Las leyendas de la música vuelven a fascinar al cine en nuevos filmes

El Mercurio

Aretha Franklin, David Bowie y Billie Holiday son algunas de las figuras que tienen películas próximas a estrenarse y que ya se perfilan como cartas en la próxima carrera por el Oscar.
FERNANDO ZAVALA

Las estrellas de la música siempre han inspirado al cine, pero lo cierto es que el fenómeno de “Bohemian Rhapsody: La historia de Freddie Mercury” no se veía en mucho tiempo. Los cuatro premios Oscar, entre ellos el de Mejor Actor para Rami Malek, y su recaudación mundial de US$ 900,8 millones despertaron una especie de frenesí de los estudios y productoras para sacar adelante biopics de cantantes, algunos ya listos y que ahora esperan llegar a los cines y hacer frente a la compleja situación que viven las salas debido a la pandemia.

Una de las cintas que está generando mayores expectativas es “Respect”, el filme biográfico sobre Aretha Franklin, que tiene fecha de estreno en Estados Unidos programada para el próximo 25 de diciembre y que cuenta con la ganadora del Oscar Jennifer Hudson (“Soñadoras”) interpretando a la reina del soul. En el filme, dirigido por Liesl Tommy y que recorre la vida y ascenso a la fama de Franklin, también actúan Forest Whitaker, como el padre de la cantante; y Marlon Wayans como su mánager y primer esposo, Ted White.

Aunque la cinta se rodó a fines de 2019, el proyecto lleva años en diferentes etapas e incluso la propia Aretha Franklin participó en él antes de su muerte, en agosto de 2018, y le dio su aprobación a la elección de Hudson en el rol principal. Ambas incluso se reunieron en varias ocasiones a discutir el papel. Y aunque nadie ha visto aún el filme, los expertos ya apuestan por Jennifer Hudson como carta para el Oscar a Mejor Actriz.

La artista, en todo caso, parece que tendrá una dura competencia en una cantante que aborda su primer protagónico en cine, ni más ni menos que interpretando a otra leyenda. La nominada al Grammy Andra Day protagoniza “The United States vs. Billie Holiday”, lo nuevo de Lee Daniels (“Precious”) sobre la influyente estrella del jazz. El filme se basa en uno de los momentos más intensos en la vida de Holiday, el juicio que enfrentó por posesión de narcóticos en el que se vio envuelta y que incluyó una operación encubierta a cargo de un policía con quien tuvo un tormentoso romance. El elenco también lo integran Trevante Rhodes, Garrett Hedlund y Natasha Lyonne, entre otros. La cinta aún no tiene fecha de estreno en Estados Unidos, pero debiera ocurrir antes del periodo de calificación para el Oscar, ampliado este año por la Academia a raíz del coronavirus, que vence el 28 de febrero.

Hay más. En los próximos meses debería estrenarse “Stardust”, de Gabriel Range, un esperado drama biográfico centrado en David Bowie y en torno al que surgen altas expectativas respecto de la interpretación del actor Johnny Flynn. La cinta narra la primera visita de Bowie (fallecido en 2016) a Estados Unidos, en 1971, y el viaje que inspiró en el artista la creación de su alter ego Ziggy Stardust. En el filme también actúan Jenna Malone y Marc Maron.

A las anteriores películas se suman otros interesantes proyectos: Timothée Chalamet será Bob Dylan en una cinta dirigida por James Mangold (“Logan”); el cine francés prepara un filme sobre Celine Dion llamado “The power of love”; Baz Luhrmann actualmente conversa con las autoridades australianas sobre la posibilidad de comenzar el rodaje de su película sobre Elvis Presley protagonizada por Austin Butler y Tom Hanks; el cineasta Sacha Gervasi prepara una cinta sobre Boy George, y Bradley Cooper podría interpretar a Barry Gibb en el un filme sobre los Bee Gees.

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Cinéfilos podrán disfrutar la película Dios con los directores Israel Pimentel y Christopher Murray

Comunicado de prensa

El film que tendrá una función especial, contará con la presencia de los directores Israel Pimentel y Christopher Murray.

Dios entra en cartelera en Centro Arte Alameda con una programación especial este viernes 10 de mayo, a las 19:15 horas. Posterior a la función, los directores Israel Pimentel y Christopher Murray conversarán con los asistentes en un foro exclusivo.

La cinta del colectivo MAFI (Mapa Fílmico de un País), plasma la historia de un país al fin del mundo, donde aterriza la máxima autoridad de la Iglesia católica. El Papa viene a traer la palabra de Dios, pero Chile lo espera con la crisis religiosa más importante de su historia.

Esta es la segunda película del MAFI, una organización sin fines de lucro, dedicada al registro documental con el objetivo de contribuir a la memoria audiovisual del país y fomentar la reflexión social en base a imágenes.

Anteriormente Centro Arte Alameda exhibió la película PROPAGANDA (2014), un seguimiento a la campaña presidencial 2013.

Estreno 9 de Mayo

Para quienes no puedan ver la función especial, lo podrán hacer hasta el miércoles 15, a las 18:15 horas.

Ficha Técnica

Dirigida: Christopher Murray, Israel Pimentel Bustamante, Josefina Buschmann

Guion: Antonio Luco, Israel Pimentel Bustamante, Josefina Buschmann

Casa productora: MAFI (Mapa Fílmico de un País)

Producción: Diego Pino

Producción general: Alba Gaviraghi, Catalina Alarcón

Dirección de fotografía: Adolfo Mesías

Montaje: Andrea Chignoli, Javiera Velozo

Realización: Adolfo Mesías, Aníbal Jofré, Antonio Luco, Carlos Araya Díaz, Catalina Alarcón, Christopher Murray, Daniela Camino, David Belmar, Diego Ayala Riquelme, Enrique Farías, Ignacio Rojas, Israel Pimentel Bustamante, Jeremy Hatcher, Josefina Buschmann, Juan Francisco González (II), Maite Alberdi. Orlando Torres, Pelayo Lira, Tamara Uribe, Valeria Hofmann.

Las canciones de artistas legendarios inspiran al cine británico

El mundo de la música y el cine desmenuzan el éxito de "Bohemian Rhapsody"

El Mercurio

Críticos y músicos profundizan en los aciertos de la película, las cosas que faltaron, la actuación de Rami Malek y las razones de su popularidad en Chile. 

Raimundo Flores S.
El reparto, la música y la emotividad son los puntos altos

A la hora de enumerar los aspectos positivos de la cinta, lo primero que se asoma es el reparto encargado de retratar a la banda. "Uno de los aciertos es el casting , parece que todos los actores fueran hijos de los miembros de Queen" dice Gonzalo Frías, conductor de "Séptimo vicio".

El enfoque que toma la película para contar la historia de Mercury y sus compañeros también destaca. "La película apela a la conexión popular que tiene la banda, no a lo técnico de que tocan muy bien o que las canciones tienen cierto nivel de musicalidad. Se centra en cómo nos emociona Queen", agrega Angelo Pierattini, vocalista de Weichafe.

Finalmente, una de las escenas que más ha dado que hablar es la recreación del concierto Live Aid. "Es un acierto el trabajo de montaje y sonido de toda la película en todas las parte de música y lo de Wembley es sencillamente un combo emocional del que tú no te recuperas", dice la crítica de cine Ana Josefa Silva.

Rami Malek: Un candidato a los premios

Desde que se conocieron las primeras imágenes del rodaje, impresionó el parecido del actor encargado de encarnar a Freddie Mercury. Ahora, después del estreno, la opinión unánime parece ser que la interpretación de Malek es excelente y que podría ser uno de los candidatos al Oscar en la categoría Mejor Actor. "Hay un trabajo muy delicado y fino en todo lo que tiene que ver con la corporalidad, se logra muy bien, creo que es un lujazo de actor", dice Pierattini. Ernesto Garratt, crítico de cine, lo complementa: "Yo lo descubrí como actor relevante en 'Mr. Robot' y acá es súper distinto lo que él hace. En 'Mr. Robot' está en estado zombie todo el rato, y aquí esta vivo. Y no solo eso, revive a Freddie Mercury".

Las cosas que faltaron

A pesar de que existe consenso en que la película funciona, también ha habido voces que consideran que el personaje de Freddie Mercury no cubre su personalidad en profundidad. "Tal vez se desaprovechó jugar de verdad, ir al lado oscuro o darle un peso o más capas. Me faltó que profundizara más en el origen étnico de Freddie y en su identidad sexual de forma mucha más clara", dice Garratt, mientras que Gonzalo Frías considera que esa situación se replica en los otros personajes. "Quizás uno de los desaciertos es que no se ahonda mucho más en los otros miembros de Queen", señala.

Además, muchos fanáticos han hecho notar que algunos hechos que se narran están desfasados con las fechas en las que sucedieron. "Son omisiones que se hacen en favor del guion de la historia. Por ejemplo, un tema como "Fat bottomed girls" aparece siendo tocado en vivo antes de que se compusiera", opina el periodista musical Alfredo Lewin.

¿Por qué es tan exitosa?

El éxito de la película a nivel mundial se ha visto reflejado e incluso potenciado en Chile, donde en su primer fin de semana incluso tuvo más espectadores que en Argentina. ¿Las razones? "Es una película que consigue lo que cualquier obra de arte tiene que conseguir, que es provocar una emoción en el público", señala Ana Josefa Silva.

La popularidad de Queen en el país también pareciera ser un factor. "Los números de Spotify dicen que estamos en el top cinco de los países que más escucha a Queen en el mundo. Es otra de esas bandas que es muy nuestra", declara Lewin, y Mauricio Torres, vocalista de la banda tributo a Queen, Innuendo, añade: "La música de Queen nunca va a pasar de moda. Además, siento que en este momento ya no hay rock, y creo que está película llega a llenar ese vacío musical que tiene la juventud y, en el caso de los que tenemos más años, llega a refrescarnos todo lo que pudimos vivir en ese tiempo".

Para cantar
Tras el éxito de la película, que en Chile ya ha sido vista por más de 340 mil espectadores, también está en cartelera la versión karaoke del filme, con subtítulos de las letras de las canciones que aparecen a lo largo de la ficción.

Los musicales vuelven a estar de moda con un poderoso panorama de estrenos

El Mercurio

Para las próximas semanas se esperan filmes como "Bohemian Rhapsody: La historia de Freddie Mercury" y "El regreso de Mary Poppins", pero la lista es abultada. 

Fernando Zavala
Es un género que ha sido declarado muerto y renacido en incontables ocasiones. Y este año, películas como "Mamma mia! Vamos otra vez" (US$ 392 millones en todo el mundo) y el nuevo y aplaudido remake de "Nace una estrella" (que en apenas diez días en los cines del mundo ya ha recaudado US$ 135,3 millones) han probado que el musical sigue vivo, sano y continúa generando atención en el público. Por eso, los estudios ya preparan una abultada lista de estrenos para los próximos meses.

El 1 de noviembre llega a Chile uno de los musicales más esperados de la temporada: "Bohemian Rhapsody: La historia de Freddie Mercury", controvertida cinta biográfica del legendario líder de Queen, fallecido en 1991. En un inicio se rumoreó que el filme no abordaba la bisexualidad del artista, lo que fue criticado pero desmentido al poco tiempo. También fue polémico porque la mala relación del director Bryan Singer con el equipo y los productores lo llevó a ser despedido poco antes de terminar el rodaje. Lo reemplazó Dexter Fletcher ("Volando alto"), pero al final será el nombre de Singer el que aparezca en los créditos.

Pero en el estilo del musical tradicional, en el que los actores simplemente dejan lo que están haciendo para levantarse a cantar y así avanzar la trama del filme, el próximo 24 de enero Disney traerá a Chile la anticipada "El regreso de Mary Poppins", ambiciosa secuela del clásico de 1964 protagonizado por Julie Andrews, uno de los filmes más queridos y recordados del estudio. Ahora con Emily Blunt en el mítico rol, la cinta narra una nueva aventura de la mágica niñera, que volverá a encontrarse con los niños Banks ya crecidos, para ayudar a los hijos de uno de ellos.

Ya disponible en Netflix está la adorable "Been so long", la adaptación de un musical teatral londinense que llega al cine de la mano de la cineasta Tinge Krishnan y que presenta una muy cotidiana historia de amor con el barrio de Camden como personaje y alma del filme. La cinta narra el deslumbrante encuentro entre una esforzada madre soltera y un atractivo y encantador extraño que la hará volver a sentir cosas que creía olvidadas.

También se espera el regreso de grandes clásicos del género. Para diciembre de 2019 se espera el debut de "Cats", que finalmente tendrá una versión para cine bajo la dirección de Tom Hooper ("Los miserables") y con un estelar elenco que incluye a Ian McKellen, Jennifer Hudson, James Corden y Taylor Swift. Este filme obligó al estudio Universal a posponer otra adaptación de un hito de Broadway, "Wicked", que será dirigido por Stephen Daldry ("Billy Elliot") y aún no confirma elenco. Además, Steven Spielberg ya está armando la producción de un remake de "Amor sin barreras", que hasta el momento ya tiene confirmado a Ansel Elgort como protagonista; y Jon M. Chu ("Locamente millonarios") trabaja en el salto a la pantalla de "In the Heights", el primer éxito teatral de Lin-Manuel Miranda (el creador de "Hamilton", que también actúa en "El regreso de Mary Poppins").

Igualmente, hay en vista propuestas poco convencionales. Sin fecha de estreno en Chile está "Anna and the Apocalypse", que trae el musical a una historia de zombis y narra la aventura de una adolescente y sus amigos que deben enfrentar una explosión de muertos-vivientes. Este año debutó con aplausos en el festival de Toronto "Vox Lux", de Brady Corbet que narra el inesperado éxito de una cantante pop interpretada por Natalie Portman.

EN CARTELERA_ "Nace una estrella", con Lady Gaga, y "Mamma mia! Vamos otra vez" continúan en los cines chilenos.

"Nace una estrella": Cuatro inolvidables heroínas frente a frente

El Mercurio

Este jueves 11 llega a Chile el tercer remake de la clásica historia que debutó en 1937 con Janet Gaynor en el rol principal. En el nuevo filme la aplaudida protagonista es Lady Gaga. Entre ambas interpretaciones, en todo caso, otras dos versiones también dejaron profundas huellas en el público; la de Judy Garland, para la cinta de 1954; y la de Barbra Streisand, de 1976. 

Fernando Zavala 

Judy Garland, glamour a toda prueba
Con George Cukor al mando, "Nace una estrella" se convirtió en un musical. Y no dejó de serlo en sus versiones subsiguientes. James Mason era Norman Maine y Judy Garland -que con este rol volvió al cine luego de un alejamiento de cuatro años- se anotó uno de sus roles más importantes como Esther, que luego obtendría el nombre artístico de Vicky Lester. Esta Esther, en todo caso, no es una ingenua soñadora que llega a Hollywood a probar fortuna, como la de Janet Gaynor. Esta heroína ya trabaja en el medio, pero sigue siendo una figura anónima.

Acá, la famosa escena de la "humillación" es similar a la del filme de 1937, con Vicki Lester con su Oscar en la mano y Norman Maine borracho, propinando una accidental bofetada en pleno momento de la premiación.

La cinta, en todo caso, es una superproducción de la época, con casi tres horas de duración, cuidada producción, sofisticado vestuario y canciones inolvidables, como "The man that got away".

Lady Gaga, a la altura de sus ilustres predecesoras
Recientemente, Barbra Streisand le dio su bendición a la cuarta versión de la historia que ella protagonizó en 1976. Y alabó el trabajo de Lady Gaga, en su debut en una ficción en cine. Un sello de calidad nada de despreciable, porque la cantante de 32 años asumía un gran desafío al protagonizar esta película. Pero la crítica ha sido unánime: su interpretación está a la altura de sus predecesoras y logra darle un sello propio y una vulnerabilidad que la acerca más, en todo caso, a la Esther de Gaynor que a la de Streisand.

Acá, en el filme que debuta en Chile este jueves 11, Lady Gaga se llama Ally, una aspirante a cantante que trabaja de mesera y que canta en un club de travestis hasta donde llega buscando alcohol Jackson Maine (Bradley Cooper, protagonista y director), famoso cantante pero en franca decadencia debido a sus adicciones.

Lo que sigue se acerca casi con obediencia estricta a la historia clásica, aunque acá también opta por ambientar la historia en el mundo de la música y no del Hollywood de las primeras dos cintas; además, la escena de la "humillación" eleva la tensión. En realidad, todos aquellos momentos dolorosos, Cooper los hace aún más difíciles. Gaga, en efecto, deslumbra por su total honestidad ante la cámara. Y la química junto al actor-director es a prueba de balas.

La temporada de premios aún está a varios meses de distancia, pero los expertos ya apuestan a que la cinta seguirá la suerte de las antecesoras y obtendrá múltiples nominaciones al Oscar. La candidatura de su "nueva estrella" se da por segura.

Janet Gaynor, la estrella original
La primera ganadora del Oscar a Mejor Actriz de la historia (en 1929), Janet Gaynor, es también la primera actriz en interpretar a Esther Blodgett, una joven con sueños de convertirse en una estrella de Hollywood, bajo la dirección de William Wellman y con Fredric March como Norman Maine, el actor ya consagrado, alcohólico y con una personalidad autodestructiva que se enamora de ella. Él también la ayuda a saltar a la fama, y en el ascenso llega a opacarlo, algo que le pasará la cuenta a la relación llegando a un trágico desenlace.

En el filme -que ganó un Oscar por su guion y recibió otro especial por su fotografía en color-, la heroína de Gaynor era la máxima expresión de la época: ingenua, soñadora, romántica, sufrida y leal. Esta era una película sobre Hollywood, pero no en clave musical, la única de las cuatro versiones en no tocar esa tecla. Es, además, la más corta de todas, con una duración de 111 minutos.

La fuerza de Barbra Streisand
La versión de 1976, dirigida por Frank Pierson (guionista ganador del Oscar por "Tarde de perros") y con Barbra Streisand como Esther Hoffman (el nombre cambió en parte) es la más diferente de las cuatro existentes. De partida, fiel a la personalidad de Streisand, a esas alturas una figura más que consagrada, la heroína no es ingenua, sino una mujer segura de sí misma y de su talento, aunque las circunstancias no le permiten alcanzar la fama, hasta que conoce a John Norman Howard (otro cambio de nombre), interpretado por Kris Kristofferson. La banda sonora en clave rockera -la cinta ya no habla sobre actores, sino acerca de cantantes- también es inolvidable, especialmente por la balada ganadora del Oscar "Evergreen".

El mito de Takilleitor: La peor película del cine chileno

El Mercurio

En 1998, hace 20 años, se estrenó Takilleitor. Fue por televisión abierta, en TVN, y se convirtió en el fin de una historia que comenzó siete años antes, con un rodaje de locos. Desde entonces, la obra de Daniel de la Vega y protagonizada por Luis Dimas, se convirtió en una cinta de culto, adorada y repudiada a la vez. Este es un repaso de cómo se hizo, en la voz de los protagonistas de la película, que, a la distancia, resume bastante fielmente el mundo cultural de los años noventa en el país.

Por Arturo Galarce

Luis Dimas, protagonista.
"Yo pensé que yo era Takilleitor".

Daniel de la Vega, director.
"Luis estaba muy contento cuando le ofrecí participar, por ese entonces él ya no tenía la repercusión de años anteriores".

Luis Dimas, protagonista.
"Pero cuando vi el guion descubrí que yo no era el personaje principal. Yo quería ser Takilleitor".

Daniel de la Vega, director.
"Yo había estrenado País de octubre en 1990, y al año siguiente decidí que era momento de hacer Takilleitor. Siempre quise trabajar con Dimas y lo busqué. Le expliqué que quería hacer una película que tratara de un ídolo popular que pudiese narrar momentos actuales y del pasado de Chile. Momentos en los que nos reconociéramos y nos entendiéramos un poco. Sobre todo a través de un personaje que había quedado en un imaginario muy conflictivo, en una época donde todo era blanco o negro políticamente. Mi idea era esta: narrar el presente de unos policías, interpretados por Schlomit Baytelman y Sergio Hernández, que investigaban un secreto oculto en un papagayo".

Felipe Vilches, guionista.
"El nombre de la película lo traíamos de un tipo de artistas expresivos con convicciones sociales y del arte mismo. Los llamábamos los takilleros. Eran los que hacían una exposición y la gente iba, y había un cóctel, un vinito. Triunfadores de los años 80. Pero también nos asombraba Terminator. Esa cosa estruendosa de la ficción, y la condición nuestra, en un país del Cono Sur".

Luis Dimas, protagonista.
"Primero dije que no: pensé altiro que iban a salir los del mundo del cine, los de izquierda, a decir qué hace ese momio acá, siendo que yo no soy un momio per se. Pero acepté la propuesta. Mi carrera estaba muy baja en esos años. Esto me tiraba para arriba. Significaba mucho para mí. El problema era que el guion era muy malo. Era cursi. Los capos te hacen guiones perfectos, naturales. Los siúticos, no".

Felipe Vilches, guionista.
"En ese período Luis estaba humilde, tranquilo, mesurado. Tuvo que valorar el guion. Estaba contento y nosotros nunca fuimos tan izquierdistas cuando lo elegimos a él. Nunca fuimos más transgresores que izquierdistas, más adelantados que izquierdistas. Si te pones a pensar, desde el camarógrafo, el sonidista, todos eran de izquierda. Los más cómodos éramos nosotros. Esta era la actitud nuestra: tomemos a este compadre que ha sido siempre libre cantando. ¿Lo van a venir a hue...? ¿Cuántos favores le habrá hecho la derecha? Pocos. Es el único rey a mano".

Daniel de la Vega, director.
"No te imaginas la cantidad de prejuicios que tuve que vivir: 'Daniel, tu película nos encanta en términos generales, pero si el personaje fuera otro...'. Te estoy hablando de personas que podían cambiar el destino de la película, prestando o no apoyo. Mucha gente me dijo: 'Tu película País de octubre'tiene valor, pero yo creo que en Takilleitor te equivocaste al poner a Dimas". Trataban de que me replanteara, pero yo estaba decidido a hacer esa película. No por un par de millones iba a cambiar al protagonista y a los actores. Yo les decía: 'No estoy hablando de una persona, sino de una generación y un momento que estamos viviendo. Fuera de ser un ídolo popular, nos enfrenta a todos nuestros fantasmas'. Dentro del equipo no creo que haya habido ese tipo de comentarios. O quizá en silencio".

Berta Valenzuela, script.
"Alguna vez lo conversamos. Le preguntamos a Daniel qué hacía con este tipo. Dimas era un pelmazo, un pelotas. Tenía un ego que yo decía: 'Ya, está bien, tiene sus canciones, pero está bastante en decadencia'. Yo lo traté muy poco, pero era muy tonto. En la primera escena, en la toma del avión, cuando Takilleitor está jugando ajedrez en el capó del auto, y mientras se supone que Dimas le indica mover las piezas desde el aire, ¡el tipo se subió al avión! Yo le decía: 'No te vas a ver, no tienes para qué subirte'. 'Nooo', dijo, 'me tengo que subir'. En fin. Yo estaba ahí porque le había pedido trabajo a Daniel, pero un par de veces llegábamos a las citaciones de filmación y el rodaje estaba suspendido".

Daniel Ugarte, productor ejecutivo.
"Fue un proceso muy interrumpido, básicamente por recursos. Nos juntábamos a pensar cómo levantar la película. Daniel me llamaba diciendo que no teníamos ni un peso. Llamábamos a Cuba, a Max Marambio. Le mandábamos unos fax largos, pero nunca llegó la ayuda. Una vez fuimos a ver a Jorge Yarur con Daniel. Le dejamos el guion y no nos pescó mucho. Estaba en otra. Salíamos a la calle a buscar auspicio de restoranes, de marcas, de lo que fuera. Recuerdo que Lada nos pasó unos autos y que conseguimos auspicio de una bomba de bencina. Ericsson también nos pasó unos celulares gigantes, los primeros celulares".

Hugo Espinoza, asistente de dirección.
"Teníamos un capital muy chico. Filmamos una semana con lo que teníamos y en febrero del 92 fuimos a hablar con Ricardo Larraín (La Frontera, 1992), de Filmocentro, que nos ayudó mucho, con equipos, con una oficina para hacer los casting. Nos preguntó cómo íbamos. En un 30%. Y nos dijo que se iba a abrir un concurso que se llamaba Fondart. Fue el primero. Ya había habido uno en dictadura pero no se habían entregado los premios. Postulamos y lo ganamos. Pedimos 23 millones de pesos y nos dieron 10: al final se gastó alrededor de 60. Mientras esperábamos la plata abrimos una línea de crédito en el Banco Estado. Sabíamos que cuando recibiéramos lo del Fondart íbamos a salir con la película terminada.

En esa época, en esas interrupciones, Luis Dimas enloqueció: comenzó a hablar a la prensa que estaba grabando una película sobre su vida. Fue complicado. 'Lucho, Lucho', le decía yo, 'bota ese paquete. Bota ese paquete, tíralo al baño y después llámame. Anda a darte una ducha, duerme un rato'. Te llamaba a las tres de la mañana para hue...".

Luis Dimas, protagonista.
"Yo no tomé cocaína en ese tiempo, porque con la cocaína me iba pa' adentro. Eso es absolutamente mentira porque yo jamás a nadie le he conversado que estoy tomando coca. ¡Es totalmente mentira! Y qué raro que lo diga el Hugo, porque el Hugo le pegaba a la hue... Yo no po, yo trataba de disimularlo. Una vez jalé, pero nadie supo. Yo podría decir un montón de cosas, de inclinaciones sexuales, que te miraban y te hacían convites a salir con cabritos durante la grabación. Me invitaban. O me querían probar, no sé...

A la Paty Rivadeneira le tuve hartas ganas, pero jamás me acosté con ella. Éramos muy amigos. La Alejandra Fosalba se me insinuó. Era rica. '¿Y cuando vamos a pasarlo bien?', me preguntó. 'Cuando seamos más viejos', le dije yo. No me gusta meterme con compañeras porque pierdes. Pierdes como artista. Pierdes el misterio, ¿me entiendes, no? Ya no te respetan tanto. Fui lo suficientemente no tonto como para no caer".

Alejandra Fosalba, fan de Luis Dimas en la película.
"Ja, ja, ja. Supongo que es una broma. Mi respuesta es: ja, ja, ja".

Hugo Espinoza, asistente de dirección.
"Nos reunimos varias veces a analizar cómo Dimas se estaba tomando la película. Porque estaba diciendo que era de su vida. Y no era de su vida. Luis Dimas es un mitómano, siempre lo fue. Era una época en la que se estaba separando. Estaba bien descolgado, volviendo a funcionar en el circuito de la noche. Parrilladas de San Diego, en Buin, sin publicación de discos. El Night and Day a las dos de la mañana, los Braseros de Lucifer. Hacíamos unos shows que era una troupe de amigos que lo seguían. Yo me hice amigo de Luis Dimas. Lo ayudábamos para que hiciera sus shows y sabíamos que lo estaban acosando harto en los medios con esta cuestión de que la película era un mito, porque no se terminaba. Que la película de Luis Dimas no existía".

Daniel de la Vega, director.
"Y él no se equivocó en decir que era una película de su vida. Lo que yo quise hacer, viéndolo a distancia, porque no estaba de moda el género en ese entonces, era un falso documental. Yo decía que era un thriller, porque es como la veía, con esta situación con los detectives y el suspenso. Pero Taquilleitor tiene mucho del falso documental, por lo tanto tiene mucho de la vida de Luis Dimas. Toda esa confusión de la prensa le hizo bien y mal a la película. Había expectativa, pero también había morbosidad por ver a Dimas. A Lucho lo molestaron mucho, lo estresaron mucho, porque la película no se terminaba".

Gonzalo León, encargado de prensa.
"Dimas con Daniel terminaron siendo amigos. En un punto el Takilleitor de la película, que era el mánager, terminó siendo Daniel de la Vega en la vida real. Era su representante. Era algo alucinante. La película se había trasladado a la realidad. Para mí la genialidad de la película es todo lo que pasa desde el momento en que Daniel de la Vega encuentra a Dimas".

Daniel Ugarte, productor ejecutivo.
"Cuando llegó el dinero de Fondart fue lo que más ayudó. Ahí comenzamos la grabaciones. Daniel de todas formas me había pedido ayuda económica. Cachaba que yo podía conseguir más plata. Yo tenía unas acciones y las vendí todas. Quedé desbancado. Había que cumplir con la gente. Las vendí para ir saldando esas deudas, que eran de equipos arrendados, básicamente. Las actrices y actores recibieron todos sus sueldos. Me acuerdo de que iban a cobrarme a mí, al Banco Sudamericano, que es donde trabajaba como ingeniero comercial. Después me tuve que ir porque llegaban todos para allá. "Fugarte", me decían... Éramos una cooperativa. Todos colaborábamos. Cuando filmábamos en terreno me llevaba las nanas mías y de la casa de mi mamá, y partíamos con ollas y hacíamos comida para la gente. Todas estas locaciones eran como de dos, tres días. Carreteábamos. Olvídate. Llegaba mucha gente, copete, pitos, en ese tiempo todos se pegaban en la pera un poquito. En la misma hue... había un dealer, trabajando. Iba harta gente. Dimas no tanto".

Rodrigo Vidal, Takilleitor.
"Yo llegué a la película por casualidad. Pasé a saludar a la escuela de teatro y ahí estaban grabando. Todos me gritaron: 'Takilleitor, tú eres Takilleitor'. Y desecharon al otro actor. Me acuerdo cuando fuimos a grabar a Valparaíso, donde hicimos esa escena en el bote donde Lucho improvisa la historia de Darth Vader. Yo nunca entendí nada del guion, para que voy a mentir. Nunca me quedó nada claro. Entendía un poco la locura, porque conocía a Felipe Vilches y Daniel, y de repente entendía un poco dentro de las actitudes de sus personalidades, de sus formas de ser, que de una u otra manera borroneaban el guion una y otra vez, entonces lo que se iba armando era bastante sui géneris".

Daniel de la Vega, director.
"Yo quería hablar de la confusión de la transición a través de este personaje popular, y como la transición es tan poco clara, llena de aciertos y malos aciertos, con una llegada a la democracia negociada".

José Luis Arredondo, director de fotografía.
"Era una irreverencia, quizá. Pero que se entendiera esa irreverencia, es otro tema. Si lo haces bien puedes ser Monty Phyton. Es sumamente difícil que algo así resulte bien. Basta con ver las películas de Terry Gilliam. Es súper irreverente, pero son unos peliculones. Yo creo que al Dani se le escapó de las manos. Él puede decir lo que quiera, pero no tenía la profundidad suficiente como para llegar a ser irreverente, ¿cachái? Yo creo que la película terminó siendo un ícono, pero básicamente por lo mala que es".

Hugo Espinoza, asistente de dirección.
"Los textos eran escenas, algunas con pequeños diálogos, o sin diálogo. Yo trataba de cuidar siempre la mínima coherencia en las grabaciones. Me acercaba a Daniel y le decía: 'Me parece interesante, pero ¿dónde lo querís poner?, ¿para qué estamos haciendo esta escena?' Daniel ya tenía una película en el cuerpo y una de las pocas criticas de País de octubre fue de Alberto Fuguet: "Daniel de la Vega sabe filmar, pero no sabe contar historias".

Gonzalo León, encargado de prensa.
"Daniel siguió el modelo de Raúl Ruiz, pero no con el talento de Raúl Ruiz. Como lo vio desde chico, porque su papá, el Pepe de la Vega, había estado presente y había visto de chico esta cosa media improvisada, de que el cine era divertido, de que no había que tomárselo tan en serio. El punto es que no todos tienen el talento, ni la suerte, ni la disciplina de Ruiz".

Daniel de la Vega, director.
"La gente habla más desde el ego que de otra cosa. Yo tengo la sensación de que el cine es muy psicológico y esto es una realidad de esta industria: los actores y los técnicos se suman a la sensación psicológica del momento. A mí me ha pasado con películas en las que he colaborado, que a la entrada del estreno un técnico, un actor dice una cosa, y a la salida empieza escuchar, qué dice el publico, qué dice un crítico, y han cambiado el discurso. Lo dicen más bien para protegerse".

Carlos Cabezas, música.
"Todos los que estábamos ahí estábamos queriendo entendernos mejor, en un momento en que los ejes estaban todos perdidos. Era como andar gateando en una escena totalmente desprovista, precaria, sin experiencias, sin un foco. Por ahí me hace sentido todo ese experimento que fue Takilleitor".

Patricia Rivadeneira, fan de Luis Dimas en la película.
"Ayer la busqué en YouTube. De partida mi nombre sale mal escrito en los créditos. No hay conflictos bien desarrollados, no tiene una estructura aristotélica, pero sin embargo, eso es algo típico de Felipe Vilches. Si tú mirabas como por escenas, entendías que estaba hablando todo el rato de la dictadura, pero como hablábamos en una época en que no se podía hablar. Todo se hablaba en metáfora".

José Luis Arredondo, director de fotografía.
"Yo nunca caché qué mierda estábamos filmando".

Patricia Rivadeneira, fan de Luis Dimas en la película.
"Sí, todo pegoteado. No hay nada que hacer. Es lo que es".

Rodrigo Vidal, Takilleitor.
"Por mi parte no vi un desarrollo puntual de personajes. Salvo Lucho y este par de detectives que andaban detrás de él. Y cuando le tocaba hablar a Lucho venían cambios radicales. Era muy desordenado en el set. No respetaba los encuadres. Mucha improvisación, muchos diálogos espontáneos que se arrancaban de la línea de guion porque Lucho era bastante incontrolable para aprenderse los textos".

Luis Dimas, protagonista.
"Eso me molestaba mucho. A veces se me acercaban y me decían al oído: 'Luis, ahora viene...'. '¡Oye, si yo sé lo que viene!, ¡no hue... po!', les respondía. No se me olvidaba nada del guion y sin pedir ayuda, sin quererlo, venía la Schlomit una, dos, tres veces, a decirme: 'Luis, ahora te toca ti'. Y yo paraba: '¡Si sé que me toca a mí!, ¡¿me entiendes?! ¡Si sé que me toca a mí!'. Te voy a decir algo: 'Yo soy muy buen actor, pero nato. Puedo llorar, soy histriónico, soy showman'. Habían actores que decían: 'Te quiero, y te odio'. Yo iba y le enseñaba cómo se decía: 'Te quieeero.... y ¡TE ODIO HUE...!'. Sergio, le decía, estás diciendo te quiero y te odio con la misma intensidad. 'Ah, sí, me decía', como diciendo: 'esta hue... de película'. A la Schlomit yo le decía: 'No se lo toman en serio'. 'Ah, no', me decía ella, 'eres muy árabe para tus cosas'. '¿Por qué? ¿Porque tú eres judía? No, Schlomit. Este es un director joven, talentoso, y creo que no estamos haciendo justicia. No veo empeño'".

Schlomit Baytelman, detective.
"Te prometo que tengo amnesia total de la película, pero me acuerdo de que Luis Dimas fue muy simpático. ¿Sabes lo que pasa? Como era post-dictadura recién, no era raro convivir con estos personajes. Estaba lleno. Habíamos vivido una época espantosa, entonces estábamos todos con una diplomacia metida en el cuerpo".

Luis Dimas, protagonista.
"La película no estaba a mi altura, y ellos creían que yo no estaba a la altura. 'Qué mierda está haciendo este cantantucho', deben haber dicho. Porque para ellos yo era un cantantucho. Sentía que se reían de mí, ahora se cree actor... Vi ahí la tremenda pedantería que hay detrás de los actores".

Sergio Hernández, detective.
"No recuerdo haberlo mirado en menos como actor. Yo creo que hicimos lo que nos pidieron que hiciéramos. Tampoco el aspecto político fue tan importante. Nunca es muy fácil, nunca es tan rico como uno quisiera cuando uno tiene que trabajar con personas que no son actores, pero acá cada uno hizo lo que nos pidieron. En este juego estábamos todos al mismo nivel creativo. No era una gran búsqueda ni exigencia mayor. Para él tal vez era más exigente que para nosotros. Para él debe haber sido mucho más importante, sin ninguna duda. Sin embargo, había como una mirada, una especie de reírse de él. Recuerdo en esa filmación en La Batuta, la producción consiguió mucho whisky, muchas cajas, y fue mucho, fue demasiado. Luis tomó mucho".

Gonzalo León, encargado de prensa.
"Yo recuerdo, en general que Lucho fue muy responsable, salvo la última grabación donde le dijeron que era la última participación suya. Era la última escena. Nos juntamos al mediodía en La Batuta. Tenía que cantar, con público, que eran las actrices y todos los extras. Como era el cierre, Daniel de la Vega había llevado unas cajas de Whisky Grants. Era desproporcionado. Una botella para cada uno o un poco más".

Daniel Ugarte, productor ejecutivo.
"Ese día me acuerdo de que llevé unos amigos del Chase, para que pusieran plata. Andaba Juan Pablo Bolocco. Iban con la idea de invertir. Quedamos de ir a las 12 del día para ver el show de Dimas, pero no pudieron llegar a la hora. Llegaron a las tres de la tarde y a esa hora todos los del equipo estaban enajenados. De repente veo y sale Luis Dimas por una puerta. Yo voy entrando con Bolocco y dos más, y Dimas a lo campeón: cuatro personas sacándolo con las patas arrastrando. Venía como tabla. Ahí se acabó el financiamiento del Chase".

Luis Dimas, protagonista.
"No creo que eso haya sido así. Puedo haber tomado, pero borracho, no. A lo mejor me curé más de la cuenta, pero no, no me acuerdo. Me acordaría. O a lo mejor lo estaba, para qué te voy a mentir: el día anterior había muerto mi madre y tomé. Pero no me acuerdo haber estado tan mal como dicen".

Daniel de la Vega, director.
"Son parte de los mitos. Si hay algo que se construye en películas de bajo presupuesto con personajes fuertes son mitos. La verdad que no me acuerdo tal cual fue, puede haber pasado".

Hugo Espinoza, asistente de dirección.
"En 1995 yo estaba en Copiapó y recibo un llamado de Daniel de la Vega. La película llevaba parada un año. Yo me había olvidado. Pero Daniel me dice que la habían vendido en 15 mil dólares a TVN. Que me devolviera para terminarla. Eso hice. Grabamos algunas escenas más, para darle cierta continuidad a la historia y al año siguiente fue el primer estreno, el 25 de octubre de 1996, en el Centro de Extensión de la Universidad Católica, en una muestra de la Comunidad Europea: necesitaban una película chilena inédita. Llegó harta gente. Estaba esta expectativa de tantos años, pero cuando comenzó no vi nada especial. Risas en momentos inesperados, esa cosa de que tenías preparada la escena y nadie se ríe ahí, y se ríen en otro momento. La escena del ovni, por ejemplo, que la habíamos hecho para que se rieran, no provocaba risa. Era como decir, oye, pero cómo tan inocentes. Todo el mundo cacha que es un juguete. No provocaba risa".

Daniel de la Vega, director.
"Yo estaba contento. La había terminado de producir y me parecía interesante mostrarla en ese contexto. Tengo un buen recuerdo de los comentarios. La sala estaba llena. Había risas, lo que más llamaba la atención siempre y que la gente lo terminaba reconociendo, era que iban morbosamente a ver a Luis Dimas. No era la película de Ugarte, ni de Vilches, ni de Daniel de la Vega. Era de Luis Dimas".

José Luis Arredondo, director de fotografía.
"Tengo recuerdos de haber salido muy enojado, muy molesto, y me fui al Biógrafo. Un amigo me trataba de consolar y me decía que mi trabajo estaba bien hecho, 'pero no, no se puede terminar así', decía yo. Puta qué me dio rabia. No entendía el para qué... Para qué presentar algo así. La duda que siempre me quedó fue quién es Takilleitor".

Berta Valenzuela, script.
"Fue todo caótico. No estaba terminada. Fue una copia en tres cuartos, en video. No había corte negativo, no había copia, yo creo que nunca hubo copia. Cuando empezó no entendí nada. Y algo me molestó: no había una mezcla de sonido, no se escuchaba bien, puede que me haya molestado eso: que era un despelote por darla, que no era lo que tenía que ser. Le faltaba post-producción. No sé si hubiera cobrado sentido con eso, pero me molestaba que no se escuchara. Antes de que terminara me fui".

Gonzalo León, encargado de prensa.
"A mí me sorprendió que cierta crítica esperara más de la película. Yo decía, a ver: se trata de Luis Dimas. Lleva dos años hablando de que es su película. ¿Podrías esperar algo bueno, una obra de arte? No tienes que ser un genio".

José Luis Arredondo, director de fotografía.
"Yo a las críticas les encontraba toda la razón. Hace poco hice el comentario en clases y saltaron cinco alumnos. '¡Esa película es un ícono!', me decían. Nunca les había contado que había trabajado ahí. Me decían que la escena del ovni es una joya. ¡Pero si la hicimos hue...! ¡Se ve el hilito!

Berta Valenzuela, script.
"Yo pondría otras más malas. La de Lamadrid, La rubia de Kennedy. Son malas. Pero claro, se entienden. Es que esta no se entiende. No tiene ni pies ni cabeza. Es de culto, que parece que es lo peor".

Daniel de la Vega, director.
"Salfate fue el más duro y el más liviano en sus comentarios. Yo a él lo busqué, pero nunca me dio la oportunidad de platicar con él. Seguí mi propio proceso. Cuando la estrené en TVN, en 1998, di por cerrado un círculo".

Felipe Vilches, guionista.
"Yo le respondí a través del Clinic. Le dije que era un caca blanca, un tonto que no entendía, que seguramente no había visto la película. La crítica a mí no me afectó. Me llamó la atención desde el punto de vista psicopatológico".

Luis Dimas, protagonista.
"Yo considero que Takilleitor fue un bluf. No una mala película, fíjate, sino una película mal hecha, que es distinto. Pero yo soy karateca y a Salfate después de su crítica me lo tuvieron que quitar de las manos. '¡Eres un imbécil!', le dije".

De la crítica del periodista Juan Andrés Salfate, publicada el 26 de octubre de 1996, en El Mercurio:
"Ayer, en el auditorio del centro de Extensión de la Universidad Católica, hizo su debut (luego de cuatro años en la banca) el segundo largometraje del realizador chileno Daniel de la Vega, Takilleitor. La obra de poco más de una hora de duración fue proyectada en video y en forma privada, entre cineastas, parte del elenco y amigos del realizador. Al final, la gente se retiró en silencio, sin mucha certeza de haber captado las intenciones del director. Takilleitor se supone una película de corte casi dadaísta, incluso disléxico. Un puñado de historias que parecen no tener comienzo ni fin, se revuelven sin orden ni concierto en el que debe ser el filme más insólito jamás visto en nuestro país. De lo único que podemos estar seguro es que Takilleitor se sale de sus casillas. Es, lo que se dice, una película anti todo: anti comercial, anti lógica, anti cine. Con algunos toques surrealistas, sin duda el momento más memorable del filme es cuando Dimas observa la llegada de un platillo volador de juguete, al más puro estilo de Ed Wood".

Felipe Vilches, guionista.
"Yo no volví a escribir para cine. Lo último relacionado que hice fue una vez que me crucé en la botillería El Corcho Abstemio, en Recoleta, con el Jano, que me preguntó si yo había hecho el guion de Takilleitor. Le dije que sí y me preguntó si quería hacer un guion para Rachell, la actriz porno. Llamó a Leonardo Barrera (productor de películas eróticas), y esa noche, en una casa, fumando cigarros como locos, escribí Hanito, el genio del placer. Y acá tengo Takilleitor 2, que no es con Luis Dimas. Es sobre un tipo que está jugando pool, muy bien vestido, y de pronto los contrincantes se dan cuenta de que no se refleja en un espejo del local, porque es un vampiro".

Daniel de la Vega, director.
"Haberla hecho fue una valiente decisión. Creo que no me equivoqué en elegir a Dimas, y agradezco a todos los que me ayudaron a hacerla, entendiendo o no entendiendo lo que yo quería hacer, pero nunca diciendo que yo no soy el que la hice. Estoy muy orgulloso de las dos películas que hice. Takilleitor 2 no están mis planes".

Luis Dimas.
"Yo no fui al estreno. Cuando la vi por supuesto que me sentí frustrado. Me quedaron debiendo ocho millones, más o menos, pero eso no importa. Cuando la tuve, la analicé. La vi como seis veces y cada vez la encontré peor. Quizá si hubiera hecho de Takilleitor, la descosía".

"La novicia rebelde" inaugurará nueva muestra de clásicos en cine

El Mercurio

El inolvidable musical protagonizado por Julie Andrews volverá a las salas el próximo mes, en una muestra que, durante el primer semestre, incluirá "Intriga internacional", la joya del suspenso de Alfred Hitchcock, además de otros títulos emblemáticos, como "Manhattan" y "La profecía".

Por Fernando Zavala

Desde el comienzo, fue la gran apuesta del director Robert Wise y el guionista Ernest Lehman. Cuenta la leyenda que Julie Andrews -entonces, una popular y respetada figura del teatro que aún no debutaba en cine- siempre fue para ellos la primera opción para encargarse del rol principal en el musical que preparaban para la Fox, basado en la historia de Maria Von Trapp y su familia de niños cantantes. Para averiguar si su fascinación con la joven de 29 años se justificaba en pantalla gigante, recurrieron a Disney y vieron material inédito de "Mary Poppins", que a esas alturas ya estaba filmada, pero no se estrenaba aún.

De la exhibición salieron convencidos. "¡Firmemos a esta chica ahora, antes de que alguien más vea esta película y se la lleve!", habría dicho Wise. El resultado final, "La novicia rebelde" (1965) sigue siendo una de las películas más queridas y populares del último medio siglo.

Se trata de un musical que, décadas después, se mantiene efectivo y fresco. Y en marzo próximo, una nueva generación de espectadores podrá verla en cines. La cinta -ganadora de cinco premios Oscar, entre ellos, Mejor Película y Mejor Director- fue elegida por la cadena Cinemark para lanzar la temporada 2018 de su ciclo de clásicos. Con las actuaciones de Christopher Plummer, Richard Haydn y Eleanor Parker, entre otros, se exhibirá con intermedio los días 6, 10, 20 y 24 de ese mes, en diferentes salas de la cadena. La preventa ya está disponible.

Hasta el momento ya están confirmados los reestrenos de otras tres películas durante el primer semestre. En abril será el turno de "Manhattan" (1979) , una de las películas más aplaudidas de Woody Allen. Luego del rotundo éxito de su comedia "Annie Hall" (1977) y de experimentar con el drama profundo en "Interiores" (1978), Woody Allen decidió intentar una combinación de ambos géneros. Y lo hizo con una película llena de humor, pero también cargada de nostalgia y belleza. En ella, Allen interpreta a un guionista de televisión en sus cuarenta que, en medio de una relación romántica con una adolescente (Mariel Hemingway), conoce a una mujer madura (Diane Keaton) que es la amante de su mejor amigo (Michael Murphy).

Mayo verá el regreso a salas de un clásico contemporáneo del terror. "La profecía" (1976) , de Richard Donner, contemplaba la inquietante historia de un diplomático que, años después de adoptar a un niño en secreto, comienza a descubrir una actitud diabólica en él, llegando incluso a pensar que se trataría del mismísimo anticristo. En el elenco, Gregory Peck y Lee Remick.

En junio arribará otra joya del cine de antaño. Se trata de uno de los puntos más altos de la filmografía de Alfred Hitchcock, "Intriga internacional" (1959) . Protagonizada por los inmortales Cary Grant y Eva Marie Saint, cuenta la vertiginosa historia de un publicista que se ve involucrado en una conspiración internacional, luego de ser confundido por un agente secreto.

En una de sus más memorables anécdotas, originalmente la película incluía filmaciones en el edificio de Naciones Unidas en Nueva York, pero a las autoridades no les gustó el guion y denegaron, en más de una oportunidad, los permisos para rodar en su interior. Hitchcock, aún así se las arregló para rodar una escena en su frontis de manera secreta, con cámaras ocultas que mostraban a Grant saliendo del lugar y tomando un taxi. La cinta es uno de los mayores éxitos del venerado cineasta.

En cines
Estrenada en EE.UU. en marzo de 1965, la película estuvo en cartelera ininterrumpidamente durante cuatro años y medio. La cinta fue la primera en sobrepasar los US$ 100 millones en recaudación mundial.

Peter Rock: "Así vamos a quedar en el recuerdo de verdad"

El Mercurio

Los cantantes de la Nueva Ola presentaron la cinta "Un concierto inolvidable", que rescata la historia del movimiento musical.

PAULINA GALLARDO WEINSTEIN

La Nueva Ola chilena por primera vez estará en la pantalla grande, dirigidos por el cineasta Elías Llanos. "Un concierto inolvidable", que se estrenará en salas nacionales el 8 de mayo, es una comedia musical sobre los rostros principales de este movimiento de los años 60.

La pasión por la música llevó a Llanos a planear este filme, que nace gracias a una conversación con el productor Fernando Gómez. "Él los conocía a todos, y al día siguiente todo el grupo estaba convocado a una reunión y no paramos más".

Cecilia, Luz Eliana, Marisa, Luis Dimas, Peter Rock, José Alfredo Fuentes, Larry Wilson, Buddy Richard, Germán Casas, el dúo de los hermanos Zabaleta, Red Juniors y el fallecido Danny Chilean se interpretan a sí mismos en el filme de 100 minutos que se basa en cómo los músicos intentan filmar una película, lo que los lleva a reunirse en un mismo escenario para cantar juntos.

En el lanzamiento a la prensa, realizado ayer en Cinemark de Alto Las Condes, Peter Rock comentó que esta cinta salda una deuda que el cine chileno tiene con las figuras de antaño. "Nuestros fans, las radios, los periodistas, han mantenido la música viva. Solo faltaba este broche de oro", dice. "Somos felices, más que nada porque así vamos a quedar en el recuerdo de verdad. Hay un documento ahora que va a decir en cien años quién era Peter Rock", agregó. Luis Dimas concuerda en que esto era lo que le había faltado al movimiento musical: "La historia no está hecha por actores jóvenes, sino por quienes lo vivieron. Eso es lo bonito".

La complicidad y amistad entre los artistas queda plasmada en la película de tal manera que su director y gran parte de los integrantes del elenco confesaron que muchas veces el libreto pasaba a segundo plano y se dejaban llevar. "Había momentos donde se estaba filmando y uno de ellos se desviaba y contaba una historia que no estaba en el guión, que era mucho mejor que lo que estaba escrito", dice Llanos. El filme se sostiene, entre otras cosas, sobre las jugarretas entre Peter Rock con Luis Dimas y las bromas del elenco.

Festival de la Cineteca Nacional preestrenará películas chilenas

El Mercurio

Más de 80 filmes exhibirá el Centro Cultural La Moneda en su cuarta versión. Incluye "Las analfabetas", "El verano de los peces voladores" y "Raíz", entre otros.

Daniel Olave M.

Una selección con las películas chilenas más destacadas, cine de los años ochenta, material recuperado y preestrenos de varias nuevas cintas que aún no llegan a la cartelera comercial tendrá el 4° Festival de Cine Chileno de la Cineteca Nacional del Centro Cultural Palacio de la Moneda.

Según explican sus organizadores, este encuentro "rescata, difunde y presenta lo mejor del patrimonio audiovisual chileno, y se posiciona como el encuentro exclusivamente de cine chileno más importante del país". En esta versión se presentan cuatro franjas temáticas que viajan por el audiovisual nacional, rescatan la creación de cineastas y artistas nacionales y difunden sus obras en todo el país a través de la extensión con salas asociadas a la Cineteca.

En esta versión -que partió ayer y se extiende hasta el 23 de diciembre- destaca la presentación de filmes chilenos que se esperan para 2014. Entre ellos hay producciones como "Las analfabetas" y "Raíz".

La trama de "Las analfabetas" (jueves 19) sigue a una mujer que, al no saber leer, ha inventado las historias y choca abruptamente con una profesora joven que es presa del conocimiento convencional. "Siempre pensé que el tipo de conflicto de la película es bien chileno", dice su director, Moisés Sepúlveda. "Expone un poco nuestras trancas, nuestra adicción a las clasificaciones, nuestra incapacidad para crear, nuestro analfabetismo como país en diferentes frentes".

Sobre la exhibición en el Festival de la Cineteca, Sepúlveda comenta: "Esta es la primera vez que la película se muestra en Santiago después de haber recorrido varios festivales afuera y ganar algunos premios incluso, así que creemos que habrá un poco de curiosidad. Por otro lado, es muy interesante poder ver en un mismo lugar lo que se viene para 2014 en el cine chileno. Afuera se está atento a lo que estamos haciendo en Chile, y quiero creer que dentro del país también eso está comenzando a pasar".

Los otros preestrenos serán la coproducción hispano-chilena "El árbol magnético", de Isabel Ayguavives (hoy), con Manuela Martelli, Blanca Lewin, Edgardo Bruna, Catalina Saavedra y Daniel Alcaíno; "El verano de los peces voladores" (sábado 21), primer largometraje de ficción de Marcela Said ("El mocito"); "Raíz" (domingo 22), la ópera prima de Matías Rojas, estrenada en el Festival de Cine de San Sebastián, y "Tiempos malos" (lunes 23), la más reciente película del cineasta Cristián Sánchez ("Los deseos concebidos").

Además, en la selección del 2013 destacan cintas como "Gloria", de Sebastián Lelio; "El futuro" de Alicia Scherson, y "Carne de perro", de Fernando Gurzzoni, entre otras.

Programación

La lista de películas y sus horarios está disponible en la página web del Centro Cultural Palacio de la Moneda (www.ccplm.cl). El precio de cada función es $ 1.000.

Ver y escuchar: In-Edit se toma la agenda en Santiago y Concepción

El Mercurio

Este jueves comienzan los documentales de música. Son 70 películas de quince países, con competencias internacional y nacional, y una sección especial con lo más destacado de su primera década de acción. Todo el programa Inedit-Nescafe.cl.

IÑIGO DÍAZ

 En busca de los chilenos perdidos

Pasó décadas en un alejamiento tal, que se llegó a dudar de que estuviera vivo. El compositor e ingeniero José Vicente Asuar (en la foto), pionero en la música electrónica latinoamericana, es el protagonista de "Variaciones espectrales" (de Carlos Lértora), documental que se exhibirá el 11 (Sala CineUC, 21:00) y 14 de diciembre (GAM, 16:30). "Diseñó el primer computador para crear música, el Comdasuar. Llegamos hasta su casa en Calera de Tango, donde Asuar se reencontró con su memoria al ver por primera vez, en más de 20 años, este aparato. De ahí se reconstruye la historia", comenta el productor ejecutivo Patricio Muñoz.

"En busca del piano perdido" (Carlos Pérez Villalobos) es también una búsqueda, la del compositor académico Enrique Soro. Su nombre está vinculado al frente de autores que construyeron el primer cuerpo de partituras chilenas del siglo XX y que hoy parece olvidado. "Este es el rescate de una persona a través del símbolo que representa el piano, que él tenía en su casa de Vicuña Mackenna hasta 1954, y que en 1979 desaparece del mapa", dice su nieto y productor ejecutivo Roberto Doniez Soro. Tiene funciones el 9 (Teatro Nescafé, 20:00) y 13 (Sala CineUC, 17:00).

Aventurado por los cerros de Valparaíso, el italiano Duccio Castelli encuentra a un abandonado Alfredo Espinoza, otrora figura del jazz chileno, con una leyenda escrita en Buenos Aires y París. Es una escena clave de "Escape al silencio" (Diego Pequeño), estrenada en In-Edit de 2009, y que se volverá a exhibir el viernes 13 (Sala CineUC, 21:00). Se rodó entre Santiago, Valparaíso, París, Toulouse y Barcelona: "Había una historia perdida, y por eso viajamos a Europa, para ver los lugares donde Espinoza estuvo. Pero el mito luego se configura en Chile, cuando él regresa como un músico superior, una persona muy extraña, que habla poco y toca de maravillas", decía Pequeño.

Dupla póstuma: Burroughs y Bausch

Una banda sonora encargada a Patti Smith y Sonic Youth, entrevistados como Iggy Pop y Laurie Anderson, y apariciones junto a David Bowie y Mick Jagger colorean el documental "William Burroughs: A Man Within" (del estadounidense Yony Leyse), un espléndido retrato de acento hiperrealista sobre el escritor de la generación beat , estrenado en 2010. Se aborda su figura desde lo público pero sobre todo desde lo privado -drogas, homosexualidad, asesinato- en un relato para la posteridad de "Bill". Se dará el sábado 7 (Teatro Nescafé, 18:00).

En 2009, el cineasta alemán Wim Wenders inició el rodaje de un documental en homenaje a la coreógrafa Pina Bausch. Poco después el guión cambió con la muerte de la influyente creadora, y la película "Pina" (en la foto) se convirtió en una pieza póstuma, presentada mundialmente en 2011, como un encuentro entre la danza y la música, gracias a las contribuciones del cantautor brasileño Caetano Veloso, el trompetista japonés Jun Miyake o el cantante pop alemán Thom Hanreich. Tiene funciones el 6 y 11 (Cineplanet Costanera Center, 21:00).

La voz de las sin voz

A Merry Clayton, que está al volante de un automóvil, le piden que apague la radio. "¿Cómo puedes pedirle a una diva que apague la música?", responde la mujer que en 1969 cantó y puso sus gritos gospel en "Gimme shelter", canción con la que los Rolling Stones descubrieron el poder de una voz femenina de apoyo. En el mismo documental, Mick Jagger comenta "lo buena que estaba Claudia Lennear. Era la más atractiva de las cantantes de Ike y Tina Turner". Darlene Love, voz estrella del productor Phil Spector, dice que "gente como Bruce Springsteen, Elton John y Stevie Wonder querían saber quién era esa chica que cantaba en los discos".

Junto a Cindy Mizelle, Mabel John, Gloria Jones y Lisa Fischer, ellas son protagonistas de "A veinte pasos de la fama" (Morgan Neville), una de las cintas de la competencia internacional, que recorre la historia y el presente de las grandes coristas de la industria del rock y el pop, las vicisitudes del oficio, la promesa de éxito y la decepción ante el fracaso. Lo dice el propio Springsteen: "El trabajo de las coristas sigue siendo poco reconocido. Hay un buen trecho: ese camino hacia adelante es complicado". Tendrá funciones el 8 (Teatro Nescafé, 20:00), 11 (Sala CineUC, 19:00) y 12 (Centro Arte Alameda, 22:00).

Tres ángulos de Víctor Jara

A cuarenta años de su asesinato, el festival presenta tres películas sobre la figura del cantautor chileno Víctor Jara, seleccionadas por el sitio MusicaPopular.cl. Una de ellas es lo que se llama una pieza de culto. Se titula "El cantor" y fue realizada en 1978 por Dean Reed, conocido en su juventud como el "Elvis rojo" y quien tras probar el éxito de la industria pop, abrazó la causa comunista. Reed estaba obsesionado con la muerte de su amigo, de manera que tomó la misión de personificarlo en esta biopic rodada en la RDA junto a un grupo de chilenos exiliados. Se dará el viernes 13 (GAM, 21:00).

En tanto, "El derecho de vivir en paz" (de la chilena Carmen Luz Parot), documental biográfico de carácter cronológico, logró poner en 1999 por primera vez el tema del asesinato de Jara en televisión; y "Compañero Víctor Jara de Chile" (de los británicos Martin Smith y Stanley Forman), realizado en 1974 y nunca exhibido en Chile, muestra material inédito y entrevistas de época a la viuda del músico, la inglesa Joan Turner. La primera se exhibirá el 11 (Centro Cultural España, 18:00); la segunda, el 10 (Sala CineUC, 19:00) y 11 (Centro Arte Alameda, 19:00).

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Rosita Serrano, el "ruiseñor chileno" que conquistó a los nazis

El Mercurio

Llega a los cines el documental "Rosita, la favorita del Tercer Reich". El filme, que hasta ahora solo se había exhibido en festivales, cuenta la historia de una de las cantantes más queridas del régimen. Habla de su éxito en Alemania, pero también de su expulsión del país, tras cantar a favor de refugiados judíos.

Camila Ortiz Miranda

No fue sino hasta la llegada y masificación de internet que Pablo Berthelon supo que era cierto. A través de recortes de prensa, películas y grabaciones de audio y video, comprobó esa fantástica historia familiar que decía que su fallecida tía abuela Rosita había sido una reconocida cantante en la Alemania nazi -admirada por grandes figuras del gobierno, tales como Goering, Goebbels y el mismo Hitler-, y que Pablo nunca había sabido si creer del todo.

Y es que era una historia increíble: Rosita Serrano, o Esther Aldunate del Campo (como se llamaba en realidad) pasó los últimos años de su vida pobre y olvidada, viviendo en casas de amigos y familiares, muy lejos de la fama y gloria que experimentó en Alemania, donde era conocida como el "ruiseñor chileno" por su privilegiada voz.

A Europa llegó en 1936, siguiendo a su madre, tras un breve y fallido matrimonio. Mientras buscaba maneras de ganarse la vida, decidió que el canto podía ser su sustento, por lo que se paró afuera de una radio hasta que le dieron la oportunidad de presentarse. Al poco tiempo consiguió actuar en el mítico Winter Garden, uno de los escenarios más importantes de Alemania, y de ahí en adelante su carrera fue en rápido ascenso, gracias a su particular estilo que combinaba tonos agudos, silbidos, golpes a la guitarra y la mezcla de distintos ritmos e idiomas.

Sorprendido ante el gran éxito que ella alcanzó, Berthelon se puso a investigar en serio para la realización de un documental que la rescatara del olvido. El resultado fue "Rosita, la favorita del Tercer Reich", en el que aborda distintos aspectos de su vida, tales como su fama en Alemania, su expulsión del país tras cantar a favor de los refugiados judíos en Suecia (razón por la que perdió todas sus posesiones y ahorros), su matrimonio con un millonario egipcio y su posterior traslado a Alejandría (desde donde también tuvo que arrancar tras la caída del rey Faruk), hasta su decadencia artística y el regreso a Chile, entre otros increíbles episodios.

"Nunca dimensioné realmente el alcance que tuvo mi tía. Recién tras una primera investigación pude percatarme de que su vida era todavía más fascinante de lo que yo pensaba, con todos estos episodios de huidas, éxitos y viajes que complementaban una historia que de por sí es impresionante", explica Berthelon.

Su relación con el régimen nazi es una de las aristas donde más se detiene el documental. "Yo me sentí con el deber de ser lo más objetivo posible, ya que al ser pariente de Rosita podía parecer que estaba haciendo un homenaje a su figura, que no era mi objetivo. En la película aparecen las dos caras de la moneda, esa parte de Rosita que disfrutaba de la atención y los regalos de los militares, pero también su lado más activista. Su figura siempre estuvo rodeada del estigma de ser nazi, pero nunca se dijo que cantó a favor de los judíos o que plantaron un árbol en su honor en Yad Vashem, que es uno de los monumentos más grandes de Israel. Por mucho tiempo se ocultó la otra parte de la historia, de forma muy injusta", señala Berthelon.

EN LA PANTALLA GRANDE

"Rosita, la favorita del Tercer Reich" se presenta en el Centro Arte Alameda y el Normandie. Pronto estará en la Cineteca Nacional.

Voces de la Nueva Ola llegan al cine

El Mercurio

Doce cantantes pertenecientes al movimiento musical chileno conocido como Nueva Ola son el elenco del filme local "Un concierto inolvidable" del director Elías Llano. La cinta, que tiene como fecha de estreno el mes de noviembre de este año, reúne a los artistas Luis Dimas (en la foto), Peter Rock, Buddy Richard, Antonio y Miguel Zabaleta (Los Red Juniors), Cecilia, José Alfredo Fuentes, Danny Chilean, Germán Casas, Larry Wilson, Marisa y Luz Eliana.

Los actores Paulina García, Fernando Farías y Jorge Zabaleta realizarán algunos cameos en la cinta que rodará su escena principal el próximo 20 de septiembre en el Teatro Municipal.

Nace el Archivo Digital de la Cineteca Nacional

El Mercurio

Desde este martes , más de 80 películas, animaciones y documentales chilenos se podrán ver gratuitamente en el sitio web de la Cineteca.

Josefina Marambio Márquez

La película chilena "Escándalo" (1940), dirigida por Jorge "Coke" Délano, había desaparecido: en Chile nadie conservaba una copia. La Cineteca Nacional inició una investigación para recuperarla, y tras un largo trabajo descubrió que en Buenos Aires, un coleccionista guardaba una copia en formato de 16 milímetros. Se inició entonces un complejo proceso de duplicación de negativos, en el que se convirtió la cinta a su formato original de 35 milímetros. Luego tuvieron que hacer una serie de trámites para repatriarla a Chile.
Ya en territorio nacional la digitalizaron y la incorporaron al Archivo Digital de la Cineteca Nacional del Centro Cultural La Moneda, proyecto que cuenta con el apoyo del Fondo de Fomento Audiovisual del Consejo de la Cultura, y que desde este martes alojará en el sitio web
www.centroculturallamoneda.cl/cinetecanacional, más de 80 películas de ficción, documentales y animaciones chilenas que se podrán ver gratuitamente vía streaming . El Archivo Digital es un proyecto que la Cineteca Nacional tiene desde sus inicios, en 2006: "Es el resultado de siete años de trabajo; siempre lo tuvimos en el horizonte", asegura su director, Ignacio Aliaga.

"Uno de nuestros objetivos es tener un segundo archivo que nos permita ampliar la difusión de las películas, garantizar el acceso de los chilenos al material, y, además, ir resguardando las cintas originales", comenta Aliaga, quien explica que además de ser un trabajo que ayuda a dar a conocer las creaciones audiovisuales chilenas, también es un proyecto que permite respaldar antiguas cintas de las que sólo se conserva una copia.

"El archivo digital viene a cristalizar una solución permanente a una tarea fundamental, que es que nuestros bienes culturales estén accesibles para todos los chilenos. Es poder llevar nuestra memoria, identidad y patrimonio hasta el último rincón de Chile", agrega Alejandra Serrano, directora del Centro Cultural Palacio de la Moneda.

Para poder difundir las películas, la cineteca tuvo que conseguir los permisos de quienes poseen los derechos de las cintas: "Hay muchos directores que han entregado el conjunto de su obra y, por lo tanto, esto demuestra la confianza que existe en el trabajo que estamos haciendo, y el valor de este archivo", explica Aliaga.

Uno de los directores que permitieron que la totalidad de su obra se exhiba en el Archivo Digital es Miguel Littin, creador de cintas como "El chacal de Nahueltoro" y "Dawson, Isla 10": "He hecho las películas para que la gente las conozca, y el único canal existente en este momento para que eso pase y que la gente joven tenga acceso es a través de esta iniciativa de la cineteca. Por eso la apoyé desde un principio", explica.

Dentro de las películas que estarán disponibles se encuentra "La luna en el espejo" (1990), "Largo viaje" (1967), "El húsar de la muerte" (1925) y "Recuerdos del Mineral El Teniente" (1919). En la sección de documentales se encuentran registrados momentos históricos como los funerales de los presidentes Pedro Montt y Pedro Aguirre Cerda; la ceremonia del cambio de mando presidencial de Gabriel González Videla a Carlos Ibáñez del Campo (1952) y escenas de la vida cotidiana del Santiago de principios del siglo XX.

El Archivo Digital no sólo cuenta con material audiovisual, sino también con una completa cronología del cine chileno desde 1903, con fichas de películas y documentales. La página web tiene un buscador que permite rastrear el material audiovisual por nombre, director, actor, o las categorías de ficción, documental, animación o especial. Además, irán incorporando material nuevo en la medida que vayan consiguiendo permisos y vayan digitalizando nuevas cintas.

Para Aliaga, es fundamental que los colegios aprovechen esta herramienta en clases, ya que los profesores podrán revisar importantes creaciones audiovisuales chilenas en el aula. Además, asegura que la iniciativa logrará acercar el cine chileno a los espectadores: "Seguramente, a través de este mecanismo, algunas películas van a tener más público que cuando se exhibieron en sala", comenta.