viernes, mayo 24, 2019

Este sábado MediaBanda realizará concierto gratuito en San Joaquín



Comunicado de prensa

Sábado 25 mayo / 20:00 hrs. / Entrada Liberada / Teatro San Joaquín

En el marco de CIRKA, el sábado 25 de mayo llega al Teatro San Joaquín la elegancia musical de Mediabanda, una agrupación fundada por el virtuoso músico Cristian Crisosto, que rememora los éxitos de Fulano y se sitúa como una de las bandas de jazz fusión y vanguardia, más importantes de la escena nacional.

Con una propuesta ecléctica y enérgica nutrida por diversos estilos como el rock, el jazz, el funk, el pop, la fusión latinoamericana y la música contemporánea, plasman una puesta en escena que derrocha energía y actitud.

Sus 19 años de trayectoria le han permitido realizar numerosos conciertos y participar en varios festivales dentro de Chile, así como también realizar giras por Europa y México, apoyados por cuatro álbumes de estudio.

En noviembre de 2018 tuvieron un gran hito en el Teatro Oriente donde mostraron el trabajo de su último disco y versiones únicas de grandes canciones para recordar. Durante la presentación los acompañarán músicos consagrados y compañeros de sello como Pablo Ilabaca, Como Asesinar a Felipes y Nicolás Vera.

Denise Rosenthal se presentará en Frutillar


Comunicado de prensa

La intérprete de “Cambio de piel” se encuentra en plena producción de su tercer disco, al tiempo que prepara lo que será su renovado show en uno de los teatros más lindos de Chile.

Mientras la cantante nacional Denise Rosenthal se encuentra en pleno proceso de post producción de su tercer disco de estudio, el segundo bajo el alero de Universal Music Chile, surge el anuncio de este nuevo hito en su carrera artística: su primer concierto en el Teatro del Lago. La cita será el próximo sábado 22 de junio, ocasión en la que presentará su potente show lleno de luz y energía femenina.

Luego de realizar conciertos por todo Chile y de presentar su último single “Soñarse de a dos” junto a su novio Camilo Zicavo, la artista se encuentra en España para la realización de su próximo video clip; material que es parte del disco que grabó en Los Ángeles, California, el mes pasado.

En su concierto del Teatro del Lago, la cantante presentará éxitos como “Cambio de Piel”, “Isidora”, “Cabello de ángel”, “Encadená”, “Lucha en equilibrio", "Niñita de mar"; y "Amor con amor se pagA",entre otros. En esta oportunidad, Denise Rosenthal presentará su increíble espectáculo repleto de hits, color y baile, a cargo de su banda y ballet, compuesto sólo por mujeres.

El verano pasado, y como muestra del gran éxito que obtuvo durante 2018, la intérprete fue invitada al Festival de Viña del Mar para homenajear la memoria del gran cantante nacional Lucho Gatica, junto a destacados artistas nacionales e internacionales.

No te quedes fuera de este gran evento y acompaña a Denise Rosenthal en su primer concierto en el Teatro del Lago, el sábado 22 de junio a las 20:00 horas.
Entradas a la venta a través del sistema Ticketmundo.

Camila Gallardo anuncia actuaciones en Esapaña


Comunicado de prensa

La artista chilena del momento estuvo en noviembre pasado realizando una gira promocional con una excelente recepción del público español. Ahora está de regreso para mostrar su show completo en Barcelona, Madrid y Valencia.

Recién terminada su visita promocional en México, la cantante nacional CAMI se trasladó a España, donde sus ya incondicionales fans la esperan con ansias para asistir a los conciertos que realizará en Barcelona, el 23 de mayo, en Madrid el 30 de mayo y el 1 de junio en Valencia.

CAMI se ha transformado realmente en imparable. En noviembre pasado, fue presentada como la artista chilena más exitosa de 2018, ocasión en la que deslumbró a los medios de comunicación españoles. En las dos semanas que duró dicha gira, la cantante realizó entrevistas e interpretó algunas de las canciones de su disco “Rosa”.

En aquella visita, CAMI se reunió con sus fans y consiguió numerosas apariciones en la prensa escrita, radio y televisión, destacando la grabación acústica de “No es real” junto al cantante español Antonio José, la emotiva presentación en el programa estrella de Telecinco “Viva la Vida” y la visita al exitoso programa de talentos Academia de Operación Triunfo, entre otras.

Y tanto ha sido su llegada en el país europeo, que la prensa la ha llenado de elogios: "Cami Gallardo, la artista del momento en Chile, visita España con una especial gira”, tituló EuropaPress, agregando que “se ha convertido en una de las cantantes revelación del país latino convirtiendo en éxito todo lo que saca y conquistando con su fuerza y voz a un auténtico ejercito de fans al rededor del mundo”.

Sin dudas la internacionalización de la carrera de CAMI ya es un hecho, y lo reafirma el éxito que ha tenido en todas sus giras promocionales. Además de las actividades que realizó en España el año pasado, hace muy poco estuvo en Argentina, donde encantó a los medios y al público con su energía y talento, y recientemente en México, donde además de realizar actividades de promoción deslumbró en los conciertos de Kurt, Lasso y Sebastián Yatra.

Asimismo, con su último single “La entrevista”, CAMI ha logrado estar varias semanas en el #1 en chart nacional de radios, mientras que su video clip supera los 3 millones de views en YouTube. Todo esto, mientras el total de streams de sus temas, sólo en Chile, superan los 68 millones; cifras que la tienen desde marzo de 2018 en el Top 1 del chart nacional con todas sus canciones.

"Piso 21" se presentará en el Movistar Arena

Comunicado de prensa

ESTARÁN EN MOVISTAR ARENA - 14 DE JUNIO

Los integrantes de Piso 21 están en Chile, ¡y han causado sensación entre sus fans! Llegaron para cumplir con una apretada agenda, con la que promocionan su primer concierto protagónico en Chile, que será el próximo 14 de junio, en el Movistar Arena, a las 21.00 horas. Allí presentarán todos sus éxitos.

Esta jornada ha estado llena de actividades: Visitaron varias radios de cobertura nacional, donde recibieron el cariño de las fans que estaban en sintonía. Más tarde llegaron a calentar el ambiente a "Mucho Gusto", el matinal de Mega. Tras un breve descanso fueron directo a la entrevista para el Late de Rojo, visitaron el progrema "Agenda Fox" y terminarán la tarde con una sabrosa presentación en "Rojo" de TVN. Y mañana hay más... ¿Quieres enterarte de todo? Sigue nuestras redes sociales!...

PISO 21 es la cuarta agrupación extranjera más escuchada en nuestro país, lo que genera gran expectativa e interés por su concierto.

Los Piso 21 vienen con nuevo vocalista y además, para que la fiesta sea aún más completa, tienen como invitado espacial, al chileno Drefquila.

PISO 21 es la banda responsable de los hits “Besándote”, “Déjala que vuelva”, “Me llamas”, “Puntos suspensivos”, “Te Amo” y “Te vi”. Éste último tema ya se acerca a sus las 200 millones de visitas en YouTube y además logró posicionarse entre las 50 canciones más escuchadas en Spotify a nivel global y se ha transformado en una de las canciones más virales del momento.

Reconocida en la actualidad como la banda de Urban Pop más importante en Latinoamérica, PISO 21 está integrada por cuatro talentosos jóvenes nacidos en Medellín (Colombia), Pablo Mejía (Pablito), Juan David Huertas (El Profe), David Escobar (Dim) y David Lorduy, vocalista recientemente integrado a la banda en remplazo de Llane, quien partió en busca de nuevos desafíos.  LOURDY es uno de los talentos emergentes con mayor proyección de Antioquia, y es quien tomó el micrófono de Piso 21 para continuar la senda de increíble éxito.

PISO 21 llevan más de diez años construyendo su carrera artística, trabajando por destacarse y posicionarse dentro del género, soñando con superar las fronteras. ¡Y sí que lo han logrado!. Con sólo dos discos, Piso 21 se ha situado en los rankings musicales a nivel internacional, posicionándose como una de las agrupaciones más importantes de la escena latina.

La noche del 14 de junio en el Movistar Arena, será una oportunidad imperdible para ver a estos grandes de la música latina, que prometen una noche llena de sabor, ritmos candentes, éxitos, baile y energía. Las entradas están a la venta bajo sistema PuntoTicket.

LOCALIDAD  VALOR
CANCHA DE PIE $56.500
PLATEA BAJA $43.000
PLATEA ALTA $31.700
TRIBUNA         $20.400
Los valores incluyen cargo por servicio.

HISTORIA:

En 2012 el grupo empezó a ganar reconocimiento, siendo  nominados a "Mejor Nuevo Artista",  en los Latin Grammy. 

En 2014 presentan el single “Suele Suceder” al lado de Nicky Jam, este lanzamiento les haría ganar fuerza internacionalmente pues ingresaron directo al Top 29 del listado de Billboard US.

En 2016 lanzan su éxito “Me Llamas”, canción que ocupó los primeros lugares en plataformas digitales y radios, llegando a ser todo un suceso tras una nueva versión REMIX al lado de Maluma.

En 2017 lanzan otro mega éxito “Besándote”, todo un hit para la agrupación que se certificó siete veces Disco de Platino en Colombia, Disco de Oro en Chile y México y Disco de Platino en Argentina y España. Para octubre de ese mismo año la Banda presentaría“Déjala que Vuelva”, junto a Manuel Turizo, materializando así, el trabajo que por años los motivó a insistir, persistir y nunca desistir. Éste fue el éxito que los consagró como uno de los mayores exponentes del Urban Pop en la actualidad.

En 2018 arrancan con el pie derecho sorprendiendo en la que incursionan de nuevos ritmos gracias a la colaboración de Paulo Londra en el single “Te Amo”, transformándose en una de las canciones más pedidas durante sus shows.

miércoles, mayo 22, 2019

El premiado Carlos Pérez abre nueva temporada de guitarra


Los discos femeninos mas esperados de 2019


Trabajadores de Teatro Biobío denuncian malos tratos


Mon Laferte responde a pifias en México



Ruzica Flores dará concierto gratuito en el Centro Cultural de España



El 31 de mayo a las 21:00 horas se presentará Ruzica Flores, destacada Femmce chilena, quien expande los límites del rap fusionándolo con tintes de trap, electrónica y compleja y vertiginosa poesía.

Su concierto, además de visitar el más reciente trabajo de la artista, inaugurará el ciclo de tocatas de música alternativa KILTRONIK 2019, que se realizará los últimos viernes de cada mes entre mayo y octubre de este año, con entrada liberada en Providencia 927.

Ruzica Flores es una rapera que rompe paradigmas. En un género crítico pero con una evidente hegemonía masculina, esta tremenda artista chilena se ha ganado un destacado y prominente espacio en la escena nacional del rap, gracias a su refrescante y completa propuesta musical.

Con una atractiva puesta en escena desarrollada en conjunto con el productor Charly Humos y sus máquinas, Ruzica planea un viaje intenso para su próximo espectáculo, que se llevará a cabo en el Centro Cultural de España, y que hará transitar a los asistentes por distintos estados de ánimo, visitando crudos y mágicos imaginarios tan citadinos como galácticos.

Esta fecha es importante para Ivania “Ruzica” Flores, ya que la femmece recientemente retomó su actividad musical con Ataraxia, EP de cinco canciones publicado por Nawal Rage, donde Flores además de rap incorpora hip hop, future beats y otros estilos musicales, lo que da cuenta de su gran momento creativo.

Este concierto de Kiltronik promete ser todo un espectaculo, ya que Ruzica vendrá acompañada de grandes artistas, entre los que destacan el saxofonista Franz Mesko, el guitarrista Pablo Jara, Dj Jopsen en las tornamesas, y el artista visual Iñaki Muñoz Universo, encargado de las visuales del show. Además la fecha contará con bailarenes que desplegarán su talento en escena, y Flores adelantará parte de su nuevo material, trabajado con Pupila Negra Estudio.

La asistencia a este imperdible concierto es totalmente liberada y no requiere inscripción. El espectáculo se desarrollará en el teatro del CCESantiago, ubicado en Providencia 927, en las inmediaciones del Metro Salvador.

Camila Gallardo concluye exitosa visita promocional en México mientras se prepara para sus shows en España

Comunicado de prensa

La cantante chilena con más proyección internacional fue invitada a los conciertos de Lasso, Kurt y Sebastián Yatra, además de presentar su single “La entrevista” en diversos medios de comunicación.

En todo un suceso resultó la visita  de promoción que Camila Gallardo realizó en Ciudad de México. Durante su estadía, la cantante chilena mostró ante la prensa parte de sus éxitos, así como también participó como invitada especial en los conciertos de Lasso, con quien interpreta “Un millón como tú”, del cantante mexicano Kurt  y del artista latino  del momento, Sebastián Yatra.

Esta gira es parte de las actividades que la cantante está realizando en el marco de la internacionalización de su carrera, motivo por el que se trasladó a México durante una semana.

En la ocasión, Camila Gallardo visitó los principales medios de comunicación, donde además de efectuar algunas entrevistas cantó parte de sus hits, entre los que destaca su último single “La entrevista”.

La intérprete adelantó que realizó colaboraciones con artistas mexicanos como “Kurt” a quien abrió su show en el Lunario del Auditorio Nacional. En este concierto, Camila Gallardo encantó a los asistentes con toda su fuerza y carisma, en lo que fue su primera presentación en vivo con toda su banda ante el público mexicano.

La cantante chilena además deslumbró en el Auditorio Nacional, donde acompañó a su amigo Sebastián Yatra en la interpretación del hit  “Un año”.

Esta gira promocional a México la realizó luego de su exitoso paso por Argentina, donde ya la esperan para que realice su primer concierto en el mes de septiembre.

Por estos días, en tanto, Camila Gallardo se trasladó a España, donde realizará sus primeros shows en Barcelona el 23 de mayo,, en Madrid el 30 de mayo y el 1 de junio en Valencia.

IMICHILE se prepara para una nueva aventura en México

Comunicado de prensa

La Asociación Gremial Industria Musical Independiente de Chile, IMICHILE, estará presente en  FIMPRO, feria que se realizará entre el 28 y 31 de mayo en Guadalajara México.

Esta vez la delegación chilena llevará a los Niños del Cerro, Paz Court y Protistas.

Nuevamente IMICHILE visitará Guadalajara, una de las capitales musicales de México, para participar en FIMPRO 2019 con el objetivo de fomentar la producción, promoción, comercialización y exportación de la música chilena,

La Feria Internacional de la Música (FIMPRO) es un proyecto orientado a atender, estudiar y desarrollar los diversos aspectos y temas relevantes de la música en la actualidad. El Encuentro es punto de reunión para realizar acuerdos y negocios entre los creadores locales y los programadores de eventos nacionales e internacionales.

La delegación de industria chilena que participará en el evento se compone por representantes de Evolución, Jungla Music, Mescalina, Eroica, Cosas Buenas Producciones, Quemasucabeza, Grow Your Hair Labs,Imesur e IMICHILE.

En representación de la asociación asistirá Raimundo Aguirre, Secretario de IMICHILE, Productor Ejecutivo de Fluvial y Gerente de Sonidos de Chile.

En tanto, los encargados de representar a los artistas nacionales en el escenario serán Niños del Cerro, Protistas y Paz Court.

Niños del Cerro irá a mostrar su segundo álbum Lance (Quemasucabeza) que tuvo una gran acogida en la prensa local. El cuarteto santiaguino nacido a mediados de esta década, tiene un premio Pulsar por Mejor Artista Revelación en 2016. Su música se caracteriza por el sonido de guitarras ambientales, percusiones latinas y la experimentación. También estará Protistas que sigue presentando su cuarto álbum de estudio Microonda salido en 2017 de manera independiente. La banda recoge sonidos del indie-rock y ritmos folclóricos, que han denominado pop salvaje. Además Paz Court, que se encuentra grabando su tercer disco, sucesor de Veranito San Juan, presentará su refrescante propuesta. Con su experiencia en bandas como en su carrera solista, la cantante ha podido explorar y mezclar estilos tan distintos como el jazz, hip hop, boleros, huayno y el pop.

La participación de la delegación chilena se da gracias al apoyo del Ministerio de las Artes y el Patrimonio y el Ministerio de Relaciones Exteriores a través de ProChile.


ACTIVIDADES

GUADALAJARA, MÉXICO

Chango Vudú

Jueves 30 de mayo, 22:00

Paz Court

Niños del Cerro

Protistas

Meeting Sonidos de Chile

Jueves 30, 14hrs, Lobby Cineteca,

"Sonidos de Chile Invita a conocer a la delegación Chilena, donde habrá un vino de honor"

" La Mala Senda" Estrena video y agenda show para lanzar su nuevo disco

Comunicado de prensa

Jueves 30 de mayo, 22:00 horas - Bar de René

El grupo nacional La Mala Senda pone fin a cinco años de silencio discográfico y regresa a los escenarios cargado de novedades. Hoy la banda estrena el video para su canción “Furia” y también su disco “Abisal” en plataformas de streaming. El lanzamiento del álbum será el jueves 30 de mayo a las 22:00 horas en Bar de René (Santa Isabel 369) y las entradas están a la venta por Passline.

Según el vocalista y guitarrista, Goto, “este disco marca un giro para La Mala Senda. Llegamos a un punto en que sentimos la necesidad de renovarnos y por eso nos abrimos a incluir sonidos electrónicos. Al haber más capas sonoras, también hay una sensación de mayor profundidad que conecta con esta idea del fondo marino que planteamos con el título "Abisal", que es la superficie más profunda de la tierra”.

Como lo anticipa Goto, en “Abisal” hay un golpe de timón de La Mala Senda. Los riffs contundentes y melodías volátiles siguen presentes, pero ahora se nota la presencia de referentes industriales y shoegaze como Nine Inch Nails y My Bloody Valentine. Las letras adquieren un lugar protagónico y prueba de ello es el single “Furia”: “habla sobre el despertar de la madre tierra, descrita por alguien que ya partió a un lugar lejano a este planeta. Es la canción que mejor sintetiza el espíritu de “Abisal”, resume el músico.

La canción “Furia” llega junto a un videoclip dirigido por Gonzalo Hurtado. El registro no cuenta una historia lineal, sino que a través de su atmósfera y ritmo explora un  clima tenso y opresivo. El lanzamiento de “Abisal” se realizará el jueves 30 de mayo en Bar de René. “Nos estamos moviendo desde nuestro rock directo y frontal a una cosa más envolvente. Haremos una pasada por el repertorio antiguo con versiones diferentes, tocaremos todos los temas de “Abisal” y mostraremos nuevos elementos escénicos”, detalla entusiasmado Goto.

Con una década de trayectoria, La Mala Senda debutó en 2009 con el disco “Bajo el sol… huellas”, el cual fue elegido como mejor álbum chileno de la temporada por Rockaxis. Desde entonces publicaron el EP “El Optimista” (2010) y el disco “Magia por Dolor” (2014). La banda se ha presentado en festivales de alta convocatoria como Altavoz de Colombia (2010), Lollapalooza Chile (2012), Planetario de Argentina (2014) y Santiago Gets Louder (2015), además de abrir los conciertos en nuestro país de bandas como Candlebox y The Smashing Pumpkins. Las entradas para ver a La Mala Senda en vivo están a la venta a través de Passline.

Mon Laferte triunfa por segunda noche consecutiva en el Auditorio Nacional con localidades agotadas #LaGiraDeNorma

Comunicado de prensa

Natalia Lafourcade sorprendió al subir al escenario

Previo a su show, fue reconocida por la venta de 1.5 millones de unidades a nivel mundial con las producciones Vol.1, La Trenza y Norma, y doble disco de platino en Chile y México

Un lleno total fue el que consiguió Mon Laferte la noche de este miércoles en su segunda presentación consecutiva en el Auditorio Nacional, en medio de #LaGiraDeNorma.

10 mil personas al unísono corearon las canciones de la 8 veces nominada al Latin Grammy, donde se destacaron piezas como "Ronroneo", "Por qué me fui a enamorar de ti", "Caderas blancas", "Cumbia para olvidar", "Amor completo", "El Diablo" y "Tormento".

En esta ocasión, la gran sorpresa de la noche fue la aparición de Natalia Lafourcade para interpretar "La Trenza" junto con Mon, suceso que conmocionó al público gratamente.

Previo a su presentación, Mon Laferte recibió de manos de Jesús López, Chairman/CEO de Universal Music Latinoamérica y la Península Ibérica, Doble Disco de Platino por las altas ventas de Norma en Chile y México, respectivamente, y un reconocimiento especial por la venta de 1.5 millones de unidades a nivel mundial por las producciones Vol. 1, La Trenza y Norma.

La argentina Daniela Spalla fue la encargada de abrir el concierto.

IMICHILE en una nueva edición de Primavera Pro en España

Comunicado de prensa

La Asociación Gremial Industria Musical Independiente de Chile, IMICHILE, estará nuevamente presente en PrimaveraPRO y Primavera Sound entre el 29 de mayo y el 2 de junio de 2019.
Además realizarán un evento de networking y showcase en Madrid el lunes 27 de mayo.
Esta vez la delegación chilena llevará a los artistas NFX, Bronko Yotte y Sistemas Inestables dando cuenta de la versatilidad musical de la que goza la escena independiente local.


Por noveno año seguido una delegación de 3 artistas y más de 20 agentes de industria nacionales, liderados por la Asociación Industria Musical de Chile, IMICHILE, realizará una misión promocional a España con actividades en Madrid y Barcelona. Una iniciativa que va de la mano con el principio fundamental de la asociación que busca instancias de cooperación para fomentar la producción, promoción, comercialización y exportación de la música chilena.

Esta misión se logra gracias a un trabajo colaborativo entre IMICHILE, el Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio y el Ministerio de Relaciones Exteriores a través de ProChile y la Dirección de Asuntos Culturales (Dirac).

La primera parada será en Madrid, donde hace ya 4 años, se viene realizando un evento de networking con los agentes locales. Este año la cita será el lunes 27 de mayo a las 15.00hrs en Kitchen Club donde primero se realizará un encuentro entre agentes de industrias chilenos y españoles y luego se cerrará con un showcase de NFX , Bronko Yotte y Sistemas Inestables.

Al día siguiente la delegación sigue a Barcelona para participar en PrimaveraPRO yPrimavera Sound.

En su edición de 2019 PrimaveraPRO tendrá showcases de 35 artistas provenientes de 11 países. De esos actos, tres serán chilenos. Uno de ellos es Sistemas Inestables que debutó el año pasado con O, un álbum ambicioso y detallista que explora en iguales medidas la electrónica, el post-rock, el free-jazz y el ambient, el cual fue editado por Le Rock Psicophonique. También asistirá Bronko Yotte, fichado recientemente porQuemasucabeza, quien ha hecho una destacada carrera en la escena local reuniendo lo mejor de la escuela del hip hop chileno, junto a sonidos que van desde el jazz al trap. Por último, se suma NFX quien con influencias del sonido clásico del rap de los noventa, ya suma giras por Colombia, Perú, Brasil, México, Colombia y también España. Ha colaborado con Drefquila, Jonas Sanche, Gianluca y la rapera Catana. Su single ‘Warzone’, lleva más de 10 millones de reproducciones en YouTube.

Representando a la industria musical nacional participarán representantes deQuemasucabeza, Potoco Discos, América Media Records, Discos Río Bueno, Jungla Music, Cactus Music, KLI Records, Medu1a, Tierra de Fuego, Pirotecnia, Interdimensional, La Unión Booking y Comunicaciones e IMICHILE.


ACTIVIDADES


ESPAÑA – EVENTO NETWORKING PROCHILE 2019 (Madrid)
Lunes 27 de Mayo
15.00 a 20.00 hrs.
Kitchen Club Madrid – C/ General Pardilñas, 103, Madrid.


ESPAÑA – PRIMAVERA PRO (CCCB, Barcelona)
DAY PRO (CCCB) - Viernes 31 de mayo
11.00 a 13.00hrs.

Recepción IMICHILE
Bronko Yotte
NFX
Sistemas Inestables

ESPAÑA - PRIMAVERA SOUND (Parc de Fòrum, Barcelona)
NIGHT  PRO (PÀRC DEL FORUM) - Viernes 31 de mayo
20.00 hrs. NFX
22.00 hrs. Bronko Yotte

NIGHT  PRO (PÀRC DEL FORUM) - Sábado 1 de junio
22.30 hrs. Sistemas Inestables

martes, mayo 21, 2019

Ángel Parra revive en París: así es el centro cultural con su nombre

La Tercera



Este fin de semana fue inaugurado un espacio artístico en el mismo vecindario donde el músico vivió hasta su muerte en 2017.

Por Gabriela Bravo

No es un azar si el primer centro cultural en el mundo que lleva el nombre de Ángel Parra está en el barrio 14 de París en Francia. Es exactamente ahí donde el fallecido cantante nacional creó su segunda patria, no en Francia, ni tampoco en París, sino en el barrio 14 o, como le dicen los franceses, en el 14ème arrondissement.

Y en esta segunda patria, la música y la cultura siguieron siendo sus ejes centrales. Así quedó en claro el pasado sábado 18, en el evento en que se inauguró o, en rigor, se cambió de nombre al centro cultural de la capital francesa que el propio cantautor ayudó a fundar durante su exilio.

Pero el vínculo no sólo se remite a esos días: a principios de los 60, Ángel residió en París junto a su madre, Violeta, en un período que marcó para siempre su vida como creador y persona.

Por lo mismo, hasta el 181 de la calle Vercingétorix llegaron autoridades, amigos y sus familiares desde Chile, sus hijos Javiera y Ángel, y su hermana Isabel. Eso sí, no fueron los únicos: también se asomaron algunas personalidades locales y un gran número de vecinos, a quienes el nombre de “Paparra” les resonaba como un eco cercano e histórico.

Y esas huellas surgen en cada rincón del flamante recinto, redecorado con fotos de la vida y obra del artista: ahí se le puede ver con sus hijos pequeños o también con distintas celebridades de la música y el arte; en otras se exhibe su faz más íntima y cotidiana, posando al lado del río Sena.

Pero la parte más llamativa es otra: el mural de los artistas de Lyon EvazéSir es lejos lo que más impresiona. A lo largo de la gran pared del patio, lo primero que salta a los ojos es un retrato de Parra en blanco y negro que mezcla elementos del estilo clásico y también del street-art, conjugados con los colores y la luz del muralismo latino.

“Queremos darle hoy el nombre de Ángel Parra a este centro cultural, para que nunca nos olvidemos de su persona y del gran compromiso que siempre tuvo con los derechos humanos”, dijo en su discurso la alcaldesa del barrio 14, Carine Petit.

En una ceremonia sobria e intimista, en la que también hablaron el agregado cultural de Chile en Francia, Justo Pastor Mellado, y el exministro de Cultura, Ernesto Ottone, la palabra también la tomó el consejero regional Roberto Romero, el exalcalde de la comuna, Pascal Cherki, y la viuda del músico, Ruth Valentini.

Sin embargo, varios de los invitados subrayaron el hecho de que sea Francia el primer país en nombrar un espacio a la memoria de Parra. “Me parece surrealista, pero conociendo Chile y su historia, no es tan extraño, somos malos apoyando, queriendo y representando nuestros artistas en el mundo”, expresó Javiera Parra.

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domingo, mayo 19, 2019

Pedropiedra adelanta su próximo disco con Heyne: “Nunca me habían exigido tanto”

La Tercera

Tras estrenar el single “Amar en silencio”, el cantante conversó con Culto sobre su próximo álbum, también de Jorge González y cómo conoció a Álvaro Henríquez. A fin de año lanzará su quinto disco en una década. “Me di cuenta que la gente sólo quiere pasarlo bien”, reflexiona.

Por Raúl Álvarez

Cuando se apagó la grabadora, Pedropiedra preguntó quién sería el próximo. Hace algunas horas lanzó “Amar en silencio”, el primero de los singles de lo que será su próximo disco. “Vamos para la radio, es lo último”, contesta su encargada de prensa. Ha dado casi una decena de entrevistas promocionando la canción. Casi siempre dijo lo mismo.

El tema, grabado en febrero pasado, es un adelanto del álbum que espera lanzar entre “octubre o noviembre próximo” y que lo unirá por primera vez con Cristián Heyne, ese excéntrico productor que llevó a lo más alto a Javiera Mena y a Gepe. El mismo nombre que hace veinte años lideraba la factoría adolescente de grupos como Supernova y Stereo 3 y mucho antes lo intentó con su banda Christianes, lo más experimental del pop chileno en los noventas.

La decisión de entregarse a ciegas al trabajo de un productor cambió sus dinámicas de trabajo. “Yo tenía cerca de diez canciones pensadas para el disco y se fueron quedando atrás. Cristián me empezó a alentar. ‘Haz más, para que tengamos que elegir’. Hice cuatro y me dijo ‘haz una todos los días’, Al final, teníamos más de cuarenta”, explica.

Como prueba, a mediados del año pasado se unieron en el single “Perder ganar” que sirvió para afianzar la confianza y el trabajo entre ambos. “Nunca me habían exigido tanto”, admite.

Dentro de esa exigencia, que tenía a la voz de “Vacaciones en el más allá” enviando ideas, estrofas y coros a diario al productor, apareció la canción que adelanta un disco que incluirá otras nueve pistas.

-¿Cómo fue la génesis de “Amar en silencio”?

-Salió muy rápido. Tenía a Heyne diciéndome “¡Haz más canciones, haz más canciones!”, entonces pesqué tres acordes e hice un loop. Lo dejé corriendo y con un micrófono empecé. Ni siquiera alcancé a escribir la letra en un papel. Grabé de una, frase por frase. Por eso suena como rapeada entre dos personas.

Una década de “Inteligencia dormida”

Cuando en 2009 editó su primer disco en solitario, Pedropiedra no sabía si el proyecto se trataría de una banda o si sería un cantautor. Aquel álbum, el de “Inteligencia dormida”, “Sol mayor” y “Las niñas quieren”, lo puso en un radar desconocido. Ahora tenía la responsabilidad de entretener. La gente lo iría a ver a él.

Aquellos que estuvieron en esos primeros shows pueden recordarlo. Pedro se movía estático en el escenario, con lentes de sol y con nula interacción cuando no estaba escudado por sus canciones. Una década más tarde, verlo en vivo resulta una experiencia distinta. Cumbias, solos de guitarras interminables tocados desde el suelo y chistes varios conforman el nuevo cuadro.

-¿Cómo ha cambiado el proyecto de Pedropiedra en estos diez años?

-Me di cuenta que la gente sólo quiere pasarlo bien. Hay que ser bien educado con ellos: si uno lo pasa bien, ellos lo pasan mejor. Aprendí a golpes a disfrutar arriba de un escenario porque al principio me costaba bastante. Ahora estoy contento de seguir sacando temas. Es bueno que le siga interesando a alguien.

En la misma década, además de sacar cinco discos, Pedro Subercaseaux (41) se casó, fue dos veces padre, vivió en carne propia los nuevos aires y el abrupto final de la carrera de Jorge González —como baterista de su banda— y ocupó el mismo rol con 31 Minutos, el fenómeno televisivo que ahora sobrevive como una banda de rock.

“Me han pasado un montón de cosas. Fui papá, viajé por muchos lados, formé Pillanes —la banda que tiene con exmiembros de Chancho en Piedra y Los Bunkers— y pude trabajar con harta gente nueva”, rememora.

González y Henríquez

Su nombre se ha cruzado bastante con tótems referenciales para la música chilena como el mismo González y Álvaro Henríquez de Los Tres.

Con el ex prisionero sigue manteniendo contacto tras el infarto isquémico cerebeloso que casi le cuesta la vida en 2015 y que lo obligó a dejar atrás su carrera como músico activo.

-¿Has visto a Jorge últimamente?

-Sí, está bien y siguiendo un nuevo tratamiento en Quilpué —más cerca del mar, en la Quinta Región— para mejorar su motricidad. Siempre de buen ánimo, pololeando y con un tratamiento que va increible. Nos juntamos con la banda a almorzar y está súper lúcido.

Con Henríquez, en cambio, la historia es reciente. A pesar de ser un fan declarado de su música y haber seguido su carrera de cerca, Piedra no lo conocía en persona. “No me parecía un tipo muy abordable para invitarlo o algo”, confiesa.

Eso hasta 2014 cuando a un productor mexicano se le ocurrió juntar durante la misma jornada a Los Tres con Pedro y su banda.

Así recuerda el primer encuentro. “Una vez en México, en el Foro Alicia, tocamos antes que ellos y viene Álvaro al camarín. Yo no lo conocía. Me dice: “Oye ya, cantemos una canción, ¿o no? – “Ya pos” – “Olor a gas, ¿te la sabís?” – “Sí, me la sé” – “Ya, ¡vamos!”.

Cuatro años más tarde y tras el trasplante de hígado que le salvó la vida al compositor de “La torre de Babel”, Pedropiedra fue uno de sus escuderos en la Yein Fonda, su vuelta oficial a los escenarios. “Después de la operación se le ve de buen ánimo, como con buena cara. Está flaco y súper sano. Estoy contento por él”, apunta. La experiencia se repetiría en la reciente edición del Lollapalooza chileno.

Secretos de un disco en formación

El nuevo álbum de Pedropiedra —aún sin título— se encuentra en la fase final de producción con “un 75 por ciento armado, avanzado y grabado” y la idea es lanzar otros tres adelantos. “Aún puede colarse alguna otra canción o cosas así. El disco aún está en movimiento”. Lo que pase con este single determinará el tono del próximo sencillo.

Semanas antes la dupla Heyne-Piedra había elegido una canción que aún no llega a buen puerto. Se trata de una de las tres colaboraciones de “importantes figuras latinoamericanas” que engalanarán el álbum y que aún no quieren revelar. “Mientras no tengan sus voces grabadas no quiero decir quienes son”, explica en tono de misterio.

Lo cierto es que la placa tendrá un sonido marcado por beats programados —adelanta que “no hay ninguna batería tocada realmente”—, sintetizadores y varios otros elementos propios de la música urbana.

“El sonido del disco es bien siglo XXI”, afirma el también miembro de Pillanes, “algo con pocos acordes y quiebres armónicos. Es sencillo y directo. Mucho más actual”.

jueves, mayo 16, 2019

Vuelve "Panal"

La Tercera


Panal se formó con algunos de los mejores músicos de la época y grabó un disco que vio la luz a fines de 1973: fue el primer LP editado tras el Golpe y estuvo descatalogado desde entonces. Este mes, la banda vuelve a tocar y estrena el álbum en Spotify.

Por Andrés del Real

Entre quienes entran a comprar a diario a Donde Golpea el Monito, la centenaria sombrerería de calle 21 de mayo en el centro de Santiago, probablemente son pocos los que saben que quien está al otro lado del mostrador es José “Pepe” Ureta, uno de los bajistas más importantes y prolíficos de la historia discográfica local. Uno que según sus propios cálculos tiene participación en más de mil canciones registradas en la SCD -entre ellas los éxitos de José Alfredo Fuentes y clásicos de Buddy Richard, como “Tu cariño se me va”-, que estuvo dos décadas en la pantalla chica bajo la batuta de Horacio Saavedra y que a comienzos de los años 70, en un período de cambios y turbulencias para la sociedad chilena, dio forma a Panal, su proyecto más personal y uno de los más singulares que registra el rock nacional.

“El nuestro fue el primer LP chileno que salió después del Golpe”, asegura hoy Ureta sobre Panal (1973), el único registro que dejó la agrupación que formó ese mismo año junto a diversos colegas sesionistas, como los solicitados Patricio Salazar (batería) y Pancho Aranda (teclado y voz); los percusionistas Juan Hernández e Iván Ahumada (ya fallecido), además de Carlos Corales (guitarra) y Denise (coros), que recién volvían de probar suerte en Estados Unidos con Aguaturbia. Una suerte de superbanda de la época, de alto nivel técnico pero corta vida.

La apuesta de Julio Numhauser, entonces director artístico del sello IRT, fue reunir en el estudio a experimentados instrumentistas para grabar diversos clásicos del cancionero latinoamericano bajo los códigos del rock de aquellos años, en sintonía con lo que por esos días desarrollaban grupos como Los Jaivas y Congreso. Y aunque la carrera de Panal terminaría menos de un año después, tras su presentación en el recordado Festival de Viña de 1974 -aquel de Bigote Arrocet cantando “Libre”- y sin la repercusión comercial esperada, debido a la crisis social y política que atravesaba el país, el culto en torno al disco creció con los años y lo transformó en uno de los álbumes descatalogados más cotizados por coleccionistas nacionales y extranjeros.

“Todos estábamos involucrados en el proyecto como músicos sesionistas, entonces la dedicación por el grupo nunca fue total y tal vez nunca lo sintieron como un proyecto propio”, comenta Ureta, quien este mes, 45 años después de la disolución del conjunto del que también fue director artístico, ha vuelto a reunirse con sus viejos camaradas para tratar de darle a Panal el sitial que merece en el mapa histórico del rock chileno.

Con ese objetivo en mente, los sobrevivientes de la banda -salvo Denise, quien se restó de la iniciativa- han vuelto a la sala de ensayo para tocar juntos otra vez las ocho versiones que desarrollaron para el disco de 1973. Todas piezas de raíz folclórica, como “Alma llanera”, “Limeña”, “Cucurrucucú paloma” y “Si somos americanos”, de Rolando Alarcón, “donde se suceden poderosos riffs, distorsionados solos de guitarra eléctrica (…) y voces procesadas bajo el parlante rotatorio del órgano”, describe el músico y escritor Gonzalo Planet en la biografía del grupo en el sitio musicapopular.cl. “Éramos como Santana tocando repertorio latinoamericano”, sintetiza Carlos Corales.

Los ensayos se repetirán por estos días con el fin de ponerse a punto para el gran hito: la primera actuación en vivo de Panal en casi medio siglo, programada para el próximo sábado 25 de mayo en la sala SCD de Egaña. Un show al que el público asistirá con invitación y que servirá de excusa para presentar en sociedad el proyecto que el conjunto viene trabajando hace un tiempo: el estreno del álbum homónimo en plataformas digitales.

“Si bien unos gringos lo editaron en CD años después, la única tirada del longplay fue de unas mil o mil quinientas copias que se vendieron rápido”, recuerda Ureta sobre aquellos días de fines de 1973. “Un momento complicado en general en Chile, aunque (el disco) logró pasar el filtro de la censura, pese a que incluía canciones como “Si somos americanos”. Pero al final la música es música”.

Christian Gálvez: “Grabé mi álbum más importante en el mejor momento de mi carrera”

La Tercera

El bajista nacional, que se presenta este viernes en Club Amanda, repasa con Culto su último trabajo de estudio, el que contó con la participación del histórico Ron Carter; habla de la obtención del Premio a la Música Nacional Presidente de la República; y tilda de "estrategia barata" la decisión de que el concurso de composición Luis Advis esté enfocado en el trap.

Por Felipe Rojas

Viajar por el mundo tocando y grabando, destacar en un instrumento algo omitido como el bajo y más aún, desarrollar de gran manera una técnica poco frecuente para este (llamada chordmelody). No muchos músicos pueden contar eso, aunque hay un chileno que sí: Christian Gálvez. Eso sí, al conversar con él queda la sensación de que su prioridad es seguir haciendo música más que los rótulos o las pretensiones.

El bajista tiene mucho que contar: acaba de publicar The art of chordmelody, su último trabajo de estudio, el cual grabó en Estados Unidos y contó con la participación del histórico Ron Carter, además de John Patitucci, Eddie Gómez, Dave Young y el chileno Pablo Menares, por mencionar algunos. “Es un gusto que me di. Poder hacer coincidir a estos siete contrabajistas tan capos, tan pesados, tan históricos en un mismo álbum es algo que, creo, no se va a repetir en otro disco chileno”, asegura Gálvez.

Sumado a lo anterior, a inicios de mes recibió el Premio a la Música Nacional Presidente de la República 2018 en la categoría música popular; y ya tiene agendadas algunas presentaciones, siendo la más cercana la de este viernes con el ensamble de cámara contemporáneo en el Club Amanda (más información al final de la nota). Además, tiene programado un show especial por el aniversario del “Concierto sinfónico n° 1 para bajo y orquesta” (2012) el 12 de julio en el Nescafé de las Artes, el cual también estará acompañado de una edición especial en vinilo del lanzamiento.

De todo ello y más habla el músico nacional con Culto a continuación.

The art of chordmelody

“Gálvez llegó a un nivel en que dejas de pensar que está tocando un bajo, el instrumento pasa a un segundo plano y lo único que importa es la música. Un clase mundial”, dice uno de los comentarios mejor valorados en el video de “Cinético” en YouTube.

Y esa precisamente es la estampa que tiene Christián internacionalmente. Por ello, antes de cualquier cosa, procede a detallar qué es el chordmelody. “Es una técnica que está hecha para el piano y para la guitarra, que es la técnica de autoacompañamiento en el jazz”, asegura, añadiendo que si bien no es para el bajo, él la emplea en su instrumento, el que tiene 6 cuerdas y, por tanto, maneja un rango de notas mayor al de un bajo tradicional. “Podríamos decir que mi bajo es barítono por el rango de extensión: llega muy agudo, cubriendo algunos lugares de la tesitura de la guitarra, y obviamente todos los del bajo y más, porque tiene una cuerda más grave que el bajo tradicional, entonces es mucho más grave que un bajo normal también”, detalla.

Con el término clarificado, ya podemos hablar de su nuevo disco, The art of chordmelody, en el cual toca junto a lo más selecto del mundo del contrabajo.

Christián junto a su mánager, Alejandro Orellana, estuvieron trabajando cerca de un año para poder coordinar el plan que tenía en mente el bajista, todo para además hacer coincidir a sus músicos predilectos para el caso en una semana. Y se dio. “Incluso, un día grabamos con John Patitucci en la mañana y estábamos en la tarde con Ron Carter”, cuenta el bajista.

“Mi proyecto de disco era ese y ese es el que llevamos a cabo. Eso me dejó totalmente feliz y contento también de haber hecho un equipo de trabajo muy grueso en el estudio”, complementa Gálvez.

Así llegó el momento de poner manos a la obra. El plantel de músicos para The art of chordmelody estuvo compuesto por los ya mencionados Ron Carter y John Patitucci, a quienes se sumaron Eddie Gómez, Dave Young, Pat O’Leary, Pablo Menares y Jorge Roeder.

Las grabaciones se llevaron a cabo en Studio Mozart, ubicado en Nueva York y propiedad de Kostadin Kamcev. “Necesitábamos tener sede en Nueva York para hacer este disco, porque con todos los músicos que grabamos viven ahí”, asegura Gálvez. En el apartado técnico, en tanto, Gálvez detalla que en Studio Mozart tienen “una consola Rupert Neve increíble, todos los preamplificadores a tubo y máquinas análogas que te puedas imaginar. La microfonía que usamos para el disco fue todo Neumann u87, puro filete, micrófonos alemanes de primera categoría”.

La mezcla del disco fue realizada por Fernando Bosch y Daniel Ruiz en Estudios del Sur; mientras la masterización corrió por cuenta de su hermano Rodrigo Gálvez. “Yo la verdad trabajo con Fernando Bosch porque él es especialista en jazz y él ha grabado y mezclado si no el 100%, el 90% de los discos de jazz que han salido estos últimos 20 años; y mi hermano me ha masterizado todos mis discos, del primer disco hasta ahora. Entonces está todo en manos de gente en que confío”, cuenta el bajista.

The art of chordmelody fue lanzado a fines de abril y, de acuerdo a Gálvez, estará en un mes más disponible en los distintos servicios de streaming.

El balance de Christian Gálvez

-¿Cómo fue para ti grabar con Ron Carter?

-Él es uno de los fundamentales del jazz mundial porque grabó y tocó con todo el mundo. La experiencia artística es maravillosa, no pensando en lo histórico que es o en el peso del currículum que tiene. Es maravilloso poder tocar con un tipo que toca increíble el contrabajo. Escuchar toda esa maravilla que sale de sus dedos, ufff, además que lo pasamos muy bien en la sesión de grabación.

-¿Qué puedes decir de los otros músicos que te acompañaron en The art of chordmelody?

-John Patitucci se va a convertir en un histórico muy pronto. Eddie Gómez fue músico de Bill Evans y también tocó con Chet Baker; grabamos con Dave Young, que es un contrabajista canadiense que fue bajista de la Ella Fitzgerald, imagínate, la súper cantante de jazz histórica; Pat O’Leary tocó con Lionel Hampton en su orquesta en los años 70. Todos tienen un currículum muy potente, muy grande. Entonces imagínate, pudimos conseguir puros históricos. A ellos súmales Pablo Menares y Jorge Roeder. Ellos dos son los contrabajistas jóvenes promesas de la escena mundial del jazz.

-¿Qué te decían en las sesiones de grabación?

-Estaban todos muy sorprendidos porque me parece que es un trabajo inédito. Primero grabar en dúo y luego grabar en dúo con otro bajista, era raro, y que además sonara tan completo con los acordes, con la melodía, con la armonía. Estaban todos súper cómodos y lo pasamos súper bien.

-¿Con qué sensación personal quedaste y qué análisis te dejó el disco?

Llegué a un punto de madurez donde pude expresar y plasmar todo lo que he trabajado durante estos años. Grabé mi álbum más importante en el mejor momento de mi carrera. Así como los deportistas, los músicos también tenemos una curva que va descendiendo en algún momento, y yo sé que durante esta década, de aquí hasta que cumpla los 50, voy a estar en un tope técnico muy bueno. Estoy pleno, me siento feliz, en el mejor momento de mi carrera y estoy disfrutándolo.

De premios y trap

El pasado 3 de mayo, Christian Gálvez recibió, de mano del Presidente Sebastián Piñera y la ministra de las Culturas, las Artes y el Patrimonio, Consuelo Valdés, el Premio a la Música Nacional Presidente de la República, en su categoría de música popular. Junto a él, Pedro Messone (música de raíz folclórica) y Hanns Stein (música clásica) fueron condecorados.

Particularmente en la línea que ganó Gálvez, anteriormente fueron condecorados, salvo Valentín Trujillo y Vicente Bianchi, músicos más radiales, si es por situarlos dentro de un espectro. Manuel García, Jorge González y la Sonora Palacios son algunos de los que ganaron, siendo Christián el primero del jazz chileno en adjudicárselo.

-¿Cómo recibes simbólicamente el premio?

-Es raro, porque un reconocimiento generalmente se le entrega a la gente o cuando está muerta o cuando está por morirse (ríe). Primero, estoy muy contento porque además es un premio en plata también y no es menor, es una buena cantidad de dinero que a mí me sirve para poder seguir invirtiendo y haciendo más producciones. Y que por primera vez se le entregara a un jazzista me parece que es importante también, porque hasta ahora solo lo habían recibido músicos populares, ya que se abre el camino para allá.

-Hablando de concursos y el gobierno, el Ministerio de la Cultura anunció la versión 2019 del concurso Luis Advis, el cual estará enfocado en el trap. ¿Qué te parece esta decisión?

-Bueno, hay muchos desaciertos en la gestión cultural. Poniéndome en los zapatos del difunto Luis Advis, yo creo que él está revolcándose en su tumba en este momento. Creo que él nunca se imaginó que se haya abierto una categoría de un estilo que seguramente él nunca compartió. Es todo una estrategia. Y es una estrategia barata igual. Cuando tú haces las cuestiones por estrategia comercial, deja de ser arte.

-¿Eres de los que tiene reticencias al trap?

-Sabes qué, el problema no lo tiene el trap, ni el reggaeton, ni en sí los géneros musicales. El problema que yo podría tener es con el contenido de los géneros, en este caso la letra, y el contenido artístico. Pero ojo, no nos engañemos, porque las cuecas y el blues tienen el mismo ciclo armónico. Aunque, ¿sabes dónde está la diferencia entre la cueca, el blues y el reggaeton? Es que la cueca y el blues es folclor, música que nace desde la base del pueblo; el reggaeton con el trap son música que nace desde arriba, desde alguien que dijo “esta cuestión va a vender” y lo toman, lo comercializan y hacen videoclips con culos grandes. Por lo que yo veo en la tele, el trap y el reggaeton solamente representa a narcotraficantes y a tipos hampones que se sacan fotos con pistolas.

Christian Gálvez y ensamble de cámara contemporáneo.
Viernes 17 de mayo, 21:30 horas.

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Tata Barahona y Sankara llevan su concierto "Somos una huella", a 10 centros culturales de la Región Metropolitana, con entrada liberada

Comunicado de prensa

Tata Barahona y Sankara llevan su concierto "Somos una huella", a 10 centros culturales de la Región Metropolitana, con entrada liberada.


El destacado cantautor y luthier Tata Barahona compartirá escenario con el dúo Sankara (Fernanda Mosqueda y Felipe Valdés) en una gira que incluye diez conciertos en 10 comunas de la Región Metropolitana y que prometen remover las hebras más finas de la emoción.

“Somos una huella” es el nombre de este encuentro de sonidos que se viene fraguando a fuego lento desde hace más de 5 años y que ebullirá en Casona Dubois de Quinta Normal - en el primero de los 10 conciertos - cuando las músicas de ambos se entrelacen y se fundan con Los Sudacas Domineros – LSD, Guillermo Riaño en batería y Sebastián Montero en bajo: la banda de Tata Barahona.

“En mis canciones fácilmente se puede hallar una fotografía de lo que habita en las calles, en nuestros barrios, en Chile y cómo eso se replica en todo el planeta” comenta Barahona.

En muchos puntos estos músicos se van encontrando, y los innumerables conciertos que juntos han realizado ya, han dejado un repertorio exquisito en contenido, colores y una gama de energías que ciertamente dejarán una huella en esta gira que incluye Quinta Normal, San Joaquín, Talagante, La Granja, Cerro Navia, Lo Prado, Paine, Melipilla, Cerrillos y Peñalolén. Además, han realizado interesantes colaboraciones en sus nuevas producciones discográficas. Así es como Sankara grabó una versión de la canción “Dueña de casa” en su último disco “Parcerias” y recientemente aportó charango y guitarra a algunas canciones del próximo trabajo discográfico del Tata, titulado “Retratos”.

Y es debido a esta gran y auténtica alianza que, además del concierto que ofrecerán en cada comuna, los músicos invitan a un conversatorio llamado “Trabajo musical colaborativo” donde entregarán las principales herramientas con las que han ido construyendo su forma de trabajo. Es una instancia abierta y gratuita pensada en músicos locales, pero de igual manera están todos invitados a participar.

Juntos logran juegos de voces maravillosas y poco usuales, además del uso de instrumentos poco explorados que solo un luthier, músico y trovador como el Tata podría interpretar. Es así como el charango se teje entre las cuerdas de su Fídula y las voces conversan con las Kalimbas. Un show de texturas íntimas y de una profundidad musical extensa.

Las primeras fechas son:

1er “Somos una huella”
31 de mayo:
Conversatorio 15:00 hrs
Concierto: 18:45 hrs
Casona Dubois / Teatro Municipal de Quinta Normal
Radal esquina Mapocho.
ENTRADA LIBERADA

2º “Somos una huella”
01 de Junio:
Conversatorio: 16:30 hrs
Concierto: 20:00 hrs
Teatro Municipal de San Joaquín
Coñimo 286
ENTRADA LIBERADA

3er “Somos una huella”
08 de Junio:
Conversatorio: 16:30 hrs
Concierto: 20:00 hrs
Casa de la Cultura de Talagante
Río Mapocho 3201, costado Parque Tegualda.
ENTRADA LIBERADA

4º “Somos una huella”
28 de Junio:
Conversatorio: 16:30 hrs
Concierto: 20:00 hrs
Centro Cultural Espacio Matta
Av. Santa Rosa 9014 / Estación metro Santa Rosa L4A.
ENTRADA LIBERADA

martes, mayo 14, 2019

Adiós a Doris Day, el último ícono del Hollywood conservador


Miguel Mateos recupera sus tesoros


El veloz despegue de Emmanuel Sowicz


Camilo Sesto cancela concierto en Chile


Mika Carrizo realiza concierto íntimo en Chilepianos

Comunicado de prensa

Este próximo jueves 16 de mayo a partir de las 20.30 hrs., se realizará el concierto íntimo y alegre, denominado Letters from David (Cartas de David), donde la cantante nacional de jazz, Mika Carrizo, acompañada por el pianista  Moncho Romero, presenta la historia de dos amigos que por años se escribieron, pero que nunca se conocieron.

Emulado del libro 84 Charing Cross Road, escrito por la autora neoyorkina Helene Hanff, a través de este concierto seremos parte de distintos momentos, los que podremos identificar con historias propias de amistades y afectos, explorando escenas musicales de grandes compositores del Bossa Nova y del cancionero de jazz standards.

El evento es parte del ciclo Voces y estilos, una serie de conciertos organizados y producidos por el cantante nacional de jazz Rodrigo González, quien reunió a un variado conjunto de artistas con énfasis en el canto para presentarse en el espacio de conciertos de Chilepianos, ubicado en la comuna de Ñuñoa.

Las entradas tienen un valor de $5.000 y se obtienen en la puerta del recinto. La dirección del lugar es General Gorostiaga 61, metro Villa Frei.

lunes, mayo 13, 2019

El son popular de Roberto Parra en la voz de "Radio Huachaca"

Diario De Sevilla - España

 Marcos Padilla (O Sister!) y Sebastián Orellana (La Big Rabia) presentan el sábado 18 en La Sala junto a Daniel Abad su nuevo proyecto, Radio Huachaca, un homenaje a la música del singular folclorista chileno

Por Francisco Camero


La existencia de un proyecto como Radio Huachaca constituye, para empezar, una elocuente demostración de que si uno quiere a aprender a tocar un instrumento, pese a los millones de vídeos de tutoriales en Youtube, buscarse un profesor cómplice sigue siendo insuperable.

Pensando en esto andaba Marcos Padilla, cantante de O Sister! y ocasionalmente en el coro de música contemporánea ProyectoEle, cuando dio con Sebastián Orellana, voz y guitarra del dúo chileno afincado en Sevilla La Big Rabia. Y lo que en principio iban a ser unas clases pera mejorar la técnica guitarrística del primero acabó convirtiéndose en algo incluso más interesante. Cara a cara, entre botellines y conversaciones, pasan más y mejores cosas que por el cable de fibra.

"Yo conocía La Big Rabia porque habíamos coincidido con ellos en un concierto de O Sister! en Ronda, y para entonces yo ya venía de todos modos siguiendo a la banda porque me gustaba su música. Supe más tarde que Sebas daba clases de guitarra, y me pareció idóneo porque me interesaba especialmente su forma de tocar, con mucho fingerpicking", recuerda Padilla.

"Cuando empezamos con las clases –cuenta Orellana–, Marcos me preguntaba mucho de dónde venía mi sonido, y llegamos a Roberto Parra, que para mí fue fundamental porque suyas eran las canciones que yo empecé a tocar con un amigo cuando era chico, con 12 o 13 años". "Y así empezó Radio Huachaca –retoma Padilla–. Nos poníamos a tocar, él me decía venga, acompáñame, y yo le seguía... Hasta que un día, mientras estábamos tocando, pensé: joder, esto es realmente superbonito. Otro día dijo Sebas: joder, es que a esto le metes un contrabajo y...".

De este modo acabaron unidos el cantante de un grupo de swing vocal de los años 20 y 30, el guitarrista de un power-dúo de bolero-rock y un contrabajista, Daniel Abad, curtido en la escena sevillana como miembro de Los Espías, la banda del simpar Fernando Mansilla, y como protagonista de innumerables combos y bolos de jazz. Los tres cautivados por Roberto Parra, una figura fascinante y poco conocida –incluso en Chile, apunta Orellana–, en parte porque su vida transcurrió a la enorme sombra de dos de sus hermanos, la cantautora Violeta Parra y el (anti)poeta Nicanor Parra, pero también por la propia naturaleza de su trabajo, ajeno a toda pompa y a una concepción metódica de la creación artística.

"Roberto Parra se inició como guitarrista tocando en lo que llamaban cabarets, que no dejaban de ser prostíbulos –explica Padilla–. Y en bares, claro. Estaba todo el día con la botella, enamorado cada día de una prostituta; su hermana Violeta tuvo que cogerlo alguna vez de las solapas para que se metiera en el estudio, por eso existe una grabación que se llama Sesiones sobrias. Era un auténtico personaje, bohemio y muy cultivado, interesado radicalmente en lo popular".

"Y además transmite realmente una visión de la vida –tercia Orellana–. Yo qué sé, en vez de irte a un sitio de comida rápida, vete al mercado a comer marisco, o a tomarte un vinito, o vete a la cantina con los viejos a tocar la guitarra. Eso está en su música, donde se aprecia la brutal escuela de vida que es la calle. Para la gente de mi generación, descubrir a Roberto Parra fue importante porque nos hizo sentir conectados de nuevo con lo popular, después de muchos años en los que no estaba bien visto hacer folclore porque sobre él pesaba la sospecha del discurso fascista o nacionalista. Y tiene otra cosa muy hermosa: hasta sus equivocaciones son emocionantes, porque tocando era un poco como Thelonious Monk, surfeaba su ola sin miedo al error. Era tremendo. Siempre dijo que sus mejores amigos habían sido las putas y los gatos".

Acompañado habitualmente en los escenarios por su hermano Lalo, y a veces por su hermana Violeta, Roberto Parra, también poeta, escribió y cantó sobre un mundo de gente desarraigada, nocturna y bebedora, todo muy lejos de la cultura oficial, y musicalmente lo expresó sirviéndose de la cueca, una música de baile tradicional chilena ligada al campo, sus labores y gentes, que él se llevó a un terreno más urbano y bohemio, y las apellidó choras.

"Y por otro lado", explica Padilla, está la huachaca, que tiene que ver el jazz, que él descubrió a través de Louis Armstrong y Django Reinhardt. Él intentó hacer todo eso casi de oído, a su manera, como lo hizo siempre todo, porque no tenía ninguna formación musical". De semejante cruce de pasiones e intuicioneses surgió una música de espíritu callejero, que cobra pleno sentido en el roce del directo y que suena por momentos a swing, a ratos a tierra y a folclore latinoamericano, luego a jazz manouche, y a veces a todo eso a la vez. "De ahí –se ríe Orellana– lo de huachaca. Se lo dijo su hermano Nicanor y a él le gustó: Roberto, tú no haces jazz, tú haces jazz huachaca, que es un término coloquial chileno que significa popular, pero en el sentido de bajos fondos o baja estofa".

Radio Huachaca, que acaba de empezar a rodar, dará su primer concierto en serio, su puesta de largo, el próximo sábado 18 en La Sala, en el Pumarejo (21:30, entradas a 10 euros en taquilla, 7 anticipadas), con el músico y productor chileno Martín Benavides (al acordeón) como invitado especial.

Sebastián Orellana presenta su debut en solitario en Fun Club

No para quieto Sebastián Orellana. Además de su actividad con La Big Rabia y de este otro proyecto de que lo conecta con su infancia chilena, ahora además ha terminado de grabar –el pasado 7 de mayo– el que será su primer disco en solitario, Dios Perro. Lo ha grabado con su compatriota Martín Benavides, muy solicitado en la escena chilena, y con un amigo que se fue a estudiar producción musical a la prestigiosísima Berklee College of Music, en Boston, y decidió convertir el sonido del álbum de su compadre en su proyecto de fin de carrera.

"Me quería abrir a otro tipo de sonoridad, por eso hay en el disco desde influencias de Tom Waits a otras más en la onda del festival de la OTI, cantantes como Adamo, ese tipo de cosas. Hay de todo un poquito, boleros, arreglos de cuerdas... Estoy muy contento, ha quedado bonito", dice Sebastián Orellana, que presentará un buen ramillete de sus nuevas canciones el próximo viernes 17 en la sala Fun Club, un día antes del estreno de Radio Huachaca. Que no se diga, en fin, que a los músicos no les gusta trabajar.

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domingo, mayo 12, 2019

Maximiano Valdés adelanta sus proyectos en Chile



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Simon Rattle, director de la Orquesta Sinfónica de Londres: “No están los tiempos para ser sumos sacerdotes, sino evangelizadores de la música”

La Tercera

El conductor inglés, titular de la Filarmónica de Berlín durante 16 años y actual maestro de la más importante orquesta británica, dirigirá dos conciertos con ella en CorpArtes, el 22 y el 23 de mayo.

Por Rodrigo González

Cada ciudad tiene su orgullo. Si alguien pensó que en Gran Bretaña las batallas entre Londres y Liverpool se agotan con el Arsenal y el Liverpool F.C., o con los Rolling Stones y los Beatles, puede contar hasta diez y encontrar al menos dos representantes más en la música clásica: Leopold Stokowski (1882-1977), probablemente el más recordado de los conductores británicos, y Simon Rattle (1955), el director de ese país que ha llegado más lejos en el mundo. Partió en su Liverpool natal, le dio categoría mundial a la provinciana Orquesta Sinfónica de Birmingham, y estuvo 16 años al frente de la Orquesta Filarmónica de Berlín, el Mercedes Benz de la música selecta.

Ahora lleva dos años como director musical de la Orquesta Sinfónica de Londres (London Symphony Orchestra o, simplemente, LSO), considerada la agrupación docta más importante de su país. Es un regreso con gloria, después de haber manejado el conjunto alemán que Herbert von Karajan dirigió 30 años y, antes de él, Wilhelm Furtwängler durante 25. Ha expandido el repertorio de la Sinfónica a los períodos barroco y clásico, y le ha dado más alas para desplazarse por todo el mundo.

En su nueva gira transcontinental, Simon Rattle y la Sinfónica incluyeron Sudamérica por primera vez, con paradas en Chile, el miércoles 22 y el jueves 23 de mayo en el Teatro CorpArtes. “Somos unos tipos muy afortunados por estar en Santiago. Definitivamente, es ridículo que no hayamos ido nunca a Sudamérica”, comenta Rattle, al teléfono desde Londres, donde dispone de algunos minutos antes de dirigir en una hora más la Quinta sinfonía de Gustav Mahler (1860-1911) y la Sinfonia de réquiem, de Benjamin Britten (1913-1976), en el Barbican Centre.

Es exactamente el mismo programa que presentará en el segundo de sus conciertos en Chile. En el primero de ellos dirigirá la Sinfonía fantástica, de Hector Berlioz (1803-1869), y Cinco danzas eslavas, de Antonin Dvorák (1841-1904).

Pero no todo será conciertos para Sir Simon Rattle. Educador por vocación, difusor por naturaleza y de personalidad expansiva por genética, es el de los maestros del primer mundo que de manera más evidente entienden la música como un arma artística y social. Antes de establecerse en Berlín (donde sigue conservando su residencia), Rattle rompió el récord del concierto con la mayor orquesta del mundo: reunió en 1998 a 4 mil niños músicos en una presentación en el Birmingham’s National Indoor Arena.

–¿Por qué es tan importante para usted la difusión musical?

-Es muy simple. Siempre he creído que todo el mundo nace con el derecho a escuchar esta música y, por lo tanto, la difundimos a la mayor cantidad de gente posible en el país. De hecho, la Orquesta Sinfónica de Londres fue pionera en esto: empezó hace casi 40 años tocando en los diez barrios más pobres de Londres, yendo a las escuelas, ayudando a músicos empobrecidos, apoyando a los chicos en el complicado paso de la pubertad a la adolescencia. Cuando llegué a Berlín, los persuadí de hacer algo similar y lo que lograron fue magnífico. Sin embargo, en Londres esto siempre ha sido parte de sus vidas. No están los tiempos para ser sumos sacerdotes de la música, sino para ser evangelistas. Si no somos nosotros los que introducimos al público a la música, probablemente ellos nunca la encuentren.

–¿Cómo eligió las obras que presentarán en Chile?

-Se trata de composiciones que, de cierta manera, son el alma de la orquesta. Es difícil, pero creo que lo logramos en este programa. La Sinfonía fantástica es, como ninguna otra, la más afín a la Sinfónica. De cierta manera, la Fantástica es la orquesta. Hay que recordar que Sir Colin Davis, que fue director de la agrupación por muchos años, fue tal vez el mejor conductor de Berlioz. Este compositor francés está en el ADN de la Sinfónica. Por otro lado, la Sinfónica hizo la primera grabación comercial en Gran Bretaña de la Quinta sinfonía de Mahler, bajo la conducción de Rudolf Schwarz. Fue en la posguerra. A su vez, la Sinfonia de réquiem, de Benjamin Britten, es una obra maestra absoluta del siglo XX, y el propio compositor la grabó con la orquesta. De las obras que tocaremos en Chile, probablemente las menos interpretadas por la LSO sean las Danzas eslavas, de Antonín Dvořák, que están entre mis composiciones favoritas.

–¿Cómo decribiría el sonido de la Sinfónica de Londres?

-El sonido de la Orquesta Sinfónica de Londres es muy especial, y tiene que ver con la personalidad de los propios músicos. Siempre ha sido muy vivo, alerta y rítmicamente intenso. Es la sensación que al menos yo tengo cuando los dirijo. Tienen esa música en sus cuerpos y siempre ha estado ahí. Es una intensidad única. Si alguien desea preservar una postal del típico carácter inglés, me temo que no tendrá que escuchar muchos compases de la Sinfónica de Londres para darse cuenta de que acá no se aplica aquello. Es una agrupación más bien joven, con muchos intérpretes bajo los 50 años, y muy internacional, como ha sido siempre su tradición. Hay músicos de más de 20 países en su interior. Me he encontrado con un instrumento muy vivo, muy flexible y listo para emprender cualquier aventura. No les gusta hacer lo de siempre y eso, para un conductor, es un gran regalo. Donde quiera que indique el mapa, siempre vamos juntos.

–Usted es conocido por su estilo democrático y abierto en la dirección, opuesto al de los antiguos conductores, como Arturo Toscanini o Herbert von Karajan…

-La relación de los directores con las orquestas está cambiando mucho, aunque no siempre fue así. Vivimos en tiempos más democráticos en el mundo musical, aunque por otro lado hay un ascenso del autoritarismo en el planeta. Sin embargo, aún hay estilos autocráticos, muy de la vieja escuela. Algunos ejemplos son Riccardo Muti y Christian Thielemann. Son diferentes y maravillosos en su particular manera. Pero de mí, ¿qué puedo decir? Me parece que siempre he estado más cerca de Wilhelm Furtwängler que de Arturo Toscanini en términos de carácter. O de Rafael Kubelik que de Herbert von Karajan. De todos los grandes directores que he nombrado, lo que me interesa es escuchar la humanidad [Rattle usa el término alemán mensch] en la música. Ahora bien, con una orquesta como la Sinfónica de Londres, tan viva y al mismo tiempo tan disciplinada, no hay necesidad alguna de ser autocrático. No ayuda en nada. Lo que siempre deberíamos hacer es estar, por el contrario, en una búsqueda conjunta. Es lo que prefiero, y me odiaría a mí mismo si me alejara de los músicos. Sería llevar una vida demasiado solitaria. Hay muchos que piensan como yo en la orquesta y están contentos si algún día salimos y nos tomamos un trago juntos. Esta actitud es una cuestión de nuestros tiempos, y con seguridad la generación de directores que viene será aún más abierta. Me refiero a conductores como Andris Nelsons (titular de la Sinfónica de Boston y la Gewandhaus de Leipzig) y Yannick Nézet-Séguin (director del Metropolitan Opera House y la Orquesta de Filadelfia). Con ellos compartimos el mismo barco.

–Hace unos días, Daniel Barenboim fue acusado por músicos de la Orquesta Staatskapelle de Berlín de ser demasiado rudo en el trato. ¿Qué opina?

-Tenemos diferentes estilos. Pero Daniel Barenboim siempre me dice, “oh, querido, como lo haces para ser tan buen chico” (risas). Somos amigos, pero, claro, Barenboim es una persona de carácter fuerte, realmente exigente. Todo el mundo lo sabe. Es lo que es. Cada quien tiene su propio temperamento, aunque yo siempre he ido en una dirección diferente.

-Usted menciona al gran director Wilhelm Furtwängler, que tocó varias veces ante Hitler con la Filarmónica de Berlín y de quien el sello discográfico de la misma orquesta acaba de publicar un boxset de grabaciones del período de la Segunda Guerra.

-Es un asunto realmente importante para discutir. Hace un momento hablaba sobre el director de orquesta austríaco Rudolf Schwarz, quien hizo la primera grabación de la Quinta sinfonía de Mahler con la Sinfónica de Londres. Pues bien, Schwarz estuvo en los campos de concentración de Auschwitz y Bergen-Belsen, y desde el primero de ellos fue rescatado gracias a los esfuerzos de Wilhelm Furtwängler. Estoy seguro de que Rudy defendería a Furtwängler si estuviera vivo. Y lo mismo harían muchos otros músicos de origen judío. Quizás Furtwängler cometió errores en su vida o en ciertas declaraciones, pero estoy seguro de que hizo todo lo que estuvo a su alcance para ayudar a varios músicos. Ahora no vivimos en el régimen de terror en el que habitó Furtwängler, y es difícil saber cómo habríamos reaccionado en una situación así. Lo que sí tengo claro es que él tenía el sentimiento de que la grandeza de su arte ayudaría a disolver lo que estaba pasando en ese momento en Europa, y que el espíritu humano brillaría sobre los acontecimientos de su época. Puede sonar naif ahora, pero, como el mismo Rudolf Schwarz lo recordaría años después, muchos músicos judíos se quedaron en Viena porque pensaron que Adolf Hitler nunca marcharía sobre la ciudad. Schwarz nos decía que para nosotros, los más jóvenes, era complicado entender cuán ingenuos y poco preparados estaban ellos ante lo que se venía. Nos decía que no se dieron cuenta de los pocos pasos que les tomó al fascismo y a la tiranía para crecer en Europa. Es una lección de la que nunca me olvido. Ahora bien, quizás músicos y directores judíos de la época, como Kurt Sanderling, Berthold Goldschmidt o el mismo Rudolf Schwarz, tendrían más clara la relación de Furtwängler o Karajan con los nazis. Sería interesante determinar quién era el que realmente hacía el saludo nazi de los tres dedos y quién no, aunque, por otro lado, nunca realmente sabremos cómo era todo en ese momento. Me refiero a los compromisos o concesiones que se hacían en la época.

Los conciertos

22 y 23 de mayo

Rattle y Sinfónica de Londres

Simon Rattle conducirá obras de Dvořák y Berlioz, el 22 de mayo, y composiciones de Mahler y Britten, el día 23. Ambos conciertos son a las 20 hrs. Más información y venta de entradas, en corpartes.cl

Charly García vuelve a Chile

La Tercera

Luego de seis años, el cantante retorna al país el jueves 13 de junio en el Movistar Arena, con entradas que salen a la venta este miércoles. Culto vio su show de esta semana en Argentina: un rito que cruza fanatismo, melodías eternas y un hombre que desafía las turbulencias del tiempo.

Por Claudio Vergara

“Charly García agotado”. Un par de letras negras impresas sobre una hoja blanca alertan en las boleterías que, para el show del pasado martes en el teatro Gran Rex de Buenos Aires, las entradas ya no existen, se esfumaron en dos horas, consecuencia lógica de un concierto “sorpresa” anunciado sólo cinco días antes.

Entre los afortunados que consiguieron un ticket está Valentina, una veinteañera que descubrió al músico a través de su padre y que reconoce que, aunque no vivió sus días de gloria, esto es lo que queda, no hay modo de echar el reloj hacia atrás, hay que resignarse y disfrutarlo “esté en el estado que esté”. Lo mismo le sucede a Delfina, otra sub 25 que apenas caminaba cuando Charly ya se arrojaba desde la pieza de un hotel, y que llegó hasta el lugar vistiendo la polera y el brazalete con el símbolo de la crepuscular era Say no more, aquella S, N y M pintarrajeadas en el centro de un círculo blanco.

Quizás el diario bonaerense La Nación pensó en todos ellos cuando en febrero de 2018 -el momento en que el cantante inauguró esta seguidilla de presentaciones relámpago bautizadas como La torre de Tesla- tituló: “Charly García sedujo con su magia a centenares de millennials”. Días después, en entrevista con la Rolling Stone Argentina, el mismo aludido celebró la frase: “¡Qué loco! ¡Los Millennium!”.

Por las muchas canas que acechan su cabeza, Hugo claramente no entra en la generación “Millennium”, pero sí en aquella que aplaudió en tiempo real al hombre de “Los dinosaurios” en los 70, los 80 y parte de los 90, su era de gracia: “Siempre me llamó la atención su figura, que era medio loco”, define minutos antes de ingresar al teatro. Luciana tiene el signo de Say no more tatuado en la muñeca derecha y prefiere conjugar su devoción en presente: “Él ahora en sus shows está disfrutando de su edad, de lo que puede hacer, del público que lo viene a ver, de todo lo que nos dio”.

Todos ellos agotaron el recital de Charly. Pero Charly García no los agotó a ellos.

El aguante es así

En Argentina, la incondicional veneración al ex Serú Girán se ha perpetuado sin mayores fisuras y, aún más, se ha desbordado hacia las nuevas generaciones, pese a que en su última década acumula seis hospitalizaciones, cuatro cuadros de hipertensión, tres álbumes irregulares, una operación a la cadera, muchísimos fármacos, el deterioro vocal y una agenda en vivo cada vez más esporádica. Da igual: desde principios del año pasado realiza una presentación cada tres meses en algún teatro porteño, todas informadas por los medios apenas un puñado de días antes, lo que hace que las localidades se acaben en un chasquido de dedos.

Cada vez que llega a sus espectáculos, el auto que lo traslada es acorralado por cientos de jóvenes que intentan mirar algo a través de los vidrios polarizados. El aguante, tal como bautizó a ese olvidado álbum con el que cerró los 90, en su mayor expresión: “Este es el aguante/ hasta yo lo vi/ Este es el aguante/ decímelo a mí”.

¿Y hoy está realmente agotado el propio Charly García? Ahora no se trata de entradas en boletería, sino que de la capacidad del artista de 67 años para mantener un espectáculo que parte cerca de las 20.50 horas con la delicadeza de “De mí”, canción de 1990 escrita tras el quiebre con una de las mujeres de su vida, la brasileña Zoca, aunque ahora su letra suena como una vuelta de mano a todos esos fans que han hecho vigilia en las afueras del Gran Rex y que se bancan hasta sus etapas más sombrías: “Cuando estés mal/ cuando estés solo/ Cuando ya estés cansado de llorar/ no te olvides de mí/ porque sé que te puedo estimular”.

Después asoma “La máquina de ser feliz”, parte de su último álbum, Random (2017), otro tema melancólico y cuyo título también funciona como el retrato de un hombre buscando días más dichosos (o un símbolo de paz). Aunque si se trata de definiciones más certeras, los primeros minutos de recital permiten un diagnóstico temprano en dos direcciones.

Primero, y como ya se ha vuelto hábito, Charly aparece sentado en un sillón grueso y rodeado por su set de teclados, como si quisiera camuflarse detrás de tanta electricidad, aunque esta vez luce menos estático, con una movilidad mucho más ágil de sus manos, lo que se realza cuando toma la guitarra -la que hasta hace poco había dejado de tocar por sus complicaciones físicas- y suelta acordes desde esa posición encorsetada, no del todo cómoda para un músico que por décadas se arrojaba al suelo, saltaba, se contorneaba, lanzaba patadas al aire y regalaba pasitos de baile.

Segundo, su voz está destrozada y no hay mucha vuelta que darle. Simplemente ya no tiene remedio. Esa interpretación áspera, rasguñada hasta casi el dolor, que a momentos parece que de un segundo a otro se consumirá para siempre, ahora batalla por mantener los tonos de antaño, en el esfuerzo mayúsculo que hoy enfrenta el bonaerense: el de un artista luchando en vivo y en directo contra su estado de salud y contra el a veces cruel paso del tiempo. A momentos estremece, a momentos irrita, a momentos da igual.

En compensación, su grupo suena impecable, voluminoso, lo que encubre las grietas vocales del gran jefe, como si todo se tratara de una gran masa que avanza sincronizada. Es el trabajo en conjunto de una banda afiatada y aceitada desde hace años, que conoce de sobra las fragilidades y las fortalezas del argentino; la misma que tiene como eje a un trío de chilenos -el bajista Carlos González, el guitarrista Kiuge Hayashida y el baterista Antonio Silva- y a otros históricos, el tecladista Fabián “Zorrito” Quintiero y la corista Rosario Ortega, hija de “Palito” Ortega, ese ángel guardián que hace una década le salvó la vida a García cuando todo parecía caer al despeñadero.

“No es fácil estar allá arriba”, dice Silva en camarines, casi una hora después del concierto, sugiriendo que no es simple estar en el mismo escenario no sólo con un ídolo de toda la vida, sino que también con un creador tan impredecible como exigente. “Estuvimos toda una semana, de lunes a sábado, ensayando cuatro a cinco horas diarias, como reloj, muy riguroso todo, por eso los shows salen de esta manera. Él escoge lo que vamos a tocar”, concluye el baterista chileno.

Y en esa elección de canciones, la velada continua con “Rivalidad”, otro track reciente, inspirado en ese día de 2014 en que murió Gustavo Cerati, cuando Charly, para purgar su dolor, se encerró en su casa y puso a altísimo volumen el disco Foxtrot de Genesis, lo que detonó las quejas furiosas e insensibles de una vecina. “Dios bendiga la rivalidad”, dijo antes de cantarla.

Y si rivalidad rima con actualidad, ambos conceptos pueden ir de la mano cuando el ex Sui Generis está sobre una tarima. En la mitad de su performance, el público, exaltado desde la partida, eleva el cántico de “¡Mauricio Macri y la pu… que te parió!”, en sincronía con un vendedor ambulante que en las afueras del teatro fue un hit instantáneo al ofrecer “¡cerveza-cerveza, más frías que el pecho de Macri, cerveza-cerveza!”. Está claro que, al menos en Argentina, Dios bendijo la rivalidad desde su origen.

El silencio tiene acción

Pero lo que más sorprende de su repertorio no son las preferencias por temas que acarician sus últimos años o que abordan alguna coyuntura, sino que el viaje como tobogán por sus más diversas épocas, las brillantes, las recónditas, las despreciadas, con piezas que no incluye con tanta frecuencia, como “Cuchillos”, concebida en 1996 en tributo a Mercedes Sosa; “El día que apagaron la luz”, el éxito del retorno de Sui Generis en 2000; la ochentera “Canción de 2×3”, melodía inscrita en los albores de su período solista; y por lejos la más inesperada estuvo al cierre, “Total interferencia”, el también epílogo de una de sus obras cumbre, Piano bar (1984), escrita junto a Luis Alberto Spinetta y que no tocaba en vivo desde los 90.

Una inclusión tan fuera de cálculo que en camarines algunos de sus músicos confesaban que ni siquiera recordaban ese tema cuando en los ensayos se enteraron que debían revivirlo: tuvieron que abrir Spotify para oírlo de nuevo.

En el listado del día martes también hubo espacio para exorcizar maldiciones al tocar varias de Kill Gil (2010), esa producción que terminó estrenando cinco años después de su grabación, debido a retrasos derivados de sus problemas de salud, sus enfrentamientos con los sellos y una filtración del material en la web que terminó estropeando todo. En la cita en vivo pasaron “In the city that never sleeps”, “Break it up” y “Happy and real”, cantada a solas en el escenario con el ex Sumo y hoy figura de la TV trasandina, el saxofonista Roberto Pettinato: frente a esa imagen desnuda y a la intemperie, sin músicos ni pantallas encendidas, la garganta de García exhibe aún más sus heridas. Como último eje del concierto están los éxitos de siempre: “Yendo de la cama al living”, “Parte de la religión”, “Rezo por vos”, “Demoliendo hoteles” y “Nos siguen pegando abajo (pecado mortal)”.

En el centro del montaje, una torre de alta tensión se levanta en tributo al ingeniero eléctrico Nikola Tesla (de ahí el nombre de la saga de shows y a quien el músico siempre ha mirado como un utópico), la que es cruzada por efectos de rayos, como una especie de metáfora de la energía que aún fluye y estalla cuando el cantautor salta a escena.

Las pantallas traseras acompañan las 23 canciones de la presentación disparando de modo alternado imágenes de The Beatles, David Bowie, Lou Reed, Psicosis, El resplandor, Toro salvaje y King Kong. Todos íconos del siglo XX. Todos gigantes de sus generaciones. Todos parte de una casta artística que desaparece y a la que Charly también quiere pertenecer. Si no se atreve a reconocerlo, quizás necesita de un truco, de una ayudita de sus fanáticos. Cuando en un momento alguien desde la platea le grita “¡sos el mejor del mundo!”, él responde sin dudarlo ni un segundo: “Ya sé”.

Entradas

Su show en Santiago será el jueves 13 de junio en el Movistar Arena, en su primera venida en seis años, tras tocar en 2013 en los casinos Enjoy de Santiago y Viña. Las entradas están disponibles desde este miércoles 15, en preventa para clientes Banco de Chile. La venta general comienza el viernes 17 (ambas en Puntoticket). Precios van de $21.900 (tribuna) a $138.000 (primeras filas).