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domingo, noviembre 02, 2025

Dialecto de Pájaros: El resurgir en Chile de una cantata chamánica


 

Casi cuatro décadas después de su estreno en Ámsterdam, la cantata “Dialecto de Pájaros” del compositor Patricio Wang revive en Chile con una versión revisada por su autor. Una obra mística y vanguardista que regresa para cerrar un ciclo pendiente en la historia musical de Quilapayún y Patricio Wang.

Por Ricardo Tapia

Hace casi cuatro décadas —en 1987— el compositor Patricio Wang presentó en Ámsterdam, junto a Quilapayún & Co., la cantata Dialecto de Pájaros, concebida como un viaje al límite del lenguaje, la voz y el sonido.

La génesis de Dialecto de Pájaros se sitúa cuando Wang, ya vinculado a Quilapayún desde inicios de los años ochenta, emprendió una investigación sobre lenguajes no convencionales, voces primordiales y territorios sonoros que superan la palabra cotidiana.

Tomando textos de diferentes fuentes —como los Modoc, cantos de los Yamanes de Tierra del Fuego, de los pueblos esquimales, de iglesias pentecostales estadounidenses e incluso el poema “Canto VII” de Vicente Huidobro—, logró crear una cantata que ha sido considerada como “un viaje chamánico a través de los siete cielos en busca de un nuevo lenguaje”.



El estreno tuvo lugar en el marco del Festival Stage Door, en Ámsterdam, en 1987, con el respaldo de patrocinadores europeos y con pleno conocimiento de que no existían los medios para desarrollar el proyecto más allá de la semana que duraba el festival. Es por eso que la cantata nunca fue registrada oficialmente en su integridad ni volvió a presentarse como obra completa.

Sin embargo, algunos fragmentos salieron a la luz bajo el alero del Quilapayún, agrupación que grabó ciertas secciones en sus álbumes e interpretó otras en vivo, aunque nunca llegó a montar ni registrar la obra en su totalidad posterior al festival.

Fue así como tuvieron que pasar casi cuarenta años desde aquella oportunidad en Ámsterdam para que Dialecto de Pájaros volviera a surgir como el ritual y canto chamánico destinado a ser escuchado íntegramente, en un espacio que permite que las palabras conserven su poder mágico y, de algún modo, puedan cobrar vida y transformar lo que tocan.



Esta vez, los afortunados serán el público chileno, constituyendo, de alguna manera, el cierre de ese pendiente musical tanto en el catálogo de Quilapayún como en la trayectoria de Patricio Wang.

Es gracias a las agrupaciones musicales Los Precisos y Colectivo Dialéctico —colectivo formado especialmente para esta ocasión—, que se abre una nueva etapa para la cantata, la cual será presentada en su totalidad y, esta vez, con una versión revisada por su autor, que incorpora nuevos arreglos y correcciones, constituyendo posiblemente su «versión definitiva».

Como músico invitado para el día del estreno participará el pianista holandés Gerard Bouwhuis, intérprete original del estreno de la obra en 1987. Su presencia se sumará exclusivamente al día del estreno, aportando junto a Patricio Wang —quien será parte del colectivo y participa en en las fechas agendadas interpretando el bajo eléctrico— un valor histórico y artístico singular a este reencuentro con Dialecto de Pájaros.

Este estreno en Chile se presenta como el redescubrimiento de una pieza clave en la evolución de Quilapayún durante su etapa más vanguardista y, a su vez, como una de las obras más emblemáticas y místicas del trabajo de Wang, quien une tradición sonora, vanguardia musical y el cruce de lenguajes humanos, animales y rituales en una cantata que invita a escuchar el origen mismo del lenguaje en una travesía hacia los sonidos primordiales del ser.



Pero esto no es todo, ya que la reaparición de Dialecto de Pájaros en los escenarios chilenos coincide con un momento especialmente significativo en la trayectoria de Patricio Wang, quien durante su estancia en el país presentará también parte de su amplio catálogo musical, en un recorrido que combina música, memoria y reflexión sobre el exilio.

Su visita por Chile se enmarca en dos conmemoraciones de alto valor simbólico: los 80 años del Premio Nobel de Gabriela Mistral y los 200 años de relaciones diplomáticas entre Chile y los Países Bajos, país en el que Wang ha desarrollado gran parte de su vida artística.

En este contexto, el compositor ofrecerá al público chileno la posibilidad de reencontrarse con obras esenciales de su catálogo. Entre ellas se cuentan Canciones Salvajes, para solista, coro e instrumentos, basada en textos de Pablo Neruda; Transiente y Oficio de Tinieblas, piezas grabadas por Quilapayún, entre otras de su catálogo. Además, junto al Dialecto de Pájaros, se suma el estreno en Chile del Ciclo Mistraliano, inspirado en textos de Gabriela Mistral, obra que profundiza el diálogo entre literatura, identidad y música contemporánea. Paralelamente, Wang lanzará su libro bilingüe Música en Exilio / Muziek in Ballingschap, donde revisa su camino artístico y humano ligado al exilio, abordando tanto su experiencia personal como su creación musical desarrollada fuera de Chile.

Programación de Patricio Wang en Chile
5 de noviembre – Conversatorio en el 1.º Encuentro de Guitarra, Universidad Alberto Hurtado.
11 de noviembre (19:00 hrs) – Dialecto de Pájaros en el Teatro Municipal de Viña del Mar, concierto de apertura del Festival Internacional Puente: Encuentro Interoceánico de las Culturas.
13 de noviembre (19:00 hrs) – Museo del Inmigrante, Valparaíso (Festival Darwin Vargas, PUCV). Estreno en Chile del Ciclo Mistraliano.
14 de noviembre – Casa de la Fundación Creciente, Osorno. Ciclo Mistraliano y otras composiciones.
21 de noviembre – Concierto en Casa Román, Santiago. Ciclo Mistraliano y otras composiciones.
29 de noviembre – Concierto en Sala Rívoli, Valparaíso. Canciones Salvajes y otras composiciones.
11 de diciembre (19:00 hrs) – Oficio de Tinieblas y Dialecto de Pájaros en el Teatro Municipal de Quilpué.
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🎟️ Entradas liberadas.
Algunas actividades requieren inscripción previa a través de las plataformas y redes sociales de los teatros, universidades, museos y festivales donde participará Wang.
Se recomienda informarse directamente en dichos canales.



martes, octubre 24, 2023

David Greilsammer cerrará hoy con un recital gratuito el ciclo “Pianistas, la nueva generación”.

 El Mercurio


Con una nutrida discografía bajo sellos de primera línea como Sony Classical y Naïve, por estos días el músico radicado en Suiza David Greilsammer está desplegando en nuestro país una intensa agenda como director de orquesta y pianista.


Como intérprete se presentó el domingo en la Universidad Técnica Santa María de Valparaíso y hoy, a las 19:00 horas y en el Teatro Oriente, cerrará el ciclo “Pianistas, la nueva generación”, que organiza la Fundación Cultural de Providencia.


El músico llega a Santiago gracias a la Embajada de Suiza en Chile y la Universidad Andrés Bello. En la presentación de hoy abordará piezas de su última grabación, “Labyrinth”, entre otras, las “Bagatelas”, Op. 126, de Beethoven.


“Este disco es la historia de un sueño que tuve a los 15 años, un sueño muy extraño donde caminé por un laberinto. Este álbum, con muchos compositores, estilos y épocas, da cuenta de este sueño muy misterioso”, comenta a través de un contacto telefónico David Greilsammer. Agrega que el concierto de hoy contempla las mismas composiciones que incluyó en su último disco. “Partimos con el Barroco, el siglo XVII, hasta llegar a la música contemporánea. Son casi 400 años de música. Será un viaje sin pausa”.


Más información en Teatrooriente.cl.

miércoles, agosto 30, 2023

Gustavo Miranda y su regreso con la Orquesta de Cámara de Chile

 

Gustavo Miranda en pleno ensayo en el Teatro California, con esta agrupación que depende del Ministerio de las Culturas. Macarena Pérez


El Mercurio


A partir de hoy y hasta el viernes , el destacado pianista abordará el Concierto de Clara Schumann. El programa del conjunto también incluye un estreno absoluto de David Gompper.

Maureen Lennon Zaninovic

En agosto de 2022 y después de cinco años de ausencia y un periodo de introspección, Gustavo Miranda se presentó con la Orquesta de Cámara de Chile, interpretando el Concierto N° 1 de Felix Mendelssohn. Fue un recital muy elogiado por el público y la crítica, y que marcó su retorno formal a los escenarios locales.


Un año después, el pianista chileno se volverá a reencontrar con este conjunto que depende del Ministerio de las Culturas. Son tres fechas gratuitas que parten hoy, a las 19:30 horas, en la Parroquia Nuestra Señora del Rosario (Av. Presidente Riesco 6430, Las Condes); mañana, a las 19:00 horas, en la Parroquia San Ramón (Mardoqueo Fernández 100, Providencia); y el viernes, a las 19:30 horas, en el Teatro California (Av. Irarrázaval 1562, Ñuñoa).


Miranda, becado estrella de la Corporación Amigos del Municipal, abordará el Concierto de Clara Wieck, esposa de Robert Schumann. En medio de un ensayo en el Teatro California, comenta a “El Mercurio” que se trata de una “obra que conozco desde hace años. Sin duda es una pieza muy original dentro del repertorio de los conciertos románticos. Clara lo escribió a los 14 años y es su única composición para orquesta”. Añade que lo que más le atrae de este concierto es que, a pesar de estar muy influenciado por el lenguaje de Chopin, “nunca cae en la imitación. No busca copiar a otro compositor. Tiene giros armónicos muy únicos que, a veces, me recuerdan a Brahms”.


El artista se explaya y dice que el segundo movimiento es una Romanza que parte como si fuera un Nocturno insertado al interior de este concierto para piano y orquesta y “mágicamente, dentro de este Nocturno, aparece un cello”. Junto con ello, comenta que el tercer movimiento tiene muchas influencias de las Polonesas de Chopin y que otra de las particularidades de esta pieza es que parte en La Menor, “una tonalidad un poco trágica y termina así. No hay vuelta que darle. No tiene piedad. Es una composición muy tormentosa. No es común, porque los conciertos que parten en La Menor, generalmente terminan en La Mayor, con algo más optimista”, cierra.


El programa también contempla la Primera Sinfonía de Charles Gounod y un estreno absoluto: “Meditación (obra sobre los Derechos Humanos)”, del compositor norteamericano David Gompper, compuesta especialmente para este conjunto. Emmanuel Siffert, director titular de la Orquesta de Cámara de Chile, explica que con este músico estadounidense, profesor de la Universidad de Iowa, viene trabajando desde hace siete años y “grabé todas sus piezas orquestales. Él hizo esta obra que es una meditación. Tiene algunos motivos del dolor, con sonidos que vienen y pasan”, concluye Emmanuel Siffert.

La semana de los clarinetes, con músicos de Francia, Argentina, Venezuela y Chile

 El Mercurio


Desde las 19:00 horas de hoy, con conciertos del Dúo Martí-Leone, el cuarteto Los Clarinetos, y solistas como Nicolás Guerrero, Luis Vargas y Alfonso Vergara (Santa Rita 1153), continúan las actividades del Primer Festival Internacional de Clarinete de Santiago. Músicos de Francia, Argentina, Venezuela y Chile se presentan en distintos escenarios: el Centro de Extensión Oriente UC, el Auditorio Instituto de Música UC, la Sala Luksic y el Centro Cultural Vicente Bianchi de La Reina. Son más de 50 nombres en el programa, con clases magistrales y conciertos gratuitos. El encuentro incluye una muestra del taller francés de clarinetes Buffet Crampon.

jueves, mayo 25, 2023

Richard Wagner vuelve a brillar en el Municipal para niños

 El Mercurio


A partir de este sábado, el escenario de Agustinas pondrá en escena “Sigfrido”, como parte del abono “Pequeño Municipal”. El director Pedro-Pablo Prudencio adelanta que se hizo un esfuerzo y en el foso se instalarán 60 músicos, “para darle todo el esplendor”.

Maureen Lennon Zaninovic

La titánica tarea de adaptar a Richard Wagner a un público infantil partió en 2019, cuando el Municipal de Santiago estrenó “El oro del Rin” —versión que obtuvo el Premio del Círculo de Críticos de Arte de Chile— y que corresponde a la primera entrega de la tetralogía “El anillo del nibelungo”. La serie de cuatro óperas creadas por el compositor nacido en Leipzig siguió con “La Valquiria” —presentada en el teatro de Agustinas en 2022— y a partir de este sábado (17:00 horas), y hasta el domingo 4 de junio, el histórico coliseo pondrá en escena la tercera parte de la famosa tetralogía. En uno de los hitos del abono “Pequeño Municipal” 2023, llegará “Sigfrido” con la Orquesta Filarmónica de Santiago dirigida por su batuta residente Pedro-Pablo Prudencio.


Este último afirma que “las óperas de Wagner, como muchas obras del Romanticismo, hablan de un mundo de fantasía y del más allá. Su saga es muy apta para toda la familia”. Añade que la música, “por lo menos a mí, desde niño, me encantaba. Tiene una cantidad de melodías y temas preciosos. Este compositor fue quien fortaleció el uso del leitmotiv: un tema musical que simboliza una persona, una cosa o un sentimiento”. Prudencio considera que, además, sus partituras son muy cinematográficas, “por eso muchos directores de cine han usado su música”.


El director residente de la Filarmónica de Santiago valora el aporte del fagotista de la Filarmónica Zilvinas Smalys, “que nos permitió reducir este título de más de cuatro horas a aproximadamente una hora, manteniendo lo fundamental. Cortar la música fue muy difícil, porque acá no hay arias o descansos como en otras producciones líricas. Wagner no para. Cada corte me dolió el alma, pero al final quedó algo bien redondo”, expresa.


Pedro-Pablo Prudencio agrega que, a diferencia de los dos títulos anteriores, “acá se hizo un esfuerzo mayor, con una orquesta que estará en el foso y que es mucho más grande (60 músicos) para darle todo el esplendor que requiere Richard Wagner, y así crear efectos impresionantes para el público”.


Fabiola Matte vuelve a tener a cargo la régie de este proyecto de la tetralogía. Dice que en “‘La Valquiria' fue la primera vez que hicimos rotoscopía: imágenes de animación cuadro a cuadro. Esta vez creamos nuestros propios videos en un estudio de grabación y sobre ellos editamos las imágenes y se hicieron los dibujos cuadro a cuadro. Artísticamente ha sido un desafío distinto”, explica.


La profesional revela que en escena se podrá ver un dragón gigante, fabricado por los talleres de escultura y utilería del Municipal, una labor liderada por el jefe del taller Claudio Marín. Junto con ello, “trabajamos la escenografía con un sistema de capas y como la ópera fue pensada para un público familiar, buscamos romper la cuarta pared, es decir, parte del elenco estará en las plateas y palcos”, concluye la régisseur.


Un Batman


El barítono Javier Weibel será el encargado de dar vida a Sigfrido, mientras que el bajo Pedro Alarcón encarnará al dragón Fafner; el tenor e integrante del Ibáñez Atkinson Young Artist Program, Gonzalo Quinchahual, abordará el rol de Mime; el bajo-barítono Jaime Mondaca será El Caminante, y la soprano Paulina González cantará Brunilda, entre otros destacados intérpretes nacionales.


Javier Weibel explica que Sigfrido es un “adolescente que está en búsqueda de su identidad: quién es él y sus padres”. Agrega que su personaje tiene la estructura de un héroe muy clásico, “pero también es muy humano. Es como Batman. Tiene artilugios que son como mágicos y poderosos, pero él no es eterno, ni tiene poderes”.


Gonzalo Quinchahual, quien acaba de pasar a la final del Paris Opera Competition, añade que Mime es “como un villano de Disney. En algún momento reluce un dejo de humanidad, pero casi siempre es falso y lo hace para conseguir lo que quiere. Hay escenas donde es malo, otras donde es mentiroso y embustero. Le miente a Sigfrido y hay lucha de energías, donde lo intenta mantener a raya, pero él ya no es un niño que se puede manejar”, concluye.

miércoles, mayo 24, 2023

Jorge Peña Hen: un músico del pasado y el futuro

 

Jorge Peña Hen dirigiendo a la Orquesta Sinfónica de Niños de La Serena en 1965. La imagen, junto con otras 13, se exhiben en la U. de Chile. CEDIM

El Mercurio


El domingo, la U. de Chile presenta un concierto con sus obras, mientras que hoy la Orquesta Sinfónica Juvenil inaugura su año con un homenaje.

Iñigo Díaz y Maureen Lennon

Son 14 fotografías de niños de entre 8 y 14 años, con violines, chelos, flautas y trombones, la mayoría de las veces uniformados de blanco, que miran a la cámara o miran a su maestro, Jorge Peña Hen (1928-1973). Son imágenes de 1964 y 1965, cuando la Orquesta Sinfónica de Niños de La Serena vivía sus primeros días.


Con motivo del Día de los Patrimonios, la inédita muestra fotográfica estará en la Sala Isidora Zegers, de la U. de Chile, donde el concierto “Jorge Peña Hen: maestro del futuro” (domingo al mediodía) abordará su obra.


“Peña Hen es un patrimonio del país. Incidió en las herencias culturales y en las construcciones identitarias de los chilenos. Podemos ver ese impacto en muchas instituciones, como la Foji. Cuánto más hubiéramos aprendido de él, de cómo cuidar a los niños y darles una educación en el arte, si no hubiera sido asesinado. Vivió solamente 45 años y su figura aún no ha sido superada”, dice Fernanda Vera, subdirectora del Departamento de Música de la U. de Chile.


Se presentarán cuatro partituras de su faceta como compositor, que se inició a mediados de los años 40. “Si bien fue director de orquesta, gestor de coros y agrupaciones instrumentales y el educador pionero que conocemos, Peña Hen nunca dejó de escribir. Por su música para la película ‘Río abajo' (1950) ganó un Caupolicán”, refiere Vera.


El programa consulta sus tempranas “Sonata” y “Polonesa”, piezas para piano pensadas para su mujer, Nella Camarda, interpretadas por Svetlana Kotova. Además se escucharán “Dos piezas concertantes sobre Corelli”, por la Orquesta de Cuerdas del Departamento de Música, y su “Cuarteto de cuerdas N° 2”, una obra de su madurez.


Homenaje de la Foji


Inspirada en la figura del músico, hoy, a las 20:00 horas en el Teatro CorpArtes (Rosario Norte 660, gratis, inscripción previa en www.corpartes.cl) la Orquesta Sinfónica Nacional Juvenil, bajo la batuta invitada, el músico suizo Nicolás Rauss, tocará un estreno absoluto: “Manará”, de la compositora chilena Florencia Novoa. “La palabra Manará viene de emanar y de surgir”, señala Rauss.


El programa también incluye obras de Olivier Messiaen, Enrique Soro y Franz Liszt, y se repetirá mañana, a las 19:00 horas, en el Centro Cultural Lo Prado.

jueves, mayo 11, 2023

Joshua Redman y Nubya Garcia: Una semana de saxofonistas

 El Mercurio


Dos nombres del jazz moderno, formados en dos dinámicas ciudades, pero con influencias dispares, coinciden en Chile con conciertos en la Aldea del Encuentro de La Reina y el Subterráneo de Providencia.

Iñigo Díaz

Joshua Redman estuvo en Santiago y Viña del Mar en 2007. Entonces vino como el saxofonista del cuarteto de Aaron Goldberg. Por primera vez actúa como líder de banda. MICHAEL WILSON


Joshua Redman: “Es música liberadora pero llena de riesgo”

“Nunca pienso en el legado o en la importancia histórica cuando se trata de mi propia música. Solo intento ser lo más creativo, colaborativo y sensible que pueda ser cuando toco”, dice Joshua Redman (1969) desde Nueva York. El saxofonista tenor prefiere desmarcarse de esa posición, aunque por el estatus y la trayectoria, su nombre aparece destacado en la historia reciente del jazz. Sobre todo por la música que impuso en los primeros años 90 junto a un cuarteto que definió el sonido del jazz neoyorquino por entonces.


“Brad Melhdau, Christian McBride y Brian Blade son tres de los mejores músicos de mi generación y creo que de todos los tiempos. Tocamos juntos casi sin parar entre 1993 y 1994. Nos tomó 25 años volver a estar juntos y valió la pena la espera”, dice respecto del disco de la reunión, en plena pandemia, “RoundAgain”.


Pero Joshua Redman se vuelve a desmarcar, ahora de esa misma entidad, para el concierto que dará en Chile el sábado 20 de mayo, en la Aldea del Encuentro, de la comuna de La Reina (Alcalde Fernando Castillo Velasco 9750, entradas: de $31.000 a $53.000). Tras su visita de 2007, el tenorista regresa con un trío pianoless, sin piano, junto a Phillip Norris (contrabajo) y Nazir Ebo (batería). Nunca habían tocado juntos antes de esta visita a Buenos Aires, Montevideo, Sao Paulo y Santiago.


—¿Qué tan complejo es tocar sin un pianista detrás?


“No contar con un instrumento armónico es emocionante y liberador, pero también es muy difícil y lleno de riesgo. Tenemos mucha libertad para movernos dentro de la música y para sobrepasar los roles típicos en la banda: todos tenemos que ser responsables de la melodía, el ritmo, la textura, la narrativa, el color, el contraste y, por supuesto, de la armonía. Hay mucha armonía en un trío sin piano, que se expresa en las líneas melódicas entrelazadas”.


—¿Su banda toma la idea de los viejos tríos de Sonny Rollins?


“Por supuesto. Sonny Rollins es mi héroe. No ha habido mayor influencia para mí como saxofonista e improvisador. Básicamente él escribió el gran libro sobre la interpretación de tríos de saxofón en el jazz moderno: sus discos ‘A night at The Village Vanguard', ‘Way out west', ‘Freedom suite' o las grabaciones piratas de Suecia representan los pináculos en cualquier contexto. Son fuentes inagotables de sabiduría”.


Nubya Garcia: “Me formé en un gran crisol de influencias”

“Todavía estoy aprendiendo español, pero está mejorando paso a paso”, dice la saxofonista Nubya Garcia (1991) desde Londres. En el tránsito de una cultura a otra, su apellido hispano fue cambiando la gramática y así fue que perdió la tilde. “Mi bisabuelo era de Venezuela y se mudó a Trinidad. Mis padres son de Guyana y Trinidad, por lo que siempre se siente bien venir a América Latina. Para mí, que nací y crecí en Londres, necesito saber de dónde vengo”, agrega.


Este martes 16 de mayo, la tenorista, un nombre en ascenso en la escena del jazz contemporáneo británico, se presenta en el Club Subterráneo (Orrego Luco 46, entradas: $36.000 y $40.000). Encabezará un cuarteto para el concierto centrado en el repertorio de “Source”, un álbum que la consolidó en la escena y que remarca esa búsqueda de las raíces: “Se trata sobre mi herencia, mis ancestros. Explorar esos lugares y esas historias de mis padres y abuelos”, dice.


—¿Cómo se refleja la identidad británica en su música?


“Londres es tan diversa que me da un crisol de influencias y muchas músicas. Puedes ir a raves o a conciertos en hermosos salones, como en el Barbican. También puedo escuchar la música que encantaba a mis padres. Crecer como una persona de raíces caribeñas en Londres multiplica la música. Al ir al carnaval de Notting Hill, me inspiré mucho en la cultura sound system (proveniente de Jamaica), por lo que estos elementos multiculturales definieron una identidad londinense para mí”.


—Sus discos son mucho más que jazz.


“Mi música está explorando la improvisación a partir de sonidos de dub, reggae y distintas música de baile, como el garage y la cumbia. Agrego algo de electrónica para conseguir texturas diferentes. Hoy, toda la música está conectada en todo el mundo y significa muchas cosas diferentes para diferentes personas, por lo que a menudo se pueden escuchar referencias y ritmos a través de lo que se ha llamado ‘jazz'”.


—¿Qué tipo de concierto dará aquí?


“Tengo muchas inspiraciones entre los saxofonistas: Sonny Rollins, Dexter Gordon, Joe Henderson, Wayne Shorter. La belleza de la música que toco es que es diferente cada vez con este grupo con teclados, bajo y batería. Quiero ver cómo se vibra allá y, por supuesto, me encantaría ver bailar al público chileno”.


Nubya Garcia es parte de una actual escena londinense bullante. Desde 2017, su nombre está muy presente, con apariciones en festivales como el famoso Glastonbury, en Inglaterra. Adama Jalloh


miércoles, mayo 03, 2023

Filippo Gorini: Un ascendente pianista italiano debuta en el Teatro Municipal de Santiago

 


El Mercurio


El instrumentista abordará este sábado 6 y el martes 9 de mayo el concierto “El Emperador”, de Beethoven.

Maureen Lennon Zaninovic

Hace unos meses Roberto Rizzi Brignoli, director titular de la Orquesta Filarmónica de Santiago, comentaba sobre la posibilidad del regreso al teatro de Agustinas del recordado ciclo Grandes Pianistas. El conductor señaló a “Artes y Letras” que existen conversaciones con Carmen Gloria Larenas, directora general del Municipal de Santiago, para retomar el abono. Como parte de ese interés por el instrumento, el sábado 6 y martes 9 de mayo dirigirá al pianista italiano Filippo Gorini (27 años) en el Concierto N° 5, “El Emperador”, de Beethoven. El programa para ambas fechas también suma el “Notturno N° 1, Op. 70, de Martucci, y la Sinfonía N° 2, de Rachmaninov.


A juicio de Rizzi Brignoli, estamos ante un músico “que ya cuenta con una carrera internacional fantástica, con varios premios: ganó varios concursos y el premio de la crítica internacional que tenemos en Italia”. El conductor complementa que “es un talento extraordinario y con él queremos dar una señal de que el piano tiene que regresar a nuestro teatro”.


A través de un contacto por zoom, desde su residencia en Milán, Filippo Gorini revela que está muy ilusionado con este debut en el Municipal de Santiago y, sobre todo, “porque es mi primera vez en Sudamérica”.


Agrega que no conoce en persona al director titular de la Filarmónica. “Presumo que él vio alguna grabación de mis recitales y como le gustó mi presentación, me pidió un concierto en Santiago y otro en Mannheim (Alemania)”. Gorini explica que tocó justamente el concierto “El Emperador” para la final del Concurso de Piano Telekom-Beethoven, en Bonn. “Fue un gran momento porque me permitió ser muy conocido, fundamentalmente en Europa y, sin duda, contribuyó a que pudiera venir a Chile”, afirma.


Tensión entre el piano y los músicos


Sobre esta pieza beethoveniana, el intérprete italiano comenta que es uno de sus conciertos favoritos y que fue el último que compuso Beethoven. “Tiene muchos desafíos. Uno se puede quedar en el aspecto técnico, pero dejando de lado el entusiasmo y la energía que están muy presentes en la partitura. Uno puede abordarlo de forma virtuosa, pero sin sentido. La relación con la orquesta si bien tiene que ser fluida, también tiene que dar la sensación de un ataque. Hay mucha tensión entre el piano y los músicos”, advierte. Filippo Gorini considera que el gran reto es poder ejecutar esta obra con frescura y vida, pero “también con un fuerte mensaje de libertad y esperanza”.


El pianista italiano señala que el nombre “Emperador” no es de su agrado, “porque da la impresión de que estamos ante una música que habla de poder y de control, ya que alude a la invasión de las tropas napoleónicas en Viena. Creo que es una pieza que fue concebida desde otro espíritu. Es uno de sus conciertos más psicológicos y donde Beethoven muestra que ya no es más un joven. Es un hombre maduro”, apunta el pianista, quien en 2017 grabó “Variaciones Diabelli” del llamado “genio de Bonn” y por este disco fue reconocido con un Diapason D'or, por la prestigiosa revista francesa de música clásica Diapason.


Más información en www.municipal.cl

Luis Miguel dará tres conciertos en el Movistar Arena

El Mercurio

De a poco se fueron revelando las coordenadas para el regreso del cantante mexicano al país como parte de su tour 2023. Finalmente, ayer se informó que será en ese recinto capitalino donde dará sus conciertos el 21, 22 y 25 de agosto próximo. El “Sol de México”, quien vino a Chile por última vez en 2019, tiene contemplado dar 45 shows en cuatro meses en que recorrerá Sudamérica, México y Estados Unidos. La preventa de entradas para sus presentaciones en Santiago comenzará mañana y 48 horas después se realizará la venta general, ambas a través de Puntoticket.

jueves, abril 27, 2023

Sello Alerce y Fundación Violeta Parra presentan ciclo en vivo dedicado al Canto Popular de Chile




 Bio Bio

El primer concierto del ciclo dedicado al Canto Popular se realizará este 28 de abril, de manera gratuita, en la Universidad Católica Silva Henríquez.

El Canto Popular es historia y memoria que acompaña día a día a quienes habitamos este territorio. Alerce, sello discográfico de rico patrimonio musical chileno, ha asumido la labor de relevar y recopilar una muestra viva de lo que es este género en una serie de proyectos, los que inició durante el 2022. Así fue como nació, por ejemplo, el tríptico Canto Popular, disco que compila 48 canciones de diversos cantores y cantoras nacionales.

Ciclo Sello Alerce y Fundación Violeta Parra

Continuando con esta línea, sello Alerce y la Fundación Violeta Parra se han unido para realizar durante este año 10 conciertos que tendrán como protagonistas a 20 cantores y cantoras en diferentes escenarios de Santiago, Valparaíso y Lanco.

La primera cita de este ciclo de Canto Popular será este 28 de abril en el Aula Magna de la Universidad Católica Silva Henríquez, quienes se han sumado a la iniciativa de acercar el Canto Popular a nuevas audiencias. La universidad está ubicada en General Jofré 482, Santiago, y su Aula Magna se abrirá a la presencia de Camila Vaccaro y Eduardo Peralta, quienes con acordeón, guitarra y aguda líricas invitarán a un momento de música, trova y también vanguardia.

“Estamos muy contentos con este convenio que nos permite llevar el Canto Popular a distintos territorios. Estamos agradecidos de la Fundación Violeta Parra y la Universidad Católica Silva Henríquez y esperamos que esta actividad se pueda extender a otras provincias, pues el Canto Popular está en cada rincón del país”, comenta Viviana Larrea, directora de Sello Alerce.

El ingreso al evento del día 28 de abril es gratuito

miércoles, abril 26, 2023

Tardes de música electroacústica para escuchar y “ver”

 El Mercurio


De la audición a ciegas que representa la acusmática hasta las obras con solistas en el escenario, la electroacústica consolida una nueva variante de apreciación al incluir la imagen en pantallas. Hoy comienzan las tres jornadas del festival de la U. Católica.

IÑIGO DÍAZ

“Yo no planteo el relato visual en esta composición al punto de que la música se convierta nada más que la banda sonora de una película. Aquí tanto el sonido como la imagen están a un mismo nivel, se relacionan y reaccionan”, dice el compositor Andrés Ferrari, uno de los nombres que estarán en el Festival de Música Electroacústica UC, con conciertos entre hoy y el viernes.


Su obra se titula “Optikalis-04” y es un ejemplo nítido de lo que se denomina “música visual”, o música audiovisual, pues además del sonido en paralelo se despliega una imagen en pantalla. Es una tendencia en la composición actual que llega desde Europa, por ejemplo desde el festival EviMus en Alemania. “La música visual comparte los mismos espacios con la acusmática (música generada a partir de dispositivos electrónicos) y la electroacústica mixta (música que incluye a intérpretes en escena)”, refiere Antonio Carvallo, coordinador de la cita.


A lo largo de 20 minutos en “Optikalis-04” se observan formas, luces, volúmenes en movimiento, bloques, esferas y ovoides, además del silencio, representado en pantallas que se van a negro. “La obra muestra cosas que han ocurrido en el país y que me han ocurrido a mí. Se pueden apreciar las curvas de lo visual junto con las curvas de lo sonoro. Es un todo”, explica Ferrari.


En cada una de las tres jornadas se podrán escuchar y “ver” piezas electroacústicas, como “El trino de Ate”, para violín, electrónica y video, del también chileno Cristian Morales Ossio. Desde Europa llegan las obras visuales “Codex”, de la italiana Daria Baiocchi; Coalescence”, del portugués João Pedro Oliveira, y “Milk spilt on a stone”, de la española Helga Arias. También figura “In nature alone are forms”, de la argentina Ana María Rodríguez, donde se puede ver a la chelista Cosima Gerhardt accionando todo tipo de sonidos que no corresponden al instrumento a través de movimientos de tai chi.


“Diría que el elemento visual de la electroacústica en las obras del festival están en sintonía con lo que apuntaba el compositor y teórico francés Michel Chion, acerca de que la visualidad se enlaza con la música al punto de que ambas tienen el mismo valor, pero ninguna se entendería por sí sola”, dice Carvallo.


Los 21 conciertos del encuentro se realizarán en el Auditorio del Centro de Extensión Oriente (19:00 horas, Jaime Guzmán 3300, gratis), con cuatro estrenos absolutos y diez estrenos para Chile.


Desde luego, la acusmática pura y dura, vale decir la música cuya emisión “no nos permite identificar cuál es la fuente del mundo real de donde proviene el sonido”, en palabras de Carvallo, sigue siendo el alma de la electroacústica. Entre esas obras destacan “My own Kwai”, de Alejandro Albornoz, y “Hiss & crackle”, de José Miguel Candela, dedicada a ese compositor punta de lanza en la electroacústica chilena que es Gabriel Brncic. Programa e inscripciones en Musica.uc.cl.

60 autores chilenos llegan a Feria de Buenos Aires

 El Mercurio


Santiago es la ciudad invitada a la fiesta literaria que se extenderá hasta el 15 de mayo. Chile llevará escritores, conciertos y exposiciones.

Roberto Careaga C.

Siempre hay expectativas, pero este año el escritor Martín Kohan aseguró que no se prestará para el juego de las polémicas: adelantó que no habrá “frases de impacto” en el discurso que dará para inaugurar la Feria Internacional del Libro de Buenos Aires 2023. Se sabrá mañana a las 18 horas, cuando arranque oficialmente el evento más importante de la industria editorial del Cono Sur y que este año tiene una importancia especial para Chile: Santiago es la ciudad invitada de honor a la feria y nuestro país llevará a 60 escritores chilenos, más espectáculos musicales y exposiciones.


Abierta al público desde mañana jueves 27 de abril hasta el 15 de mayo en el recinto La Rural, ubicado en el barrio Palermo y frente al Jardín Botánico, la FIL Buenos Aires en realidad inició ayer sus actividades con las Jornadas Profesionales del mundo del libro y Chile arranca hoy con sus presentaciones: a las 18 horas, el pianista Roberto Bravo dará un concierto en el Teatro Colón. En adelante, escritores chilenos como Raúl Zurita, Nona Fernández y Benjamín Labatut se mezclarán en actividades con lo que la misma feria anuncia como sus grandes invitados, los españoles Arturo Pérez Rerverte y Fernando Aramburu.


Ayer empezaron a recibir público los dos espacios de Chile en la feria: el estand de ProChile, que opera como librería de títulos locales enviados por editoriales chilenas, y un pabellón de 200 metros cuadrados que además de exhibir textos todos los días acogerá lanzamientos y conversatorio. Ahí se lanzará mañana el concurso Buenos Aires en 100 Palabras, organizado por Plagio, y el poeta Rafael Rubio presentará un nuevo libro.


Precedido por la inevitable polémica en el mundo literario, especialmente por el sesgo de la lista de autores invitados que fue criticada por diversos sectores, el envío de Santiago está amparado por un relato curatorial que recorre hitos históricos y políticos de la ciudad, incluyendo los 50 años del Golpe de 1973 y el estallido de 2019. Entre los autores que participarán en la FIL se cuentan a Alberto Fuguet, Elvira Hernández, Pedro Cayuqueo, Carlos Peña, Alejandra Costamagna, Francisco Ortega, Rosabetty Muñoz, Simón Soto, Andrea Jeftánovic, Elicura Chihuailaf, Carla Guelfenbein y Kathya Araujo, entre otros.


Además de las actividades literarias, Chile tendrá dos exposiciones: una dedicada a la editorial Quimantú en el espacio de la FIL y una sobre Enrique Lihn, que recoge dibujos, manuscritos y diferentes documentos en el Centro Cultural Matta. El sábado, en tanto, está programada la primera gran fiesta: a las 21:30 se ofrecerá un recital dirigido por Lito Vitale en que participarán Javiera Parra, Camila Moreno, Nano Stern, Benjamín Walker, Sandra Mihánovich, Hilda Lizarazu, Paula Maffia, León Gieco y Juan Carlos Baglietto.

Las claves de Masters of Rock, el festival que marcará la despedida de Kiss

 El Mercurio


La banda hará su última presentación en Chile este 30 de abril en Santa Laura, junto a Scorpions y Deep Purple, en un evento que ya proyecta volver aún más grande en 2024.

José Vásquez

Por años en la industria del espectáculo, las giras de despedida se han leído, muchas veces con la suspicacia del cuento de “Pedrito y el lobo”, como una amenaza que solo se vuelve real cuando ya nadie cree demasiado en ellas, aunque esta vez, el rótulo del “último concierto de Kiss en Chile”, el mismo que se utilizó el año pasado para los dos shows que la banda realizó en el Movistar Arena, pareciera definitivo, sobre todo cuando el conjunto neoyorquino ya fijó sus presentaciones finales en su ciudad de origen para el 1 y 2 de diciembre en el tradicional Madison Square Garden.


De esta manera, lo que sucederá el próximo domingo cobra relevancia como el que en el papel, una vez más, será el adiós de Kiss en el país con el grupo encabezando el Festival Masters of Rock, que se realizará en el Estadio Santa Laura, que tendrá una jornada maratónica de música, de más de 10 horas y bandas como Scorpions —que en 2010 también empleó el rótulo de “gira de despedida”, idea que luego abandonaron—, Deep Purple, Skid Row, Helloween y las locales Cleaver y Queenmilk, que se espera convoquen a unas 31 mil personas.


“Kiss es una banda que mueve masas que cruzan generaciones, entonces este último concierto va a dejar en las familias un recuerdo y una experiencia que va a perdurar por mucho tiempo”, asegura Francisco Goñi, general manager de The FanLab, que ha producido todos los conciertos que el grupo ha realizado en el país desde 2015.


“Muchas bandas dicen adiós y luego regresan porque es muy difícil dejar la adrenalina que reciben cuando están arriba de un escenario, pero ahora, en el caso de Kiss, a mí me da la impresión, por la forma en que se entregan al público, todo el proceso previo que realizan para maquillarse, los trajes y terraplenes que usan, de que es algo que va provocando un desgaste constante y llega un momento en que las bandas dicen: ‘quiero terminar de la mejor forma', y yo creo que ellos están en esa situación”, plantea Goñi.


Sin el Estadio Nacional disponible por los trabajos para los próximos Juegos Panamericanos y el Monumental, por un partido de Copa Libertadores, la opción de un recinto de alta convocatoria fue la cancha de Independencia, que el mes pasado tuvo el retorno de Los Bunkers.


“La gente va a tener una experiencia muy similar a los festivales en el extranjero. Vamos a tener cuatro zonas de comida y merchandising, que estarán divididas por cada sector del estadio para que la gente pueda circular durante el tiempo que estén ahí”, señala el productor, quien cuenta que ya trabaja en el desarrollo del Masters of Rock 2024 y que se efectuará en un “recinto más grande”, adelanta.


Goñi, asimismo, formula un llamado al público que asista al Estadio Santa Laura a que lo haga prefiriendo el transporte público. “Hemos solicitado a la autoridad un refuerzo en el transporte público, tal como a Metro un horario extendido, ya que alrededor del estadio no existen estacionamientos y si la gente deja sus autos en las veredas, por ejemplo, van a generar complicaciones a la comunidad y, seguramente, van a recibir una multa”, advierte el productor.


Deep Purple vuelve al Santa Laura


En 1997, para el primer concierto de la banda tras el éxito “Highway Star” en el país, todo pudo haber terminado en una tragedia en el estadio de la Unión Española. Apenas iniciado el show, en el segundo tema, “Fireball”, un grupo de personas trepó a la torre de iluminación ubicada en la cancha, una estructura de fierros que se desplomó por el peso de la gente, resultando heridos de diversa consideración. Tras la detención del espectáculo para socorrer a los lesionados, el recital continuó.


“El grupo vuelve a un lugar donde tienen una historia que quedó en los registros de conciertos en Chile y, en ese sentido, lo importante es que hoy los eventos se han profesionalizado y el público ha aprendido de esto. Los asistentes a Masters of Rock son un público principalmente familiar, así es que no tendremos algo de ese nivel”, dice Goñi.

martes, abril 25, 2023

VI Festival de Música de Cámara: Los sonidos españoles del conjunto La Misola se escucharán en Vitacura

 El Mercurio


Integrado, entre otros, por el cantautor Nano Stern y la especialista en música antigua Gina Allende, el conjunto ofrecerá repertorio del Renacimiento hoy, a las 19:00 horas, en la Parroquia Nuestra Señora de Las Mercedes, “Los Castaños”.

Maureen Lennon Zaninovic

El año pasado el ensamble La Misola —gracias a un Fondo de la Música— grabó su primer disco, que está disponible en Spotify: “Más vale trocar. Canciones de la España renacentista”, con creaciones de compositores como Juan del Encina (1468-1529) y Lope de Baena (1476-1506), entre otros.


“El martes (hoy) vamos a tener la primera presentación en vivo de esta grabación. Vamos a tocar nuestro disco prácticamente completo”, aclara Gina Allende (vihuela de arco), destacada académica del Instituto de Música de la UC y codirectora del Estudio MúsicaAntigua, uno de los más señeros conjuntos dedicados a difundir este repertorio. Allende también integra el ensamble La Misola, junto al célebre cantautor, poeta e instrumentista Nano Stern, Florencia Bardavid, (vihuela de arco), Cristián Carvacho (percusión), Sergio Candia (flautas renacentistas) y Cristián Gutiérrez (guitarra); y con esta conformación actuará, con entrada gratuita, a las 19:00 horas, en la Parroquia Nuestra Señora de Las Mercedes “Los Castaños”, en Vitacura 7401, como parte del VI Festival de Música de Cámara de Vitacura.


Gina Allende destaca que el ensamble nació porque buscaba armar proyecto junto a Nano Stern, a quien conoció en el Instituto de Música de la UC (IMUC). Junto con ello, quería ofrecer “estas canciones con un cantante que no proviniera de la academia o del canto lírico. Quería algo más suelto y buscar una voz del ámbito de la música popular, rescatando el carácter popular de estas músicas, ya sea por su texto, melodías y los ritmos. Le hice la propuesta a Nano y aceptó de inmediato y así se empezó a armar el grupo”, expresa Allende, instalada en una de las salas del IMUC. El ensamble nació en 2018 con una plantilla de instrumentistas más acotada y para la grabación sumaron a Cristián Gutiérrez y a Sergio Candia, “quien es un maestro a la hora de hacer disminuciones, o sea, hacer adornos que es un aspecto fundamental en estas obras”, explica la intérprete, y profundiza en el nombre del álbum “Más vale trocar” ya que, a su juicio, “más vale cambiar y eso estamos haciendo con estas canciones renacentistas: cambiando algunas cosas que reiteradamente se han dado de una manera, gracias a la voz de Nano Stern y las percusiones de Cristián Carvacho”, cierra Gina Allende.


Florencia Bardavid complementa que integrar La Misola ha sido una experiencia “entretenida, pero en el buen sentido de la palabra. Me encanta poder tocar un instrumento, pero también cantar. Yo soy cantante de formación y acá voy a tener una pequeña intervención”, expresa.


Un instrumento original


El cantautor Nano Stern rememora que alcanzó a estudiar poco más de un año en el IMUC y luego continuó sus estudios en Ámsterdam. “Entré a este conjunto con mucha timidez, pero se me ha ido quitando porque estamos ante unas obras que si bien tienen polifonías, son muy cercanas a mi mundo”, dice.


En este ensamble, además de cantar, Stern toca el Nyckelharpa. El músico explica que es un instrumento que se considera tradicional de Suecia, pero el primer registro que existe de él es un relieve en una iglesia en Siena, en Italia del siglo XIII. “Tiene la lógica de un violín de teclas donde la gran diferencia es que, en vez de pulsar una cuerda con el dedo, uno pulsa unas teclas de maderas que, a su vez, cortan la cuerda en un lugar preciso. Es complejo conseguirlo y en mi caso lo encargué en Suecia”, concluye Nano Stern.


Más información del concierto en www.lomatta.cl

jueves, enero 05, 2023

Vuelve “Gran Concierto por la hermandad”

 El Mercurio


Este sábado 7, a las 20:00 horas, Alejandra Urrutia dirigirá a 90 músicos y cerca de 150 coristas que interpretarán en el Centro Cultural Estación Mapocho la cantata “Carmina Burana”, del compositor alemán Carl Orff.

Esteban David Contardo

“Por favor, le voy a pedir a los bronces acentos y mucha claridad al inicio de la nota, como campanas. Y al coro, mucho texto, siempre, por favor”.


Alejandra Urrutia se posiciona frente a sus músicos y coristas y da comienzo a uno de los últimos ensayos de “Carmina Burana”, de Carl Orff, antes del “Gran concierto por la hermandad'' que se realizará este sábado 7 de enero a las 20:00 horas en el Centro Cultural Estación Mapocho.


La directora titular de la Orquesta de Cámara del Municipal de Santiago será la encargada de dirigir nuevamente la que será la cuarta versión de un evento musical que ella ideó como un gesto a quienes han llegado a vivir a nuestro país.


“Este concierto nace de una idea de proyecto que se inició en junio del 2018 a propósito de lo que estaba ocurriendo con la inmigración en nuestro país. Entonces sentí que era importante hacer un gesto con ellos”, señala Urrutia.


Desde su primera edición en 2019, se ha invitado a participar, gratuitamente, a diversos músicos extranjeros que están viviendo en Chile, junto con abrir convocatorias para que el coro sea compuesto por ciudadanos, personas que no necesariamente son músicos profesionales que se inscriben para participar y pasar por el proceso de selección. Este año, en el escenario, estará dispuesta una orquesta de 90 músicos y un coro, dirigido por Paula Elgueta, de alrededor de 150 cantantes, en el que se encuentran 30 niños y tres solistas.


Celebración de la vida


“Las obras anteriores que habíamos hecho eran mucho más elevadas, que nos hablan de la hermandad, de la fraternidad; composiciones que nos invitan a hacernos preguntas profundas de por qué estamos aquí, a reflexionar sobre gente que partió. Este año volvemos con una celebración a la vida”, dice Alejandra Urrutia.


En 2019 fue la “Novena Sinfonía”, de Beethoven. A comienzos del 2020, la “Sinfonía Resurrección”, de Mahler. En 2022, y tras un año de suspensión por la pandemia, el concierto regresó con “Un réquiem alemán”, de Johannes Brahms, y en la edición de este año la directora escogió “Carmina Burana”, compuesta por el alemán Carl Orff.


Esta cantata escénica fue creada por Orff en la primera mitad del siglo XX utilizando los “Carmina Burana”, un ciclo de poemas medievales anónimos encontrados en la abadía de Benediktbeuern, en Baviera, Alemania. Se trata de una poesía lírica escrita en latín que retrata el placer por lo terrenal, el amor, la bebida y el goce por la naturaleza.


Para Moisés Mendoza, cantante profesional y quien será uno de los solistas en este concierto, la composición de Orff “es una obra del pueblo, lo más alejado de la academia. En cierto sentido, es muy terrenal, no solo en los textos en su origen, sino en la sonoridad que tiene, muy folclórica, parecida a las obras de Stravinsky”.


En este sentido, Pedro Moya, chelista y quien participará por segunda vez en el “Gran concierto por la hermandad”, señala que esta obra “tiene un significado especial si lo tomamos como contexto pospandemia. Representa un renacer bueno, sacudirse la modorra de estos dos años que estuvimos parados”.


Si bien el ingreso a esta actividad es gratuito, la organización creó una campaña denominada “luca por nuca”, con la cual esperan que el público que asista pueda colaborar con mil pesos para solventar los costos de la iniciativa.

domingo, enero 01, 2023

El Teatro Caupolicán vuelve a recibir a una gran agrupación sinfónica

 El Mercurio

Fundación de Orquestas se alista para alcanzar el “Everest” de la música clásica.


El viernes 13 y el sábado 14 de enero, cerca de 600 músicos tocarán y cantarán por primera vez en nuestro país la Octava Sinfonía de Mahler y con ello se cerrará en grande la celebración de los 30 años de la Sinfónica Nacional Juvenil. Durante gran parte del 2022 la FOJI ha venido trabajando para sumar apoyos y así concretar este sueño.

Maureen Lennon Zaninovic


Hace tres décadas nació la Orquesta Sinfónica Nacional Juvenil, conjunto estrella de la Fundación de Orquestas Juveniles e Infantiles (FOJI), bajo el impulso del recordado Fernando Rosas, Premio Nacional de Música 2006. Estamos hablando de uno de los semilleros de intérpretes más importantes. En 30 años, son cerca de 2.500 músicos los que han pasado por la agrupación. Muchos de los cuales pasaron a formar parte de orquestas profesionales, a desarrollar elogiadas carreras en el extranjero o convertirse en docentes fundamentales para el desarrollo local.


Como broche de oro de celebración, el viernes 13 (20:00 horas) y sábado 14 de enero (17:00 horas), en el Teatro Caupolicán, el conjunto estrella, más músicos invitados, protagonizarán un hito en la historia musical de nuestro país: el estreno de la Octava Sinfonía de Mahler. Las entradas para las dos funciones son gratuitas y desde este jueves se podrá acceder a ellas a través de www.puntoticket.com.


A mediados de junio, Paolo Bortolameolli, director titular de la Sinfónica Nacional Juvenil, confirmaba a “El Mercurio” esta relevante noticia y señalaba que hay mucho entusiasmo en la FOJI con este histórico estreno en Chile. “Es una sinfonía emblemática dentro del repertorio sinfónico universal. La conjugación de fuerzas (gran orquesta sinfónica, dos coros, coro de niños, ocho solistas, etc.) la hacen ser muy compleja de programar y enfrentar. Se ha intentado varias veces acá, pero aún no se ha logrado estrenar. Por eso el peso de esta responsabilidad —que recae en nosotros naturalmente— es maravilloso”.


A pocos días de materializar este sueño, el director ejecutivo de la FOJI, Miguel Farías, se encuentra en una de las modernas salas de TVN, actual sede de esta fundación, y comenta a “Artes y Letras” que el Teatro Caupolicán tiene una capacidad de 5.000 butacas, “pero por la cantidad de músicos convocados decidimos acotar el aforo a 3.500. Igual es un muy buen número si tomamos en cuenta que programamos dos funciones”, dice.


Paolo Bortolameolli rememora que en 2013 debutó con la Orquesta Filarmónica de Santiago justamente en el Teatro Caupolicán y con “La Consagración de la Primavera”, de Stravinsky.


“Emocionante este teatro. Hay como una energía súper especial, porque el Caupolicán convoca a un público más diverso, o sea, viene la gente que es seguidora de la música clásica, pero también hay otro tipo de imaginario colectivo, porque al final de cuentas es un escenario con una parrilla muy variopinta”, dice. El exbecado estrella de la Corporación Amigos del Municipal y de la Fundación Ibáñez Atkinson añade que, además, tiene toda una historia con la música clásica. “Inolvidables fueron los conciertos que protagonizaron ahí la Orquesta Filarmónica de Nueva York dirigida por el legendario Leonard Bernstein. Para mí, en lo personal, es súper bonito y simbólico volver al Caupolicán. Es un edificio grande que invita y alberga, y que no tiene la formalidad de otros espacios más tradicionales”, explica Paolo Bortolameolli.


Una celebración


Estrenar la Octava Sinfonía de Gustav Mahler en Chile es, a juicio del director de la Sinfónica Nacional Juvenil y del propio Miguel Farías, como alcanzar el “Everest” de la música clásica. Un reto indescriptible. “Es increíble, porque estamos convocando a mucha gente. Nosotros pensamos este evento como una gran orquesta juvenil de los 30 años”, afirma Farías, y revela que algunas personas le han preguntado si necesitan refuerzos. “No los necesitamos. Necesitamos que ojalá la mayor gente que ha pasado por la FOJI entienda que este es su cumpleaños también, y eso es lo que nos está pasando: convocamos a 14 coros de todo el país. Tendremos a 600 músicos sobre el escenario. ¡Eso ya es histórico!”.


El director ejecutivo de la FOJI advierte que este proyecto aniversario cuenta con el apoyo económico del gobierno regional. “Tenemos todo el respaldo del gobernador Claudio Orrego, quien está muy comprometido con nosotros. Otro de los primeros entusiasmados fue la Corporación Cultural Universidad de Concepción (Corcudec), que pagó todo para que su coro, uno de los más antiguos y prestigiosos del país (en agosto cumplió 68 años), pudiera cantar en los dos conciertos”, expresa Farías. El autor de la ópera “El Cristo de Elqui” añade que hay muchísimos exintegrantes de la Sinfónica Nacional Juvenil que se sumarán a las filas de este conjunto estrella de la fundación. “No se quieren perder esta posibilidad de formar parte de este acontecimiento. Hay otros que, por agenda, no podrán tocar en enero, pero sí han ido a los ensayos y han vivido la experiencia”.


Paolo Bortolameolli complementa que la gente que está participando “está dando su vida sobre el escenario y los que no pueden sumarse, igual están apoyando, porque realmente entienden que esto es una celebración”. Y se explaya en esta obra. A su juicio, ofrece un texto que es emocionante, porque es una sinfonía muy teatral que habla de la redención y de la sublimación. “Por otra parte, es la obra de Mahler tal vez más reivindicatoria que escribió, con una mirada muy positiva de la vida. Y lo tercero es que a mí no me cabe ninguna duda de que el solo hecho de poder presenciarla en vivo es una experiencia muy única”, concluye Bortolameolli.


Programarse:


Octava Sinfonía de Mahler

Director: Paolo Bortolameolli

Teatro Caupolicán

13 (20:00 horas) y 14 de enero (17:00 horas)

Desde este jueves, se puede acceder a las entradas gratuitas a través de www.puntoticket.com


Más aprontes: Otros proyectos para el 2023


Entre otros adelantos, la Fundación de Orquestas Juveniles e Infantiles confirma la grabación de un disco de la Sinfónica Nacional Juvenil bajo la dirección de su titular Paolo Bortolameolli. Él álbum incluirá música latinoamericana y los músicos deberían entrar a estudio hacia fines de año. En los próximos días se dará a conocer la temporada de conciertos 2023 de la FOJI. Serán cinco programas en total en diversos escenarios y en CorpArtes. Junto con ello, en Antofagasta, acaban de lanzar una nueva y moderna imagen corporativa. ¿Hay posibilidades de una gira internacional? “Existen, pero no para el 2023. De todas maneras, nos encantaría una gira”, apunta Miguel Farías, director ejecutivo de la fundación.


Un emocionante documental sobre esta gesta


Gonzalo Saavedra, crítico de música de “El Mercurio” y conductor del espacio “La música que cambió mi vida” de Radio Beethoven, es coproductor y editor periodístico de un documental que recoge todo el proceso que ha significado estrenar esta obra.


Comenta a “Artes y Letras” que este proyecto “busca mostrar la historia de la preparación del concierto más ambicioso que se ha hecho en el país, en el que están involucrados niños, jóvenes y adultos”. Y afirma que la Octava Sinfonía, De los mil (1906), de Gustav Mahler, no se ha tocado nunca en Chile, entre otras cosas, por las fuerzas vocales y orquestales que necesita. “El documental contará la odisea artística que significa reunir a 600 músicos, que se han estado preparando separadamente, y dar vida a esta obra que comienza con la invocación Veni, Creator Spiritus (Ven, Espíritu Creador): los sueños, luchas y esperanzas de los músicos de la Orquesta Sinfónica Nacional Juvenil, más los refuerzos de otros profesionales exintegrantes de ese conjunto, de las más de 400 voces (profesionales y amateurs, incluidos un centenar de niños), de los solistas y del director artístico del proyecto, Paolo Bortolameolli, cuya historia es el hilo conductor de la obra”, expresa.


Saavedra añade que hasta el momento se ha registrado la mayor parte de los arduos ensayos, no exentos de frustración y drama, y se ha entrevistado varias veces a todos los protagonistas involucrados, quienes dan cuenta del entusiasmo de emprender un desafío de estas proporciones, pero también del cúmulo de obstáculos, artísticos, logísticos y políticos, que han aparecido en el camino. “La pieza documental relatará este drama de voluntades y antagonismos, desde el nacimiento de la idea hasta el concierto, ante un público de más de tres mil personas, en el Teatro Caupolicán”, concluye el periodista y académico de la UC.


El director de este documental es Iván Tziboulka, quien confiesa a “Artes y Letras” que este proyecto lo reconectó con sus ancestros griegos, checos y búlgaros. “Todos ellos fueron músicos profesionales. Yo no me hice músico y este documental, a mis 66 años, por primera vez me reconcilió con la música clásica. Ahora estoy maravillado con esta gran empresa quijotesca, como si fuera ‘Zorba, el Griego'”, explica Iván Tziboulka. El profesional continúa con su relato y añade que le impresionó la cantidad de coristas de distintas regiones de Chile que se sumaron a la Octava Sinfonía, “muchos ellos aún estudian en colegios, acompañados de sus profesores y pagándose la micro y los desayunos de su propio bolsillo. Sin ningún tipo de financiamiento. Solo motivados por las ganas de participar en este desafío. Yo capté eso desde el primer momento y me fascinó”, cierra.


Pablo Rosenblatt, productor ejecutivo de este documental, adelanta que lleva varios años de trabajo con Iván Tziboulka, “pero este proyecto tiene algo especial: registra algo único en Chile y como equipo estamos muy comprometidos”, concluye.

martes, noviembre 15, 2022

Teatro Dante de Talcahuano: Festival del Acordeón se despide en Biobío

 El Mercurio


Una semana de conciertos, clases magistrales, conversatorios e intervenciones del espacio público consideran las actividades del Festival Internacional del Acordeón, que por primera vez llegó a puntos del Biobío. Organizado por la Fundación Entre Fuelles, ha tenido acción durante la semana en Hualpén, Concepción y Talcahuano, en cuyo Teatro Dante se realizan los conciertos. Hoy es el cierre en vivo, con diversos acordeonistas y cantores.


(12-11-2022)

En Lo Matta Cultural: Continúan los Conciertos de Primavera

 El Mercurio


Esta tarde, a las 19:00 horas, tendrá lugar la segunda fecha de los Conciertos de Primavera 2022, en los jardines de Lo Matta Cultural (Av. Kennedy 9350). La entrada es gratuita y el recital estará protagonizado por la banda de oboes y percusión “Mosqueteros”, conformada por Diego Villela, Juan Fundas y David Pérez (oboes barrocos); Constanza Muñoz (fagot barroco), y Gustavo Pastenes (percusión).


El programa incluye Fantasía de concierto sobre motivos de la ópera “Rigoletto”, de Verdi, del italiano Luigi Bassi (1766–1825) y Concertino para clarinete y piano de la francesa Jeanine Rueff (1922–1999), entre otras piezas. Más información en www.lomatta.cl.

martes, noviembre 08, 2022

Esta noche en el Teatro Nescafé de las Artes: Una revancha del tango con el trío de Rodolfo Mederos

 El Mercurio


Bandoneón, guitarra y contrabajo: el reputado músico bonaerense transita por la época dorada, desde el siglo XIX hasta Aníbal Troilo.

IÑIGO DÍAZ

En Argentina primero y en el mundo de la música después, estos fueron tiempos de conmemoración del centenario de Astor Piazzolla, considerado el hombre que traspasó los límites del tango popular para acceder a nuevos territorios desde la composición, la sonoridad y las fusiones. “Pero Piazzolla no hace tango: hace Piazzolla”, sostiene Rodolfo Mederos (1940).


El reputado bandoneonista bonaerense y director de orquestas típicas tiene más de 60 años de recorrido en el tango desde que comenzó, justamente, en la orquesta de Piazzolla, antes de pasar a la de Pugliese y formar sus conjuntos más decisivos en los años 60 y 70. Hoy dará un concierto, esta vez con el formato del trío, en el Teatro Nescafé de las Artes (20:00 horas, de $22.000 a $54.000).


Junto a Armando de la Vega (guitarra) y Sergio Rivas (contrabajo), además del cantor Negro Falótico, nombre presente en las agrupaciones de Mederos, el bandoneonista presentará un programa de piezas de lo que él considera la época más profunda del tango.


“Si hablamos de tango, estamos hablando de una música que se originó en el Río de la Plata entre 1880 y 1960. ¿Qué pasó después? Después de eso no ocurrió nada más. El tango se agotó, porque la sociedad que lo generó también se agotó. Entró en la meseta de una suerte de rémora e intentos de ponerlo de moda. Las cosas no son eternas”, dice Mederos, cultor de esas fuentes primarias.


Desde su particular óptica, el trío revisará partituras del período fundacional, desde el siglo XIX, con los grandes nombres de la guardia vieja, hasta desembocar en la figura del compositor Aníbal Troilo, a quien Mederos sitúa en el momento mayor del tango: la década de 1940.


“Tocaremos música de autores como Osvaldo Pugliese, Alfredo Gobbi y Horacio Salgán, que han tenido un compromiso directo y genuino con su pueblo”, anticipa. El programa incluye tangos como “El choclo”, “Mi tango triste”, “Romance de barrio”, “Desencuentro”, “A Homero” y “La pulpera de Santa Lucía”, entre otros.


“El valor que yo le doy a Troilo es el sentido de la economía musical. Una música no es buena porque tenga mucho, sino porque precisa de poco. Es la gran característica de Aníbal Troilo: no ponía lo que no hacía falta poner. Su música tiene un sentido horizontal”, refiere.


—¿Cómo es ese atributo?


“Es la música que acompaña al pueblo porque surge desde el pueblo y marca los acontecimientos de su historia. Eso es música popular. En cambio, una música con sentido vertical viene desde arriba, se derrama hacia abajo y hay que recibirla de ese modo: Beethoven, Mozart, Piazzolla”.


—Si Piazzolla no hace tango sino Piazzolla, entonces Troilo hace Troilo?


“Troilo hace tango a través de Troilo”.

martes, octubre 18, 2022

Bigote Villalobos: la vuelta del cantautor

 


Comunicado de Prensa

El payador y creador chileno presenta en una gira "La décima parte de mí", disco que grabara en 2001 y que contó con la valiosa participación de Eugenio Moglia, legendario guitarrista y músico chileno.

Con una gira por Rancagua, Casablanca y San Bernardo, el cantautor y payador Guillermo "Bigote" Villalobos presentará por primera vez en vivo el disco "La décima parte de mí" que realizó en 2001 junto con la participación del destacado músico Eugenio Moglia, fallecido en 2013.


Villalobos propone en el trabajo relatos de su vida o de homenaje a personajes y oficios de nuestra cultura, en los que Moglia hizo musicalizaciones de varios textos e interpretó todas las guitarras, junto a su Cuarteto Chile.


Sobre su aporte dice "Bigote" que "Moglia fue fundamental para ese disco porque tomó mis textos y me sugirió unas obras con su genialidad de compositor e intérprete. Pero más allá de eso me quedo con su disposición para trabajar conmigo, porque si yo incluso ahora soy casi un desconocido, él hace 20 años me dio la posibilidad de trabajar con él. Eso fue muy lindo".


El trabajo nunca fue tocado en vivo, así que el creador y payador chileno decidió hacer una serie de presentaciones para poder mostrarlo en público, también como una manera de recuperar una faceta de su labor musical que ha ido dejando de lado. "De algún modo es cerrar un círculo en términos del cantor que quedó postergado por el payador. Recuperar este disco y mostrarlo en vivo por primera vez me hace mucha ilusión", explica.


Para poder hacerlo, Villalobos contará con la participación del experimentado José Cabello (3x7 21, Gabriela Pizarro, Ensamble Tradicional Chileno, entre otros) y los jóvenes Juan Pablo Arriagada y Francisco Ubilla. "Es importante el elenco, que parte con la guitarra base que Pepe Cabello maneja con maestría. A él se suman dos muchachos que son estudiantes de música, diestros guitarristas y que tienen gran afinidad. Entre los cuatro armamos un grupo que ya está cohesionado y que, pese a la diferencia generacional, tiene muy buena ligazón al encontrarse en un interés mutuo porque porque nosotros hacemos música desde antes que ellos nacieran, pero todos tenemos un gusto absoluto por el canto y la guitarra", agrega el cantautor.


El espectáculo se complementa con dos encuentros de payadores que se realizarán en Rancagua y Casablanca. En el primero, el sábado 22 de octubre, participarán Juan Carlos Bustamante y Javier Peña; mientras que en el segundo, el sábado 29 de octubre, estarán Paul Castán y Francisco Barros. De esta instancia dice "Bigote" que "me interesa interactuar con los payadores locales desde el verso, porque ellos muestran el verso improvisado y yo el verso hecho con música distinta al canto a lo poeta".


Por cierto, Villalobos espera que estos conciertos, financiados por el Fondo de Fomento de la Música Nacional, Línea Circulación de la Música Chilena, sean el comienzo de un ciclo de actividades para mostrar su repertorio y retomar su faceta en el canto.

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Presentaciones Guillermo "Bigote" Villalobos, "La décima parte de mí", junto a Pepe Cabello, Juan Pablo Arriagada y Francisco Ubilla.


Sábado 22 de octubre, 18.30 horas, Casa de la Cultura Rancagua, Cachapoal 90.

Invitados: Encuentro de payadores con Juan Carlos Bustamente y Javier Peña.

Entrada liberada


Sábado 29 de octubre, 19 horas, Casa de la Cultura Casablanca, Diego Portales 02

Invitados: Encuentro de payadores con Paul Castán y Francisco Barros.

Entrada liberada.


Domingo 30 de octubre, 18.30 horas, Casa de la Cultura San Bernardo, América 504.

Entrada liberada.