantes. No puede pasar que en una visita no puedas ver una obra de Pablo Burchard o de Juan Francisco González. La discusión sobre su crecimiento ha tenido distintas etapas, pero también -solo usando el sentido común y una lógica práctica y de eficiencia- el natural desarrollo es ocupar el edificio completo, incluyendo el actual Museo de Arte Contemporáneo. La ministra Claudia Barattini está de acuerdo con este punto, por eso deberían retomarse las conversaciones con la Universidad de Chile para finiquitar la compra del MAC", puntualiza Alan Trampe.
Y sobre el futuro de los museos Nacional de Historia Natural y el Histórico Nacional adelanta que hay planes de desarrollo y expansión que están en curso. "Pero todo tiene su tiempo. Una renovación de un museo mediano nos toma, por lo menos, ocho años, por eso cuando estamos hablando del Bellas Artes es un museo grande y el de Historia Natural, uno inmenso".
Específicamente sobre el Museo Histórico Nacional comenta que "se hizo un concurso para la ampliación del inmueble. Próximamente vamos a tener listo el diseño arquitectónico, pero la ampliación va".
Las preguntas de cuatro expertos
Pablo Chiuminatto. Profesor de la Facultad de Letras de la Universidad Católica. Artista Visual
-¿En el marco de un Ministerio de Cultura, cuál considera usted que es el desafío para la Dibam ante un escenario que lo hace independiente del Ministerio de Educación, que sabemos determina el currículum, afectando directamente la cultura de los niños chilenos?
"El rol de los museos como un espacio de educación alternativo seguirá, independientemente de donde estén ubicados. Estar en un Ministerio de Cultura no alterará la misión de estas instituciones".
Macarena Carroza. Directora del Centro de Conservación, Restauración y Estudios Artísticos (CREA)
-¿Cuáles serán los acentos que se pondrán en los objetivos que deben plantearse en los museos en Chile con audiencias cada vez más exigentes en cuanto a contenido y espacios de acogidas?
"En la última década hemos hecho un trabajo significativo en esa área, especialmente en museos regionales. Esa es una tarea que hay que replicar".
Verónica Abud. Gerenta general Fundación La Fuente
-¿Piensa impulsar una ley de bibliotecas públicas, que ayude a fijar estándares y a desmunicipalizar su dependencia?
"El tema de la municipalización ha sido una manera de operativizar las bibliotecas y pareciera que tiene una cierta lógica al dejar en manos de esta administración una de las áreas de la cultura y nosotros, por nuestra parte, colaboramos a los municipios con el know how . Se puede mejorar mucho, pero también hay un modelo que ha funcionado bien".
Marta Cruz-Coke. Ex directora de la Dibam
-¿Cuál considera usted que debiera ser la base sobre la que usted asentaría la futura orientación y gestión de la Dibam?
"Uno de los temas cruciales será la creación del Ministerio de Cultura y del Patrimonio".
El experto, con una reconocida trayectoria en la implementación y modernización de museos regionales, habla de los desafíos de la ampliación del Museo de Bellas Artes y de crear un ministerio de la cultura. También responde las preguntas de algunos especialistas en su área.
Maureen Lennon Zaninovic
Hasta hace una semana Alan Trampe Torrejón (1963) se desempeñaba como subdirector nacional de museos. Un estatus laboral que cambió radicalmente cuando el ministro de Educación, Nicolás Eyzaguirre, le pidió que asumiera de manera interina el mando de la Dirección de Bibliotecas, Archivos y Museos (Dibam), a la espera de que su cargo se provea vía Alta Dirección Pública.
Trampe -por un período que aún no está definido- reemplazará en su puesto a la autoridad saliente: Magdalena Krebs: "Con ella siempre realicé un muy buen trabajo, además que nos conocíamos de años ya que fue una funcionaria de indiscutida antigüedad en este servicio. Las iniciativas a largo plazo que ha ido implementando la Dibam se mantienen. Efectivamente, en algunos ministerios podrían producirse cambios más drásticos, pero en nuestro ámbito sería muy difícil", dice a "Artes y Letras", dando una señal de continuidad a la gestión. Y, en esa misma línea, también confirma en sus cargos a los directores de los museos santiaguinos más icónicos que dependen de esta entidad: el Bellas Artes, el Museo Histórico Nacional y el Museo Nacional de Historia Natural: "Roberto Farriol, Diego Matte y Claudio Gómez siguen. Cada uno de ellos ingresó a través de distintos concursos, con plazos definidos, y cuya renovación se deberá analizar en el minuto que sea necesario".
Tampoco soslaya las recientes declaraciones de Magdalena Krebs a este diario, quien señaló que cargos como el de director de la Dibam debieran ser más técnicos, sobre todo en el ámbito de la cultura y el patrimonio, y menos vinculados a los gobiernos de turno. "Ningún país de la OCDE cambia un cargo como el mío porque hay un nuevo gobierno; a nadie se le ocurre", dijo la autoridad saliente. Alan Trampe considera que este servicio "se ha caracterizado por ser una institución bastante técnica. Yo, por ejemplo, he pasado por varios gobiernos, partiendo por Lagos, luego Bachelet y Piñera, y ahora nuevamente Bachelet. No quiero decir que cuando hay alternancia la continuidad no sea posible, pero obviamente es mucho más fácil cuando tienes más tiempo y puedes planificar en un mediano y largo plazo. Hoy la Dibam tiene un know how en bibliotecas, archivos y museos que no puedes encontrar afuera".
La prioridad número uno
En su primera y agitada semana como director interino se reunió con la ministra de Cultura, Claudia Barattini. Un encuentro clave, sobre todo tomando en cuenta que históricamente se han producido tensiones entre ambas entidades.
"Tuvimos una muy buena conversación sobre temas que son un anhelo presidencial, como la creación del Ministerio de la Cultura y del Patrimonio. Desde un principio yo he sido el primero en querer lo antes posible un Ministerio de Cultura. Para nosotros es absolutamente necesario que estemos bajo un mismo paraguas y coordinados. La práctica es que hoy tenemos dos servicios con áreas comunes, pero que no están trabajando de la mano. Coincidimos con la ministra en que esto no se puede ver como un 'gallito' entre las dos autoridades por ver quién gana. Lo que nos debe mover es un fin superior: generar una institucionalidad que nos acoja de la mejor manera posible", comenta. Y sobre el proyecto de Ministerio de Cultura y del Patrimonio que se ingresó durante el gobierno de Piñera, dice que lo que hay que hacer es "tratar de complementarlo y mejorarlo, pero, sobre todo, aprovechar lo que ya se ha avanzado".
Otra de sus tareas prioritarias será el nombramiento, aún sin plazo definitivo, del secretario ejecutivo del Consejo de Monumentos Nacionales, además de regularizar la situación laboral de algunos funcionarios de esta entidad. "Estoy viendo algunos nombres que podrían asumir en este cargo, pero este nombramiento también se debe consensuar con la autoridad: el ministro de Educación".
En el arte y los museos
Licenciado en Teoría e Historia del Arte de la Universidad de Chile y Magíster en Estudios y Administración Cultural de la Universidad de Tarapacá, Alan Trampe rememora que comenzó sus primeros contactos con la Dibam a través del Museo Histórico Nacional y una apasionante área: la numismática. "Gracias a la Fundación Andes, a la que nuestro país le debe mucho por su aporte a la cultura, recibimos financiamiento para trabajar con las valiosas colecciones de monedas que este museo alberga. Con un equipo hicimos inventarios y documentación de miles de piezas, además contribuimos fuertemente a su difusión. Paralelamente comencé a vincularme con otra entidad de la Dibam: el Museo de Artes Decorativas, que por aquel tiempo funcionaba en Casas de Lo Matta, y trabajé en algunos proyectos específicos".
Durante la administración de Marta Cruz-Coke (1993-2000) nació la Corporación Patrimonio Cultural de Chile, como una manera de contribuir, desde el ámbito privado, a una mejor gestión de este servicio público. "Por varios años funcionó en la Biblioteca Nacional. A mediados de los 90 me contactaron y me transformé en el primer director de proyectos de esta corporación. Fueron años de instalación y una época muy bonita". ¿Qué pasó después? En una suerte de giro laboral importante, decidió postular al cargo de director del Museo Regional de Magallanes. "Por razones familiares ya conocía Punta Arenas. Es una ciudad que siempre me ha gustado, le tengo mucho cariño. No tuve una permanencia muy larga (poco más de año y medio), pero sin duda fue una experiencia tremendamente enriquecedora trabajar los temas de los museos desde regiones".
Durante la dirección de Clara Budnik (2000-2006) fue convocado a asumir como subdirector de museos. "Tras mi gestión en Punta Arenas, que aparentemente fue buena, Clara tomó contacto conmigo y acepté este nuevo desafío. De inmediato visualicé un plan de mejoramiento para los museos a lo largo del país". El experto se refiere al diseño del Plan Nacional de Mejoramiento Integral de Museos que llevó a cabo a partir de 2001. "Hoy, si uno tiene la posibilidad de viajar, te puedes encontrar en lugares increíbles con espacios de muy buena calidad", señala con orgullo, y cita como ejemplo al Museo Martín Gusinde de Puerto Williams. "Una localidad de 1.500 habitantes que hoy tiene una museografía de primer nivel".
¿No se lamenta por el estado de abandono de algunos museos santiaguinos? ¿Hay planes de mejoramiento del Museo Nacional de Bellas Artes?
"El Bellas Artes ha mejorado, sin duda, durante el tiempo. Ha avanzado en pensamiento y en conceptualización. Hoy tiene una infraestructura y exposiciones de muy buen nivel. Pero, sin duda, uno de los problemas estructurales es su falta de espacios. ¿Qué esperaría uno de este museo? Que te ofrezca una panorámica del arte chileno, que cualquier persona se encuentre con los artistas relevantes. No puede pasar que en una visita no puedas ver una obra de Pablo Burchard o de Juan Francisco González. La discusión sobre su crecimiento ha tenido distintas etapas, pero también -solo usando el sentido común y una lógica práctica y de eficiencia- el natural desarrollo es ocupar el edificio completo, incluyendo el actual Museo de Arte Contemporáneo. La ministra Claudia Barattini está de acuerdo con este punto, por eso deberían retomarse las conversaciones con la Universidad de Chile para finiquitar la compra del MAC", puntualiza Alan Trampe.
Y sobre el futuro de los museos Nacional de Historia Natural y el Histórico Nacional adelanta que hay planes de desarrollo y expansión que están en curso. "Pero todo tiene su tiempo. Una renovación de un museo mediano nos toma, por lo menos, ocho años, por eso cuando estamos hablando del Bellas Artes es un museo grande y el de Historia Natural, uno inmenso".
Específicamente sobre el Museo Histórico Nacional comenta que "se hizo un concurso para la ampliación del inmueble. Próximamente vamos a tener listo el diseño arquitectónico, pero la ampliación va".
Las preguntas de cuatro expertos
Pablo Chiuminatto. Profesor de la Facultad de Letras de la Universidad Católica. Artista Visual
-¿En el marco de un Ministerio de Cultura, cuál considera usted que es el desafío para la Dibam ante un escenario que lo hace independiente del Ministerio de Educación, que sabemos determina el currículum, afectando directamente la cultura de los niños chilenos?
"El rol de los museos como un espacio de educación alternativo seguirá, independientemente de donde estén ubicados. Estar en un Ministerio de Cultura no alterará la misión de estas instituciones".
Macarena Carroza. Directora del Centro de Conservación, Restauración y Estudios Artísticos (CREA)
-¿Cuáles serán los acentos que se pondrán en los objetivos que deben plantearse en los museos en Chile con audiencias cada vez más exigentes en cuanto a contenido y espacios de acogidas?
"En la última década hemos hecho un trabajo significativo en esa área, especialmente en museos regionales. Esa es una tarea que hay que replicar".
Verónica Abud. Gerenta general Fundación La Fuente
-¿Piensa impulsar una ley de bibliotecas públicas, que ayude a fijar estándares y a desmunicipalizar su dependencia?
"El tema de la municipalización ha sido una manera de operativizar las bibliotecas y pareciera que tiene una cierta lógica al dejar en manos de esta administración una de las áreas de la cultura y nosotros, por nuestra parte, colaboramos a los municipios con el know how . Se puede mejorar mucho, pero también hay un modelo que ha funcionado bien".
Marta Cruz-Coke. Ex directora de la Dibam
-¿Cuál considera usted que debiera ser la base sobre la que usted asentaría la futura orientación y gestión de la Dibam?
"Uno de los temas cruciales será la creación del Ministerio de Cultura y del Patrimonio".
Alan Trampe asume como director de Bibliotecas, Archivos y Museos
El Mercurio
El experto, que ejerce desde ayer el cargo en forma transitoria, revela que se centrará en el nuevo Ministerio de Cultura, y en resolver los problemas del Consejo de Monumentos.
Romina de la Sotta D.
Él diseñó y lideró el Plan Nacional de Mejoramiento Integral de Museos, un revolucionario aggiornamento que se realizó de la infraestructura y la museografía de 17 museos a lo largo de diez regiones del país, a partir de 2001. Hasta el domingo, y desde 2000, Alan Trampe Torrejón (1963) era subdirector Nacional de Museos. A la Dibam ingresó en 1999 al conquistar, por concurso público, la dirección del Museo Regional de Magallanes.
Con esos quince años de trayectoria en la institución, Trampe asumió ayer como director de la Dibam, cargo que ejercerá hasta que sea elegido, vía Alta Dirección Pública, el nuevo director de la entidad.
"El ministro de Educación me solicitó que asumiera la dirección de Bibliotecas, Archivos y Museos de forma interina, temporal y transitoria. El llamado telefónico fue hace dos semanas, pero tenía que cerrar varios temas antes de instalarme acá. El concurso tomará algunos meses y entonces se verá quién continúa en el cargo", comenta a "El Mercurio".
-¿Piensa postular al cargo?
"Aún no he tomado esa decisión".
-¿Cuáles ámbitos enfatizará?
"Los desafíos más relevantes son colaborar para que tengamos lo antes posible un nuevo Ministerio de Cultura y Patrimonio, y solucionar los problemas internos del Consejo de Monumentos Nacionales. Ahí están los dos ejes fundamentales. El resto de la institución está funcionando bien; la Dibam tiene mucha planificación y líneas de acción a largo plazo en la gestión de bibliotecas, de museos, de archivos y en otras áreas".
-Hablemos del nuevo ministerio.
"La creación del Ministerio de Cultura y Patrimonio es un tema sumamente relevante y le dedicaré muchas energías y cabeza, a través de un trabajo cercano de colaboración con el Consejo de la Cultura y las Artes".
-El proyecto de ley del gobierno anterior ¿se reemplazará o modificará?
"Mañana tengo una reunión con la ministra de Cultura para tener información más exacta sobre la manera como se va a proceder. La ministra me invitó a reunirnos lo antes posible para generar mesas de trabajo y abordar de la mejor manera posible este desafío relevante para ambos servicios".
-¿Y qué hará respecto del Consejo de Monumentos Nacionales?
"En este minuto el Consejo de Monumentos Nacionales no tiene un secretario ejecutivo. Debemos buscar y conversar con el ministro de Educación para escoger a la mejor persona. Además, tenemos un problema interno en el Consejo, que también hay que solucionar".
-¿Se refiere al gran porcentaje de funcionarios a contrata?
"Efectivamente. Hay que tratar de darle una solución, lo mejor posible y lo antes posible. Y además está el proyecto de ley de Monumentos Nacionales, que se tiene que revisar".
-Se ha criticado que los consejeros ya no serían de los gremios sino solo de entidades estatales.
"Ha habido opiniones distintas, fundamentalmente respecto de la composición del Consejo, y los niveles de representatividad y de especialidad que tendrían. Pero es un tema que se puede resolver con buena voluntad y con reuniones de trabajo. El resto de la propuesta de ley está recogiendo anhelos de décadas, y va a corregir una serie de temas pendientes y a mejorar otros".
-¿Se renovarán los directores de los tres museos nacionales, el Histórico, el de Historia Natural y el de Bellas Artes?
"Estoy asumiendo la dirección en forma transitoria, no haremos cambios importantes en ese sentido. Además, entiendo que algunos se han renovado hace poco; no corresponde hoy día pensar en una renovación".
El experto, que ejerce desde ayer el cargo en forma transitoria, revela que se centrará en el nuevo Ministerio de Cultura, y en resolver los problemas del Consejo de Monumentos.
Romina de la Sotta D.
Él diseñó y lideró el Plan Nacional de Mejoramiento Integral de Museos, un revolucionario aggiornamento que se realizó de la infraestructura y la museografía de 17 museos a lo largo de diez regiones del país, a partir de 2001. Hasta el domingo, y desde 2000, Alan Trampe Torrejón (1963) era subdirector Nacional de Museos. A la Dibam ingresó en 1999 al conquistar, por concurso público, la dirección del Museo Regional de Magallanes.
Con esos quince años de trayectoria en la institución, Trampe asumió ayer como director de la Dibam, cargo que ejercerá hasta que sea elegido, vía Alta Dirección Pública, el nuevo director de la entidad.
"El ministro de Educación me solicitó que asumiera la dirección de Bibliotecas, Archivos y Museos de forma interina, temporal y transitoria. El llamado telefónico fue hace dos semanas, pero tenía que cerrar varios temas antes de instalarme acá. El concurso tomará algunos meses y entonces se verá quién continúa en el cargo", comenta a "El Mercurio".
-¿Piensa postular al cargo?
"Aún no he tomado esa decisión".
-¿Cuáles ámbitos enfatizará?
"Los desafíos más relevantes son colaborar para que tengamos lo antes posible un nuevo Ministerio de Cultura y Patrimonio, y solucionar los problemas internos del Consejo de Monumentos Nacionales. Ahí están los dos ejes fundamentales. El resto de la institución está funcionando bien; la Dibam tiene mucha planificación y líneas de acción a largo plazo en la gestión de bibliotecas, de museos, de archivos y en otras áreas".
-Hablemos del nuevo ministerio.
"La creación del Ministerio de Cultura y Patrimonio es un tema sumamente relevante y le dedicaré muchas energías y cabeza, a través de un trabajo cercano de colaboración con el Consejo de la Cultura y las Artes".
-El proyecto de ley del gobierno anterior ¿se reemplazará o modificará?
"Mañana tengo una reunión con la ministra de Cultura para tener información más exacta sobre la manera como se va a proceder. La ministra me invitó a reunirnos lo antes posible para generar mesas de trabajo y abordar de la mejor manera posible este desafío relevante para ambos servicios".
-¿Y qué hará respecto del Consejo de Monumentos Nacionales?
"En este minuto el Consejo de Monumentos Nacionales no tiene un secretario ejecutivo. Debemos buscar y conversar con el ministro de Educación para escoger a la mejor persona. Además, tenemos un problema interno en el Consejo, que también hay que solucionar".
-¿Se refiere al gran porcentaje de funcionarios a contrata?
"Efectivamente. Hay que tratar de darle una solución, lo mejor posible y lo antes posible. Y además está el proyecto de ley de Monumentos Nacionales, que se tiene que revisar".
-Se ha criticado que los consejeros ya no serían de los gremios sino solo de entidades estatales.
"Ha habido opiniones distintas, fundamentalmente respecto de la composición del Consejo, y los niveles de representatividad y de especialidad que tendrían. Pero es un tema que se puede resolver con buena voluntad y con reuniones de trabajo. El resto de la propuesta de ley está recogiendo anhelos de décadas, y va a corregir una serie de temas pendientes y a mejorar otros".
-¿Se renovarán los directores de los tres museos nacionales, el Histórico, el de Historia Natural y el de Bellas Artes?
"Estoy asumiendo la dirección en forma transitoria, no haremos cambios importantes en ese sentido. Además, entiendo que algunos se han renovado hace poco; no corresponde hoy día pensar en una renovación".
La ambiciosa Semana Santa que tendrá el Teatro del Lago
El Mercurio
Uno de los principales promotores de este gran compositor germano dirigirá la "Pasión según San Juan", en Frutillar, y en el Centro de Extensión UC y en Temuco guiará conciertos didácticos; pero, sin duda, la gran apuesta que acompaña su regreso es la Orquesta y Coro Academia Internacional Teatro del Lago, con 80 músicos internacionales menores de 35 años, seleccionados especialmente para tocar con él y vivir una experiencia inolvidable.
Maureen Lennon Zaninovic
"Helmuth Rilling y el Johann Sebastian Bach Ensemble lograron que todos padeciéramos con esta Pasión según San Mateo. Que compadeciéramos. Inolvidable". Con estas elogiosas palabras el crítico Gonzalo Saavedra resaltó la última presentación (marzo de 2013) del renombrado músico germano, uno de los mayores intérpretes de las cantatas de Bach.
Un año antes -en un pionero hito musical- Rilling (Stuttgart, 1933) lideró dos recordados conciertos en el Teatro Municipal de Las Condes y en el Teatro del Lago. En Frutillar, además, ofreció master classes y lecture concerts (conciertos didácticos) constituyéndose en un valioso aporte a la difusión del músico barroco en Chile. Todo ello ha permitido, en una fructífera alianza educativa, que en las últimas temporadas en el Teatro del Lago se realicen actividades formativas vinculadas a la enseñanza de la obra de Bach.
Sus dos visitas a nuestro país han sido todo un acontecimiento, en primer lugar por la indiscutida estatura musical de este artista, quien hace más de cinco décadas sentó las bases de la Gächinger Kantorei Stuttgart, un coro profesional que se transformó, rápidamente, en uno de los más renombrados y célebres de Europa. Para ampliar el espectro y las posibilidades de difusión de esta música, Helmuth Rilling también creó un ensamble instrumental: el Bach Collegium Stuttgart, y pasó a la historia al registrar toda la música de Bach que involucra voces y orquestas, incluidas la Misa en Si menor, las pasiones, los oratorios, los motetes y todas sus cantatas.
La buena noticia es que los lazos con Chile siguen creciendo de manera insospechada. Esta semana regresará para trabajar junto a un grupo de jóvenes músicos y cantantes de diferentes países del mundo, reunidos especialmente para un concierto y otras actividades educativas. El sábado 19 (19:00 horas. Entradas desde $8.000), por ejemplo, dirigirá en el Teatro del Lago otra de las cumbres de Bach: La Pasión según San Juan, y también protagonizará tres conciertos didácticos, en Frutillar (18), el Teatro Municipal de Temuco (20, 20:00 horas. Desde $6.400) y el Centro de Extensión UC (21, 19:00 horas, con retiro previo de entradas gratuitas); además de varias master classes .
"Estoy muy contento con este regreso. Mi debut, en 2012, fue muy emocionante, pero ahora tengo expectativas mayores porque, gracias al empuje del Teatro del Lago, dirigiré a una selección de músicos jóvenes -menores de 35- de todo el mundo. Sé que esos chicos son talentosos y disciplinados, además aman la música de Bach y tendrán el privilegio de presentarse, entre otros lugares, en Frutillar, en un escenario que tiene una acústica maravillosa", señala Rilling a "Artes y Letras".
Y agrega que realizará un trabajo intenso con estos intérpretes seleccionados. "La idea es introducirnos a fondo en el lenguaje barroco. Detenernos en cada sección de esta Pasión, ayudarlos a traducir al español cada uno de sus movimientos, que se involucren con esta importante pieza que a mi juicio -junto con la 'Misa en Si menor' y la Pasión según San Mateo- puede considerarse el testamento musical de Bach".
Rilling ahonda en esta obra y explica que su compositor seleccionó los versículos bíblicos literales de San Juan y que "para mantener la estructura literaria y la coherencia del relato recurrió a las descripciones de otros evangelistas. También recopiló y ensambló distintos himnos y poemarios luteranos tradicionales de los siglos XVI y XVII. Todo ello dio como fruto a una creación extensa, llena de arias, corales y recitativos conmovedores".
Superar fronteras
"Este es el proyecto más importante del año de la Academia Internacional Teatro del Lago por sus dimensiones y porque está encabezado por uno de los directores más importantes del mundo: Helmuth Rilling", comenta efusivamente a "Artes y Letras" Uli Bader-Schiess, director ejecutivo de este escenario sureño.
Y agrega que en 2013 lanzaron una convocatoria internacional de audiciones para jóvenes músicos menores de 35 años. Entre los seleccionados (80) hay intérpretes, entre otros, de Europa, Chile, Argentina, Brasil, Ecuador, Venezuela, Estados Unidos y Canadá. Todos ellos integrarán la Orquesta y Coro Academia Internacional Teatro del Lago y, a su vez, tendrán el privilegio de ensayar y preparar el concierto de Semana Santa junto al músico germano.
"El proceso de selección fue muy riguroso, realizado por profesores y músicos extranjeros para evitar cualquier conflicto de interés o parcialidad en los resultados", advierte Carmen Gloria Larenas, gerenta de programación artística y de comunicaciones del Teatro del Lago.
La oboísta chilena Camila del Pozo, hija del reconocido tenor Rodrigo del Pozo, es una de las intérpretes que quedó seleccionada y comenta con orgullo que "poder trabajar con un director reconocido como Rilling supone también el desafío de llegar al nivel y ética de trabajo acostumbrados por este gran artista".
Carmen Gloria Larenas complementa que "en términos económicos, esta es una de nuestras inversiones más importantes". ¿La razón? A todos los intérpretes escogidos se les financiaron pasajes, estadía y traslados. "¡Es un gran esfuerzo que incluso, cuando me lo planteó como una posibilidad Uli Bader-Schiess pensé que sería una locura! Pero logramos sacarlo adelante. Desde nuestros inicios, nos ha motivado abrir el arte como un foco de educación. Estamos convencidos que se puede mejorar la calidad de vida de las personas con mayor arte y educación".
Uli Bader-Schiess reafirma esta visión: "La Academia Internacional es una iniciativa que expresa la cantidad, calidad y variedad de la oferta educacional y responsabilidad social que desarrollamos" y añade que los músicos seleccionados "se verán enriquecidos no solo en el podio y el escenario, sino también como personas. Cuando hay jóvenes de tan diversas nacionalidades, necesariamente se superan las fronteras de cualquier naturaleza. Espero que la Academia Internacional y también el proyecto orquesta tengan un futuro brillante, que nos hagan crecer y desarrollarnos a todos".
Carmen Gloria Larenas se refiere a la posibilidad de que este conjunto tenga una mayor permanencia en el Teatro del Lago. "El proyecto no está pensado para tener una orquesta estable, aunque nos encantaría tener una a futuro. Sí estamos explorando y analizando de qué manera replicar esta instancia educativa, ojalá más de una vez al año. Queremos darles un espacio de desarrollo a los jóvenes para que trabajen con los mejores. Este es un proyecto grande y ambicioso y con el, el teatro se convierte en un importante espacio de desarrollo".
¿No es demasiada la inversión para un encuentro que durará una semana? "Es cierto que puede parecer un gran esfuerzo para algo puntual; pero la idea es partir por algo, dejar lanzada la primera parte de algo que irá creciendo con el tiempo", puntualiza Larenas.
Uno de los principales promotores de este gran compositor germano dirigirá la "Pasión según San Juan", en Frutillar, y en el Centro de Extensión UC y en Temuco guiará conciertos didácticos; pero, sin duda, la gran apuesta que acompaña su regreso es la Orquesta y Coro Academia Internacional Teatro del Lago, con 80 músicos internacionales menores de 35 años, seleccionados especialmente para tocar con él y vivir una experiencia inolvidable.
Maureen Lennon Zaninovic
"Helmuth Rilling y el Johann Sebastian Bach Ensemble lograron que todos padeciéramos con esta Pasión según San Mateo. Que compadeciéramos. Inolvidable". Con estas elogiosas palabras el crítico Gonzalo Saavedra resaltó la última presentación (marzo de 2013) del renombrado músico germano, uno de los mayores intérpretes de las cantatas de Bach.
Un año antes -en un pionero hito musical- Rilling (Stuttgart, 1933) lideró dos recordados conciertos en el Teatro Municipal de Las Condes y en el Teatro del Lago. En Frutillar, además, ofreció master classes y lecture concerts (conciertos didácticos) constituyéndose en un valioso aporte a la difusión del músico barroco en Chile. Todo ello ha permitido, en una fructífera alianza educativa, que en las últimas temporadas en el Teatro del Lago se realicen actividades formativas vinculadas a la enseñanza de la obra de Bach.
Sus dos visitas a nuestro país han sido todo un acontecimiento, en primer lugar por la indiscutida estatura musical de este artista, quien hace más de cinco décadas sentó las bases de la Gächinger Kantorei Stuttgart, un coro profesional que se transformó, rápidamente, en uno de los más renombrados y célebres de Europa. Para ampliar el espectro y las posibilidades de difusión de esta música, Helmuth Rilling también creó un ensamble instrumental: el Bach Collegium Stuttgart, y pasó a la historia al registrar toda la música de Bach que involucra voces y orquestas, incluidas la Misa en Si menor, las pasiones, los oratorios, los motetes y todas sus cantatas.
La buena noticia es que los lazos con Chile siguen creciendo de manera insospechada. Esta semana regresará para trabajar junto a un grupo de jóvenes músicos y cantantes de diferentes países del mundo, reunidos especialmente para un concierto y otras actividades educativas. El sábado 19 (19:00 horas. Entradas desde $8.000), por ejemplo, dirigirá en el Teatro del Lago otra de las cumbres de Bach: La Pasión según San Juan, y también protagonizará tres conciertos didácticos, en Frutillar (18), el Teatro Municipal de Temuco (20, 20:00 horas. Desde $6.400) y el Centro de Extensión UC (21, 19:00 horas, con retiro previo de entradas gratuitas); además de varias master classes .
"Estoy muy contento con este regreso. Mi debut, en 2012, fue muy emocionante, pero ahora tengo expectativas mayores porque, gracias al empuje del Teatro del Lago, dirigiré a una selección de músicos jóvenes -menores de 35- de todo el mundo. Sé que esos chicos son talentosos y disciplinados, además aman la música de Bach y tendrán el privilegio de presentarse, entre otros lugares, en Frutillar, en un escenario que tiene una acústica maravillosa", señala Rilling a "Artes y Letras".
Y agrega que realizará un trabajo intenso con estos intérpretes seleccionados. "La idea es introducirnos a fondo en el lenguaje barroco. Detenernos en cada sección de esta Pasión, ayudarlos a traducir al español cada uno de sus movimientos, que se involucren con esta importante pieza que a mi juicio -junto con la 'Misa en Si menor' y la Pasión según San Mateo- puede considerarse el testamento musical de Bach".
Rilling ahonda en esta obra y explica que su compositor seleccionó los versículos bíblicos literales de San Juan y que "para mantener la estructura literaria y la coherencia del relato recurrió a las descripciones de otros evangelistas. También recopiló y ensambló distintos himnos y poemarios luteranos tradicionales de los siglos XVI y XVII. Todo ello dio como fruto a una creación extensa, llena de arias, corales y recitativos conmovedores".
Superar fronteras
"Este es el proyecto más importante del año de la Academia Internacional Teatro del Lago por sus dimensiones y porque está encabezado por uno de los directores más importantes del mundo: Helmuth Rilling", comenta efusivamente a "Artes y Letras" Uli Bader-Schiess, director ejecutivo de este escenario sureño.
Y agrega que en 2013 lanzaron una convocatoria internacional de audiciones para jóvenes músicos menores de 35 años. Entre los seleccionados (80) hay intérpretes, entre otros, de Europa, Chile, Argentina, Brasil, Ecuador, Venezuela, Estados Unidos y Canadá. Todos ellos integrarán la Orquesta y Coro Academia Internacional Teatro del Lago y, a su vez, tendrán el privilegio de ensayar y preparar el concierto de Semana Santa junto al músico germano.
"El proceso de selección fue muy riguroso, realizado por profesores y músicos extranjeros para evitar cualquier conflicto de interés o parcialidad en los resultados", advierte Carmen Gloria Larenas, gerenta de programación artística y de comunicaciones del Teatro del Lago.
La oboísta chilena Camila del Pozo, hija del reconocido tenor Rodrigo del Pozo, es una de las intérpretes que quedó seleccionada y comenta con orgullo que "poder trabajar con un director reconocido como Rilling supone también el desafío de llegar al nivel y ética de trabajo acostumbrados por este gran artista".
Carmen Gloria Larenas complementa que "en términos económicos, esta es una de nuestras inversiones más importantes". ¿La razón? A todos los intérpretes escogidos se les financiaron pasajes, estadía y traslados. "¡Es un gran esfuerzo que incluso, cuando me lo planteó como una posibilidad Uli Bader-Schiess pensé que sería una locura! Pero logramos sacarlo adelante. Desde nuestros inicios, nos ha motivado abrir el arte como un foco de educación. Estamos convencidos que se puede mejorar la calidad de vida de las personas con mayor arte y educación".
Uli Bader-Schiess reafirma esta visión: "La Academia Internacional es una iniciativa que expresa la cantidad, calidad y variedad de la oferta educacional y responsabilidad social que desarrollamos" y añade que los músicos seleccionados "se verán enriquecidos no solo en el podio y el escenario, sino también como personas. Cuando hay jóvenes de tan diversas nacionalidades, necesariamente se superan las fronteras de cualquier naturaleza. Espero que la Academia Internacional y también el proyecto orquesta tengan un futuro brillante, que nos hagan crecer y desarrollarnos a todos".
Carmen Gloria Larenas se refiere a la posibilidad de que este conjunto tenga una mayor permanencia en el Teatro del Lago. "El proyecto no está pensado para tener una orquesta estable, aunque nos encantaría tener una a futuro. Sí estamos explorando y analizando de qué manera replicar esta instancia educativa, ojalá más de una vez al año. Queremos darles un espacio de desarrollo a los jóvenes para que trabajen con los mejores. Este es un proyecto grande y ambicioso y con el, el teatro se convierte en un importante espacio de desarrollo".
¿No es demasiada la inversión para un encuentro que durará una semana? "Es cierto que puede parecer un gran esfuerzo para algo puntual; pero la idea es partir por algo, dejar lanzada la primera parte de algo que irá creciendo con el tiempo", puntualiza Larenas.
El histórico bajista Archie Frugone vuelve a La Ley como reemplazo de Zeta Bosio
La Tercera
El músico, que formó parte del grupo desde fines de los 90, integrará su gira de retorno.
por Claudio Vergara
Un par de llamados de distinta urgencia han golpeado la puerta de Archie Frugone (45) en su actual residencia en California. Sobre la mitad de esta entrevista, el servicio de despachos toca su timbre para avisarle que traen el bajo Fender que encargó hace algunos días y con el que se presentará en las próximas fechas de La Ley. “Está muy bonito, justo lo que quería. Y no es tan caro”, reporta el músico mientras desempaca el instrumento.
Pero, a mediados de marzo, Frugone recibió otro llamado aún más apremiante. Su hermano mayor, Pedro, guitarrista del conjunto chileno, lo telefoneó para pedirle que se sumara al retornado grupo en el puesto de Zeta Bosio, el ex Soda Stereo anunciado como invitado en el tour de regreso, pero que sorpresivamente desistió luego de sólo dos shows, debido, según un comunicado oficial, a su inminente paternidad.
“Me llamó Pedro y me dijo ‘ya, con el Zeta no funcionó, ¿te sumai, te las mandai con los conciertos que quedan?’. Ahí dije ‘echémosle para adelante’, me pareció fantástico y entretenido”, describe el bajista, ante una decisión que ya lo tuvo el domingo 30 en la presentación del festival Vive Latino de Ciudad de México y que materializa su vuelta a un grupo del que también formó parte desde fines de los 90.
En 1998, y en coincidencia con la partida del bajista histórico, Luciano Rojas, el instrumentista se unió como invitado a los días en que promocionaban en vivo el álbum Vértigo (1998), hasta rematar con una participación en el MTV Unplugged que grabaron en 2001. Un papel similar cumplió en el último título de la agrupación, Libertad (2003), aunque siempre bajo la etiqueta de integrante no permanente.
Una chapa que podría variar en los próximos meses, ya que Frugone será parte de los hombres de Doble Opuesto en todo su periplo continental, el que hasta ahora confirmó paradas durante este mes y mayo en Ecuador, Panamá, El Salvador y Honduras. Un largo recorrido que no se condice con el escaso tiempo que tuvo para preparar su reingreso.
“Cuando acepté tocar con ellos, me dijeron cuáles eran las canciones que iban a mostrar y casi todas me las sabía. No hubo problemas con eso. Después llegué a México, ensayamos dos días y le dimos”, cuenta el artista que en los 80 también integró las bandas Viena y Anachena, y que ofició como soporte de Jorge González en su primera era solista.
MUSICO DIVERSO
De algún modo, la flexibilidad laboral de su presente le permitió dar el sí inmediato a la oferta. Desde que en 1996 se asentó en Los Angeles, el chileno se ha desempeñado como músico esporádico de distintos proyectos -Silvestres, con Francisco Koch, fue su última agrupación-, aunque en el último tiempo ha desarrollado una sólida labor como sonidista de televisión. Por ejemplo, ha participado de realities y documentales de diversos canales, como Discovery Channel, Animal Planet e History Channel.
El artista sigue: “Soy independiente, viajo harto y me toca trabajar entre cinco a seis semanas, pero siempre estoy disponible para instancias como una gira. Además, es como si a cualquiera le pidiera un favor un hermano, es muy difícil negarse. Y a los chicos los he visto muy bien, muy sólidos y con mucho ánimo”.
Eso sí, cuando se enfrenta a la opción de transformarse en el bajista definitivo de La Ley e incluso de sumarse a la grabación de nuevo material, su discurso se vuelve más templado: “Quedarme para siempre no es algo que me preocupe demasiado, lo que me interesa en estos momentos es tocar, pero nunca conviene proyectarse mucho. Uno nunca sabe si va a estar para siempre. Hay mucha buena onda, pero es algo que naturalmente se va viendo”.
El músico, que formó parte del grupo desde fines de los 90, integrará su gira de retorno.
por Claudio Vergara
Un par de llamados de distinta urgencia han golpeado la puerta de Archie Frugone (45) en su actual residencia en California. Sobre la mitad de esta entrevista, el servicio de despachos toca su timbre para avisarle que traen el bajo Fender que encargó hace algunos días y con el que se presentará en las próximas fechas de La Ley. “Está muy bonito, justo lo que quería. Y no es tan caro”, reporta el músico mientras desempaca el instrumento.
Pero, a mediados de marzo, Frugone recibió otro llamado aún más apremiante. Su hermano mayor, Pedro, guitarrista del conjunto chileno, lo telefoneó para pedirle que se sumara al retornado grupo en el puesto de Zeta Bosio, el ex Soda Stereo anunciado como invitado en el tour de regreso, pero que sorpresivamente desistió luego de sólo dos shows, debido, según un comunicado oficial, a su inminente paternidad.
“Me llamó Pedro y me dijo ‘ya, con el Zeta no funcionó, ¿te sumai, te las mandai con los conciertos que quedan?’. Ahí dije ‘echémosle para adelante’, me pareció fantástico y entretenido”, describe el bajista, ante una decisión que ya lo tuvo el domingo 30 en la presentación del festival Vive Latino de Ciudad de México y que materializa su vuelta a un grupo del que también formó parte desde fines de los 90.
En 1998, y en coincidencia con la partida del bajista histórico, Luciano Rojas, el instrumentista se unió como invitado a los días en que promocionaban en vivo el álbum Vértigo (1998), hasta rematar con una participación en el MTV Unplugged que grabaron en 2001. Un papel similar cumplió en el último título de la agrupación, Libertad (2003), aunque siempre bajo la etiqueta de integrante no permanente.
Una chapa que podría variar en los próximos meses, ya que Frugone será parte de los hombres de Doble Opuesto en todo su periplo continental, el que hasta ahora confirmó paradas durante este mes y mayo en Ecuador, Panamá, El Salvador y Honduras. Un largo recorrido que no se condice con el escaso tiempo que tuvo para preparar su reingreso.
“Cuando acepté tocar con ellos, me dijeron cuáles eran las canciones que iban a mostrar y casi todas me las sabía. No hubo problemas con eso. Después llegué a México, ensayamos dos días y le dimos”, cuenta el artista que en los 80 también integró las bandas Viena y Anachena, y que ofició como soporte de Jorge González en su primera era solista.
MUSICO DIVERSO
De algún modo, la flexibilidad laboral de su presente le permitió dar el sí inmediato a la oferta. Desde que en 1996 se asentó en Los Angeles, el chileno se ha desempeñado como músico esporádico de distintos proyectos -Silvestres, con Francisco Koch, fue su última agrupación-, aunque en el último tiempo ha desarrollado una sólida labor como sonidista de televisión. Por ejemplo, ha participado de realities y documentales de diversos canales, como Discovery Channel, Animal Planet e History Channel.
El artista sigue: “Soy independiente, viajo harto y me toca trabajar entre cinco a seis semanas, pero siempre estoy disponible para instancias como una gira. Además, es como si a cualquiera le pidiera un favor un hermano, es muy difícil negarse. Y a los chicos los he visto muy bien, muy sólidos y con mucho ánimo”.
Eso sí, cuando se enfrenta a la opción de transformarse en el bajista definitivo de La Ley e incluso de sumarse a la grabación de nuevo material, su discurso se vuelve más templado: “Quedarme para siempre no es algo que me preocupe demasiado, lo que me interesa en estos momentos es tocar, pero nunca conviene proyectarse mucho. Uno nunca sabe si va a estar para siempre. Hay mucha buena onda, pero es algo que naturalmente se va viendo”.
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