miércoles, octubre 31, 2018

Juan Allende-Blin es el nuevo Premio Nacional de Música


El Mercurio

Antes de radicarse, en 1957, en Alemania, donde hoy es una figura capital, este compositor marcó a toda una generación de músicos chilenos. A sus 90 años, prometió venir a la ceremonia en diciembre. 

Por Romina de la Sotta Donoso

Fueron casi dos horas de deliberación, pero la decisión final fue unánime. El compositor referencial Juan Allende-Blin (1928) recibirá el Premio Nacional de Artes Musicales 2018, convirtiéndose así en el vigesimoséptimo galardonado desde 1945, cuando lo recibió su tío, el compositor Pedro Humberto Allende.

El premio incluye más de $20 millones y una pensión vitalicia mensual de 20 UTM.

"Me emociona mucho, porque confirma mis raíces con este país donde nací y donde viví cosas que me marcaron para siempre (...) Muchas gracias. Estoy muy, pero muy emocionado", declaró Allende-Blin cuando lo llamó por teléfono la ministra de las Culturas, Consuelo Valdés, integrante de un jurado que completaron el director orquestal Juan Pablo Izquierdo, Premio Nacional de Música 2012 -en reemplazo del último galardonado, el fallecido Vicente Bianchi-; el compositor y pianista Andrés Maupoint, por la Academia de Bellas Artes; el prorrector de la U. de Chile, Rafael Epstein, y el rector de la U. Católica de Temuco, Aliro Bórquez.

Extenso catálogo

Allende-Blin estudió con Fré Focke, discípulo de Anton Webern, y con Olivier Messiaen. En los años 50 vivió y enseñó en Santiago, y a fines de esa década se instaló a trabajar en la NDR de Hamburgo, y luego en Essen, donde vive hasta hoy.

Autor de un extenso catálogo, ha recibido numerosos premios y condecoraciones, inclusive la Cruz al Mérito de la República Federal Alemana, en 1999, y es uno de los compositores más respetados en ese país. De hecho, solo este año ya le han dedicado cuatro conciertos monográficos, por los 90 años que cumplió en febrero.

Aunque no reside en Chile desde 1957, su obra siempre ha sido programada en nuestro país, y con mayor intensidad en la última década. En 2009 fue la primera audición en Chile de "Expulsados del país", una obra dramático-musical que estrenó en Berlín, en 1978, y que trata el dolor del exilio de los poetas. Otro hito fue el festival de 2017 en el cual se le dedicaron cuatro conciertos, y cuando la Orquesta Sinfónica e Izquierdo tocaron "Transformaciones I" y la reconstrucción que el chileno hizo de la ópera inconclusa de Debussy con textos de Poe, "La caída de la casa Usher", uno de sus trabajos célebres. También recibió la Orden al Mérito "Pablo Neruda".

En el anuncio oficial de ayer, Izquierdo ofreció una reseña de Allende-Blin. Primero, recordó el impacto de sus clases de Análisis en los años 50 en la U. de Chile: "Fue tremendo, porque era un gran compositor, un gran musicólogo y un gran pedagogo. Para él no hay diferencia en los tres trabajos, él tiene una cultura renacentista que abarca todo. Ha sido un gran defensor de los derechos humanos, en nuestro país y en Alemania, siempre atento a la realidad e interpretando esa realidad a través de sus obras, como una continuidad de nuestra tradición musical de Occidente. Su elección enaltece este premio".

Destacó también que Allende-Blin fue quien introdujo en Chile la música de Webern, Schoenberg, Berg, Messiaen y Stockhausen. "Conocía todo ese mundo y muy bien, con la mecánica interior de la música. Para nosotros ha sido un ejemplo de vida. Recuerdo las reuniones en su casa donde estábamos León Schidlovsky, Fernando García, Fernando Rosas y yo -todos premios nacionales-, donde siempre pensaba antes de decir las cosas", agregó Izquierdo.

Coincidió el tenor y profesor de canto en la U. de Chile, Hanns Stein: "Es una elevación del premio que lo reciba un músico de categoría mundial como Juan Allende-Blin. Este año, en Alemania publicaron un libro donde se da cuenta de un largo diálogo entre dos musicólogos muy conocidos y Juan, que se llama 'Siempre hay también un motivo político'. Él ha dedicado gran parte de su labor a aclarar lo nefasto que fue el nazismo para la cultura alemana y ha investigado y recuperado valiosas obras de compositores prohibidos, perseguidos y en algunos casos asesinados por los nazis".

Se sumó el musicólogo Luis Merino: "Desde sus inicios su obra presenta un lenguaje creativo propio y original de vanguardia. Como artista ciudadano ha vinculado su música con la problemática histórica, social y cultural de Chile".

Allende-Blin conversó también con "El Mercurio". "Estoy un poco cansado, usted comprenderá, no pensaba recibir este premio, y para mí ha sido una emoción muy grande", confesó. Agradeció a Izquierdo y a Stein. "Han sido mis intérpretes, en todo el sentido de la palabra, para volver a tener una relación cercana con Chile. Nunca he olvidado mis raíces. Y a pesar de mis años y de mis achaques, quiero tanto viajar para recibir el premio de manos del Presidente de la República, que creo que estaré en condiciones de hacerlo", prometió. La ceremonia sería en diciembre.

-¿Sigue componiendo?

"Por supuesto, todos los días. Lo último que escribí es una Cantata para soprano y órgano, sobre versos de Paul Celan".

 Posibles cambios

"A juicio de todos los miembros del jurado ha sido especialmente difícil la elección por los candidatos de gran jerarquía en todas las áreas, tanto música docta como popular (...). Nos hubiera gustado entregar más premios, pero desgraciadamente esta distinción es una sola", declaró ayer la ministra de las Culturas Consuelo Valdés.

"Queremos ver la posibilidad de que sea anual y también de ir quizás alternando la música docta con la música popular. Lo vamos a analizar", agregó. Asimismo, confirmó a "El Mercurio" que el espacio legítimo para esa discusión es el nuevo Consejo Nacional de las Culturas, las Artes y el Patrimonio, que debiera instalarse en noviembre.

Un combinado internacional: el jazz europeo vuelve a Chile

El Mercurio

Con fuerte presencia pianística, el Festival Chileuropa reinstala la creatividad que viene desde Alemania, Francia, Suiza y Bélgica. 

IÑIGO DÍAZ
El pianista británico Martin Joseph (80) fue el primero que ayudó a impulsar el Festival de Jazz Chileuropa, en 2010, una cita que desde entonces ha puesto la mira en una música proveniente de centros creativos alejados de Nueva York, la capital jazzística mundial.

Joseph vuelve ahora como músico, tras dejar la curatoría del encuentro, y se presentará como un exponente del jazz chileno, que en muchos aspectos lo es, en el programa del Festival Chileuropa junto al trío que durante el verano publicó el álbum "The day of the rainbow".

Cuatro elencos europeos se presentarán en el Anfiteatro del Patio Bellavista, con conciertos gratuitos desde el 6 al 9 de noviembre. El cierre será el sábado 10 en el Parque Cultural de Valparaíso, como parte de Puerto de Ideas.

"Este año mostraremos el piano como instrumento alrededor del que ocurren las cosas, y las influencias que describen a los muchos pianistas que actuarán en el festival: europeos y chilenos, como Martin Joseph, que se mueve en el free jazz ; Carmen Aguilera, compositora proveniente de la música docta, y el joven Camilo Aliaga, afín a un jazz latinoamericano", dice el compositor, también pianista, Orión Morales, curador del Chileuropa. Contarán con piano Blüthner de media cola del Goethe Institut, que será montado y desmontado cada día.

El festival vuelve a poner en acción proyectos vinculados a embajadas europeas y sus áreas culturales. Uno de los nombres más interesantes en esta edición será el de la pianista Julia Hülsmann, exponente de las corrientes contemporáneas del piano trío. Nacida en Bonn, actuará con Marc Muellbauer (contrabajo) y Heinrich Köbberling (batería), ensamble de larga data que el año pasado publicó el álbum "Sooner and later", con el sello ECM, donde incluso deconstruyen desde el lenguaje del jazz una pieza de Radiohead como "All I need".

Otro piano trío es el liderado por el suizo Gauthier Toux, junto a Simon Tailleu (contrabajo) y Maxence Sibille (batería), que aborda otro tipo de intensidades en el mismo plano del jazz contemporáneo. Representante de Francia, el saxofonista y clarinetista Sylvain Rifflet mostrará las transformaciones de una música actual que transita entre el post bop, la electrónica y el rock, mientras que la cantante belga Barbara Wiernik se presentará con un ensamble de músicos nacionales liderados por el propio Orión Morales.

Explosión de baile y hits globales: la alianza imbatible que trajo el regreso de Shakira

El Mercurio

La cantante colombiana se presentó anoche ante 45 mil personas en el Estadio Nacional y repasó los principales éxitos de su discografía en un show que recompuso un inicio débil. 

José Vásquez
El calendario da vueltas hacia atrás y llega hasta el comienzo de su vida. Las pantallas gigantes del austero escenario muestran un rápido recorrido fotográfico por la historia de Shakira, desde que era una bebé hasta su presente, que la refleja convertida en una artista global que repleta cada escenario que pisa.

Casi puntual, apenas unos minutos después de las 21 horas, la cantante colombiana aparece energética desde el fondo del montaje empujada por una remixada versión de "Estoy aquí", recordando así, desde el inicio, el primer éxito de su carrera que sin detenerse empalma con una explosión de confeti y el tema "¿Dónde estás corazón?", como hilvanando en orden cronológico el recorrido musical de sus sencillos cuando saltó a la fama en 1995 con su álbum debut "Pies descalzos".

El sonido al comienzo no es bueno y la voz de la artista se escucha apenas como unos balbuceos, pero las 45 mil personas que colmaron el Estadio Nacional reaccionan ante la fiesta del papel picado que cubre gran parte del campo antes de que las luces desaparezcan y todo quede a oscuras otra vez. Por los amplificadores se comienzan a oír los gemidos que preceden a los aullidos de "Loba", que de pronto dejan ver a una Shakira encadenada sobre un cubo al centro del escenario. La escena transcurre a un ritmo tribal, un cuadro pop no demasiado elaborado, donde se libera rápidamente sacudiendo sus caderas.

La cantante baila robótica y se apodera por primera vez de la pasarela que se interna en la cancha. El pulso del inicio del tema es electrónico, con una Shakira que apoya su voz en pistas antes de mutar a un pop latino con su "Si te vas", de su último disco "El Dorado", lanzado en 2017 y que recién en junio pasado pudo salir a mostrar en vivo tras superar una hemorragia en sus cuerdas vocales que la había obligado a detener todo. Shakira utiliza esta parte del show para recordar los momentos difíciles que vivió por esto -"Si estoy aquí es por ustedes", dice- y continúa con "Nada".

Lo que sigue es su lectura del reggaetón con "Perro fiel", acompañada a través de las pantallas gigantes del escenario por Nicky Jam. El sonido mejora al llegar a las baladas como "Underneath your clothes" y recién en "Inevitable" la voz de la cantante se escucha con claridad, cuando una parte del público comienza pedir a coro su regreso a Viña del Mar, aunque ella no les presta demasiada atención.

La fiesta se vuelve urbana también en temas como "Me enamoré" y "Chantaje", con la compañía virtual de Maluma, con la que cierra el primero de los cuatro actos de su espectáculo.

Shakira se cambia por primera vez de ropa y vuelve para uno sus roles más reconocibles: vistiendo un caderín quiebra su cintura en una danza árabe antes de interpretar "Suerte", de la época en que inició su entrada al mercado anglo ("Whenever, wherever"). De ahí otro cambio de vestuario para la balada "Tú" y "Antología" -en modo unplugged, esta última desde la pasarela y que resultaron sus mejores interpretaciones- antes del último tramo dedicado a otra batería de éxitos bailables.

Antes había pasado "La tortura", que grabó a mediados de 2000 con Alejandro Sanz cuando los ritmos urbanos todavía no eran la religión continental y luego vino su repaso a los himnos futboleros que la transformaron en la voz de los mundiales de Sudáfrica 2010 y Brasil 2014: el "Waka waka (esto es África)" y una desechable "La La La", respectivamente.

Para el bis, la cantante volvió para cerrar un show de una hora y 50 minutos con "La bicicleta", uno de los mejores temas de su repertorio que grabó junto a Carlos Vives y que cerró un espectáculo otra vez bajo la lluvia del papel picado. Entre los asistentes estuvo el Presidente Sebastián Piñera.

Viaje en familia

Shakira había arribado a Santiago el domingo a las 18:00 horas acompañada de sus dos hijos, Sasha y Milan, producto de su relación con el futbolista del Barcelona Gerard Piqué. Los niños la habían estado acompañando durante el viaje, pero ya el lunes regresaron a España.

La cantante, durante su estadía en Santiago, permaneció descansando en su habitación del Hotel Ritz y ayer la única actividad que tenía contemplada era salir hasta el coliseo de Ñuñoa para realizar su espectáculo.

La cantante no hizo mayores peticiones antes de su espectáculo, que tuvo un listado sencillo que incluía una camilla para masajes y velas con aroma a vainilla, entre otras cosas.

Con Fran Valenzuela La cantante fue el número de apertura ayer en el Estadio Nacional, realizando un set de 45 minutos con canciones como "Afortunada", "Peces" y su último sencillo "Tómame".

Lady Gaga en un buen momento

El Mercurio

El álbum de la película "Nace una estrella", protagonizada por la cantante, se mantuvo por tercera semana consecutiva en el primer lugar del Hot 200 del Billboard y marca algo que no lograba una banda sonora desde 2008. Los positivos resultados del álbum se suman al buen momento que vive Lady Gaga, quien suena como posible protagonista de una próxima entrega de "Mamma Mia!" y de la nueva versión del musical "Funny Girl" que se realizaría en Broadway.

martes, octubre 30, 2018

Ricardo Videla deja Los Huasos Quincheros



En un concierto realizado anoche 29 de Octubre Ricardo Videla, una de los integrantes históricos abandonó la agrupación

Casa Central

Ricardo Videla ingresó a Los Huasos Quincheros el año 1965 después de la reformulación que tuvo la agrupación al ocurri la salida de los históricos Carlos Morgan y Jorge Montaldo. Después que el grupo estuvo algunos meses inactivos, Videla fue parte de la nueva formación dirigida desde esa fecha por Benjamín Mackenna hasta la actualidad, dejando los escenarios pocos meses después que Mackenna también dejara al grupo musical.

Podemos mencionar entonces a Videla como la mano derecha de Mackenna durante todo este período de Los Huasos Quincheros, una época que si bien es la mas fresca que se tiene en la memoria, no es de las mejores dentro de la historia de la agrupación, en donde el grupo se volvió a una propuesta rígida en repertorio, estilo y grabaciones, alejado de lo que venía mostrando hasta el año 1964.

La nueva formación de Los Huasos Quincheros queda formada por Antonio Antoncich, Cristián O'Ryan, José Vicente León y Enrique Barros.




Noel Gallagher ahora celebra en Concepción

El Mercurio

JOSÉ VÁSQUEZ
La biografía de Noel Gallagher reparte amores equitativos entre la música y el fútbol. El ex-Oasis, reconocido fanático del Manchester City, abandonó ayer su hotel en Concepción -donde se presenta esta noche- para ir a un bar irlandés de la ciudad a ver el partido donde su equipo derrotó como visitante al Tottenham, por la Liga Premier.

El líder de los High Flying Birds, ahora en la octava región, celebró nuevamente un triunfo de su equipo, como ha sucedido en sus últimas tres visitas al país, que han coincidido con partidos del campeonato inglés. De hecho, en 2012, Gallagher se emocionó hasta las lágrimas en un bar de Tobalaba, donde vio cómo los "ciudadanos" se coronaban campeones ese año.

La voz de "If a had a gun" se presentará mañana en Santiago como figura central del Colors Night Light, en el Velódromo del Estadio Nacional.

lunes, octubre 29, 2018

Raphael Resinphónico, su nuevo disco.



Comunicado de prensa.

Este disco presenta una revisión  de los grandes clásicos de Raphael, grabados con Orquesta Sinfónica en los míticos Estudios Abbey Road de Londres.

Este trabajo, considerado por Raphael como uno de los discos más importantes de su carrera, comprende una selección de las ‘Joyas de la Corona’ de su repertorio. Por primera vez, estas suenan arropadas por orquesta sinfónica, con aires de banda sonora y una gran sorpresa: en REsinphónico, el artista experimenta con la música electrónica.

Grabado entre Abbey Road (Londres) y MG Studios (Madrid), con REsinphónico Raphael vuelve a REinventarse , REvisitando grandes clásicos de su repertorio, algunos de los más míticos de su carrera y otros REgrabados por primera vez desde su lanzamiento original. REsinphónico no supone una segunda parte de Sinphonico, el disco que Raphael grabó en 2015. Es una maravillosa vuelta de tuerca a ese concepto que el artista ha efectuado con maestría junto al reputado compositor Lucas Vidal. En un alarde de REinvención y movimiento constante, REsinphónico REinterpreta una acertada selección de su joyas de la corona a través de la una valiente y sorprendente unión entre el tono sinfónico más clásico y elementos propios de la música electrónica.

El 17 de diciembre, Raphael presentará el disco en el Teatro Real de Madrid, con las entradas totalmente agotadas, arropado por orquesta sinfónica. El artista acaba de anunciar además dos fechas en el Teatro Falla de Cádiz el 10 y 11 de diciembre. En mayo arrancará la gira REsinphónico por toda España, que simultaneará con fechas internacionales en Londres, (Royal Albert Hall, 4 de julio); Paris, (Théâtre Olympia, 10 de marzo);  San Petersburgo, (Lensovet Palace, 21 de marzo) y Moscú, (International House of Music, 23 de marzo).

Todas las fechas en www.raphaelnet.com

El nuevo proyecto de Francisco Molina fija su debut en Santiago


Jodelase, el nuevo proyecto del ex baterista de Los Tres, Francisco Molina, agendó su primer concierto en Santiago. El show se realizará el miércoles 14 de noviembre en Bar el Clan y tendrá como invitados a Jonás Sanche y Grone. En la ocasión Jodelase mostrará las canciones que conforman su primer ep “No como otros”, que ya está disponible en Spotify. Las entradas estarán a la venta a través de Eventrid.

La nueva aventura musical de Francisco Molina se dio a conocer hace un par de meses cuando reveló el trabajo que venía realizando con Jodelase, colectivo encabezado por el rapero José “Jodelase” Díaz. De regreso en Concepción tras radicarse más de diez años en EE.UU, Molina se integró a la agrupación y produjo el ep “No como otros”, el cual fue mezclado en Nueva York por el ganador del Grammy, Jeremy Loucas y tuvo como invitados a los músicos de Calle 13, Elías Meister (guitarra en ‘No los maten’) y Leo Genovese (teclado Hammond en ‘Estoy Fuera’).

Jodelase está compuesto por José Díaz en voz, Fabián Núñez en bajo, Gonzalo Nova en guitarra y coros, DJ Massivo en tornamesas y Francisco Molina en batería. La banda debutó en vivo el 1 de septiembre abriendo el show que los raperos Delinquent Habits ofrecieron en la Bodeguita de Nicanor de Concepción. Dos semanas antes estrenaron el video para su single “Como Tú”.

Para su concierto del 14 de noviembre en Bar El Clan (Bombero Nuñez 363), Jodelase presentará su ep “No como otros”, además de algunos temas nuevos y más de una sorpresa. El show tendrá como invitados a Grone y también a Jonás Sánche, uno de los personajes más activos de la escena hiphop nacional. Las entradas para ver a Jodelase estarán disponibles a través de Eventrid a un valor de $3000 en preventa y $4000, entrada general.


René Silva, el compositor que escribe para niños

La Tercera

El músico de 34 años estrena en noviembre su ópera La Malén en el Teatro Municipal de Las Condes.

Por Álvaro Gallegos

Tres agrupaciones capitalinas, la Orquesta de Cámara de Chile, la Clásica USACH y la Camerata UNAB, encargaron música a René Silva (Santiago, 1984) para estrenarla en sus temporadas de los últimos dos años. Y el pasado 19 de octubre la Sinfónica Nacional presentó una obra que había sido tocada por otros conjuntos de regiones. La escena del joven compositor de lentes saludando con modestia al público, se repetirá el 9 noviembre en el Municipal de Las Condes, cuando se estrene su ópera para niños La Malén.

Sus obras han aludido a la religiosidad popular nortina, a figuras de la Nueva Canción, la cultura mapuche, los paisajes sureños y los conflictos sociales. “Me gusta escribir con un concepto en mente, inspirado por algún elemento concreto”, explica Silva, “puede ser un poema, un paisaje, un hecho histórico, una situación social”.

Una leyenda mapuche es el tema de La Malén, encargada por la Corporación Amigos de Panguipulli y el director Rodolfo Fischer, quien la dirigirá en la localidad sureña y en Santiago. “El proyecto involucra a una orquesta juvenil de más de 10 años”, narra Silva, “se fijaron la meta de hacer ópera y tenían la idea de que estuviese basada en una idea local”. Once años estuvo el compositor al frente de la Orquesta Juvenil de Paine: “Eso influyó para que me encomendaran este desafío”, dice.

Las solistas son profesionales, y por concurso se seleccionó a Denise Torre, María José Uribarri, Florencia Romero y Vanessa Rojas. También se interpretará el cuento musicado La Cenicienta (1948) de Pedro Humberto Allende (1885-1959) en un espectáculo titulado Cenicienta, Magia y Leyenda, que tendrá funciones en el Municipal de Las Condes (9 al 11 de noviembre), y luego en Panguipulli (1 de nov.).

“Un día llamé a Elicura Chihuailaf y le pregunté si había alguna leyenda mapuche donde hubiese una madrastra y una princesa, y me contó de la Kalfu Malén, que es la base de nuestra historia”, detalla. El libreto lo escribió el actor Felipe Castro, director escénico del evento.

“La Malén es hija de un lonko, y su madrastra le hace un hechizo, que transforma su cara en calavera. Ella va a ver a una machi quien le dice que la única forma de anular el embrujo es encontrar los huesos de un guerrero. En su trayecto ayuda a animales en problemas, y estos le indican donde están los huesos”, cuenta Silva. Y cierra: “Para mí la música no está completa hasta que suena. La partitura es solo una parte. Lo más rico es el proceso de montar una pieza: eso puede llevar a modificaciones para conseguir una versión perfeccionada de la obra”.

Camilo Huinca, el artista que ilustra el trabajo de destacados músicos nacionales

El Mercurio


Nombres como Gepe, Inti-Illimani y Camila Gallardo, entre otros, han confiado en este diseñador para que se haga cargo de las carátulas de sus discos. 

Raimundo Flores S.
Nano Stern contactó a Camilo Huinca cuando aún era un estudiante de Diseño Gráfico y daba sus primeros pasos en la ilustración. Al cantautor le había gustado su trabajo y le pidió si podía diseñar un afiche para un concierto que daría en Melbourne, Australia. Ese fue el primer trabajo gráfico de una sociedad que incluiría el arte de las portadas de cinco discos de Stern y también parte de la puesta en escena que el músico presentó en el Festival de Viña del Mar, en 2015.

Así comenzó el trabajo de Camilo Huinca, también conocido por su alías Only Joke, con distintos músicos chilenos y que lo ha llevado a estar presente en varios importantes títulos que ha dado la escena nacional en los últimos años, ilustrando portadas de discos de artistas como Gepe, Inti-Illimani, Moral Distraída, Bronko Yotte y Camila Gallardo.

"La letra y las melodías viven en las cabezas de los músicos de forma natural, pero pasar eso a lo visual, les cuesta mucho", dice Huinca, quien prepara sus portadas escuchando antes los trabajos que ilustrará: "Para mí ha sido muy interesante esa comunicación con los artistas musicales para poder entenderlos y plasmar eso que están buscando, pasando por mi filtro y generar algo atractivo y fresco".

Huinca se confiesa un melómano y cuenta que su relación con el ámbito visual de la música comenzó cuando en su infancia se maravillaba con el trabajo que hacían artistas chilenos, como Waldo González y Vicente Larrea. "Ellos dieron un imaginario importante al desarrollo gráfico chileno, desde las portadas de bandas como Inti-Illimani, Sol y Lluvia, Quilapayún, Illapu, y también Víctor Jara", señala.

La ilustración de carátulas es solo una de las facetas de la labor que realiza Huinca, quien también expone sus ilustraciones regularmente y ha colaborado con sus diseños con distintas marcas internacionales. Recientemente inauguró una tienda online para su trabajo y, en materia musical, realizó la dirección de arte de la nueva edición que tendrá el disco debut de Camila Gallardo, donde intervino con sus ilustraciones una foto de la artista.

 Moral Distraída: "Qué cosa es el amor" (2018)
"El hilo conductor era un desarrollo más político y social: buscar el bien común y encontrar la felicidad en las cosas simples, pero siempre construida en base al trabajo con los demás. Y empezamos a trabajar con patrones de personas que todos juntos pueden ver hacia el futuro. Así terminó el disco, fue una ilustración bien simple".

Nano Stern: "Santiago" (2017)
"Hace poco había hecho la portada de Gepe, y Nano me pidió que se separara un poco de lo que hice ahí. El de Gepe tenía muchos colores y era muy simple y este fue todo lo contrario. Blanco y negro y con mucha información. Es un disco que está inspirado en la parte más cruda de vivir en la ciudad".

Gepe: "Ciencia exacta" (2017)
"Hice millones de portadas, nos gustaban todas y no sabíamos qué hacer. Un día le llevé todas mis libretas con dibujos y Gepe eligió uno en que sale un hombre metiendo la cabeza en el agua y que a él le hacía mucho sentido. Fue una de las portadas más simples que pude haber hecho, pero que siento que tiene un sentido poético muy grande".

Cómo se hizo la música original de "Pacto de sangre"

El Mercurio

El productor Pablo Ávila y el compositor Aníbal Vidal cuentan el proceso y referencias para el soundtrack de la teleserie nocturna que emite Canal 13. 

Martín Cifuentes F.
Todo partió por unas lecciones de piano. Pablo Ávila, dueño de la productora AGTV -la empresa tras las teleseries diurnas de Mega y ahora de "Pacto de sangre", de Canal 13-, estaba en clases cuando le comentó a su profesora que tenía la idea de que la teleserie nocturna sobre cuatro amigos que accidentalmente matan a una menor tuviera música incidental original. Algo para nada común en las telenovelas chilenas, que privilegian éxitos radiales por sobre una banda sonora original, aunque la experiencia reciente en "Perdona nuestros pecados", con el turco Toygar Isikli componiendo la música de la ficción, habla de una, quizás, nueva tendencia de privilegiar la música hecha especialmente para estas producciones.

La profesora de Pablo Ávila dijo que conocía a alguien que podía cumplir con lo que buscaba, y fue ahí cuando se estableció la conexión con el compositor Aníbal Vidal (27). "Tenía un par de ideas que quería hacer, se las comenté a mi profesora, y ella conocía a este chico que hacía arreglos", recuerda Ávila, quien estudió guitarra clásica y estuvo un año en la carrera de Música en la Pontificia Universidad Católica de Valparaíso. "En las teleseries anteriores, o en las de TVN, me metía bastante en la música, pero nunca hicimos algo especialmente para una", recuerda el exproductor general del área dramática del canal público en la época de oro de las teleseries de Sabatini.

"El proyecto me interesó, porque Pablo (Ávila) quería hacer una teleserie con lenguaje y estética propia, más cercana a las series de Netflix, que si algo tienen es que las puedes identificar por su música", resume Aníbal Vidal, sentado en su estudio de Santiago Centro, quien a mediados de junio se juntó por primera vez con el productor de "Pacto de sangre". En ese entonces, Ávila le dio dos referencias de lo que buscaba para la telenovela: los soundtracks de la película "Réquiem por un sueño" y la serie "House of Cards".

Un mes después, Vidal hizo la primera entrega de su trabajo, con la intención de potenciar las escenas del thriller nocturno de Canal 13. En los cinco primeros temas que realizó para la ficción -para el opening y los correspondientes a los cuatro personajes principales masculinos-, demoró cerca de cinco semanas. "Fueron los más difíciles, porque aún estábamos en proceso de creación de la paleta sonora de la teleserie", cuenta Vidal.

Así, para el personaje de Raimundo (Pablo Cerda), le dio toques electrónicos por su personalidad "entre infantil y más activo". Para Marco (Néstor Cantillana), usó sonidos de bajo y batería, "porque él es más rockero y rebelde", y para Benjamín (Álvaro Espinoza), hizo un tema más oscuro, "más macabro y maquiavélico". En el caso de Gabriel (Pablo Macaya), tomó la referencia que le dio Ávila: el concierto de piano N° 5 de Beethoven. El compositor, finalmente, cuenta que decidió incluir campanadas en los momentos en que se les aparece a los cuatro amigos la menor que descuartizaron. ¿La intención? Como todo su trabajo para la historia: perturbar y potenciar el thriller .

Previo a "Pacto de sangre", para la cual aún trabaja cerca de setenta temas, Vidal participó en la película "Canasto de cangrejos", protagonizada por María Gracia Omegna y que vería la luz en los próximos meses. En 2019 cursará una maestría en el Royal College of Music, en Londres.

Feria Pulsar tendrá invitados internacionales

El Mercurio

La edición de este año contará entre sus expositores con el productor argentino Mario Breuer, quien ha trabajado con Soda Stereo, Gustavo Cerati y Charly García, entre otros. Además de ejecutivos de la industria como Ariel Etbul y Helí Del Mora.

Emmanuel y Américo en aniversario de Radio Pudahuel

El Mercurio

El mexicano y el intérprete nacional actuaron anoche en el concierto con que la emisora celebró sus 50 años en el Movistar Arena. Ambos hicieron un repaso por sus mayores éxitos y presentaron juntos el tema "No he podido verte". En el show, conducido por distintos animadores de la radio, también participó el cantante argentino Luciano Pereyra.

Gwen Stefani estrena tema con Mon Laferte

El Mercurio

La cantante lanzó su álbum festivo que incluye "Feliz Navidad", versión del clásico de José Feliciano y que fue grabada junto a la chilena. Ambas se encuentran rodando el videoclip de la canción.

domingo, octubre 28, 2018

Festival de Olmué dejará el escenario de El Patagual

El Mercurio

Alcaldesa Macarena Santelices plantea que, antes de terminar su período en 2020, el certamen se cambie a un nuevo recinto. "Las 4.500 ubicaciones hacen que esto no sea una pérdida, pero tampoco una ganancia", dice. 

Martín Cifuentes F.
La aspiración es mayor. Atrás quedarán las 4.500 ubicaciones en el Parque El Patagual, porque la idea, en etapa de planificación, es cambiarse de recinto e incrementar el espacio disponible. "Hoy el festival no deja ningún peso de ganancia para la municipalidad. Las ubicaciones hacen que esto no sea una pérdida, pero tampoco una ganancia. Porque, para que eso exista, tiene que haber sobre 10 mil personas", dice a "El Mercurio" la alcaldesa Macarena Santelices, en el cargo desde 2012, y agrega: "Va a demorar, porque solo el tema de ingeniería y diseño son dos años. Pero de aquí a tres años podríamos tener un nuevo Patagual".

Según explica, el nuevo emplazamiento no estará cercano al parque, ni ocupará la misma ubicación del actual escenario, sino en Lo Narváez. "Es el corazón de Olmué, porque es el lugar más poblado. Ahí está el estadio y es donde se construye la piscina municipal; además hay un anfiteatro natural, con un cerro en medio de 28 hectáreas. Quedaría perfecto el escenario ahí, con las graderías emplazadas en el cerro", plantea, y luego agrega: "La meta es irme cuando esté ese nuevo Patagual construido".

La próxima versión del evento, que se realizará entre el 17 y 20 de enero próximos y que celebrará los 50 años desde su inicio, será una muy particular. Como parte de lo planificado, rendirán homenaje a aquellos que ayudaron a la realización del festival en sus comienzos. "A los creadores del primer festival, a los alcaldes de la época, porque antes no eran solo alcaldes, eran regidores. Y, como medios asociados, Hugo Arellano, dueño de Radio Latina, que siempre transmitió el evento en los inicios", dice la edil sobre las "bodas de oro" del certamen.

Tras su llegada al cargo, una de las primeras medidas que tomó fue, afirma, "hacer que los animadores se empapen" con las diversas actividades en torno al evento, como la inauguración de un festival gastronómico que realizan por la fecha y que, para su versión 2019, que quieren llevar a cabo donde se emplazará el nuevo Patagual. En estos años, reconoce también distintos hitos por parte de los canales organizadores -bajo su mando, ha pasado por CHV y TVN-, como la visita de José Luis Perales, Vicentico, Eva Ayllón e Illapu. "Porque son artistas que, a través del folclor y las tradiciones, son conocidos en todo el mundo. Además, tenemos oberturas, todas, folclóricas y tienen algo de lo nuestro", afirma.

Eso sí, Santelices, que lleva dos períodos en el cargo, afirma que no postularía por un tercero. "No me quiero quedar veinte años. No soy de esas autoridades que se quedan con la gotita pegadas al asiento. 12 años es lo máximo que se debería quedar un alcalde. Lo que no hiciste en ese tiempo, ya no lo hiciste", reitera.

Sobre si han existido complicaciones como municipalidad, con respecto a la organización del evento, la edil apunta a la situación de TVN. "Estoy convencida de que el Parlamento ha dilatado de manera intencional lo que prometió. Lo que veo es que, de una u otra forma, están llevando a que TVN quiebre", dice, y luego agrega: "Esos recursos aún no llegan, y se le ponen cuestionamientos, se crean comisiones investigadoras, donde se piden cuentas y cuestionan los sueldos... Pero, si van a hacerlo, que creen una ley en que en todo sistema público nadie pueda ganar tal monto. Pero que no empiece el manoseo de que este gana esto, y este, esto otro. Porque dañas un producto con eso. No está la intención de salvar a TVN, está la intención de dañarlo, de perjudicar su imagen".

QEP planea su regreso a los escenarios y al estudio

El Mercurio

A 32 años de su separación, el grupo conocido por el tema "Johnny Peineta" volverá a grabar y pretende plasmar su nueva propuesta en vivo a lo largo de Chile. 

Raimundo Flores S.
La historia de la banda QEP fue corta, pero suficiente para sumar algunas canciones al repertorio de éxitos de la música ochentera chilena. "Johnny Peineta", "Cuando un amante se va" y "Otro día más en la ciudad" -de su disco debut homónimo de 1985- fueron los principales exponentes de un grupo que, contrastando con muchos de sus contemporáneos, tenía una propuesta alegre y liviana.

Ahora, sus canciones tendrán una segunda vida a más de 30 años de su publicación, gracias a la reunión del grupo conformado por Paulina Magnere, Silvia Aguirre, Claudio Guzmán y Sebastián Palacios (en la foto). El reencuentro comenzó a gestarse hace cerca de seis meses, pero recién a principios de mes sus integrantes dieron las primeras señales públicas del regreso con la publicación de una nueva versión de "Johnny Peineta".

"Siempre aparecía la idea o nos estaban pidiendo, pero nunca se había dado de forma tan concreta", cuenta Guzmán sobre este retorno, y sigue: "Fue una cosa no muy planificada. Se dio una posibilidad que se volvió atractiva y nos dimos cuenta de que a quien le comentáramos, se alegraba. Sentimos que había, de una manera, buen feedback ".

Lo primero que hicieron fue comenzar a trabajar en nuevas versiones de sus clásicos, con las cuales planean publicar un compilado. Además adelantan que también han estado componiendo música inédita que podría pronto ver la luz. "Sabemos que lo primero que quiere la gente es recordar y a eso vinimos nosotros, a recordar nuestra propia música", explica Paulina Magnere, quien detalla que los renovados arreglos de las canciones tienen mayor cercanía al rock que los originales.

La segunda etapa que se plantearon fue la de las presentaciones en vivo. Magnere adelanta que esperan realizar sus primeras presentaciones en noviembre, para luego montar una gira durante el verano en distintas ciudades de Chile.

"Ya no somos lolos de 20, entonces es otro el formato de la puesta en escena", señala Magnere, con respecto al montaje del nuevo show que, en palabras de Guzmán, "es una propuesta que tiene una mezcla entre música y un diálogo que cuente cosas".

Los nombres que traerá la Fundación Beethoven en 2019

El Mercurio

Vuelven grandes, como la Kremerata Baltica, el Lincoln Quartet y el pianista Alessio Bax, aunque se desconoce su repertorio. La temporada 2018 aún no termina: este martes se presenta el pianista Ishay Shaer. 

Romina de la Sotta Donoso
Cuatro de los 10 conciertos que la Fundación Beethoven programó para 2019 serán orquestales. No habrá ningún recital de piano, pero sí un dúo y dos tríos, dos cuartetos de cuerdas y un sexteto de cuerdas.

"Estamos incorporando distintas configuraciones de música de cámara para que haya una mayor variedad", reconoce Andrés Rodríguez Spoerer, director de la Fundación Beethoven. "Tendremos orquestas de cámara, con un solista o un director de renombre, pero también conformaciones menos comunes, como el Sitkovetsky Piano Trio, o el pianista Alessio Bax, que viene con un corno y violín", agrega.

"Estamos definiendo los programas, pero buscamos repertorios que expandan el conocimiento musical del público", reconoce. Dos de los conjuntos elegidos ya actuaron en la temporada "Fernando Rosas" 2016, con gran éxito: el Lincoln Quartet (julio) y la Kremerata Baltica (octubre). El primero lo conforman músicos de la Sinfónica de Chicago, y su sonido fue calificado por el crítico de "El Mercurio" Gonzalo Saavedra como "exquisitamente diáfano".

La segunda es la orquesta de cámara que fundó uno de los más grandes violinistas del siglo XX, Gidon Kremer, con talentosos jóvenes músicos de Estonia, Letonia y Lituania, y con un compromiso a toda prueba por la música de compositores vivos. En esta ocasión vendrán con el virtuoso chelista y director Mario Brunello como invitado.

El violonchelo tendrá un protagonismo inédito el próximo año. El premiado chelista Maximilian Hornung será solista en el cierre con la Filarmónica Eslovaca (noviembre), y el director de los Kiev Virtuosi (junio) es un célebre chelista: Dmitry Yablonsky.

El chelo abrirá la temporada, con el virtuoso Leonard Elschenbroich y el pianista ucraniano Alexei Grynyuk (mayo), cuyas grabaciones de las Sonatas de Rachmaninov y Shostakovich han sido aclamadas. Ya se presentaron en el Teatro del Lago.

Retorna a Chile la violinista italiana Francesca Dego, quien a los 29 años ya grabó para Deutsche Grammophon los 24 Caprichos de Paganini y las Sonatas de Beethoven. También vino en 2016 con la Orquesta de La Toscana y Daniele Rustoni, y ahora será solista con la Wiener Kammersymphonie, quinteto de cuerdas que aborda desde la Viena clásica hasta la contemporánea (junio).

El pianista Alessio Bax, en tanto, retorna a la temporada donde debutó en 2013, con el célebre violinista Joshua Bell, pero ahora trae a dos compañeros de cámara: el cornista croata Radovan Vlatkovic -profesor en el Mozarteum de Salzburgo y cotizadísimo compañero de música de cámara- y el violinista inglés Daishin Kashimoto, concertino de la Filarmónica de Berlín (septiembre).

Las restantes tres propuestas serán debuts en Chile. El Attacca Quartet, de Nueva York, promete por su versatilidad: ya hicieron la integral de los 68 cuartetos de Haydn y contrastaron las integrales de Beethoven y de tres compositores vivos: Caroline Shaw, Michael Ippolito y John Adams (agosto). Se sumarán los Cameristi della Scala, que vienen con el cotizado director Wilson Hermanto (agosto) y el aplaudido Sitkovetsky Piano Trio (octubre).

 Ishay Shaer: otro regreso
Este martes, dentro de la Temporada "Fernando Rosas" 2018, el pianista israelí Ishay Shaer (1983) ofrecerá un recital en el Teatro Municipal de Las Condes. El día anterior actuará para estudiantes, en forma gratuita (Fundacionbeethoven.org).

Llega precedido por grandes críticas, como la que le dedicó hace un mes Le Monde -"Un pianista que sobrecoge y consuela"- y con un ritmo intenso de trabajo. Hace solo cuatro días tocó el Concierto N° 2, de Liszt, con la Sinfónica de Jerusalén y la dirección de su colega palestino Saleem Abboud Ashkar.

También tiene elogios para la Orquesta Sinfónica de Chile -"Su calidad es muy alta"- y Alexander Mickelthwate -"Un excelente director"-, con quienes abordó el Concierto "Emperador", de Beethoven, en mayo pasado.

Aunque en su debut en la temporada "Fernando Rosas" 2016, encaró obras muy desafiantes de Beethoven, Chopin y Ravel, ahora se exige de otra manera. "A medida que voy madurando, van cambiando mis prioridades. Hoy día me interesa menos el virtuosismo puro, y más los desafíos musicales y espirituales. La última Sonata de Beethoven, Op. 111, por ejemplo, con la cual cerraré mis recitales en Santiago, es una aventura profunda, casi mística", asegura Shaer.

La última Sonata de Beethoven la contrastará con sus Seis Bagatelas, Op. 126, las que compuso, destaca, en la época en que trabajaba en estructuras tan enormes como la Sonata "Hammerklavier" y las Variaciones "Diabelli".

Las otras piezas elegidas también son creaciones maduras de otros dos genios musicales. De las Seis piezas para piano, Op. 118, de Brahms, dice que "la sinergia entre su perfección técnica y su expresividad sincera es milagrosa". Igualmente eligió tres Estudios de Debussy, de carácter distinto, pero todos mordaces.

sábado, octubre 27, 2018

Sello judicial en casa de Parra en Las Cruces

El Mercurio

El 17 de octubre pasado,  el notario público Jenson Kriman, mandatado por el Segundo Juzgado de Letras de San Antonio, llegó a la casa de calle Lincoln 129, en Las Cruces, para proceder a poner los sellos judiciales que impiden que se pueda acceder al inmueble, para sacar o mover los objetos que están en su interior. Este procedimiento judicial se da en el marco de la disputa entre los herederos del poeta. Si el sello es roto, al culpable se le pueden aplicar penas determinadas en el Código Penal.

Nigel Armstrong: Camerata UNAB celebra 30 años con virtuoso violinista

El Mercurio

El conjunto que dirige Santiago Meza  conmemora su aniversario mañana con uno de los más prometedores violinistas de Estados Unidos: Nigel Armstrong (1990), concertino de la Sinfónica de Santa Fe en California, como solista. Tocarán "Las Cuatro Estaciones" de Vivaldi y "Las Cuatro Estaciones Porteñas" de Piazzolla. A las 20 horas, gratis, en el Campus Casona de Las Condes, y vía streaming , en Envivo.grupoz.cl/unab.

Más de 100 músicos interpretarán aplaudida obra coral orquestada de Paul McCartney

El Mercurio

La veta sinfónica de Paul McCartney tendrá ahora su estreno en Latinoamérica. El ex Beatle escribió el oratorio "Ecce Cor Meum", una obra coral y orquestada por John Fraser que se estrenó en 2006, en Nueva York, y que hoy a las 19:30 horas se presentará en el gimnasio del colegio Saint George con más de 100 intérpretes en escena, entre músicos y cantantes.

Gonzalo Venegas, director de la Orquesta de Cámara de Valparaíso, será el encargado de liderar esta pieza que contará también con la participación de la soprano Pilar Aguilera, en un evento organizado por la Corporación Cultural de Vitacura.

"Llevamos meses de preparación para organizar todo esto y alrededor de tres semanas de ensayos, que es lo que demanda esta obra, que agrupa un gran contingente de personas", cuenta Venegas, quien señala que este concierto es una invitación a todo tipo de público y no solo un llamado a oídos doctos. "Para el fan de McCartney será muy atractivo ver otra faceta de él".

El director cuenta que los asistentes conocerán un lenguaje artístico distinto de uno de los máximos ídolos de la música popular, en un trabajo que "recoge mucho de la historia de la música vocal inglesa", señala.

La obra, que tiene una duración de una hora, se divide en cuatro momentos y en ella participan una orquesta de 47 músicos, un coro de cuarenta voces y otro coro integrado por 20 niños.

viernes, octubre 26, 2018

Cultura Profética llega en medio de varios contratiempos

El Mercurio

La banda de reggae boricua estará este sábado en Vívela Festival. 

RAIMUNDO FLORES S.
La popularidad de Cultura Profética en Chile se puede dimensionar por su presencia en la cartelera local año a año. En 2007 debutaron en el Teatro Caupolicán para luego regresar en 2009 y 2011. Desde entonces han vuelto todos los años para hacer al menos una presentación, sumando los dos Movistar Arena consecutivos en 2014 o cerrar el Festival de Viña 2015.

Este año no será la excepción, ya que el grupo encabezará este sábado el Vívela Festival en el Parque Quinta Normal. "Creemos mucho en el trabajo que dejamos plasmado en discos, pero más en lo que hacemos en vivo", declara a "El Mercurio" el vocalista Willy Rodríguez.

Pero el ascenso del grupo no ha ido de la mano de nueva música. En 2010 publicaron su último disco -"La dulzura"- y desde ahí solo han lanzado cuatro sencillos.

"Nosotros mismos sentimos que es absurdo que no hayamos podido tener un disco en tanto tiempo", dice Rodríguez, quien entre las razones de la demora del nuevo material menciona que él y otros miembros del grupo fueron padres hace poco.

Y este año un hecho extramusical afectó a la banda: el fundador Boris Bilbraut dejó el grupo tras denuncias de violencia contra su expareja. "Ha sido un golpe fuerte. Estamos asumiendo esa realidad y usándola como combustible para seguir componiendo", señala el vocalista.

jueves, octubre 25, 2018

Mon Laferte: “Viví situaciones en donde me quedé callada ante muchas cosas”

La Tercera

Mon Laferte lanza en noviembre el disco más ambicioso de su carrera, pero aquí repasa su lucha contra el clasismo en la música, su opinión en torno al aborto y la marihuana, y advierte: “Me encanta cantar, pero no sé si es algo que quiera hacer toda la vida”.

Por Claudio Vergara

Mon Laferte piensa en futuro: el 9 de noviembre lanza el álbum más ambicioso de su carrera, Norma, grabado en EE.UU. Pero tal hito también la hacen conjugar su carrera en pasado. Perfecto e imperfecto: en su visita de ayer al espacio Tercera Voz, habló de las grietas en su relación con la industria, y de un camino cuesta arriba enfrentada al clasismo y los abusos.

– Cada vez que vuelve a Chile, su carrera ha subido un escalón más. ¿Cómo es retornar en ese contexto?

– En esta visita me he sentido muy querida. Tanto en entrevistas como si salgo a comer, la gente ha sido muy cariñosa, es una especie de mamá y papá cuando vuelve el hijo a la casa, te apapachan.

– No sólo su vida ha cambiado, también el propio país.

– Chile era mucho más conservador. Sí, hay un cambio, con respecto a lo que yo hago en la música y lo que represento también. Yo vengo de una población de Viña, y hoy se permite y se acepta que un artista como yo pueda tocar en un festival como Lollapalooza, pueda estar en radios. Chile antes era más separatista, más clasista, más prejuicioso. Siento que la gente hoy es más amable.

– ¿Hay menos clasismo?

– Me parece que sí. Durante mucho tiempo sentí esa presión y casi era un defecto ser de una clase social baja, estaba mal. No me estaba permitido a mí ser parte de la elite de la música, sólo estaban los que tenían un nivel socioeconómico.

– ¿Hay clasismo en el espectáculo?

– Si, bastante. La TV era clasista. Me acuerdo que una vez llamaron por teléfono y una señora dice: “¡saquen a esa niñita que es muy chula y canta música cebolla! ¡Esa flaite!”. Y me sentí súper mal. De verdad sentía que estaba haciendo algo que no merecía, que no correspondía con mi clase social. Que no correspondía querer aspirar a desarrollar una carrera, dedicarme a la música; sentí que estaba mal, fuera de lugar. Esos comentarios son súper crueles y me marcaron.

– ¿Siente una revancha ahora?

– Me da mucha tristeza esa señora, me gustaría abrazarla, seguramente la trataron muy mal, le faltó educación. Sí, hay un poquito (de revancha). Hay una niña argentina en un viral que dice: “¡mirá de quién te burlaste!”. Me encanta esa niña. Nunca me creí el cuento de que no nos merecíamos ciertas cosas por ser de una clase social determinada.

– ¿Y hay mucho machismo en la música, en festivales, sellos?

– Sí, he vivido situaciones difíciles, duras, todas las mujeres nos ha tocado, de tener miedo, de ser súper juzgadas, de callarse muchas cosas, porque obviamente no te van a creer. Ir a reuniones de trabajo súper tapada, porque si no me tapo va a creer que le estoy coqueteando; y si le digo que no, me voy a perder la oportunidad de trabajar. Me han tocado situaciones traumáticas.

– ¿Cree que hay un cambio? Hoy las mujeres denuncian.

– Me pongo mal con este tema. Viví situaciones en donde me quedé callada muchas cosas. Sentía que nadie me iba a creer, siempre te apuntan con el dedo. ¿Y quién es la culpable? Una. ¿Será que uno está dando un mensaje equivocado? Espero que las chicas que tengan ese problema, que lo digan, que no sean como yo que me he quedado callada mucho tiempo por miedo. Ahora no están solas. En los propios festivales hay más mujeres.

– En su último paso por Lollapalooza Chile dijo: “Por la chucha que nos tratan mal a los artistas chilenos”.

– Es que soy bastante apasionada. No tengo pelos en la lengua últimamente, me callé tanto tiempo las cosas que ahora exploto. Finalmente no tuve la información completa del momento, que no había llegado los equipos de Argentina, entonces un minuto antes de salir al escenario me avisan “oye, no vas a poder usar las pantallas”. Antes en Lollaplooza, creo que ahora ya no, tenían una zona especial para los chilenos, que no podían juntarse en camarines con artistas extranjeros. Como un muro. Igual, toda la buena onda con Lollapalooza. Eso ahora cambió, no me había tocado verlo en ningún otro país.

– ¿Ve muchas diferencias entre Chile y México?

– Hoy México está más tranquilo, pero cuando yo llegué a vivir hubo un momento de violencia muy fuerte. En mi primer año en México, estaba tocando en un bar en Veracruz y se veían cosas duras. Pero pese a todo lo que pueda pasar, la gente es tan buena y generosa, tienen una actitud muy linda.

– ¿La legalización de la marihuana puede frenar el narcotráfico?

– Sí, creo que ese es el camino. En general, con las drogas, no se le debería prohibir nada a nadie cuando no le haces daño al que está al lado. Tienes que poder decidir sobre tu cuerpo. Por eso mismo soy proaborto. Hay que dejar que la gente decida lo que quiera hacer; entonces, sí se acabaría muchísimo la violencia con respecto al tema de las drogas. A ver: todo el mundo fuma marihuana. Hay que asumirlo.

– ¿Cómo es su relación con la marihuana?

– Me llevo súper bien con la marihuana, me cae bien, me quita el dolor de espalda, me relaja. Igual, yo no fumo tanto, no es que esté volada todo el día; no podría con mi ritmo de trabajo. Pero si tengo unos días libres y estoy en mi casita, para dormir, ver una película, pero muy poquito, recreativo. Siento que la marihuana es buena onda, pone a la gente con ganas de estar bien.

– En su nuevo disco le seguirá cantando al amor, pero en clave más bailable. ¿Cambió el foco?

– Hice un álbum conceptual, puse en diez canciones distintas etapas de la pareja. Quería hacer un disco cinematográfico. Este álbum es un mapa emocional. Lo terminé muy cansada emocionalmente.

– ¿Ve alguna figura de la música que le sirva como referente en la adultez?

– No sé. A mí ahora me encanta cantar, me la paso súper bien, pero no sé si es algo que quiera hacer toda la vida. De pronto me canso, quiero hacer otra cosa, me gusta pintar. Lo que yo más quisiera es ser feliz y no mantener a la fuerza una carrera sólo porque hay que hacerla. Puede llegar el momento en que diga “ya no quiero hacer esto más”.

El último viaje del pionero del rock chileno



La Tercera

En 1969, Héctor Sepúlveda, guitarrista de Los Vidrios Quebrados, grabó en Londres un disco para el sello Decca que por una serie de circunstancias nunca vio la luz. Hasta ahora.

Por Andrés del Real

Los casi cuatro años que Héctor Sepúlveda pasó en Europa son tan difusos como fascinantes. Se sabe que en marzo de 1968, tras venderle su guitarra y su amplificador a Eduardo Gatti, partió a Ecuador, desde donde tomó un barco para cruzar el Atlántico. Pasó por España, Italia y Francia, para finalmente terminar en Inglaterra, la cuna de sus ídolos musicales. El viaje escondía un sueño pero también una desilusión: decepcionado por el resultado de Fictions, el LP que había editado junto a Los Vidrios Quebrados un año antes – considerado una de las piezas fundacionales del rock chileno-, el guitarrista optó por probar suerte en Europa. Y aunque terminó grabando un disco para uno de los sellos londinenses más importantes de la época, el registro nunca vio la luz.

A casi medio siglo de aquella desconocida aventura, el sello local BYM Records editará por primera vez el LP instrumental que Sepúlveda, fallecido en enero del año pasado, grabó en 1969 para Deram, subsidiaria del sello británico Decca. La misma etiqueta que poco antes había publicado los primeros discos de Cat Stevens y David Bowie.

Para Rodrigo Burgos, investigador y uno de los gestores del lanzamiento, éste salda una deuda con una de las piezas inéditas más legendarias grabadas por un chileno. “Muy emparentada con una tradición de rock británico y folk psicodélico, con cosas de Pink Floyd y las más radicales de los Beatles”, detalla sobre el álbum, que incluye tres extensos temas experimentales de guitarra eléctrica, movidos por la influencia de la música india y el LSD.

Según Burgos, el antofagastino, de entonces 23 años, fue descubierto en las calles londinenses por un ejecutivo de Deram, quien de inmediato lo llevó al estudio para grabar junto a Neil Slaven y Pete Swettenham, productores con experiencia previa junto a bandas como The Moody Blues y Procol Harum. Pero en el camino la firma cambió sus políticas comerciales, y Sepúlveda se quedó con los masters guardados en una caja hasta su muerte.

La revelación de aquellas cintas destapa también los desconocidos hitos que el exlíder de Los Vidrios Quebrados protagonizó en Reino Unido, donde tocó en el mítico Club Marquee, grabó las guitarras en dos LP del cantante folk Tim Hollier e inició estudios formales de astrología antes de volver a Chile en 1972.

“Que un músico venido de Chile haya terminado grabando en un estudio profesional de Londres te habla de lo talentoso que era Héctor”, comenta Eduardo Gatti, quien se encontró con su gran amigo y mentor en Londres en 1970, aunque éste nunca le habló con mucho detalle sobre lo ocurrido con Deram. “Nada le quitaba el sueño, era muy desapegado”, cuenta el exLos Blops.

“Era elusivo con lo de las cintas, no estaba seguro si su música había envejecido bien”, agrega Burgos, quien a fines d e 2016, poco antes de que los problemas renales le ganaran la batalla, convenció a Sepúlveda de publicar la que finalmente fue su última grabación profesional.

Willy Bascuñán resume su vida en una anecdótica autobiografía

El Mercurio

El folclorista y compositor, quien formó parte de Los Cuatro Cuartos, repasa su historia que incluye divertidos recuerdos, desde Don Francisco a Julio Iglesias. 

JOSÉ VÁSQUEZ
Fue una amiga suya, la historiadora Myriam Duchens, cuenta Willy Bascuñán, la que lo instó a vaciar su vida musical en un libro para que quedara como un relato en primera persona de uno de los protagonistas más relevantes del folclore chileno.

Bascuñán tomó nota y comenzó a hacer memoria. El ex integrante de Los Cuatro Cuartos, el grupo vocal más trascendente del denominado neofolclore, cuenta que durante seis meses estuvo de cabeza investigando, revisando diarios antiguos y hasta cartas de la época para ser lo más preciso posible con un texto que terminó de escribir hace seis años y que hoy será presentado en el auditorio del Campus Los Leones de la Universidad San Sebastián.

"Tiempo y camino, autobiografía de Willy Bascuñán", publicado por la SCD, relata la vida del autor de "Mujeres de Chile" y los dos volúmenes de "¡Al 7º de línea!" -obra que musicaliza la novela épica de Jorge Inostrosa-, desde su niñez hasta la década del 90, cuando hace más de 28 años se instaló a vivir en una parcela en Pucón, que bautizó como Willylafquén. Un quiebre en la línea de tiempo que justifica porque desde entonces bajó la intensidad de su participación en el mundo artístico, aunque sigue componiendo música -su último disco "Arreando un sueño" lo lanzó en 2016-.

"Es raro que no te llamen ni para ser jurado de un festival ni para programas que hacen recuerdos con artistas", señala, aunque dice no quejarse, ya que, cuenta, "he recibido recompensas, como el premio de la SCD como Figura Fundamental, algo que me llena de orgullo porque vino de mis pares, mi gente y eso significa que la música está por sobre cualquier otra cosa".

El libro comienza con un relato de su crianza en una familia ligada a la Armada, algo que influyó en su desarrollo musical. "He logrado dejarle al país 23 canciones sobre la Guerra del Pacífico, algo que es un aporte no solo histórico, sino que patrimonial, musical y que el tiempo lo ha ido demostrando, quedará como un legado", dice el autor que en el texto relata su visión como protagonista del nacimiento del neofolclore y la Nueva Canción Chilena.

En la autobiografía también hay referencias a su doble triunfo en el Festival de Viña en 1967 y a su amistad con Joan Manuel Serrat y capítulos en los que por su trabajo en la dirección artística de los programas de Canal 13 recuerda anecdóticos momentos como la primera vez de Julio Iglesias en Chile y de su rivalidad con Don Francisco, cuando recién se iniciaba en la TV.

"(Sobre Iglesias) No había visto persona más ególatra y fantasiosa. No paraba de hablar de él, de que cuando volviera iban a tratarlo como un gran triunfador. Era un cacho en ese momento del que me tuve que hacer cargo", recuerda Bascuñán sobre la visita del entonces emergente astro español en la Quinta Vergara, a donde llegó en 1969 como ganador del Festival de Benidorm, donde por un acuerdo entre los festivales, cada noche debía cantar "La vida sigue igual", situación que entonces tuvo que cambiar al recibir peticiones para que no lo hiciera todos los días.

Con Mario Kreutzberger las diferencias fueron mayores y determinaron su renuncia al canal, ya cansado de los choques por "caracteres y sensibilidades profesionales distintas" con un Don Francisco que recién iniciaba transmisiones y del que entonces nadie habría apostado por el suceso en el que se transformaría en la televisión hispana. "Enojado le dije: ¿y este a quién le ha ganado? Porque no le había ganado a nadie en ese minuto. Él fue haciendo escuela a medida que avanzaba... Y, al final, yo lo único que quería era volver a subirme a un escenario", dice riendo, recordando su regreso en ese momento a la música a finales de los 60.

Lanzamiento Hoy a las 19 horas presentará el libro, con la compañía musical de Ginette Acevedo.

Mon Laferte realizó show sorpresa en el Parque Forestal

El Mercurio

La cantante, quien se encuentra de visita promocional en Santiago, llegó ayer pasadas las 18:30 horas al Parque Forestal, para cantar algunos de sus éxitos ante unas 300 personas que la esperaban a un costado del Museo de Bellas Artes. Mon Laferte interpretó canciones como "Tu falta de querer" y "El beso", el primer single de "Norma" -álbum que lanzará el 9 de noviembre-, antes de retirarse en los brazos de un guardia de seguridad, que la sacó rápidamente.

José Feliciano será la principal carta internacional para los 50 años del Festival del Huaso de Olmué

El Mercurio

El boricua, quien acaba de celebrar medio siglo de carrera, vuelve al Patagual tras una década. El evento tendrá lugar entre el 17 y el 20 de enero y será transmitido por TVN. 

Martin Cifuentes F.
José Feliciano se convertirá en la figura extranjera más importante del próximo Festival del Huaso de Olmué. Para el puertorriqueño de 73 años, será su reencuentro con un evento que ya conoce: en 2009 presentó su extenso repertorio sobre el escenario del Patagual, que suma su nombre -el que oficializará hoy TVN, el canal organizador- a los ya confirmados Chico Trujillo y los comediantes Belén Mora y Juan Pablo López. Aún quedan nombres para completar la parrilla de artistas de la próxima versión, donde se celebrará medio siglo de ese certamen musical de verano.

Olmué cumple este verano 50 años y Feliciano también está celebrando la misma cantidad de tiempo de trayectoria. El intérprete de "Ay, cariño" y "Paso la vida pensando", considerado el primer latino en entrar al mercado anglosajón y ganador de nueve premios Grammy, se mantiene en plena actividad: en 2017 lanzó el álbum "As you see me now", con el compositor y presentador de televisión Jools Holland.

Hace unas semanas anunció que en 2019 se estrenará un documental sobre su vida, que está componiendo nuevas canciones y que la palabra "retiro" no ha siquiera aparecido en su cabeza. Sus acercamientos a ritmos como el reggaetón y la música urbana hablan de su intención por mantenerse conectado con los estilos que hoy dominan los rankings .

La relación entre Feliciano y Chile es estrecha. Ha estado tres veces en el Festival de Viña del Mar: 1984, su recordado paso en 1985 -donde vino junto a su esposa e interpretó un cover de "Purple haize", de Jimi Hendrix, y actuó dos noches- y 2006. Tres ocasiones que se suman a sus participaciones en el Festival de Verano de Iquique de 2012 y el Festival de Dichato de 2014. Su última visita fue en abril último, cuando celebró sus 50 años de trayectoria en el Gran Arena Monticello, una antesala para lo que será su regreso a Olmué.

El evento, que se realizará entre el 17 y el 20 de enero próximo, tiene en principio agendada la presentación del puertorriqueño para el día 18. Previo a su anterior espectáculo, el músico había expresado su interés por volver a la Quinta Vergara, lo cual -según dijo- no se pudo concretar.



miércoles, octubre 24, 2018

Sting y Shaggy unieron fuerzas con su inédita dupla de sincronía jamaiquina

El Mercurio

Los músicos presentaron anoche en el Movistar Arena, ante más de 10 mil personas, su álbum "44/876", además de sus éxitos propios. 

José Vásquez
La partida no fue inglesa a pesar de iniciar con uno de los clásicos solistas de Sting. Pasadas las 21:20, el británico aparece por uno de los costados del escenario del Movistar Arena y por el otro, su nuevo colega, Shaggy, quien empieza como un animador de masas antes de la primera de la noche: "Englishman in New York" que a medio camino muta a "Jamaican" en la Gran Manzana, con el músico caribeño sacando una bandera de su país del bolsillo, que sacude para dejar más que claros sus orígenes.

El nuevo socio del otrora líder de The Police asume el trabajo de ser quien agite al público pidiendo palmas -algo de lo que no precisa el británico-, mientras su compañero, siempre con su bajo pegado a la cintura, sube la intensidad con el primer clásico de su exbanda, "Every little thing she does is magic", que puso por primera vez de pie al público, que permaneció sentado en un importante porcentaje del show mientras pasaban los temas que impulsaron el inédito proyecto.

No son necesariamente mundos opuestos, pero la reunión de Sting con Shaggy generó una extrañeza que se resuelve fácil en su punto de encuentro: el pulso reggae jamaiquino. En abril pasado lanzaron su álbum titulado "44/876" -los códigos telefónicos de Inglaterra y Jamaica- y salieron a recorrer Europa y Estados Unidos, antes de recalar anoche en Santiago frente a más de 10 mil personas en el gran domo del Parque O'Higgins.

Las canciones de este trabajo se sostienen dignas en directo y así pasan la homónima "44/876", "Morning is coming" y una aplaudida "Gotta get back my baby", con un impecable apoyo desde el coro.

Pero esta amistad en vivo asoma asimétrica en cuanto al predominio en el listado de canciones propias, donde Shaggy incluye temas en una proporción absolutamente menor, como "Angel", "It wasn't me" y una "Boombastic", innecesariamente mezclada con "Roxanne", que antes del bis se termina desinflando como un desafortunado remix discotequero.

Mon Laferte anuncia su próximo álbum


Comunicado de prensa

NORMA es el nombre de la nueva entrega de Mon Laferte, que verá la luz el próximo 9 de noviembre, tanto en físico como en digital

Luego de una especial participación en la Gala de Operación Triunfo durante su visita promocional a España, donde interpretó de manera espectacular el tema “Mi buen amor”, Mon Laferte, que dejó a los asistentes a la gala sin aliento, la cual además se transmitió en vivo por cadena nacional en el país ibérico, anunció que el nombre de su próximo álbum con salida el 9 de noviembre es NORMA.
“Norma” estará conformado por 10 temas, los cuales pudimos conocer posterior al anuncio a través de su Instagram donde reveló la portada y el track list del álbum.

Laferte lanzó en septiembre pasado el sencillo “El Beso” el cual conforma parte del nuevo álbum y con el que nos presentó esta nueva faceta musical y artística, donde se le ve festiva, sensual y musicalmente potente. El video además de ser un festín de besos, baile y ritmo cuenta con la participación del reconocido actor mexicano Diego Luna, quien hace una aparición especial para recibir los besos de Mon Laferte. Posteriormente nos entregó el tema “Por qué me fui a enamorar de ti” en la que se presenta como una rumbera de voz potente y baile desmedido, con un video que nos invita a disfrutar del desamor a ritmo de salsa.

Sobre el álbum

Antes de dar a conocer el nombre del álbum, su fecha de salida y los temas que lo conformarán, se había anunciado que la grabación de este nuevo material discográfico se realizó en los icónicos Estudios Capitol de la Ciudad de Los Ángeles California en Junio pasado, en una sola toma, es decir, en una sola sesión de grabación en tan solo un par de horas con un grupo excepcional de músicos invitados que pronto se dará a conocer y bajo la producción de Omar Rodríguez (The Mars Volta). Este tipo de grabaciones se realizaban antaño con grandes cantantes y bandas que tenían la capacidad musical de realizar un disco sin mayor mezcla y edición que la de sus propia voz e instrumentación; lo anterior confirma no sólo la madurez y la potencia musical de Laferte, sino un manifiesto artístico que la coloca como una artista de talla internacional indiscutible y de factura única en el mundo contemporáneo.

Listado de temas

Ronroneo
No te me quites de acá
Por qué me fui a enamorar de ti
Quédate esta noche
Caderas Blancas
El mambo
El beso
Cumbia para olvidar
Funeral
Si alguna vez + El David Aguilar

Gira por Europa.

Luego de una exitosa gira por Argentina y Uruguay, donde tuvo SoldOut en las principales ciudades, Mon no para, y el próximo mes de noviembre, además de presentar su nuevo material discográfico, dará una corta pero potente gira por Europa la cual incluye las ciudades de Vigo, Madrid, Londres, Berlín, París y Barcelona.

En esta gira Mon amplía su internacionalización en el continente europeo donde actualmente desarrolla su carrera, consolidándose como una de las artistas latinas de mayor trascendencia en su generación. Laferte pisará por primera vez los escenarios de las principales ciudades europeas París, Londres y Berlín. Los boletos están a la venta y se pueden adquirir aquí

Nominación al Latin Grammy

La Academia Latina de la Grabación anunció hace unos días a los artistas nominados para la 19° entrega anual de los premios Grammy Latino, que se llevará a cabo en el MGM Grand Garden Arena, en Las Vegas, Estados Unidos.

Mon Laferte en esta oportunidad compite en Canción del Año con "Antes de ti", instancia en la que se enfrenta a "Malamente" de Rosalía, "Robarte un beso" de Carlos Vives y Sebastián Yatra, "Telefonía" de Jorge Drexler y "Tu vida mi vida" de Fito Páez, entre otros.


Quilapayún presenta inédito concierto Sinfónico


Comunicado de prensa

La trascendental banda chilena realizará un concierto excepcional con una selección de temas orquestados nunca antes escuchados en el país en este formato.

La agrupación nacional Quilapayún, uno de los emblemas de la Nueva Canción Chilena, realizará un concierto sinfónico el próximo 2 de diciembre en el Teatro CorpArtes. En esta ocasión, interpretarán sus principales temas en conmovedoras versiones sólo para orquesta, algunas de ellas serán interpretadas en ese formato por primera vez en el país.

“Mi patria”, “Patria de multitudes”, “Entre morir y no morir”, “Dos sonetos”, “Los destacagados”, “Trompe” y “El pueblo unido” en su versión para piano y orquesta, son algunas de las canciones que la connotada banda tiene preparadas para el concierto.

Las obras que interpretarán en esta oportunidad, han sido trabajadas por el músico chileno Homero Letelier, quien ha sabido reproducir muy fielmente el espíritu y la estética característica de Quilapayún. Asimismo, la participación de la orquesta Nuevo Mundo, dirigida por Marcelo Vidal, asegura una presentación de la más alta calidad artística.

En el comienzo de su trayectoria, la agrupación realizó los primeros aportes de la Nueva Canción Chilena a la música sinfónica, debido a que sus canciones, por su carácter expresivo y sus valores musicales, son extraordinariamente apropiadas para llevarlas a la forma orquestal. Posteriormente, en el exilio, fueron memorables las interpretaciones de Quilapayún en este formato, como las que realizaron en la Segunda Cadena de Televisión de Francia, con orquestaciones de varias de sus canciones a cargo del músico francés, Pierre Rabath.

A partir de su vuelta a Chile, el grupo ha vuelto a presentar sus obras orquestadas en varios conciertos, algunos con la “Cantata Santa María” en versión orquestal y otros con selecciones de temas, como los que Quilapayún realizó con la orquesta Juvenil de Santiago en el Teatro Municipal a fines de 2016. 

La cita es el domingo 2 de diciembre, a las 20:00 horas, en el Teatro CorpArtes, ubicado en Rosario Norte 660, Las Condes. Entradas a la venta a través del sistema TICKETEK

martes, octubre 23, 2018

Señor Coconut y el baile alemán: Kraftwerk en clave tropical



La Tercera

El músico Uwe Schmidt será el encargado de abrir y cerrar el primer Red Bull Music Festival Santiago. Esta es la historia del alemán que escribe mambos, chachachás y cumbias electrónicas desde Providencia.

Por Alejandro Jofré

Hace más de treinta años que el alemán Uwe Schmidt publica discos a un encomiable ritmo a veces mensual y con múltiples seudónimos que exceden a la escena chilena, donde fijó residencia en 1997.

Atom™, Atomu Shinzo o Lisa Carbon Trio, son algunas de sus identidades aunque esta semana echará mano a otras dos.

Primero como Atom Heart, cuando el martes 23 de octubre acompañe a Matías Aguayo en su experimento de 12 horas de música llamado The True Matías Show, un espectáculo que se iniciará el mediodía, desde el espacio y vista privilegiada que ofrece la galería de arte CIMA, justo sobre Plaza Italia y que será transmitido en vivo y en directo vía streaming por Culto.

Y luego como Señor Coconut el domingo 28, tal vez su mutación más conocida en Chile, donde ha publicado una colección de mambos, chachachás y cumbias, interpretada con instrumentos electrónicos y acompañado de nombres como Jorge González, Cecilia Aguayo, Ricardo Villalobos y Martín Schopf.

Único, retrofuturista, irónico
La primera influencia de Schmidt fue una máquina de ritmos que escuchó en la radio de su hogar familiar en Frankfurt.

“Cuando niño siempre analizaba bandas y quería aprender y saber cómo se hacía esa música. Y de repente sonó una máquina de ritmos en la radio y no entendía nada porque era demasiado perfecto”, dice a Culto el alemán.

Cuando era un adolescente, previo a la era del tecno, se hizo fanático de bandas como Cabaret Voltaire y Chris & Cosey. “Esa fue como mi formación musical”, cuenta Schmidt.

Aunque aclara: “Mi primera influencia fue más que una banda una máquina”. Así al poco tiempo ya se sentía cómodo con una batería programable, diversos teclados y un portaestudios donde realizó sus primeros experimentos.

Una serie de grabaciones que el sitio Allmusic define así: “Cuesta clasificar el trabajo de Schmidt como música dance, pues descansa más bien en la intersección de una suerte de retrofuturista sello de autor y experimentación irónica, única en la electrónica contemporánea”.

Rastreando el esplendor
Uwe Schmidt vivió en Frankfurt hasta 1997, “y la verdad es que nunca me gustó mucho la música latina quizás por un asunto cultural”, dice al otro lado de la línea.

“En Alemania, la música latina se había consumido bajo una etiqueta third world y tercer mundo era algo como alternativo o hippie. Quizás por eso nunca me llamó la atención ni tampoco sabía mucho”, agrega el músico.

Fue en 1992, en un viaje de tres meses a Costa Rica, que comenzó a interesarse por lo que sonaba en las calles.

“Estaba de moda El General y la música que venía de Panamá, que era bien electrónica”, dice él. “Me empezó a gustar mucho y empecé a absorber esa música”.

Así descubrió, gracias a un cassette del cantante cubano Antonio Machín, la música afrocubana de los años 40 y 50.

“Ese sonido que nació en Cuba y que mezcla el sonido de las big bands americanas con lo afrocubano”, cuenta Señor Coconut, lo obsesionó.

“Como era una época pre-Internet, era muy difícil obtener información y, ya de vuelta en Alemania, empecé a buscar y era muy difícil ir a una tienda y leer las carátulas. Comprar era entonces ir un poco al azar”, recuerda el músico.

“Empecé a buscar a Antonio Machín, que no es tan conocido fuera de España. Empecé a ubicar la zona, el territorio y el tiempo que me gustó, que era como Cuba y México entre los años 30 y 50. Ese era el sonido que me gustaba mucho más que la música que vino después”, aclara.

Así llegó hasta el “Rey del Mambo”, el cubano Dámaso Pérez Prado, un músico del que se reconoce enamorado por su manera de componer.

“Encuentro que es muy especial, me gustó mucho, como su humor. Tenía toda una volada que encontré muy distinta a lo que yo hacía. Mi interés por la música latina tiene que ver con que es muy distinta a mi approach”, dice Schmidt.

Luego sigue: “Era como otro lenguaje, otros arreglos, otras ideas. Y Pérez Prado era como el más cercano a lo que a mí me gusta de la música en general: la simpleza, por ejemplo, tenía estas ideas muy modernas”.

-Para alguien que no conoce tu música, ¿son el mambo y el chachachá, por así decirlo, el ADN de Señor Coconut?

-Sí, es la zona y el tiempo. Los años 40, básicamente. Ahí encontré la música latina en todo su esplendor y en su estado más puro quizás. Porque fue cuando apareció la fusión de esos mundos. En los años 30, en América hubo, sobre todo en Cuba, antes de la revolución, un gran boom. Había mucha plata y era una cultura bastante distinta. Y los gringos trataban de meterse ahí y tomar el control y de ahí vino la revolución y todo eso. Y eso creaba una fusión muy interesante entre mezclas y culturas que estaban en esas islas. El chachachá es más fácil de definir porque es un ritmo, pero el mambo es más amorfo, es más como una actitud que un estilo. Me gustó justamente esa pureza y la mezcla entre lo afrocubano y los arreglos de bronce que son más gringos, que tienen que ver con el jazz y las big bands. Me gustó mucho cuando escuché este lenguaje y lo diferente que era al mío. Yo vengo de una dirección completamente distinta. Me fascinó por harto tiempo y quise fusionarlo con lo que estaba haciendo yo.

“No podría no hacer música”
Conocido por tocar a Kraftwerk, Daft Punk o The Doors en clave tropical bajo el nombre de Señor Coconut, o por hacer en vivo el disco Corazones junto a Cecilia Aguayo y Jorge González en el Teatro Municipal de Santiago en 2014 o en el escenario de un festival capitalino en 2012, Uwe Schmidt sorprende en sus presentaciones como Atom™ con visuales sacadas de una bienal de videoarte experimental, con bombas atómicas detonando en cámara lenta o el minimalismo de vectores fluorescentes sobre fondos negros.

Parado sobre equipos como una MPC 3000 o un Yamaha Tenori-on, hace cantar a robots en discos como HD, donde incluye temas como “Ich bin meine maschine” o “Stop (imperialist pop)”, donde dice “Sony, Warner, RCA/ Disney Channel, day by day/ sonic invasion/ from nation to nation/ Gaga, Gomez, Timberlake/ give us a fucking break”.

O cuando hace canciones como “Empty”, un track con el ruido que hacen los celulares cuando pierden su señal, donde el propio Schmidt aparece en las visuales arrojando papeles como Dylan en el video de “Subterranean Homesick Blues”.

-Hace poco se cumplieron 30 años desde la edición de The Engineers Love, una de tus primeras grabaciones. ¿Por qué insistir en la música como forma de ganarse la vida?

-Fundamentalmente porque me gusta mucho hacer música. Lo paso bastante bien y lo veo como un ejercicio bastante egocéntrico. Para empezar, muy pocas veces he hecho música por otros. Siempre hay un componente del mundo externo, que no es completamente para uno, pero especialmente durante los últimos quince o veinte años he cambiado mucho la manera de hacer música y todo lo que estoy haciendo lo hago por mí.

“Señor Coconut es un buen ejemplo porque nació de una pura inquietud mía. Yo quería escuchar lo que sonaba en mi cabeza, quería saber si lo podía hacer o cómo sería en el mundo real lo que estaba pensando. ¿Existe? ¿Puede existir? ¿Funciona así como la idea o es una cosa que tengo en mi mente? Siempre está ese ejercicio de tener que externalizar las ideas. Hay muchos músicos que tienen muy buenas ideas, pero nunca hacen nada con el argumento de que no se necesita. Pero toda creación, en el arte sobre todo, tiene que ver con la capacidad de externalizar las ideas. Sino no son reales. Cuando volví a Alemania desde Costa Rica, Señor Coconut había sido una idea no más. Y había tenido varios intentos de externalizarla, pero hubo un momento en que funcionó y fue con ese disco famoso El baile alemán. Era un ejercicio para mí, no quería hacer un álbum. Simplemente tenía canciones en mente y quería hacer demos para ver si realmente funcionaría. Siempre quise hacer demos, pero como soy yo, medio TOC, no podía simplemente dejarlo como demo y tuve que terminarlos. De repente hice un tema tras otro y terminó siendo un álbum”, dice Schmidt.

Luego sigue: “Estaba muy seguro en esa época que era una idea demasiado excéntrica quizás. Creí que no iba a pasar nada con ese álbum porque no había nadie o con quién hacerlo en términos prácticos. Ni sello ni distribuidora. Porque no existía ese estilo. Fue una gran complicación en los primeros años porque nadie sabía qué hacer con este disco. Era un pequeño cacho. Estaba seguro que era una idea excéntrica mía que quería hacer y fin, no esperaba nada de eso, pero me ha pasado muchas veces que ideas mías que he querido externalizar por goce, obsesión, resultan en algo”.

-Leí que el acitón, esa mezcla de acid y reggaetón, se te ocurrió caminando por Shibuya en Japón. ¿Cómo fue eso?

-Sí. Estaba en Shibuya y escuché por un lado algo como reggaetón y por el otro algo como tecno o acid, no lo sé, caminé como dos metros y se fusionaron esos dos canales y ahí nació esa idea. Teóricamente podía funcionar y se lo mencioné a Vicente Sanfuentes. Justo después de Shibuya yo estaba en Canadá y le mencioné la idea como una anécdota. Justo pasó que se cayó un artista del festival en que yo estaba invitado a dar una charla y nos preguntaron con Vicente si queríamos tocar y llenar el espacio de una hora y media esa misma noche y Vicente dijo que sí, que “por qué no intentamos hacer tu idea”. Yo no estaba seguro ni siquiera si funcionaba. No teníamos equipos ni nada, pero él buscó los equipos e inventamos el set como dos horas antes del show, muy de la nada. Lo programamos en una sala y nos fuimos al show. Vicente tenía toda esa energía de querer hacerlo y yo no quería, encontraba demasiado peligroso lanzarse así, pero claro… yo insisto con la música porque es algo que me gusta mucho. Lo paso demasiado bien haciéndolo. Y confío en que lo que estoy haciendo es entretenido o interesante para el mundo externo. No hubiera durado tanto si no fuera así. Después de treinta años es un poco natural que ya el mundo externo no sea tan importante, pero estoy haciendo muchísimas cosas para mí. Todo el tiempo hago cosas. Tengo muchísimas ideas. No podría no hacer música, más bien.

-Serrat decía que comenzó a tocar la guitarra “porque así era más fácil tocarle el culo a las muchachas”. ¿Cómo fue contigo? ¿Por qué producir música electrónica?

-Mirando un poco hacia atrás, a cuando era chico y cómo terminé haciendo música, sinceramente las muchachas no fueron la causa. Eso lo puedo descartar 100%. Fue como una cadena muy curiosa de mmm… cómo llamarlo… crecí como un hijo único de alguna manera, porque tenía dos hermanos mayores con una diferencia de edad muy grande, que ya estaban fuera de casa. Siempre estaba solo haciendo mis cosas, como dibujar o trabajos manuales a los 10 años. Terminé en la música un poco como hobby, empecé tocando una batería que habían comprado para mí, tocando en el subterráneo del edificio donde vivíamos. Pero siempre solo. Nunca toqué en una banda. Nunca tuve esa visión del cantante que quiere estar como en un escenario haciendo no sé… algo como tener fama por ejemplo. Me interesé más como en lo nerd, en la programación de máquinas.

Schmidt hace una pausa para recordar una anécdota del cerebro tras los grupos Erasure y Yazoo.

“Me siento muy sintonizado con Vince Clarke cuando le preguntaron una vez por qué salió de Depeche Mode. Él decía que lo único que quería hacer era estar en su estudio y programar. No le interesaba dar entrevistas, estar de gira o sobre un escenario o pintar el mono en la tele. Hay fotos de él en los estudios, como en los 80, y está muy contento, como una cosa medio nerd. Y yo me veo más así, por ese lado. Estoy muy contento de hacer mis cosas y empecé a hacer así, a jugar y programar, en mi pieza de niño con una drum machine de 200 dólares. Ahí nació muy naturalmente hacer experimentos con audio y con un cassette, hasta que un amigo mío me dijo ‘tú deberías hacer un disco’ cuando escuchó mis demos. Para mí era completamente impensado. ¿Un disco? ¿Para qué? ¿Por qué? ¿Para quién? Un buen amigo en Alemania me vio desde afuera y me dijo tienes que hacer esto. Yo nunca lo había pensado. Nunca pensé en chicas, en drogas, en dinero ni en fama. Pensé en hacer cosas, muy simple. Y sigue siendo así”.

“Creo que si la motivación hubiera sido otra, estaría haciendo otra cosa ahora. Y se nota mucho en artistas que tienen otro impulso. Cuando el impulso de creación no es puro, sino que es un vínculo para obtener otra cosa, la creación es muy frágil. Porque cuando la música es solamente un método para algo, uno puede parar de hacer porque el interés no está ahí. Y en mi caso creo que no es así”, asegura el alemán.

El baile alemán
Uwe Schmidt ha programado trabajos para artistas de la estatura de Depeche Mode, Yellow Magic Orchestra o Air, y ha participado en canciones de artistas chilenos como Electrodomésticos, Pánico y Jorge González, con quien produjo su disco solista Mi destino y proyectos como Sieg Über Die Sonne y Gonzalo Martínez.

–El gran baile apareció casi al mismo tiempo que Gonzalo Martínez y sus congas pensantes, ¿qué recuerdos tienes de esa época?

-Yo llegué a Chile el 97 y tenía El gran baile casi listo. Mi idea era terminarlo antes de llegar, pero lo terminé en Santiago y unos meses después, Martín y Jorge empezaron con Gonzalo Martínez. El gran baile fue anterior. Pero nacieron de la misma idea que tenía yo, aunque yo no participé del disco de Martín y Jorge [el disco se acompañó de un single, en el cual se incluyó una remezcla de Señor Coconut].

-Llevas más de dos décadas en Chile y has trabajado con Jorge González y gente como Tea Time y Vicente Sanfuentes, ¿qué proyectos te parecen interesantes de la escena chilena?

-No creo que tengo una visión muy objetiva u holística. Porque no salgo mucho, ni sigo a nadie en general, no solamente en Chile. No leo, no veo, no consumo información. Toda mi información viene de amigos o de eventos en que he tocado. Desde esta ventanita lo que me ha gustado mucho es como esta mini escena tecno que está haciendo estos eventos más underground, como los que hace la Andrea Paz o White Sample.

“Siempre he tenido un problema con la música electrónica en Chile, sobre todo en los años 2000”, dice el músico.

“En general, mundialmente encontré una muy mala época para la música electrónica, pero en Chile se ha dado lamentablemente esta ubicación de la música electrónica dentro de ciertas esferas sociales que encontré desagradable. Que ciertas esferas de la sociedad sean como apropiadas para ciertos estilos de música. En Chile se da mucho esa separación de que cierto tipo de música es para esa gente y el otro tipo de música para otra gente, y eso para mí es una cosa impensable. Justamente mi interés o mi fascinación por la música electrónica tiene que ver con la universalidad de ella. Para mí ir a un club en Alemania en los 90 era una cosa universal. No había géneros ni clases”, explica Schmidt.

Luego sigue: “Y cuando se empezó a comercializar la música electrónica en Chile obviamente se fue como por un lado demasiado apestoso y creo que no tiene nada que ver con lo que estoy haciendo yo o mis ideas. No me encuentro muy compatible con eso. Por eso había dejado de tocar en Chile entre 2000 y 2010. Porque no encontré algo de mi gusto entre lo que estaba pasando acá. No me gustaba el ambiente, ni el público, ni como estaba presentada la música o el circuito”.

Según Schmidt: “La música electrónica significaba aquí algo que para mí no es. No tiene que ver con lifestyle ni las vistas VIP y todas esas cosas que a mí no me interesan. Por eso he estado bastante ausente acá, pero unos años atrás, siete u ocho años atrás, empezaron como a nacer cosas más underground con un público más interesado en cierto sonido que nunca ha sido muy popular en Chile. Lentamente eso ha cambiado con una nueva generación de gente que está haciendo otras cosas. Volvió como este espíritu que tiene más que ver con la experimentación y con el underground y con hacer cosas distintas y alejarse de las marcas y como del comercio de la música. Y eso me ha gustado mucho en Chile. Me gusta la energía creativa que aparece cuando hay poca plata pero mucho interés. Crea un arte más real. Cuando falta plata necesitas más fuerza para hacer algo. Cuando algo es bien financiado y establecido no necesariamente es malo pero hay como otra energía ahí. Me gusta eso de la escena underground chilena, que haya gente que quizás no tiene las lucas pero quieren hacerlo y entonces hacen cosas muy interesantes. Prefiero eso que algo como súper pulido y un poco fome”.

Luego de 2011 Señor Coconut y su Conjunto dejaron de tocar en vivo, pero ahora están de vuelta. El próximo domingo 28 de octubre se presentarán sobre el escenario del Red Bull Music Festival Santiago en el Parque Fluvial Renato Poblete, junto a los mexicanos Plastilina Mosh, los brasileños BaianaSystem y el chileno Pedropiedra.

-Entiendo que para #RBMSTGO vas a tocar el disco Yellow fever, ¿es así?

-No sé de dónde nació esta información, pero justamente de Yellow fever no vamos a tocar. Vamos a tocar todos los otros discos menos Yellow fever. O sea, Fiesta songs, El baile alemán y Around the world, básicamente.

Upa! habla de su reinvención con nuevo vocalista y temas inéditos

El Mercurio

El grupo sumó al ex "Rojo" Daniel Donoso tras la salida de Pablo Ugarte y ahora prepara el lanzamiento de "Lo que buscas", primer anticipo del futuro de la agrupación. 

José Vásquez
Sale Pablo Ugarte y entra el ex "Rojo" Daniel Donoso. Aunque Upa! vio el alejamiento de su vocalista hace dos años, el conjunto decidió continuar su historia y hoy, Sebastián Piga, guitarrista y saxofonista en la banda, prefiere hablar de esta nueva etapa como un proceso de "reinvención".

"Cuando se fue Pablo sentíamos que había algo más que la cara visible, que todavía quedaba el alma de la banda, un cuerpo que iba más allá de cualquiera de nosotros en lo individual, y eso es lo que hemos mantenido", dice el músico que señala su momento actual como muy positivo.

Piga cuenta que tras este nuevo remezón en esta banda ochentera nunca dudaron de si debían seguir, básicamente, señala, porque "la música que hemos hecho, si no la tocamos nosotros, no lo hará nadie". Entonces comenzaron el proceso de hallar un nuevo integrante que solo se preocupara del micrófono, dejando el bajo, que también era el instrumento de Ugarte, en las manos de un viejo conocido del grupo: Mauricio Olivares.

"Carlos Figueroa -director de la orquesta del Festival de Viña del Mar- nos recomendó a Daniel, aunque de forma paralela yo había llegado a él investigando por mi cuenta. Luego nos juntamos, le contamos el proyecto, que teníamos material nuevo, y rápidamente empezamos a trabajar juntos", recuerda Piga, quien alaba las posibilidades estilísticas que le entrega el nuevo cantante.

Todo esto coincidió con los viajes que se han hecho cada vez más frecuentes de Mario Planet, radicado en París desde la década del 90, con el que han aprovechado estos momentos para grabar nuevo material en el estudio de Chalo González. "Mario ha venido cuatro veces este año, por lo que aprovechamos de componer", cuenta el músico y detalla que en este proceso ya tienen dos temas nuevos, uno de ellos "Lo que buscas", que pretenden estrenar durante el próximo mes.

"La hemos tocado en vivo y ha funcionado muy bien dentro de nuestro repertorio", dice sobre un tema que define como rock contemporáneo. "Siento que tenemos un sonido súper Upa! 2020", comenta Piga, entusiasmado con el futuro.

Albita Rodríguez, la sensación tropical en "Carmen la cubana"

El Mercurio

Para la ganadora del Grammy Latino se creó un papel especial en la adaptación de la ópera "Carmen", de Bizet. 

Javiera Garay A.
La protagonista de la atemporal ópera "Carmen" llegó este año a los teatros europeos como una isleña mulata en el musical "Carmen la cubana". Es la hija de una prostituta local y de un militar estadounidense en la Cuba prerrevolucionaria de 1958. Esta vez no se enamora de un torero sevillano, sino de un boxeador cubano, pero el trágico desenlace es el mismo.

La Señora (Albita Rodríguez) es una cantante que representa la tradición de La Habanera y una santera (una vidente cubana), que acompaña a esta Carmen caribeña (la intérprete también cubana, Luna Manzanares).

El director británico Christopher Renshaw incorporó chachachá, mambo y tambores cubanos a la ópera, en esta adaptación estrenada en 2016 en el Teatro Châtelet de París.

Por la complejidad de sumar géneros tropicales a la obra, el director creó un papel especial para Albita, la célebre intérprete guajira, que no existe en la dramaturgia original de "Carmen".

Renshaw decidió llevar "Carmen la cubana" en gira por Europa este año, y el montaje fue aplaudido por varios medios.

Es la segunda vez que Albita participa en un musical de esta magnitud. En 2005 se presentó en San Francisco como una de las protagonistas de "The Mambo Kings", también representando el papel de una mujer fuerte y cantando ritmos tropicales.

Albita migró de Cuba a Estados Unidos a fines de 1990, por estar en desacuerdo con el régimen de Fidel Castro. Sus padres eran cantantes de música tradicional cubana, y para ella es un orgullo estar en este musical: "Yo no soy política. Mis razones para irme fueron obvias, decidí llevar la vida como una persona libre. Pero amo la cultura cubana y me parece lindo este proyecto. Cualquier cosa que yo haga, que lleve la música cubana por el mundo, me llena de orgullo", dice a "El Mercurio" desde Londres.

La cantante fue nominada cuatro veces al Grammy por su trabajo discográfico, en 1996, 1997, 2008 y 2017. Ganó un Grammy Latino por "Mejor Álbum Tropical", en 2004, por su álbum "Albita llegó".

En enero pasado fue nominada por "Albita" en la misma categoría. Este último trabajo estuvo inspirado en la música cubana de los años 50 y fue lanzado en 2017.

"Gracias a Dios me crié en una familia de muchas tradiciones. Tengo mis raíces muy sólidas, en mi alma. Desde los siete años estoy cantando música cubana, recorriendo el mundo y tratando de representar la cultura lo mejor posible", señala.

Su papel en "Carmen la cubana" es complejo al ser tres personajes en uno. La Señora se convierte en una vedette , en una re feree de boxeo y en croupier de casino. A través de ellos, en los que mágicamente se transforma esta santera, Albita narra la historia de Carmen. Todo adaptado a la época del dictador Fulgencio Batista, de una Cuba polarizada y con una colorida estética.

La pieza musical agotó entradas en París al iniciar sus presentaciones. Tuvo un exitoso paso por el Sadler's Wells Theatre de Londres en agosto y en septiembre fue a Frankfurt. Este mes es el turno de Berlín y Múnich.

"Me gusta mucho cómo se hizo la música; los arreglos son de Alex Lacamoire y Edgard Vero, dos muchachos cubanos. Son maravillosos. Estoy disfrutando a mi personaje, y la verdad es que la recepción internacional ha sido maravillosa", expresa.

No es la primera vez que la ópera se adapta a otro ritmo. "Carmen Jones", de Oscar Hammerstein II, fue la versión afroamericana de "Carmen" y estuvo en los teatros de Nueva York en 1943. Renshaw cita el trabajo de Hammerstein II como inspiración.

La gira de "Carmen la cubana" finaliza en diciembre y aún no está claro si llega a Latinoamérica, algo que Albita espera: "Ojalá vayamos, todavía no se ha dicho nada al respecto. Hace muchos años que no voy a Chile y me fascinaría poder ir".

En enero próximo, la cantante comenzará a trabajar en un nuevo disco.