domingo, noviembre 18, 2018

Productor de Inti-Illimani terminó con muerte cerebral luego de un accidente automovilístico

El Desconcierto

Danko Ulloa quedó en estado grave luego de que el vehículo donde viajaba con parte de la banda de Daniel Muñoz sufriera un accidente en el ByPass Rancagua.

El productor de Inti-Illimani, Danko Ulloa, terminó con muerte cerebral luego del accidente automovilístico que sufrió durante la madrugada mientras viajaba con la banda de Daniel Muñoz.

El militante del Partido Comunista fue trasladado junto con las otras víctimas al Hospital Regional de Rancagua donde se determinó que su condición estaba fuera de alcance quirúrgico.

El accidente ocurrió en el ByPass Rancagua del kilómetro 82 de la Ruta 5 Sur y dejó heridos a parte de la banda y su staff técnico. El actor Daniel Muñoz, por su parte, viajaba en otro auto por lo cual está ileso.

Inti-Illimani sacó una declaración donde dio a conocer lo ocurrido.”Parte de nuestro staff técnico ha tenido un grave accidente en horas de la madrugada, mientras viajaban de regreso a Santiago luego de un concierto con un grupo amigo”, señalaron.

Además de esto, la agrupación anunció la suspensión de su show programado para este 18 de noviembre en el Teatro CorpArtes.

“Acompañamos a nuestros queridos técnicos y sus familias en estos complicados momentos, esperando de corazón que todos logren recuperarse satisfactoriamente”, concluyeron.

Inti Illimani Suspende Concierto de este 18 de Noviembre en CopArtes

Comunicado de prensa

Informamos que nuestro concierto de hoy, 18 de noviembre en Teatro CorpArtes ha sido SUSPENDIDO debido a que parte de nuestro Staff Técnico ha tenido un grave accidente en horas de la madrugada, mientras viajaban de regreso a Santiago, luego de un concierto con un grupo amigo.

Lamentamos los inconvenientes que esto pueda ocasionar. Avisaremos en forma oportuna respecto de la nueva fecha y la devolución de entradas.

Acompañamos a nuestros queridos técnicos y sus familias en estos complicados momentos, esperando de corazón que todos logren recuperarse satisfactoriamente.

INTI-ILLIMANI

Lucho Gatica un músico universal



El Mercurio

El dramatismo de la actuación, la naturalidad de la conversación, el magistral manejo del rubato y el cambio de color o timbre de su voz, fueron los sellos con los que Lucho Gatica impregnó el bolero de los años cincuenta. 

Juan Pablo González Director Instituto de Música U. Alberto Hurtado.

Sir Joseph Lockwood, presidente de EMI Odeon, que había trabajado en Chile cuando joven, regresó de visita al país a comienzos de 1960, cuando este sello era responsable de la cuarta parte de las ventas totales de discos en el mundo. Elogiando el consumo discográfico en Chile, pero lamentando que la música chilena no fuera conocida internacionalmente, Lockwood destacó un par de excepciones, pues dos de los artistas más vendedores de EMI eran chilenos: Claudio Arrau y Lucho Gatica.

¿Cómo llegaba nuestro bolerista a tan alto sitial? Ya había pasado una década desde que Raúl Matas comenzara a apoyar su incipiente carrera, presentándolo en su debut en Radio Minería en 1950 y haciéndolo grabar con el trío Los Peregrinos el memorable bolero del cubano César Portillo de la Luz, "Contigo en la distancia". Todo esto bajo la atenta mirada de su hermano mayor Arturo, ya consagrado en el medio musical y cinematográfico nacional, que ejercía como su tutor artístico.

Sin embargo, el impulso central de su carrera siempre lo obtuvo Lucho Gatica de sí mismo, utilizando todos los medios que estaban a su alcance para desarrollar y encauzar su talento según los requerimientos de la época. Es así como no escatimó recursos para estar siempre bien vestido, utilizando sus primeras ganancias en sastrerías y buenos trajes. Asimismo, invirtió sus ahorros en una grabadora de cinta magnética, nuevo invento que salía al mercado a fines de los años cuarenta a precios muy elevados. Con ella, Gatica grababa canciones de la radio que luego se aprendía de memoria, ampliando considerablemente su repertorio y, lo más importante, se grababa a sí mismo, puliendo una y otra vez su forma de cantar, la articulación de las palabras, su respiración y el manejo del volumen sonoro, logrando un canto natural, por paradójico que esto fuera, avanzando del cantar al decir.

Es que el bolero nacido en Santiago de Cuba a fines del siglo XIX, había llegado a Ciudad de México en la década de 1920, desarrollándose en las manos del sofisticado pianista y compositor Agustín Lara y en las voces cultivadas de una serie de tenores y barítonos surgidos del conservatorio, como Pedro Vargas, Alfonso Ortiz Tirado y Juan Arvizu. Ellos encontraron en este género, con letras cercanas al modernismo de Rubén Darío, una oportunidad única para impulsar sus carreras hacia un mercado masivo. Es así como durante veinte años reinaron en América Latina cantantes líricos en la interpretación del bolero, con potentes voces de pecho, uso extendido del vibrato, y la capacidad de sostener largas notas agudas.

Entonces, Lucho Gatica, con su grabadora y su micrófono en su departamento del centro de Santiago, ocupaba todo el tiempo que podía para ensayar una y otra vez un modo de cantar más directo y personal, convirtiéndose en lo que por mucho tiempo los medios llamarán "cantante melódico". Tuvo algunos maestros en este cometido, como la cantante, actriz y bailarina cubana Olga Guillot, que ya cantaba con micrófono en radio desde niña, desarrollando más tarde ese dramatismo y sinceridad que la caracterizó y del que Lucho Gatica aprendió cuando la conoció en Santiago a fines de los años cuarenta. El dramatismo de la actuación, la naturalidad de la conversación, el magistral manejo del rubato -ligera aceleración o retardo del tempo mientras el acompañamiento se mantiene estable-, y el cambio de color o timbre de su voz, fueron los sellos con los que Lucho Gatica impregnó el bolero de los años cincuenta, la década de oro de este género.

La modificación tímbrica de la voz fue uno de sus rasgos característicos, variando el componente armónico de las notas mediante la alternancia de la voz de garganta y el falsete, el contraste forte/piano y las variaciones de la distancia y el ángulo del micrófono. El falsete lo usaba como ornamentación tímbrica o lo llevaba a frases completas y, en vez de vibrar las notas más largas como lo hacían los barítonos del bolero, las ornamentaba con pequeñas oscilaciones melódicas en torno a la nota principal. Esto se puede apreciar, por ejemplo, en su versión de "Espérame en el cielo", de Francisco López Vidal, tango transformado en bolero y grabado en Santiago por Lucho Gatica en 1957 con el acompañamiento orquestal de Vicente Bianchi.

Su dedicado trabajo de aprendizaje y desarrollo de un nuevo estilo de canto se había visto coronado en 1953 con la extensa gira internacional organizada por su sello discográfico que culminaría en los estudios de Abbey Road en Londres. Allí grabó con uno de los pianistas y directores afamados de la época, Roberto Inglez, que finalmente siguió a Lucho Gatica a Chile, donde se radicó. Fue en esas sesiones donde registró "Bésame mucho", de la mexicana Consuelo Velázquez, bolero que más tarde generaría una comentada grabación de Los Beatles, pero como cover de la versión en inglés del grupo norteamericano The Coasters, no de nuestro Lucho Gatica.

En rigor, la identidad nacional del bolerista de los años cincuenta y luego del baladista de los sesenta se estaba diluyendo debido a los requerimientos de la industria musical de masificar una canción romántica exenta de localismos. Para llegar a ser el género central de la música hispanoamericana en general, el cantante no debía tener un acento particular, la letra no debía referirse a localidades específicas ni incluir modismos, y la música debía ser lo más neutral posible. Es en ese momento en que Lucho Gatica salta a la fama y, efectivamente, en el extranjero no se le reconocerá necesariamente como un cantante chileno, del mismo modo que Arrau tampoco fue promovido como un pianista chileno. Ellos eran músicos universales, nada más.

El regreso de Lucho Gatica a Chile luego de grabar en Londres fue triunfal. El verano de 1954 lo pasó en el Casino de Viña del Mar cantando cuarenta noches seguidas con la boîte del casino repleta. Sus actuaciones coincidían con el lanzamiento de su versión de "Sinceridad", de Rafael Gastón Pérez, un nicaragüense cuya nacionalidad tampoco era relevante en la popularización de su bolero. En esta grabación, Lucho Gatica ponía en práctica el modelo dramático y directo aprendido de Olga Guillot algunos años antes. Esa fue su despedida de Chile, pues a partir del año siguiente se radicó en México y solo sabremos de él por los discos, la prensa, la radio y sus eventuales visitas al país.

Las primeras grabaciones en México las realizó junto a la orquesta de José Sabre Marroquín, uno de los directores y arregladores más cotizados en el país del norte en los años cincuenta, con el que estableció una larga y fructífera asociación. Es así como logró su definitiva consagración internacional con los dos primeros boleros grabados con este director: "Historia de un amor", del panameño Carlos Almarán, y "No me platiques más", del mexicano Vicente Garrido. Este bolero se impuso en las radios mexicanas luego de un infatigable trabajo de autopromoción de Lucho Gatica y sirvió de tema central y título para la primera película donde apareció con un pequeño papel, tendencia que mantendrá en filmes posteriores. Luego siguieron "Tú me acostumbraste", "La barca", "El reloj", en fin, no hay bolero famoso que no esté impregnado de la voz de Lucho Gatica.

Nuestro bolerista universal seguiría enfrentando desafíos en los años que estaban por venir, principalmente por problemas en su voz que una cirugía no pudo resolver, y por la pérdida de protagonismo del bolero debido al auge de la música juvenil a mediados de los años sesenta. Es así como enfatizó su modo de cantar diciendo y buscó nuevos mercados en Asia y Medio Oriente, tal como lo haría Julio Iglesias una década más tarde. Además, se vinculó a artistas juveniles como Luis Miguel, incentivándolo a que grabara boleros, como el mismo Lucho Gatica señalara. De hecho, la mitad de los boleros del disco Romance (1991) de Luis Miguel corresponde a repertorio grabado por Gatica en los años cincuenta.

Desde 1992 nuestro bolerista comenzó a viajar más regularmente a Chile, presentándose en casinos, teatros y televisión, y recibiendo homenajes de sociedades autorales, de su ciudad natal, Rancagua, del Festival de Viña del Mar y del propio gobierno chileno. Es así como en 2002 recibió la Orden al Mérito Docente y Cultural Gabriela Mistral en el grado máximo de Gran Oficial, entregada por el Ministerio de Educación. Si alguien preguntara en qué ha consistido el aporte educativo de Lucho Gatica para recibir un galardón así, la respuesta surgiría de inmediato: nos enseñó a amar.



Soprano chilena Alyson Rosales arrasó en el Concurso Luis Sigall

El Mercurio

Becada por los Amigos del Municipal de Santiago y la Fundación Ibáñez Atkinson, la cantante radicada en Alemania obtuvo el primer lugar y ganó el premio del público. 

Maureen Lennon Zaninovic Desde Valparaíso
En 2003, Patricia Cifuentes fue la primera cantante chilena que ganó el Concurso Internacional de Ejecución Doctor Luis Sigall, mención canto lírico. En 2008 fue el turno de otra prometedora voz nacional: Catalina Bertucci. Ambas, en su momento, resultaron toda una revelación para los operáticos y hoy cuentan con una consolidada carrera en importantes escenarios nacionales y extranjeros.

La noche del viernes, en el salón de honor del Congreso Nacional, en Valparaíso, tuvo lugar la ceremonia de premiación de la 45 edición de este certamen que organiza la Corporación Cultural de Viña del Mar y que este año nuevamente tuvo a la lírica como protagonista. Fue una velada emocionante donde midieron sus talentos -junto a la Orquesta Filarmónica Regional dirigida por Álvaro Gómez- la soprano argentina María Belén Rivarola (31), la mezzosoprano rusa Elizaveta Agladze (31) y la soprano chilena Alyson Rosales (27). Esta última sacó estruendosos aplausos con un programa que incluyó -entre otras arias- la popular "O mio babbino caro", de "Gianni Schicchi", de Puccini. Tras finalizar las presentaciones, el jurado se retiró a deliberar y, en paralelo, el público asistente emitió su voto. Cerca de las diez de la noche, se dieron a conocer los resultados y la representante nacional terminó arrasando. Rosales se impuso en la categoría mejor chilena calificada, ganó el premio del público y el primer lugar del certamen.

"La había oído con anterioridad, pero para ser sincera no me había llamado la atención. Después supe que se fue a estudiar a Alemania y al volverla a escuchar quedé tremendamente sorprendida", señala la contralto Carmen Luisa Letelier, quien integró el jurado de esta edición del Concurso Luis Sigall. La Premio Nacional de Artes Musicales 2010 añade que "me pareció fantástica, muy musical. Tiene una voz preciosa y supo escoger muy bien su repertorio. ¡Hace lo que quiere con su voz! Fue una delicia escucharla".

La soprano Verónica Villarroel -quien también integró el jurado- complementa que quedó "muy sorprendida con su desempeño en escena. Tiene un instrumento maravilloso".

Becada por la Corporación Amigos del Municipal y por la Fundación Ibáñez-Atkinson, Alyson Rosales partió sus estudios en la Facultad de Artes de la U. de Chile, bajo la guía de Patricia Cifuentes y luego siguió de manera particular con Ahlke Scheffelt. "Más que orgullo, una satisfacción por todo el trabajo, por toda la fe puesta en ella. Desde el primer momento me encontré con un material al que se le podía sacar muchísimo provecho, además de un espíritu de trabajo y disciplinas increíbles. Pero no todo fue fácil. Hubo luchas. De repente fui más psicóloga que profesora, pero valió la pena", comenta emocionada Ahlke Scheffelt, quien llegó hasta el Congreso Nacional.

La ganadora -quien está radicada desde hace tres años en Alemania- advierte que su pasión por el canto partió desde muy joven, en el coro de una parroquia católica. "Me fascina el mundo coral. En este espacio hay mucho de empeño y perseverancia. Hay momentos difíciles, pero el amor al arte siempre ha estado arriba". La cantante añade que se considera una soprano lírica y, por el momento, podría abordar papeles como la Zerlina de "Don Giovanni" o la Pamina de "La flauta mágica", de Mozart. "Son papeles no muy pesados y que se adecuan a mi voz. En 2019 finalizo mi formación en Stuttgart, pero espero seguir perfeccionándome en algún programa de Opera Studio", explica.

Virginia Reginato, alcaldesa de Viña del Mar, adelanta que la edición 2019 del Concurso Doctor Luis Sigall será mención piano. "Con alegría puedo asegurar que la final del próximo año la realizaremos en el Teatro Municipal de Viña del Mar". Jorge Salomó, gerente de la Corporación Cultural de Viña del Mar, aplaude la noticia. "Es un estímulo a este concurso del que han salido varios músicos que hoy triunfan internacionalmente", dice.

sábado, noviembre 17, 2018

Bésame mucho: ¿Realmente los Beatles escucharon a Lucho Gatica?

La Tercera

Por décadas se ha dicho que el grupo grabó la canción inspirados en el chileno. Pero el mito es sólo eso: "Los Beatles nunca supimos de él", dice Pete Best, el primer baterista del cuarteto.

Por Claudio Vergara

La leyenda por décadas ha dicho esto: en sus dos primeras grabaciones profesionales —en enero de 1962 para el sello Decca y en junio del mismo año para EMI—, The Beatles decide tocar el bolero latinoamericano “Bésame mucho” tras haber quedado maravillados con la versión popularizada por Lucho Gatica. O, al menos, luego que Paul McCartney la escuchara en algún minuto de su juventud en un viejo vinilo que ponía su padre.

Pero la realidad es aguafiestas y siempre termina por arruinar una gran mitología. Con certeza, el cuarteto inglés jamás supo del fallecido cantante nacional. Ni de su nombre ni de su interpretación para una de las composiciones en español más memorables de la historia.

Pete Best, el primer baterista de The Beatles y que registró el tema en ambas sesiones —antes que lo expulsaran para poner en su reemplazo a Ringo Starr—, lo confirma a Culto: “No, nunca supimos de Gatica”. Carlos Contreras, exitoso cantante de la Nueva Ola y por lejos el profesional de mayor conocimiento en el país de la obra del artista, además de coleccionista de sus discos, ratifica: “No hay ningún antecedente serio ni existe ninguna certeza que diga que los Beatles grabaron ese tema pensando en la versión de Lucho Gatica”.

“Bésame mucho” fue escrita en 1940 por la pianista mexicana Consuelo Velázquez. Pocos meses después, el primero en grabarla y en empezar a masificarla fue el actor y cantante mexicano-español Emilio Tuero, de amplia fama en los años 30 gracias a la radio. A partir de ahí, naciones como México o Cuba comenzaron a conocer lentamente la balada.

Pero faltaba otro eslabón para que se catapultara como un himno global. El compositor estadounidense Sunny Skylar se había especializado por esos años en adaptar al inglés o a versiones orquestadas distintas melodías escritas en español, en una labor típica de mediados del siglo XX, cuando muchos músicos trabajaban cazando canciones por el mundo para entregárselas a los intérpretes más diversos.

Con ello vino otra jugada maestra: Skylar logró introducir una versión de “Bésame mucho” en una película, otra de las grandes plataformas de difusión de esa época. En el musical Follow the boys, de 1944, el trompetista Charlie Spivak junto a su big band interpretan una versión instrumental. A partir de ahí, comienza a escalar como un éxito en los mercados artísticos más relevantes del planeta.

En varios idiomas
El efecto fue lógico. Desde mediados de la década de los 40 hasta los 50, voces de los idiomas más disímiles deciden grabarla para darle su propio estilo. El primero en cantarla en inglés fue el célebre Nat King Cole, también en 1944, pero ahora fue la radio la que precipitó un impacto mayor: según el periódico Chicago Tribune, su lectura para el tema caló profundamente en los soldados estadounidenses que partían a la Segunda Guerra Mundial y debían decir adiós a sus parejas, sobre todo por aquello de “bésame mucho/ como si fuera esta noche/ la última vez”. En ese mismo lapso, también aparecen versiones en español de igual fama, como la del mexicano Pedro Vargas.

Un par de años después, en 1960, y dentro de la fascinación mundial que había provocado “Bésame mucho”, The Coasters, un afamado grupo vocal de Los Ángeles, la hizo propia e irrumpió como un hit en países como Inglaterra. Esa fue la versión que inspiró a The Beatles.

El propio McCartney lo revela en Hace muchos años (1997), del escritor Barry Miles, una de sus biografías más completas: “Yo tenía una pequeña y diversa colección de discos en la que estaba escarbando material. Recuerdo que tenía Zing! went the strings of my heart, de los Coasters, cuyo lado B era ‘Yakety Yak’. Yo miro en retrospectiva esas grabaciones y veo qué era lo que me gustaba. ‘Bésame mucho’, en el cover de los Coasters, es una canción que pasa de un tono menor a uno mayor, y eso es un gran momento musical. Ese cambio me atrajo demasiado”.



Otro autor, Ian Mac Donald, en su libro Revolution in the head, recalca que Macca conoció el tema de cuna mexicana a través del conjunto de EE.UU., ya que el estribillo —más intenso y apurado, lo que se puede rastrear en YouTube— tiene una gran similitud con lo que grabó The Beatles.

Aunque sin especificar detalles, Best también recuerda el momento en que Macca presentó la idea ante sus compañeros: “Paul entró un día adonde estábamos alojados en Hamburgo y nos dijo ‘ahora vamos a hacer Bésame mucho’. Él ya conocía esta composición. Entonces la empezamos a tocar y siempre nos gustó. El resto de nosotros no sabía de dónde la había sacado. Pero la tomamos y con el tiempo le hicimos un estilo propio”.

Antes de las históricas sesiones en Decca y EMI, los hombres de “Help!” ya habían incluido “Bésame mucho” en su repertorio en vivo en Hamburgo, en 1961. La mantuvieron con cierta frecuencia en sus shows, hasta también grabarla sobre un escenario en el espectáculo de Año Nuevo de 1962 en el Star-Club de la ciudad alemana, donde se reportaron algunos de sus recitales más salvajes en sus días formativos. El propio McCartney la canturreó brevemente para la cinta Let it be (1969), cuando el cuarteto ya se desintegraba. Y fue incluida por primera vez en un disco en 1976, a través de un single en vinilo que incluía dos tracks. Eso sí, el mundo la conoció de manera más formal en la primera parte de la saga Anthology que en los 90 reveló numerosos registros inéditos de la agrupación.

El origen de todo
¿Y cómo llegó entonces a tejerse el mito de John, Paul, George y Ringo reverenciando a Gatica? Según el libro El Rey Lucho cantaba boleros, del periodista Pablo Márquez, el propio intérprete tenía una teoría sostenida en algunas entrevistas: “El papá de McCartney escuchó una de las canciones interpretadas por mí en los estudios de Parlophone, ‘Bésame mucho’, le encantó y se las mostró a los Beatles, y estos la grabaron tiempo después, en esos mismos estudios de Londres. Existen imágenes, las que más de alguna vez han mostrado en TV”.

Es difícil comprobar si McCartney padre —eso sí, gran melómano y músico de una banda de swing— había escuchado la versión a la que refiere el rancagüino. Pero en algo el bolerista tiene razón y es posible que sea el origen de la leyenda: efectivamente, a fines de 1953 llegó hasta los estudios Parlaphone de Inglaterra —los mismos donde después trabajarían los Fab Four— a grabar su versión para “Bésame mucho” con el director escocés Roberto Inglez. El track fue editado en 1954 en Chile.

“Pero eso no significa necesariamente que los Beatles hayan escuchado ese registro de Gatica. La canción ya se había grabado en distintos idiomas desde los años 40. En los puertos, como Liverpool, hay mucho movimiento, por lo que es posible que Paul haya obtenido alguna versión en disco de ese tema de algún marinero que lo trajo de EE.UU.”. Mario Olguín, líder del grupo chileno Beatlemanía y quien ha tocado con Best en los últimos años, acota para dar por resuelta parte de la leyenda: “Los Beatles nunca supieron quién era Gatica, lo que no desmerece en absoluto lo grande que fue”.


Sol y Lluvia se reúne en un libro para reconstruir sus 40 años de historia

La Tercera

En un relato coral, a cargo de Gonzalo Planet, los Labra repasan el fenómeno popular que iniciaron en los 80. El texto coincide con su show de este sábado en la Pista Atlética, que marcará la reaparición de Jonny Labra.

Por Andrés del Real

En 1985, Sol y Lluvia organizó su primer concierto en un teatro. Tras siete años de tocatas en poblaciones, sindicatos y universidades, el conjunto que por esos días integraban solo Amaro Labra (en voz y guitarra) y su hermano Charles en percusiones había decidido dar un salto y presentarse en el Teatro Cariola. El hito los motivó a sumar un bajista a la formación, y el escogido fue el menor del clan, Jonny, quien aprendió a tocar el instrumento sólo días antes del recital. Sin promoción en medios y con un único casete grabado artesanalmente como respaldo (Canto + vida, 1980), el flamante trío repletó el recinto con más de 1.200 asistentes. La velada se bautizó “Chile, es posible”, y marcó el comienzo de un fenómeno masivo sin precedentes que marcó los procesos sociales de los años 80 y 90.

¿Cómo un grupo de hermanos de la población Vicente Navarrete de San Joaquín, sin formación musical, terminó protagonizando uno de los mayores hitos artísticos y sociales de los años de dictadura y llenando estadios una vez recuperada la democracia? Para el músico y periodista Gonzalo Planet (Se oyen los pasos, 2004), quien pasó los últimos meses investigando la historia del conjunto y conversando con sus tres integrantes originales, si bien hay muchas respuestas posibles, la pregunta sigue teniendo un componente inexplicable.

“Por más que teoricemos, creo que un fenómeno de ese alcance sigue siendo indescifrable”, dice el autor del libro Sol y Lluvia: voces de la resistencia, en el que los propios hermanos Labra repasan el camino que los llevó a convertirse en la voz de una generación y, hasta hoy, en la banda sonora de diversos movimientos sociales. Un trabajo que verá la luz este sábado, horas antes que los hombres de Adiós general y Un largo tour celebren sus 40 años de historia con un concierto en la Pista Atlética del Estadio Nacional.

“Como protagonistas de una era y de un fenómeno sin igual en la música chilena, me parecía muy atractivo que el lector escuchara las voces de los fundadores y que a través de ellos mismos se construyera el relato”, cuenta Planet sobre el libro y las cuatro décadas que abarca: desde las poco conocidas raíces familiares -su madre era de origen mapuche y su padre, un prestigioso arquitecto de ascendencia portuguesa- y los primeros guitarreos en el taller de serigrafía de calle Sierra Bella, tras el golpe de estado, hasta los pasajes más gloriosos del conjunto, como aquella memorable actuación de 1999 frente a 60 mil personas, en el primer concierto de un grupo chileno en el coliseo central del Estadio Nacional (y con Leonardo Núñez, el “Chacal de la Trompeta” de Sábados gigantes, liderando la sección de bronces).

Junto a esto, a medida que avanzan las 168 páginas, los Labra van revelando cómo surgió la singular propuesta estilística del grupo (que le debe tanto al folclor y los instrumentos mapuches como a Creedence Clearwater Revival) así como su poderoso mensaje, volcado en himnos de resistencia y clandestinidad. Una revolución a base de sonido, imagen y palabra -según explica el vocalista y diputado del PC- que llevó al Cardenal Silva Henríquez a decirles “ustedes son tres pero suenan como 500”.

Quiebres
Además de anécdotas y episodios curiosos, como las primeras lecciones de bajo que Willy Benítez le dio a Amaro Labra o el encuentro del conjunto con Jorge González, en pleno choque del Canto Nuevo con el naciente pop rock local (“Nunca me sentí aludido cuando él le cantaba a los barbones hippies”, asegura el vocalista), el relato transita también por pasajes más oscuros y complejos para el trío.

Alguna vez militantes del MIR, el golpe de 1973 obligó a Charles Labra a asilarse en Argentina y a sus hermanos a abandonar la universidad para buscar sustento económico en la serigrafía. Una actividad que terminaría definiendo el universo estético y discursivo de Sol y Lluvia. Tras esto, vendría el hostigamiento de los agentes del estado y noches de catarsis y miedo (“en las primeras presentaciones la gente no se atrevía a aplaudir”, recuerda Charles), sumado a una violenta detención en 1978 y un ataque incendiario a su taller.

A su vez, se profundiza en las razones personales y políticas que llevaron al distanciamiento de los hermanos, lo que terminó con la abrupta salida de Charles Labra en 2001 y de Jonny en 2013. De hecho, las entrevistas se realizaron por separado, aunque según Planet, “tras un buen tiempo distanciados, los hermanos han vuelto a estar en contacto y se ven de manera relativamente regular, pero conscientes que cada uno ha desarrollado proyectos de vida y trabajo diferentes”.

Como prueba de este acercamiento, para el recital de este sábado (21.00 horas) se espera la reaparición de Jonny Labra en el bajo -al menos en una canción-, para compartir escenario tras cinco años con su Amaro y el resto de Sol y Lluvia, hoy un quinteto con el hijo de éste último, Harley Labra, en percusiones. “Todavía hay mucho por qué luchar”, asegura el líder en la promoción del concierto.

Brendan Perry de Dead Can Dance: "Dionysus es una celebración de la naturaleza por sobre todo"

El Mercurio

Con casi cuatro décadas de música a cuestas, la banda australiana sigue explorando el misticismo en su nuevo álbum. Rubén Villalón 


Dead Can Dance partió en 1981 en Melbourne, Australia, como el proyecto conjunto de Brendan Perry y Lisa Gerrard, sin embargo la pareja emprendió rumbo a Londres al año siguiente cansada de la mentalidad estrecha del país por aquellos días ante propuestas tan poco masivas como la suya, la cual mezclaba el post punk con ritmos místicos.

"No fue fácil. Estábamos, supongo, tratando de interpretar una música que a nosotros nos agradara y no lo que el mercado o la moda musical dictara. Esa es una de las razones por las que decidimos irnos de Australia, porque Australia es muy limitado, tiene una mentalidad muy estrecha para la música más alternativa, tal vez tiene que ver con la población, ya que es un lugar muy poco poblado. Así que decidimos venir a Europa, porque sabíamos que podía haber un público más grande para el tipo de música que queríamos hacer. Y nuestra suposición fue correcta, aunque fue muy difícil al comienzo. Fue una lucha, pero gradualmente comenzamos a caminar. Gateamos, luego caminamos y después nos pusimos a correr. Luego de 2 o 3 años en Londres pudimos progresar y hacer la música que queríamos", cuenta al teléfono Brendan Perry a "El Mercurio".

La música de Dead Can Dance desde sus inicios refleja una búsqueda y un interés constante por las expresiones artísticas nativas y las inquietudes espirituales alrededor del globo, por lo que el tono sacro y la construcción de atmósferas sublimes fue marcando cada vez más su producción. Instalados en Londres, firmaron por el sello británico 4AD -donde militaron también Cocteau Twins, Pixies, Pale Saints y Red House Painters- y dejaron finalmente aflorar toda su creatividad. Perry recuerda aquellos años: "Éramos inusuales, porque éramos solo dos personas, un hombre y una mujer compartiendo roles vocales, y eso es inusual pero fuerte a nivel musical. Pudimos mantenernos firmes como artistas y también reflejábamos en nuestra música lo que estábamos escuchando en cada momento. En cada álbum hay una gran influencia que se nota en el material que producíamos. Así fuimos del post punk a la música clásica, simplemente porque había música que no habíamos escuchado antes y que nos emocionaba demasiado. La abrazamos e internalizábamos a tal punto que teníamos que tener un lugar donde ir: interpretar ese tipo de música. Creo que esa es la realidad de cada disco que hemos sacado desde entonces. Ahora, el nuevo álbum 'Dionysus' refleja mi amor por la música folclórica tradicional, en especial de orígenes mediterráneos".

Luego del debut homónimo de 1984, placas como "Spleen and Ideal" (1985) y "Within The Realm of A Dying Sun" (1987) fueron ampliando cada vez más la paleta sonora de la banda, siempre atenta a explorar las relaciones entre humanidad, misticismo y naturaleza. Hace 30 años exactos, en "The Serpent's Egg" (1988), Perry optó por utilizar en la portada una imagen muy particular, la cual le recordaba mucho la forma de oxbow del sector de Isle of Dogs en Londres, donde vivía junto a Lisa por aquel entonces. La ciudad, con el Thames nutriendo su estructura, parecía desde lo alto una estructura biológica. "Solíamos vivir en Isle of Dogs, justo en la mitad de esa curva que parece casi cerrarse sobre sí misma. Le llamamos un oxbow , así se le llama, en el río. Encontré esa imagen en un libro y me impactó, pues yo estaba interesado en lo micro y en lo macro, en el universo interno y el universo externo, y simplemente el río se veía como una arteria, son arterias que proveen vida llevando agua, de la misma forma en que la sangre acarrea vida a los órganos y estructuras internas de los animales. Esa es una de las razones principales por las que escogí esa imagen", señala.

Estructurado como una obra en dos actos y con siete movimientos, el recién editado "Dionysus" sigue dándole a la naturaleza un rol protagónico, pues muchas grabaciones de campo se incluyen dentro de los dos actos que componen este oratorio, incluyendo sonidos de aves de México y Brasil, cabras de Suiza o colmenas de Nueva Zelandia. Las voces humanas, a su vez, toman el rol de comunidades que celebran. La figura de Dionisio -el dios griego del vino-, ligada a la vida, la fertilidad, el teatro y las fiestas, es clave para este nuevo material, así como la fascinación de Perry por los festivales de primavera y de la cosecha, que siguen guardando algo de su inspiración original a pesar de haber sido censurados en cierta forma durante siglos por el control ejercido por el cristianismo y el islam. La portada del álbum presenta una máscara hecha por la comunidad de los huicholes de las montañas de la Sierra Madre en México, quienes utilizan el peyote en un rito sagrado con el propósito de sanar y expandir la mente.

-Desde comienzos de los 80 ha estado intentando conectar a la gente a través de la música con lo misterioso y lo místico. ¿Cómo traduce eso a las composiciones?

"Es simplemente estar consciente de las voces que nos llaman, ya sea del bosque, del campo, de la jungla o de los ríos, del mar. Encuentro que hay música en todas partes, y hay comunicación en todas partes, así que no me siento tan aislado como ser humano. Supongo que se debe a que -ya que mi profesión se basa en lo audible- la expresión y mi sensibilidad para escuchar está acentuada en una forma tal que recibo mucha más información de lo que me rodea. Pienso que en la ciudad uno se desensibiliza por la vibración de los ruidos, y en el campo tú te sientas y puedes escuchar cómo un insecto se aproxima, por el silencio, y puedes oírlo desde lejos, ya que el sonido recorre más distancia. Para mí todo esto se trata de estar abierto al sonido. El sonido está en todas partes, la música está en todas partes y la escucho en el sonido que hacen los grillos, en el crujir de las hojas, en todos lados. Yo trato de incorporar eso a lo que hago, en parte para desplazar las barreras de lo que uno escucha y compartir con la gente este amor de esta música que uno se encuentra. En especial, este nuevo álbum 'Dionysus' es una celebración de la naturaleza por sobre todo, ya sea humana o animal, y Dionisio es el epicentro de todo lo fructífero, dinámico y fértil que tiene la naturaleza".

-Este álbum llega seis años después de "Anastasis". ¿Cuánto tiempo pasó haciendo las grabaciones de campo y componiendo estas extensas piezas?

"Como un año y medio. Después del disco anterior, 'Anastasis', estábamos en el proceso de mudarnos con mi familia hacia Francia y nos tomó un par de años poder hacerlo, y luego tomó otro par de años hasta poder completar mi nuevo estudio. Renové un granero antiguo que estaba en la propiedad y ese es mi estudio ahora, todo eso toma tiempo. He estado ocupado además con otros proyectos, no solo el disco. He estado haciendo música para películas y un disco llamado 'No Land', con un francés llamado Oliver Mellano y una banda tradicional de gaitas bretonas".

-Tengo entendido que tiene planes para un tour por Europa en 2019.

"Haré un tour solista en la próxima primavera del hemisferio norte por Europa occidental, con un trío, tocando en locales íntimos, tocando folk blues, bossa nova, eso es lo que estoy haciendo. Lo haré en Europa del este en otoño y luego Dead Can Dance tendrá fechas en verano, así que estaré de gira casi todo el próximo año".

-¿Y está en su agenda volver a Chile con este nuevo álbum?

"El próximo año no, pero ciertamente en el futuro. Me encanta Chile, he tenido shows grandiosos ahí y la gente es maravillosa, tengo buenos recuerdos. El próximo año es solamente Europa, así que tendremos que ver si al año siguiente hacemos más fechas y tal vez alguna grabación".

Luego del debut homónimo de 1984, placas como "Spleen and Ideal" (1985) y "Within The Realm of A Dying Sun" (1987) fueronampliando la paleta sonora de la banda, siempre atenta a explorarlas relaciones entre humanidad, misticismo y naturaleza.

Homenaje a Víctor Alarcón organizado por la FOJI: La música vuelve a la Catedral con Juan Pablo Izquierdo

El Mercurio

Con la Orquesta Sinfónica Nacional Juvenil y tres coros, interpretarán el Réquiem de Mozart el próximo sábado. La ciudadanía está invitada. 

Romina de la Sotta Donoso
Es la batuta chilena que mayor resonancia ha tenido en el mundo, Premio Nacional de Música 2012, un renovador de nuestras orquestas y un innovador del repertorio. Y también es un favorito del público, como atestiguan las taquillas en cada sitio al que lo invitan.

Pero ahora la invitación la hace él. Juan Pablo Izquierdo (1935) convoca a la ciudadanía a la Catedral de Santiago el próximo sábado. La música la pondrá él, cuando dirija a cuatro solistas vocales, una orquesta y tres coros, en una de las composiciones más conmovedoras de todos los tiempos, el Réquiem de Mozart, para rendir homenaje a Víctor Alarcón, el fructífero director coral que murió tempranamente en un accidente automovilístico hace siete semanas.

Con la soprano Maureen Marambio, la mezzo Evelyn Ramírez, el tenor Leonardo Pohl y el barítono Francisco Salgado como solistas, actuarán la Orquesta Sinfónica Nacional Juvenil (OSNJ) y los coros de Cámara UC; de Estudiantes UC y Crecer Cantando del Municipal de Santiago, fundados los dos últimos por el propio Alarcón.

"Hemos trabajado duro, tocar Mozart es lo más maravilloso y lo más difícil del repertorio, porque es de una enorme sutileza y transparencia", comenta Izquierdo. "Estoy muy contento con el resultado de los ensayos, es algo admirable", agrega.

"Es la última obra de Mozart y en ella se manifiesta toda la maravilla de la tradición contrapuntística que viene desde Bach, es decir, del Barroco, en conjunción con el estilo Clásico de la época de Mozart", aclara Izquierdo.

Para él, la Catedral como escenario tiene un significado muy especial. "Tengo recuerdos muy significativos, de haber hecho la Misa en Si Menor de Bach, la Tercera de Mahler, el Réquiem... Cómo olvidar que con los coros de Mario Baeza tocamos la 'Pasión según San Juan', de Bach, el día antes del golpe militar, y que estaba todo oscuro afuera, con un intenso olor de bombas lacrimógenas. En lo humano fue tan importante como en lo musical", asevera.

El concierto en la Catedral es a las 20 horas del sábado 24, con entrada liberada, y habrá también una función con retiro de invitaciones el viernes 23 en CorpArtes, y otra pagada el domingo 25, en la U. Santa María en Valparaíso.

El programa incluye la Obertura de "Ifigenia en Áulide" de Gluck, en el arreglo de Wagner.

Fanático confeso del bolero -"es la representación más grande de la música popular de Latinoamérica", dice-, Izquierdo lamenta el deceso de Lucho Gatica. "Es una de las glorias musicales de Chile. Para mí, su versión de 'Bésame mucho' es la definitiva", detalla.

Y respecto de sus próximos compromisos, volverá a innovar en el repertorio, como lo ha hecho toda su carrera, en los varios conciertos que tiene en 2019 con la Filarmónica y la Sinfónica. Entre otras, dirigirá la "Suite Escita" de Prokofiev, Tres piezas de "Wozzeck" de Berg, "Amériques" de Varèse y "El Mandarín Maravilloso" de Bartók, además de obras de Cirilo Vila y Roberto Falabella. Igualmente, ha propuesto un programa dedicado al Grupo Tonus, con composiciones de Fré Focke, León Schidlovsky y Juan Allende-Blin. "Ojalá que se confirme", cierra.

viernes, noviembre 16, 2018

Los Latin Grammy 2018 se volcaron a lo urbano y la excepción fue Jorge Drexler

El Mercurio

La nueva sensación española Rosalía, que estará en Lollapalooza, instaló su nombre en una premiación que no le entregó gramófonos a la música nacional y el uruguayo triunfó en importantes categorías: Canción y Grabación del Año. 

José Vásquez Enviado especial

Las Vegas La reunión podría haber asomado como improbable, pero ese es un término que hoy no se pronuncia en la música urbana.

Marc Anthony también cruzó a este bando y anoche sobre el escenario apareció acompañado por Will Smith, quien además de ser una estrella de Hollywood, también incursiona en la música. A ellos se les suma Bad Bunny, y la fiesta en el inicio de la 19.a ceremonia del Latin Grammy comienza con "Está rico", que explota con pirotecnia fría, provocando que la gente que colma el MGM Gran Garden Arena de Las Vegas reaccionara de inmediato a un ritmo que se venera con religiosidad ya no solo en Hispanoamérica.

J Balvin lideraba anoche las nominaciones de una premiación que sintonizó con este género desde la partida. Rosalía, la nueva sensación de la música española y que ayer confirmó que irá en marzo próximo a Lollapalooza de Buenos Aires y Santiago, le ganó con su "Malamente" el gramófono en esta categoría al colombiano en Mejor Fusión/Interpretación Urbana y en la ecléctica Mejor Nuevo Artista, donde estaba nominado el cantautor chileno Benjamín Walker, fue decidor el triunfo de Karol G con su reggaetón y trap, en otra victoria femenina.

Algo similar ocurrió en Mejor Álbum Pop Contemporáneo donde el ganador fue Maluma por su "F.A.M.E.", remarcando que hoy lo urbano es el nuevo pop. Una sentencia que sin embargo el cantante matizó tras bajar del escenario y encontrarse con los medios. "Aunque la gente hablaba mucho de 'Cuatro babys', finalmente este era un disco más pop", defendió el ídolo colombiano.

Más tarde, J Balvin obtuvo su gramófono en su categoría: Mejor Álbum de Música Urbana.

Mon Laferte en el escenario

La aparición de la cantante chilena, nominada en esta ocasión a Canción del Año por "Antes de ti", fue para acompañar esta vez a Jorge Drexler -el más ganador de la noche con tres premios-, justamente en el tema que se impuso anoche en esa categoría y en Grabación del Año: "Telefonía", que interpretó junto a Natalia Lafourcade y El David Aguilar, para una versión tal como el uruguayo grabó en el estudio, solo con guitarras, utilizando este instrumento como percusión, algo que conquistó a la Academia de la Música.

Antes de la ceremonia, en conversación con "El Mercurio", Drexler comentaba que a pesar del poco tiempo de ensayo que tuvieron, "cuando las piezas de un engranaje son del nivel que tienen estos artistas, el ensamblaje siempre será muy fácil. Además, somos un grupo de amigos que nos queremos y admiramos mutuamente", dijo, entusiasmándose con llevar a un nuevo nivel esa cercanía: "estaría increíble salir de gira con este grupo".

Pifias para Luis Miguel

La popularidad del cantante, nuevamente en alza gracias a su serie de Netflix, esta vez fue de la mano con el reconocimiento musical. Luis Miguel se impuso anoche en Álbum de Música Ranchera y el importante premio de Álbum del Año, presentado por Thalia, quien bromeó con su viral. Pero cuando el Sol de México no apareció para recibir su gramófono, obtuvo una sonora pifia del público, rechazando su ausencia.

El bochorno de la noche lo sufrió Carlos Vives durante su performance junto a Monsieur Periné para el tema "Hoy tengo tiempo". El colombiano promediaba su presentación cuando la pista musical saltó dejando en evidencia su doblaje.

Galardones Los Latin Grammy son parte de la temporada de premios de TNT, que emitirá, además, Miss Universo el 16 de diciembre; los Globos de Oro, el 6 de enero, y los Oscar, el 24 de febrero, entre otros

 Palmarés
GRABACIÓN DEL AÑO:

"Telefonía" - Jorge Drexler

Álbum del Año:

"¡México por siempre!" - Luis Miguel

Canción del Año:

"Telefonía" - Jorge Drexler

Mejor Nuevo Artista:

Karol G

Mejor Álbum Vocal Pop Contemporáneo:

"F.A.M.E." - Maluma

Mejor Álbum Vocal Pop Tradicional:

"Hazte sentir" - Laura Pausini

Mejor Fusión/Interpretación Urbana:

"Malamente" - Rosalía

MEJOR ÁLBUM DE MÚSICA URBANA:

"Vibras" - J Balvin

MEJOR CANCIÓN URBANA:

"Dura" - Daddy Yankee

MEJOR ÁLBUM DE ROCK:

"Expectativas" - Bunbury

MEJOR ÁLBUM POP/ROCK:

"Geometría del rayo" - Manolo García

MEJOR CANCIÓN DE ROCK:

"Tu vida mi vida" - Fito Páez

Maná planea volver a Chile con nuevo disco

"El premio llegó en un muy buen año sabático", bromeaba Pher, el vocalista de Maná, de entrada en conversación con "El Mercurio", previa a su reconocimiento como Persona del Año en el Latin Grammy.

El cantante mexicano está acompañado de su banda y juntos cuentan que este 2018 apenas realizaron conciertos puntuales, pero que eso pronto va a empezar a cambiar. "El próximo año volveremos con una gira mundial que comenzará en Estados Unidos durante agosto", adelanta el guitarrista del conjunto Sergio Vallín.

"Esta premiación nos llega un momento de nuestra carrera en que sentimos que todavía estamos en un peak , seguimos con mucha energía y estamos muy contentos porque además ya vendrá material nuevo de Maná, seguimos muy prendidos", cuenta Pher.

"Todavía no ajustamos las fechas, pero luego de Estados Unidos iremos a México, Centro América y desde ahí bajaremos hacia el sur del continente", confirma Álex González, el baterista, señalando que el tour pasará por Chile, presumiblemente a finales de 2019 o comienzos del año siguiente.

Anoche la banda fue honrada durante la ceremonia e interpretaron en vivo un medley que incluyó sus temas "El muelle de San Blas", "Labios compartidos" y "Clavado en un bar".

jueves, noviembre 15, 2018

Lucho Gatica es despedido con varios eventos y será conmemorado en la radio y la TV



El Mercurio

Conciertos en su honor, una cadena nacional radial y un tributo durante el próximo Festival de Viña del Mar -que recién comienza a esbozarse-, son algunas de las medidas para recordar al músico.

Martín Cifuentes F.
El mundo de la cultura y espectáculo se estremeció por completo. Con la muerte de Lucho Gatica el pasado martes, no solo se despidió a una de las voces más reconocidas de la música popular chilena, sino también a la más internacional de ellas. Los adioses al llamado "Rey del bolero" fueron masivos y alrededor de todo el mundo, desde Rancagua hasta Perú, Venezuela, México y Estados Unidos, que ocuparon incluso parte de los titulares y espacios de canales como Telemundo y Univisión.

La noticia, como a tantos otros, tomó por sorpresa al Concejo Municipal de Viña del Mar. "Cuando nos enteramos del fallecimiento, lo comentamos en la mesa de inmediato", afirma el concejal Sandro Puebla, miembro de la comisión Festival de Viña del Mar. "Lógicamente, como parte de esto, propondré en la próxima reunión hacer algo en el Festival, considerando que también estará su sobrino como presidente del jurado de las competencias", agrega, refiriéndose al productor musical Humberto Gatica.

Pamela Hodar, concejala y también miembro de la Comisión organizadora, asegura que el contexto representa la instancia ideal. "Sería una gran oportunidad, por la presencia de su sobrino como jurado. La moción podría plantearse, porque sin duda Gatica es un ícono. Con él, el bolero fue lo más importante, así que es el momento adecuado para hacerlo", dice.

Tributos en proyecto

A Humberto Gatica, en caso de realizarse el homenaje en la sexagésima versión del Festival de Viña del Mar, le gustaría ser parte de él. "Pienso que sería una cosa muy especial y fantástica, porque es el momento perfecto. Como voy a estar ahí, me gustaría ver ese acto y, obvio, también participar", comenta al teléfono desde México.

Con su muerte, ¿qué se pierde? "Nada", se aventura a decir el productor, que ha trabajado con artistas como Cher y Celine Dion. "Nos dejó mucha música y toda quedará por siempre", complementa. Agrega que tiene proyectos para homenajearlo. "Se ha hablado de hacerle un documental. Es una idea mía, pero me gustaría que nos reuniéramos entre toda la familia para hacer algo, porque fue una persona súper importante para la industria de la música".

Ayer en México se realizó una misa con cuerpo presente para el cantante, cuyos restos serían cremados. Juanita Gatica, uno de los siete hijos del artista, explicó que todavía no habían decidido qué hacer con las cenizas.

Múltiples homenajes

Mientras el Gobierno decretó que hoy será un día de duelo nacional, en la natal Rancagua de Gatica se anunciaron tres días. Ayer, cientos de personas de esa localidad le rindió homenaje llenando de flores su escultura, instalada junto a la de su hermano Arturo en el Teatro Regional de la ciudad. Además, hoy a las 11:00 horas se realizará una misa en la Catedral local, a la que asistirá la ministra de Cultura, Consuelo Valdés. Las actividades concluirán con un Homenaje Artístico en el Teatro Regional, programado para las 20 horas.

Mañana, a eso de las 12:00 horas, todas las radios de la Asociación de Radiodifusores de Chile (Archi) realizarán una cadena nacional para conmemorar a Gatica y emitirán programación vinculada al artista.

En Santiago, entre las 18:00 y las 19:00 horas, se realizará un concierto en su honor en la plaza central del Centro GAM, que será encabezada por Lucy Briceño.

La televisión también lo celebrará. El sábado, a las 11:30 horas, La Red emitirá "Me casé con un cura" (1968), una de las últimas producciones para las que trabajó Gatica y también una de las primeras que se transmite en un canal local en más de una década.

Desde TVN indican que están evaluando incluir homenajes a Gatica en sus festivales de verano, como los de Olmué o Talca. Desde Canal 13, que emiten el de Las Condes y Dichato, no descartan realizar una medida similar.

Para el 31 de enero próximo, se contempla también un homenaje al bolerista durante la noche de los balcones en el Rockódromo, en Valparaíso.

Ayer, durante la primera jornada de la Gira Teletón 2018, se pretendía realizar un pequeño homenaje previo al inicio del show.

Roger Waters presentó anoche su ambicioso y político show en el Estadio Nacional

El Mercurio

El ex Pink Floyd llegó con un arsenal de éxitos de su antigua banda y una espectacular puesta en escena. El artista también incluyó un homenaje a Víctor Jara. 

Raimundo Flores S.
Apenas antes de las 21:00 horas, los focos del Estadio Nacional se apagaron mientras la larga pantalla que estaba detrás del escenario proyectaba la imagen de una mujer contemplando el mar que apenas se movió por más de 20 minutos, pero que, poco a poco, dio paso al sonido de las primeras melodías y finalmente a la aparición de Roger Waters y su banda, interpretando "Breathe (in the air)", ante el entusiasmo de un público transversal donde confluyeron fanáticos de distintas generaciones.

A diferencia de la última visita de Waters a Chile, en donde el concierto giró principalmente en torno al álbum "The Wall", esta vez el show no solo repasó ese título, sino que de otros como "Wish you were here", "Animals" y "The dark side of the moon", álbum que acaparó, luego del inicio, las primeras canciones de la jornada con temas como "Time" y "The great gig in the sky", que contó con el lucimiento de las coristas Jess Wolfe y Holly Laessig.

Luego vino "Welcome to the machine" a la que le siguieron algunas de las canciones del último disco solista de Waters, "Is this the life we really want?" (2017). A pesar de la diferencia de más de 40 años entre estas canciones y los clásicos de Pink Floyd, el salto entre una época y otra se dio con naturalidad gracias al tono inconformista y la crítica política presente en las nuevas composiciones.

El concierto siguió con la coreada "Wish you were here" para luego insertarse brevemente en el imaginario de "The wall", que incluyó "Another brick in the wall" con el acompañamiento de un coro de niños que aparecieron disfrazados de reos y que mostraron poleras con el mensaje "Resiste".

Después de un intermedio de 20 minutos, el show entró en su recta final mostrando toda su artillería. En las pantallas se recreó la icónica central eléctrica de la portada de "Animals", que dio paso a la interpretación de "Dogs", en donde Waters mostró una pancarta que decía "que se jodan los cerdos". Luego vino "Pigs (three different ones)" durante la cual se proyectaron imágenes de Donald Trump y algunas de sus frases más polémicas. Durante ese momento, también, un cerdo inflable sobrevoló el estadio con el mensaje "sean humanos". La canción remató con el mensaje en las pantallas de "Trump es un cerdo" que recibió la ovación del público.

Las últimas canciones de la jornada incluyeron clásicos como "Money" -con aplaudidos solos de saxo y guitarra- y "Brain damage", en la cual con ayuda de luces y una esfera voladora gigante se proyectó en tres dimensiones la portada de "Dark side of the moon".

Después de presentar a la banda, Waters pidió su telefóno celular, habló sobre su encuentro el martes con Joan Jara y le dio play a "El derecho de vivir en paz", mientras se proyectaba una foto de Víctor Jara, momento que recibió la mayor oleada de aplausos de la jornada.

Para el cierre quedó "The gunner's dream", que no estaba prevista en el repertorio inicial, y la emotiva y"Comfortably numb".

Según cifras de la productora, 52.000 personas llegaron ayer hasta el Estadio Nacional en lo que significó la tercera parada latinoamericana del tour "Us + them" que ya había pasado por Brasil y Argentina y que ahora seguirá por Perú, Colombia, Costa Rica y México.

La famosa Lydia Kavina lidera desde mañana el IV Festival de Theremin en el GAM: Cien años del theremin: en Chile parte la fiesta

El Mercurio

Romina de la Sotta Donoso
En 1920, el físico ruso Léon Theremin estrenó un instrumento que suena sin ser tocado gracias a dos antenas que perciben cómo las manos interrumpen el campo electromagnético. El theremin se integró inmediatamente a las grandes orquestas y luego los cineastas lo convirtieron en sinónimo de la irrupción de extraterrestres en nuestro planeta.

"El theremin no es solamente ese instrumento de la música clásica con efectos curiosos, sino que además dialoga perfectamente con otros instrumentos, en cualquier género", aclara Agnes Paz Evseev, directora del IV Festival de Theremin, que se realizará desde mañana y hasta el domingo en el GAM, y el martes en Valparaíso.

Por eso, ahora el festival integra el rock y el free jazz que explora Blueblut (Austria), o al diálogo con sintetizadores que hace Coralie Ehinger (Suiza).

La estrella del festival será Lydia Kavina, la intérprete más famosa del instrumento en el mundo. "Gracias a ella, el theremin llegó a Occidente", dice Evseev. Kavina nació en Rusia y aprendió a tocar con Léon Theremin, su tío abuelo, pero se radicó en Gran Bretaña, donde ha formado a las nuevas generaciones. Además de dar el recital de apertura, Kavina actuará el domingo en el concierto "Theremin 100 años", junto a Thorwald Jorgensen (Holanda), el pianista Dante Sasmay y el Ensamble Lagar, celebrando en forma anticipada el centenario.

El repertorio de ese día será una sorpresa, pero Evseev adelanta que "mostraremos un siglo de historia, con piezas de los años 50, como 'Free Music', de Percy Grainger, con cuatro theremines juntos, además de guiños a la presencia del instrumento en Hollywood, con música súper reconocible para el público. Y Kavina estrenará un arreglo que hizo para cuarteto de cuerdas y theremin del 'Andante', de Alfonso Leng".

Habrá seis conciertos y clases abiertas para niños y para adultos, todo gratuito, además de una academia de theremin que se está realizando en la Casa de los Diez (Electromagnetica.cl).

Reedición en tres vinilos del sello Lago Frío: El Cometa del jazz rock vuelve a pasar 30 años después

El Mercurio

Se abre una nueva oportunidad de apreciar la música del grupo Cometa, experiencia pionera en las vanguardias de la época. 

IÑIGO DÍAZ
Con un ostinato impulsado por el bajo eléctrico, la música va tomando temperatura y cuerpo. Fue la composición que estos músicos tomaron como ariete en 1982 para el proyecto de una banda vanguardista en la historia del jazz chileno. La pieza, de creación colectiva, fue titulada "Cometa" y llegó a ser tan poderosa que terminó bautizando al grupo: Cometa.

"Era un tema muy sólido pero quedó rezagado. Ahí se reconocen todas las influencias que teníamos, el Miles Davis del disco 'Bitches Brew', Hendrix, John McLaughlin, Joe Zawinul, Jaco Pastorius. Por alguna razón, nunca la grabamos", rememora el baterista Pedro Greene, uno de los fundadores de Cometa, quinteto pionero en el jazz rock en Chile. "No podría atribuirme ser los primeros en instalar esa música en Chile, porque todo fue un proceso donde participaron muchos músicos. Fue una concatenación", agrega.

Con vigencia entre 1981 y 1989, el grupo recuperó las cintas originales de su único disco, editado como casete hace justo 30 años por EMI, y lo está relanzando en una edición limitada y de lujo, en formato de triple vinilo a través del sello Lago Frío. Allí se presentaba a la segunda de las formaciones del grupo: Pedro Greene (batería), Pablo Lecaros (bajo), Andrés Pollak (piano), el fallecido Andrés Miquel (teclados), Marcos Aldana (saxo tenor) y el veinteañero Ángel Parra (guitarra).

"Mucha gente que vio a Cometa en esa época quedó sorprendida por el sonido que tenía; los timbres modernos de los teclados y el trabajo de Ángel Parra. Venía llegando de Francia con estudios y eso se notó en la música. Manejaba los efectos y tenía un sonido fresco, cercano a Pat Metheny", dice el musicólogo Álvaro Menanteau.

Material inédito

La grabación será presentada en un único concierto el 29 de noviembre en el Anfiteatro Andes (Alonso de Ovalle 1465), con una reunión espontánea de los músicos, encabezados por Greene, Lecaros y Pollak, que de paso integran el grupo La Marraqueta. En 2005 grabaron ese tema extraviado: "Cometa". "Fue el primer rescate que hicimos. Y ahora lo volvimos a recuperar", señala Greene, en referencia al material inédito que se escuchará en la caja de vinilos.

Además del disco de 1988, se incluyen pasajes de música de estudio que quedó fuera y también grabaciones del grupo en un concierto de 1986 en el Teatro Cariola.

"Nos habíamos conocido con Edgardo Riquelme (el guitarrista original) en la orquesta de Miguel Zabaleta en el Canal 11. Nos dimos cuenta de que nos gustaban los mismos héroes del jazz y los mismos discos de fusión. Después de tocar en el set de TV nos íbamos a improvisar a una casa en Bellavista. Ahí nacieron todas esas ideas musicales", cuenta Pedro Greene. "Cometa representa un momento de transición en la música de fusión en Chile, un intento de ponerse al día. Fueron un trampolín a lo que vino después con la generación de los años 90", cierra Álvaro Menanteau.

Hoy es la fiesta de la música latina

El Mercruio

Las Vegas se transformó durante esta semana en la capital de la música hispanoamericana en el mundo. Esta noche se llevará a cabo la 19 {+a} edición de los Latin Grammy, que se podrán ver en directo por TNT desde las 20:30 horas.

La ceremonia tendrá como show de apertura la participación musical de Marc Anthony y Bad Bunny junto a Will Smith para el tema "Está rico", además de presentaciones en vivo como la de Sebastián Yatra, Mon Laferte, Natalia Lafourcade, Jorge Drexler, El David Aguilar -ver nota relacionada-, Rosalía y J Balvin, los tres últimos entre los artistas con más nominaciones de esta edición: cinco, cinco y ocho, respectivamente.

El martes se realizó la entrega de los premios especiales, donde Yuri y Dyango fueron destacados, y anoche se festejaba a Maná con el reconocimiento a la banda como Persona del Año, quienes verían cómo artistas como Pablo Alborán y Enrique Bunbury iban a versionar sus canciones.

Hoy la premiación será antecedida por una alfombra roja por la que desfilarán los artistas en competencia. "La producción se ha esmerado cada año en mejorar y hoy tiene un montaje que no le envidia nada a ninguna de las premiaciones que hacen en Estados Unidos", cuenta Rafael Sarmiento, quien junto a Tamara Vargas realizarán los comentarios de la transmisión de TNT.

El David Aguilar: "Me encanta que me comparen con Agustín Lara"

El Mercurio

El mexicano, a quien Mon Laferte posiciona como el mejor compositor de su país, habla de sus cinco nominaciones al Latin Grammy y su próxima visita a Chile en diciembre. 

José Vásquez Enviado especial
Las Vegas "No tenía buenas referencias, pero soy feliz dentro del ruido de esta ciudad", cuenta El David Aguilar mientras busca el sol en la terraza del hotel donde se hospeda, escapando por un momento del frío desértico del otoño norteamericano.

El cantautor mexicano, socio musical de Mon Laferte en su último álbum, donde participa con su voz y letra en "Si alguna vez", está aprovechando la vitrina que le ofrecen los Latin Grammy -ceremonia a la que esta noche llegará con cinco nominaciones-, para amplificar la repercusión de una carrera que hasta el año pasado, con seis discos publicados hasta entonces, había transitado por una vía alternativa de la industria de la masividad.

Fue en 2017, con "Siguiente", cuando el músico vivió el viraje impulsado por la crítica que respaldó su buen momento artístico. Mon Laferte lo tildó como el mejor compositor de su país. "El actual Agustín Lara", aseguró la chilena en su última entrevista con "El Mercurio".

"Son demasiados piropos esos, pero la verdad es que me encanta que me comparen con Agustín Lara y que se diga que provengo de esa tradición de la canción mexicana", cuenta el músico, que es parte de una generación de artistas que en el último lustro ha refrescado un ritmo como el bolero en su país proyectándolo a nivel hispanoamericano.

"Hay gente como Natalia Lafourcade o como yo que regresamos hacia atrás para hacer cosas nuevas. Tomamos la idea conceptual de buscar el impulso, agarrarse e ir luego para adelante", dice pensando en seguir en este camino: "Quiero hacer música tradicional mexicana, con tintes pop para que sea para todos. O que por lo menos quiera ser para todos y que si no lo logra, por lo menos lo haya intentado".

El David Aguilar ahora acaba de confirmar dos presentaciones en Santiago en diciembre, primero el 7 de ese mes en el Club Chocolate, abriendo el show de Kevin Johansen, y al día siguiente durante el bloque musical del Fiis (Festival Internacional de Innovación Social en el Parque Araucano). "Siento que Chile es una gran plaza para mí, suena Silvio Rodríguez en la radio y eso no pasa en ningún otro país. Eso no quiere decir que yo sea como él, pero da cuenta de una apertura de los chilenos ante la canción", cuenta y anticipa que ya prepara su nuevo regreso para 2019, esta vez extendiendo su visita a regiones en ciudades como Valparaíso y Concepción.

Esta noche, durante la ceremonia de entrega del Latin Grammy, El David Aguilar cantará junto a Mon Laferte, Natalia Lafourcade y Jorge Drexler, el tema "Telefonía" de este último. "Será un momentazo, estamos muy emocionados", señala. Y agrega: "¿Que por qué no cantamos 'Si alguna vez?'. Porque eso ojalá sea material para la próxima premiación, ya que acaba de salir", se entusiasma el mexicano.

 El debut de un chileno
"Nunca había estado acá y es todo muy loco", contaba ayer Benjamín Walker en sus primeros momentos en Las Vegas. El cantautor nacional está nominado como Mejor Artista Nuevo y junto a Mon Laferte son los únicos chilenos en competencia. "Para mí la nominación ya era una celebración", asegura.

Reloj no marques las horas: el último adiós a Lucho Gatica en México



La Tercera

Una ceremonia sencilla y privada despidió al cantante chileno en México, donde sus restos fueron cremados; a fin de mes, una vez completado su núcleo familiar, será el funeral definitivo.

Juan San Cristóbal

La lluvia se instaló temprano sobre Ciudad de México, un miércoles gris para despedir a Lucho Gatica, el chileno que llegó hace 60 años para convertirse aquí en la voz internacional del bolero. Su partida marca las esquinas de la capital azteca, radios y titulares tributan a quien llaman “uno de los suyos”, situado entre los grandes.

Afuera, el mundo llora a un ícono de la canción, adentro el bolero se desliza sereno entre familiares y amigos, un pequeño grupo que en silencio lo despide en el Panteón Francés. Flores a nombre de Armando Manzanero, Alejandro Sanz o la familia Castro, entre otras voces que manifestaron su pesar. Julio Iglesias dice adiós a su “queridísimo compadre”, y sus hijos esbozan una cercanía con Rancagua, la ciudad que hoy vive duelo oficial.

“En la intimidad cantaba siempre, siempre, ‘La cueca del viento’, no puedo hablar en público de esa canción, pero sí su significado está enraizado con su faceta chilena”, señala Juan Campo, compadre y de sus más cercanos: “Luego se viene a México y su primer gran éxito fue No me platiques más, de ahí se abre una historia que ya es leyenda”.

Su hijo: “Lucho Gatica hay solo uno”
Fue Luis Gatica Mercado el hijo que prosigue ligado al espectáculo, actor mexicano quien hoy toma la voz familiar. “Lucho Gatica hay solo uno”, aclara, “cuando comencé mi carrera él puso atención a mantener mi nombre por delante. Y así será”, señala, no sin tomar la posta artística: “Trataremos de llevar el apellido lo mejor posible”.

“Como padre era un desmadroso”, sonríe, “reunirse cada vez con él siempre fue no menos de diez botellas, no paraba con los chistes y el sacerdote dijo que mi padre estaría con San Pedro brindando con ron, pero sin duda que estaría bebiendo un vino tinto. Si bien Cuba lo erige en el bolero, mi papá es chileno y elegiría un vino”.

Entre las anécdotas, Gatica Mercado recuerda que “una de las princesas de España, que es no vidente (N. de la R. Margarita, hermana menor del rey Juan Carlos), pedía acercarle el rostro para tocarle su cara, fue parte de las amistades en ese país que más tiempo extendió. Siempre que pasamos por España, pasó su rostro por las manos de la princesa”. El recuerdo ibérico también incluye a Rafael, Alejandro Sanz y Julio Iglesias como sus cercanos en Europa.

–¿Cómo esboza la figura de Lucho Gatica?

-Fue considerado el rey del bolero en todo el mundo, cantó en lugares donde nadie soñó que podría pegar. Hasta hoy su difusión en Japón es muy amplia y querida. El primer disco de boleros de Luis Miguel ya incluye varios temas suyos y el bolero hoy aspira a ser Patrimonio de la Humanidad. Es lo primero que se puede ver.

–El bolero se mantuvo presente hasta hoy…

-Si, es la música que quisimos para este momento. El bolero es romántico y triste, habla de extrañar a la persona amada. Así como hay boleros hay historias, y sería extraordinario un bolero que hablara de mi padre.

miércoles, noviembre 14, 2018

Lucho Gatica Adiós al rey del bolero



El Mercurio

Fue la estrella indiscutida de la música nacional. Se codeó con grandes de la industria y recibió múltiples reconocimientos por su aporte a la cultura en Chile y el extranjero. Le sobran las distinciones y los logros acumulados durante siete décadas de trayectoria. Una que finalizó ayer, con su muerte a los 90 años.

Por Equipo Espectáculos

Llegó a los 90 años de edad como una de las figuras más respetadas de la música a nivel internacional. También probó suerte en el cine y dejó una huella imborrable con otros emprendimientos, como por ejemplo un vino que lleva su nombre y con el que también pasará a la posteridad.

Ayer, la noticia del fallecimiento en México de Lucho Gatica enlutó al mundo del espectáculo, luego de ser confirmada por su hijo Luis Gatica, actor mexicano de telenovelas y teatro, en su cuenta de Instagram con un simple: "Buen viaje! Te amo..." Desde ese momento, las condolencias y manifestaciones de cariño se hicieron escuchar en Chile y en el extranjero. Su natal Rancagua -que en septiembre festejó sus 90 años con la instalación de una estatua que recuerda a los hermanos Lucho y Arturo-, oficializó tres días de duelo para despedir al ídolo. La Presidencia también declaró duelo nacional para mañana.

Anoche en Las Vegas, durante la cena de entrega de los premios especiales, que reconoció la trayectoria de artistas como Yuri, Dyango, Chucho Valdés y Wilfrido Vargas, entre otros, se realizó un breve homenaje al fallecido cantante chileno. Gabriel Abaroa, presidente del Latin Grammy, recordó que el ídolo del bolero "fue uno de los primeros receptores de este premio -lo recibió en 2007-. Hace muchos años nos dimos el gusto y el lujo de honrar la carrera de don Lucho Gatica", señaló y luego pidió un minuto de silencio como tributo, el que fue seguido de pie por los presentes en un salón del hotel Four Seasons.

En 2013, en su última entrevista con "El Mercurio", declaró: "La muerte me da lo mismo. Llegará cuando tenga que llegar. La vida ha sido demasiado generosa conmigo. Siempre lo he pasado bien: me casé tres veces, viví muy tranquilo, con todos mis hijos nos queremos mucho, me dediqué a lo que me gustaba. Sería un malagradecido si me quejara. Cuando venga la muerte, la esperaré con alegría. Lo único que me queda es aprovechar cada minuto como si fuera el último".

"Destinado a triunfar"

Luis Enrique Gatica Silva nació el 11 de septiembre de 1928. Fue hijo de Agustín, un pequeño agricultor, y de Juana, una dueña de casa que le inculcó la pasión por la música a sus siete hijos: Humberto, Orlando, María, Arturo, José Agustín, Yolanda y Luis.

El primero que respondió a ese llamado fue Arturo, quien se encargó de iniciar a Luis en el mundo del canto al integrarlo en un dúo cuando sólo tenía 13 años. Sus primeros escenarios fueron el Instituto O'Higgins, donde ambos hermanos estudiaban, y la Radio Rancagua, donde comenzó a nacer la leyenda.

En 1945 Gatica se trasladó a Santiago y tres años más tarde inició una fructífera relación con el sello Odeón para grabar tres discos e inmortalizar canciones como "El martirio", "Las muchachas de la plaza España" y "Contigo en la distancia". Era el tiempo del bolero y con ello otros ritmos propios del Chile de aquella época, como el cha cha chá y la cumbia, comenzaban a perder espacio.

"En esa época era poco usual ver a un artista tan joven tener tanto éxito", explica Hernaní Banda, ex director de Radio Minería, en cuyos estudios Lucho Gatica ofreció shows memorables antes de dejar Chile para probar éxito en el extranjero. "Venía a trabajar desde Rancagua y sus seguidoras esperaban horas y horas para verlo cantar. Sus presentaciones siempre eran multitudinarias, además nosotros lo potenciábamos en otros programas como 'Discomanía' en el que la gente podía votar por sus canciones favoritas. Era un tipo con una tremenda voz".

El pianista Valentín Trujillo también fue testigo de aquellos primeros años en la vida del artista. "Fue un verdadero cohete como despegó su éxito. Era un bolerista excepcional y en gran medida le debe parte de su éxito a la influencia de su hermano Arturo. Su voz era inconfundible. Estaba destinado a triunfar", dice.

El salto internacional

Ya conquistado el mercado local, Gatica partió a México en 1957 e incursionó en el mundo del cine. Su fama se expandió. Ofreció conciertos en Cuba, España y Filipinas, entre otros países. En Estados Unidos, Capitol Records editó varios de sus discos, mientras la prensa rosa lo vinculaba sentimentalmente a estrellas como Ava Gardner.

El cantante José Alfredo Fuentes cree que el éxito de Lucho Gatica no amerita muchas explicaciones: "Que figuras como Julio Iglesias y Luis Miguel digan públicamente que admiran su voz, ya es prueba suficiente de su grandeza. Somos muchos los cantantes que hemos crecido bajo su influencia".

Su fama como cantante fue reforzada por su agitada vida social, plasmada en fotografías de la época en que el chileno hace gala de su amistad con otros grandes como Elvis Presley y Nat King Cole.

Hasta la fecha, el cantante ha vendido cerca de 40 millones de discos en todo el mundo. Un fenómeno que se da por el sello inigualable de Gatica, según explica el periodista Pablo Márquez, autor del libro "El rey Lucho cantaba boleros": "Su principal talento y activo era la forma en que interpretaba las canciones. Eso lo hizo único".

Aunque nunca disminuyó su popularidad, desde la segunda mitad de 1960 Gatica dejó de editar discos con el frenesí de antaño. En el último tiempo se mantenía vigente a través de quienes interpretaban las canciones que popularizó. Gloria Simonetti es una de ellas. "'El reloj' y 'Contigo en la distancia' siempre las integro a mi repertorio, es mi forma de mantenerlo vivo en el cancionero de Chile y mi forma personal de homenajearlo", dice la artista.

Una de las últimas presentaciones que realizó el cantante en Santiago fue el 2003. A los 75 años ofreció conciertos en el Hotel Hyatt y en el Teatro Oriente. Sus presentaciones coincidían con sus habituales visitas a Chile a principios de cada año, donde también aprovechaba de pasar tiempo con su hermana Yolanda, quien falleció el pasado 26 de septiembre.

Bianchi y Rancagua

Sus primeros años en la música los pasó junto al pianista, compositor y arreglista Vicente Bianchi. Las primeras grabaciones fueron en el domicilio de Bianchi en La Reina, donde nacieron boleros como "No te vayas amor" y "Despierta corazón". Ambos se conocieron durante las sesiones en vivo de Radio Minería y trabajaron juntos por casi 20 años.

"Fue una época de muchos recursos y él podía tocar con grandes orquestas de hasta 30 músicos que yo dirigía. En Chile tuvo un tremendo éxito, lo que nos sirvió para salir de gira por Colombia, Venezuela, Argentina, Uruguay y Paraguay. Nos pasamos casi toda la década de 1950 viajando", recordaba Bianchi a "El Mercurio" en 2013.

Cuando Gatica partió a México, se fue con arreglos elaborados por el pianista bajo el brazo: "Se hizo popular con mis colaboraciones. Fue una buena forma de partir en ese país, donde llegó a meterse en otro ambiente y a rodearse con otro tipo de personas. Logró el éxito, pero poco a poco dejó de cantar mis canciones, lo que fue una pena. Por eso creo que fue un poco ingrato conmigo", señaló para estas páginas el recientemente fallecido Premio Nacional de Artes Musicales.

"Uno quisiera que estos artistas como Juan Gabriel, como él, que nunca se fueran, que siempre se quedaran entre nosotros, pero es la ley de la vida y para allá vamos todos".
YURI
CANTANTE

"Era un hombre muy ponderado y siempre dispuesto a compartir sus experiencias con la gente joven. Haber compartido a su lado fue un verdadero privilegio".
GLORIA SIMONETTI
CANTANTE

"Es el maestro de todos los cantantes, no solo de Chile sino que de México. Allá se ponen de pie para nombrarlo, le dicen señor Lucho Gatica, el rey del bolero".
PALMENIA PIZARRO
CANTANTE

"Era el cantante favorito de mi padre, que siempre decía 'estos chicos que cantan ahora boleros los cantan muy bien, pero como Lucho Gatica, ninguno'".
ALEJANDRO SANZ
CANTANTE

"Pienso que ha sido el más grande bolerista de la historia, y yo lo nombro siempre en mis conciertos, sobre todo en Chile porque es amigo mio, aunque haya muerto es amigo mio".
DYANGO
CANTANTE

"Fue reconocido y admirado por todos. Yo fui testigo, estando con él no hace muchos años, de cómo Maria Bethânia le hacía reverencias".
ANDREA TESSA
CANTANTE

"Todo lo que se vaya a escribir de la música latina en términos de bolero tiene que pasar por Lucho Gatica obligado, porque es el hombre que con su voz, con su manera de cantar, enseñó el espíritu de la preciosura".
WILFRIDO VARGAS
CANTANTE

"Fue un gran embajador de Chile, llevó el canto, el bolero, el romanticismo y la chilenidad prácticamente por todo el mundo. Estamos tristes, pero estoy segura de que Lucho nos va a seguir haciendo cantar siempre".
CONSUELO VALDÉS

Legado en el cine: Triunfó en México e inspiró a Almodóvar

Participó en una decena de títulos en los años 50 y 60. Y el impacto en su vida personal también fue notorio, ya que gracias al séptimo arte conoció a su primera esposa.

Equipo Espectáculos
La huella de Lucho Gatica en el cine se puede ver entre 1956 y 1968, cuando participó en una decena de películas mexicanas, de las cuales pocas se conocen. Los periodistas Ascanio Cavallo y Antonio Martínez, durante la investigación para su libro "Chile en el cine", analizaron estos títulos.

"No en todas ni en forma explícita, pero sí es un extranjero y es muy marcado su acento", explica Cavallo sobre la identificación de la nacionalidad de Gatica en las películas. "No me platiques más", de 1956, fue su debut. Si bien no aparece en los créditos, sí lo hace en una escena donde canta el single que titula el filme. "Esa canción la escribió Vicente Garrido para él, cuando llegó a México. Y el disco vendió un millón de copias. Como era costumbre de la época, agarraron el título para armar una película", relata el crítico de "Sábado". El mismo caso corresponde a "Cucurrucucú Paloma", de 1965, en la cual Lucho también participa con su voz.

Al rancagüino se lo buscaba por su popularidad como cantante. No hay largometraje en que no tuviera una intervención musical. En 1957, tuvo un papel en "Teatro del crimen", donde canta varias canciones, en la primera de cuatro colaboraciones con el prolífico director Fernando Cortés. El cineasta puertorriqueño estaba casado con Mapy Cortés, una famosa y atractiva vedette, comediante y bailarina. Ambos emigraron a México con su sobrina, la Miss Puerto Rico María del Pilar Cordero Mercado, quien luego pasó a llamarse Mapita Cortés. Ella, por medio de sus tíos y el cine, conoció a Lucho. En 1960 se casaron y el matrimonio duró 21 años.

También participó en "Cada quien su música", de 1959, película dirigida por Mauricio de la Serna que coprotagoniza con el tenor y actor mexicano Pedro Vargas. Trata de cuatro amigos que viven juntos, pero dos de ellos cantan boleros -Gatica y Vargas-, mientras los otros entonan rancheras. "Se produce una especie de enfrentamiento entre el mundo del bolero y el mundo de las rancheras, dos mundos populares", describe Cavallo.

Otra película bastante más ranchera es "Viva la parranda" (1960), también de Cortés, donde el cantante compartió escena con Miguel Aceves Mejía, uno de los pilares insignes de la canción tradicional mexicana, junto a Jorge Negrete y Pedro Infante.

En 1960 tuvo un papel en "Las canciones unidas", una suerte de parodia de la ONU, en la que la música reemplazó a la diplomacia. Está dirigida por cuatro cineastas, cada uno con un segmento, y el que protagoniza Gatica está a cargo del chileno Tito Davison. Sobre este último, Cavallo señala que "era uno de los pocos aceptados en el Sindicato de Cineastas Mexicanos. Él era como el embajador de Chile". En aquel capítulo, el bolerista está detrás de un escritorio sobre el cual hay un cartel que dice Chile. No quedan aquí dudas sobre su procedencia.

El cineasta español Pedro Almodóvar, en su filme "Entre tinieblas" (1983), utiliza el bolero "Encadenados", grabado por Lucho Gatica en 1957. Esta es la historia de Yolanda Bel (Cristina Sánchez Pascual), una cantante de cabaret que llega asilada al "Convento de las Redentoras Humilladas". Entonces, Julia, la Madre Superiora (Julieta Serrano), inicia con ella una relación lésbica, cuya consumación se produce en una escena pivotal: enfrentadas una a la otra, ambas cantan a dúo encima de la grabación de Gatica. "De alguna forma, es como un duelo entre ambas mujeres. Es una secuencia notable, porque tiene esa cosa de amor arrebatado, amor profánico", interpreta Antonio Martínez.

El crítico profundiza aún más en la conexión entre el canto de Gatica y los intereses de Almodóvar: "El tipo de bolero, el gemido, la canción ahogada, era una representación de algo que tiene que ver con la pasión, con cierta suavidad, cierto terciopelo en la voz que estremece de pasión y de cariño. Por eso, Almodóvar lo usa en 'Entre tinieblas', porque algo tiene que ver el tipo de voz y el tipo de bolero con esta pasión arrebatada, pero contenida a la vez".

 "La historia musical lo recordará con letras de oro"

Por Mario Kreutzberger

La familia Gatica fue, desde siempre, una musical. A Lucho en realidad yo lo conocí más de adulto, como un artista establecido, cuando yo ya tenía mis programas y él era una figura de clase mundial.

Pero eso fue porque tuvo la capacidad de irse temprano de Chile y se transformó en un artista internacional que logró su objetivo plenamente.

Fue primero en América Latina, y todos los llamaron siempre el Rey del Bolero. Y ahí es donde uno se da cuenta de que la gran capacidad que tuvo fue la interpretación. Interpretó los boleros de manera única y personal, con un algo que lo hizo famoso alrededor de todo el mundo y, además, hizo recorrerlo.

Como su hermano Arturo se quedó en Chile, tuve más contacto con él, pero cuando me fui al extranjero me acerqué a Lucho. Éramos dos chilenos fuera de nuestro país y había algo en los modismos y en la manera de relacionarnos. La última vez que lo presenté, en 2013, cantó junto a Laura Pausini. Ella era jovencita, pero conocía toda la carrera de él. Sabía sus éxitos, y pudo hasta repetir las letras de algunas de sus canciones, como "El reloj".

Me atrevería a decir que, musicalmente, obtuvo el título de uno de los grandes de la música internacional, de gran representante de Chile. Y, además, es el único cantante chileno que tiene una estrella en el paseo de la fama de Hollywood.

Lucho Gatica tuvo una carrera tremendamente fructífera, porque hasta hace poco tiempo seguía actuando.

Lamentablemente, ha llegado la pérdida del gran cantante, que la historia musical va a recordar con letras de oro.

"Su arte maravilloso era cantar"

Por Valentín Trujillo
A nivel mundial, en un momento, Lucho fue sencillamente el mejor cantante latinoamericano. En el bolero, realmente fue primera figura en países como Cuba y México. Hizo todo lo que hay que hacer en la música: grabó con la orquesta de Nelson Riddle-una banda que era acompañante de Frank Sinatra-, grabó en inglés, grabó en Brasil con Antonio Carlos Jobim -el creador de "La chica de Ipanema"-, aquí en Chile con mi querido amigo Vicente Bianchi, con todas las orquestas famosas en México y en Cuba, y en Argentina grabó tangos

Los boleros grabados por él fueron una prolongación de un repertorio que vino a entregar primero Olga Guillot a Chile. Él las hizo a la forma de Gatica, se puede hablar del estilo de Lucho Gatica con su forma de frasear y su afinación. Fue tal el impacto de este hombre que en México los jóvenes, aunque no podían cantar como él, andaban con su jopo y sus seguidores entre otros son Manzanero, que fue su pianista, y Luis Miguel, que es el mejor en los últimos 30 años y fue un gran admirador suyo.

Antes había triunfado en Cuba, que es realmente la cuna del bolero, y luego vino lo de México, que ha sido un país generoso con artistas chilenos. Antes que él naturalmente estuvieron Sonia y Myriam, Los Cuatro Hermanos Silva y muchos otros.

La relación mía con él no fue tan fluida como sí con su hermano Arturo. Eran dos figuras muy diferentes, a pesar de ser hermanos. Aunque Lucho se codeaba con la crème de la crème era un hombre retraído. No se destacó por ser muy parlanchín, sencillamente su arte maravilloso era cantar.

Luis Valentín Ferrada, abogado de Colombina Parra, respecto de la fundación del poeta: "Todo está y no hay problema en mostrarlo"

El Mercurio

Ferrada señala que llevarán los documentos pedidos por la jueza cuando llegue la notificación. Por su parte, los abogados de Catalina y Alberto Parra definirán sus acciones a seguir a la vista de los papeles. 

María Soledad Ramírez R.
En la arista abierta entre los herederos de Nicanor Parra sobre la constitución de la fundación que llevaría el nombre del poeta, nuevas acciones judiciales se han pedido por estos días. La jueza Sofía Gutiérrez, del 12º Juzgado Civil de Santiago, decretó que la parte demandada por Catalina y Alberto Parra -su hermana menor, Colombina Parra- debe mostrar el mandato que le entregó Parra en 2001, instruyéndola a crear la fundación tras su muerte.

Esta notificación aún no llega a las manos de Colombina, pero su abogado, Luis Valentín Ferrada, señala que "todo está y no hay ningún problema en mostrarlo". "Este problema es muy simple. Ella está cumpliendo un mandato por escritura pública del año 2001, clarísimo, para ser cumplido después de la muerte de Nicanor, en orden a constituir una fundación con el nombre de él".

Ese mandato se fundamenta, explica el abogado, en una disposición específica del Código Civil, la 2.169. "En virtud de este mandato, Colombina hace envío de la escritura pública de la fundación, en la cual se establecen los estatutos y se designa el primer directorio", agrega Ferrada y señala que ahora están en la etapa de obtención de la personalidad jurídica de la entidad.

Ferrada señala que tienen todos los papeles que pide la jueza, excepto el que se refiere a las cuentas de la fundación. "Tendrá su cuenta corriente el día que esté constituida con el RUT y todo".

-La parte demandante señala que esos documentos no son válidos tras la muerte de Nicanor Parra.

"Es una falta de conocimiento legal. Porque si leen la disposición legal del Código Civil relativa a los mandatos que pueden otorgarse para ser cumplidos para después de muerte, expresamente hay una disposición que consagra esa opción como un derecho absoluto de la persona. Entonces, el decir lo contrario es una aseveración sin ningún fundamento".

Y Ferrada comenta: "Advierto que en vez de querer resolver sus problemas hay como una guerrilla de cosas muy menores, no sé por qué lo hacen, francamente".

Preparar demandas

Por su parte, el abogado de Catalina y Alberto Parra, Jorge Meneses, del estudio Grasty, Quintana, Majlis, señala que "ahora Colombina aparece queriendo cumplir un mandato extinto y obsoleto, luego de 17 años desde su otorgamiento".

Explica que la acción prejudicial "permite conocer y comprender el alcance de las actuaciones de Colombina, principalmente en lo relativo a la constitución de una fundación en la que el uso del nombre de don Nicanor Parra no es consentida por todos los herederos".

Agrega el abogado que "la exhibición de estos documentos, si existen, permitirá preparar las demandas que correspondan. Además, de ser efectivos los avances en la constitución de una fundación, la municipalidad que intervino también deberá revisar sus actuaciones".

Meneses señala que el tema relativo a la fundación "es una arista en el contexto de un conflicto mucho más grave, donde se debate la nulidad de un testamento aparentemente suscrito por don Nicanor un día antes de cumplir 103 años".

Pasó de un 4% del total al 4,7%: Ministra Valdés confirmó incremento del presupuesto para Culturas

El Mercurio

Ayer, en Valparaíso , la ministra Consuelo Valdés confirmó el aumento del presupuesto 2019 del Ministerio de las Culturas. El acuerdo, dijo, se logró "gracias a la voluntad de diálogo de todos los sectores". "Hemos hecho todos los esfuerzos para reponer los recursos para el quehacer de estas instituciones cuya labor es fundamental para el desarrollo cultural de nuestro país", agregó, en referencia al Museo de Arte Precolombino, Balmaceda 1215, el Teatro Regional del Biobío, el Museo Violeta Parra, Matucana 100 y la Fundación Teatro a Mil, beneficiarios del programa "Otras Instituciones Colaboradoras" a las cuales se les había recortado en un 30% la asignación directa. Ahora se destinarán $1.080 millones del Tesoro Público para recuperar esos "aportes basales", y se les exigirá una meta de ingresos propios, equivalente al 10 % del aporte. También se aumentó en $120 millones los fondos concursables, específicamente, para el fortalecimiento institucional del GAM.

martes, noviembre 13, 2018

Figuras de la Nueva Ola se reinventan al ritmo de la música urbana

El Mercurio

Seis recordadas voces, que hoy colaboran activamente junto a jóvenes artistas, se reunirán en un concierto el próximo 25 de noviembre en el Gran Arena Monticello. 

Bárbara Castro
Hay un intercambio constante de bromas, propio de un grupo de viejos amigos. Chistes sobre la edad, la evolución de la industria y los éxitos de antaño.

El círculo, formado por José Alfredo Fuentes, Wildo, Los hermanos Zabaleta y Germán Casas, asegura que la escena se repite tras bambalinas cada vez que estas figuras emblemáticas de la Nueva Ola se reúnen a repasar su cancionero, testimonio imborrable del fenómeno musical que irrumpió en el país hace poco más de medio siglo. Un cuadro que podrá verse en vivo el próximo 25 de noviembre en el Gran Arena Monticello.

Esta vez, el grupo de cinco intérpretes se presentará bajo el nombre de Los Inolvidables, dejando atrás su tradicional residencia en el Teatro Caupolicán, que varias veces albergó estos shows del recuerdo. El traslado, en sus palabras, es síntoma de la novedad que buscan inyectar en esta nueva formación en vivo, que estará bajo la batuta de Horacio Saavedra y en donde los duetos serán protagonistas.

"Siempre se habían hecho eventos de nuestra música, se juntaba un grupo, salían a cantar por turno y se iban para la casa. Ahora está la moda del feat , de invitar a alguien a cantar contigo y queríamos hacer eso, hacerlo como grupo", explica el Pollo Fuentes a propósito del show que tendrá, además, la participación especial de Marisa, otra recordada voz de las décadas del 60 y 70, y la segunda mujer en acompañarlos. En julio pasado, Gloria Simonetti interpretó sus éxitos junto a Los Inolvidables en el Casino de Viña del Mar.

La apuesta de dinamismo y colaboración sobre el escenario se replica en el estudio. Sin excepción, cada uno de estos cantantes ha trabajado junto a artistas y productores jóvenes cercanos a la música urbana.

Al igual que Gloria Simonetti, Wildo, que se declara seguidor del género, grabó un tema junto al dúo de reguetón Da Sweet, quienes sufrieron la pérdida de uno de sus miembros en agosto pasado. Pero estos experimentos no parecen ser sinónimo de éxito, incluso con sus fanáticos. "Cuando nos presentamos, la gente básicamente va a escuchar las canciones originales, no cabe mucho lo nuevo. El target no está ahí, está en las plataformas como YouTube", señala Wildo.

En un desvío del trabajo de sus colegas, Los hermanos Zabaleta se inclinaron por el reggae en el nuevo tema que preparan junto al grupo femenino Bien Morena. Mientras que Germán Casas prepara la producción de una versión renovada, con ritmo bailable, de uno de sus temas.

Con el reciente relanzamiento de su éxito "Tu cambiarás", en clave bachata, Marisa no se queda fuera del fenómeno, aunque asegura que no es una transformación total. "Pareciera que el reguetón llegó para quedarse, pero nosotros no vamos a hacer reguetón puro, pero podemos ir agilizando los ritmos de nuestra música propia", explica.

La tendencia se confirma con José Alfredo Fuentes, quien ya cuenta con una de sus canciones remasterizada junto al reguetonero Marco Bofi y planes para grabar una versión cumbia con Leo Rey. En su opinión, la clave detrás de este encuentro de generaciones responde al estado actual de la industria.

"La creación musical en este país se acabó el año ochenta. Si esos jóvenes se quisieran hacer famosos podrían regrabar todas esas canciones. ¿Pero qué pasa? Recurren a nosotros, porque es lo único que queda que no es plástico, que no es desechable", dice.

Medida prejudicial: Jueza pide los papeles de la Fundación Parra

El Mercurio

En la causa que sostienen los hijos de Nicanor Parra  -Catalina y Alberto contra Colombina- por la creación de la Fundación Parra, el jueves 8 de noviembre, la jueza María Sofía Gutiérrez, del 12 {+°} Juzgado Civil de Santiago, decretó que Colombina Parra deberá entregar al tribunal: los documentos constitutivos de la fundación, los estatutos o borradores de esta, la copia del poder entregado por Nicanor Parra en 2001 a Colombina para crearla y la escritura de cesión de los derechos hereditarios que configurarían el patrimonio de la entidad. La medida señala que en cinco días hábiles, a las 9:00 de la mañana, deberán presentarse los papeles en el tribunal.

"Norma" de Bellini en el Municipal de Santiago: Un elenco estelar con buenas voces

El Mercurio

Andrés Yaksic
"Norma", una cumbre del belcanto romántico y, según el propio Bellini, su obra más lograda, ha vuelto al Municipal de Santiago luego de 18 años, con un segundo elenco de alto nivel vocal. La estadounidense Elizabeth Baldwin, probablemente llamada a ser una Norma de lujo, posee un material vocal poderoso, con fiato extenso y volumen que destaca fácilmente por sobre coro y orquesta. Inicialmente algo insegura, algún agudo del primer cuadro sonó un tanto estridente, problema que fue desapareciendo en el curso de la velada. Su tarea por delante es profundizar el dramatismo en los matices de un rol en el que el público sueña con ver a una gran actriz trágica, además de una gran cantante.

Otro punto alto fue la Adalgisa de la soprano rusa Vlada Borovko, de bello timbre, alta expresividad y buen manejo de los piani . Ambas cantantes entregaron encomiables dúos, particularmente el dificilísimo "Sì, fino all'oreestreme" del segundo acto. El tenor ruso Kirill Zolochevskiy es un Pollione más lírico que heroico, con una voz agradable, pero desempeño dispar, con pasajes sin mayor proyección ni brillo. El bajo Önay Köse, un Oroveso de presencia escénica imponente, enaltece un papel sin oportunidades de lucimiento con una voz solemne, bien proyectada y de notorio color eslavo. Destacaron los chilenos, el tenor Rony Ancavil, un excelente Flavio, y la mezzo Evelyn Ramírez, una sólida Clotilde, rol que interpreta en ambos elencos.

La propuesta escénica, a cargo de la connotada regista Francesca Zambello, es desconcertante. La transposición a la Francia decimonónica no agrega nada valioso al mundo de los druidas en la Galia del 50 a.C., con el cual el libretista Romani inspiró a Bellini. Múltiples situaciones de su régie afectan la coherencia de la trama; como un ejemplo entre muchos, cuando Flavio advierte a Pollione del peligro que corren frente a los galos, eso tiene sentido en el libreto, porque ambos están solos, pero resulta absurdo si, a pocos pasos, los resguardan sus legiones.

Con todo, en lo visual hay logros estéticos. La escenografía (Peter J. Davison), aunque incongruente con el argumento, es grandiosa. El bosque sagrado es aquí una especie de templo romano en hibridación, con una estación de trenes del siglo XIX que se proyecta hacia un costado, dejando entrever altísimas columnas con capiteles corintios finamente trabajados; al parecer, eso representa el mundo exterior dominado por Roma, pero intriga que galos y romanos entren y salgan sin lógica perceptible. En ese marco poco inteligible, la magnífica iluminación de Mark McCullough, en constante movimiento, profundiza el clima emocional, como la intimidad en "Casta Diva" o la agresividad en "Guerra, guerra!". El bien cuidado vestuario (Jennifer Moeller) es acorde con la transposición, y las variaciones para la protagonista aluden a las cambiantes situaciones que ella enfrenta.

La Orquesta Filarmónica, dirigida por Pedro-Pablo Prudencio, entregó en fortissimo una obertura vertiginosa, incluso para el etéreo pasaje de "rapto místico" alusivo al dios Irminsul (que no volveremos a oír, porque esta versión omite la coda sobre ese tema tras el coro de guerra en el segundo acto). En contraste, la dinámica durante el resto de la obra ofreció varios tempi algo lánguidos que arrastran un tanto las largas melodías bellinianas. Es valioso que Zambello haya permitido al público escuchar la obertura y la magnífica introducción orquestal al segundo acto a telón cerrado y sin sobreponerle ninguna acción pantomímica; resulta algo infrecuente en nuestros días. Una vez más, el coro tuvo un desempeño excelente.

lunes, noviembre 12, 2018

Lorde volvió a cautivar con su pop onírico

El Mercurio

La neozelandesa regresó a Chile para encabezar un festival Fauna Primavera que, en su octava versión, no estuvo exento de problemas logísticos. 

Bárbara Castro
Vestida de vaporoso blanco y como salida de un sueño, Ella invitó a todos a su fiesta.

En perfecta contradicción con su público, una multitud millennials vestida de estampados llamativos con maquillaje y cabelleras igual de vistosas, Ella Yelich-O'Connor -el nombre real de Lorde- volvió a pisar el país, deleitando a sus seguidores y acaparando la atención del resto de los asistentes al festival Fauna Primavera.

La entrada sirvió de testimonio a "Melodrama", su segundo y más reciente trabajo que, fiel a su nombre, se aleja de la efervescencia adolescente de sus inicios con acelerados arreglos pop que versan sobre relaciones fallidas y la llegada de la adultez.

La noche del sábado en Espacio Broadway se transformó así en una ensoñación colectiva conducida por la neozelandesa, potenciada por atractivas visuales y una tropa de bailarines que la acompañaban en sus movimientos frenéticos sobre el tableado, a ratos haciéndola levitar.

Esta encarnación lúdica se apoderó así de las siempre coreadas "Team", "Tennis court" y "Royals", temas que la catapultaron a lo más alto con apenas 16 años y que la trajeron a Chile por primera vez en 2014.

Lo hiperactivo del festejo bailable demandó un interludio para recobrar el aliento. Despojada de su puesta en escena, la oceánica dedicó unas palabras a sus fanáticos antes de entonar, con visible emoción, las baladas "Liability" y "Writer in the dark".

El fervor del momento distaba de lo ocurrido un rato antes: al mismo tiempo que comenzaban a salir en escena varios de los platos fuertes de la cita, como At the Drive-in y Death Cab for Cutie, cientos de asistentes escucharon el debut de estas bandas en Chile a la distancia, gracias a las largas filas y espera de más de dos horas en los servicios de comida. Más tarde, con la psicodelia electrónica de MGMT de fondo, la escena seguía siendo la misma.

El mal rato parecía lejano mientras Lorde se acercaba a su cierre, que diseñado como una maratón imparable de hits , dejó al público sin aliento brincando al ritmo de "Green light", un final que hizo olvidar las bajas temperaturas de madrugada.

A la salida, los asistentes se toparon con un atochamiento vehicular que en ocasiones los obligó a extender su estadía en el recinto de Pudahuel por más de una hora.