jueves, marzo 21, 2019

Paul McCartney ofreció un concierto que celebró su legado

Raimundo Flores S.
Espectáculos
El Mercurio

"Macca" se presentó por cuarta vez en el país en un repleto Estadio Nacional, donde desplegó 39 canciones, en un extenso recorrido por su carrera. Entre los asistentes estuvo el Presidente Piñera, quien recibió un saludo del británico.



Equipo que gana, repite, dice la jerga futbolera. Y Paul McCartney, una de las leyendas vivientes más importantes de la música popular, pareciera manejar el término a la perfección después de tantos años de trayectoria, aunque eso signifique que no haya variaciones sustanciales entre el espectáculo que dio anoche en el Estadio Nacional y sus dos visitas anteriores al país en esta última década.

En la antesala del concierto que dio anoche en el Estadio Nacional, mientras un DJ mezclaba música, en las dos pantallas verticales que había en el escenario se deslizaban lentamente imágenes que repasaban la trayectoria del ex-Beatle. El público, integrado por 51 mil personas según cifras de la productora, empezaba a impacientarse pasadas las 21:00. El recinto estaba tan repleto, que algunos asistentes tuvieron que ubicarse en las escaleras.

No tuvieron que esperar demasiado. A las 21:17 las luces se apagaron y McCartney salió a escena, vestido de pantalones negros, camisa rosada, chaqueta de mezclilla y el bajo colgado al pecho. Su banda, que en su núcleo se mantiene constante hace varios años, lo siguió rápidamente a escena y sin mayores preámbulos comenzó la ejecución de "A hard day's night". Hubo algunos problemas de sonido al principio, con un audio bajo y ahogado, poco esperable en un espectáculo de esta índole y que se reflejó en críticas a través de redes sociales de algunos asistentes.

A continuación, McCartney saltó 10 años en el futuro para interpretar "Junior's Farm", canción que estrenó junto a Wings -la banda que formó junto a su fallecida esposa Linda- en 1974. "Tenemos canciones nuevas, antiguas y algunas entremedio", dijo en su primera pausa para hablar al público, resumiendo lo que sería la tónica del show: un recorrido por sus más de 60 años de carrera.

"Hola chilenos y chilenas, bacán vernos de nuevo", había dicho segundos antes, provocando aplausos y risas del público. Su buen humor se tradujo en cada una de sus intervenciones.

El recorrido siguió con canciones de Los Beatles y Wings, y también repasó algo de su último trabajo, "Egypt Station", el título que lo llevó de vuelta al número uno de la lista Hot 200 del Billboard americano. "Who Cares" fue la elegida, una canción que demuestra la vigencia de "Macca", ya que en ella aborda el tema contingente del bullying . El salto entre décadas siguió con "Got to get back in my life" (1966), "Come on to me" (2018) y "Let me roll it" (1973). En esta última, McCartney, con la guitarra entre los brazos, terminó tocando la melodía principal de "Foxy Lady", de Jimi Hendrix.

El músico apenas tomó un respiro entre una canción y otra, y de la guitarra pasó al piano, en el que interpretó "Let 'em in", "My Valentine" -que dedicó a su actual esposa, Nancy Shevell, mientras las pantallas proyectaban imágenes del videoclip que protagonizaron Natalie Portman y Johnny Depp en 2012-, "Nineteen hundreed and eighty five" y "Maybe I'm amazed".

El retroceso temporal más grande lo dio al cantar "In Spite of all the Danger", canción que grabó en 1958 junto a John Lennon y George Harrison, cuando Los Beatles aún se llamaban The Quarry Men.

Compartió con el mandatario

En uno de los momentos más emotivos de la noche, McCartney se acompañó solo de la guitarra acústica para interpretar "Blackbird" -dedicada en 1968 a la lucha por los derechos civiles- y "Here today", canción que le escribió a John Lennon en 1982. Esto quedó de lado cuando el artista aprovechó una de sus intervenciones para destacar la presencia del Presidente Sebastián Piñera, quien asistió junto a algunos integrantes de su gabinete y su familia. "Tenemos invitados especiales hoy. Quiero saludar al Presidente", dijo el ex-Beatle. Una parte del público pifió al mandatario, lo que generó una poco disimulada expresión de sorpresa en McCartney, que acalló a los presentes al seguir con la siguiente canción.

Previo al concierto, Piñera compartió unos momentos con el británico y lo destacó a través de sus redes sociales, donde subió una foto en la que aparece junto a McCartney, su esposa, Cecilia Morel, y dos de sus hijos y nietos. También asistieron al recital los actuales jefes de cartera de Hacienda, Felipe Larraín, y de Economía, José Ramón Valente, los exministros Rodrigo Valdés y José De Gregorio -quien la noche del martes sufrió un portonazo- y el diputado Marcelo Díaz.

Entrada la segunda mitad del show, el repertorio empezó a balancearse levemente a las canciones de Los Beatles, entre las que se destacaron algunas como "Eleanor Rigby", "Being for the benefit of Mr. Kite" y "Ob-la-di, ob-la-da", generando un efusivo recibimiento del público.

Lennon no fue el único homenajeado, porque McCartney también se dio el tiempo de recordar a George Harrison, entonando "Something" al ritmo del ukelele, algo que ya había mostrado en una de sus anteriores visitas.

De vuelta al piano, Sir Paul interpretó "Let it be" y "Live and let die", los éxitos siguieron en la recta final con "Hey Jude" y su karaoke masivo, después del cual McCartney se retiró del escenario.

A su regreso, entró llevando una bandera chilena. "Birthday", "Sgt. Pepper's lonely hearts club band", "Helter Skelter" se sucedieron en un final arrollador, que se desencadenó con un repaso a "Abbey Road" con "Golden slumbers", "Carry that weight" y "The end" y una ronda de fuego artificiales para cerrar la fiesta.

Tomasa del Real: "El pop adorna la realidad, el reggaetón es lo verdadero"

JOSÉ VÁSQUEZ
Espectáculos
El Mercurio

La reina del "neoperreo" adelanta su desembarco en Lollapalooza y Coachella, que este año se volcó a lo urbano.


El imperio es urbano y conquistó a la industria de la música, una era en la que Tomasa del Real -cuyo nombre es Valeria Cisternas-, una especie de nueva heroína del reggaetón, ya se está haciendo un nombre. La chilena es una marca alternativa en un mercado dominado por las producciones facturadas en Puerto Rico y Colombia.

Nació en Iquique, pero su propuesta se tornó internacional. Las plataformas de streaming son las aliadas en un proyecto hoy afincado en Los Angeles, California, donde vive desde noviembre. "Acá hay muchos latinos, se habla bastante español y el género urbano es muy bien recibido", cuenta la intérprete, quien ha logrado un entusiasta reconocimiento en medios como Rolling Stone y Billboard, que la han denominado como "la reina del reggaetón digital underground " y precursora del "neoperreo", títulos que pavimentaron su llegada este año a Coachella, en la versión más urbana de su historia.

"Todo lo que ha pasado con mi carrera ha servido mucho, porque si no cómo le contamos al mundo que existimos", dice la chilena, quien montó en Hollywood Hills una casa con estudio de grabación y salas de tatuaje, hasta donde están llegando artistas de distintos países para sumarse a la propuesta.

"Somos el primer grupo que hablamos español, que estamos haciendo música para el mundo y la conectamos con las disqueras. Acá en Los Angeles no es como en Chile, donde la lucha es individual, sino que todo el mundo pareciera trabajar en la industria", comenta. Ya cuenta en su colectivo con cerca de 30 músicos y donde tiene como socio al mexicano Ulises Lozano, miembro de la banda Kinky, y el sello Nacional Records.

Neoperreando

El término lo tiene literalmente patentado. Neoperreo, más que un subgénero del reggaetón, es su carta de presentación, lo que la diferencia en una corriente cada vez más estilizada y que hoy está presente en festivales donde antes era impensado verla, como Lollapalooza y Coachella.

"El género urbano se comió todo, el pop se quedó atrás. El pop adorna mucho la realidad, en cambio el reggaetón es lo verdadero, habla de cosas más duras, reales y siento que la gente se siente más identificada por eso. En vez de una canción que habla de amores imposibles que nunca ha vivido, se puede conectar más con otra que canta 'vamos al bar a tomarnos una cerveza'".

Para Tomasa del Real, el paradigma en la industria cambió. "Hoy se busca la representación en muchos tipos de personas y la industria se adapta a lo que quiere el público y la gente quiere cosas reales, personajes más alternativos, gente con cuerpos distintos a lo que estaban acostumbrados", señala.

El próximo 30 de marzo, actuará en Lollapalooza Chile, donde mostrará un espectáculo similar al que presentará dos semanas más tarde en Coachella. De hecho, durante los primeros días de abril saldrá al mercado su nuevo disco, "Bailoteo neoperreo", aprovechando el mediático festival estadounidense. "El show será parecido en formato, pero no en contenido. No podré tener a los mismos artistas invitados, porque siempre trato de subir a los que tengo más cerca o hayan trabajado conmigo. Lo que hago es una fiesta de reggaetón en vivo arriba del escenario, un poco loco y donde todos son bienvenidos".

Trombón y clarinete: los vientos frescos que soplan para el jazz chileno

Lanzamientos de José Moraga y Luz Cuadros

IÑIGO DÍAZ
Cultura
El Mercurio

Los discos "La estación" y "Mundo zero" contrastan inspiraciones entre realidad pura y fantástica ciencia ficción. Es la generación de fines de la década de 2010.



Era el lugar de encuentros, de despedidas y bienvenidas en un pueblo como Vista Hermosa-Ocoa, en la comuna de Hijuelas. Su esplendor se borró con el tiempo cuando el ramal dejó de funcionar en los años 70 y la estación del ferrocarril pasó a ser entonces un símbolo del olvido. El trombonista José Moraga creció allí hasta los 18 años y desde Valparaíso, donde ha continuado su ruta, vuelve a mirar esa vida provinciana de la Quinta Región, ahora a través de la música.

Mañana, en un concierto en el porteño Centro Cultural IPA (Condell 1349, 20:30 horas), Moraga lanzará el álbum "La estación" (Discos Pendiente). Es el primer trabajo monográfico del trombonista de jazz formado en orfeones, sonoras, bandas de bronces y orquestas. "Siempre me interesó el lenguaje del jazz. Mientras tocaba en distintas secciones de vientos, estudiaba al trombonista J. J. Johnson y transcribía solos de improvisación. Me fui acercando al jazz cada vez más. Desde hace cinco años estoy de lleno ahí", dice.

Moraga lidera un cuarteto formado por José González (piano), Luciano González (bajo) y Cristián Baltazar (batería), y cuya música se expande también a la sonoridad de los saxofones soprano y tenor y al quinteto de cuerdas. "Estoy rescatando esa experiencia de vida que tuve, simbolizada en la estación de tren, en composiciones como 'La estación del olvido', 'Arboleda al Campana' y 'Don Juan Rozon', dedicada a un señor que iba al restorán que tenía mi abuela en el pueblo", dice Moraga.

Música para cómic

Son los nombres de la generación de jazzistas de fines de esta década, incorporados a las escenas independientes con sus trabajos autogestionados. También con 32 años como Moraga, la clarinetista y compositora Luz Cuadros da nuevos pasos en su recorrido musical, ahora con un segundo disco de su catálogo.

Pero si Moraga se inspiró en la realidad de su vida de niñez, entonces Cuadros toma la ciencia ficción de una historia fantástica como narrativa del disco "Mundo zero" (Animales en la Vía).

"Esta es música para un cómic. Estoy preparando el guion junto a la ilustradora Catalina Plaza. Un proyecto a largo plazo que será un 'discómic': varios episodios de una novela gráfica con discos que musicalizan la historia. Está inspirado en el trabajo de Moebius con Jodorowsky", anticipa Luz Cuadros, quien en la portada de "Mundo zero" aparece dibujada como su personaje de Luciana.

"Cada músico del septeto es un personaje", dice la autora de una música abstracta para su clarinete y otros sonidos: piano, contrabajo, batería, violín, chelo y voz. El lanzamiento del disco inaugura en abril el ciclo de conciertos "Las maravijazz de la composición", del programa radial "Holojazz", en Sala Master.

Jorja Smith: "Desde pequeña me imaginé en un escenario"

Hernán Carrasco C.
Vidactual
El Mercurio

La cantante británica debutará en nuestro país en el marco de Lollapalooza Chile, evento en el que presentará las canciones de su aplaudido álbum debut lanzado en 2018. Antes de su primer show en Chile, "El Mercurio" conversó con ella acerca de sus inicios, motivaciones y experiencias de su corta, pero exitosa carrera musical.



Con solo 20 años y sin haber lanzado ni siquiera un disco, Jorja Smith ya estaba colaborando con uno de los artistas más importantes de la actualidad como Drake. Meses después el interprete de "Hotline Bling" la invitaba a ser parte de su gira. Para ese entonces, no había pasado mucho tiempo desde que Smith decidió dejar su trabajo como barista de un Starbucks para dedicarse a la música.

Así de frenética ha sido la carrera de esta joven inglesa nacida en Walsall, una pequeña ciudad ubicada al noroeste de Londres. Desde que era pequeña, la gente notó que tenía un talento especial: su voz era algo fuera de lo común. Tanto así, que su madre la llevó en una oportunidad a su iglesia para que cantara frente a todos los feligreses. Smith en ese entonces tenía solo ocho años. "Desde pequeña me imaginé en un escenario y cómo se sentiría eso, pero realmente no lo soñé porque no me gusta decepcionarme", explica Smith.

Ya a los once años, Smith compuso su primera canción llamada "Life is a Path Worth Taking", pero no fue sino hasta los quince años cuando empezó a tomar más en serio su faceta musical. Gracias al programa computacional GarageBand, la inglesa comenzó a grabarse tocando algunos covers , los que posteriormente subía a Youtube. "Subí esos videos por diversión. Veía cómo algunos niños ahí subían sus covers y recibían millones de reproducciones, y me gustaba imaginar cuán genial sería si eso me pasara a mí. No sucedió, pero alguien sí me encontró ahí y me descubrió. Nunca pensé que eso ocurriría", recuerda la británica.

Tras terminar el colegio, abandonó su ciudad natal para mudarse a Londres y así comenzar a escribir música y subirla a Soundcloud. Uno de esos temas ("Where Did I Go") llegaría a oídos de Drake, que se obsesionó con la canción. La contactó a través de Instagram y le pidió que cantaran juntos en una composición llamada "Get It Together". Al principio dijo que no, pero luego cambió de idea y aceptó la invitación del rapero. El tema aparecería finalmente en "More Life", exitoso disco que Drake publicó en 2017 y que catapultó la popularidad de la británica a nuevos niveles.

Luego de un par de colaboraciones más de alto perfil con nombres como Kali Uchis y Kendrick Lamar, Smith lanzaría "Lost and Found", su excelente álbum debut, un registro de R&B que sirve como introducción a la calidad musical de la artista y que tiene un perfecto balance entre urgencia y calma, con canciones que suenan simples, pero que en su interior exudan complejidad.

-¿Cuáles fueron sus motivaciones al momento de empezar a componer "Lost and Found"?

"Básicamente lo que me sucedía en mi día a día. Lo que veía y por lo que estaba atravesando durante esos años. Diría que se trata sobre todo lo que me rodeaba en ese entonces".

-Ya ha pasado más de medio año desde que lanzó ese disco. ¿Cómo lo siente ahora? ¿Hay algo que le cambiaría?

"Creo que no le cambiaría nada porque eso plasmó un momento en el tiempo y la música es como una maquina del tiempo, y ese era el lugar donde estaba en ese momento. Amo mi álbum y estoy tan orgullosa de lo lejos que ha ido, de toda la gente y lugares que ha tocado en su camino".

Una voz que conquistó al mundo

"Lost and Found" debutó en el tercer lugar del ranking de discos más vendidos del Reino Unido y número uno en los de R&B. Si bien fuera de su país, no rindió comercialmente tan bien como lo hizo en su territorio, la voz de Smith cruzó fronteras, ganando comparaciones con artistas como Sade, Alicia Keys y Adele, con los críticos afirmando que "su registro vocal tiene una riqueza y profundidad que se ve muy rara vez".

A diferencia de una gran cantidad de artistas que necesitan las herramientas de los estudios para poder grabar una canción o incluso mantener el tono por algunos segundos, Smith demuestra todo su talento vocal en sus presentaciones en vivo. "Amo dar conciertos. Ahí es donde realmente conecto con mi audiencia, donde soy capaz de ser y sentirme en la misma frecuencia que ellos. Poder tocar en vivo es una cosa tan hermosa, ver cómo las emociones de las personas cambian y observar cómo se sienten y conectan con las palabras que canto es increíble", afirma la inglesa.

Oportunidades para mostrar ese exquisito registro vocal a nuevas audiencias ha tenido Smith, consiguiendo salir de gira con artistas mundialmente reconocidos como el ya mencionado Drake y también con Bruno Mars, experiencia que la cantante atesora. "Fue una experiencia tan increíble. Se sintió realmente como una larga práctica para mí y mi banda porque tocamos tantos shows que al final de la gira terminamos muy cansados. Tuvimos la chance de conocernos uno al otro y fue grandioso", recuerda Smith.

Conquistar a un nuevo tipo de público es lo que espera hacer la cantante en la que será su primera visita a Sudamérica para tocar en Lollapalooza Chile, Argentina y Brasil. "La verdad es que no sé nada acerca de Chile y eso es lo que necesito descubrir por mí misma. Me siento tan afortunada de poder viajar y explorar un país como el tuyo", cierra Smith.

Jorja Smith estará presentándose el próximo viernes 29, a las 18:30 horas, en el escenario Acer Stage de Lollapalooza Chile.

miércoles, marzo 20, 2019

Miguel Bosé sigue con disfonía y sin proyectos musicales

Raimundo Flores y Claudia Hervias
Espectáculos
El Mercurio

El cantante español debuta el próximo domingo como jurado en el programa "Pequeños gigantes" en México, en medio de una de sus etapas más complejas, marcada por sus problemas judiciales y polémicas políticas.



El sábado pasado, a través de Twitter, Miguel Bosé volvió a criticar a la alta comisionada de la ONU para los Derechos Humanos, la expresidenta Michelle Bachelet, por no viajar a Venezuela para ver en directo la crisis que vive ese país. Esta vez, el cantante español exigió la salida de Bachelet de su cargo y compartió una foto en que criticaba las distintas posturas que ha tenido respecto del contexto que se vivía en Chile en 1973 y a lo que hoy sucede en la nación gobernada por Nicolás Maduro.

Ese tuit es parte de una serie de descargos que ha hecho Bosé contra la expresidenta y que comenzaron el 28 de enero pasado cuando le pidió a Bachelet por primera vez que interviniera en el conflicto. La misma solicitud cambió de tono cuando se refirió a Bachelet el 22 de febrero en el concierto Venezuela Aid Live, lo que generó críticas por su inusitada vehemencia con calificativos que para algunos fueron groseros y desproporcionados. Luego se disculpó, pero mantuvo su demanda. Y ayer se hizo parte de una campaña de recolección de firmas para que Bachelet visite Venezuela.

Las declaraciones del autor de "Amante bandido" no dejaron indiferente al hijo de la expresidenta, Sebastián Dávalos, quien ayer al término de una audiencia en el Tribunal de Rancagua expresó: "Yo creo que Miguel Bosé debe tener algún tipo de... no sé si será trastorno o problema; una necesidad de volver a la palestra pública".

Planteó además que "me parecen desafortunadas las declaraciones, pero como alguien más dijo también, al tirano, al dictador, aquí le cantó y bailó bonito en el Festival de Viña y parece que ninguno se acuerda".

"Es una cosa pasajera"

En tanto, Bosé comenzará el próximo domingo su participación como jurado en el programa de talentos "Pequeños gigantes" de Televisa en México, donde será acompañado por la actriz Verónica Castro, la cantante Karol Sevilla ("Soy Luna") y el compositor Leonel García.

Su aparición en el espacio llama la atención debido al bajo perfil que ha mantenido desde que llegó a vivir a México.

El lunes último los jurados de "Pequeños gigantes" tuvieron un encuentro con la prensa local, donde Bosé mostró nuevamente que persiste con sus problemas vocales, algo que ya se había visto durante su presentación en el Festival de Viña de 2018; en el show que hizo después en el Movistar Arena, y más recientemente durante el concierto en apoyo a Venezuela realizado en la ciudad colombiana de Cúcuta.

"Creo que es una cosa que es pasajera, se irá. En este momento voy a seguir con mis actividades, haciendo lo que tenga que hacer, no me voy a esconder, no me puedo esconder. Eso no ayudaría para nada a las emociones, no ayudaría para nada tampoco al proceso de recuperación, esta voz se esconde porque no ha sabido pronunciarse, entonces creo que estar aquí en este proyecto cerca de los niños de alguna manera es un buen escenario para volver a relajarme y poner en buen estado la recuperación de la voz", divagó Bosé ante la prensa.

Janet Mérida, periodista del diario El Universal, quien asistió al encuentro, dijo ayer a "El Mercurio" que el cantante se ve cansado y que camina despacio. "No está con la energía hasta arriba como uno está acostumbrado a verlo. Ahora se ve más pasivo. Bromeó con los niños, pero su voz definitivamente está afectada: le cuesta hablar, como que se le pierde".

Bosé subió ayer una foto a su Instagram del programa, pero la mayor parte de los comentarios fueron relativos a su polémica con Bachelet. Muchos negativos como "No te metas con Bachelet", "Paga tus impuestos en vez de andar hablando estupideces" o "La democracia se defiende siempre, ud. actuó en dictadura y no reclamó nada", y otros positivos: "Sigue siendo la voz de mi país" y "En Venezuela te amamos".

Desde que se mudara a México a mediados de 2018-lo que algunos han atribuido a sus problemas de impuestos-, Bosé ha hecho noticia en gran medida por temas políticos y judiciales y de su vida privada. Nuevos proyectos musicales o conciertos no hay programados para el futuro cercano.

Aunque el cantante se caracteriza por ser hermético con su vida privada, en octubre pasado recién se supo que había mantenido durante 26 años una relación con el escultor Ignacio Palau, luego de que este iniciara acciones legales en su contra por la tuición de los niños que adoptaron.

"Nosotros no sabíamos de la relación; se conoció en los medios cuando la expareja presentó la demanda por la batalla legal de los hijos. No se conocía de manera popular, en su entorno íntimo sí", planteó a este diario Maite Morate, periodista de El País.

Otro de sus conflictos judiciales, salió a la luz en junio pasado cuando el Ministerio de Hacienda español lo incluyó en la lista de morosos, adeudando más de 1.8 millones de euros.

Además, en las últimas semanas, su madre, la actriz Lucía Bosé, también ha sido protagonista de un proceso en su contra, ya que se le acusa de apropiarse indebidamente de una obra de Pablo Picasso. Y Miguel Bosé fue citado a declarar en ese caso.

Javiera Mena: "El fenómeno urbano trae repercusiones a los que hacemos otro tipo de música"

Raimundo Flores S.
Espectáculos
El Mercurio

La cantante chilena adelanta la propuesta que presentará en el próximo Festival Coachella y anticipa nuevos lanzamientos para este año.


El debut de una mujer chilena en Coachella -uno de los festivales musicales más importantes del mundo- será por partida triple. Mon Laferte, Tomasa del Real y Javiera Mena serán parte de la próxima edición del certamen californiano que se realizará el segundo y tercer fin de semana de abril.

De las tres, Mena es la que acumula más experiencia en este tipo de eventos, aunque, aún así, admite que este es un hito importante: "Estamos con hartas ganas, ensayando y preparando un show que pueda funcionar en un ambiente donde alguna gente no me conoce y otros sí. Confío en que el público que tengo allá va a ir al festival, y también hay que tratar de conquistar a quienes nunca te han visto", señala la intérprete a "El Mercurio".

Las presentaciones de la autora de "Espejo" serán los días 13 y 20 de abril, y estarán enfocadas en su repertorio más bailable. "Me voy a tirar más para el lado dance . Como yo tengo varias facetas, en el poco tiempo que voy a tener voy a elegir una de ellas y no mezclaré tanto. La idea es hacer una fiesta que no pare", adelanta

La irrupción de las tres chilenas que serán parte del cartel de Coachella se da en un contexto en el que la música latina se ha apoderado no solo de estos escenarios, sino que también de las listas de popularidad de radios y plataformas de streaming . Coachella es quizás uno de los reflejos más potentes de eso, teniendo en esta edición a artistas como Bad Bunny y J Balvin entre sus números principales.

"Creo que está de moda el español y eso también es súper positivo. Todo esto del fenómeno urbano trae repercusiones a los que hacemos otro tipo de música, porque pone al idioma en otro lugar. Que llegue el español con propuestas musicales nuevas le da un nuevo aire", dice Mena al respecto.

A casi un año del estreno de su más reciente álbum -"Espejo", el primero editado bajo el alero de la multinacional Sony-, la cantante hace un balance positivo de este último ciclo. "A nivel artístico hice el mismo disco que hubiera hecho sin una disquera", dice orgullosa y agrega: "Hemos tenido varias señales de que es un disco diferente, no repetí lo mismo que en 'Otra Era' (2014) y en las presentaciones me doy cuenta de que el cambio ha sido bueno".

Aunque a lo largo de su carrera se da la curiosidad de que siempre ha dejado pasar cuatro años desde la publicación de un álbum hasta el estreno de uno nuevo, esta vez la tradición se romperá de cierta forma, ya que la cantante está trabajando en nueva música para estrenar durante este año en formato single.

El intenso inicio de año no solo le llegó por el lado musical. La semana pasada, en el Festival de Cine de Guadalajara, recibió el premio "Maguey Ícono Queer", que se entrega a personalidades que son emblema de una cultura diversa y transgresora. "Me ha hecho tener más conciencia y sentirme más activista", dice sobre ese reconocimiento. "Es algo que nació de algo genuino en mí que fue nunca mentir acerca de que yo era lesbiana y se transformó ahora en un premio. Me abrió el paso a un activismo que quizás no busqué".

Hoy, Javiera Mena realizará su última presentación en Chile antes de su viaje a California para presentarse en Coachella. Hará un concierto íntimo en el "YSL Beauty Hotel" en Casa Barros, ubicada en Santiago centro. Las entradas para el evento se pueden adquirir a través de una inscripción gratuita en el sistema Ticketplus.

"Hemos tenido varias señales de que es un disco diferente, no repetí lo mismo que en 'Otra Era' y en las presentaciones me doy cuenta de que el cambio ha sido bueno"

Los Backstreet Boys fueron lo más visto del Festival de Viña en la región

Patricia Cerda F.
Espectáculos
El Mercurio

El promedio de Fox y Fox Life del evento fue de 1,2 puntos y la noche de los estadounidenses llegó a 2,5 puntos en Argentina. Bad Bunny y Marc Anthony también subieron la sintonía.


Edgar Spielmann, vicepresidente ejecutivo y CCO de FOX Network Group, dice que están satisfechos con las cifras. El Festival de Viña 2019 aumentó la audiencia de Fox y Fox Life en Latinoamérica y obtuvo 249% más de sintonía que la registrada en 2018, cuando la exhibición internacional estaba en manos del grupo Turner.

El ejecutivo comenta que en total en la región el evento viñamarino fue sintonizado por 10 millones de personas. ¿Por qué entonces María Luisa Godoy y Martín Cárcamo no se cansaban de repetir que lo estaban viendo 250 millones? Spielmann responde: "Porque ese es el público potencial que tienen los dos canales en Latinoamérica. Es decir, si todos los que tienen FOX sintonizaran el evento, ese sería el público".

En todo caso, agrega, las cifras son auspiciosas. "El Festival de Viña fue visto por alrededor de cinco millones de personas en la transmisión de TVN y Canal 13. Eso quiere decir que nosotros con los 10 millones le agregamos dos Chile más a la trasmisión". A esto se suma que el certamen fue por lejos lo más visto de la TV paga durante el mes de febrero.

En cuanto a los países que tuvieron mayor interés en el Festival, el ejecutivo recalca que Argentina registró la mayor sintonía de todas las jornadas con el show de la banda estadounidense Backstreet Boys: esa noche el rating en Latinoamérica fue de 1,4 puntos, mientras que en Argentina la cifra subió a 2,5 puntos. La audiencia general en el cable fluctúa entre 1 y 1,6 puntos dada la mayor oferta.

Otros artistas que subieron la sintonía fueron el puertorriqueño Bad Bunny que, en la suma de rating de Chile, Argentina, Colombia y México, marcó 0,86 puntos y el mexicano Marco Antonio Solís que registró 0,79 puntos en los mismos países. Además, Marc Anthony fue lo más visto en México con 0,35 puntos y Wisin & Yandel lideraron en Colombia con 1,29 puntos.

Fox transmitió solo los primeros shows de cada una de las seis jornadas, mientras que Fox Life, todo el certamen.

La cobertura que tuvo este año el Festival en el extranjero también creció. Tres Comunicaciones, empresa a cargo de la difusión, elaboró un informe junto a la firma estadounidense Meltwater que da cuenta de que se generaron 1.822 notas internacionales, es decir un 68% más que el año anterior.

Los países que le dieron mayor cobertura al evento fueron Perú, México, Venezuela, España y Estados Unidos.

En TVN y Canal 13
Viña logró un rating promedio de 30 puntos entre los dos canales. El show más visto fue el de Marc Anthony, con 40,6 puntos, y en el humor, Jorge Alís obtuvo 49,5 puntos.

Gianluca es tendencia a días de su debut en Lollapalooza

Comunicado de prensa

La magnitud de este ‘Sismo’ nos tiene cargados de réplicas. A menos de una semana de estrenar el primer adelanto de su disco debut, el artista nacional recién incorporado al catálogo de Quemasucabeza, sigue deslumbrando con la producción estética y sonora de su apuesta.

Ritmos urbanos, crudos y experimentales, sin miedo al pop, mucho menos a las rimas. El single, que cuenta con la colaboración de Pablo Chill-E, es el imperdible de marzo; una canción que viene a confirmar el nivel interpretativo y artístico de Gianluca, y que brilla en las tendencias chilenas de Youtube con un video a cargo de Bernardo Quesney (Javiera Mena, Gepe).

Desde su estreno, el pasado viernes 15 de marzo, ‘Sismo’ se ha mantenido en los primeros cuatro puestos de la lista, llegando al segundo lugar con más de 400 mil visitas. La antesala perfecta para el lanzamiento que se vivirá este miércoles 27 de marzo en Bar Loreto, en una fecha que repasará la pequeña pero significativa carrera del compositor de ‘Amor Platónico’.

La producción de la triada compuesta por TytoKush, Pablo Stipicic y el mismo Gianluca, es una de las canciones más esperadas para su debut en Lollapalooza Chile, este próximo sábado 30 de marzo, a las 13:45 horas en el escenario Lotus. Un concierto que tendrá invitados sorpresas y la incorporación de la batería como la demostración perfecta del nivel que el músico ha logrado.

El chileno, que estrenará durante este 2019 el primer largo de estudio, ya agotó las preventas para el lanzamiento de ‘Sismo’, a realizarse en Bar Loreto (Loreto #435) donde contará con Pablo Chill-E como invitado y un set a cargo de Rehm.

Dios Salve a la Reina: El mejor tributo a Queen llega al Movistar Arena

Comunicado de prensa

La banda que se presentó con éxito total durante el verano en nuestro país, agendó un concierto en el principal recinto de Santiago el próximo 24 de mayo.



Con 20 años de trayectoria, Dios Salve a la Reina vuelve a Chile para presentar lo mejor de Queen en un gran concierto. A partir de la exhibición de Bohemian Rhapsody, la música de la agrupación británica ha vuelto a la vida transformándose en un fenómeno en el mundo entero, por lo que su show en el Movistar Arena, el viernes 24 de mayo, ha generado una increíble expectación. 

La agrupación que ha sido catalogada por la Revista Rolling Stone como “el mejor show sobre Queen del mundo”, revivirá en esta presentación el segundo concierto que Queen realizó en 1986 en el Estadio Wembley de Londres. Una excelente oportunidad para ver y disfrutar de los mejores 28 éxitos de la banda británica más importante de la historia de la música.

El increíble nivel artístico de Dios Salve a la Reina, ya ha sido apreciado por miles de personas en nuestro país, que asistieron masivamente a las presentaciones que realizaron durante su gira de verano por algunas ciudades de Chile.

El nuevo concierto en el Movistar Arena, por lo tanto, es una imperdible oportunidad para quienes no pudieron asistir previamente o para los fanáticos que quieran repetirse el show del mejor tributo a Queen.

La banda Dios Salve a la Reina se presentará el viernes 24 de mayo, a las 21:00 horas, en el Movistar Arena. Entradas a la venta a través del sistema Puntoticket.

martes, marzo 19, 2019

Ana Tijoux: "Hay que atreverse a explorar lugares inesperados"







Lenny Kravitz: "Ya he hecho mucha música latina, porque toda viene de África"

Bárbara Castro
Espectáculos
El Mercurio

El músico estadounidense, quien regresa al país como una de las principales cartas del próximo Lollapalooza, prepara una película musical y un álbum en simultáneo.



Fue una confección de trasnoche y la materia prima fueron sus sueños. La génesis de "Raise vibration", el undécimo trabajo discográfico de Lenny Kravitz, lo mantuvo en vela por varios meses.

"Fue un regalo que me llegó en sueños. Me despertaba en medio de la noche, entre las 3 y las 5 de la madrugada, y me entregaba a transcribir estos sonidos que aparecían en mi cabeza", relata al teléfono desde Río de Janeiro, Brasil, una parada vacacional antes de arrancar su gira mundial -para promocionar su más reciente título-, y que fijó sus coordenadas para Chile el próximo 29 de marzo, como uno de los números de cierre de la jornada inaugural de la novena edición local de Lollapalooza.

No es la primera vez que su material surge de su universo onírico personal. "Siempre me he inspirado en mi mundo interior. He soñado muchas veces con canciones antes", afirma, pero precisa que esta vez fue algo diferente. "Normalmente es una mezcla entre lo que trabajo en el estudio y lo que aparece en mi cabeza, pero en este caso soñé con todo el álbum, eso fue algo nuevo para mí. Suena loco, pero todo el disco fue un sueño que se hizo realidad", dice.

La última entrega del neoyorquino llega acorde a su registro habitual, como una mezcla ecléctica y atemporal de sonidos R&B, soul y funk con elementos de rock y jazz, en la que Kravitz toca todos los instrumentos, excepto por el klaxon y la orquesta. Un producto que no suscribe a lo que hoy parecen ser las tendencias de la industria, prescindiendo de colaboraciones con artistas del momento y sonidos urbanos con influencia latina en sus arreglos. Las diferencias ponen al multiinstrumentista a bromear.

"Tienes razón, odio mi nuevo disco, es verdaderamente horrible", dice entre risas, pero se apresura a explicar su distancia hacia una de las maniobras más apetecidas de la escena musical contemporánea.

"Si es una colaboración que ocurra de forma orgánica, me encantaría hacerlo, pero mucha gente lo hace para vender discos, se convierte es una cosa de márketing. A mí, como artista, me gusta hacer lo que me de la gana", señala, aunque su último trabajo presenta una excepción. "Low" -el primer sencillo y el tema más reconocible de "Raise vibration"- incluye voces póstumas de Michael Jackson, rescatadas de una sesión de grabación en la que ambos intérpretes coincidieron antes de su muerte.

Su catálogo a lo largo de su carrera podría sugerir que su conexión con los ritmos latinos es algo más difusa, mostrando su predilección por el R&B, el funk y el jazz, en sintonía con su herencia afroamericana. Sin embargo, el ganador de cuatro Grammy se considera a sí mismo un veterano del género de moda.

"Si lo piensas, ya he hecho mucha música latina, porque al final toda viene de África; las percusiones, los ritmos, los tonos vienen de la música negra", dice, y luego sorprende con un anuncio: "De hecho, mi próximo álbum va a caer de alguna forma en esa categoría".

Prepara un musical

La producción sucesora de "Raise vibration" no solo tomaría nota del fenómeno latino, también se configuraría como la banda sonora del próximo proyecto cinematográfico de Kravitz, una cinta musical.

"No puedo hablar mucho porque está en pleno desarrollo, pero estaré haciendo un musical y un álbum que voy a lanzar en paralelo, de música para la película", cuenta a propósito de la producción que lo traerá de regreso al mundo audiovisual, un campo en que ya se ha probado en el pasado como actor, con papeles secundarios en "Los juegos del hambre" y "El mayordomo de la Casa Blanca", y en la serie de televisión "Star". Esta vez, el músico se prepararía para debutar como compositor para la gran pantalla, y se desconoce si a esos créditos se podrían sumar otros por actuación.

En sus palabras, la coincidencia del éxito masivo de "Bohemian Rhapsody" con el anuncio de su nueva película no tiene nada de intencional, pero sí se trata de una oportunidad para refrescar el interés por el rock, que en los últimos años ha sufrido una baja de popularidad en las listas de éxitos y en la presencia de sus exponentes en festivales como Lollapalooza y Coachella -eventos que nacieron como espacios exclusivos para el género y sus vertientes alternativas-, siendo sobrepasados por el hip hop, el pop y la electrónica.

"El rock no ha muerto, solo que el mundo va cambiando y las cosas que son populares y más comerciales son otras. El rock and roll sigue vivo y hay muchísimas bandas jóvenes que están haciendo música increíble. No hay nada de qué preocuparse, todo está bien", plantea.

Colaboración póstuma
"Low", sencillo de su último disco, cuenta con la voz de Michael Jackson rescatada de una sesión de grabación.

La consolidación de Helmuth Reichel, batuta chilena formada en Alemania

Romina de la Sotta Donoso
Cultura
El Mercurio

El director de 35 años de edad está trabajando por cuarto año consecutivo con la Orquesta Sinfónica de Chile, en las espectaculares obras que él programó para cuatro conciertos: "La Consagración de la Primavera" de Stravinsky y "Concierto para orquesta" de Bartók, entre otras.



Sigue consolidándose la carrera de Helmuth Reichel Silva (1983), el único director chileno que ha logrado ser finalista en el Concurso Besançon. Residente en Alemania desde 2002, además de su actividad constante con orquestas europeas, en 2017 debutó con la Sinfónica de Tokyo, que lo volvió a programar para enero próximo. "Es bien especial que te inviten por segunda vez porque implica una decisión consciente de la orquesta de continuar el trabajo en conjunto", comenta.

Una voluntad que también están exhibiendo los conjuntos chilenos. En los últimos tres años, a Reichel lo han invitado todas las orquestas de la capital -con la única excepción de la Filarmónica de Santiago-, y prácticamente todas lo han vuelto a programar.

Así, en junio retomará la batuta frente a la Sinfónica Nacional Juvenil; en agosto, dirigirá a la Orquesta de Cámara de Chile, y en octubre debutará con la Sinfónica U. de Concepción. Y ahora mismo está trabajando con la Orquesta Sinfónica Nacional de Chile, que lo ha invitado cada año desde 2016, y que lo eligió para abrir su temporada 2019.

"Los músicos de la Sinfónica han sido muy generosos", confiesa Reichel, quien diseñó los dos programas que conducirá. En cada uno incluyó una obra capital de la música universal que la orquesta no toca desde 2013: "La Consagración de la Primavera" (1913) de Stravinsky y el "Concierto para orquesta" (1943) de Bartók.

Hitos del siglo XX

El primer programa lo presentarán este viernes 22 y sábado 23 en el Teatro U. de Chile, y se construye en torno al famoso ballet de Stravinsky, obra que, a juicio de Reichel, "refleja la vulnerabilidad del ser humano ante la naturaleza, y por eso su tema sigue siendo muy actual; es el ser humano rindiéndose ante la vida".

Articularán esta célebre obra con la suite "Panambí", de Ginastera, y con el Concierto para clarinete de Copland, con la actuación solista del virtuoso venezolano David Medina.

"La idea de la danza y del ritmo está presente en todas las obras. 'La Consagración', por ejemplo, tiene un carácter musical ligero, flexible y fluido, que contrasta con cierta brutalidad, y la suite 'Panambí' tiene elementos musicales similares, pero con un acento latinoamericano", explica.

El ballet de Ginastera tiene raíces en una leyenda guaraní, y el de Stravinsky, en un ritual ancestral ruso. "Es interesante contrastarlos y ver qué tienen en común", dice.

Potencial orquestal

El segundo programa lo presentarán el viernes 29 en el Teatro U. de Chile; y el sábado 30, en la U. Santa María, en Valparaíso. El influyente "Concierto para orquesta", de Bartók, se articulará con el Concierto para violín de Brahms -donde actuará como solista el excepcional Tobias Feldmann (Alemania)- y con la obertura "Las ruinas de Atenas", de Beethoven.

"El 'Concierto para orquesta' de Bartók es una de mis obras preferidas. La primera vez que la escuché, gatilló mi atención hacia la música sinfónica, pues tomé conciencia de cómo podía llegar a sonar una orquesta", revela Reichel. Una exuberancia que Bartók logra al tratar a todos los instrumentos como solistas.

"Además, me identifico con el lenguaje musical de Bartók y su mezcla única de elementos folclóricos, desde lo húngaro y eslavo a lo árabe y chino. Para mí, es la obra cúspide del compositor. El quinto movimiento es una cosa fantástica, no sé cómo expresarlo en palabras", dice.

-Sus actuaciones en Chile han sido aplaudidas por la crítica. ¿Qué siente ante eso?

"Uno agradece que se valore el trabajo que hace, son comentarios relevantes. Pero los músicos de la orquesta son igual o quizá más importantes que el director. ¡El director ni siquiera suena! Esto yo lo veo como un trabajo en conjunto, que se hace desde dos perspectivas. Para mí, un buen concierto es aquel en que la orquesta toca al nivel más alto de sus posibilidades".

-Usted estudió violín y fue instrumentista de orquesta antes de tomar la batuta. ¿Qué le aporta esa experiencia?

"Es una ayuda muy práctica, porque uno entiende mejor las necesidades de la orquesta y la dinámica de grupo que se produce, y puede trabajar con esa misma sicología para alcanzar un sonido específico, con instrucciones claras. El desafío es cómo llegar desde el primer ensayo hasta el concierto, pero no sólo de la forma más eficiente, sino también más agradable en cuanto a la atmósfera de trabajo".

lunes, marzo 18, 2019

Celebración de 334 años del natalicio de Johann Sebastian Bach

El próximo sábado 30 de marzo, Rodolfo Castañeda y Fátima Gómez realizarán un concierto para piano y flauta conmemorando el natalicio de Johann Sebastian Bach.

Dentro del programa se encuentran Suite francesa para piano en Mi Mayor, Partita para piano N°1en Si bemol Mayor, Partita para flauta en La Menor y Sonata en Si menor para flauta y piano.
,
La actividad se llevará a cabo en Chilepianos a partir de las 19 hrs.y tiene un valor de $5.000.

Valentín Trujillo y Natalia Ramírez presentan su nuevo disco en formato íntimo

Comunicado de prensa

La cantante Natalia Ramírez y el pianista Valentín Trujillo presentarán su nuevo disco Cosas del Alma con un recital íntimo a realizarse en Chilepianos, el próximo sábado 23 de marzo a las 20 hrs.

El valor de adhesión es de $7.000. Reservas en:
correocasadetodos@gmail.com.

Presentación del libro "Claudio Arrau" de Marisol García


Comunicado de prensa

El próximo vieres 22 de marzo, a partir de las 20 hrs., se realizará el lanzamiento del libro "Claudio Arrau" de la periodista Marisol García en Chilepianos, General Gorostiaga 61, Ñuñoa - Metro Villa Frei.

En la oportunidad, además, se realizará un pequeño recital del joven pianista venezolano Jean Pierre Kiklikian.

La actividad es con entrada liberada.

Santiago Week, semana 16 Marzo 2019



En www.santiagoweek.com pueden acceder a los detalles de cada concierto haciendo clic en el día, artista o local.

Gamba, Izquierdo y la Filarmónica: La energía de la experiencia

Gonzalo Saavedra
Cultura
El Mercurio

A unos juveniles 83 años, el chileno Juan Pablo Izquierdo impresiona por el ímpetu con el que se sube al escenario y se pone al frente de la Orquesta Filarmónica de Santiago, de la que hoy es director emérito. Izquierdo indica sus intenciones ágilmente y con todo el cuerpo, y su variado lenguaje gestual, si bien no parece ortodoxo, hace que se entienda bien qué es lo que pide a los músicos en cada momento. El jueves, en el Teatro Municipal, esa comunicación empática triunfó en "Las criaturas de Prometeo" Op. 43 (1801) de Beethoven, en términos de sonido e interpretación. Muy buen comienzo.

Escrito en la misma época que "Las criaturas", el Concierto para piano Nº 3 en Do Menor, Op. 37 (1800-1801) muestra a un Beethoven que, sin abandonar las formas de su tiempo, las renueva, como ocurre desde el principio, con un motivo basado en un arpegio en las cuerdas y su respuesta en las maderas que se antojan obvios, pero que inmediatamente modula para llevarlos a otros derroteros, donde hay un cúmulo de ideas esperando en la sustanciosa introducción. La entrada del solista italiano Filippo Gamba marcó un acercamiento sobrio, clarísimo en sus líneas, casi a la Bach, lo que hizo descubrir el rico contrapunto de su parte, especialmente lucida en la cadenza rendida con inspiración, pero sin aspavientos, y ese final en el que el piano todavía quiere intervenir en diálogo con la orquesta. Excelente. En el Largo , Gamba se conectó bien con el franco romanticismo que caracteriza a este movimiento: aquí el pianista hizo aparecer más el pedal y su añadido atmosférico, fraseando impecablemente, retardando apenas donde fuera necesario. Sin interrupción, el estimulante Rondó , que en sus excursos incluye un fugato en la cuerdas que eriza, constantes juegos en los modos mayor y menor, unas disonancias exquisitas y una entrada roquerísima del piano en octavas. Gamba e Izquierdo debieron salir varias veces para recibir el agradecimiento de un Municipal feliz de esta vivencia.

Después del intermedio, "Elegía. In memoriam Béla Bartók" (1981) del chileno Cirilo Vila (1937-2015), un sentido homenaje que muestra cuáles gestos -notablemente los de la "Música para cuerdas, percusión y celesta" (1936)- se quisieron rescatar aquí. Aunque solo en apariencias simple, esta música tiene dificultades con las que Izquierdo y la orquesta debieron lidiar.

Entre las mejores secuelas que dejó "La consagración de la primavera" (1913), de Stravinsky, está el ballet "El mandarín maravilloso" (1926), del mismo Bartók, cuya suite (1928) se escuchó como final del concierto. Febril y sin tregua, estos 20 minutos de música son tan ricos de seguir. La orquesta se lució aquí -el clarinete de Jorge Leiva, magnífico en su protagonismo- y unos bronces impecables. Izquierdo mostró lo que puede hacer una orquesta si se entrega a su energía que nace de la experiencia.

Canto y acordeón: la vida desordenada del dúo francés

IÑIGO DÍAZ
Cultura
El Mercurio

Chanson, vals, tango, jazz y teatro marcan los bordes de "La vie en vrac", espectáculo que este miércoles presentarán Annick Cisaruk y David Venitucci. La gira continúa hasta abril por ciudades del sur e incluso Rapa Nui.


La compenetración creativa entre la actriz y cantante Annick Cisaruk y el compositor y acordeonista David Venitucci es evidente pero también es simbólica en la fotografía que anuncia la gira de su nuevo espectáculo: ambos artistas comparten el estrecho espacio interior de una antigua maleta, y no requieren más que un acordeón, un sombrero, un libro, un par de zapatos y una petaca de ron para viajar.

Se trata de "La vie en vrac" ("La vida desordenada"), la puesta en escena de un relato diseñado a partir del disco del mismo título que el dúo publicó en 2017. Apoyada por el Instituto Francés de Chile, la gira por nuestro país tiene su momento principal este miércoles en el Teatro Nescafé de las Artes ($6.000 a $12.000), en el marco de la Semana de la Francofonía en Chile.

Luego, Cisaruk y Venitucci se presentarán en teatros y centros culturales de La Serena (23 de marzo), Osorno (3 de abril), Paillaco (5), Valdivia (6), Curicó (10) y Concepción (13). Incluso en Rapa Nui, el 27 de marzo.

Es correcto hablar de un concierto, porque el dúo recorre un amplio repertorio de música para voz y acordeón con material en estilos y ritmos diversos: chanson, tango, vals, jazz y música de la Europa del Este. Pero "La vie en vrac" también es actuación. "Tal como en el teatro, existe un espacio físico en el que uno expresa una emoción o un sentimiento. Para mí, el espacio es primordial. Necesito sentirlo en su totalidad para detenerme en él e interpretar a mi gusto", dice, desde París, Annick Cisaruk, respecto de la "caja negra" en que se desarrolla el relato. No hay más escenografía en "La vie en vrac" que la oscuridad alrededor de los protagonistas.

A partir de los textos del poeta y autor Yanoswski, que aquí las oficia como una suerte de dramaturgo, "La vie en vrac" narra la historia de la propia Annick Cisaruk, con matices más o menos de ficción: una joven de ascendencia polaco-ucraniana por padre y francesa por madre, criada en un ambiente de canto, violines y acordeón. A los 15 años abandona su hogar para descubrir la ciudad y el amor, vivir numerosas vidas y convertirse en múltiples mujeres.

"Es una vida en desorden, hecha de historias reales, que son las mías, y también historias imaginarias. En 'La vie en vrac' me encuentro con personajes inquietantes y surrealistas, y con amores destructores", adelanta Cisaruk. El espectáculo además considera canciones de la tradición francesa: Léo Ferré ("Jolie môme"), Aznavour ("La bohême") y Piaf ("L'hymne à l'amour", "La vie en rose", "Milord").

"Esto es una mezcla de todo. David Venitucci compuso la música y dio rienda suelta a sus deseos y su imaginario, pasando por el jazz, la música clásica, la influencia de las músicas de Europa del Este, sin olvidarse nunca de la poesía de Yanowski. He creado varios espectáculos en torno a la canción francesa, que es mi pasión. Siempre he caminado entre el teatro y el canto", cierra Annick Cisaruk.

domingo, marzo 17, 2019

Paul McCartney: “He soñado que los Beatles volvemos a estar juntos”

La Tercera

La figura viva más influyente de la música popular vuelve a Chile este miércoles 20 y habla con Culto de sus mejores recuerdos en The Beatles, de por qué nunca quisieron reunirse, de su visión en torno al agitado mundo actual y de lo que sucederá con su legado cuando ya no esté: “Seremos recordados como la mejor banda de todos los tiempos”.

Por Claudio Vergara

Suena el teléfono. Sir Paul está llamando. “¡Hola! Esta es una llamada de Inglaterra. La estabas esperando. Justo voy manejando, así que espero que la señal (de celular) se mantenga”, dice el músico al contactarse directamente con Culto, sin intermediarios, saludando como un hijo de vecino; quizás como una forma de comprender que cualquiera que esté al otro lado de la línea batalla contra los nervios al enfrentar por unos minutos no sólo a uno de los músicos más influyentes de todos los tiempos, sino que también a uno de los personajes más significativos del siglo XX.

Pero el inglés no sólo es un héroe atado al pasado. Al hombre que escribió “Yesterday” hace años le llegó el momento de traer el ayer a sus días de adultez. Después del asesinato de John Lennon en 1980 y de la muerte de George Harrison cerca de dos décadas después, en 2001, el nuevo milenio hermanó a Paul y Ringo como los únicos sobrevivientes capaces de contar y preservar la historia de The Beatles. Aunque bajo una diferencia: McCartney estuvo ahí desde el Big Bang del conjunto en Liverpool y se transformó en la otra mitad de la dupla creativa que dio vida a la parte fundamental de su discografía.

Por eso, en los últimos años ha montado giras globales en cuyos shows viaja por casi todos los capítulos de los Fab Four, desde sus inicios empapados en anfetaminas en Hamburgo, hasta el despegue de traje y corbata en Londres, el éxtasis planetario de la Beatlemanía, los trances alucinógenos, el trauma de la ruptura, e incluso los días en que la vida los separó para siempre, con sentidos homenajes a sus dos camaradas ya fallecidos.

De eso se trata el tour Freshen up, iniciado el año pasado y que retoma su ruta este miércoles 20 en el Estadio Nacional, en su cuarta visita luego de 1993, 2011 y el doblete de 2014 en el Movistar Arena. A los 76 años, ya en el último tramo de su existencia, Macca quiere extender su herencia por todas las latitudes posibles. “Cada vez que hemos estado en Santiago, todos lo han disfrutado mucho. Siempre pasamos un rato genial: el equipo, mi banda y yo. Así que siempre ha sido fabuloso, los fans chilenos son fantásticos y espero tener una fiesta con ellos”, promete.

En sus últimos recitales, Paul interpreta un promedio de 40 temas. Están los éxitos de su banda setentera Wings, uno que otro bocado de su vida en solitario, pero luego aparece lo inevitable. La mitad de su repertorio gira en torno a sus años en The Beatles, con algunas canciones que tocaron muchísimas veces en la primera mitad de los 60, como “Love me do”, “A hard day’s night”, “All my loving” o “From me to you”; pero la mayoría abrumadora son aquellas que nunca llegaron a cantar frente a una audiencia, como efecto de su adiós a las giras en 1966 ante el desenfreno de sus seguidoras, como “Eleanor Rigby”, “Back in the U.S.S.R.”, “Let it be”, “Lady Madonna”, “Helter skelter” y sorpresivamente algunas que son obra 100% de Lennon, como “Being for the benefit of Mr. Kite!”.

–¿Qué siente cuando hoy canta temas que nunca pudo interpretar en vivo con John, George y Ringo?

-Es genial, por la sencilla razón de que por eso fue que lo hicimos, porque me di cuenta de que nunca las habíamos tocado en vivo antes. Simplemente las escribimos, las grabamos, pero nunca pudimos mostrarlas en un escenario. Me parece que es bueno hacerlo. Es un poco atemorizante, porque algunas son un tanto difíciles. “Mr. Kite”, por ejemplo, es muy difícil de cantar y de tocar el bajo al mismo tiempo. Así que por un tiempo pensé: ‘No, no voy a hacerlo, ¿quién necesita meterse en tantos problemas?’. Pero luego me dije: ‘¿Sabes qué? Es un reto’. Así que intenté aprenderlas y logré hacerlo. Me resulta emocionante hacerlo ahora, justamente porque nunca las toqué con los Beatles. Es muy divertido.

–Cuando mira su historia en el grupo, ¿su gran dolor fue quizás no haber hecho más shows para tocar estos temas?

-No, realmente no, porque tocamos tantas canciones juntos. Fue genial e igualmente con mi banda de ahora sólo tocamos algunas de esas canciones. Hay otro millón que nunca llegué a tocar con los Beatles. Pero simplemente pienso en todos los buenos momentos en los que tocamos juntos, en tantas canciones que hicimos a lo largo de los años. Recuerdo esos momentos. No me preocupo por los temas que no tocamos.

–A fines de enero se cumplieron 50 años del legendario concierto en la azotea del edificio Apple. ¿Pensaron en ese instante que nunca más iban a estar juntos en un escenario?

-No, realmente no. No nos dimos cuenta de que era la última vez. No pensamos tampoco en que se convertiría en un espectáculo tan icónico. Justamente porque también pensamos en cientos de ideas locas para tocar: queríamos estar en el océano, en el medio de la nada, o también pensamos en un anfiteatro de Marruecos. Tuvimos miles de ideas, pero no le gustaron a nadie. Todas parecían muy difíciles. Así que al final dijimos: ‘Vamos a montarnos en un techo a tocar’. Y la idea más sencilla se convirtió en la más icónica. Es lo que muchos han copiado desde entonces. Tengo muy buenos recuerdos de ese show, porque finalmente son recuerdos de los Beatles. Cada vez que estábamos juntos se generaba algo especial, y no fue un largo tiempo, pero fue bastante intenso. Estuvimos en Hamburgo, Liverpool, Inglaterra, Europa, Estados Unidos. Así que estar en el techo fue genial, porque cuando miro la grabación se ve que era muy difícil para nosotros romper como banda. Aún tocábamos increíble. Respondíamos a los instrumentos del otro. Fue un momento muy especial y por eso se ve tan bien.

–En los 70 se siguieron viendo. Usted visitó varias veces a John en su departamento en Nueva York y tocó con Ringo en su disco homónimo de 1973. ¿Existió alguna oportunidad concreta en que pensaron volver como grupo?

-No. Recibimos muchas ofertas, pero una vez que nos separamos dijimos: ‘Es mejor que no intentemos hacer esto de nuevo. Es mejor si lo dejamos así’. Así que acordamos en seguir tal filosofía, eso fue lo que hicimos.

–Si John y George aún estuvieran aquí, ¿cree que los Beatles se hubieran juntado en la adultez?

-Sabes, en la única ocasión que nos reunimos fue para “Free as a bird”, cuando tomamos los demos de los casetes de John e hicimos una canción juntos (N. de la R.: un tema grabado en los 90 por los tres Beatles sobrevivientes con antiguas cintas de Lennon). Fue genial. Esa era la clase de ‘reunión’ en el estudio por la que nos habíamos juntado desde un principio: para hacer esa clase de cosas. Y luego también grabamos “Real Love”. Pero eso fue lo más cerca que llegamos a estar de un regreso. Hubo gente que nos ofreció un millón de dólares y más por tocar una única vez, pero nunca quisimos hacerlo. Compusimos tantas canciones, de la A la Z, y ya estaba bueno de eso. La pasamos bien, habíamos tenido una gran historia y no quisimos arruinarla.

–En ocasiones, ¿sueña con sus amigos ya fallecidos?

-¿A qué te refieres? ¿A cuando estoy durmiendo?

–Claro. ¿Se le aparecen a veces en sus sueños?

-Sí, definitivamente. He soñado que todos volvemos a estar juntos. Sí. Es interesante, es como en los viejos tiempos. Ya sabes, a veces los sueños pueden hacer cosas mágicas.

En la memoria

Paul McCartney no tiene problemas en reflexionar una y otra vez acerca de su pasado. Lo hace con entusiasmo, con respuestas extensas, bien digeridas, un auténtico deleite para los fanáticos, pese a que ya cuenta casi medio siglo merodeando los mismos temas.

El mundo guarda una imagen igual de afable en una de sus últimas apariciones públicas. Cuando participó en el segmento Carpool Karaoke del espacio estadounidense The late late show, el conductor James Corden lo subió a su auto y lo llevó a recorrer algunos de los sitios más evocativos de Liverpool, como la calle Penny Lane o su casa de infancia: cualquiera que haya visto ese video terminó con la garganta apretada. Por esos mismos días, y como parte de la promoción de su nuevo disco, Egypt station (2018), volvió a presentarse en el club La Caverna y caminó nuevamente por el cruce de Abbey Road.

-En sus últimos proyectos, pareciera que siempre recuerda esos años previos a la fama, cuando por única vez fue una persona que llevó una vida normal y no la de un ícono. En su álbum Chaos and creation in the backyard, de 2005, en la carátula aparece una imagen de usted en su adolescencia. Y en New, de 2013, hay una canción de los comienzos de su amistad con John.

-Sí, ya sabes. Pienso que es genial recordar. Creo que es algo bueno para todo el mundo. A la mayoría de personas les gusta recordar sus infancias, las épocas en donde eran completamente inocentes. Y además, todo el que escribe en ocasiones lo hace acerca de épocas que ya no están. Es un área muy rica para escribir: tu memoria. Es bueno recordar. Cuando escribo acerca de esos momentos, me vienen muchas escenas de cuando era joven, caminando por la calle con nuestras guitarras en las espaldas. Eso era justo antes de que fuésemos famosos. También me gusta lo que pasó después, pero acordarme de esos tiempos es muy divertido. Recuerdas a tu familia cuando eras un niño y todas las cosas que tus padres hacían por ti. Tus tíos y tías, tus primos. Yo, al menos, tuve suerte de tener una buena familia.

–¿Diría que su amistad con John es algo que sucede sólo una vez en la vida?

-Probablemente.

–Pero imagino que fue difícil para usted volver a encontrar un amigo como John.

-Sí. Pero también había otros dos miembros de los Beatles: George y Ringo. Todos fuimos increíblemente afortunados. Era una combinación mágica, ¿sabes? Yo tenía a John y a George y a Ringo, pero también John tenía a Paul y a George y a Ringo, y Ringo a George, a Paul y a John. Nos teníamos el uno al otro y eso fue, en definitiva, una combinación especial.

–¿Reflexiona habitualmente acerca de uno de los grandes temas del ser humano: qué hay después de la muerte? ¿Piensa en lo que va a pasar con su legado cuando no esté?

-No pienso mucho en eso, debo decirte. Me concentro más en la vida. Es decir, sé que eso (la muerte) pasa. Nos pasa a todos, eso es seguro, pero realmente no me molesta. Cuando sea tiempo de irme, me iré.

–Mucha gente lo asocia con melodías dulces y amigables, pero olvida que usted escribió “Helter skelter”, donde están las raíces del heavy metal, y que fue el primer Beatle en acercarse a las vanguardias y los sonidos experimentales en los 60. ¿Cree que es una visión injusta?

-Sí, lo sé. Sé a lo que te refieres y está bien. La cosa es que estoy feliz con que me vinculen con las melodías. Amo eso, pero muchas personas saben que, como tú dices, tengo los dos lados. Dos, por lo menos. Tengo también ese lado muy rock and roll con el que hice cosas como “Helter skelter” u otras como “Why don’t we do it in the road?” Así que, sabes, no me importa que las personas puedan pensar eso de mí. Creo que los que menos saben de mí, más cosas piensan. Pasa lo mismo con John. Creen que John era el duro y un tanto cruel, pero podía ser bastante romántico. Y compuso muchas canciones románticas. Todos éramos personas bastante completas.

–Menciona dos canciones del Álbum blanco, de 1968. En noviembre apareció una edición de aniversario con tomas nunca publicadas y con una versión del tema “Good night” donde los cuatro cantan muy unidos. Esa etapa siempre ha sido indicada como el inicio de las turbulencias en los Beatles. ¿Realmente fue tan difícil o es sólo parte de la leyenda?

-Es que éramos tan profesionales y estábamos tan enfocados en grabar buenos álbumes que, en ocasiones, naturalmente podíamos pelear. Como cualquier familia. Incluso así nos queríamos y nos llevábamos muy bien. En ocasiones podía haber discusiones, pero seguramente tú con tu familia también las hayas tenido. Es lo normal y sucedía porque siempre queríamos grabar grandes álbumes.

El británico también sabe que en el último tiempo se ha esforzado por despachar grandes álbumes. Para explicar esa activa madurez -con recitales que rasguñan las tres horas, un sólido último disco que lo hizo conseguir su primer número uno del Billboard en 36 años y una categórica resistencia al retiro-, simplemente subraya que no intenta mantenerse vigente por necesidad. “Lo hago por placer”, aclara.

–En su disco reciente, trabaja con algunos de los más cotizados productores del pop actual. ¿Es una forma de seguir buscando nuevas rutas para su música?

-Sabes, disfruto de hacer cosas nuevas y de hacer cosas frescas. Así que, cuando se me presenta la oportunidad de trabajar con alguien a quien admiro y con el que no he trabajado antes, o de hacer una canción de forma diferente, esto me mantiene fresco. Lo hago. Mantiene mi energía fluyendo y simplemente lo disfruto. Para nada es una necesidad.

–En Egypt station hay canciones que tratan del cambio climático y de la paz en el planeta. ¿Tiene alguna opinión de lo agitado del mundo actual, con Trump en EE.UU. o el Brexit en Inglaterra?

-Sí. (Mucho de lo que pasa hoy) es estúpido. Creo que pasa como con la moda: las cosas van en ciclos. Tienes buenos tiempos, tiempos pacíficos y, eventualmente, parece que hace falta pasar por épocas más turbias. Pienso que todo vuelve como un reloj de péndulo: ya sabes, esos relojes viejos con péndulos que oscilan. Oscila de una forma y tenemos a Trump, pero eventualmente irá en algún momento hacia el otro lado. Así que estoy esperando que oscile al otro lado. Cualquier cosa es mejor que Trump.

Cuando la conversación alcanza los 20 minutos, McCartney avisa que está llegando a su destino y que sólo queda tiempo para una última pregunta rápida. No queda más que buscar el flashazo épico, el titular para la historia, la interrogante lanzada una y mil veces, pero cuya respuesta siempre resuena monumental.

–Cuando pasen 200 años, ¿cómo cree que se recordará a los Beatles? ¿Cómo los Mozart o los Beethoven del siglo XX?

-Seremos recordados como la mejor banda de todos los tiempos.

Luego de establecer su lugar en el último tramo de la historia humana, Paul se despide como un mortal más. Como lo haría cualquiera de nosotros: “Oye muchacho, me saludas a tu familia de mi parte, ¿vale?”.

Del fonógrafo a la desmaterialización de la música: Llega el Museo del Sonido

Roger Velázquez
Cultura
El Mercurio

Único del país en su tipo, el espacio cultural presenta el origen de los instrumentos de reproducción sonora que revolucionaron la vida diaria. También ofrecerá talleres, presentaciones musicales y una tienda especializada.



El 21 de noviembre de 1877 se escuchaba "Mary had a little lamb" en la entonces más reciente creación del inventor estadounidense Thomas Alva Edison: el fonógrafo. La canción se convirtió en la primera melodía grabada y reinterpretada en la historia, dando pie a la posibilidad de atrapar y difundir las ondas sonoras. Así lo registra el Museo del Sonido, espacio cultural pionero en su rubro en Chile, emplazado en el Barrio Yungay y próximo a inaugurarse el 29 de marzo.

Fonógrafos, vitrolas, fotografías, videos y audios explicativos -entre otros elementos- integran la museografía del recinto, un proyecto desarrollado por la Corporación Patrimonio Cultural de Chile con el auspicio de Grupo GTD, acogido a la Ley de Donaciones Culturales. La exhibición da cuenta de la evolución inicial del invento y los cambios que supuso a fines del siglo XIX, lo que ha derivado en la desmaterialización del sonido con las plataformas digitales de hoy.

"A algunos los conectará con los recuerdos, incluso remotos; a otros, probablemente los más jóvenes, les permitirá conocer la antesala de eso que tienen a mano con una oferta ilimitada: canales de música como iTunes, Spotify y YouTube, repositorios de MP3, y toda tecnología que nos da acceso de modo inmediato a cuanto registro musical existe", comenta Elena Cruz, directora de Proyectos de la Corporación Patrimonio Cultural de Chile y coordinadora de la iniciativa.

Las vibraciones del sonido toman forma, junto a algunos instrumentos musicales, en la escultura con que abre la Casona Familia Préndez, sede del museo. Ubicada en Huérfanos 2919, la morada -construida en 1922- fue declarada Inmueble de Conservación Histórica dentro de una Zona Típica del barrio donde se enmarca. La restauración del sitio fue parte del proyecto que se inició seis años atrás, procurando mantener el concepto de una casa y el estilo Tudor de su arquitectura.

"A su manera, es un espacio educativo, culturalmente potente, pues ahí se realizarán clases, conciertos, talleres y conferencias entre otras actividades de extensión", añade Elena Cruz.

Sofía Forttes, directora del museo -propiedad de la Fundación Mariana Préndez de Casanueva-, refrenda lo anterior y señala que se busca hacer del museo un lugar de creación y diálogo. "Esperamos en el futuro contar con exposiciones temporales que aporten a nuestra muestra", puntualiza.

Una "imprenta sonora"

La exhibición permanente del Museo del Sonido es un fragmento cedido de la colección de Arturo Gana. Destacan un fonógrafo Pathe de 1905 elaborado en Francia -uno de los más antiguos de la exposición-, una vitrola de maleta modelo Dolcetto (Gran Bretaña, 1925) y aparatos del estilo para niños.

La curatoría corrió a cargo del musicólogo Juan Pablo González, director de Extensión del Instituto de Música de la Universidad Alberto Hurtado, para lo cual se seleccionaron los aparatos que mejor reflejan el impacto de la música en la vida cotidiana, resalta el especialista. "Es una buena oportunidad para acercarnos al fenómeno internacional de la grabación del sonido, entender cómo fue transformándose la música a partir de la posibilidad de registrarla y de reproducir una interpretación en particular infinitamente", asevera el también catedrático, quien califica estos inventos como una suerte de "imprenta sonora", lo que cambió radicalmente el campo de la música en el mundo.

Marisol García, periodista especializada en el tema y autora del guión museográfico, expone que "cada visitante va a darle el énfasis al museo de acuerdo con lo que constituye su propia relación personal con la música", pues -agrega- se puede abordar el recinto desde el interés técnico, el gusto por la música o la relación de los avances tecnológicos con procesos históricos.

La investigadora de música popular destaca la importancia de los textos que acompañan el montaje -que combinan información didáctica, datos e impresiones- y de los aparatos, que fueron elegidos por su "elocuencia" para narrar el relato, que va desde el origen del invento, pasando por la masificación de la música hasta su portabilidad.

El Museo del Sonido se sumará a los circuitos culturales del Barrio Yungay, y abrirá de martes a domingo de 10:00 a 18:00 horas, con precio general de $1.500, y $1.000 para estudiantes, grupos y tercera edad, además de entrada liberada desde las 14:00 horas. En la tienda se podrán encontrar vinilos, instrumentos para niños y una librería especializada, junto a otros objetos relacionados con la música y el sonido.

Las nuevas pistas sobre los cuadernos de Parra a un año de la querella por receptación

El Mercurio

El 10 de enero de 2018, 13 días antes de que el poeta Nicanor Parra muriera, su hija Colombina y Cristóbal Ugarte Parra presentaron en el Octavo Juzgado de Garantía de Santiago una querella por presunta receptación en contra del coleccionista César Soto quien, de acuerdo a la acción judicial, habría adquirido un grupo de "cuadernos personales" de autoría de Parra. En la acción judicial se adjuntan notas de prensa en que Soto señala tener en su poder un cuaderno de Parra de la década del 40.

Ha pasado un año y también una serie de diligencias que entregan nuevas pistas sobre el paradero de estos manuscritos.

El caso está en manos de la Fiscalía Oriente, la que indaga si efectivamente hubo una sustracción y se generó una receptación. César Soto ha señalado que esos manuscritos se los compró al hijo del poeta, Juan de Dios Parra, "Barraco".

Fuentes de la investigación señalan que actualmente el foco investigativo no está solo en César Soto, también, y a raíz de una declaración dada por Colombina Parra en el Ministerio Público, se está indagando a otro experto coleccionista que tiene una librería en la comuna de Santiago.

Sobre el proceso investigativo y todo este año de intentos para recuperar los manuscritos de Parra, el abogado de Colombina, Luis Valentín Ferrada, explica que "hay que destacar que durante el año pasado la cantidad de cuadernos que se pudieron recuperar, en lo que pudiésemos llamar como una gestión paralela de entrega voluntaria, tuvo un éxito de bastante consideración. Se recuperó una cantidad bien considerable de cuadernos (...). Él compraba estos cuadernos universitarios y anotaba recuerdos, datos personales, anécdotas. No todos ellos son representativos de manuscritos literarios o artísticos. Es un diario de vida. Los manejaba con mucho cuidado, porque representaban su intimidad. No es posible precisar cuántos son. Sí sabemos, así se indicó en la declaración de Colombina en la fiscalía, quiénes han dicho tener cuadernos de Nicanor Parra y cómo los habrían adquirido", indicó.

Luego agregó: "El señor Soto ha sostenido que estos cuadernos fueron vendidos por Juan de Dios Parra, y los adquirió de un modo que él entendió era legítimo. Pero evidentemente no los adquirió de quien era su dueño, porque los cuadernos no son manuscritos de Juan de Dios Parra, sino que de su padre. La querella es por receptación (...). La investigación está abierta y aquí se ha mezclado un tema que ha dificultado proseguir la acción. Ha sido un obstáculo para la investigación el hecho del conflicto que nació con motivo del testamento de Nicanor, porque, a decir verdad, hoy, de acuerdo con la ley, esos manuscritos y cuadernos hacen parte del inventario de bienes".

Defensa de Soto

Sobre este proceso, el abogado de César Soto, Hugo Rivera, señala que su defendido "es uno de los mejores bibliófilos de Chile, y que ha escrito obras importantes sobre Pablo Neruda. A él le vendió Juan de Dios Parra Tuca libros de autoría de Nicanor Parra y hojas anilladas de fotocopias de concursos en donde en el reverso escribía don Nicanor Parra. Revistas, hojas con recortes de periódicos, y también le pagó a este señor, Juan de Dios, con cheques nominativos que fueron cobrados en el banco por esa misma persona, el segundo semestre de 2009 y el primer trimestre de 2011. Fue por una cantidad cercana a los $2.800.000 de la época".

En relación con otro manuscrito que Soto tenía en su poder, Rivera señala que no se trata de un cuaderno, "sino que de unas anotaciones que tienen unas tapas de cartón, pero no es de los cuadernos universitarios. Eso se lo compró el 23 de diciembre de 1991 a un dramaturgo y se acompañó un certificado emitido por él".

Respecto de la razón por la cual se querellaron contra Soto, Rivera señaló que "la verdad es que yo no encuentro ninguna explicación, ni ningún fundamento, para estar ejerciendo acción penal contra él. Estas adquisiciones fueron absolutamente legítimas".

Miguel Farías: "Todo es posible"

Maureen Lennon Zaninovic
Música
El Mercurio

Tras el éxito del estreno de la ópera "El Cristo de Elqui", el ascendente compositor chileno adelanta su intensa agenda de compromisos con las más importantes orquestas de nuestro país. La Filarmónica de Santiago estrenará dos obras de su autoría, entre otras "Nocturno", bajo la dirección de Paolo Bortolameolli.



Una vida apasionante y tremendamente intensa. Por el trabajo de su padre, ingeniero y experto en mecánica de suelo, Miguel Farías nació en Venezuela en 1983. Ahí vivió hasta los 7 años, pero como señala a "Artes y Letras" -instalado en uno de los palcos del Municipal de Santiago-, si bien "no soy un hijo del Sistema de Orquestas de Venezuela, porque me formé en Chile, el haber vivido en Caracas y en Maracaibo me ayudó a forjar un gusto musical. A mí me gusta mucho la música caribeña y en especial la salsa. De hecho, siendo muy joven, toqué salsa en algunos restaurantes de Santiago", rememora.

Exalumno del Instituto Nacional, Farías comenta que ponderó 800 puntos en la antigua Prueba de Aptitud Académica. "Muchos pensaban que iba a estudiar ingeniería como mi papá, pero ya había decidido que lo mío era la música e ingresé a la Facultad de Artes de la U. de Chile. Estudié composición con varios profesores, pero quien realmente me formó es Aliocha Solovera. Lo bonito es que ahora los dos somos académicos en el Instituto de Música de la Universidad Católica", agrega.

En 2009 continúo sus estudios en Suiza -en el Conservatorio Superior de Ginebra- bajo la tutela de Michael Jarrell. "Es un creador muy destacado. ¡Un orgullo haber sido su alumno! El año pasado Jarrell presentó su obra 'Bérénice' en la Ópera de París y tuve el privilegio de asistir al estreno", explica Miguel Farías, y añade que tras su paso por Suiza regresó a Chile y en 2012 -gracias a un proyecto de asociatividad liderado por la soprano Miryam Singer- estrenó en nuestro país su primera ópera, "Renca, París y Liendres", que en su momento generó gran revuelo mediático, en especial por la reacción de la exalcaldesa de Renca Vicky Barahona. Más allá de la polémica, gracias a este título el músico fue distinguido por el Círculo de Críticos de Arte y recibió el Premio Altazor en la categoría Mejor Composición.

"Fue un boom todo lo que generó. A la última función, en el Teatro de Carabineros, llegó un grupo de personas con tambores a funar la presentación. Afortunadamente, el incidente no pasó a mayores. Cuando me dieron el premio del Círculo de Críticos de Arte, les dije a todos los que asistieron que 'agradezco a Vicky Barahona por toda la difusión que le hizo a 'Renca, París y Liendres' (risas). Lo cierto es que después de este estreno me comenzaron a llegar, sin que lo esperara, otros proyectos artísticos muy interesantes", explica Miguel Farías.

Tras este éxito regresó a Francia con su esposa, Norma Soto, educadora diferencial, con la idea de ambos de continuar sus estudios en Europa, pero la llegada de su primer hijo cambió los planes. "Decidimos que queríamos tenerlo en Chile y nos mudamos. Acá me inscribí en el Doctorado de Estudios Latinoamericanos de la U. de Chile y me he dedicado a investigar sobre ópera latinoamericana", dice el músico.

Un "nocturno" mahleriano

Sin duda, 2018 fue un hito en su imparable carrera artística. En el Municipal de Santiago estrenó "El Cristo de Elqui", con libreto del sociólogo Alberto Mayol, basado en las novelas "La Reina Isabel cantaba rancheras" y "El arte de la resurrección", ambas de Hernán Rivera Letelier. Miguel Farías comenta que "fue muy emocionante lo que generó esta obra. Mucha gente se me acercó para felicitarme, mucho público que no tenía vínculos con el mundo de la ópera y menos con la música actual. Fue muy emotivo sentir este acercamiento. Gracias a 'El Cristo de Elqui' forjé muy buenos amigos en el teatro y con Hernán Rivera Letelier nos seguimos viendo. De hecho, el autor pampino quiere que hagamos una opereta".

Sus proyectos con el Municipal y en específico con la Orquesta Filarmónica de Santiago continúan. El 30 de marzo, en el Teatro Regional de Rancagua, este conjunto dirigido por Pedro-Pablo Prudencio estrenará su "Suite de El Cristo de Elqui". "Lo que hice fue unir una serie de movimientos vinculados a los personajes de la ópera", explica este creador. El 8 y 9 de mayo, a las 19:00 horas -esta vez en el histórico teatro de Agustinas-, la Filarmónica ejecutará por primera vez "Nocturno", como parte de un ambicioso programa que también incluye la Séptima Sinfonía de Gustav Mahler, bajo la dirección de Paolo Bortolameolli (el 7 de mayo ambas obras protagonizarán la Gala "El Mercurio").

"Me parece que por sí sola la Séptima Sinfonía de Mahler sostiene todo el programa. ¡Es una obra impresionante! No se necesita nada más, por eso les propuse a Paolo Bortolameolli y a Frédéric Chambert, director del Municipal de Santiago, componer una pieza más liviana, corta y ágil, y que sirviera para abrir el concierto; y ambos aceptaron encantados", explica el artista, y añade que tomó como punto de partida el segundo y cuarto movimientos de la composición del creador nacido en Bohemia. "Me inspiré en sus nocturnos, pero también en algunas instrumentaciones mahlerianas. No me gusta hablar de una cita, pero sí de un préstamo. Me preocupé mucho de que no fuera un homenaje citado, sino más bien una obertura a una obra gigante. Por otro lado, la noche a mí me evoca de una manera diferente que a Liszt o a Chopin, por citar a dos músicos a los que también este motivo los ha inspirado, ya que mi contexto es diferente. Por eso en esta obra incluí referencias al bolero. El bolero cruza Latinoamérica y tiene que ver con una bohemia contemplativa, no festiva. En el bolero se condensa el romanticismo de la noche".

El compositor profundiza en torno a su "Nocturno" y señala que si bien tiene momentos de atonalidad, "el resultado es bastante tradicional y mahleriano. Hay en esta obra un contrapunto y una melodía que acompaña, y los tutti orquestales dan la sensación de un tejido compuesto a tres o cuatro voces". Farías concluye que "es un privilegio que la pieza sea estrenada por la Filarmónica de Santiago y Paolo Bortolameolli, y aplaudo que el Municipal, a través de estas instancias y de su concurso de composición, dé espacio a los nuevos creadores".

Su agenda impresiona por la cantidad de encargos y diversidad de propuestas. Además de sus clases en la Universidad Católica, el miércoles 3 (Parroquia Nuestra Señora de las Nieves), jueves 4 (Teatro Regional de Rancagua) y vienes 5 de abril (Teatro Municipal de Ñuñoa) la Orquesta de Cámara de Chile, bajo la batuta de François López-Ferrer, tocará su obra "Ligereza". Miguel Farías advierte que se trata de un encargo de la Vicerrectoría de Investigación de la UC y que para ello se nutrió de sus recientes vacaciones en el sur de Chile. "En la música intenté graficar al aire que puede ser invisible y ligero, pero también tiene mucha fuerza". El 27 de abril la Orquesta Sinfónica de la U. de Concepción, dirigida por Rodolfo Fischer, estrenará otra de sus composiciones, "Être Atout", que cierra un ciclo de piezas inspiradas en Roberto Matta. "Es una obra que dura 20 minutos y en ella traté de hacer una especie de pintura abstracta sonora, revelando las distintas dimensiones de este artista", adelanta.

Con el Banch y la Nacional Juvenil

Para el segundo semestre confirma un proyecto en la UC, junto a Guillermo Lavado, Celso López, Luis Alberto Latorre y Patricio Sabaté, inspirado en unos escritos de Hernán Rivera Letelier. "Pero lo que me tiene tremendamente entusiasmado es que la directora de la Fundación de Orquestas Juveniles e Infantiles, Alejandra Kantor, y el director de la Orquesta Sinfónica Nacional Juvenil, Maximiano Valdés, me comisionaron una pieza que se estrenará este año. Se llama 'Retratos australes', e incluye tres movimientos que tienen que ver con mi país. El primero alude a la Virgen de La Tirana, el segundo a una minga de Chiloé y el tercero a los chinchineros", dice.

Finalmente, en enero del 2020, tendrá su debut con el Ballet Nacional Chileno dirigido por Mathieu Guilhaumon. Este cuerpo de baile estrenará "Artefacto", con dramaturgia y puesta en escena de la actriz Millaray Lobos y música original del propio Miguel Farías. La partitura será interpretada en vivo por la Orquesta Sinfónica Nacional de Chile, bajo la batuta de François López-Ferrer.

"Es mi primer ballet y estoy muy nervioso. Es un gran desafío incursionar en un lenguaje que tiene que ver con el movimiento y lo escénico", remata.

-¿De dónde saca el tiempo para tantos proyectos, con una familia y un hijo de cuatro años?

"No lo sé (risas). Compongo mucho de noche. He aprendido a dormir poco, a repartir muy bien mi tiempo y a ser muy eficaz. Estoy todo el día pensando, y por eso insisto mucho en la palabra borradores. Siempre estoy escribiendo borradores de los proyectos y cuando me siento a trabajar, no miro la hoja en blanco, porque ya sé lo que tengo que hacer. Por si fuera poco, en mayo entrego mi tesis de doctorado en la Universidad de Chile".

-¿Se considera un compositor ecléctico?

"Me lo han dicho y me gusta que me definan así, pero no compongo música pensando en que sea ecléctica. Compongo pensando en cómo quiero que suene, movido por contextos e ideas que suenen interesantes. Me gusta captar la atención del público, a pesar de que eso suene antipopular; en especial para algunos artistas que no buscan agradar. A mí me gusta recibir una retroalimentación. Por otro lado, siempre trato de no ponerme límites. Siempre digo 'todo es posible'. Por ejemplo, para el 'Nocturno' que estrenará la Filarmónica tenía en mente un sonido que para mí representaba la noche. Lo busqué y busqué, hasta que llegué a un resultado que, sin buscarlo de manera consciente, finalmente va a ser ecléctico. No quiero romper la sorpresa, pero incluí en este estreno diversas percusiones, incluso hay una que encargué a Estados Unidos por eBay. Estoy hablando de un sonido bien especial, con metales y resonancias".

sábado, marzo 16, 2019

Francisca Valenzuela Actuará en vivo en homenaje a Yoko Ono en Los Angeles

Comunicado de prensa

La cantautora chilena Francisca Valenzuela será una de las invitadas al evento “BREATHEWATCHLISTENTOUCH: The Work and Music of Yoko Ono”, un homenaje a la legendaria artista japonesa, el cual se realizará el viernes 22 de marzo en el Walt Disney Concert Hall de Los Angeles. La celebración también incluye a la reciente ganadora del Grammy, St Vincent; la Marisoul, vocalista de La Santa Cecilia, y la cantante del grupo Garbage, Shirley Manson, entre otras.

Acerca de la motivación para ser parte de este evento, Francisca Valenzuela comenta: “Yoko Ono me ha inspirado a ser una artista auténtica, a desarrollar y mostrar el arte que yo quiero hacer. Y también a explorar diferentes facetas e inquietudes artísticas  y desarrollar una carrera multifacética que pueda unir intereses como las artes visuales, la música y el activismo. Me inspira que siempre está creando desde un lugar con un sentido político, pero que incluye humor y una propuesta estética”.

“BREATHEWATCHLISTENTOUCH: The Work and Music of Yoko Ono” festeja más de seis décadas de carrera de la artista japonesa. En la ocasión, un grupo de mujeres de múltiples disciplinas interpretará piezas de su arte y de su música. Además de las ya mencionadas también estarán la activista y música electrónica, Madame Gandhi, la ex - integrante del grupo Dirty Projectors, Amber Coffman y la artista visual y coreógrafa, Nina McNeely. Por su parte, Francisca Valenzuela estará a cargo de interpretar dos canciones de Yoko Ono.

La agenda de conciertos de la cantante chilena se reactivará este domingo 17 de marzo con su show en el festival REC – Rock en Conce. Francisca Valenzuela actuará en el bloque estelar que comienza a las 18:40 horas y que también incluye a Babasónicos y The Cardigans. Y una semana después de su participación en el homenaje a Yoko Ono, el viernes 29 estará por tercera vez en Lollapalooza Chile, concierto que comenzará a las 15:00 horas en el escenario VTR.

Chinoy Celebra 10 años de disco “Que salgan los dragones”

Comunicado de prensa

Chinoy vuelve al Teatro San Joaquín para celebrar 10 años de su exitoso y reconocido disco “Que salgan los dragones”.

El cantautor repasará cada uno de los temas del primer disco, que lleva una década de vida y éxitos como “Que salgan los dragones”, “Klara”, “Llegaste de flor”, “Solo resistir”, junto a la participación de la banda Los Preferidos del Ruido, en formación electroacústica.

Al concierto, a modo de festejo, se sumarán reconocidas canciones de toda su carrera y algunos adelantos de su próximo disco “Venusterio”. Lo acompañarán en el escenario -como banda invitada por segunda vez- La Pérez Company, siendo la antesala de “QSLD 10 Años”.

Se trata del disco más conocido de Chinoy, creado en plena época del Movimiento Estudiantil y la Protesta Social en agitación; al mismo tiempo es una cápsula del tiempo que concentra la más potente de las líricas de la época, la originalidad rítmica y la inédita voz andrógina del sanantonino.

En esta ocasión Chinoy quiere celebrar en grande y mostrar todos sus dotes artísticos. Para eso ya se encuentra seleccionado las obras pictóricas, de su autoría, que lucirá para el público en este gran festejo. Ver video >>



CHINOY 10 años de “QSLD”

Sábado 30 de marzo

20:30 hrs.

Dirección: Coñimo 286 - Metro Pedrero (L-5)

Fono: 2 2512 2449

Entrada General $ 5.000.-

Quilapayún con Inti Illimani Histórico realizan concierto en homenaje Víctor Jara

Comunicado de prensa

Los dos  grupos más reconocidos de la Nueva Canción Chilena realizarán el tributo “A Víctor Jara Justicia”, el que está dirigido por Patricio Pimienta.

Los días 28 y 29 de junio en el Teatro Caupolicán, se realizarán los dos espectáculos tributo a la figura de Víctor Jara. Los protagonistas serán Quilapayún e Inti Illimani Histórico, quienes a través de este homenaje expresarán su intención de justicia para el gran cantautor quien fue ejecutado durante el Golpe de Estado en 1973. Asimismo la intención de sus homologos radica en mostrar la esencia de Víctor desde una perspectiva humana tanto desde el ámbito musical como teatral así como un sinfín de vivencias durante su carrera artística.

“A Víctor Jara Justicia” es un concierto dirigido por el actor, guionista y director de teatro, Patricio Pimienta, quien escogió repertorio que refleja gran parte de la obra del cantautor chileno. Esta reunión de canto, memoria y justicia, será un show único realizado por dos de las agrupaciones más importantes de la música chilena y latinoamericana.

De acuerdo con lo expuesto por Horacio Salinas y Eduardo Carrasco "este espectáculo lo abordaremos pensando en Víctor como nuestro director artístico y musical", rescatando la mirada de Víctor Jara, su rigurosidad respecto a la puesta en escena, su sentido del humor, sus anécdotas y su creatividad la cual ocupa un gran compromiso hacia el arte.

Víctor Jara fue actor, director teatral, dramaturgo e investigador del folclore, que además, entre los años 1966 y 1969 ejerció como director artístico de Quilapayún. En el año 1966 grabó su primer disco, con el cual comenzó a dar cuenta de su gran talento y de composiciones llenas de poesía y fuerza, con las cuales se convirtió en uno de los máximos exponentes de la Nueva Canción Chilena, de fama y reconocimiento a nivel global hasta el día de hoy.


QUILAPAYÚN JUNTO A INTI-ILLIMANI HISTÓRICO REALIZARÁN CONCIERTO EN HONOR A VICTOR JARA

Los dos  grupos más reconocidos de la Nueva Canción Chilena realizarán el tributo “A Víctor Jara Justicia”, el que está dirigido por Patricio Pimienta.

Los días 28 y 29 de junio en el Teatro Caupolicán, se realizarán los dos espectáculos tributo a la figura de Víctor Jara. Los protagonistas serán Quilapayún e Inti Illimani Histórico, quienes a través de este homenaje expresarán su intención de justicia para el gran cantautor quien fue ejecutado durante el Golpe de Estado en 1973. Asimismo la intención de sus homologos radica en mostrar la esencia de Víctor desde una perspectiva humana tanto desde el ámbito musical como teatral así como un sinfín de vivencias durante su carrera artística.

“A Víctor Jara Justicia” es un concierto dirigido por el actor, guionista y director de teatro, Patricio Pimienta, quien escogió repertorio que refleja gran parte de la obra del cantautor chileno. Esta reunión de canto, memoria y justicia, será un show único realizado por dos de las agrupaciones más importantes de la música chilena y latinoamericana.

De acuerdo con lo expuesto por Horacio Salinas y Eduardo Carrasco "este espectáculo lo abordaremos pensando en Víctor como nuestro director artístico y musical", rescatando la mirada de Víctor Jara, su rigurosidad respecto a la puesta en escena, su sentido del humor, sus anécdotas y su creatividad la cual ocupa un gran compromiso hacia el arte.

Víctor Jara fue actor, director teatral, dramaturgo e investigador del folclore, que además, entre los años 1966 y 1969 ejerció como director artístico de Quilapayún. En el año 1966 grabó su primer disco, con el cual comenzó a dar cuenta de su gran talento y de composiciones llenas de poesía y fuerza, con las cuales se convirtió en uno de los máximos exponentes de la Nueva Canción Chilena, de fama y reconocimiento a nivel global hasta el día de hoy.

Quilapayún, en tanto, es un poderoso proyecto artístico que desde sus inicios estuvo comprometido con la política nacional. Sus creaciones musicales, con ritmos e instrumentos andinos, contienen potentes mensajes sobre la contingencia y contenidos latinoamericanistas. Luego del exilio, la agrupación continuó con su compromiso social con Chile y posteriormente vivió un proceso de renovación que los trajo de nuevo sobre los escenarios.

Por su parte, Inti Illimani Histórico es otro de los grupos emblema de la Nueva Canción Chilena de gran presencia y connotación. Actualmente, el conjunto que está liderado por Horacio Salinas, continúa entregando su música de raíz folclórica latinoamericana, donde además integran variados instrumentos de otros lugares del mundo.

El imperdible concierto “A Víctor Jara Justicia” se realizará los días viernes 28 y sábado 29 de junio, a las 20:30 horas en el Teatro Caupolicán. Entradas a la venta a través del sistema Ticketek.