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miércoles, noviembre 23, 2022

Músicos están al centro de nuevos documentales

 El Mercurio


Lizzo, Selena Gomez, Paul McCartney y Liam Gallagher, entre otros, son las figuras de estrenos en streaming .

Romina Raglianti

Los documentales sobre músicos se han convertido en un género en sí mismo, con producciones cada vez más elaboradas y que muestran momentos más íntimos y desconocidos de sus protagonistas, vivos o muertos. Este año ya han llegado varios títulos a la televisión de pago, y estrenos recientes y por venir confirman que la tendencia sigue al alza.


Este jueves llegará a HBO Max “Love, Lizzo”, que sigue a la rapera, cantante y actriz estadounidense Lizzo (34) y su meteórica carrera, que ya le ha valido tres Grammy, un Emmy y el título de la Artista del Año en 2019, según la revista Time. “Por fin contaré mi historia a mi manera”, anunció la intérprete en sus redes sociales sobre el filme, que muestra cómo ha liderado un movimiento cultural que ha desafiado los estereotipos de la industria de la música, y también las dificultades que ha enfrentado en su vida personal para llegar al estrellato.


El estreno se suma al reciente revelador documental “Selena Gomez: My Mind and Me”, que debutó a principios de mes en Apple TV+ y que ahonda en los problemas de salud física y mental que han afectado a la ex chica Disney, que vive con la enfermedad autoinmune lupus y además optó por retirarse temporalmente de la luz pública por un trastorno bipolar no diagnosticado.


Dirigido por Alek Keshishian (“Madonna: Truth & Dare”), el filme es una cándida mirada a lo que ha sido la última década para Selena Gomez, ya que la sigue por varios años, y muestra su caída y regreso a la industria, con varias escenas que pocos artistas estarían dispuestos a dejar que el público viera. Gomez contó en una entrevista que originalmente el documental había sido ideado como uno sobre su gira y que fue mutando con el tiempo. “Me di cuenta de que gente en todas partes del mundo lidia con lo mismo, sus mentes. Tu mente es todo. Una vez que tuvimos todo el material, de verdad creí que esto sería más grande que yo”, confesó la intérprete.


También en Apple TV+ debutó “Louis Armstrong: Black & Blues”, que entrega una mirada íntima al padre del jazz gracias a imágenes de archivo inéditas y grabaciones caseras y conversaciones personales que el público desconoce. El filme, dirigido por Sacha Jenkins, recorre la trayectoria del músico en su contexto histórico y la lucha por los derechos civiles.


Próximamente, el 7 de diciembre, se espera la llegada a Paramount+ de “Liam Gallagher: Knebworth 22”, que se enfoca en el regreso del exvocalista de Oasis al famoso recinto de conciertos británico un cuarto de siglo después de que tocó ahí con su antigua banda. Esta producción es doble, ya que por un lado es un documental que muestra todo el detrás de cámaras del evento, con entrevistas que permiten acceder más a fondo al músico, y por otro, se emitirá completo el recital, realizado en junio pasado.


A mediados de diciembre debutará también en Disney+ “If These Walls Could Sing”, documental en el que Paul McCartney dará acceso y contará anécdotas sobre las nueve décadas de Abbey Road Studios, el estudio de grabación cuyos clientes más famosos fueron Los Beatles. La cinta la dirige su hija, Mary McCartney.

lunes, octubre 26, 2020

Las múltiples vidas del docente y musicólogo: Liberan documental sobre Gastón Soublette

 El Mercurio


“El viejo del poncho”, de José Luis Villalba, se puede ver gratis por YouTube.

Maureen Lennon Zaninovic


Hace un año —en este diario—, el destacado investigador, filósofo, musicólogo y docente universitario Gastón Soublette confirmaba que existían en curso varios proyectos cinematográficos en torno a su persona; entre otros, uno del realizador José Luis Villalba, autor de “El Chincol y la bandada”, sobre el poeta y cantor popular Luis Ortúzar, más conocido como el Chincolito de Rauco. “Villalba estudió Cine en Italia con Fellini y acá me grabó en diversas locaciones; entre otras, cantando tangos en el Bar Liberty de Valparaíso con muchachas del lugar”, comentaba sobre este trabajo el propio Soublette.


El documental, que lleva por nombre “El viejo del poncho. Las múltiples vidas de Gastón Soublette”, se iba a presentar a principios de año, pero por la pandemia se tuvo que posponer su estreno para agosto, a través de las plataformas digitales de la Corporación Cultural de Las Condes y EmolTV, logrando más de 100 mil visualizaciones. “Estoy impactado con el éxito de esta película. He recibido comentarios hasta de España”, señala vía telefónica el autor —entre otros volúmenes— de “El Cristo preexistente”.


La buena noticia, y así lo confirma su realizador, José Luis Villalba, es que se liberó “El viejo del poncho…” y por estos días se puede ver gratis, a través de YouTube. “La idea era llegar a los cines, pero el coronavirus nos llevó a cambiar los medios de transmisión. Quedé sorprendido con la cantidad de espectadores que vieron el documental por EmolTV y decidimos liberarlo para que más personas puedan disfrutar y conectarse con su legado”, explica el cineasta. Villalba comenta que con el legendario docente del Instituto de Estética de la UC los une una amistad de larga data. De hecho, ambos compartieron la cátedra de cine, en el Campus Oriente. “Nuestra amistad es bien cercana y nació a fines de la década de los 60, por un amigo en común: el músico ya fallecido Tomás Lefever. Con Gastón Soublette hicimos todo un camino juntos en torno al simbolismo en el cine. El primer libro que él escribió sobre el séptimo arte me lo dedicó a mí. El cine nos conectó”, dice.


Un hombre tan versátil


En poco menos de dos horas, “El viejo del poncho…” muestra a este entrañable académico deambulando por Valparaíso, reflexionando en su casa de Limache, dictando clases en el Campus Oriente de la UC, compartiendo en una tertulia, o contemplando la naturaleza. “Así surgió esta película, que fue fruto de varias conversaciones, que se extendieron durante tres años, y que muestra distintos aspectos de su personalidad. Gastón es un hombre tan versátil, tan múltiple. Hablamos, después de verla, de los momentos que más le habían tocado y me confesó que le salieron lágrimas al revisar el reencuentro, en Valparaíso, con el hombre que años atrás lo quiso asaltar y que luego de ese suceso triste se convirtieron en grandes amigos, tanto que Gastón es padrino de sus hijos”. José Luis Villalba añade que en este trabajo “se tocan aspectos concernientes a su vida, pero también a su pensamiento y a la identidad y el ser porteño. Él es una persona que se siente muy de Valparaíso y de Viña del Mar”.


Sobre la muy buena llegada de este documental, el cineasta concluye que su protagonista es un personaje que está “en el corazón de la gente de hoy. En un momento de crisis, los jóvenes están sedientos de valores, y Gastón tiene mucha autoridad sobre la juventud, porque es un hombre tan profundo y tan coherente con lo que dice. Si bien es una persona tremendamente culta, desde la sencillez apunta a los valores profundos y eso hace que la gente acoja su mensaje sin tanto filtro y oposición”.


Más información en el sitio Elviejodelponcho.cl.

viernes, octubre 09, 2020

Daniel Rosenfeld, director de “Piazzolla: los años del tiburón”: “Queríamos que la película provocara fascinación”

 El Mercurio


    Este íntimo documental, que llega el martes 13 a HBO, revela inéditos registros del influyente compositor argentino, como sus inicios en el bandoneón a los 10 años y conversaciones con su fallecida hija Diana. Desde Buenos Aires, su director cuenta cómo fue crear la primera película sobre Piazzolla, que llega precedida de elogios y premios. Por Michelle Martínez Collipal


El primer acercamiento que el director Daniel Rosenfeld tuvo con la familia del compositor y bandoneonista argentino Astor Piazzolla —uno de los compositores más importantes del siglo XX, un artista que innovó completamente en el ritmo y la armonía del tango— fue hace quince años, cuando estrenó en el Festival de Cine de Berlín su primer largometraje documental: “Saluzzi, ensayo para bandoneón y tres hermanos”, en el que narraba la historia de otro reconocido bandoneonista trasandino: Dino Saluzzi.


—En ese entonces, su hijo Daniel me dijo: “¿Cómo puede ser que no se haya hecho una película sobre mi papá cuando estaba vivo? Si su vida era como una película” —recuerda hoy Rosenfeld, desde Buenos Aires.


Daniel Piazzolla —cuenta el director— decía que la vida de su padre podría verse como tres actos de una gran obra: la época en la que se dedica a pescar tiburones, luego cuando comienza a componer y finalmente cuando sale de gira.


Quince años después de esa conversación y luego de tres años de intenso trabajo, el documental “Piazzolla: los años del tiburón” por fin se podrá ver en Chile: este martes 13 se estrena en HBO, tras un exitoso recorrido internacional en 2019: Rosenfeld fue nominado al Latin Grammy en la categoría “Mejor video musical versión larga”, la película ganó el Premio Cóndor de Plata al Mejor Documental, y sacó elogios en medios como El Clarín y La Nación. Todo gracias a su inédito contenido: historias y relatos desconocidos del músico, como su profundo complejo por tener “una pierna más flaquita”, sus inicios en el bandoneón, la estrecha relación con su padre, Nonino, y las íntimas entrevistas realizadas por su hija Diana, fallecida en 2009.


PIAZZOLLA POR PIAZZOLLA


—Yo pensé que la familia Piazzolla iba a tener un archivo con todo muy ordenado, pero me encontré con que en Argentina casi no hay archivos, tampoco hay una cinemática que los ordene —comenta Daniel Rosenfeld, quien tras lograr acceder a todo el material, que Daniel Piazzolla guardaba en su garage, inició un trabajo de recopilación, restauración, grabación y montaje que le tomó tres años.


—Lo que a mí me interesaba hacer era una película de Piazzolla por Piazzolla; que no hubiera entrevistas ni gente hablando de él, sino contar, a través de los archivos, cómo eran sus procesos creativos —dice el director, quien confiesa que se sentía presionado a encontrar una forma de mostrar, por primera vez, esos registros en Argentina.


—Queríamos que la película provocara fascinación, pero no solamente a los admiradores de Piazzolla, sino a gente que no tiene cercanía con su música. Hay muchísima gente joven que vio la película y me dijo “Piazzolla parece un rockero”, porque era alguien que rompía las reglas todo el tiempo —comenta Rosenfeld.


A través de los archivos, las anécdotas de Daniel Piazzolla y la misma narración del director, el documental construye un sólido retrato de la compleja personalidad de Piazzolla, lo que lo llevó a recibir fuertes críticas de sectores más ortodoxos.


—En un momento de la película, el hijo cuenta que un día Astor quemó todas sus partituras en un asado, porque decía que todo lo que había hecho antes ya no le servía —comenta el director entre risas. —A mí me parece que Astor creó un lenguaje, esa fue una de las cosas más significativas que encontré mientras hacía la película. Tú escuchas algunos compases, y ya sabes que es Piazzolla.


Más allá de mostrar el innegable legado musical del bandoneonista, Rosenfeld y su equipo querían que la historia de Astor Piazzolla resonara en un público más amplio.


—Queríamos mostrar por qué Piazzolla era tan importante para Spinetta, o para Soda Stereo; por qué músicos del rock y del jazz le rinden tributo, lo que tiene que ver con toda esta influencia disruptiva. También mostrar los vínculos, como el amor y el desamor entre las parejas o la familia, y cómo eso se muestra en la creatividad de un genio —comenta el director. —Eso puede mover a muchas personas, y generar aún más ganas de conocer su obra.

miércoles, agosto 19, 2020

Registro en cuatro episodios: El Gran Concierto por la Hermandad a la pantalla

El Mercurio

El documental “Cuatro mujeres en sinfonía” expone las dimensiones y significados de un hito en la música reciente.
IÑIGO DÍAZ

“Me cuesta mucho entender una postura como esa”, dice la directora de orquesta Alejandra Urrutia, actual titular de la Orquesta de Cámara del Municipal de Santiago, respecto de un tema de debate que terminó siendo decisivo para ella y para el proyecto que encabezó: la inmigración en Chile vista como un problema. De ahí surgió la idea de un concierto sinfónico que celebrara la unidad en la diversidad.

Así, esa reflexión se transformó en el Gran Concierto por la Hermandad, efectuado en la Estación Mapocho antes de la pandemia y antes del estallido social. Se trata de un proyecto llevado a cabo por Alejandra Urrutia en la dirección y otras tres mujeres, que se podrá conocer a través del documental “Cuatro mujeres en sinfonía”, realizado por La Ventana Cine y que da cuenta de los alcances que tuvo esa jornada de enero de 2019.

La primera parte de cuatro capítulos fue estrenada hace una semana en las plataformas digitales de Súbela Radio. Se puede ver descargando la aplicación Súbela App para iPhone (disponible para dispositivos Android desde el 30 de agosto). Allí se exhiben no solo las dimensiones de la experiencia con esa Novena sinfonía de Beethoven en vivo, sino todos los significados detrás de un concierto subtitulado “La música como territorio común”.

“Organizamos una orquesta con 115 músicos y abrimos una convocatoria para que el coro fuera formado por ciudadanos, inmigrantes de distintos países y chilenos unidos en un espacio común. Llegaron muchísimas solicitudes y solo pudimos tener a 200 voces”, recuerda Urrutia. Bajo la dirección de Paula Elgueta, una de las cuatro mujeres en sintonía y en sinfonía, junto con las curadoras Caroline Ward y Angélica Fanjul, el elenco coral ensayó durante seis meses.

A los que partieron

“El resultado en el escenario fue muy conmovedor. Fuera de él fue muy solidario: financiamos el proyecto con apoyo de la propia gente, en una campaña de ‘una luca por nuca'. El Concierto por la Hermandad perteneció a todos”, comenta Angélica Fanjul. Ella y sus compañeras en el proyecto protagonizan lateralmente los capítulos restantes del documental, que se liberarán el 27 de agosto y el 10 y el 24 de septiembre.

Esa Novena sinfonía estrenó la serie de conciertos. Este verano se realizó una segunda parte, con la Sinfonía N° 2 de Mahler. Y el equipo gestor ya está enfocado en un tercer Gran Concierto por la Hermandad, a la espera de la evolución sanitaria en Chile y la definición de las medidas de seguridad para los próximos tiempos.

“Elegimos el Réquiem alemán de Brahms, una obra de 1868 para orquesta, coro, soprano y barítono. El mismo Brahms decía que era una música para honrar a los que se van y consolar a los que se quedan. Será un momento para recordar a quienes han partido debido a la pandemia”, cierra Alejandra Urrutia.

jueves, abril 25, 2019

Margot Loyola está presente en tres documentales de IN-EDIT

Raimundo Flores S.
Espectáculos
El Mercurio

La decimoquinta versión del festival de cine y documental musical comienza hoy, incluyendo en su cartelera tres registros que ahondan en la obra de la folclorista nacional y que muestran testimonios y presentaciones suyas.



"Folclor imaginario" de Gepe, fue uno de los álbumes más celebrados de la música chilena durante el año pasado y ahora seguirá dando que hablar gracias a un documental que profundiza en su registro y en la figura central sobre la que gira el trabajo: Margot Loyola.

Si el álbum tuvo al cantante sanmiguelino reversionando canciones recopiladas por Loyola, el documental "Gepe y Margot Loyola. Folclor imaginario", presenta las reflexiones de quienes trabajaron en el disco sobre su legado, además del registro de la interpretación del álbum.

"El documental realmente refleja lo que Margot Loyola hizo y que, a mi juicio, es su gran impronta, que es que ella es mucha gente. La música que ella recopiló representa a un montón de gente en un montón de tiempos distintos y lo sigue haciendo", dice Gepe.

El registro, dirigido por Nino Aguilera, incluye además entrevistas a la misma Loyola y a su viudo, Osvaldo Cádiz. "La motivación era visualizar o hacer presente nuevamente la imagen de esta señora tan importante y tan maravillosa. Y diría que a su propio ritmo el disco, y ahora el documental, lo están logrando", agrega el cantante.

El documental se podrá ver mañana a las 22:30 horas en el Teatro Nescafé de las Artes

La presencia de Margot Loyola -fallecida en agosto de 2015- en IN-EDIT no se queda ahí. El festival también tendrá el reestreno de "A lo humano", un registro hecho por el artista interdisciplinario Alberto Kurapel en 1997 sobre un montaje en el Instituto Chile que encabezó Loyola y que tiene un repertorio que incluye mazurcas, cuplés y cuecas.

En aquel año el documental se estrenó sin generar demasiada repercusión. "No hubo interés porque era una forma totalmente diferente de mostrar el folclor. Se mostró un poco y pasó inadvertido", recuerda Kurapel, autor también del libro "La escena infinita del folklore", sobre la recopiladora.

"Lo que va a subsistir siempre a través del folclor es la expresión, la teatralidad que hace de distintas personas que cantaban en diferentes regiones del país y la disciplina que ella tenía para hacer la interpretación más auténtica", reflexiona Kurapel sobre el legado de Loyola.

Para este reestreno se realizó una digitalización del archivo original además de una nueva postproducción de sonido. El documental se exhibirá el próximo lunes, a las 19:00 horas, en la Fundación Cultural Providencia con acceso liberado.

Finalmente, el festival también tendrá en cartelera "La cueca antes de Dios", documental realizado por el prestigioso realizador francés Vincent Moon, quien ha trabajado con artistas de la talla de R.E.M., Tom Jones, Bon Iver y Arcade Fire.

Moon visitó Chile por primera vez para participar en el Festival IN-EDIT de 2009 y fue ahí donde surgió su interés por la cueca que desencadenó en este registro que incluye el testimonio que capturó de Margot Loyola, además de la aparición de otras figuras como María Esther Zamora y Manuel Sánchez.

"La cueca antes de Dios" se exhibirá en la sala Cine UC este domingo y el lunes a las 17:30 y 21:30 horas, respectivamente.

Programación hasta el martes
IN-EDIT comienza hoy y se extenderá hasta el martes 30, con un catálogo que incluye 28 registros que se presentarán en el Teatro Nesacafé de las Artes, la sala CineUC, el Centro Arte Alameda, Sala K y la Fundación Cultural de Providencia.

miércoles, septiembre 12, 2018

Documentales refuerzan el legado de tres íconos de la música

El Mercurio

Elvis Presley, Quincy Jones y Jimi Hendrix están al centro de realizaciones que se podrán ver desde la próxima semana en el cable y streaming . 

Romina Raglianti
"Queríamos contar la verdadera historia de Elvis", explicó su viuda, Priscilla Presley, cuando anunció que coproduciría un documental sobre el Rey del Rock . "Elvis Presley: The Searcher" es un esfuerzo por ahondar en los aspectos más complejos del artista y demostrar que sus dos memorables versiones -adorado ídolo musical y triste figura en un ocaso que lo llevó a la muerte con apenas 42 años- están ligadas por una permanente pasión por la música que cultivó desde su infancia.

El documental, dividido en dos partes, ya está disponible en el servicio de streaming de HBO, HBO GO, pero llegará al cable tradicional el 3 de octubre. Dirigido por Thom Zimny, que ha realizado una serie de filmes sobre Bruce Springsteen, "The Searcher" recorre la vida de Presley de principio a fin y está armado sobre la base de material de archivo -mucho inédito-, que busca reflejar cómo la música fue lo que siempre lo motivó, incluso en su momento más bajo. El realizador tuvo acceso libre a todo el archivo visual y de audio de los herederos del artista, incluyendo una grabación de su madre cantando, y reunió cerca de seis mil imágenes para acompañar el testimonio de los varios entrevistados del documental. "Quería destruir la versión rápida de su historia: que después del ejército solo hizo cosas malas y luego su vida se acabó", comentó Zimny.

Revelar a fondo la importancia e influencia de una figura es también lo que busca "Quincy", documental sobre Quincy Jones, que tuvo su debut en el Festival de Toronto, el domingo pasado, y que desde el 21 de septiembre se podrá ver en Netflix. El filme deja en evidencia que el productor y músico de 85 años es una de las figuras más influyentes en la historia de la música popular a través del extenso listado de celebridades que participan en él, desde Beyoncé y Tom Hanks hasta los ex presidentes Bill Clinton y Barack Obama, pasando por entrevistas de archivo con Frank Sinatra y Nelson Mandela.

Es el propio Jones quien narra gran parte del documental, que dirige su hija, la actriz y guionista Rashida Jones ("Parks and Recreation"), en conjunto con Alan Hicks. La participación de Rashida asegura una gran cantidad de material y testimonios en homenaje a su padre, pero hace también que el filme sea una celebración de su trayectoria y la huella que ha dejado en la música, y no ahonde demasiado en aspectos menos halagadores de su vida.

Otro marcador músico que tendrá presencia en el cable la próxima semana es Jimi Hendrix. Con motivo de un nuevo aniversario de su muerte, que se cumple el 18 de septiembre, OnDirecTV emitirá el sábado 22, a las 17:00 horas, "Jimi Hendrix", una realización de 1973 producida por Joe Boyd, que además de mostrar imágenes de conciertos que el guitarrista dio en los últimos tres años de su vida, incluye entrevistas con varios cercanos a él, además de otros músicos influyentes de la época, como Eric Clapton, Mick Jagger y Little Richard.

viernes, junio 15, 2018

Sonidos en MI: La primera serie de TV sobre mujeres chilenas en la música



Comunicado de prensa

"Sonidos en mi, mujeres en la música", es la primera serie documental que aborda las propuestas de música popular realizada por mujeres chilenas en la actualidad.

La serie es un testimonio vivo de destacadas mujeres en la música chilena, retrato de las diversas escenas y estilos musicales en nuestro país, dando cuenta de sus problemáticas de creación, conciencia de género, contexto histórico social, relevando su aporte al desarrollo de la música popular desde la mirada particular de cada artista.

En su primera temporada retrata a 15 músicas y creadoras chilenas, entre ellas: Denise de Aguaturbia, Fran Straube (Miss Garrison-Rubio), Paz Court, Camila Moreno, Arlette Jequier, Evelyn Cornejo , Mariel Mariel, Cinthia Santibañez (Crisalida), Vaso de Leche, Ellas NO, María Colores, Vasti Michel, Michu Mc,  Belona Mc y Carmen Lienqueo.

El proyecto televisivo visibiliza un movimiento musical femenino con todas sus diferentes aristas y estilos. Se sitúa dentro de un contexto y movimiento mundial de reivindicación, visibilización y lucha por los derechos de las mujeres. Además sus contenidos son contingentes, ya que las artistas promocionan sus trabajos musicales y discos estrenados recientemente (2017-2018)

El proyecto de serie de Tv “Sonidos en mí”, nace de la asociatividad entre Susana Díaz de Corte Irracional, y Rosa Angelini de Frente Música Nacional (FMN Chile), ambas productoras especializadas en Música.

En la dirección de la serie, la documentalista Susana Díaz, directora de los rockumentales “Supersordo: Historia y Geografía de un Ruido”, “Hardcore; La revolución Inconclusa” y “Ellas No”. Aborda  en esta serie una propuesta expositiva y frenética de la historia y producción musical de mujeres músicos.  En la producción ejecutiva y general Rosa Angelini, también directora de Gestoras, red de mujeres trabajadoras de las artes,  nexo entre la Música y el activismo de mujeres, genera una curatoría que visibiliza el movimiento musical y cultural femenino desde todos sus frentes. Junto a un equipo de destacados  audiovisualistas llevan  a cabo  la  primera temporada de un proyecto coherente y sincero con el momento actual del feminismo que vive nuestro país y el liderazgo de la mujer en todos los ámbitos de la sociedad.

Sonidos en mi, proyecta llegar a todo Chile y consolidar sus vínculos con más 12 países como México, Brasil, Argentina, Perú, Colombia, Chile, Estados Unidos, Uruguay, Bolivia, con los cuales se pretende generar “Sonidos en mí, Latinoamérica”.

"Sonidos en Mi”, fue grabada en formato Full HD, en su primera temporada para Tv está compuesta por 4 episodios de 24 minutos cada uno; y 12 capítulos de 8 minutos como webserie, y será estrenada el Lunes 25 de junio por UCV3 canal cultural, de lunes a viernes a las 20:00 hrs, con repeticiones a las 00:30 hrs.


Ficha Técnica:
Dirección: Susana Díaz Berríos
Producción General y Ejecutiva: Rosa Angelini Figueroa
Curatoría Musical: Rosa Angelini y Susana Díaz
Investigación: Susana Díaz.
Productor Asociado: Matías Echeverría.
Montaje: Martín Hernández, Efraín Robles, Patricio Saez.
Post de Sonido: Sebastián Concha
Cámara: Andrés Martinolli, Nicolás Saldivia, Gerardo Quezada
Sonido directo: Carlos Requena, Felipe Díaz.
Una producción de Corte Irracional y FMN Chile, Frente Música Nacional.
Proyecto cofinanciado por Fondo de la Música CNCA.

MÁS INFORMACIÓN

www.sonidosenmi.com

https://www.facebook.com/pg/sonidosenmi/

martes, junio 12, 2018

Documental de Alejandro Sanz revela que lloró por primera vez en Chile

El Mercurio

"Sanz: lo que fui es lo que soy", recuerda su frustrado debut en el Festival de Viña del Mar y cómo luego llegó a ser el artista más taquillero de España. 

Por José Vásquez

El relato es cronológico y se inserta dentro del marco de una celebración. El año pasado Alejandro Sanz reunió a su antiguo equipo para sumarlo a una selección con su presente: los músicos que lo acompañaron hace dos décadas para la gira de "Más" (1997) -el disco más vendido de la historia en España-, unidos a su actual staff para el concierto más ambicioso de su vida en el Estadio Vicente Calderón de Madrid.

Esa es la escenografía argumental que presenta "Sanz: lo que fui es lo que soy", el documental que, con la excusa de la conmemoración de los 20 años del hito, aprovecha de repasar completa la carrera del ídolo español, que él mismo cuenta a través de un relato coral con las voces de su familia, colaboradores y artistas más cercanos.

En la película, el intérprete manifiesta que desde pequeño supo que quería dedicarse a la música, a pesar de las dudas de su madre, quien le decía que solo la carrera de un cantante en un millón resultaba. "Yo soy ese cantante", recuerda que le respondía con seguridad, al inicio de una historia que no fue fácil y que transitó desde el heavy metal al flamenco, hasta dar con su estilo.

En sus inicios, conocer a Paco de Lucía y recibir su bendición artística, fue un estímulo definitivo para la confianza en sus composiciones, que lo llevaron por primera vez al Festival de Viña del Mar en 1994, un escenario que estaba destinado a abandonar de manera triunfal, pero que terminó siendo la primera gran frustración de su carrera. Esa noche los equipos no funcionaron y no pudo realizar su show. Sanz dice que esa fue la primera vez que lloró al salir de un escenario.

Pero su vida estaba destinada al éxito, y disco a disco fue madurando hasta convertirse en uno de los principales cantautores de la música hispanoamericana. El documental termina con el show madrileño donde estuvo acompañado de artistas como Miguel Bosé, Juan Luis Guerra, Pablo Alborán y Laura Pausini, entre otros.

La película tendrá funciones solo hoy en algunas salas del Cine Hoyts a lo largo del país.

lunes, mayo 21, 2018

Del rock a las baladas: Los íconos musicales que llegan a la pantalla grande

El Mercurio

En las próximas semanas una serie de documentales revelarán aspectos desconocidos de Whitney Houston, John Lydon -tras el fin de Sex Pistols- y Alejandro Sanz, además de la esperada interpretación de Rami Malek como Freddie Mercury, para noviembre. 

José Vásquez T. 

John Lydon después de Sex Pistols
El cancionero fue efímero, pero la repercusión, inagotable. Los Sex Pistols hicieron historia lanzando un solo álbum de estudio, una banda caótica que acabó su vida discográfica prácticamente apenas comenzó, a finales de los setenta. Pero la vida siguió y John Lydon -Johnny Rotten en la banda-, su vocalista, también. Haciendo un juego de palabras con su apodo y su posterior grupo, Public Image Ltd. (PiL), "The Public Image is Rotten", dirigida por Tabbert Fiiller, sigue la vida del cantante y su influencia en las próximas generaciones de músicos, con testimonios de Flea, el bajista de Red Hot Chili Peppers y Thurston Moore, el líder de Sonic Youth, entre otros.

Las luces y sombras de Whitney Houston
Se exhibió en Cannes y de inmediato generó una oleada de repercusiones. "Whitney", el documental que contó con el apoyo de la familia de la cantante, que por lo mismo al principio aparecía con un tono oficialista, finalmente terminó revelando más aspectos desconocidos de la artista que los otros proyectos que se estrenaron tras su muerte, ocurrida en febrero de 2012.

La película, dirigida por Kevin Macdonald -"El último rey de Escocia" y "La sombra del poder"-, se inicia con un relato en un principio cronológico de su vida, mostrando sus luces y sombras tanto por sus conflictos familiares como por su arrasador éxito musical. Un ascenso y descenso como un carrusel, que incluyó un descontrolado consumo de alcohol y drogas, y que hacia el final del metraje termina revelando los abusos sexuales que había sufrido cuando era muy pequeña, al igual que su hermano Gary Garland-Houston, de parte de su prima Dee Dee Warwick, fallecida en 2008 y quien fuera una cantante de soul y hermana de la reconocida intérprete Dionne Warwick.

Sanz, íntimo
Alejandro Sanz ahora arrasó en las salas de cine de España. El artista estrenó en 90 salas en abril pasado "Sanz: Lo que fui es lo que soy", un documental que recorre su vida en retrospectiva desde cuando era un niño que cantaba para su familia hasta triunfar en su país llenando tradicionales estadios de fútbol, como el show que retrata la cinta en el Vicente Calderón de Madrid para su gira "Más es más".

En la película aparecen también hablando colegas como Miguel Bosé, Juan Luis Guerra, Laura Pausini, Juanes, Shakira y el grupo Destiny's Child.

Freddie Mercury, al fin
Está en proceso de producción desde 2010, pero finalmente ya tiene fecha de estreno. "Bohemian Rhapsody, la historia de Freddie Mercury" ha cambiado de actor protagonista y director. Primero salió Sacha Baron Cohen -Brian May, el guitarrista de Queen dijo que era un "idiota"- y luego vino el despido de Bryan Singer. Ya con el equipo completo, con el ingreso de Rami Malek y Dexter Fletcher, como Mercury y director, respectivamente, la cinta al fin fijó su estreno mundial para el 2 de noviembre en Estados Unidos.

La semana pasada 20th Century Fox reveló su primer trailer , un anticipo que da indicios de lo que mostrará la cinta: el comienzo de Queen, su éxito arrollador con su recordada participación en el estadio de Wembley para Live Aid y las extravagancias del carismático cantante.

lunes, mayo 07, 2018

Documental sobre Liam Gallagher se estrenará en Cannes

El filme, dirigido por Charli Lightening, se enfocará en la carrera solista del ex cantante de Oasis, así como en su bloqueo creativo antes de grabar su último álbum, "As you were".

domingo, abril 22, 2018

Cómo se hizo Peces, el primer disco de Lucybell

La Tercera

El director Carlos Moena estrenó en In-Edit un documental que bucea en la intimidad y los inicios del grupo, en medio de una época completamente análoga.

Por Alejandro Jofré

Lucybell llevaba tres años como banda cuando se enfrentó a la grabación de Peces (1995), un disco que marcaría el debut del grupo que se conoció estudiando Licenciatura en Sonido en la U. de Chile y que coqueteaba con el noise y el shoegaze británico.

Impacientes por despertar el interés de alguna compañía disquera, para 1993 comenzaron las sesiones de manera independiente junto al guitarrista fundador de La Ley, Andrés Bobe, pero su accidentada muerte modificó los planes de la banda formada entonces por el bajista Marcelo Muñoz, el tecladista Gabriel Vigliensoni, el baterista Francisco González y el cantante y guitarrista Claudio Valenzuela.

Para agosto del año siguiente, ahora de la mano de EMI y su “Proyecto de Rock Nacional”, Lucybell se hizo del productor argentino Mario Breuer para retomar el impulso y grabar diez canciones en el desaparecido estudio Sonus de Bellavista (más adelante agregarían los temas “De sudor y ternura” y “Grito otoñal”).

Allí se instalaron en ocho intensas jornadas junto al productor de buena parte del rock argentino de la década anterior, “cuando la onda era —según dice el propio Breuer— faltarle el respeto a los instrumentos”.

El director Carlos Moena —colaborador habitual de la banda— explora esos lejanos días en Cuando respiro en tu boca: la creación de Peces (2018), el documental estrenado en In-Edit y que llegará a salas durante el segundo semestre, que recrea un mundo completamente analógico, sacado de cintas hi-8 y sintetizadores vintage (como el sampler Ensoniq ASR-10 de Vigliensoni), entre gente contestando teléfonos fijos y fumando en espacios cerrados.

A contrapelo de la media en documentales musicales —más vinculados a la alta definición y las formas breves y ágiles—, Cuando respiro en tu boca: la creación de Peces observa con paciencia la intimidad de una banda cargada de talento y ansiedad juvenil.

El registro se extiende generosamente en lo instrumental —desde exigentes sesiones de ensayo, grabación y jams— y recrea el humor y la contención de Breuer, pieza clave en la dinámica del disco, además del entusiasmo y las negociaciones de una banda que sobrevivió a la alta rotación de sus integrantes.

Moena pone a la vista las primeras influencias de Lucybell, algunos trucos de la grabación y esa artesanía de escribir y producir canciones claves en la discografia del grupo, como “De sudor y ternura”, “Vete” y “Que no me vengan con paraísos”.

Acá Lucybell todavía no es Lucybell, sino una banda agazapada, preparándose para el éxito que vendría gracias a la rotación de sencillos como “Lunas” y “Cuando respiro en tu boca”.

“Es el primer disco”, dice en algún momento del registro Claudio Valenzuela, acaso el único integrante de esa formación que sigue dando vida a la banda. Allí mismo sentencia: “Para nosotros no es la conclusión, es el comienzo”.


jueves, abril 19, 2018

"Life in 12 bars": El camino del infierno a la redención que cruzó Eric Clapton

El Mercurio

El documental, que es parte del Festival In-Edit, muestra cómo el guitarrista superó una dura etapa autodestructiva con la música. 


Todo pasaba demasiado rápido en los años 60, escribiendo una historia a una velocidad inversamente proporcional a la que quería tocar Eric Clapton, que entonces abandonaba The Yardbirds, por encontrar que el conjunto se había vuelto demasiado pop.

En menos de una década, The Beatles definían los márgenes de la música popular, y comenzando los 70, Jimi Hendrix, quien fallecía a los 27 años, se patentaba como el paradigma de las seis cuerdas.

En esta panorámica, en la que ya estaba inserto, Clapton defendió rápido su motor: el blues, que electrificó subiendo la apuesta con Cream, o participando en John Mayall & and The Bluesbreakers, Blind Faith y Derek and The Dominos, todos los proyectos en los que fichó antes de iniciar su postergada carrera en solitario.

La música que, surfeando en el cliché, cerca del final de "Life in 12 bars" -el documental que cruza su camino del infierno a la redención-, el británico confiesa liberado "me salvó la vida", está presente desde el inicio de la película con un Clapton abatido por la muerte de B.B. King, reverenciando su admiración y agradeciendo su amistad a través de un video casero. Lili Fini Zanuck, la directora de la cinta, desde entonces comienza una narración lineal en la que en voz del mismo "Mano lenta" cuenta su vida, desde una infancia particular donde los que en un principio pensaba que eran sus padres, en realidad eran sus abuelos. El puzle se le abría sorpresivo al saber que su hermana, finalmente, era su madre, resguardando un secreto familiar de una época muchísimo más conservadora.

En este ambiente, ingresó a la música a temprana edad, donde su virtuosismo con la guitarra le abrió las puertas para un ascenso donde rápidamente se comenzó a codear con Los Beatles y los Rolling Stones. Así, forjó amistad con George Harrison luego de que se disolviera la banda de Liverpool y se enamoró perdidamente de su esposa, Pattie Boyd, aunque debió esperar casi una década para quitársela a su colega.

Esta fue la época más autodestructiva del autor de "Layla" -canción dedicada a Boyd cuando todavía estaba con Harrison-, consumido por el alcohol y las drogas, en una espiral que lo pudo llevar directo a la muerte. Fue recién con el nacimiento de su hijo Conor, en 1986, cuando el británico decidió limpiar su vida, una decisión importante antes de la tragedia: cuando el niño, de cuatro años, fallece al caer desde el piso 53 de un edificio en Nueva York.

Fue el tema "Tears in heaven" (1992) el que lo trajo de vuelta a los escenarios, arrasando al año siguiente en los Grammy y comenzando a hacer literal esa declaración sobre cómo su vida artística lo rescató del vacío.

Funciones
"Life in 12 bars", parte de In-Edit, se verá hoy a las 22:15 horas en el Centro Arte Alameda, y el domingo a las 12:00, en el Teatro Nescafé de las Artes.

sábado, abril 14, 2018

"Brasil tiene una calidad musical rarísima que no necesita importar porquerías"

El Mercurio

Previo a su exhibición en el Festival In-Edit, la actriz y directora Lúcia Veríssimo habla de su documental sobre Os Cariocas, el legendario conjunto vocal de Río de Janeiro que hizo escuela. 

Por Guillermo Tupper y Amanda Marton.

En su infancia, la actriz, empresaria y directora brasileña Lúcia Veríssimo (59) creció rodeada de música. Y la frase es literal: en su pequeño departamento, su cuna estaba emplazada en la misma sala de ensayo en la que su padre tocaba el piano. "Yo dormía, despertaba y jugaba dentro de ese espacio todo el tiempo", relata. "Veía los ensayos, oía el ruido del hielo, en el caso del whisky, y sentía el olor a cigarro. Ese era mi ambiente".

El padre de Lucía no era otro que Severino Filho, director musical y fundador de Os Cariocas, una de las agrupaciones más longevas de Brasil. Activo desde 1942, el conjunto vocal -que, en su primera formación, también integraba Ismael Netto, hermano de Filho- fue un pionero en el desarrollo de estilos como el samba-canción y la bossanova , además de marcar un hito por la exuberancia de sus cantantes y osados arreglos. "Mi tío (Netto) inventó una quinta voz que era un falsete. Y, hasta entonces, nunca nadie había experimentado esa forma vocal en el mundo", dice la directora.

Conocida por su extensa carrera como actriz, Veríssimo decidió retomar su veta como realizadora -iniciada en 1996 con el premiado programa "Terra Brasil"- y hacer un filme sobre su padre. El resultado fue "Eu, Meu Pai e Os Cariocas" ("Yo, mi padre y Os Cariocas"), un documental que recorre los 70 años de historia del grupo e incluye cerca de 60 testimonios de figuras como Caetano Veloso, Chico Buarque y Gal Costa que dan cuenta de su legado. El filme será una de las atracciones de la decimocuarta edición del Festival In-Edit Chile y viene precedido del premio a "Mejor documental" en la versión brasileña del certamen.

Inspirada en una frase de Tom Jobim ("toda la música es el reflejo de su época"), Veríssimo traza un vínculo entre la cultura musical brasileña y sus influencias sociopolíticas: desde la irrupción de la Radio Nacional -impulsada por Getúlio Vargas y clave en la popularidad de Os Cariocas- hasta el nacimiento del tropicalismo en los primeros años de la dictadura militar (1964-1985). Del mismo modo, pone énfasis en la visión de Filho para convocar a nuevos talentos. "La primera grabación que se hizo de bossanova , 'Chega de Saudade', fue realizada por Os Cariocas con João Gilberto tocando la guitarra", dice la directora, quien lamenta que su padre haya fallecido antes del estreno del filme. "Él quería verlo cuando estuviera listo. Yo le decía que lo íbamos a montar para que él tuviera fuerzas para seguir adelante, pero no dio el tiempo... Esa fue mi enorme pena".

-¿Cuál es el mensaje más relevante de la historia?

"La película habla mucho de que no podemos dejar de entender la importancia de la calidad musical de Brasil. Es una calidad musical rarísima, que no necesita importar porquerías ni menospreciar sus capacidades. Los brasileños somos los responsables de uno de los mayores movimientos musicales mundiales, como la bossanova , y es inadmisible que no estemos atentos a eso. Tenemos que luchar para que haya una política de educación y cultura fuerte en el país. Esa es la única manera de que salgamos del limbo en que estamos hoy".

"Eu, Meu Pai e Os Cariocas" será exhibida el domingo 22 de abril, a las 16:00, en el Teatro Nescafé y presentada por Lúcia Veríssimo en la misma sala. La segunda función será el lunes 23, a las 20:00, en la Sala Cine UC. Otros recomendados en In-Edit
"Grace Jones: Bloodlight and Bami"

Salvaje, andrógina e ícono del pop de vanguardia, Grace Jones revela por primera vez su desconocida faceta doméstica como hija, madre y abuela.

Viernes 20, 22:00, Teatro Oriente.

Domingo 22, 18:45, Teatro Nescafé.

"Eric Clapton: Life in 12 bars"

Extenso filme que profundiza en la vida, carrera y períodos de oscuridad de uno de los máximos héroes de la guitarra blues-rock.

Jueves 19, 22:15, Centro Arte Alameda.

Domingo 22, 12:00, Teatro Nescafé.

"XTC: This is Pop"

Reverenciados por fans del calibre de Stewart Copeland (The Police), los británicos XTC fueron una de las bandas pop más originales e influyentes de su época.

Sábado 21, 18:30, Centro Arte Alameda.

domingo, abril 08, 2018

Lucybell desclasifica su registro más revelador

La Tercera

El director Carlos Moena y el vocalista Claudio Valenzuela reviven la intimidad y los inicios del grupo con el documental Cuando respiro en tu boca, que se estrena en In-Edit.

Por Andrés del Real

Todo comenzó con una mudanza. En medio del trajín habitual de todo cambio de casa y sobre un baúl donde almacena material de archivo de una década de Lucybell, Carlos Moena encontró tres cintas fechadas en 1994, cada una con dos horas de material. Luego de revisarlas supo de inmediato que en esos 360 minutos de registro había una película.

“En vez de aspirar a un mega documental del grupo, me pareció un súper buen ejercicio atacar un momento determinado”, comenta el director y aliado histórico de la videografía de Lucybell, que el viernes 20 de este mes estrenará en el festival In-Edit Cuando respiro en tu boca: la creación de Peces, documental de título elocuente que revive con lujo de detalle el proceso de grabación del primer LP del conjunto y uno de los álbumes imprescindibles del rock chileno de los 90.

Con la producción ejecutiva de Rodolfo Gárate (Unfinished Plan: el camino de Alain Johannes), el filme muestra como pocas veces la intimidad de un grupo en el estudio, en este caso el extinto Sonus de Bellavista, donde Claudio Valenzuela, Gabriel Vigliensoni, Marcelo Muñoz y Francisco González se instalaron durante ocho días para dar forma a su primer disco. Todo esto bajo las órdenes del reputado productor argentino Mario Breuer, tal vez el gran protagonista del metraje, encargado de ordenar y a ratos contener la ansiedad juvenil de un cuarteto por ese entonces inclinado al noise y al shoegaze británico.

Intercalados con entrevistas a los músicos y al productor, los fragmentos de aquellas intensas y a veces tensas sesiones de agosto van dando cuenta de un momento de la escena chilena, aún bajo el influjo del Doble opuesto de La Ley y ad portas de expandirse con el inminente Proyecto del Nuevo Rock Nacional. “Es la historia de cómo se grababa un disco el año 94, cuando no se hacían en la casa”, dice Moena. “Allí convive el último mundo análogo, con la cinta de verdad corriendo en la máquina, y el primer Macintosh”.

“Fue un momento importante de mi vida. Un año y medio después estábamos yendo a Miami a grabar un programa en vivo para MTV”, recuerda Valenzuela, el único sobreviviente de la formación original de la banda, quien a fines del año pasado recibió la primera versión del documental al igual que el resto de sus ex y actuales compañeros de grupo. “Fue medio chocante viajar en el tiempo y vernos en esa época, con esa actitud”, dice el vocalista, tras revisar esos registros en formato Hi-8 que documentan los meses previos al éxito masivo de singles como “Vete”, “De sudor y ternura” y “Cuando respiro en tu boca”.

“Yo era simplemente el amigo con cámara de ellos. Y aunque había mucha expectativa no tenían idea del éxito que se les venía y eso es muy bonito, también para el espectador, que ya sabe cómo termina la historia”, comenta Moena, que estará acompañado por algunos de los miembros de la banda para la premiere de la cinta, antes de un estreno comercial en salas programado para el segundo semestre. “Tenemos ganas de hacer eventos en que la película y Lucybell, los históricos y los actuales, se junten”, cierra.

miércoles, abril 04, 2018

Primer ciclo itinerante de documentales inclusivos cerrará en Cerro Navia

Comunicado de prensa

El viernes 6 de abril culmina el “Primer Ciclo Itinerante de Documentales Inclusivos” en la Casa de la Cultura Violeta Parra de Cerro Navia. El evento contará con música en vivo de la Orquesta Nacional de Ciegos, que en esta ocasión tocarán junto a -Los Prisioneros- Narea y Tapia.


“La Once”, “Quilapayún, más allá de la canción” y “María Elena” son los documentales que forman parte de la primera colección de documentales inclusivos y han sido parte de la muestra itinerante por comunas de la Región Metropolitana.

Este es un proyecto de Fundación ProCultura, Soledad Silva y Paula Talloni -directoras de Accesibilidad Audiovisual- financiado por el Servicio Nacional de la Discapacidad - SENADIS.

El “Primer Ciclo Itinerante de Documentales Inclusivos” está culminando su recorrido por comunas de la Región Metropolitana. Luego de pasar por El Bosque, Lo Prado y Recoleta, el material de esta primera colección de “Documentales para todas y todos I” de las productoras Soledad Silva y Paula Talloni, llegará a Cerro Navia con la realización de un taller de Coro en Lengua de Señas y la muestra de las películas “María Elena” de Rodrigo Lepe, “La Once” de Maite Alberdi  y “Quilapayún, Más allá de la canción” de Jorge Leiva. Todas sus actividades son gratuitas y abiertas a todo público.  Estos documentales fueron adaptados para personas ciegas y sordas, y hoy día cuentan con subtítulos de diálogos, subtítulos descriptivos (closed caption), audiodescripción y lengua de señas.

El día viernes 6 de abril a las 20 horas se abrirá esta muestra en la Casa de la Cultura Violeta Parra de Cerro Navia, con un acto cultural que comprende la exhibición de los trailers de las películas adaptadas y las presentaciones del taller de Coro en Lengua de señas y de la Orquesta Nacional de Ciegos de Chile (ONACC), esta vez junto a los músicos Narea y Tapia -Los Prisioneros-. Esta instancia contará con intérpretes en lengua de señas y se entregará la colección a las organizaciones e instituciones que trabajan con personas con discapacidad sensorial de la comuna y otras aledañas. Las proyecciones de las películas se realizarán en los días posteriores, de forma gratuita y para toda la comunidad.

“Para nosotras también es una forma de generar mayor impacto y aportar a la concientización de nuestros colegas y otros actores de la cultura, para que consideren en sus obras, a las personas con discapacidad sensorial”, señala Soledad Silva, productora del proyecto.

El “Primer Ciclo Itinerante de Documentales Inclusivos” es un proyecto de Fundación ProCultura, que exhibe los primeros 3 documentales chilenos con accesibilidad universal. “En ProCultura queremos que la accesibilidad universal, no sea una excepción en las películas chilenas, sino que comience a ser una práctica para todos y que en un futuro las películas se piensen y se den a conocer de esta manera” señala Ilonka Csillag, presidenta ejecutiva de Fundación ProCultura. Además, el proyecto contempla la entrega de la colección de documentales a diversas sedes regionales de Fundación ProCultura.

“Si bien este trabajo será distribuido en DVD -dice Paula Talloni, una sus creadoras- pensamos que la proyección de los documentales en una sala se hacía necesario para compartir esta experiencia en igualdad de condiciones”. Por eso, concibieron en conjunto con Fundación ProCultura, el primer Ciclo Itinerante.

Además, la colección de películas documentales ha sido distribuida a instituciones como SENADIS regional de Valparaíso y del Biobio, a Centros Culturales de la región de Valparaíso, Organizaciones de ciegos y sordos a nivel nacional; y la Ilustre Municipalidad de Porvenir, donde se presentó el ciclo con las tres películas.

Las realizadoras Soledad Silva y Paula Talloni, seguirán trabajando en esta línea, ya que se adjudicaron un nuevo fondo de Fomento Audiovisual del Ministerio de las Artes, las Culturas y las Personas, para trabajar una segunda colección de documentales inclusivos, que comprenderá 3 nuevos títulos del cine chileno y sería estrenada a fines de 2018.


PRIMER CICLO ITINERANTE DE DOCUMENTALES INCLUSIVOS EN CERRO NAVIA


Casa de la Cultura Violeta Parra
Mapocho 7360, Cerro Navia


Taller de Coro en Lengua de Señas
Desde el lunes 02 al 06 de Abril de 18 a 20 hrs.
Inscripciones en la Casa de la Cultura Violeta Parra (horario de oficina)


Lanzamiento del Ciclo: 6 de abril / 20 hrs.

Documental “María Elena” / Lunes 9 de abril / 19 hrs.
Documental “La Once” / Martes 1o de abril / 19 hrs.
Documental “Quilapayún, más allá de la canción”/Miercoles 11 de abril / 19 hrs

miércoles, marzo 07, 2018

Cineteca Nacional reestrena documentales restaurados

El Mercurio

Se trata de cuatro registros del matrimonio formado por Nieves Yankovic y Jorge Di Lauro. 

Por Carlos Carrasco Peguero

Desde hoy se podrán ver, en la Cineteca Nacional de Chile, los trabajos de restauración de cuatro obras de la pareja de cineastas formada por Nieves Yankovic y Jorge Di Lauro, conocidos como "los Di Lauro". La colección incluye "Andacollo" (1958), "Los artistas plásticos de Chile" (1960), "San Pedro de Atacama" (1964) e "Isla de Pascua" (1965).

El matrimonio hizo un total de nueve documentales y su aporte al cine de no ficción chileno es considerado inmenso. Con estilo antropológico y realzando nuestras raíces culturales, su trabajo los llevó a ser los primeros en Chile en filmar con formato Cinemaescope, que requiere lentes anamórficos, y también en registrar la Isla de Pascua a color.

En 2014, Gisela Cares, su hija, depositó en la institución las cintas que estaban en el archivo familiar. Según se documenta en la Cineteca, estas películas estaban en un estado de gran deterioro. Por la relevancia de sus trabajos para la comunidad audiovisual chilena, fueron derivadas al laboratorio de restauración fílmica. Luego de recuperar algunos fragmentos perdidos, estabilizar las imágenes, devolverles su color original y quitarles desperfectos con técnicas digitales en un período aproximado de dos años, hoy finalmente podrán ser reestrenadas.

Además de las funciones, se hará circular un DVD con las cuatro películas y un pequeño libro con sus biografías y obras, que incluye una entrevista inédita a los autores. Para la directora de la Cineteca, Mónica Villarroel, esta tarea representa "nuestra misión con el archivo, pero también con el acceso. Estamos celebrando 12 años de existencia y llevamos 16 películas restauradas, lo cual es un estándar muy alto para América Latina". Se distribuirán en diferentes organismos públicos vinculados a la cultura y a la educación.

Para David Vera Meiggs, crítico e historiador de cine, a "los Di Lauro" los impulsaba "el amor y un fuerte mensaje evangélico (no relacionado con la iglesia actual) que los hacía poner en primer lugar al hombre y su dignidad". Una entrevista inédita que él le hizo a la pareja en 1980 será publicada en el libro de la colección. En ella se cuentan varias anécdotas sobre sus trabajos, además de la cercanía que mantuvieron con figuras como Violeta Parra o Raúl Ruiz.

Todas las obras de "los Di Lauro" fueron exhibidas internacionalmente, aunque la distribución nacional fue escasa. Pese a lo anterior, Vera Meiggs no duda en resaltar que "antes de ellos se filmaron películas en Chile como en cualquier parte. Después de ellos se filmó cine chileno propiamente tal".

COORDENADAS

Las exhibiciones son desde hoy hasta el 19 de marzo, a las 20:15 horas, en la Cineteca Nacional.

jueves, febrero 22, 2018

Festival In-Edit Chile anuncia sus primero títulos 2018

Comunicado de prensa

Algunas cosas cambian, otras no. El Festival internacional de cine y documental musical In-Edit Chile vuelve con su 14ª edición fijada, por primera vez, en el primer semestre del año (18 al 23 de abril) y en cuatro sedes ya confirmadas, gracias al patrocinio de Nescafé, Ley de Donaciones Culturales y el Fondo de Fomento Audiovisual, convocatoria 2018. Aquí entregamos un adelanto parcial de su programación 2018.

Documentales sobre Eric Clapton, Iggy Pop junto a Josh Homme (Queens of the Stone Age), Rolling Stones, el chileno Ricardo Villalobos y una extraña incursión rockera en Corea del Norte entre los confirmados.

Tras el anuncio de cambio de fecha de su tradicional mes de diciembre a abril, el festival prepara su programación, como ya es costumbre, con estrenos de documentales musicales e historias esenciales de supervivencia y creación. Las secciones de competencia nacional e internacional tendrán sus títulos destacados y habrá calendario también para charlas, invitados extranjeros, música en vivo y sorpresas. Serán cuatro las sedes que exhibirán la nutrida programación de este 2018: Teatro NESCAFÉ de las Artes, Teatro Oriente, Centro Arte Alameda y Cine UC, además de un quinto espacio en la Escuela Moderna, un nuevo aliado académico para este año.

Leyendas y homenajes

Marcan esta primera tanda de películas que el festival In-Edit Chile entrega a sus seguidores, un gran registro sobre la vida y genio del autor detrás de Layla: “Eric Clapton: life in 12 bars”. Estreno en latinoamérica para un documental a la altura de un héroe del blues-rock que indaga en la vida del músico, su carrera, amigos y colegas de la talla de George Harrison, BB King, Jimi Hendrix y Ginger Baker. El propio Clapton colaboró con entrevistas y material para este documental dirigido por Lili Fini Zanuck -productora de “Driving miss Daisy” ganadora de un Oscar- y el oficio de Gustavo Santaolalla en la música incidental.

Otra leyenda se confesará frente a una cámara. El incombustible Iggy Pop, a sus 70 años, encuentra amistad y creatividad en la producción de su último disco “Post-pop depression” quien lo acompañará en esta travesía será Josh Homme (Queens of the Stone Age). La colaboración entre ambos músicos resultará reveladora y sorprendente para sus vidas en este documental cuyo título es “American Valhalla”.

Pasaron 50 años para que “Sympathy for the Devil”, un particular documental sobre los Rolling Stones filmado por el francés Jean-Luc Godard en 1968, llegase a las pantallas de In-Edit Chile. El contexto cruza el florecimiento de los movimientos civiles como Mayo del '68, enfrentamientos raciales protagonizados por los Panteras Negras junto a la policía de Estados Unidos y dos tremendos conflictos del siglo XX: Vietnam y la Guerra Fría. En su aniversario número 50 este documental es un certero e incómodo registro social de la época para una sección homenaje que el festival preparó y que completa la cinta “Blow Up”.

Palma de Oro en 1967, Cannes aprovechó la conmemoración para proyectar una remasterización aniversario 50 en mayo pasado, la misma que el festival In-Edit Chile exhibirá dentro de su programación. Blow Up es Antonioni filmando a Eric Clapton y los Yardbirds en vivo y en 5 minutos memorables, además de dos datos para curiosos: Herbie Hancock tenía tan sólo 23 años cuando musicalizó esta ficción basada en un cuento de Julio Cortázar (lejanamente inspirado en un relato del fotógrafo chileno Sergio Larraín). Y, claro, delante de la cámara, Jane Birkin, Vanessa Redgrave y David Hemmings.


Inspirados y Rebelados

¿Cómo llega una banda de rock a actuar sobre un escenario en Norcorea al mando de Kim Jong-un? “Liberation Day” cuenta la increíble travesía de la banda eslovena Laibach hasta llegar a un problemático primer concierto de rock en Pionyang, la dura capital de Corea del Norte. Un viaje será también el detonante que cambiará la vida de Aidan Moffat, ex-cantante del grupo indie Arab Strap, quien recorrerá en furgoneta la verde y húmeda Escocia reinterpretando clásicos folk con humor e inquietantes reflexiones sobre la muerte en “Were you’re meant to be”.

Romper con lo establecido en dos cintas sobre rebeldes. Los británicos XTC  a punta de pop sofisticado quebrarán las rígidas estructuras del punk. En esa tarea también se encontrará una desafiante camada de artistas y activistas de mediados de los ‘80. Juntos, levantarán una escena que pronto terminará por llamarse Queercore con Bruce LaBruce, Pansy Division, John Waters y Kim Gordon hasta las riot grrls y Peaches. En esta misma línea, una comunidad golpeada por el racismo se identificará con las rimas hip-hop lanzadas y registradas en el sótano de “los Rainey”.  En “Quest”,  se hará un seguimiento de ocho años a la vida cotidiana de esta familia desde la primera elección de Obama hasta la de Donald Trump.

Aterrizados y modernos

La historia de los Sleaford Mods, es un relato sobre la fama de golpe y de cómo no perder la cabeza ante los múltiples elogios, merecidos, por supuesto. Si en este documental -”Bunch of Kunst”- los protagonistas son un dúo de electrónica-punk nacido en Nottingham, Inglaterra, en “If I Think of Germany at Night” los que llevan la batuta pertenecen a la escena alemana. Apariciones de Sonja Moonear, Ata Macias, Roman Flügel, Move D y el chileno (residente en Berlín) Ricardo Villalobos se cruzan entre pistas de baile, espacios domésticos poblados por infinitas perillas y caminatas por parques públicos.

viernes, noviembre 17, 2017

De Clapton a Morricone: Los documentales musicales que vienen

El Mercurio

La historia de la voz de "Layla" llega este mes al cine en EE.UU. y la del genio de las bandas sonoras se proyecta para 2018. Mañana se estrena en Santiago la caótica vida de Iggy and The Stooges.  

Por JOSÉ VÁSQUEZ

La cartelera cinematográfica sigue abundante en biografías musicales, con esperados trabajos en producción, algunos a punto de estrenar en el mercado anglo y otros que, con retrasos de un año, al fin llegan a las salas chilenas.

Este domingo y como parte de Fidocs se proyectará "Gimme Danger" (2016), la película que resume el caos y la distorsión de Iggy and The Stooges, la banda de Detroit que pavimentó el camino que explotaría con el punk en los 70.

Dirigida por Jim Jarmusch -quien retrató a Neil Young de gira con los Crazy Horse en "Years of the Horse" (1997)-, el filme aborda, a través de archivos de TV, prensa escrita y entrevistas con su líder, Iggy Pop, el golpe adrenalínico que le dieron al rock a finales de los 60 con sus provocadoras presentaciones en vivo.

"Eric Clapton: Life in 12 Bars" , que cuenta la vida de "mano lenta", tuvo su estreno en el Festival de Cine de Toronto en septiembre pasado y ahora tendrá una breve muestra por las salas de Nueva York y Los Angeles, este 24 de noviembre.

Con Lili Fini Zanuck -productora de "Conduciendo a Miss Daisy"- en la dirección, la película, que llegará a la televisión el 10 de febrero, a través de Showtime, narra la vida del músico a través de su carrera tanto como solista, como en sus pasos por bandas como The Yardbirds, Cream y Derek and The Dominos, entre otras, y también repasa su vida personal marcada por la desgracia: su difícil infancia, su lucha contra el alcohol y las drogas, y la muerte accidental de su hijo que retrató en su canción "Tears in Heaven".

El genio de las bandas sonoras, Ennio Morricone, será homenajeado en 2018 en su cumpleaños número 90 -ayer cumplió 89-, con "The Glance of Music" , documental del director Giuseppe Tornatore ("Cinema Paradiso"), con quien ha trabajado musicalizando nueve de sus películas. En el proyecto han participado artistas como Bruce Springsteen, Joan Baez y Bernardo Bertolucci, con relatos que se conectan con entrevistas al mismo Morricone. El filme podría estrenarse en el próximo Festival de Cannes.

Para fines de 2018 también se proyecta el estreno de "Bohemian Rhapsody" , la cinta biográfica de Freddie Mercury, dirigida por Bryan Singer y protagonizada por Rami Malek ("Mr. Robot") en el papel del cantante de Queen. La película se comenzó a filmar en septiembre último, recreando la recordada actuación del músico en el Live Aid de 1985 en el Estadio de Wembley.

La última grabación de George Michael

El 16 de octubre se estrenó en Inglaterra "Freedom", el documental emitido por el Channel 4 británico, que repasó la vida del artista y que estuvo grabando hasta dos días antes de su muerte, el pasado 25 de diciembre. En él participaron cantantes como Stevie Wonder y Tony Bennett.

Las luces y sombras de Chavela Vargas se proyectaron en la aplaudida "Chavela" , cinta dirigida por Catherine Gund y Daresha Kyi, que retrata el recorrido de la artista mexicana desde sus canciones, donde tenía admiradores como Pedro Almodóvar, hasta su vida personal, abordando su lesbianismo y sus excesos con la bebida. Se estrenó en Alemania, en agosto pasado.