lunes, diciembre 10, 2018

Artistas k-pop traspasan las fronteras con colaboraciones internacionales

El Mercurio

Figuras globales como Dua Lipa y John Legend se han sumado al fenómeno asiático, trabajando con algunas de sus bandas más exitosas. 

Bárbara Castro
La barrera idiomática nunca ha sido un problema. Mucho antes de su explosivo ascenso en las listas de éxitos de Occidente durante los últimos años, la música popular coreana -k-pop- ya venía cultivando una sustantiva masa de seguidores, a quienes poco le importaba que sus artistas interpretaran sus canciones mayormente en su idioma natal.

Una afición que incluso llegó a promover el aprendizaje de la lengua y la cultura surcoreana alrededor del mundo.

Hoy, estas bandas expanden su influencia, girando por EE.UU., Europa y Latinoamérica con la pretensión de irrumpir al mercado masivo, algo que en el último tiempo se viene potenciando con colaboraciones musicales con algunas de las principales figuras de la escena global.

Fue en una reciente visita a Seúl, capital de la potencia musical asiática, que la cantante Dua Lipa conoció a Blackpink, grupo formado por cuatro chicas y que actualmente está rompiendo récords en su país. El encuentro se materializaría en "Kiss and Make Up", tema que cuenta con la británica cantando en coreano y que prescindiendo de video musical y promoción a gran escala logró 20 millones de reproducciones en Spotify en las primeras horas de su lanzamiento.

En agosto pasado, la rapera estadounidense Nicki Minaj lanzó "Idol" junto a BTS, el grupo k-pop más popular en Norteamérica, una irrupción en ese mercado a gran escala y que este año los convirtió en el primer conjunto del género en ubicarse al tope del Billboard y, además, conseguir una nominación al Grammy. Al igual que Dua Lipa, Minaj adoptó la colorida estética de la boyband en el video de la canción, que logró más de 50 millones de vistas en YouTube en sus primeras 24 horas.

La banda también estaría preparándose para entrar al estudio con el joven ídolo pop canadiense Shawn Mendes, y hace unas semanas el cantante Charlie Puth aterrizaba en Seúl con el mismo cometido. El conjunto también captó el interés de Ed Sheeran, quien compartió su entusiasmo por colaborar con ellos. "Escribí una canción con la que podrían jugar", señaló en "Heat World" de la televisión británica.

Conocido por sus poderosas baladas, John Legend también reveló sus planes de colaborar con Wendy, cantante y líder de Red Velvet, banda que se presentó en la antesala de la cumbre entre las dos Coreas en abril pasado. Otro popular exponente del R&B, Jason Derulo, anunció que prepara una canción homenaje a Michael Jackson junto a Exo, grupo que encabezó la ceremonia de clausura de los Juegos Olímpicos de Invierno 2018.

Potencia latina

La industria asiática también ha puesto su atención en la música urbana en su aspiración de conquistar al público hispano. En 2016 Ricky Martin estrenó la versión en inglés de su hit "Vente pa'ca", con Wendy de Red Velvet en reemplazo de Maluma. Desde entonces, varios grupos han experimentado con ritmos regionales y estrofas en español, como el caso de "Hola hola", de Kard, quienes se presentaron en Chile en septiembre pasado.

La producción coreana con toques locales más exitosa a la fecha llegó en abril de este año con "Lo siento", de Super Junior junto a la dominicana Leslie Grace. Unos días después, durante el debut en vivo del tema en el recital que dio la banda en el Movistar Arena, las miles de fanáticas lo corearon al unísono, sin titubear frente a los repentinos cambios de idioma.

Santa Feria encabezará fiesta de Año Nuevo en el Club Hípico

El Mercurio

La banda tropical dará la bienvenida al 2019 liderando el cartel de la quinta versión de "Reload" el 31 de diciembre, desde las 23:00 horas, en el recinto capitalino.

Subastan objetos de Frank Sinatra

El Mercurio

Piezas de arte, joyas y recuerdos familiares, como un retrato del cantante realizado por Norman Rockwell que eran parte de la colección personal del intérprete, fueron subastadas por Sotheby's el día viernes en Nueva York. La venta alcanzó los US$ 9,2 millones, casi doblando el precio inicial, mientras que el artículo más caro fue el anillo de compromiso de diamantes que alguna vez perteneció a su esposa, que se vendió en US$ 1,7 millones.

domingo, diciembre 09, 2018

Juan Antonio Muñoz: "He tratado de descubrir el misterio de estos artistas"

El Mercurio

El destacado periodista cultural y crítico de ópera de "El Mercurio" presentará este jueves al mediodía -en el Municipal de Santiago y con el apoyo de la Fundación Ibáñez Atkinson- una recopilación de su elogiado trabajo en este diario: el volumen "Conversaciones con la música". 

Maureen Lennon Zaninovic

"¿Merecía escribirse este libro que el lector tiene en sus manos? Este prologuista piensa categóricamente que sí, pero el autor fue renuente a hacerlo por varios años".

Son palabras de Francisco José Folch, reconocido melómano y crítico de ópera de este diario, que se leen en el prólogo de "Conversaciones con la música", de Juan Antonio Muñoz. El volumen -publicado por Ediciones El Mercurio con el apoyo de la Fundación Ibáñez Atkinson- será lanzado este jueves, al mediodía, en el Municipal de Santiago por el propio Muñoz (editor de Vidactual, crítico de ópera de este periódico y autor de numerosos títulos, entre otros de "Un siglo en la escena"), con el apoyo de dos destacados presentadores vinculados al quehacer artístico: la pianista Erika Vöhringer y Gonzalo Saavedra, profesor de la Facultad de Comunicaciones de la UC y crítico de música.

Folch añade que en 2014, el también corresponsal en Chile de la Revista Ópera Actual (España), cedió a la evidencia de que este material no debía permanecer disperso y accesible solo a ocasionales investigadores especializados y, finalmente, accedió a que se publicara en un volumen que incluye una selección de sus entrevistas publicadas en este suplemento y en otras secciones de "El Mercurio", cubriendo más de tres décadas de carrera. "¿Qué se encontrará en la páginas que siguen? Desde luego, una constelación de astros y estrellas de la música que genéricamente llamamos clásica -cantantes, solistas instrumentales, directores de orquesta, compositores-. Varios de ellos son de primera magnitud, cuyos nombres conoce todo aficionado, ya sean del pasado no lejano -Birgit Nilsson, Elisabeth Schwarzkopf, Sergiu Celibidache, Alicia de Larrocha, Itzhak Perlman, entre otros- o del más activo presente- como Anna Netrebko, Simon Rattle, Jonas Kaufmann, Diana Damrau-. Otros son nombres que atesoran los conocedores y no siempre encuentran cauce para expresarse en la bibliografía", escribe el prologuista.

Juan Antonio Muñoz reconoce a "Artes y Letras" que Francisco José Folch fue el gran impulsor del libro. "Yo era bien renuente, sobre todo por el trabajo que significaba. Finalmente, me convenció de que este material había que reunirlo en un solo texto, para que quedara como un libro de consulta y referencia para los lectores", dice, y agrega que la edición resultó un desafío porque solo se incluyeron 70 entrevistas de un corpus infinitamente mayor. "Están entrevistadas personalidades que son absolutamente claves en la música de los siglos XX y XXI, tanto en la interpretación como en la creación. Al releer estas conversaciones resulta increíble, que un diario como este, que se imprime en un país más bien alejado de los grandes centros musicales del mundo, tuviera acceso a estos creadores". Muñoz se explaya en el contenido del libro y dice que todas las entrevistas revelan "la pasión de estos artistas, su necesidad de hacer música y de hacerse música. Todas estas personalidades son fabulosas y a través de estas conversaciones he tratado de descubrir cuál es su misterio, qué los mueve a explorar el alma para ofrecer su arte".

Cartas a Nilsson

El editor de Vidactual advierte que suprimió algunos aspectos de las entrevistas originales y que remitían a un contexto particular, como por ejemplo el programa de un concierto en Santiago. "Esos elementos vinculados a la contingencia no son un aporte para el espíritu del libro, por eso no los incluí; pero en muchos otros casos las entrevistas fueron ampliadas con material que tenía guardado y que, por espacio, no alcanzaron a publicarse en una primera instancia. La gran mayoría de las conversaciones se dieron en vivo, de forma presencial, pero hay otras -como en el caso de la soprano sueca Birgit Nilsson- que fue por carta. Cartas iban y volvían. A ella le parecía impresionante que una persona, desde tan lejos, estuviera interesada en su trabajo y que incluso quisiera venir a Suecia a entrevistarla. Esa inolvidable conversación, acompañada de una carta manuscrita, se publicó en 'Artes y Letras'", adelanta Juan Antonio Muñoz.

Para un periodista, sacar lo mejor de un entrevistado no es siempre una tarea fácil. "La soprano Anna Netrebko, por ejemplo, siempre pone una distancia, no se entrega. Elisabeth Schwarzkopf, Sergiu Celibidache, Alicia de Larrocha, Sylvia Sass, Diana Damrau, Jonas Kaufmann y Pierre Boulez sí fueron un encanto y grandes entrevistados. Con la adorable pianista Alicia de Larrocha tuve una conversación fantástica y me confesó que le fascinaba cantar y, en especial, las arias de las óperas de Wagner. Me relató, además, sus vínculos familiares con Granados. La entrevista a la cantante británica Emma Kirkby resultó sumamente significativa, sobre todo por sus consideraciones sobre el silencio. De otra destacada intérprete de música antigua, Evelyn Tubb, rescato sus reflexiones en torno a la palabra y el alma. También considero muy valiosas las entrevistas al tenor Jonas Kaufmann y a la soprano húngara Sylvia Sass, dos de los artistas vivos que más han aportado a mi alma. Rara vez ocurre que uno entra en una comunicación profunda con el entrevistado y eso me pasó con Sylvia Sass, a quien conocí por primera vez en 1984 y con la que mantengo una amistad que continúa hasta el día de hoy. Destaco de Sylvia su entrega. Ella me dijo una frase preciosa: 'Cuando canto, debo sentirme como un sacerdote al servicio de la misa'. Su devoción por el trabajo es total".

De Jonas Kaufmann -considerado una de las más grandes voces de todos los tiempos- comenta que se trata de un artista "fuera de lo común, en términos de espectro de repertorio y sensibilidad, además de un liederista de estatura histórica. En el mundo del Lied , Kaufmann emite un canto desde lo profundo. Son raras las veces que el público cae en trance y eso lo he visto en los recitales de este cantante. Sus conciertos, con un control absoluto de lo emotivo que él dosifica y administra con devoción, son verdaderas peregrinaciones a un templo. Lo que él logra, es propio de grandes artistas".

El crítico de "El Mercurio" añade que, sin duda, la pasión y sus gustos personales se cuelan en las páginas de este volumen. "Algunos pueden enloquecer con las composiciones del músico polaco Witold Lutoslawski. A mí, en cambio, me fascina la obra de Claude Debussy y de Claudio Monteverdi. Cuando quiero estar en paz, vuelvo a Monteverdi", revela.

De las conversaciones con artistas fallecidos, Juan Antonio Muñoz cita al tenor español Alfredo Kraus (1927-1999) y a la soprano Elisabeth Schwarzkopf (1915-2006). "Esta última me reveló, de manera impactante, que nunca estuvo satisfecha con sus presentaciones, que siempre podría haberlo hecho mejor y que nunca fue suficientemente buena. ¡Increíble! Sobre todo que lo diga ella que fue un modelo de un canto sofisticado y preciso. La entrevista a Alfredo Kraus resultó políticamente incorrecta. Él declaró que no había que hacer música para las masas, sino más bien para una élite de entendidos, para que luego la masa se eleve y crezca. Él fue muy crítico del fenómeno de marketing de los tres tenores. El director de orquesta rumano Sergiu Celibidache, fallecido en 1996, me dio una entrevista muy divertida donde confesó que no le gusta la ópera y si le daban a elegir entre 'Tristán e Isolda', de Wagner y la cárcel, él preferiría los barrotes".

También se explaya en la conversación con la legendaria soprano chilena Claudia Parada, quien partió a fines de 2016. "No solo abrió caminos, sino que también abordó un repertorio insólito, que muy pocos conocen. Uno asocia a Claudia Parada a Donizetti, a Verdi y a la Scala de Milán; pero ella también cantó 'Peter Grimes', de Britten; cantó 'Salomé', de Richard Strauss en su versión original, en francés; cantó 'Wozzeck', de Alban Berg y fue escogida por Gian Carlo Menotti para interpretar su ópera 'La médium'. No estamos hablando de una artista cualquiera".

Juan Antonio Muñoz confía en que "Conversaciones con la música" resulte un aporte para los jóvenes, en especial para los estudiantes del conservatorio. "Las entrevistas son muy valiosas para conocer las experiencias de vida, los consejos y la fortaleza que supone llevar adelante una carrera. Los entrevistados revelan sus exigencias y los esfuerzos para no dejar trunca una carrera artística".

Encuentro con los Amenábar

Exalumno del Colegio San Ignacio (El Bosque), el periodista titulado de la UC agradece la formación que recibió en sus primeros años estudiantiles. "A mi profesor Gilberto Ponce le debo mucho. Fui parte del coro del colegio que él dirigió y, siendo muy pequeño -en Quinto Básico- cantamos la Pasión Según San Mateo de Bach, junto a la Orquesta Sinfónica. También me ha marcado profundamente conocer a mi mujer, la soprano Magdalena Amenábar, y a través de ella, a mi suegro: el fallecido compositor Juan Amenábar (considerado un pilar en el desarrollo de la música electroacústica). Entrar a la casa de los Amenábar me abrió un mundo insospechado. Juan fue un artista de lujo, inteligentísimo, culto y abierto de mente. Escuchar con él las canciones de Liszt fue todo un aprendizaje", revela el autor de "Conversaciones con la música".

El primer concierto de música clásica al que asistió, dejó en él una huella imborrable. "Fue en 1972, en pleno gobierno de la UP. Me llevó mi cuñado al Museo de Bellas Artes. Yo era un niño y en la presentación había mucho público universitario. Dirigió Juan Pablo Izquierdo, quien en ese momento era una verdadera estrella de la música en nuestro país. La atmósfera fue irrepetible. A la salida, nos encontramos con un paro de la locomoción colectiva, así que nos devolvimos hasta la casa caminando. Fue muy especial", rememora.

-¿Qué le parece el marketing que hoy está presente en los cantantes, intérpretes y directores de orquesta?

"No me parece malo, siempre que no signifique perder lo fundamental. Lamentablemente, el marketing está diluyendo lo importante y el público más masivo difícilmente va más allá del primer impacto que genera. Es fácil quedarse en la superficie y, además, es fácil para los intérpretes buscar ese brillo superficial. Sin duda muchos músicos hoy consiguen reconocimiento masivo, pero pierden el alma, el misterio, el apelar a su interior. Todo eso se pierde con tanta parafernalia. Muchos pianistas orientales ofrecen un virtuosismo sorprendente. ¿Pero qué queda después de todo eso?".

-¿A qué artistas de las nuevas generaciones admira?

"El contratenor polaco Jakub Józef Orlinski es un artista de primer nivel. También tengo muchas esperanzas puestas en la mezzosoprano italiana Annalisa Stroppa, quien acaba de encarnar a Adalgisa en el Teatro Colón de Buenos Aires. En Chile tenemos una estrella. Me refiero al director de orquesta Paolo Bortolameolli (protagonizará la Gala El Mercurio 2019, en el Municipal de Santiago). Para mí es un crack de la música clásica, por la lucidez y la pasión con que conduce. Herbert von Karajan fue lúcido e inteligente, Leonard Bernstein, en tanto, fue pura pasión. Paolo tiene una mezcla perfecta entre la lucidez y la pasión desatada".

Álbum hecho por WhatsApp une a músicos latinos

El Mercurio

Un colectivo con artistas de 10 países lanzó su primer disco con canciones grabadas a través de sus celulares. 

Raimundo Flores S.
El nombre del disco debut de Núcleo Distante explica bien la naturaleza del proyecto. "Notas de voz: Canciones que nos enviamos en nuestro grupo de wasap" es el título del primer trabajo de este colectivo formado por 22 músicos de 10 países de Latinoamérica, entre los que están los chilenos Paz Court, Vicente Cifuentes y Andrés Landon.

Formado en 2017 por el venezolano Ulises Hadjis y el mexicano El David Aguilar -colaborador habitual de Mon Laferte y quien estuvo nominado en cinco categorías en los últimos Grammy Latinos-, el colectivo busca generar un espacio para los cantautores independientes del continente.

"Está todo tomado por el trap , por el reggaetón y por la música comercial. De algún modo, este es un grupo de resistencia. Es una respuesta a todo lo que se está haciendo ahora que es más artificial y más producido", explica Paz Court, quien aportó con la canción "La noche oscura" a esta recopilación.

"Independiente del estilo superficial del que están hechas los temas, debajo de eso todos estamos haciendo lo mismo, canciones de autor que no esperan pertenecer a un género o a una franquicia musical", complementa Andrés Landon, quien firma en el disco el tema "No lo neguí".

Todos los temas del álbum contaron con la particularidad de haber sido grabados desde los celulares de los integrantes de Núcleo Distante y compartidas a través del grupo de WhatsApp por el que se comunican. "Esto es como una canción al desnudo, donde todos nos mostramos en nuestra máxima intimidad de cómo creamos las canciones", dice Court, quien añade que la existencia del grupo también ha permitido formar lazos y redes en otros países para los miembros del colectivo.

Además, ahora Núcleo Distante trabaja en su primer disco de estudio en el que esta vez los artistas colaborarán entre sí.

Una noche en el teatro con la ministra de las Culturas

El Mercurio

"El Mercurio" invitó a Consuelo Valdés a una función de "Hedda Gabler" para conocer su mirada y los nuevos proyectos de la cartera en las artes escénicas locales. Uno de ellos será financiar una gira nacional de "La pérgola de las flores", que se estrena en 2019. 

Eduardo Miranda
Fue como una cumbre de ministras en el camarín. Consuelo Valdés, quien actualmente está a la cabeza del Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio, se abraza amistosamente con la actriz Paulina Urrutia, una de sus antecesoras y quien estuvo en ese mismo cargo entre los años 2006 y 2010. Ambas coincidieron en la función del jueves 6 de la obra "Hedda Gabler", y tras el aplauso final fueron a saludar a los actores, cuando ya habían bajado del escenario del Centro GAM. Se sonrieron, bromearon y felicitaron al elenco por algunos minutos.

Fue un encuentro totalmente casual en una noche de teatro.

"El Mercurio" invitó a la actual secretaria de Estado a una de las obras que hoy están en cartelera, solamente con la intención de hablar de artes escénicas. La idea era conocer su visión y los proyectos que la institución tiene a futuro en esa área. Y la ministra aceptó, eligió la fecha y el montaje que quería ver.

"La primera vez que fui al teatro, fue a los 14 años, con mi padre", recuerda ella en una conversación después de la función. "Fuimos a ver 'La pérgola de las flores' y quedé maravillada. Después, ya pololeando, fui a ver 'El tony chico' y 'Romeo y Julieta', con Diana Sanz, que sobre el escenario se veía bellísima".

La tarde del jueves 6, la ministra llega apurada y con un par de minutos de retraso, pero el equipo técnico de GAM decide esperar y la obra comienza apenas ella se sienta en la butaca F15. Cuando las luces se apagan totalmente, alcanza a decir un susurrado "Disfruto muchísimo cada vez que vengo al teatro". Y aparentemente fue así: estuvo pendiente del escenario las 2 horas con 15 minutos que duró la función, se rió a carcajadas en algunas escenas, o se tomaba la cabeza cuando escuchaba algunas de las fuertes frases de Hedda Gabler, encarnada por la actriz Amparo Noguera. "Ella es una mujer de un talento impresionante y una gran versatilidad corporal. No es una obra fácil, y Amparo está extraordinaria. El montaje es excelente y se me pasó volando", analiza Consuelo Valdés, al término de la función. Y luego dice: "Tenemos un gran nivel de talento en el teatro chileno".

La ministra, quien asumió el cargo el 13 de agosto, ya tiene un compromiso nuevo en el horizonte. Luego de conocer la anunciada programación 2019 del Centro GAM, una de sus ideas será otorgarle recursos a la producción de "La pérgola de las flores" -el montaje que dirigirá Héctor Noguera-, para que recorra distintas ciudades de Chile. "Quiero que sea un proyecto itinerante. Debemos todavía tener una serie de reuniones para destinar los recursos, pero es un acuerdo que adquirí. Se cumplen 100 años del natalicio de Isidora Aguirre y esta es una obra que cruza nuestra identidad", explica Valdés. Y luego agrega: "Es una idea que nace de esta administración. En momentos de tanta globalización, 'La pérgola' puede llegar muy oportuna a recordarnos quiénes somos".

Descentralizar el arte

Los proyectos escénicos en regiones parecen ser una prioridad en la gestión de Valdés. Durante 2018, la compañía Tryo Teatro Banda ha recorrido 58 localidades como parte del proyecto Teatro Itinerante. Y desde 2019, la convocatoria se abrirá a otras disciplinas de artes escénicas, como el circo y la danza. "Hay una red de centros culturales regionales a los que hay que darles vida, y el teatro puede ser muy importante en esto. Lo mismo que en la formación de audiencias, que es un área que hay que trabajar. Estimular la creación y la apreciación", dice la secretaria de Estado.

Otro punto que menciona Valdés es la ley de Artes Escénicas, que por estos días está en segundo trámite constitucional en el Senado y que propone, entre otros objetivos, la creación de un consejo nacional para el sector y un fondo para el fomento y el desarrollo de las artes escénicas. Todo administrado por el ministerio. "La ley pasa por su curso natural. Creo que muy pronto se promulgará y estamos trabajando para que así sea. Estamos juntándonos con distintos representantes para mejorar cada vez más. Hemos estado presentes en conversaciones, es un tema que no descuidamos, porque es un plan enorme", dice la ministra.

El año pasado, Fondart entregó una suma cercana a los $10.700 millones, y los proyectos teatrales sumaron un total de $2.168.607.895. El circo también obtuvo $163.354.756. ¿Hay algún plan en torno a la entrega de recursos? La ministra responde: "Me gusta empaparme de las necesidades de los artistas para ver en lo que pueda ayudarlos. Soy una servidora de la cultura y me importa que mis capacidades estén a la altura de las demandas. Han venido agrupaciones y los he escuchado con mucha atención para saber en qué podemos mejorar o agilizar los procesos de asignación de recursos".

En 2019 también se realizará, por segunda vez, la entrega del Premio a la Excelencia en las Artes Escénicas, que son siete reconocimientos a la trayectoria y la excelencia artística. Y Valdés adelanta: "También me preocupa la calidad de vida de los actores que son mayores y que han tenido que dejar los escenarios. Esa es otro tema que no quiero descuidar".

La sala del Centro GAM se ilumina en medio de una ovación al elenco de "Hedda Gabler". La función ha terminado y la ministra aplaude entusiasta y satisfecha. Antes de ponerse de pie para ir a saludar a los actores al camarín, dice: "Desde aquí se puede comprender cómo se suman tantas reflexiones sobre un escenario. Yo no vengo del área de teatro, pero me apasiona mucho". Y luego de una pausa agrega: "¿Cuándo venimos de nuevo?".

Joss Stone volvió a cautivar con su voz

El Mercurio

La cantante regresó al país, en una nueva fecha de su interminable y literal tour mundial para realizar un concierto, el pasado viernes en el Gran Arena Monticello, que esta vez estuvo generoso en covers . De hecho, Joss Stone abrió su presentación del viernes con "The chokin' kind", de Joe Simon, y también recordó al fallecido Tom Petty con "Wildflowers". De entre sus éxitos interpretó temas como "Super duper love".



En el Museo de San Francisco: Exhibirán medalla del Premio Nobel de Gabriela Mistral

El Mercurio

Para conmemorar los 73 años del galardón, mañana a partir de las 11:00 horas, el Museo de San Francisco realizará el evento "Celebremos a Gabriela", que contempla la exposición de la medalla y el pergamino del Premio Nobel que recibió Mistral, y que fueron legados por ella al pueblo de Chile, bajo la custodia de los franciscanos. También se exhibirán facsímiles de su autoría y otros documentos del Archivo del Escritor de la Biblioteca Nacional. El museo está en Alameda 834.

El auspicioso comienzo del Teatro Regional del Biobío

El Mercurio

Abrió al público en marzo y hasta ahora ha recibido a 50 mil espectadores. Además, entre los logros de este año destacan un convenio de financiamiento establecido con el mundo privado y la producción propia de la obra de teatro "Llacolén". 

Sebastián Henríquez
El Teatro Regional del Biobío, concebido hace siete años por un equipo de arquitectos liderado por Smiljan Radic como una "lámpara" que alumbrara Concepción desde la ribera norte del río, comienza a iluminarse.

El recinto abrió en marzo con una ambiciosa lista de desafíos por cumplir, como producir su primera obra de teatro y estrenarla durante el año, o lograr el interés del público por asistir a espectáculos en un sector de la ciudad que está separado del centro por la línea férrea.

Todo esto en medio de las altas expectativas del ambiente artístico local y de una buena cantidad de críticas al diseño del edificio, que solo se acallaron a mediados de año, cuando Radic recibió -por su obra- el premio Arnold Brunner Memorial, que otorga la Academia Americana de Artes y Letras.

Pero, a pesar de los obstáculos, a nueve meses de su apertura, el Teatro Regional del Biobío exhibe buenos indicadores. Ha tendido puentes con el mundo cultural local y va a suscribir un convenio con la forestal Arauco -la primera experiencia del tipo para la empresa-, que permitirá financiar parte de la cartelera 2019 y llevar algunas actividades a comunas de la región.

Mientras que en materia de público, la semana pasada llegó al teatro el espectador número 50 mil, quien fue recibido con confeti, un cóctel y entradas para espectáculos de diciembre.

"Esto es mucho más de lo que habíamos proyectado. Estamos muy contentos. Cincuenta mil espectadores es mucho para cualquier institución cultural, pero para regiones es incluso más importante, porque demuestra un interés del público y que estamos sabiendo llegar a ese público", dice Francisca Peró, la directora del teatro regional. Y a modo de dato, informa que el Centro Cultural Gabriela Mistral (GAM) logró 50 mil espectadores durante su primer año de funcionamiento. "Nosotros llevamos nueve meses", indica, orgullosa.

Un convenio naciente

La estructura de financiamiento del Teatro Regional del Biobío se pensó como mixta desde el principio. Así, obtiene recursos del Gobierno Regional del Biobío y del Ministerio de las Culturas, además de por la venta de entradas. Pero, junto con eso, desde esta semana la institución obtendrá aportes de la forestal Arauco, gracias a un convenio de financiamiento establecido con la empresa, tras un año de conversaciones.

Según Patricio Eyzaguirre, gerente de Asuntos Públicos de la forestal, "fue una conversación extensa, porque la apuesta es de largo plazo. Lo que no queríamos hacer era vincularnos a través de algo comercial o que durara solo el verano".

El acuerdo tiene dos puntos principales. La forestal compromete un aporte de $170 millones para financiar el festival Biobío a Mil -en cuya creación colaboró Santiago a Mil- y parte de la cartelera de 2019. Como contraparte, el equipo del teatro apoyará procesos de formación en centros culturales de Arauco y Curanilahue, y programará funciones en estas comunas.

El festival Biobío a Mil es una de las apuestas más fuertes para 2019, pues contempla presentar, además de nacionales, títulos de Estados Unidos y Francia.

"Creemos que uno de los desafíos de la cultura es descentralizarse, queremos contribuir a que llegue a zonas donde no ha llegado", sostiene Eyzaguirre.

"Esto -la firma del convenio- no significa solo recibir un aporte monetario, es trabajar creativamente en conjunto. Es una labor compleja, que exige planificarse a largo plazo", afirma Peró. "De esa manera, un espacio como este se puede mantener en el tiempo, con un eje en el acceso ciudadano, manteniendo precios asequibles", añade. Y Eyzaguirre complementa: "Todos tenemos la responsabilidad -la sociedad, las comunidades, el mundo político y el privado- de que este edificio sea no solo una gran obra, sino un canal de acceso a la cultura".

El impacto local

La apertura del teatro regional impactó, especialmente al género teatral, que se lleva la palma tanto en cantidad de asistentes, 21 mil, como en el número de funciones, 78 en total.

La cifra anterior se explica porque hasta la apertura de este escenario no había espacios para el teatro; a diferencia, por ejemplo, de la música. A pesar de esto, casi 10 mil personas han asistido a conciertos de música clásica y unas 11 mil, a funciones de música popular.

A la fecha, 37 espectáculos presentados en este escenario regional -un 45,67% del total- son producciones locales. En su mayor parte, se trata de obras de teatro, y entre ellas se cuenta, además, una producción propia del teatro, el montaje "Llacolén".

"Nos encontramos con una escena muy grande, y de una calidad que nos sorprendió", señala Peró. "Esta ciudad tiene tradición teatral -agrega-, y había un anhelo por tener una cartelera permanente. Había algunos espacios, pero no uno donde se supiera que cada fin de semana iba a haber programación".

Y las compañías de la ciudad reconocen que la apertura de este recinto ha sumado un espacio necesario. Valentina Durán, directora de la obra "Campo de batalla. Las ruinas de Estocolmo" -que se presentará en el marco de Biobío a Mil-, destaca que "es un espacio de calidad, con buenas condiciones para el artista y cómodo para los espectadores". Mientras que Francisca Díaz, de la compañía Reconstrucción, dice que ha estado en el teatro como actriz y público: "Como espectadora, considero que está bastante bien hecho, y que se han dado el tiempo de crear audiencia".

Lo estamos pasando muy bien: radiografía al negocio de los megaconciertos

Radio U De Chile

Desde 46 mil hasta más de un millón de pesos se puede pagar para asistir a la próxima actuación de Paul McCartney en Santiago, un anuncio que vuelve a avivar una discusión de larga data. Promotores, investigadores y especialistas analizan el fenómeno de una de las actividades culturales favoritas de los chilenos.

Por Rodrigo Alarcón

“Nada es muy caro si se trata de nuestra felicidad” es una frase que Los Prisioneros cantaron con sarcasmo hace más de 30 años, pero continúa funcionando para situaciones diversas. Para una entrada de lujo, por ejemplo: un asiento en primera fila, un estacionamiento reservado, ingreso a la prueba de sonido y una recepción antes del concierto, además de merchandising oficial, incluye el más exclusivo de los boletos disponibles para el concierto que Paul McCartney hará el próximo 20 de marzo en el estadio Nacional. ¿El valor? $1.050.000.

Es uno de los tres paquetes VIP que ofrece la productora DG Medios, que dispuso otras once localidades regulares para el evento, a la venta desde el pasado miércoles. Los precios varían entre $568.400 y $46.400, aunque solo tres opciones están bajo la barrera de los cien mil pesos: Cancha y Galería (que están unificadas), Pacífico Lateral y Andes.

El retorno de McCartney reflotó un debate de larga data en torno a los precios de las entradas para conciertos en Chile. Y más allá de las opciones exclusivas para ver al ex beatle, el panorama no es demasiado diferente si se observan eventos similares. El último concierto en Ñuñoa fue el de Roger Waters, por ejemplo, y se podía pagar desde $44.850 a $322.000. También había tres sectores bajo los cien mil pesos: Galería, Cancha General y Pacífico Lateral.

En otro género musical, los boletos más onerosos para el concierto que Joan Manuel Serrat hizo el pasado jueves en el Movistar Arena -un recinto más pequeño- alcanzaban $132.000. Las más baratas llegaban a $27.500, pero en un sector (Tribuna) con escasos cupos. Luego, había que desembolsar $49.500 para una Platea Alta.

Otra realidad son los festivales. Para la próxima edición de Lollapalooza, el abono más barato para los tres días costaba $95.200, antes que se supiera la programación (el llamado “Early bird”). Eran solo 2.500 pases y se agotaron en poco rato, como ocurre habitualmente. Si alguien adquiere ese abono hoy, en la cuarta fase de preventa, el valor es de $190.400. El más costoso de los tickets disponibles hoy (“Lolla Lounge Premium”), que incluye desde transporte a bar abierto, es de 504 mil pesos.

¿Son particularmente caros los conciertos en Chile? Jorge Ramírez, presidente de la Asociación Gremial de Empresas Productoras de Entretenimiento y Cultura, afirma que no son tan distintos a otros países de Sudamérica. “Hay que mirar las entradas de todo tipo y no solo las de primera fila, que es como entender el valor de los boletos de avión según la categoría business. No es así, el avión tiene muchos precios”, responde.

El ejecutivo de Multimúsica explica que hasta el 40% del costo de un boleto puede destinarse a gravámenes y regalías, porque se deben contemplar gastos como un 19% de IVA, un 5% para la SCD y un promedio de 3% para las compañías que operan tarjetas de crédito y débito. “Además, en recintos del Estado, como el Nacional, no solamente se paga el arriendo sino que además se llevan un siete por ciento de la recaudación”, detalla.

Por otra parte, están las visas e impuestos que deben cancelar los artistas extranjeros y los costos que implica el traslado de equipos técnicos. “También tenemos un problema demográfico: somos 17 millones de personas y los grandes eventos ocurren solamente en Santiago, entonces no tenemos oportunidad de prorratear los eventos. En Brasil, por ejemplo, se puede hacer uno en Rio, uno en San Pablo, uno en Curitiba y uno en Florianópolis. Todo este cóctel explica, y no digo que justifique, el valor de los boletos”, añade.

En el mejor de los casos, asegura Ramírez, un concierto exitoso puede alcanzar cerca de un diez por ciento de rentabilidad, “que en estos volúmenes es un muy buen resultado”, pero agrega que “también se puede hacer la lista de lo que se anunció y no ocurrió”.

Para lo último hay ejemplos recientes: de Daddy Yankee y Luis Fonsi a Kasabian, pasando por Ricardo Arjona, hay presentaciones que han sido canceladas, han debido trasladarse a recintos de menor capacidad o han tenido baja asistencia.

Entradas y salarios
Más allá de casos específicos, una mirada a las estadísticas indica que la música en vivo es una de las actividades favoritas de los chilenos, solo superada por el cine y la compra de artesanía. Un 30% de los consultados para la última Encuesta Nacional de Participación Cultural declaró haber asistido a un concierto durante 2017, una cifra que se ha mantenido relativamente estable desde 2005 (27,5%). El mismo estudio indica que el público de conciertos es mayoritariamente joven (entre 15 y 29 años) y tiene formación universitaria completa o incompleta.

Así lo han observado las periodistas Claudia Montecinos y Javiera Calderón, que en 2019 publicarán el libro Arriba del escenario: El negocio de la música en vivo en Chile, una investigación sobre la evolución de la industria. La primera apunta que los precios de las entradas prácticamente se han triplicado en las últimas tres décadas, pero que una porción del público mantiene su fidelidad a los conciertos: “Eso lo saben muy bien los representantes de los músicos y los promotores, quienes han comprobado que por mucho que los precios suban, no faltarán personas que paguen por asistir. Y mientras las entradas se sigan vendiendo, los precios continuarán en alza. Es un círculo vicioso muy evidente”.

“No hay que olvidar que esto es un negocio como cualquier otro, igual de hermético y competitivo, y los promotores son empresarios. A pesar de que los conciertos son momentos mágicos e invaluables para los fanáticos de la música, quienes los organizan están haciendo una inversión y aprovechan el fanatismo para obtener las mejores ganancias”, agrega.

¿Qué costo tiene ese fanatismo? Uno altísimo o hasta inalcanzable para la mayoría de la población, de acuerdo a las estadísticas económicas. La última Encuesta Suplementaria de Ingresos que realiza el Instituto Nacional de Estadísticas (INE) señala que el ingreso medio mensual para quienes tienen un empleo es de $554.493 y que la mitad de ese grupo percibe una cifra menor o igual a $379.673.

Dicho de otro modo: para la mitad de los chilenos que tienen un empleo, comprar la entrada más barata para el concierto de Paul McCartney significa invertir más del diez por ciento de lo que reciben al mes. Si quisieran acceder a una butaca que esté relativamente cerca del escenario, deberían gastar cerca de la mitad de su sueldo.

“¿Y el costo? ¡Qué importa el costo!”, cantaban Los Prisioneros en “Lo estamos pasando muy bien”.

Consumo y glamour
¿Cómo se sostiene entonces la industria de la música en vivo? Quizás, como muchas otras, a través de la deuda. De acuerdo a estimaciones de la Fundación Sol, este es “uno de los mecanismos que explica el dinamismo que ha mantenido la demanda interna durante las últimas décadas a pesar de los bajos salarios”.

En el estudio “Los verdaderos sueldos de Chile”, la institución recalca que hay 11,3 millones de personas endeudadas, equivalente al 80% de la población mayor de edad. Entre ellos, casi 4,5 millones son incapaces de cumplir los compromisos que han contraído. A ellos podría sumarse cualquier persona que acuda a su tarjeta de crédito para ver a McCartney, optando por pagar hasta en 48 cuotas.

El sociólogo Jorge Larraín dice que “para mucha gente pagar 40 mil pesos es un esfuerzo inmenso, pero se las van a rebuscar para hacerlo. Hay algo ahí que es especial, lo glamoroso que es el consumo y la posibilidad de ver estas cosas que se suponen top y que otros pueden hacer”.

En ese sentido, el académico de la Universidad Alberto Hurtado y especialista en temas de cultura e identidad apunta que asegurar un boleto para un concierto no es demasiado distinto a adquirir cualquier otro bien de consumo: “Participar de ciertas actividades proyecta una imagen o hace que uno pertenezca vicariamente a un grupo de referencia”, dice.

“Muchas veces me pregunto por todas esas caras que aparecen en las óperas del Municipal y salen en la Vida Social de El Mercurio: ¿a cuántos de ellos realmente les gusta la ópera y cuántos van porque se están sacando la foto con todos los poderosos de este país? El consumo siempre tiene esa dimensión y supongo que en capas más amplias de la población eso también se da”, conjetura.

Aunque cree que “hay un genuino gusto por ciertos tipos de música”, Larraín considera que la industria de música en vivo se cruza con fenómenos de mayor alcance: la inserción de Chile en el mundo, la ampliación de los negocios y la mercantilización de la cultura.

Por eso, no se sorprende -y hasta se ríe- al enterarse de que para el concierto de McCartney no hay tickets en cancha y galería, sino en un sector rebautizado como Zona Cencosud Scotiabank: “Es la extrema mercantilización de nuestra cultura. Todos los ámbitos de la vida pasan a ser un subproducto de la circulación del dinero y de las ganancias de las empresas. Y es una cosa tremenda cuando ya no quedan aspectos de la vida que no estén mercantilizados”, concluye.

Dos organistas dan concierto dedicado al tiempo navideño

El Mercurio

Hoy, a las 12:30 horas, en Valparaíso.
Ítalo Olivares y Maximilian Winkler -profesor y alumno, respectivamente- ofrecerán hoy un concierto dedicado a la Navidad, en la Catedral Anglicana de Saint Paul (Pilcomayo con Templeman, cerro Concepción). El programa contempla, entre otros, el Preludio Coral "In Dulci Jubilo", de D. Buxthude; el Preludio Coral "Von Himmel Hoch, Da Komm' Ich Her", de J. Pachelbel, y el Preludio en Si Menor BWV 544, de J. S. Bach. La entrada será gratuita.

sábado, diciembre 08, 2018

Verónica Villarroel y la difícil tarea de hacer arte en Chile

El Mercurio

Comprometida con el arte y lo social, la destacada soprano creó una fundación que lleva su nombre para ayudar a talentos que no tienen recursos para seguir estudiando. Pero se han topado con la triste realidad de que en Chile es muy difícil conseguir fondos para el arte, por lo que muchas iniciativas no han podido llevarse a cabo. 

Catalina Larraguibel L.
Tener voz sana y estar dispuesto a aprender. Esas son las principales exigencias para ingresar a estudiar canto en la Academia de Verónica Villarroel, fundada en 2011 y que actualmente cuenta con 150 alumnos y 21 profesores. Además de canto lírico y popular, se imparten cursos de piano, guitarra, composición, taller coreográfico, teatro musical, coro y violín. Verónica recuerda que "todos los hermanos teníamos nuestras actividades y mucha gente nos preguntaba por qué yo no enseñaba. Para transmitir lo que había aprendido y retribuir a mi país, creamos esta institución. Mis hermanos dejaron sus trabajos y fuimos armando nuestro sueño. Queremos entregar nuestra experiencia, conocimiento y pasión por el canto, formando artistas con un estándar de excelencia".

En el año 2013 y viendo que algunos alumnos con mucho talento tenían dificultades económicas para continuar sus estudios, decidieron crear la Fundación, cuyo objetivo es ayudarlos "y que sigan recibiendo los beneficios que trae consigo la música, el arte. Quisimos transparentar aportes que empezamos a recibir y también incentivar a empresas y personas para que se sumen a esta tarea", comentan los directivos de la Fundación, reconociendo que el camino no ha sido fácil y que en nuestro país es una tarea titánica conseguir fondos para el arte. El primer directorio lo integraron Verónica, Ricardo Roa e Ignacio Torrontegui. Más adelante se incorporaron Patricio Ihnen y Francisca Illanes. Junto a ellos también están Yasna y Gerardo Villarroel.

Con emoción recuerdan un coro que formaron en el Hogar de Cristo, donde interpretaron "Sueño imposible" del musical "El Hombre de La Mancha", oportunidad en que nunca fue más verdadero eso de "Con fe lo imposible soñar". Maribel señala que "ellos vivieron un momento importante en sus vidas; no se trató solo de enseñarles la canción, sino que también analizamos la letra y conversamos, se identificaron con el sueño imposible y encontraron en el canto una esperanza de superación". Su intención es seguir trabajando con la institución, pero hasta ahora no han podido hacerlo por la falta de fondos. "Fue impactante y una de las cosas más satisfactorias que hemos hecho como Academia y como Fundación", coinciden Verónica, Maribel y Yasna Villarroel. También han colaborado con la Fundación Paréntesis, que apoya a personas con problemas por consumo de drogas y alcohol. Otro hito fue la creación de un coro de sordos de un colegio que estaba a punto de cerrar "y logramos que siguieran funcionando con la Ley de Integración". Maribel cuenta que "aprendí lenguaje de señas y así partí comunicándome con ellos, luego les enseñé a respirar y sacar la voz. Dan muchas ganas de seguir, pero nos topamos con la falta de fondos".

Escapando del bullying

Además de potenciar sus habilidades artísticas, la Academia es un lugar de encuentro y acogida para algunos alumnos, refugio que les ha permitido escapar del  bullying. Uno ejemplo es Enzo Ferrada, 13 años, quien estudia canto desde los nueve y comenta que "siempre me gustó y quiero ser cantante lírico". Su voz es de soprano, por lo que era objeto de burlas en su colegio, del que tuvo que cambiarse. Por recomendación de su psicopedagoga, comenzó a estar más tiempo con sus compañeros de canto y teatro musical. Quienes lo conocen aseguran que el cambio ha sido notable. "Mi sueño es dar exámenes libres y estar todo el día en la Academia", dice. Valentina Ibacache, 11 años, estudia canto y piano. "En el colegio me encontraban rara porque me gustaba la música clásica". Para ella, la Academia es "un lugar familiar en el que estamos muy unidos". Ambos forman parte del elenco de "El extraño mundo de Jack", que preparan con Camila Ibaceta, profesora de Teatro Musical desde 2011, actriz y magíster en Artes Escénicas de la Universidad del Rey Juan Carlos en Madrid.

Il Sogno que vence dificultades
William Camus, ingeniero comercial, y Roberto Díaz, ingeniero informático, dejaron sus bien remunerados trabajos ligados a sus profesiones y desde hace dos años están dedicados ciento por ciento al canto, con presentaciones en todo Chile. "Un día estamos en Puerto Williams y al siguiente en Tocopilla; así son de variadas nuestras vidas ahora", comentan, y Verónica Villarroel acota: "Todo se debe a la fe que uno tiene. Para nosotros es vital dar apoyo a esa fe, a ese sueño que ellos tenían y que lograron cumplir venciendo dificultades, como es dejar una profesión para entregarse al arte". Antes de Ingeniería Comercial, William Campus, barítono, estudió canto. En 2012 ingresó a la Academia y hoy solo se dedica al arte. Por su parte, el tenor Roberto Díaz viajaba desde Ovalle a tomar clases todas las semanas, combinando el estudio con su trabajo, hasta que "empecé a ganarle a la informática y cumplimos nuestro sueño".

En Buenos Aires y Nueva York
Luego de su paso por la Academia, muchos deciden seguir sus estudios en el extranjero y todos destacan la importancia de su paso por el plantel, donde recibieron las herramientas clave para estudiar fuera.

Caterina Asturiano, 27 años, está en la Mannes School of Music de Nueva York. Llegó a la Academia a fines de 2010, cuando buscaba opciones para estudiar canto lírico en forma estable. Tuvo como profesora a Maribel Villarroel, "quien me entregó una base sólida en técnica vocal y conocimientos musicales". Christopher Browne, 26 años, ingeniero civil industrial en Transportes, siempre ha sido un apasionado del teatro musical y es precisamente eso lo que está estudiando en Circle in the Square Theatre School de Nueva York. Llegó a la Academia hace tres años y afirma que todos los profesores del plantel "son maestros de su arte y de la enseñanza". Lucas Maffei, 21 años, estudia Teatro Musical en la Fundación Julio Bocca en Buenos Aires. Cursa tercer año y la carrera dura cuatro "pero me nivelaron y vieron que tenía una buena base gracias a los profesores que tuve en Chile". En 2017 participó en el musical "My Fair Lady" en Vitacura, interpretando a Freddy Einsford-Hill.

Tensión y articulación
Es cantante lírica y fonoaudióloga, profesiones que Angélica Cárdenas combina en la Academia desde 2011. Su labor consiste en "desarrollar y potenciar las herramientas para que el alumno adquiera la técnica correcta con mayor facilidad". Junto a estudiantes de último año de diversas carreras se preocupa de que los futuros artistas tengan una buena respiración, postura, tensión y articulación.

I Tenori, cantantes y algo más
Llegaron a la Academia cuando se dieron cuenta de que el canto es su pasión y no podían dejarlo de lado. Ahí se encontraron con el tenor Pedro Espinoza, quien imparte clases desde los inicios del plantel. Todos con ese registro, encontraron en el cantante y profesor del St. Gabriel School un guía que los incentivó a no abandonar su pasión. Es así como el abogado Ignacio Torrontegui, el cirujano cardiovascular Juan Espinoza y los ingenieros Manuel Recalde y Roberto Díaz crearon el conjunto que les ha permitido hacer presentaciones y darse cuenta de que los anhelos sí pueden ser una realidad.

Ignacio Torrontegui siempre admiró a Verónica Villarroel y antes de ingresar a la Academia tuvo clases con Carlos Beltrami. Juan Espinoza comenta que "cantaba sin ninguna técnica. Un día regresaba del Hospital Dipreca y pasé por la Academia; entré, me matriculé y ya no dejo el canto por nada". Manuel Recalde también tuvo clases con Beltrami, pero las dejó y en 2015 pensó "no puede ser que no haga lo que me gusta y empecé a asistir a clases". Roberto Díaz es también parte de Il Sogno, y da clases en la academia.

Desarrollo de talentos
La Academia es un semillero de solistas y grupos. Uno de ellos es Sing.Co, dirigida por Maribel Villarroel, quien dice que la idea partió de la inquietud por formar un conjunto integrado por adolescentes. Carolina Bunster, Laura de la Puente, Catalina Contador y Antonella Sigala son estudiantes de enseñanza media y se han presentado junto a Verónica y Maribel Villarroel en varios escenarios.

Laura de la Puente estudia composición y además es solista. Vive en Talagante y viaja a Santiago dos veces por semana para asistir a clases. La acompaña su madre, María Paz Henríquez, que recuerda que "un fin de semana leí en 'El Mercurio' que Verónica Villarroel abría una academia y el lunes estábamos aquí postulando". Dice que el ambiente que se vive en el plantel es único. "Creo que para el desarrollo de un artista es clave sentirse comprendido". Coincide Jessica López, madre de Josefina y Carolina Bunster: "Aquí los profesores saben sacar lo mejor de cada estudiante. Los dotan de herramientas, asesorándolos en lo técnico y emocional".

"Vivimos en una época muy egocéntrica y obsesionada con nosotros mismos"

El Mercurio

Robert Levon Been -voz y bajo de Black Rebel Motorcycle Club- reflexiona sobre su tardío despertar musical , la constante lucha contra sus demonios internos y el espíritu revitalizador de "Wrong Creatures", el último disco del trío californiano. 

Guillermo Tupper.
La primera visita de Black Rebel Motorcycle Club (BRMC) a Chile, en el año 2008, está enlazada a una postal inolvidable. Tras finalizar su show en el Teatro Caupolicán, el bajista y vocalista Robert Levon Been terminó en plena calle San Diego cantando arriba de un auto y rodeado de fanáticos. La improvisada performance terminó con el vehículo severamente dañado. "Al día siguiente tuve que comprar ese auto", asegura Been a "El Mercurio". "Ellos (los dueños) no estaban tan enojados, solo me dijeron que era el auto familiar y que 8 personas lo ocupaban para ir a trabajar. Me sentí mal por eso, porque en el momento solo pensé que era algo que me mantenía a salvo de ser comido vivo. Pero después dije: 'Oh, Dios, esto debe pertenecer a alguien'".

Aquella primera experiencia en suelo local -al que retornaron en otras 3 ocasiones- forma parte del anecdotario de los veinte años de ruta de BRMC, un grupo de vigencia poco común para estos tiempos. A principios de la década pasada, el trío hizo suya la iconografía motoquera de Marlon Brando en "Salvaje" (1953) y con su muro característico de guitarras distorsionadas y toques de psicodelia, captó el zeitgeist "garagero" que marcó el rock de arranque de siglo. Casi veinte años y ocho discos después, en los que matizaron su impronta con trazos de blues , góspel, country y americana, la banda estrenó "Wrong Creatures" (2018), un álbum con el que optaron por explorar nuevos caminos sin perder sus raíces. "(Este disco) fue extremadamente diferente y, al mismo tiempo, tal vez esa es la razón por la que pusimos énfasis en no alienarnos", dice Been. "Por estos días, hay tan pocas bandas de rock and roll que no queríamos terminar como el grupo que reinventó a sí mismo una y otra vez solo por el fin de hacerlo".

Producido por el veterano Nick Launay (Nick Cave and The Bad Seeds y Arcade Fire), "Wrong..." retoma la alquimia del grupo después de una década de turbulencias. En el año 2010, Michael Been -padre de Robert y que por entonces trabajaba como sonidista de BRMC- murió de un infarto al corazón, y aquel episodio marcó la atmósfera introspectiva de su penúltimo disco, "Specter at the Feast" (2013). Y, luego, la concepción de "Wrong..." se vio alterada cuando la baterista Leah Shapiro tuvo que someterse a una compleja cirugía cerebral. "Hay una gran sensación de alivio con este álbum, porque en el anterior había una sombra muy pesada y oscura por la muerte de mi padre", afirma Been. "Él era una influencia bastante grande y parte de nuestras vidas. En este álbum, finalmente, logramos volver a ser una banda de rock and roll . Siento que estuve conteniendo mi respiración por unos pocos años y ahora es como ser un niño revoltoso de nuevo".

-Con el anuncio de este disco, usted habló de forma abierta de su lucha permanente contra la depresión. ¿Cómo aprendió a lidiar con eso?

"La única cosa que ha ayudado es no confiar en cada pensamiento y sentimiento que pasa por mi cabeza. Vivimos en una época muy egocéntrica y obsesionada con nosotros mismos, y nos gusta pensar que cada pensamiento, ánimo y sentimiento que tenemos cada día es especial y único y necesita ser atendido. Pero no lo es. Hay que conocer a tu enemigo: mientras más me conozco a mí mismo, más puedo evitar caer por mis propios engaños (risas). Hay otros desafíos también: siempre se siente raro hablar de qué tan duro fue hacer un álbum cuando, en realidad, ese no es el punto. El punto es que todo el mundo pasa por episodios duros en la vida, pero no todos tienen un disco que mostrar después. Ese es un aspecto bueno de estar en una banda. La mayoría de la gente tiene que volver al trabajo y seguir viviendo. Al menos nosotros tenemos este disco que espero que sea un testimonio de vida".

En el nombre del padre

En su infancia, Been creció rodeado de música. Su padre cantaba y tocaba el bajo en los californianos The Call, un grupo de culto que tuvo un single número uno ("Let the Day Begin", de 1989, versionada por los propios BRMC en su disco "Specter..."). Tras la muerte de su progenitor, el bajista se reunió con los miembros sobrevivientes de The Call para tocar con ellos en una serie de conciertos. "Crecí en una casa en la que el padre no laboraba en una oficina o fábrica, sino que su principal trabajo era la música", señala. "Tenía treinta y tantos años cuando empezó con su banda lo que, en realidad, es bastante tardío. Fue muy extraño ver que ese era el negocio de la familia. No creo que esa sea la perspectiva de otra gente. Yo no conozco nada más. Sé que eso no es normal, pero tampoco sé lo que es ser normal".

En un comienzo, el pequeño Been no tenía ningún interés en aprender a tocar un instrumento. "Fue una verdad dolorosa", admite. "Creo que mi papá, de forma secreta, tenía un montón de expectativas con mis habilidades. Me compró una guitarra para Navidad, fingí estar entusiasmado por alrededor de 5 minutos y luego la guardé en el clóset, nunca más le puse un dedo encima y volví a mis juegos de Nintendo por los siguientes 10 años. Y después, inesperadamente armé una banda con otros chicos de mi pueblo y le indiqué a cada uno de ellos lo que tenía que tocar. Fue como un capítulo de 'South Park': tú vas a tocar batería, tú vas a tocar bajo... . Ninguno de ellos sabía tocar y yo tampoco. Sin embargo, todos tenían más habilidades naturales con los instrumentos que les asigné por azar que yo con la guitarra. Un día vino mi papá, escuchó a cada uno y dijo: 'todos ustedes tienen potencial'. Pero después fue donde mi madre y le susurró: 'no tienes que preocuparte de que tu hijo siga mis pasos, él nunca lo hará' (risas). Ella respiró con alivio, porque no quería que yo siguiera esta vida".

-¿Y cuándo cambió todo?

"Yo me mantuve firme con mis tres acordes de guitarra, pensando en que lo hacía increíble. Es bien extraño, pero años después elegí tocar el trombón en el colegio y te juro por Dios que pasaron 3 cosas: aprendí a leer música en clave de fa, con lo que algo cambió en mi cerebro y pude ver la música y entender sus fundamentos de manera distinta. Lo segundo es que creo firmemente en que hay algo que se llama pubertad musical (risas). Hay un punto en la vida de todos en que pasas de escuchar música como parte del ambiente a escucharla de verdad. Es casi como que las cosas pasen del blanco y negro al color. Y lo tercero es que me rompieron el corazón (risas). En alguna parte, entre el trombón, la pubertad y mi corazón roto, me convertí en una estrella de rock ".

-Muchos hablan de la pérdida de influencia de los grupos de guitarras en el escenario musical actual. ¿Cuál es el rol que ocupa el rock en el año 2018?

"Ahora, probablemente, todo el mundo quiere escribir la canción anti-Trump definitiva y del estado actual del mundo. Pero cuando veo todo eso, es una imagen muy básica para mí. Todo el mundo siente aquel fuego en su vientre, tiene rabia y quiere hacer una declaración de principios y gritar tan fuerte como pueda. Yo trato de mantener esa parte de mi cerebro fuera de eso y, en vez de salir por la puerta principal, trato de hacerlo por la ventana y encontrar algo que a la gente le haga pensar en aquello de una forma diferente. Prefiero escribir sobre algo que es verdaderamente trágico, como el número de gente que se da por vencida en comparación al número de personas que está luchando. Es obvio que escribir de aquellos que luchan es más trágico que hacerlo de los que no se levantan de la cama y nunca lo intentan. Y no he escuchado que escriban mucho sobre ellos. Tampoco he oído mucho sobre el lado espiritual de los derrotados y cómo ellos eligen pastillas, opiáceos, YouTube y iPhones como distracciones, o cualquier diversión para evitar mirarse a sí mismos en el espejo. Hay un contrapunto que nadie está observando".



Dios Salve a la Reina: "No actuamos a Queen, lo sentimos"

El Mercurio

La banda argentina que revive los temas del conjunto inglés inició ayer una gira por Chile, en la que replican el histórico recital Live Aid de 1986. 

Bárbara Castro
Hace 20 años, y bajo el nombre de Dios Salve a la Reina, un cuarteto de jóvenes fanáticos de Queen se sorprendía por la buena recepción que sus versionados del gigante británico estaban teniendo en el circuito alternativo de su natal Rosario.

El siguiente paso, según relata el bajista Ezequiel Tibaldo, fue intentar parecerse lo más posible al conjunto original. "Allí descubrimos que Pablo era exactamente igual a Freddie, y dijimos 'esto es como un diamante en bruto que hay que pulir'", asegura a propósito de Pablo Padín, voz del tributo a la banda liderada por Freddie Mercury que hoy se alza como uno de los más exitosos alrededor del globo.

Sobre el escenario, el rosarino se convierte en un retrato vivo del fallecido vocalista, imitando casi a la perfección sus histriónicos movimientos y su inolvidable registro vocal. Mérito interpretativo que comparte con Francisco Calgaro en la piel de Brian May (guitarra), Matías Albornoz haciendo de Roger Taylor (batería) y Tibaldo como el ya retirado John Deacon.

Una fantasía que el público nacional podrá disfrutar en vivo gracias a la maratónica gira que trae al tributo de vuelta a Chile y que los tendrá recorriendo 7 ciudades, con 8 presentaciones en tan solo 10 días. Recorrido que se inició ayer en Talca, y que tendrá paradas en Valparaíso, Viña del Mar, Chillán, Coquimbo, el Casino Enjoy de Los Andes y Concepción.

"Todo es mucho más natural de lo que la gente piensa", asegura Padín. "No hay maquillaje, solo me delineo los ojos como se usa en teatro. Y la interpretación no es algo que ensaye, todo sale muy fácil", dice a propósito de la transformación que se completa con pelucas y tintura de cabello para el resto de los integrantes, indumentaria que reproduce la época ochentera de la banda y una cuidada puesta en escena -utilizan los mismos instrumentos y equipos-, que en esta ocasión buscará retratar la icónica presentación de 1985 durante el Live Aid.

Una película polémica

"Bohemian Rhapsody", la cinta biográfica sobre Freddie Mercury actualmente en cartelera, es el musical biográfico más taquillero de la historia, pero también ha generado polémica, con una crítica dividida y la molestia de un número importante de seguidores, acusando inconsistencias en la historia y la ausencia de algunos de los elementos más controversiales de la biografía de Mercury y compañía.

La banda reconoce que les cuesta ser objetivos al respecto. "Estamos muy ligados emocionalmente a todo lo que tiene que ver con Queen, y por un lado nos encantó la película, porque demuestra cómo llegaron a ser lo que eran, pero como fanático hay cosas en el guion que son bastante raras", explica Tibaldo.

En cuanto a la interpretación de Rami Malek, considerada casi de forma unánime como uno de los puntos fuertes de la cinta, Padín se queda en los detalles. "Creí que iba a ser más complicado entrar en el personaje porque sus ojos son muy distintos, y también algunos movimientos de Malek en el escenario suenan un tanto exagerados, pero es algo muy, muy sutil de ver", asegura. "Es un increíble actor. ¡Yo no podría repetir una línea de texto seguida! Nuestra performance con la banda parte desde lo musical, y casi nada desde lo actoral. Creo que el éxito de la banda se debe a que no actuamos a Queen, sino que lo sentimos", dice.

jueves, diciembre 06, 2018

Congreso realizará 50 conciertos para celebrar sus cinco décadas

Congreso proyecta durante el año también realizar una exposición con los tesoros musicales de la banda.


El Mercurio

Durante 2019, la banda recorrerá el país y el extranjero en un viaje musical que tendrá en enero tres shows en el Teatro Municipal de Las Condes. 

Por José Vásquez

El plan de ruta está definido y según cuenta Sergio "Tilo" González, uno de los fundadores de Congreso, "en el papel está la intención de realizar 50 shows", señala sobre el proyecto que elaboró el conjunto para celebrar durante el próximo año sus cinco décadas de carrera también con una serie de eventos asociados.

Este nuevo aniversario, que anota como hito de inicio de actividades el 24 de agosto de 1969, encuentra, además, a la banda en un aplaudido momento artístico tras la publicación en noviembre del año pasado de "La canción que te debía", un trabajo con el que se adjudicaron el Álbum del Año en la última edición de los Premios Pulsar. "Eso nos hizo pensar que estamos todavía navegando en esto de la música", dice González con satisfacción tras el reconocimiento y no descarta la idea de publicar material nuevo para acompañar el festejo.

El baterista de Congreso hoy no promete un disco, pero señala que es muy probable que este impulso artístico entregue uno o dos temas durante 2019. "En esta mesa, servida para la celebración, tenemos la inspiración para sacar algunas canciones para conmemorar este acontecimiento. Yo creo que algo va a pasar a mitad de año, nos encontramos en un presente lleno de promesas y con la vista fija en un horizonte generoso", se entusiasma.

En lo concreto, por ahora, Congreso iniciará su año de celebraciones el próximo 12 de enero en el Club Hípico como una de las figuras de la próxima edición de La Cumbre y dos semanas más tarde (24, 25 y 26), realizarán tres conciertos consecutivos en el Teatro Municipal de Las Condes. Lo particular de estas presentaciones, es que todas serán distintas entre sí.

"En los conciertos de Las Condes vamos a tener diferentes invitados cada noche, por lo tanto también cambiará el repertorio con ellos", adelanta el músico, sin confirmar los nombres de quienes participarán, aunque todos tendrán relación con la historia del grupo. Y lo de La Cumbre, cuenta, estará enfocado en los músicos migrantes, a quienes dedicarán su show. "Será, de alguna manera, un homenaje a toda la gente que está acá, con músicos de distintos países que hemos ido conociendo en todos estos años".

Sobre la reedición de su material, el conjunto estudia la posibilidad de volver a lanzar en vinilo los álbumes que en su estreno aparecieron en ese formato, y por ahora, solo confirman, que próximamente llegará a las plataformas de streaming la totalidad de su discografía.

Sergio "Tilo" González abre la invitación a un aniversario que se extenderá hasta enero de 2020 y donde irán apareciendo, dice, también los cruces del grupo con el ballet y la música sinfónica, además de shows en Latinoamérica y Europa, antes de un gran evento de cierre, aún en proceso de definición.

Sinfónica anuncia nutrida temporada 2019 y avances en su nueva sala

El Mercurio

Los trabajos ya partieron , y tomarán tres años. La programación, en tanto, tendrá acento chileno, con apuestas masivas y el rescate de grandes obras. 

Romina de la Sotta Donoso
"Ya están hechas las excavaciones y se están ejecutando las obras. Vamos avanzando bien, y seguro, hacia la nueva sala; esperamos contar con ella en un plazo de tres años. Además, ya estamos trabajando con los ingenieros acústicos que estuvieron a cargo de la 'Ballena Azul' (el Centro Kirchner en Buenos Aires), Gustavo Basso y Rafael Sánchez, que son excepcionales", comenta a "El Mercurio" Diego Matte, director del Centro de Extensión Artística y Cultural (CEAC) de la U. de Chile, entidad de la que depende la Orquesta Sinfónica Nacional de Chile.

"Esa gran sala tendrá 1.200 butacas, y un gran foyer de cinco pisos de altura", apunta.

Se ubicará en el centro VM20 de la U. de Chile, colindante con el Teatro U. de Chile. Los trabajos, aclara Matte, no interferirán con los conciertos: "El público puede quedarse tranquilo".

Respecto de la temporada 2019 de la Sinfónica, el Coro Sinfónico y la Camerata Vocal, destaca el alto nivel de los solistas, en particular los violinistas Ellinor D'Melon (Jamaica) y Tobias Feldmann (Alemania), y el barítono Alfonso Mujica (Uruguay), además del "tremendo clarinetista venezolano David Medina, y Luis Alberto Latorre".

Tras cinco años como titular, Leonid Grin volverá con un repertorio archifamoso: el Concierto para piano N° 1 de Chopin -con la estrella Boris Petrushansky-, la Sinfonía N° 2 de Rachmaninov y la Quinta de Tchaikovsky, más "Canciones de un caminante" de Mahler (julio).

Ese mismo logrado equilibrio entre la masividad y el rescate de joyas se exhibe a lo largo del año. Por un lado, se programaron best sellers como el Concierto para piano N° 2 de Rachmaninov, la Quinta Sinfonía de Beethoven, la Séptima de Dvorák y la Quinta de Shostakovich, además del Réquiem de Mozart, el "Concierto de Aranjuez" (Rodrigo), y cinco piezas de Tchaikovsky, incluyendo la "Obertura 1812" y la suite del ballet "La bella durmiente".

Por el otro, están "Images" de Debussy, la "Cantata Misericordium" de Britten -estreno en Chile-, un monográfico coral de Populenc, "Retrato de Lincoln" de Copland, "Petrouchka" y "Sinfonía de los Salmos", de Stravinksy, y "La isla de los muertos" de Rachmaninov.

Cumpliendo con su rol nacional, la Sinfónica trabajará con siete batutas chilenas, partiendo por Juan Pablo Izquierdo, con "Tres movimientos de Wozzeck" de Alban Berg y la Sinfonía N° 4 de Mahler (mayo).

También convocaron a nuestras dos mayores figuras sub 40.

Helmuth Reichel apostará por Ginastera y Copland, además de dos hitos del siglo XX: "La Consagración de la Primavera" de Stravinsky y el "Concierto para orquesta" de Bartók (marzo).

Paolo Bortolameolli se atreverá con dos monumentos: "El Mandarín Maravilloso" de Bartók y la Sinfonía N° 9 de Mahler, más el exigentísimo Concierto para piano de Lutoslawski, con Luis Alberto Latorre (agosto).

Se sumarán José Luis Domínguez -con "La primera noche de Walpurgis" de Mendelssohn-, Rodolfo Fischer, Francisco Rettig y Guillermo Rojas.

La Sinfónica renovará su compromiso con la música chilena con partituras de Juan Orrego-Salas, Acario Cotapos, Gustavo Becerra, Cirilo Vila, Leni Alexander, Esteban Correa y Tomás Brantmayer, y con el violinista Bastián Loewe, quien vendrá desde Basilea para abordar el Concierto N° 2 de Prokofiev.

Entre las batutas que retornarán están Ola Rudner (Suecia), Garrett Keast (EE.UU:), Lígia Amado (Brasil) y Rodoldo Saglimbeni (Venezuela), y entre los debutantes, los británicos Jessica Cottis y Michael Seal y Wilson Hermanto (EE.UU).

El Ciclo de Pianistas del CEAC se dedicará en 2019 a Chopin, con recitales de Alexandros Jusakos, Svetlana Kotova, Armands Abols, Mahani Teave y Pablo Echaurren, más un monográfico de cámara.

Festival de Viña 2019: varios artistas anunciados son cartas repetidas

El Mercurio

Ayer se informó parte de la parrilla de la próxima edición, donde las novedades son los intérpretes de música urbana. Solo falta un nombre por confirmar. 

MARTÍN CIFUENTES F.
La alcaldesa Virginia Reginato dio a conocer ayer las que serán las principales cartas musicales para la sexagésima versión del Festival de la Canción de Viña del Mar. Con una parrilla firmemente cargada a las figuras latinas, la edil dijo que aún resta por confirmar un nombre.

"Creo que muy pronto los canales lo van a confirmar", señaló la autoridad, y luego afirmó que para 2019 "no va a haber anglo en el Festival". Una idea que también plantea y confirma el concejal Sandro Puebla, miembro de la Comisión Festival del municipio. Sin embargo, diversas fuentes de los canales a cargo aseguran que la decisión todavía no está del todo definida y que el perfil que buscan es el de un latino que tenga una amplia llegada en los mercados latino y anglo.

De no haber un artista anglo, sería primera vez desde 2002 que sucede algo así. Ese año, Rod Stewart era el encargado del cierre de una de las jornadas, pero bajó su presentación y debió programarse a Chayanne dos noches consecutivas. Sin contar esa ocasión, 1974 fue el último año en que no se presentó un artista de habla inglesa.

Pero la versión 2019 del evento, además de hispana, será una cargada de reencuentros con el escenario viñamarino. El español David Bisbal, quien fue confirmado ayer, se presentó en la Quinta Vergara en 2003 y 2005, mientras que su coterráneo Raphael lo hizo en 1982, 1987, 2005, 2010 y 2014.

Un caso similar ocurre con los mexicanos Marco Antonio Solís, quien ya ha estado cinco veces en el certamen, y Yuri, que se ha presentado en cuatro ocasiones. Marc Anthony, en tanto, hizo sus shows en el Festival en 2009 y 2012.

Lo mismo sucede con los portorriqueños Wisin y Yandel, que se han presentado en conjunto y por separado. El dúo se separó en 2013 y volvieron a juntarse en 2017, por lo que esta será su primera actuación en Chile tras la reunión.

Y también habrá oportunidad para debutantes. Camila Gallardo, a quien ya habían tentado para la versión 2018, llegará por primera vez a la Quinta Vergara tras una exitosa presentación en el Festival del Huaso de Olmué de este año.

El colombiano Sebastián Yatra estuvo este año en el escenario viñamarino como uno de los invitados de Carlos Vives y ahora actuará como solista.

Bad Bunny, uno de los mayores exponentes de la música urbana, llegará convertido en un éxito. Caso similar es el de Becky G, quien se presentó en el cierre de la Teletón. La voz de "Sin pijama" será parte del jurado, donde ayer también se anunció al ex futbolista Luka Tudor.

miércoles, diciembre 05, 2018

Revisa aquí la presentación de Gwen Stefani y Mon Laferte



Rock&Pop
La presentación fue parte de la promoción del disco navideño de Gwen Stefani, en el que canta "Feliz Navidad" con Mon Laferte.

Por Catalina Muñoz

Hace solo unas horas Gwen Stefani y Mon Laferte se presentaron en el programa The Voice de Estados Unidos donde presentaron en vivo la canción que grabaron juntas para el disco navideño de la cantante estadounidense llamado  “You Make it Feel Like Christmas”.

La canción es “Feliz navidad”.

Además este jueves Mon Laferte y Gwen Stefani se presentarán en el late “Jimmy Kimmel Live!” y después harán un show gratuito en la calle y que será emitido desde la avenida Hollywood Boulevard de Los Ángeles, en el mismo lugar donde se han presentado artistas como Paul McCartney y Taylor Swift.

Mon Laferte, la chilena más escuchada
Mon Laferte sigue cosechando éxitos. En los últimos meses le ha ido increíble con el lanzamiento de su nuevo disco “Norma”, participó en el disco de Gwen Stefani y además las últimas cifras publicadas por Spotify corroboraron que es la artista chilena más escuchada en esta plataforma de streaming.


Cecilia lanza nuevo vinilo



El Mercurio

Raimundo Flores S.
A pesar de que su salud no la ha acompañado en un 100% -sufrió una neumonía en septiembre y semanas después un cuadro respiratorio la tuvo hospitalizada-, 2018 ha sido un año de celebraciones para la intérprete nacional Cecilia.

"La incomparable" celebró recientemente sus 60 años de carrera con un concierto en el Teatro Caupolicán y ahora lanzó un vinilo recopilatorio con sus canciones más emblemáticas.

El listado incluye además "Muchacha triste y solitaria" y "Don't bet money honey", dos temas que grabó en 1959, cuando era parte del grupo Los de Tomé, que se disolvió pocos años después. "Fueron las primeras dos grabaciones que hice en mi vida", recuerda Cecilia, y confiesa que se le "llenaron los ojos de lágrimas" al volver a escuchar esos registros.

Las canciones fueron rescatadas gracias a un coleccionista residente en Italia que guardaba el material y que fueron remasterizadas antes de unirse en el álbum a otros clásicos de la intérprete.

"Agradezco todo el empuje que le han dado a esta producción, es muy bonito, me siento muy halagada. Me hace recordar mi juventud, y ahora que estoy más reposada es muy grato sentirlo", dice Cecilia.

El vinilo ya está disponible en La Tienda Nacional y la Disquería Chilena en Santiago y en la Disquería Penquista en Concepción.

Alberto Plaza y Pablo Herrera fijan reencuentro musical para febrero

El Mercurio

Los cantantes se presentarán en el Gran Arena Monticello junto a Soledad Guerrero y Andrea Labarca como artistas invitadas. 

José Vásquez
Alberto Plaza deja en pausa las polémicas para volver otra vez a la música. El cantante radicado en Miami, quien el 23 de noviembre lanzó su controvertido libro de opinión "Claro que no da lo mismo", ya fijó su regreso al país para un reencuentro musical con su colega en las baladas, Pablo Herrera.

La cita será el próximo 8 de febrero en el Gran Arena Monticello, un espectáculo que denominaron "Amigos cómplices", en el que cada uno interpretará los éxitos de su repertorio, tal como lo hicieron a comienzos de este año en el mismo recinto, aunque ahora la apuesta 2019 crece con invitadas.

Porque para este show se sumaron las cantantes Andrea Labarca y Soledad Guerrero, quienes en los 80 se hicieron conocidas a través del recordado "Ránking juvenil" de "Sábados Gigantes", en una época donde ya brillaban Irene Llanos y, sobre todo, Myriam Hernández.

Ambas artistas tienen historia con Plaza y Herrera, ya que han grabado junto a ellos. Soledad Guerrero tuvo la colaboración de la voz de "Bandido" quien produjo su álbum debut como autora "Soledad" (1993) y Andrea Labarca, por su parte, registró un tema -"Si te volvieras real"- del autor de "Tengo un amor", en su disco homónimo de 1999.

Aunque el escenario está abierto para que se realicen estas colaboraciones, todavía no hay nada definido, aunque sí habría disposición para que ambas duplas puedan actuar juntas y sorprender al público con un dueto.

Las entradas para "Amigos cómplices" ya están a la venta a través de Ticketpro, con valores, incluyendo el cargo por servicio, desde $13.800 a $ 80.500.

Mistral, Los Prisioneros y Aguirre: entre las 28 nuevas obras teatrales del GAM

El Mercurio

Además, la temporada 2019 apostará por una pieza con canciones de Kurt Weil, otra que recorre las muertes escritas por Shakespeare y una opereta juglaresca de Tryo Teatro Banda. 

Eduardo Miranda
El centro cultural lleva su nombre, y la próxima temporada la cartelera teatral festejará 130 años de su nacimiento. La imagen, la historia y las creaciones de Gabriela Mistral subirán a escena en un par de montajes que ya comenzaron su etapa de producción para ser estrenados en el Centro GAM durante 2019.

"Es que es una mujer con demasiadas aristas para explorar. La cantidad de publicaciones y archivos es inagotable. Estamos frente a una gran intelectual y en nuestra obra nos concentramos en un momento específico y clave: cuando ella está a pocos días de recibir el Premio Nobel", adelanta la directora Aliocha de la Sotta, quien estará a la cabeza de la obra "Mistral, Gabriela" , una pieza escrita por Andrés Kalawski y que tendrá a la actriz Solange Lackington en la piel de la escritora, a sus 56 años.

La directora Tita Iacobelli ("Chaika") hará algo similar con el montaje "Luz_Lucila, luces de Gabriela", que a cargo de la compañía Teatro de Ocasión, toma algunos aspectos de su vida y los lleva al escenario mediante objetos.

Son dos de los 28 nuevos montajes que tendrá el GAM en su próxima temporada y que ya tiene agendados dos musicales: una nueva versión de "La pérgola de las flores" , dirigida por Héctor Noguera, y "Pateando piedras" , de los hermanos Gopal y Visnu Ibarra, que tendrá 10 músicos y 140 bailarines y la actuación de Paula Zúñiga, centrada en la figura de Jorge González, el líder de Los Prisioneros.

El género musical ganará aún más presencia con "Las mujeres de Brecht" , que se enfoca en canciones de diferentes obras del alemán, que fueron musicalizadas por Kurt Weill. La pieza tendrá a Annie Murath y Daniela Vega, entre otras. Además se suma "Proyecto Aguirre" , un viaje por cuatro obras de la dramaturga chilena y su biografía: "Los papeleros", "Lautaro", "Diálogos de fin de siglo" y "Los que van quedando en el camino".

El realizador Cristián Plana dirigirá "Excesos" , protagonizada por Alfredo Castro, y como homenaje a los 80 años del nacimiento del escritor Mauricio Wacquez, el grupo Tryo Teatro Banda dará vida a su opereta juglaresca "La comedia del Ande" . Además los realizadores Ernesto Meléndez y Alejandro Sieveking harán el montaje " Los asesinatos de William" , que recopila algunas de las muertes presentes en obras de Shakespeare. En el elenco estará Amparo Noguera.

Otros montajes que también estarán -y que en total serán 32 con las obras de 2018 que se remonten- serán "Narciso fracturado" , con dramaturgia de Jorge Marchant Lazcano; la familiar "Martín y el viejo del saco" , con actuación de Gabriel Cañas; "El golpe" , una inédita obra de Roberto Parra; "La ira de Narciso" , dirigido por Luccía de la Maza, y "El divino anticristo" , escrito y protagonizado por Mateo Iribarren.

Festival del Huaso anunció su parrilla

El Mercurio

El certamen de Olmué celebrará en 2019 sus 50 años de existencia. 


El Patagual, el escenario más tradicional de Olmué, celebra en 2019 las cinco décadas de realización del Festival del Huaso y ayer, en TVN, canal que lo transmite, lanzaron la parrilla de la próxima versión. El puertorriqueño José Feliciano y los argentinos Pimpinela destacan entre los invitados extranjeros.

Los fuegos, el próximo 17 de enero, los dará la agrupación Chico Trujillo y Guachupé, mientras el humor estará a cargo del actor Rodrigo Vásquez (Alto Yoyo), considerado una de las revelaciones del humor en 2018.

José Feliciano, la comediante Belén Mora y la banda Silvestre actuarán en la segunda jornada, mientras que la tercera tendrá a Illapu, Chiqui Aguayo y Movimiento Original. La noche final del 20 de enero contará con los hermanos Lucía y Joaquín Galán, el humorista Juan Pablo López y la Combo Tortuga.

"La crisis llega a todas partes, pero la parrilla del festival está hecha con mucha racionalidad, cariño y pasión", señaló Jaime de Aguirre, director ejecutivo de TVN.

Banda de k-pop W24 analiza su proyección a nivel mundial

El Mercurio

El grupo originario de Corea del Sur, y cuyo vocalista nació en Chile, actúa hoy en el Teatro Caupolicán tras su paso por la Teletón. 

Bárbara Castro
El recibimiento fue cálido, y es que el lazo con el continente es innegable. Nacido en Chile, a los 5 años Cheong Ho Wong dejó el país para radicarse en varios países de Latinoamérica hasta que a los 19 viajó a Corea del Sur para someterse a un riguroso entrenamiento artístico, con el sueño de convertirse en una estrella musical.

Hoy, y tras su exitoso paso por la Teletón, Juan Cheong -su nombre hispano- relata cómo fue regresar a Chile convertido en una figura ascendente de una industria en explosiva expansión en el mundo. "Al principio me sentía raro, porque era volver a mi hogar, pero regresando como un extranjero, un ídolo coreano", asegura el vocalista de la juvenil banda surcoreana W24, que inauguró un precedente como el primer conjunto del género en pisar el escenario de la Teletón, en sus 40 años de historia.

Su aplaudida presentación durante la transmisión benéfica desató la emoción entre sus seguidoras, haciendo eco en redes sociales y dando fe del imparable desembarco del fenómeno en el mercado masivo del entretenimiento nacional. Un frenesí juvenil que se repitió durante su paso por Concepción el lunes, y que pretenden repetir hoy con un concierto en el Teatro Caupolicán, en el cual repasarán su primer y único trabajo discográfico, un compilado de pegajosos temas de electropop con trazos acústicos, cuyo lanzamiento acompañó el debut oficial del quinteto en marzo pasado.

Promotores culturales

Tal como suele suceder con artistas jóvenes de la región, que consiguen darle un empuje a sus carreras después de su paso por el evento solidario, el líder del grupo y baterista, Kim Jong Gil, sostiene que esta participación podría permitirles irrumpir con fuerza en el mercado occidental.

"Somos conscientes de nuestra gran responsabilidad con nuestro país promoviendo nuestra cultura, pero aún estamos lejos de ser representantes del k-pop a nivel mundial, así que la Teletón fue nuestro primer gran paso para poder lograr esa meta", asegura.

Drake fue el artista más escuchado en Spotify este año, repitiendo sus logros de 2015 y 2016

El Mercurio

El rapero canadiense tuvo 8.200 millones de reproducciones en la plataforma de streaming , posicionándose como el artista más escuchado del año, marca que ya había alcanzado en 2015 y 2016. En la lista, Drake es seguido por Post Malone -quien estará en la próxima edición de Lollapalooza Chile- y XXXTentacion -asesinado en junio último-. Drake lanzó este año su álbum "Scorpion", que lo ayudó a conseguir otras marcas, como ser el artista con más semanas en el ranking "Hot 100" del Billboard. Ahora, el cantante lidera esa lista con "Sicko mode" en colaboración con Travis Scott. "Que espectacular manera de terminar el año", escribió ayer en Instagram.

martes, diciembre 04, 2018

EL PIANO un universo de sonidos

El Mercurio

Carolina Edwards
La invención del piano es atribuida a Bartolomeo di Francesco Cristofori, fabricante de instrumentos musicales oriundo de Padua y encargado de la colección de artefactos melódicos pertenecientes al príncipe Fernando de Médici, melómano e hijo del entonces duque de Toscana, Cosme III de Médici. Con el objetivo de mejorar el desempeño del hasta entonces popular clavicordio -instrumento que data del siglo XIV, donde las cuerdas vibran siempre con el mismo tono y volumen, independiente de cuán rápido o lento se tocan las teclas-, Cristofori ideó, a inicios de 1700, el pianoforte -piano que en italiano quiere decir suave y forte fuerte-, un dispositivo capaz de variar tanto el volumen como el timbre de los sonidos dependiendo de cuán fuerte se presionan la teclas. Pero, a pesar de la genialidad del descubrimiento, su difusión no ocurrió hasta 1711, cuando el erudito italiano Francesco Sciopone publicó un entusiasta artículo en el Giornale de Letterati d'Italia junto a un diagrama que explicaba el mecanismo del aparato. Hoy, a pesar de las numerosas innovaciones realizadas a través de los años, como el aumento del número de notas y la calidad de los materiales, la esencia de su mecanismo sigue siendo el mismo: un conjunto de palancas cuyo objetivo es controlar el impacto de un pequeño martillo forrado de fieltro o cuero a una cuerda que vibra, permitiendo al músico alterar la expresión del sonido. Es interesante mencionar que de todos los pianos que Cristofori construyó hoy solo existen tres. De estos, el más antiguo data de 1720 y se puede ver en el Museo Metropolitano de Arte en Nueva York.

lunes, diciembre 03, 2018

Tsonami convierte a Valparaíso en una gran caja de resonancia

El Mercurio

Festival de arte sonoro toda la semana en el puerto,
En su duodécima edición, artistas de cuatro continentes se reúnen en el puerto para explorar el sonido y proponer escuchas. 

IÑIGO DÍAZ
Olvidado, deteriorado e invisibilizado, el esplendor del Hotel Royal es parte de la memoria histórica y la nostalgia en Valparaíso. En calle Esmeralda, a medio camino entre la Plaza Aníbal Pinto y el Reloj Turri, ese edificio en ruinas se encuentra en proceso de recuperación patrimonial. Será, además, un espacio para los artistas sonoros del festival Tsonami, que comienza hoy.

Con 12 ediciones en el puerto, Tsonami es un hito en este campo de la creatividad, la investigación y la experiencia de la escucha del sonido. En este encuentro, que dura hasta este domingo, se reúnen exponentes de las artes plásticas y visuales, las letras, la música y la experimentación.

"El Hotel Royal es uno de los espacios de apertura en Valparaíso. No sabemos lo que va a pasar allí durante la inauguración. Eso es parte de los riesgos que estamos tomando: pedimos a los artistas que crearan obras para ese edificio. Puede que fallen, pues nunca han sido testeadas", dice Fernando Godoy, director del festival.

Se refiere a las "activaciones sonoras". Habrá una serie de ellas en simultáneo en dependencias del Royal, donde el público podrá recorrer salas y salones. Son conciertos de música experimental e instalaciones sonoras. "Cada visitante elige su concierto", define Godoy.

"Hemos radicalizado el enfoque: el sonido está en todas partes y la escucha del sonido es múltiple. Tsonami es mucho más ahora un espacio de experimentación y libertad creativa que busca innovar en la forma de presentarse a los públicos, considerando el contexto urbano y social de Valparaíso", señala Godoy.

Un laboratorio porteño

Así, además de los conciertos, las transmisiones radiales, las instalaciones, las residencias de artistas y el seminario "Territorios sonoros", el programa se desborda hacia la ciudad completa. "Valparaíso opera como un laboratorio. Todas sus capas son lugar para las investigaciones del sonido y su escucha", expone Godoy sobre esta caja de resonancia de escala urbana.

Y por eso Tsonami tiene obras e intervenciones como "Escuchar puede ser andar en bicicleta", de los argentinos Javier Bustos y Florencia Curci, una ruta pedaleable con dispositivos que permiten escuchar los sonidos del suelo porteño. También está "Sapo", del mexicano Félix Blume, una investigación a modo de partitura sobre las anotaciones y los gritos de los famosos coordinadores en terreno de la frecuencia de las micros; o "Perro parlante", de los chilenos Sebastián Escalona y Raúl Díaz, que a través del sonido problematizarán las condiciones de precariedad, abandono y pobreza de estos habitantes de la ciudad.

Programación en Tsonami.cl.

Festival Rosita Renard vuelve a Pirque

El Mercurio

Se volverá a realizar en Las Majadas el próximo sábado.
Después de ocho años de ausencia, en un privilegiado entorno natural, regresa este legendario encuentro musical que, entre otros invitados, tendrá al pianista Luis Alberto Latorre. 

Maureen Lennon Zaninovic
En sus últimas versiones, el Festival de Música Rosita Renard llegó a convocar a más de 15 mil personas. Lo que comenzó como un pequeño encuentro para los vecinos de Pirque, con el correr del tiempo se fue consolidando como uno de los eventos culturales más masivos del verano, destacándose por su carácter gratuito, por la calidad de sus invitados y porque se realizaba al aire libre, a los pies del Castillo Las Majadas de Pirque.

Fundado en 1992 por un grupo de notables gestoras y melómanas, entre otras Rosa Puga y Lilyan Jara (ambas impulsoras de la Corporación Cultural Rosita Renard), en 2003 tuvo que cambiar de escenario a la Medialuna de Pirque. "Su última edición fue en 2010 y no se realizó más, entre otras razones porque ya no se contaba con un parque de ocho hectáreas para realizar el festival", cuenta María José de la Cerda, directora ejecutiva de ProPirque. Añade que "el encuentro se convirtió en un hito para los pircanos, por eso decidimos retomar esta tradición. Conversé con Rosa Puga y Lilyan Jara y con los actuales dueños de Las Majadas, y el sábado 8 de diciembre -después de ocho años de ausencia- este festival volverá a su lugar original, manteniendo su espíritu: gratuito y con una programación miscelánea".

Lilyan Jara solo tiene aplausos: "Para nosotras es como volver a la época de gloria de nuestro encuentro, que llegó a durar tres días, con una oferta musical estupenda. ¡Llegamos a tener a la Orquesta Sinfónica Nacional de Chile en pleno y al Coro del Municipal de Santiago! Más de 200 artistas al aire libre", recuerda.

Más relajado

La XV edición del Festival de Música Rosita Renard abrirá a las 19:30 horas, con los guitarroneros de Pirque. La segunda parte incluirá a la Orquesta de Cámara Boecio, dirigida por Ricardo González Muñoz, y como artista invitado tocará Luis Alberto Latorre el Concierto para piano y orquesta de Joseph Haydn. Finalmente el encuentro tendrá un cierre con jazz (Tomás Gumucio y Los Bachelores).

"Nos conseguimos un Fondo del Gobierno Regional para proyectos culturales, por lo que estamos retomando el festival, concentrándolo en un solo día. Como Corporación Cultural ProPirque nos interesa conservar el patrimonio natural y musical de la zona, por eso programamos a los guitarroneros de Pirque, valiosos exponentes de una tradición que -lamentablemente- está en peligro de extinción. Junto con ello también estará presente la música clásica y, en especial, el piano en homenaje a Rosita Renard, cuyo legado inspiró la creación de este encuentro, y el jazz", agrega María José de la Cerda. La profesional remata: "Esperamos convocar a 1.500 personas y mantener esta instancia a lo largo de los años. La idea es que no desaparezca".

Luis Alberto Latorre añade que la interpretación al aire libre "siempre es un desafío. Uno como músico tiene que entrar en un contexto más relajado, didáctico y disfrutar de la naturaleza. El atractivo de estos conciertos es que no tiene la formalidad de los teatros a puertas cerradas".

Mucho más que música: Cómo los festivales rompen fronteras en la entretención

El Mercurio

Los espectáculos en Chile están evolucionando rápido y ya hay dos eventos que incorporaron el stand up comedy . Para el próximo año, incluso, un productor ya piensa en sumar la lucha libre como un escenario alternativo a su show. 

José Vásquez
"Las posibilidades son infinitas", dice Robert Morrison tras los buenos resultados obtenidos en la última edición de Creamfields, el pasado 17 de noviembre. El festival de música electrónica convocó a 30 mil personas y según observa el director de Street Machine, a cargo del evento, al menos unos 4.500 asistentes desafiaron a The Beast ("la bestia"), el circuito inflable con obstáculos que se montó para esa jornada en el Club Hípico.

Mientras los beats de populares DJ atraían a una masa poseída por el baile, en otro sector del lugar la fila no se detuvo para experimentar con el juego que ocupó una superficie de 2 mil metros cuadrados. "El año pasado tuvimos juegos mecánicos que causaron furor y ahora con The Beast al menos un 15 por ciento de la gente pasó por ese circuito, era increíble ver cómo salían de ahí, todos felices tras la experiencia", cuenta Morrison.

Hoy la oferta de los festivales en Chile ofrece una variedad mucho más amplia que solo el cartel de artistas, el gancho natural del espectáculo, una idea que ya prometía Lollapalooza cuando desembarcó en la capital en 2011-y su representación de un "parque de diversiones musical"- y que a partir de este año se ha transformado en un modelo que rompió definitivamente las fronteras en la entretención.

De buen humor

En octubre pasado, el Festival Vívela incorporó el stand up comedy a un show que contó con artistas como los puertorriqueños de Cultura Profética y los uruguayos de El Cuarteto de Nos, quienes convivieron sin problemas con las rutinas de Paloma Salas y Kurt Carrera, algo que se replicará el próximo 12 de enero en La Cumbre, que también incorporó el humor como nexo -con exponentes como Fabrizio Copano y Jani Dueñas- a un espectáculo consagrado a las guitarras rockeras, al pop y, en esta ocasión, al trap que entra con fuerza.

Aunque esta mezcla es parte del ADN del Festival de Viña del Mar, su llegada a este tipo de eventos con varios escenarios simultáneos aterriza como una experiencia mucho más competitiva en formato de zapping real y no a través del control remoto. "Esta es una tendencia que se está observando en los diferentes festivales del planeta con buenos resultados, y todo parece indicar que el humor con la música son dos mundos que convergen de una manera súper fluida", dice Juan Andrés Ossandón, director general de La Cumbre.

El productor también destaca otra tendencia que ha abierto el camino a esta apertura. "Los festivales, en general, están saliendo de los nichos", señala y agrega que son eventos que se realizan en explanadas, los espacios donde se puede complementar la música con entretenciones de corte familiar. "Ahora es más común encontrar, por ejemplo, que los festivales incluyan zona de niños, o bien encontrar lugares para que se puedan realizar exposiciones fotográficas o de pintura, sesiones de tatuajes, en fin, las posibilidades son múltiples para la gente que quiere experimentar en su tiempo libre", plantea Ossandón.

Panorama familiar

Antes del primer Lollapalooza resultaba extraña la idea de que un espacio consagrado a la música alternativa también le abriera las puertas a un segmento infantil. Tras su éxito, el modelo se ha replicado, como ocurrió en la última Feria Pulsar -con su Mini Pulsar- y el Festival Fluvial que se desarrolló durante este fin de semana en Valdivia y que incorporó su Fluvialito. Aunque este último es "un encuentro de industria", cuenta Oliver Knust, su director, donde artistas consolidados comparten con otros en desarrollo ante delegados tanto nacionales como internacionales para hacer negocios, el evento está creciendo. Y así como este año idearon un segmento de corte familiar, para el futuro pretenden cubrir más música. "Es un evento que se extiende por tres días y puede seguir creciendo. En 2019 se debería abrir un espacio a la World Music", adelanta.

Maximiliano del Río, que trabaja en la producción de Lollapalooza, aplaude que más eventos incorporen espacios para los niños. "Las cosas buenas se copian", dice y señala que en Lotus "siempre estamos observando lo que pasa en los distintos festivales". Si bien incorporar humor a los festivales es algo que se desarrolla con éxito hace años en diferentes eventos del mundo, su irrupción en Chile en este formato es algo que, cuenta, seguirán con atención. "Es importante observar y ver si en el futuro también incorporamos algo similar, o experiencias como la proyección de documentales como ocurre en Bonnaroo o Vive Latino, que puedan hacer más enriquecedora la experiencia".

"La gente está demandando cada vez más por los contenidos, por llamarlo de alguna manera, 'no musicales'", dice Morrison, quien cuenta que ya se trabaja para la edición 2019 de Vívela para la que revela la primera sorpresa: un ring de lucha libre.

"Después del buen resultado que tuvimos, pensamos que en un lugar así sería todavía más llamativo tener el stand up , que obviamente pensamos mezclar con una exhibición de lucha", informa, a la que piensa agregarle clases para que la gente aprenda las coreografías de las peleas. "De verdad, las posibilidades de seguir creciendo todavía son muchísimas", insiste.