jueves, febrero 14, 2019

Hermanos Zabaleta lanzan nuevo disco

Comunicado de prensa

Miguel y Antonio Zabaleta presentan su nuevo material llamado “Los Zabaleta Ahora”, en el que además de algunos clásicos incluye temas antiguos que no fueron conocidos y dos canciones nuevas. 

Los Hermanos Zabaleta, parte importante de la Nueva Ola y de gran connotación desde los años ’60, presentan su octavo disco de estudio “Los Zabaleta Ahora”. En este nuevo álbum, que incluye temas antiguos y nuevos, el dúo ha querido dar un nuevo sonido a su trabajo, con versiones más actuales y sonidos latinos.

El disco contiene 12 temas, donde se incluyen un par inédito, grandes clásicos y otros que fueron grabados por ellos anteriormente, pero que no tuvieron notoriedad. Dentro de las canciones conocidas se encuentran “Voy a ver” y “Estas herida”, que fueron conocidas al comienzo de los ’90, y “Piensa”, “single al cual le cambiamos el nombre a “Dime”, porque todo el mundo la conoce así, pero esta vez la hicimos en versión bachata”, adelanta Miguel Zabaleta.

“Locos de amor” será el primer sencillo del disco “Los Zabaleta Ahora”, que compuesto por Yorndano, cantante ítalo venezolano, fue un éxito en los años ’80 y que ahora tiene en una versión actual. En esta línea, Miguel Zabaleta explica que  “hemos grabado con muchos adornos de percusión latina, como bongó, congas y semillas, que hacen que los temas suenen más latinos. Además tenemos varios solos de guitarra míos e interpretaciones de guitarra y bajo de Antonio”.

En las próximas semanas, la dupla grabará el video clip de este primer single y comenzarán a producir el concierto de lanzamiento de este nuevo disco. “Los Zabaleta Ahora”, es un proyecto en el que llevan varios años trabajando, sin embargo por diferentes motivos no había podido ver la luz.

Para escuchar "Locos de amor", haga click aquí

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Festivales de blues se toman la cartelera en el sur de Chile

Gonzalo Cepeda Vergara
Cultura
El Mercurio

En Pucón, Región de La Araucanía, y en el lago Ranco, Región de Los Ríos, se desarrollarán los eventos de este género musical, con la presentación de 20 bandas en total.



Originario del sur de Estados Unidos, de la música de los esclavos, el blues es hoy un sonido universal. Y en el sur de Chile se reúnen sus exponentes nacionales y extranjeros desde hace siete años, en el Festival Internacional Pucón Blues.

Mañana y el viernes se desarrollará este encuentro en el hemiciclo de la Plaza Parque de Pucón, con entrada liberada, desde las 19:00 horas. Organizado por el colectivo cultural Chile Blues, y con el patrocinio de la municipalidad, este año contará con la presencia del grupo argentino El Alambique, las bandas nacionales Julius Popper, Zapatillas Social Blues y La Puzzy Doll; y dos bandas tributo: Revolver (The Beatles) y Tennessee (Creedence Clearwater Revival).

Este festival veraniego se completa con otras actividades culturales. La programación está en los perfiles de Pucón Blues en redes sociales como Facebook, Instagram y Twitter.

Más música en Ranco

Aunque en los últimos días ha estado en la noticia por otros temas, el tercer lago más grande de Chile, el Ranco, también tiene su evento de esta música. El V Festival Internacional de Blues Lago Ranco se realizará desde hoy y hasta el sábado, en la carpa ubicada en la costanera del lago, sector ex Casa del Cambiador, en Futrono.

Con el lema "el más austral del mundo", en este encuentro se presentarán las bandas El Cruce (Santiago), La Rata Bluesera (Valdivia), Magnolia (La Serena), Iván Torres & Zapatillas Social Blues (Santiago), CoolCats (Temuco), Andrés Campos & los del Sur (Puerto Montt), El Sur (Lago Ranco), 12 Bar Cats (Santiago), Pedro Peter (Osorno) y Jano Letelier (Chillán). Y también músicos extranjeros como Ricardo Tapia, líder de la premiada banda argentina La Mississippi, sus compatriotas de Blues de Garage, además de Kike Blues (Perú) y Panamá Harmónica (Panamá).

Organizado por Blues Chilenos Producciones, su director, Ricardo Huidobro García, señala que junto a la presentación musical "contaremos con una carpa donde se darán muestras de cervezas artesanales de todos los rincones de Chile. Serán 15 stands con mucha gastronomía local y artesanía".

El festival se inicia a las 20:00 horas y termina cerca de las 23:00. La entrada es liberada y desde la productora han anunciado que será transmitido vía streaming por ATV Valdivia.

Arte y cultura en Santiago: agenda de panoramas veraniegos

Cristofer Díaz Ríos
Cultura
El Mercurio

En pleno febrero la capital ofrece alternativas en artes visuales, cine, talleres, en museos, galerías y bibliotecas que están abiertos.



n Rutas temáticas en el Museo de Arte Precolombino. Durante todo febrero habrá recorridos guiados por especialistas, en torno a temas o a las muestras que acá se exhiben, temporales o permanentes. Son siete: "La fiesta de las imágenes en los Andes", "Chile antes de Chile", "América Precolombina en el Arte", "El poder del vestuario: identidad, prestigio y autoridad", "Vivir y morir en América Precolombina", "Lo femenino y masculino en América Precolombina" y "Olores y sabores Precolombinos". Están disponibles de martes a viernes, entre 10:00 y 16:00 horas. Además, desde el 1 de febrero, los adultos mayores (chilenos y residentes extranjeros) tienen entrada gratuita.

n "Aprendamos de paleontología" en el San Cristóbal. Hoy, en la Terraza Bellavista del Cerro San Cristóbal, se abrirá un stand organizado por el Consejo de Monumentos Nacionales, que busca dar a conocer la fauna prehistórica chilena y las distintas especies que habitaron el territorio. El módulo estará disponible entre 11:00 y 18:00 horas.

n Última semana de exposición " Taller 99/Providencia: Transcurso de Residencia". Hasta este sábado está abierta la exposición que muestra la historia del Taller 99 y la obra colectiva realizada en el lugar. Son 218 grabados, algunos de los cuales se remontan al año 1956, cuando Nemesio Antúnez creó este taller. Además de obras del mismo Antúnez, hay trabajos de Roser Bru y otros artistas en la muestra, que recopila 62 años de historia. En la Fundación Cultural de Providencia, de 10:00 a 19:00 horas, entrada gratuita.

n Jueves y sábados de cine en el Centro Nacional de Arte Contemporáneo de Cerrillos. Como parte del programa Hélice, durante todo febrero, y hasta el 30 de marzo, se estarán presentando obras audiovisuales ligadas al arte y al patrimonio cultural de diferentes países, en una iniciativa que cuenta con la colaboración de la Cineteca Nacional y el festival Ficwallmapu, entre otras organizaciones. Hoy se presenta el cortometraje "Sónec", que muestra el proceso de creación de un mapa sonoro en Valparaíso; y sigue el sábado con la película venezolana "El Dicaprio de Corozopando", sobre un pueblito perdido en el país caribeño. También habrá exhibición de cortometrajes. La cartelera completa se puede encontrar en Centronacionaldearte.cl.

n Romanticismo en la Biblioteca de Santiago. Inspirados en el Día de San Valentín, la biblioteca celebrará hoy con varias actividades. Una de ellas es "Por amor... regalo lecturas", donde estarán a disposición de los usuarios cinco títulos seleccionados, que muestren diferentes miradas al amor. Los visitantes podrán pedir estos libros en préstamo. Además, durante la jornada se leerán por altoparlantes obras románticas, junto con la intervención "Por amor", donde el público podrá escribir sus impresiones, poemas y citas en torno a este sentimiento en paneles de exhibición.

n Zona interactiva en el GAM: para aprender jugando. Un espacio interactivo se ha instalado en el centro cultural, en conjunto con la Fundación Mustakis y la productora PI. Son cuatro módulos llenos de tecnología, donde los niños podrán aprender de una manera lúdica y práctica sobre instrumentos musicales, danza chilena, obras emblemáticas de teatro y la vida de Gabriela Mistral. Esta zona interactiva estará abierta todos los días, entre 10:00 y 20:00 horas.

Dudamel aboga por el ingreso de la ayuda humanitaria a Venezuela

Cultura
El Mercurio





En su cuenta de Twitter, el director de orquesta venezolano publicó una carta en la que invoca "a las autoridades de las Fuerzas Armadas para que esta ayuda llegue lo antes posible a quienes tanto lo necesitan", refiriéndose a la ayuda humanitaria internacional que está siendo acopiada en la frontera colombo-venezolana. Sin mencionar al gobierno de Maduro, Dudamel señala que "salvar vidas y aliviar el sufrimiento de una población tienen que ser la prioridad", y agrega que si se bloquea el ingreso de esta, "se estaría condenando a inocentes y se estaría diciéndole al mundo que la política es más importante que las vidas de los ciudadanos".

miércoles, febrero 13, 2019

Mon Laferte entre los nominados a los Billboard Latinos 2019

La cantante aparece en la categoría artista femenina del año, donde competirá por el premio con Karol G, Rosalía y Shakira.

Durante esta jornada se difundió la lista de nominados a los Premios Billboard de la Música Latina 2019.

Y entre los artistas que competirán en las diferentes categorías aparece la cantante nacional Mon Laferte, quien está nominada en el apartado Artista femenina del año en el Top Latin Album. En esta división competirá contra otras destacadas estrellas del momento: Karol G, Rosalía y Shakira.

En esta edición el liderazgo está en manos de Ozuna, quien obtuvo 23 nominaciones en las 15 categorías donde aparece su nombre: una cifra récord en la historia de los premios. Luego lo siguen J Balvin y Nicky Jam, empatados con 13 nominaciones, y más abajo Bad Bunny con 12 y Daddy Yankee con ocho (Revisa la lista completa de nominados en el siguiente link).

La versión latina de los premios Billboard distingue cada año a las estrellas más grandes y populares de la música latina. La ceremonia de premiación se realizará el próximo 25 de abril desde Las Vegas, y será transmitida por Telemundo.

SOBRE EL AUTOR:
Patricia Reyes |

Franco Simone: "Me ofrezco por lo que soy en este momento"

Javier Ossandón R.
Espectáculos
El Mercurio

El cantautor actuará el 15 y 16 de febrero en Santiago y Viña, respectivamente.



Como una larga historia de amor define Franco Simone su relación con Chile en la antesala de los dos shows que el artista italiano presentará el 15 de febrero en el Enjoy Santiago y el día siguiente en el Enjoy de Viña del Mar. En ellos hará un repaso por sus grandes éxitos y mostrará de su último disco, colaboraciones con Inti-Illimani y la ganadora del Festival de Viña 2018, Astrid Veas, entre otros.

El intérprete de canciones como "Respiro" y "Tú siempre tú" comenta lo que el público podrá ver en los conciertos y destaca su vigencia al presentar su último single "Bailando sobre el prado", interpretado junto a la cantante italiana Rita Pavone. "Me ofrezco por lo que soy en este momento. Sin duda no puedo olvidarme de éxitos de mi pasado, pero es lindo poder ofrecer trabajos de hoy", dice.

El italiano comenta sobre su visión del panorama actual de la música y la irrupción de los sonidos urbanos en la industria. "Hay demasiada gente que habla hoy en día en la música. A mí me gustan los que cantan. Tengo el deber de escuchar de todo, pero me gusta que exista melodía y me gusta lo clásico. De lo nuevo me gusta mucho Ed Sheeran. Me agrada que tenga, por sobre todo, melodía. Vengo de un país en donde la melodía es fundamental", señala.

Consultado por su incursión en sonidos tropicales en su último disco -grabó su clásica canción "Paisaje" en ritmos popularizados por la cantante argentina Gilda-, se manifiesta fiel a lo más tradicional de su repertorio: "No tiene nada que ver con mi estilo y no cambiaré, pero me pareció en su momento un deber y un reconocimiento. En mi vida he hecho muchas cosas que no esperaba antes. Fui locutor y periodista, son cosas que me gustan y las hice, así que no descarto nada."

El cantante recuerda con nostalgia su paso por el programa "The Voice" (Canal 13), donde tuvo la labor de ser coach de varios artistas que luego lo acompañaron en su último trabajo de estudio, y desde entonces cultiva una amistad con los demás entrenadores. Simone destaca una prematura conversación con Luis Fonsi sobre una de sus dirigidas. "Cuando escuché a Camila Gallardo, le dije a Fonsi: 'Tienes una superestrella'. Para mí ya en ese entonces lo era desde la primera vez que la escuché. No necesitaba que el público lo dijera, aunque después me dio la razón", recuerda.

Chile se suma al fenómeno mundial con el auge de los podcasts

Claudia Hervias
Espectáculos
El Mercurio

La plataforma Spotify tiene una veintena de programas chilenos destacados. Entre los más populares se encuentran "Con la ayuda de mis amiKas", "Las claves del éxito" y "Flimcast".



El formato podcast , programa de radio digital, llegó para quedarse. Hace aproximadamente una década se popularizó en Estados Unidos y hoy, gracias a la masificación de la internet móvil, está sumando más adeptos en Chile. Algunas de las plataformas más populares para escucharlo son YouTube, iVoox y Spotify, siendo esta última la más utilizada. La oferta de programas de conversación, contingencia, cine y otros tópicos es casi interminable.

El podcast más escuchado de Spotify Chile es "Con la ayuda de mi amiKas", conducido por María José Castro y Valeria Cárcamo, dos amigas que se juntan semanalmente simplemente a conversar. Se habla de todo: farándula, comida, cine, contingencia y tendencias. El programa lleva hasta ahora 60 capítulos, y cada uno cuenta con 15 mil reproducciones, en promedio, sumando todas las plataformas. El capítulo de aniversario, el más escuchado, suma solo en YouTube 12 mil reproducciones. "Nuestro podcast es más que nada de entretención; si lo estás pasando bien cumplimos nuestra meta", afirma María José Castro.

Las "amiKas" se presentaron por primera vez en vivo el 6 de diciembre en el teatro Coca-Cola, y las entradas se agotaron en menos de una hora. El 2 de marzo se presentarán en el Teatro Municipal de Viña del Mar y nuevamente las entradas se acabaron en menos de 24 horas.

Según Daniel Halpern, experto en medios sociales, el fenómeno del podcast se debe a lo versátil del formato. "Lo que provoca que triunfe es que el usuario puede escuchar el programa cuando quiera", sostiene. Añade que los creadores de estos programas tienen mayor libertad para dar opiniones: "El carácter ideológico en los podcast es importante, muchas veces tienen una opinión política y se atreven a decir más cosas, porque no están dentro de un medio"

"Las claves del éxito" es otro de los podcast más escuchados de Spotify. Las conversaciones son variadas y no tiene una pauta definida. "Normalmente tenemos invitados, si va un cocinero hablamos de comida, si va un astrólogo hablamos de astrología, es súper variado", cuenta Katy Becker, conductora del programa.

El proyecto se armó cuando Becker ganó un concurso que hacía Juan Fau -dueño de la librería Qué Leo- en su programa de radio. "Nos hicimos amigos y apenas tuvo la idea de hacer una radio online , me pidió que hiciera el programa, y ahí nació el nombre que parece de programa de autoayuda, pero la temática no tiene relación con eso", dice Becker.

Con 240 programas y un promedio de 10 mil reproducciones por capítulo, el podcast "Flimcast" se posiciona como otro de los más escuchados de Chile. "Se trata de hablar de " flims " y no de filmes. Es una manera de decir que hablo de películas, pero con más sentido del humor, con un formato más accesible", afirma el crítico de cine Diego Muñoz, conductor de Flimcast y conocido en las redes sociales como "Hermes El Sabio". Con el tiempo, la temática central del podcast se ha ampliado y ha llegado a tocar temas diversos, como libros y series. "Con una psicóloga hablé de la película 'Intensamente' y lo conversamos desde una temática más humana", da como ejemplo Muñoz.

El más exitoso
El proyecto "AmiKas" nació cuando las conductoras quedaron sin trabajo y Nicolás Copano, pareja de María José Castro, insistió en que debían hacer un podcast de parodia al programa de radio del padre de Valeria, "Pirincho" Cárcamo, "Con la ayuda de mis amigos".

Parte el rescate de Cristina Soro: soprano y compositora chilena

Romina de la Sotta Donoso
Cultura
El Mercurio

Hace cien años, la hermana menor de Enrique Soro estaba en la cúspide de su carrera. Fue una de las primeras chilenas en grabar para el sello Victor, y compuso obras que hoy se están recuperando.



Tal como Fanny Mendelssohn fue una gran música opacada por su aun más célebre hermano, Félix Mendelssohn, en Chile hubo un caso similar: Cristina Soro Barriga (1886-1967).

Hermana menor de Enrique Soro, Premio Nacional de Música, fue una afamada soprano y también una talentosa compositora. Su legado recién ahora empieza a rescatarse, ya que el Archivo de Música de la Biblioteca Nacional recibió la donación de cinco álbumes y 50 partituras sueltas de la cantante penquista.

"Los materiales estaban muy bien cuidados en la casa de la nieta de Cristina Soro, y eso demuestra que ella valoraba enormemente el trabajo de su abuela", dice Cecilia Astudillo, jefa del Archivo de Música.

La donación fue realizada por una profesora de canto de la bisnieta de la soprano, a quien la familia le entregó la custodia del legado. "Ella se dio cuenta del gran tesoro que es esto, y de su trascendencia para la música chilena, y fue trayéndonos el material, a pulso", relata Astudillo, y explica que "es importante recibir esta donación porque Cristina Soro fue una música invisibilizada en la sociedad de fines del siglo XIX y comienzos del XX. El país está en deuda".

En el estudio del material ya está trabajando la musicóloga Fernanda Vera Malhue, quien destaca que "Cristina Soro fue ampliamente reconocida como cantante; era considerada una soprano dramática notable, y suscitó el mayor fervor del público a lo largo del país y en el extranjero, especialmente en México, Cuba, Argentina, Estados Unidos, España e Italia".

Cuenta que la llamaban "La Patti chilena", por el parecido de su voz con la de la diva italiana del fonógrafo Adelina Patti.

Asimismo, dice, fue una pionera discográfica; grabó para el sello Victor en Chile y en Nueva York: "Fue una de las primeras chilenas en registrar su voz en grabaciones comerciales. De hecho, una interpretación suya de 'Estrellita' se conserva en la página online de registros sonoros del Congreso de EE.UU.".

-¿Cómo afectó su carrera haber sido mujer?

"Más que nada en el comportamiento esperado para una mujer burguesa. Cristina se casó con Carlos Baltra del Canto y tuvo dos hijos. Los primeros diez años del matrimonio se dedicó a la crianza, acorde con la construcción de género de las mujeres de su época y círculo social, quienes debían cuidar el pudor y el honor familiar, y no exponerse demasiado en público. Posteriormente, desde 1916, y por influencia de su hermano Enrique, quien la acompañaba al piano, comenzó a desarrollar una carrera como cantante".

Su composición que más ha circulado es "Vals Brillante", Op. 12, que le dedicó a su hermano Enrique. "Esta pieza demuestra un gran dominio técnico y mucha riqueza en la armonía. Desde que fue redescubierta, ha sido interpretada por varias pianistas chilenas", dice Fernanda Vera. La donación incluyó también el manuscrito de su vals para cuarteto de cuerdas y piano "Dolce Carezza".

"Su corpus como compositora es de unas 14 piezas, pero del resto no sabemos nada, posiblemente están perdidas", reconoce la musicóloga. Ni siquiera existe la partitura de "Vogando. Canción Chilena", que la soprano grabó para Victor en 1917.

"Sin embargo, cualquiera que escucha sus obras, se reencanta con un pasado que nos fue negado sistemáticamente por las construcciones historiográficas. Su legado presenta una belleza indudable, y un manejo técnico propio del melodismo romántico muy delicado y con gran equilibrio", cierra Vera.

Tini anuncia show en Chile


Comunicado de prensa

DOMINGO 23 DE JUNIO / MOVISTAR ARENA/ 20:00 hrs

TINI, la artista argentina de mayor proyección internacional, cerró un año pleno de éxitos con un gran concierto en el Luna Park, en el que no faltaron los invitados internacionales. La talentosa cantante presentó su nuevo álbum "Quiero volver" con un show deslumbrante, desbordado por más de 8.000 personas.Y con esta energía ¡llega a Chile este 2019!. Desde este Lunes 18 de Febrero a las 11.00 a.m. estarán a la venta las entradas en www.puntoticket.com para el show el 23 de Junio en Movistar Arena, los valores serán desde $18.000 hasta $78.000.

Luego de su exitoso primer álbum TINI (2016) y su espectacular gira "Got Me Started Tour" que la llevó por numerosos países de Europa y Latinoamérica (2017), TINIestrenó a finales del 2018 “Quiero Volver” su esperado segundo disco, y es el Tour que nos viene a presentar a Chile.

TINI presentó 4 exitosas canciones antes de estrenarc su nuevo álbum, (“Te Quiero Más” junto a Nacho, “Princesa” junto a Karol G, “Consejo de Amor” ft. Morat y “Quiero Volver” con Sebastián Yatra). Estos hits han sido un  rotundo éxito en todas las plataformas digitales, representan un salto cualitativo en su carrera musical, mostrando a TINI en una nueva y fascinante etapa de su carrera, mucho más madura y sólidamente establecida como cantante solista. Y eso se refleja en las repercusiones de la crítica y las cifras: millones de reproducciones de sus nuevos videos y sus canciones posicionadas en los charts de plataformas digitales y radios de todo el mundo, en Chile su álbum “Quiero Volver” ya es disco de platino por más de 5.000 unidades vendidas.

Un ejemplo de su incontenible ascenso es “Princesa”, single que rompió el récord de video de artista argentina con mayor cantidad de visualizaciones en menos de 24hs. Por otro lado “Quiero Volver” es una canción muy especial para Tini, donde nos abre su corazón para contarnos cómo se vive una historia de amor a distancia. Nos muestra quizás el lado más difícil de un artista: Alejarse de quien ama por compromisos laborales.

Eso mismo se refleja en el videoclip: Se la ve enamorada, viviendo un romance en las paradisíacas playas de Santa Marta, Colombia. Todo va bien hasta que ella tiene que partir para cumplir con su trabajo. Es en ese instante que se da cuenta que lo único que quiere es volver, incluso antes de haberse ido. “Quiero volver” fue producido por los colombianos Mauricio Rengifo y Andrés Torres, la pareja de productores más importantes de la música latina, responsables de los mayores hits del género, como “Despacito” de Luis Fonsi.

Este nuevo disco es muy especial para TINI, un disco mucho más personal y donde la cantante muestra sus distintas facetas y su versatilidad musical. “Quiero Volver” tiene un poco de todo: Canciones en español y en inglés y de distintos estilos: entre ellos el urbano, reggaetón, baladas, pop y reggae. ¡Este gran crecimiento de la artista es lo que podrás ver el 23 de Junio en Movistar Arena, los esperamos!.

martes, febrero 12, 2019

Mon Laferte: “Soy muy clásica y muy romántica en mis gustos”

La Tercera
Por Pablo Retamal

La intérprete nacional habló en México acerca del proceso de grabación de su reciente disco Norma, al cual quiso darle un aire retro. Además, se refirió a la gira donde lo mostrará al público internacional.

Este martes en Ciudad de México, Mon Laferte señaló que a la hora de hacer música es “muy clásica y muy romántica” y así lo intentó plasmar en su más reciente elepé Norma, con el que emprenderá una gira por el país azteca, que iniciará en marzo y que pasará por España en julio. Con su sexta placa de estudio, la autora de “Tu falta de querer” recreó la manera de hacer los álbumes a la antigua usanza, en una sola toma, con todos los músicos en el estudio y grabado en cinta, pero no por pose sino darle cierto aire de nostalgia a su música.

“Tenía que ser grabado así como se hacía antes”, sin editar, todos juntos en una sala porque “quería captar eso y que sonara antiguo porque soy muy clásica y muy romántica en mis gustos”, dijo Laferte.

Respecto al mencionado tour, señaló: “Siempre que uno arma una gira, con un disco nuevo, da mucho nervio porque uno no sabe cómo van sonar las canciones”, señaló.

“Primero grabamos, con otro proceso, y luego no se sabe qué va a pasar después, pero me atrevo a decir que mi música es (mejor) en vivo y en vivo la banda de músicos está sonando mejor que en el disco”, añadió.

La arista nacional, radicada en México desde hace varios años, contó que su intención al grabar como se hacía antes era hacer un elepé “que sonara muy cinematográfico, que fuera una especie de película”, que contara la historia de una pareja desde que se conocen hasta que terminan.

Además, con este largaduración, la también instrumentista quiso mandar el mensaje de que en una época en que se usa la tecnología “hoy se puede hacer un álbum sin filtros” y prácticamente en directo. Por eso, en los conciertos que integran la “Gira de Norma” hará un lado el uso de tanta tecnología “y nos vamos a concentrar en la música”.

Amante de la música de antaño -como los boleros que interpreta en Norma– por influencia de su abuela, la chilena aseguró no tener miedo a no vender longplays o a perder popularidad por hacer algo diferente. “Yo hago lo que me emociona y con cada disco viene una renovación”, refirió.

Dentro de esos nuevos aires que requiere como artista, Laferte adelantó que buscará concretar proyectos alternos sobre música tradicional chilena y mexicana. Además, intentará unir las palmas, el zapateo y las guitarras de la cueca chilena con el mariachi mexicano, y hasta intentará hacer algo de blues.

La “Gira de Norma” arrancará el 2 de marzo en Puebla y cerrará en Monterrey el 29 de noviembre. Con paradas especiales en el Festival de Coachella de Estados Unidos el 12 y el 19 de abril y en España en Madrid el 5 de julio en el Festival Río Babel y el 6 en Caldas de Reis en el Festival Portamérica.

Norma fue producido por Omar Rodriguez López, músico de las bandas At the Drive In y The Mars Volta y fue grabado por Bruce Botnick, quien trabajó con The Doors, en Los Ángeles.

Cristián Opazo, guitarrista de Upa!: “Vengo a tomar mi lugar en la música nacional”

La Tercera

Por Felipe Retamal

El músico decidió lanzar su primer álbum como solista tras varias décadas de trabajo para otras agrupaciones. En Tiempo y lugar, el oriundo de Los Ángeles, desarrolla un sonido que llama “pop urbano”, en el que mezcla electrónica, pop y ruidosas guitarras eléctricas.

A sus 46 años, el guitarrista Cristián Opazo decidió dar el salto. Con una trayectoria de al menos dos décadas tocando en diferentes agrupaciones, entre las que se cuenta la banda Upa! -desde 2013- se dio cuenta de que era el momento de forjarse una carrera en solitario.

Por ello desde el 25 de enero está disponible en las plataformas el álbum Tiempo y lugar, una placa de 11 canciones, grabada entre mayo y agosto de 2018. Esta incluye dos guiños al clan Parra: una musicalización del poema “El hombre imaginario”, de Nicanor, y un fragmento de “Qué pena siente el alma”, de Violeta, tocado por el padre del músico en acordeón.

En la propuesta musical del largaduración hay sonidos que abarcan desde la electrónica a las guitarras distorsionadas. Una mezcla que el autor llama “pop urbano”: ”Con esto busco acercarme más a la gente”, afirma el artista en conversación con Culto

¿Por qué decidiste sacar un material en solitario en este momento de tu vida?
Es el momento ideal porque recopila todos mis estados en distintas agrupaciones. Qué mejor que poder acercarse al pop urbano, como le llamamos a lo que hago, porque siempre había estado ligado con bandas underground.

¿En qué consiste tu propuesta de “pop urbano”?
Se trata de una mezcla de sonidos acústicos y electrónicos. Imaginé poder tener sonidos distintos, estaba muy acostumbrado a tener una guitarra eléctrica, entonces ahora quería tener otras cosas. También las letras son mucho más claras y más directas de lo que hacía antes. Todo eso es nuevo para mí.

Has trabajado con Upa! y otras bandas como Los Otros, Solo residentes, etc. ¿Qué diferencia hay entre el trabajo con más gente a hacerlo solo? ¿incide el tema de los egos?
En eso último hay algo importante. Muchas veces en los grupos los egos impiden que se puedan realizar ciertas cosas. Entonces ahora me siento mucho más cómodo, por el hecho de trabajar este álbum con el modelo que yo quise, con distintos productores. No estoy renegando de haber tocado en bandas, pero sí, la comodidad de estar alejado de los egos es muy agradable.

¿Qué es lo que aprendiste de esa etapa tocando con otros?
Aprendí que enfocarse en un proyecto, cualquiera que sea, es muy importante. Es una cosa como mágica. Este disco tiene un grado de compromiso que va más allá de lo musical. Hace algunos años intenté emprender una carrera solista, incluso ya tenía canciones, pero justo apareció la oferta para trabajar con los Upa!, venía un concierto grande y ahí me detuve y me desconcentré. Pero ahora estoy totalmente enfocado.

Estas nuevas canciones las trabajaste con diferentes productores, ¿Por qué tomaste esa decisión?
Yo también soy productor musical, de hecho trabajo para publicidad. Entonces decidí convocar a amigos que también lo son, como Carlos “carlinhos” Valenzuela, Nicolás Moreno y Roberto Lizarzaburu, porque en cada álbum en que he trabajado antes hemos hechos cosas juntos. Además somos buenos amigos, son todos multiinstrumentistas, y al ser todos productores, el diálogo podía ser fluido y no había necesidad de juntarnos tanto.

¿Por qué incluiste una musicalización del poema “El hombre imaginario” y el fragmento de “Qué pena siente el alma”?
Yo soy de Los Ángeles, mis papás son folkloristas, entonces siempre he escuchado la música de Violeta Parra. A mi papá lo invité a tocar el acordeón en la canción “Planetas”. Lo hicimos en Malloco, en su casa. Me mostró eso y lo grabé al tiro.
Lo de “El hombre imaginario”, es porque él me parece un poeta muy importante. Esos guiños tienen que ver con que soy agradecido de la gente que ha hecho cosas grandes en nuestro país.

¿Y qué tan difícil fue musicalizar a Nicanor?
Lo que pasa es que creo que él hizo la pega. Lo que él narra es tan importante, entonces musicalmente no costó hacer esa intervención. Hay unos sectores que tienen una potencia, entonces le pusimos una guitarra para darle más fuerza.

***

Por su trabajo, Cristián ha conocido las historias de muchos músicos. Si bien, asume que el dedicarse a la actividad no es fácil, en su opinión, hoy existen más posibilidades. “Es cierto que hay quejas, pero yo estoy seguro que las cosas las podemos hacer, podemos idear maneras distintas, no es tan complicado. Hay gente que tiene su home studio y lo hace re bien. Yo creo q en el fondo está todo para hacerlo”.

Para su álbum debut, Opazo compuso el material durante 2018, luego lo trabajó junto a sus amigos productores en sus respectivos estudios, y también en el propio, llamado Diseño Sonoro.”Si bien compuse letra y música, cada tema se trabajó desde cero. Ahí cada uno empezó a hacer sus arreglos de forma conjunta y de esa forma se armó”, detalla.

¿Qué aspiras con este disco? ¿lo sientes parte de la escena pop nacional considerando que hay exponentes que han ganado un espacio, como Alex Anwandter, Javiera Mena, etc?
Definitivamente sí. Es así. En el fondo este trabajo está creado para que la gente lo pueda escuchar y así tomar mi puesto en la música nacional. Ahora recién tomé la decisión de tomar mi lugar en la escena.

Para marzo, se espera el lanzamiento oficial de Tiempo y lugar, a banda completa, en un lugar todavía por confirmar. Por ahora, se está en conversaciones para realizar una gira de promoción en que se presente el trabajo en diversas localidades de Chile.

El Grammy de las polémicas ausencias como medida de protesta


Listado de Ganadores:

Mejor dúo pop
"SHALLOW", de Lady Gaga y Bradley Cooper

Canción del año
"THIS IS AMERICA", de Childish Gambino (Donald Glover)

Mejor álbum country
"Golden Hour", de Kacey Musgraves

Mejor canción de rap
"God's Plan", de Drake

Mejor álbum R&B
"H.E.R.", por H.E.R.

Mejor álbum de rap
"Invasion of privacy", por Cardi B

Mejor artista nuevo
Dua Lipa

Grabación del año
"This is America", por Childish Gambino (Donald Glover)

Álbum del año
"Golden Hour", por Kacey Musgraves

Mejor álbum de comedia
"EQUANIMITY & THE BIRD REVELATION", de Dave Chappelle.

Mejor álbum de teatro musical
"THE BAND'S VISIT", de Etai Benson, Adam Kantor, Katrina Lenk y Ari'el Stachel.

Mejor disco de música alternativa
"COLORS", de Beck.

Mejor composición instrumental
"BLUT UND BODEN" ("BLOOD AND SOIL"), de Terence Blanchard

Mejor arreglo instrumental o a cappella
"STARS AND STRIPES FOREVER", de John Daversa.

Mejor arreglo, instrumentación y vocales
"SPIDERMAN THEME", de Mark Kibble, Randy Waldman & Justin Wilson

Mejor diseño de empaque
​"MASSEDUCTION", de Willo Perron.

Mejor diseño de empaque de una edición limitada
"SQUEEZE BOX: THE COMPLETE WORKS OF "WEIRD AL" YANKOVIC", de Meghan Foley, Annie Stoll y Al Yankovic.

Mejores notas de álbum
​"VOICES OF MISSISSIPPI: ARTISTS AND MUSICIANS DOCUMENTED BY WILLIAM FERRIS", de David Evans.

Mejor álbum histórico
"VOICES OF MISSISSIPPI: ARTISTS AND MUSICIANS DOCUMENTED BY WILLIAM FERRIS", de William Ferris, April Ledbetter  y Steven Lance Ledbetter.

Mejor ingeniería de un disco no clásico
"COLORS", de Beck.

Mejor remix de un álbum:
"WALKING AWAY (MURA MASA REMIX)", de Alex Crossan, remixer (por tema de Haim).

Mejor álbum de audio inmerso
"EYE IN THE SKY - 35TH ANNIVERSARY EDITION", de Alan Parsons.

Mejor álbum contemporáneo instrumental
"STEVE GADD BAND", de Steve Gadd Band.

Mejor álbum de gospel
"NEVER ALONE", de Tori Kelly.

Mejor performance de música cristiana
"YOU SAY", de Lauren Daigle.

Mejor álbum de gospel
"HIDING PLACE", de Tori Kelly.

Mejor álbum contemporáneo de música cristiana
"LOOK UP CHILD", de Lauren Daigle.

Mejor álbum de música gospel de raíces
"UNEXPECTED", de Jason Crabb.

Mejor álbum de world music
"FREEDOM", de Soweto Gospel Choir.

Mejor compilatorio para una banda sonora
"THE GREATEST SHOWMAN", de Hugh Jackman y varios artistas.

Mejor banda sonora para medio audiovisual
"BLACK PANTHER", de Ludwig Göransson.

Mejor composición para medio audiovisual
​"SHALLOW", de Lady Gaga, Mark Ronson, Anthony Rossomando y Andrew Wyatt.

Mejor álbum New Age
"OPIUM MOON", de Opium Moon.

Mejor performance de American Roots
​"THE JOKE", de Brandi Carlile.

Mejor canción de American Roots
​​"THE JOKE", de Brandi Carlile.

Mejor bluegrass album
THE TRAVELIN' MCCOURYS, de The Travelin' McCourys

Mejor álbum tradicional de blues
"THE BLUES IS ALIVE AND WELL", de Buddy Guy

Mejor álbum de blues contemporáneo
"PLEASE DON'T BE DEAD", de Fantastic Negrito

Mejor álbum folk
"ALL ASHORE", de los Punch Brothers

Mejor álbum para niños
"ALL THE SOUNDS", de Lucy Kalantari & The Jazz Cats

Mejor álbum Spoken Word
"FAITH - A JOURNEY FOR ALL", de Jimmy Carter

Mejor álbum latin pop
"SINCERA", de Claudia Brant

Mejor álbum latin rock
"AZTLÁN", de Zoé

Mejor álbum regional de música mexicana
"¡MÉXICO POR SIEMPRE!", de Luis Miguel

Mejor álbum tropical latino
"ANNIVERSARY", de Spanish Harlem Orchestra

Mejor álbum regional roots
"NO 'ANE'I", de Kalani Pe'a

Mejor video musical
"THIS IS AMERICA", de Childish Gambino

Mejor película musical
"QUINCY", por Alan Hicks y Rashida Jones

Mejor performance contry solo
"BUTTERFLIES", de Kacey Musgraves

Mejor performance country duo
"TEQUILA", por Dan + Shay

Mejor canción country
"SPACE COWBOY", por Luke Laird, Shane McAnally y Kacey Musgraves

Mejor performance pop solo
"JOANNE (WHERE DO YOU THINK YOU'RE GOIN'?)", de Lady Gaga

Mejor álbum vocal pop tradicional
"MY WAY", de Willie Nelson

Mejor Engineered Album - clásico
"SHOSTAKOVICH: SYMPHONIES NOS. 4 & 11", por Shawn Murphy y Nick Squire

Mejor productor del año - clásico
​Blanton Alspaugh

Mejor performance de orquesta
"​SHOSTAKOVICH: SYMPHONIES NOS. 4 & 11", por Andris Nelsons

Mejor grabación de ópera
"BATES: THE (R)EVOLUTION OF STEVE JOBS"

Mejor performance coral
"​MCLOSKEY: ZEALOT CANTICLES"

Mejor música de cámara - small ensemble
"ANDERSON, LAURIE: LANDFALL", por Laurie Anderson & Kronos Quartet

Mejor interpretación clásica en solitario
"KERNIS: VIOLIN CONCERTO", por James Ehnes; Ludovic Morlot, conductor (Seattle Symphony)

Mejor álbum solo vocal clásico
"​SONGS OF ORPHEUS - MONTEVERDI, CACCINI, D'INDIA & LANDI", por Karim Sulayman; Jeannette Sorrell

Mejor compendio clásico
"FUCHS: PIANO CONCERTO 'SPIRITUALIST'; POEMS OF LIFE", por JoAnn Falletta y Tim Handley

Mejor compendio de composición clásica
"KERNIS: VIOLIN CONCERTO", por Aaron Jay Kernis, composer (James Ehnes, Ludovic Morlot & Seattle Symphony)

Mejor grabación dance
"ELECTRICITY", por Silk City y Dua Lipa

Mejor álbum dance/electronic
"WOMAN WORLDWIDE", por Justice

Mejor álbum reggae
"44/876", por Sting & Shaggy

Mejor solo de jazz improvisado
​"DON'T FENCE ME IN", por John Daversa

Mejor álbum instrumental de jazz
"EMANON", por The Wayne Shorter Quartet

Mejor álbum jazz de large ensemble
"​AMERICAN DREAMERS", por John Daversa Big Band Featuring DACA Artists

Mejor álbum de latin jazz
"BACK TO THE SUNSET", por Dafnis Prieto Big Band

Mejor performance R&B
"​BEST PART", por H.E.R. Feat. Daniel Caesar

Mejor performance tradicional R&B
"BET AIN'T WORTH THE HAND" por Leon Bridges y "HOW DEEP IS YOUR LOVE" por PJ Morton Featuring Yebba

Mejor canción R&B
"BOO'D UP", por Larrance Dopson, Joelle James, Ella Mai & Dijon McFarlane

Mejor performance rock
"WHEN BAD DOES GOOD", por Chris Cornell

Mejor performance metal
"ELECTRIC MESSIAH", por High On Fire

Mejor canción rock
"MASSEDUCTION", por Jack Antonoff & Annie Clark

Mejor performance rap
"KING'S DEAD", por Kendrick Lamar, Jay Rock, Future & James Blake

Mejor performance Rap/Sung
​"This is America", de Childish Gambino

Mejor productor del año, no clásico
Pharrel Williams

Di Blasio: "Este es el momento mas completo de mi carrera"


domingo, febrero 10, 2019

Rosita Renard: el legado de la gran pianista cuya vida se truncó en el auge de su carrera

María Piedad Jiménez Larraín
Artes y Letras
El Mercurio

Alumna de Martin Krause y dirigida por Erich Kleiber, la influencia de la primera pianista chilena reconocida internacionalmente sigue presente. Así lo aseguran las intérpretes Edith Fischer (1935), Elisa Alsina (1940), Catalina Claro (1968) y Carla Sandoval (1982).



Franz Liszt-Martin Krause-Rosita Renard. Esa es la línea maestro-alumno de la que proviene la pianista chilena; una herencia de talentos que la transformaron en una artista famosa y ovacionada. A 125 años de su nacimiento, hoy existe una calle con su nombre, una fundación, un centro cultural, un festival, una escuela, un centro de salud familiar y un premio musical. "Pero hace falta que el país la reconozca por su valor artístico, como lo ha hecho con Pablo Neruda, Gabriela Mistral, Violeta Parra y Claudio Arrau", señala Elisa Alsina (1940), pianista chilena que inició sus estudios de piano en el Conservatorio Rosita Renard en Chillán y los finalizó en la Facultad de Artes de la Universidad de Chile.

Para muchos especialistas, la muerte de Renard a los 55 años significó el truncamiento prematuro de una brillante carrera como intérprete. En 1949, la pianista chilena tenía programado tocar el 6 de octubre con la Orquesta de la NBC, el 7 y 8 de diciembre en Viena, bajo la dirección de Erich Kleiber, tenía varios conciertos agendados en Bruselas y otros recitales en Zúrich, Londres y París. Sin embargo, una encefalitis letárgica, al parecer provocada por la picadura tóxica de un mosquito, la postró y la llevó a la muerte. Los conciertos programados en el país se suspendieron en su homenaje y el Conservatorio la despidió con la Marcha Fúnebre de la Tercera Sinfonía de Beethoven, ejecutada por la Sinfónica de Chile. La Revista Musical Chilena celebró "la altura a la que elevó el nombre de Chile en el extranjero y la austeridad y el esfuerzo con que contribuyó a enriquecer la música con su copiosa experiencia".

La niña prodigio

Nacida en Santiago en febrero de 1894, Renard comenzó sus estudios pianísticos a los cinco años con el profesor Roberto Duncker, logrando ingresar a muy temprana edad al Conservatorio Nacional de Música. Con 14 años, se presentó como solista en el Concierto en La menor de Grieg junto a la Orquesta Sinfónica, y sus extraordinarios méritos hicieron que el Estado chileno le diese una beca para perfeccionar sus estudios en el Conservatorio Stern de Berlín, el instituto musical más antiguo de la capital alemana. Ahí tuvo como maestro a Martin Krause, famoso concertista de piano, compositor y pedagogo alemán que, tiempo después, tuvo como alumno a Claudio Arrau. Krause escribió en una carta dirigida al profesor Duncker en 1914 que "ha sido para mí un verdadero gusto el haber tenido la ocasión de ocuparme durante algunos años de la enseñanza de la dotada, inteligentísima y genial joven Rosita Renard. [...] No hay duda de que ella conquistará el mundo como artista".

Al parecer, Krause no exageraba. Los triunfos de Renard en el Aeolian Hall (1916), en el Carnegie Hall (1920), en los recitales de solista, su participación en conciertos de las orquestas más importantes de Nueva York, Boston y Chicago, y en sus presentaciones en las principales ciudades de Europa, prolongaron la fama que ya tenía como una de las primeras figuras en el piano. Cuando estuvo en Berlín (1925) conoció al cantante checoslovaco Otto Stern, con quien se casó en Nueva York en 1928 y mantuvo una relación de 21 años. En 1941, Renard emprendió una gira por Latinoamérica con Erich Kleiber, el famosísimo director de orquesta austríaco, quien confesó en una carta que "Chile posee a la mejor intérprete de Mozart que he escuchado en mi vida". Sin saberlo, la aclamada presentación que Rosita Renard hizo el 19 de enero de 1949, en el Carnegie Hall de Nueva York -lugar donde ya había triunfado en 1920-, fue su último concierto, ya que una extraña enfermedad acabó con su vida el 24 de mayo de 1949.

Profesora Rosita

"Hijitos, hay solo una cosa que estoy segura sé hacer bien: ¡tocar el piano!", decía Renard con frecuencia a sus alumnos. En 1930, el Conservatorio Nacional la contrató como profesora de piano, donde formó varias generaciones de excelentes pianistas. René Amengual, Inés Gebhard, Flora Guerra, María Iris Radrigán, Elvira Savi y Herminia Raccagni fueron algunos de sus alumnos. Cuando murió, su discípulo René Amengual resumió la labor de su profesora como "parca en el decir y pródiga en sus actitudes, rígida en sus exigencias [...], profundamente humana y amiga cariñosa en cuanto terminaba la clase". La Revista Musical Chilena mencionó, como un augurio, que "la obra y el influjo ejercido sobre nuestro ambiente por tan egregia figura continuará transmitiéndose a las generaciones sucesivas". Setenta años después, cuatro tecladistas chilenas lo confirman.

Edith Fischer (1935), una de las discípulas más cercanas a Claudio Arrau, tuvo clases con Renard cuando tenía diez años. "Me acuerdo que mi mamá, la pianista Elena Waiss, estuvo muy feliz cuando Rosita aceptó escucharme. Fue una experiencia muy interesante, puesto que su manera de enseñar era muy diferente a la de mi mamá. Rosita Renard explicaba poco y mostraba mucho". Fischer señala que la muerte de Renard le causó una gran impresión, por eso dice que "ella debería ser una fuente de inspiración para las pianistas chilenas, porque es un ejemplo como persona".

Alumnas de sus alumnas

La pianista Elisa Alsina, académica de la U. de Chile y ganadora del Premio Rosita Renard en 1964, estudió con Flora Guerra, alumna directa de Renard. "Florita siempre me hablaba sobre Rosita Renard", recuerda Alsina. "Fue una de las primeras mujeres pianistas que se fueron a Alemania a perfeccionarse en un conservatorio. Hay que tener claro que en esa época era insólito que una mujer se dedicara a tocar el piano de forma profesional y, más aún, que viajara a Europa a estudiar", señala riendo. Alsina agrega que gracias a Renard se conocieron las técnicas de Krause en Chile. "Rosita trajo un nuevo enfoque: la famosa técnica del brazo. Antes se tocaba el piano sin ocupar el brazo, solamente se movían los dedos. Pero Rosita demostró que para tocar bien el instrumento había que sacar la fuerza de los hombros y mover los brazos", menciona la intérprete.

Catalina Claro (1968), concertista de piano, cantante, compositora y productora musical chilena, al igual que Alsina, fue alumna de Flora Guerra a los 16 años. "Yo escuchaba mucho de Renard cuando era chica. De hecho, fue una fuente de inspiración para Flora, lo cual me traspasó a mí", menciona. Sobre las grabaciones de Renard, Claro señala que, a pesar de que tocaba rápido, lo hacía de manera dedicada, con espacios, con tiempo, con silencios, con elegancia y sutileza. "Rosita fue un referente nacional conocido y es un ícono importante para el país, pero falta mostrar lo que ella hizo. Lo interesante de la música, más que el virtuosismo, es transmitir el mensaje, que ella logró con creces", acota Claro. "Rosita produjo un cambio cultural en el país. Uno, por ser mujer, y dos, por su manera de tocar el piano, siempre conectada, siendo capaz de canalizar algo más total, más completo, más abarcador", concluye.

La pianista chilena de repertorio clásico Carla Sandoval (1982), antes de que se fuera a vivir a Suiza por ocho años, tuvo clases con María Iris Radrigán -otra alumna de Renard-, quien luego se desempeñó como profesora en el Conservatorio de Música de Ginebra. Dice que "Rosita Renard es un nombre que uno viene escuchando desde el inicio de los estudios". La valdiviana destaca el hecho de que Renard se haya atrevido a tocar profesionalmente el piano, porque "le abrió las puertas a las futuras generaciones de mujeres. Como la mayoría de sus alumnos eran mujeres, sin duda se transformó en una gran fuente de inspiración para ellas".

Además, Sandoval comenta que uno de los legados más importantes de Renard es el de la pedagogía: "Uno no solamente tiene que ser pianista, sino que darse un espacio para enseñar. Eso es algo que Rosita hizo mucho", menciona. "A mí la pedagogía me permite transmitirles a mis alumnos de dónde viene mi formación, qué técnicas se usaban antes, etc. Es nuestra responsabilidad como pianistas hacer más conocidos a nuestros referentes nacionales y difundir la historia musical de nuestro país", concluye la intérprete nacional.

"Ha sido para mí un verdadero gusto el haber tenido la ocasión de ocuparme durante algunos años de la enseñanza de la dotada, inteligentísima y genial joven Rosita Renard. No hay duda de que ella conquistará el mundo como artista".

MARTIN KRAUSE (1914) CONCERTISTA, COMPOSITOR Y PEDAGOGO ALEMÁN

"Antes se tocaba el piano sin ocupar el brazo, solamente se movían los dedos. Pero Rosita Renard demostró que para tocar bien el instrumento había que sacar la fuerza de los hombros y
mover los brazos".

ELISA ALSINA TECLADISTA Y EXALUMNA DE FLORA GUERRA}


"Rosita produjo un cambio cultural en el país; uno, por ser mujer, y dos, por tocar el piano de manera muy conectada, logrando transmitir el mensaje de manera más completa".

CATALINA CLARO INTÉRPRETE Y EXALUMNA DE FLORA GUERRA


"Renard me inspiró a ser generosa con mis conocimientos y entregarles todo a mis alumnos. Hacerla más conocida en Chile
depende de nosotros, los pianistas actuales".

CARLA SANDOVAL PIANISTA Y EXALUMNA DE M. IRIS RADRIGÁN


Las clases de Edith Fischer con Rosita Renard

Cuando piensa en Rosita Renard, con quien tuvo clases a los diez años, la destacada intérprete Edith Fisher (83) la recuerda como una señora vestida siempre de negro, con un moño y sin pintura. "Era una persona de gran sencillez, afectuosa, con sentido del humor y una sonrisa espontánea y fácil", menciona Fischer. Según ella, Rosita tuvo una formación ideal, porque "el hecho de que haya aprendido afuera no influyó solamente en su manera de tocar el piano, sino que en la manera de mirar la música desde un punto de vista cultural y ético, ya que buscaba ser lo más honrada posible en su labor de transmitir el mensaje musical, más que buscar éxito 'bullicioso' y notoriedad". La misma idea tenía el crítico musical Daniel Quiroga sobre Renard: "Podríamos decir que Rosita simplemente no estaba hecha para ser medida con los cánones de la música convertida en empresa. Tocaba para servir a la música tan bien como podía, sin interesarle el éxito personal, sino el servicio de los autores que interpretaba".

Fischer cuenta que en su casa normalmente recibían muchos artistas, directores de orquesta e intérpretes. Pero no olvida la vez en que Renard la visitó: "Me acuerdo que ella, después de haber comido con gran gusto, al recibir el café dijo que lo tomaría sin azúcar para cuidar su línea, lo que nos hizo reír a todos", señala la pianista. "Su manera de tocar era inimitable y tenía un sonido muy 'perlado', ideal para Mozart, lo que sin lugar a dudas me inspiró profundamente", recuerda.

sábado, febrero 09, 2019

La cruzada de Vanessa Miller para llevar a Cecilia, "La Incomparable", hasta la pantalla

Karen Retamal
Espectáculos
El Mercurio

Hace siete años le pidió hacer su historia. Hoy, con Francisco Saavedra y la productora Bioingeniería Audiovisual Producciones como aliados, espera empezar a grabar este año la serie de la ídolo de la Nueva Ola.



La lista de series y películas ( biopic ) inspiradas en artistas se ha hecho cada vez más larga. Desde Luis Miguel en Netflix hasta el éxito de la cinta "Bohemian Rhapsody", con Freddie Mercury y Queen en plano central. Sin embargo, en Chile, solo Los Prisioneros (sin la venia de sus integrantes) han podido tener una producción televisiva basada en su historia, a través de "Sudamerican Rockers", en Chilevisión.

Eso hasta ahora. La actriz Vanessa Miller está detrás del proyecto que prepara una serie inspirada en la vida de la cantante Cecilia, "La Incomparable", que está ad portas de comenzar sus grabaciones.

El equipo armado

No ha sido fácil y así lo relata Miller. Han sido siete años de conversaciones y de acompañar a Cecilia Pantoja. No obstante, hoy ya está lista para comenzar a gestar la producción, que mantiene los detalles en completo hermetismo. El conductor de Canal 13 Francisco Saavedra y la productora Bioingeniería Audiovisual Producciones, así como su socio, el guionista uruguayo Fernando Schmidt, se unieron a la cruzada que busca homenajear a la intérprete.

"Es un recorrido por toda la historia de su vida. Me transformé -de común acuerdo- en su biógrafa autorizada. Eso significó siete años de conversaciones, de miles de maneras, de miles de cosas. Primero como un recorrido de toda su vida, luego fui hablando de cosas específicas, concretas, ampliando la información de momentos determinados, de hitos de su historia. Siempre con la idea de que eso podía transformarse tanto en película como en serie de televisión o comedia musical", comenta Miller.

Todo surgió en Mega, cuando la cantante grababa para el canal. Yasmine Bau, su asistente, no recuerda con exactitud si fue en maquillaje o peluquería cuando Vanessa Miller se acercó a la ídola de la Nueva Ola y le manifestó su admiración y que le encantaría hacer su historia. "Cecilia le respondió que todo el mundo se le había acercado a pedirle lo mismo, pero al final nadie había hecho nada. Después, la Ceci me dijo: 'Ya no le creo a nadie'. Como a las dos semanas, llamó Vane para ir a la casa, se pusieron de acuerdo y coordinaron para juntarse", detalla Bau.

Retrocediendo en el tiempo, Miller añade que su gusto por la intérprete de "Aleluya" surgió desde muy joven. Tanto que, cuando se fue a vivir a Argentina, cada 18 de septiembre lo celebraba con cuecas y con las canciones de "La Incomparable". "Por eso que cuando me la encontré le pedí hacer su historia. Le insistí en las fechas hasta que un día ya estaba en su casa", relata.

Todos los matices

Vane Miller siente que este es el momento perfecto para llevar la vida de Cecilia a la pantalla. Más cuando cuenta con el apoyo de Francisco Saavedra y la productora Bioingeniería Audiovisual Producciones (que están detrás del Festival Internacional de Cine de Lebu). La cantante, por mientras, espera expectante el resultado. "Es fantástico, encuentro que es un privilegio que realicen la serie. Me da mucha satisfacción. Qué bueno que la gente se haya interesado en este proyecto", comenta la artista de 75 años.

La actriz, por su parte, plantea que la sinergia que se ha creado para echar a andar este proyecto es única. "Estamos desde el amor, el cariño y el esfuerzo, porque ha sido un esfuerzo llegar a este desarrollo. Todos hemos hecho la inversión de armar el proyecto, porque estamos muy enamorados de la historia, de lo que significó en la época y ahora en el presente (...) Las miles de cosas que van a descubrir los van a sorprender", dice.

Sin profundizar en el contenido, Miller asegura que darán que hablar los hechos relativos a la cantante, quien se ha transformado en un ícono pop de las generaciones más jóvenes que la siguen en redes sociales.

"La serie va a recorrer toda su vida. Lo interesante es cómo lo hacemos, lo cual es también sorpresa. Si lo cuento, qué fome. Hay un trabajo de guion muy interesante. Así como va a sorprender la historia, también lo hará cómo está contada. La historia tiene que ser más dinámica, entretenida, tiene tanto suspenso... ¡Porque la vida de la Cecilia es tan rica, tan vivida!, que da para trabajar con muchos ejes de atención. Además, hay música inédita en la serie. Ella pasó música que nunca se ha editado ni mostrado", revela.

Incluso, existirán pasajes de la biografía de Cecilia que hasta a la misma artista le dan pudor. "Hay cosas que se revelan, pero la verdad es que soy tan transparente con mi vida que da lo mismo. Le conté todo a Vane, con detalles", sostiene la cantante, que declina en pensar en alguna actriz para que la interprete.

Miller prefiere no adelantar el casting de la serie. Por ahora, señala que se grabaría este año y, en lo posible, en Tomé, comuna de donde es oriunda Cecilia. "Sería una locura no hacerlo ahí", sentencia la actriz. Además, debido a la cantidad de material, no descarta que se vaya dando en varias temporadas o que finalice con una cinta de larga duración.

"El proceso ha sido muy largo, llevamos años de reunión y ahora por fin lo logramos. Nos encantaría verlo en junio o julio hecho. Entre más rápido, mejor", agrega Yamine Bau.

Considerando el boom de las series de artistas, Miller cree que este es el momento justo para sacarlo a flote. "Cuando empecé no había biografías de cantantes, qué increíble, qué olfato", señala, añadiendo que "la serie los va a cautivar. Fíjate en la fascinación y las historias que van a descubrir. La gente va a decir no puede ser, la realidad superar la ficción".

-Cecilia es como nuestra Freddie Mercury. Ambos impusieron sus estilos en los escenarios, pero solo él tiene una película...

"Ella es una de las voces más poderosas que ha tenido nuestro país. Dentro de la generación a la que perteneció, tiene una profundidad -por el arquetipo que representa- muy power , que no es banal, no quedó en anecdotario. No es una figura del momento, sino una que vino a mover una estructura. Es una mujer de avanzada. Era la jefa en una época en que ellas no lo eran. Es comparable con grandes artistas como Édith Piaf, Freddie Mercury y hasta con Janis Joplin. Pero no la comparo con nadie, porque es incomparable. Por algo le pusieron así, pues no hay parangón respecto de una voz como la de ella. Le tocó una época donde ser la incomparable no era tan bacán como ahora. Al contrario, en ese tiempo era casi molesto".

Cecilia se ha transformado en un ícono pop de las generaciones más jóvenes que la siguen a través de las redes sociales.

LOS Dibujos de Cucho, el artista que caricaturiza a íconos del rock

Bárbara Alcántara A.
Vidactual
El Mercurio

Cada personalidad que dibuja tiene una textura y trazos que llaman la atención; se trata del trabajo de Sergio Córdoba, el artista detrás de Dibujos de Cucho, uno de los pocos en Chile que se han especializado en música.



La anécdota con David Byrne lo marcó y desde ese día decidió que su oficio se podría convertir en algo profesional; es por eso que sus dibujos ya tienen un nombre que poco a poco se transforma en una marca. "Dibujos de Cucho" son ilustraciones de íconos del rock que Sergio Córdoba (42) realiza y exhibe en su cuenta de Instagram que lleva el mismo nombre (@dibujosdecucho).

Gracias a dicha plataforma, la productora del Festival Lollapalooza lo contactó para que dibujara a seis personajes rockeros que estarían en la versión del festival de 2018. Así creó un retrato del ex Talking Heads y consiguió entregárselo personalmente en el espacio acondicionado para los artistas que dispone el evento. "Yo iba nervioso, llevé mi libro para que me lo firmara ("Cómo funciona la música"), estuvimos en el camarín y él fue muy amable". Luego posteó la fotografía que se hizo junto al hombre tras "Psyco Killer" y la recepción de sus seguidores fue positiva, por lo que se percató de que, finalmente, y después de tanta búsqueda artística, había encontrado un nicho por explorar.

Después de eso, el ilustrador chileno programó otro encuentro. Ahora sería el turno de Nick Cave; hizo su retrato, pero además y a sabiendas de la admiración de Cave por Leonard Cohen, le llevó uno del compositor canadiense. "Él fue muy amoroso y cercano; se río cuando se los entregué, e inmediatamente llamó a la persona que lo acompañaba para que los guardara". Del mismo modo lo hizo con la voz de Deftones, Chino Moreno. "Entré por la parte de atrás del Hotel W y ahí logré robarle unos minutos, fue un encuentro muy corto", cuenta y agrega que debido a esta búsqueda de artistas ha logrado acceder al mundo de los fanáticos y toda la organización que hay detrás para conseguir una fotografía o un autógrafo de sus ídolos. "Roger Waters me firmó un disco; cuando le pasé su retrato, lo miró y mandó a que lo guardaran. Un amigo que trabaja en la productora me dijo que se lo llevaron en un baúl del sonido", rememora y revela que el baterista de The Police, Stewart Copeland, ni siquiera accedió a posar para una fotografía, "fue bastante parco y básicamente me ignoró".

El licenciado en Artes de la Universidad Arcis recuerda que 2012 fue un año especial, porque logró conectarse con lo que eternamente había aspirado: "Siempre quise ser músico, pero no saqué el oído, entonces esto me acercaba a lo que constantemente me había gustado", concede, mientras cuenta que ha trazado los rostros de más de sesenta artistas. Empezó con sus ídolos de juventud Axl Rose y Flea; actualmente cuenta con un catálogo que incluye a Iggy Pop, Jarvis Cocker, David Bowie, Bob Marley, Lemmy Kilmister, Mick Jagger y John Lennon, entre muchos otros.

"Generalmente, los rostros que están más avejentados tienen mayores matices; entonces es más desafiante lograr la expresión de la piel y la cara", afirma y contesta que de los músicos chilenos, los retratos más logrados, según él, son los de Álvaro Henríquez y el de Macha Asenjo, de Chico Trujillo, pero reconoce que es un terreno que le falta por recorrer al igual que los bosquejos de mujeres. "Me cuesta dibujarlas, porque a los hombres los puedo afear, hacerlos más caricaturescos; en cambio, con una mujer eso es más difícil", dice y enumera que "solo he hecho a Patti Smith, Kim Gordon, Amy Winehouse".

Cucho, quien también está a cargo de la distribución de la revista del Centro Cultural Gabriela Mistral, advierte que la técnica que usa es mixta. Primero dibuja a mano la fisonomía del rockero que generalmente está más ligada al expresionismo. "Me gusta que salga más crudo" dice. Luego, dicho retrato es escaneado y digitalmente le añade las sombras, los colores y el volumen. Posteriormente, llega el momento de la impresión que se hace de dos calidades, "una que es en un papel de 310 gramos, con chorros de tinta y mayor porosidad ($60.000) y otra que es láser, en un papel de algodón, libre de ácidos, de 270 gramos ($20.000)", explica y añade que generalmente las medidas son de 48 x 33 centímetros, "a no ser que sea un trabajo por encargo, eso es conversable", dice, mientras termina su café para seguir su rumbo en bicicleta y terminar con el reparto de revistas del GAM.


La mala fama del editor de Rolling Stone

Felipe Rodríguez
Vidactual
El Mercurio

Una monumental biografía sobre Jann Wenner, el visionario responsable de la revista de rock más trascendente de los últimos 50 años, lo presenta como un personaje despectivo y arrogante, pero que también actuaba como fan apasionado de estrellas como Mick Jagger y Bono.



Jann Wenner lo tenía todo calculado. A comienzos de 2013, el editor de Rolling Stone, la revista de rock más importante de Estados Unidos, planeaba celebrar los 50 años de su creación -que se cumplirían en 2017- en forma fastuosa. En su cabeza imaginaba fiestas, libros monumentales, un especial televisivo de tres horas y un documental de varios capítulos emitido por HBO.

Pero había algo que lo seducía aún más. Narrar en una biografía su particular existencia desde sus inicios en San Francisco con una pequeña revista que cubría el underground musical hasta sus reuniones con Obama en la Casa Blanca o sus viajes en su avión privado y sus paseos en yate junto a amigos como Jackie Kennedy.

Wenner conoció en una comida a Joe Hagan, periodista freelance , con pasado en la propia Rolling Stone -donde nunca se toparon- y medios como The Wall Street Journal, y creyó que era el indicado para relatar su vida. Hagan, por su parte, también cayó abducido por las historias de Wenner. Le contó sobre el día en que le estrechó la mano a Bob Dylan en 1969, la ocasión en que se puso unos pantalones de Mick Jagger y las conversaciones que tuvo con John Lennon -la figura de su primera portada- en un viaje en auto.

Hagan accedió a los archivos fotográficos de Rolling Stone y llegó a un acuerdo con Wenner: realizar una biografía no autorizada. El editor aceptó no poner trabas. Durante las decenas de horas de entrevistas, Hagan se encontró con un tipo soberbio y arrogante que amplificaba historias y que trataba de influir en su trabajo mostrándole conversaciones por mail con Bono de U2 o Bruce Springsteen o que le enviaba un cofre con la discografía completa en vinilo de The Beatles en formato monofónico.

Hagan, periodista sagaz e investigativo, repasa en "Sticky Fingers, la vida y la época de Jann Wenner y la revista Rolling Stone", el ascenso fulgurante de un medio periodístico que se transformó en material de lectura indispensable para los seguidores del rock de los 60 en adelante, pero también describe -a través de decenas de entrevistas con colaboradores de Wenner- el carácter ambicioso y antipático de un hombre que, con poder en sus manos, se convirtió en un ser humano déspota, incapaz de sentir compasión por los problemas que afectaban a sus más cercanos.

Su enemigo Paul Simon

Pese a ser un medio contracultural, Wenner tenía aversiones profundas. Despreciaba poner en portada a un negro -el primero que apareció fue Miles Davis- porque, decía, se vendían menos números. Cada vez que podía destrozaba a Paul Simon. El odio arrancaba en su corazón: el ex socio de Art Garfunkel se había enamorado de una novia de juventud y, en décadas posteriores, tuvo un flirteo con Jane Wenner, la mujer del editor de Rolling Stone. Y, claro, Wenner no lo perdonó.

Sin embargo, también ocupaba su ingenio para captar más lectores -y, por consiguiente, auspicios-. En sus primeros números, regaló junto a la revista un gancho pequeño, ideal para sostener un cigarrillo de marihuana. Asociado al Partido Demócrata, en sus páginas se mostraba a favor de la legalización de las drogas. La última foto de Lennon desnudo y acurrucado junto a Yoko Ono justo horas antes de morir fue portada en la edición post mortem del británico. Dio visibilidad nacional -y también global- a su revista al incorporar como redactor a Hunter S. Thompson, uno de los popes del llamado nuevo periodismo, y quien a comienzos de los 70, abordó un estilo de escritura nuevo y arriesgado, con más opinión que reporteo, en trabajos como "Miedo y asco en Las Vegas" -luego llevada al cine por Terry Gilliam-, sobre un viaje escrito en primera persona donde consume una cantidad espectacular de drogas, y quien cubrió la campaña presidencial de 1972 con aplausos y admiración de los lectores. Ese nuevo método de escritura -junto a otro sobresaliente de esa época, Tom Wolfe- aumentó el prestigio de Rolling Stone y transformó a Wenner en el editor más respetado de EE.UU..

Sin embargo, también tenía sus demonios internos. Consumidor compulsivo de alcohol y, posteriormente, con problemas por el abuso de cocaína, Wenner luchaba contra sus impulsos sexuales. Tras estar casado más de veinte años con Jane Wenner, una hermosa mujer que ayudó a conseguir parte de los 7.500 dólares necesarios para echar a andar la revista, el editor tuvo amoríos con varios hombres, entre ellos -según el libro- Richard Gere y John Travolta. Su bisexualidad era comidillo en las reuniones sociales. Un silencio que finalizó en 1995 cuando se emparejó con el modelo Matt Nye, con quien sigue hasta hoy.

En los 80, con el rock sin la fuerza transgresora de los 60, la revista decantó en portadas con las estrellas de Hollywood. Wenner, hasta esos años conocido por su olfato para destapar nuevas historias, comenzó a domesticarse. A amigos como Michael Douglas -con quien compartía vacaciones y aficiones como el esquí- les otorga varias portadas y a amigos como Jagger, Dylan, Bono y Paul McCartney -con quien estuvo años distanciado por su preferencia por Lennon- les realiza entrevistas, pero con un añadido. Antes de que los textos se impriman, les envía los artículos para que ellos corrijan y decidan qué es lo que quieren que se lea.

Lo más llamativo del monumental libro es el desplome del poder de Wenner. En 2008, un reportaje mal investigado sobre una supuesta violación masiva a una estudiante en la Universidad de Virginia le genera pérdida de credibilidad y, peor aún, indemnizaciones millonarias. Luego, se rompe una cadera jugando tenis, debe vender su avión privado por las deudas, sufre un infarto y entrega el poder editorial a su hijo Gus, un inexperto joven de menos de 30 años que lo único que manejaba con pericia eran los videojuegos.

Esos latigazos de la vida lo llevan a vender el 51% de su revista a unos nuevos dueños que, conscientes del poder de internet -y aunque la revista sigue activa en cinco continentes-, deciden publicar en papel solo una vez al mes. "Esta revista es mi vida y pese a que la aparición de internet fue lo peor que le pudo pasar al periodismo, creo que es patrimonio de EE.UU. y el mundo. Nosotros inventamos una forma de hacer periodismo", dijo Wenner hace unos meses en una charla, convencido de que su nombre quedará en la historia del rock como un revolucionario de las letras.

viernes, febrero 08, 2019

Es hora de escuchar mas a Rosalía


Payadores de 12 países muestran su arte en cita internacional de 3 días en Casablanca

HERNÁN CISTERNAS ARELLANO
Nacional
El Mercurio

Encuentro que resalta la rima, la décima, la paya y el verso improvisado cumple 25 años de existencia.



Considerado como el principal evento de su género en América Latina, esta tarde comienza en Casablanca, Región de Valparaíso, el XXV Encuentro Internacional de Payadores. Este, en un cuarto de siglo, ha reunido a los cultores de la rima, la décima y el verso improvisado.

En la cita de tres días, que se desarrollará en el Estadio Municipal, participarán cantores de 12 países. Será inaugurado a las 20:00 horas de hoy y culminará el domingo con el tradicional remate de versos improvisados.

Aparte del espectáculo artístico, el encuentro cuenta con una feria de artesanía y de comidas típicas, con degustaciones de los mejores vinos del valle y de la gastronomía local.

Según el alcalde Rodrigo Martínez Roca el encuentro de payadores "es una fiesta que nos hace viajar en el tiempo, que nos lleva a lo rural, que nos muestra el mundo, nos hace disfrutar de nuestro idioma y nuestras tradiciones".

Improvisarán poesía en versos populares 50 payadores de Panamá, Puerto Rico, Cuba, Colombia, Perú, México, Uruguay, Venezuela, España, Argentina, Brasil y Chile. Entre los chilenos destacan Arnoldo Madariaga Encina (81), su hijo Arnoldo Madariaga López (53) y su nieta Emma Madariaga (16), reconocidos como "tesoros humanos vivos" por el Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio.

jueves, febrero 07, 2019

Chancho en Piedra se reinventa y prepara su primer disco con C-Funk



La Tercera

A casi un año de su llegada tras el quiebre de Los Tetas, el guitarrista se afianza como miembro estable y productor del grupo. “Salimos del piloto automático”, dice la banda.

Por Andrés del Real

Su guitarra ha sonado en cada unas de las fechas de la agitada agenda veraniega de Chancho en Piedra, y lo hará en las tres fechas que vienen del festival Juntémonos. Su rostro aparece por primera vez en las fotos promocionales con las que el grupo ilustra una nueva etapa en su carrera. Tras entrar como reemplazo a la banda en abril del año pasado -“para echarles una mano a mis amigos”, explica- Cristian Moraga, conocido como “C-Funk”, se afianza como integrante estable del cuarteto y piedra angular de este segundo tiempo que inician los autores de “Eligiendo una reina”. Un reajuste motivado por los dos mayores remezones que se han vivido al interior de lo que alguna vez se conoció como ‘La familia chilenita del funk’.

“Tocar con amigos siempre es agradable, en especial cuando sientes que eres un aporte para la banda”, comenta Moraga, quien tras el paréntesis indefinido de Los Tetas desde 2017, motivado por la denuncia por violencia intrafamiliar contra el cantante Camilo Castaldi, se sumó a Chancho en Piedra para ocupar momentáneamente el puesto que dejó vacante el histórico guitarrista Pablo Ilabaca, la primera baja del conjunto en 24 años, hoy enfocado en otros proyectos, como el grupo Pillanes. Y aunque asegura que va “paso a paso”, C-Funk ya planea los próximos hitos junto a sus nuevos compañeros de ruta: una primera gira al exterior y un disco, el décimo, con su debut en el estudio.

“No le hemos puesto fecha todavía pero queremos componer y grabar música nueva, que será el puntapié inicial de la nueva era”, explica Eduardo “Lalo” Ibeas, vocalista del remozado cuarteto. “Cuando llegó Cristian nos dijo que nos ayudaría mientras encontrábamos a alguien, pero de poco se ha ido entusiasmando más y creo que el paso natural después de casi un año juntos es grabar, así que en marzo vamos empezar a ver qué sale. Queremos algo que suene moderno, bailable, que tenga fiesta y discurso”, añade.

En este nuevo proyecto discográfico, que el grupo afronta en medio de sus “bodas de plata”, el rol de Moraga irá más allá de la guitarra. Según explica él mismo, la idea es tomar la producción musical del conjunto, como complemento a la labor de director musical que ejerce el bajista Felipe Ilabaca. “Para mí es muy atractivo producir a una banda con una gran trayectoria como esta. Se los ofrecí en el pasado y ahora se dio esa opción. Chancho en Piedra tiene que tomar un nuevo rumbo porque ya hicieron de todo, entonces el desafío es ver qué pueden hacer en 2019, replantearse las cosas después de la partida de alguien tan importante como Pablo”, señala.

Ibeas profundiza en este punto: “Con Pablo, después de tanto tiempo, las cosas se daban casi sin necesidad de conversarlas, casi ni ensayábamos. Ahora con Cristian es otra modalidad, pero una que nos ha permitido quitar el piloto automático y reencantarnos con nuestra propia música. Los cambios son para los dos lados, y como Cristian es productor también, y no sólo un músico invitado, nos propone desafíos para hacer cada vez mejor las cosas”.

Fechas por el país
Al momento de definir qué ha sido lo más difícil de su llegada a Chancho en Piedra, C-Funk tiene una respuesta clara: aprenderse al dedillo buena parte de un repertorio que incluye nueve discos. “Si bien uno conoce las canciones, tocando te das cuenta que tienen algo que es propio de ellos”, explica.

Tras algunos shows el año pasado -incluyendo la celebración de los 20 años del disco Ríndanse terrícolas-, seguidos de diversas presentaciones este verano a lo largo del país, Moraga y el resto del grupo preparan su actuación en las tres fechas del festival Juntémonos (Puntoticket), que parte este sábado en Coquimbo y continúa en Pucón (13 de febrero) y Viña del Mar (16). “Los shows del verano han sido una demostración de que queda Chancho en Piedra para rato”, asegura Ibeas.

Cómo se arma el festival televisado mas concurrido de Chile


Catalina Vicens, la clavecinista chilena que marca pauta


Teatro Condell de Valparaíso: La nueva vida de una sala centenaria

El Mercurio

El lunes comenzó un proceso de restauración de la icónica sala porteña, gracias a un fondo de infraestructura del Ministerio de las Culturas que supera los $179 millones. En abril, el espacio reabrirá sus puertas.

Corría una época de auge económico y cultural en el Valparaíso de inicios del siglo XX. Fue entonces cuando el arquitecto italiano Antonio Lafoglia propuso el proyecto de construir una sala de teatro y una galería, que estarían dentro de un edificio en el centro de la ciudad.

"Cuando planteó su idea, los demás arquitectos lo trataron de loco. En un país sísmico, un espacio tan amplio en el interior de un edificio así podía ser un riesgo. Pero ahí está, en perfecto estado y casi sin trizaduras", cuenta el historiador porteño Archibaldo Peralta.

Como Teatro Esmeralda comenzó su funcionamiento en 1912, a un costado de la Plaza Victoria. Luego pasó a llamarse Teatro Comedia, pero en 1920 lo rebautizaron como Teatro Condell.
"No había muchos teatros cuando se abrió. Funcionaba, principalmente, como un espacio para grandes obras. Contaba con camarines subterráneos muy iluminados, que se mantienen aún, y con un hermoso órgano", agrega el historiador.

Hasta la década de 1950 albergó artes escénicas y eventos musicales. Posteriormente, se instalaron dos proyectores y se convirtió en una sala de cine. Pero en los años 80 comenzó un proceso de decadencia, para terminar siendo un cine para adultos en los años 90, con un estilo más picaresco que erótico.

Revitalizar la sala

En 2010, el municipio decidió tomar la administración del espacio, también conocido como Sala Condell. Fue entonces cuando el lugar se empezó a recuperar como espacio cultural, a diferencia de otros icónicos teatros porteños que terminaron en ruinas o, como en el caso del Teatro Imperio (de 1922), que se convirtió en un galpón comercial.

Con la intención de establecer un punto de encuentro para los amantes del cine, se formó el Círculo de Amigos del Teatro Condell y en 2011 se unieron a Insomnia, un colectivo con un objetivo similar. Formaron la agrupación cultural Insomnia Teatro Condell y lograron tal posicionamiento que, en 2016, el municipio cedió la administración de la sala a esta nueva entidad.

La iniciativa funciona como una organización sin fines de lucro, que postula a fondos para costear un equipo de trabajo permanente, compuesto por personas de distintas disciplinas. Además, reciben la recaudación por la taquilla, con entradas que, de todas formas, no superan los $1.500. Contabilizaron 30.839 espectadores en 2018.

"Nuestra programación está basada principalmente en cine de autor, con discursos estéticos y temáticos complejos, que permitan expandir y robustecer la cultura cinematográfica de los espectadores. Tenemos seis franjas: nacional, clásico, latinoamericano, contemporáneo, animación familiar y cine del mundo", detalla Leonardo Torres, administrador del espacio.

Insomnia Teatro Condell es parte de la Red de Salas de Cine de Chile, y también sede de festivales como Puerto de Ideas y Docs Valparaíso.

"El principal rol que tenemos es de exhibición de títulos nacionales, con mediación posterior con los creadores de las películas, directores, actores. La propuesta es fomentar el diálogo entre el espectador y el equipo creativo", explica Torres, y comenta que a estas instancias han asistido figuras como Patricio Guzmán, Paulina García, Luis Alarcón, Alberto Fuguet, Sebastián Lelio y Maite Alberdi, entre muchos otros.

Mejoras para el público

El pasado lunes la sala cerró -hasta abril- para iniciar un proceso de reparaciones, gracias a un fondo de infraestructura cultural de $179 millones que fue otorgado por el Ministerio de las Culturas. El monto les permitirá restaurar butacas, arreglar pisos, baños, camerinos y el sistema eléctrico, lo que traerá mejoras directas para los usuarios, además de nuevas tecnologías para recibir material audiovisual que actualmente no está llegando. Este monto se suma a dos fondos anteriores, a los que se agregan los ingresos aportados a través de la Ley de Donaciones.

"Con estos cambios tendremos, al fin, el cine que Valparaíso se merece, con calidad y comodidad para nuestros asistentes", señala Torres.

Kalfu participará en WOMAD 2019

Comunicado de prensa

La agrupación será parte de la programación de la segunda jornada del festival WOMAD, el sábado 16 de febrero, y se presentarán junto al poeta mapuche Elicura Chihuailaf en La Plaza La Paz de Recoleta.

Musicalizando la poesía de Elicura Chihuailaf -poeta mapuche considerado uno de los más connotados escritores mapuche- el grupo Kalfu se presentará en el festival WOMAD, luego de un viaje a Nueva York, donde realizaron un encuentro de música y resistencia en el que rescataron el arte de los pueblos originarios del sur de nuestro país.

Kalfu viene llegando de una viaje a EE.UU. para presentarse en el espacio The People`s forum, ubicado en Nueva York. The People`s forum es un espacio educativo, cultural y accesible -ubicado en pleno Manhattan- que nutre a la próxima generación de visionarios que creen que con la acción colectiva es posible un nuevo mundo. A través de la educación popular, trabajo cultural y un laboratorio de medios, este espacio sirve como una incubadora de movimientos para que organizaciones y personas de base se conecten y recopilen ideas para la acción colectiva.

Tras su paso por este importante espacio, la agrupación confirmó además su participación en “WOMAD” el próximo sábado 16 de febrero a las 21.45 hrs en la Plaza La Paz de Recoleta, instancia en la que se presentará junto a destacado poeta chileno, Elicura Chihuailaf, considerado uno de los más connotados escritores mapuche; su obra es principalmente bilingüe, en mapudungun y español.

Kalfu, además, reconfirma su presentación en La Cumbre para la nueva fecha del evento el próximo 18 de mayo.

WOMAD va por su 5ª versión y se extenderá durante tres jornadas (15 al 17 de febrero) con talleres, workshops y música en vivo de los más destacados exponentes de la world music.

Kalfu se constituyó como familia musical en 2011. Desde entonces han materializado su obra en dos discos y un documental que narra el proceso creativo de uno de ellos. La Cantata Mapudungún y Trawun=ReUnión (homónimo del segundo disco y el documental) son el resultado del ensamble entre poesía contemporánea, mapudungún y la fusión de ritmos latinos.

Esta combinación les ha permitido abrir un particular espacio en la escena actual de la música chilena, trabajando en colaboración con artistas de renombre como Elicura Chihuailaf, Manuel García, Tata Barahona, Francisca Valenzuela, Joe Vasconcellos, Nano Stern, y los Hermanos Larrea (en diseño y fotografía).

El imperdible MASTER CLASS de los músicos de LUIS MIGUEL se apoderan del Teatro San Ginés

Comunicado de prensa

Éste 21 de Febrero el Teatro San Ginés se prepara para recibir a los increíbles músicos de LUIS MIGUEL en una MASTER CLASS que se tornará imperdible; dentro del equipo que conforma ésta inigualable sesión musical se encuentra:

Alejandro Carballo en el Trombón

Ramón Flores en la Trompeta

Greg Vail en el Saxofón

Ésta Master Class estará cargada de toda su experiencia como músicos de sesión donde podrán abrir un espacio para compartir temáticas como:

- Composición.

- Arreglos.

- Trabajo de Ensamble.

- Producción Musical.

Una vez culminada la Master Class, se realizará una sesión de preguntas a los músicos donde éstos darán respuesta a todas aquellas dudas o inquietudes manifestadas por el público, y además podrán tocar junto a los expositores.

Producción: Boris Rojas.

Jueves 21 de Febrero a las 21: 00 hrs

Adquiere tus entradas haciendo click aquí

miércoles, febrero 06, 2019

Tres cantantes nacionales incursionan en nuevos sonidos urbanos


Estudio muestra poca representación femenina en la música

El Mercurio

La investigación de la escuela de comunicaciones estadounidense USC Annenberg arrojó que un 17% de las 100 canciones más populares de Billboard durante 2018 son interpretadas por mujeres y apenas un 12,3% escritas por ellas. La cifra es idéntica a la de 2017.

Entradas a la ópera a precios inalcanzables

Cultura
El Mercurio


El 21 de marzo se presentará "La fuerza del destino", de Verdi, en el Royal Opera House, con un dúo pocas veces visto: Jonas Kaufmann y Anna Netrebko. Ya no quedan entradas en la taquilla, pero sí en el sitio de internet Viagogo, donde los precios han escalado tanto que un asiento que vale 125 libras, se revende a 1.800; los de 525 libras a casi 7 mil. La polémica es porque el teatro recibe una subvención estatal de 24 millones de libras al año para, entre otras cosas, poder vender asientos a precios moderados.

martes, febrero 05, 2019

Palmenia Pizarro y caso Frei Montalva: “Aunque hayan dicho que lo mataron, no lo creo, porque los políticos son tan mentirosos”

CNN

"Se están preparando para las nuevas elecciones, quieren poner de nuevo a Eduardo Frei de candidato. Eso es lo que quieren los demócratas. Eso me molesta. ¿Por qué tienen que hacer estas cosas para que salga alguien?", opinó la intérprete de "Cariño Malo" en Conversaciones CNN.

La cantante chilena Palmenia Pizarro, quien inició su carrera musical a comienzos de 1960 y es intérprete del éxito “Cariño Malo”, fue parte de Conversaciones CNN. Comentando temas de contingencia, se refirió a las dudas que tiene respecto al asesinato del ex presidente Eduardo Frei Montalva, a quien conocía personalmente y cuyo deceso fue resuelto como homicidio simple tras 19 años de investigación.

Algunas de las declaraciones más destacadas de esta entrevista, a continuación:
“Fíjate que yo sigo dudando. A mí me produce una sensación de que no fue así. O sea, yo no creo en lo que dicen. No creo. Yo creo que, más bien, el murió porque tenía un problema y punto“.

¿Pese a que haya una investigación?

“Aunque hayan dicho que lo mataron, no lo creo, porque los políticos son tan mentirosos. Perdóname,  por favor. No, no lo creo. Yo pienso que él murió porque tenía un problema, ¿me entiendes tú? Entonces eso, para mí, no tiene validez“.

Ayer supimos que la familia Frei está pidiendo recalificar el homicidio, porque se dijo homicidio simple y quieren homicidio calificado.

“Se están preparando para las nuevas elecciones, quieren poner de nuevo a Eduardo Frei de candidato. Eso es lo que quieren los demócratas. Eso me molesta. ¿Por qué tienen que hacer estas cosas para que salga alguien?”.

O sea, ¿lo ves como estrategia política?

“Estrategia política, así lo veo yo. Y no me gusta hablar mucho esta cuestión, porque después me odian, ¿me entiendes tú?”.

Pero tienes un tema con la política.

“Tengo una visión, claro. Su papá era un señorón, mis respetos para el papá de don Eduardo Frei“.

¿Y no crees que la dictadura de Pinochet quiso matarlo?

“No, fíjate que la verdad es que yo pienso que no, porque, para mí, él era una buena persona. Era un señor encantador. Cuando nos encontramos con él en la carretera, veníamos de gira con Los Charchaleros y Yaco Monti, nos bajamos todos, hicimos parar el bus de él.

Nos bajamos todos a saludarlo y a mí, cuando me ve, me dice: ‘Estoy enojado contigo, chiquilla’. Entonces, le digo: ‘Pero, ¿por qué, señor presidente?’. ‘Porque estuve en San Felipe y estuve con un premio en las manos para entregártelo y tú no apareciste’. ‘Pero si en San Felipe sabían que yo andaba en una gira’, le dije yo (…) “Para castigo”, me dijo, “para que me hagas el favor de la ingratitud que tuviste conmigo, cántame ‘Cariño Malo'” y ahí, acapella, con la guitarra le cantamos”.

*Mira la entrevista completa en el video.

lunes, febrero 04, 2019

Los nuevos desafíos de los renovados Huasos Quincheros



El Mercurio

Tras la salida de dos de sus integrantes más antiguos el año pasado, el conjunto prepara nuevos proyectos que buscan seguir con la protección y difusión de la música tradicional chilena.

2018 fue uno de los años más agitados dentro de la historia de más de ocho décadas de Los Huasos Quincheros, en parte por la salida de dos de sus integrantes más icónicos: Benjamín Mackenna y Ricardo Videla. Sin embargo, el despido de estos dos miembros no ha logrado afectar el núcleo del conjunto que hoy en día trabaja en varios proyectos paralelamente.

Lo primero que asoma en el horizonte son ideas para nuevas producciones discográficas, que incluyen un álbum donde trabajarán con compositores jóvenes de música tradicional chilena y un disco de boleros que rescata composiciones inéditas que Sergio Sauvalle le entregó al grupo en la década de los 70. "Estamos tratando de armar un buen disco de boleros porque las chiquillas nos piden eso", dice entre risas Enrique Barros: "Hay mucho material que quedó por ahí en las tertulias, en los ensayos y en los guitarreos".

Además, el conjunto manifiesta la intención de realizar un disco apuntado a un público infantil, grabando canciones tradicionales chilenas enfocadas en ellos. "Queremos hacer ese disco para que los niños conozcan estas canciones y se conserven grabadas", explica Antonio Antoncich.

La idea es que todo el nuevo material discográfico se publique también a través de las plataformas digitales, hecho que se une a la iniciativa de poder llevar los discos antiguos del conjunto a estos formatos.

Fuera de los nuevos álbumes, el grupo también ha retomado una idea que ya habían materializado en años anteriores. "Hay varias orquestas juveniles muy buenas en colegios de provincia, con las cuales se puede hacer un concierto con Los Quincheros, que permita llevar la tonada a la música docta", adelanta José Vicente León, quien se integró oficialmente al grupo tras la salida de Mackenna.

Los cuatro integrantes actuales de Los Huasos Quincheros coinciden en que estas ganas por mantenerse vigentes radican en su intención de proteger la tradición de la música chilena. "Tú cruzas la cordillera y lo primero que escuchas en la radio es un tango, una milonga o una zamba argentina. Aquí se escuchan canciones en inglés que son muy bonitas, pero no son nuestras", dice Antoncich. Cristián ´O'Ryan lo complementa: "Nosotros sentimos una responsabilidad gigante de seguir con esto, de levantar la bandera de la música chilena".

"Dado que esto no está en la moda, requiere doble trabajo y doble cariño para mantenerlo, porque eres un quijote en medio de los molinos de viento", sentencia José Vicente León.

En streaming

Uno de los proyectos actuales del conjunto es ir rescatando sus álbumes antiguos para incluirlos dentro de su catálogo en plataformas digitales.

domingo, febrero 03, 2019

Eduardo Peralta y sus 40 años de trova: “Chile vive en un ejercicio permanente de amnesia”

The Clinic

Eduardo Peralta es uno de los pocos representantes del Canto Nuevo que con 40 años de trayectoria permanece vigente. Todos los lunes, desde hace veinte años, comparte su canto en el Mesón Nerudiano, y otros escenarios culturales y académicos. Este hecho, bien podría considerarse mítico, dado el escaso reconocimiento y apoyo oficial al legado de esta generación de compositores.

Por Berenice Ojeda

Trovador, payador y traductor, a los 15 años comienza a escribir sonetos y dos años más tarde, a componer sus primeros temas. “El hombre es una flecha”, “Juan González”, “Canción de amor contigo y con todos”, “Navidad”, constituyen un claro ejemplo del valor poético y político de su quehacer creativo, el que con tintes de humor corrosivo y crítico, logró burlar la cruda censura en periodo de dictadura y permanecer durante cuatro décadas en la memoria colectiva del canto nacional.

En 1979 parte a Europa, viaje que marcará profundamente su historia y determinará hasta hoy al artista polisémico y carismático. Quién podría olvidar la risa contagiosa de Peralta y Pedro Yáñez en el programa “La noche de los payadores” de Radio Umbral, y quién desconocer el permanente intento de este artista por relevar la figura de los poetas nacionales relegados al olvido, por enriquecer y preservar el patrimonio literario y musical de Chile.

Reconocida es también la admiración de Peralta por el genial trovador francés Georges Brassens, a quien tradujo y adaptó de manera notable; trabajo que ha sido premiado en Francia con el título Chevalier des Arts et des Lettres, y el Grand Prix de la SACEM (Société des Auteurs, Compositeurs et Éditeurs de Musique).

Algo importante y significativo dijo y sigue diciendo Eduardo Peralta. La siguiente entrevista da cuenta de ello.

Qué significado asignas a la palabra Trovador, considerando que eres uno de ellos. Háblanos un poco de este personaje medieval, de sus orígenes y de su vigencia.

-Bueno, a mí siempre me ha gustado leer, soy un lector asiduo de poesía. Empecé con el Siglo de Oro a los 15 años. Además, mi abuela Rosa que murió a los 102 años, me recitaba sonetos de Lope de Vega, décimas de Núñez de Arce, poemas de Juan de Dios Peza o Amado Nervo que a ella le gustaban mucho. Entonces, me fui por el lado del verso consonante, del verso clásico. Me encantó el Siglo de Oro Español, y me sigue gustando, en particular Quevedo, Góngora, Lope. Pero comencé a buscar más atrás de ese siglo a nivel histórico, a nivel poético y ahí me encontré con estos “personajones” que eran los trovadores del siglo XII, XIII no solamente de España, que obviamente lo hay, y más que en el mundo madrileño en el mundo gallego tan ridiculizados siempre, yo creo que por el centralismo madrileño que se ríe de otras expresiones, siendo paradojalmente los gallegos mucho más civilizados que los madrileños.

Por supuesto también me interesé por los trovadores del Mediodía Francés, del Languedoc y de la Provenza, que tienen unas maravillas de personajes como Bernart de Ventadorn, Bertrán de Born, Marcabru… Me gustaba mucho Pero Da Ponte. A él yo lo grabé en el primer disco  del año ’83, cuando estaba empezando con mis aventuras musicales y poéticas, y creo ser el primer trovador chileno que grabó a un trovador medieval. Personaje encantador que murió muy joven –atravesado por una espada- porque solían los trovadores medievales enamorarse de las mujeres equivocadas, ligadas a las altas alcurnias; casadas  con un rey, un príncipe o un marqués. Obviamente eran bastante escogidas y bonitas, lo que despertaba odios importantes. Entonces, Pero Da Ponte era para mí un gran personaje, por eso grabé una canción que a veces la muestro como ejemplo de canción medieval (recita): “Se eu podesse desamar / a quem me sempre desamou, / e podess’algún mal buscar / a quem me sempre mal buscou!” Y esa es una canción que a mucha gente la ha acompañado, me comentan, gusta y preguntan ¿por qué te interesas en esto? Y yo les digo, porque siento que los trovadores -que pronto van a cumplir un milenio como fenómeno-, desde Guillermo de Aquitania, eran artistas que iban contra la teocracia de la época, pero en forma poética, ¡porque si no los quemaban simplemente!

Por eso hay un paralelo en lo que pasó con las dictaduras latinoamericanas, en los años ‘60  ’70, y lo que fueron los trovadores medievales, porque se vino la noche medieval, y sigue volviendo en Latinoamérica. Esta mezcla de política y religión, en un sentido opresivo, en un sentido de teocracia, que viene claramente en Brasil, con Bolsonaro y compañía. En Chile, Argentina, Uruguay en los años ’70 se vino la noche medieval, y los trovadores tuvieron que trabajar como los del siglo XII y XIII, y hubo que jugar con la metáfora, había que intentar de alguna forma pasar las redes de la censura a través de la poesía. Yo creo que esa fue la aventura más bonita que vivió Latinoamérica, que vio nacer artistas como Caetano, Chico Buarque, Silvio, y un poco más atrás en el tiempo a Yupanqui junto a Violeta que fueron los padres del folclor inteligente, crítico, un folclor que conversaba y dialogaba, y que por lo  tanto opinaba en forma poética, por supuesto. Por eso yo rescato la figura del trovador, lo que llaman el “eterno retorno”, algún filósofo alemán bigotudo hablaba de esto (risas). Yo siento eso, siento la sincronía.

Además, yo tengo algo de sangre francocanadiense por mi abuela Valin, del lado paterno. Los Valin eran unos canadienses que iban de Quebec hacia el oro de California en el siglo XIX, y una mujer que venía embarazada, se le adelantó el parto y tuvo que bajar en Coquimbo, esa fue la razón de que yo esté vivo.

Según lo que señalas, el trovador no sólo está ahí para visibilizar y denunciar, sino para a través de la poesía y el canto trascender estos hechos, sortearlos de una manera inteligente, metafórica, más allá de la mera denuncia.

– Efectivamente, la palabra trovador, proviene del verbo Trobar (con b), que es un verbo occitano, que luego dio origen al verbo trouver, que en francés quiere decir “encontrar”.  Entonces, el trovador es el artista del hallazgo, o trouvaille como dicen los franceses. El Hallazgo del verso, de la melodía, de la metáfora como dices tú, de lo que construye canción original, algo nuevo bajo el sol, como decía Huidobro, y que puede despertar el oído, el corazón, el espíritu de le gente gracias a ese hallazgo inicial proveniente del siglo XII, y presente hasta nuestros días en el oficio de los trovadores.

Retomando lo que mencionaste acerca de tus primeros acercamientos con la poesía, me llamó la atención que un joven de 15 años escribiera sonetos, ahora me queda clara la influencia de tu abuela Rosa. ¿Participabas de concursos? ¿Hubo un medio que se interesara por tus poemas?

-Claro, yo escribía sonetos. Yo escribí poesía antes de cantar. A esa edad yo escribía y mandaba mis escritos a diarios, a revistas como Mampato, que publicaba poemas míos. Unos poemas muy cursi (risas). De hecho Las Últimas Noticias me publicó un poema que hice a los 14 o 15 años por la muerte de Neruda. Lo titularon “Un niño canta a Neruda”, y lo publicaron completo (recita): “Vivías en la humedad y el fío del austro, pero tu gran mensaje ardió y aún arde. Le cantabas al pueblo de tu patria, dándole tu mensaje, y sucedió que tu humedad hirviente un día cruzó límites y mares, desiertos y montañas, arrasándolo todo, y fuiste conocido y reconocido en todo el mundo como insigne vate”.

¡Qué belleza! Para entonces ya estabas imbuido de un espíritu creador, eras la potencia de un este espíritu

-En aquella época no sabía nada de música, era un joven, un niño, y de pronto comencé a escuchar música y a interesarme en la guitarra y el piano, de hecho toco piano hasta ahora…

Y tu colegio, el Notre Dame, ¿de qué manera influyó en tu formación artística?

-El Notre Dame fue fundamental para dos cosas; para el francés, para el mundo francófono. Recuerdo al cura Polain, que era monarquista, un cura muy conservador, belga, pero con una visión de la educación muy revolucionaria, en libertad. Con los profes nos tratábamos de tú, cosa que era rarísima en plena dictadura. No usábamos uniforme, sino ropa de calle. Había una libertad especial. Este cura nos enseñaba a leer a Rimbaud, Baudelaire, Verlaine, que era su preferido; ¡imagina a los poetas malditos leídos por el cura! (risas). Nos enseñaba a recitar. Tuvimos un sustrato de la parte francesa en literatura, y de la parte musical también, porque había un coro muy activo en donde participé y también un grupo de teatro. Montábamos pequeñas obras de teatro y las presentábamos en pueblos chicos del sur de Chile, en giras universitarias de verano. Yo actué con Ricardo Larraín, el gran director de cine -que en paz descanse- quien era uno de los personajes en la obra “Los Ángeles Ladrones” y representaba a Platón, el paco que perseguía a los gatos ladrones. Yo era el músico en las obras, tocaba la guitarra y Germán Aburto, nuestro profe, un gurú que sigue tocando a veces conmigo en El Mesón Nerudiano. Tocábamos música de las canciones geniales de Vittorio Cintolesi (coautor de los Ángeles Ladrones junto a Jorge Díaz). Visitamos pueblos como Roblería, Bustamante, San Carlos, Chillán, toda esa zona campesina. En pueblos chicos, a veces hacíamos un fogón en las plazas y montábamos la obra y cantábamos.

Entonces, el arte lo desarrollé con mucha fuerza en el colegio y yo creo que me marcó para el futuro. Años después –recuerdo- hicimos un lunes con Vittorio en el Mesón Nerudiano, y cantamos algunas canciones de esa obra, ¡imagínate! la sincronía, el encuentro años después con ese personaje adorable de quien fui muy amigo.

A esa edad, terminando el colegio, ¿Ya tenías claro que querías seguir la vía trovera?

P: Me gustaba mucho, pero no tenía tan claro que era mi vocación total. Yo quería ser periodista, pero un modo muy idealizado. Yo adoraba a Mark Twain, y a Vargas Llosa y García Márquez en sus comienzos como periodistas. Es decir, la unión entre literatura y periodismo.

¿Hubo un hito que marcó tu entrada al oficio de trovador o fue un proceso?

– Bueno, primero entré a estudiar Periodismo en la Universidad Católica, y ahí comencé a componer canciones. De hecho en primer año es cuando compongo “Navidad”, “El hombre es una flecha” y “Juan González”, son de por ahí, año ’77, ’78.

El año ’79 vino la crisis, porque ya estaba cantando en festivales universitarios, los Encuentros de Juventud y Canto, la Peña Javiera en donde conocí a mi amiga Isabel Aldunate y otros grandes colegas. Y ahí comenzó la crisis, porque se estaba formando un tipo de periodista robot especialmente en la TV. Como decía MacLuhan “Los medios calientes de comunicación”, que estaban secuestrados, y aún lo están.

No me atraía la idea de ser un periodista amateur que tiene el hobby de tocar los fines de semana o ser un trovador que tiene el hobby de hacer algún artículo. Opté por ser un trovador profesional. Entonces, abandoné la Universidad.

¿En ese momento decidiste partir a Europa?

– Claro, pero primero me mandaron al psiquiatra, porque mi familia no entendía cómo consideraba opción ser músico.

¿Ahí conociste a tu esposa, la “psiquiatra bombón”?

-(risas) No, no, ésa fue otra. Ella vino después. Fue un psiquiatra muy simpático que a la tercera sesión me dijo ¡traiga la guitarra! Tuve la suerte de que este psiquiatra tenía un hijo músico –guitarrista clásico- estudiando en Barcelona. Entonces, llevé la guitarra y comencé a cantar mis canciones. Fue una sesión a las 7 de la tarde. Él escuchó dos o tres canciones y se fue a un bar pequeño que tenía en la consulta, sacó una botella de whisky, sirvió dos vasos (yo tenía 20 años). Nos tomamos el whisky con hielo, y me dijo “sigue cantando, me interesa escuchar”. Canté casi todo lo que había compuesto hasta entonces y en un momento me dijo: “tú tienes que dedicarte a la música”, y me extendió hasta un certificado para que mis padres se quedaron tranquilos (risas).

¿Qué edad tenías cuando partiste a Francia?

-Partí a Francia a los 20 y con permiso notarial, porque recuerda que en ese tiempo la mayoría de edad se alcanzaba a los 21.

¿Alguien te esperaba allá?

-No, nada, yo fui a la aventura con un pasaje de ida y con 250 dólares que me regaló un tío, y me quedé 10 meses en Europa, cantando en los metros, en actos latinoamericanos.

En términos creativos, ¿Qué significó para ti ese viaje?, ¿Qué experiencias marcadores viviste?

-Bueno, en el fondo fue un viaje iniciático. A los 20 años ¡imagínate! Estuve en 5 países. Me quedé 2 meses en Francia, después me iba 1 mes a Holanda y regresaba. Luego a Bélgica otro mes, también a Suiza. El centro de operaciones fue París.

¿Y cómo lograste establecer esos lazos o esas invitaciones a otros países, si nadie te esperaba en Francia?

-Bueno, fue una sorpresa para mí, porque algunas canciones ya eran conocidas a través de grabaciones caseras… Yo no había grabado formalmente todavía. Mi primer disco es del ’83, pero había grabaciones de temas que sonaban en la radio Galaxia, Chilena, y que la gente las mandaba al “exterior”, como se decía en ese tiempo. Entonces, yo llegué a algunos eventos latinoamericanos allá en Francia y conocían varios temas. Fue muy divertido ya que a raíz de eso me invitaron a algunos eventos y pude sobrevivir.

¿Te encontraste con otros artistas chilenos en exilio?

-Claro, allá también conocí a Isabel Parra, a los Quila. Illapu me invitó a un concierto precioso con Mercedes Sosa en el Théâtre de la Ville, justo en la cima del gusto europeo por la música latinoamericana, por lo que aquí estaba pasando.

¿Qué temas nacieron allá?

-“Ay, París”, Obviamente. “Golondrina chilota” la hice poco después de volver de Europa, porque en La Haya vi por la ventana una golondrina que volaba sola –creo que era abril, primavera europea-, en casa de un fotógrafo chileno muy simpático, y recordé que dos años antes había fijado mi atención también en una golondrina volando solitaria en Chiloé. Así nació ese tema que habla de la migración, del exilio.

¿Y te enamoraste durante el viaje? Porque un trovador que no se enamore…

-Un poco, sí, hay cosas confesables e inconfesables (risas). Pero hice muchos amigos y conocí gente muy interesante.

¿Y a uno de tus mentores -Brassens- alcanzaste a conocerlo?

-No, él ya no estaba en París y se encontraba muy enfermo. Murió al año siguiente de mi periplo europeo. Me hubiera encantado conversar con él. Estaba vivo todavía, pero muy delicado de salud, y además para entonces yo no conocía tanto sus canciones.

¡Ah! ese fue un primer acercamiento a Brassens. ¿Hubo alguien que te lo presentó musicalmente?

-Una amiga muy querida de la universidad, una semana antes de partir, en una cena en su casa me hizo escuchar dos canciones de Brassens. Ese fue el único contacto que tuve con él y me encantó. Sin entender todo, porque yo tenía a Baudelaire en la cabeza, pero no el francés cotidiano, no el “argot” que Brassens mezclaba admirablemente con el lenguaje poético.

Al mismo tiempo que descubría a Brassens, nació también la amistad fundamental con Payo Grondona en Alemania y con Chere Arenas, en Francia. Ambos lamentablemente nos dejaron hace pocos años.

Tú ya tenías esta veta irónica. Con este descubrimiento y las amistades que mencionas, ¿se potenció?

-Sí, claro, “Navidad” es un ejemplo, aunque era una ironía agridulce. Con Brassens y estos dos locos geniales (Grondona, Chere) me di cuenta que había –como dicen los franceses- “una otra” nueva canción chilena, que era una alternativa a los himnos, generalmente asociada a grupos de 7 a 8 músicos. Aquí nuevamente aparece la figura del trovador remitida a esa figura medieval solo con su instrumento (laúd, vihuela). Esa trinidad me marcó mucho, fue fundamental. Brassens a punto de morir, y el Payo y el Chere en plena actividad en el exilio. Con ellos forjé una gran amistad y seguí cantando durante muchos años cuando regresaron a Chile.

Qué enorme y escasamente reconocida es la figura del Chere Arenas. Él tuvo una participación fundamental en varios trabajos emblemáticos de la Nueva Canción Chilena, con Patricio Manns y otros…

-Él merece un gran homenaje, claro. Con todos los músicos que lo han cantado, desde los Quila hasta los Ángeles Negros, Cecilia Echenique, Tati Pena, Isabel Aldunate. Es de una diversidad maravillosa en las canciones, y especialmente su humor corrosivo y a veces bilingüe.

El Payo también es un personaje importante y querido para mí. De hecho, en un nuevo ciclo de recitales que comencé en Valparaíso y se extenderá -en principio- hasta febrero de este año, homenajeamos a Payo el 9 de enero, fecha que coincidió con los 5 años de su partida. Fue un encuentro emotivo en donde cantamos varios de sus temas emblemáticos. Aprovecho de agradecer a “La Pará Kultural”, el espacio en el que nos encontramos en estos “Miércoles Peraltianos, en calle Serrano, plena Plaza Sotomayor.

Después de tu periplo por Europa, ¿cómo te insertaste en el medio musical en ese difícil periodo?

-Volví en Octubre del ’80. Ahí comencé a componer mucho, cantar, traducir a Brassens y a viajar dentro de Chile. De hecho lo que más alegría me ha dado es poder viajar mucho. He recorrido 130 ciudades de Chile y 30 países con mi guitarra, y espero seguir ampliando esa bitácora.

El año 81, tuve la posibilidad de grabar con el sello Alerce unas antologías del Canto Nuevo.

El año 1983 surge la posibilidad de grabar a toda orquesta un disco, fue un proyecto de Filmocentro, la unión entre Alerce y el naciente sello La Música. Se invitó a muy buenos músicos (Pancho Aranda, Alejandro Espinoza, Edgardo Riquelme, Pablo Lecaros en bajo, el papá de Carmen Prieto, Mario, dirigiendo las cuerdas en dos o tres temas), y salió este primer disco, en formato vinilo y cassette. Gracias a esta producción varios temas se quedaron en la memoria de la gente, tuve una recepción musical que permitió esa inserción.

Junto a tu veta trovera, existe también la de payador ¿Cómo llegas a este oficio?

–Mi oficio de payador comienza poquito después de esa grabación. Yo creo que, en primer lugar, llegué por mis orígenes clásicos de escritura, la décima. Si yo hubiera nacido en el mundo campesino, hubiera escuchado el canto a lo divino, tal vez, pero nunca escuché eso, pero sí los libros y sí mi abuela que recitaba: “Guarneciendo de una ría, la entrada incierta y angosta, sobre un peñón de la costa, que bate el mar noche y día…”, de Núñez de Arce.

Un segundo factor tiene que ver con mi amistad con Pedro Yáñez, creo que el año ’84, ‘85. Nos caímos muy bien. A mí me gustaba ir a ver -por esta misma relación con la décima- a los payadores. Iba a escucharlos en Viña, en Santiago, Y ahí estaba Pedro, el Piojo Salinas –un personaje- Santos Rubio, entre otros. Comenzamos a conversar con Pedro, a reírnos y a forjar una amistad. En ese momento yo me fui de casa y me mudé a la suya en calle Carmen. Ahí comencé a improvisar, primero jugando y de un momento a otro me di cuenta que ya estaba preparado para comenzar a payar en público, y empezamos a hacerlo de a poco, y fue agarrando onda. Además nos divertíamos mucho, porque había un contrapunto natural: yo, el trovador anteojudo de la capital, y él con su voz campesina profunda, de Campanario, pueblo pequeño de la región de Ñuble.

Pedro, además de su notable y particular humor, es uno de los payadores reconocidos por dignificar el oficio del payador.

-Claro, el humor de Pedro es notable, y además tiene esa sabiduría campesina. Es un humor profundo. Eso siempre me apasionó de la paya y de Pedro, quien además es portador de una gran herencia, como tuvo la Violeta, una gran herencia en sus oídos, en su alma, en su cuerpo, en su guitarra, en su guitarrón, que emergía en los encuentros de payadores y en los recitales. De ahí se fue tejiendo esta complicidad.

Recuerdo que llegaron a tener un espacio propio en la recordada y querida Radio Umbral…

-Tuvimos durante dos años los días martes un programa llamado “La noche de los payadores”. Eso creó todo un mundo de gente interesada. Muchos jóvenes que escuchaban y mandaban “pie forzados”. De hecho artistas de hoy eran jovencitos que escuchaban esos programas. Eso fue un orgullo muy grande, porque se creó una irradiación en torno al fenómeno de la improvisación poética, sea en copla, décima, cueca o vals. Es muy interesante improvisar un vals en endecasílabos. Mi amigo Alexis Díaz Pimienta improvisa en sonetos maravillosamente. Ésa es la idea, buscar formas distintas de la improvisación y compartirla con la gente. Eso a mí me dio una experiencia distinta en el escenario. El disfrutar con Pedro, el goce de la creación instantánea, ayudó a mi trabajo propio, como también lo hicieron Brassens, el Payo y el Chere Arenas. El humor en la trova y en la paya ha sido fundamental en mi trabajo, porque si tú no estás contento en el escenario, si estás tenso, se nota y la gente lo percibe.

De hecho hasta hoy mantienes ese lazo con la paya

-Sí, claro, sigo improvisando mucho cuando se puede. A fines del año pasado hicimos un hermoso concierto de payadores en Pichilemu. Hacía años que no cantaba ahí y fue una tremenda experiencia. Asistieron cuatrocientas personas. Payé con Hugo González Hernández, Cecilia Astorga, El Chocho Rubio y Rodrigo Núñez.

A propósito de tu permanente relación con la improvisación, ¿cómo ves a la nueva generación de payadores?

-Muy contento, como te comentaba, de compartir con Hugo que era parte de estos jovencitos que escuchaban nuestro el programa de la Radio Umbral y hoy son notables creadores, improvisadores, guitarroneros, poetas. Hugo en particular es uno de los más talentosos y polisémicos payadores de Chile, porque puede hacer un soneto al estilo Lope de Vega, así como hacer una muy buena décima improvisada o escrita. Es un artista completo. Siempre subirse al escenario con Hugo, es fantástico.  También es grato improvisar con Cecilia Astorga, que ha sido la pionera de las payadoras en Chile y tiene una voz impactante. Muchas veces hacemos con ella personificaciones en coplas y es excelente. Su crecimiento ha sido exponencial en estos últimos años.

Ahora que mencionas sonetos y décimas, es reconocido en tu carrera el interés por musicalizar a poetas chilenos casi olvidados…

-Como te comentaba, he estado en contacto con la poesía desde pequeño. Leo también prosa con humor, como la de Bryce Echenique cuando habla y se ríe de París, pero principalmente he sido un lector, declamador y musicalizador de poetas. De hecho, antes de hacer mi primera canción yo había musicalizado poemas de Pedro Prado, Pezoa Véliz, Neruda. “Mariposa de Otoño” es uno de mis primeros trabajos. Empecé con eso y demoré muchos años en publicar, de hecho sólo en la última década logré grabarlos en dos discos: El primero, llamado “Veintiún poetas chilenos”, que incorporó el trabajo de vates del  XX, y “Encanto de la lluvia”, editado por Mapa Records y disponible para descarga on-line. En este último trabajé con poetas nacidos antes de 1900, es decir, los decimonónicos, poetas casi olvidados como Jorge González Bastías, Pedro Antonio González, Mercedes Marín de Solar, Pedro Prado, Carlos Pezoa Véliz, Manuel Magallanes Moure. En fin, poetas que quiero mucho y considero debieran ser más recordados, pero Chile vive en un ejercicio permanente de amnesia, y con estas musicalizaciones intento traerlos al presente y lograr que nuevas generaciones los escuchen y conozcan. Intento que a través del canto, de mis presentaciones musicales, ellos vuelvan del olvido.

A mí me emocionan y me enamoran ciertos poemas, en particular los breves como los sonetos. Los poemas que son de una página son más fáciles de hacerlos canción. Con los de mayor extensión tendría que hacer una suerte de oratorio (risas) o un motete, ópera, sinfonía, no sé. Yo me enamoro de poemas que son como un golpe de página, hasta por cómo están dispuestas las letras en él. Es el caso de “Un desconocido silba en el bosque” de Jorge Teillier, que es una página con cuatro estrofas. También el poema de Neruda “Dónde estará la Guillermina”. En ambos casos la gente canta conmigo, y eso es muy gratificante, porque significa que el trabajo está bien logrado, logra llegar al público.

Entonces, volviendo al caso de los poetas decimonónicos, que se podrían declarar como olvidados por los medios de comunicación, renacen en un concierto en que la gente los vive. Eso es estimulante. También está el tema nemotécnico, es decir, que una melodía te recuerde un poema. Varios trovadores lo han hecho, como Serrat. Brassens mismo tiene bellísimas musicalizaciones de Verlaine, Víctor Hugo, y otros poetas franceses importantes. Tú puedes recordar el poema entero a través de la melodía. Eso es precioso, es una forma de volver a circular estos poemas, y como la gente lee poco, la canción da una dinámica y una dimensión distinta. Permite que los poemas estén en la gente, en el oído, en el inconsciente colectivo.

Imagino que es un trabajo complejo

-Es muy difícil, porque la idea no es cambiar el espíritu del poema, sino intentar mantenerlo, tratar de jugar con su sonoridad, con sus acentos, con su prosodia. Desarrollarlo más, con más fuerza, y lograr el objetivo más importante que es llegar al corazón de la gente.

Además, como el tema de la memoria ahora es frágil, ya que nos hemos acostumbrado mucho más a las imágenes, el trabajo de musicalizar tiene un sentido de recuperación de ese patrimonio antiguo de dos siglos de poesía.

A propósito de pasado y presente, ¿Cómo observas el desarrollo de la nueva generación de trovadores?

-Muy bien, en Chile en particular. Algo conozco de lo que se está haciendo en Argentina o España en donde encuentras trabajos interesantes, pero en Chile hay un fenómeno de la Novísima Trova se podría decir, que es muy diversa, muy interesante, y en que el protagonismo lo están teniendo las mujeres. Hay muchas y muy buenas creadoras en la canción de texto y no solo en el folclor, no solo en la trova urbana, sino que en la paya también.

En el Rock Carnaza, hace poco, me encontré con Gepe, cantamos en el mismo espectáculo. Él está trabajando con folcloristas de primer nivel, como Miguel Molina de “Los dos maulinos” y Claudia Mena, que es una maravilla. Presentó parte de un disco dedicado a Margot Loyola. Se ve que hay un respeto, una continuidad, como existe también con Brassens a quien los rockeros homenajean con versiones divertidísima de canciones de hace 50 años.

Que exista diversidad en la creación y en la interpretación es muy importante, porque trabajar solo un tipo de canto hoy es complicado. El escenario pide diversidad, ese oleaje de distintas vertientes…

Esa diversidad que mencionas, ¿crees que ha sido un factor relevante en tu permanencia, en tu constante porfía de cada lunes en el Mesón Nerudiano –espacio casi mítico- o en otros escenarios dentro y fuera del país?

-Ochocientos y tantos lunes ya en el Mesón Nerudiano. Espero llegar a los mil. Claro, también tiene que ver con esta diversidad, pero creo que además esta permanencia se relaciona con una pequeña virtud que tengo: ser sociable, estar en la vida. Es decir, un trovador que quiere vivir de su arte, que quiere expresarse en un país tan complicado como éste, para desarrollar el arte precisamente, tiene que estar disponible en el mundo, en la calle, en la vida social, en las embajadas, en grupos, en actividades políticas y en presentaciones, obviamente.

Además, quise tener un espacio ritual permanente, pero no para mi disfrute solamente, ya que he podido estrenar canciones creadas un sábado y dos días después las presento por primera vez para el público que asiste al Mesón, sino para estar a la porteé como dicen los franceses, es decir, al alcance. Que la gente pueda conversar contigo, intercambiar ideas, imaginar nuevos proyectos. Creo que hay que salir a la vida. Eso te hace conocer personas y disfrutar del cariño de los colegas y del público. Así que toda esta aventura loca, lunática -esto de los lunes- depende de la complicidad de los artistas y de la gente que asiste. Los artistas no van ahí porque se harán ricos, no, sino por el amor por el contacto, por pasarlo bien un rato, tomar un vaso de vino y hacer unas canciones a dúo. Ese encuentro fraterno y artístico que se va reeditando cada lunes desde hace veinte años, es una alegría tremenda que tiene que ver mucho con la presencia de esos amigos y amigas que ya suman cerca de 400 en todo este tiempo, muchos de ellos extranjeros.

Uno de los temas emblemáticos de tu repertorio es “El hombre es una flecha”, tema creado en 1978 y que al parecer hoy recobra sentido…

-Esa canción yo creo que la tendré que seguir cantando hasta el final de mis días, porque desgraciadamente tiene mucha vigencia. Es una canción que hice hace 40 años y fue segundo lugar en el festival “Una canción para el hombre” en el teatro Caupolicán. ¡Imagínate 5000 personas!, repleto el Caupolicán el ’78. Fecha difícil, a cinco años del golpe. La gente coreaba y aplaudía esa canción. La cantó Clarita Domínguez con su voz maravillosa, yo a la guitarra y Daniel Ramírez, que vive en París hace varios años, acompañó con flauta traversa. El ‘78 era el año de los Derechos Humanos, por eso se llamó “Una canción para el hombre”. Fue la canción favorita del público y desde entonces la he cantado en 30 países y 130 ciudades de Chile. La gente siempre la pide ya que es una canción universal, de carácter filosófico que intenta rescatar los problemas profundos que tiene el ser humano para avanzar, es decir, las barreras que se le imponen al ser humano.

Al estar vigente 40 años, pareciera que has logrado salvar muchas de esas barreras o lo intentas al menos. ¿Cuáles son los principales obstáculos a los que te has enfrentado?

-Lo intento, sí, pero no todas se pueden salvar. Las comunicacionales son las más difíciles, porque en un país entre comillas normal, yo debiera ser un trovador que está viajando a cada rato, con premios luego de 40 años de trabajo. Imagina que yo he recibido premios en Francia, y en Chile no he tenido grandes reconocimientos. He recibido ciertos aportes a algunos proyectos a través de FONDART o del Fondo del Libro, pero no es un país que haya dicho, “Sr. Peralta, estamos muy contentos de su trabajo”, al contrario, cuando regresé de Europa el año ’80, en el aeropuerto un tipo mal agestado me mira, me pide el nombre y comienza a buscar en un libro para ver si estaba en alguna lista de exclusión. Yo pensaba, ¡pero si estoy llegando a mi país!, y esa sensación de no estar en mí país la he sentido otras veces. Siento que estoy en un país secuestrado en muchos aspectos, especialmente en el comunicacional.

A pesar de eso, me siento contento después de 40 años, de seguir cantando y viajar al norte, al sur o fuera del país, pero creo que a Chile le falta en lo cultural una mirada benevolente hacia sus artistas. Tengo siempre la sensación de que hay que estar dando prueba. Todo este sistema de proyectos en donde debes dar prueba de lo que eres, de lo que has hecho y de lo que puedes hacer. Entonces, no existe un reconocimiento por el trabajo hecho profesional e intensamente. Yo me entretengo en Chile, porque puedo ver, puedo disfrutar y dialogar los lunes en el Mesón con artistas de mi generación y la nueva, pero me molesta que mí país y el país de mis colegas pareciera no serlo,  y en cambio ser país de las grandes compañías que traen a sus artistas, que a veces son buenos y a veces pésimos, y con eso llenan estadios y Movistar Arena, y el arte nuestro, el chileno, queda relegado a una especie de segunda o tercera división.

Esta suerte de desdén no es exclusivo de la dictadura o de una ideología de derecha. Al parecer ha sido bastante transversal…

-Sí, bastante transversal desgraciadamente, pero yo soy un positivo, un optimista. Quejarse por quejarse no tiene sentido. Lo que hay que hacer es actuar, ¡Agir! dicen los franceses. Hay que hacer cosas, proyectos. Teniendo proyectos se mira el futuro de otra forma. Si tú te dejas golpear, molestar por el ambiente cultural no sigues creando, te paralizas.

Y en lo venidero creativamente, ¿hacia dónde se dirige la flecha de Peralta?

-Ahora estoy terminando un disco de canciones infantiles. Seguramente se estrena en Marzo. Ya está casi todo grabado. La portada está siendo diseñada por un pintor maravilloso que se llama Guillermo Greve. Él creará las imágenes de los personajes de estas canciones. El disco tendrá una versión de “Tú eres un monstruo”, tema grabado con orquesta en un disco del año ’83, pero ahora saldrá solo en guitarra, porque es un disco trovero, para niños de hoy, pero trovero. Contendrá canciones infantiles inéditas que he compuesto en los últimos años. Una de ellas, y la que da nombre al disco se llama “La comarca fabulosa. Canciones para niños de cualquier edad”, premiada en el primer concurso Vittorio Cintolesi, que era el autor de las canciones de Pin Pon.

También estoy participando como autor en el libro “Historia de Chile en décimas” (LOM Ediciones), junto a otros payadores. Creo que marcará un hito, ya que será la primera historia de nuestro país, de sus sucesos, personajes populares, pueblos originarios, relatados en décimas. Se lanzará en septiembre del 2019.

Y seguiré con mis lunes, ya no Brassensianos, sino Peraltianos en el Mesón Nerudiano, y los miércoles Peraltianos en Valparaíso. Obviamente viajaré, espero viajar mucho y seguir enamorado del hecho artístico. A mí me encanta el escenario y vivir la maravilla que se produce en él. Por ejemplo, el otro día cantamos con el Pato Liberona una canción bellísima de su autoría (canta): “Alguien debe subir al escenario, con el alma transida de milagros”, una belleza de canción.

Compartir la música ha sido un regalo para mí. Yo me enamoro de mis colegas hombres y mujeres que se suben conmigo al escenario, porque ahí se crea una fuerza, una atracción, un cariño que, en definitiva, es lo que nos permite vivir.