lunes, abril 22, 2019

Congreso celebra sus 50 años con Concierto Masivo


La fiesta de cumpleaños ya tiene fecha. Si bien el grupo Congreso inició las celebraciones por su medio siglo de vida en enero pasado, su evento más grande del año tiene coordenadas: se realizará el sábado 24 de agosto en el Teatro Caupolicán y será un concierto de larga duración con invitados nacionales e internacionales en el cual la banda presentará varias sorpresas. Las entradas estarán disponibles a través del sistema Ticketek.

 Acerca de esta emotiva instancia para festejar su historia junto a su público, el miembro fundador y baterista de Congreso, Sergio “Tilo” González comenta: “vamos a recorrer los grandes hitos musicales de todos estos años que hemos estado juntos. Compartiremos el escenario con miembros históricos de la primera y segunda hornada, y tendremos varios invitados más que pronto se revelarán. Será un concierto extenso, como corresponde que sea una fiesta de cincuenta años”.

El motivo de fijar su presentación más importante para el 24 de agosto no es casual. Según indica la banda, ese día pero de 1969 un grupo de jóvenes músicos, encabezados por los hermanos Sergio, Fernando y Patricio González además de Francisco Sazo, actuaron en vivo por primera vez. El lugar fue el Teatro Velarde de Quilpué y en un horario fue muy particular: las 11:00 de la mañana. Cincuenta años después, la banda festejará ese hito y espera hacerlo frente a un teatro repleto.

Junto con revelar la celebración más masiva de sus cincuenta años de vida, el grupo Congreso también anuncia un proyecto muy especial. La idea es que el público también se haga parte de este festejo y por lo mismo, la invitación es a compartir historias, anécdotas, momentos especiales que le hayan pasado a cualquier persona, y que estén relacionados con Congreso. Las historias se pueden compartir al mail Congresoen50años@gmail.com y serán compartidas a través de las redes sociales de la banda, y también se mostrarán el día del show en el Teatro Caupolicán.

Los festejos de Congreso comenzaron a fines de enero con tres conciertos con tickets agotados en el Teatro Municipal Las Condes. Durante febrero el grupo estuvo en el festival Rockódromo y en el festival de Laja, y luego en marzo se trasladaron al sur, pasando por Punta Arenas, Puerto Varas, Valdivia y Temuco. Su show más reciente fue el que ofrecieron el sábado 13 de abril en el Club Chocolate. Las entradas para ver a Congreso el sábado 24 de agosto en el Teatro Caupolicán se pueden conseguir a través del sistema Ticketek.

domingo, abril 21, 2019

Buddy Richard: "Siempre voy dos pasos adelante de lo que viene"

José Vásquez
Espectáculos
El Mercurio

El ídolo de la Nueva Ola habla de su completa indiferencia hacia la tecnología y asegura que no le interesa volver a grabar un nuevo tema y que no teme cantar para los jóvenes. "Para ellos soy un tío bacán", dice con risueño orgullo.



Los focos siempre en el escenario, nunca fuera de él. Buddy Richard (75) es el más esquivo de los ídolos de la Nueva Ola, pero también uno de los de mayor integridad artística con máximas que pretende respetar hasta el final de su vida musical. "Una cosa es la actuación y otra muy distinta es la vida privada que a mí nunca me gustado exponer, lo encuentro hasta de mal gusto", dice con sinceridad.

Para el cantautor, reacio a las entrevistas, sobre todo en la televisión -que cuenta, prefiere evitar-, la exposición a través de las redes sociales es una acción que va completamente en contra de su estricta disciplina por cultivar el bajo el perfil. "Si se quiere, soy un poco apático, no tengo redes sociales, me cargan, pero eso no significa que no esté activo", cuenta desde su hogar en Graneros, donde vive cómodamente.

Ricardo Toro -su verdadero nombre- dice que cuando puede juega tenis con su esposa, que ahora disfruta sus días en familia y que solo de vez en cuando siente algún "dolorcillo" por la edad, pero "nada serio", señala. "Tengo más de 70 años, hay cosas que son medio naturales, pero estoy bastante bien, además, hay harta pega para los artistas en general".

Pese a no tener figuración mediática, la actividad de Buddy Richard es de visitas periódicas al escenario, incluso fuera de Chile, y ahora se acaba de sumar a una función especial de "Los inolvidables de siempre", grupo que reúne a José Alfredo Fuentes, Wildo, Germán Casas, Los Hermanos Zabaleta y la Orquesta de Horacio Saavedra el próximo 5 de mayo en el Gran Arena Monticello.

Un impulso artístico de actuaciones que aunque dice que tiene un buen pasar lo sigue haciendo para cumplir con un compromiso personal. "No es que no me guste el escenario y el aplauso, es bonito cuando a esta altura de mi carrera la gente todavía se pone de pie al verte y canta tus canciones, pero ahora sigo cantando para pagar la universidad de mis nietos y algunos colegios particulares, que es una decisión mía. Además, me hace bien salir de vez en cuando de la casa también, me entretengo".

-¿Y qué pasará cuando se acaben esas colegiaturas?

"Yo creo que va a coincidir con que ya voy a estar medio cabreado de viajar".

-Suena a que tiene todo planificado.

"Yo siempre voy dos pasos adelante de lo que viene. No soy rico, pero mi pasar es muy tranquilo y eso es porque cuando grabé mis primeros hits en vez de comprarme, por ejemplo, un auto convertible, hacía cosas como comprarme un sitio en Las Condes, que en esa época era una chacra y ahora por ahí está el Alto Las Condes, entonces cuando vendí esa casa el negocio fue millonario".

-Los shows del recuerdo en los últimos cinco años se han vuelto muy populares. ¿No le gustaría componer un tema que identifique el presente de todo este público adulto mayor que lo va a ver?

"Es que ya no me mueve grabar, no me dan ganas ni de tirar las manos al piano. No entiendo la industria discográfica actual, a mí me basta con cantar casi todos los fines de semana con mis músicos, con eso soy feliz".

-Cuando Los Tres grabaron sus canciones en los noventa, lo inyectaron en un nuevo público, ¿por qué cree que esa audiencia se sigue renovando?

"Lo del Alvarito (Henríquez) fue fundamental. Hay gente que uno da por sentado que es muy famosa, pero por ejemplo, yo le puedo preguntar a un nieto por Don Francisco y es probable que no lo conozca o diga 'ah, el gallo de la Teletón' y para nosotros él es un Dios. Los tiempos van pasando para todos y yo quizás me he mantenido un poquito más conocido para otras generaciones por lo de Los Tres, para ellos soy un tío bacán. Por eso cuando me invitaron a La Cumbre, acepté, porque no le tengo miedo a tocar para un público joven".

Millaray Viera: "La música forma parte fundamental de mi vida"

Patricia Cerda F.
Espectáculos
El Mercurio

La hija del cantante Gervasio y de la exmodelo Mónica Aguirre ha hecho una carrera ascendente en Chilevisión, donde está al frente de "Sabingo" y ahora fue confirmada en la animación del nuevo estelar "Yo soy".



Millaray Viera pudo haber sido cantante, pero una crisis vocacional y sus propias inseguridades hicieron que el proyecto se esfumara. La hija del desaparecido cantante Gervasio y de la exmodelo Mónica Aguirre cuenta que desde que tiene uso de razón en su casa se escuchaba música.

"La música forma parte fundamental de mi vida. Nací con la música de mi papá, pero el murió cuando yo era muy chica; la que nos inculcó el gusto por la música fue mi mamá. En mi casa se escuchaba de todo, por un lado estaban Silvio (Rodríguez) o Quilapayún y, por el otro, Los Beatles", dice Viera, quien acaba de ser confirmada como animadora del programa de imitadores de CHV "Yo soy".

El estelar, que buscará talentos musicales, lleva a Viera a conectarse con su propia historia. De hecho, ella se hizo conocida en el programa de talentos de Canal 13 "Nace una estrella" y, cuando todavía estaba en el colegio, llegó a firmar un contrato con Warner Music para grabar un disco. "Me vino una especie de crisis vocacional porque todavía me quedaba terminar el colegio y ya habíamos empezado a grabar el disco y no podía con todo", cuenta Millaray.

Y se apura en aclarar que no se siente para nada una artista frustrada. "Lo que más me gusta es cantar y componer y eso lo sigo haciendo de manera privada. No está en mis planes ser una cantante profesional; tengo muchas inseguridades y nunca lo pasé tan bien mostrando las cosas que hacía", explica ella, que lleva la música en los genes y no solo por el vínculo con su padre, pues su abuelo materno, Orlando Aguirre, más conocido como Eduardo Casas, era cantante del grupo Los Flamingos.

Pero la relación de Millaray con la música no terminó en su frustrado contrato con Warner. En 2003 animó en Canal 13 un remake del programa "Música libre" y, posteriormente, estudio Licenciatura en Ejecución Musical en México, país donde vivió junto a su entonces pareja Álvaro López, exvocalista del grupo Los Bunkers. En la capital azteca, además, animó para Televisa el noticiero musical "Fama".

Con ese currículum a cuestas no era difícil que CHV la confirmara como el rostro de su nuevo estelar, que también está ligado a buscar talentos musicales. "Para mí es una tremenda oportunidad. Si me hubieran dado a elegir qué tipo de programa quería hacer, seguramente habría elegido uno de talentos musicales", sentencia Millaray, quien en paralelo seguirá los fines de semana al frente de "Sabingo" junto a Juan Pablo Queraltó.

Sobre el rol que cumplirá en el programa de talentos, que ya confirmó a Myriam Hernández como jurado y debutaría el próximo mes, comenta: "Mi rol irá mutando a lo largo de los capítulos. En un principio va a ser más bien secundario, porque en la etapa de casting el jurado es el que tiene más protagonismo. En esa primera parte, más que nada voy a presentar el programa y a estar en el backstage con las familias de los participantes". Precisa que es en la etapa de las galas "donde el rol de animadora ya tiene una participación más importante".

La animadora concluye diciendo que se siente una mujer afortunada por las oportunidades laborales que ha tenido en televisión y el cariño constante que la gente le expresa en la calle. "Es una cosa muy loca porque el cariño es de distintas generaciones. Por la gente mayor, hay mucho cariño heredado de mi papá y mi mamá, y lo de la gente más joven creo que tiene más que ver con mi participación en matinales y con 'Sabingo'".

Matrimonio
Millaray Viera vive hace siete años con el diputado PS Marcelo Díaz, con el que tiene una hija y planeaban casarse en marzo pasado. "Tuvimos que postergarlo por razones personales, porque estamos los dos bien colapsados", explica y agrega que el proyecto sigue en pie: "Nos gustaría compartir el rito con los amigos y ya anunciaremos nueva fecha".

Lo organiza la Sociedad Federico Chopin: Javier Covacevich abre ciclo Jóvenes Pianistas

Maureen Lennon Zaninovic
Cultura
El Mercurio

El músico se presentará este lunes en la Sala Arrau, con obras de Beethoven y Chopin.



El primer contacto con el piano de Javier Covacevich (29) fue de niño, en su Punta Arenas natal. "Mi abuela paterna, Flora Concha, me regaló un tecladito de juguete. En mi casa se escuchaba música clásica todo el tiempo y mi abuela llegó a tener un programa de radio dedicado a la música. Lamentablemente no la alcancé a escuchar, pero sin duda fue un impulso importante en mi vocación", señala instalado en un departamento de Providencia.

Añade que su primer profesor fue Sergio Pérez, en el Conservatorio de la Universidad de Magallanes, y que luego, tras terminar la enseñanza media, en Santiago se matriculó en Ingeniería Comercial en la UC, "pero alcancé a estar solo un semestre. Volví al piano y me cambié, en la misma universidad, al Instituto de Música (IMUC) con los profesores Jacqueline Urízar y posteriormente con Mario Alarcón", dice.

Un intensivo

Ex becado de honor de la Corporación Amigos del Municipal, Javier Covacevich abrirá este lunes, a las 19:30 horas en la Sala Arrau del Municipal de Santiago (entrada liberada), el ciclo Jóvenes Pianistas que organiza la Sociedad Federico Chopin. El programa incluye la Sonata para piano N° 23, "Appassionata", de Beethoven; Andante spianato y gran polonesa brillante, Op. 22; Scherzo N° 2, Op. 31 y Nocturno N° 1, Op. 48, de Chopin.

"Tuve que preparar obras del compositor polaco que no había estudiado. Fue como empezar de nuevo, un intensivo y un aliciente para pensar qué otras piezas puedo abordar a futuro. Mi actual profesora, Frida Conn, me dice que me queda muy bien Chopin y que me puedo proyectar en este repertorio", sostiene este pianista que recibió el premio al mejor egresado de su generación y también es licenciado en estética por la UC. Agrega sobre el programa que tocará en la Sala Arrau que el Andante spianato y gran polonesa brillante es una composición temprana del músico y "su estilo es bien fresco, liviano y virtuoso. Algunos consideran que es un poco exhibicionista, pero es una pieza con muchas escalas y muy difícil de interpretar. El Nocturno, en tanto, es expresivo y arrebatado, pero también tiene mucha suavidad. Hay que llegar a un término medio para mantener su carácter íntimo y no descontrolarse".

Sobre la "Appassionata", de Beethoven, Javier Covacevich concluye que se ha escrito bastante sobre esta sonata, "pero para mí es una pieza de transición. Bastante grande, intensa emocionalmente y sobre todo su tercer movimiento es un reto, porque no para. No hay descanso. Es un movimiento perpetuo".

El ciclo continuará en la Sala Arrau el lunes 20 de mayo con la presentación de Aria Kamanaka (Sao Paulo). El 24 de junio será el turno de Luis Alberto Latorre y Katharina Paslawski, y el 22 de julio tocará Anna Suzuki (Japón). El 26 de agosto está confirmado el pianista uruguayo Rafael González, y el 30 de septiembre, Cristián Leal (recital en fortepiano). Finalmente, el lunes 28 de octubre cerrarán el ciclo los ganadores del X Certamen Flora Guerra. Todas las presentaciones son a las 19:30 horas, en la Sala Arrau (gratis).

Algunas ceremonias datan de la Colonia: Alto Loa revive tradiciones religiosas en Semana Santa

Claudio Cerda Santander
Nacional
El Mercurio

"Fabriqueras" y "esclavas de la Virgen" cumplen rol central en actividades de Semana Santa en el norte, incluyendo procesión con Cristo descendido de la cruz.



Las antiguas labores de "esclavas de la Virgen" y "fabriqueras", a cargo del cuidado de las pequeñas parroquias y santuarios en el denominado Alto El Loa, resurgen con profunda entrega popular durante Semana Santa a lo largo del desierto de Atacama, en la Región de Antofagasta.

Se trata de ritos cristianos cuyos orígenes se hallarían vinculados al sincretismo cultural surgido tras la llegada de las primeras avanzadas de conquistadores españoles, un intercambio que se profundizó durante el período de la Colonia.

En el llamado Alto El Loa, la iglesia San Francisco de Chiu Chiu concentra gran parte de estas actividades religiosas.

En el templo, considerado Monumento Histórico y data de antes de 1611, Cristina Hrepic (70) cumple la labor de "fabriquera" en la iglesia desde 1975. Su misión va desde el cambio de "ropita" de los antiquísimos santos hasta el cuidado de la capilla. "Creo que esta fiesta de la Semana Santa en Chiu Chiu es la única que hemos mantenido desde la llegada de los españoles", comenta la descendiente de antiguos yugoslavos.

"El día viernes es el más importante en el pueblo. Hacemos el descendimiento de Cristo, se saca su corona, clavos y se le entrega a la Virgen de Dolores, que es articulada. Lo toma en sus manos y lo besa", describe Hrepic el momento previo en que se deposita la figura de Jesús en una urna de vidrio para llevarlo en procesión por las calles del pueblo.

Mientras que el sacerdote de la iglesia de San Pedro de Atacama, Néstor Veneros, valora la preservación de viejas ceremonias religiosas en las comunidades locales. "Como la procesión entre la Virgen y San Juan, que se hace solo en Chiu Chiu y San Pedro de Atacama. Ambos salen por lados distintos de la iglesia, en andas de los fieles, y se juntan en una esquina del pueblo. Ahí Juan le comenta a la Virgen que tomaron preso a Jesús", detalla.

En el santuario de Coska, en tanto, pequeño poblado ubicado próximo a Ollagüe, comuna a pasos de Bolivia, Carmen Arancibia (51) cumple la labor de "esclava de la Virgen".

Se trata de una tradición heredada por generaciones. "Estamos al servicio de la Virgen para todo lo que ella necesite en su fiesta y también durante el año", comenta la mujer, orgullosa de participar en el rito.

Séptima Sinfonía de Mahler: donde el pasado sucumbe a las urgencias del presente

El Mercurio

JUAN PABLO GONZÁLEZ
Director de Extensión del Instituto de Música, Universidad Alberto Hurtado
Música
El Mercurio

Las sinfonías de Mahler sufrieron con la crítica de su época, que las consideraba "excesivamente largas, demasiado fuertes y algo discordantes". Pero 50 años después de la muerte del compositor, su música vivió una resurrección de la mano de la tecnología y de grandes directores.



A fines del siglo XIX, la orquesta sinfónica llegaba a los límites de su crecimiento debido a la confluencia de factores técnicos, artísticos y empresariales. Al mismo tiempo que los instrumentos de viento perfeccionaban sus mecanismos de emisión del sonido, incrementando su volumen y precisión, aumentaban los músicos formados en los nuevos conservatorios y se consolidaban las orquestas profesionales, tanto en Europa como en Estados Unidos. Este era el panorama que le esperaba a Gustav Mahler (1860-1911) al inicio de su carrera artística en 1880, volcada más a la dirección que a la composición.

Conocido como un director exigente, Mahler siempre se esforzó por lograr la máxima precisión y compromiso de los intérpretes que actuaban bajo su dirección, lo que muchas veces le valió la antipatía de músicos y administradores. "Nunca había yo imaginado una palabra tan precisa, un gesto tan autoritario, capaces de reducir a los demás a una obediencia ciega", señala su discípulo, amigo y biógrafo, Bruno Walter, pionero en el rescate de su obra. A los 30 años de edad, Mahler ya era considerado un maestro en la conducción de las grandes orquestas de la época, y bajo su batuta desfilarían, entre otras, la orquesta de la Ópera de Hamburgo, la Filarmónica de Viena y la Filarmónica de Nueva York, que dirigió hasta poco antes de su muerte.

Debido a su nutrido calendario de conciertos, Mahler solo podía componer con tranquilidad durante los veranos, retirándose con su esposa Alma y sus dos hijas a orillas de un lago en Austria, donde creaba en estrecho contacto con la naturaleza. Lo que escribía entre julio y agosto, lo orquestaba el resto del año en los momentos que su intensa labor como director se lo permitía. Luego revisaría una y otra vez lo escrito, indicando hasta el más mínimo detalle en su grandiosa obra. Con este método de trabajo, Mahler nos legó 10 sinfonías, cinco ciclos de canciones con orquesta y dos ciclos de canciones con piano.

En sus sinfonías, Mahler logra reconciliar dos vertientes de la música del siglo XIX que parecían estar en las antípodas: la persistencia del formalismo clásico en la obra de Schumann y Brahms, por un lado, y el impulso hacia la música descriptiva, iniciado por Berlioz y coronado por Liszt. De esta manera, junto con el uso de la forma sonata clásica y sus derivados, en las sinfonías de Mahler abundan los títulos descriptivos, como si se tratara de verdaderos poemas sinfónicos. La primera es conocida como "Titán"; la segunda, "Resurrección"; la tercera, "Sueño de una mañana de verano"; la quinta, "Gigante"; la sexta, "Trágica"; la séptima, "La canción de la noche", y la octava, "Sinfonía de los mil".

Su Séptima Sinfonía en cinco movimientos, estrenada en 1908 por el propio Mahler en Praga y grabada recién en 1953 por Hermann Scherchen, recibe su nombre a partir de los dos movimientos pares de ambiente nocturnal o Nachtmusik. El primero, Allegro moderato, aparentemente inspirado en la pintura "La ronda nocturna", de Rembrandt. Entre estos dos movimientos se ubica un scherzo de raigambre beethoveniana, que anticipa el brillante rondó final, el que incluso tiene rasgos dieciochescos. Si a esto sumamos que el movimiento inicial tiene forma sonata, tenemos un claro ejemplo de esa búsqueda de reconciliación entre la persistencia del formalismo clásico y su disolución. Esto le causaba dudas al propio compositor, debido al peligro de ser catalogado de ecléctico. De hecho, sus sinfonías fueron condenadas por los críticos de la época como "excesivamente largas, demasiado fuertes y algo discordantes". Mas aún, la prensa de Nueva York llegó a decir que su música no le sobreviviría, lo que efectivamente sucedió después de su muerte. Lo que los críticos no sabían es que más tarde resucitaría.

Los movimientos centrales de su Séptima Sinfonía son de raigambre expresionista, con una música más abstracta y desfigurada, propia de los cambios que venían en el siglo XX y que Mahler ya percibía. Se trata de los sonidos de un mundo exquisitamente decadente, con resabios desfigurados de una tradición condenada a transformarse o morir. En su obra se manifiesta una obsesión por el sentido del sufrimiento humano y por las interrogantes que despierta la muerte. De hecho, la muerte siempre rondó la vida de Mahler, pues solo la mitad de sus 13 hermanos llegaría a la adultez y, además, perdería a su hija María a los cinco años de edad. Esto acentuó su espíritu trágico y sus interrogantes metafísicas, algo que ni el propio Sigmund Freud pudo ayudarlo a resolver. Su Sexta Sinfonía, "Trágica", es testimonio de todo esto.

Con grandes volúmenes sonoros, agudos contrastes temáticos y prolongados pasajes suspendidos, Mahler parece interrogar las profundidades del alma, develándonos desde el sonido la superación del sufrimiento y la trascendencia hacia lo desconocido. Con su música, Mahler nos enfrenta a la epopeya de un héroe atormentado que parece transitar por los retazos de un romanticismo agonizante. Es el héroe en su ruta hacia el cadalso en medio de fanfarrias que anuncian la muerte de una época, con la esperanza de su persistencia en la memoria.

Gracias a los esfuerzos de Bruno Walter y a la labor de dirección y grabación realizada por directores como Leonard Bernstein, las sinfonías de Mahler se hicieron más conocidas a partir de la década de 1950. Esto coincidía con la aparición del disco de larga duración, o long play , y del sistema de alta fidelidad, que permitía escuchar en casa sus extensas sinfonías en unos pocos discos que reproducían fielmente desde las pequeñas sutilezas hasta el enorme poder del sonido sinfónico. Además, con la aparición de una nueva generación de auditores a mediados del siglo XX, quedaba atrás la polémica sobre la supuesta decadencia posromántica de Mahler, que había opacado su reputación durante el modernismo de entreguerras.

La creación de la Sociedad Internacional Gustav Mahler en Viena, en 1955, con Bruno Walter como su primer presidente y Alma Mahler como socia honoraria, permitió realizar la edición crítica de su obra y también organizar las conmemoraciones de los diferentes aspectos de la vida del compositor. De este modo, empezó a despertarse entre el público una pasión tan grande por Mahler, que ha llegado a transformarse en ídolo y objeto de culto, como si fuera una estrella de rock. Es así como sus seguidores coleccionan estampillas, postales, camisetas y medallas con su esfinge. Incluso, cada 7 de julio, los mahleristas celebran el cumpleaños del compositor escuchando sus 10 sinfonías en forma continuada durante todo el día, esperando que todos sean tan mahlerianos en casa.

Mahler llegó a los límites de la tonalidad, preparando el terreno para su disolución. De este modo, Schoenberg, quien sistematizó lo que vendría después, le dedicó su famoso Tratado de Armonía en un gesto de reconocimiento a un maestro que su época no supo comprender. En su "In Memoriam a Gustav Mahler", publicado en 1912, Schoenberg nos habla de Mahler como de un santo. Cualquiera que lo haya conocido, afirma, debió haber tenido esa sensación. De hecho, pocos lo honraron en vida y muchos reaccionaron frente al santo martirizándolo, haciendo que dudara del propio valor de su obra. La incomprensión del artista por el público de su tiempo -tan común en la época contemporánea- tuvo una de sus primeras víctimas en Mahler, quien mereció conocer en vida el afecto y la pasión que tantos sentimos por su música.

Fijan reunión del Teatro Municipal sobre "situación financiera"

Economía y Negocios Domingo
El Mercurio


Finalmente será este martes el día en que se concrete la tan anhelada reunión que habían solicitado los siete sindicatos del Teatro Municipal de Santiago con sus autoridades, de modo de conocer el estado financiero de la entidad.

Este miércoles, la subgerencia de Personas del Teatro envió una comunicación interna a sus colaboradores en la que les informa que la dirección general de la entidad "cita a todo el personal a una reunión informativa para exponer la situación financiera y económica del Municipal de Santiago". Según la misiva, a la que tuvo acceso "El Mercurio", la cita está agendada para el martes, a las 16:30.

Dicha reunión se realizará en medio del debate que surgió en los últimos días por el real estado de las finanzas de la entidad, luego de que varios sindicatos alertaran incluso del no pago de cotizaciones previsionales. El director general del Municipal, Frédéric Chambert, respondió señalando que esos compromisos estaban siendo pagados.

PROYECTO GLOBAL ART Presentado en el Museo San Francisco: Libros únicos de poesía son intervenidos por artistas del mundo

CECILIA VALDÉS URRUTIA
Artes y Letras
El Mercurio

La iniciativa del editor francés y exdirector de la Escuela de Arte de la Universidad de Reims, Gervais Jassaud, de hacer libros únicos de arte en torno a un poema, llegó a Chile. Y lo hizo con trabajos de diversos artistas del exterior en torno a poemas de Armando Uribe, Ximena Godoy y Martín Gubbins. Mientras, aquí, una pintora como Francisca Sutil interpreta plásticamente un poema del Pulitzer Ron Padgett.



La idea del intelectual y editor francés Gervais Jassaud de hacer estos libros únicos y desafiantes, de singular estética, partió hace décadas con poetas y artistas franceses vivos. Pero muy luego empezó a combinar a escritores de una nacionalidad con arte de otros lugares del mundo, en lo que se convertiría en un renovador y revelador proyecto de arte y poesía.

Han participado ya varias decenas de poemas de autores como John Ashbery, Nani Balestrini o Rafael Rubinstein, y más de 60 reconocidos artistas de 34 países, entre ellos, Daniel Buren, el famoso autor de la intervención con franjas en el Palais Royal de París; el conceptual y minimalista Sol Lewitt, ya fallecido; la alemana Katherine Grosse, quien protagoniza bienales; el inglés Barnaby Barford, y el argentino Pablo Siquier, entre muchos.

Y la mayoría de los celebrados ejemplares únicos se han exhibido, en conjunto, en Europa y Estados Unidos y en museos como el Gravelines de Francia. Hay más de 600 de estos libros, de estética sorprendente, circulando por el mundo.

Cita a ciegas

El proceso de cada ejemplar es, eso sí, bastante singular. El propio editor, poeta y exdirector de la Escuela de Arte de Reims, Gervais Jassaud, selecciona un poema de un autor conocido y según sus conocimientos y sensibilidad elige a artistas visuales de otros países y les envía el texto impreso, ya hecho libro, en una fina edición en papeles especiales. Lo que permitirá al artista -que en la mayoría de los casos no conoce al poeta ni mucho menos el poema- intervenir las páginas en forma libre y directa, sea a través de la pintura, acuarela, gráfica, collages y hasta con objetos escultóricos, como sucedió con un poema de Armando Uribe.

Y como dijera el crítico Pierre Giquel, "a la manera de un Vollard o un Teriad, el editor y académico Gervais Jassaud representa en Francia una figura de excepción". Todo este proyecto del intelectual -llamado en su origen Collectif Génération y hoy Global Books- se centra siempre en un solo poema de un determinado escritor y es objeto de múltiples miradas de artistas. Cada edición -de un artista visual con un poema- no supera los 12 ejemplares; y cada ejemplar intervenido por un mismo creador es distinto al otro: es arte realizado en forma directa en el soporte libro.

"Son libros artesanales con textos impresos en antiguas tipografías sobre pliegos exquisitos doblados o plisados (en un formato por lo general de 33 x 22,5 cm), explicó el poeta, editor y gestor cultural Roberto Godoy, durante la presentación de las obras sobre poetas chilenos, en el Museo de la Iglesia San Francisco. Se trata de cuatro ediciones en torno al poema de Armando Uribe "Dice en su corazón el insensato", y cuatro ediciones de la poesía "Contra-Día", de Ximena Godoy Arcaya; además de otras que circulan en el exterior o están en proceso. Al mismo tiempo, Martin Gubbins dio a conocer 16 ejemplares en torno a su poema "Verdad".

El crítico de literatura Pedro Gandolfo fue el encargado de presentar "las bellísimas obras de Uribe y Godoy". Y subrayó que "la asociación pintura-poesía de estos libros nos lleva a que consideremos las virtudes visuales de la poesía y las virtudes semánticas de la pintura".

Artes visuales y poesía poderosa de Uribe y Godoy

La poeta Ximena Godoy -compañera de tertulias poéticas, en París, con Gervais Jassaud- fue elegida con su poema "Contra-Día". "La visualidad es un componente principal de su obra. Y, por cierto, su título enigmático se abre a múltiples interpretaciones -señala Gandolfo- (...). En este poema la visualidad se funde íntimamente con el mundo de los sentidos y la musicalidad interna".

"Contra-Día" ha sido y es motivo aún, en el exterior, de interpretaciones plásticas pedidas a siete artistas visuales, quienes han realizado (otros están en ello) trabajos que van desde una pintura figurativa, pasando por un vigoroso neoexpresionismo y hasta un minimalismo. Entre las miradas plásticas destaca la propuesta sólida y genuina del canadiense Brien Wood (1948), quien vive en Nueva York, ha expuesto en el MoMA y hace pintura, fotografía, dibujo y grabado. La seductora obra visual que acompaña el poema es por momentos más figurativa y en otros se vuelve casi abstracta. Es sugerente y misteriosa.

Sobresale la intervención que hizo el artista israelí Tsibi Geva para "Contra-Día". "Él logró fundir el arte en el lazo de la invisible voz de la palabra, enredada en el plumaje de las aves. Todo ello cubierto por un gran silencio. Mientras otras artistas trabajan este mismo poema... Ya las obras terminadas se mueven por los continentes y los océanos", señala Ximena Godoy a Artes y Letras.

En la lista de artistas que han dibujado en torno al poema de la autora figuran, además, la reconocida pintora abstracta Dominique Gaultier, Stephen Buckley, Lindy Sales y Koon Lee.

En tanto, los ejemplares surgidos alrededor del poema "Dice en su corazón el insensato", de Armando Uribe, resaltan por la audacia estética. Lo que no era fácil, pues esta poesía "es una poderosa y a ratos una feroz meditación de la propia muerte y de la vanidad del poetizar que, no obstante la conciencia lúcida de la misma, sigue practicándose como un decir insensato", señala Pedro Gandolfo.

Uno de los invitados que trabajó con el poema de Uribe fue el escultor británico Barnaby Barford (1977), quien desarrolló una obra más lúdica e incorpora hasta la escultura objeto al ejemplar, como una cara de niña que luego continúa con dibujo. Barford aseguró que había sido una gran oportunidad "hacer arte en un soporte nuevo y de manera diferente. Yo no conocía la poesía antes de recibir el texto, y como no hablo español ensayé varias traducciones; después de muchas relecturas, sentí que compartía lo que el poeta decía".

El alemán Nils Udo -famoso por su obra de land art que se exhibe en museos y parques del mundo- hizo un trabajo de intervención notable inspirado en este poema de Uribe. La fuerza de su color y trazo neoexpresionista evoca justamente paisajes, logrando una obra pictórica envolvente.

Martín Gubbins y la aridez. Francisca Sutil: "Desde una cabaña"

El poeta Martin Gubbins mantiene en su casa 16 ejemplares únicos que se hicieron alrededor de su poema "Verdad", ilustrados por artistas diversos. "Cada pintor puede llegar a hacer hasta ocho o 10 intervenciones sobre un poema, es decir, hasta 10 ejemplares. Y el trato es que las tres partes involucradas -editor, artista y poeta- se distribuyen los libros", detalla. (La poeta Ximena Godoy vendió uno de ellos en 1.500 dólares).

Y entre los artistas que participaron en torno a "Verdad", Martín Gubbins escoge al venezolano Eugenio Espinoza. "Fue quien mejor interpretó mi poesía. Entendió el caso de mi poema que se refiere al lenguaje legal, que forma parte de un libro que busca mostrar los aspectos áridos, pétreos de ese lenguaje. Y generó obras que plasman geometrías simples con tonos de grises y materialidades que llevan reflejos borrosos".

También destaca a Ulf Nielsen y Victoria Civera, quienes abordaron una monocromía en esa idea de la aridez del lenguaje. El último libro en llegar, hace un mes, fue uno con intervención de Ratmuncho Matta. "Su iconografía surrealista de personajes deformes muestra muy bien cómo el sujeto es situado en el contexto de las estructuras lingüísticas jurídicas, atosigado como si estuviera bajo un mortero, pero con un logrado trabajo de color y una sensualidad expresivos".

Mientras tanto, en su taller en el campo de La Estampada, en la V Región, la pintora Francisca Sutil recibía en el verano el envío de un cuidadoso y fino ejemplar con un texto del poeta estadounidense Ron Padgett, titulado "Desde una cabaña en el bosque". La artista aún no empezaba su trabajo en el taller, ubicado también junto a un bosque nativo. No obstante, Sutil percibía una sensibilidad compartida con Padgett. El escritor es apuntado como uno de los poetas más significativos de Estados Unidos, aunque permaneció hasta hace poco sin ser traducido al español. A raíz de su colaboración con Jim Jarmuch en la película "Paterson" tradujeron todos sus poemas. Es, además, narrador y ensayista de la segunda generación de la Escuela de Nueva York, ganador del Premio Pulitzer.

Y hay más. Entre los artistas que han trabajado en este proyecto de Global Books figura la chilena Ana María Briede. Y la premiada artista Mónica Bengoa llevó su genuino lenguaje artístico al poema "Midway", del poeta y crítico estadounidense John Yau, autor de más de 50 libros y motivo de estas publicaciones de inusual valor estético, ideadas y dirigidas por el luminoso editor de libros únicos, experto en artes visuales, escritor y poeta francés, quien hoy reside en Niza, Gervais Jassud.

Camerata UNAB y soprano Patricia Cifuentes en "La Voz Encantada"

24 ABRIL 20:00 horas

La Camerata Universidad Andrés Bello, dirigida por Santiago Meza, se presentará junto a la destacada soprano chilena Patricia Cifuentes. Interpretarán el Concierto Brandenburgués Nº 3 de J. S. Bach, Exsultate Jubilate K. 165 de W. A. Mozart y la Sinfonía N°5 D.485 de F. Schubert.

Dónde : Teatro Colonial, Campus Casona de Las Condes (Fernández Concha 700).

sábado, abril 20, 2019

Una casualidad llamada Paloma Mami


Por Arturo Galarce
Reportaje
El Mercurio

En junio del año pasado publicó su primera canción en YouTube, con un video que le costó cincuenta mil pesos producirlo. Desde entonces, y en solo nueve meses, Paloma Castillo, nacida en Nueva York e hija de padres chilenos, se transformó en el primer fenómeno de este tipo en la música chilena: pasó de internet a firmar con un sello multinacional, actuó en el festival Lollapalooza ante más de 17 mil personas y se convirtió en la chilena más escuchada en la historia de Spotify en el país. Tiene 19 años. Más de dos millones de seguidores en Instagram. Y apenas tres canciones.



Paloma Mami camina a toda velocidad por los pasillos del canal Mega, rumbo al estudio del matinal Mucho gusto , seguida por su staff , por productores, por periodistas y por decenas de curiosos que quieren una selfie , un beso, un abrazo, o examinarla, nada más, como si intentaran encontrar algo; el secreto, quizá, de esa fama explosiva desatada con apenas tres canciones en YouTube.

Por si no lo sabe: Paloma Mami es la primera artista chilena reclutada por el sello Sony Music Latin; Paloma Mami ha sido destacada por la revista Rolling Stone como "una de las artistas latinas que cambió el trap para siempre"; Paloma Mami fue reseñada por la revista Billboard como "la chilena que conquistó al mundo con su flow elegante"; Paloma Mami, según Spotify, es la artista chilena más escuchada en la historia del servicio de streaming en el país.

Son las 11:40 am y el estudio del matinal es un hervidero de gente. "Nunca había pasado algo así en el set ", dirá luego una productora, mientras otro funcionario se aventurará con un diagnóstico fatal: "Esta chica mató la televisión". Sus palabras, algo exageradas, tendrán algo de sentido: Paloma Mami se popularizó sin apoyo de la industria del entretenimiento y es esa misma industria la que la busca y ruega por ella: esta entrevista, por ejemplo, debió coordinarse con dos meses de antelación y no hubo sesión de fotos por requerimiento de Paloma. Para el director de televisión y del Festival de Viña, Álex Hernández, su fenómeno representa el primer caso chileno en que una artista no necesita de la industria del espectáculo para volverse masiva. "Ella nace de su propia motivación", dice Hernández. "Es el propio público el que la instala, sin ningún tipo de estructura predeterminada que la ayude. Hoy cualquier persona puede hacerlo. Y es lo bonito que tiene esto".

Ahora huele a sofrito. Para protegerla de tanto asedio, la producción del matinal ha resguardado a Paloma en el backstage de la cocina del programa. Hay cajas de huevos, restos de verduras sobre un mesón y una mujer cocinando. Paloma Mami revisa su celular. Sus largas uñas postizas repiquetean sobre la pantalla, mientras mira su Instagram, del que debe despegarse cada vez que un trabajador del canal logra entrar para pedirle una foto. Se cuentan 38 selfies en total, incluidas las solicitadas por tres actores que Paloma no conoce (Dayana Amigo, Fernando Godoy y Antonella Ríos), y por los animadores del programa, de los que Paloma ni siquiera sabe sus nombres.

-Ese es Viñuela -le dice Lorena Astorga, su tía y booking coordinator .

-¿El de la risa divertida? -pregunta Paloma, antes de entrar al set y desatar el griterío.


Una tomboy florece

El nombre de Paloma Mami es Paloma Castillo Astorga. Nació en Manhattan, Nueva York, y es hija de dos chilenos que se radicaron a mediados de los 90 en Estados Unidos: el arquitecto Jorge Luis Castillo y la traductora en inglés y francés Andrea Astorga. Allá, contará en algunos minutos Paloma, no era la misma que hoy vemos. Allá, dirá, era una tomboy , es decir, una niña que prefiere jugar con niños, que se viste como niño, que usaba la misma ropa casi todos los días y que según su madre llevaba la comida al colegio en una bolsa de supermercado.

Su tía Lorena Astorga, en su departamento en Vitacura, la recuerda de sus viajes a Nueva York. "La vi jugar fútbol en el Central Park varias veces. Entonces era cero niña, era un niñito, pelo corto, divertida para caminar. Para mi matrimonio ella se puso un vestido y se lo sacó altiro y se puso shorts . Era un niñito. Te hablo cuando tenía 10, 11 años. Y de repente, medio cambio, ¿qué le pasó a la Paloma? Pero eso fue cuando volvieron a Chile".

El regreso a Chile fue después del divorcio de sus padres. Según Andrea, su madre y actual manager de Paloma, haberse encontrado sola y a cargo de sus hijas en una de las ciudades más caras del mundo, fue suficiente para decidir volver y rearmar su vida. Hoy es viernes. Paloma Mami está sentada en un café de Las Condes, vestida con pantalones blancos, chaleco blanco, zapatillas blancas y lentes naranja, tomando un chai latte , acompañada por su madre y Sofía Castillo, su hermana. Antes de hablar de la música, de la fama, del éxito, habla de su adaptación a Chile.

-Yo no quería venir a Chile -dice-. Estábamos en New York, yo ya tenía 16, y esa edad es la más crucial para una niña. Yo no quería conocer gente nueva, porque además soy muy antisocial, no me gusta hablar con la gente.

En Santiago, Paloma Mami y su familia vivieron en el departamento de su tía Lorena. Junto a su hermana entraron al colegio Life Support, de Las Condes, un colegio de educación personalizada y que, en general, recibe a niños que necesitan revalidar sus estudios.

-Tus padres lo han dicho: pretendían que estudiaras una carrera normal. ¿Era tu idea también?

-Nunca, nunca, nunca. Yo lo tenía claro. Gracias a Dios que pasó esto justo cuando estaba en el colegio, terminándolo, porque en verdad yo no sé qué iba a hacer. No me lo imaginaba. Siempre supe que no estaba hecha para ir al colegio, estar con amigas, estudiar en la universidad, sabía que no estaba hecha para eso. Siempre supe que era muy diferente, que nunca iba a vivir feliz si no era diferente.

Sofía Castillo la interrumpe, retomando la conversación: dice que una de las cosas que les impactó de Chile fue descubrir cómo las miraban las mujeres en la calle, generalmente con muecas de rechazo. Para ese entonces, agrega, Paloma ya no era una tomboy . Y su estilo, el mismo que hoy muestra en sus redes sociales. Aun así, creían que la situación iba a ser como en Nueva York: "Allá, si te gusta el estilo de alguien en la calle, lo paras y le dices lo bien que se ve", dice Sofía.

-¿Crees que acá, caminando en la calle, alguien me ha dicho un comentario positivo? -agrega Paloma Mami-. Nunca. Antes de ser famosa, nunca habíamos recibido un comentario así en la calle, y no era que lo esperáramos, pero era natural para nosotros. No queríamos que las mujeres nos miraran con caras feas, caras horribles. Cuando llegué, Dios mío. En la disco nos pelaban las mujeres. Me decían puras cosas y yo me hacía la tonta.

-¿Qué cosas te decían?

-Me acuerdo de una niña que me dijo: "Regresa a tu población". Y yo: "Vengo de New York, ¿qué población es esa?".

Aunque claro, explica, en Nueva York también le tocó presenciar y vivir los efectos del slut-shaming , un concepto que significa tildar de "prostituta" a las mujeres y hacerlas sentir mal por su forma de vestir, o por comportarse sexualmente como lo estimen conveniente. Alguna vez, dice Paloma, también le tocó vivir ese tipo de agresiones. Sin embargo, explica, en ese momento su colegio decidió intervenir los cursos con clases de feminismo y empoderamiento femenino.

-Ahí entendimos cosas tan simples como que estaba bien vestirte como quisieras.

-En tus redes sociales sueles subir fotos sensuales, mostrando tu escote, en bikini. ¿Te han tratado mal por eso?

-Ahora me tratan así, pero ya no pesco, porque es por internet. Siempre he tenido ese cuero de chancho. Mucha gente me dice, "para qué tienes que mostrar tu cuerpo...".

Después de un trago de chai latte , Paloma agrega:

-Aunque sé que no sería tan exitosa solamente por mi imagen, porque he visto mucha gente bonita, muy linda y no llega tan lejos. La imagen, también, no va a durar para siempre.



Tele contra fama

Una noche del primer año de Paloma en Chile, su tía Lorena Astorga la invitó a salir. La llevó al pub Chihuahua, en Vitacura, y después de un rato, animada con las canciones del karaoke, le propuso a Paloma subir al escenario y hacer un dueto. Paloma aceptó. Cuando llegó su turno de cantar, se congeló. Miró a la gente. Entró en pánico. Soltó el micrófono y corrió al baño a vomitar.

El día en que Paloma debutó en el programa de talentos Rojo , en TVN, en julio del año pasado, Lorena y Andrea, su madre, temían que la situación se repitiera. Pero no pasó: Paloma cantó.

Un mes antes, el primer paso para que Paloma incursionara en la música lo había dado Sofía, su hermana. Fue cuando un cantante chileno de trap que conoció por Instagram, llamado Tommy Boysen, invitó a Paloma a protagonizar uno de sus videoclips. Sofía aprovechó la situación para comentarle al equipo de Boysen, del sello Rimas de Balcón, que Paloma cantaba muy bien. Días después, Paloma se atrevió y grabó su primera canción, "Not Steady", producida por Rimas de Balcón.

Luego, grabó el video. El único elemento necesario fue una silla que bajaron del departamento de Lorena, su tía, antes de rodar en las áreas comunes del edificio. El 24 de junio del año pasado lo publicaron en YouTube, en el canal de Paloma Mami.

Días después vino la llamada de Rojo para que se sumara como participante. Meses antes había enviado un video casero para postular al programa.

En el café, Paloma ya terminó su chai latte .

-Cuando publicaste el video, ¿sabías lo que iba a pasar contigo?

-Igual cuando escuchábamos la canción y veíamos el video con mi familia, estábamos como ¡waaaah! Teníamos esa sensación de que iba a ser algo grande, porque era tan orgánico, tan bueno, tan genuino, que cómo la gente va a ignorar este palacete. Y sí, yo lo mostraba a mis amigos. Les decía: "Fui a un estudio". "¿Estudio de foto?". "¡No! ¡De grabación, mira!". Nadie sabía que yo cantaba. Ese mismo día lo subí a mi Instagram. Y vi que muchas personas estaban interesadas. Con eso yo estaba feliz, con 5 mil visitas. O menos, yo creo que eran mil, y estaba tan feliz.

Mientras participaba en el programa Rojo sin su nombre artístico, sino como Paloma Castillo, las visitas de "Not Steady" subían como la espuma. A la fecha de hoy, ya suma más de 43 millones de clics, algo inédito para Chile, dice el productor musical y director general de la Cumbre del Rock, Juan Andrés Ossandón. "No sabía que era chilena. Solo vi ese video y dije: aquí hay una cuestión especial, esto es diferente, hay una propuesta que parece reggaetón, pero no es reggaetón cien por ciento, tampoco es trap cien por ciento, es una cosa que está en medio", dice Ossandón. "De inmediato le dije a mi equipo que me averiguaran todo sobre ella, si había más canciones, cómo podía contactarla. Los números que sumaba por día eran impresionantes".

En el programa, sin embargo, cuenta la misma Paloma, la relación no era la mejor con sus compañeros. Según Eduardo Cabezas, gerente de producción de TVN, una de las situaciones que ocurría era que Paloma desconcertaba a sus oponentes. "Su actitud, el estilo, ella creció en Nueva York", explica Cabezas. "En el fondo, era esta chica que venía con otra mirada, otra personalidad, y que venía con una tendencia súper clara de lo que quería hacer".

Sin embargo, a tres semanas de su llegada, Paloma Mami debió enfrentar un duelo de eliminación junto a uno de sus compañeros de equipo. En el formato actual del programa, los participantes trabajan bajo el alero de un coach , y Paloma y su contrincante eran pupilos del cantante Leandro Martínez, finalista de la primera temporada del programa.

Al finalizar el duelo, Paloma Castillo fue salvada por el jurado de la competición. Aún puede verse en los videos colgados en el canal de YouTube del programa, donde estratégicamente el nombre de Paloma ha sido reemplazado por el de su nombre artístico: ahí está Leandro Martínez, su coach , quien se lleva las manos a la cara al enterarse de la decisión, y el resto de los participantes, mayormente mujeres, también en desacuerdo.

Lorena Astorga, su tía, que hasta entonces trabajaba como ejecutiva de ventas para una empresa, miraba todo por televisión. "Partí al canal altiro", recuerda. "Ella estaba llorando. Me contó que cuando se fue a sentar, nadie le daba un espacio, no sabía dónde sentarse".

-Eran profesionales la gente que estaba ahí -dice Paloma, en el café-. Yo lo encontraba increíble, en verdad. Eran como actores. Me acuerdo que todos los días me gritaban: "¡Paloma, sonríe que te están mostrando! ¡Cada vez que sales en la cámara no sonríes!". Y soy una persona tan real. No voy a pretender que me gusta algo si no me gusta. Era súper difícil para mí. Estaba súper incómoda todo el tiempo, no era mi ambiente.

Ningún participante de Rojo fue autorizado para dar una entrevista para este reportaje. Y el cantante Leandro Martínez no quiso emitir comentarios.

-¿Te desilusionó la reacción de Leandro Martínez?

-No me dolió, porque nunca lo conocí.

-Él era tu coach .

-Sí, pero no lo sentí así, sentía que él competía contra mí. Todo ese momento era súper... Veía a mis compañeros, lo que no se mostraba en cámara, yo nunca había sentido tanto odio en una pieza, como que tanta gente me quería matar.

Días después, Paloma Mami publicó un mensaje en su Instagram anunciando su retiro de Rojo . Según Andrea Astorga, su madre, la decisión se tomó cuando estudiaron en profundidad el contrato que el programa les ofrecía. El mismo que, según Eduardo Cabezas, productor general de TVN, ha firmado el 99 por ciento de los participantes.

"Cuando se lo presentaron, yo dije: 'Necesito asesoría, no vamos a firmar nada y mañana les damos la respuesta'", dice Andrea Astorga, en el café, junto a Paloma y Sofía. "Lo vimos con un abogado. Si lo hubiera firmado y hubiese tenido el éxito de hoy, la Paloma estaría amarrada por 10 años y más, con cero peso a su favor". La idea de Andrea era que el canal flexibilizara el contrato, pero para Eduardo Cabezas eso no habría sido una opción: "Había algunas cláusulas que puede que le hayan molestado y no podemos hacer diferencias. Para nosotros, cada uno tiene la misma importancia. Si ella no está dispuesta, no queremos tener a nadie obligado".

El exeditor periodístico de Rojo , Roberto Apud, recuerda que varias veces manifestó su molestia al área de Nuevos Negocios del canal. "No se les debería hacer contratos leoninos a los artistas y perderse una cantante como esta mujer", dice Apud. "Además, ella tenía una parada distinta. Eso hay que saber leerlo. Es importante para Rojo tener una figura en las redes sociales como ella. No podís farreártelo".

Dato: Paloma Mami tiene 2.265.147 seguidores en Instagram. Una cifra que en televisión andaría cerca de los 50 puntos de rating .

Sobre ese punto, Juan Andrés Ossandón cree que no es fácil adelantarse a un fenómeno como el de Paloma, y mucho menos a gente no especializada en el rubro de la música. Por lo mismo, agrega el director de televisión Álex Hernández, entender el éxito de Paloma presenta un desafío al modelo de la industria. "Tenemos que entender que en el mundo digital existe gente que está creando sus propias canciones, con puntos de vista nuevos, con sonidos particulares. Tal vez dándole valor a la música propia que ellos hacen tenemos una gran forma de hacer todo".

Tomando ahora agua mineral de la botella, se le pregunta a Paloma Mami si había reflexionado sobre los alcances de su fenómeno:

-Sí -dice-. Sobre lo que causo, lo que está pasando y todo eso, y lo encuentro todo muy loco. Con Justin Bieber fue algo así en Estados Unidos. Acá en Chile está pasando eso, porque es primera vez que han visto una mujer que está logrando ser conocida, una mujer empoderada, haciendo música urbana y que es lo que está pegando ahora mismo.

En septiembre, un mes antes de firmar por Sony Music Latin, compuso una canción que no está incluida en sus listados de Spotify ni de YouTube. La tituló "Don't Talk About Me", y según su tía Lorena Astorga, la letra se inspiró en su paso por el programa Rojo . En una de sus líneas dice: "Solo los peces muertos, siempre siguen la corriente / Sumamos en todos lados, porque somos diferentes".


Paloma en vuelo

Lorena Astorga contestó el llamado ese día de agosto. Era Sebastián de la Barra, productor general de Lollapalooza. "Le dije: 'Llámame en unos minutos que estoy ocupada'", dice Lorena. "Era mentira, porque estaba feliz. Me llama de nuevo y le digo que me esperara un segundo, siempre mostrándome no tan interesada. Ahí me dice que querían tener a Paloma en el festival".

El último sábado de marzo, Paloma Mami salió al escenario del Lollapalooza. Lorena, Andrea y toda la familia fue con poleras de Paloma. Ella, en tanto, no pudo creer lo que veía. Lo dijo en vivo: "Estoy nerviosa". Frente a ella, en su primer show masivo, con solo un par de presentaciones en discotecas encima, había más de 17 mil personas atentas a sus movimientos. El show , reconoce Paloma, tuvo los ripios de una primera prueba de fuego: un violinista fuera de tono, un garabato suyo cuando olvidó una letra, y un desborde de público que en cualquier minuto se iba de las manos.

En total, fueron 20 minutos de show : el espectáculo más corto en la historia de Lollapalooza Chile.

Amasando el éxito, hoy Paloma Mami cree que la organización subvaloró su presencia.

-¿No pensaron en lo que podía pasar?

-No.

-¿Sabías que podía ocurrir eso?

-No sabía que iba a ocurrir eso. Sí sabía que no me valoraba tanto la gente que trabajaba ahí. No cachaban, no tenían la visión, no veían el talento.

"Nosotros pensábamos que no tenían idea quién era la Paloma", agrega Andrea, su madre, que confiesa que al conocer las dimensiones del escenario en una reunión previa, lo primero que pensó fue: "¿Este escenario tan chico?".

Sebastián de la Barra, productor de Lollapalooza, cree que a juzgar por la cantidad de canciones de Paloma Mami al momento de cerrar el contrato, el escenario indicado era ese: el más pequeño del festival. El mismo donde se presentaron artistas como Caetano Veloso y Américo. Por si fuera poco, explican desde la productora, la idea inicial del equipo de Paloma Mami era un show de apenas cinco minutos. "Fue el espacio indicado para que el escenario explotara, para que fuese un fenómeno", dice Sebastián de la Barra. "Eso permite que sea más viable, que puedan regresar más pronto que tarde a un gran escenario".

Ni Sebastián, ni Andrea, su madre y manager , quieren revelar el costo de la actuación de Paloma. Lo que sí cree Sebastián, es que para no tener experiencia en ese mercado, Andrea y Lorena supieron poner en valor a Paloma. Medir su éxito en dólares, después del contrato con Sony, dice Lorena, tampoco es posible de revelar. Lo que es cierto es que desde enero Lorena Astorga renunció a su empleo y que Andrea dejó de buscar trabajo. El exmarido de Lorena, relata ella misma, se lo dijo así: "¿Para qué va a buscar trabajo la Andrea, si tiene una mina al lado?". Una frase que, según Lorena, se repiten seguido entre ellas, es que es "más probable ganarse el Kino que lo que ocurrió con Paloma".

Lo que ocurrió, cree el productor y director general de la Cumbre del Rock, Juan Andrés Ossandón, es que en Paloma convergen una serie de paradigmas: "Tiene una propuesta súper auténtica, que es algo bastante singular en la música urbana, donde pocas cosas son auténticas. Por otro lado, con la inconsciencia de los 19 años, tiene una propuesta que no es demasiado pensada, sino que tira para afuera, nomás. También hay conceptos: una canción suya dice: "A mí nadie me domina", y otra que dice: "La que puede, puede, y yo puedo". Y eso es un mantra para las mujeres hoy día, y es transversal, porque tampoco lo hace desde la vereda combativa. La forma en que se muestra también va de la mano con la tendencia a la libertad del cuerpo: de que si quiero meterme con un tipo, lo hago, y si no adquiero compromiso, es cosa mía. Parece una cuestión que la pensaron durante años y crearon este bicho de laboratorio, y en realidad sabemos, porque la hemos visto nacer en tan poco tiempo, que eso no es posible. Que fue natural".

Sin embargo, agrega Ossandón: "Efectivamente, puede ser que en tres años más tengamos esta misma conversación y digamos: '¿Te acordái de la Paloma Mami?'. También puede pasar".

En el café, Paloma Mami responde las últimas preguntas antes de regresar a su departamento y tomar un avión a Miami, a trabajar con su sello sus próximas canciones.

-¿No te abruma todo esto que está pasando?

-No, para nada. Siempre lo quería y lo soñaba. Esto estaba hecho para mí. Es como que somos un pedazo de un puzle, como que encajo perfecto con todo lo que sucede.

-Pero tu vida ya no es privada. Y cada vez lo será menos. Además, tienes 19 años. ¿Cómo los disfrutas con tanta atención encima?

-No creo que haya mejor forma de disfrutar tus 19 años.

-¿Te imaginas cómo va a ser esto en unos años más?

-Sí, a veces lo pienso. Espero que sea similar a esto, pero con más éxito.








Los mundos paralelos de un ejecutivo

Por Nicolás Lazo
Fotos Sergio Alfonso López
Crónica
El Mercurio

¿Puede un ingeniero comercial preocupado de números y metas tener, a la vez, la sensibilidad y el alma de un artista? En marzo pasado, Sebastián Amenábar, ejecutivo de una multitienda en Chile, viajó a París, interpretó a Mendelssohn, emocionó al público y ganó una de las competencias internacionales de pianistas no profesionales más importantes del mundo. Aquí habla de cómo la música lo ayudó a canalizar su déficit atencional y cómo hoy se las arregla para transitar por dos mundos tan diferentes.



El silencio es absoluto en el Gran Anfiteatro de la Universidad de La Sorbona, en París. Sebastián Amenábar, de 34 años y vestido con smoking , se sienta frente al piano, concentrado.

Son las últimas horas de la tarde del sábado 23 de marzo de 2019, día de la final de "Le concours des grands amateurs de piano", el más importante de los certámenes para pianistas no profesionales a nivel internacional, donde cada año prueba suerte un centenar de candidatos provenientes de todo el mundo. Tras superar la etapa de eliminatorias, Amenábar hoy se juega la posibilidad de ser el número uno.

De pronto, el sonido del piano irrumpe en la sala. Las manos de Amenábar se mueven frenéticas. Está interpretando las Variations sérieuses, opus 54 , de Felix Mendelssohn, y seguirá con Grandes études de Paganini , de Franz Liszt. Por momentos, sus dedos detienen la marcha y parece que apenas tocaran las teclas. Tras la nota final, inclina levemente el torso hacia atrás y su mano derecha queda suspendida en el aire. Su interpretación le tomó 17 minutos.

Más tarde dirá que, para él, existe una conexión espiritual entre la audiencia y las obras, un vínculo que trasciende la experiencia puramente sonora y que se cristaliza en el rito comunitario, siempre distinto, de la música en vivo. Dirá también que, como intérprete, se considera un puente entre las emociones del compositor y las del público, en un proceso donde, por supuesto, se cuela su propia sensibilidad.

La del chileno fue la última presentación en competencia. El jurado, compuesto por críticos especializados y pianistas prestigiosos -entre ellos Éric Heidsieck, señalado por los expertos como uno de los mejores de la historia-, se retira para deliberar. La polola de Amenábar, sentada entre los asistentes, apenas puede lidiar con la expectación.

Media hora más tarde, el jurado vuelve con el veredicto: Sebastián Amenábar -ingeniero comercial de la Universidad Católica y ejecutivo de Falabella- es, simplemente, el mejor del mundo en su categoría.

La historia comenzó hace tres décadas, justo el año en que se creó el concurso que acaba de ganar. Producto del déficit atencional que tiene, sus padres -la profesora básica María Teresa Ormeño y el ingeniero civil Francisco Amenábar- decidieron canalizar su energía a través de la música.

-Cuando era chico era muy hiperactivo, muy desordenado -relata casi un mes después de ganar el concurso, frente a un piano vertical que tiene en su pieza en su departamento de Vitacura-. Pero, en lugar de llenarme de pastillas, me metieron a clases de piano. Me gustó mucho, me sentí muy cómodo con el instrumento.

Al principio, a los 4 años, lo hicieron probar con el método Suzuki, un sistema de enseñanza japonés que se basa en la idea de que cualquier niño a quien se entrene correctamente puede desarrollar una habilidad musical, y que busca que los alumnos logren un nivel de destreza básico tocando su instrumento antes de aprender a leer partituras. A los 7, sin embargo, ya había demostrado tal nivel de avance que, inevitablemente, las clases formales fueron el siguiente paso. La persona elegida para guiarlo fue la intérprete y profesora de piano Mercedes Veglia, quien por aquella época era parte del Conservatorio Nacional de la Universidad de Chile.

Veglia fue la que, años más tarde, le enseñó la pieza de Mendelssohn con la que deslumbró al público y al jurado en el Gran Anfiteatro de La Sorbona, la misma que le hizo obtener 3.000 dólares de premio y la oportunidad de presentarse en noviembre próximo con la Orquesta Sinfónica de la Guardia Republicana de París, dirigida por François Boulanger, con el "Concierto para piano N° 2", de Franz Liszt.

-Lo primero que ella me dijo fue que era un desastre y tenía que reinventarme, pero que me tomaba como alumno -recuerda Amenábar, con especial cariño hacia quien, hoy fallecida, fue su única profesora. Sobre la dureza de la sentencia de su maestra, añade sonriendo: "Bueno, en la música es muy normal tener ese tipo de feedback" .

Cuando Aménabar cumplió 12 años, Veglia empezó a hacer clases en la Escuela Moderna de Música y el joven decidió seguirle los pasos. Desde entonces no se detuvo, aunque admite que, durante la adolescencia, muchas veces experimentó un conflicto entre su inclinación por la música y el deseo de identificarse con los intereses de los demás.

-En el colegio me sentía un poco raro. En esa etapa, uno jugaba fútbol. Con la música clásica sentía que no encajaba -revela-. Eso para mí fue complicado. Quería tener amigos, ser más "normal". Aún recuerdo cuando en el colegio me preguntaban si seguía tocando piano, y yo decía que no. Me daba vergüenza. Creo que la educación te llevaba a este modelo de que todos tenemos que encajar en el mismo molde -reflexiona-. Aún falta mucho espacio para la diversidad en Chile.

Lo que Sebastián Amenábar tenía claro era que tampoco quería dedicarse solo al piano, sino moverse siempre en "mundos paralelos" que pudieran incluir la atracción que sentía por los negocios. Tras su paso por la Facultad de Ciencias Económicas y Administrativas de la Universidad Católica -donde, declara, nuevamente se encontró con una gran uniformidad de conductas-, trabajó dos años en Lima y luego partió a cursar un MBA en la Haas School of Business de la Universidad de California, en Berkeley, Estados Unidos. Ahí tomó conciencia de que la realidad podía ser mucho más flexible.

-Me tocó meterme en la cultura de Silicon Valley y eso me marcó mucho, porque me sentí feliz de ser como quería ser. Ahí no existen las ataduras de ningún tipo. No había nada que me restringiera -relata-. De hecho, me costó volver a Chile y todavía me cuesta desenvolverme aquí, donde no hay tanta cabida para la diversidad. Pero cada vez me siento con más confianza para ser realmente yo.

Cada mañana, entre las siete y las ocho y media, Sebastián Amenábar estudia música. Y hace lo mismo al final del día, cuando regresa del trabajo.

Esta tarde, el sol atraviesa el ventanal cerrado de su dormitorio. Él se vuelve hacia el piano vertical y, sin preámbulo, toca de forma continua los 11 minutos que duran las Variaciones de Felix Mendelssohn. La melodía se impone a todos los sonidos de la ciudad. Amenábar inhala y exhala con fuerza mientras toca. Cerca del final, en un punto cuando la intensidad de la música va en aumento, llega a dar un par de pequeños saltos en el asiento.

-La música es una especie de ser vivo -explica-. Es muy difícil interpretar si uno no está respirando en conexión con la música. Eso es algo que se trabaja mucho en las escuelas. Claudio Arrau decía que un pianista se fusiona un poco con el piano. Uno tiene que ser parte del instrumento.

Amenábar explica que las variaciones corresponden a nuevas combinaciones -algunas con cambios sutiles, otras con mayores diferencias en el acompañamiento y el ritmo- respecto a lo que se conoce como el tema principal, presentado al inicio de la obra. Su vida, dice, bien podría resumirse de ese modo: un conjunto de ensayos en torno a un principio básico, que es, quizá, la búsqueda de la empatía con las demás personas en la música y en las relaciones comerciales. Prueba una y otra vez para no quedarse inmóvil.

-Lo que pasa es que le tengo pánico al statu quo y a tener una vida predecible -confiesa-. Sobre todo, le tengo miedo a no poder experimentar.

Desde el año pasado, Sebastián Amenábar está a cargo de la creación de contenidos para el catálogo digital de Falabella. Desde ese rol, con decenas de personas a su mando, tiene la misión de alcanzar y mantener el liderazgo de la compañía en el competitivo ámbito del e-commerce.

A primera vista, esta actividad contrasta profundamente con la dimensión sensible de la música, en la que encuentra, según señala, una vía de expresión emocional que no tiene en el día a día. Sin embargo, para él no hay tal abismo.

-La parte numérica se parece a la parte técnica en el piano. Y (en el mundo comercial) cómo interpretas esta información es lo que hace la gran diferencia. Todo el resto, si vendo pantalones o vendo poleras, no es tan relevante.

Asimismo, los rankings entre artistas le producen "sentimientos encontrados", puesto que, cree, no tiene sentido establecer jerarquizaciones cuando se está frente a los mejores. "Entre Manet, Monet y Cézanne son todos genios y punto", ejemplifica.

Donde sí reconoce la existencia de mejores y peores esfuerzos es en el desarrollo de la música de cámara en el mundo, en el que Chile todavía está al debe y en una posición poco favorable. Si bien Amenábar valora y conoce el trabajo de instituciones como la Corporación de Amigos de Panguipulli, el Teatro del Lago y las Orquestas Juveniles, dice que aún "estamos en pañales. Hay mucho más que hacer".

Por ese motivo, no descartaría incursionar más adelante en la gestión cultural, algo que ya comenzó a hacer cuando, en febrero, trajo a Chile a la violonchelista israelí Inbal Segev, quien se presentó en un centro de eventos de Pirque. "Siempre necesito hacer otras cosas más allá del piano", manifiesta.

Sebastián Amenábar no lo sabe, pero ahora, mientras habla, el sol que atraviesa el ventanal apunta directo hacia él y multiplica su reflejo en el vidrio, como si las versiones de sí mismo tendieran al infinito.

Les Carillons debuta en nuevo ciclo en Casas de Lo Matta

Maureen Lennon Zaninovic
Cultura
El Mercurio

Uno de los conjuntos más importantes de la escena nacional de la música antigua abrirá este martes el Tercer Festival de Música de Cámara.



Bajo el nombre Stile Moderno se dio cuenta, a principios del siglo XVII en Italia, de un nuevo estilo musical que significó un quiebre con el antiguo estilo polifónico, una revolución donde los instrumentos encontraron en el bajo continuo un impulso para su desarrollo interpretativo.

"Stile Moderno. El Barroco italiano y sus ecos en América" es también el nombre del último disco del prestigioso conjunto de música antigua Les Carillons, que recoge un rico y variado repertorio que unió a Europa y América, hace tres siglos.

Conformado actualmente por Raúl Orellana (violín barroco), Luciano Taulis (viola da gamba), Cristián Gutiérrez (guitarra barroca) y Rodrigo Díaz (tiorba y dirección), Les Carillons abrirá este martes, a las 20:00 horas y con entrada liberada, el Tercer Festival de Música de Cámara Casas de Lo Matta (avenida Kennedy 9350).

El programa incluye -entre otras- piezas de Girolamo Kapsberger (1580-1651), Benedetto Marcello (1686-1739), Francesco Maria Veracini (1690-1768), Domenico Zipoli (1688-1726) y Santiago de Murcia (1673-1739).

Por las misiones

"Son obras barrocas itálicas-hispánicas", advierte Rodrigo Díaz, director de Les Carillons, conjunto con 19 años de existencia y una nutrida agenda de presentaciones nacionales e internacionales. Añade que tocarán "Sonata a dos", de Giovanni Paolo Cima, "una de las primeras obras escritas para violín y continuo, en el período del Barroco temprano; en contraste con la Sonata N° 5 de Francesco Maria Veracini, que es una pieza para este instrumento de muy alto nivel, donde ya el violín revela un desarrollo instrumental superior, con dobles y triples cuerdas".

De Domenico Zipoli, Rodrigo Díaz explica que estamos ante uno de los principales compositores que llegaron a América. "Gran parte de su vida sacerdotal la pasó en Córdoba, Argentina, y su obra se distribuyó a través de las misiones jesuitas del Paraguay. Fue un célebre organista y compositor toscano. A modo de contraste, también tocaremos piezas para cuerdas pulsadas de Santiago de Murcia", afirma.

El III Festival de Música de Cámara continuará el 28 de mayo con un trío de violín, cello y piano (Yvanka Milosevic, Francisca Reyes y Alexandro Jusakos); el 25 de junio proseguirá con Cristóbal Giesen (viola) y Camilo Brandi (clavecín); el 30 de junio, con los pianistas Danor Quinteros y Anna Suzuki. Otras fechas son el 27 de agosto (arpas), 24 de septiembre (recital de violín y piano), 22 de octubre (quinteto barroco) y el 26 de noviembre una gala lírica.

"Esta es una iniciativa de la Corporación Cultural de Vitacura, con el aporte del asesor y exdirector del Municipal de Santiago Andrés Rodríguez. El ciclo convoca a destacados solistas y ensambles y es una opción de huir, por una hora y con buena música, del ajetreo de la ciudad", señala Cristóbal Giesen, productor musical de la temporada, quien remata que este año una de las novedades es que, además de los ocho conciertos gratuitos en Casas de Lo Matta, estas presentaciones se repetirán en colegios de la comuna (María Luisa Bombal, Amanda Labarca y Antártica Chilena) y en Vitavecinos.

Una esperada "Fuerza del destino"

Andrés Yaksic
Cultura
El Mercurio





El inicio de la temporada de ópera del Municipal de Santiago con una logradísima "Fuerza del destino" (en la versión habitual de 1869), es un gran acierto de programación, tanto por la enorme talla de la obra como por los sesenta años desde su última presentación en Chile. El régisseur Stefano Vizioli, en nueva producción para nuestro teatro, ha realizado un trabajo encomiable con ambos elencos y con las masas corales y de figurantes y bailarines -estos últimos en coreografías que sobrepasan ampliamente el nivel rudimentario que se nos suele presentar- y multiplica detalles que dan vida a la hiperromántica trama del duque de Rivas-Piave-Ghislanzoni, haciendo olvidar lo que a ojos contemporáneos sería truculencia. Vizioli lo explica como "un teatro de la vida", a menudo una vida cruel y grotesca. La dirección teatral integra el drama personal de los protagonistas con el frenesí de un mundo que alterna cruda violencia bélica con grotescas tabernas, lo trágico y lo cómico. Con los modelos de Shakespeare, Schiller y Victor Hugo en mente, así lo quiso Verdi, y su estructura dramático-musical mal pudo ser ignorada por Mussorgsky para sus "Boris Godunov" y "Khovanshina".

El escenógrafo Nicolás Boni aprovecha con ingenio el conocido recurso de un teatro a la italiana que en el escenario hace espejo a la sala real, y cuyas superpuestas líneas de palcos dan espacio para intervenciones de grupos y masas. Básicamente fijo durante toda la obra, ese marco se deteriora progresivamente a medida que las vidas y esperanzas de los protagonistas van siendo destruidas por el destino y la guerra. Notable es, por ejemplo, el efecto escénico del quiebre que separa parte del teatro antes de La Vergine degli Angeli , abriendo el camino de Leonora hacia la ermita. Pequeñas licencias respecto del libreto (Don Carlo hiere a Leonora y muere en escena; Preziosilla y toda la multitud son fulminados al término del III acto) no restan sino que añaden al drama. Complementan esta eficaz visualidad la iluminación (Ricardo Castro) y el minucioso y coherente vestuario (Monse Catalá). Así, en lo escénico, una propuesta que respeta el libreto pero se hace cargo de la modernidad merece el más amplio elogio.

En lo vocal el conjunto es sólido, y el coro estuvo a la altura de su gran preponderancia en esta obra. Las reservas recayeron principalmente en la Leonora de la soprano armenia Lilit Soghomonyan. Con un volumen limitado, una línea de canto algo plana, sin suficiente expresión ni matices, al proyectarse al agudo forte evidenciaba un marcado vibrato , particularmente en el primer y segundo acto. Mejoró en su desgarrador monólogo del cuarto acto. El tenor mexicano Héctor Sandoval, al parecer debutante en este rol, logró construir un convincente Don Álvaro, papel para el que escasean los titulares. Algo tenso inicialmente, se arrojó luego con aplomo a las incontables dificultades a partir del tercer acto. Correcto el Don Carlo de Vargas de Ricardo López, de una interpretación pareja. La mayor revelación fue el ucraniano Taras Berezhansky, un Padre Guardiano con voz de grano oscuro, esmalte sin melladura, calibre poderoso. Un placer escuchar sus descensos a los Fa grave que pide la partitura, no meramente rozados, sino prodigados con duradera soltura, todo ello unido a un desenvolvimiento actoral que transmite la nobleza y profundidad humana de un personaje de pocas aristas. Es de retener este nombre, que bien podría alcanzar una consagración de primer plano internacional. Patricio Sabaté acentuó la dimensión graciosa de Fray Melitone con una interpretación ágil en un papel de gran importancia para Verdi. Gran desempeño de Evelyn Ramírez como Preziosilla, pese a que su rol difícilmente brinda dividendos. Destacó la interpretación de Matías Moncada en los roles de alcalde y cirujano, y de Paola Rodríguez como Curra. Correcto el desempeño de Jaime Mondaca como Marqués de Calatrava y de Pablo Ortiz como Trabuco.

La dirección de Pedro Pablo Prudencio, si bien no se inflama con todos los cambiantes fuegos de esta partitura, mantiene la cohesión de una obra caleidoscópica, apoya con sabiduría a los solistas, y la Filarmónica y el coro lo siguen con confianza y sin percances.

La audacia del director general, Frédéric Chambert, al programar este título ha sido compensada. Ningún gustador de la ópera debe perderse esta producción valiosísima. No sabemos cuándo podrá el destino depararle otra Forza a Santiago.

Musical inspirado en "El fantasma de la Ópera" llega a Santiago y Concepción

Raimundo Flores S.
Espectáculos
El Mercurio

"An angel of music" contará con un elenco internacional encabezado por el cantante italiano Michele Cortese, ganador de la Competencia Internacional del Festival de Viña del Mar en 2015.



Cinco cantantes y una orquesta de 18 músicos serán los encargados de llevar hasta el Teatro Oriente y el Teatro de la Universidad de Concepción una de las historias de amor más universales del siglo pasado. Se trata de "An angel of music", un concierto dramático que se inspira en la trama de "El fantasma de la Ópera", la novela de Gastón Leroux que se ambienta en la Ópera de París.

La producción se centrará en el triángulo amoroso que se forma entre los protagonistas de la historia y en cómo Erick, el misterioso personaje que vive dentro del teatro, intenta conquistar a Christine, una talentosa cantante. Esa dupla será interpretada por la soprano estadounidense Molly Flanagan y el italiano Michele Cortese, ganador en 2015 de la Competencia Internacional del Festival de Viña con "Per fortuna", canción compuesta por su amigo Franco Simone.

"Para el fantasma, el ángel de la música es Christine, pero en realidad el ángel es el mismo fantasma que vive en las oscuridad. Hay una contradicción entre la luz, la belleza y la paz que significa la palabra ángel y la oscuridad en la cual vive el protagonista", reflexiona Cortese, haciendo referencia al título del montaje, a cargo de la productora local Merlín Producciones.

A pesar de que Cortese ha figurado más en Chile por su obra como cantautor, el italiano no es ajeno a este tipo de producciones, habiendo participado en adaptaciones de "Jesucristo Superestrella" y el mismo "Fantasma de la Ópera", además de su rol protagónico en "Stabat Mater", la ópera de rock sinfónico que creó Franco Simone.

"Es un desafío gigantesco para mí, que me he criado amando y estudiando el teatro musical en paralelo a mi carrera de cantautor", dice sobre encarnar a uno de los personajes más emblemáticos del género musical. "Tiene muchas complejidades porque la psicología de este personaje es un mundo aparte y bien desordenado. Tiene un dolor dentro y un genio creativo que se juntan", añade el italiano, quien aprovechará su nuevo paso por Chile para realizar conciertos con su proyecto solista.

El ruso Alexander Schitikov es el director del montaje que se presentará en inglés, pero con una traducción simultánea. En el Teatro Oriente "An angel of music" debutará el 23 de mayo y al día siguiente continuará con dos funciones. El 26 de mayo será la presentación en el Teatro de la Universidad de Concepción.

viernes, abril 19, 2019

Las polémicas Pussy Riot metieron ruido en Chile

Espectáculos
El Mercurio

La actuación tuvo más características de performance que de show musical. Las Pussy Riot debutaron en Santiago la noche del miércoles en la discoteca Blondie, en una jornada extendida que antes de ellas se llenó de humor y música con las comediantes Jani Dueñas y Paloma Salas y el conjunto punk local Horregias, respectivamente.

El colectivo ruso estuvo liderado por Nadya Tolokónnikova, la única integrante fundadora del grupo presente y la única también que actuó a cara descubierta. Ella estuvo acompañada de otras tres compañeras enmascaradas, dos de ellas como bailarinas que apoyaban la performance mientras la otra se preocupaba de las bases y las pistas vocales, que más que apoyo terminaron siendo el ingrediente principal.

Las consignas contestatarias por las que han ganado notoriedad -que su activismo político amplificó- antenoche se redujeron a sus temas y a una de las pocas intervenciones que realizaron en español, en apoyo de la campaña "Ni una menos".

DrefQuila es nominado a los premios Gardel

El Mercurio

La principal premiación de la música argentina tendrá al chileno compitiendo en la categoría Mejor Colaboración de Música Urbana por la canción "Sin culpa", que lanzó junto al artista trasandino Duki.

jueves, abril 18, 2019

"Old Town Road", la canción que bate récords en las plataformas digitales

Raimundo Flores S.
Espectáculos
El Mercurio

El sencillo de Lil Nas X se convirtió en el tema con más reproducciones en una semana en el streaming estadounidense.



Un country trap . Así definió Lil Nas X, un joven rapero de Atlanta, el primer sencillo que grabó en un estudio profesional. La combinación es tan sorpresiva como los resultados que ha tenido la canción, que esta semana superó en Estados Unidos el récord de más reproducciones en plataformas de streaming en una semana, siendo escuchada más de 143 millones de veces.

"Old Town Road" se estrenó en diciembre pasado y comenzó a tomar vuelo poco a poco, particularmente por la popularidad que tuvo en la aplicación para compartir videos TikTok, donde abundaban registros de usuarios bailándola.

Pero su éxito no ha estado exento de polémicas. A principios de mes, Billboard anunció que la retiraría del ranking de canciones country -donde debutó en el puesto 19- por no tener suficientes características de lo que es el género en la actualidad, desencadenando acusaciones de un trato racista hacia Lil Nas X.

"La canción es country trap . No es lo uno, ni lo otro. Es ambos. Debería estar en ambas (listas)", dijo el rapero a la revista Time. Luego y como queriendo disipar cualquier duda al respecto, el intérprete de 20 años lanzó el remix oficial con la colaboración de Billy Ray Cyrus -padre de Miley-, exitoso intérprete country .

El nuevo lanzamiento le trajo un segundo aire al tema, que desencadenó en su reciente marca en el streaming norteamericano. Además, Lil Nas X, quien hace ocho meses abandonó sus estudios universitarios para dedicarse a la música, firmó un contrato con el sello Columbia Records, luego de rechazar ofertas de varias de las disqueras principales de la industria.

Su futuro en la música aún está por verse, pero lo cierto es que el éxito de "Old Town Road" pareciera no decaer. Figuras de la talla de Justin Bieber lo han apoyado a través de redes sociales, y Will Smith dijo estar dispuesto a actuar en el videoclip de la canción.

"Jesucristo Superestrella" regresa a la cartelera local con cinco renovadas versiones

Bárbara Castro
Espectáculos
El Mercurio

Este fin de semana, el clásico musical bíblico vuelve con adaptaciones variadas que apuestan por el feminismo, la música contemporánea y las redes sociales.



En su estreno, fue tan aplaudido como controversial. Concebido originalmente como un álbum conceptual de ópera rock lanzado en 1970 - y cuya reproducción fue vetada por la BBC en Inglaterra por considerarlo "sacrílego"-, el cancionero firmado por Andrew Lloyd Webber y Tim Rice dio el salto a Broadway al año siguiente. El montaje tuvo un tibio recibimiento, con los críticos celebrando su propuesta musical -que fue nominada a cinco Tonys- y varios grupos religiosos condenando su inspiración bíblica.

La adaptación a la gran pantalla, estrenada en 1973, también fue aplaudida por los especialistas y enfrentó a detractores que calificaron la cinta de blasfema.

Hoy, y casi a cinco décadas de su debut, los cuestionamientos han evolucionado, poniendo su atención en el reparto, mayoritariamente masculino de la pieza, lo que ha impulsado versiones con elencos cien por ciento femeninos y con los géneros intercambiados en países como Estados Unidos.

Una maniobra que dos de las adaptaciones locales del musical -y que llegarán a la cartelera durante estos días de Semana Santa- ya han puesto en marcha para estar en sintonía con los nuevos tiempos.

Veteranos en llevar a escena esta pieza, con más de 20 temporadas a su haber, la alianza entre JCS y la Compañía Éxodo, la presentarán nuevamente mañana y el sábado en el Teatro Nescafé de las Artes. En esta ocasión, su propuesta se renueva con más de 45 actores en escena y la incorporación de varios roles femeninos, según explica su director Cristian Ripoll.

"Esta vez dejamos el machismo de lado porque es una obra tradicionalmente sexista, con varios personajes hombres ahora interpretados por mujeres, vistas como guerreras y no solo como esposas o víctimas", señala el realizador sobre la producción protagonizada por Marcelo Sesto -ganador del programa de TV "Mi nombre es" imitando a Camilo Sesto- en el papel de Jesús; Solange Bustamante -hermana de Mon Laferte- como María Magdalena, y Koke Santa Ana personificando a Herodes.

Este último papel, uno de los villanos más recordados de la pieza original, será interpretado por la periodista Alejandra Valle, en la versión que tendrá funciones desde hoy y hasta el sábado en el Teatro San Ginés.

"Es realmente exigente en lo vocal interpretar canciones pensadas para un hombre, además acá yo hago una versión moderna del personaje, que es animador de televisión, algo que yo soy en la vida real, por lo que no puede parecer tampoco que estoy actuando de mí misma", señala la panelista de La Red sobre el montaje, que pretende apostar a las nuevas generaciones incorporando referencias a las redes sociales y al movimiento feminista, y que dejará fuera cualquier mención a la religión.

Una interpretación libre de la obra que se potencia con los ritmos del rock pesado es lo que promete "Jesús Metalstar", montaje que cumple 15 años en la escena local y que regresará mañana y este sábado al Teatro Teletón.

Dos integrantes de la segunda temporada del programa "Rojo", el cantante Raúl de Jesús Valdés y el bailarín Ernesto Bravo, integran el elenco de la obra, que se presentará entre hoy y el sábado en el Gimnasio Municipal de Conchalí.

Siguiendo la tendencia de alejarse de las referencias a la tradición bíblica, el montaje que prepara la compañía Los de la T y que estrenarán hoy en el Teatro Azares con funciones hasta el sábado, presentará a un Jesús despojado de su divinidad y enfrentado a sus tentaciones humanas.

Beto Cuevas
El cantante chileno interpretará a Jesús en una versión futurista del musical, que se estrenará en México el próximo 12 de julio.

Madonna se contagia de la fiebre urbana de la mano de Maluma

JOSÉ VÁSQUEZ
Espectáculos
El Mercurio

La reina del pop estrenó ayer "Medellín", el primer sencillo de su próximo álbum, un trabajo que se anticipa como su obra más latina, donde además del colombiano aparece también la brasileña Anitta.



Madonna susurra un conteo en un loop que maquilla con el fraseo de un "cha, cha, cha", una evocación latina de inicio electrónico, que al comienzo de "Medellín" asoma como el cliché del estadounidense promedio que mira hacia el sur los ritmos calientes del continente.

Lo nuevo de la reina del pop, por lo menos en su primera entrega, intenta no quedarse en la periferia y de la mano de Maluma apuesta por la música urbana en una jugada que termina con un particular resultado: el protagonismo del tema termina recayendo en el invitado.

A medida que avanza "Medellín", el adelanto de "Madame X", álbum que saldrá al mercado el próximo 14 de junio, la intervención de Madonna funciona solo

como el preámbulo para la aparición del colombiano en una pieza que de todas formas nunca quita el freno de mano, quedando a medio camino entre el pop electrónico y el reggaetón.

Esta es la lectura que la cantante -quien hoy reside en Portugal- quiso dar para un viraje que en décadas pasadas hubiera resultado demasiado obvio para que la voz de "Vogue" se sumergiera en el género de moda, pero lo terminó haciendo sin demasiado riesgo. Es otra etapa en la débil última década de la artista, una antítesis de un historial que antes imponía estilo.

De todas formas este sencillo se anticipa como el primer eslabón de un trabajo que por las colaboraciones, ya se anuncia como su obra de mayor influencia sudamericana, ya que además de Maluma -que volverá a aparecer en la canción "Bitch I'm loca"-, también estará la brasileña Anitta, en el tema "Faz gostoso".

La canción tuvo una buena recepción en Europa, donde medios como los británicos "The Guardian" y la revista New Musical Express la destacaron ayer.

El periódico le otorgó cuatro de cinco estrellas en una columna que recalcó que "demuestra estar bien preparada para afrontar lo que las tendencias musicales demandan, al tiempo de incorporar a su propio mundo los ritmos globales".

Mientras, NME se aventuró a decir que era "probablemente su mejor trabajo en años" y que su tema era "el indicador de lo que está por venir y establece el tono para una nueva era".

El ocio se debe cultivar durante toda la vida para que sea beneficioso

Lorena Guzmán H.
Vida Ciencia Tecnología
El Mercurio

El tiempo libre no solo sirve para descansar, sino también para el desarrollo individual y la vinculación social. Pero si se tiene una visión culposa de él, se neutralizan sus efectos positivos.



Hace siete años, la ingeniera Francisca Montero (42) estaba sobrepasada. "Con tres hijos, uno de ellos de meses, lo único que hacía era levantarme, ir a trabajar, volver a mi casa, comer y dormir", cuenta. Pero se dijo "no más". Con el apoyo de su marido, renunció y comenzó a trabajar como consultora por proyecto, con la idea de tener más tiempo para ella y su familia. Aunque confiesa que aún se siente un poco culpable por tener más espacio para el ocio que su marido, no se arrepiente. "Yo soy más feliz y eso se nota. Todos somos más felices", asegura.

"La comprensión del ocio ha ido variando en la historia y hay épocas, como la actual, donde muchas sociedades lo siguen vinculando a algo negativo, estigmatizándolo", dice María Jesús Monteagudo, psicóloga del Instituto de Estudios del Ocio de la Universidad de Deusto, España, y que estuvo en Chile invitada por el Campus Villarrica de la Universidad Católica para participar en un seminario sobre el tema. Ir contra la acepción negativa del ocio es una tarea social, pero también personal.

Valor de cada uno

Un estudio de la Universidad de Toronto asegura que quienes suelen poner un valor monetario a su tiempo se estresan cuando no están produciendo dinero. Ello, además, no les permitiría ser felices cuando están en sus actividades de ocio.

"El tiempo libre no es solo el momento de recargar energías para volver al trabajo al día siguiente, sino que es un espacio vital, un punto de partida para sentirnos bien", dice María Jesús Monteagudo. El problema es que hoy ese espacio está muy asociado al consumo, se centra en la entretención y en el pasarlo bien, y tiene una perspectiva cortoplacista. Pero el ocio entendido como una herramienta de desarrollo es mucho más que eso.

"El ocio nos permite conectarnos con lo que realmente importa para nuestro bienestar, calidad de vida y felicidad", explica la especialista. Por eso es una herramienta clave para el desarrollo personal que posibilita sentirse competente y vinculado a un contexto social concreto, agrega.

Así, entender el ocio únicamente como el momento de hacer nada es minimizar su valor. En sí mismo es una experiencia, para vivir en forma individual o acompañada, y que puede incluso requerir de aprendizaje y esfuerzo. Leer un libro, tomar clases de pintura o subir un cerro cada vez más alto en bicicleta son solo ejemplos de las infinitas posibilidades. El punto es qué experiencia quiere vivir cada uno. "Su objetivo es desplegar el máximo potencial de la persona", dice la psicóloga.

Constancia

Si bien es cierto que no existe una medida ideal de ocio en la vida, investigaciones han determinado que su ausencia perjudica. "Esto puede llevar a problemas de salud y a la depresión", explica Monteagudo. Por ello el ocio no es algo para dejar de lado.

Un estudio publicado en la revista Psychological Science determinó que dilatar los momentos de ocio y entretención hasta que todo el trabajo esté terminado no permite, necesariamente, disfrutar más del tiempo libre. La culpa de estar haciendo otra cosa o seguir pensando en las obligaciones serían las principales razones de este prejuicio.

Es cierto que no siempre hay tiempo para el ocio o que hay períodos en la vida donde este desaparece -cuando se trabaja y estudia al mismo tiempo o tras el nacimiento de un hijo-, pero es importante tratar de preservarlo. "Darse espacio para el ocio y lograr disfrutarlo se puede enseñar, pero para que este sea positivo tiene que estar presente a lo largo de toda la vida", dice la especialista. "No nos podemos centrar en él solamente cuando somos mayores y tenemos más tiempo si esos espacios no se dieron antes", advierte.

Hace siete años, cuando Francisca decidió darse más tiempo para ella y su familia, le costó mucho tomar la decisión. "El mayor susto era la reducción de los ingresos y cuánto me costaría salir del mercado de los trabajos de tiempo completo", recuerda. Hoy esos temores desaparecieron y todo en su vida es mucho más armónico, reconoce. Incluso tuvo tiempo para entrenar para tres triatlones.

Isabel Pantoja prepara su ingreso a un reality show

Espectáculos
El Mercurio


"¿Por qué no voy a hacer lo que yo quiera? Siempre he vivido mi vida y siempre me la he buscado, desde los 13 años hasta hoy en día", fueron las palabras que expresó Isabel Pantoja a la revista ¡Hola!, zanjando así la más reciente de sus polémicas. La semana pasada, tras décadas de públicos escándalos y mediáticos desencuentros con los medios españoles, la cadena Telecinco sorprendió anunciando a la tonadillera como la nueva participante del reality show "Supervivientes".

En el espacio -que lleva varias temporadas-, un grupo de concursantes son abandonados en un lugar aislado por más de dos meses. Esta vez comenzará a transmitirse el próximo 25 de abril, desde Honduras, y representa la primera vez en que Pantoja participará en el género en el que muchos jamás pensaron verla. "No me va a importar estar todo el día expuesta", agregó la cantante, quien en 2014 fue condenada a dos años de cárcel por blanqueo de capitales dentro de una compleja trama conocida como la Operación Malaya.

Tras el anuncio, los medios no tardaron en especular que la principal razón para el ingreso son los aprietos económicos de la cantante, quien no ha tenido actuaciones. Sobre su emblemático hogar, la finca La Cantora, pesan más de cuatro millones de euros de deudas y está a punto de perderla. Ha trascendido que por "Superviviente", Pantoja recibirá 80 mil euros (unos $60 millones) semanales y participaría en otros espacios del canal y haría una gira.

En versiones anteriores de "Supervivientes" han estado los cantantes Joselito, Francisco y María Jiménez, el actor porno Nacho Vidal, la modelo Wilma González, quien ha participado en realities locales, y de Chile, el humorista Bigote Arrocet y el abogado Juan Cristóbal Foxley.

Constanza Dörr se presenta en el Teatro Biobío

Cultura
El Mercurio

Acompañada de un elenco de músicos, la mezzosoprano chilena Constanza Dörr se presentará hoy, a las 20:00 horas, en la sala principal del Teatro Biobío. El programa incluye solo obras de Bach: la Sonata N {+o} 5 en C Mayor, BWV 529, arias de la Pasión según San Mateo y arias de la Pasión según San Juan. El concierto inicia un ciclo de música en cooperación con el Goethe Institut, que cumple 60 años en Concepción.

BTS y The Chemical Brothers: Cómo ser fenómeno

Bastián García Santander
Vidactual
El Mercurio





BTS - "Map of the soul: Persona"

El éxito del k-pop es indiscutible: el despegue desde Corea del Sur hace años que se convirtió en una realidad, con Estados Unidos y Sudamérica como destinos predilectos. El cuarteto femenino BLACKPINK debutó en Coachella y en Chile ya se hizo un festival en el Estadio Nacional. Pequeños grandes ejemplos de un género en pleno ascenso, pero que musicalmente genera muchas dudas.

Porque BTS -el emblema del movimiento- acaba de lanzar su nuevo disco, "Map of the soul: Persona" (2019) y no se evidencian muchas diferencias entre los artistas pop anglo y un equipo venido desde tan lejos. Al menos en estudio, los reyes de esta industria dependen mucho de las bases electrónicas y cómo, desde ahí, hacer calzar las melodías vocales que suponen una de las inflexiones de un proyecto de sus características.

Es cierto que "Intro: Persona" o "Boy with luv" en compañía de Halsey suenan frescas en sus tributos al hip-hop o al funk de los 70 y 80; o que esa ilusión de R&B en "HOME" resulta casi seductora. Sin embargo, explorando el producto completo se deja entrever que en la fusión de todos los estilos de moda (la piedra angular del k-pop) pierden consistencia ante la indecisión sobre cuál de todos los caminos reforzar.

The Chemical Brothers - "No geography"

A estas alturas, inventar una frase sobre The Chemical Brothers que juegue con su nombre y las sensaciones que provoca su música parece forzado e innecesario, pero no deja de ser sorprendente la forma en la que su último álbum, "No geography" (2019), genera de entrada una suerte de hipnosis. Los  beats de "Eve of destruction" son tan precisos y repetitivos que atrapan sin siquiera oponer algo de resistencia.

La capacidad detrás de la dupla Tom Rowlands y Ed Simons es conocida, y en su noveno disco de estudio apuntan justamente a eso, a recordarnos con varios guiños a los años 90 los tiempos en los que se convirtieron en íconos de la escena electrónica mundial, acercándose a la música pop, al hip-hop e incluso al rock, siendo aliados predilectos de la fiesta indie.

Acá, su principal colaboradora es Aurora, una noruega de 22 años que cuenta con la creatividad de Lorde y una tonalidad vocal similar a Lana del Rey, pero de calidad superior, y que en "No geography" aporta cierta profundidad en la búsqueda por tiempos pretéritos de las actuales estrellas juveniles. Una fórmula que se alimenta de toques psicodélicos y bases "kraftwerkianas" para perderse por un buen rato.