lunes, marzo 18, 2019

Celebración de 334 años del natalicio de Johann Sebastian Bach

El próximo sábado 30 de marzo, Rodolfo Castañeda y Fátima Gómez realizarán un concierto para piano y flauta conmemorando el natalicio de Johann Sebastian Bach.

Dentro del programa se encuentran Suite francesa para piano en Mi Mayor, Partita para piano N°1en Si bemol Mayor, Partita para flauta en La Menor y Sonata en Si menor para flauta y piano.
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La actividad se llevará a cabo en Chilepianos a partir de las 19 hrs.y tiene un valor de $5.000.

Valentín Trujillo y Natalia Ramírez presentan su nuevo disco en formato íntimo

Comunicado de prensa

La cantante Natalia Ramírez y el pianista Valentín Trujillo presentarán su nuevo disco Cosas del Alma con un recital íntimo a realizarse en Chilepianos, el próximo sábado 23 de marzo a las 20 hrs.

El valor de adhesión es de $7.000. Reservas en:
correocasadetodos@gmail.com.

Presentación del libro "Claudio Arrau" de Marisol García


Comunicado de prensa

El próximo vieres 22 de marzo, a partir de las 20 hrs., se realizará el lanzamiento del libro "Claudio Arrau" de la periodista Marisol García en Chilepianos, General Gorostiaga 61, Ñuñoa - Metro Villa Frei.

En la oportunidad, además, se realizará un pequeño recital del joven pianista venezolano Jean Pierre Kiklikian.

La actividad es con entrada liberada.

Santiago Week, semana 16 Marzo 2019



En www.santiagoweek.com pueden acceder a los detalles de cada concierto haciendo clic en el día, artista o local.

Gamba, Izquierdo y la Filarmónica: La energía de la experiencia

Gonzalo Saavedra
Cultura
El Mercurio

A unos juveniles 83 años, el chileno Juan Pablo Izquierdo impresiona por el ímpetu con el que se sube al escenario y se pone al frente de la Orquesta Filarmónica de Santiago, de la que hoy es director emérito. Izquierdo indica sus intenciones ágilmente y con todo el cuerpo, y su variado lenguaje gestual, si bien no parece ortodoxo, hace que se entienda bien qué es lo que pide a los músicos en cada momento. El jueves, en el Teatro Municipal, esa comunicación empática triunfó en "Las criaturas de Prometeo" Op. 43 (1801) de Beethoven, en términos de sonido e interpretación. Muy buen comienzo.

Escrito en la misma época que "Las criaturas", el Concierto para piano Nº 3 en Do Menor, Op. 37 (1800-1801) muestra a un Beethoven que, sin abandonar las formas de su tiempo, las renueva, como ocurre desde el principio, con un motivo basado en un arpegio en las cuerdas y su respuesta en las maderas que se antojan obvios, pero que inmediatamente modula para llevarlos a otros derroteros, donde hay un cúmulo de ideas esperando en la sustanciosa introducción. La entrada del solista italiano Filippo Gamba marcó un acercamiento sobrio, clarísimo en sus líneas, casi a la Bach, lo que hizo descubrir el rico contrapunto de su parte, especialmente lucida en la cadenza rendida con inspiración, pero sin aspavientos, y ese final en el que el piano todavía quiere intervenir en diálogo con la orquesta. Excelente. En el Largo , Gamba se conectó bien con el franco romanticismo que caracteriza a este movimiento: aquí el pianista hizo aparecer más el pedal y su añadido atmosférico, fraseando impecablemente, retardando apenas donde fuera necesario. Sin interrupción, el estimulante Rondó , que en sus excursos incluye un fugato en la cuerdas que eriza, constantes juegos en los modos mayor y menor, unas disonancias exquisitas y una entrada roquerísima del piano en octavas. Gamba e Izquierdo debieron salir varias veces para recibir el agradecimiento de un Municipal feliz de esta vivencia.

Después del intermedio, "Elegía. In memoriam Béla Bartók" (1981) del chileno Cirilo Vila (1937-2015), un sentido homenaje que muestra cuáles gestos -notablemente los de la "Música para cuerdas, percusión y celesta" (1936)- se quisieron rescatar aquí. Aunque solo en apariencias simple, esta música tiene dificultades con las que Izquierdo y la orquesta debieron lidiar.

Entre las mejores secuelas que dejó "La consagración de la primavera" (1913), de Stravinsky, está el ballet "El mandarín maravilloso" (1926), del mismo Bartók, cuya suite (1928) se escuchó como final del concierto. Febril y sin tregua, estos 20 minutos de música son tan ricos de seguir. La orquesta se lució aquí -el clarinete de Jorge Leiva, magnífico en su protagonismo- y unos bronces impecables. Izquierdo mostró lo que puede hacer una orquesta si se entrega a su energía que nace de la experiencia.

Canto y acordeón: la vida desordenada del dúo francés

IÑIGO DÍAZ
Cultura
El Mercurio

Chanson, vals, tango, jazz y teatro marcan los bordes de "La vie en vrac", espectáculo que este miércoles presentarán Annick Cisaruk y David Venitucci. La gira continúa hasta abril por ciudades del sur e incluso Rapa Nui.


La compenetración creativa entre la actriz y cantante Annick Cisaruk y el compositor y acordeonista David Venitucci es evidente pero también es simbólica en la fotografía que anuncia la gira de su nuevo espectáculo: ambos artistas comparten el estrecho espacio interior de una antigua maleta, y no requieren más que un acordeón, un sombrero, un libro, un par de zapatos y una petaca de ron para viajar.

Se trata de "La vie en vrac" ("La vida desordenada"), la puesta en escena de un relato diseñado a partir del disco del mismo título que el dúo publicó en 2017. Apoyada por el Instituto Francés de Chile, la gira por nuestro país tiene su momento principal este miércoles en el Teatro Nescafé de las Artes ($6.000 a $12.000), en el marco de la Semana de la Francofonía en Chile.

Luego, Cisaruk y Venitucci se presentarán en teatros y centros culturales de La Serena (23 de marzo), Osorno (3 de abril), Paillaco (5), Valdivia (6), Curicó (10) y Concepción (13). Incluso en Rapa Nui, el 27 de marzo.

Es correcto hablar de un concierto, porque el dúo recorre un amplio repertorio de música para voz y acordeón con material en estilos y ritmos diversos: chanson, tango, vals, jazz y música de la Europa del Este. Pero "La vie en vrac" también es actuación. "Tal como en el teatro, existe un espacio físico en el que uno expresa una emoción o un sentimiento. Para mí, el espacio es primordial. Necesito sentirlo en su totalidad para detenerme en él e interpretar a mi gusto", dice, desde París, Annick Cisaruk, respecto de la "caja negra" en que se desarrolla el relato. No hay más escenografía en "La vie en vrac" que la oscuridad alrededor de los protagonistas.

A partir de los textos del poeta y autor Yanoswski, que aquí las oficia como una suerte de dramaturgo, "La vie en vrac" narra la historia de la propia Annick Cisaruk, con matices más o menos de ficción: una joven de ascendencia polaco-ucraniana por padre y francesa por madre, criada en un ambiente de canto, violines y acordeón. A los 15 años abandona su hogar para descubrir la ciudad y el amor, vivir numerosas vidas y convertirse en múltiples mujeres.

"Es una vida en desorden, hecha de historias reales, que son las mías, y también historias imaginarias. En 'La vie en vrac' me encuentro con personajes inquietantes y surrealistas, y con amores destructores", adelanta Cisaruk. El espectáculo además considera canciones de la tradición francesa: Léo Ferré ("Jolie môme"), Aznavour ("La bohême") y Piaf ("L'hymne à l'amour", "La vie en rose", "Milord").

"Esto es una mezcla de todo. David Venitucci compuso la música y dio rienda suelta a sus deseos y su imaginario, pasando por el jazz, la música clásica, la influencia de las músicas de Europa del Este, sin olvidarse nunca de la poesía de Yanowski. He creado varios espectáculos en torno a la canción francesa, que es mi pasión. Siempre he caminado entre el teatro y el canto", cierra Annick Cisaruk.

domingo, marzo 17, 2019

Paul McCartney: “He soñado que los Beatles volvemos a estar juntos”

La Tercera

La figura viva más influyente de la música popular vuelve a Chile este miércoles 20 y habla con Culto de sus mejores recuerdos en The Beatles, de por qué nunca quisieron reunirse, de su visión en torno al agitado mundo actual y de lo que sucederá con su legado cuando ya no esté: “Seremos recordados como la mejor banda de todos los tiempos”.

Por Claudio Vergara

Suena el teléfono. Sir Paul está llamando. “¡Hola! Esta es una llamada de Inglaterra. La estabas esperando. Justo voy manejando, así que espero que la señal (de celular) se mantenga”, dice el músico al contactarse directamente con Culto, sin intermediarios, saludando como un hijo de vecino; quizás como una forma de comprender que cualquiera que esté al otro lado de la línea batalla contra los nervios al enfrentar por unos minutos no sólo a uno de los músicos más influyentes de todos los tiempos, sino que también a uno de los personajes más significativos del siglo XX.

Pero el inglés no sólo es un héroe atado al pasado. Al hombre que escribió “Yesterday” hace años le llegó el momento de traer el ayer a sus días de adultez. Después del asesinato de John Lennon en 1980 y de la muerte de George Harrison cerca de dos décadas después, en 2001, el nuevo milenio hermanó a Paul y Ringo como los únicos sobrevivientes capaces de contar y preservar la historia de The Beatles. Aunque bajo una diferencia: McCartney estuvo ahí desde el Big Bang del conjunto en Liverpool y se transformó en la otra mitad de la dupla creativa que dio vida a la parte fundamental de su discografía.

Por eso, en los últimos años ha montado giras globales en cuyos shows viaja por casi todos los capítulos de los Fab Four, desde sus inicios empapados en anfetaminas en Hamburgo, hasta el despegue de traje y corbata en Londres, el éxtasis planetario de la Beatlemanía, los trances alucinógenos, el trauma de la ruptura, e incluso los días en que la vida los separó para siempre, con sentidos homenajes a sus dos camaradas ya fallecidos.

De eso se trata el tour Freshen up, iniciado el año pasado y que retoma su ruta este miércoles 20 en el Estadio Nacional, en su cuarta visita luego de 1993, 2011 y el doblete de 2014 en el Movistar Arena. A los 76 años, ya en el último tramo de su existencia, Macca quiere extender su herencia por todas las latitudes posibles. “Cada vez que hemos estado en Santiago, todos lo han disfrutado mucho. Siempre pasamos un rato genial: el equipo, mi banda y yo. Así que siempre ha sido fabuloso, los fans chilenos son fantásticos y espero tener una fiesta con ellos”, promete.

En sus últimos recitales, Paul interpreta un promedio de 40 temas. Están los éxitos de su banda setentera Wings, uno que otro bocado de su vida en solitario, pero luego aparece lo inevitable. La mitad de su repertorio gira en torno a sus años en The Beatles, con algunas canciones que tocaron muchísimas veces en la primera mitad de los 60, como “Love me do”, “A hard day’s night”, “All my loving” o “From me to you”; pero la mayoría abrumadora son aquellas que nunca llegaron a cantar frente a una audiencia, como efecto de su adiós a las giras en 1966 ante el desenfreno de sus seguidoras, como “Eleanor Rigby”, “Back in the U.S.S.R.”, “Let it be”, “Lady Madonna”, “Helter skelter” y sorpresivamente algunas que son obra 100% de Lennon, como “Being for the benefit of Mr. Kite!”.

–¿Qué siente cuando hoy canta temas que nunca pudo interpretar en vivo con John, George y Ringo?

-Es genial, por la sencilla razón de que por eso fue que lo hicimos, porque me di cuenta de que nunca las habíamos tocado en vivo antes. Simplemente las escribimos, las grabamos, pero nunca pudimos mostrarlas en un escenario. Me parece que es bueno hacerlo. Es un poco atemorizante, porque algunas son un tanto difíciles. “Mr. Kite”, por ejemplo, es muy difícil de cantar y de tocar el bajo al mismo tiempo. Así que por un tiempo pensé: ‘No, no voy a hacerlo, ¿quién necesita meterse en tantos problemas?’. Pero luego me dije: ‘¿Sabes qué? Es un reto’. Así que intenté aprenderlas y logré hacerlo. Me resulta emocionante hacerlo ahora, justamente porque nunca las toqué con los Beatles. Es muy divertido.

–Cuando mira su historia en el grupo, ¿su gran dolor fue quizás no haber hecho más shows para tocar estos temas?

-No, realmente no, porque tocamos tantas canciones juntos. Fue genial e igualmente con mi banda de ahora sólo tocamos algunas de esas canciones. Hay otro millón que nunca llegué a tocar con los Beatles. Pero simplemente pienso en todos los buenos momentos en los que tocamos juntos, en tantas canciones que hicimos a lo largo de los años. Recuerdo esos momentos. No me preocupo por los temas que no tocamos.

–A fines de enero se cumplieron 50 años del legendario concierto en la azotea del edificio Apple. ¿Pensaron en ese instante que nunca más iban a estar juntos en un escenario?

-No, realmente no. No nos dimos cuenta de que era la última vez. No pensamos tampoco en que se convertiría en un espectáculo tan icónico. Justamente porque también pensamos en cientos de ideas locas para tocar: queríamos estar en el océano, en el medio de la nada, o también pensamos en un anfiteatro de Marruecos. Tuvimos miles de ideas, pero no le gustaron a nadie. Todas parecían muy difíciles. Así que al final dijimos: ‘Vamos a montarnos en un techo a tocar’. Y la idea más sencilla se convirtió en la más icónica. Es lo que muchos han copiado desde entonces. Tengo muy buenos recuerdos de ese show, porque finalmente son recuerdos de los Beatles. Cada vez que estábamos juntos se generaba algo especial, y no fue un largo tiempo, pero fue bastante intenso. Estuvimos en Hamburgo, Liverpool, Inglaterra, Europa, Estados Unidos. Así que estar en el techo fue genial, porque cuando miro la grabación se ve que era muy difícil para nosotros romper como banda. Aún tocábamos increíble. Respondíamos a los instrumentos del otro. Fue un momento muy especial y por eso se ve tan bien.

–En los 70 se siguieron viendo. Usted visitó varias veces a John en su departamento en Nueva York y tocó con Ringo en su disco homónimo de 1973. ¿Existió alguna oportunidad concreta en que pensaron volver como grupo?

-No. Recibimos muchas ofertas, pero una vez que nos separamos dijimos: ‘Es mejor que no intentemos hacer esto de nuevo. Es mejor si lo dejamos así’. Así que acordamos en seguir tal filosofía, eso fue lo que hicimos.

–Si John y George aún estuvieran aquí, ¿cree que los Beatles se hubieran juntado en la adultez?

-Sabes, en la única ocasión que nos reunimos fue para “Free as a bird”, cuando tomamos los demos de los casetes de John e hicimos una canción juntos (N. de la R.: un tema grabado en los 90 por los tres Beatles sobrevivientes con antiguas cintas de Lennon). Fue genial. Esa era la clase de ‘reunión’ en el estudio por la que nos habíamos juntado desde un principio: para hacer esa clase de cosas. Y luego también grabamos “Real Love”. Pero eso fue lo más cerca que llegamos a estar de un regreso. Hubo gente que nos ofreció un millón de dólares y más por tocar una única vez, pero nunca quisimos hacerlo. Compusimos tantas canciones, de la A la Z, y ya estaba bueno de eso. La pasamos bien, habíamos tenido una gran historia y no quisimos arruinarla.

–En ocasiones, ¿sueña con sus amigos ya fallecidos?

-¿A qué te refieres? ¿A cuando estoy durmiendo?

–Claro. ¿Se le aparecen a veces en sus sueños?

-Sí, definitivamente. He soñado que todos volvemos a estar juntos. Sí. Es interesante, es como en los viejos tiempos. Ya sabes, a veces los sueños pueden hacer cosas mágicas.

En la memoria

Paul McCartney no tiene problemas en reflexionar una y otra vez acerca de su pasado. Lo hace con entusiasmo, con respuestas extensas, bien digeridas, un auténtico deleite para los fanáticos, pese a que ya cuenta casi medio siglo merodeando los mismos temas.

El mundo guarda una imagen igual de afable en una de sus últimas apariciones públicas. Cuando participó en el segmento Carpool Karaoke del espacio estadounidense The late late show, el conductor James Corden lo subió a su auto y lo llevó a recorrer algunos de los sitios más evocativos de Liverpool, como la calle Penny Lane o su casa de infancia: cualquiera que haya visto ese video terminó con la garganta apretada. Por esos mismos días, y como parte de la promoción de su nuevo disco, Egypt station (2018), volvió a presentarse en el club La Caverna y caminó nuevamente por el cruce de Abbey Road.

-En sus últimos proyectos, pareciera que siempre recuerda esos años previos a la fama, cuando por única vez fue una persona que llevó una vida normal y no la de un ícono. En su álbum Chaos and creation in the backyard, de 2005, en la carátula aparece una imagen de usted en su adolescencia. Y en New, de 2013, hay una canción de los comienzos de su amistad con John.

-Sí, ya sabes. Pienso que es genial recordar. Creo que es algo bueno para todo el mundo. A la mayoría de personas les gusta recordar sus infancias, las épocas en donde eran completamente inocentes. Y además, todo el que escribe en ocasiones lo hace acerca de épocas que ya no están. Es un área muy rica para escribir: tu memoria. Es bueno recordar. Cuando escribo acerca de esos momentos, me vienen muchas escenas de cuando era joven, caminando por la calle con nuestras guitarras en las espaldas. Eso era justo antes de que fuésemos famosos. También me gusta lo que pasó después, pero acordarme de esos tiempos es muy divertido. Recuerdas a tu familia cuando eras un niño y todas las cosas que tus padres hacían por ti. Tus tíos y tías, tus primos. Yo, al menos, tuve suerte de tener una buena familia.

–¿Diría que su amistad con John es algo que sucede sólo una vez en la vida?

-Probablemente.

–Pero imagino que fue difícil para usted volver a encontrar un amigo como John.

-Sí. Pero también había otros dos miembros de los Beatles: George y Ringo. Todos fuimos increíblemente afortunados. Era una combinación mágica, ¿sabes? Yo tenía a John y a George y a Ringo, pero también John tenía a Paul y a George y a Ringo, y Ringo a George, a Paul y a John. Nos teníamos el uno al otro y eso fue, en definitiva, una combinación especial.

–¿Reflexiona habitualmente acerca de uno de los grandes temas del ser humano: qué hay después de la muerte? ¿Piensa en lo que va a pasar con su legado cuando no esté?

-No pienso mucho en eso, debo decirte. Me concentro más en la vida. Es decir, sé que eso (la muerte) pasa. Nos pasa a todos, eso es seguro, pero realmente no me molesta. Cuando sea tiempo de irme, me iré.

–Mucha gente lo asocia con melodías dulces y amigables, pero olvida que usted escribió “Helter skelter”, donde están las raíces del heavy metal, y que fue el primer Beatle en acercarse a las vanguardias y los sonidos experimentales en los 60. ¿Cree que es una visión injusta?

-Sí, lo sé. Sé a lo que te refieres y está bien. La cosa es que estoy feliz con que me vinculen con las melodías. Amo eso, pero muchas personas saben que, como tú dices, tengo los dos lados. Dos, por lo menos. Tengo también ese lado muy rock and roll con el que hice cosas como “Helter skelter” u otras como “Why don’t we do it in the road?” Así que, sabes, no me importa que las personas puedan pensar eso de mí. Creo que los que menos saben de mí, más cosas piensan. Pasa lo mismo con John. Creen que John era el duro y un tanto cruel, pero podía ser bastante romántico. Y compuso muchas canciones románticas. Todos éramos personas bastante completas.

–Menciona dos canciones del Álbum blanco, de 1968. En noviembre apareció una edición de aniversario con tomas nunca publicadas y con una versión del tema “Good night” donde los cuatro cantan muy unidos. Esa etapa siempre ha sido indicada como el inicio de las turbulencias en los Beatles. ¿Realmente fue tan difícil o es sólo parte de la leyenda?

-Es que éramos tan profesionales y estábamos tan enfocados en grabar buenos álbumes que, en ocasiones, naturalmente podíamos pelear. Como cualquier familia. Incluso así nos queríamos y nos llevábamos muy bien. En ocasiones podía haber discusiones, pero seguramente tú con tu familia también las hayas tenido. Es lo normal y sucedía porque siempre queríamos grabar grandes álbumes.

El británico también sabe que en el último tiempo se ha esforzado por despachar grandes álbumes. Para explicar esa activa madurez -con recitales que rasguñan las tres horas, un sólido último disco que lo hizo conseguir su primer número uno del Billboard en 36 años y una categórica resistencia al retiro-, simplemente subraya que no intenta mantenerse vigente por necesidad. “Lo hago por placer”, aclara.

–En su disco reciente, trabaja con algunos de los más cotizados productores del pop actual. ¿Es una forma de seguir buscando nuevas rutas para su música?

-Sabes, disfruto de hacer cosas nuevas y de hacer cosas frescas. Así que, cuando se me presenta la oportunidad de trabajar con alguien a quien admiro y con el que no he trabajado antes, o de hacer una canción de forma diferente, esto me mantiene fresco. Lo hago. Mantiene mi energía fluyendo y simplemente lo disfruto. Para nada es una necesidad.

–En Egypt station hay canciones que tratan del cambio climático y de la paz en el planeta. ¿Tiene alguna opinión de lo agitado del mundo actual, con Trump en EE.UU. o el Brexit en Inglaterra?

-Sí. (Mucho de lo que pasa hoy) es estúpido. Creo que pasa como con la moda: las cosas van en ciclos. Tienes buenos tiempos, tiempos pacíficos y, eventualmente, parece que hace falta pasar por épocas más turbias. Pienso que todo vuelve como un reloj de péndulo: ya sabes, esos relojes viejos con péndulos que oscilan. Oscila de una forma y tenemos a Trump, pero eventualmente irá en algún momento hacia el otro lado. Así que estoy esperando que oscile al otro lado. Cualquier cosa es mejor que Trump.

Cuando la conversación alcanza los 20 minutos, McCartney avisa que está llegando a su destino y que sólo queda tiempo para una última pregunta rápida. No queda más que buscar el flashazo épico, el titular para la historia, la interrogante lanzada una y mil veces, pero cuya respuesta siempre resuena monumental.

–Cuando pasen 200 años, ¿cómo cree que se recordará a los Beatles? ¿Cómo los Mozart o los Beethoven del siglo XX?

-Seremos recordados como la mejor banda de todos los tiempos.

Luego de establecer su lugar en el último tramo de la historia humana, Paul se despide como un mortal más. Como lo haría cualquiera de nosotros: “Oye muchacho, me saludas a tu familia de mi parte, ¿vale?”.

Del fonógrafo a la desmaterialización de la música: Llega el Museo del Sonido

Roger Velázquez
Cultura
El Mercurio

Único del país en su tipo, el espacio cultural presenta el origen de los instrumentos de reproducción sonora que revolucionaron la vida diaria. También ofrecerá talleres, presentaciones musicales y una tienda especializada.



El 21 de noviembre de 1877 se escuchaba "Mary had a little lamb" en la entonces más reciente creación del inventor estadounidense Thomas Alva Edison: el fonógrafo. La canción se convirtió en la primera melodía grabada y reinterpretada en la historia, dando pie a la posibilidad de atrapar y difundir las ondas sonoras. Así lo registra el Museo del Sonido, espacio cultural pionero en su rubro en Chile, emplazado en el Barrio Yungay y próximo a inaugurarse el 29 de marzo.

Fonógrafos, vitrolas, fotografías, videos y audios explicativos -entre otros elementos- integran la museografía del recinto, un proyecto desarrollado por la Corporación Patrimonio Cultural de Chile con el auspicio de Grupo GTD, acogido a la Ley de Donaciones Culturales. La exhibición da cuenta de la evolución inicial del invento y los cambios que supuso a fines del siglo XIX, lo que ha derivado en la desmaterialización del sonido con las plataformas digitales de hoy.

"A algunos los conectará con los recuerdos, incluso remotos; a otros, probablemente los más jóvenes, les permitirá conocer la antesala de eso que tienen a mano con una oferta ilimitada: canales de música como iTunes, Spotify y YouTube, repositorios de MP3, y toda tecnología que nos da acceso de modo inmediato a cuanto registro musical existe", comenta Elena Cruz, directora de Proyectos de la Corporación Patrimonio Cultural de Chile y coordinadora de la iniciativa.

Las vibraciones del sonido toman forma, junto a algunos instrumentos musicales, en la escultura con que abre la Casona Familia Préndez, sede del museo. Ubicada en Huérfanos 2919, la morada -construida en 1922- fue declarada Inmueble de Conservación Histórica dentro de una Zona Típica del barrio donde se enmarca. La restauración del sitio fue parte del proyecto que se inició seis años atrás, procurando mantener el concepto de una casa y el estilo Tudor de su arquitectura.

"A su manera, es un espacio educativo, culturalmente potente, pues ahí se realizarán clases, conciertos, talleres y conferencias entre otras actividades de extensión", añade Elena Cruz.

Sofía Forttes, directora del museo -propiedad de la Fundación Mariana Préndez de Casanueva-, refrenda lo anterior y señala que se busca hacer del museo un lugar de creación y diálogo. "Esperamos en el futuro contar con exposiciones temporales que aporten a nuestra muestra", puntualiza.

Una "imprenta sonora"

La exhibición permanente del Museo del Sonido es un fragmento cedido de la colección de Arturo Gana. Destacan un fonógrafo Pathe de 1905 elaborado en Francia -uno de los más antiguos de la exposición-, una vitrola de maleta modelo Dolcetto (Gran Bretaña, 1925) y aparatos del estilo para niños.

La curatoría corrió a cargo del musicólogo Juan Pablo González, director de Extensión del Instituto de Música de la Universidad Alberto Hurtado, para lo cual se seleccionaron los aparatos que mejor reflejan el impacto de la música en la vida cotidiana, resalta el especialista. "Es una buena oportunidad para acercarnos al fenómeno internacional de la grabación del sonido, entender cómo fue transformándose la música a partir de la posibilidad de registrarla y de reproducir una interpretación en particular infinitamente", asevera el también catedrático, quien califica estos inventos como una suerte de "imprenta sonora", lo que cambió radicalmente el campo de la música en el mundo.

Marisol García, periodista especializada en el tema y autora del guión museográfico, expone que "cada visitante va a darle el énfasis al museo de acuerdo con lo que constituye su propia relación personal con la música", pues -agrega- se puede abordar el recinto desde el interés técnico, el gusto por la música o la relación de los avances tecnológicos con procesos históricos.

La investigadora de música popular destaca la importancia de los textos que acompañan el montaje -que combinan información didáctica, datos e impresiones- y de los aparatos, que fueron elegidos por su "elocuencia" para narrar el relato, que va desde el origen del invento, pasando por la masificación de la música hasta su portabilidad.

El Museo del Sonido se sumará a los circuitos culturales del Barrio Yungay, y abrirá de martes a domingo de 10:00 a 18:00 horas, con precio general de $1.500, y $1.000 para estudiantes, grupos y tercera edad, además de entrada liberada desde las 14:00 horas. En la tienda se podrán encontrar vinilos, instrumentos para niños y una librería especializada, junto a otros objetos relacionados con la música y el sonido.

Las nuevas pistas sobre los cuadernos de Parra a un año de la querella por receptación

El Mercurio

El 10 de enero de 2018, 13 días antes de que el poeta Nicanor Parra muriera, su hija Colombina y Cristóbal Ugarte Parra presentaron en el Octavo Juzgado de Garantía de Santiago una querella por presunta receptación en contra del coleccionista César Soto quien, de acuerdo a la acción judicial, habría adquirido un grupo de "cuadernos personales" de autoría de Parra. En la acción judicial se adjuntan notas de prensa en que Soto señala tener en su poder un cuaderno de Parra de la década del 40.

Ha pasado un año y también una serie de diligencias que entregan nuevas pistas sobre el paradero de estos manuscritos.

El caso está en manos de la Fiscalía Oriente, la que indaga si efectivamente hubo una sustracción y se generó una receptación. César Soto ha señalado que esos manuscritos se los compró al hijo del poeta, Juan de Dios Parra, "Barraco".

Fuentes de la investigación señalan que actualmente el foco investigativo no está solo en César Soto, también, y a raíz de una declaración dada por Colombina Parra en el Ministerio Público, se está indagando a otro experto coleccionista que tiene una librería en la comuna de Santiago.

Sobre el proceso investigativo y todo este año de intentos para recuperar los manuscritos de Parra, el abogado de Colombina, Luis Valentín Ferrada, explica que "hay que destacar que durante el año pasado la cantidad de cuadernos que se pudieron recuperar, en lo que pudiésemos llamar como una gestión paralela de entrega voluntaria, tuvo un éxito de bastante consideración. Se recuperó una cantidad bien considerable de cuadernos (...). Él compraba estos cuadernos universitarios y anotaba recuerdos, datos personales, anécdotas. No todos ellos son representativos de manuscritos literarios o artísticos. Es un diario de vida. Los manejaba con mucho cuidado, porque representaban su intimidad. No es posible precisar cuántos son. Sí sabemos, así se indicó en la declaración de Colombina en la fiscalía, quiénes han dicho tener cuadernos de Nicanor Parra y cómo los habrían adquirido", indicó.

Luego agregó: "El señor Soto ha sostenido que estos cuadernos fueron vendidos por Juan de Dios Parra, y los adquirió de un modo que él entendió era legítimo. Pero evidentemente no los adquirió de quien era su dueño, porque los cuadernos no son manuscritos de Juan de Dios Parra, sino que de su padre. La querella es por receptación (...). La investigación está abierta y aquí se ha mezclado un tema que ha dificultado proseguir la acción. Ha sido un obstáculo para la investigación el hecho del conflicto que nació con motivo del testamento de Nicanor, porque, a decir verdad, hoy, de acuerdo con la ley, esos manuscritos y cuadernos hacen parte del inventario de bienes".

Defensa de Soto

Sobre este proceso, el abogado de César Soto, Hugo Rivera, señala que su defendido "es uno de los mejores bibliófilos de Chile, y que ha escrito obras importantes sobre Pablo Neruda. A él le vendió Juan de Dios Parra Tuca libros de autoría de Nicanor Parra y hojas anilladas de fotocopias de concursos en donde en el reverso escribía don Nicanor Parra. Revistas, hojas con recortes de periódicos, y también le pagó a este señor, Juan de Dios, con cheques nominativos que fueron cobrados en el banco por esa misma persona, el segundo semestre de 2009 y el primer trimestre de 2011. Fue por una cantidad cercana a los $2.800.000 de la época".

En relación con otro manuscrito que Soto tenía en su poder, Rivera señala que no se trata de un cuaderno, "sino que de unas anotaciones que tienen unas tapas de cartón, pero no es de los cuadernos universitarios. Eso se lo compró el 23 de diciembre de 1991 a un dramaturgo y se acompañó un certificado emitido por él".

Respecto de la razón por la cual se querellaron contra Soto, Rivera señaló que "la verdad es que yo no encuentro ninguna explicación, ni ningún fundamento, para estar ejerciendo acción penal contra él. Estas adquisiciones fueron absolutamente legítimas".

Miguel Farías: "Todo es posible"

Maureen Lennon Zaninovic
Música
El Mercurio

Tras el éxito del estreno de la ópera "El Cristo de Elqui", el ascendente compositor chileno adelanta su intensa agenda de compromisos con las más importantes orquestas de nuestro país. La Filarmónica de Santiago estrenará dos obras de su autoría, entre otras "Nocturno", bajo la dirección de Paolo Bortolameolli.



Una vida apasionante y tremendamente intensa. Por el trabajo de su padre, ingeniero y experto en mecánica de suelo, Miguel Farías nació en Venezuela en 1983. Ahí vivió hasta los 7 años, pero como señala a "Artes y Letras" -instalado en uno de los palcos del Municipal de Santiago-, si bien "no soy un hijo del Sistema de Orquestas de Venezuela, porque me formé en Chile, el haber vivido en Caracas y en Maracaibo me ayudó a forjar un gusto musical. A mí me gusta mucho la música caribeña y en especial la salsa. De hecho, siendo muy joven, toqué salsa en algunos restaurantes de Santiago", rememora.

Exalumno del Instituto Nacional, Farías comenta que ponderó 800 puntos en la antigua Prueba de Aptitud Académica. "Muchos pensaban que iba a estudiar ingeniería como mi papá, pero ya había decidido que lo mío era la música e ingresé a la Facultad de Artes de la U. de Chile. Estudié composición con varios profesores, pero quien realmente me formó es Aliocha Solovera. Lo bonito es que ahora los dos somos académicos en el Instituto de Música de la Universidad Católica", agrega.

En 2009 continúo sus estudios en Suiza -en el Conservatorio Superior de Ginebra- bajo la tutela de Michael Jarrell. "Es un creador muy destacado. ¡Un orgullo haber sido su alumno! El año pasado Jarrell presentó su obra 'Bérénice' en la Ópera de París y tuve el privilegio de asistir al estreno", explica Miguel Farías, y añade que tras su paso por Suiza regresó a Chile y en 2012 -gracias a un proyecto de asociatividad liderado por la soprano Miryam Singer- estrenó en nuestro país su primera ópera, "Renca, París y Liendres", que en su momento generó gran revuelo mediático, en especial por la reacción de la exalcaldesa de Renca Vicky Barahona. Más allá de la polémica, gracias a este título el músico fue distinguido por el Círculo de Críticos de Arte y recibió el Premio Altazor en la categoría Mejor Composición.

"Fue un boom todo lo que generó. A la última función, en el Teatro de Carabineros, llegó un grupo de personas con tambores a funar la presentación. Afortunadamente, el incidente no pasó a mayores. Cuando me dieron el premio del Círculo de Críticos de Arte, les dije a todos los que asistieron que 'agradezco a Vicky Barahona por toda la difusión que le hizo a 'Renca, París y Liendres' (risas). Lo cierto es que después de este estreno me comenzaron a llegar, sin que lo esperara, otros proyectos artísticos muy interesantes", explica Miguel Farías.

Tras este éxito regresó a Francia con su esposa, Norma Soto, educadora diferencial, con la idea de ambos de continuar sus estudios en Europa, pero la llegada de su primer hijo cambió los planes. "Decidimos que queríamos tenerlo en Chile y nos mudamos. Acá me inscribí en el Doctorado de Estudios Latinoamericanos de la U. de Chile y me he dedicado a investigar sobre ópera latinoamericana", dice el músico.

Un "nocturno" mahleriano

Sin duda, 2018 fue un hito en su imparable carrera artística. En el Municipal de Santiago estrenó "El Cristo de Elqui", con libreto del sociólogo Alberto Mayol, basado en las novelas "La Reina Isabel cantaba rancheras" y "El arte de la resurrección", ambas de Hernán Rivera Letelier. Miguel Farías comenta que "fue muy emocionante lo que generó esta obra. Mucha gente se me acercó para felicitarme, mucho público que no tenía vínculos con el mundo de la ópera y menos con la música actual. Fue muy emotivo sentir este acercamiento. Gracias a 'El Cristo de Elqui' forjé muy buenos amigos en el teatro y con Hernán Rivera Letelier nos seguimos viendo. De hecho, el autor pampino quiere que hagamos una opereta".

Sus proyectos con el Municipal y en específico con la Orquesta Filarmónica de Santiago continúan. El 30 de marzo, en el Teatro Regional de Rancagua, este conjunto dirigido por Pedro-Pablo Prudencio estrenará su "Suite de El Cristo de Elqui". "Lo que hice fue unir una serie de movimientos vinculados a los personajes de la ópera", explica este creador. El 8 y 9 de mayo, a las 19:00 horas -esta vez en el histórico teatro de Agustinas-, la Filarmónica ejecutará por primera vez "Nocturno", como parte de un ambicioso programa que también incluye la Séptima Sinfonía de Gustav Mahler, bajo la dirección de Paolo Bortolameolli (el 7 de mayo ambas obras protagonizarán la Gala "El Mercurio").

"Me parece que por sí sola la Séptima Sinfonía de Mahler sostiene todo el programa. ¡Es una obra impresionante! No se necesita nada más, por eso les propuse a Paolo Bortolameolli y a Frédéric Chambert, director del Municipal de Santiago, componer una pieza más liviana, corta y ágil, y que sirviera para abrir el concierto; y ambos aceptaron encantados", explica el artista, y añade que tomó como punto de partida el segundo y cuarto movimientos de la composición del creador nacido en Bohemia. "Me inspiré en sus nocturnos, pero también en algunas instrumentaciones mahlerianas. No me gusta hablar de una cita, pero sí de un préstamo. Me preocupé mucho de que no fuera un homenaje citado, sino más bien una obertura a una obra gigante. Por otro lado, la noche a mí me evoca de una manera diferente que a Liszt o a Chopin, por citar a dos músicos a los que también este motivo los ha inspirado, ya que mi contexto es diferente. Por eso en esta obra incluí referencias al bolero. El bolero cruza Latinoamérica y tiene que ver con una bohemia contemplativa, no festiva. En el bolero se condensa el romanticismo de la noche".

El compositor profundiza en torno a su "Nocturno" y señala que si bien tiene momentos de atonalidad, "el resultado es bastante tradicional y mahleriano. Hay en esta obra un contrapunto y una melodía que acompaña, y los tutti orquestales dan la sensación de un tejido compuesto a tres o cuatro voces". Farías concluye que "es un privilegio que la pieza sea estrenada por la Filarmónica de Santiago y Paolo Bortolameolli, y aplaudo que el Municipal, a través de estas instancias y de su concurso de composición, dé espacio a los nuevos creadores".

Su agenda impresiona por la cantidad de encargos y diversidad de propuestas. Además de sus clases en la Universidad Católica, el miércoles 3 (Parroquia Nuestra Señora de las Nieves), jueves 4 (Teatro Regional de Rancagua) y vienes 5 de abril (Teatro Municipal de Ñuñoa) la Orquesta de Cámara de Chile, bajo la batuta de François López-Ferrer, tocará su obra "Ligereza". Miguel Farías advierte que se trata de un encargo de la Vicerrectoría de Investigación de la UC y que para ello se nutrió de sus recientes vacaciones en el sur de Chile. "En la música intenté graficar al aire que puede ser invisible y ligero, pero también tiene mucha fuerza". El 27 de abril la Orquesta Sinfónica de la U. de Concepción, dirigida por Rodolfo Fischer, estrenará otra de sus composiciones, "Être Atout", que cierra un ciclo de piezas inspiradas en Roberto Matta. "Es una obra que dura 20 minutos y en ella traté de hacer una especie de pintura abstracta sonora, revelando las distintas dimensiones de este artista", adelanta.

Con el Banch y la Nacional Juvenil

Para el segundo semestre confirma un proyecto en la UC, junto a Guillermo Lavado, Celso López, Luis Alberto Latorre y Patricio Sabaté, inspirado en unos escritos de Hernán Rivera Letelier. "Pero lo que me tiene tremendamente entusiasmado es que la directora de la Fundación de Orquestas Juveniles e Infantiles, Alejandra Kantor, y el director de la Orquesta Sinfónica Nacional Juvenil, Maximiano Valdés, me comisionaron una pieza que se estrenará este año. Se llama 'Retratos australes', e incluye tres movimientos que tienen que ver con mi país. El primero alude a la Virgen de La Tirana, el segundo a una minga de Chiloé y el tercero a los chinchineros", dice.

Finalmente, en enero del 2020, tendrá su debut con el Ballet Nacional Chileno dirigido por Mathieu Guilhaumon. Este cuerpo de baile estrenará "Artefacto", con dramaturgia y puesta en escena de la actriz Millaray Lobos y música original del propio Miguel Farías. La partitura será interpretada en vivo por la Orquesta Sinfónica Nacional de Chile, bajo la batuta de François López-Ferrer.

"Es mi primer ballet y estoy muy nervioso. Es un gran desafío incursionar en un lenguaje que tiene que ver con el movimiento y lo escénico", remata.

-¿De dónde saca el tiempo para tantos proyectos, con una familia y un hijo de cuatro años?

"No lo sé (risas). Compongo mucho de noche. He aprendido a dormir poco, a repartir muy bien mi tiempo y a ser muy eficaz. Estoy todo el día pensando, y por eso insisto mucho en la palabra borradores. Siempre estoy escribiendo borradores de los proyectos y cuando me siento a trabajar, no miro la hoja en blanco, porque ya sé lo que tengo que hacer. Por si fuera poco, en mayo entrego mi tesis de doctorado en la Universidad de Chile".

-¿Se considera un compositor ecléctico?

"Me lo han dicho y me gusta que me definan así, pero no compongo música pensando en que sea ecléctica. Compongo pensando en cómo quiero que suene, movido por contextos e ideas que suenen interesantes. Me gusta captar la atención del público, a pesar de que eso suene antipopular; en especial para algunos artistas que no buscan agradar. A mí me gusta recibir una retroalimentación. Por otro lado, siempre trato de no ponerme límites. Siempre digo 'todo es posible'. Por ejemplo, para el 'Nocturno' que estrenará la Filarmónica tenía en mente un sonido que para mí representaba la noche. Lo busqué y busqué, hasta que llegué a un resultado que, sin buscarlo de manera consciente, finalmente va a ser ecléctico. No quiero romper la sorpresa, pero incluí en este estreno diversas percusiones, incluso hay una que encargué a Estados Unidos por eBay. Estoy hablando de un sonido bien especial, con metales y resonancias".

sábado, marzo 16, 2019

Francisca Valenzuela Actuará en vivo en homenaje a Yoko Ono en Los Angeles

Comunicado de prensa

La cantautora chilena Francisca Valenzuela será una de las invitadas al evento “BREATHEWATCHLISTENTOUCH: The Work and Music of Yoko Ono”, un homenaje a la legendaria artista japonesa, el cual se realizará el viernes 22 de marzo en el Walt Disney Concert Hall de Los Angeles. La celebración también incluye a la reciente ganadora del Grammy, St Vincent; la Marisoul, vocalista de La Santa Cecilia, y la cantante del grupo Garbage, Shirley Manson, entre otras.

Acerca de la motivación para ser parte de este evento, Francisca Valenzuela comenta: “Yoko Ono me ha inspirado a ser una artista auténtica, a desarrollar y mostrar el arte que yo quiero hacer. Y también a explorar diferentes facetas e inquietudes artísticas  y desarrollar una carrera multifacética que pueda unir intereses como las artes visuales, la música y el activismo. Me inspira que siempre está creando desde un lugar con un sentido político, pero que incluye humor y una propuesta estética”.

“BREATHEWATCHLISTENTOUCH: The Work and Music of Yoko Ono” festeja más de seis décadas de carrera de la artista japonesa. En la ocasión, un grupo de mujeres de múltiples disciplinas interpretará piezas de su arte y de su música. Además de las ya mencionadas también estarán la activista y música electrónica, Madame Gandhi, la ex - integrante del grupo Dirty Projectors, Amber Coffman y la artista visual y coreógrafa, Nina McNeely. Por su parte, Francisca Valenzuela estará a cargo de interpretar dos canciones de Yoko Ono.

La agenda de conciertos de la cantante chilena se reactivará este domingo 17 de marzo con su show en el festival REC – Rock en Conce. Francisca Valenzuela actuará en el bloque estelar que comienza a las 18:40 horas y que también incluye a Babasónicos y The Cardigans. Y una semana después de su participación en el homenaje a Yoko Ono, el viernes 29 estará por tercera vez en Lollapalooza Chile, concierto que comenzará a las 15:00 horas en el escenario VTR.

Chinoy Celebra 10 años de disco “Que salgan los dragones”

Comunicado de prensa

Chinoy vuelve al Teatro San Joaquín para celebrar 10 años de su exitoso y reconocido disco “Que salgan los dragones”.

El cantautor repasará cada uno de los temas del primer disco, que lleva una década de vida y éxitos como “Que salgan los dragones”, “Klara”, “Llegaste de flor”, “Solo resistir”, junto a la participación de la banda Los Preferidos del Ruido, en formación electroacústica.

Al concierto, a modo de festejo, se sumarán reconocidas canciones de toda su carrera y algunos adelantos de su próximo disco “Venusterio”. Lo acompañarán en el escenario -como banda invitada por segunda vez- La Pérez Company, siendo la antesala de “QSLD 10 Años”.

Se trata del disco más conocido de Chinoy, creado en plena época del Movimiento Estudiantil y la Protesta Social en agitación; al mismo tiempo es una cápsula del tiempo que concentra la más potente de las líricas de la época, la originalidad rítmica y la inédita voz andrógina del sanantonino.

En esta ocasión Chinoy quiere celebrar en grande y mostrar todos sus dotes artísticos. Para eso ya se encuentra seleccionado las obras pictóricas, de su autoría, que lucirá para el público en este gran festejo. Ver video >>



CHINOY 10 años de “QSLD”

Sábado 30 de marzo

20:30 hrs.

Dirección: Coñimo 286 - Metro Pedrero (L-5)

Fono: 2 2512 2449

Entrada General $ 5.000.-

Quilapayún con Inti Illimani Histórico realizan concierto en homenaje Víctor Jara

Comunicado de prensa

Los dos  grupos más reconocidos de la Nueva Canción Chilena realizarán el tributo “A Víctor Jara Justicia”, el que está dirigido por Patricio Pimienta.

Los días 28 y 29 de junio en el Teatro Caupolicán, se realizarán los dos espectáculos tributo a la figura de Víctor Jara. Los protagonistas serán Quilapayún e Inti Illimani Histórico, quienes a través de este homenaje expresarán su intención de justicia para el gran cantautor quien fue ejecutado durante el Golpe de Estado en 1973. Asimismo la intención de sus homologos radica en mostrar la esencia de Víctor desde una perspectiva humana tanto desde el ámbito musical como teatral así como un sinfín de vivencias durante su carrera artística.

“A Víctor Jara Justicia” es un concierto dirigido por el actor, guionista y director de teatro, Patricio Pimienta, quien escogió repertorio que refleja gran parte de la obra del cantautor chileno. Esta reunión de canto, memoria y justicia, será un show único realizado por dos de las agrupaciones más importantes de la música chilena y latinoamericana.

De acuerdo con lo expuesto por Horacio Salinas y Eduardo Carrasco "este espectáculo lo abordaremos pensando en Víctor como nuestro director artístico y musical", rescatando la mirada de Víctor Jara, su rigurosidad respecto a la puesta en escena, su sentido del humor, sus anécdotas y su creatividad la cual ocupa un gran compromiso hacia el arte.

Víctor Jara fue actor, director teatral, dramaturgo e investigador del folclore, que además, entre los años 1966 y 1969 ejerció como director artístico de Quilapayún. En el año 1966 grabó su primer disco, con el cual comenzó a dar cuenta de su gran talento y de composiciones llenas de poesía y fuerza, con las cuales se convirtió en uno de los máximos exponentes de la Nueva Canción Chilena, de fama y reconocimiento a nivel global hasta el día de hoy.


QUILAPAYÚN JUNTO A INTI-ILLIMANI HISTÓRICO REALIZARÁN CONCIERTO EN HONOR A VICTOR JARA

Los dos  grupos más reconocidos de la Nueva Canción Chilena realizarán el tributo “A Víctor Jara Justicia”, el que está dirigido por Patricio Pimienta.

Los días 28 y 29 de junio en el Teatro Caupolicán, se realizarán los dos espectáculos tributo a la figura de Víctor Jara. Los protagonistas serán Quilapayún e Inti Illimani Histórico, quienes a través de este homenaje expresarán su intención de justicia para el gran cantautor quien fue ejecutado durante el Golpe de Estado en 1973. Asimismo la intención de sus homologos radica en mostrar la esencia de Víctor desde una perspectiva humana tanto desde el ámbito musical como teatral así como un sinfín de vivencias durante su carrera artística.

“A Víctor Jara Justicia” es un concierto dirigido por el actor, guionista y director de teatro, Patricio Pimienta, quien escogió repertorio que refleja gran parte de la obra del cantautor chileno. Esta reunión de canto, memoria y justicia, será un show único realizado por dos de las agrupaciones más importantes de la música chilena y latinoamericana.

De acuerdo con lo expuesto por Horacio Salinas y Eduardo Carrasco "este espectáculo lo abordaremos pensando en Víctor como nuestro director artístico y musical", rescatando la mirada de Víctor Jara, su rigurosidad respecto a la puesta en escena, su sentido del humor, sus anécdotas y su creatividad la cual ocupa un gran compromiso hacia el arte.

Víctor Jara fue actor, director teatral, dramaturgo e investigador del folclore, que además, entre los años 1966 y 1969 ejerció como director artístico de Quilapayún. En el año 1966 grabó su primer disco, con el cual comenzó a dar cuenta de su gran talento y de composiciones llenas de poesía y fuerza, con las cuales se convirtió en uno de los máximos exponentes de la Nueva Canción Chilena, de fama y reconocimiento a nivel global hasta el día de hoy.

Quilapayún, en tanto, es un poderoso proyecto artístico que desde sus inicios estuvo comprometido con la política nacional. Sus creaciones musicales, con ritmos e instrumentos andinos, contienen potentes mensajes sobre la contingencia y contenidos latinoamericanistas. Luego del exilio, la agrupación continuó con su compromiso social con Chile y posteriormente vivió un proceso de renovación que los trajo de nuevo sobre los escenarios.

Por su parte, Inti Illimani Histórico es otro de los grupos emblema de la Nueva Canción Chilena de gran presencia y connotación. Actualmente, el conjunto que está liderado por Horacio Salinas, continúa entregando su música de raíz folclórica latinoamericana, donde además integran variados instrumentos de otros lugares del mundo.

El imperdible concierto “A Víctor Jara Justicia” se realizará los días viernes 28 y sábado 29 de junio, a las 20:30 horas en el Teatro Caupolicán. Entradas a la venta a través del sistema Ticketek. 

Congreso Continúa festejando sus 50 años con varios conciertos en el sur de Chile


Comunicado de prensa

Congreso prometió cincuenta conciertos por sus cincuenta años de vida, y lo cumplirá. Durante marzo la legendaria agrupación llevará la celebración de su medio siglo al sur de Chile y realizará presentaciones en Punta Arenas (viernes 15), Puerto Varas (sábado 16), Valdivia (viernes 22) y Temuco (sábado 23). Además, en las próximas semanas anunciará un evento de alta convocatoria en Santiago y más sorpresas.

La fiesta de Congreso arrancó con tres conciertos en el Teatro Municipal Las Condes, los que se realizaron entre el jueves 24 y sábado 26, y cuyas entradas se agotaron. Cada día hubo artistas invitados: un quinteto de percusionistas de Senegal (jueves); el líder de Chico Trujillo y La Floripondio, Aldo “Macha” Asenjo (viernes), y la cantautora Camila Moreno (sábado). Después la agrupación llevó su música y poesía al Festival de Laja, y a comienzos de febrero actuaron en el Rockódromo de Valparaíso.

Estas semanas no sólo se han centrado en saludar a la historia de Congreso, sino también al radiante presente que disfrutan gracias a su más reciente álbum, “La canción que te debía”, galardonado en el 2018 con el Premio Pulsar al mejor disco del año. El sábado 2 de marzo Congreso protagonizó un emocionante concierto en Isla Negra frente a la casona de Pablo Neruda y el miércoles 6 actuaron frente a más de tres mil personas en la UFRO de Temuco.

Ahora el grupo Congreso se trasladará al sur de nuestro país. Este fin de semana actuará en Punta Arenas (viernes 15) y Puerto Varas (sábado 16), y al fin de semana siguiente lo harán en Valdivia (viernes 22) y Temuco (sábado 23). Todos los shows se realizarán en el casino Dreams de cada ciudad. Por otro lado, en abril la banda anunciará las coordenadas de un gran concierto con el que esperan reunir a sus fanáticos de Santiago en una fiesta memorable.

Isidora O'Ryan estrena videoclip y anuncia concierto en Valparaíso / 16 marzo / 20h

Comunicado de prensa

La artista nacional, I.O.  (Isidora O’Ryan), prepara su primer disco en solitario, con fecha para mayo de este año. Mientras tanto, estrena videoclip de su segundo single “Será”.

I.O. se presentará el 16 de marzo en la Sala SCD de Valparaíso, junto a Natisú.



De formación violenchista, con paso por cámara y orquesta. Esta vez Isidora O’Ryan (i.o.) se aleja de la música docta para debutar en solitario con un proyecto que incursiona en sonidos alternativos, que se acercan al pop de vanguardia o avant-pop.

I.O. es el desafío en solo de la chilena, también parte del ensamble Xatarra y la banda de indie Los Tristes, que ya trabaja con Cristián Heyne su segundo disco.

Pero es en este viaje -en singular- que la artista ha logrado indagar en su interior para liberar canciones con arreglos electrónicos y estampa clásica, envueltos en un imaginario que transita entre el realismo mágico y la ensoñación.

"Será" es el segundo single de este recorrido que partió con ‘Padre Encantado’ como primer single. La entrega, que llega con un videoclip dirigido por Luciano Rubio, es una canción de corte más acústico en la que las guitarras hacen su presencia junto a un marcado beat y constantes pads, que van configurando “una historia que ahonda en el amor, el desencanto, la pérdida y la vuelta a nacer”, como dice la propia intérprete.

Cinco minutos de una pieza clave dentro de la conformación de Ciénaga, el larga duración que prepara desde el 2017 junto a la producción de Andrés Abarzúa y Jim Hast; un disco compuesto por ocho canciones que verá la luz en mayo de este año, donde I.O. se muestra alternativa, cercana a la madera del violoncello, en la misma medida en la que crea atmósferas oscuras y etéreas.

La primera celebración de este trance sentido y liberador, será este 16 de marzo en la sala SCD de Valparaíso, ubicada en Avenida Alemania #6985, Valparaíso; en un concierto doble junto a Natisú, que además será el momento de estrenar el videoclip de “Será”: una antesala perfecta para el inminente tercer single fechado para el 29 de marzo y titulado ‘Al Partir’. 

Humboldt adelanta detalles de su debut en Lollapalooza y confirma lanzamiento de nuevo disco

Comunicado de prensa

De Valparaíso a Lollapalooza. Christian Silva, Simón Cárcamo, Sebastián Álvarez, Tomás Codero y Benjamín Galdames están listos para un 2019 lleno de nueva música con Humboldt. La banda activa desde el 2012, ya cuenta con un epé y un largaduración, historia que este año seguirán escribiendo con el estreno de Atlas, un aventurado nuevo álbum que detallarán en el festival a realizarse 29, 30 y 31 de marzo en el Parque O’Higgins.

Tras presentar ‘Sólo Voy’ y ‘Transatlánticos’, un último single liberado a finales del 2018 con un clip decidor dirigido por el mismo vocalista, Sebastián Álvarez, con producción y arte a cargo del resto de la banda; Humboldt está listo para empezar a liberar el inminente segundo paso por estudio, esta vez bajo el alero de Órbita Records.

Antes de su publicación, tendremos adelantos del material en una presentación agendada para abrir el Acer Stage, este sábado 30 a las 13:30 horas. “Vamos a recrear la identidad sonora del disco, haciendo un guiño visual a la percepción futurista de finales de los setenta, inicio de los ochentas”, dicen. 

Porque Atlas es la historia contada por un viajero atrapado en un espacio y tiempo desconocido; un trance relativo en duración y lugar que se enmarca en este show que contará con la presencia de Sebastián Gallardo, de We Are The Grand.

Repasando lo más icónico de su primer largo, Gigantes, y concentrados en el venidero estreno, los músicos tendrán la antesala perfecta para el festival. Este 27 de marzo serán parte de Sesión Live Streaming Audiomúsica MegaCenter, concierto a transmitirse por redes sociales de la tienda, que también se puede presenciar gratuitamente en el showroom ubicado en Vicuña Mackenna 1284, Ñuñoa.

Y después de Lollapalooza las cosas no se detienen. El 23 de mayo, el Club Chocolate será el escenario perfecto para celebrar el lanzamiento de Atlas. Los detalles se conocerán muy pronto.

viernes, marzo 15, 2019

Pillanes: La superbanda chilena que hay que escuchar



Jorge Peña Hen: biografía rescata su lado más humano

Romina de la Sotta Donoso
Cultura
El Mercurio

Lanzan nuevo retrato del pionero de las orquestas juveniles en Hispanoamérica.



En el último tiempo se han multiplicado las iniciativas de rescate de la figura y la obra de Jorge Peña Hen (1928-1973), el músico de Coquimbo que dio origen al movimiento orquestal juvenil en Hispanoamérica, hace 55 años.

Al documental que le dedicó Guillermo Milla en 2004, se sumó otro de Benoit Chanal y Claudio Jara, en 2014. Luego se reeditó la emotiva y minuciosa biografía que le hizo Miguel Castillo Didier, y sus composiciones empezaron a interpretarse más seguido, destacándose, en 2018, que Helmuth Reichel y la Sinfónica Nacional Juvenil tocaron su "Tonada para orquesta", y que el Cuarteto Surkos le dedicó un disco doble.

Se suma ahora la Editorial U. de La Serena, con un volumen de su colección Biografías Breves ($5.000, Editorial.userena.cl). En 108 páginas, Gabriel Canihuante articula en un relato ágil y emocionante, citas de la prensa y testimonios de familiares y de profesionales que trabajaron con Peña Hen. "Hice una investigación de carácter documental", asegura el periodista, y aclara que su foco es la dimensión humana.

"Me conmovieron las declaraciones de sus hijos, la intimidad familiar. Su hija, por ejemplo, recuerda que no le gustaba que escuchara a Los Beatles, y ella lo hacía a escondidas, pero un día pilló a su padre tarareando una canción de Los Beatles. Esas cosas revelan el carácter humano de esta persona a quien la gente desgraciadamente conoce porque tuvo una muerte brutal. Pero él es mucho más que una víctima de la Caravana de la Muerte. Fue un ser humano que hizo grandes cosas por este país y su familia", dice.

En el libro, Canihuante les da contexto histórico y social a los proyectos educativos y musicales de Peña Hen: "Era un Chile en el que se podía soñar en grande, y él tenía una tremenda iniciativa y capacidad de convocatoria. Objetivo que tenía, lo cumplía".

Por cierto que revisa las hazañas del músico, desde haber fundado a los 22 años la Sociedad Juan Sebastián Bach y en sólo meses haber montado el Magnificat en La Serena, en 1950, y estrenado en Chile la "Pasión según San Mateo", en 1960, así como el hito de crear la primera orquesta sinfónica infantil de Hispanoamérica en 1964.

"Él creía que a través de la música podía sembrar una semilla y desarrollar un interés por la cultura en el entorno de cada individuo", agrega Canihuante.

"Acá en La Serena se puso una estatua en la Plaza de Armas, hay una escuela y plazas con su nombre. Pero uno sigue sintiendo que no ha tenido un reconocimiento a su altura. Hay una deuda que uno no sabe bien cómo pagarla", cierra el periodista.

Apple habría ganado US$ 156 millones gracias a Spotify en los últimos cuatro años

Economía y Negocios
El Mercurio



Luego de que se supiera que Spotify demandó ante la Comisión Europea a Apple por competencia desleal -donde recalcaba que los usuarios que quieren descargar la aplicación deben pasar por la App Store, entre otras cosas-, la plataforma de análisis de datos Sensor Tower calculó que en los últimos cuatro años Apple ha recibido US$ 156 millones gracias a la tarifa que le ha tenido que pagar Spotify.

De acuerdo con la compañía sueca, el costo de suscripción que la compañía de Tim Cook les impone para poder estar en la App Store los pone en una situación de desventaja frente a su mayor competidor, Apple Music.

jueves, marzo 14, 2019

Silvia Infantas, de 96 años: La última dama del folclor tiene su biografía

IÑIGO DÍAZ
Cultura
El Mercurio

Fue una de las mayores voces de la tonada y la cueca durante dos décadas. "Voz y melodía de Chile" recorre su vida artística.


De un minuto a otro Silvia Infantas (1923) tomó algunas de las decisiones más determinantes de su vida.

Ir a escondidas de su padre hasta los estudios de la Radio Nacional para participar en un concurso de canto infantil; abandonar el bolero con que se había hecho famosa en radios Cooperativa, Minería y Portales para dedicarse exclusivamente a la música chilena; dejar su próspera carrera de actriz en el Teatro de Ensayo de la Universidad Católica para volver al canto con el conjunto típico Los Baqueanos. Y la más drástica de todas: retirarse para siempre de los escenarios en 1970 tras dos décadas de rotundo éxito.

"Al contrario de la mayoría de los artistas, que les sacan brillo a sus carreras hasta que ya no les queda, Silvia Infantas fue muy excepcional. Había grabado algunos de los más importantes LP de la época con el grupo Los Cóndores, y era absolutamente estelar en la industria de la música y el espectáculo. De pronto lo dejó todo. Sabía que debía retirarse en la cúspide de su carrera. Así lo hizo", cuenta el periodista David Ponce.

"Silvia Infantas. Voz y melodía de Chile" (SCD / Hueders) recorre la vida artística de una de las mayores figuras de la música folclórica en la era radiofónica y discográfica, la época del llamado "folclor de masas". Junto con Ester Soré y Carmen Ruiz, ella completa la tríada de voces fundamentales en el repertorio de tonadas y cuecas, que contaba con grandes audiencias y compradores de discos. "Toma el relevo del éxito en esa gran escala. Y por genealogía, Silvia Infantas es la última", dice Ponce.

El autor realizó una larga investigación sobre Infantas, con matices arqueológicos. No solo han sido cinco décadas de su misterioso retiro de los escenarios, sino además una enfática reticencia a volver a una actividad pública. Entre 2005 y 2012, Ponce se entrevistó con ella en seis ocasiones y tuvo acceso a sus ordenadísimos archivos de prensa.

Son los contrastes entre ese silencio extendido y el eco que dejó su vida de tres décadas de canto, escenario, auditorio y locutorio, desde que debutó en Radio Cooperativa Vitalicia, en 1942, como "la joven y hermosa cancionista", hasta la herencia marcada en las canciones que todo chileno ha escuchado más de varias veces en voz de Silvia Infantas, primero junto a Los Baqueanos (1953-59) y luego con Los Cóndores (1960-69): de "Tonadas de Manuel Rodríguez" a "La consentida", incluyendo en ese libro de melodías tricolores "La rosa y el clavel", "Los lagos de Chile", "Adiós, Santiago querido", "Si vas para Chile", "Mi banderita chilena", "Camino de luna" o "Bajando pa' Puerto Aysén". "Yo no habría podido dejar de ser artista". Palabra de Silvia Infantas.

Red Hot Chili Peppers dará concierto en pirámides de Egipto

El Mercurio

La banda californiana hará mañana una actuación especial en las pirámides de Giza en Egipto. Este show podrá ser seguido en directo a través de su web oficial y en YouTube (desde las 15:00 horas en Chile). El bajista Michael "Flea" Balzary agradeció por esta "impresionante experiencia". Red Hot Chili Peppers trabaja en su nuevo álbum, continuación de "The Getaway" (2016), pero todavía sin fecha de lanzamiento.

Música sacra en la UC: Valioso descubrimiento

Jaime Donoso A.
Cultura
El Mercurio


Los hallazgos musicológicos suelen ser más musicológicos que musicales. No siempre la apasionante aventura científica que implica toda investigación conduce a resultados dignos de ser oídos y difundidos. Pero el rescate de viejos y polvorientos manuscritos, a veces, es altamente recompensado con obras de valor musical intrínseco y las figuras de compositores olvidados se yerguen con plenos méritos frente a las audiencias actuales. Ese fue el caso de las "Quince meditaciones sobre las llagas de Cristo", del compositor peruano-boliviano Pedro Ximénez Abrill (Arequipa, ca. 1784-Sucre, 1856), obra que inauguró el decimosexto Encuentro de Música Sacra del Instituto de Música de la UC. El concierto se realizó el martes en el Templo Mayor del Campus Oriente de la universidad.

Los intérpretes fueron las sopranos Vanessa Rojas y Denise Torre, el Cuarteto Surkos (David Núñez y Marcelo Pérez, violines; Mariel Godoy, viola; Francisca Reyes, chelo); Jesús Solís y Natalia Martorell, flautas.

La obra, que es un conjunto en que se alternan números con intervención de las sopranos (Salutaciones) con otros puramente instrumentales (Meditaciones), se inscribe en antiguas tradiciones de la liturgia católica que procuran hacer partícipe al creyente de los sufrimientos de Cristo. Son momentos contemplativos que han sido estímulo para la creación de grandes obras musicales como el conjunto de motetes "Membra Jesu Nostri" (1680), de Buxtehude, o el prodigioso conjunto de sonatas que dan cuerpo a las "Siete palabras de Cristo en la cruz", de Joseph Haydn. Probablemente, esta última obra haya sido un referente para la composición de Ximénez.

El lenguaje de Ximénez es de un eclecticismo muy propio de los músicos americanos de la época de la Independencia: reminiscencias de Pergolesi, Pleyel, Haydn y alusiones al bel canto se encuentran por doquier, pero lo que podría haber resultado un pastiche, se transforma en un discurso original, con abundantes giros sorpresivos, entre los que figuran la melancolía de un yaraví y los ritmos danzables de un huayno.

La acústica del Templo Mayor no es la más adecuada para integrar flautas traversas y cuerdas, pero una vez que el oído superó la mélange sonora (por decirlo en forma elegante), se apreció la reconocida calidad del Cuarteto Surkos, la notable participación de los flautistas y la plena autoridad con que David Núñez condujo el discurso desde su atril. Las sopranos, ambas con bellos timbres, cumplieron sus roles con excelencia. En suma, un grupo de intérpretes que no solo exhibieron su impecable ejecución, sino que además parecieron en todo momento imbuidos del espíritu religioso de la obra.

El jazz cósmico que se apoderará de Lollapalooza

Vidactual
El Mercurio





Hay algo atemporal y fuera de este mundo que tienen los grandes músicos de jazz. Quizá sea por su capacidad de improvisar o por la forma pausada con que suelen desenvolverse, o tal vez sea por la cantidad de drogas que muchos de ellos han consumido. Pero al escuchar y ver una fotografía de Thelonious Monk, Charlie Parker, John Coltrane o Miles Davis, hay un halo místico sobre sus figuras. Algo parecido ocurre con Kamasi Washington, el saxofonista norteamericano que estará tocando el próximo sábado 30 de marzo en una nueva versión de Lollapalooza Chile, y quien traerá su música cósmica con que se ha ganado la fama de ser el CEO del jazz moderno.

Con 38 años recién cumplidos, Washington suele vestir largos atuendos de seda que le dan un aire profético, mientras que una conversación con él tiene el efecto hipnótico de hacerte sentir como si se hubiese abierto un portal a otra dimensión, mientras habla de la vida, la música, las películas y el universo. "Vivo más dentro de mi cabeza que fuera de ella", ha dicho en entrevistas recientes agregando que "ahora estoy profundamente metido en mis fantasías surrealistas".

Tras años colaborando como músico invitado de artistas de la talla de Herbie Hancock, Lauryn Hill, Nas, Snoop Dog, Chaka Khan, Thundercat y su amigo Kendrick Lamar (que estará cerrando la noche del viernes 29 en Lollapalooza Chile), el californiano sacó el año pasado su primer disco solista larga duración, "Heaven and Earth", que se ganó los elogios de la crítica y de los fans gracias a su autenticidad. "Creo que nos relacionamos unos a otros mucho más de lo que pensamos, y que si realmente das todo lo que tienes sobre lo que sea en una forma verdadera, la gente va a resonar en torno a eso", dice. Inspirado en distintas corrientes y figuras como Bruce Lee, el saxofonista tiene un estilo que se relaciona con la alquimia, mezclando diferentes corrientes, que van desde el jazz clásico hasta los polirritmos africanos.

Recientemente estrenó el corto "As Told to G/D Thyself", que va en la misma línea del llamado "surrealismo negro" que tienen series de televisión como "Atlanta" y "Sorry to bother you", y que se empeñan por crear mundos más allá de los que gran parte de las minorías en Estados Unidos les toca vivir. "La experiencia negra es una experiencia humana. Hay cosas que hemos experimentado en esta Tierra que son únicas", ha dicho el hombre que ha sido señalado como la voz del nuevo jazz. "La gente busca liderazgos, así es como funciona el mundo. Lo que yo digo es que 'sé tu propio líder'".

Para prepararse para su show en Lollapalooza mejor escuchar canciones como "Street Fighter Mas", "Desire" y "Deathless", que muestran su interpretación del saxofón mezclada con instrumentos electrónicos y un coro de acompañamiento que ojalá esté presente en Santiago para envolvernos de su música cósmica.

Debbie Harry, líder de Blondie: "Creo que la apreciación no va por el género, sino por el talento"

Bárbara Alcántara A.
Vidactual
El Mercurio

Pionera y extremadamente influyente, la vocalista de la agrupación que se atrevió a fusionar géneros musicales tan disímiles como el disco con el punk rock visitará Chile por tercera vez. Aquí, los detalles de la conversación telefónica que sostuvo con "El Mercurio" desde su hábitat, Nueva York.



¿Cómo olvidarla? Vestida con un strapless negro, shorts, tacones y un crucifijo como collar; sí, antes que Madonna se los colgara y también se inspirara en esa arrebatadora melena rubia para perfeccionar una apariencia salvaje. Esa mujer, líder de una banda de hombres, empoderada y sexy a más no poder, se paseaba por un callejón neoyorquino tapizado de grafitis mientras recitaba un rap y bailaba junto a un afroamericano vestido de blanco de pies a cabeza. Esto sucedió hace casi cuarenta años, cuando Blondie lanzaba el videoclip de "Rapture" del álbum "Autoamerican" (1980). Esa mujer es Deborah Ann Harry (73), una transgresora por donde se le mire, ¿no?

"La idea de incluir un rap nació a través de unos amigos que nos mostraron el show de unos raperos en un lugar del Bronx", inicia la historia. "Al verlos pensamos que era fresco y atrevido porque involucraba temas sociales con mucha personalidad e identidad, muy apropiado para el Nueva York de esos tiempos", dice sobre la primera vez que escucharon lo que fue la inspiración para la emblemática canción. "Además, esa forma de bailar nos golpeó. Recuerdo que volvimos a casa y Chris (Stein) dijo: 'Quiero escribir una canción que incluya un hip hop y dedicarla a todos los raperos'", agrega previo a explicar los detalles de por qué se transformó en un hito de la música popular. "Queríamos que fuera innovadora, hasta esa época las canciones del género usaban mucho el scratch de otras grabaciones y no sus propias creaciones. Nosotros sentamos un precedente con 'Rapture'", dice orgullosa y sin aspavientos, como si realmente no supiera que con aquellas rimas se convirtió en la primera mujer blanca en apoderarse de ritmos urbanos, hacerlos propios y llevarlos a un mundo opuesto como era el punk rock de los setenta.

Junto a Patti Smith y Joan Jett, Debbie Harry es una de las pocas mujeres estadounidenses de esa época que lograron arremeter en un mundo dominado por hombres, un estilo musical indómito, considerado rudo y antisistema, que tenía como cabecillas a The Ramones, The New York Dolls y Television. "Siempre consideré que era una industria muy competitiva, y eso me hacía trabajar más duro", responde ante la desigualdad de género que existía. Después reanuda: "La rivalidad entre los sexos es menos notoria hoy que en esos tiempos, de verdad creo que en el mundo de la música se siente mayor integración entre hombres y mujeres ahora. Creo que la apreciación no va por el género, sino por el talento".

La magia de Bowie

Actualmente, la banda cuenta con tres de los cinco integrantes originales, el guitarrista, compositor y aún pareja de Harry, Chris Stein, y el baterista Clem Burke. El trío junto a los otros tres músicos que completan la agrupación reactivan hoy una pospuesta gira para promocionar su noveno disco de estudio, "Pollinator" (2017), que incluye la primera visita del conjunto a La Habana, Cuba, con dos shows programados para esta noche y mañana 15 de marzo. El último álbum de la agrupación formada en 1974 es un trabajo que los revitalizó musicalmente desde el exitazo que fue "No Exit" (1999), ya que "The Course of Blondie" (2004) y "Panic of Girls" (2011) pasaron inadvertidos frente a la prensa especializada.

"Esta vez hicimos un esfuerzo consciente para grabar el disco a la antigua. Algunas partes fueron concebidas de manera análoga y luego pasaron a digital; es decir, combinamos las dos técnicas", explica. "Todo se dio de manera favorable: el sonido, el estudio, los colaboradores. En esa mirada, el título hace mucho sentido, porque fue un proceso de polinización de todas las influencias que nos mueven".

"The Magic Shop" es el nombre del estudio de grabación que los acogió el 2016 para dar vida a un material que se caracteriza por el tratamiento de la potente batería de Clem Burke fundida con sintetizadores y guitarras de manera formidable. Artistas como Lou Reed, The Ramones y Sonic Youth son algunos de los que pasaron temporadas en el legendario espacio que llevaba casi treinta años registrando discos fundamentales para la historia de la música y que cerró sus puertas para siempre con los creadores de "Eat to the Beat" (1979).

En su lugar, hoy se encumbra un rascacielos que resguardará los días que estuvo David Bowie afinando detalles para "The Next Day" (2013) y preparando su despedida con "Black Star" (2016). "Fue muy emocionante para nosotros estar ahí y sentimos que había una magia muy especial, fundamentalmente porque fue el estudio secreto de Bowie, a quien siempre admiré y reconozco fui su seguidora. Una vez, antes de que yo estuviera en la banda y tuviera la oportunidad de conocerlo, traté de colarme al backstage de uno de sus conciertos en el Carnegie Hall, pero no lo logré", revela entre risas.

El signo de los tiempos

-Entre los colaboradores del álbum está Sia, Johnny Marr y Joan Jett. ¿Cómo fue trabajar con ellos?

"A Joan la conozco desde The Runaways. Sia es una gran artista y Johnny Marr, ni hablar. No los conocía tanto, pero me sentí muy honrada de poder compartir y trabajar con gente tan talentosa. Pero sin duda alguna, lo más lindo fue tener la oportunidad de cantar con Joan, ella es una gran amiga. Es muy raro que después de tantos años de amistad recién ahora se nos ocurriera hacer algo juntas en un estudio".

-En este trabajo predominan los sintetizadores. Se le podría definir como rock electrónico. ¿Queda algo de punk en Blondie?

"Cuando empezamos, lo hicimos dentro de una escena que se llamaba así, pero no tenía que ver con la música, sino con una actitud y un punto de vista social al cual nosotros nos adherimos. Era algo así como un signo de los tiempos. Luego el sonido del punk propiamente tal se asoció a lo que hacían The Ramones y nosotros no encajábamos en eso, incluso al tener muchas canciones que estaban construidas con tres acordes y tres o cuatro instrumentos; pero también queríamos hacer otras cosas como 'The tide is high' o 'Heart of glass', por lo que, en cuanto al sonido, no éramos completamente una agrupación punk. Sin embargo, nuestros mensajes e ideas siempre han estado y estarán dentro del formato del punk".

-Además del hip hop, en el pasado también se caracterizaron por tomar elementos del reggae. ¿Qué les pasa con los ritmos urbanos actuales, como el reggaetón?

"Todo bien, siempre me ha gustado la música caribeña; esa es una de las grandes ventajas de vivir en Nueva York, que es un centro neurálgico de la música. Hay diferentes estilos que son parte de nuestra tradición y así ha sido siempre; es por eso que me encanta la diversidad, es una invitación a abrirse a otros géneros. El mundo ahora es más accesible a todas las culturas y está bien, es la forma en que debería ser y nosotros usamos ciertos elementos urbanos, pero sin perder nuestra esencia".

-¿Falta poco para la publicación de las memorias de Debbie Harry?

"Sí, es un libro fácil de leer que no tiene más de trescientas páginas, donde traté de contar mi historia personal junto con detalles de la formación de Blondie, nuestra evolución y lo que somos hoy. Dejé afuera muchas anécdotas con distintas personas del ambiente musical, un contenido que me gustaría usar en otra publicación futura. Así que, si me va bien con el primero, que aún no tiene fecha de publicación, podré escribir sobre lo que viví con mis colegas, si es que todavía puedo recordarlo (risas)".

Blondie en Chile

Santiago: 23 de marzo, Colors Night Lights 2, Velódromo Estadio Nacional.

Concepción: 20 de marzo, Gimnasio Municipal.

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miércoles, marzo 13, 2019

Campaña contra bullying tendrá tema con la voz de Kathy Winter

Javier Ossandón
Espectáculos
El Mercurio

La canción fue elaborada por inteligencia artificial.

Uno de los sueños de la joven Katherine Winter (16) antes de su deceso en mayo pasado -se suicidó producto del cyberbullying de que fue objeto- era ser cantante y lograr un lugar en la música.

Pequeñas incursiones en estudios de grabación y el registro casero en su celular fueron el pie de entrada para el proyecto que reconstruyó el tema que en parte había alcanzado a componer la joven y fuera parte de la campaña "Goodbye Ciberbullying", que busca erradicar el ciberacoso en las escuelas.

"I don't want to say goodbye" es el título de la pieza que con ayuda de inteligencia artificial, sobre la base de más de 500 archivos de audio y videos grabados por Katy Summer -nombre artístico con que se hacía llamar-, logró la canción que ya está disponible en las plataformas de YouTube y SoundCloud.

El tema se suma a los que la adolescente había grabado anteriormente. Esta composición, cargada de emotividad y de sus vivencias, implicó un trabajo de tecnología de más de tres meses, que permite escuchar la voz de la joven y que se convierte en la primera que se realiza con esta técnica para una campaña de este tipo.

La producción tuvo la colaboración del compositor Enzo Massardo, exproductor de Amango y de Kel Calderón, y la participación de músicos de la Orquesta de Cámara del Teatro Municipal de Santiago.

La campaña cuenta con el apoyo de la familia de Kathy Winter. Tras su fallecimiento tomaron las banderas contra el cyberbullying adolescente y crearon la Fundación Summer contra el acoso juvenil.

Las claves y repercusiones del documental que acusa de abuso a Michael Jackson

Romina Raglianti
Espectáculos
El Mercurio

"Leaving Neverland", el controversial filme que cuestiona la relación del "Rey del Pop" con dos niños, ha encendido el debate sobre el legado del fallecido artista.


Desde su debut en el reciente Festival de Sundance, el controversial documental "Leaving Neverland" ha ido como una bola de nieve aumentando su impacto. El filme, en el que dos hombres acusan a Michael Jackson de haberlos abusado sexualmente cuando eran niños, ha atraído altos niveles de audiencia en los países donde ya se ha emitido -en Inglaterra incluso rompió los récords de streaming de Channel 4- y un intenso debate entre aquellos que creen las denuncias y quienes aún defienden la inocencia del fallecido "Rey del Pop".

En Chile, el documental de cuatro horas podrá verse en dos partes este fin de semana, y llega en un momento en que el legado de Jackson está en jaque. Wade Robson y Jimmy Safechuck, los dos denunciantes, describen en la cinta -y en múltiples entrevistas posteriores, incluyendo una con Oprah Winfrey donde ella les dió su apoyo- con sórdidos y explícitos detalles cómo el músico supuestamente abusó de ellos por años en su Rancho Neverland.

Estas no son las primeras acusaciones de este tipo contra Jackson, quien en vida tuvo que defenderse de dos demandas, una de las cuales terminó en un acuerdo extrajudicial y la otra, con un juicio en el que fue absuelto.

Sin embargo, ahora la industria ha reaccionado con mayor dureza, aunque, en general, se mantiene la cautela, considerando que con el cantante muerto hace casi 10 años, difícilmente habrá una resolución legal del caso. Algunas radios de Canadá y Nueva Zelandia han decidido dejar de emitir sus canciones -un reporte de que la BBC había hecho lo mismo fue desmentido por la estación- y un musical teatral con canciones del artista llamado "Don't Stop 'Til You Get Enough" canceló su marcha blanca, aunque los productores aludieron a conflictos de agenda y no al documental como el motivo.

"Los Simpson" sacaron de pantalla un episodio de 1991 al que el artista prestó su voz, y según Billboard, en la primera semana de marzo, tras el estreno del filme en EE.UU., las ventas de sus álbumes en streaming tuvieron una caída del 39%, aunque en el caso de las canciones, estas aumentaron en 6%. Incluso, el rapero Drake sacó de su setlist el cover de "Don't Matter to Me", la que iba a interpretar en su gira Assassination Vacation.

Los defensores

Los herederos de Jackson, en su mayoría, han salido en su defensa -con la notoria excepción de su hermana Janet, cuyo silencio ha despertado una ola de rumores- y ahora están demandando a HBO por US$ 100 millones. Acusan al canal de haber violado una cláusula que firmaron al emitir en 1992 un concierto del intérprete en la que se establecía que no podrían denigrarlo en futuros trabajos.

Sus fans más leales han sido elocuentes para negar las acusaciones, e incluso pagaron avisos en buses de Londres declarando su inocencia. La página de IMDb del documental fue hackeada en un intento por desacreditar la veracidad de este.

Y aunque varias celebridades han manifestado el impacto que les dejó el documental, hay quienes todavía hablan por Jackson; entre ellos, el cantante Aaron Carter, quien en su niñez fue amigo del artista y criticó a los denunciantes por haber sacado la voz años después de su muerte. "Están pisoteando a un ícono y la tumba de una leyenda", acusó.

Estreno
"Leaving Neverland" podrá verse en Chile en dos partes, este sábado 16 y domingo 17, a las 20:00 horas, por HBO.

Filippo Gamba y Juan Pablo Izquierdo, juntos en el Municipal

Maureen Lennon Zaninovic
Cultura
El Mercurio

El destacado pianista italiano y el director emérito de la Filarmónica de Santiago abordarán hoy y mañana obras de Beethoven, Cirilo Vila y Bartók.



Artista del prestigioso sello Decca, el músico Filippo Gamba abrió este lunes el Ciclo Grandes Pianistas del Municipal. Hoy y mañana, a las 19:00 horas, tendrá su estreno junto a la Orquesta Filarmónica de Santiago, bajo la batuta del director emérito de este conjunto Juan Pablo Izquierdo.

"Es una emoción muy grande. Soy italiano y el pianista Arturo Benedetti Michelangeli es un modelo en mi tierra, pero para mí los más grandes instrumentistas -además de él- han sido Emil Gilels y Claudio Arrau. Conozco todo sobre Arrau, y Juan Pablo Izquierdo tuvo el honor de dirigirlo en este escenario. En este momento, en el Municipal, siento como si el alma de Arrau estuviera muy presente", revela Filippo Gamba en uno de los palcos del teatro de Agustinas.

El intérprete, que con anterioridad se había presentado en el GAM y en el Teatro de la U. de Concepción, añade que el pianista chileno ha sido un modelo a seguir sobre todo "en su manera de tocar sin artificios, en su manera de tomarse el tiempo y expresarse de manera verdadera y con autoridad. Hoy es tan difícil encontrar artistas como él", manifiesta.

El programa que ejecutará hoy y mañana incluye el Concierto N° 3 de Beethoven: un compositor indisociable a la brillante carrera de Claudio Arrau.

"Tocar este repertorio en este país me resulta una experiencia conmovedora. Acá se aprecia un corte muy claro con respecto a los conciertos anteriores de Beethoven. En esta pieza hay momentos tremendamente especiales, como el final del primer movimiento -la cadenza -, donde, después de la intervención del piano, la orquesta continúa de una manera mágica. Estamos ante la mirada de un compositor adelantado", dice el pianista italiano, quien este viernes también debutará en el Teatro Regional del Biobío y el jueves 21 regresará al Colón de Buenos Aires.

Juan Pablo Izquierdo concuerda con las impresiones de Filippo Gamba y añade que este Concierto N° 3 es "un pronóstico, una anticipación del Romanticismo. Hay momentos en que pareciera que uno está escuchando a Schumann. Beethoven abrió rumbos nuevos. Por ejemplo, el primer movimiento corresponde a la tonalidad de Do menor, pero después salta al Si mayor. Armónicamente estamos ante un gran avance, que luego vino a repercutir en Brahms y Schubert".

Además de la creación del llamado "genio de Bonn", la Filarmónica de Santiago abordará "El mandarín maravilloso", de Béla Bartók, y "Elegía", del fallecido compositor y Premio Nacional de Música 2004, Cirilo Vila.

"'El mandarín maravilloso' ha estado impreso en la historia del Municipal", advierte Izquierdo, y rememora que él tenía 24 años cuando le tocó asistir al entonces director de la Filarmónica Juan Mateucci. "Mi primer trabajo fue ensayar esta obra con la sección de vientos", dice.

El director emérito profundiza en su análisis y señala que estamos ante una composición "que no se toca de manera habitual, porque es muy difícil. Rítmicamente es bien compleja, sobre todo el final de la suite es a una velocidad descomunal, con un número impresionante de notas. ¡Está en los límites de la ejecución orquestal! En 'El mandarín maravilloso' se aprecia una búsqueda psicológica al igual que en 'El castillo de Barbazul'. Hay una ebullición interior. Su virtuosismo, por lo demás, es electrizante".

De "Elegía", Juan Pablo Izquierdo cuenta que, en la década de los 80, "la Filarmónica de Santiago estrenó esta obra con la presencia de su creador. Fue una comisión y yo tuve el privilegio de ensayar con el propio Cirilo Vila. 'Elegía' es un homenaje a ciertos gestos de Bartók".

EXCLUSIVO:
Quienes tengan entradas para el concierto de hoy podrán participar, a las 18:00 horas, de un encuentro previo a la función con músicos de la Orquesta Filarmónica de Santiago.

Sergio Denis grave tras caer de un escenario

El Mercurio

El cantante argentino de 69 años cayó a una fosa de tres metros desde el escenario de un teatro de Tucumán, donde daba un concierto el lunes último. Denis está en estado crítico dado el traumatismo encefalocraneano que sufrió.

Cami presentará show en Vitacura

Espectáculos
El Mercurio

Este viernes, la cantante dará un concierto en el Parque Bicentenario. Su actuación se mezclará con otros exponentes del hip-hop , rock , indie y pop. Desde las 19:00 horas, en el atrio del recinto estarán además de Camila Gallardo, Juanita La O, Ocio Como Vicio, Soy Irracional, Seis Cuerdas, Max Zegers y Elisa.

Cantante de K-Pop acusado por red de prostitución

El Mercurio

Seungri, integrante de la exitosa banda surcoreana BigBang, enfrenta cargos por haber provisto de prostitutas a empresarios en clubes nocturnos de Seúl. El cantante anunció su retiro de la música para preparar su defensa.

FOJI se presentará junto a Los Jaivas en Los Ángeles

Cultura
El Mercurio


Dos funciones realizará  la Fundación de Orquestas Juveniles e Infantiles de Chile en Los Ángeles, Región del Biobío. Mañana, a las 19:30 horas, se presentarán en el Teatro Municipal de Los Ángeles, con entrada liberada. Y el sábado, a las 18:30 horas, junto a Los Jaivas, estarán en la inauguración del edificio corporativo de la Compañía Manufacturera de Papeles y Cartones. El concierto es gratuito y tocarán una musicalización de "Las Cuatro Estaciones", de Vivaldi.

martes, marzo 12, 2019

Muere Hal Blaine, baterista de sesión de The Beach Boys, Elvis Presley y Frank Sinatra



Plásticosydecibelios

Muchos grandes bateristas ha dado el pop y el rock a lo largo de todos estos años, pero pocos con el impresionante currículum de músico de sesión de Hal Blaine, el hombre que respaldó con su ritmo a muchos de los más grandes, de Frank Sinatra a Elvis Presley, pasando por Beach Boys o The Byrds.

La muerte ayer lunes a los 90 años del legendario baterista de la Wrecking Crew, el colectivo de músicos de sesión que respaldó las grabaciones clásicas de Phil Spector y a buena parte del mejor pop californiano de los años sesenta, fue anunciada por su familia en su página oficial de Facebook y en su cuenta de Twitter:

“Hal Blaine, padre amoroso de Michelle Blaine; abuelo de Anthony, Josh, Aaron, Whitney, Tempest, Ever y Lyryk; e inspiración para innumerables amigos, fans y músicos, ha fallecido hoy, 11 de marzo de 2019, a la edad de 90 años. Que descanse para siempre en un 2X4. La familia agradece vuestro flujo de apoyo y las oraciones que se han dedicado a Hal en todo el mundo, y respetuosamente solicita privacidad en este momento de riguroso luto. No se darán a conocer más detalles por ahora”.

Hal Blaine fue un batería sobrio y maravilloso que tocó al menos en cuatro decenas de singles que alcanzaron el nº 1, 150 canciones que se metieron en el Top 10, y, según sus propios cálculos, en más de 35.000 canciones grabadas.

Por supuesto fue junto a Leon Russell, Glenn Campbell, Sonny Bono, Jack Nitzsche y Carol Kaye, parte del fabuloso equipo de músicos de sesión conocido como la Wrecking Crew. Blaine fue un componente esencial de su famoso “muro de sonido”, y músico de acompañamiento en grabaciones de The Monkees, Paul Revere & The Raiders, Grass Roots, Mamas & The Papas, Dean Martin, Neil Diamond, John Lennon, Simon & Garfunkel o Steely Dan.

Era miembro de varios Salones de la música, entre otros del Rock and Roll Hall of Fame, y recibió en 2018 el “Premio a la Trayectoria” de los Grammy, el que ha sido su último gran reconocimiento.

Harold Simon Belsky, de nombre artístico Hal Blaine, nació en Holyoke, Massachusetts, el 5 de febrero de 1929. Más tarde, se mudó con su familia a Hartford cuando su padre consiguió un trabajo en la Connecticut Leather Co.

Como adolescente, comenzó a tocar la batería y comenzó a asistir a muchos espectáculos en el State Theatre de Hartford. A finales de los cincuenta, Blaine había conseguido un papel principal en la escena de los músicos de estudio de Los Ángeles, junto a brillantes músicos como Leon Russell, Tommy Tedesco, Carol Kaye y Glen Campbell. Blaine llamó al grupo “The Wrecking Crew”.

Según recordó más tarde:

“Sabía que podía hacer una película en una sesión y estar tocando con una orquesta sinfónica completa, tres horas más tarde tocando con una pequeña banda de rock y tres horas más tarde tocando jazz”.

La batería de Blaine puede escucharse en canciones legendarias como “Good Vibrations” de The Beach Boys, “Mr. Tambourine Man” de los Byrds, “Strangers in the Night” y “That´s Life” de Frank Sinatra, “Bridge Over Troubled Water” y “The Boxer” de Simon & Garfunkel, “Let´s Live For Today” de The Grass Roots, “Aquarius / Let the Sunshine In” de 5th Dimension, “These Boots Are Made for Walkin” de Nancy Sinatra, “California Dreaming” y “Monday Monday” de Mamas and the Papas, “Song Sung Blue” de Neil Diamond, y, por supuesto, en muchas canciones de las Crystals y las Ronettes, entre muchas otras, “Be My Baby”, la canción que volvió loco a Brian Wilson. Y estas serían tan sólo una pocas.

Su muerte ha sido llorada por sus colegas músicos. Liberty Devitto, baterista de Billy Joel, publicó en Facebook:

“Una vez más, tengo motivos para llorar. Mi mentor, inspiración y gran bromista se ha ido. Tuve el honor de llamarle amigo“.

“Dios mío, querido amigo. Hiciste del mundo un lugar mejor”, ha dicho Nancy Sinatra en su sitio web.

El teclista Don Randi, miembro de la Wrecking Crew, le ha contado a Variety: “Era un creador de tendencias para la batería de rock ‘n’ roll”.

Y Steve Lukather de Toto: “Nunca habrá otro. Mira en Google en los éxitos que tocó”.

El mes pasado, tocó en su propia fiesta de 90 aniversario en el Baked Potato de Don Randi, otro ex componente de la mítica Wrecking Crew. Entre los invitados al evento estuvieron Charlie Watts de los Rolling Stones y Denny Seiwell de Wings.

Según explicó Randi:

“Fue una noche maravillosa, ver a todos los bateristas famosos del mundo allí. Todos los bateristas que lo emularon estaban allí para escucharlo tocar esas melodías especiales”.


Temporada cultural U. Andrés Bello tiene acento femenino

Romina de la Sotta D.
Cultura
El Mercurio

Un homenaje a Gabriela Mistral y la actuación solista de la soprano Patricia Cifuentes, las arpistas Maria Chiossi y Alida Fabris, y la pianista Mahani Teave, marcarán el año en el Campus Casona de Las Condes.



"Les vamos a dar un mayor protagonismo a las mujeres en las diversas expresiones artísticas, culturales y académicas que contempla nuestra decimosexta temporada cultural", anuncia Felipe Karadima Skarmeta, director de Extensión Cultural de la Universidad Andrés Bello.

"Queremos hacer un homenaje a Gabriela Mistral, porque se cumplen 130 años de su nacimiento. En mayo haremos una exposición con objetos únicos de ella, para reposicionar todo lo que nos puede enseñar en la educación", detalla. Esta muestra contará con piezas de los museos de la iglesia San Francisco y Gabriela Mistral de Vicuña.

"En esta misma línea, en agosto haremos un encuentro con conferencias sobre cuatro grandes mujeres de vanguardia: Gabriela Mistral, Frida Kahlo, Virginia Wolf y Malala. Además, tendremos una exposición de la pintora Carmen Aldunate ese mismo mes", agrega.

Otras dos muestras completan la programación 2019: "Migran", de la Unión de Reporteros Gráficos y Camarógrafos de Chile, que abre el 19 de marzo, y una colectiva de escultores, en septiembre.

Todas estas actividades son gratuitas y se desarrollan en el Campus Casona de Las Condes (Fernández Concha 700).

Múltiples virtuosas

El corazón musical de la temporada seguirá siendo la Camerata U. Andrés Bello, que dirige Santiago Meza. Ofrecerán siete conciertos en el Campus Casona de Las Condes ($4 mil para el público general, y gratis para la comunidad UAB).

Aquí también habrá un acento femenino, confirma Karadima: contarán con cuatro virtuosas músicas invitadas.

Santiago Meza destaca que "esto marca el retorno, como solistas, de intérpretes nacionales como Patricia Cifuentes y Mahani Teave, quienes son artistas de primera línea".

La soprano interpretará con la Camerata UAB el motete de Mozart "Exsultate, jubilate", K.165, en el programa "La voz encantada", que suma el Concierto Brandenburgués N° 3, de Bach, y la Sinfonía N° 5, de Schubert (24 de abril).

La pianista, en tanto, tocará el Concierto N° 1, de Chopin, en un programa que conmemorará los 170 años del deceso del genio polaco. También incluyeron la Sinfonía "Eisen", de Leopold Mozart, y la Sinfonía N° 4, "Italiana", de Mendelssohn, al cumplirse 300 y 210 años de la muerte de estos otros compositores, respectivamente (agosto).

Meza recalca que invitaron al arpa solista de la Filarmónica de Santiago y al arpa solista de la Sinfónica de Chile, para un programa sumamente original (octubre). Las italianas Alida Fabris y Maria Chiossi conforman el Dúo de Arpas Nevel e interpretarán, con la Camerata UAB, el "Concertino in Ancient Style" para dos arpas y cuerdas del polaco Maciej Malecki. "Esta obra tiene una inspiración en la música antigua y es muy entretenida", acota el director.

Karadima, además, adelanta que conmemorarán los 20 años de la muerte de Joaquín Rodrigo, con el "Concierto de Aranjuez", en julio.

Asimismo, la apertura y el cierre de la temporada tendrán solistas muy prometedores. Así, el 24 de marzo el violinista húngaro Bálint Kruppa (1992) abordará el Concierto N° 3, de Mozart, y se sumarán la Obertura de "Don Giovanni", de Mozart, y la Sinfonía N° 1, de Beethoven. En noviembre, en tanto, retorna el chelista de los Urales Pavel Gomziakov (1975), con el Concierto N° 2, de Haydn.

Igualmente, habrá algunas apuestas musicales atractivas y gratuitas, como los conciertos que darán los más prometedores alumnos de cuerdas de la respetada Escuela de Música de la Universidad de Indiana, en la sedes de la UAB de calles República y Fernández Concha (junio).