Las diez mejores orquestas del mundo según la revista de música de la BBC

 El Mercurio

Nueve conjuntos europeos y solo uno estadounidense figuran en esta clasificación, que evalúa sonido, repertorio y legado discográfico. Alemania es puntera, con tres menciones.

Juan Antonio Muñoz H.

Las listas de “mejores” suelen ser siempre listas de “favoritos” de quienes las construyen. No por eso dejan de ser atractivas y, por lo mismo, fomentan el debate, que incluso puede volverse acalorado. A veces no importa tanto quienes aparecen en el listado, como los que no aparecen. En este caso, hay varias orquestas que no están, como los destacados conjuntos de Nueva York, Chicago, Filadelfia y Boston. Tampoco hay agrupaciones sudamericanas, francesas, españolas, rusas, chinas ni japonesas.

La influyente revista británica BBC Music Magazine desde hace décadas confecciona sus propias listas; algunas de ellas hechas en base a lo que opinan músicos y críticos, que actúan como jurado, y en otras sus propios redactores son los que dan su parecer. Esta vez la publicación se abstuvo de dar un orden determinado, como sí hicieron en otras ocasiones, y solo apuntó a las diez orquestas que estaban en la cima de la votación sin otorgar un número 1 o un número 10.

En esta lista alfabética, inicia los fuegos la Orquesta Sinfónica de la Radio de Baviera, con sede en Múnich. Directores como Leonard Bernstein, Rafael Kubelik, Colin Davis y Lorin Maazel dejaron allí su huella, pero en el último tiempo es Mariss Jansons el que ha acaparado la atención de la crítica y del público.

Siempre en Alemania, imposible eludir a la Filarmónica de Berlín, con 140 años de una historia plagada de hitos. Basta mirar a sus directores: Otto Klemperer, Wilhelm Furtwängler y Herbert von Karajan. Y qué decir, del gran Claudio Abbado, que labró una nueva identidad para el grupo; de Simon Rattle, que hizo avances importantísimos en términos de repertorio, y ahora Kirill Petrenko, un maestro cuyas interpretaciones hacen parecer que cada obra que dirige es una pieza nueva.

La encuesta también pone atención en la Orquesta del Festival de Budapest, que dirige Iván Fischer, quien cofundó el conjunto hace casi cuatro décadas con Zoltan Kocsis, y que desde entonces se ha hecho famoso por sus grabaciones de Mahler. Además, la BFO tiene grupos emergentes que se especializan en instrumentos de época, música contemporánea y folk balcánico, lo que, según la revista de la BBC, “da a sus intérpretes libertades musicales que a su vez retroalimentan al conjunto principal”.

Leipzig: una cima de refinamiento

Fue John Barbirolli el que sacó adelante a la Hallé Orchestra de Manchester, nacida en 1857. De hecho, siempre se recuerda el sonido de las grabaciones que Barbirolli consiguió para Elgar y Mahler. Luego siguieron los mandatos de Stanis{lstrok}aw Skrowaczewski y Kent Nagano, y actualmente está al frente el gran Mark Elder, que llevó al conjunto a otro nivel.

La Orquesta Gewandhaus de Leipzig tiene tras sí una historia de 500 años. Su director de más campanillas fue el compositor Félix Mendelssohn, que vivió en Leipzig y que estrenó muchas de sus propias obras con la orquesta, pero también hay otros nombres que son historia de la música: Arthur Nikisch, Wilhelm Furtwängler, Bruno Walter y, más recientemente, Kurt Masur, quien permaneció ahí más de 25 años, entre 1970 y 1996, dejando como legado una valiosa discografía, donde resplandecen los ciclos sinfónicos de Mendelssohn y Beethoven. En los últimos años, tanto Riccardo Chailly (2005 a 2016) como Andris Nelsons, han demostrado que Leipzig Gewandhaus es una máquina sonora de un refinamiento superior.

También obtuvo nominación la Orquesta Sinfónica de Londres, con sede en el Barbican Centre, que demuestra su versatilidad enfrentando con igual solvencia a Haydn, Stravinsky y Lutos{lstrok}awski, y que “se distingue por un sonido radiante”. Es también un conjunto sin fronteras prejuiciosas y ya es una referencia en bandas sonoras de películas. Hoy es sir Simon Rattle quien está al mando, pero sus predecesores son tanto o más célebres. Entre ellos, André Previn, Claudio Abbado y Valery Gergiev.

Saltando a Norteamérica, se impuso la Filarmónica de Los Angeles, actualmente bajo la dirección de Gustavo Dudamel y donde el chileno Paolo Bortolameolli es su intrépido y mediático asistente. Es el único conjunto estadounidense incluido en la lista. Con un repertorio también amplísimo, su énfasis ha estado en la música contemporánea; de hecho, durante la temporada 2018/19, más de 60 compositores vivos escribieron obras para esta orquesta que también tiene una lista de legendarios en su camino: Zubin Mehta, Carlo Maria Giulini y André Previn.

En Roma resplandece la Orchestra dell'Accademia Nazionale di Santa Cecilia, fundada en 1908, y hoy bajo el mando de Antonio Pappano, quien en los últimos años ha grabado con ella aplaudidas integrales de las verdianas “Aida” y “Otello”, aparte de ampliar el repertorio con obras de Britten y Respighi, entre otros. La revista de la BBC dice que “hay una frescura y vitalidad en este conjunto que pocos pueden igualar”.

No se puede olvidar a la Royal Concertgebouw Orchestra, uno de los conjuntos de sonido más distintivo, que ha sido llevado a las alturas por maestros como “el dios-director Bernard Haitink”, que permaneció con ella durante más de 25 años; Riccardo Chailly, quien dirigió a la chilena Cristina Gallardo-Domâs en “Suor Angelica” (Puccini) en la famosa sala, registro que existe en video; Mariss Jansons, y Daniele Gatti, que sustituyó a Jansons en 2016, pero que debió dimitir dos años después tras las investigaciones sobre denuncias de acoso sexual.

La lista alfabética termina con la Orquesta Filarmónica de Viena y la publicación de la BBC destaca que debido a su negativa de nombrar un director principal permanente, eso “significa que sus jugadores gobiernan el gallinero”. Acusada de un conservadurismo extremo en su funcionamiento (su primera integrante femenina fue admitida recién en 1997), nadie puede dudar que es una agrupación apabullante y a veces inalcanzable. Su sonido siempre resulta diferente: utiliza una afinación más alta e instrumentos no habituales: clarinetes “Öhler”, oboe “Wiener” y el corno “Vienna”.

De dictador a líder: La mutación del director de orquesta

Maureen Lennon Zaninovic
Artes y Letras
El Mercurio

En las últimas semanas, Daniel Barenboim ha estado en el banquillo de los acusados, con una importante cobertura por parte de la prensa internacional. A raíz de la polémica en que se ha visto envuelto este legendario conductor, importantes músicos y críticos abordan la evolución del oficio. "Hoy en día se está enfocando al director como un coach de músicos altamente calificados, que, a su vez, deciden tener a un director en particular como líder. En este sentido, la dirección ha cambiado mucho", advierte Rodolfo Fischer.



Hace algunos días salieron a la luz una serie de acusaciones de supuesto maltrato laboral en contra del director de orquesta argentino-israelí Daniel Barenboim (1942), considerado una de las batutas más relevantes de la actualidad.

En una entrevista concedida a Elisabetta Piqué, para el diario La Nación de Buenos Aires, el músico entregó su versión de los hechos. "Es muy simple. El teatro me contrató en 1992. La orquesta (de la Ópera Estatal de Berlín) después me eligió director vitalicio, a lo mejor no pensaban que iba a durar tanto (risas). Pero son ya 28 años y todo el mundo sabe que estoy negociando ahora la renovación del contrato (como director general, que vence en el 2022) y creo que hay fuerzas que no lo desean, algo que es perfectamente aceptable".

Elisabetta Piqué le preguntó de manera directa si consideraba tener mal carácter, a lo que respondió: "Si tengo mal carácter, lo tenía hace seis semanas, seis meses, seis años. Yo luché mucho por la posición del teatro, por sus fondos y por los sueldos de los músicos, algo que no me creó solo amigos. Nadie pone en duda mi talento musical, ni los resultados que he conseguido. Y si tengo mal carácter lo tengo hace mucho tiempo. Voy a cumplir 77 años, no es cosa nueva".

¿El ocaso de una era?

El "caso Barenboim" también ha impulsado a diversos expertos y medios especializados a reflexionar en torno al posible ocaso de un modelo vinculado al "maestro de la vieja escuela", es decir, la desaparición de un modelo asociado a un líder dominante como lo fue el maestro italiano Arturo Toscanini (1867-1957), famoso por su fuerte temperamento.

En su célebre libro "Los grandes directores", Harold Schonberg destaca ampliamente la llegada de Toscanini, en 1908, al Metropolitan Opera House de Nueva York (MET) de la mano del nuevo gerente general de este coliseo, Giulio Gatti-Casazza. Como señala el autor, el músico de Parma no se demoró en impresionar: al principio los diarios de la época escribieron que podía dirigir hasta 60 óperas sin partitura y se publicaron numerosos artículos sobre su extraordinaria memoria. Su ruptura definitiva con el MET dio paso a numerosas elucubraciones y teorías. Harold Schonberg cita textual al periódico Musical America: "Algunos afirman francamente que si bien admiran su genio y creen que quizás sea el más grande director de música del mundo actual, no le extrañarán demasiado, porque su gran talento y su dominio de los efectos escénicos son poco usados debido a su temible irritabilidad y su costumbre de insultar constantemente a los artistas, al coro y a la orquesta durante los ensayos, sin perder oportunidad de lanzar invectivas contra el pobre Gatti-Casazza... el resultado fue que hacia el final de la temporada la mitad de la compañía se encontraba en estado de nerviosismo".

En las primeras páginas de este volumen, Harold Schonberg delinea una particular radiografía de la figura del director que -con matices- sigue resultando vigente. A su juicio, "tiene que ser un hombre fuerte, y cuanto más fuerte, más afirman que es dictatorial las personas a quien gobierna. Es suficiente que extienda la mano para que le obedezcan. No tolera oposición. Su voluntad, su palabra, su mirada misma son la ley. A veces se llama Wilhelm Furtwängler, y otras Arturo Toscanini, a veces es Fritz Reiner, Leonard Bernstein, Arthur Nikisch u Otto Klemperer. No importa. Sea cual fuere su nombre, se yergue frente a un grupo de músicos y los dirige".

Otro de los libros de referencia y que abordan con bastante polémica este oficio es "El mito del maestro", del periodista y crítico musical británico Norman Lebrecht. Para este profesional "el abuso del poder de los grandes directores es la tragedia de la música actual" y el "dictador de los dictadores" -a su juicio- fue Herbert von Karajan (1908-1989). "Por supuesto que era un genio, si hubiera sido un mediocre no hubiera llegado adonde llegó. Pero ¿qué hizo con su inmenso talento? Un flaco favor a la música. Aplastó a sus enemigos, no dejó brillar a cualquiera que le hiciera sombra y realizó ¡900! grabaciones a lo largo de su vida. ¿Con qué fin? Probablemente, y no olvidemos las zonas comunes entre políticos y directores, por su claro rechazo a dejar paso a los jóvenes", escribe Norman Lebrecht. y remata que "al fin y al cabo aprendió a manipular su imagen de los mismos que habían fabricado la de Hitler".

Jesús Ruiz Mantilla, periodista, crítico del diario español El País y autor de numerosos y elogiados libros, entre otros de "Yo, Farinelli, el capón" y "Preludio", adelanta a "Artes y Letras" que el director de orquesta "debe tener un carácter fuerte. No estamos hablando de una monja. ¡Eso es absurdo! Que Daniel Barenboim tiene un carácter fuerte todo el mundo lo sabe, lo que sí me preocupa es que perdamos de vista lo importante: hay que imprimir disciplina. Cuando uno dirige a 100 músicos -que en realidad son 100 egos-, hay que sacar el látigo para que todos toquen al unísono".

Un coach de músicos

Rodolfo Fischer -reconocido director chileno radicado en Basilea- señala a "Artes y Letras" que la dirección de orquesta "mal que mal sigue siendo un tipo de liderazgo en esencia autocrático. Sin embargo, hoy en día se está enfocando al director como un coach de músicos altamente calificados, que a su vez deciden tener a un director en particular como líder. En este sentido, la dirección ha cambiado mucho. Algunos directores se han adaptado a estos cambios, otros menos". Fischer considera que Daniel Barenboim se ha encontrado entre ambos mundos, "y si uno adiciona su personalidad hiperactiva como pianista/director, la atención total que él exige hacia la música es algo que muchos no están dispuestos a tolerar. Lo que es indiscutible es la extraordinaria profundidad de sus conocimientos, que hasta sus críticos más acérrimos le conceden como músico".

El director chileno afirma que el cambio de paradigma en la relación autocrática se inició al final de la era Karajan, con el episodio de Sabine Meyer. "En un gesto histórico, la Filarmónica de Berlín se opuso férreamente a las órdenes del mítico Karajan, doblándole la mano al exigir a esta artista en el puesto de primer clarinete. Este empoderamiento orquestal ha ido modificando esta relación y a medida que van pasando las generaciones, cada vez se hace más clara una relación horizontal de gran respeto entre dirigidos y directores".

Fischer concluye con una anécdota en torno a esta batuta argentina-israelí . "Uno de sus músicos me contó que cuando ya estaba llegando al final de su período de prueba como solista, en plena gira, Barenboim empezó a gritarle insistentemente durante un ensayo, por sentir que su rendimiento no estaba a la altura. Todo esto era muy extraño, porque los detalles musicales no parecían tan graves y también porque tenía una excelente relación con él. Tanto así que fue a su camarín y le pidió explicaciones. La respuesta de Barenboim fue sencilla: 'Quería ver si eras capaz de resistir la presión que exige tu puesto... Bienvenido a la Staatskapelle Berlin'".

Para Paolo Bortolameolli, director asistente de la Filarmónica de Los Angeles (Estados Unidos), "ciertamente una vigente ilusión de 'infalibilidad' del director de orquesta hoy en día resultaría anacrónica. El mundo, el contexto ha cambiado y así también cómo nos comportamos (o debiésemos). Pero ahí entran también las personalidades y los puntos de vista que influyen en el resultado deseado".

El director -que en la Gala "El Mercurio", el 7 de mayo, abordará la Séptima Sinfonía de Mahler en el Municipal de Santiago- apuesta por la relación que se vincula con la identidad y unicidad de los músicos, "a su particular voz y energía. El director de orquesta no debiese entonces imponer sino liderar. Pero liderar no es mandar. Su fuerza no viene del poder sino de su habilidad para 'bailar' con la orquesta. Oírla, seguir sus pasos y encontrar esa sintonía, esa natural sincronía que tiene una pareja que baila y fluye sin pisarse los pies. Y donde liderar y seguir, sigue siendo parte de la cómplice organicidad de sus protagonistas".

"El director de orquesta no debiese imponer, sino liderar. Su fuerza no viene del poder, sino de su habilidad para 'bailar' con la orquesta", afirma Paolo Bortolameolli.


Juan Pablo Izquierdo: "Los músicos confunden exigencia con maltrato"

Sin duda que Juan Pablo Izquierdo es una de las batutas más autorizadas y con trayectoria internacional de nuestro país. Es sabido que tenía menos de 20 años cuando Hermann Scherchen lo aceptó como discípulo y menos de 30 cuando ganó el concurso para asistente de Leonard Bernstein en la Filarmónica de Nueva York. Es, además, el único chileno que graba para el sello Mode y uno de los dos que han ganado un Diapason d'Or (el otro es Claudio Arrau).

Director emérito de la Orquesta Filarmónica de Santiago y Premio Nacional de Música 2012, entre otros conjuntos de primera línea, ha sido director titular de la Sinfónica Nacional de Chile, de la Filarmónica de Santiago y de la Orquesta de Cámara de Chile. En 2015 -como se publicó ampliamente en la prensa- renunció a la titularidad de esta última agrupación. En un artículo del diario La Segunda -fechado el 6 de mayo de ese año- se afirmaba que "algunos músicos" lo acusaron de "hostigamiento". En conversación con "Artes y Letras", Izquierdo comenta que ya dio vuelta la página y que "el tiempo le terminó dando la razón".

El director añade "que mucho se especuló con lo que pasó, pero lo cierto es que después asumió la titularidad de la Orquesta de Cámara de Chile otra persona y todos saben lo mal que terminó saliendo, con una fuerte oposición y polémica de los músicos".

-Muchas veces se suele describir a los directores como "dictadores". ¿Está usted de acuerdo?

"Lo que pasa es que los músicos confunden exigencia con maltrato. Para que una orquesta toque al mejor nivel posible hay que exigirles a los instrumentistas. Uno no puede tener una actitud pasiva. Yo siempre he querido lo mejor para la orquesta, pero a veces uno se encuentra con miembros que no quieren aprender, que no quieren avanzar y eso termina siendo un gran problema para la supervivencia y el crecimiento".

-En un artículo publicado en "Artes y Letras", en 2015, usted reconocía poseer un carácter fuerte...

"Vuelvo a repetir lo que dije ese año. Reconozco que soy estricto, pero siempre lo he sido, hasta conmigo mismo. Me gusta trabajar al ciento por ciento. La historia de la música está llena de directores exigentes como Pierre Boulez, Karajan -quien al final era conocido por las peleas- y para qué decir Gustav Mahler, que se tuvo que ir de Viena. No es algo nuevo".

La orquesta que transforma la basura de un vertedero en música

El Mercurio

Todos los instrumentos de esta agrupación de niños y jóvenes paraguayos de escasos recursos están hechos con objetos encontrados en un basural. Con ellos han tocado desde música clásica hasta rock en más de 40 países. 

Por AMALIA TORRES

Las notas de la Quinta Sinfonía de Beethoven toman vida desde objetos impensados. Una lata de aceite, madera y unas cucharas viejas para golpear la carne y hacer ñoquis forman un chelo. El violín está hecho con una lata de pintura, madera de palet, una fuente para poner la pizza en el horno y un tenedor. Y el tambor, con madera, pedazos de metal y radiografías.

Todos los instrumentos de esta orquesta están fabricados con objetos recogidos de la basura. Y todos provienen del basural de Cateura, una comunidad en las afueras de Asunción, donde la mayoría de las familias vive recogiendo, reciclando o utilizando desechos del vertedero más grande de Paraguay.

La Orquesta de Instrumentos Reciclados de Cateura nació hace 11 años. Hoy es tan famosa, que han viajado por 45 países tocando música; su creador, Favio Chávez, habló del proyecto en una charla TED X en Amsterdam y este año son los protagonistas del documental "Landfillharmonic". "El mundo nos manda basura, nosotros les devolvemos música", dice Chávez en la cinta.

En sus ratos libres de su trabajo como técnico ambiental, Chávez comenzó a enseñarles música a los hijos de los recicladores con los que trabajaba. Pero los instrumentos que tenía consigo se hicieron pocos. Así, se le ocurrió comenzar a usar los mismos materiales que rodeaban a estas familias para construirlos. La idea era no gastar plata en fabricarlos, pero también que nadie quisiera robarlos: un violín tradicional vale más que una casa en este sector empobrecido de Paraguay.

"Los niños iban al vertedero a llevarles la vianda a sus padres y se quedaban por ahí jugando. Muchos caen en la misma situación de sus padres, entonces pensé en enseñarles algo en vez de que estén sin hacer nada", dice a "El Mercurio".

Junto a Nicolás Gómez, un reciclador de la zona -hoy, luthier de la orquesta-, comenzaron a crear instrumentos con lo que encontraban. Todo servía.

"La música genera valores, disciplina, constancia, respeto, sensibilidad, entonces es una experiencia notoriamente positiva", dice Chávez.

Teloneros de Metallica

Hoy, la banda de música que comenzó con 10 niños aprendiendo a tocar algunos instrumentos cerca del basural, -"nos juntábamos en la basura o debajo de una carpa de plástico, en cualquier lugar"-se convirtió en una escuela de música, donde estudian 300 niños y jóvenes de escasos recursos. Hay instrumentos para todos, pero siempre es necesario seguir fabricando y mejorándolos para los distintos repertorios.

Con el dinero de sus conciertos, en los que tocan desde música clásica, folclórica, rock y metal-incluso telonearon a Metallica en su gira por Sudamérica en 2014- les ayudan a más de 25 niños a comprar útiles escolares. A otros los apoyan para continuar sus estudios.

"Tenemos jóvenes que hemos becado, que están estudiando Música en la universidad y que ya han tocado en la orquesta sinfónica. A otros los hemos becado para otras carreras. Los apoyamos lo más posible hasta que puedan valerse por sí mismos", dice Chávez.

La próxima semana la orquesta dará un concierto en Asunción.

El desconocido mapa de las orquestas en regiones

El Mercurio

Gestores de algunos conjuntos profesionales dedicados a la música clásica se refieren a los desafíos de dirigir a estas agrupaciones, el énfasis que han puesto en un repertorio propio, el apoyo a los talentos locales y las dificultades de la escasez de financiamiento.

Maureen Lennon Zaninovic 

"No se olvidará el estreno en Chile de 'Las Indias Galantes', ópera-ballet de Jean-Philippe Rameau y libreto de Louis Fuzelier. Y no se olvidará por la altísima calidad de su Orquesta NuevoMundo", escribió efusivamente en este diario el crítico Juan Antonio Muñoz, a propósito de las recientes presentaciones, en el Teatro Regional de Rancagua, de este título.

La mezzosoprano Evelyn Ramírez ha seguido de cerca el desarrollo de esta agrupación barroca, desde su fundación en 2013. "Tiene músicos notables como el concertino Raúl Orellana, quien trabaja con artistas de la talla de Christina Pluhar y Philippe Jaroussky. Resulta increíble que todos sus integrantes -que son un lujo- se reúnan y toquen en la zona".

Marcelo Vidal, uno de los fundadores de este conjunto con sede en la VI Región, agrega con satisfacción que "la crítica ha sido unánime en torno a la calidad de la Orquesta Barroca NuevoMundo. Lo que más nos emociona ha sido comprobar que hay un público entusiasta que fue capaz de salir de Santiago y llegar hasta el Teatro Regional de Rancagua, porque sabe que aquí va a escuchar buena música. Lo digo con orgullo, yo creo que prácticamente todos los directores de nuestro país han estado en esta ciudad y nos han escuchado".

Vidal, quien además es director del Teatro Regional de Rancagua, confiesa que no ha sido fácil mantener en pie a este "milagro musical rancagüino", entre otras razones por la falta de presupuesto. "No tenemos ningún tipo de financiamiento y lo que conseguimos va directamente al pago de los músicos. Lo poco que recolectamos nos llega del aporte voluntario de nuestros seguidores y por venta de entradas. Junto con ello cada músico, de lo que recibe, destina recursos para comprar sus cuerdas de tripa o materiales para las cañas, así como también los arcos. Todos estos insumos son muy específicos, de difícil acceso, porque son fabricados por artesanos que cultivan oficios centenarios perdidos en la bruma de los siglos", señala Marcelo Vidal, y añade que "finalmente lo que hacemos, entre todos, es repartirnos las tareas y asumir las responsabilidades".

Otro elemento que sin duda ha contribuido a la reputación de esta orquesta es la luthería que se ha desarrollado con gran prestigio -en la última década- en la Región de O'Higgins. De hecho esta agrupación cuenta con instrumentos de reproducción histórica fabricados por reconocidos especialistas que viven en esta ciudad. "El oficio de la luthería es una tremenda motivación. Cada vez que nace un instrumento fabricado por Rafael Mardones, Mauricio Puentes o Christian González es un nuevo integrante de nuestra familia. Nos sentimos reviviendo las antiguas misiones jesuíticas, porque en un mismo lugar se confeccionan y se tocan los instrumentos", dice Vidal.

El músico considera que esta es la única orquesta profesional que existe en la región; además, "siguiendo una labor educativa, hemos recorrido todas las comunas, incluso pueblos recónditos donde nunca se había escuchado música clásica, menos barroca, solo pidiendo a cambio la comida y el transporte. Queremos postular a los fondos del Consejo Nacional de la Cultura de las Artes. Se abrió la convocatoria para recibir una asignación directa -vía glosa presupuestaria- que sería muy buena para la consolidación de nuestros músicos".

¿Otros anhelos? Marcelo Vidal puntualiza: "Depende de los recursos y aunar fuerzas, pero mi sueño sería estrenar una ópera de Vivaldi o un ciclo que comprenda 'El Mesías' de Haendel, el 'Gloria' de Vivaldi y 'La Pasión según San Mateo' de Bach, todo por supuesto en sus versiones originales: o sea, tal cual lo pensó su autor. Algo que en Chile, aún, no se ha hecho".

Valdivia busca sueldos competitivos

Fundada en 2007, la Orquesta de Cámara de Valdivia actualmente convoca a 15 instrumentistas (un quinteto de vientos y un noneto de cuerdas). "Tenemos una conformación reducida que nos permite, por un lado, actuar como dos ensambles separados, pero también -si sumamos algunos músicos invitados- abordar repertorio del siglo XX", advierte Cristóbal Urrutia, director ejecutivo de este conjunto.

Urrutia estuvo hace unos días en Rancagua, en una función de la ópera "Las Indias Galantes". Comenta que había leído en la prensa sobre el trabajo de Marcelo Vidal y la Orquesta Barroca NuevoMundo, y decidió viajar para conocer en terreno este aporte musical. "Conversamos sobre la posibilidad de generar alianzas. Este año, por ejemplo, nuestra orquesta se presentará en el GAM junto a la compañía Tryo Teatro Banda que decidió ofrecer una nueva versión de su obra 'Jemmy Button' con un mayor contingente de músicos. Hablé con Vidal sobre la posibilidad de llevar este trabajo a su teatro, porque Rancagua nos parece una plaza muy interesante".

Cristóbal Urrutia añade que la temporada oficial comprende 10 programas. Generalmente actúan en el aula magna de la Universidad Austral de Valdivia, pero también realizan una fuerte extensión en zonas rurales. Sobre el financiamiento, complementa que reciben una asignación directa, vía Consejo Nacional de la Cultura y las Artes (CNCA) de 238 millones de pesos. Desde este año el CNCA, a través de su Unidad de Convenios, administra el Programa de Orquestas Regionales Profesionales, que beneficia a seis conjuntos de todo el país (ver nota relacionada).

"Además, levantamos $350 millones más que provienen de la Universidad Austral, el gobierno regional y el sector privado, a través de empresas. Los ingresos que recibimos del Estado, vía asignación directa, son buenos, pero constituyen una cifra bastante baja considerando que tenemos que pagar los sueldos de los músicos y de nuestro equipo de gestión. Nuestros sueldos no son competitivos y mientras nuestros honorarios sean inferiores a los de Santiago, no podemos retener a nuestros integrantes", dice.

El director ejecutivo de la Orquesta de Cámara de Valdivia puntualiza que en regiones es difícil el aporte de los privados. "Las empresas parece que no tienen mayor interés en invertir fuera de Santiago. Por otra parte, hay que decirlo, existe un sesgo muy grande del Consejo Nacional de la Cultura. La mayoría de las transferencias directas, cerca de trece mil millones de pesos, van a la Foji, al GAM, al Teatro Municipal y a otras instituciones que conocemos y que tienen su sede en Santiago. Nosotros, como orquestas regionales, entramos el 2016 con una asignación de más o menos $1.500 millones. Parece que no hay confianza en las instituciones de regiones. Santiago, que tiene un tercio de toda la población del país, recibe cuatro quintos del presupuesto total. Hay un nivel de disparidad muy grande. Las orquestas santiaguinas también operan con presupuestos muy arriba de los mil millones de pesos cada una. Por alguna razón, se espera que las orquestas en regiones funcionen con 300 millones de pesos, y esa cifra no resiste mayor análisis".

La dificultad del norte

Emplazada en una ciudad con una fuerte carga musical y el influjo del fallecido director Jorge Peña Hen, la Orquesta Sinfónica de la Universidad de La Serena tiene 33 integrantes. "Desde que empezamos a recibir fondos estatales, cambiamos nuestra manera de trabajar. Hasta el 2008, nuestra orquesta era de carácter docente. Después del 2009, comenzamos a tener una temporada de conciertos, con 12 fechas al año, más las presentaciones educacionales. Hoy tenemos cerca de 55 actividades al año", comenta con orgullo Rodrigo Díaz Cuevas, director administrativo artístico de esta agrupación. Agrega que el fuerte del financiamiento proviene del convenio con el Consejo Nacional de la Cultura y las Artes. "La universidad nos da un aporte pecuniario y nos coloca los servicios básicos, y sus funcionarios. Obviamente, deberíamos tener más recursos. El sueldo líquido de nuestros músicos varía entre 400 mil y 600 mil pesos. Hemos insistido al gobierno regional para que nos pase fondos, vía transferencia directa, para que podamos llegar a toda la región. Por el momento accedemos a fondos de cultura, que son un poco inservibles para recorrerla".

La Orquesta Marga Marga, dirigida por Luis José Recart Echenique, fue fundada en marzo de 2010. Cuenta con 16 integrantes y aunque prioriza los conciertos en la Región de Valparaíso, sus presentaciones incluyen giras y conciertos en el norte y sur de Chile, y también el extranjero. Desde enero del 2016 forma parte del nuevo Programa de Orquestas Profesionales Regionales. "Recibimos aportes del Estado, pero nuestra principal institución sostenedora es la Corporación Municipal para el desarrollo social de Villa Alemana", señala Recart. Y puntualiza:

"La Orquesta Marga Marga interpreta un repertorio que incluye compositores de la música universal desde el siglo XVII en adelante, con énfasis en los de finales del siglo XX y siglo XXI, pero da prioridad a la difusión de la música chilena de compositores emergentes y consolidados del ámbito nacional".

Dos realidades: Maule y Concepción

Francisco Rettig dirige a la Orquesta Clásica del Teatro Regional del Maule y la define como un "conjunto estable, pero permanentemente hay que estar contratando músicos extras para poder abordar el repertorio clásico. Para una agrupación que ha alcanzado un muy buen nivel musical, es indispensable contar con el orgánico orquestal completo y con una estabilidad laboral".

Rettig añade que cuentan, además de fondos del Estado, con los aportes del gobierno regional. "Pero debemos buscar financiamiento especial para realizar nuestras producciones de ópera que tanto éxito han tenido en la zona", puntualiza el músico.

En el sur también ha tenido una presencia destacada la Orquesta Sinfónica Universidad de Concepción. Data de 1952, actualmente cuenta con 56 músicos de planta contratados y, a partir del 2017, su director titular será el maestro sueco Mika Eichenholz.

"El 85 por ciento de nuestro financiamiento proviene de la Universidad de Concepción. Desde el 2007 también comenzamos a contar con el aporte del Fondo de la Música y que este año pasó a glosa presupuestaria. Esos fondos estatales son para desarrollo artístico de la orquesta: para traer directores invitados, programar óperas, ballets. Es una cifra que, claramente, no cubre todo", comenta a "Artes y Letras" Lilian Quezada, gerenta de la Corporación Cultural de la Universidad de Concepción. Y añade que "necesitamos bastante más. En julio, por ejemplo, presentaremos la ópera 'Elixir de amor', de Donizetti, y son palabras mayores".

Quezada explica que el 30 por ciento de la programación de este conjunto corresponde a conciertos sinfónicos y el resto a programas de formación de públicos. También cuentan con una importante actividad de extensión.

"La orquesta ha generado un polo de desarrollo enorme en la zona. Por ejemplo, si programamos una ópera se suma mucha gente local trabajando en producción y en escenografía. Si eso ocurriera en todas las regiones sería fantástico. Ya hemos logrado que seis conjuntos sean profesionales en todo Chile y hay que seguir apuntando hacia allá. Sería muy bueno que Antofagasta, Iquique y Copiapó se sumaran. Pero, para eso que eso ocurra, los fondos tienen que crecer considerablemente. En ninguna otra región existe una Universidad de Concepción que decide hacerse cargo de una orquesta y apoyar con más de mil millones de pesos al año".

 Ministro Ottone: "Sumaremos tres orquestas profesionales más"

Son seis las orquestas a lo largo de todo Chile que este año resultaron beneficiadas con el CNCA, a través de su Unidad de Convenios. Se trata de las Orquestas de Valdivia, U. de Concepción, Temuco, Maule, Marga Marga y La Serena.

"En años anteriores, estas orquestas eran apoyadas desde el Consejo de la Música, mediante concurso. Desde el 2016 están en la Ley de Presupuestos, con nombre y apellido, lo que asegura la continuidad del aporte, permitiéndoles trabajar con cierta tranquilidad presupuestaria", comenta Ernesto Ottone, ministro de Cultura.

-¿Hay posibilidad de incluir, en un futuro, a nuevas orquestas?

"Es una de las novedades que anunciaremos prontamente. Se permitirá la integración de tres nuevas orquestas profesionales a través de un fondo. La idea es evaluar cómo logramos que otras orquestas regionales profesionales puedan ser incluidas a futuro en esta nueva glosa presupuestaria".

-¿Qué requisitos se privilegiaron a la hora de escoger las orquestas beneficiadas?

"La gran mayoría de estas orquestas ya ha consolidado sus funciones de extensión y formación de nuevos compositores chilenos. Además de eso, se consideró la incidencia e importancia que tienen a nivel territorial y su vinculación con el sistema educativo, por lo tanto los requisitos tenían que ver por una parte con una solvencia financiera, administrativa o contable, que es un elemento fundamental en cualquier ámbito de la cultura, y también con el ámbito programático".