miércoles, abril 24, 2019

Yo-Yo Ma tocará gratis en el GAM y visitará el desierto de Atacama

La Tercera

El chelista más popular del mundo se presentará el domingo 5 de mayo en el recinto de Alameda, como parte de una gira que incluye el Teatro del Lago y el Observatorio Europeo en el norte del país.

Por Rodrigo González

Hace tres meses Yo-Yo Ma (1955) salió de su hotel cinco estrellas ubicado en la avenida Marine Drive de Mumbai (India) y cruzó la calle cargando su chelo Stradivarius Davidoff de 1712. Sentado sobre el alto borde de concreto que divide la vereda de la playa, sacó su instrumento e improvisó durante media hora una serie de variaciones sobre la Primera Suite de Johann Sebastian Bach. Es probable que muchos de los que pasaban por ahí no sospecharan que frente a ellos estaba el que es, con bastante holgura, el chelista más famoso del mundo.

Este impromptu musical es una de las clásicas salidas de libreto de Yo-Yo Ma, un artista que hace bastantes años abandonó la etiqueta docta. En su actual gira mundial, llamada The Bach Project, aborda las seis suites del compositor alemán, pero no se contenta con eso: siempre le agrega más condimentos a la salsa o, para decirlo concretamente, añade actividades extraprogramáticas. El 10 de marzo estuvo en un concierto tradicional en Puerto Rico, pero a la jornada siguiente se presentó con músicos populares de ese país en la Plaza Minillas de San Juan. Fue gratis y al aire libre.

En su segunda visita a Chile, Yo-Yo Ma operará bajo estos mismos códigos: ofrecerá un gran concierto en el Teatro del Lago de Frutillar el próximo sábado 4 de mayo a las 19 horas, pero antes y después estará en Santiago y el desierto de Atacama, en uno de los observatorios del Observatorio Europeo Austral. La presentación en Frutillar comprende las mencionadas seis suites de Bach, que en el fondo son cerca de dos horas de música, un programa aún más ambicioso que el de 2013, cuando en el mismo recinto tocó a Brahms y Stravinsky con la pianista Kathryn Scott.

Pero con todas las entradas vendidas en el Teatro del Lago la definitiva opción para apreciar al músico será en Santiago. El domingo 5 de mayo se presentará gratis en el Centro Cultural GAM, aunque su performance no será precisamente de manual. Por el contrario, se trata de una interpretación interactiva de las 15.00 a las 18.00 horas ideada por la artista chilena Constanza Alarcón Tennen y lleva por nombre Coral, colectivo, tectónico. ¿En qué consiste? Los transeúntes que lo deseen recordarán su experiencia en un terremoto y luego buscarán vocalizar esa memoria a través de sonidos particulares que serán grabados en el momento. Yo-Yo Ma también registrará su “experiencia vocal” de un terremoto, subirá al escenario con su violonchelo, escuchará una grabación con los “cantos” de todos (incluido el de él) y realizará una serie de variaciones a partir de todo.

Antes, el miércoles 1 y el jueves 2 de mayo el artista estará en el norte de Chile, en una de las sedes del European Southern Observatory (ESO) para participar en una charla junto a científicos de lugar y en una interpretación nocturna bajo las estrellas. Esta parada será un evento cerrado. Finalmente, el lunes 6 de mayo tocará para muchachos de la escuela Jorge Alessandri Rodríguez de Renca.


Taylor Swift alista su primera gira sudamericana y negocia su debut en Chile para 2020

La Tercera

La cantautora superventas incluirá a Sudamérica en su próxima gira mundial, con la que promocionará un nuevo disco cuyo primer single se lanza este viernes. Al menos tres productoras locales son parte de las gestiones y se ofreció el Estadio Nacional.

Por Andrés del Real y Claudio Vergara

Si algo ha demostrado Taylor Swift en sus 13 años en la música es que no le teme a los cambios y las volteretas. La solista estadounidense mutó de niña prodigio del country a megaestrella del pop; hizo público su voto por los candidatos demócratas en las elecciones legislativas del año pasado, luego de haber sido reacia a expresar sus opiniones políticas; y en 2017, luego de tres años enemistada con el streaming, volvió a subir todo su catálogo a plataformas como Spotify y Tidal.

Nada parece ser rotundo ni irreversible con Swift, la figura más exitosa del pop norteamericano de la última década, quien el próximo año terminará con otra verdad absoluta de su carrera, al incluir por primera vez a Sudamérica en su siguiente gira mundial, con Chile como parte de los planes preliminares de su recorrido.

Así lo ha consignado esta semana la prensa brasileña, que proyecta su visita a la región para el primer semestre de 2020, y así también lo confirman diversas fuentes ligadas a las negociaciones locales con la autora de “Bad blood”.

De hecho, hoy son al menos tres las productoras chilenas que están en gestiones con el equipo de Swift para un aterrizaje en Santiago programado para marzo o abril del próximo año. Y aunque por fechas coinciden, está descartada su participación en la décima versión local de Lollapalooza, ya que la solista no incluye festivales en sus tours. Tales negociaciones se han hecho sobre una base firme, ya que su escala en Brasil está prácticamente abrochada.

Con una tarifa cercana a los 2 millones de dólares por concierto -según las mismas fuentes de las productoras locales-, la visita de la cantautora a la región pareció por años una empresa poco viable. Hasta ahora, que hay interés concreto de todas las partes para materializar una gira por varios países de Sudamérica, que además de Chile y Brasil incluiría, en principio, a Argentina, México y Perú.

Eso sí, la ecuación obliga a gestionar un recinto de alta capacidad, y uno de los lugares que se ha ofrecido para la fecha en la capital es el Estadio Nacional. Aunque algunas fuentes consultadas son más moderadas y señalan que la popularidad en el país de la cantautora es consistente, pero no tan transversal o rotunda como para repletar el coliseo de Ñuñoa.

Toda una planificación que es parte del tour promocional de su séptimo álbum, cuyo primer adelanto se espera vea la luz este viernes.

Alex Anwandter y la nueva música chilena se toman los Premios Pulsar

Nuevos nombres de la escena local como Gianluca, Princesa Alba, Rubio y Cami se consolidan como nombres destacados de la industria. Mientras que el ya ganador de Premios Pulsar, Alex Anwandter, competirá este año por 5 galardones.

Este martes la Sociedad Chilena de Autores e Intérpretes Musicales (SCD) dio a conocer los nominados a una nueva edición de Premios Pulsar, galardón que destaca a lo mejor de la producción musical del país en el último año.

Tras recibir más de 1.400 postulaciones para su quinta versión, la organización del certamen reveló este martes los nombres de los más de 160 artistas nominados en 22 de las 24 categorías que entrega el premio. Esto, exceptuando Canción más tocada cuyo premio se entrega a la obra más ejecutada en radios chilenas durante el año según los registros de SCD, y el apartado Álbum del Año, cuyos nominados se revelarán en las próximas semanas.

Este 2019 sorprendieron la cantidad de nominaciones que obtuvieron nuevos talentos de la música nacional. Entre ellos, destaca la presencia representantes del estilo urbano, como Gianluca con su trabajo G Love y Flor de Rap con Inmarchitable que competirán en las categorías de Mejor Artista Música Urbana y Artista del Año. En tanto, Paloma Mami y Princesa Alba figuran como nominadas en los apartados de Canción del Año y Artista Revelación, confirmando el protagonismo del trap y los ritmos urbanos en esta edición.

En la misma línea y compartiendo nominaciones, otros nuevos rostros musicales que aparecen son las artistas Cami y Rubio, quienes se disputarán los galardones de las categorías Mejor Artista Pop.

Por su parte, quien lidera en número las nominaciones es Alex Anwandter, logrando un total de 5 candidaturas gracias a sus nominaciones a Mejor Videoclip y Canción del Año por el tema “Locura”, Mejor Productor Musical, Mejor Artista Pop y Artista del Año por su álbum Latinoamericana. Mientras, Mon Laferte sigue en número de nominaciones en los apartados de Mejor Artista Pop (Norma), Canción del año (“El beso”) y Artista del Año (Norma), además de el video de “El beso” del realizador Sebastián Soto Chacón, que compite en el apartado Mejor Videoclip.

En otras categorías, Bbs Paranoicos, Cadenasso, Nano Stern, Pillanes y Rama participarán por el galardón al Mejor Artista Rock, mientras que Combo Chabela, Compañía Malonera de Boleros, Fabián Rosales, Golosa la Orquesta y La Combo Tortuga harán lo propio por quedarse con el título de Mejor Artista Música Tropical. En tanto, para el Mejor Artista Pop Balada aparecen Cecilia Echenique, Elvira López, Margus, Pablo Herrera y Vito Rodríguez.

Cabe destacar que todos los artistas nominados a las categorías de género musical participarán por quedarse con el puesto de “Artista del Año”, título que será elegido por el público a través de una votación online, la cual se abrió en el sitio www.premiospulsar.cl.

Conoce la lista completa de nominados aquí.

Del Barroco a la ópera: apuestas de la U. Alberto Hurtado

Maureen Lennon Zaninovic
Cultura
El Mercurio

En la Iglesia de San Ignacio (Padre Alonso de Ovalle) y con un concierto gratuito de flauta dulce , comenzará la temporada musical 2019 de este plantel jesuita.



Un verdadero caleidoscopio de estilos y géneros. Así se anuncia la XII Temporada de Conciertos de la Universidad Alberto Hurtado (UAH) que parte hoy, a las 19:30 horas (entrada liberada), con una presentación en la Iglesia de San Ignacio (Padre Alonso de Ovalle 1494) y que lleva por nombre "Flauta dulce en el Barroco alemán". Se interpretarán creaciones de Bach y de Georg Philip Telemann (Concierto en La menor para dos flautas dulces, cuerdas y continuo), a cargo de Javiera Portales y Enrique Vasconcelos; profesores del Instituto de Música de este plantel (IMUAH).

"Partimos la temporada dedicados a un instrumento que fue central en el siglo XVI y que, en la actualidad, se encuentra muy diseminado en el ámbito de la educación. Hoy, la flauta dulce es un gran medio para iniciarse en la práctica musical", adelanta Juan Pablo González, quien acaba de asumir como director de extensión del Instituto de Música de esta universidad jesuita. La musicóloga Daniela Fugellie, en tanto, es la nueva directora del IMUAH. González añade que este concierto busca presentar de manera contrastante a estos dos compositores germanos, "porque Telemann era el músico más conocido de su tiempo, más 'taquillero' por decirlo de alguna forma, a diferencia de Bach, que fue todo lo contrario, más introspectivo, inmerso en su lugar de trabajo, ya sea como maestro de capilla o en una corte. En ambos, la flauta dulce tuvo un papel preponderante".

El ciclo 2019 continúa el sábado 4 de mayo, al mediodía, con el ensamble de música antigua "La Consonancia", el que ejecutará en el Museo Nacional de Bellas Artes, entre otras, piezas de Monteverdi y Vivaldi. El 26 de junio, a las 19:00 horas, en la Iglesia de San Ignacio, el Coro IMUAH -bajo la dirección de Jessica Quezada- abordará obras sacras francesas, en un homenaje al fallecido director de coros Víctor Alarcón. El sábado 6 de julio, al mediodía, en el Museo Nacional de Bellas Artes se presentará el guitarrista Pedro Iglesias, quien tocará de manera íntegra "Las egocéntricas", de Sebastián Errázuriz.

Violeta Parra

El 21 de agosto (19:30 horas), en la Fundación Cultural de Providencia, tendrá lugar uno de los hitos de la temporada 2019: un tributo en el marco del centenario del nacimiento del compositor Juan Orrego Salas. "Es impresionante cómo a sus 100 años Orrego Salas sigue activo en Estados Unidos y vinculado con la música del siglo XX. Estrenaremos valiosas obras de cámara y algunas de ellas las estamos escogiendo del archivo que el músico tiene en Indiana", advierte el director de extensión. El 25 de septiembre habrá una antología de la canción norteamericana, y el 23 de octubre un concierto lírico (ambas presentaciones a las 19:30 horas, en la Fundación Cultural de Providencia).

Finalmente, el 22 y 23 de noviembre, a las 19:30 horas, en el Centro Gabriela Mistral (GAM), se cerrará el año con el estreno mundial de la ópera "La rara", compuesta por René Silva y con libreto de Marcela Sáiz. La régie estará a cargo de Gonzalo Cuadra y la Camerata de la Universidad Alberto Hurtado será dirigida por su conductor titular, Felipe Hidalgo. Las dos funciones de este montaje escénico son las únicas pagadas de toda la temporada.

"La historia de esta ópera será Violeta Parra, pero no se trata de una biografía de la artista. Sumaremos a solistas, a nuestra camerata y a un conjunto de folclor. Hay una hibridación bien interesante en este proyecto", concluye Juan Pablo González.

Fotos del estado de Britney Spears preocupan a sus seguidores

RAIMUNDO FLORES
Espectáculos
El Mercurio

La cantante fue vista por primera vez desde que inició una terapia en una clínica de salud mental.


Durante los últimos días de marzo pasado, Britney Spears se internó en una clínica psiquiátrica. La razón habría sido el difícil momento de salud que estaba viviendo su padre, quien se encontraba delicado, debido a algunas operaciones a las que se había sometido por culpa de complicaciones en el intestino y el colon.

Ayer algunos medios difundieron las primeras imágenes de la cantante desde que está internada, tomadas el domingo en una salida que realizó junto a su novio, el personal trainer Sam Asghari, para celebrar Pascua de Resurrección.

El aspecto desmejorado que lucía Spears -de 37 años-, muy lejano a la actitud que suele proyectar en su faceta musical, llamó la atención y prendió las alarmas entre sus seguidores.

Incluso, en redes sociales, algunos de sus fans han comenzado a usar el hashtag #FreeBritney (liberen a Britney), teorizando sobre que la intérprete de "Toxic" habría sido internada en contra de su voluntad. La hipótesis tomó más fuerza luego de que la madre de la cantante, Lynn Spears, le diera "Me gusta" a algunas de las publicaciones que empleaban esa frase.

Frente a las teorías, la cantante regresó a las redes sociales, publicando un mensaje agradeciendo la preocupación de sus fans y despejando las dudas. "Mi familia está pasando por un momento difícil y necesito un tiempo para lidiar con eso", aseguró Spears en un video publicado anoche en su cuenta de Instagram, acompañado de un mensaje en que explicaba la falsedad de los rumores. "Solo necesito un poco de privacidad para manejar todas las cosas difíciles que la vida me ha puesto por delante", escribió.

La polémica generada por las fotografías ha marcado un nuevo hito en un año difícil para Spears, quien en enero decidió suspender el show que estaría dando de forma permanente en Las Vegas, por la salud de su padre.

"Es importante poner la familia en el primer lugar siempre y eso es lo que haré", escribió en su cuenta de Instagram en esa ocasión, en un mensaje que hacía referencia al complejo estado de salud de su padre, Jamie, con quien mantiene una relación muy cercana. De hecho, fue él quien asumió la tutoría legal de los dos hijos de la artista en medio de los escándalos que protagonizó en 2007, año en que fue noticia por diversas polémicas y por haber frecuentado clínicas de rehabilitación.

Su presente musical también se encuentra en duda. La residencia que canceló en Las Vegas la mantuvo ocupada durante buena parte del año pasado. Su último álbum, "Glory", fue publicado en agosto de 2016.

Anuncian la fecha de Creamfields 2019

El Mercurio

El festival de música electrónica realizará su decimosexta versión en el país el próximo 23 de noviembre en el Club Hípico.

Las entradas estarán a la venta desde el viernes 3 de mayo al mediodía en el sistema Puntoticket.

Fonsi, Yatra y Nicky Jam estrenan colaboración

El Mercurio

"Date la vuelta" es el título de la canción que se lanza hoy y que será el primer tema en conjunto del trío. Luis Fonsi compuso el tema junto a Andrés Torres y Mauricio Rengifo, con quienes ya trabajó antes en la creación de "Despacito". Se espera que los tres cantantes interpreten la canción el jueves durante la entrega de los Premios Billboard Latinos.

martes, abril 23, 2019

Regresan los conciertos de las 209 cantatas que compuso Bach

Cultura
El Mercurio


Hoy se repetirá el primer concierto  del ciclo 2019 del proyecto Bach Santiago, que busca interpretar las 209 cantatas que compuso Johann Sebastian Bach (1685-1750). La presentación será a las 19:30 horas en el Templo Mayor del Campus Oriente de la U. Católica (Av. Jaime Guzmán 3300, Providencia), con entrada liberada. Creado por el fallecido director de coros Víctor Alarcón, el proyecto debería finalizar en 2025. El año pasado se interpretaron 15 cantatas, en cinco conciertos, y para este año están programadas 30, en 10 conciertos, hasta octubre. El encuentro de hoy incluye la música para el Domingo de Resurrección que escribió Bach, con cerca de 30 músicos en escena, del coro y orquesta Bach Santiago.

Concurso Luis Advis premiará a músicos de trap

El Mercurio

El certamen enfocará en este género su categoría de música popular, que se suma a la convocatoria para composiciones doctas y folclóricas. El primer lugar de cada competencia recibirá 4 millones de pesos. Las postulaciones están abiertas hasta el 31 de julio en el sitio luisadvis.cultura.gob.cl

Planean musical sobre John Lennon

Espectáculos
El Mercurio


El montaje se está preparando en Inglaterra y se inspirará en la película biográfica "Nowhere boy" (2009), que se centra en la adolescencia y los primeros pasos en la música del ex-Beatles. La película incluye canciones de Lennon y de The Quarrymen, su primera banda.

Justin Bieber volvió a los escenarios en Coachella

Espectáculos
El Mercurio

El cantante canadiense fue invitado al escenario por Ariana Grande, cuando ella realizaba una de las presentaciones de la última jornada del festival californiano. "Esta es mi primera vez en un escenario como en dos años", dijo Bieber, quien además cantó su éxito "Sorry" y adelantó que pronto lanzaría un nuevo álbum. En marzo había publicado un mensaje en Instagram en que insinuaba que se tomaría una pausa en su carrera. "La música es muy importante para mí, pero nada viene antes que mi familia y mi salud", escribió en ese entonces.

lunes, abril 22, 2019

Congreso celebra sus 50 años en un Concierto Masivo


La fiesta de cumpleaños ya tiene fecha. Si bien el grupo Congreso inició las celebraciones por su medio siglo de vida en enero pasado, su evento más grande del año tiene coordenadas: se realizará el sábado 24 de agosto en el Teatro Caupolicán y será un concierto de larga duración con invitados nacionales e internacionales en el cual la banda presentará varias sorpresas. Las entradas estarán disponibles a través del sistema Ticketek.

 Acerca de esta emotiva instancia para festejar su historia junto a su público, el miembro fundador y baterista de Congreso, Sergio “Tilo” González comenta: “vamos a recorrer los grandes hitos musicales de todos estos años que hemos estado juntos. Compartiremos el escenario con miembros históricos de la primera y segunda hornada, y tendremos varios invitados más que pronto se revelarán. Será un concierto extenso, como corresponde que sea una fiesta de cincuenta años”.

El motivo de fijar su presentación más importante para el 24 de agosto no es casual. Según indica la banda, ese día pero de 1969 un grupo de jóvenes músicos, encabezados por los hermanos Sergio, Fernando y Patricio González además de Francisco Sazo, actuaron en vivo por primera vez. El lugar fue el Teatro Velarde de Quilpué y en un horario fue muy particular: las 11:00 de la mañana. Cincuenta años después, la banda festejará ese hito y espera hacerlo frente a un teatro repleto.

Junto con revelar la celebración más masiva de sus cincuenta años de vida, el grupo Congreso también anuncia un proyecto muy especial. La idea es que el público también se haga parte de este festejo y por lo mismo, la invitación es a compartir historias, anécdotas, momentos especiales que le hayan pasado a cualquier persona, y que estén relacionados con Congreso. Las historias se pueden compartir al mail Congresoen50años@gmail.com y serán compartidas a través de las redes sociales de la banda, y también se mostrarán el día del show en el Teatro Caupolicán.

Los festejos de Congreso comenzaron a fines de enero con tres conciertos con tickets agotados en el Teatro Municipal Las Condes. Durante febrero el grupo estuvo en el festival Rockódromo y en el festival de Laja, y luego en marzo se trasladaron al sur, pasando por Punta Arenas, Puerto Varas, Valdivia y Temuco. Su show más reciente fue el que ofrecieron el sábado 13 de abril en el Club Chocolate. Las entradas para ver a Congreso el sábado 24 de agosto en el Teatro Caupolicán se pueden conseguir a través del sistema Ticketek.

Isabel Parra: "Siento que este familión ya se extingue"

Raimundo Flores
Espectáculos
El Mercurio

A días de cumplir 80 años, la cantautora acaba de publicar un nuevo álbum. Además se muestra crítica del Premio Nacional de Música y reflexiona sobre la obra familiar.



Isabel Parra ya perdió la cuenta de cuántos discos ha publicado. "Por lo menos unos 100", dice sentada en una oficina del Museo Violeta Parra, mientras la duda hace aflorar los recuerdos de más de seis décadas de trayectoria. "En la Peña de los Parra a cada rato hacíamos discos. Nos íbamos al estudio y grabábamos un long play en una tarde. El bombo, el cuatro, el Ángel y yo", agrega.

"Saludos a todos", el más reciente álbum de ese largo catálogo, se publicó el pasado viernes 12. Un trabajo que la volvió a unir con Inti Illimani y que contó con los arreglos de Manuel Meriño, director musical del conjunto. En total son 10 canciones que incluyen en su mayoría reversiones de temas propios -como "Ni toda la tierra entera" y "No me gusta no", famosa por su aparición en la franja del NO- y dos cuecas inéditas que compuso recientemente. Una de ellas, "Los amores mal nombrados", demuestra la vigencia de la obra de Parra, abordando un tema en boga en la actualidad. "Tengo temor a los amores opresores, de todo tipo, no solamente de pareja. Todas las relaciones opresoras son fatales para el ser humano", afirma.

Consultada sobre el movimiento feminista y por cómo su madre ha sido considerada muchas veces como un referente para la causa, Parra reflexiona: "La Violeta Parra fue la primera feminista chilena de la música, diría yo. Con su postura, su crítica, sus cantos de amor y desamor y con esta capacidad de luchar a través del canto. Entonces cómo no va a ser referente". Luego, aborda su experiencia personal en la masiva marcha del pasado 8 de marzo: "Nunca fui a una marcha de esa envergadura en Chile. En este momento nosotras seguimos postergadas y maltratadas y hay un despertar de la conciencia femenina que estuvo muy dormida".

Otra novedad que trajo "Saludos a todos" fue el acercamiento de Parra a las redes sociales, un mundo que le ha permitido compartir el proceso creativo del disco y acercarse a nuevas generaciones de seguidores. "Hay una cantidad de gente joven que ni te cuento. Eso es bien impactante porque se supone que lo que hacemos nosotros ya pasó, que estamos todos viejos, que nos repetimos, que somos todos picantes y upelientos, y resulta que no es así. Hay cabros y niñas jóvenes que me dicen que cantan mis canciones desde que son chiquititos", cuenta entusiasmada.

"No creo en la permanencia de los legados"

El 2018 para Parra estuvo marcado por su postulación al Premio Nacional de Música, que finalmente quedó en las manos de Juan Allende-Blin. "Ese premio ha sido siempre chueco, siempre ha estado destinado a los hombres, siguiendo la dinámica esta del hombre con la pata encima. Puros académicos, lo popular ahí no corre. Académicos que se van premiando los unos a los otros", dice crítica, aunque también hace hincapié en que su candidatura fue "una buena experiencia" y no cierra la puerta a volver a postular.

Parra aclara que no trabaja por los premios y que se mantiene con energía y entusiasmo planeando nuevo proyectos, aunque también tiene presente que eso no durará para siempre: "Siento que este familión que estaba tan potente en un momento ya se extingue. No sé hasta cuándo me durará la cuerda, me durará hasta que me dure. No me pongo a pensar qué será de mi vida el año que viene".

-Usted dice que la familia se extingue, pero en los últimos años ha encabezado un trabajo por mantener el legado de sus parientes...

"Le hemos hecho harto empeño para que no se extinga pero también creo que el tiempo va borrando, las cosas se van quedando atrás. No creo en la permanencia de los legados. Que no se malentienda, porque naturalmente el legado de la Violeta está vivito, igual que el de Nicanor, del tío Roberto, del tío Lalo. Eso existe, pero no doy fe de que sea eterno, eso durará lo que la gente quiera supongo yo, pero no me puedo preocupar de eso. Mientras tenga energía y esté sana, voy a seguir trabajando para que eso no se olvide.

Gira europea
El 26 de abril la cantautora se presentará junto a su hija Tita en Bruselas, en la inauguración de una muestra que exhibirá una arpillera de Violeta Parra. El 18 de mayo estará en la reinauguración del Centro Cultural Ángel Parra en París.

Ministerio de las Culturas y su apuesta por las audiencias

Maureen Lennon Zaninovic
Cultura
El Mercurio

Javier Ibacache, jefe de la unidad de programación de esta cartera , adelanta que trabajarán con cinco teatros y centros.



Diversos estudios y expertos concluyen que a lo largo de todo nuestro territorio se está produciendo una proliferación de centros culturales y teatros sin contenido o que, muchas veces por desconocimiento, los directores de estos recintos programan sin estudios o consideraciones de la audiencia.

"Es importante que los espacios cuenten con un plan de gestión, pero un plan que integre a los públicos como un eje fundamental. Uno visualiza que cuando estos recintos cuentan con un proyecto en el tiempo y consideran a las audiencias, se obtienen resultados significativos", señala Javier Ibacache, jefe de la unidad de programación artística y formación de públicos del Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio. El profesional añade que hoy la sustentabilidad de los espacios "pasa, en gran medida, por la vinculación que se logre generar con las personas. Esa es la base para poder legitimar la transferencia de recursos, privados o públicos, que reciben. Queremos contribuir a que los centros y teatros que han obtenido aportes para su construcción y puesta en marcha puedan contar con un diseño de programación artística que dialogue con la gente. Que no sean meros contenedores de obras".

Diagnóstico y programación

La unidad que él lidera forma parte de los lineamientos centrales que rigen al Ministerio de las Culturas. "Estamos ante una entidad muy nueva (tiene menos de un año de funcionamiento) que, en primer lugar, busca crear un marco interno sobre cómo generar los públicos, integrando las políticas y las iniciativas que se desarrollan desde la cartera; pero también tratando de concebir un marco de referencia conceptual, es decir, definir qué entendemos por audiencias y qué estamos diciendo cuando queremos formarlas o fidelizarlas", dice.

Javier Ibacache explica que una de las primeras medidas fue contratar a una consultora externa, la que, a su vez, realizó un diagnóstico de diez escenarios culturales de todo el país. Paralelamente, se escogió a cinco de estos espacios (Teatro Municipal de Ovalle, Centro Cultural de San Antonio, Centro Cultural de Quillota, Teatro Municipal de La Pintana y Teatro Regional del Biobío) para diseñar un plan piloto. "Todos ellos fueron escogidos por su impacto territorial, enfoque en los públicos y potencial para incidir en las brechas locales que condicionan el acceso y la participación de las personas", advierte el profesional, y explica que el plan consiste en acompañarlos en un desarrollo de sus audiencias y dotarlos de programación artística durante el segundo semestre. "Se abrirá una convocatoria para compañías y creadores de diversas áreas de las artes escénicas, como la danza, la música, el teatro y la ópera. La convocatoria va a estar abierta durante todo el mes de abril y nuestra unidad va a financiar los montajes que queden seleccionados y su circulación".

Más información en www.cultura.gob.cl/ministerio/

Concurso para músicos llevará a jóvenes a grabar a Estados Unidos

El Mercurio

La academia School of Rock y el prestigioso sello Atlantic Records lanzaron una convocatoria en Chile para un concurso que premiará a 25 seleccionados con un viaje a Los Angeles, en donde podrán grabar y audicionar frente a ejecutivos de la compañía discográfica. Las postulaciones, para jóvenes de entre 13 y 19 años, se pueden hacer en el sitio schoolofrock.com/centerstage.

Kanye West estrenó canción en Coachella

El Mercurio

El rapero se presentó ayer en la última jornada del festival californiano, en un show atípico que se realizó desde un monte y que incluyó un coro de gospel y una variada lista de invitados. La presentación de West en Coachella fue promovida como un "servicio dominical", que estuvo enfocado mayoritariamente en contenido religioso y donde el músico presentó una canción inédita que llevaría el título de "Water". Más tarde, fue invitado al escenario en la presentación de Kid Cudi.

Ciclo Voces y Estilos llega a Chilepianos


Comunicado de prensa

El ciclo Voces y estilos es una serie de conciertos organizados y producidos por el cantante nacional de jazz Rodrigo González, quien reunió a un variado conjunto de artistas con énfasis en el canto para presentarse en el espacio de conciertos de la tienda Chilepianos, ubicada en la comuna de Ñuñoa.

Los conciertos se efectuarán a partir del jueves 25 de abril a las 20.30 hrs., con la presentación de la soprano y maestra Marisol González, quien es cantante lírica de vasta trayectoria como intérprete y profesora de canto. Realizó sus estudios en Chile y más tarde en Alemania. Ha destacado por sus recitales de canto y piano en las principales salas de concierto del país, con obras francesas, alemanas, inglesas y particularmente obras de compositores latinoamericanos y chilenos en especial.

Marisol se ha destacado siempre por su versatilidad, que le ha permitido abordar  otros géneros como el musical, los spirituals, el jazz. Paralelamente, sigue desarrollando una interesante  tarea de formar nuevos cantantes,  traspasando su experiencia a las nuevas generaciones.

Para el 25 ha preparado un escogido programa de canciones de concierto (LIED) de Argentina, Portugal, Inglaterra, Francia y Chile para piano y voz junto a la maestra Virna Osses.

Las entradas tienen un valor de $5.000 y se obtienen en la puerta del recinto. La dirección del lugar es General Gorostiaga 61, metro Villa Frei.

Pianista Felipe Riveros se presenta junto a Federico Dannemann en Chilepianos

Comunicado de prensa

El próximo viernes 26 de abril, a partir de las 20 hrs., el reconocido pianista Felipe Riveros se presenta, en un formato a dúo junto al guitarrista Federico Dannemann en Chilepianos, General Gorostiaga 61, Ñuñoa - Metro Villa Frei.

El solo hecho de haber superado la década de residencia en Nueva York, en tiempos que ello resultaba altamente improbable para los músicos chilenos, hizo de Felipe Riveros un pianista de muy distinta y marcada orientación en el jazz respecto de otros solistas.

En el intertanto, el pianista hizo su primera incursión en el formato del quinteto clásico, reuniendo alrededor suyo a nombres mayores de la generación cero-cero: Sebastián Jordán (trompeta), Claudio Rubio (saxo tenor), y los mismos Pablo Menares (contrabajo) y Félix Lecaros (batería), una de sus secciones rítmicas predilectas.

Su viajes entre París y Santiago lo llevarían poco después a iniciar otro proyecto creativo, ahora en solitario, con el registro de una serie de piezas improvisadas al piano, que grabó en instrumentos Steinway & Sons en distintos momentos en ambas ciudades.

La actividad se enmarca en el 4º Ciclo Anual de Músicas que la Asociación Cultural la Casa de Todos gestiona y produce en Chilepianos.

Las entradas tienen un valor de $5.000 y se encuentran a la venta mediante el correo de la producción: correocasadetodos@gmail.com, las que también pueden ser canceladas el día del evento.

Esteban Pavez presenta nuevo adelanto de su segundo disco

Comunicado de prensa

Tras cerrar una contundente etapa de composición y presentaciones en vivo, el joven compositor y arreglista Esteban Pavez se apronta a estrenar nuevo material por plataformas de streaming, para así llegar a una mayor audiencia que se suma a la que ha cultivado en sus conciertos.

El cantautor y arreglista que compone desde temprana edad a través del canto y la guitarra,  ha desarrollado un lenguaje y sonoridad que define como instintiva y por sobre todo apasionada. Tras su paso por grupos de rock, funk y blues decide grabar su primer disco solista titulado “Zoi”, el cual fue presentado en diversos escenarios y en el reconocido Festival Woodstaco, además de presentaciones en Argentina (2015).

Actualmente está a punto de lanzar su segundo disco solista llamado “Mestizo”, del cual se desprende este track -que también da el nombre al disco-  con atisbos de ritmos brasileños, blues y lúdicos breaks rítmicos.

Escuchar en Spotify

domingo, abril 21, 2019

Buddy Richard: "Siempre voy dos pasos adelante de lo que viene"

José Vásquez
Espectáculos
El Mercurio

El ídolo de la Nueva Ola habla de su completa indiferencia hacia la tecnología y asegura que no le interesa volver a grabar un nuevo tema y que no teme cantar para los jóvenes. "Para ellos soy un tío bacán", dice con risueño orgullo.



Los focos siempre en el escenario, nunca fuera de él. Buddy Richard (75) es el más esquivo de los ídolos de la Nueva Ola, pero también uno de los de mayor integridad artística con máximas que pretende respetar hasta el final de su vida musical. "Una cosa es la actuación y otra muy distinta es la vida privada que a mí nunca me gustado exponer, lo encuentro hasta de mal gusto", dice con sinceridad.

Para el cantautor, reacio a las entrevistas, sobre todo en la televisión -que cuenta, prefiere evitar-, la exposición a través de las redes sociales es una acción que va completamente en contra de su estricta disciplina por cultivar el bajo el perfil. "Si se quiere, soy un poco apático, no tengo redes sociales, me cargan, pero eso no significa que no esté activo", cuenta desde su hogar en Graneros, donde vive cómodamente.

Ricardo Toro -su verdadero nombre- dice que cuando puede juega tenis con su esposa, que ahora disfruta sus días en familia y que solo de vez en cuando siente algún "dolorcillo" por la edad, pero "nada serio", señala. "Tengo más de 70 años, hay cosas que son medio naturales, pero estoy bastante bien, además, hay harta pega para los artistas en general".

Pese a no tener figuración mediática, la actividad de Buddy Richard es de visitas periódicas al escenario, incluso fuera de Chile, y ahora se acaba de sumar a una función especial de "Los inolvidables de siempre", grupo que reúne a José Alfredo Fuentes, Wildo, Germán Casas, Los Hermanos Zabaleta y la Orquesta de Horacio Saavedra el próximo 5 de mayo en el Gran Arena Monticello.

Un impulso artístico de actuaciones que aunque dice que tiene un buen pasar lo sigue haciendo para cumplir con un compromiso personal. "No es que no me guste el escenario y el aplauso, es bonito cuando a esta altura de mi carrera la gente todavía se pone de pie al verte y canta tus canciones, pero ahora sigo cantando para pagar la universidad de mis nietos y algunos colegios particulares, que es una decisión mía. Además, me hace bien salir de vez en cuando de la casa también, me entretengo".

-¿Y qué pasará cuando se acaben esas colegiaturas?

"Yo creo que va a coincidir con que ya voy a estar medio cabreado de viajar".

-Suena a que tiene todo planificado.

"Yo siempre voy dos pasos adelante de lo que viene. No soy rico, pero mi pasar es muy tranquilo y eso es porque cuando grabé mis primeros hits en vez de comprarme, por ejemplo, un auto convertible, hacía cosas como comprarme un sitio en Las Condes, que en esa época era una chacra y ahora por ahí está el Alto Las Condes, entonces cuando vendí esa casa el negocio fue millonario".

-Los shows del recuerdo en los últimos cinco años se han vuelto muy populares. ¿No le gustaría componer un tema que identifique el presente de todo este público adulto mayor que lo va a ver?

"Es que ya no me mueve grabar, no me dan ganas ni de tirar las manos al piano. No entiendo la industria discográfica actual, a mí me basta con cantar casi todos los fines de semana con mis músicos, con eso soy feliz".

-Cuando Los Tres grabaron sus canciones en los noventa, lo inyectaron en un nuevo público, ¿por qué cree que esa audiencia se sigue renovando?

"Lo del Alvarito (Henríquez) fue fundamental. Hay gente que uno da por sentado que es muy famosa, pero por ejemplo, yo le puedo preguntar a un nieto por Don Francisco y es probable que no lo conozca o diga 'ah, el gallo de la Teletón' y para nosotros él es un Dios. Los tiempos van pasando para todos y yo quizás me he mantenido un poquito más conocido para otras generaciones por lo de Los Tres, para ellos soy un tío bacán. Por eso cuando me invitaron a La Cumbre, acepté, porque no le tengo miedo a tocar para un público joven".

Millaray Viera: "La música forma parte fundamental de mi vida"

Patricia Cerda F.
Espectáculos
El Mercurio

La hija del cantante Gervasio y de la exmodelo Mónica Aguirre ha hecho una carrera ascendente en Chilevisión, donde está al frente de "Sabingo" y ahora fue confirmada en la animación del nuevo estelar "Yo soy".



Millaray Viera pudo haber sido cantante, pero una crisis vocacional y sus propias inseguridades hicieron que el proyecto se esfumara. La hija del desaparecido cantante Gervasio y de la exmodelo Mónica Aguirre cuenta que desde que tiene uso de razón en su casa se escuchaba música.

"La música forma parte fundamental de mi vida. Nací con la música de mi papá, pero el murió cuando yo era muy chica; la que nos inculcó el gusto por la música fue mi mamá. En mi casa se escuchaba de todo, por un lado estaban Silvio (Rodríguez) o Quilapayún y, por el otro, Los Beatles", dice Viera, quien acaba de ser confirmada como animadora del programa de imitadores de CHV "Yo soy".

El estelar, que buscará talentos musicales, lleva a Viera a conectarse con su propia historia. De hecho, ella se hizo conocida en el programa de talentos de Canal 13 "Nace una estrella" y, cuando todavía estaba en el colegio, llegó a firmar un contrato con Warner Music para grabar un disco. "Me vino una especie de crisis vocacional porque todavía me quedaba terminar el colegio y ya habíamos empezado a grabar el disco y no podía con todo", cuenta Millaray.

Y se apura en aclarar que no se siente para nada una artista frustrada. "Lo que más me gusta es cantar y componer y eso lo sigo haciendo de manera privada. No está en mis planes ser una cantante profesional; tengo muchas inseguridades y nunca lo pasé tan bien mostrando las cosas que hacía", explica ella, que lleva la música en los genes y no solo por el vínculo con su padre, pues su abuelo materno, Orlando Aguirre, más conocido como Eduardo Casas, era cantante del grupo Los Flamingos.

Pero la relación de Millaray con la música no terminó en su frustrado contrato con Warner. En 2003 animó en Canal 13 un remake del programa "Música libre" y, posteriormente, estudio Licenciatura en Ejecución Musical en México, país donde vivió junto a su entonces pareja Álvaro López, exvocalista del grupo Los Bunkers. En la capital azteca, además, animó para Televisa el noticiero musical "Fama".

Con ese currículum a cuestas no era difícil que CHV la confirmara como el rostro de su nuevo estelar, que también está ligado a buscar talentos musicales. "Para mí es una tremenda oportunidad. Si me hubieran dado a elegir qué tipo de programa quería hacer, seguramente habría elegido uno de talentos musicales", sentencia Millaray, quien en paralelo seguirá los fines de semana al frente de "Sabingo" junto a Juan Pablo Queraltó.

Sobre el rol que cumplirá en el programa de talentos, que ya confirmó a Myriam Hernández como jurado y debutaría el próximo mes, comenta: "Mi rol irá mutando a lo largo de los capítulos. En un principio va a ser más bien secundario, porque en la etapa de casting el jurado es el que tiene más protagonismo. En esa primera parte, más que nada voy a presentar el programa y a estar en el backstage con las familias de los participantes". Precisa que es en la etapa de las galas "donde el rol de animadora ya tiene una participación más importante".

La animadora concluye diciendo que se siente una mujer afortunada por las oportunidades laborales que ha tenido en televisión y el cariño constante que la gente le expresa en la calle. "Es una cosa muy loca porque el cariño es de distintas generaciones. Por la gente mayor, hay mucho cariño heredado de mi papá y mi mamá, y lo de la gente más joven creo que tiene más que ver con mi participación en matinales y con 'Sabingo'".

Matrimonio
Millaray Viera vive hace siete años con el diputado PS Marcelo Díaz, con el que tiene una hija y planeaban casarse en marzo pasado. "Tuvimos que postergarlo por razones personales, porque estamos los dos bien colapsados", explica y agrega que el proyecto sigue en pie: "Nos gustaría compartir el rito con los amigos y ya anunciaremos nueva fecha".

Lo organiza la Sociedad Federico Chopin: Javier Covacevich abre ciclo Jóvenes Pianistas

Maureen Lennon Zaninovic
Cultura
El Mercurio

El músico se presentará este lunes en la Sala Arrau, con obras de Beethoven y Chopin.



El primer contacto con el piano de Javier Covacevich (29) fue de niño, en su Punta Arenas natal. "Mi abuela paterna, Flora Concha, me regaló un tecladito de juguete. En mi casa se escuchaba música clásica todo el tiempo y mi abuela llegó a tener un programa de radio dedicado a la música. Lamentablemente no la alcancé a escuchar, pero sin duda fue un impulso importante en mi vocación", señala instalado en un departamento de Providencia.

Añade que su primer profesor fue Sergio Pérez, en el Conservatorio de la Universidad de Magallanes, y que luego, tras terminar la enseñanza media, en Santiago se matriculó en Ingeniería Comercial en la UC, "pero alcancé a estar solo un semestre. Volví al piano y me cambié, en la misma universidad, al Instituto de Música (IMUC) con los profesores Jacqueline Urízar y posteriormente con Mario Alarcón", dice.

Un intensivo

Ex becado de honor de la Corporación Amigos del Municipal, Javier Covacevich abrirá este lunes, a las 19:30 horas en la Sala Arrau del Municipal de Santiago (entrada liberada), el ciclo Jóvenes Pianistas que organiza la Sociedad Federico Chopin. El programa incluye la Sonata para piano N° 23, "Appassionata", de Beethoven; Andante spianato y gran polonesa brillante, Op. 22; Scherzo N° 2, Op. 31 y Nocturno N° 1, Op. 48, de Chopin.

"Tuve que preparar obras del compositor polaco que no había estudiado. Fue como empezar de nuevo, un intensivo y un aliciente para pensar qué otras piezas puedo abordar a futuro. Mi actual profesora, Frida Conn, me dice que me queda muy bien Chopin y que me puedo proyectar en este repertorio", sostiene este pianista que recibió el premio al mejor egresado de su generación y también es licenciado en estética por la UC. Agrega sobre el programa que tocará en la Sala Arrau que el Andante spianato y gran polonesa brillante es una composición temprana del músico y "su estilo es bien fresco, liviano y virtuoso. Algunos consideran que es un poco exhibicionista, pero es una pieza con muchas escalas y muy difícil de interpretar. El Nocturno, en tanto, es expresivo y arrebatado, pero también tiene mucha suavidad. Hay que llegar a un término medio para mantener su carácter íntimo y no descontrolarse".

Sobre la "Appassionata", de Beethoven, Javier Covacevich concluye que se ha escrito bastante sobre esta sonata, "pero para mí es una pieza de transición. Bastante grande, intensa emocionalmente y sobre todo su tercer movimiento es un reto, porque no para. No hay descanso. Es un movimiento perpetuo".

El ciclo continuará en la Sala Arrau el lunes 20 de mayo con la presentación de Aria Kamanaka (Sao Paulo). El 24 de junio será el turno de Luis Alberto Latorre y Katharina Paslawski, y el 22 de julio tocará Anna Suzuki (Japón). El 26 de agosto está confirmado el pianista uruguayo Rafael González, y el 30 de septiembre, Cristián Leal (recital en fortepiano). Finalmente, el lunes 28 de octubre cerrarán el ciclo los ganadores del X Certamen Flora Guerra. Todas las presentaciones son a las 19:30 horas, en la Sala Arrau (gratis).

Algunas ceremonias datan de la Colonia: Alto Loa revive tradiciones religiosas en Semana Santa

Claudio Cerda Santander
Nacional
El Mercurio

"Fabriqueras" y "esclavas de la Virgen" cumplen rol central en actividades de Semana Santa en el norte, incluyendo procesión con Cristo descendido de la cruz.



Las antiguas labores de "esclavas de la Virgen" y "fabriqueras", a cargo del cuidado de las pequeñas parroquias y santuarios en el denominado Alto El Loa, resurgen con profunda entrega popular durante Semana Santa a lo largo del desierto de Atacama, en la Región de Antofagasta.

Se trata de ritos cristianos cuyos orígenes se hallarían vinculados al sincretismo cultural surgido tras la llegada de las primeras avanzadas de conquistadores españoles, un intercambio que se profundizó durante el período de la Colonia.

En el llamado Alto El Loa, la iglesia San Francisco de Chiu Chiu concentra gran parte de estas actividades religiosas.

En el templo, considerado Monumento Histórico y data de antes de 1611, Cristina Hrepic (70) cumple la labor de "fabriquera" en la iglesia desde 1975. Su misión va desde el cambio de "ropita" de los antiquísimos santos hasta el cuidado de la capilla. "Creo que esta fiesta de la Semana Santa en Chiu Chiu es la única que hemos mantenido desde la llegada de los españoles", comenta la descendiente de antiguos yugoslavos.

"El día viernes es el más importante en el pueblo. Hacemos el descendimiento de Cristo, se saca su corona, clavos y se le entrega a la Virgen de Dolores, que es articulada. Lo toma en sus manos y lo besa", describe Hrepic el momento previo en que se deposita la figura de Jesús en una urna de vidrio para llevarlo en procesión por las calles del pueblo.

Mientras que el sacerdote de la iglesia de San Pedro de Atacama, Néstor Veneros, valora la preservación de viejas ceremonias religiosas en las comunidades locales. "Como la procesión entre la Virgen y San Juan, que se hace solo en Chiu Chiu y San Pedro de Atacama. Ambos salen por lados distintos de la iglesia, en andas de los fieles, y se juntan en una esquina del pueblo. Ahí Juan le comenta a la Virgen que tomaron preso a Jesús", detalla.

En el santuario de Coska, en tanto, pequeño poblado ubicado próximo a Ollagüe, comuna a pasos de Bolivia, Carmen Arancibia (51) cumple la labor de "esclava de la Virgen".

Se trata de una tradición heredada por generaciones. "Estamos al servicio de la Virgen para todo lo que ella necesite en su fiesta y también durante el año", comenta la mujer, orgullosa de participar en el rito.

Séptima Sinfonía de Mahler: donde el pasado sucumbe a las urgencias del presente

El Mercurio

JUAN PABLO GONZÁLEZ
Director de Extensión del Instituto de Música, Universidad Alberto Hurtado
Música
El Mercurio

Las sinfonías de Mahler sufrieron con la crítica de su época, que las consideraba "excesivamente largas, demasiado fuertes y algo discordantes". Pero 50 años después de la muerte del compositor, su música vivió una resurrección de la mano de la tecnología y de grandes directores.



A fines del siglo XIX, la orquesta sinfónica llegaba a los límites de su crecimiento debido a la confluencia de factores técnicos, artísticos y empresariales. Al mismo tiempo que los instrumentos de viento perfeccionaban sus mecanismos de emisión del sonido, incrementando su volumen y precisión, aumentaban los músicos formados en los nuevos conservatorios y se consolidaban las orquestas profesionales, tanto en Europa como en Estados Unidos. Este era el panorama que le esperaba a Gustav Mahler (1860-1911) al inicio de su carrera artística en 1880, volcada más a la dirección que a la composición.

Conocido como un director exigente, Mahler siempre se esforzó por lograr la máxima precisión y compromiso de los intérpretes que actuaban bajo su dirección, lo que muchas veces le valió la antipatía de músicos y administradores. "Nunca había yo imaginado una palabra tan precisa, un gesto tan autoritario, capaces de reducir a los demás a una obediencia ciega", señala su discípulo, amigo y biógrafo, Bruno Walter, pionero en el rescate de su obra. A los 30 años de edad, Mahler ya era considerado un maestro en la conducción de las grandes orquestas de la época, y bajo su batuta desfilarían, entre otras, la orquesta de la Ópera de Hamburgo, la Filarmónica de Viena y la Filarmónica de Nueva York, que dirigió hasta poco antes de su muerte.

Debido a su nutrido calendario de conciertos, Mahler solo podía componer con tranquilidad durante los veranos, retirándose con su esposa Alma y sus dos hijas a orillas de un lago en Austria, donde creaba en estrecho contacto con la naturaleza. Lo que escribía entre julio y agosto, lo orquestaba el resto del año en los momentos que su intensa labor como director se lo permitía. Luego revisaría una y otra vez lo escrito, indicando hasta el más mínimo detalle en su grandiosa obra. Con este método de trabajo, Mahler nos legó 10 sinfonías, cinco ciclos de canciones con orquesta y dos ciclos de canciones con piano.

En sus sinfonías, Mahler logra reconciliar dos vertientes de la música del siglo XIX que parecían estar en las antípodas: la persistencia del formalismo clásico en la obra de Schumann y Brahms, por un lado, y el impulso hacia la música descriptiva, iniciado por Berlioz y coronado por Liszt. De esta manera, junto con el uso de la forma sonata clásica y sus derivados, en las sinfonías de Mahler abundan los títulos descriptivos, como si se tratara de verdaderos poemas sinfónicos. La primera es conocida como "Titán"; la segunda, "Resurrección"; la tercera, "Sueño de una mañana de verano"; la quinta, "Gigante"; la sexta, "Trágica"; la séptima, "La canción de la noche", y la octava, "Sinfonía de los mil".

Su Séptima Sinfonía en cinco movimientos, estrenada en 1908 por el propio Mahler en Praga y grabada recién en 1953 por Hermann Scherchen, recibe su nombre a partir de los dos movimientos pares de ambiente nocturnal o Nachtmusik. El primero, Allegro moderato, aparentemente inspirado en la pintura "La ronda nocturna", de Rembrandt. Entre estos dos movimientos se ubica un scherzo de raigambre beethoveniana, que anticipa el brillante rondó final, el que incluso tiene rasgos dieciochescos. Si a esto sumamos que el movimiento inicial tiene forma sonata, tenemos un claro ejemplo de esa búsqueda de reconciliación entre la persistencia del formalismo clásico y su disolución. Esto le causaba dudas al propio compositor, debido al peligro de ser catalogado de ecléctico. De hecho, sus sinfonías fueron condenadas por los críticos de la época como "excesivamente largas, demasiado fuertes y algo discordantes". Mas aún, la prensa de Nueva York llegó a decir que su música no le sobreviviría, lo que efectivamente sucedió después de su muerte. Lo que los críticos no sabían es que más tarde resucitaría.

Los movimientos centrales de su Séptima Sinfonía son de raigambre expresionista, con una música más abstracta y desfigurada, propia de los cambios que venían en el siglo XX y que Mahler ya percibía. Se trata de los sonidos de un mundo exquisitamente decadente, con resabios desfigurados de una tradición condenada a transformarse o morir. En su obra se manifiesta una obsesión por el sentido del sufrimiento humano y por las interrogantes que despierta la muerte. De hecho, la muerte siempre rondó la vida de Mahler, pues solo la mitad de sus 13 hermanos llegaría a la adultez y, además, perdería a su hija María a los cinco años de edad. Esto acentuó su espíritu trágico y sus interrogantes metafísicas, algo que ni el propio Sigmund Freud pudo ayudarlo a resolver. Su Sexta Sinfonía, "Trágica", es testimonio de todo esto.

Con grandes volúmenes sonoros, agudos contrastes temáticos y prolongados pasajes suspendidos, Mahler parece interrogar las profundidades del alma, develándonos desde el sonido la superación del sufrimiento y la trascendencia hacia lo desconocido. Con su música, Mahler nos enfrenta a la epopeya de un héroe atormentado que parece transitar por los retazos de un romanticismo agonizante. Es el héroe en su ruta hacia el cadalso en medio de fanfarrias que anuncian la muerte de una época, con la esperanza de su persistencia en la memoria.

Gracias a los esfuerzos de Bruno Walter y a la labor de dirección y grabación realizada por directores como Leonard Bernstein, las sinfonías de Mahler se hicieron más conocidas a partir de la década de 1950. Esto coincidía con la aparición del disco de larga duración, o long play , y del sistema de alta fidelidad, que permitía escuchar en casa sus extensas sinfonías en unos pocos discos que reproducían fielmente desde las pequeñas sutilezas hasta el enorme poder del sonido sinfónico. Además, con la aparición de una nueva generación de auditores a mediados del siglo XX, quedaba atrás la polémica sobre la supuesta decadencia posromántica de Mahler, que había opacado su reputación durante el modernismo de entreguerras.

La creación de la Sociedad Internacional Gustav Mahler en Viena, en 1955, con Bruno Walter como su primer presidente y Alma Mahler como socia honoraria, permitió realizar la edición crítica de su obra y también organizar las conmemoraciones de los diferentes aspectos de la vida del compositor. De este modo, empezó a despertarse entre el público una pasión tan grande por Mahler, que ha llegado a transformarse en ídolo y objeto de culto, como si fuera una estrella de rock. Es así como sus seguidores coleccionan estampillas, postales, camisetas y medallas con su esfinge. Incluso, cada 7 de julio, los mahleristas celebran el cumpleaños del compositor escuchando sus 10 sinfonías en forma continuada durante todo el día, esperando que todos sean tan mahlerianos en casa.

Mahler llegó a los límites de la tonalidad, preparando el terreno para su disolución. De este modo, Schoenberg, quien sistematizó lo que vendría después, le dedicó su famoso Tratado de Armonía en un gesto de reconocimiento a un maestro que su época no supo comprender. En su "In Memoriam a Gustav Mahler", publicado en 1912, Schoenberg nos habla de Mahler como de un santo. Cualquiera que lo haya conocido, afirma, debió haber tenido esa sensación. De hecho, pocos lo honraron en vida y muchos reaccionaron frente al santo martirizándolo, haciendo que dudara del propio valor de su obra. La incomprensión del artista por el público de su tiempo -tan común en la época contemporánea- tuvo una de sus primeras víctimas en Mahler, quien mereció conocer en vida el afecto y la pasión que tantos sentimos por su música.

Fijan reunión del Teatro Municipal sobre "situación financiera"

Economía y Negocios Domingo
El Mercurio


Finalmente será este martes el día en que se concrete la tan anhelada reunión que habían solicitado los siete sindicatos del Teatro Municipal de Santiago con sus autoridades, de modo de conocer el estado financiero de la entidad.

Este miércoles, la subgerencia de Personas del Teatro envió una comunicación interna a sus colaboradores en la que les informa que la dirección general de la entidad "cita a todo el personal a una reunión informativa para exponer la situación financiera y económica del Municipal de Santiago". Según la misiva, a la que tuvo acceso "El Mercurio", la cita está agendada para el martes, a las 16:30.

Dicha reunión se realizará en medio del debate que surgió en los últimos días por el real estado de las finanzas de la entidad, luego de que varios sindicatos alertaran incluso del no pago de cotizaciones previsionales. El director general del Municipal, Frédéric Chambert, respondió señalando que esos compromisos estaban siendo pagados.

PROYECTO GLOBAL ART Presentado en el Museo San Francisco: Libros únicos de poesía son intervenidos por artistas del mundo

CECILIA VALDÉS URRUTIA
Artes y Letras
El Mercurio

La iniciativa del editor francés y exdirector de la Escuela de Arte de la Universidad de Reims, Gervais Jassaud, de hacer libros únicos de arte en torno a un poema, llegó a Chile. Y lo hizo con trabajos de diversos artistas del exterior en torno a poemas de Armando Uribe, Ximena Godoy y Martín Gubbins. Mientras, aquí, una pintora como Francisca Sutil interpreta plásticamente un poema del Pulitzer Ron Padgett.



La idea del intelectual y editor francés Gervais Jassaud de hacer estos libros únicos y desafiantes, de singular estética, partió hace décadas con poetas y artistas franceses vivos. Pero muy luego empezó a combinar a escritores de una nacionalidad con arte de otros lugares del mundo, en lo que se convertiría en un renovador y revelador proyecto de arte y poesía.

Han participado ya varias decenas de poemas de autores como John Ashbery, Nani Balestrini o Rafael Rubinstein, y más de 60 reconocidos artistas de 34 países, entre ellos, Daniel Buren, el famoso autor de la intervención con franjas en el Palais Royal de París; el conceptual y minimalista Sol Lewitt, ya fallecido; la alemana Katherine Grosse, quien protagoniza bienales; el inglés Barnaby Barford, y el argentino Pablo Siquier, entre muchos.

Y la mayoría de los celebrados ejemplares únicos se han exhibido, en conjunto, en Europa y Estados Unidos y en museos como el Gravelines de Francia. Hay más de 600 de estos libros, de estética sorprendente, circulando por el mundo.

Cita a ciegas

El proceso de cada ejemplar es, eso sí, bastante singular. El propio editor, poeta y exdirector de la Escuela de Arte de Reims, Gervais Jassaud, selecciona un poema de un autor conocido y según sus conocimientos y sensibilidad elige a artistas visuales de otros países y les envía el texto impreso, ya hecho libro, en una fina edición en papeles especiales. Lo que permitirá al artista -que en la mayoría de los casos no conoce al poeta ni mucho menos el poema- intervenir las páginas en forma libre y directa, sea a través de la pintura, acuarela, gráfica, collages y hasta con objetos escultóricos, como sucedió con un poema de Armando Uribe.

Y como dijera el crítico Pierre Giquel, "a la manera de un Vollard o un Teriad, el editor y académico Gervais Jassaud representa en Francia una figura de excepción". Todo este proyecto del intelectual -llamado en su origen Collectif Génération y hoy Global Books- se centra siempre en un solo poema de un determinado escritor y es objeto de múltiples miradas de artistas. Cada edición -de un artista visual con un poema- no supera los 12 ejemplares; y cada ejemplar intervenido por un mismo creador es distinto al otro: es arte realizado en forma directa en el soporte libro.

"Son libros artesanales con textos impresos en antiguas tipografías sobre pliegos exquisitos doblados o plisados (en un formato por lo general de 33 x 22,5 cm), explicó el poeta, editor y gestor cultural Roberto Godoy, durante la presentación de las obras sobre poetas chilenos, en el Museo de la Iglesia San Francisco. Se trata de cuatro ediciones en torno al poema de Armando Uribe "Dice en su corazón el insensato", y cuatro ediciones de la poesía "Contra-Día", de Ximena Godoy Arcaya; además de otras que circulan en el exterior o están en proceso. Al mismo tiempo, Martin Gubbins dio a conocer 16 ejemplares en torno a su poema "Verdad".

El crítico de literatura Pedro Gandolfo fue el encargado de presentar "las bellísimas obras de Uribe y Godoy". Y subrayó que "la asociación pintura-poesía de estos libros nos lleva a que consideremos las virtudes visuales de la poesía y las virtudes semánticas de la pintura".

Artes visuales y poesía poderosa de Uribe y Godoy

La poeta Ximena Godoy -compañera de tertulias poéticas, en París, con Gervais Jassaud- fue elegida con su poema "Contra-Día". "La visualidad es un componente principal de su obra. Y, por cierto, su título enigmático se abre a múltiples interpretaciones -señala Gandolfo- (...). En este poema la visualidad se funde íntimamente con el mundo de los sentidos y la musicalidad interna".

"Contra-Día" ha sido y es motivo aún, en el exterior, de interpretaciones plásticas pedidas a siete artistas visuales, quienes han realizado (otros están en ello) trabajos que van desde una pintura figurativa, pasando por un vigoroso neoexpresionismo y hasta un minimalismo. Entre las miradas plásticas destaca la propuesta sólida y genuina del canadiense Brien Wood (1948), quien vive en Nueva York, ha expuesto en el MoMA y hace pintura, fotografía, dibujo y grabado. La seductora obra visual que acompaña el poema es por momentos más figurativa y en otros se vuelve casi abstracta. Es sugerente y misteriosa.

Sobresale la intervención que hizo el artista israelí Tsibi Geva para "Contra-Día". "Él logró fundir el arte en el lazo de la invisible voz de la palabra, enredada en el plumaje de las aves. Todo ello cubierto por un gran silencio. Mientras otras artistas trabajan este mismo poema... Ya las obras terminadas se mueven por los continentes y los océanos", señala Ximena Godoy a Artes y Letras.

En la lista de artistas que han dibujado en torno al poema de la autora figuran, además, la reconocida pintora abstracta Dominique Gaultier, Stephen Buckley, Lindy Sales y Koon Lee.

En tanto, los ejemplares surgidos alrededor del poema "Dice en su corazón el insensato", de Armando Uribe, resaltan por la audacia estética. Lo que no era fácil, pues esta poesía "es una poderosa y a ratos una feroz meditación de la propia muerte y de la vanidad del poetizar que, no obstante la conciencia lúcida de la misma, sigue practicándose como un decir insensato", señala Pedro Gandolfo.

Uno de los invitados que trabajó con el poema de Uribe fue el escultor británico Barnaby Barford (1977), quien desarrolló una obra más lúdica e incorpora hasta la escultura objeto al ejemplar, como una cara de niña que luego continúa con dibujo. Barford aseguró que había sido una gran oportunidad "hacer arte en un soporte nuevo y de manera diferente. Yo no conocía la poesía antes de recibir el texto, y como no hablo español ensayé varias traducciones; después de muchas relecturas, sentí que compartía lo que el poeta decía".

El alemán Nils Udo -famoso por su obra de land art que se exhibe en museos y parques del mundo- hizo un trabajo de intervención notable inspirado en este poema de Uribe. La fuerza de su color y trazo neoexpresionista evoca justamente paisajes, logrando una obra pictórica envolvente.

Martín Gubbins y la aridez. Francisca Sutil: "Desde una cabaña"

El poeta Martin Gubbins mantiene en su casa 16 ejemplares únicos que se hicieron alrededor de su poema "Verdad", ilustrados por artistas diversos. "Cada pintor puede llegar a hacer hasta ocho o 10 intervenciones sobre un poema, es decir, hasta 10 ejemplares. Y el trato es que las tres partes involucradas -editor, artista y poeta- se distribuyen los libros", detalla. (La poeta Ximena Godoy vendió uno de ellos en 1.500 dólares).

Y entre los artistas que participaron en torno a "Verdad", Martín Gubbins escoge al venezolano Eugenio Espinoza. "Fue quien mejor interpretó mi poesía. Entendió el caso de mi poema que se refiere al lenguaje legal, que forma parte de un libro que busca mostrar los aspectos áridos, pétreos de ese lenguaje. Y generó obras que plasman geometrías simples con tonos de grises y materialidades que llevan reflejos borrosos".

También destaca a Ulf Nielsen y Victoria Civera, quienes abordaron una monocromía en esa idea de la aridez del lenguaje. El último libro en llegar, hace un mes, fue uno con intervención de Ratmuncho Matta. "Su iconografía surrealista de personajes deformes muestra muy bien cómo el sujeto es situado en el contexto de las estructuras lingüísticas jurídicas, atosigado como si estuviera bajo un mortero, pero con un logrado trabajo de color y una sensualidad expresivos".

Mientras tanto, en su taller en el campo de La Estampada, en la V Región, la pintora Francisca Sutil recibía en el verano el envío de un cuidadoso y fino ejemplar con un texto del poeta estadounidense Ron Padgett, titulado "Desde una cabaña en el bosque". La artista aún no empezaba su trabajo en el taller, ubicado también junto a un bosque nativo. No obstante, Sutil percibía una sensibilidad compartida con Padgett. El escritor es apuntado como uno de los poetas más significativos de Estados Unidos, aunque permaneció hasta hace poco sin ser traducido al español. A raíz de su colaboración con Jim Jarmuch en la película "Paterson" tradujeron todos sus poemas. Es, además, narrador y ensayista de la segunda generación de la Escuela de Nueva York, ganador del Premio Pulitzer.

Y hay más. Entre los artistas que han trabajado en este proyecto de Global Books figura la chilena Ana María Briede. Y la premiada artista Mónica Bengoa llevó su genuino lenguaje artístico al poema "Midway", del poeta y crítico estadounidense John Yau, autor de más de 50 libros y motivo de estas publicaciones de inusual valor estético, ideadas y dirigidas por el luminoso editor de libros únicos, experto en artes visuales, escritor y poeta francés, quien hoy reside en Niza, Gervais Jassud.

Camerata UNAB y soprano Patricia Cifuentes en "La Voz Encantada"

24 ABRIL 20:00 horas

La Camerata Universidad Andrés Bello, dirigida por Santiago Meza, se presentará junto a la destacada soprano chilena Patricia Cifuentes. Interpretarán el Concierto Brandenburgués Nº 3 de J. S. Bach, Exsultate Jubilate K. 165 de W. A. Mozart y la Sinfonía N°5 D.485 de F. Schubert.

Dónde : Teatro Colonial, Campus Casona de Las Condes (Fernández Concha 700).

sábado, abril 20, 2019

Una casualidad llamada Paloma Mami


Por Arturo Galarce
Reportaje
El Mercurio

En junio del año pasado publicó su primera canción en YouTube, con un video que le costó cincuenta mil pesos producirlo. Desde entonces, y en solo nueve meses, Paloma Castillo, nacida en Nueva York e hija de padres chilenos, se transformó en el primer fenómeno de este tipo en la música chilena: pasó de internet a firmar con un sello multinacional, actuó en el festival Lollapalooza ante más de 17 mil personas y se convirtió en la chilena más escuchada en la historia de Spotify en el país. Tiene 19 años. Más de dos millones de seguidores en Instagram. Y apenas tres canciones.



Paloma Mami camina a toda velocidad por los pasillos del canal Mega, rumbo al estudio del matinal Mucho gusto , seguida por su staff , por productores, por periodistas y por decenas de curiosos que quieren una selfie , un beso, un abrazo, o examinarla, nada más, como si intentaran encontrar algo; el secreto, quizá, de esa fama explosiva desatada con apenas tres canciones en YouTube.

Por si no lo sabe: Paloma Mami es la primera artista chilena reclutada por el sello Sony Music Latin; Paloma Mami ha sido destacada por la revista Rolling Stone como "una de las artistas latinas que cambió el trap para siempre"; Paloma Mami fue reseñada por la revista Billboard como "la chilena que conquistó al mundo con su flow elegante"; Paloma Mami, según Spotify, es la artista chilena más escuchada en la historia del servicio de streaming en el país.

Son las 11:40 am y el estudio del matinal es un hervidero de gente. "Nunca había pasado algo así en el set ", dirá luego una productora, mientras otro funcionario se aventurará con un diagnóstico fatal: "Esta chica mató la televisión". Sus palabras, algo exageradas, tendrán algo de sentido: Paloma Mami se popularizó sin apoyo de la industria del entretenimiento y es esa misma industria la que la busca y ruega por ella: esta entrevista, por ejemplo, debió coordinarse con dos meses de antelación y no hubo sesión de fotos por requerimiento de Paloma. Para el director de televisión y del Festival de Viña, Álex Hernández, su fenómeno representa el primer caso chileno en que una artista no necesita de la industria del espectáculo para volverse masiva. "Ella nace de su propia motivación", dice Hernández. "Es el propio público el que la instala, sin ningún tipo de estructura predeterminada que la ayude. Hoy cualquier persona puede hacerlo. Y es lo bonito que tiene esto".

Ahora huele a sofrito. Para protegerla de tanto asedio, la producción del matinal ha resguardado a Paloma en el backstage de la cocina del programa. Hay cajas de huevos, restos de verduras sobre un mesón y una mujer cocinando. Paloma Mami revisa su celular. Sus largas uñas postizas repiquetean sobre la pantalla, mientras mira su Instagram, del que debe despegarse cada vez que un trabajador del canal logra entrar para pedirle una foto. Se cuentan 38 selfies en total, incluidas las solicitadas por tres actores que Paloma no conoce (Dayana Amigo, Fernando Godoy y Antonella Ríos), y por los animadores del programa, de los que Paloma ni siquiera sabe sus nombres.

-Ese es Viñuela -le dice Lorena Astorga, su tía y booking coordinator .

-¿El de la risa divertida? -pregunta Paloma, antes de entrar al set y desatar el griterío.


Una tomboy florece

El nombre de Paloma Mami es Paloma Castillo Astorga. Nació en Manhattan, Nueva York, y es hija de dos chilenos que se radicaron a mediados de los 90 en Estados Unidos: el arquitecto Jorge Luis Castillo y la traductora en inglés y francés Andrea Astorga. Allá, contará en algunos minutos Paloma, no era la misma que hoy vemos. Allá, dirá, era una tomboy , es decir, una niña que prefiere jugar con niños, que se viste como niño, que usaba la misma ropa casi todos los días y que según su madre llevaba la comida al colegio en una bolsa de supermercado.

Su tía Lorena Astorga, en su departamento en Vitacura, la recuerda de sus viajes a Nueva York. "La vi jugar fútbol en el Central Park varias veces. Entonces era cero niña, era un niñito, pelo corto, divertida para caminar. Para mi matrimonio ella se puso un vestido y se lo sacó altiro y se puso shorts . Era un niñito. Te hablo cuando tenía 10, 11 años. Y de repente, medio cambio, ¿qué le pasó a la Paloma? Pero eso fue cuando volvieron a Chile".

El regreso a Chile fue después del divorcio de sus padres. Según Andrea, su madre y actual manager de Paloma, haberse encontrado sola y a cargo de sus hijas en una de las ciudades más caras del mundo, fue suficiente para decidir volver y rearmar su vida. Hoy es viernes. Paloma Mami está sentada en un café de Las Condes, vestida con pantalones blancos, chaleco blanco, zapatillas blancas y lentes naranja, tomando un chai latte , acompañada por su madre y Sofía Castillo, su hermana. Antes de hablar de la música, de la fama, del éxito, habla de su adaptación a Chile.

-Yo no quería venir a Chile -dice-. Estábamos en New York, yo ya tenía 16, y esa edad es la más crucial para una niña. Yo no quería conocer gente nueva, porque además soy muy antisocial, no me gusta hablar con la gente.

En Santiago, Paloma Mami y su familia vivieron en el departamento de su tía Lorena. Junto a su hermana entraron al colegio Life Support, de Las Condes, un colegio de educación personalizada y que, en general, recibe a niños que necesitan revalidar sus estudios.

-Tus padres lo han dicho: pretendían que estudiaras una carrera normal. ¿Era tu idea también?

-Nunca, nunca, nunca. Yo lo tenía claro. Gracias a Dios que pasó esto justo cuando estaba en el colegio, terminándolo, porque en verdad yo no sé qué iba a hacer. No me lo imaginaba. Siempre supe que no estaba hecha para ir al colegio, estar con amigas, estudiar en la universidad, sabía que no estaba hecha para eso. Siempre supe que era muy diferente, que nunca iba a vivir feliz si no era diferente.

Sofía Castillo la interrumpe, retomando la conversación: dice que una de las cosas que les impactó de Chile fue descubrir cómo las miraban las mujeres en la calle, generalmente con muecas de rechazo. Para ese entonces, agrega, Paloma ya no era una tomboy . Y su estilo, el mismo que hoy muestra en sus redes sociales. Aun así, creían que la situación iba a ser como en Nueva York: "Allá, si te gusta el estilo de alguien en la calle, lo paras y le dices lo bien que se ve", dice Sofía.

-¿Crees que acá, caminando en la calle, alguien me ha dicho un comentario positivo? -agrega Paloma Mami-. Nunca. Antes de ser famosa, nunca habíamos recibido un comentario así en la calle, y no era que lo esperáramos, pero era natural para nosotros. No queríamos que las mujeres nos miraran con caras feas, caras horribles. Cuando llegué, Dios mío. En la disco nos pelaban las mujeres. Me decían puras cosas y yo me hacía la tonta.

-¿Qué cosas te decían?

-Me acuerdo de una niña que me dijo: "Regresa a tu población". Y yo: "Vengo de New York, ¿qué población es esa?".

Aunque claro, explica, en Nueva York también le tocó presenciar y vivir los efectos del slut-shaming , un concepto que significa tildar de "prostituta" a las mujeres y hacerlas sentir mal por su forma de vestir, o por comportarse sexualmente como lo estimen conveniente. Alguna vez, dice Paloma, también le tocó vivir ese tipo de agresiones. Sin embargo, explica, en ese momento su colegio decidió intervenir los cursos con clases de feminismo y empoderamiento femenino.

-Ahí entendimos cosas tan simples como que estaba bien vestirte como quisieras.

-En tus redes sociales sueles subir fotos sensuales, mostrando tu escote, en bikini. ¿Te han tratado mal por eso?

-Ahora me tratan así, pero ya no pesco, porque es por internet. Siempre he tenido ese cuero de chancho. Mucha gente me dice, "para qué tienes que mostrar tu cuerpo...".

Después de un trago de chai latte , Paloma agrega:

-Aunque sé que no sería tan exitosa solamente por mi imagen, porque he visto mucha gente bonita, muy linda y no llega tan lejos. La imagen, también, no va a durar para siempre.



Tele contra fama

Una noche del primer año de Paloma en Chile, su tía Lorena Astorga la invitó a salir. La llevó al pub Chihuahua, en Vitacura, y después de un rato, animada con las canciones del karaoke, le propuso a Paloma subir al escenario y hacer un dueto. Paloma aceptó. Cuando llegó su turno de cantar, se congeló. Miró a la gente. Entró en pánico. Soltó el micrófono y corrió al baño a vomitar.

El día en que Paloma debutó en el programa de talentos Rojo , en TVN, en julio del año pasado, Lorena y Andrea, su madre, temían que la situación se repitiera. Pero no pasó: Paloma cantó.

Un mes antes, el primer paso para que Paloma incursionara en la música lo había dado Sofía, su hermana. Fue cuando un cantante chileno de trap que conoció por Instagram, llamado Tommy Boysen, invitó a Paloma a protagonizar uno de sus videoclips. Sofía aprovechó la situación para comentarle al equipo de Boysen, del sello Rimas de Balcón, que Paloma cantaba muy bien. Días después, Paloma se atrevió y grabó su primera canción, "Not Steady", producida por Rimas de Balcón.

Luego, grabó el video. El único elemento necesario fue una silla que bajaron del departamento de Lorena, su tía, antes de rodar en las áreas comunes del edificio. El 24 de junio del año pasado lo publicaron en YouTube, en el canal de Paloma Mami.

Días después vino la llamada de Rojo para que se sumara como participante. Meses antes había enviado un video casero para postular al programa.

En el café, Paloma ya terminó su chai latte .

-Cuando publicaste el video, ¿sabías lo que iba a pasar contigo?

-Igual cuando escuchábamos la canción y veíamos el video con mi familia, estábamos como ¡waaaah! Teníamos esa sensación de que iba a ser algo grande, porque era tan orgánico, tan bueno, tan genuino, que cómo la gente va a ignorar este palacete. Y sí, yo lo mostraba a mis amigos. Les decía: "Fui a un estudio". "¿Estudio de foto?". "¡No! ¡De grabación, mira!". Nadie sabía que yo cantaba. Ese mismo día lo subí a mi Instagram. Y vi que muchas personas estaban interesadas. Con eso yo estaba feliz, con 5 mil visitas. O menos, yo creo que eran mil, y estaba tan feliz.

Mientras participaba en el programa Rojo sin su nombre artístico, sino como Paloma Castillo, las visitas de "Not Steady" subían como la espuma. A la fecha de hoy, ya suma más de 43 millones de clics, algo inédito para Chile, dice el productor musical y director general de la Cumbre del Rock, Juan Andrés Ossandón. "No sabía que era chilena. Solo vi ese video y dije: aquí hay una cuestión especial, esto es diferente, hay una propuesta que parece reggaetón, pero no es reggaetón cien por ciento, tampoco es trap cien por ciento, es una cosa que está en medio", dice Ossandón. "De inmediato le dije a mi equipo que me averiguaran todo sobre ella, si había más canciones, cómo podía contactarla. Los números que sumaba por día eran impresionantes".

En el programa, sin embargo, cuenta la misma Paloma, la relación no era la mejor con sus compañeros. Según Eduardo Cabezas, gerente de producción de TVN, una de las situaciones que ocurría era que Paloma desconcertaba a sus oponentes. "Su actitud, el estilo, ella creció en Nueva York", explica Cabezas. "En el fondo, era esta chica que venía con otra mirada, otra personalidad, y que venía con una tendencia súper clara de lo que quería hacer".

Sin embargo, a tres semanas de su llegada, Paloma Mami debió enfrentar un duelo de eliminación junto a uno de sus compañeros de equipo. En el formato actual del programa, los participantes trabajan bajo el alero de un coach , y Paloma y su contrincante eran pupilos del cantante Leandro Martínez, finalista de la primera temporada del programa.

Al finalizar el duelo, Paloma Castillo fue salvada por el jurado de la competición. Aún puede verse en los videos colgados en el canal de YouTube del programa, donde estratégicamente el nombre de Paloma ha sido reemplazado por el de su nombre artístico: ahí está Leandro Martínez, su coach , quien se lleva las manos a la cara al enterarse de la decisión, y el resto de los participantes, mayormente mujeres, también en desacuerdo.

Lorena Astorga, su tía, que hasta entonces trabajaba como ejecutiva de ventas para una empresa, miraba todo por televisión. "Partí al canal altiro", recuerda. "Ella estaba llorando. Me contó que cuando se fue a sentar, nadie le daba un espacio, no sabía dónde sentarse".

-Eran profesionales la gente que estaba ahí -dice Paloma, en el café-. Yo lo encontraba increíble, en verdad. Eran como actores. Me acuerdo que todos los días me gritaban: "¡Paloma, sonríe que te están mostrando! ¡Cada vez que sales en la cámara no sonríes!". Y soy una persona tan real. No voy a pretender que me gusta algo si no me gusta. Era súper difícil para mí. Estaba súper incómoda todo el tiempo, no era mi ambiente.

Ningún participante de Rojo fue autorizado para dar una entrevista para este reportaje. Y el cantante Leandro Martínez no quiso emitir comentarios.

-¿Te desilusionó la reacción de Leandro Martínez?

-No me dolió, porque nunca lo conocí.

-Él era tu coach .

-Sí, pero no lo sentí así, sentía que él competía contra mí. Todo ese momento era súper... Veía a mis compañeros, lo que no se mostraba en cámara, yo nunca había sentido tanto odio en una pieza, como que tanta gente me quería matar.

Días después, Paloma Mami publicó un mensaje en su Instagram anunciando su retiro de Rojo . Según Andrea Astorga, su madre, la decisión se tomó cuando estudiaron en profundidad el contrato que el programa les ofrecía. El mismo que, según Eduardo Cabezas, productor general de TVN, ha firmado el 99 por ciento de los participantes.

"Cuando se lo presentaron, yo dije: 'Necesito asesoría, no vamos a firmar nada y mañana les damos la respuesta'", dice Andrea Astorga, en el café, junto a Paloma y Sofía. "Lo vimos con un abogado. Si lo hubiera firmado y hubiese tenido el éxito de hoy, la Paloma estaría amarrada por 10 años y más, con cero peso a su favor". La idea de Andrea era que el canal flexibilizara el contrato, pero para Eduardo Cabezas eso no habría sido una opción: "Había algunas cláusulas que puede que le hayan molestado y no podemos hacer diferencias. Para nosotros, cada uno tiene la misma importancia. Si ella no está dispuesta, no queremos tener a nadie obligado".

El exeditor periodístico de Rojo , Roberto Apud, recuerda que varias veces manifestó su molestia al área de Nuevos Negocios del canal. "No se les debería hacer contratos leoninos a los artistas y perderse una cantante como esta mujer", dice Apud. "Además, ella tenía una parada distinta. Eso hay que saber leerlo. Es importante para Rojo tener una figura en las redes sociales como ella. No podís farreártelo".

Dato: Paloma Mami tiene 2.265.147 seguidores en Instagram. Una cifra que en televisión andaría cerca de los 50 puntos de rating .

Sobre ese punto, Juan Andrés Ossandón cree que no es fácil adelantarse a un fenómeno como el de Paloma, y mucho menos a gente no especializada en el rubro de la música. Por lo mismo, agrega el director de televisión Álex Hernández, entender el éxito de Paloma presenta un desafío al modelo de la industria. "Tenemos que entender que en el mundo digital existe gente que está creando sus propias canciones, con puntos de vista nuevos, con sonidos particulares. Tal vez dándole valor a la música propia que ellos hacen tenemos una gran forma de hacer todo".

Tomando ahora agua mineral de la botella, se le pregunta a Paloma Mami si había reflexionado sobre los alcances de su fenómeno:

-Sí -dice-. Sobre lo que causo, lo que está pasando y todo eso, y lo encuentro todo muy loco. Con Justin Bieber fue algo así en Estados Unidos. Acá en Chile está pasando eso, porque es primera vez que han visto una mujer que está logrando ser conocida, una mujer empoderada, haciendo música urbana y que es lo que está pegando ahora mismo.

En septiembre, un mes antes de firmar por Sony Music Latin, compuso una canción que no está incluida en sus listados de Spotify ni de YouTube. La tituló "Don't Talk About Me", y según su tía Lorena Astorga, la letra se inspiró en su paso por el programa Rojo . En una de sus líneas dice: "Solo los peces muertos, siempre siguen la corriente / Sumamos en todos lados, porque somos diferentes".


Paloma en vuelo

Lorena Astorga contestó el llamado ese día de agosto. Era Sebastián de la Barra, productor general de Lollapalooza. "Le dije: 'Llámame en unos minutos que estoy ocupada'", dice Lorena. "Era mentira, porque estaba feliz. Me llama de nuevo y le digo que me esperara un segundo, siempre mostrándome no tan interesada. Ahí me dice que querían tener a Paloma en el festival".

El último sábado de marzo, Paloma Mami salió al escenario del Lollapalooza. Lorena, Andrea y toda la familia fue con poleras de Paloma. Ella, en tanto, no pudo creer lo que veía. Lo dijo en vivo: "Estoy nerviosa". Frente a ella, en su primer show masivo, con solo un par de presentaciones en discotecas encima, había más de 17 mil personas atentas a sus movimientos. El show , reconoce Paloma, tuvo los ripios de una primera prueba de fuego: un violinista fuera de tono, un garabato suyo cuando olvidó una letra, y un desborde de público que en cualquier minuto se iba de las manos.

En total, fueron 20 minutos de show : el espectáculo más corto en la historia de Lollapalooza Chile.

Amasando el éxito, hoy Paloma Mami cree que la organización subvaloró su presencia.

-¿No pensaron en lo que podía pasar?

-No.

-¿Sabías que podía ocurrir eso?

-No sabía que iba a ocurrir eso. Sí sabía que no me valoraba tanto la gente que trabajaba ahí. No cachaban, no tenían la visión, no veían el talento.

"Nosotros pensábamos que no tenían idea quién era la Paloma", agrega Andrea, su madre, que confiesa que al conocer las dimensiones del escenario en una reunión previa, lo primero que pensó fue: "¿Este escenario tan chico?".

Sebastián de la Barra, productor de Lollapalooza, cree que a juzgar por la cantidad de canciones de Paloma Mami al momento de cerrar el contrato, el escenario indicado era ese: el más pequeño del festival. El mismo donde se presentaron artistas como Caetano Veloso y Américo. Por si fuera poco, explican desde la productora, la idea inicial del equipo de Paloma Mami era un show de apenas cinco minutos. "Fue el espacio indicado para que el escenario explotara, para que fuese un fenómeno", dice Sebastián de la Barra. "Eso permite que sea más viable, que puedan regresar más pronto que tarde a un gran escenario".

Ni Sebastián, ni Andrea, su madre y manager , quieren revelar el costo de la actuación de Paloma. Lo que sí cree Sebastián, es que para no tener experiencia en ese mercado, Andrea y Lorena supieron poner en valor a Paloma. Medir su éxito en dólares, después del contrato con Sony, dice Lorena, tampoco es posible de revelar. Lo que es cierto es que desde enero Lorena Astorga renunció a su empleo y que Andrea dejó de buscar trabajo. El exmarido de Lorena, relata ella misma, se lo dijo así: "¿Para qué va a buscar trabajo la Andrea, si tiene una mina al lado?". Una frase que, según Lorena, se repiten seguido entre ellas, es que es "más probable ganarse el Kino que lo que ocurrió con Paloma".

Lo que ocurrió, cree el productor y director general de la Cumbre del Rock, Juan Andrés Ossandón, es que en Paloma convergen una serie de paradigmas: "Tiene una propuesta súper auténtica, que es algo bastante singular en la música urbana, donde pocas cosas son auténticas. Por otro lado, con la inconsciencia de los 19 años, tiene una propuesta que no es demasiado pensada, sino que tira para afuera, nomás. También hay conceptos: una canción suya dice: "A mí nadie me domina", y otra que dice: "La que puede, puede, y yo puedo". Y eso es un mantra para las mujeres hoy día, y es transversal, porque tampoco lo hace desde la vereda combativa. La forma en que se muestra también va de la mano con la tendencia a la libertad del cuerpo: de que si quiero meterme con un tipo, lo hago, y si no adquiero compromiso, es cosa mía. Parece una cuestión que la pensaron durante años y crearon este bicho de laboratorio, y en realidad sabemos, porque la hemos visto nacer en tan poco tiempo, que eso no es posible. Que fue natural".

Sin embargo, agrega Ossandón: "Efectivamente, puede ser que en tres años más tengamos esta misma conversación y digamos: '¿Te acordái de la Paloma Mami?'. También puede pasar".

En el café, Paloma Mami responde las últimas preguntas antes de regresar a su departamento y tomar un avión a Miami, a trabajar con su sello sus próximas canciones.

-¿No te abruma todo esto que está pasando?

-No, para nada. Siempre lo quería y lo soñaba. Esto estaba hecho para mí. Es como que somos un pedazo de un puzle, como que encajo perfecto con todo lo que sucede.

-Pero tu vida ya no es privada. Y cada vez lo será menos. Además, tienes 19 años. ¿Cómo los disfrutas con tanta atención encima?

-No creo que haya mejor forma de disfrutar tus 19 años.

-¿Te imaginas cómo va a ser esto en unos años más?

-Sí, a veces lo pienso. Espero que sea similar a esto, pero con más éxito.








Los mundos paralelos de un ejecutivo

Por Nicolás Lazo
Fotos Sergio Alfonso López
Crónica
El Mercurio

¿Puede un ingeniero comercial preocupado de números y metas tener, a la vez, la sensibilidad y el alma de un artista? En marzo pasado, Sebastián Amenábar, ejecutivo de una multitienda en Chile, viajó a París, interpretó a Mendelssohn, emocionó al público y ganó una de las competencias internacionales de pianistas no profesionales más importantes del mundo. Aquí habla de cómo la música lo ayudó a canalizar su déficit atencional y cómo hoy se las arregla para transitar por dos mundos tan diferentes.



El silencio es absoluto en el Gran Anfiteatro de la Universidad de La Sorbona, en París. Sebastián Amenábar, de 34 años y vestido con smoking , se sienta frente al piano, concentrado.

Son las últimas horas de la tarde del sábado 23 de marzo de 2019, día de la final de "Le concours des grands amateurs de piano", el más importante de los certámenes para pianistas no profesionales a nivel internacional, donde cada año prueba suerte un centenar de candidatos provenientes de todo el mundo. Tras superar la etapa de eliminatorias, Amenábar hoy se juega la posibilidad de ser el número uno.

De pronto, el sonido del piano irrumpe en la sala. Las manos de Amenábar se mueven frenéticas. Está interpretando las Variations sérieuses, opus 54 , de Felix Mendelssohn, y seguirá con Grandes études de Paganini , de Franz Liszt. Por momentos, sus dedos detienen la marcha y parece que apenas tocaran las teclas. Tras la nota final, inclina levemente el torso hacia atrás y su mano derecha queda suspendida en el aire. Su interpretación le tomó 17 minutos.

Más tarde dirá que, para él, existe una conexión espiritual entre la audiencia y las obras, un vínculo que trasciende la experiencia puramente sonora y que se cristaliza en el rito comunitario, siempre distinto, de la música en vivo. Dirá también que, como intérprete, se considera un puente entre las emociones del compositor y las del público, en un proceso donde, por supuesto, se cuela su propia sensibilidad.

La del chileno fue la última presentación en competencia. El jurado, compuesto por críticos especializados y pianistas prestigiosos -entre ellos Éric Heidsieck, señalado por los expertos como uno de los mejores de la historia-, se retira para deliberar. La polola de Amenábar, sentada entre los asistentes, apenas puede lidiar con la expectación.

Media hora más tarde, el jurado vuelve con el veredicto: Sebastián Amenábar -ingeniero comercial de la Universidad Católica y ejecutivo de Falabella- es, simplemente, el mejor del mundo en su categoría.

La historia comenzó hace tres décadas, justo el año en que se creó el concurso que acaba de ganar. Producto del déficit atencional que tiene, sus padres -la profesora básica María Teresa Ormeño y el ingeniero civil Francisco Amenábar- decidieron canalizar su energía a través de la música.

-Cuando era chico era muy hiperactivo, muy desordenado -relata casi un mes después de ganar el concurso, frente a un piano vertical que tiene en su pieza en su departamento de Vitacura-. Pero, en lugar de llenarme de pastillas, me metieron a clases de piano. Me gustó mucho, me sentí muy cómodo con el instrumento.

Al principio, a los 4 años, lo hicieron probar con el método Suzuki, un sistema de enseñanza japonés que se basa en la idea de que cualquier niño a quien se entrene correctamente puede desarrollar una habilidad musical, y que busca que los alumnos logren un nivel de destreza básico tocando su instrumento antes de aprender a leer partituras. A los 7, sin embargo, ya había demostrado tal nivel de avance que, inevitablemente, las clases formales fueron el siguiente paso. La persona elegida para guiarlo fue la intérprete y profesora de piano Mercedes Veglia, quien por aquella época era parte del Conservatorio Nacional de la Universidad de Chile.

Veglia fue la que, años más tarde, le enseñó la pieza de Mendelssohn con la que deslumbró al público y al jurado en el Gran Anfiteatro de La Sorbona, la misma que le hizo obtener 3.000 dólares de premio y la oportunidad de presentarse en noviembre próximo con la Orquesta Sinfónica de la Guardia Republicana de París, dirigida por François Boulanger, con el "Concierto para piano N° 2", de Franz Liszt.

-Lo primero que ella me dijo fue que era un desastre y tenía que reinventarme, pero que me tomaba como alumno -recuerda Amenábar, con especial cariño hacia quien, hoy fallecida, fue su única profesora. Sobre la dureza de la sentencia de su maestra, añade sonriendo: "Bueno, en la música es muy normal tener ese tipo de feedback" .

Cuando Aménabar cumplió 12 años, Veglia empezó a hacer clases en la Escuela Moderna de Música y el joven decidió seguirle los pasos. Desde entonces no se detuvo, aunque admite que, durante la adolescencia, muchas veces experimentó un conflicto entre su inclinación por la música y el deseo de identificarse con los intereses de los demás.

-En el colegio me sentía un poco raro. En esa etapa, uno jugaba fútbol. Con la música clásica sentía que no encajaba -revela-. Eso para mí fue complicado. Quería tener amigos, ser más "normal". Aún recuerdo cuando en el colegio me preguntaban si seguía tocando piano, y yo decía que no. Me daba vergüenza. Creo que la educación te llevaba a este modelo de que todos tenemos que encajar en el mismo molde -reflexiona-. Aún falta mucho espacio para la diversidad en Chile.

Lo que Sebastián Amenábar tenía claro era que tampoco quería dedicarse solo al piano, sino moverse siempre en "mundos paralelos" que pudieran incluir la atracción que sentía por los negocios. Tras su paso por la Facultad de Ciencias Económicas y Administrativas de la Universidad Católica -donde, declara, nuevamente se encontró con una gran uniformidad de conductas-, trabajó dos años en Lima y luego partió a cursar un MBA en la Haas School of Business de la Universidad de California, en Berkeley, Estados Unidos. Ahí tomó conciencia de que la realidad podía ser mucho más flexible.

-Me tocó meterme en la cultura de Silicon Valley y eso me marcó mucho, porque me sentí feliz de ser como quería ser. Ahí no existen las ataduras de ningún tipo. No había nada que me restringiera -relata-. De hecho, me costó volver a Chile y todavía me cuesta desenvolverme aquí, donde no hay tanta cabida para la diversidad. Pero cada vez me siento con más confianza para ser realmente yo.

Cada mañana, entre las siete y las ocho y media, Sebastián Amenábar estudia música. Y hace lo mismo al final del día, cuando regresa del trabajo.

Esta tarde, el sol atraviesa el ventanal cerrado de su dormitorio. Él se vuelve hacia el piano vertical y, sin preámbulo, toca de forma continua los 11 minutos que duran las Variaciones de Felix Mendelssohn. La melodía se impone a todos los sonidos de la ciudad. Amenábar inhala y exhala con fuerza mientras toca. Cerca del final, en un punto cuando la intensidad de la música va en aumento, llega a dar un par de pequeños saltos en el asiento.

-La música es una especie de ser vivo -explica-. Es muy difícil interpretar si uno no está respirando en conexión con la música. Eso es algo que se trabaja mucho en las escuelas. Claudio Arrau decía que un pianista se fusiona un poco con el piano. Uno tiene que ser parte del instrumento.

Amenábar explica que las variaciones corresponden a nuevas combinaciones -algunas con cambios sutiles, otras con mayores diferencias en el acompañamiento y el ritmo- respecto a lo que se conoce como el tema principal, presentado al inicio de la obra. Su vida, dice, bien podría resumirse de ese modo: un conjunto de ensayos en torno a un principio básico, que es, quizá, la búsqueda de la empatía con las demás personas en la música y en las relaciones comerciales. Prueba una y otra vez para no quedarse inmóvil.

-Lo que pasa es que le tengo pánico al statu quo y a tener una vida predecible -confiesa-. Sobre todo, le tengo miedo a no poder experimentar.

Desde el año pasado, Sebastián Amenábar está a cargo de la creación de contenidos para el catálogo digital de Falabella. Desde ese rol, con decenas de personas a su mando, tiene la misión de alcanzar y mantener el liderazgo de la compañía en el competitivo ámbito del e-commerce.

A primera vista, esta actividad contrasta profundamente con la dimensión sensible de la música, en la que encuentra, según señala, una vía de expresión emocional que no tiene en el día a día. Sin embargo, para él no hay tal abismo.

-La parte numérica se parece a la parte técnica en el piano. Y (en el mundo comercial) cómo interpretas esta información es lo que hace la gran diferencia. Todo el resto, si vendo pantalones o vendo poleras, no es tan relevante.

Asimismo, los rankings entre artistas le producen "sentimientos encontrados", puesto que, cree, no tiene sentido establecer jerarquizaciones cuando se está frente a los mejores. "Entre Manet, Monet y Cézanne son todos genios y punto", ejemplifica.

Donde sí reconoce la existencia de mejores y peores esfuerzos es en el desarrollo de la música de cámara en el mundo, en el que Chile todavía está al debe y en una posición poco favorable. Si bien Amenábar valora y conoce el trabajo de instituciones como la Corporación de Amigos de Panguipulli, el Teatro del Lago y las Orquestas Juveniles, dice que aún "estamos en pañales. Hay mucho más que hacer".

Por ese motivo, no descartaría incursionar más adelante en la gestión cultural, algo que ya comenzó a hacer cuando, en febrero, trajo a Chile a la violonchelista israelí Inbal Segev, quien se presentó en un centro de eventos de Pirque. "Siempre necesito hacer otras cosas más allá del piano", manifiesta.

Sebastián Amenábar no lo sabe, pero ahora, mientras habla, el sol que atraviesa el ventanal apunta directo hacia él y multiplica su reflejo en el vidrio, como si las versiones de sí mismo tendieran al infinito.