miércoles, febrero 20, 2019

Luis Miguel recuperó su mejor versión con vibrante show en Santiago


martes, febrero 19, 2019

Álvaro Henríquez: “Tuve una etapa Marilyn Manson, pero ya se me pasó”

La Tercera

El artista habla de la recuperación post trasplante que ha marcado su último año, de cómo ha cambiado su vida, de su nula nostalgia por ese “otro lado” que lo llevó a su minuto más crítico y del show que revivirá su disco solista de 2004 en Concepción. “Hoy mi vida es completamente normal”, asegura.

Por Claudio Vergara

La metáfora le gusta a Álvaro Henríquez. La imaginó Ismael Oddó, músico de Quilapayún y hoy director musical del nuevo grupo con que el cantante revivirá gratis el 9 de marzo en el Teatro Regional del Biobío su primer disco solista. Ese ya lejano título homónimo de 2004 que asoma entre lo mejor de su obra, pero rezagado en el tiempo, pese a tener canciones como “Amada” o “Sirviente y no patrona”.

“Ismael me dijo que ese álbum es como un auto precioso, pero que está estacionado a la sombra y hace mucho tiempo que la gente no lo ve. Entonces ahora la gente lo tiene que ver”, dice el cantautor en torno a la producción que fue reeditada el año pasado, que nunca mostró demasiado en vivo y cuya carátula lo exhibe en una foto de su niñez vestido de hombre rana.

Pero cuando Henríquez se sacude de las alegorías, el viaje en reversa a 2004 se hace mucho más real. Ya en esa temporada había separado a dos grupos -Los Tres en 2000 y Los Pettinellis cuatro años después- y su carrera adquiría una inesperada dirección en solitario para un hombre acostumbrado al trabajo colectivo.

“Para mí fue una época de bastante duda. Después de Los Tres, para nosotros fue bien pesado llevar eso a cuestas, ser un ex Los Tres. De hecho, cuando se acabaron, en ese momento dije: ‘filo, no voy a hacer más música’. Así de heavy. Era muy difícil seguir, porque hubo una decepción con Los Tres y después con Los Pettinellis. Entre medio me había divorciado, era una época muy turbulenta. Tuve un sentimiento muy fuerte de no querer seguir haciendo música. El punto es que continué haciendo canciones. Entonces me dije: ‘¿qué voy a hacer con estos temas? ¿Se los voy a regalar a alguien?’ No pues. Y ahí se me ocurrió hacer un disco solista. Y uno muy personal”.

Entre esas composiciones figuraban ácidos retratos de relaciones personales ya fracturadas (“Marcas en el alma”, la propia “Sirviente y no patrona”); dedicatorias muchísimo más amables a su hija Olivia (“Amada”); un cover de la banda mexicana Los Tigres del Norte que originó un apodo que para muchos hasta hoy lo define (“Jefe de jefes”, aunque también advierte: “eso fue una broma, la gente se lo tomó muy en serio”); y otro tema singular, la cueca “Tengo más alcohol que sangre”, donde confiesa envalentonado: “Caramba tengo más alcohol que sangre/ caramba me lo dijo una enfermera”, para luego rematar con que “la sangre siguió oscura, la vida es plana/ Muerte no me persiga, vuelvo enseguida”.

“Eso fue proverbial, proverbial”, precisa en torno a esa canción casi profética escrita 14 años antes del período más crítico de su vida: cuando el 1 mayo de 2018 debió someterse a un trasplante de hígado debido a un daño hepático crónico producto, como informaron sus médicos, del consumo de alcohol.

–¿Qué sensación le da hoy tener que tocar ese tema y ver ese título: “Tengo más alcohol que sangre”?

-Lo que me da es risa: escribí mi propio futuro (se ríe). Lo mismo me pasa con “Hospital”. Cuando estaba en la clínica decía: pensar que yo escribí esa canción. La hice yo solito. Pero ya lo veo como una diversión y que tiene que ver con la diversión de las cuecas. Las cuecas y el folclor no tienen por qué siempre estar asociados al alcohol, al copete o al hueveo. Como las cosas han cambiado tanto para mí, ahora lo veo como cuando era niño y hacía una maldad. Cuando la escucho ahora, me da risa, alegría. Y mientras la he cantado en los ensayos, pienso: ‘pensar que después me pasó esto mismo’.

–Habla de “cuando un niño hace una maldad”. ¿Es una etapa que da totalmente por superada?

-Totalmente, porque uno va pasando por muchas etapas, sobre todo en este tipo de operaciones grandes. Entonces empecé a escuchar de nuevo algunos discos de Los Tres, cosa que no había hecho en años, décadas. Yo nunca escucho la música que hago. O sea, la hago, la mezclo, y después de cien tomas de mezcla, uno queda tirado, agotado; ya no quieres escucharlas más. Pero he estado oyendo algunas cosas y viendo otras por Internet y el comentario siempre es el mismo: ‘puta que somos buenos’ (se ríe). Digo: ‘qué bien todo, qué bien hecho, me siento orgulloso’.

–¿Por qué ahora retomó los discos de Los Tres? ¿Puede que su recuperación lo haya llevado a un ánimo más nostálgico?

-(Piensa) Como que he tenido más recuerdos de cosas, recuerdos más nítidos de cosas que hicimos con Los Tres o cosas privadas mías. No soy muy nostálgico, a mí me gusta ir siempre para adelante nomás. Hacer las cosas, dejarlas, asegurarse que estén lo mejor posible, y después de eso uno avanza, uno sigue. Es más bien ordenar mi obra, porque mucho de ello no estaba en Spotify. Y el hecho de revisitar Fome era una deuda pendiente con nuestros fans. Y las deudas se pagan.

–Desde que en agosto volvió a tocar, sólo tres meses después del trasplante, ¿cómo ha sentido su regreso más permanente a los escenarios?

-Una delicia. Podrás imaginar que, después de la recuperación, tocar en vivo es una delicia siempre. Lo disfruto mucho y en ese sentido también uno ve las cosas distinto. Uno las ve más ordenadas y más brillantes. Estoy pasando por un período bastante brillante.

–¿Fue una recuperación más rápida de lo que usted esperaba?

-Todos los doctores estaban bastante impresionados con la recuperación. Yo también, pero era lo que yo quería hacer. O sea, hay que tener mucho valor para darle y no bajar los brazos nunca. Al contrario, hay que hacer todo lo que hay que hacer, tener los controles con los doctores, etc.

–¿Siente que, para superar este momento, tuvo una fuerza de voluntad distinta a la de otros momentos de su vida?

-Bueno, el kinesiólogo con el que trabajo dijo que mi recuperación ha sido épica. Me cagué de la risa. Eran 24 sesiones y yo en 12 ya estaba bien. Aunque sigo con kinesiología y todo eso. Pero me sorprendí a mí mismo, me sorprendí al ir a tocar con los Café Tacvba (en agosto). Yo los quería sólo saludar, me dijeron: ‘¿nos aventamos una rolita?’. Me pasaron una guitarra de ellos, ensayamos rápido y al salir al escenario dije: ‘yo voy a ver las caras de la gente, en vez de que ellos me vean a mí’. Eso me motivó mucho a darle con más fuerza para la recuperación y ordenarme con las medicinas, ir a la clínica regularmente, hacerme chequeos.

–¿Hoy tiene una vida normal?

-Hoy mi vida es completamente normal, me siento muy bien y feliz de estar tocando de nuevo, porque eso es lo que uno mejor hace.

–¿Cree que cambió como persona a raíz del trasplante?

-Eso no lo sé, porque es un proceso largo, a nivel de sentimientos, de sensaciones. No es un período donde te pueda resumir cómo me siento. Yo me siento muy bien, contento, está todo funcionando, pero es mucha información la que uno tiene que procesar. Es un cambio de vida, eso sí, absolutamente. Un cambio de vida radical, pero que me gusta, lo estoy disfrutando mucho.

–¿No se arrepiente de haber hecho antes este cambio, de sentir que quizás desaprovechó su tiempo?

-Creo que las cosas pasan cuando tienen que pasar nomás y este fue el momento para pasar a otra vida. De lo que era antes a otra cosa. Pero lo que no sé es identificar exactamente qué, cuál es esa cosa.

–¿Es una etapa más iluminada?

-Sí, claro. Tuve una etapa Marilyn Manson, pero ya se me pasó. Menos mal que ya pasamos por eso. Pero algo muy importante: todo siempre de la mano de mi familia, que se portó increíble, y de la música. Mi hija, mi mamá, mi hermana, mi hermano, que se portaron increíbles. Uno ahí empieza a tomar la importancia que tienen esas cosas. Una familia fuerte, una familia unida, es muy importante. Pero es un cambio grande en la vida lo que me pasó, es muy marcador, es como tener un hijo. Así de fuerte. Es otra existencia, con otros paisajes, con otras personas. He caminado tanto por el otro lado y ahora me toca caminar por este lado y lo estoy disfrutando mucho.

–¿No extraña ese “otro lado”?

-No se extraña, porque también lo viví a full. Y esto es igual de fuerte, pero para bien.

–¿Un cambio definitivo?

-Si po. Claro, imagínate. Tiene que ser así. Un cambio de vida a meses de cumplir 50 años y me siento muy bien, con ganas de seguir haciendo música, de tocar, de hacer giras. Eso es lo que ahora me tiene feliz.

Descubra el profundo sincretismo de la música aimara en un disco

Romina de la Sotta Donoso
Cultura
El Mercurio

El Colectivo Etnomedia publica "Aymara (1976-1977)", que visibiliza un rico acervo ritual con raíces precolombinas, y lo distribuye en la región.



El colectivo de investigadores Etnomedia da un nuevo paso en la recuperación de la memoria musical de nuestro país, con la publicación del disco "Aymara (1976-1977). Registros de María Ester Grebe Vicuña". Al mismo tiempo, cierran un proceso que estuvo inconcluso por 40 años, al restituirles estas grabaciones a las comunidades del interior de Tarapacá que compartieron su acervo con la etnomusicóloga fallecida en 2012.

Tras varios años de visitas en terreno, al equipo de profesionales liderado por el antropólogo Mauricio Pineda solo le faltaba llegar a Isluga, en la comuna de Colchane, para completar su campaña de restitución. Y el 21 de diciembre pasado lo lograron, justo para la fiesta patronal de Santo Tomás.

"Llegamos con los discos como una forma de decir, 'Mire, la doctora Grebe grabó esto, lo traemos de vuelta y nos gustaría seguir trabajando con ustedes, ¿qué les interesa que hagamos'. Esa es la manera correcta. Este reencuentro es muy emocionante para las comunidades, porque los que aparecen registrados son sus tíos, padres y abuelos, y es muy potente volver a escuchar la voz en una cultura donde los conocimientos y la tradición se transmiten a través de la oralidad", dice Pineda.

La entrega la hicieron dentro de la lógica de esta fiesta patronal, es decir, sumándose a la entrega de regalos que hacen los padrinos. "Lo que uno ve en estas fiestas es que son procesiones y que tocan música en distintos momentos, pero estamos frente a una decantación de formas culturales y de procesos sociales que tienen una profundidad de 13 mil años. Entonces son rituales muy elaborados y complejos", aclara.

"En la Colonia se extirparon las idolatrías y hubo una fuerte persecución de las formas religiosas tradicionales aimaras. Entonces se produce el sincretismo y se adoptan los santos que caben más o menos en la temporalidad de sus fiestas anteriores", explica.

Los registros elegidos para el CD "Aymara (1976-1977)" fueron tomados en las fiestas patronales de Santo Tomás, en Isluga, y San Roque, en Chiapa, así como los carnavales de Ancuaque, Pisiga Choque y Enquelca. Para respetar la dualidad aimara en un sentido territorial, incluyeron a representantes del Arak Saya y del Manka Saya -partes alta y baja del valle- de las tres sonoridades rituales: sikuras, lakitas y bandas de bronces.

Los sikuras y los lakitas son conjuntos de flautas de pan o zampoñas. "Pero en el mundo andino la zampoña no se toca completa, sino que sus dos mitades se dividen en dos personas, por lo tanto ninguno de los dos tiene la escala musical completa y la música se conforma a partir de ese diálogo", dice Pineda.

Los sikuras son ancestrales y se fabrican en caña; los lakitas se consolidaron en los años 50 e incorporan el tubo de PVC. Y las percusiones que las acompañan son muy distintas: "Los sikuras tocan con una suerte de caja challera, y los lakitas, con percusiones de banda militar".

Además, existe canto en aimara, con acompañamiento de bandona -pariente del charango-. "Al sacrificar a los llamos se canta al aguatiri , que es el espíritu pastor, para que se lleve sus espíritus a pastar en el cielo", advierte Pineda. El disco está en Archivomariaestergrebe.cl.

"Esta música es una puerta de entrada para conocer la profundidad de la cultura aimara, que tiene mucho de astronómica y de observación de la naturaleza. Lo que investigaba la doctora Grebe es que las melodías, los 'toquíos' tradicionales, vienen a ser una suerte de mapas cósmicos en los cuales las notas corresponden a cerros o estrellas, y a la relación que hay entre estos", cierra Mauricio Pineda.

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lunes, febrero 18, 2019

Gloria Simonetti recuerda los 50 años de su triunfo en Viña


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La Vela Puerca: "Las canciones de rock van a seguir vivas"


Ya está en Chile: las exigencias que hizo Luis Miguel para sus cuatro conciertos en Santiago

Bio Bio

Por Emilio Contreras

Ya está en Chile Luis Miguel, el cantante azteca que esta semana se presentará los días 19, 20, 22 y 23 de febrero en el escenario del Movistar Arena.

Anoche, a las 21:00 horas, se reunió con sus músicos en el escenario del Parque O’Higgins para concretar los primeros ensayos de su visita, los que quedaron registrados en videos difundidos en redes sociales.

De acuerdo a datos del diario La Tercera, el “Sol de México” arribó la madrugada de ayer en un vuelo directo desde Punta Cana, donde optó por descansar unos días antes de retomar su gira internacional.

En Santiago lo esperaban sus fans y el equipo de producción, que ya alistó parte de las exigencias que la voz de La Incondicional hizo para su regreso a Santiago.

Según detalla el matinal de Chilevisión La Mañana, para esta ocasión se repetirían las 20 rosas blancas de tallo largo y sin espinas que pidió para su camarín en 2012, en el marco de su última visita al Festival de Viña del Mar.

Tres velas gigantes del mismo color y con aroma a jazmín, siempre en adornos de vidrio, también serán parte de la decoración de su momento a solas en Movistar Arena, además de 120 toallas blancas para su uso.

Este año, además, sumó un requerimiento especial: la disposición de basureros sustentables en todo el inmueble durante su presentación, para deshechos orgánicos, plásticos y de vidrio.

Según el matutino, para este jueves 21 de febrero (su “día libre” en medio de la saga de conciertos), Luis Miguel visitaría la viña Ventisquero donde producen un vino en su honor, bautizado como Único.

Vinos y un menú con productos marinos también fueron parte de sus solicitudes. “(Le gusta) comer mariscos y los vinos chilenos. Su plato predilecto son las machas a la parmesana. Le gusta la centolla fresca y de repente se come unos loco. Más que nada le gusta el piqueo, el congrio a la plancha”, comentó al matinal el chef Coco Pacheco, su anfitrión en visitas pasadas.

“Es un amante de los vinos, es un coleccionista, tiene una cava en Acapulco con más de 100 botellas. Cuando hablamos, hablamos mucho de vino”, agregó.

domingo, febrero 17, 2019

La historia íntima de los músicos venezolanos que han emigrado a Chile

Maureen Lennon Zaninovic
Música
El Mercurio

Destacados intérpretes hoy ocupan importantes roles en las principales orquestas y conservatorios de nuestro país. Aquí revelan las dificultades, los sueños y éxitos que están cosechando lejos de su tierra natal.



Hace más de diez años, el legendario director Claudio Abbado (1933-2014) señalaba al diario español El País su impacto ante un sistema orquestal que, a su juicio, para los europeos es absolutamente inspirador. "En Venezuela, la música tiene una función social muy fuerte que no he observado en ningún otro lugar, en ningún otro país. Todo esto ha sido posible, y sigue siéndolo, gracias al maestro José Antonio Abreu (fallecido en marzo del 2018), quien, con el apoyo del Estado, ha dado vida a un sistema musical que salva a los jóvenes de la calle, de la criminalidad, de la droga, y les ofrece la oportunidad -gratuita- de adquirir una cultura, lo que, en última instancia, significa hacerse una vida", señalaba Abbado.

Son varios los artistas del "Sistema" que brillan en las principales orquestas de todo el mundo. Algunos -como es el caso del director Gustavo Dudamel, que cuenta con una elogiada carrera internacional- siguen ligados laboralmente a su tierra; pero la gran mayoría, a raíz de la crítica situación por la que atraviesa el país latinoamericano, se han visto en la obligación de emigrar, con todo el esfuerzo y dolor que supone volver a empezar lejos de la familia y de las orquestas que los vieron nacer artísticamente.

La dramática situación de Venezuela impulsó hace un par de días al propio Gustavo Dudamel (director titular de la Filarmónica de Los Angeles, en Estados Unidos) a pedir en Twitter a las autoridades venezolanas el ingreso de ayuda humanitaria para sus compatriotas. "En momentos de crisis, la ayuda y la solidaridad deben ser recibidas. ¿Por qué no aceptarlas? Hay que abrir las puertas para que la ayuda humanitaria llegue imperiosamente a los venezolanos", expresó el músico.

Según cifras recientes entregadas por el INE, Venezuela se transformó en la primera población migrante en Chile con 288.233 personas. En esa línea, Claudio Pavez, director musical de la Fundación de Orquestas Juveniles e Infantiles (FOJI), complementa a "Artes y Letras" que en 2017 se produjo un éxodo importante de músicos de ese país a Chile. "En los años siguientes ese número se ha mantenido estable. En nuestros conjuntos hay varios casos emocionantes, entre otros, el pequeño cornista de ocho años Santiago de Jesús Castro Correa. Nacido en Caracas, integra la Orquesta Sinfónica Infantil Metropolitana (OSIM)", dice. Pavez considera que "lo que más rescato de estos músicos es su actitud y seriedad. Son dedicados, disciplinados y entregados. ¡Son muy serios! No hay que generalizar, pero aquí notamos la diferencia entre la disciplina de un chico chileno y otro venezolano". El director musical de la FOJI remata que le impresiona esta diáspora artística. "Los venezolanos están repartidos por todos lados: en Latinoamérica, Europa y Estados Unidos. Nosotros conocemos a los famosos, como Dudamel, pero hay muchísimos otros intérpretes notables", concluye.

El concertino venezolano de la Filarmónica

Richard Biaggini, concertino de la Orquesta Filarmónica de Santiago, ha sido ampliamente elogiado por la crítica local y en particular sacó aplausos en 2017, cuando a raíz de una enfermedad de último minuto de la mezzosoprano Evelyn Ramírez, brindó -en el Municipal y en reemplazo- una estupenda versión del Concierto Nº 4, de Mozart.

En conversación con "Artes y Letras", el músico rememora que formó parte del "Sistema" y que gracias al profesor José Francisco del Castillo pudo acceder a una beca y formarse profesionalmente como violinista. A los 15 años audicionó para la Orquesta Simón Bolívar y fue aceptado, pero como quería seguir creciendo como intérprete, decidió continuar sus estudios en Estados Unidos. "Mi escuela violinística es franco-belga y buscando a un gran profesor llegué a Indiana y conseguí formarme con Yuval Yaron", adelanta.

En 2009 regresó a su país y continuó apoyando a José Antonio Abreu a través de clases a jóvenes talentos. Posteriormente fue concertino en Colombia y en Texas (Estados Unidos) y desde el 2016 se integró a la Filarmónica de Santiago. "Chile ha sido para mí una gran experiencia, sobre todo porque antes estuve ligado a proyectos como solista y en la música de cámara. Al Municipal de Santiago se lo conoce por la ópera y el ballet, y eso hoy me permite desarrollar otros lenguajes", afirma.

Biaggini también valora sus inicios formativos en su tierra natal y el aporte del fundador del "Sistema". A su juicio "José Antonio Abreu nos dejó un gran legado musical y humano. Nos enseñó a mirar a la orquesta como si fuera una gran familia, con muy buena voluntad entre todos sus integrantes, sin necesidad de egos y peleas. Después, y eso es lamentable, este programa se vio ensuciado por temas políticos. Hoy está a un paso del desastre, sobre todo porque hay gente que se ha encargado de que no funcione. Para mí, el gran éxodo de venezolanos es una tragedia. Duele ver a un país que lo tuvo todo y hoy está tan mal. Es hora de un cambio y estoy seguro de que una vez que vuelva a su estabilidad, despegarán nuevos talentos".

La experiencia de un clarinetista

David Medina (36) es desde hace un año clarinete solista de la Orquesta Sinfónica Nacional de Chile (además de él hay otro instrumentista venezolano en este conjunto: el trombón Obeed Rodríguez). Medina comenta que ingresó al "Sistema" a muy temprana edad. "A los cinco años partí con el violín, siguiendo los pasos de mi mamá; pero a los 12 años lo cambié por el clarinete, como mi tío Valdemar Rodríguez. Él siempre fue mi ídolo. ¡Siempre quise tocar como él! Mi tío se formó con Luis Rossi, quien por la década del 70 estuvo en Venezuela (Rossi es un reconocido virtuoso argentino del clarinete y desde hace 40 años está radicado en Chile). En la decisión de trabajar en Santiago también primó la posibilidad de encontrarme con el maestro que formó a tantos intérpretes en mi tierra".

El músico venezolano rememora sus años de "gloria" en la Orquesta Simón Bolívar. "Grabamos discos, hicimos giras increíbles por todo el mundo y contamos con directores invitados de alta categoría, como Simon Rattle y Claudio Abbado". Medina confiesa que "vi cómo poco a poco muchos de sus integrantes originales comenzaron a emigrar, pero yo me mantuve. Aguanté hasta lo que más pude en Venezuela, pero a raíz de una situación personal tomé la decisión de buscar otras oportunidades. Es una pena que se esté produciendo una fuga de talentos tan grande. Es muy duro emigrar". El clarinetista -quien se encuentra en Santiago con su esposa y dos hijos- se muestra satisfecho por los logros de su carrera: "Es una maravilla haberme formado en el 'Sistema' y soy un gran agradecido de mi puesto actual en la Orquesta Sinfónica Nacional de Chile (el 22 y 23 de marzo, junto a esta agrupación interpretará el Concierto para clarinete de Aaron Copland). Este año, además, comenzaré a hacer clases en el Instituto de Música de la Universidad Católica", adelanta.

Un venezolano atípico

El violinista David Núñez (48) está radicado desde 2007 en Chile. Comenta a "Artes y Letras" que inició sus estudios en Caracas, junto al apoyo de importantes profesores argentinos y chilenos que por esos años vivían en el exilio. "Tuve la suerte de formarme con grandes docentes, así que la decisión de vivir en Chile también tiene que ver con esa admiración que partió en mi niñez", dice. Profesor del Instituto de Música de la UC e integrante del Cuarteto Surkos, Núñez está desarrollando una destacada carrera solista en nuestro país y en Argentina. Añade que si bien sus estudios iniciales fueron en Venezuela y estuvo ligado al "Sistema", siendo muy joven emigró y continuó con su formación en Bruselas.

"Me fui de mi país en 1988 y en se sentido quizás sea un venezolano un tanto atípico. Mis compatriotas suelen ser un poquito más nacionalistas; pero yo tengo una cierta distancia con esos nacionalismos. El haber vivido gran parte de mi vida afuera me ha permitido tener una mirada más amplia y panamericana", señala instalado en su casa de Peñalolén. Núñez ha sido testigo de cómo muchísimos músicos venezolanos "están llegando, se están adaptando. Los veo muy proactivos, armando grupos, tocando. Los venezolanos somos gente muy trabajadora y eso quedó en evidencia con esta enorme diáspora, y a pesar de que es tan triste dejar tu país y muchos los han hecho por necesidad, yo creo que a la larga esta experiencia va a ser un gran aprendizaje para todos".

El artista añade que por mucho tiempo "los latinoamericanos conocían a mi país por las telenovelas, los concursos de belleza y el petróleo, y ahí nos quedamos. La explosión del 'Sistema' fue maravillosa e hizo que muchos de nuestros músicos alcanzaran prestigio internacional".

David Núñez remata que actualmente en Chile somos testigos de un fenómeno revelador. "Hay abogados e ingenieros venezolanos que hoy trabajan en Starbucks o vendiendo arepas en la calle, pero en cambio el músico que trabajaba en una orquesta de mi país puede seguir tocando en México, en Argentina o en Chile. Eso es un mérito del 'Sistema' y una constatación de que nuestros músicos, estén donde estén, van a ser requeridos".

"Hay que abrir las puertas para que la ayuda humanitaria llegue imperiosamente a los venezolanos".
Gustavo Dudamel Director

"Muchísimos músicos venezolanos están llegando, se están adaptando. Los veo muy proactivos".
David Núñez Violinista

"Para mí, el gran éxodo de venezolanos es una tragedia...Es hora de un cambio".
Richard Biaggini Violinista

"Es una pena que se esté produciendo una fuga de talentos tan grande. Es muy duro emigrar".
David Medina Clarinete

La invasión urbana y latina ahora es una fiesta flobal


viernes, febrero 15, 2019

El nuevo proyecto de Ángel Parra estrena su primer registro y empieza a tomar vuelo

El Mercurio

"Agua bendita" es el nombre del trabajo que hoy estrena a través de las plataformas de streaming , Ángel Parra y Los Retornados. Se trata del EP debut de la banda, que tiene cuatro canciones. Entre ellas está la que le da el nombre al álbum, una nueva versión del tema que Los Tres publicaron en su disco "Hágalo usted mismo" y que se acerca más al espíritu de la composición inicial que realizó Parra.

"El tema como que volvió a su origen, así como Los Retornados son también como una vuelta al origen", explica Ángel Parra sobre la naturaleza del grupo, que en su primer registro se acerca a estilos como el blues y el rockabilly . "La música que tocamos viene a refrescar mis primeros años de acercamiento a la guitarra eléctrica y también a los orígenes de Los Tres, que es tocar las raíces del rock and roll ", señala.

Además de Parra, la banda la completan José Miguel Carrasco (guitarra), Nicolás Pozo (batería) y Tomás Brunetti (bajo), todos varios años más jóvenes que el exintegrante de Los Tres. "Ese acercamiento no vino de una necesidad mía, sino que vino de ellos hacia mí. Un respeto que me empezó a hacer clic, en el sentido de que lo bueno de salirse de las estructuras del pasado es justamente conocer músicos, porque los músicos se nutren de eso", dice Parra.

La agenda de conciertos para el grupo durante los próximos meses tiene como gran hito su show en el próximo Lollapalooza, aunque existen antes fechas en espacios más reducidos, como la que realizarán hoy en Coelemu, o sus presentaciones en Santiago en el Bar El Clan (23 de febrero), o en el próximo Festival de Jazz de Quilpué (3 de marzo). "El mundo independiente es el futuro de la música. Yo ya pasé por la gran industria y eso para mí ya no tiene significación alguna. Al contrario, me gusta mucho más estar cerca de la gente, tocar en lugares pequeños", apunta.

Parra adelanta que pretende estrenar un álbum de larga duración junto a Los Retornados dentro de este año, además de estar trabajando otros proyectos en torno a la obra de su padre, entre los que incluye la grabación de dos discos con composiciones que dejó antes de su muerte.

Problemas superados con Los Tres

El trasplante de hígado al que se sometió el año pasado Álvaro Henríquez y su exitosa recuperación tuvo como una de sus consecuencias que Parra retomara la comunicación con su excompañero de grupo. "Solamente le he mandado mensajes de cariño, de invitarlo a que nos tomáramos algo, un tecito obviamente", dice riendo el guitarrista, y agrega: "Él me agradeció los buenos sentimientos y no hemos tenido mayor contacto".

Acerca del concierto que realizará el grupo el próximo 10 de mayo en el Teatro Coliseo, donde repasarán su emblemático álbum "Fome", Parra dice que no fue invitado a participar, aunque tampoco le interesaría. "No tiene nada que ver en este momento, porque la banda está conformada y ellos tuvieron que hacer un gran esfuerzo para rearmarse y lo hicieron muy bien".

De todos modos, Parra aclara que los "momentos extraños" junto a la banda ya están superados. "Son personas que me gustaría ver en el futuro, incluyendo Álvaro. Hoy es el momento de que Álvaro siga adelante, que sigan los proyectos, que sigan Los Tres", afirma. "No estamos ni peleados ni nada por el estilo".

Destacado profesor inglés apoya talentos en Frutillar

Maureen Lennon Zaninovic
Cultura
El Mercurio

Mark Messenger , director de cuerdas del Royal College of Music, dicta un curso para violinistas y contrabajistas.



Tras una audición abierta, un grupo de estudiantes de violín y de contrabajo se encuentra participando durante toda esta semana en el Teatro del Lago de Frutillar en un curso de perfeccionamiento con Mark Messenger, director de cuerdas del Royal College of Music de Londres, considerado uno de los conservatorios de mayor prestigio a nivel mundial.

Para el profesional británico esta actividad pedagógica es un privilegio. "Este es mi primer viaje a Chile, pero con anterioridad participé en algunos proyectos maravillosos en República Dominicana. Para mí los jóvenes instrumentistas de América Latina tienen una conexión directa con la música y su emoción es un modelo. La forma en que se emocionan arriba del escenario no es común en Europa Occidental. Su imaginación y su deseo de expresar lo que hay en sus corazones a menudo supera sus dificultades técnicas", señala Mark Messenger.

Sabiduría y libertad

El profesor británico añade que también ha sido un estímulo trabajar en Frutillar con una amplia gama de jóvenes talentos y retroalimentarse. "Durante esta semana he buscado animar e inspirar a los chicos para que puedan tocar más libremente, con más sabiduría y confianza; pero sin olvidar que estudiantes y profesores compartimos un mismo viaje. Tal vez los maestros nos encontramos un poco más adelante, pero todos viajamos en la misma dirección y buscamos las mismas cosas".

Sobre el Royal College of Music y su reciente reconocimiento como uno de los más prestigiosos centros formativos de Europa, Messenger concluye que es un gran honor, pero que no diseñaron un plan táctico para obtener ese liderazgo. "Seguimos en el mundo de la enseñanza musical como siempre. En las cátedras de cuerdas respetamos y ayudamos a nuestros estudiantes para que puedan convertirse en los artistas del futuro. Tenemos estándares increíblemente altos, pero en lugar de imponer esas exigencias a los alumnos, los ayudamos a que ellos mismos puedan alcanzar ese nivel. Además, contamos con variadas oportunidades para que puedan actuar y expresarse en el escenario", dice.

El curso para cuerdas de violín y contrabajo culmina con un concierto, abierto al público, que se realizará hoy, a las 18:00 horas, en el Teatro del Lago.

Ley de cultura provoca polémica en Cuba

Cultura
El Mercurio





Un decreto que obliga a los artistas a profesionalizarse y vincularse con el Ministerio de Cultura levantó polémica en la isla del Caribe, acusado de ser incompleto, nebuloso y oscuro. Los más críticos lo llaman "decreto mordaza". La norma 349 busca sancionar el uso del lenguaje sexista y vulgar, y apunta básicamente al reggaetón, un ritmo de creciente éxito en la isla.

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jueves, febrero 14, 2019

Hermanos Zabaleta lanzan nuevo disco

Comunicado de prensa

Miguel y Antonio Zabaleta presentan su nuevo material llamado “Los Zabaleta Ahora”, en el que además de algunos clásicos incluye temas antiguos que no fueron conocidos y dos canciones nuevas. 

Los Hermanos Zabaleta, parte importante de la Nueva Ola y de gran connotación desde los años ’60, presentan su octavo disco de estudio “Los Zabaleta Ahora”. En este nuevo álbum, que incluye temas antiguos y nuevos, el dúo ha querido dar un nuevo sonido a su trabajo, con versiones más actuales y sonidos latinos.

El disco contiene 12 temas, donde se incluyen un par inédito, grandes clásicos y otros que fueron grabados por ellos anteriormente, pero que no tuvieron notoriedad. Dentro de las canciones conocidas se encuentran “Voy a ver” y “Estas herida”, que fueron conocidas al comienzo de los ’90, y “Piensa”, “single al cual le cambiamos el nombre a “Dime”, porque todo el mundo la conoce así, pero esta vez la hicimos en versión bachata”, adelanta Miguel Zabaleta.

“Locos de amor” será el primer sencillo del disco “Los Zabaleta Ahora”, que compuesto por Yorndano, cantante ítalo venezolano, fue un éxito en los años ’80 y que ahora tiene en una versión actual. En esta línea, Miguel Zabaleta explica que  “hemos grabado con muchos adornos de percusión latina, como bongó, congas y semillas, que hacen que los temas suenen más latinos. Además tenemos varios solos de guitarra míos e interpretaciones de guitarra y bajo de Antonio”.

En las próximas semanas, la dupla grabará el video clip de este primer single y comenzarán a producir el concierto de lanzamiento de este nuevo disco. “Los Zabaleta Ahora”, es un proyecto en el que llevan varios años trabajando, sin embargo por diferentes motivos no había podido ver la luz.

Para escuchar "Locos de amor", haga click aquí

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Festivales de blues se toman la cartelera en el sur de Chile

Gonzalo Cepeda Vergara
Cultura
El Mercurio

En Pucón, Región de La Araucanía, y en el lago Ranco, Región de Los Ríos, se desarrollarán los eventos de este género musical, con la presentación de 20 bandas en total.



Originario del sur de Estados Unidos, de la música de los esclavos, el blues es hoy un sonido universal. Y en el sur de Chile se reúnen sus exponentes nacionales y extranjeros desde hace siete años, en el Festival Internacional Pucón Blues.

Mañana y el viernes se desarrollará este encuentro en el hemiciclo de la Plaza Parque de Pucón, con entrada liberada, desde las 19:00 horas. Organizado por el colectivo cultural Chile Blues, y con el patrocinio de la municipalidad, este año contará con la presencia del grupo argentino El Alambique, las bandas nacionales Julius Popper, Zapatillas Social Blues y La Puzzy Doll; y dos bandas tributo: Revolver (The Beatles) y Tennessee (Creedence Clearwater Revival).

Este festival veraniego se completa con otras actividades culturales. La programación está en los perfiles de Pucón Blues en redes sociales como Facebook, Instagram y Twitter.

Más música en Ranco

Aunque en los últimos días ha estado en la noticia por otros temas, el tercer lago más grande de Chile, el Ranco, también tiene su evento de esta música. El V Festival Internacional de Blues Lago Ranco se realizará desde hoy y hasta el sábado, en la carpa ubicada en la costanera del lago, sector ex Casa del Cambiador, en Futrono.

Con el lema "el más austral del mundo", en este encuentro se presentarán las bandas El Cruce (Santiago), La Rata Bluesera (Valdivia), Magnolia (La Serena), Iván Torres & Zapatillas Social Blues (Santiago), CoolCats (Temuco), Andrés Campos & los del Sur (Puerto Montt), El Sur (Lago Ranco), 12 Bar Cats (Santiago), Pedro Peter (Osorno) y Jano Letelier (Chillán). Y también músicos extranjeros como Ricardo Tapia, líder de la premiada banda argentina La Mississippi, sus compatriotas de Blues de Garage, además de Kike Blues (Perú) y Panamá Harmónica (Panamá).

Organizado por Blues Chilenos Producciones, su director, Ricardo Huidobro García, señala que junto a la presentación musical "contaremos con una carpa donde se darán muestras de cervezas artesanales de todos los rincones de Chile. Serán 15 stands con mucha gastronomía local y artesanía".

El festival se inicia a las 20:00 horas y termina cerca de las 23:00. La entrada es liberada y desde la productora han anunciado que será transmitido vía streaming por ATV Valdivia.

Arte y cultura en Santiago: agenda de panoramas veraniegos

Cristofer Díaz Ríos
Cultura
El Mercurio

En pleno febrero la capital ofrece alternativas en artes visuales, cine, talleres, en museos, galerías y bibliotecas que están abiertos.



n Rutas temáticas en el Museo de Arte Precolombino. Durante todo febrero habrá recorridos guiados por especialistas, en torno a temas o a las muestras que acá se exhiben, temporales o permanentes. Son siete: "La fiesta de las imágenes en los Andes", "Chile antes de Chile", "América Precolombina en el Arte", "El poder del vestuario: identidad, prestigio y autoridad", "Vivir y morir en América Precolombina", "Lo femenino y masculino en América Precolombina" y "Olores y sabores Precolombinos". Están disponibles de martes a viernes, entre 10:00 y 16:00 horas. Además, desde el 1 de febrero, los adultos mayores (chilenos y residentes extranjeros) tienen entrada gratuita.

n "Aprendamos de paleontología" en el San Cristóbal. Hoy, en la Terraza Bellavista del Cerro San Cristóbal, se abrirá un stand organizado por el Consejo de Monumentos Nacionales, que busca dar a conocer la fauna prehistórica chilena y las distintas especies que habitaron el territorio. El módulo estará disponible entre 11:00 y 18:00 horas.

n Última semana de exposición " Taller 99/Providencia: Transcurso de Residencia". Hasta este sábado está abierta la exposición que muestra la historia del Taller 99 y la obra colectiva realizada en el lugar. Son 218 grabados, algunos de los cuales se remontan al año 1956, cuando Nemesio Antúnez creó este taller. Además de obras del mismo Antúnez, hay trabajos de Roser Bru y otros artistas en la muestra, que recopila 62 años de historia. En la Fundación Cultural de Providencia, de 10:00 a 19:00 horas, entrada gratuita.

n Jueves y sábados de cine en el Centro Nacional de Arte Contemporáneo de Cerrillos. Como parte del programa Hélice, durante todo febrero, y hasta el 30 de marzo, se estarán presentando obras audiovisuales ligadas al arte y al patrimonio cultural de diferentes países, en una iniciativa que cuenta con la colaboración de la Cineteca Nacional y el festival Ficwallmapu, entre otras organizaciones. Hoy se presenta el cortometraje "Sónec", que muestra el proceso de creación de un mapa sonoro en Valparaíso; y sigue el sábado con la película venezolana "El Dicaprio de Corozopando", sobre un pueblito perdido en el país caribeño. También habrá exhibición de cortometrajes. La cartelera completa se puede encontrar en Centronacionaldearte.cl.

n Romanticismo en la Biblioteca de Santiago. Inspirados en el Día de San Valentín, la biblioteca celebrará hoy con varias actividades. Una de ellas es "Por amor... regalo lecturas", donde estarán a disposición de los usuarios cinco títulos seleccionados, que muestren diferentes miradas al amor. Los visitantes podrán pedir estos libros en préstamo. Además, durante la jornada se leerán por altoparlantes obras románticas, junto con la intervención "Por amor", donde el público podrá escribir sus impresiones, poemas y citas en torno a este sentimiento en paneles de exhibición.

n Zona interactiva en el GAM: para aprender jugando. Un espacio interactivo se ha instalado en el centro cultural, en conjunto con la Fundación Mustakis y la productora PI. Son cuatro módulos llenos de tecnología, donde los niños podrán aprender de una manera lúdica y práctica sobre instrumentos musicales, danza chilena, obras emblemáticas de teatro y la vida de Gabriela Mistral. Esta zona interactiva estará abierta todos los días, entre 10:00 y 20:00 horas.

Dudamel aboga por el ingreso de la ayuda humanitaria a Venezuela

Cultura
El Mercurio





En su cuenta de Twitter, el director de orquesta venezolano publicó una carta en la que invoca "a las autoridades de las Fuerzas Armadas para que esta ayuda llegue lo antes posible a quienes tanto lo necesitan", refiriéndose a la ayuda humanitaria internacional que está siendo acopiada en la frontera colombo-venezolana. Sin mencionar al gobierno de Maduro, Dudamel señala que "salvar vidas y aliviar el sufrimiento de una población tienen que ser la prioridad", y agrega que si se bloquea el ingreso de esta, "se estaría condenando a inocentes y se estaría diciéndole al mundo que la política es más importante que las vidas de los ciudadanos".

miércoles, febrero 13, 2019

Mon Laferte entre los nominados a los Billboard Latinos 2019

La cantante aparece en la categoría artista femenina del año, donde competirá por el premio con Karol G, Rosalía y Shakira.

Durante esta jornada se difundió la lista de nominados a los Premios Billboard de la Música Latina 2019.

Y entre los artistas que competirán en las diferentes categorías aparece la cantante nacional Mon Laferte, quien está nominada en el apartado Artista femenina del año en el Top Latin Album. En esta división competirá contra otras destacadas estrellas del momento: Karol G, Rosalía y Shakira.

En esta edición el liderazgo está en manos de Ozuna, quien obtuvo 23 nominaciones en las 15 categorías donde aparece su nombre: una cifra récord en la historia de los premios. Luego lo siguen J Balvin y Nicky Jam, empatados con 13 nominaciones, y más abajo Bad Bunny con 12 y Daddy Yankee con ocho (Revisa la lista completa de nominados en el siguiente link).

La versión latina de los premios Billboard distingue cada año a las estrellas más grandes y populares de la música latina. La ceremonia de premiación se realizará el próximo 25 de abril desde Las Vegas, y será transmitida por Telemundo.

SOBRE EL AUTOR:
Patricia Reyes |

Franco Simone: "Me ofrezco por lo que soy en este momento"

Javier Ossandón R.
Espectáculos
El Mercurio

El cantautor actuará el 15 y 16 de febrero en Santiago y Viña, respectivamente.



Como una larga historia de amor define Franco Simone su relación con Chile en la antesala de los dos shows que el artista italiano presentará el 15 de febrero en el Enjoy Santiago y el día siguiente en el Enjoy de Viña del Mar. En ellos hará un repaso por sus grandes éxitos y mostrará de su último disco, colaboraciones con Inti-Illimani y la ganadora del Festival de Viña 2018, Astrid Veas, entre otros.

El intérprete de canciones como "Respiro" y "Tú siempre tú" comenta lo que el público podrá ver en los conciertos y destaca su vigencia al presentar su último single "Bailando sobre el prado", interpretado junto a la cantante italiana Rita Pavone. "Me ofrezco por lo que soy en este momento. Sin duda no puedo olvidarme de éxitos de mi pasado, pero es lindo poder ofrecer trabajos de hoy", dice.

El italiano comenta sobre su visión del panorama actual de la música y la irrupción de los sonidos urbanos en la industria. "Hay demasiada gente que habla hoy en día en la música. A mí me gustan los que cantan. Tengo el deber de escuchar de todo, pero me gusta que exista melodía y me gusta lo clásico. De lo nuevo me gusta mucho Ed Sheeran. Me agrada que tenga, por sobre todo, melodía. Vengo de un país en donde la melodía es fundamental", señala.

Consultado por su incursión en sonidos tropicales en su último disco -grabó su clásica canción "Paisaje" en ritmos popularizados por la cantante argentina Gilda-, se manifiesta fiel a lo más tradicional de su repertorio: "No tiene nada que ver con mi estilo y no cambiaré, pero me pareció en su momento un deber y un reconocimiento. En mi vida he hecho muchas cosas que no esperaba antes. Fui locutor y periodista, son cosas que me gustan y las hice, así que no descarto nada."

El cantante recuerda con nostalgia su paso por el programa "The Voice" (Canal 13), donde tuvo la labor de ser coach de varios artistas que luego lo acompañaron en su último trabajo de estudio, y desde entonces cultiva una amistad con los demás entrenadores. Simone destaca una prematura conversación con Luis Fonsi sobre una de sus dirigidas. "Cuando escuché a Camila Gallardo, le dije a Fonsi: 'Tienes una superestrella'. Para mí ya en ese entonces lo era desde la primera vez que la escuché. No necesitaba que el público lo dijera, aunque después me dio la razón", recuerda.

Chile se suma al fenómeno mundial con el auge de los podcasts

Claudia Hervias
Espectáculos
El Mercurio

La plataforma Spotify tiene una veintena de programas chilenos destacados. Entre los más populares se encuentran "Con la ayuda de mis amiKas", "Las claves del éxito" y "Flimcast".



El formato podcast , programa de radio digital, llegó para quedarse. Hace aproximadamente una década se popularizó en Estados Unidos y hoy, gracias a la masificación de la internet móvil, está sumando más adeptos en Chile. Algunas de las plataformas más populares para escucharlo son YouTube, iVoox y Spotify, siendo esta última la más utilizada. La oferta de programas de conversación, contingencia, cine y otros tópicos es casi interminable.

El podcast más escuchado de Spotify Chile es "Con la ayuda de mi amiKas", conducido por María José Castro y Valeria Cárcamo, dos amigas que se juntan semanalmente simplemente a conversar. Se habla de todo: farándula, comida, cine, contingencia y tendencias. El programa lleva hasta ahora 60 capítulos, y cada uno cuenta con 15 mil reproducciones, en promedio, sumando todas las plataformas. El capítulo de aniversario, el más escuchado, suma solo en YouTube 12 mil reproducciones. "Nuestro podcast es más que nada de entretención; si lo estás pasando bien cumplimos nuestra meta", afirma María José Castro.

Las "amiKas" se presentaron por primera vez en vivo el 6 de diciembre en el teatro Coca-Cola, y las entradas se agotaron en menos de una hora. El 2 de marzo se presentarán en el Teatro Municipal de Viña del Mar y nuevamente las entradas se acabaron en menos de 24 horas.

Según Daniel Halpern, experto en medios sociales, el fenómeno del podcast se debe a lo versátil del formato. "Lo que provoca que triunfe es que el usuario puede escuchar el programa cuando quiera", sostiene. Añade que los creadores de estos programas tienen mayor libertad para dar opiniones: "El carácter ideológico en los podcast es importante, muchas veces tienen una opinión política y se atreven a decir más cosas, porque no están dentro de un medio"

"Las claves del éxito" es otro de los podcast más escuchados de Spotify. Las conversaciones son variadas y no tiene una pauta definida. "Normalmente tenemos invitados, si va un cocinero hablamos de comida, si va un astrólogo hablamos de astrología, es súper variado", cuenta Katy Becker, conductora del programa.

El proyecto se armó cuando Becker ganó un concurso que hacía Juan Fau -dueño de la librería Qué Leo- en su programa de radio. "Nos hicimos amigos y apenas tuvo la idea de hacer una radio online , me pidió que hiciera el programa, y ahí nació el nombre que parece de programa de autoayuda, pero la temática no tiene relación con eso", dice Becker.

Con 240 programas y un promedio de 10 mil reproducciones por capítulo, el podcast "Flimcast" se posiciona como otro de los más escuchados de Chile. "Se trata de hablar de " flims " y no de filmes. Es una manera de decir que hablo de películas, pero con más sentido del humor, con un formato más accesible", afirma el crítico de cine Diego Muñoz, conductor de Flimcast y conocido en las redes sociales como "Hermes El Sabio". Con el tiempo, la temática central del podcast se ha ampliado y ha llegado a tocar temas diversos, como libros y series. "Con una psicóloga hablé de la película 'Intensamente' y lo conversamos desde una temática más humana", da como ejemplo Muñoz.

El más exitoso
El proyecto "AmiKas" nació cuando las conductoras quedaron sin trabajo y Nicolás Copano, pareja de María José Castro, insistió en que debían hacer un podcast de parodia al programa de radio del padre de Valeria, "Pirincho" Cárcamo, "Con la ayuda de mis amigos".

Parte el rescate de Cristina Soro: soprano y compositora chilena

Romina de la Sotta Donoso
Cultura
El Mercurio

Hace cien años, la hermana menor de Enrique Soro estaba en la cúspide de su carrera. Fue una de las primeras chilenas en grabar para el sello Victor, y compuso obras que hoy se están recuperando.



Tal como Fanny Mendelssohn fue una gran música opacada por su aun más célebre hermano, Félix Mendelssohn, en Chile hubo un caso similar: Cristina Soro Barriga (1886-1967).

Hermana menor de Enrique Soro, Premio Nacional de Música, fue una afamada soprano y también una talentosa compositora. Su legado recién ahora empieza a rescatarse, ya que el Archivo de Música de la Biblioteca Nacional recibió la donación de cinco álbumes y 50 partituras sueltas de la cantante penquista.

"Los materiales estaban muy bien cuidados en la casa de la nieta de Cristina Soro, y eso demuestra que ella valoraba enormemente el trabajo de su abuela", dice Cecilia Astudillo, jefa del Archivo de Música.

La donación fue realizada por una profesora de canto de la bisnieta de la soprano, a quien la familia le entregó la custodia del legado. "Ella se dio cuenta del gran tesoro que es esto, y de su trascendencia para la música chilena, y fue trayéndonos el material, a pulso", relata Astudillo, y explica que "es importante recibir esta donación porque Cristina Soro fue una música invisibilizada en la sociedad de fines del siglo XIX y comienzos del XX. El país está en deuda".

En el estudio del material ya está trabajando la musicóloga Fernanda Vera Malhue, quien destaca que "Cristina Soro fue ampliamente reconocida como cantante; era considerada una soprano dramática notable, y suscitó el mayor fervor del público a lo largo del país y en el extranjero, especialmente en México, Cuba, Argentina, Estados Unidos, España e Italia".

Cuenta que la llamaban "La Patti chilena", por el parecido de su voz con la de la diva italiana del fonógrafo Adelina Patti.

Asimismo, dice, fue una pionera discográfica; grabó para el sello Victor en Chile y en Nueva York: "Fue una de las primeras chilenas en registrar su voz en grabaciones comerciales. De hecho, una interpretación suya de 'Estrellita' se conserva en la página online de registros sonoros del Congreso de EE.UU.".

-¿Cómo afectó su carrera haber sido mujer?

"Más que nada en el comportamiento esperado para una mujer burguesa. Cristina se casó con Carlos Baltra del Canto y tuvo dos hijos. Los primeros diez años del matrimonio se dedicó a la crianza, acorde con la construcción de género de las mujeres de su época y círculo social, quienes debían cuidar el pudor y el honor familiar, y no exponerse demasiado en público. Posteriormente, desde 1916, y por influencia de su hermano Enrique, quien la acompañaba al piano, comenzó a desarrollar una carrera como cantante".

Su composición que más ha circulado es "Vals Brillante", Op. 12, que le dedicó a su hermano Enrique. "Esta pieza demuestra un gran dominio técnico y mucha riqueza en la armonía. Desde que fue redescubierta, ha sido interpretada por varias pianistas chilenas", dice Fernanda Vera. La donación incluyó también el manuscrito de su vals para cuarteto de cuerdas y piano "Dolce Carezza".

"Su corpus como compositora es de unas 14 piezas, pero del resto no sabemos nada, posiblemente están perdidas", reconoce la musicóloga. Ni siquiera existe la partitura de "Vogando. Canción Chilena", que la soprano grabó para Victor en 1917.

"Sin embargo, cualquiera que escucha sus obras, se reencanta con un pasado que nos fue negado sistemáticamente por las construcciones historiográficas. Su legado presenta una belleza indudable, y un manejo técnico propio del melodismo romántico muy delicado y con gran equilibrio", cierra Vera.

Tini anuncia show en Chile


Comunicado de prensa

DOMINGO 23 DE JUNIO / MOVISTAR ARENA/ 20:00 hrs

TINI, la artista argentina de mayor proyección internacional, cerró un año pleno de éxitos con un gran concierto en el Luna Park, en el que no faltaron los invitados internacionales. La talentosa cantante presentó su nuevo álbum "Quiero volver" con un show deslumbrante, desbordado por más de 8.000 personas.Y con esta energía ¡llega a Chile este 2019!. Desde este Lunes 18 de Febrero a las 11.00 a.m. estarán a la venta las entradas en www.puntoticket.com para el show el 23 de Junio en Movistar Arena, los valores serán desde $18.000 hasta $78.000.

Luego de su exitoso primer álbum TINI (2016) y su espectacular gira "Got Me Started Tour" que la llevó por numerosos países de Europa y Latinoamérica (2017), TINIestrenó a finales del 2018 “Quiero Volver” su esperado segundo disco, y es el Tour que nos viene a presentar a Chile.

TINI presentó 4 exitosas canciones antes de estrenarc su nuevo álbum, (“Te Quiero Más” junto a Nacho, “Princesa” junto a Karol G, “Consejo de Amor” ft. Morat y “Quiero Volver” con Sebastián Yatra). Estos hits han sido un  rotundo éxito en todas las plataformas digitales, representan un salto cualitativo en su carrera musical, mostrando a TINI en una nueva y fascinante etapa de su carrera, mucho más madura y sólidamente establecida como cantante solista. Y eso se refleja en las repercusiones de la crítica y las cifras: millones de reproducciones de sus nuevos videos y sus canciones posicionadas en los charts de plataformas digitales y radios de todo el mundo, en Chile su álbum “Quiero Volver” ya es disco de platino por más de 5.000 unidades vendidas.

Un ejemplo de su incontenible ascenso es “Princesa”, single que rompió el récord de video de artista argentina con mayor cantidad de visualizaciones en menos de 24hs. Por otro lado “Quiero Volver” es una canción muy especial para Tini, donde nos abre su corazón para contarnos cómo se vive una historia de amor a distancia. Nos muestra quizás el lado más difícil de un artista: Alejarse de quien ama por compromisos laborales.

Eso mismo se refleja en el videoclip: Se la ve enamorada, viviendo un romance en las paradisíacas playas de Santa Marta, Colombia. Todo va bien hasta que ella tiene que partir para cumplir con su trabajo. Es en ese instante que se da cuenta que lo único que quiere es volver, incluso antes de haberse ido. “Quiero volver” fue producido por los colombianos Mauricio Rengifo y Andrés Torres, la pareja de productores más importantes de la música latina, responsables de los mayores hits del género, como “Despacito” de Luis Fonsi.

Este nuevo disco es muy especial para TINI, un disco mucho más personal y donde la cantante muestra sus distintas facetas y su versatilidad musical. “Quiero Volver” tiene un poco de todo: Canciones en español y en inglés y de distintos estilos: entre ellos el urbano, reggaetón, baladas, pop y reggae. ¡Este gran crecimiento de la artista es lo que podrás ver el 23 de Junio en Movistar Arena, los esperamos!.

martes, febrero 12, 2019

Mon Laferte: “Soy muy clásica y muy romántica en mis gustos”

La Tercera
Por Pablo Retamal

La intérprete nacional habló en México acerca del proceso de grabación de su reciente disco Norma, al cual quiso darle un aire retro. Además, se refirió a la gira donde lo mostrará al público internacional.

Este martes en Ciudad de México, Mon Laferte señaló que a la hora de hacer música es “muy clásica y muy romántica” y así lo intentó plasmar en su más reciente elepé Norma, con el que emprenderá una gira por el país azteca, que iniciará en marzo y que pasará por España en julio. Con su sexta placa de estudio, la autora de “Tu falta de querer” recreó la manera de hacer los álbumes a la antigua usanza, en una sola toma, con todos los músicos en el estudio y grabado en cinta, pero no por pose sino darle cierto aire de nostalgia a su música.

“Tenía que ser grabado así como se hacía antes”, sin editar, todos juntos en una sala porque “quería captar eso y que sonara antiguo porque soy muy clásica y muy romántica en mis gustos”, dijo Laferte.

Respecto al mencionado tour, señaló: “Siempre que uno arma una gira, con un disco nuevo, da mucho nervio porque uno no sabe cómo van sonar las canciones”, señaló.

“Primero grabamos, con otro proceso, y luego no se sabe qué va a pasar después, pero me atrevo a decir que mi música es (mejor) en vivo y en vivo la banda de músicos está sonando mejor que en el disco”, añadió.

La arista nacional, radicada en México desde hace varios años, contó que su intención al grabar como se hacía antes era hacer un elepé “que sonara muy cinematográfico, que fuera una especie de película”, que contara la historia de una pareja desde que se conocen hasta que terminan.

Además, con este largaduración, la también instrumentista quiso mandar el mensaje de que en una época en que se usa la tecnología “hoy se puede hacer un álbum sin filtros” y prácticamente en directo. Por eso, en los conciertos que integran la “Gira de Norma” hará un lado el uso de tanta tecnología “y nos vamos a concentrar en la música”.

Amante de la música de antaño -como los boleros que interpreta en Norma– por influencia de su abuela, la chilena aseguró no tener miedo a no vender longplays o a perder popularidad por hacer algo diferente. “Yo hago lo que me emociona y con cada disco viene una renovación”, refirió.

Dentro de esos nuevos aires que requiere como artista, Laferte adelantó que buscará concretar proyectos alternos sobre música tradicional chilena y mexicana. Además, intentará unir las palmas, el zapateo y las guitarras de la cueca chilena con el mariachi mexicano, y hasta intentará hacer algo de blues.

La “Gira de Norma” arrancará el 2 de marzo en Puebla y cerrará en Monterrey el 29 de noviembre. Con paradas especiales en el Festival de Coachella de Estados Unidos el 12 y el 19 de abril y en España en Madrid el 5 de julio en el Festival Río Babel y el 6 en Caldas de Reis en el Festival Portamérica.

Norma fue producido por Omar Rodriguez López, músico de las bandas At the Drive In y The Mars Volta y fue grabado por Bruce Botnick, quien trabajó con The Doors, en Los Ángeles.

Cristián Opazo, guitarrista de Upa!: “Vengo a tomar mi lugar en la música nacional”

La Tercera

Por Felipe Retamal

El músico decidió lanzar su primer álbum como solista tras varias décadas de trabajo para otras agrupaciones. En Tiempo y lugar, el oriundo de Los Ángeles, desarrolla un sonido que llama “pop urbano”, en el que mezcla electrónica, pop y ruidosas guitarras eléctricas.

A sus 46 años, el guitarrista Cristián Opazo decidió dar el salto. Con una trayectoria de al menos dos décadas tocando en diferentes agrupaciones, entre las que se cuenta la banda Upa! -desde 2013- se dio cuenta de que era el momento de forjarse una carrera en solitario.

Por ello desde el 25 de enero está disponible en las plataformas el álbum Tiempo y lugar, una placa de 11 canciones, grabada entre mayo y agosto de 2018. Esta incluye dos guiños al clan Parra: una musicalización del poema “El hombre imaginario”, de Nicanor, y un fragmento de “Qué pena siente el alma”, de Violeta, tocado por el padre del músico en acordeón.

En la propuesta musical del largaduración hay sonidos que abarcan desde la electrónica a las guitarras distorsionadas. Una mezcla que el autor llama “pop urbano”: ”Con esto busco acercarme más a la gente”, afirma el artista en conversación con Culto

¿Por qué decidiste sacar un material en solitario en este momento de tu vida?
Es el momento ideal porque recopila todos mis estados en distintas agrupaciones. Qué mejor que poder acercarse al pop urbano, como le llamamos a lo que hago, porque siempre había estado ligado con bandas underground.

¿En qué consiste tu propuesta de “pop urbano”?
Se trata de una mezcla de sonidos acústicos y electrónicos. Imaginé poder tener sonidos distintos, estaba muy acostumbrado a tener una guitarra eléctrica, entonces ahora quería tener otras cosas. También las letras son mucho más claras y más directas de lo que hacía antes. Todo eso es nuevo para mí.

Has trabajado con Upa! y otras bandas como Los Otros, Solo residentes, etc. ¿Qué diferencia hay entre el trabajo con más gente a hacerlo solo? ¿incide el tema de los egos?
En eso último hay algo importante. Muchas veces en los grupos los egos impiden que se puedan realizar ciertas cosas. Entonces ahora me siento mucho más cómodo, por el hecho de trabajar este álbum con el modelo que yo quise, con distintos productores. No estoy renegando de haber tocado en bandas, pero sí, la comodidad de estar alejado de los egos es muy agradable.

¿Qué es lo que aprendiste de esa etapa tocando con otros?
Aprendí que enfocarse en un proyecto, cualquiera que sea, es muy importante. Es una cosa como mágica. Este disco tiene un grado de compromiso que va más allá de lo musical. Hace algunos años intenté emprender una carrera solista, incluso ya tenía canciones, pero justo apareció la oferta para trabajar con los Upa!, venía un concierto grande y ahí me detuve y me desconcentré. Pero ahora estoy totalmente enfocado.

Estas nuevas canciones las trabajaste con diferentes productores, ¿Por qué tomaste esa decisión?
Yo también soy productor musical, de hecho trabajo para publicidad. Entonces decidí convocar a amigos que también lo son, como Carlos “carlinhos” Valenzuela, Nicolás Moreno y Roberto Lizarzaburu, porque en cada álbum en que he trabajado antes hemos hechos cosas juntos. Además somos buenos amigos, son todos multiinstrumentistas, y al ser todos productores, el diálogo podía ser fluido y no había necesidad de juntarnos tanto.

¿Por qué incluiste una musicalización del poema “El hombre imaginario” y el fragmento de “Qué pena siente el alma”?
Yo soy de Los Ángeles, mis papás son folkloristas, entonces siempre he escuchado la música de Violeta Parra. A mi papá lo invité a tocar el acordeón en la canción “Planetas”. Lo hicimos en Malloco, en su casa. Me mostró eso y lo grabé al tiro.
Lo de “El hombre imaginario”, es porque él me parece un poeta muy importante. Esos guiños tienen que ver con que soy agradecido de la gente que ha hecho cosas grandes en nuestro país.

¿Y qué tan difícil fue musicalizar a Nicanor?
Lo que pasa es que creo que él hizo la pega. Lo que él narra es tan importante, entonces musicalmente no costó hacer esa intervención. Hay unos sectores que tienen una potencia, entonces le pusimos una guitarra para darle más fuerza.

***

Por su trabajo, Cristián ha conocido las historias de muchos músicos. Si bien, asume que el dedicarse a la actividad no es fácil, en su opinión, hoy existen más posibilidades. “Es cierto que hay quejas, pero yo estoy seguro que las cosas las podemos hacer, podemos idear maneras distintas, no es tan complicado. Hay gente que tiene su home studio y lo hace re bien. Yo creo q en el fondo está todo para hacerlo”.

Para su álbum debut, Opazo compuso el material durante 2018, luego lo trabajó junto a sus amigos productores en sus respectivos estudios, y también en el propio, llamado Diseño Sonoro.”Si bien compuse letra y música, cada tema se trabajó desde cero. Ahí cada uno empezó a hacer sus arreglos de forma conjunta y de esa forma se armó”, detalla.

¿Qué aspiras con este disco? ¿lo sientes parte de la escena pop nacional considerando que hay exponentes que han ganado un espacio, como Alex Anwandter, Javiera Mena, etc?
Definitivamente sí. Es así. En el fondo este trabajo está creado para que la gente lo pueda escuchar y así tomar mi puesto en la música nacional. Ahora recién tomé la decisión de tomar mi lugar en la escena.

Para marzo, se espera el lanzamiento oficial de Tiempo y lugar, a banda completa, en un lugar todavía por confirmar. Por ahora, se está en conversaciones para realizar una gira de promoción en que se presente el trabajo en diversas localidades de Chile.

El Grammy de las polémicas ausencias como medida de protesta


Listado de Ganadores:

Mejor dúo pop
"SHALLOW", de Lady Gaga y Bradley Cooper

Canción del año
"THIS IS AMERICA", de Childish Gambino (Donald Glover)

Mejor álbum country
"Golden Hour", de Kacey Musgraves

Mejor canción de rap
"God's Plan", de Drake

Mejor álbum R&B
"H.E.R.", por H.E.R.

Mejor álbum de rap
"Invasion of privacy", por Cardi B

Mejor artista nuevo
Dua Lipa

Grabación del año
"This is America", por Childish Gambino (Donald Glover)

Álbum del año
"Golden Hour", por Kacey Musgraves

Mejor álbum de comedia
"EQUANIMITY & THE BIRD REVELATION", de Dave Chappelle.

Mejor álbum de teatro musical
"THE BAND'S VISIT", de Etai Benson, Adam Kantor, Katrina Lenk y Ari'el Stachel.

Mejor disco de música alternativa
"COLORS", de Beck.

Mejor composición instrumental
"BLUT UND BODEN" ("BLOOD AND SOIL"), de Terence Blanchard

Mejor arreglo instrumental o a cappella
"STARS AND STRIPES FOREVER", de John Daversa.

Mejor arreglo, instrumentación y vocales
"SPIDERMAN THEME", de Mark Kibble, Randy Waldman & Justin Wilson

Mejor diseño de empaque
​"MASSEDUCTION", de Willo Perron.

Mejor diseño de empaque de una edición limitada
"SQUEEZE BOX: THE COMPLETE WORKS OF "WEIRD AL" YANKOVIC", de Meghan Foley, Annie Stoll y Al Yankovic.

Mejores notas de álbum
​"VOICES OF MISSISSIPPI: ARTISTS AND MUSICIANS DOCUMENTED BY WILLIAM FERRIS", de David Evans.

Mejor álbum histórico
"VOICES OF MISSISSIPPI: ARTISTS AND MUSICIANS DOCUMENTED BY WILLIAM FERRIS", de William Ferris, April Ledbetter  y Steven Lance Ledbetter.

Mejor ingeniería de un disco no clásico
"COLORS", de Beck.

Mejor remix de un álbum:
"WALKING AWAY (MURA MASA REMIX)", de Alex Crossan, remixer (por tema de Haim).

Mejor álbum de audio inmerso
"EYE IN THE SKY - 35TH ANNIVERSARY EDITION", de Alan Parsons.

Mejor álbum contemporáneo instrumental
"STEVE GADD BAND", de Steve Gadd Band.

Mejor álbum de gospel
"NEVER ALONE", de Tori Kelly.

Mejor performance de música cristiana
"YOU SAY", de Lauren Daigle.

Mejor álbum de gospel
"HIDING PLACE", de Tori Kelly.

Mejor álbum contemporáneo de música cristiana
"LOOK UP CHILD", de Lauren Daigle.

Mejor álbum de música gospel de raíces
"UNEXPECTED", de Jason Crabb.

Mejor álbum de world music
"FREEDOM", de Soweto Gospel Choir.

Mejor compilatorio para una banda sonora
"THE GREATEST SHOWMAN", de Hugh Jackman y varios artistas.

Mejor banda sonora para medio audiovisual
"BLACK PANTHER", de Ludwig Göransson.

Mejor composición para medio audiovisual
​"SHALLOW", de Lady Gaga, Mark Ronson, Anthony Rossomando y Andrew Wyatt.

Mejor álbum New Age
"OPIUM MOON", de Opium Moon.

Mejor performance de American Roots
​"THE JOKE", de Brandi Carlile.

Mejor canción de American Roots
​​"THE JOKE", de Brandi Carlile.

Mejor bluegrass album
THE TRAVELIN' MCCOURYS, de The Travelin' McCourys

Mejor álbum tradicional de blues
"THE BLUES IS ALIVE AND WELL", de Buddy Guy

Mejor álbum de blues contemporáneo
"PLEASE DON'T BE DEAD", de Fantastic Negrito

Mejor álbum folk
"ALL ASHORE", de los Punch Brothers

Mejor álbum para niños
"ALL THE SOUNDS", de Lucy Kalantari & The Jazz Cats

Mejor álbum Spoken Word
"FAITH - A JOURNEY FOR ALL", de Jimmy Carter

Mejor álbum latin pop
"SINCERA", de Claudia Brant

Mejor álbum latin rock
"AZTLÁN", de Zoé

Mejor álbum regional de música mexicana
"¡MÉXICO POR SIEMPRE!", de Luis Miguel

Mejor álbum tropical latino
"ANNIVERSARY", de Spanish Harlem Orchestra

Mejor álbum regional roots
"NO 'ANE'I", de Kalani Pe'a

Mejor video musical
"THIS IS AMERICA", de Childish Gambino

Mejor película musical
"QUINCY", por Alan Hicks y Rashida Jones

Mejor performance contry solo
"BUTTERFLIES", de Kacey Musgraves

Mejor performance country duo
"TEQUILA", por Dan + Shay

Mejor canción country
"SPACE COWBOY", por Luke Laird, Shane McAnally y Kacey Musgraves

Mejor performance pop solo
"JOANNE (WHERE DO YOU THINK YOU'RE GOIN'?)", de Lady Gaga

Mejor álbum vocal pop tradicional
"MY WAY", de Willie Nelson

Mejor Engineered Album - clásico
"SHOSTAKOVICH: SYMPHONIES NOS. 4 & 11", por Shawn Murphy y Nick Squire

Mejor productor del año - clásico
​Blanton Alspaugh

Mejor performance de orquesta
"​SHOSTAKOVICH: SYMPHONIES NOS. 4 & 11", por Andris Nelsons

Mejor grabación de ópera
"BATES: THE (R)EVOLUTION OF STEVE JOBS"

Mejor performance coral
"​MCLOSKEY: ZEALOT CANTICLES"

Mejor música de cámara - small ensemble
"ANDERSON, LAURIE: LANDFALL", por Laurie Anderson & Kronos Quartet

Mejor interpretación clásica en solitario
"KERNIS: VIOLIN CONCERTO", por James Ehnes; Ludovic Morlot, conductor (Seattle Symphony)

Mejor álbum solo vocal clásico
"​SONGS OF ORPHEUS - MONTEVERDI, CACCINI, D'INDIA & LANDI", por Karim Sulayman; Jeannette Sorrell

Mejor compendio clásico
"FUCHS: PIANO CONCERTO 'SPIRITUALIST'; POEMS OF LIFE", por JoAnn Falletta y Tim Handley

Mejor compendio de composición clásica
"KERNIS: VIOLIN CONCERTO", por Aaron Jay Kernis, composer (James Ehnes, Ludovic Morlot & Seattle Symphony)

Mejor grabación dance
"ELECTRICITY", por Silk City y Dua Lipa

Mejor álbum dance/electronic
"WOMAN WORLDWIDE", por Justice

Mejor álbum reggae
"44/876", por Sting & Shaggy

Mejor solo de jazz improvisado
​"DON'T FENCE ME IN", por John Daversa

Mejor álbum instrumental de jazz
"EMANON", por The Wayne Shorter Quartet

Mejor álbum jazz de large ensemble
"​AMERICAN DREAMERS", por John Daversa Big Band Featuring DACA Artists

Mejor álbum de latin jazz
"BACK TO THE SUNSET", por Dafnis Prieto Big Band

Mejor performance R&B
"​BEST PART", por H.E.R. Feat. Daniel Caesar

Mejor performance tradicional R&B
"BET AIN'T WORTH THE HAND" por Leon Bridges y "HOW DEEP IS YOUR LOVE" por PJ Morton Featuring Yebba

Mejor canción R&B
"BOO'D UP", por Larrance Dopson, Joelle James, Ella Mai & Dijon McFarlane

Mejor performance rock
"WHEN BAD DOES GOOD", por Chris Cornell

Mejor performance metal
"ELECTRIC MESSIAH", por High On Fire

Mejor canción rock
"MASSEDUCTION", por Jack Antonoff & Annie Clark

Mejor performance rap
"KING'S DEAD", por Kendrick Lamar, Jay Rock, Future & James Blake

Mejor performance Rap/Sung
​"This is America", de Childish Gambino

Mejor productor del año, no clásico
Pharrel Williams

Di Blasio: "Este es el momento mas completo de mi carrera"


domingo, febrero 10, 2019

Rosita Renard: el legado de la gran pianista cuya vida se truncó en el auge de su carrera

María Piedad Jiménez Larraín
Artes y Letras
El Mercurio

Alumna de Martin Krause y dirigida por Erich Kleiber, la influencia de la primera pianista chilena reconocida internacionalmente sigue presente. Así lo aseguran las intérpretes Edith Fischer (1935), Elisa Alsina (1940), Catalina Claro (1968) y Carla Sandoval (1982).



Franz Liszt-Martin Krause-Rosita Renard. Esa es la línea maestro-alumno de la que proviene la pianista chilena; una herencia de talentos que la transformaron en una artista famosa y ovacionada. A 125 años de su nacimiento, hoy existe una calle con su nombre, una fundación, un centro cultural, un festival, una escuela, un centro de salud familiar y un premio musical. "Pero hace falta que el país la reconozca por su valor artístico, como lo ha hecho con Pablo Neruda, Gabriela Mistral, Violeta Parra y Claudio Arrau", señala Elisa Alsina (1940), pianista chilena que inició sus estudios de piano en el Conservatorio Rosita Renard en Chillán y los finalizó en la Facultad de Artes de la Universidad de Chile.

Para muchos especialistas, la muerte de Renard a los 55 años significó el truncamiento prematuro de una brillante carrera como intérprete. En 1949, la pianista chilena tenía programado tocar el 6 de octubre con la Orquesta de la NBC, el 7 y 8 de diciembre en Viena, bajo la dirección de Erich Kleiber, tenía varios conciertos agendados en Bruselas y otros recitales en Zúrich, Londres y París. Sin embargo, una encefalitis letárgica, al parecer provocada por la picadura tóxica de un mosquito, la postró y la llevó a la muerte. Los conciertos programados en el país se suspendieron en su homenaje y el Conservatorio la despidió con la Marcha Fúnebre de la Tercera Sinfonía de Beethoven, ejecutada por la Sinfónica de Chile. La Revista Musical Chilena celebró "la altura a la que elevó el nombre de Chile en el extranjero y la austeridad y el esfuerzo con que contribuyó a enriquecer la música con su copiosa experiencia".

La niña prodigio

Nacida en Santiago en febrero de 1894, Renard comenzó sus estudios pianísticos a los cinco años con el profesor Roberto Duncker, logrando ingresar a muy temprana edad al Conservatorio Nacional de Música. Con 14 años, se presentó como solista en el Concierto en La menor de Grieg junto a la Orquesta Sinfónica, y sus extraordinarios méritos hicieron que el Estado chileno le diese una beca para perfeccionar sus estudios en el Conservatorio Stern de Berlín, el instituto musical más antiguo de la capital alemana. Ahí tuvo como maestro a Martin Krause, famoso concertista de piano, compositor y pedagogo alemán que, tiempo después, tuvo como alumno a Claudio Arrau. Krause escribió en una carta dirigida al profesor Duncker en 1914 que "ha sido para mí un verdadero gusto el haber tenido la ocasión de ocuparme durante algunos años de la enseñanza de la dotada, inteligentísima y genial joven Rosita Renard. [...] No hay duda de que ella conquistará el mundo como artista".

Al parecer, Krause no exageraba. Los triunfos de Renard en el Aeolian Hall (1916), en el Carnegie Hall (1920), en los recitales de solista, su participación en conciertos de las orquestas más importantes de Nueva York, Boston y Chicago, y en sus presentaciones en las principales ciudades de Europa, prolongaron la fama que ya tenía como una de las primeras figuras en el piano. Cuando estuvo en Berlín (1925) conoció al cantante checoslovaco Otto Stern, con quien se casó en Nueva York en 1928 y mantuvo una relación de 21 años. En 1941, Renard emprendió una gira por Latinoamérica con Erich Kleiber, el famosísimo director de orquesta austríaco, quien confesó en una carta que "Chile posee a la mejor intérprete de Mozart que he escuchado en mi vida". Sin saberlo, la aclamada presentación que Rosita Renard hizo el 19 de enero de 1949, en el Carnegie Hall de Nueva York -lugar donde ya había triunfado en 1920-, fue su último concierto, ya que una extraña enfermedad acabó con su vida el 24 de mayo de 1949.

Profesora Rosita

"Hijitos, hay solo una cosa que estoy segura sé hacer bien: ¡tocar el piano!", decía Renard con frecuencia a sus alumnos. En 1930, el Conservatorio Nacional la contrató como profesora de piano, donde formó varias generaciones de excelentes pianistas. René Amengual, Inés Gebhard, Flora Guerra, María Iris Radrigán, Elvira Savi y Herminia Raccagni fueron algunos de sus alumnos. Cuando murió, su discípulo René Amengual resumió la labor de su profesora como "parca en el decir y pródiga en sus actitudes, rígida en sus exigencias [...], profundamente humana y amiga cariñosa en cuanto terminaba la clase". La Revista Musical Chilena mencionó, como un augurio, que "la obra y el influjo ejercido sobre nuestro ambiente por tan egregia figura continuará transmitiéndose a las generaciones sucesivas". Setenta años después, cuatro tecladistas chilenas lo confirman.

Edith Fischer (1935), una de las discípulas más cercanas a Claudio Arrau, tuvo clases con Renard cuando tenía diez años. "Me acuerdo que mi mamá, la pianista Elena Waiss, estuvo muy feliz cuando Rosita aceptó escucharme. Fue una experiencia muy interesante, puesto que su manera de enseñar era muy diferente a la de mi mamá. Rosita Renard explicaba poco y mostraba mucho". Fischer señala que la muerte de Renard le causó una gran impresión, por eso dice que "ella debería ser una fuente de inspiración para las pianistas chilenas, porque es un ejemplo como persona".

Alumnas de sus alumnas

La pianista Elisa Alsina, académica de la U. de Chile y ganadora del Premio Rosita Renard en 1964, estudió con Flora Guerra, alumna directa de Renard. "Florita siempre me hablaba sobre Rosita Renard", recuerda Alsina. "Fue una de las primeras mujeres pianistas que se fueron a Alemania a perfeccionarse en un conservatorio. Hay que tener claro que en esa época era insólito que una mujer se dedicara a tocar el piano de forma profesional y, más aún, que viajara a Europa a estudiar", señala riendo. Alsina agrega que gracias a Renard se conocieron las técnicas de Krause en Chile. "Rosita trajo un nuevo enfoque: la famosa técnica del brazo. Antes se tocaba el piano sin ocupar el brazo, solamente se movían los dedos. Pero Rosita demostró que para tocar bien el instrumento había que sacar la fuerza de los hombros y mover los brazos", menciona la intérprete.

Catalina Claro (1968), concertista de piano, cantante, compositora y productora musical chilena, al igual que Alsina, fue alumna de Flora Guerra a los 16 años. "Yo escuchaba mucho de Renard cuando era chica. De hecho, fue una fuente de inspiración para Flora, lo cual me traspasó a mí", menciona. Sobre las grabaciones de Renard, Claro señala que, a pesar de que tocaba rápido, lo hacía de manera dedicada, con espacios, con tiempo, con silencios, con elegancia y sutileza. "Rosita fue un referente nacional conocido y es un ícono importante para el país, pero falta mostrar lo que ella hizo. Lo interesante de la música, más que el virtuosismo, es transmitir el mensaje, que ella logró con creces", acota Claro. "Rosita produjo un cambio cultural en el país. Uno, por ser mujer, y dos, por su manera de tocar el piano, siempre conectada, siendo capaz de canalizar algo más total, más completo, más abarcador", concluye.

La pianista chilena de repertorio clásico Carla Sandoval (1982), antes de que se fuera a vivir a Suiza por ocho años, tuvo clases con María Iris Radrigán -otra alumna de Renard-, quien luego se desempeñó como profesora en el Conservatorio de Música de Ginebra. Dice que "Rosita Renard es un nombre que uno viene escuchando desde el inicio de los estudios". La valdiviana destaca el hecho de que Renard se haya atrevido a tocar profesionalmente el piano, porque "le abrió las puertas a las futuras generaciones de mujeres. Como la mayoría de sus alumnos eran mujeres, sin duda se transformó en una gran fuente de inspiración para ellas".

Además, Sandoval comenta que uno de los legados más importantes de Renard es el de la pedagogía: "Uno no solamente tiene que ser pianista, sino que darse un espacio para enseñar. Eso es algo que Rosita hizo mucho", menciona. "A mí la pedagogía me permite transmitirles a mis alumnos de dónde viene mi formación, qué técnicas se usaban antes, etc. Es nuestra responsabilidad como pianistas hacer más conocidos a nuestros referentes nacionales y difundir la historia musical de nuestro país", concluye la intérprete nacional.

"Ha sido para mí un verdadero gusto el haber tenido la ocasión de ocuparme durante algunos años de la enseñanza de la dotada, inteligentísima y genial joven Rosita Renard. No hay duda de que ella conquistará el mundo como artista".

MARTIN KRAUSE (1914) CONCERTISTA, COMPOSITOR Y PEDAGOGO ALEMÁN

"Antes se tocaba el piano sin ocupar el brazo, solamente se movían los dedos. Pero Rosita Renard demostró que para tocar bien el instrumento había que sacar la fuerza de los hombros y
mover los brazos".

ELISA ALSINA TECLADISTA Y EXALUMNA DE FLORA GUERRA}


"Rosita produjo un cambio cultural en el país; uno, por ser mujer, y dos, por tocar el piano de manera muy conectada, logrando transmitir el mensaje de manera más completa".

CATALINA CLARO INTÉRPRETE Y EXALUMNA DE FLORA GUERRA


"Renard me inspiró a ser generosa con mis conocimientos y entregarles todo a mis alumnos. Hacerla más conocida en Chile
depende de nosotros, los pianistas actuales".

CARLA SANDOVAL PIANISTA Y EXALUMNA DE M. IRIS RADRIGÁN


Las clases de Edith Fischer con Rosita Renard

Cuando piensa en Rosita Renard, con quien tuvo clases a los diez años, la destacada intérprete Edith Fisher (83) la recuerda como una señora vestida siempre de negro, con un moño y sin pintura. "Era una persona de gran sencillez, afectuosa, con sentido del humor y una sonrisa espontánea y fácil", menciona Fischer. Según ella, Rosita tuvo una formación ideal, porque "el hecho de que haya aprendido afuera no influyó solamente en su manera de tocar el piano, sino que en la manera de mirar la música desde un punto de vista cultural y ético, ya que buscaba ser lo más honrada posible en su labor de transmitir el mensaje musical, más que buscar éxito 'bullicioso' y notoriedad". La misma idea tenía el crítico musical Daniel Quiroga sobre Renard: "Podríamos decir que Rosita simplemente no estaba hecha para ser medida con los cánones de la música convertida en empresa. Tocaba para servir a la música tan bien como podía, sin interesarle el éxito personal, sino el servicio de los autores que interpretaba".

Fischer cuenta que en su casa normalmente recibían muchos artistas, directores de orquesta e intérpretes. Pero no olvida la vez en que Renard la visitó: "Me acuerdo que ella, después de haber comido con gran gusto, al recibir el café dijo que lo tomaría sin azúcar para cuidar su línea, lo que nos hizo reír a todos", señala la pianista. "Su manera de tocar era inimitable y tenía un sonido muy 'perlado', ideal para Mozart, lo que sin lugar a dudas me inspiró profundamente", recuerda.

sábado, febrero 09, 2019

La cruzada de Vanessa Miller para llevar a Cecilia, "La Incomparable", hasta la pantalla

Karen Retamal
Espectáculos
El Mercurio

Hace siete años le pidió hacer su historia. Hoy, con Francisco Saavedra y la productora Bioingeniería Audiovisual Producciones como aliados, espera empezar a grabar este año la serie de la ídolo de la Nueva Ola.



La lista de series y películas ( biopic ) inspiradas en artistas se ha hecho cada vez más larga. Desde Luis Miguel en Netflix hasta el éxito de la cinta "Bohemian Rhapsody", con Freddie Mercury y Queen en plano central. Sin embargo, en Chile, solo Los Prisioneros (sin la venia de sus integrantes) han podido tener una producción televisiva basada en su historia, a través de "Sudamerican Rockers", en Chilevisión.

Eso hasta ahora. La actriz Vanessa Miller está detrás del proyecto que prepara una serie inspirada en la vida de la cantante Cecilia, "La Incomparable", que está ad portas de comenzar sus grabaciones.

El equipo armado

No ha sido fácil y así lo relata Miller. Han sido siete años de conversaciones y de acompañar a Cecilia Pantoja. No obstante, hoy ya está lista para comenzar a gestar la producción, que mantiene los detalles en completo hermetismo. El conductor de Canal 13 Francisco Saavedra y la productora Bioingeniería Audiovisual Producciones, así como su socio, el guionista uruguayo Fernando Schmidt, se unieron a la cruzada que busca homenajear a la intérprete.

"Es un recorrido por toda la historia de su vida. Me transformé -de común acuerdo- en su biógrafa autorizada. Eso significó siete años de conversaciones, de miles de maneras, de miles de cosas. Primero como un recorrido de toda su vida, luego fui hablando de cosas específicas, concretas, ampliando la información de momentos determinados, de hitos de su historia. Siempre con la idea de que eso podía transformarse tanto en película como en serie de televisión o comedia musical", comenta Miller.

Todo surgió en Mega, cuando la cantante grababa para el canal. Yasmine Bau, su asistente, no recuerda con exactitud si fue en maquillaje o peluquería cuando Vanessa Miller se acercó a la ídola de la Nueva Ola y le manifestó su admiración y que le encantaría hacer su historia. "Cecilia le respondió que todo el mundo se le había acercado a pedirle lo mismo, pero al final nadie había hecho nada. Después, la Ceci me dijo: 'Ya no le creo a nadie'. Como a las dos semanas, llamó Vane para ir a la casa, se pusieron de acuerdo y coordinaron para juntarse", detalla Bau.

Retrocediendo en el tiempo, Miller añade que su gusto por la intérprete de "Aleluya" surgió desde muy joven. Tanto que, cuando se fue a vivir a Argentina, cada 18 de septiembre lo celebraba con cuecas y con las canciones de "La Incomparable". "Por eso que cuando me la encontré le pedí hacer su historia. Le insistí en las fechas hasta que un día ya estaba en su casa", relata.

Todos los matices

Vane Miller siente que este es el momento perfecto para llevar la vida de Cecilia a la pantalla. Más cuando cuenta con el apoyo de Francisco Saavedra y la productora Bioingeniería Audiovisual Producciones (que están detrás del Festival Internacional de Cine de Lebu). La cantante, por mientras, espera expectante el resultado. "Es fantástico, encuentro que es un privilegio que realicen la serie. Me da mucha satisfacción. Qué bueno que la gente se haya interesado en este proyecto", comenta la artista de 75 años.

La actriz, por su parte, plantea que la sinergia que se ha creado para echar a andar este proyecto es única. "Estamos desde el amor, el cariño y el esfuerzo, porque ha sido un esfuerzo llegar a este desarrollo. Todos hemos hecho la inversión de armar el proyecto, porque estamos muy enamorados de la historia, de lo que significó en la época y ahora en el presente (...) Las miles de cosas que van a descubrir los van a sorprender", dice.

Sin profundizar en el contenido, Miller asegura que darán que hablar los hechos relativos a la cantante, quien se ha transformado en un ícono pop de las generaciones más jóvenes que la siguen en redes sociales.

"La serie va a recorrer toda su vida. Lo interesante es cómo lo hacemos, lo cual es también sorpresa. Si lo cuento, qué fome. Hay un trabajo de guion muy interesante. Así como va a sorprender la historia, también lo hará cómo está contada. La historia tiene que ser más dinámica, entretenida, tiene tanto suspenso... ¡Porque la vida de la Cecilia es tan rica, tan vivida!, que da para trabajar con muchos ejes de atención. Además, hay música inédita en la serie. Ella pasó música que nunca se ha editado ni mostrado", revela.

Incluso, existirán pasajes de la biografía de Cecilia que hasta a la misma artista le dan pudor. "Hay cosas que se revelan, pero la verdad es que soy tan transparente con mi vida que da lo mismo. Le conté todo a Vane, con detalles", sostiene la cantante, que declina en pensar en alguna actriz para que la interprete.

Miller prefiere no adelantar el casting de la serie. Por ahora, señala que se grabaría este año y, en lo posible, en Tomé, comuna de donde es oriunda Cecilia. "Sería una locura no hacerlo ahí", sentencia la actriz. Además, debido a la cantidad de material, no descarta que se vaya dando en varias temporadas o que finalice con una cinta de larga duración.

"El proceso ha sido muy largo, llevamos años de reunión y ahora por fin lo logramos. Nos encantaría verlo en junio o julio hecho. Entre más rápido, mejor", agrega Yamine Bau.

Considerando el boom de las series de artistas, Miller cree que este es el momento justo para sacarlo a flote. "Cuando empecé no había biografías de cantantes, qué increíble, qué olfato", señala, añadiendo que "la serie los va a cautivar. Fíjate en la fascinación y las historias que van a descubrir. La gente va a decir no puede ser, la realidad superar la ficción".

-Cecilia es como nuestra Freddie Mercury. Ambos impusieron sus estilos en los escenarios, pero solo él tiene una película...

"Ella es una de las voces más poderosas que ha tenido nuestro país. Dentro de la generación a la que perteneció, tiene una profundidad -por el arquetipo que representa- muy power , que no es banal, no quedó en anecdotario. No es una figura del momento, sino una que vino a mover una estructura. Es una mujer de avanzada. Era la jefa en una época en que ellas no lo eran. Es comparable con grandes artistas como Édith Piaf, Freddie Mercury y hasta con Janis Joplin. Pero no la comparo con nadie, porque es incomparable. Por algo le pusieron así, pues no hay parangón respecto de una voz como la de ella. Le tocó una época donde ser la incomparable no era tan bacán como ahora. Al contrario, en ese tiempo era casi molesto".

Cecilia se ha transformado en un ícono pop de las generaciones más jóvenes que la siguen a través de las redes sociales.

LOS Dibujos de Cucho, el artista que caricaturiza a íconos del rock

Bárbara Alcántara A.
Vidactual
El Mercurio

Cada personalidad que dibuja tiene una textura y trazos que llaman la atención; se trata del trabajo de Sergio Córdoba, el artista detrás de Dibujos de Cucho, uno de los pocos en Chile que se han especializado en música.



La anécdota con David Byrne lo marcó y desde ese día decidió que su oficio se podría convertir en algo profesional; es por eso que sus dibujos ya tienen un nombre que poco a poco se transforma en una marca. "Dibujos de Cucho" son ilustraciones de íconos del rock que Sergio Córdoba (42) realiza y exhibe en su cuenta de Instagram que lleva el mismo nombre (@dibujosdecucho).

Gracias a dicha plataforma, la productora del Festival Lollapalooza lo contactó para que dibujara a seis personajes rockeros que estarían en la versión del festival de 2018. Así creó un retrato del ex Talking Heads y consiguió entregárselo personalmente en el espacio acondicionado para los artistas que dispone el evento. "Yo iba nervioso, llevé mi libro para que me lo firmara ("Cómo funciona la música"), estuvimos en el camarín y él fue muy amable". Luego posteó la fotografía que se hizo junto al hombre tras "Psyco Killer" y la recepción de sus seguidores fue positiva, por lo que se percató de que, finalmente, y después de tanta búsqueda artística, había encontrado un nicho por explorar.

Después de eso, el ilustrador chileno programó otro encuentro. Ahora sería el turno de Nick Cave; hizo su retrato, pero además y a sabiendas de la admiración de Cave por Leonard Cohen, le llevó uno del compositor canadiense. "Él fue muy amoroso y cercano; se río cuando se los entregué, e inmediatamente llamó a la persona que lo acompañaba para que los guardara". Del mismo modo lo hizo con la voz de Deftones, Chino Moreno. "Entré por la parte de atrás del Hotel W y ahí logré robarle unos minutos, fue un encuentro muy corto", cuenta y agrega que debido a esta búsqueda de artistas ha logrado acceder al mundo de los fanáticos y toda la organización que hay detrás para conseguir una fotografía o un autógrafo de sus ídolos. "Roger Waters me firmó un disco; cuando le pasé su retrato, lo miró y mandó a que lo guardaran. Un amigo que trabaja en la productora me dijo que se lo llevaron en un baúl del sonido", rememora y revela que el baterista de The Police, Stewart Copeland, ni siquiera accedió a posar para una fotografía, "fue bastante parco y básicamente me ignoró".

El licenciado en Artes de la Universidad Arcis recuerda que 2012 fue un año especial, porque logró conectarse con lo que eternamente había aspirado: "Siempre quise ser músico, pero no saqué el oído, entonces esto me acercaba a lo que constantemente me había gustado", concede, mientras cuenta que ha trazado los rostros de más de sesenta artistas. Empezó con sus ídolos de juventud Axl Rose y Flea; actualmente cuenta con un catálogo que incluye a Iggy Pop, Jarvis Cocker, David Bowie, Bob Marley, Lemmy Kilmister, Mick Jagger y John Lennon, entre muchos otros.

"Generalmente, los rostros que están más avejentados tienen mayores matices; entonces es más desafiante lograr la expresión de la piel y la cara", afirma y contesta que de los músicos chilenos, los retratos más logrados, según él, son los de Álvaro Henríquez y el de Macha Asenjo, de Chico Trujillo, pero reconoce que es un terreno que le falta por recorrer al igual que los bosquejos de mujeres. "Me cuesta dibujarlas, porque a los hombres los puedo afear, hacerlos más caricaturescos; en cambio, con una mujer eso es más difícil", dice y enumera que "solo he hecho a Patti Smith, Kim Gordon, Amy Winehouse".

Cucho, quien también está a cargo de la distribución de la revista del Centro Cultural Gabriela Mistral, advierte que la técnica que usa es mixta. Primero dibuja a mano la fisonomía del rockero que generalmente está más ligada al expresionismo. "Me gusta que salga más crudo" dice. Luego, dicho retrato es escaneado y digitalmente le añade las sombras, los colores y el volumen. Posteriormente, llega el momento de la impresión que se hace de dos calidades, "una que es en un papel de 310 gramos, con chorros de tinta y mayor porosidad ($60.000) y otra que es láser, en un papel de algodón, libre de ácidos, de 270 gramos ($20.000)", explica y añade que generalmente las medidas son de 48 x 33 centímetros, "a no ser que sea un trabajo por encargo, eso es conversable", dice, mientras termina su café para seguir su rumbo en bicicleta y terminar con el reparto de revistas del GAM.