martes, enero 15, 2019

La Orquesta Usach toca gratis en el barrio Yungay y en Pedro Aguirre Cerda

Radio U De Chile

La agrupación abre su temporada con dos conciertos que contemplan obras de compositores chilenos y una pieza poco conocida de Beethoven.

La Orquesta Clásica de la Universidad de Santiago (Usach) abrirá esta semana su temporada 2019 con dos conciertos gratuitos, que se realizarán en el Teatro Novedades y en el Centro Cultural de Pedro Aguirre Cerda.

El elenco estará este miércoles 16 en el tradicional recinto del barrio Yungay, sumándose a la Fiesta del Roto Chileno. Al día siguiente estará en la comuna ubicada hacia el sur de la capital.

“Será un concierto con un espíritu muy veraniego y dirigido a un público popular, con acento en los compositores chilenos pero sin dejar de lado esas novedades, si se le puede decir así, de nuestro repertorio clásico”, explicó el director titular de la orquesta Nicolas Rauss, quien encabezará ambas presentaciones.

En ambas ocasiones, la agrupación comenzará con Músicas retocadas, una obra del director musical de Congreso, “Tilo” González, y seguirá con Momento andino, de Vicente Bianchi. También tocará tres piezas de Enrique Soro: “Sovente penso”, “Nom m’ami piu” y “Chanson triste”, interpretadas por la soprano Andrea Aguilar.

“Con Enrique Soro estamos haciendo un verdadero trabajo de rescate. Estamos haciendo un estudio crítico de su obra y estas piezas las sacamos y desempolvamos del galpón de su casa. Es la segunda vez que se interpretan desde 1920”, destacó Rauss.

Luego de un intermedio, los conciertos continuarán con la suite Jeux d’enfants, de Georges Bizet y terminarán con la Obertura del rey Esteban, compuesta por Beethoven para celebrar la apertura del Teatro Nacional de Budapest, en 1811.

“Tengo una afición por Beethoven desde pequeño, fue por él que llegué a la música clásica y la verdad es que no sé si existirían tantas orquestas en el mundo sino fuera por su figura. Beethoven tiene once oberturas y siempre se tocan las mismas. La Obertura del rey Esteban es muy inusual, yo mismo la he dirigido hace unos años, pero para nuestra orquesta es totalmente nueva y en general se programa muy poco”, explicó el conductor.

Los conciertos se realizarán a las 19:30 horas del miércoles 16 y jueves 17 de enero, en el Teatro Novedades (Cueto 257) y en el Centro Cultural de Pedro Aguirre Cerda (Paseo Grohnert 5510), respectivamente. 

domingo, enero 13, 2019

Sacándole brillo a Mahler

Gonzalo Saavedra
Cultura
El Mercurio

Gustav Mahler compuso "La canción de la Tierra" (1907-1909) en medio de una tragedia: había muerto a los cuatro años una de sus hijas y a él le diagnosticaron una grave enfermedad cardíaca. Las seis partes que conforman esta obra, escritas sobre la base de poemas chinos, se caracterizan por una constante dualidad: la celebración, no sin humor, de la vida, y la sombra de la muerte y las angustiosas ansias de trascendencia.

En el concierto del jueves, con la mezzosoprano Evelyn Ramírez y el barítono Javier Weibel, la Orquesta Sinfónica de Chile y la dirección de Paolo Bortolameolli, se escuchó una versión magnífica, apoyada, además, por los finos y sugerentes cuadros animados de la compañía Teatro Cinema, que aparecieron en una pantalla sobre el escenario; como parte de esos cuadros actuaron los excelentes cantantes, con gran talento dramático. La posición elevada tuvo resultados acústicos muy propicios a los solistas, que se proyectaron con claridad y volumen sobre el gran conjunto orquestal.

Impresionó el sonido brillante que Bortolameolli consiguió de la Sinfónica: el director es detallista y apasionado a un tiempo y, luego de tres ensayos maratónicos y con su evidente dominio mahleriano, logró que las cuerdas y el resto de las secciones deslumbraran en el protagonismo que les cabe según dónde.

Es muy interesante la conjunción de música e imágenes que mostró esta presentación: el material del Teatro Cinema comenta o prescribe una manera de entender "La canción de la Tierra", ya con propuestas abstractas, ya literalmente figurativas, ordenadas narrativamente como una travesía, siempre intentando sacarles brillo a los textos.

Entre una enorme cantidad de aciertos, destacaron la "Canción báquica de la miseria terrenal", primero de los movimientos, con el potente registro de Weibel, minuciosamente controlado para llegar seguro a las notas altas que se le exigen aquí y en otros momentos, y el tercero, "De la juventud", ilustrada con un jinete de madera sobre un caballo de juguete. En la postrera "La despedida", Bortolameolli, sobrio en sus decisiones, supo señalar cuán crucial y emocionante es este movimiento articulador de toda la obra, y obtuvo de la orquesta un resultado conmovedor. Evelyn Ramírez brilló aquí también, mientras la pantalla mostraba, gigante, el iris de un ojo, que, con su aspecto cósmico resume bien la consciencia universal que animó a Mahler mientras creaba este monumento. El público, entusiasmadísimo, agradeció con una ovación larga, como pocas se han escuchado en el Teatro de la Universidad de Chile.

Cinco razones para escuchar música contemporánea este verano

Romina de la Sotta Donoso
Cultura
El Mercurio

El festival que la Universidad de Chile le dedica a la creación actual fue completamente renovado y se volvió más amigable para el público general. Descubra las obras maestras del siglo XX y también la tinta fresca.



1 Adiós a las jornadas maratónicas. Nunca más un concierto se extenderá por dos horas, porque el nuevo director artístico del XIX Festival de Música Contemporánea del departamento de Música (DMUS) de la U. de Chile, Jorge Pepi-Alos, fijó una duración razonable. "La gente se agota cuando un concierto es extremadamente largo, y eso perjudica la escucha. Ahora durarán una hora y cuarto", explica el profesor.

Los conciertos son gratuitos y se realizarán a las 20 horas, desde mañana al jueves en la Sala Zegers (Compañía 1264), y el viernes a las 19:30 horas, en el Teatro U. de Chile (Providencia 043). Tienen apoyo de un Fondo de la Música.

2 Ahora el público sabe qué va a escuchar. Otra idea que se jubiló fue la creencia de que "más es mejor". "Antes se programaban muchas cosas, las más posibles, una al lado de la otra, pero sin ningún sentido. Ahora organizamos los conciertos, para que la gente sepa qué viene a escuchar y qué importancia tiene eso. No podemos hacer un festival donde solo los músicos se vayan a escuchar entre ellos", dice el docente.

Así, el martes se consagrará a la música de cámara, con dúos, tríos y cuartetos. El miércoles, en cambio, contrastarán solistas y grandes ensambles, de modo que el público aprecie, por ejemplo, el contraste entre la soprano Nancy Gómez, en la famosa "Sequenza" para voz femenina de Luciano Berio, y la Orquesta Andina, en "Siqchá", de Félix Cárdenas.

3 Las obras maestras del siglo XX vuelven a escena . "¿Para qué sirve saber lo que estamos haciendo hoy en la música si no sabemos de dónde viene? En este caso, debíamos mostrar de dónde viene la modernidad en la música, es decir, la ruptura del sistema tonal y todas las bifurcaciones que se generaron", explica Pepi-Alos.

Así, el lunes, el Ensamble DMUS -que dirige Andrés Maupoint- presentará una serie de obras chilenas que encargó a autores locales, inspiradas en "Preludio a la siesta de un fauno", de Debussy, y luego se ejecutará esta última, seguida de "Tres poesías japonesas", de Stravinsky; "La pregunta sin respuesta", de Ives, y "Oda a Napoleón", de Schoenberg. "Estos cuatro compositores nos muestran cómo cada uno encontró un camino nuevo a inicios del siglo XX. De ahí parte todo lo que hemos hecho durante el siglo XX y el siglo XXI", apunta Pepi-Alos.

4 Un aggiornamento para el público chileno. "Partiels" (1975), de Gérard Grisey, es una obra que los alumnos de 14 años estudian hoy en día en las escuelas públicas de Francia. Pero nunca se ha presentado en un festival chileno. El jueves, la Compañía de Música Contemporánea, que dirige Carlos Valenzuela, saldará esta gran deuda con esta pieza que, como explica Pepi-Alos, marca el retorno de la composición al sonido después de que el Postserialismo la había restringido a la especulación matemática.

5 El repertorio chileno se consolida en la programación. Además de estrenos, se articularán autores chilenos históricos y noveles. "El jueves, por ejemplo, tocaremos a los compositores del futuro, porque tienen entre 22 y 25 años", dice Pepi-Alos. El viernes, en tanto, cuando Juan Orrego Salas cumpla 100 años, la Sinfónica abordará su "Obertura Festiva" y también estrenará "El sol en mis raíces", de Nicolás Cortés, obra elegida por concurso abierto.

Asimismo, rendirán un homenaje a Leni Alexander (1924-2005) a lo largo de tres jornadas. "Es el momento de mostrar que hay una mujer de referencia en Chile, y que la gente pueda escuchar tres obras de ella", dice Pepi-Alos. Se trata de "Meralo", "Tres cantos líricos" y su "Concierto de Cámara".

Gepe: Un Canto Nuevo


Página 12
ENTREVISTA | Siempre se ha pensado su música en parte desde el pop, pero también desde lo experimental y lo folklórico. A los 37 años, el chileno Gepe insiste en reinventarse disco a disco, y después del que tal vez haya sido su disco más descaradamente mainstream, Estilo libre (2015), su contrapeso es el exquisito Folclor imaginario, dedicado al trabajo de Margot Loyola Palacios, para muchos la investigadora, música y recopiladora más importante del folklore chileno después de Violeta Parra. En esta entrevista, Gepe explica el porqué de estas canciones, comparte su visión de la música de raíz de su país y celebra la condena por los responsables del asesinato de Víctor Jara.

Por Juan Ignacio Babino

En La Picá de la Yasna. O en El Caballo de Palo. De un tiempo a esta parte es común que por allí ande Gepe, en alguna de estas emblemáticas fondas “cuequeras” de Santiago de Chile: rayando la noche, percutiendo a pura cuchara de palo, embelesado y como perdido por esa música a la que se prendió hace no tanto.

Daniel Riveros Sandoval es su nombre completo: nació en Santiago de Chile hace treinta y siete años. Fue baterista antes que guitarrista, se le dio por el hockey antes que por el fútbol y es uno de los músicos más arriesgados e importantes de su país. Y nada –nada– hacía pensar que por estos días él anduviera por ahí: en el nudo de la madera de la canción folclórica chilena. Porque a su música siempre se la ha pensado en parte desde el pop, en parte desde lo experimental, desde la canción. Siempre hubo, también, ritmos, aromas, maneras folclóricas y andinas en sus canciones. A veces más huidizas, otras más a la vista. Pero ahora está a pleno allí con el recientemente editado Folclor Imaginario, título que tiene traducción originaria: “Folkló imajiné, ayekawün rakiduamal”. Y también un largo subtítulo: “Canciones recopiladas por Margot Loyola Palacios y algunas otras que parten desde ahí”.

“Una idea, un concepto, una sensación, unas ganas que comenzaron por el 2013 cuando tuve la suerte de conocerla en persona”, cuenta. Y agrega: “Conocí, vi una artista de verdad. Una artista chilena. Una artista que no tiene nada que ver con el chauvinismo, que no tiene nada que ver con una cosa nacionalista: ¡para nada! Puro amor a la tierra, al pueblo chileno y latinoamericano. Ese fue un primer acercamiento”.

HASTA HOY
Gran parte del derrotero musical de Gepe se descubre, como se dijo, en las encrucijadas, en los bordes: del pop, de lo experimental, de la canción, de lo telúrico. Y así –después de los celebrados Gepinto (2005) y Hungría (2007)– algo de su esencia creativa puede encontrarse en dos trabajos tan disímiles como preciosos, casi un manifiesto sonoro: Audiovisión (2010) y GP (2012). “Cada disco, para mí, es como si hiciera el mismo en diferentes momentos. Para eso hago un disco: para enmendar los errores del anterior. Y tengo la sensación de que siempre hago el mismo y que siempre trato de reparar lo que no me resultó antes. Y digo: ¡ya, ahora sí! Pero eso es medio inconsciente. Un disco no se refiere al otro, no son una continuación”. A ello le siguió, en 2015, Estilo libre: “Creo que es el que ha sonado mejor y que tiene el lanzamiento absoluto de hacer lo que nos plazca. Es un disco muy extremo en ese sentido. Va de lleno a muchos estilos. Se logra eso”.

Vale pensar que, si Estilo libre fue como llevar su canción al terreno más descaradamente pop y mainstream posible (ritmos de bachata, reguetón, hip hop, una canción junto a Wendy Sulca), Folclor imaginario es como una vuelta a su terruño, a alguna casa. A músicas y folclores que no los había mamado de chico ni de adolescente pero que siempre estuvieron. Entre uno y otro editó Ciencia exacta: un trabajo puramente cancionero, breve, casi un EP de mediana duración. “Es como esos discos cortos del sesenta. Me recuerda a Transa de Caetano. No sé si me inspiré en eso pero tiene ese aire de cosa rápida, simple y sencilla”.

Queda la sensación de que disco a disco mutás, cambiás mucho. Como si encararas cada uno con cierto libertinaje…

–Es la total libertad. Y no pienso tanto las cosas. Bueno, obvio que las pienso pero el motor creativo es bastante inconsciente: no tengo tan en cuenta las fechas o lo que hay o no que hacer. Lo hago porque hasta el día de hoy tengo una total libertad de hacer lo que quiera y eso me encanta y es parte de mi trabajo. Libertad y desprejuicio que a veces resultan y a veces no.

Por ello a su música se la puede pensar en relación con músicos como Nano Stern, Pascuala Ilabaca y Camila Moreno, y tambiérn, entre otros, Javiera Mena, Fernando Milagros y especialmente Alex Anwandter, con el que editaron juntos Alex & Daniel (2013).

MÁS GRANDE QUE LA CORDILLERA
Nadie lo esperaba pero ahí está: un nuevo disco suyo. Uno que es una gema, una exquisitez. Delicado. Hondo e imperfecto. A Folclor imaginario el músico lo fue aprontando de a poco, a través de canciones que iba subiendo a las distintas plataformas. No un disco homenaje, que en parte lo es. Más sí un trabajo celebratorio y fundante que recupera algunas tonadas recuperadas por Margot Loyola Palacios. Para muchos, la investigadora –junto a Gabriela Pizarro–, música y recopiladora más importante de Chile después de Violeta Parra. “Resulta que las tres folcloristas más importantes de Chile son mujeres. Margot tuvo la suerte de vivir un poco más, hasta sus noventa y cinco. Hizo un trabajo tanto de musicología y antropología como de intérprete. Las tres congenian eso: lo sonoro, lo interpretativo, lo antropológico. Y esa es la importancia que tienen”.

¿El disco tiene un espíritu reivindicativo?

–Hay una reivindicación pero creo que eso es posterior. Yo quería hablar de alguien importante. Me da lo mismo que la conozcan o no. Quiero hablar de alguien quien yo creo que deberían escuchar que se llama Margot Loyola Palacios, y ya. El corazón de la cosa es un acercamiento intuitivo. Más bien, más que con intuición, con cariño y amor.

Es sorprendente, y hermoso pensar que, en seis años, un músico puede editar cinco discos tan disímiles, tan ricos y diversos, tan plantados en el mundo sonoro y estético que crean y proponen. Gepe se mueve comodísimo en cada uno de esos registros. Se mueve libre. Goza y juega también allí. Entre otras, algunas de las canciones de Folclor imaginario: “Que sacarán con quererme”, “El Volcán”, “Hasta cuándo vida mía”, “Las hojas de los naranjos” y esa tríada bellísima que lleva la fuerza y la frescura del agua de deshielo bajando por la Cordillera: “Cacharpaya”, “Canción de Amanecida/Cuculí” y “La Vertiente.”

Cueca, tonadas, aires y trotes andinos. Todo huele y suena a madera: guitarras criollas, cuerdas, charangos, arpa, tiples, percusiones, panderos, contrabajos, aerófonos, caja. Esa es la búsqueda, ese es el logro: la naturaleza de lo que suena. Sí, claro: en línea recta con los dos volúmenes de Musas de Natalia Lafourcade. Pura canción que se sabe chilena hasta el tuétano. Y latinoamericana. Y folclórica. Y así y todo Gepe le imprimió, le cuajó su forma. Folclor imaginario y algunas otras composiciones que parten desde allí: vaya nombre. Esas otras canciones se refiere a dos improvisaciones –una junto a Javiera Mena; otra con Gianluca, uno de los traperos más importantes del país– y una composición propia, “Joane”, en homenaje a una inmigrante haitiana que falleció en una confusa situación y despertó en Chile una picante discusión pública: “Las incluí porque sentía que dialogaban con el resto, con la obra, con el soplo del disco. La de Joane tiene que ver con un racismo bastante fuerte. Nosotros los chilenos siempre hemos estado un poco extraviados en cuanto a identidad y después de la dictadura, siquiera hubo una gran búsqueda. Seguimos en la misma”.

¿Cierto conservadurismo chileno?

–Totalmente. En España, cuando se fue Franco, hubo una explosión. La movida madrileña y qué se yo. Acá en Chile quedó igual. Igual o peor incluso. Una cosa bien dormida. Debería haber explotado y no. Ha habido otro censor más allá de la dictadura que ejerce tanta o más fuerza que la misma dictadura. Probablemente la Iglesia, probablemente algo relativo a la moral. No termino de entenderlo.

Hacia mediados de 2018, tras cuarenta y cinco años de espera, se condenó a ocho militares retirados por el asesinato de Víctor Jara durante la dictadura de Pinochet. Gepe comenta: “Que se encuentren los responsables, tanto para él como para todo la gente que fue torturada y asesinada, por supuesto que es un alivio, entre comillas: por lo menos uno puede seguir confiando, aunque sea en alguna medida. Pero Víctor Jara es eterno, cosas como su muerte, trágica sin duda, lo hacen eterno, lo hacen más potente. El hablar de su asesinato siempre hace que se haga más fuerte toda esa idea de lo eterno. No creo que haya tenido alguna incidencia directa en el disco pero sí siento que este tipo de artistas se van sumando entre ellos y hacen a una misma fuerza”.

EL FOLKLORE TE ESPERA
Llegó a conocer a Margot aunque no alcanzó a mostrarle en lo que estaba trabajando. “Fue muy importante haber conocido a su viudo, a las personas que tocaron y grabaron con ella. Y el efecto que esas personas tuvieron sobre mí. Sobre la idea que yo tenía del folclore: una cosa más superficial, caminaba por la orilla de todo eso, sin tener mucha capacidad de entrar realmente y ahora, de alguna manera, di un paso hacia este centro. Y por eso estamos aquí. Por eso sucedió esto”.

En todo el disco pero puntualmente en “La Vertiente” queda expuesto un nuevo canto, una nueva manera de Gepe. Cierta tersura y aplomo que se sugería en casi todos sus trabajos aquí crece y gana el aire. “Me encanta este sonido. Me obligó a pensar la música, a interpretarla de otra manera. Hace mucho que no ocupaba el silencio como ahora. El dejar espacios vacíos donde todo se sostenga en algo muy mínimo. Eso es muy bello. Porque hay un silencio, un espacio que es muy distinto a lo que había hecho antes. ¡Hay otro todo! Otro todo armónico y rítmico, otro vacío, otro momento, otra manera de grabar. Eso te exige un canto nuevo”.

¿Y cómo te sentís  en el lugar de puro intérprete?

–¡Me encanta! Me gusta ponerme al servicio de otra cosa. Ponerse en función de otra cosa: de otra estética y corazón, otra cabeza, otro mundo.

Entonces, ¿de qué está hecho tu folclor imaginario?

–El folclor imaginario es esa manera intuitiva de acercarse a ese tipo de música que para mí es la primaria, la que viene antes de cualquier estilo musical. Es así. El folclore te rescata o te ve a ti. Es una estupidez cuando dicen eso de ‘tu rescataste esa música, eso tan antiguo’. Pues no loco, al revés. El folclore te ve a ti y te espera.

Así, una vez más, Gepe le canta a la tierra. A esa que, a su manera, es siempre suya

sábado, enero 12, 2019

Camila Gallardo: "La música me sana"





Mas que solo trap y "Neoperreo": Quiénes son los artistas detrás de la música urbana chilena


Lo mejor del arte 2018

Juan Antonio Muñoz H.
Vidactual
El Mercurio

El Círculo de Críticos de Arte de Chile destacó, entre otros, el trabajo de artistas como la soprano Sonya Yoncheva, la fotógrafa Claudia Gleixner, el cineasta Silvio Caiozzi, el actor Alfredo Castro y la pianista Edith Fischer, además del programa "CNN Magazine", de CNN Chile.

La soprano búlgara Sonya Yoncheva, que se presentó en un concierto único en el Teatro del Lago (Frutillar), fue destacada por su talento vocal e interpretativo, que la tienen convertida en una figura estelar en el mundo entero; dueña de un material de gran belleza y alto impacto sonoro, es además una artista que se conecta emocionalmente con el público. Siempre en el mundo de la ópera, fueron también premiados la producción integral de "La Bohème" (Puccini), del Teatro del Maule, con dirección musical de Francisco Rettig y régie de Rodrigo Navarrete; la soprano Marcela González por su interpretación del rol de Violetta Valery en "La Traviata" (Verdi), en el Teatro Municipal de Las Condes, y el director Pedro Pablo Prudencio, por su desempeño al frente de la Orquesta Filarmónica en títulos tan diversos como "El Cristo de Elqui" (Farías) y "Lulú" (Berg).

En el ámbito de la danza, el Círculo de Críticos resolvió dar un premio especial a la Fundación Cultural de Providencia por su gala de Ballet 2018, donde intervinieron artistas excepcionales como Sergio Bernal, quien bailó "La muerte del cisne", de Ricardo Cue; Ketevan Papava y Denys Cherevychko, protagonistas de "La leyenda de José", de Neumeier; y Andrey Ermakov y Svetlana Bednenko, que se lucieron en "El Corsario", entre otros.

Como mejor obra nacional fue destacada la versión de "Giselle", del Ballet Nacional Chileno, firmada por Mathieu Guilhaumon y Millaray Lobos. Entre las visitas internacionales, "Lux Tenebris" y "Frame of Mind", de Rafael Bonachela, presentadas en Santiago a Mil 2018, y "Pixel", de la Compañía Käfig (Francia), presentada en el Teatro del Lago. Como mejor coreógrafo fue premiado Pedro Fernández, por "Lota: las mujeres del carbón".

Pianista excepcional

En música destaca el premio otorgado a la pianista chilena Edith Fischer (1935), por su participación en el ciclo de sonatas de Beethoven del CEAC. Fischer fue una niña prodigio; debutó a los 11 años en el Teatro Bandera, a los 13 actuó junto al gran director Hermann Scherchen, a los 17 se fue a vivir sola a Nueva York y Claudio Arrau la tomó como discípula. Ganó el concurso "Dinu Lipatti" en Londres y el Concurso de München. Es hija del húngaro Zoltan Fischer, quien fue violista de la Sinfónica y del Cuarteto Santiago, y de Elena Waiss, fundadora de la Escuela Moderna de Música y pianista. A fines de los años 80, Edith grabó un registro comercial con las 32 sonatas de Beethoven.

También fueron premiados el pianista Luis Alberto Latorre y el director Maximiano Valdés por el Concierto de Piano "Resurrección" de Krzysztof Penderecki junto a la Orquesta Filarmónica de Santiago, en el Teatro Municipal de Santiago. Se suman distinciones a las Orquestas Filarmónica de Viena, de Cámara de Viena y Camerata de Salzburgo; a la pianista china Yuha Wang, por su recital en el Teatro Municipal de Santiago; y al "Trío Programático", integrado por Frida Ansaldi (violín), Dafna Baremboim (piano) y Claudio Santos (cello), por su presentación en la Liga Chileno-Alemana.

El Premio Televisión 2018 recayó en el espacio "CNN Magazine", que conduce Viviana Encina, por su apoyo constante a las artes y los espectáculos. En artes visuales, el galardón internacional fue para la muestra del videoartista suizo-alemán Louis von Adelsheim sobre la realidad de las cárceles en Chile. En la categoría Maestro, fue premiado Ricardo Yrarrázaval; en Colectiva , la Bienal Nacional de Escultura del Centro Nacional de Arte Contemporáneo; en Nuevos Medios, el trabajo de Andrés Vio, y en Fotografía (revelación), Claudia Gleixner (1974) por "su mirada innovadora de la vieja tradición realista", como escribió Waldemar Sommer.

Caiozzi, un gran cineasta chileno

El filme "Y de pronto el amanecer", de Silvio Caiozzi, fue señalada como la Mejor Película Chilena. Ascanio Cavallo definió así el trabajo del cineasta: "Caiozzi es un manierista, obsesivo en los detalles, enamorado de la luz, que construye cada escena como una miniatura a la que dedica mucho trabajo de orfebrería. En los largos períodos de elaboración de sus películas se halla la principal razón de la brevedad de su filmografía -siete largos y tres cortos en 44 años-, a pesar de lo cual sigue siendo uno de los nombres mayores del cine chileno".

Como mejor actor chileno fue premiado Alfredo Castro, por "Los perros", y como mejor actriz, Paulina García, por "La novia del desierto". Y en el ámbito extranjero fueron distinguidas las cintas "El primer hombre en la Luna", de Damien Chazelle, y "El insulto", del director Ziad Doueiri.

En teatro, la balanza se inclinó por "Chaika", obra de muñecos para adultos, cuya dramaturgia y dirección pertenecen a Tita Iacobelli. Se premió también la fina dirección de Jesús Urqueta para la obra "Arpeggione", de Luis Alberto Heiremans; la dramaturgia de Isidora Stevenson para "Réplica"; la actuación de Tita Iacobelli por "Chaika", y el diseño integral de la obra "Franco", dirigida por Alexandra von Hummel.

Finalmente, en el ámbito de la literatura se distinguió "Estampas de niña", Camila Couve (Alfaguara); en poesía, "Pájaros desde mi ventana", de Elvira Hernández (Alquimia); en ensayo, "El liceo", de Sol Serrano (Taurus); en traducción, "Paisaje de invierno", de John Berryman (por Armando Roa Vial, editorial Descontexto), y en narrativa, "Pobres diablos", de Cristián Geisse (Emecé).

La actual directiva del Círculo de Críticos de Arte está integrada por Carlos Correa Acuña (presidente), Cecilia Valdés Urrutia (secretaria) y Jaime Torres Gómez (tesorero), más los directores María José Navia y Marco Antonio de la Parra.Los premios se entregarán el lunes 14 de enero de 2019, a las 19.30 horas, en el Centro Cultural de Las Condes (Nuestra Señora del Rosario 30, esquina Apoquindo. Metro Manquehue).

La actual directiva del Círculo de Críticos de Arte está integrada por Carlos Correa Acuña (Ppresidente), Cecilia Valdés Urrutia (Ssecretaria) y Jaime Torres Gómez (Ttesorero), más los directores María José Navia y Marco Antonio de la Parra.

Los premios se entregarán el lunes 14 de enero de 2019, a las 19.30 horas, en el Centro Cultural de Las Condes (Nuestra Señora del Rosario 30, esquina Apoquindo. Metro Manquehue).

viernes, enero 11, 2019

Bent-Jorgen Perlmutt: Habla el talentoso director tras "Masacre en el Estadio"



Amanitas: La banda femenina que hay que escuchar




Restucci reaparece en vivo y gira por Europa

IÑIGO DÍAZ
Cultura
El Mercurio

El mandolinista colidera el ensamble de world fusion Nadir. En tanto, el quinteto de música latinoamericana Cántaro actúa mañana.



Figura central en las corrientes de la fusión, música que bebe de vertientes mediterránea, centroeuropea, medioriental, latinoamericana y desde luego del folclor y del jazz, el mandolinista y compositor Antonio Restucci iniciará en abril una gira de presentaciones junto a un cuarteto. El músico se presentará en escenarios de Berlín, Nurenberg, Hamburgo, Bremen, Fráncfort y Praga.

El conjunto va en misión consular, apoyado por la Dirac. Incluye al guitarrista Rodrigo Santamaría, quien tiene una larga residencia en Alemania y tres discos solista producidos en Berlín, además del baterista Luis Barrueto, reconocido exponente de la fusión latinoamericana desde los años 90 en grupos como Vejara y Santa Mentira. A ellos se suma la cantante alemana Luise Bestehorn.

Pero como anticipo de ese recorrido por Europa, Restucci se presentará en vivo desde hoy junto al ensamble de world fusion Nadir, proyecto creado en Barcelona hace dos décadas, que colidera con el violinista húngaro Zoltan Lantos y que expone una música basada en patrones rítmicos de Europa del Este y la India, improvisación y diversos colores instrumentales.

Junto a ellos están el percusionista catalán Xavi Turull y el bajista chileno Marcelo Córdova. Los conciertos son hoy en el Teatro Municipal de Rengo (20:30 horas), el miércoles 16 en el GAM y el sábado 19 en el Festival Músicas del Mundo (ver nota de la izquierda).

En tanto, otro regreso musical tendrá lugar mañana en La Máquina (Seminario 65, 22:00 horas, $6.000) con el grupo Cántaro, elenco liderado desde 1999 por el académico Claudio Acevedo. Fue resultado de los primeros talleres de música latinoamericana que dictó en la Universidad de Chile.

De sus filas salieron algunos de los nuevos exponentes de la fusión, todos con trabajos y álbumes solista independientes, como la clarinetista Diana Rojas, la cantante Josefina Echenique o el guitarrista Sebastián Seves. El grupo, ahora en formato de quinteto, presentará el material de ese tercer disco, como preparativos de la próxima gira que tiene en carpeta, por Italia y Francia, en junio.

Danzas y bailes multiculturales se tomarán la semana en Las Condes

El Mercurio

María Piedad Jiménez Larraín
Cultura
El Mercurio

Coreografías chilenas, mexicanas, orientales y españolas se sumarán a intérpretes y grupos de Marruecos, República Centroafricana, Hungría, Italia y Chile.

Nuevas versiones del Encuentro de Danza y del Festival Músicas del Mundo se realizarán la próxima semana en el Centro Cultural Santa Rosa de Apoquindo, ambas organizadas por la Corporación Cultural de Las Condes. Karen Connolly, bailarina y coreógrafa australiana, ha sido la directora artística del Encuentro de Danza desde 2008. Ella destaca esta tradición porque dice que "nos entrega un momento de reflexión sobre los valores de otros países e invita a las personas a abrirse a distintas propuestas".

La obra "Chiliche", del Ballet Folclórico Antumapu, bajo la dirección y coreografía de Óscar Ramírez, inaugurará la actividad. "Tenemos una muestra muy completa para dar cuenta de la diversidad cultural que existe dentro de nuestro mismo país", dice Ramírez. "Pero al final integramos todos los bailes para entregar el mensaje de que, independiente del lugar donde viva cada uno, todos conformamos una unidad".

El miércoles se presentará "Danzas del Medio Oriente" del Colectivo Salimpour, dirigido por Marcia Gómez. Ella señala que "lo que nosotros conocemos del mundo árabe es tremendamente reducido. Con esta actividad estamos abriendo esa mirada y mostrando toda la expresión artística que tienen esas culturas". Luego, se dará paso a "Catrines danzantes de México", de la Compañía Folclórica Danzares Latinoamericanos, a cargo de Víctor Mora, quien señala que "la multiculturalidad siempre es positiva para una sociedad porque hace comprender y visualizar otras formas de pensar". La presentación de Compañía Embrujo Flamenco pondrá fin al evento.

Músicas del mundo

Por primera vez el Festival Músicas del Mundo contará con la presencia de embajadas. India, Perú y Tailandia ya confirmaron su presencia. Rodrigo Cepeda, creador del sello Mundovivo -que también organiza el festival- asegura que "cuando la gente ve distintas expresiones, las entiende y eso genera respeto por el otro, lo que es muy importante para el país".

El viernes 18 se presentará el compositor chileno Andrés Condon, junto a su cuarteto. Esa misma noche tocará el marroquí Said Taichiti con su banda Chalaban. Él afirma que "la multiculturalidad no es una ideología, sino que es algo natural. La música entrega espacios para demostrarle a la gente que, más que diferencias, tenemos muchas cosas en común".

La cantante centroafricana Laetitia Zonzambe mezclará ritmos tradicionales de África con soul, funk, pop y R&B en la segunda noche. Asegura que "con la música puedes ser única en medio de la diversidad porque está por sobre las diferencias y el idioma, y eso es muy bueno para Chile". El último día del festival se presentará el cantante chileno Juanpablo Cofré "Morete", quien menciona que "este festival es como una fotografía de lo que está pasando en Chile porque está todo lo internacional integrado con lo nacional".

Derecho UC celebra 130 años

El Mercurio

Mañana, a las 19:30 horas en el Centro de Extensión UC, más de 130 músicos rendirán simultáneamente homenaje a Víctor Alarcón, con la dirección de Felipe Ramos. Presentarán la "Misa Solemne de Santa Cecilia" de Gounod, y estrenarán una orquestación del Primer Himno Nacional de Chile, de Robles y de Vera y Pintado.

jueves, enero 10, 2019

Autora de canciones: Violeta Parra al centro de la partitura

IÑIGO DÍAZ
Cultura
El Mercurio

La transcripción por primera vez al pentagrama de una treintena de canciones fue elaborada por Juan Antonio Sánchez y Fernando Carrasco, quienes junto al musicólogo Juan Pablo González presentan el libro "Violeta Parra. Tres discos autorales".



"Nos encontramos con sorpresas muy hermosas e inesperadas. Se nos fueron apareciendo instrumentos que uno habitualmente no escucha ahí", dice el músico Juan Antonio "Chicoria" Sánchez en el mismo ejercicio que haría un adolescente de los años 80 para descifrar la línea del bajo en una canción de Los Beatles. "No existen las pistas de las grabaciones de Violeta Parra, así que tuvimos que afinar el oído, escuchar, escuchar y escuchar sus canciones para obtener los resultados", agrega.

En una dupla junto con el compositor Fernando "Huaso" Carrasco, trabajó en la transcripción de 33 canciones de Violeta Parra -quien no escribió su música en partituras-, parte de un nuevo proyecto de recuperación de su legado que se inició antes del centenario en 2017. Durante dos años, Carrasco y Sánchez tomaron el material de tres álbumes, los últimos que publicó y el primero de los discos póstumos, para reunir partituras completas. No solo la línea melódica y las armonías: todos los instrumentos. La partitura que tendría un director de orquesta en el estrado.

El material estará disponible en el libro "Violeta Parra. Tres discos autorales" (ver nota asociada), editado por la U. Alberto Hurtado junto al Museo Violeta Parra y la SCD ($12.000), que se lanza el próximo 15 de enero en el Auditorio Antar, del mismo museo.

Canción a canción se descubre cada arreglo para una o dos guitarras, bombo legüero, cuatro venezolano, incluso cornos y timbales sinfónicos, además de las abundantes variaciones vocales que hasta en una misma canción Violeta Parra podía dejar casi inaudiblemente registradas. El proceso fue finalizado por el copista Osiel Vega.

En tanto, el musicólogo Juan Pablo González elabora un estudio paso a paso por los LP "Recordando a Chile" (1965), "Las últimas composiciones" (1966) y "Canciones reencontradas en París" (1971).

"De Violeta Parra se ha hablado y escrito mucho en su calidad de poeta y también en sus facetas como artista integral, cantora, folclorista, guitarrista, compositora, bordadora, pintora, escultora, ceramista. Todo está ahí, menos la música. Nosotros nos preguntamos, ¿por qué es conocida ella en todo el mundo? La respuesta es por sus canciones. Aquí está la Violeta Parra autora de canciones", señala González.

La trilogía máxima aparece justamente en uno de esos discos: "Gracias a la vida", "Volver a los diecisiete" y "Run-Run se fue pa'l norte".

"Violeta Parra prácticamente prescindía del estribillo al escribir. El problema es que la canción pierde elementos de contrastes y retornos, que aseguran que funcione. En cambio, ella utiliza muletillas y refranes, ayayay o me voy, me voy , que repite y logra un antiestribillo", dice González como ejemplo de la tensión que existe en ella entre la tradición folclor en que se formó y su creación libre de los años 60. "Sus formas literarias, sus rasgos modales, sus usos y acordes de guitarra son de esa tradición. Tita Parra, su nieta mayor, lo describe muy bien: 'Violeta Parra entra y sale del folclor'. Por eso ella es la primera cantautora aquí".

Recordando a Chile

Juan Pablo González piensa que en este LP Violeta Parra reservó algunas canciones para un próximo trabajo, puesto que tiene una duración de 10 minutos menos que lo habitual. Con ocho canciones compuestas en París, dos cuecas recolectadas en Chile y el poema "Defensa de Violeta Parra" en voz del propio Nicanor Parra, acompañado con guitarra, fue grabado rápidamente, en directo. "Es como si replicara su propia experiencia grabando a cultores durante su intenso período de recolección folclórica de la década de 1950", escribe el investigador.

Canciones: "Arriba quemando el sol", "Paloma ausente", "Qué he sacado con quererte".


Las últimas composiciones

Violeta Parra se refería a sus canciones no como canciones, sino como composiciones: el resultado de una experiencia en las vanguardias del arte y su circulación por los ambientes de la intelectualidad, además de sus viajes. Tras grabar con EMI Odeón, este será el primer y único disco que edite con el sello RCA Victor, donde grababa Margot Loyola. El "Rincón Juvenil" lo destacó como "Lo mejor de Violeta en los últimos años". Sería ese su último año. En la fotografía de la cubierta realizada por Javier Pérez Castelblanco, y donde aparece con un charango, se le ve rejuvenecida pero al mismo tiempo con una mirada perdida. En el canto se aprecia una voz limpia y de cuidada pronunciación y afinación, y siempre delicada en la ejecución de los instrumentos.

Canciones: "Rin del angelito", "Maldigo del alto cielo", "Cantores que reflexionan", "Pupila de águila", "La cueca de los poetas", "El Albertío", "El guillatún".


Canciones reencontradas en París

Su hija Isabel, principal albacea de la obra de Violeta Parra, dispuso la edición de este material que ella había grabado en la capital francesa entre 1961 y 1963. Son ocho canciones donde destaca el contenido social de los textos y musicalmente influenciadas por las giras de recopilación que había realizado en Lautaro y Chiloé, que la acercan a los ritmos mapuches y las danzas del archipiélago.

Canciones: "Arauco tiene una pena", "Según el favor del viento", "Es una barca de amores", "La carta".

miércoles, enero 09, 2019

Eduardo Carrasco habla de su segundo disco solista “Juzgar a un cantante por el color de su voz no es serio”

Página 12

El fundador de Quilapayún entrega música despojada y lúdica en Carrasco II, un álbum poblado de cumbias, guajiras, sarcasmos y hasta arrebatos rockeros. Sin embargo, aclara, persisten el espíritu de crítica social, la forma directa de hablar y la ironía de su viejo grupo.

Por Cristian Vitale

Quien lo ha visto y quién lo ve a Eduardo Carrasco... Cuesta encontrar lo sublime y serio de aquel Quilapayún que fundó junto a su hermano Julio y otro Julio (Numhauser) en 1965, en el disco solista que acaba de publicar Macondo mediante. Cuesta sintonizar, por caso, la dramática Cantata de Santa María de Iquique, que la agrupación chilena grabara en 1970 para retratar la matanza de la Escuela Santa María ocurrida en 1907, con la música despojada y lúdica de Carrasco II, su segundo disco solista, poblado de cumbias, guajiras, sarcasmos y hasta ciertos arrebatos rockeros. Cuesta, pero todo tiene una explicación, un matiz. “Es cierto, es otra música”, admite él ante PáginaI12. “Sin embargo, hay muchas cosas que son las mismas. Hay un espíritu de crítica social, hay una forma directa de decir las cosas y hay una ironía que está presente en el Quilapayún desde la época de La revolución y las estrellas. Cuando en los ‘80 hicimos los conciertos en el Bobino de París teníamos unos muñecos de Pinochet y su mujer sentados en la platea, y en el escenario había una reproducción del “Caballero con la mano en el pecho” del Greco. Decíamos muchas cosas divertidas y hasta llegaron a compararnos con Les Luthiers”.

De todos modos, La revolución y las estrellas, disco bisagra que marca Carrasco como para no desprenderse tanto de su historia, se publicó en una fecha tan “tardía” como 1982, cuando la agrupación ya había pasado su época de esplendor lírico, solemne y revolucionario (Por Vietnam, Basta, Vivir cómo él, etcétera) y relajaba tensiones en un exilio europeo que ya llevaba nueve años. De ahí que este intrépido personaje que reparte saberes y sensibilidades entre la música, la filosofía, la poesía y el canto, advierta el devenir de un “nuevo espíritu” que acerca –un poco, al menos–  al Carrasco ya visto y al que se ve, hoy. “En Buenos Aires, los que a fines de los ‘80 asistieron a nuestros conciertos en el Coliseo tuvieron una muestra de este nuevo espíritu. Y eso tiene que ver con el encuentro con el surrealismo y la influencia del pintor chileno Roberto Matta en lo que hicimos desde 1980 en adelante. Entiendo que en el Quilapayún predomina la imagen de los barbudos revolucionarios muy serios y muy consecuentes. Pero eso no quita que la guajira chilena de mi disco la cante también en los conciertos del Quila”, sopesa.

–No tan distinto, entonces. 

–Lo que pasa es que los tiempos han cambiado y no podemos dejar que la risa quede fuera de nuestras aspiraciones revolucionarias. La revolución no puede ser aburrida. Y además, la revolución es poner las cosas patas pa´ arriba.

–En la contratapa de su flamante disco usted aparece desparramado en el suelo y se ve una mancha de sangre en una butaca de la segunda fila ¿Qué quiere trasmitir con semejante imagen, Eduardo?

–La idea del artista sin público. Es algo dramático, pero hay que asumir esa idea. En Chile, un artista como yo no tiene público. Chile es un país de cultura global dominante, no nacional. Incluso, como pensó Nicanor Parra, Chile no es un país, sino un paisaje. Tengo la sensación de que es un negocio, el paraíso de los shoppings y de los supermercados. Lo digo constatando un hecho porque no quiero ser injusto. Y además, como no tengo solución para este problema, lo digo sin amargura. Los referentes culturales chilenos son globales, no nacionales. El verano pasado me permití una crítica a Jamiroquai, que actuaba en el Festival de Viña, y casi me mataron. Les toqué el núcleo mismo de su identidad musical, que es la música anglosajona. Otra: el homenaje más importante en los cien años de Violeta Parra fue hecho en el Teatro Colón de Buenos Aires. Cuando me di cuenta de esto, me dije “¿Entonces, así va a ser?” Y lo asumí sin problemas. Ahora, mi sueño es actuar en un gran teatro sin público, sostenido solo por el amor que le tengo a la música y por el cariño de mis amigos músicos que me acompañan. Eso sería la apoteosis.

–¿Asociaría lo que está diciendo a Quilapayún también?

–Con el Quilapayún es diferente, porque el grupo está vinculado a la historia del país y tiene un significado profundo para mucha gente que vivió esa época. Pero tampoco se podría decir que compita con la cultura global anglosajona. Tiene el reconocimiento de miles de seguidores, pero Jamiroquai tiene el triple.

Eduardo Guillermo Carrasco Pirard, tal su nombre completo, nació en Santiago de Chile el 2 de julio de 1940 y fue director musical de Quilapayún en dos etapas: la primera entre 1965 y 1988 (grabó los veinte discos de la agrupación durante el período) y, tras un hiato quince años, retomó el rol cuando la agrupación se fraccionó en dos a partir de 2003. Y así permanece hasta hoy. “Hace mucho ya que con los Quila venimos intentando deconstruir esa solemnidad que nos caracterizó durante los ‘60 y los ‘70. Pero, como bien saben los publicistas, cambiar una imagen pública una vez que está instalada es una de las cosas más difíciles que existen. Cuando canto como solista no tengo ese problema. Soy el que soy, como Yahvé. No tengo ningún equipaje detrás ni arrastro ningún ataúd conmigo. Y esto es muy agradable”, dice, refrendando un desprejuicio que se nota nítido en las diez piezas que pueblan Carrasco II.

Una de ellas, tal vez la más ilustrativa en este sentido, es “Cumbia de lo que fue”. “Esta cumbia nace de la constatación algo nostálgica de las cosas que son parte integrante de nuestra vida cotidiana y que, de pronto, sin saber cómo, desaparecen y se hunden en el olvido –explica Carrasco–. Es dramático. Eso marca nuestro propio tiempo de vida. Y la hicimos como cumbia porque ese es un ritmo fiestero y popular. La canción tiene este carácter porque así es como nuestros pueblos miden el paso del tiempo. Las cosas que parecían más sólidas y definitivas se disuelven. Imagine lo que era la Brigitte Bardot y lo que es ahora. Pero eso también pasa con los gobernantes, ¿no? Fidel, por ejemplo, debería haber titulado su famoso discurso ‘La historia me disolverá’, porque el tiempo es inexorable... No hay que creérsela mucho porque de seguro vas a salir trasquilado. Los que se creen el cuento son los que más sufren los embates del tiempo. El Quilapayún, que llenaba tres días seguidos el Luna Park, ahora apenas puede presentarse cada cierto tiempo en Buenos Aires. O te suicidas o escribes la cumbia de lo que se fue. No hay alternativa”.

Otro de los temas que marca la diferencia es “Deca-Densa”, cuyo sonido –de tan intrépido y desfachatado– está más cerca de Los Twist que de cualquier reminiscencia de la vieja nueva canción chilena. “Más que con Los Twist, yo lo compararía más con Los Tres chilenos. De todas formas, lo que sí asociaría con aquella canción chilena es su formato de protesta. Lo defino así porque en el último tiempo en Chile se han caído todos los representantes de la autoridad moral del país, desde el Papa, que ha hecho afirmaciones contundentes de las que ha tenido que desdecirse, hasta los carabineros, que han inventado pruebas para condenar a los mapuches y hasta han mentido para disimular un asesinato alevoso cometido hace algunos días”, explica.

–No sólo ellos. Aparecen otros personajes en la canción...

–Sí. Los militares y los políticos han robado, los jueces han ocultado crímenes, han aparecido por todos lados curas pedófilos, el Tribunal Constitucional se ha transformado en una tercera cámara legislativa, etcétera, etcétera. El “partido del orden” está en bancarrota. Ya no se sabe quiénes son “los buenos y los justos”. Este derrumbe de las instituciones solo puede traer violencia, porque lo que comienza a imperar es la ley de la selva, la única ley que sigue vigente sin contestación en el Chile actual

–¿Cuál es el porqué de “Yo canto desafinado”?

–La explicación está en que no tengo una bella voz. Cómo me decía un amigo músico, yo no canto desafinado, pero tengo una voz rauca. Y la verdad es que muchos músicos la tienen. Juzgar a un cantante por el color de su voz no es serio. Lo importante es qué sentimientos trae esa voz. Y eso es lo que dice esa canción. Adoro a cantantes como Paolo Conte, Joe Cocker y la misma Violeta Parra, que no tienen buena voz, pero son terriblemente verdaderos. Conmueve escucharlos porque la belleza está en el modo tan verdadero cómo dicen lo que dicen. Uno les cree todo. Para mí, esta canción es como una declaración de principios estéticos. Así defino lo que quiero hacer y así quiero que me escuchen los que me escuchen.

 –A propósito, ¿por qué sostiene que las personas que aprecian lo que usted hace son las mejores?

–Porque creo en mi música. Es posible que esté chiflado, pero estoy convencido que mis canciones son muy buenas. Ya mi primer disco (Carrasco I, 1996) era muy bueno y es uno de los discos menos conocidos en toda la historia de la música latinoamericana. Aunque curiosamente es un disco de culto, cosa que probablemente también le va a ocurrir a este Carrasco 2. De repente, rara vez, alguien me para en la calle para llenarme de elogios por mi disco. Por ejemplo, hace una semana un señor en un café, emocionado hasta las lágrimas, me pidió que por favor le enviara un link donde pudiera escuchar mi primer disco, porque su música estaba enredada con una historia personal suya y el disco que tenía se le había dañado. Pero creo que no cualquiera descubre su belleza en forma inmediata. La ironía, por ejemplo, exige una cierta inteligencia. Me he dado cuenta que la mayor parte de la gente solo entiende lo que se le dice en primer grado. Se le escapa el segundo sentido. Una vez hice una canción irónica sobre el belicismo. Se llamaba “La tercera no me la pierdo”. Me acusaron de estar promoviendo la tercera guerra mundial. Otra vez puse en Facebook: “Yo propongo que el aeropuerto se llame Augusto Pinochet para que los viajeros sepan desde un comienzo en qué se están metiendo” (risas).

–¿Y no lo entendieron?

–¡Me acusaron de pinochetista! Y era obviamente un chiste. Por otra parte, estas canciones son reflexivas y probablemente no son de gusto general. Mi canción “El amor es un puñal” que habla de lo terrible que puede ser amar se aleja mucho del discurso oficial que afirma que el amor es la cosa más maravillosa del mundo. Nadie dice que el amor es la causa de las mayores desgracias que sufre el ser humano. De repente, ser demasiado verdadero te aleja de mucha gente. ¿Qué duda cabe de que los que saben apreciar estas cosas son los mejores?

–¿Hasta qué punto considera el disco como fruto de la intrepidez o la osadía personal?

–Tal vez lo que llama “intrepidez” sea simplemente un producto de las ganas de decir verdades. Eso siempre he intentado hacerlo con pasión. Creo que toda nuestra generación se caracterizó por eso. También el Nuevo Cancionero argentino tuvo ese propósito. Estábamos cansados de la hipocresía que imperaba en todos lados y nos pusimos a cantar lo que verdaderamente ocurría. Y se hicieron canciones inolvidables, que marcaron una época. Quizá las cosas estaban más claras que hoy en día, en que navegamos en agua turbias. Todo es muy confuso porque, a pesar de los muchos que cayeron por esos grandes ideales, había impurezas en nuestras propias filas. Y ha habido que levantar de nuevo paso a paso una épica colectiva sincera y creíble. Todavía esto está en ciernes, pero estoy seguro de que muy luego vamos a salir del marasmo en que hemos estado para entrar de nuevo en una ola de humanismo y libertad. A mí me gusta estar en la cresta de esa ola, como lo estuvo el Quilapayún en su tiempo; para eso hago mis canciones y para eso estoy cantando, aunque sea solo y oculto.

–Lo de osado era más bien por el sonido, por la estética musical. Dicho de otro modo, ¿qué fue lo que cambió en usted y qué lo que cambió en el contexto para que se dé esta modificación en sus músicas?

–Componer para un grupo es algo menos libre. Tienes que pensar en cosas que comprometan a todos los miembros del grupo. Y eso es bastante difícil. En cambio, hacer música para mí es mucho más espontáneo. Digo lo que me pasa y punto. Lo que cambió es la vida. Ya soy viejo y he pasado por muchas historias. Creo que se derrumbaron muchas cosas en torno a mí, ideales en los que puse mi vida y que no se sostuvieron. Y ahí tienes que inventarte de nuevo. Lo importante es poder salvar lo puro que había en ese pasado. En estos últimos días, unos diputados de la UDI han presentado un proyecto de ley que busca que en los colegios nacionales se enseñe lo que ellos llaman “los crímenes del Che”. Buscan empatar los crímenes de Pinochet con lo que ellos llaman “los crímenes del Che”. Eso me dio la ocasión para pensar qué tenía el Che de grande, que todavía pueda ser levantado como una bandera. Es obvio que su intento de llevar las guerrillas a todo el continente americano era una locura.

–¿Y qué era lo que no era una locura?

–El principio ético que lo movía, el anhelo de justicia, el deseo de mejorar la situación de nuestros pobres, la disposición a todos los sacrificios, incluyendo el de su vida, por lograr un poquito de mayor felicidad para los más necesitados, la ausencia de propósitos personales, de ambiciones de poder, la falta total de codicia, etcétera. Todo esto es algo que sigue plenamente vigente y es digno de toda admiración. Frente a lo que ocurre hoy día en nuestro continente, con los escándalos financieros en que está metida la clase política, el espíritu del Che es un ejemplo. La búsqueda de lo esencial es lo que te permite cambiar y seguir siendo el mismo. Hay cosas que mueren, que se deshacen con el tiempo, pero también está lo que permanece. Si logras encontrarlo, te mantienes fiel a ti mismo, que es lo principal. Pero curiosamente con las canciones siempre algo queda. Nosotros seguimos cantando canciones del pasado glorioso que vivimos y estas han ido cambiando de significación con el tiempo. No han muerto.

martes, enero 08, 2019

Históricos, románticos, metaleros y k-pop: lo que trae la cartelera musical 2019

El Mercurio

Paul McCartney aparece en la agenda como el principal show de un año que tendrá el regreso de Julio Iglesias, Luis Miguel, Iron Maiden y la cumbre de pop coreano SM Town Live, además de festivales como los de Viña y Lollapalooza. 

JOSÉ VÁSQUEZ
La cartelera musical del año va tomando forma y presenta un listado de nombres donde ya destaca, en un podio inamovible, Paul McCartney, quien tal como adelantó "El Mercurio" volverá al Estadio Nacional en marzo próximo (20) con la gira de su último disco, "Egypt station".

El exmiembro de Los Beatles asoma como el principal atractivo de una agenda que se prepara especialmente voluminosa en el tercer trimestre, como consecuencia del Festival Rock in Rio, que se realizará en Brasil, que aún no cierra su parrilla y que desencadenaría el arribo de varias de las figuras que se presenten en ese evento carioca, como Slayer, que llegarán ahí con su gira de despedida, o Iron Maiden, quienes ya fueron oficializados.

La banda británica ya confirmó su regreso a la capital para el 15 de octubre, también en el Estadio Nacional, recinto que cerrará sus puertas durante noviembre, producto de reparaciones programadas antes de su utilización para la final de la Copa Libertadores, que se disputará ahí el 23 de ese mes.

El coloso de Ñuñoa, además, será el protagonista del primer megaevento del año: la cumbre de pop coreano SM Town Live, que se hará ahí el 18 y 19 de enero y que ya destaca como uno de los hitos que tendrá este 2019.

En cuanto a visitas internacionales, el año comenzó con la de Fatboy Slim, el DJ británico, que se presentó el sábado en el Casino de Viña del Mar. Los también ingleses de New Order vuelven este miércoles, para cumplir con su reagendado show en el Teatro Caupolicán, que inicialmente se realizaría en noviembre y que se suspendió entonces por problemas en la llegada de sus equipos.

Enero sigue también con eventos en regiones: Dreamcheach (12), que en el Sporting Club de Viña tendrá al DJ holandés Martin Garrix y Christina Rosenvinge, quien actuará en Las Majadas de Pirque (12), en el Teatro Biobío (13) y en el Teatro del Lago (16), y José González en el Teatro Biobío (15), en el Cine Arte Normandie (16), Teatro del Lago (17) y Parque Araucano (19).

El rock , este mes, tendrá dos citas dobles: el exvocalista de Pantera, Phil Anselmo, recordará a la banda en el Teatro Cariola y Primus estará en el Teatro Coliseo, ambos el 24 y 25.

Febrero continúa con los decibles al máximo con los sonidos extremos de Overkill y A.N.I.M.A.L. en el Teatro Teletón (1) y con un esperado debut: el new wave de OMD, en la Cúpula Multiespacio (2). Ese mes también tendrá a varias de las voces románticas en español, como Camilo Sesto, en Gran Arena Monticello (14 y 16), y Luis Miguel, Movistar Arena (19, 20, 22 y 23).

En esta misma línea, en marzo, vuelven el ídolo español Julio Iglesias, al Movistar Arena (23), y Ricardo Montaner, en Gran Arena Monticello (29 y 30); en abril, Pablo Alborán al Movistar Arena (4); en junio, también en el mismo recinto, Eros Ramazzotti (5), y en octubre, la cita doble de Cristián Castro con Alexandre Pires, también en la cúpula mayor del Parque O'Higgins (5).

Otros destacados de febrero son la cita doble de Bush y Stone Temple Pilots en el Teatro Caupolicán (21) y en el Gran Arena Monticello, Matt Hunter (22) y Los Auténticos Decadentes (23).

Los jamaiquinos de The Skatalites llegan en marzo al Club Chocolate (8), en un mes que también tendrá como espectáculos destacados al debut de los shows en base a hologramas, como el dedicado a Maria Callas en el Movistar Arena (18), Blondie en el Gimnasio Municipal de Concepción (20) y Velódromo del Estadio Nacional (23), y el debut en el país de The Jacksons en el Teatro Caupolicán (23).

Por ahora, en los próximos meses también destacan el reprogramado concierto de Maluma, ahora el 10 de mayo, en el Movistar Arena. El mismo día, pero en el Teatro Caupolicán, el héroe de la guitarra en Guns N' Roses, Slash, y el vocalista de Marillion, Steve Hogarth, el 8 de julio, en el Nescafé de las Artes.

Temporada de festivales

El año, en cuanto a eventos en la capital, se inicia este 24 en el Velódromo del Estadio Nacional, con el Colors Night Lights Summer Edition, que trae el hip hop de Wiz Khalifa y los sonidos reggae de Sticky Fingers y en febrero, del 15 al 17 se realizará Womad Chile, en Recoleta.

Lollapalooza, el evento más masivo del país, encabezado este año por Kendrick Lamar y Arctic Monkeys, se desarrollará entre el 29 y el 31 de marzo. En mayo, en el Movistar Arena (4) se realizará el Fauna Otoño, con Lauryn Hill como figura central, y el reagendado Festival La Cumbre en el Club Hípico (18). En el último trimestre llegarán los festivales Vívela!, Fauna Primavera y Creamfields, que aún elaboran sus carteles.

Este verano se emitirán por televisión los festivales de Las Condes entre el 10 y el 12 de este mes, con artistas como Emmanuel y Jesse y Joy, a través de Canal 13, y Olmué, con José Feliciano y Chico Trujillo (17 al 20 de enero), por TVN. Ambas estaciones transmitirán el Festival de Viña del Mar, que se realizará del 24 de febrero al 1 de marzo, con nombres como los de Bad Bunny y Marc Anthony.

Los discos que vienen

Este año están programadas las nuevas producciones de Backstreet Boys, Weezer y Lana del Rey, además del esperado regreso discográfico de The Cure. Entre los trabajos chilenos, este año deberían llegar nuevos títulos de Américo, Francisca Valenzuela y Los Tres.

Franco Simone vuelve para encabezar Festival de Talca

El Mercurio

El italiano regresa a Chile para presentarse en la última jornada del evento que transmite TVN y que anunciará hoy su parrilla. 

Martín Cifuentes F.
Es una visita habitual a Chile y ahora Franco Simone acaba de fechar un nuevo retorno al país. El italiano será una de las figuras principales de la décima versión de la Fiesta de la Independencia de Talca, que se realizará entre el 7 y 10 de febrero, en el balneario de Río Claro de esa localidad y que será emitido nuevamente por TVN.

El intérprete de "Paisaje" y "Respiro" se presentará el domingo 10 de febrero -cuando se espera que asistan cerca de 150 mil personas- y es parte del cartel de ese festival que hoy anunciará al resto de los invitados para el show que animarán Karen Doggenweiler y Cristián Sánchez.

Simone, quien estuvo en noviembre pasado en Santiago -en el Movistar Arena como parte del show aniversario de una radioemisora-, sumará a Talca otras presentaciones: el 2 de febrero será parte de la parrilla del Festival Sentados Frente al Mar, en Puerto Montt (junto a Moral Distraída, Piero y José Alfredo Fuentes, entre otros), y también estará con actuaciones en solitario, en los casinos Enjoy Viña del Mar y Santiago, los días 15 y 17 de febrero, respectivamente.

En los últimos años, el exjurado de la versión local de "The voice" se ha mantenido vigente. Hizo una ópera rock sinfónica y el año pasado lanzó en formato digital el álbum "Per fortuna", donde participan Inti-Illimani, los italianos Michele Cortese, Ález Zuccaro y jóvenes promesas chilenas, como algunos exparticipantes del programa buscatalentos que emitió Canal 13 y la última ganadora del Festival de Viña en la competencia folclórica, Astrid Veas. En el trabajo también hay un homenaje a Violeta Parra y una versión de cumbia para "Paisaje", siendo esta parte del repertorio que mostrará en sus nuevas presentaciones durante febrero en el país.

José Antonio Edwards, productor ejecutivo de TVN para el Festival de Talca, dice que Simone tiene una cercanía particular con Chile y que lo hace un "imperdible". "Es uno de los más recordados cantautores de la música italiana. Su música y letras han marcado a varias generaciones a través de su voz o de distintas reversiones de sus éxitos", dice el ejecutivo, quien agrega que su cancionero "será coreado por el público, tanto en Talca como en las casas".

lunes, enero 07, 2019

Álvaro Henríquez, líder de Los Tres: “Yo también dejo la puerta abierta”

La Tercera

De esta forma, el llamado Jefe de jefes no descartó una eventual futura colaboración con Carmen Romero, actual directora ejecutiva de la Fundación Teatro a Mil, que en los '90 representó al grupo nacido en Concepción, desde Romero&Campbell. A su vez, el cantante conversó con Culto sobre sus proyectos para este año y su recuperación, luego del trasplante de hígado. Se refirió también al cambio de fecha de La Cumbre, además de la actual escena musical en Chile y la opción de que los artistas posean una postura política.

Por Óscar Pérez Tapia

“Me pareció muy bien. Ella tuvo muy buenas palabras en los tiempos que trabajamos juntos y yo también tengo solamente buenas palabras en realidad, para esa época que vivimos ahí, en las trincheras”. De esta forma, tras unos días de descanso por las fiestas de fin de año, Álvaro Henríquez se refirió en Culto a las expresiones que Carmen Romero, directora ejecutiva de Fundación Teatro a Mil, formuló en una reciente conversación con este portal -y por primera vez en un medio de comunicación- en la que recordó su rol como representante y productora de Los Tres, con exitosos discos, como La espada & la pared, Fome y MTV Unplugged (de este último se cumplieron 20 años), no descartando la posibilidad que los caminos profesionales de ambos se puedan volver a cruzar en algún momento.

Frente a esa reflexión, el denominado Jefe de jefes no dudó en recordar que con ella “fuimos bien amigos y muy unidos durante mucho tiempo”. Pese al paso del tiempo, el estado de salud de Álvaro, tras el trasplante de hígado, mantuvo en vilo a muchas personas, entre ellas Carmen Romero, quien le envió mensajes para su pronta recuperación.

“Se agradece que se preocupen por uno. Entonces, gracias no más”, reflexionó el vocalista y líder de Los Tres, quien agregó: “Yo también dejo la puerta abierta”, en relación a una posible colaboración conjunta con Carmen Romero, tal como lo hicieron luego de conocerse, a fines de los ’80, tras una de las funciones de La Negra Ester, obra teatral de Andrés Pérez, en la que Henríquez participó en la musicalización.

-¿Cómo fue la relación profesional con Carmen Romero?

-Era muy estrecha la relación que yo tenía con ella. Fuimos también bien unidos. Trabajábamos y hacíamos planes juntos. Y era muy entretenido. Esa época fue muy entretenida, porque era muchas ideas musicales también. Salimos harto (del país) y todo eso fue gracias a la gestión de ella. Todo el rollo de la salida al Festival de Guanajuato, en México. Ella estaba a cargo y siempre muy pendiente de nuestras necesidades como banda. En el disco Unplugged ella tuvo que ver ahí en la negociación. Fueron épocas muy buenas, muy brillantes.

-¿Y el proceso de producción de los discos?

-Fue muy entretenido, porque están todos grabados en Estados Unidos, en Nueva York. Fue una etapa muy buena de Los Tres. Toda la carrera que tuvimos con Carmen fue más o menos corta, como Los Tres. Creo que fue una carrera muy rápida para nosotros, pasaron todas las cosas muy rápido, hicimos discos muy buenos también, creo. Yo también estimo que son discos gloriosos, como diría la Carmen.

-Según Carmen Romero Los Tres son la banda sonora de toda una generación…

-Yo creo que son varias generaciones, no una no más, son varias. Uno se da cuenta por cómo la gente se comporta cuando uno llega a algún lugar. Y para mí eso ya es normal. Ha pasado harto tiempo. Y hay que saludar y ser atento con la gente que es cariñosa con uno.

Proyectos en el 2019
Para este año, el vocalista y líder de Los Tres tiene varios proyectos en mente. “Hay varias ideas por ahí dando vueltas. Y una de esas es hacer un disco en vivo. Es una de las ideas que queremos trabajar también, es un proyecto que tenemos. Estamos empezando a ver los temas nuevos, empezar a elegir. Así que va a ser un trabajo tranquilo”, aseguró. A su vez, dijo estar a la espera de que se concrete la anunciada reedición de su disco solista en vinilo y otro de Pettinellis.

-¿Cómo ha sido la reedición de tu disco solista?

-La reedición fue bastante simple, fue con un CD renovado, porque el anterior estaba como medio mal impreso, tenía una serie de fallas como técnicas y se reeditó en vinilo también, pero en 45 (rpm) y con el libro con los dibujos y con los textos así que estaba muy contento. Hice una firma en Punto Musical, ahí en la Alameda y estuvo muy entretenida. Llegó harta gente.

-¿Y el de Pettinellis?

-Se supone que ese disco tenía que haber salido el año pasado y el mío solista debió haber salido en septiembre. O sea, están tarde. Los que están trabajando en eso están muy tarde. Más que un tirón de orejas, un corte de orejas para ellos.

-¿Te provoca molestia eso?

-En el fondo lo que ocurre con eso es que hay que esperar no más hasta que salgan, pero se ha tardado mucho, el de Pettinellis y el mío solista también en vinilo. El de Pettinellis salió antes, lo que pasa es que se agotó y no lo han repuesto y eso es lo que tienen que hacer ahora. ¡Vamos reponiendo muchachos!

Estado de salud
En mayo del año pasado, Henríquez fue sometido a un trasplante de hígado en la Clínica Las Condes. Tras ocho meses de aquel episodio, el cantante dijo que está en buenas condiciones de salud. Culto quiso saber si el cantante podría llegar a escribir algún tema vivencial con esa experiencia.

-¿Cómo te has sentido luego del trasplante de hígado?

-Me he sentido bien. Lo que pasa es que se va normalizando el proceso, entonces ya no es tan estresante el hecho de las medicinas o el doctor. Ya se hace como una especie de rutina. Entonces pasa a ser menos estresante y menos pesado para uno. Entonces, me siento bien, me siento súper bien. He estado tocando bastante con Los Tres también y en las tocatas me he sentido muy bien.

-¿Tienes en mente alguna canción a raíz de ese hecho?

-En realidad no, porque son procesos largos estos. No es una cosa que uno entiende que pueda procesar en dos, cinco o seis meses. Son procesos largos que uno tiene que vivir, tiene que pasar. Entonces no, por el momento no tengo ningún proyecto de ese tipo. Estoy concentrado en Los Tres, para más adelante empezar a grabar el disco nuevo y también en lo de México, que tendremos gira por allá y eso va a estar muy bueno también. Eso va a ser en marzo (17), en el Vive Latino.

La Cumbre y Rockódromo
Junto con Los Tres, Alvaro Henríquez iba a participar en La Cumbre este 12 de enero (Club Hípico), fecha que fue cambiada para el 18 de mayo por los organizadores. Trascendió que la modificación ocurrió por la baja venta de entradas. Esta situación también fue comentada por el vocalista y líder de la banda, quien también se refirió a su próxima actuación como solista, a fin de mes (31 de enero), en el Rockódromo de Valparaíso. También estará, al frente de Los Tres, en el Lollapalooza de marzo, en el Parque O´Higgins.

-¿Qué te pareció el cambio de fecha de La Cumbre?

-Lo de la cumbre me parece un desastre, es una minitragedia para todos los grupos que iban a participar ahí en ese lugar. Es una pésima noticia, creo yo. Para la música chilena es una muy mala noticia.

-¿Se comenta que es por la baja venta de entradas?

-Y eso es lo más preocupante, que todo se haya monopolizado a otros espectáculos.

-¿Cómo estás para actuar en el Rockódromo?

-Esos espectáculos los encuentro bien bonitos, me gustan, me entretienen también, porque me obligan a hacer versiones nuevas de canciones que no son tan nuevas. Y eso es lo entretenido para uno como músico. Aparte también que la gente que va es un evento cultural. Es bonito eso, que sea gratis también y que la gente llegue y pueda ver el espectáculo desde cualquier lugar tranquilamente, eso me parece muy bien.

-¿Te gusta el público de Valparaíso?

-Al público de Valparaíso yo lo encuentro increíble. Son muy prendidos, gente muy leal también, gente muy genuina. La gente de Valparaíso es muy genuina y eso es impagable.

Música en Chile y opción política
Álvaro también tuvo tiempo para referirse a cómo ve el actual escenario de la música chilena y también para reflexionar acerca de la legitimidad que representantes del mundo artístico posean opinión en temas políticos.

-¿Cómo percibes el ambiente musical en Chile en la actualidad?

-Yo lo veo súper bien, veo mucha gente joven haciendo música, canciones propias, con tendencias propias también, distintos estilos de música, algunos que son más cantautores, solamente con la guitarra, otros que son bandas. Me parece que está muy bien. O sea hay mucho movimiento acá en Chile, como siempre ha sido en realidad. Ahora hay más grupos, porque pueden grabar en sus casas si quieren o en sus piezas. Y eso me parece que es muy bueno, porque es muy bueno que exista la mayor cantidad de música chilena, que se escuche música chilena. ¡Estamos en Chile!

-En otro tema, ¿qué te parece que los músicos tengan una posición política?

-Una de las razones por las cuales uno se hace artista y también músico es precisamente para poder comentar desde la tribuna de uno lo que está pasando en el país o en el lugar donde uno está viviendo. Creo que tener conciencia política es como lo básico en cualquier ser humano. Somos un país libre y cada uno está determinado y también tiene la obligación de hacer ver su parecer, su opinión, y el tributo que uno le quiera hacer a quien quiera está bien.

Finalmente, en su estilo y haciendo notar que la relación entre los músicos y el público ha cambiado a partir de la irrupción de las redes sociales, optó por no enviar un mensaje a los seguidores de Los Tres a través de este medio. “Yo para eso tengo Instagram (@lostres_oficial) para hablar con ellos directamente”, remató.

Woodstaco: el festival que en tres días reunirá a casi 100 bandas alrededor del río Perquilauquén

Bio Bio

Cinco escenarios simultáneos y cerca de 100 bandas es lo que ofrece el festival Woodstaco 2019, que se realizará durante tres días en las cercanías del río Perquilauquén (Parral). De los artistas confirmados, destacan La Floripondio, Sol y Lluvia, Mauricio Redolés, Los Peores de Chile y Evelyn Cornejo, entre otros.

Este año, una de las novedades radicará en la participación de bandas de Argentina, Perú y Brasil, en lo que desde producción definen como una “apuesta” por la circulación de música latinoamericana.

Los cinco escenarios serán los siguientes: “Rock”, el principal, donde artistas de trayectoria compartirán con grupos emergentes; “Laguna Mental”, dedicado a la música psicodélica y de vanguardia; “Nexo”, que congrega a sellos y colectivos de varias regiones del país en un solo punto; “Enjambre”, especialmente dedicado al “World Music” (“música del mundo”); “Micrófono Libre”, a disposición de quienes se animen a tocar, cantar e improvisar; y “Woodstaquitos”, dedicado exclusivamente a la entretención de niños junto a sus padres.

En paralelo, se realizarán talleres de malabarismo, serigrafía, marionetas, teatro y otras manifestaciones culturales. Además, se sumará una variada oferta gastronómica.

En 2018, la producción de Woostaco recibió postulaciones de más de 1.600 bandas (nacionales e internacionales) interesadas en ser parte del cartel. “(Esto) demuestra la gran cantidad de música de calidad que tiene nuestro país y cómo nosotros logramos conectarla con el público en una instancia de autogestión e independencia”, comentan desde la organización.

Los tickets para el festival están disponibles a través del sistema Eventrid y en los puntos de venta oficiales.

La entrada (código QR) es válida para 3 días y 2 noches de camping, con acceso a 8 hectáreas junto al río Perquilauquén. Además de escenarios, el lugar contará con talleres, servicios higiénicos, estacionamiento, seguridad, personal paramédico y otros servicios. Los niños menores de 12 años no pagan entrada.


Rockódromo: 64 artistas ofrecerán conciertos gratuitos en Valparaíso

Radio U de Chile

Entre el 31 de enero y el 3 de febrero se realizará una nueva edición del festival, que contará con artistas como Álvaro Henríquez, Francisca Valenzuela, Santafiera, Javiera Mena y Camila Moreno, entre otros.

Más de 64 grupos y solistas de diferentes estilos y generaciones, repartidos por escenarios ubicados en distintos puntos de Valparaíso, contempla la 15a edición de Rockódromo, que se realizará entre el jueves 31 de enero y el domingo 3 de febrero.

Producido por el programa Escuelas de Rock y Música Popular, el evento contempla presentaciones gratuitas de artistas como Rubio, Javiera Mena, Guachupé, Santaferia, Francisca Valenzuela, Álvaro Henríquez, Dorso, Inti-Illimani, Cómo Asesinar a Felipes, Fernando Milagros, Niños del Cerro, Adelaida, Los Cracks del Puerto y Camila Moreno.

También estarán proyectos vinculados a las Escuelas de Rock, como Congreso, Sinergia, Keko Yoma y Joe Vasconcellos.

Los conciertos se realizarán entre el sábado 2 y domingo 3 de febrero en el Parque Alejo Barrios, en el cerro Playa Ancha, que el año pasado acogió por primera vez las principales actividades del festival.

“Rockódromo se ha convertido a lo largo de estos 15 años en un imperdible de la agenda cultural del verano en Valparaíso. No solo porque es cita obligada para fanáticos del rock y la música popular, sino también porque se trata de un evento con el que culminan los procesos que durante el año se realizan en regiones a cargo del programa Escuelas de Rock”, dijo este lunes la ministra de las Culturas, Consuelo Valdés, al presentar la programación.

Rockódromo comenzará el jueves 31 con una actuación de los porteños Ocho Bolas en la Plaza Mena del cerro Florida, donde interpretarán un repertorio basado en poemas de Pablo de Rokha.

En la misma jornada se hará la ya tradicional “Noche de los balcones”, que tendrá en la Plaza Aníbal Pinto a Álvaro Henríquez, Camila Moreno y Nadrán (participante de las Escuelas de Rock de Concepción), haciendo un homenaje a Lucho Gatica.

Además de los conciertos, la iniciativa contempla ruedas de negocio, charlas y conferencias, junto a una programación de showcases (pequeños conciertos) en el pub El Huevo.

La entrada es gratuita, pero para asitir a estas últimas presentaciones se deben retirar invitaciones.

Mas información acá

domingo, enero 06, 2019

El Festival de Viña 2019 abrirá los fuegos con emotivo homenaje a Lucho Gatica

El Mercurio

Su sobrino Humberto Gatica producirá la obertura que recorrerá los principales éxitos del denominado "Rey del bolero" y en la que participarán artistas como Camila Gallardo, Beto Cuevas y Américo. 

Patricia Cerda F.
El Festival de Viña quiere comenzar celebrando su edición número 60 con un homenaje a la música latina a través de uno de sus grandes exponentes. El cantante chileno Lucho Gatica, el denominado "Rey del bolero" y quien falleció en noviembre pasado, será el protagonista de la obertura que dará inicio a la versión 2019 del certamen y que está siendo preparada por el sobrino del intérprete y prestigiado productor, Humberto Gatica.

La producción del evento viñamarino, esta vez en manos de Canal 13 y TVN, quiso reforzar la condición de festival latino y así nació la idea de rendir tributo el 24 de febrero, día de inicio del evento, a Lucho Gatica. "Lo que queremos es poder elogiar el legado que Lucho Gatica dejó como uno de los grandes intérpretes de la música melódica. Pienso que por razones que son entendibles, hay generaciones que no tienen ni idea de la magnitud del talento y de la repercusión que él tuvo a nivel internacional", dice Humberto Gatica, quien también será jurado en la próxima edición.

Hace dos semanas, José Antonio Edwards, productor ejecutivo del evento, viajó a EE.UU. para coordinar con Gatica el tributo. Serán 10 minutos de obertura los que darán la partida al Festival y que contará con todo el apoyo técnico y el despliegue de pantallas de la Quinta Vergara. "La idea es que comience en una nota más o menos triste por el hecho de la partida de Lucho Gatica, pero luego hay que celebrar. El montaje termina de una forma gloriosa, porque él tuvo una vida extraordinaria, fue un tipo querido, respetado, carismático, y hay que celebrar todo lo que nos dejó".

En total, serán siete los artistas que participarán en el cuadro inicial; entre ellos, los chilenos Camila Gallardo, Beto Cuevas y Américo. Todavía falta confirmar los nombres internacionales, posiblemente entre algunas de las figuras que participarán como jurado del evento. "Estoy trabajando con temas como 'Historia de un amor', 'Bésame mucho', 'El reloj' y otros que son parte de la vida artística de Lucho. Todos los intérpretes aún no están definidos, pero tiene que ser gente que no solo cante, sino que sepa interpretar con sentimiento el bolero", resume el productor musical.

¿Será un homenaje al estilo del que se vio en la Teletón? "Son cosas que no tienen nada que ver. Fue bonito lo de Teletón, pero para graficarlo eso fue como una barca y esto será como el Titanic. Ese es el desafío que me he impuesto, porque creo que con este homenaje, el nombre de Lucho Gatica quedará consagrado y respetado como uno de los grandes artistas de la música romántica", afirma el productor.

El tributo a Gatica servirá también para reivindicar su nombre en la Quinta Vergara. En 2002, el Festival de Viña le rindió un fallido homenaje a él y a Antonio Prieto, quienes alcanzaron a estar apenas 15 minutos en el escenario y fueron criticados por cantar con playback . "Eso no fue un real homenaje, sino que matar dos pájaros de un tiro. Ahora sí dejaremos el nombre de Lucho Gatica en alto, como tiene que ser", sentencia Humberto Gatica.

"Lo que queremos es poder elogiar el legado que Lucho Gatica dejó como uno de los grandes intérpretes de la música melódica".
Humberto Gatica

Power Peralta alista su salto definitivo a la música

El Mercurio

Tras la buena recepción de su primer sencillo "Pégate", la dupla de bailarines se prepara para lanzar un nuevo tema para este verano. 

Bárbara Castro
Aunque desconocida en comparación a su afición por el baile, el interés por hacer música comenzó mucho antes. Siempre autodidactas y desde sus inicios en la escena musical -hace más de una década-, los gemelos Gabriel y Raúl Peralta han reservado un espacio para desarrollarse como cantantes y compositores, al margen de su exitosa e imparable carrera como bailarines urbanos.

"Hacer música siempre ha sido algo que nos ha llamado mucho la atención y nunca consideramos que eso iba a estar antes del baile. Pero cuando nuestra carrera de bailarines empezó a avanzar y crecer, eso nos alejó de producir algo propiamente musical", afirma Gabriel Peralta.

Al bailoteo callejero en Nueva York de sus inicios le siguió su debut en la televisión local bajo el nombre Power Peralta, apariciones que catapultaron a la dupla al extranjero como parte del elenco del programa de talentos latino "Q´ Viva: the chosen", patrocinado por Jennifer Lopez, y un espectáculo de Cirque Du Soleil.

Hoy los gemelos cuentan con una academia de baile -Power Peralta Dance Studio - con cinco sedes dentro y fuera de la capital, y una productora audiovisual a través de la cual lanzaron en diciembre último el videoclip de "Pégate", la primera canción original del conjunto.

Producida por el DJ nacional Latin Bitman y con la colaboración de Stailok (Movimiento Original) y la cantante de R&B Vanessa Valdez, la dupla estrenó el tema durante su presentación en vivo en la Teletón 2018, que a la fecha cuenta con más de dos millones y medio de reproducciones en YouTube.

No se trata de un viraje completo. Según Gabriel Peralta, pretenden perfeccionar su propuesta artística con miras de lograr un espectáculo independiente de la batería de éxitos de otros artistas. "Uno tampoco quiere que la gente diga Aahora los Power Peralta son cantantes, porque no se trata de eso, sino de encontrar un equipo para poder plasmar nuestra visión y crear música, que era lo único que faltaba para hacer un contenido ciento por ciento propio", señala.

El buen recibimiento de "Pégate" abre la posibilidad de que esta incursión sea una de largo aliento. Con el telón veraniego de fondo, el dúo se prepara para lanzar una nueva canción junto a un artista invitado que mantienen en reserva, aunque adelantan que es una figura en plena sintonía y con dominio de los ritmos urbanos. "Queremos seguir haciendo música y ya estamos trabajando en la próxima canción, con un featuring bien interesante y ha sido la buena recepción de "Pégate" lo que nos motiva a seguir", afirma Gabriel Peralta. Y agrega que el plan es que este nuevo single vea la luz durante el próximo mes.

"Nuestra aspiración es llevar esto a grandes escenarios y buscar reinventarnos, pero lo que está ocurriendo con ´Pégate´ cambió nuestra brújula y estamos viendo hacia dónde ir desde allí", afirma el bailarín

Aniversario de la Orquesta Sinfónica Nacional de Chile: El momento especial

El Mercurio

Gonzalo Saavedra
Aunque 78 no sea un número redondo de conmemoración, es significativo que encuentre a la Orquesta Sinfónica Nacional de Chile con el mejor sonido y musicalidad que le hemos conocido. La ceremonia comenzó con el himno nacional de Chile y luego habló Diego Matte, quien recordó el esfuerzo de Domingo Santa Cruz -fundador de la Facultad de Artes de la Universidad de Chile-, para que se promulgara la ley que creó el conjunto, que, no sin polémica -incluido un veto presidencial de Pedro Aguirre Cerda-, quedó bajo la protección y tutela de esta casa de estudios; pero, recalcó Matte, con la autonomía necesaria para el cumplimiento de su misión de desarrollar la música nacional y el compromiso con la excelencia artística. El director dijo también que vivían un momento muy especial: avanza la construcción del nuevo Teatro de la Universidad de Chile, a unas cuadras del Baquedano, con una capacidad para 1.200 personas y una acústica excepcional. Luego de los discursos de la ministra de las Culturas y las Artes, Consuelo Valdés, y del rector de la Universidad de Chile, Ennio Vivaldi, se cantó el emocionante himno de la Universidad de Chile, escrito por Julio Barrenechea (texto) y René Amengual (música) en 1942, y estrenado por la Sinfónica el mismo año en su versión de coro y orquesta.

Por fin vinieron las obras del programa, el Concierto para piano Nº 2 de Shostakovich (1957) y la Quinta sinfonía de Beethoven (1808). El primero es una obra rara en la producción de Shostakovich: su índole sarcástica se vuelve aquí buen humor, ligero, pero con ciertos pasajes donde la ironía campea. Bajo la dirección del venezolano Rodolfo Saglimbeni, el extraordinario Luis Alberto Latorre y la orquesta hicieron una entrega superior. Latorre es un pianista cuya versatilidad asombra: literalmente, asume las personalidades de los compositores que toca, y en este caso transmitió con perfección el personalísimo aire travieso que domina el intrincado primer movimiento, el encanto calmo del segundo y la tocata frenética del final. El público dio una ovación feliz.

En la segunda parte, la experiencia de Saglimbeni se notó en su acercamiento sobrio, pero no exento de pasión, a la Quinta de Beethoven, una sinfonía ubicua y que ha sido tan tocada, que, a veces, por distinguirse, los directores intentan exagerar ciertos gestos o cambiar alguna articulación. En esta entrega, nada de eso: respeto irrestricto, notable en el caso de los silencios, como los que siguen al motivo de apertura de las cuatro notas o los que están en el fugato de las cuerdas en el scherzo y de los que se suele abusar. Apenas aproblemada en las maderas y bronces en la sección que precede a la transición entre ese movimiento y el último, el director y la orquesta ofrecieron un interpretación sólida, muy convincente, a la altura de la gala que celebró este momento especial de la Sinfónica.

Lin-Manuel Miranda: "Necesitamos el arte para salvarnos"

El Mercurio

El creador del mayor fenómeno del teatro musical de la última década, "Hamilton", habla en exclusiva con "El Mercurio" sobre su salto definitivo al cine con "El regreso de Mary Poppins", la nostálgica y exitosa secuela del clásico de Disney de 1964, que debuta en Chile este jueves 10 de enero. 

Fernando Zavala Enviado especial
Ciudad de México En un salón de un exclusivo hotel de esta ciudad, Lin-Manuel Miranda (38) recuerda vívidamente el momento en que se enamoró de los musicales: "Fue cuando vi 'La sirenita', de Disney. Cuando Sebastián empezó a cantar 'Bajo el mar' me explotó la cabeza, era un número musical donde los personajes no obedecían a la gravedad. ¡Y también tenían todo el océano a su disposición! Fue un momento que despertó mi imaginación. Recuerdo que la fui a ver con un amigo y luego otras dos veces, con mis padres y después con mi hermana. Incluso me hice el enfermo el día en que salió a la venta el VHS, para poder comprarlo esa misma mañana".

Acto seguido, este hijo de padres puertorriqueños también recuerda el instante en que su amor por los musicales pasó a convertirse en aquello a lo que quería dedicar el resto de su vida: "El día de mi cumpleaños número 17 fui a ver 'Rent', con el elenco original. A mí me encantaban los musicales, pero ellos siempre mostraban otras épocas y en esa oportunidad vi uno que ocurría ahora y en mi ciudad, Nueva York. Básicamente, ese musical me dio permiso para poder escribir sobre mis experiencias y así nació 'In the Heights'", cuenta, refiriéndose al primer montaje que escribió y protagonizó, y que ganó el premio Tony en 2008.

"In the Heights", en todo caso, sería solo la antesala para su segundo musical, uno que se convertiría en el mayor éxito de la última década en Broadway y también en un verdadero fenómeno cultural: "Hamilton", que arrasó con los Tony en 2016 y lo catapultó a una fama que por estos días aprovecha intensamente de la mano del mismo estudio que despertó su amor por el género. Miranda protagoniza junto a Emily Blunt "El regreso de Mary Poppins", la aplaudida secuela del clásico de 1964 que ya ha recaudado US$ 213,7 millones en el mundo y que debuta en Chile este jueves 10 de enero.

"Durante muchos años mi relación con Disney fue unilateral, yo enamorado de sus películas. Y también tuve la buena fortuna de haber sido un preadolescente durante la segunda etapa de oro del estudio, con cintas como 'Aladdín' o 'El rey león'", cuenta Miranda, que además de participar en "El regreso de Mary Poppins" también ha intervenido en "La extraña vida de Timothy Green" (2015), su voz se escucha en la nueva versión de la serie "Patoaventuras" y postuló al Oscar como compositor de las canciones de "Moana" (2016). "Cuando me entrevisté con los directores de 'Moana', que son los mismos de 'La sirenita', les dije que ellos eran la razón por la que yo estaba acá. Y de verdad ha sido increíble continuar y hacer crecer mi relación con Disney". Incluso hay una cita a "Hamilton" en "Un viaje en el tiempo" (2018). "Eso último, la verdad, me hizo llorar de emoción porque la directora, Ava DuVernay, es amiga mía... ¡Y no me dijo que lo iba a hacer!", asegura, entre risas.

En "El regreso de Mary Poppins", Miranda interpreta a Jack, un farolero que se convierte en el principal aliado de la mítica niñera (Emily Blunt) en esta nueva aventura que ocurre 25 años después de los hechos narrados en el filme original y que se inicia cuando los ahora ya crecidos niños Banks (Ben Wishaw y Emily Mortimer) deben enfrentar serios aprietos económicos.

"Me encanta el mundo de esta película", señala Miranda. "Me encanta que conocemos a Mary, pero en realidad no sabemos nada de ella. Tiene poderes, pero no sabemos de dónde provienen ni de dónde viene ella, tampoco adónde va los martes que tiene libre. Todo ese misterio se mantiene, pero ahora continuamos esa historia con toda la magia y la tradición de Disney", explica.

Miranda no puede estar más feliz de aprovechar el buen momento que viven los musicales: "Yo empecé a escribir musicales porque quería participar en ellos. Cuando era chico lo único a lo que un latino podía aspirar era Bernardo en 'Amor sin barreras' o Paul en 'A chorus line'. Y ahora estoy tan orgulloso de la diversidad de los musicales que salen ahora año tras año. Antes no era así. 'Mary Poppins' es muy diferente a 'Nace una estrella' o 'El gran showman' o 'La La Land'. Ya no solo se están adaptando éxitos teatrales, también se están creando musicales originales para la pantalla. Cada vez que un musical triunfa lo siento como un triunfo personal. Tampoco creo que sea una coincidencia que el musical resurja en estos tiempos preocupantes e inciertos en lo social y en lo político, tal como ocurrió durante la Gran Depresión o la Segunda Guerra Mundial. Necesitamos el arte para salvarnos, para escapar por un par de horas y conectarnos con lo que es ser humano. Para eso sirven los musicales, para recobrar la esperanza".

Su carrera por estos días es imparable: actualmente postula al Globo de Oro por su rol en el musical, acaba de recibir una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood y fue homenajeado por el Kennedy Center. También prepara la versión para cine de "In the Heights", que dirigirá Jon M. Chu; y una adaptación del musical teatral "Tick, tick... Boom!", que será su debut como director de cine.

sábado, enero 05, 2019

Las revistas de música como periodismo de resistencia


El Mercurio

De paso por Chile, Juan Cervera, director de Rockdelux, la revista de rock más antigua en español, asegura que el estilo perdió su "fuerza transgresora", que los jóvenes no leen cuatro páginas seguidas y que la gran debilidad de la información musical actual es que la mayoría de blogs y sitios prescinde del editor. 

Felipe Rodríguez
Pocos minutos antes de esta entrevista, Juan Cervera, director de la revista de rock española Rockdelux, está repasando las redes sociales y soporta estoico la avalancha de insultos que los lectores le dedican a la portada de diciembre. Para un aficionado tradicional a sus páginas, el personaje protagónico parece un mal chiste. Es J Balvin, el reggaetonero colombiano, promocionando su nuevo álbum, "Vibras".

El impacto es brutal, pero Cervera había tenido un aviso. Unas semanas atrás, la revista publicó en su sitio una crítica sobre un show de Maluma en Madrid y los comentarios fueron lapidarios; los trataron de ser vendidos y los acusaron de falsear su credibilidad rockera.

Cervera, de visita en Chile por una invitación al festival valdiviano Fluvial, asume su responsabilidad, pero le quita dramatismo. "Nunca hemos tenido complejos en tratar cualquier tipo de música. No entiendo este nivel de caos para los lectores. Hay un nivel de desprecio alto, nos dicen que cómo pudimos caer tan bajo. La escena latina la escuchamos y si es buena, le damos espacio. El problema es que el público de rock es tan fundamentalista como los metaleros. Y no te perdona", dice.

Con 33 años de existencia y casi 400 números -384, para ser precisos-, Rockdelux es la revista musical más antigua en español. (Casi) siempre enfocada al rock, por sus páginas han pasado próceres como Lou Reed, Bjork, Massive Attack, Prince, The Smiths, Eels, Tom Waits y tantos otros. Sus décadas de gloria fueron los 90 y 2000. Pero los últimos años cambiaron la forma de escuchar e informarse sobre música. Aparecieron Spotify, YouTube y cientos de blogs como competencia. Sin olvidar un aspecto fundamental: el rock cada vez fue perdiendo su fuerza transgresora y la música urbana y el hip hop se convirtieron en los nuevos referentes.

"El rock tiene menos relevancia. Ahora lo puedes escuchar en un centro comercial, en un ascensor y en un supermercado. Los rockeros ahora no destrozan hoteles ni se drogan o emborrachan. Hacen ejercicios y toman jugos naturales. Así es difícil que aparezca un gran grupo que genere un movimiento, como lo hizo Nirvana", indica.

Cervera siente nostalgia por los medios que han caído en el camino. Asegura que hacer una revista de rock en papel "es un acto de resistencia". Se venden pocas revistas y diarios, lo que ha hecho que demasiados medios debieron desaparecer.

Recuerda casos emblemáticos como la desaparecida Melody Maker o NME -ambas inglesas-, que funciona solo como página y se sorprende que en Estados Unidos no se publique nada en papel centrado en el rock. "De lo que queda, creo que Mojo o Pitchfork tienen un nivel de calidad medio alto. En España, por ejemplo, hay una revista tan histórica como Rockdelux dedicada al metal y llamada Popular 1, donde no saben escribir. La aparición de revistas por internet o blogs dedicados al rock no es buena porque no hay filtro de edición y se nutren de colaboradores fans que no saben ni analizar ni escribir. De esa manera, no te puedes informar".

Rock, internet y tendencias

Para Cervera, la importancia primordial para desarrollar una revista de rock es ser amante de la música y escribir muy bien. Y cita ejemplos. Cuenta que, en sus comienzos, uno de los puntos diferenciadores de su trabajo fue que jamás se limitaron a publicar solo lo que recibían de las disqueras. Compraban álbumes importados, pedían discos a Londres o París o encargaban a los amigos que viajaban al extranjero. "Había un romanticismo que desapareció. Escuchar un disco nuevo era una ceremonia. Recuerdo los primeros discos de Pixies, Sonic Youth, R.E.M., que no se editaban en España o los primeros singles de The Smiths, Violent Femmes y Jesus and Mary Chain. Ahora te mandan los discos en carpetas o das un clic y listo".

-¿Cómo son los hábitos de consumo de las nuevas generaciones?

"Se informan por redes sociales y su capacidad lectora se concentra en titulares llamativos y frases cortas. Para un chico de 20 años leer cuatro páginas es algo insólito. Por eso que hacer una revista en papel es un acto de resistencia".

Para Cervera, la mayor satisfacción es poner en portada a un artista que puede ser minoritario, pero que tiene un público receptivo a su música. Recuerda que, en sus inicios, hicieron portadas con rockeros desconocidos en España, pero que después se globalizaron. "La primera vez que pusimos a Prince nos criticaron mucho: que era muy comercial, que sus canciones eran muy pop, que la música negra no pegaba. Para mí, eso es trabajar en forma independiente".

-¿Cuáles son sus mejores y peores entrevistados y sus artistas favoritos?

"Lou Reed era un señor bastante estúpido, muy seco para hablar y que ocupaba muchos monosílabos. Bryan Ferry, por otra parte, es encantador, muy amable, habla muchísimo y dio una de las entrevistas más divertidas. Un caso raro fue Alan Vega, de Suicide. Tenía por costumbre hacerse cortes en diferentes partes de su cuerpo en los shows. Lo entrevisté en el camerino y tenía cortes donde le brotaba sangre. Mis artistas favoritos son, pese a todo, Lou Reed, The Doors, PJ Harvey, Cat Power y Neneh Cherry".

-¿Hay vida para el periodismo musical?

"Siempre que exista el papel del editor. Con la revolución digital ese filtro desapareció. A las páginas les falta profesionalismo porque escribes y nadie te revisa".

-Si la gente lee menos, por qué entonces se publica tanta literatura musical...

"Es sorprendente este boom . Me pregunto si hay tanto público porque cada vez que paso a una librería hay una sección musical cada vez más grande. Es extraño, pero ojalá que siga así porque hay historias de músicos buenísimas, que merecen ser contadas".