lunes, octubre 22, 2018

Electric Juernes: La Mala Senda & Los Monchos



La Mala Senda & Los Monchos compartirán escenario en Lemmy Bar, emblemático
lugar que esta ubicado en Constitución 151, en pleno barrio bellavista. La cita es el día
Jueves 25 de octubre a partir de las 21:00 hrs.

La Mala Senda es una banda con 10 años de trayectoria, y que se han presentado en
varios escenarios de Chile y en el extranjero. Cuentan con 3 producciones
discográficas, “El Optimista”, “Bajo el sol huellas”, “Magia por dolor” y a pocas semanas
de lanzar su nuevo y esperado EP, Abisal.

Por otra parte, Los Monchos es una banda que aparece con una gran fuerza
emergente del punk rock melódico, con su EP “El Espejo” se ha abierto paso para
presentarse en varios lugares de Santiago y gran parte de Chile. A vías de lanzar su
2do trabajo discográfico, del cual se puede extraer el single “Decisión”.

LMS - Arcano: https://youtu.be/kf9prnDZj2g
Los Monchos - Decisión: https://youtu.be/8SkKXASEHdg

Electric Juernes
Link del show: https://www.facebook.com/events/561476030954851
Entrada: $3.000
Hora: 21:00 hrs
Lugar: Lemmy Bar
Dirección: Constitución 151, providencia

domingo, octubre 21, 2018

Festival Matadero Santiago Jazz se toma el barrio sur

El Mercurio

Lanzamientos de discos del dúo de la cantante Natalia Ramírez y el pianista Valentín Trujillo, además del primer álbum del Ensamble Mapocho, marcan el programa este 26 y 27. 

IÑIGO DÍAZ
"La música aquí tiene que ver con la dinámica de los mercados: bolero, ranchera, cueca. Todo ocurre en espacios chicos, entre la multitud. Cuando hicimos el primer festival masivo, el público tuvo una experiencia nueva", cuenta el saxofonista Andrés Pérez, curador del Festival Matadero Santiago Jazz, que por segundo año se instala en ese epicentro popular.

Seis conciertos este viernes 26 y sábado 27 buscan superar la convocatoria de más de dos mil espectadores en 2017. También con presentaciones gratuitas, el Matadero Santiago Jazz se realizará en el espacio principal del barrio (Biobío 898, 19:30 horas).

Al igual que la Mapocho Orquesta, big band dirigida por Andrés Pérez que acaba de lanzar el disco "Mapocho vivo", el Ensamble Mapocho es otro resultado de la experiencia de gestión y creación alrededor del Colectivo Mapocho, que organiza este festival. "La inspiración del barrio, con sus mercados, la estación de trenes, los bares, la arquitectura y la gente nos llevó a crear una música propia", señala el trompetista Mauricio Castillo, director del ensamble. "El colectivo ha llevado el jazz a la Vega Central, a Recoleta y ahora al Matadero, que es un espacio con su propia identidad, pero igualmente múltiple", agrega Pérez.

En Franklin, el Ensamble Mapocho, elenco de trompetas, trombones, cornos franceses, tubas y marimbas, estará estrenando el homónimo disco "Ensamble Mapocho", editado por Vértigo. "Es una fusión natural que se da entre músicos que provienen del mundo del jazz y los que vienen de la música clásica. Son partituras con un sentido jazzístico: se abren en la improvisación", explica Castillo.

Del ensamble al dúo, y en el festival se realizará otro estreno discográfico. Se trata de "Cosas del alma", una colección de canciones adaptadas a la intimidad de la voz y el piano, con la cantante Natalia Ramírez y el astro de 85 años Valentín Trujillo. En esta sola década ha grabado seis discos acompañando voces. "Elegimos el estilo pensando primero en Gershwin, pero luego Valentín me fue guiando hacia un antiguo repertorio latinoamericano de baladas. Encontramos material muy bonito y rescatamos música de Luis Bahamonde y de Jorge Pedreros", cuenta Ramírez. "Y también el bolero 'Cosas del alma', la canción que más le gusta a Valentín, la canta con sus nietos y siempre la enseña", agrega.

El programa del festival incluye al trío del pianista Pancho Aranda, al grupo de jazz fusión Quilín y a la cantante Paz Court con su Orquesta Florida, con la que ha grabado discos como "Cómeme revisitado". Programa en MataderoSantiagoJazz.cl.

Una Cenicienta inédita montarán 126 niños

El Mercurio

La Orquesta Sinfónica Juvenil de Panguipulli y dos coros suman fuerzas y ponen en escena el cuento musicalizado "La Cenicienta", de Pedro Humberto Allende, y la ópera "La Malen", de René Silva. Un estreno que dará qué hablar, y que es liderado por Felipe Castro y Rodolfo Fischer. 

Romina de la Sotta Donoso
Es el proyecto más ambicioso de la Corporación Amigos de Panguipulli. Desde enero, 126 niños y jóvenes están preparando el espectáculo "Cenicienta. Magia y Leyenda", que estrenarán el 30 de octubre en Panguipulli, para presentarse luego en Santiago.

El montaje será protagonizado por los 52 niños, de 8 a 18 años, que conforman la Orquesta Sinfónica Juvenil de Panguipulli, más un coro de 48 voces -que reúne a un coro sureño y al Coro de la Red de Colegios SIP-, y un cuerpo de baile de 12 niñas.

La dirección general es de Felipe Castro y el director musical es Rodolfo Fischer.

El punto de partida fue "La Cenicienta" (1948), de Pedro Humberto Allende. "Sabemos que la estrenó en el colegio de su hija y que no se ha vuelto a representar. La partitura indica un 'cuento musicalizado', lo que sugiere una representación teatral, con números musicales. Sin embargo, los textos originales no subsistieron, por lo que Felipe Castro hizo una adaptación teatral", comenta Fischer.

Castro hizo la régie de todo el espectáculo, por medio de una niña y su papai (abuela), que será interpretada por Elena Catripán. Así ligó el cuento de Allende con una ópera para niños que le comisionaron al compositor chileno René Silva (1984). "Su imaginación es mágica, ha compuesto bastante música asociada al pueblo mapuche, y dirigió la Juvenil Municipal de Paine durante 11 años. Él entiende, en carne propia, las reales capacidades técnicas de los niños para abordar un montaje de esta naturaleza", explica Fischer.

Siguiendo el consejo del poeta Elicura Chihuailaf, identificaron una leyenda local para trabajar con ella: la Niña de la Calavera. "Es la historia de Malen, hija de un lonko , que vive con su madrastra y su hermanastra. Le hacen un hechizo y su cara se convierte en una calavera. Para romper el hechizo, tiene que encontrar todos los huesos de un guerrero. Se interna en el bosque en esa búsqueda, y como es una niña muy bondadosa, en el camino ayuda a un puma herido, a una loica y a unos ratones. Y después, con la ayuda de los animales, rompe el hechizo", cuenta Silva. Su ópera se llama "La Malen". "Tiene varias partes tonales, pero además incorporé módulos aleatorios y la exploración de nuevos timbres. Los niños tienen que tocar, por ejemplo, pajaritos de agua, pifilkas y trutrucas; para ellos es como un juego, porque recrean bosques y aves, es decir, ¡su propio paisaje sonoro!", aclara Silva.

Coincide Felipe Castro: "Es sorprendente y emocionante ver a los niños cuando entienden que estamos hablando de sus bosques, sus ríos, sus montañas y de su volcán Choshuenco".

"Involucramos a toda la comunidad en un trabajo territorial, con temas que les pertenecen. La semana pasada, tres mil niños de los liceos de Panguipulli estuvieron hablando de ópera con el tenor pehuenche Miguel Ángel Pellao", agrega Castro.

"Hemos desarrollado un trabajo pedagógico en los colegios todo el año", confirma Pamela Calsow, directora de Cultura de la Corporación Amigos de Panguipulli, y cuenta que este proyecto lo financian a través de la Ley SEP (Subvención Escolar Preferencial).

La escenografía está a cargo de Marianela Camaño, y la están construyendo entre el Instituto IPG y la Corporación People Help People. "Paulina Catán ha ido varias veces a Panguipulli para confeccionar el vestuario con las mamás. Ahora mismo hay 400 personas trabajando en Panguipulli, y en el pueblo viven 3 mil", ratifica Calsow, y destaca el apoyo que han tenido del Teatro Municipal de Las Condes. Allí, el 9 de noviembre, se realizará una función para todo público ($10 mil), y dos presentaciones para vecinos e invitados. "Esperamos que este proyecto funcione como un puntapié inicial para que otros colegios también puedan desarrollar proyectos como este", cierra Calsow.

Matta inédito: exponen colección de 170 grabados jamás vistos en Chile

El Mercurio

El Museo de Arte Contemporáneo del Parque Forestal presentará, a partir del jueves, "Matta, obra gráfica 1943-1968. De la New School de Nueva York a la revolución intelectual del 68", una exposición que nos conecta con una época sumamente fructífera y creativa en la obra del más famoso artista chileno. Fue curada por Inés Ortega-Márquez. 

Daniela Silva Astorga
Avanzan los años 40 en Nueva York. Jackson Pollock, William Baziotes, Robert Motherwell y Mark Rothko, entre otros artistas, intercambian ideas y confeccionan su obra bajo el alero de un movimiento naciente. Una cruza, de tendencia informalista y matérica, entre el expresionismo abstracto y el surrealismo importado de Europa, que llaman The New School. El surrealista chileno Roberto Matta (1911-2002) también está ahí, adscrito a la corriente, tras escapar en 1939 de la II Guerra Mundial y de Europa (vivía en París). Y lo mismo ocurre con el grabador británico Stanley William Hayter -hoy considerado un emblema de la técnica en el siglo XX-, quien traslada su famoso Atelier 17 a la Gran Manzana.

Es allí, y marcado por todas estas confluencias, que Matta se inicia en el grabado, en 1943, con una serie de diez planchas de cobre en punta seca, que justamente titula "The New School". Pero que solo imprime en parte -la mitad de la decena-, antes de que las planchas se pierdan, siendo encontradas recién entre fines de los años 70 e inicios de los 80, momento en que sí son estampadas, con una tirada de solo 70 ejemplares, en el taller del francés Roland Sabatier.

Y ahora, a 75 años de esas exploraciones iniciales, ocurrirá un hecho histórico: uno de los cinco grabados impresos por Matta en 1943 será presentado, a partir de este jueves 25, en el Museo de Arte Contemporáneo del Parque Forestal (MAC), como parte de "Matta, obra gráfica 1943-1968. De la New School de Nueva York a la revolución intelectual del 68". Es una exposición curada por Inés Ortega-Márquez (1946) y constituye, a su vez, un absoluto hito: la componen más de 170 grabados, entre litografías, aguafuertes y aguatintas de mediano formato, que nunca antes se habían exhibido como conjunto, y que ahora se presentarán en compañía de una serie de objetos y libros del creador chileno.

"Matta ha sido fundamentalmente conocido como pintor y algo también como escultor, aunque esa producción suya sea menor. Entonces, como su obra gráfica se ha expuesto de forma aislada y principalmente a través de piezas de los años 70 y 80, me pareció importante dedicarme a investigar y a exhibir el resto de sus grabados, y en especial los correspondientes a sus años más fértiles y creativos, cuando él desarrolla todas sus hipótesis y exploraciones", comenta Ortega-Márquez, quien estableció amistad con el artista en los años 90 y ya ha organizado, en Chile y en el exterior, una decena de muestras con su obra -una de ellas fue "Matta Centenario 11.11.11", con más de 100 cuadros en el Centro Cultural La Moneda-.

Para componer esta exposición, en particular, la gestora se contactó con la familia propietaria de la Colección Inda Maldifassi, que facilitó la totalidad de las piezas que se desplegarán por el MAC del Parque Forestal hasta el 20 de enero.

"Esta exhibición tiene carácter de retrospectiva", enfatiza Ortega-Márquez. Y su comentario radica en que el conjunto de trabajos a exponer representa más del 90% de la obra gráfica que Matta produjo entre 1943 y 1975. La prueba de ello aparece en "Catalogue raisonné de L'oeuvre gravé de Roberto Matta", publicación elaborada por el artista Roland Sabatier y editada por Georges Visat -uno de los más importantes impresores de Matta-, que es considerada un índice, o el libro de cabecera, del grabado del chileno.

Las claves de un autor naciente

Francisco Brugnoli, director del MAC, concuerda con la curadora a la hora de destacar el período que comprende esta exposición como uno de los más relevantes de Matta: "Se trata del momento de un creador naciente, en el que comienzan a aparecer todas las claves de su obra y que anteceden al gran impulso de su trabajo. Entonces, al ver este conjunto podemos introducirnos en su proceso elaborativo interno, en todo el desarrollo de su subjetividad: en sus exploraciones de la noción del cubo, su concepto del surrealismo y su posterior interés en Sudamérica (así como en su concepción del hiperespacio y la teoría de los grandes transparentes, que trabaja con Marcel Duchamp). El grabado fue muy importante en su obra, produjo mucho, y al estar en el taller de Hayter hizo unas exploraciones del concepto del espacio totalmente inéditas y que fueron compartidas por otros artistas. Hay que imaginar lo que eso significó en el contexto de guerra y en el desarrollo del arte estadounidense". En este, Matta fue motor muy relevante hasta 1948, cuando decide regresar a París y se entera de que fue desvinculado del movimiento surrealista (al que se reintegra en 1959).

Otro determinante del valor de esta exposición es que, según explica Ortega-Márquez, para Matta el grabado fue equivalente en importancia a la pintura. Es decir, no confeccionó piezas gráficas como ensayos previos para sus cuadros ni como un mero divertimento. En sus distintas épocas, tanto sus telas como sus grabados evidencian las mismas preocupaciones.

"Me parecía relevante poner eso en valor -afirma la curadora-. Para Matta, el grabado representa igualmente una obra mayor, y plasma en él todos sus intereses, como sus inquietudes frente a la guerra y la humanidad que se viene abajo hasta llegar a una obra más lúdica, hippie y algo erótica, pasando por un trabajo bastante político. En conclusión, para él, el grabado es algo serio y solemne, que refleja su alma".

La muestra "Matta, obra gráfica 1943-1968" ocupará todo el primer piso del MAC Parque Forestal, y se dividirá en tres etapas, que fueron ordenadas de manera cronológica. La primera, marcada por sus morfologías subjetivas y su expresividad física, concluye en 1948. Y luego de la serie "The New School" -que se presenta íntegra en su edición de 1980, junto a un grabado original de 1943- continúa con las obras que Matta elaboró, en punta seca, para ilustrar la publicación "Les manifestes du Surréalisme suivis de Prolégomènes à un troisième manifeste du surréalisme ou non" (1946), de su amigo André Breton, quien lo introdujo en el surrealismo. Aunque del libro se imprimieron 508 ejemplares, solo se hicieron 58 copias de los grabados.

Luego, además, se presenta la última pieza gráfica que el artista confeccionó en EE.UU., titulada "I want to see it to believe it" (1947). "Ese trabajo refleja -apunta Ortega-Márquez- su proyecto conceptual del cubo abierto, una exploración entonces recurrente en torno a la percepción del espacio multidimensional. Se trata de un cubo pintado por sus caras interiores, para que el espectador lo perciba desde el centro, presenciando el futuro, el pasado y el presente".

Ya en esos tiempos, entre 1945 y 1947, Matta -impactado por las guerras y los horrores del mundo- comienza a perfilar lo que será su obra gráfica y pictórica durante la década del 50. "Se trata de trabajos mucho más políticos que cruzan todas sus exploraciones y su mundo conceptual -del cubo abierto y del hiperespacio- con los conflictos sociopolíticos de entonces. Con la II Guerra Mundial, la guerra de Vietnam, los juicios de Nuremberg, la base de Guantánamo", puntualiza Ortega-Márquez sobre el contenido del segundo apartado de esta exhibición.

Se titula "Los 50. Grabados y libros de artista", y en él se vislumbran mayores tintes figurativos en el trabajo del autor, quien busca generar conciencia de lo que está pasando en el mundo. Y, en la misma línea, junto a los grabados se presenta la única pintura de la curatoría: "Nacimiento de América" (c. 1952), que forma parte de la colección del MAC, y refleja el gran interés y sensibilidad que Matta desarrolló frente a la región.

Exploraciones y denuncias

Entre el recorrido dedicado a la década de los 50, además, destacan diversos trabajos que Matta realizó en alianza con poetas franceses, como Alain Jouffroy y Alain Bosquet. Y una de las series clave es "Vigies sur cibles" (1959), que el artista nacional creó para ilustrar el libro, del mismo nombre, del escritor Henri Michaux. De esos grabados, en el MAC se exhibirán ocho aguafuertes y aguatintas a color. "Pero entonces Matta construyó más planchas, que, al no ser impresas, guardó. Y años después, él las desarrolla con otro título e invita a Michaux a trabajar juntos. Él accede y termina escribiendo un poema que ilustra la obra del chileno", dice Ortega-Márquez.

En los años 60, el último período que aborda esta exposición, Matta comienza a desarrollar su arte alejado de tendencias y movimientos, pero mantiene e incluso remarca las referencias políticas de su creación. Y así, elabora trabajos bastante metafóricos en relación con, por ejemplo, los procesos revolucionarios de Cuba -país que entonces visitó varias veces, vinculándose a su proceso cultural- y las protestas de mayo de 1968, en Francia. De este capítulo de la exhibición, que componen más de 80 piezas, Ortega-Márquez destaca la serie "Come detta dentro vo significando" (1962), hecha bajo la inspiración de una frase de "La divina comedia", de Dante, correspondiente al Canto N° 24 de "El Purgatorio".

"De esa serie, referida al pecado de la gula, presentaremos, además de los grabados, las pruebas de artista, intervenidas con anotaciones de Matta. Lo que será muy interesante para el público, que podrá ver el proceso de la obra. Es algo tan bonito de mirar y bastante ilustrativo, pedagógico", comenta Ortega-Márquez.

Pero, igualmente, de la década del 60 son relevantes las piezas gráficas que Matta creó en relación a la base de Guantánamo -y que por su frágil materialidad hoy son muy difíciles de encontrar en buen estado-, junto a las series "Les Damnations" (1966) y "Un soleil un Vietnam" (1967), que fabrica para abordar la Revolución Rusa, la crisis de los misiles en Cuba o la guerra de Vietnam, entre otros temas. Y en contraste, como adelanta la curadora, la exposición concluye con grabados más lúdicos, algo eróticos y a veces irónicos, como los de las series "Les Venusiennes" y "Les Jupitiens", de 1967, sobre mujeres y hombres. O diversas otras litografías y aguafuertes/aguatintas hechas en la misma línea, como "Exhalar amor" (1968).

Nueva producción de "Norma" cierra la temporada lírica del Municipal

El Mercurio

Después de 18 años de ausencia, regresa esta monumental obra de Bellini a partir del 7 de noviembre. "Encontrar a una solista que cante en plenitud 'Casta diva' no es fácil", advierte Pedro-Pablo Prudencio, director residente de la Filarmónica de Santiago. 

Maureen Lennon Zaninovic
En el amplio y diverso mundo de la ópera hay pasajes musicales que los melómanos esperan con verdadero fervor. En "Norma", de Vincenzo Bellini, no cabe duda que ese momento es la plegaria de la protagonista en el primer acto, "Casta diva". Se trata de un aria de gran intimidad y delicadeza. Como comentó Giuseppe Verdi, en 1898, "estamos ante largas, largas, largas melodías, como nadie ha escrito antes que él".

Pero, además de ser una de las arias favoritas del público y un ejemplo magistral del talento melódico de Bellini, la plegaria de Norma también es única por otras razones. "En primer lugar, incluye una excepcional cantidad de repetición textual ('Casta diva, casta diva'), que disuelve el significado literal de las palabras, mientras que la cautivadora línea melódica parece apaciguar la ira del pueblo y su deseo de pasar a la acción", comenta Francesco Izzo, catedrático de Musicología en la Universidad de Southampton (Gran Bretaña). El experto añade que la entrada de "Norma" viene precedida de un extenso coro que se asemeja a un himno y a una marcha bélica, realzando las dos caras de su carácter público. "Norma es una sacerdotisa, pero también es una líder que tiene el poder de influir en asuntos políticos y militares. Es más, se vale de su liderazgo y carisma para perseguir sus propios propósitos, protegiendo a Pollione de la furia de los druidas", sentencia Izzo.

Para Pedro-Pablo Prudencio, director residente de la Filarmónica de Santiago, estamos ante uno de los títulos más desafiantes del bel canto , por eso es todo un hito que -después de 18 años- regrese al teatro de Agustinas con una nueva producción, a partir del 7 de noviembre (este título cerrará la temporada 2018 de escenario). "Encontrar a una solista que cante en plenitud 'Casta diva' no es fácil. Afortunadamente, las dos sopranos de nuestros dos elencos (Irina Churilova y Elizabeth Baldwin) están capacitadas para este reto y cuentan con un mismo color vocal. Las cantantes que darán vida a Adalgisa (Oksana Sekerina y Vlada Borovko) también son dos sopranos, a diferencia de otras producciones que han optado por mezzosopranos ". Prudencio agrega que la orquesta "tiene que estar plenamente preparada para este momento crucial: 'Casta diva' que parte con una melodía bastante simple y que después se transforma en una exclamación. En diversos escenarios, como la Scala de Milán, no se ha montado desde hace más de 40 años. "¡Impresionante¡ Sabemos que su debut, en 1831, fue un fracaso y hay distintas teorías de lo que pasó, entre otras que los cantantes hasta el último momento habrían estado ensayando el segundo acto y que llegaron al estreno sin fuerzas. Tras las críticas, los posteriores montajes fueron un éxito: 'Norma' fue la ópera que más se presentó en la primera mitad del siglo XIX y hasta bien avanzado el XX, en especial por las memorables interpretaciones de Maria Callas y la recientemente fallecida soprano Montserrat Caballé".

Un conflicto interior

Pedro-Pablo Prudencio, quien dirigirá a la Orquesta Filarmónica de Santiago en el elenco estelar, considera que estamos ante un título "desafiante, sobre todo por la interpretación de la partitura, sus bellas melodías y recitativos. Además, hay muchos elementos que -mirados desde una óptica contemporánea- pueden parecer poco lógicos, como un coro que en un momento aparece estático. Wagner fue un gran admirador de esta ópera, sobre todo por su elogio hacia la dignidad de la tragedia griega. Por otro lado, si bien fue compuesta en 1831, tiene elementos bien clásicos y que uno puede considerar conservadores. Hay muchas influencias beethovenianas; entre otras, el final de la obertura con arpa. Su tratamiento armónico e instrumental parece calcado del compositor nacido en Bonn". El director residente de la Filarmónica de Santiago afirma que "el foco de 'Norma' está en el conflicto emocional de la protagonista, en el conflicto interior de esta sacerdotisa que se termina inmolando, que se debate entre ser la heroína, la guía de su pueblo oprimido; versus la madre llena de amor y la mujer que ama al más feroz representante del enemigo. Ese conflicto está plasmado en todas sus arias y en sus intervenciones. También la partitura deja abierto el verdadero ser de Adalgisa. ¿Es ella realmente sincera o una serpiente? No nos queda tan claro".

La directora de escena Francesca Zambello, quien además es directora artística del Washington National Opera, en el Kennedy Center; está realizando su debut en el Municipal de Santiago y en la régie de este titulo. "A Frédéric Chambert, director de este teatro, lo conocí hace algunos años en la Ópera de París y me invitó a realizar mi estreno en este país. Antes había recibido proposiciones, pero mi agenda no me lo permitió". La profesional complementa que estamos ante "un montaje que no se da con regularidad, porque requiere voces muy virtuosas y siempre va a quedar como un modelo casi inalcanzable la interpretación de Maria Callas". Sobre su lectura de este título añade que Norma y el mundo de los druidas tienen que "ver con el universo terrenal, en contraposición a los romanos. Al igual que Verdi, Bellini compuso en un momento de grandes cambios. Aquí hay dos culturas enfrentadas por el amor y las diferencias religiosas. Una problemática que me sigue pareciendo actual por eso aunque no opté por una ambientación contemporánea o histórica, la situé en el siglo XIX, porque me parece un mundo mucho más reconocible para la audiencia".

Zambello también tiene matices en torno a la figura de Norma. "Usualmente, se la conoce como una mujer celosa, pero para mí no lo es. Es una mujer muy buena, que al final busca el bien de Adalgisa. Pollione rompió su promesa, no Adalgisa. Norma es una mujer religiosa, de espíritu noble, que busca a proteger a su pueblo de la guerra. La veo como una Indira Gandhi. Una mujer poderosa".

La soprano rusa Irina Churilova, quien abordará a la protagonista en el elenco internacional, comentó el jueves pasado en un encuentro de Detrás del telón -en el Municipal de Santiago- que protagonizar a la sacerdotisa druida es uno de "los retos más difíciles de mi carrera. Tuve la suerte de tener master classes con Montserrat Caballé y cuando le dije que iba a cantar este papel, me dijo impresionada: «¿'Norma'? ¡Oh! Yo estaba preparada para cantar 'Casta diva' pero no la cantidad de notas agudas que tiene toda la ópera. ¡Hay cerca de 23 notas agudas! Es mucha la coloratura»". La cantante remata: "Cuando uno escucha a la Callas o a la Caballé, no hay que compararse. Sus versiones son únicas y lo que uno tiene que hacer es buscar una voz propia".

"Norma", de Bellini
Municipal de Santiago
Desde el 7 de noviembre
Dirección musical: Konstantin Chudovsky / Pedro-Pablo Prudencio
Régie:  Francesca Zambello
Escenografía: Peter Davison
Vestuario: Jennifer Moeller
Iluminación: Mark Mc Cullough
Norma: Irina Churilova / Elizabeth Baldwin
Pollione: Sung Kyu Park / Kirill Zolochevskiy

8 propuestas para definir el perfil del nuevo director del Museo de Bellas Artes

El Mercurio

El polémico llamado a concurso para dirigir este museo -destinado solo a funcionarios públicos- será declarado desierto y con ello se abre la posibilidad de una convocatoria abierta. Les preguntamos a ocho especialistas sobre las características que debiera tener el próximo encargado del museo público de arte más importante del país y el más antiguo de América Latina. Y recordamos algunos directores emblemáticos, acciones e hitos de la historia reciente. 

CECILIA VALDÉS URRUTIA
Una "Carta al Director" de este medio encendió las alarmas: la esperada postulación para nuevo director o directora del Museo Nacional de Bellas Artes ya había sido convocada. Para sorpresa de todos, se había tomado un procedimiento en el que solo podían postular al cargo funcionarios públicos. Una situación inédita que habría quedado amarrada en la nueva ley del Ministerio de las Culturas y que fue percibida como claramente perjudicial. Si se trata de elegir al encargado del más importante museo público de bellas artes del país, ello exige características difíciles de encontrar en materia de saberes y sensibilidades, de carácter y liderazgo, de gestión y conocimiento del mundo privado y del circuito internacional.

La nueva autoridad tendrá que afrontar y superar, además, los escasos fondos que el Estado destina a este museo para nuevas exposiciones, los que fueron para este año de poco más de 300 millones de pesos, de un total de $1.368 millones, aproximado, para su ejercicio administrativo. A diferencia de otros museos o centros creados como corporaciones de derecho privado (Cultural de la Moneda, Museo de la Memoria) que reciben una cifra mayor de apoyo estatal. Asimismo, los museos nacionales como el de Bellas Artes tienen muchas más dificultades burocráticas a la hora de gestionar recursos del sector empresarial.

Al cierre de esta edición, fuentes confiables informaban a Artes y Letras que el primer llamado para encontrar director del MNBA será declarado desierto. Y muy luego se abrirá un "segundo llamado", esta vez, abierto a cualquier postulante que cumpla con los requisitos.

Directores históricos y más celebrados

La historia de este museo contiene muchos de los principales hitos políticos, sociales y culturales del país, partiendo por la muestra inaugural en 1910 con cientos de valiosas pinturas llegadas desde 16 países del mundo, en lo que constituyó el principal evento de las celebraciones del Centenario. Mientras la lista de sus directores dibuja un esquema con nombres de excelencia como el escritor y pintor Pedro Prado, director entre 1921 y 1923; el artista Camilo Mori, entre 1928 y 1929, o el fundador del Grupo Montparnasse, considerado el primer pintor abstracto en Chile, Luis Vargas Rosas, quien estuvo desde 1946 hasta 1970.

En 1970 asumió el arquitecto, pintor y gestor Nemesio Antúnez Zañartu, reconocido por su calidad humana, liderazgo y transversalidad. Dirigió el museo en dos períodos muy complejos del país: durante la Unidad Popular y a partir de 1990, con el retorno a la democracia. En los años 60 había sido director del Museo de Arte Contemporáneo y agregado cultural en Nueva York. Antúnez, como director del MNBA, remodeló el edificio y construyó la Sala Matta. Se reconoce su preocupación por salvaguardar la colección patrimonial de arte del museo en tiempos turbulentos.

Con el golpe militar, en 1973, fue designada en ese cargo otra eximia figura del arte y la cultura, la primera mujer en llegar a la dirección del museo: la escultora y maestra Lily Garafulic. Es reconocida por las profundas reformas que llevó a cabo, entre ellas, la creación del Laboratorio de Restauración y Conservación de obras de arte del museo.

Durante la administración de la periodista y crítica de arte Nena Ossa (1978-90) se creó la Fundación de Bellas Artes, con el objetivo de obtener fondos del sector privado. Inauguró la última muestra importante llegada desde el MoMA, la del artista estadounidense Robert Rauschenberg. Y en arte nacional hubo exhibiciones emblemáticas como "Aquellos años 80".

El regreso de Antúnez en 1990, con la elección del Presidente Patricio Aylwin, abrió el museo a un mayor público y trajo más muestras del exterior. Se centró en la difusión y enseñanza. Y a partir de 1993 vino la dirección del reconocido académico e investigador de historia del arte en Chile, Milan Ivelic (1993-2012), la que estuvo marcada por la estabilidad. Se amplió a más exposiciones de arte nacional, al rescate de figuras, y a la restauración del patrimonio. Inauguró muestras notables del exterior: Moore, Rodin, Degas, Stella, además de la exposición con originales de la cultura etrusca, entre otras. Fue, asimismo, objeto de algunas críticas, por no dar mayor espacio a la colección patrimonial y por curatorías débiles para determinadas muestras sobre esa misma colección. El resto de la historia es reciente y habla de una crisis en la gestión y en los objetivos del museo en el siglo XXI.

 "Es de esperar que en la elección no predomine la fidelidad política"
Ante los conflictos internos del MNBA, la tarea de la elección de la próxima directora o director de este museo parece particularmente compleja. Deberá tener la capacidad de enfrentar, organizar y cohesionar un equipo humano dividido, con todas las limitaciones, además, que tiene el sistema público. Es evidente que debiera ser una persona cuya disciplina esté vinculada con la historia y la teoría del arte, que sea reconocida y valorada en este ámbito por sus aportes y que tenga formación o experiencia probada en gestión del patrimonio y la articulación de equipos colaborativos. Pienso, además, que es fundamental que tenga un claro sentido de la misión pública de la cultura y que su capacidad de liderazgo no se vea empañada por un afán de figuración personal.

Es de esperar que en la elección no predomine su fidelidad política. A corto plazo, esto volvería al museo una institución aún más burocrática, en desmedro de su rol en la difusión, investigación y preservación del patrimonio artístico y de su condición de espacio abierto y formador de conciencias críticas de nuestra sociedad y cultura, condición al que todo museo de arte debiera aspirar.

Sandra Acattino es doctora en Filosofía con mención en Estética y Teoría del Arte. Directora del Magíster en Estudios de la Imagen de la Universidad Alberto Hurtado.

"El director es la imagen del museo en cualquier parte donde esté"
El perfil deseable para el director(a) del MNBA:

1.- Proceder del campo de las artes visuales, como creador con conocimientos de historia de arte, ojalá con posgrado en esa especialidad. También podría ser historiador del arte con especialidad correspondiente a contenidos propios del museo.

2.- Importante experiencia de gestión en instituciones culturales.

3.- Deseable que posea experiencia en docencia universitaria, requisito que ofrece garantías de idoneidad.

4.- Experiencia curatorial en toda su complejidad. Selección de artistas u obras, conocimiento de las condiciones que impone la arquitectura. Montaje de obras en coherencia con el discurso que respalda la curatoría. Manejo de iluminación y de las condiciones climáticas especiales a cada montaje.

5.- Capacidad de dirección de actividades editoriales, de prensa y diseño, las cuales deben obedecer a una imagen y carácter corporativo.

6.- Experiencia en jefaturas académicas o administrativas.

7.- Capacidad de relaciones sociales. El director es la imagen del museo en cualquier lugar donde esté. Debe además tener la capacidad de trabajar con un directorio, consejo asesor y una posible corporación privada que colabora con la tarea institucional.

8.- Manejo de idiomas, inglés es fundamental.

Francisco Brugnoli es director del Museo de Arte Contemporáneo de la Universidad de Chile, ex decano Facultad de Artes U. de Chile.

"La designación será una oportunidad para revisar y afinar las funciones del museo"
Trazar un perfil del futuro director del Museo de Bellas Artes requiere aludir a los objetivos y misión de esta institución. Actualmente, estas funciones están en parte desdibujadas, en particular su rol patrimonial y sus relaciones con la gestión y exhibición de arte contemporáneo. La designación será una oportunidad para revisar y afinar las funciones del museo que expone, investiga, protege, conserva y difunde las colecciones de "bellas artes". El elegido tendrá que poseer conocimientos de historia del arte universal e historia del arte chileno, teoría y estética; manejar información del área curatorial y especialmente de museología, que permitan mejorar las "puestas en escena" de las muestras. Su comprensión de las diferencias entre un Museo de Bellas Artes y uno de Arte contemporáneo le permitirá graduar la proporción de exposiciones sobre artistas recientes. Mejorar la calidad y difusión de las muestras requiere de investigación. Para ello son importantes cualidades de carácter -empatía, buen trato, "habilidades blandas"- que favorezcan la formación de equipos afiatados y eficientes. Su manejo de temas de conservación y restauración contribuirá al resguardo y exhibición de las piezas. Para la captación de recursos, difusión y atracción de audiencias debe manejar habilidades de gestor, poseer contactos nacionales e internacionales que le permitan "poner al día al museo".

Isabel Cruz es Doctora en historia del arte. Miembro de la Academia Chilena de la Historia

"Debe crear confianza en el empresariado culto para conseguir fondos"
La mujer o el hombre que asuma la dirección del museo debe tener conciencia de los sucesos importantes de la historia de la cultura visual y las obras de arte que se muestran en un lugar que ha ido impregnándose de una suerte de sacralidad cultural, como es el museo. Tendrá que asumir tres tareas fundamentales: la más importante es la conservación y difusión del patrimonio que el museo custodia; hacer del museo el lugar de llegada de las grandes exposiciones internacionales y conservarlo como lugar de consagración de los artistas visuales.

Para hacerlo, debe ser capaz de conectarse con sus pares de los museos de Latinoamérica y el mundo; manejar con destreza el equipo de especialistas del museo; saber moverse en el aparato cultural del Estado; crear confianza en el empresariado culto para conseguir fondos. Promover donaciones de nuevas colecciones en manos de particulares. Y lo más importante es que tenga conciencia de su posición de figura clave en la misión de difundir la cultura que hemos generado los artistas. Dar a conocer el tesoro que el museo encierra, a un pueblo que avanza en forma creciente a un estado de miseria cultural.

Francisco Gazitúa es escultor. Miembro de la Academia de Bellas Artes

"Es relevante que pueda establecer vínculos sólidos con instituciones extranjeras"
Debiera ser una persona con iniciativa y entusiasmo por contribuir a la difusión y promoción del patrimonio artístico nacional. No debe tener color político y obviamente, ser probo. Es muy importante que tenga aptitudes para el levantamiento de fondos, saber y conocer qué ofrece, por qué y para qué.

Trascendental resulta que posea una visión a corto, mediano y largo plazo; un plan de desarrollo, un proyecto con metas medibles. De la misma manera, debe ser una persona que incentive otros aparatos propios de la actividad museal, como el fortalecimiento de la mediación -abriéndose a diferentes públicos-; la conservación y restauración de sus colecciones y puesta en valor; la adquisición permanente de nuevas piezas.

Sería de gran valor para un país tan aislado como el nuestro, que el museo tenga acceso a muestras internacionales de artistas que estén marcando tendencia o hayan dejado huella en los lenguajes de las artes visuales. Por eso es relevante que pueda establecer vínculos sólidos con instituciones extranjeras -o bien artistas- dispuestos a prestar sus obras. Debe saber asesorarse por curadores reconocidos y establecer una línea editorial clara y definida, velando por la excelencia.

Daniela Rosenfeld G., licenciada en Estética. Directora de Extensión Cultural de la UC

"Debe estudiar la factibilidad de construir un nuevo museo de arte contemporáneo"
El nuevo director debería tener estudios de Historia del Arte, conexiones internacionales en el mundo de los museos y saber de gestión, para que junto a los fondos que provee el Estado -que deben incrementarse- pueda levantar fondos de fundaciones nacionales y extranjeras, junto a donaciones de la empresa privada.

Tendría que profesionalizar y actualizar el MNBA. Tiene que ser capaz de realizar cambios de estructura, y pensar en el museo que se requiere en el siglo 21. El museo es una edificación de comienzos del siglo 20, con algunas modificaciones posteriores y sus salas no están adecuadas para mostrar obras de arte contemporáneo. El actual edificio debiera exhibir, principalmente, las colecciones de arte colonial, clásico y moderno; por tanto, el nuevo director tendría que estudiar la factibilidad de construir un nuevo museo de arte contemporáneo, de alto nivel, para poder mostrar arte actual.

Y es de vital importancia, para mantener activo un museo, la realización de exposiciones temporales, de artistas nacionales e internacionales, llevar exposiciones a regiones y abrir el museo a actividades con la comunidad. Pero sin dinero, como ha funcionado el museo hasta este momento, no veo posibilidad alguna de que un nuevo director pueda sacar adelante esta labor".

Benjamín Lira es artista visual, miembro de la Academia de Bellas Artes

"Yo lo intervendría, nombrando a una persona como Carlos Aldunate"
Quien asuma la dirección del museo debe entender que toda autoridad de museo asume un cargo político. Es ingenuo pensar que se trata solo de una cuestión de especialistas. El museo está en ruinas en cuanto a su programación, convertido en un centro cultural con exposiciones de nivel muy disparejo y debilitado estructuralmente, producto de los problemas que se revelaron a partir de la destitución del último director. Por lo anterior, las competencias que tiene que tener quien esté a cargo van más allá de guiar un museo. Es una entidad que ha sido debilitada por el modelo de gestión que ha tenido en los últimos 30 años, con presupuestos miserables y un concepto de curatorías personales, muy alejado de la investigación histórica e historiográfica que debiera ser su principal labor. Ahora, si fuera por mí, simplemente lo intervendría, nombrando a una persona como Carlos Aldunate como director, para que por fin lo lidere alguien de comprobada excelencia y probidad, y se haga cargo de regularizar la marcha a nivel administrativo, curatorial, historiográfico y económico.

Pablo Chiuminatto es doctor en filosofía con mención en estética y teoría del arte. Profesor PUC

"Hay una evidente crisis del formato tradicional de museo para dar cuenta de una situación desbordada del arte contemporáneo"
Primero debemos saber cómo es el Museo de Bellas Artes que queremos, o mejor dicho, el "Museo que hoy Chile necesita". Sin duda, una definición pendiente. Hay una evidente crisis del formato tradicional de "museo" para dar cuenta de una situación desbordada del arte contemporáneo respecto de sus ideas, medios y soportes, imposibles de contener dentro de los espacios convencionales e incluso reticentes a una inscripción sesgada a la denominación de "arte" a secas.

Todo esto hace pensar que es el momento de dar un salto cualitativo en cuanto a concebir sus paradigmas, gestión y mecanismos de divulgación. La institucionalidad y el sistema del arte en Chile ha crecido, se ha diversificado y también descentralizado, las viejas lógicas caseras que han prevalecido en su administración son insuficientes y extemporáneas. Y en ese contexto nuevo, la orfandad por parte del Estado de Chile es impresentable, pero especialmente por la valoración e interés que la sociedad actual le entrega al arte como construcción de imaginario y representación simbólica para un mundo en crisis.

El Museo Nacional de Bellas Artes es de algún modo el buque insignia de nuestra institucionalidad artística por su presencia, identidad, envergadura y patrimonio, su posición jerárquica lo obliga a orientar, educar, integrar y dialogar. Dicho esto, no me queda más por señalar que el perfil del nuevo director debe contemplar la capacidad de encabezar una misión previamente establecida (y no desarrollar su propio proyecto).

Enrique Zamudio es Decano de la Facultad de Arte de la Universidad Finis Terrae

Una recuperada y energética Shakira trae una avalancha de éxitos al Estadio Nacional

El Mercurio


"El Mercurio" vio en Chicago la gira con la que la cantante colombiana regresa al país este 30 de octubre. Un show dinámico, concentrado en sus hits y con una artista poseída por el baile. 

José Vásquez
Chicago El recinto es una arena multiuso, pero cada rincón recuerda la gloria. El United Center de Chicago es el hogar de los Blackhawks, de la NHL, la liga de hockey sobre hielo estadounidense, y también de los populares Chicago Bulls, de la NBA, donde hizo historia Michael Jordan, quien aparece en uno de los pasillos de ingreso, materializado en una gran estatua volando hacia un clavado.

Adentro hay más representaciones de figuras como Scottie Pippen y toda clase de merchandising que de pronto se comienzan a latinizar con un pelotón de camisetas amarillas de la selección de fútbol colombiana, banderas de ese país, de México y de diferentes naciones de Centroamérica, instaurando por paliza el idioma español muy cerca del centro neurálgico de la ciudad.

Shakira repleta el arena con capacidad para más de 23 mil personas en el tramo estadounidense de su gira "El Dorado", titulada igual que su último disco, lanzado en mayo de 2017. Un tour repleto de éxitos y que debió postergar su comienzo planificado inicialmente para noviembre de 2017 por una hemorragia en las cuerdas vocales de la cantante, que entonces derrumbó todos sus planes artísticos y que recién retomó en junio pasado. Un viaje que la tendrá de regreso en Chile donde se presentará el próximo 30 de octubre en el Estadio Nacional, el mismo recinto donde actuó por última vez en el país en 2011.

Ni ciega, ni menos sordomuda

El inicio es visual, con un recorrido fotográfico de su vida, desde que era bebé. El escenario en apariencia es simple, aunque de grandes dimensiones con una gran pantalla gigante posterior, que a cada costado tiene otras pantallas circulares proyectando los momentos en la historia de la intérprete, que de pronto aparece brincando y cantando al ritmo de una remixada versión de "Estoy aquí" que empalma de inmediato con otro éxito de su primera etapa artística, "¿Dónde estás corazón?", los dos primeros sencillos de su carrera lanzados hace 23 años.

Pero el recorrido cronológico se quiebra de inmediato saltando de lleno a su período bilingüe modelo siglo 21. El montaje se oscurece y por los monitores se oyen aullidos de lobo. Hay efectos de humo que simulan niebla y la colombiana aparece encadenada al centro del escenario antes de liberarse con sus conocidas contorsiones de cadera para interpretar "She wolf".

El escenario tiene una extensa pasarela que Shakira recorre durante todo el espectáculo, bailando energética durante gran parte del concierto, apoyada por una banda de cinco músicos que la acompaña en esta batería de éxitos que vuelve al español para "Si te vas" y "Nada", tema de su último álbum, en el que hace una pausa para agradecer al público por estar junto a ella "en los tiempos buenos y malos, sobre todo en los últimos meses, donde pensé que no iba a poder estar frente a ustedes otra vez", dice, haciendo referencia a sus problemas vocales que cada vez que se acerca el micrófono ahora demuestra superados.

La fiesta sigue con su acercamiento al reggaetón de "Perro fiel", grabada junto a Nicky Jam que se hace presente por las pantallas y de ahí de regreso al inglés con la balada "Underneath your clothes". La energía vuelve a subir con "Me enamoré", también a ritmo urbano, para luego dar paso a otra balada de su primera etapa, "Inevitable", incluida en su segundo álbum, "¿Dónde están los ladrones?". Un ritmo zigzagueante para un primer tramo del show que cierra otra vez con el reggaetón de "Chantaje", éxito que grabó a dúo con Maluma, antes de desaparecer del escenario para su primer cambio de vestuario.

Shakira vuelve con su conocido caderín en la cintura para bailar "Whenever, whenever" que explota en confeti, para luego desaparecer para otro cambio de vestuario y regresar con una guitarra que trae impresa a su familia para cantar "Amarillo", un instrumento que proyecta por las pantallas gigantes como para acallar los rumores de problemas con su esposo, el futbolista del Barcelona Gerard Piqué.

Luego pasan "La tortura", que grabó con Alejandro Sanz; "Can't remember to forget you", a ritmo de reggae -que finaliza con ella tocando la batería-, y un mix de los temas "Loca" y "Rabiosa" antes de los himnos de los mundiales de fútbol de Brasil 2014 "La La La" y Sudáfrica 2010 con el "Waka Waka", muy cerca del final para despedirse por primera vez.

Regresa en un bis desde un pequeño segundo escenario ubicado al final de la cancha para cantar desde ahí "Hips don't lie" y luego volver junto a su banda para acabar todo con otra explosión de confeti y "La bicicleta", que grabó junto a Carlos Vives, cerrando una fiesta que bordeó las dos horas de duración.

Invitada nacional
Francisca Valenzuela será la artista que abrirá el concierto de Shakira en el Estadio Nacional, mismo recinto en el que coincidieron en 2011 para la última vez de la colombiana en el país, durante el denominado Pop Festival.

sábado, octubre 20, 2018

El anuncio de la Fundación Nicanor Parra enfrenta a sus hijos

El Mercurio

Colombina Parra asegura tener un poder de 2001 con el mandato de su padre para crear la fundación y de hecho ya la constituyó. Mientras, sus hermanos mayores Catalina y Alberto rechazan el proyecto y su abogado plantea que "la integridad del legado del poeta está bajo amenaza". 

Roberto Careaga C.
El pasado 5 de septiembre, la casa de Nicanor Parra de Las Cruces estuvo abierta para la comunidad. Era parte de la celebración del primer cumpleaños del poeta tras su muerte y contempló varias actividades culturales en el balneario. Entre los preparativos, ordenar la casa fue decisivo, pero no fue un trabajo de última hora: en los últimos meses, Colombina Parra y Cristóbal "Tololo" Ugarte, hija y nieto del escritor, respectivamente, han estado supervisando el ordenamiento y clasificación de los bienes que dejó Parra. Lo que, entre otras cosas, también se ha traducido en renovar su casa de La Reina. Las labores se enmarcan en un proyecto mayor, crear la Fundación Nicanor Parra. La idea ya está en los ajustes finales, pero una parte de la familia podría obstaculizar el plan. Los hijos mayores del autor, Catalina y Alberto, no han entregado su consentimiento para la fundación.

"No puede haber ninguna fundación que lleve siquiera el nombre Nicanor Parra sin consentimiento de todos los herederos. Mientras no haya un acuerdo, ningún 'cuaderno' o 'artefacto', ningún derecho de autor y, en general, ningún bien puede ser adscrito a una fundación simplemente porque la ley lo prohíbe", dice a "El Mercurio" el abogado Jorge Meneses, parte del estudio Grasty Quintana Majlis y Cía., quien representa a Catalina y Alberto Parra desde poco después de la muerte de su padre, el 23 de enero pasado. Si tomaron su representación es porque han tenido diferencias tan radicales con el resto de los herederos de Parra, que en junio pasado presentaron una demanda civil solicitando la nulidad del testamento de su padre, que designa a Colombina como albacea de la herencia.

Presentada dicha acción legal, la relación entre los hijos de Parra ha estado dividida: representados por el abogado Luis Valentín Ferrada están los hermanos Juan de Dios Parra, Ricardo y Ana Francisca, junto a Colombina, no solo albacea en el testamento, sino heredera de "la cuarta de mejoras y la cuarta libre" -que en total le entrega el 58,33% del patrimonio-. Ella, sin embargo, habría cedido esos privilegios a la fundación. Por el otro lado, Catalina y Alberto, actualmente en Estados Unidos y Noruega, respectivamente, tienen a su abogado apuntando a Colombina: tras solicitar la nulidad del testamento, el abogado Jorge Meneses sostiene que "no hemos tenido comunicación alguna de la supuesta albacea, ni de las labores de inventario o resguardo patrimonial que entretanto no se declare la nulidad del testamento le correspondería cumplir".

La fundación de Parra

Ante los cuestionamientos a la labor de inventario, el abogado Luis Valentín Ferrada asegura que ya está "completamente concluido, y como todo el país sabe, lo realizó la Universidad Católica. Fue muy riguroso y está hasta el último alfiler". Y ante el reclamo del abogado de Catalina y Alberto, de que no habría mostrado los avances, sostiene que "bastaría que me lo hubieran pedido".

Pero hay algo más de lo cual Alberto y Catalina no están informados: que en 2001, cuando tenía 87 años, Nicanor Parra le entregó un poder a Colombina para que llevara adelante una fundación con su nombre. Así lo cuenta Ferrada, y de hecho, la Fundación Nicanor Parra ya ha sido constituida y están en los últimos pasos legales. Para tales efectos, informa el abogado, Colombina cedió a la fundación los derechos hereditarios que Nicanor le dejó expresamente -la cuarta libre y cuarta de mejoras-, quedándose solo con lo que le corresponde como hija (un sexto del patrimonio).

"Lo que Colombina está haciendo como apoderada de Nicanor Parra, con independencia del testamento y en virtud de este poder del año 2001, es proceder a la creación de la fundación y dotarla de los medios para que pueda funcionar. En esto no lleva ningún privilegio ni aspira a tener un peso más de lo que le corresponde como heredera normal", asegura Ferrada.

Estos hechos, según Ferrada, anulan los cuestionamientos que hace la representación legal de Catalina y Alberto a la fundación. Pero el abogado Jorge Meneses sostiene que "de existir un mandato como aquel, se extinguió luego de que don Nicanor falleciera".

Acciones contra Colombina

Actualmente, las relaciones entre las partes están congeladas. El abogado Jorge Meneses sostiene que lo que viene será en tribunales: informa que se han interpuesto acciones legales para que Colombina entregue detalles sobre su gestión con el legado del poeta y también otra para que las casas de Parra sean desalojadas por cualquier residente. Y añade algo más sobre la fundación: "Ellos no nos han llamado, no han propuesto nada, y comprenderá que luego de haberse confabulado nada menos que un testamento, actualmente no hay confianzas. No es el momento de hablar de gestiones de legados, ni de museos o fundaciones".

-¿Por qué se les hizo necesario pedir a la justicia el detalle de la gestión de albacea de Colombina?

"De acuerdo a información fidedigna que hemos recibido por otros medios, Colombina no está cumpliendo su rol aparente de albacea. Doña Catalina y don Alberto no están disponibles para esta injusticia, no quieren que los pisoteen y que los mismos que siempre vivieron a expensas de don Nicanor lo sigan haciendo, y menos aún armando testamentos o escondiendo bienes. La preservación e integridad del legado de don Nicanor, en este ambiente de conflicto y de ocultación, claramente está bajo amenaza, y por ello es que, además de la nulidad del testamento, se ha hecho necesario iniciar otras acciones judiciales y, en este contexto, ya hemos solicitado la guarda y aposición de sellos (cierre con llave) para las casas de La Reina y Las Cruces. Colombina debe rendir cuenta de todo lo que ha hecho y, con mayor razón, de todo lo que ha dejado de hacer".

-¿Por qué pidieron que se cerrara la casa de La Reina?

"Aquí, independiente del ideal de preservación de la obra de don Nicanor, entretanto no haya un acuerdo entre los herederos, no hay ninguna razón para que un grupo familiar utilice la casa de La Reina. Esta casa estuvo prácticamente abandonada, y quienes tuvieron la responsabilidad de cuidarla facilitaron que entraran personas extrañas, que robaron mucho, que la desvalijaron de manera importante. Fue de esta misma casa que muchos de los denominados 'cuadernos' de don Nicanor fueron sustraídos para venta a coleccionistas y terceros. Incluso, el hijo menor de don Nicanor, Juan de Dios, reconoció que vendió cuadernos y papeles de su padre. Es inexplicable que todo aquello haya ocurrido a los ojos de quienes hoy dicen ser los guardianes del legado material de don Nicanor".

Bandcamp: La tienda de discos del futuro

El Mercurio

Con un sistema híbrido que integra streaming con pagos directos a los artistas, podcasts y blogs con entrevistas, reseñas y compilados, la plataforma busca llevar la experiencia de los viejos locales de música a la era digital. 

Patricio Zenklussen
El streaming ya es un hecho y aplicaciones como Spotify o Apple Music, que algunos años atrás aparecían como una rareza a la que solo accedían los fanáticos de la tecnología, hoy se han convertido en un infaltable del kit del ciudadano digital. Los números lo confirman: según datos presentados por la Federación Internacional de la Industria Fonográfica en su Global Music Report, 2017 fue el año en el que estas plataformas superaron, por primera vez en la historia, a la venta de música en formatos físicos.

Pero junto con las bondades que trae la capacidad de acceder a un catálogo de más de 35 millones de canciones con tan solo un toque de pantalla también surgen algunas preguntas, especialmente en términos de industria, que no tienen respuestas tan claras o simples: ¿Cómo se les paga a los artistas en Spotify? ¿Reciben las mismas ganancias que por, digamos, la venta de un CD o un vinilo? ¿Cuánto vale la reproducción de una canción? ¿Y descargar el álbum completo para escuchar cuando no hay internet? ¿Ganan todos los artistas por igual?

Buscando aclarar estos cuestionamientos y con la meta de establecer un modelo de distribución musical digital que pudiese asegurar un pago justo y transparente a los artistas, nació Bandcamp, la compañía que promete "crear el mejor servicio posible para artistas y sellos, para que puedan generar ganancias con su música, y para que sus seguidores y fanáticos puedan descubrirla y disfrutarla".

La plataforma, un híbrido entre la tienda iTunes y aplicaciones masivas de streaming , pero con un fuerte enfoque en músicos independientes, plantea un funcionamiento muy simple. Los artistas crean una página en la cual pueden subir su música sin ningún tipo de costo. Las canciones pueden ser escuchadas por los fanáticos a través de la aplicación o el sitio web de la plataforma y compradas por estos a un precio o rango establecido por el autor, y luego, de las ventas concretadas, Bandcamp recauda un 15% y el 85% restante que va directamente a los artistas, en pagos diarios. En los poco más de diez años de historia de la compañía, el formato ha demostrado ser efectivo: los fanáticos han pagado más de US$ 320 millones a artistas a través del sitio, y actualmente se genera un promedio de US$ 7 millones mensuales bajo este mismo concepto.

"Como solamente ganamos cuando los artistas ganan mucha plata, nuestros intereses se mantienen alineados con los de la comunidad a la que servimos. Es un enfoque sencillo, y nos alegra decir que funciona bien", lee el manifiesto de la empresa, publicado en su sitio web.

Experiencia completa

Pero la labor de Bandcamp va mucho más allá de su modelo de comercialización. En los últimos años, aprovechando la explosión mediática experimentada, la compañía implementó una serie de herramientas y complementos que le han permitido rescatar la experiencia de 'tienda de discos' que muchos fanáticos añoran.

Como punto de partida, vale destacar que Bandcamp es el hogar de más de 600 mil artistas y aproximadamente 3.500 sellos discográficos. En su catálogo se encuentra una variedad riquísima: desde discos de las leyendas del hip-hop De La Soul, o el pop ambiental de Cigarettes After Sex; hasta álbumes perdidos de colosos del jazz como Thelonius Monk o Charles Mingus; o la banda sonora del filme "Mandy", la última compuesta por el fallecido Jóhann Jóhannsson.

Y en esa misión por encontrar un disco, la sección de búsqueda se convierte en la herramienta perfecta, con filtros que permiten segmentar por género, estilos, fecha de lanzamiento, lugar de procedencia de la música y popularidad entre los fanáticos.

Pero eso no es todo. ¿Recuerda cuando al llegar el fin de semana el destino invariable era el videoclub?, ¿cuando antes de elegir qué película arrendar charlaba con el muchacho de la caja, o con el colega feligrés con el que se topaba siempre en el pasillo de estrenos? De la misma manera, Bandcamp tiene el "Fan Spotlight" en el que seguidores, invitados especiales y a veces los mismos artistas seleccionan y recomiendan álbumes y canciones.

Adicionalmente, el sitio ha creado dos boletines -"Daily" y "Weekly"- que permiten ahondar en el viaje de descubrimiento musical. El primero de ellos, un blog publicado diariamente, incorpora artículos y entrevistas con los artistas más llamativos del momento: "Diez bandas de rock progresivo con un toque anárquico" o "Thalia Zedek, heroína del rock indie" son algunos títulos de ejemplo. El segundo, de régimen semanal y grabado en podcast , es un programa radial con anfitriones que cambian de edición en edición, y que destacan lo mejor de la plataforma en formato sonoro.

Pero no solo de bits y clics se trata esto, pues la plataforma también permite a los artistas vender CD, vinilos, casetes, poleras y todo tipo de merchandising bajo un sistema de regalías similar. En definitiva, lo más cerca que se puede estar de una disquería.

"Ninguno de los grandes servicios de streaming se hace cargo del fanatismo en torno a la música. Cuando me gusta una canción o un artista, no solo me gusta como para escucharlo un par de veces, sino también como para comprar la versión en vinilo del álbum, o una camiseta; ir a sus conciertos o quizás poner un póster de ellos en la pared", comenta su fundador, Ethan Diamond. "Es esa clase de compromiso el que Bandcamp quiere ofrecer".

El streaming está cambiando tu festival de música favorito

El Mercurio

Lejos estamos de la época en que los grandes eventos de música seguían una línea editorial marcada. En los tiempos de Spotify, la manera cómo se arma el lineup de un festival tiene más que ver con las reproducciones de los artistas en las plataformas virtuales que con el gusto personal de sus organizadores. 

Hernán Carrasco C.
El panorama este año fue casi el mismo: los grandes festivales del mundo lucían en sus lineups a los mismos cabezas de cartel, algo que se está transformando en tendencia en los últimos años.

The Weeknd, Eminem, Jack White, Arctic Monkeys, Odesza, Post Malone, The Killers, Dua Lipa y Travis Scott fueron nombres que se repitieron en festivales norteamericanos como Coachella, Lollapalooza, Bonnaroo, Governors Ball y Outside Lands, y en europeos como Reading & Leeds, Rock Werchter, Mad Cool y Big Weekend. Así los eventos que más diversidad incorporaron en sus lineups este año fueron el español Primavera Sound y el sueco Way Out West. El resto de los festivales tenía prácticamente la misma hoja de ruta.

¿Se están quedando sin ideas los organizadores de estos eventos? ¿O hay algo más que está pasando?

Si bien la respuesta no es solo una, hay un factor casi determinante a la hora de entender esta monotonía para armar un festival de música y ese es el streaming . Son cada vez más los eventos que están apoyándose en la data que les entregan estas plataformas de escucha para determinar a que artistas deben contratar para sus carteles. La ecuación parece ser sencilla: entre más reproducciones tiene un artista, más chances hay que aquellos que lo escuchan regularmente, compren un ticket para verlo en un festival. Tomemos como ejemplo a la cantante británica Dua Lipa. Según datos recogidos en Spotify, la inglesa tiene más de 39 millones de oyentes mensuales en esa plataforma (novena entre las más oídas del planeta) y seis millones de seguidores. Mientras que los cinco lugares donde más se la escucha en el mundo -ordenados por cantidad de streamings - son: Londres, Ciudad de México, Sao Paulo, Santiago y Ciudad Quezón (Filipinas).

Entre la capital chilena y la brasileña, suman 1,2 millones de oyentes mensuales, por lo que podemos decir, sin temor a equivocarnos, que Dua Lipa es un hit en América Latina. ¿Sería raro verla como una de las artistas estelares del próximo Lollapalooza Chile y Brasil? Para nada. Sería una apuesta casi segura por parte de los organizadores. Solo basta que un pequeño porcentaje de aquellos que la escuchan regularmente en nuestro país compre un ticket festivalero para que el negocio sea rentable. Así funciona la modalidad de bookear artistas basándose en la cantidad de reproducciones que tienen. Además, entre más populares sean en ese momento, más "atractivo" se verá el festival.

Bajo esa lógica se puede comprender que artistas como la propia Dua Lipa o Post Malone estén casi en la misma línea en un festival que también tiene a Pearl Jam o Red Hot Chili Peppers en su lineup , bandas mucho más populares y con muchísima más trayectoria que esos jóvenes actos que sólo tienen un álbum en su discografía. Económicamente tener a "lo que está de moda" es rentable, pero ¿qué pasa con la coherencia al armar un festival? Al parecer esa es batalla perdida en la era Spotify.

Pérdida de identidad

El californiano festival Coachella, uno de los más populares del mundo, nació en 1999 como un estandarte para la música alternativa, contratando artistas por su talento y no por su popularidad del momento o por las veces que sonaban en la radio. En su primera edición contó con artistas como Beck, The Chemical Brothers, Tool, Morrissey, Rage Against the Machine, Jurassic 5 y Underworld. Ninguno de esos actos estaba en los primeros lugares de Billboard.

La apuesta en ese entonces era hacer un festival con una línea editorial marcada y apegada a "lo alternativo". Un festival con identidad propia. Diecinueve años después, el cartel de Coachella 2018 entrega en sus primeras líneas nombres como The Weeknd, Kygo, Beyoncé, Post Malone, Eminem, Odesza, Cardi B y Brockhampton. Varios de ellos están en puestos de avanzada en el Billboard. La identidad que alguna vez tuvo ese festival se perdió hace años atrás. Algo similar ocurrió con Bonnaroo, festival que se realiza todos los años en Tennessee, Estados Unidos. Hasta hace unos años atrás era poco probable que este evento que se centraba más en el folk y lo alternativo -y que 2013 juntó a Paul McCartney, Tom Petty & The Heartbreakers, Björk, Mumford and Sons, Wilco y Wu-Tang Clan como headliners - tuviera en sus puestos de avanzada a actos de música electrónica como Bassnectar o Kaskade, ambos protagonistas de su edición 2018. En la misma línea aparecen la ya mencionada Dua Lipa y Khalid, otro de los artistas jóvenes más streameados del momento. ¿Sus cabezas de cartel de este año? The Killers, Eminem y Muse, nombres que se repitieron en varios festivales más este año.

Este monótono panorama se repite prácticamente en todos los eventos musicales; por lo tanto, el público ya no encuentra grandes diferencias a la hora de elegir a qué festival asistir. Lo que vende ahora es la "experiencia". ¿Quieres ir donde tocan los artistas más populares de Spotify y que en el público haya celebridades? Coachella es tu lugar. ¿Quieres disfrutar de buena comida y ver a esos actos de música electrónica que dominan los rankings? Outside Lands en San Francisco puede ser tu festival. Es por esa razón que en los últimos años estos eventos también han aumentado sus ofertas en el ítem de la "experiencia". Así nacen los pases festivaleros con derecho a palcos preferenciales, comida y transporte motorizado al interior del festival. Algunos incluso ofrecen ver el show desde un costado del escenario. Esos tickets los encontrarás con nombres como Platinium, Gold, Diamond y VIP. Al parecer a la gente ya no le importa tanto si el lineup tiene a esas bandas que los emocionan, lo que cuenta es estar ahí y poder subirlo a las historias de Instagram.

Ha llegado a tanto la influencia de Spotify en la actividad festivalera que la aplicación es capaz de usar el historial de las canciones que escuchas para encontrar tu festival "ideal". A través de una alianza con el sitio web Festicket, tus hábitos de escucha te permiten encontrar tu evento "ideal", conseguir pasajes hacia ese lugar y las acomodaciones necesarias para hospedarte esos días festivaleros. Todo eso con un sólo clic. Festicket tiene en su base de datos más de mil festivales en más de cincuenta países y según información de su página, desde 2012 han hecho viajar a casi un millón de personas alrededor del mundo para ver a sus artistas favoritos. Algo que están tomando en cuenta los organizadores de estos eventos, donde ya empiezan a acuñar el término "Spotify friendly" -utilizado también en los sellos discográficos- para referirse a los artistas que podrían darles un buen rédito económico si son parte de su festival. En la era de Spotify todo cambia, incluso tu festival de música favorito.

¿A qué festival voy?
El público ya no encuentra grandes diferencias a la hora de elegir a qué festival asistir. Lo que vende ahora es la "experiencia".

Hologramas y proyecciones 3D impulsan a los clásicos

El Mercurio

Tras la era de los artistas que apuntaron a explotar las vertientes más populares del repertorio clásico, hoy parece estarse abriendo la de quienes buscan revestir al mismo tiempo visualidad y efectismo. Dos llamativos shows en la agenda capitalina dan cuenta de este giro. 

Sebastián Cerda.
E l germen ha existido desde hace largo tiempo en nuestra audiencia. Tal vez desde aquellos años en que los casetes de Richard Clayderman se vendían como pan caliente, colando entre la candidez de su "Balada para Adelina" el tono otoñal de una pieza universal como "Para Elisa", una de las melodías más insignes de Ludwig van Beethoven.

Son las apuestas "pop" emanadas desde la esfera de lo clásico, buscando que las melodías de los más grandes compositores de la historia traspasen el halo sagrado, con el fin de reinstalarse nuevamente en el gran público.

La bandera, por estos lados, la han tomado luego otras figuras, quizás con Plácido Domingo como uno de los más persistentes. El tenor español ha ofrecido una serie de presentaciones masivas en el país, entre ellas la gratuita de 2007 en Plaza de Armas y la de este año en el Estadio Nacional, ocasiones en que ha mezclado el repertorio lírico con piezas tradicionales como "Gracias a la vida" y "Yo vendo unos ojos negros".

Más lejos en esos intentos llegó luego el italiano Andrea Bocelli, un emblema de este "crossover", que se ha hecho acompañar por figuras como Jennifer Lopez, Nelly Furtado y Marta Sánchez, y que en 2013 tuvo un masivo paso por Chile.

Aunque quien se ha transformado en símbolo de este tránsito hacia el mundo popular es sin dudas el holandés André Rieu, quien alterna piezas del mundo clásico con un repertorio integrado principalmente por valses y marchas. Sus cifras en nuestro país son avasalladoras: tres visitas con cuatro presentaciones en el Movistar Arena cada una, lo que eleva su convocatoria a cerca de 140 mil espectadores en total.

Pero al hablar de todos estos nombres, no dejamos de apuntar al territorio común de lo estrictamente musical, del que quizás se apartan las propuestas que agendan pasos venideros por nuestra cartelera, y que incluyen entre los nuevos ropajes del repertorio clásico altas dosis de tecnología, visualidad y parafernalia.

Mitos revividos

La más resonante de ellas será la performance centrada en Maria Callas, que tendrá lugar el próximo 18 de marzo en Movistar Arena (originalmente estaba programada para este 22 de octubre), y en la que la legendaria soprano de origen griego revivirá en forma de holograma.

Se trata de la técnica que dejó al mundo boquiabierto en 2012, cuando la figura del malogrado rapero Tupac Shakur apareció entre Snoop Dogg y Dr. Dre, durante la presentación de ambos artistas en el festival Coachella de esa temporada.

Dos años después, fue la imagen de Michael Jackson la que dio la vuelta al globo, luego de aparecer como holograma en la ceremonia de los premios Billboard 2014.

Ahora, este tipo de proyecciones ultrarrealistas pueden salir de gira, para cumplir de alguna manera el sueño de millones de admiradores: aproximarse a la experiencia de presenciar en directo a figuras que nunca antes pudieron ver, y que ya no están aquí para concretar ese anhelo.

"A Callas todos la conocen y aquí nadie la vio en vivo. Ella llevó la ópera a otro nivel en el mundo, rompió todos los esquemas, era venerada. Con esta tecnología podemos vivir la fantasía de verla, y además con una orquesta en vivo", cuenta Francisco Goñi, director de The FanLab, productora encargada del espectáculo en el país.

Según el ejecutivo, el público que está comprando entradas para este show puede ser el que gusta de la música clásica y que va todas las semanas a recintos como el Teatro de la U. de Chile y el Municipal, pero también uno distinto, que simplemente gusta de "las tendencias nuevas, diferentes, de calidad, que quiere sorprenderse y que sabe qué está pasando afuera".

Hoy sábado 20, en tanto, tendrá lugar en Gran Arena Monticello un espectáculo dedicado íntegramente a la música de Antonio Vivaldi. El detalle es que el peso del show no estará en una orquesta comandada por un director, sino en una compañía multidisciplinaria, donde alternan bailarines modernos, intérpretes clásicos y músicos de rock , quienes desplegarán remozadas versiones del compositor italiano bajo una ráfaga de luces y proyecciones 3D.

Diego Vega, productor general de Dives y responsable del arribo a Chile de "Vivaldianno, Ciudad de los Espejos", cree que al recinto de Mostazal llegarán efectivamente admiradores de la obra del veneciano, pero sobre todo "los que se sienten atraídos por los espectáculos visuales, y por aquellos eventos que hay que ver, en los que uno siente que hay que estar".

Este perfil moderno, dice, permitirá que piezas clásicas lleguen hasta quienes "no han podido verlas o escucharlas en vivo", sembrando una semilla que a futuro podría germinar en eventos de corte más tradicional, como las óperas.

Lo correcto y lo incorrecto

Alberto Dourthé, concertino de la Orquesta Sinfónica de Chile, parte de la premisa de que hay público para todo y que no hay ningún inconveniente en que piezas clásicas cambien las envolturas tradicionales con que hasta ahora llegaban al público.

Sin embargo, desde lo musical, cree que "un espectáculo como este, de Vivaldi, es obviamente uno de características masivas, por esto de las luces, la onda rockera ... Eso desvirtúa la realidad de la composición, con una estética ajena a la pulcritud y el detallismo con los que nosotros trabajamos a Vivaldi. Pero no veo por qué no se pueda dar".

Su perspectiva da cuenta de la distancia con que buena parte de quienes gustan de la música clásica observan este tipo de aproximaciones, ya que lo que en ese entorno se valora es "tratar de interpretar lo que el compositor escribió, con el carácter de la época", algo que no ocurre en relecturas modernistas.

Pese a lo lejos que se siente de estas expresiones, Dourthé cree que las mismas pueden derivar en un incremento del público en las presentaciones que él mismo realiza. "Ojalá. Esto es la apertura a algo nuevo, lo que significa que la gente está buscando algo. Y la búsqueda siempre te lleva al inicio y al origen".

DJs superestrellas: Lo que dicen de los artistas sus listas de canciones en Spotify

El Mercurio

El servicio de streaming no solo contiene gran parte de la música editada por los principales grupos y artistas populares de la historia, sino que permite a ellos mismos hacer sus propios playlists , los que revelan sus gustos, influencias y lo que están escuchando actualmente. 

Felipe Ramos

 Max Richter
El compositor posminimalista inglés-alemán Max Richter es reconocido por mezclar música clásica con sonidos electrónicos, voces de actores y distintos acoples y ruidos, lo que lo han llevado a ser uno de los autores de música de películas más requeridos del momento, además de sacar sus propios discos a través del reputado sello Deutsche Grammophone. Con más de 18 álbumes en Spotify (solo este año ha publicado dos), los gustos de este músico se pueden ver en su playlist "Favourites Vol. 1", el que en un poco más de dos horas abarca desde composiciones de 1515 hasta oscuras canciones indie pop modernas.

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Mejor canción: "Butterfly Mornings", de Hope Sandoval and the Warm Inventions, la que recuerda que la cantante de Mazzy Star tiene una de las mejores voces que haya dejado los 90.

Peor canción:

Entre tanta melodía melancólica y bella solo se puede dejar desierta esta categoría.

Regreso al pasado: "A nata lux de lumine" es un himno sacro de Thomas Tallis y William Byrd compuesto en 1575. Más atrás que eso no se puede.

 Canción para descubrir:

"Rockets Fall on Rocket Falls", de los canadienses Godspeed You! Black Emperor, es una pieza de cámara noise apocalíptica que dura 20 minutos y que demanda la atención del oyente.

 Nivel de autopromoción:

Dos de 21.

Lorde
La playlist de la estrella neozelandesa es como una larga noche de fiesta, que va desde la previa hasta regresar a casa ya entrada la mañana. Muy bien llamado "Homemade Dynamite" ("Dinamita casera"), este listado sirve como una buena forma de esperar la venida de Lorde al festival Primavera Fauna.

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Mejor canción:

Ya solo por la frase "Tú sabes que abandonaría cualquier fiesta por ti" hacen de "Any Party", de Feist, una gran canción.

Peor canción:

Puede ser una cosa de gustos, pero "Precious", de Kevin Garrett, contribuye poco a la fiesta o al after .

Regreso al pasado:

Lorde podrá ser bastante joven, pero su cabeza es como un almanaque musical. Es así como destaca la canción de protesta de los 60 "For What It's Worth", de Buffalo Springfield, y el siempre bienvenido "Graceland", de Paul Simon.

 Canción para descubrir:

Ok, quizás muchos conocen "California", de Childish Gambino, pero para uno que ya está más cerca de los 40 es un buen hallazgo, sobre todo pensando que Donald Glover (su verdadero nombre) es probablemente el actor/cantante más destacado de esta generación.

 Nivel de autopromoción:

Hasta hace un tiempo la playlist contaba con todo el disco "Melodrama", de Lorde, sin embargo, hoy solo se puede hallar "The Louvre", lo que hace que la autorreferencia sea casi nula.

Duff McKagan (Guns N' Roses)
El tatuado bajista de la banda que nos dio apetito por la destrucción y mucha paciencia para esperar que se dignaran a subirse a los escenarios vive una segunda vuelta con Guns N' Roses, y hace poco sacó su propio playlist , que revela todas sus raíces punk y que lleva el nombre de "3 Chords and the Truth" ("Tres acordes y la verdad").

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Mejor canción:

"Sonic Reducer" de los Dead Boys, porque probablemente no hay disco punk con mejor nombre que "Young, Loud and Snotty" ("Joven, ruidoso y mal portado").

Peor tema:

Si te gusta el punk, aquí hay puros clásicos, sin embargo "New Noise" de Refused se aleja un poco del sentido más melódico del resto de las canciones que aparecen.

Regreso al pasado:

Todo es un regreso al pasado, pues difícilmente algo pasa del año 85, pero si hay que destacar temas antiguos hay que hablar de "Little Doll" de The Stooges, el debut discográfico de Iggy Pop y sus chalados.

 Canción para descubrir:

"This Perfect Day" de The Saints abre la lista y sirve para recordar a quienes sean quizás la mejor banda de punk australiano.

 Nivel de autopromoción:

Muy bajo. Entre 23 canciones solo aparece "Attitude" de los Misfits como una pequeña autorreferencia, pues McKagan la grabó para el disco "The Spaghetti Incident?" y la suele cantar en los conciertos de Guns N' Roses.

Father John Misty
La última estrella del indie folk norteamericano, que estuvo hace poco en el Teatro Teletón, lanzó a mediados de año su tercer disco "God's Favourite Customer" y constantemente está actualizando su lista de canciones, la que se extiende por sobre las seis horas y 20 minutos de constante música, en la que abunda la temática existencialista, la relación con Dios y un sinnúmero de artistas de los 50 y 60.

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Mejor canción:

"Me dejo caer y muero / todo el mundo se reúne / y todos lloran cuando las lágrimas comienzan...", más bien parece una letra de Nick Cave, pero pertenece "I Lay Down and Die", de los Bee Gees, quienes en 1970 aún no caían poseídos por esa fiebre que atrapa los sábados por la noche.

Peor canción:

Más que peor canción, debe ser la rareza más grande en este amplio abanico de posibilidades musicales. Se trata de "Eternal Day", de Western Massachusetts Sacred Harp Convention (¡Plop!), una canción coral en la que el único instrumento que hay es un bombo que acompaña un canto que llama a arrepentirse ante la muerte.

Regreso al pasado:

Otro playlist que es un viaje por más de 70 años de música, desde los tiempos de Django Reinhardt hasta cosas más actuales como Gillian Welsh, sin embargo hay que destacar "Le coeur qui jazze" de la bella France Gall, quien en 1969 grabó esta oda al jazz psicodélico con tintes parisinos. Una canción para ponerse el mejor atuendo a-go-go y bailar con un coctel en la mano.

 Canción para descubrir:

Si vamos a destacar una, esa es la nada fácil de pronunciar "Sag Mir', Wo Die Blumen Sind" ("Dónde se fueron a morir todas las flores"), originalmente compuesta por la leyenda de la canción protesta Pete Seeger y que Marlene Dietrich grabara en 1965 y que cantara en Israel con gran éxito posteriormente, siendo la primera persona en cantar una canción en alemán en dicho país después de la II Guerra Mundial.

 Nivel de autopromoción:  Si bien hay seis horas de música, Father John Misty incluye seis canciones de su autoría, lo que representa un nivel de autorreferencia moderado, aunque los tres primeros temas de la lista son suyos.

Chelsea Jade
Considerada como el último descubrimiento pop neozelandés, la joven de 29 años mezcla pop con inteligencia y ya se perfila como una de las artistas más interesantes de la actualidad. Su primer disco de larga duración, titulado "Personal Best", acaba de salir al mercado y tiene a la excelente "Life of the Party" como primer sencillo. Aunque su playlist "Spectrum" solo tiene 440 seguidores, la artista nacida en Sudáfrica hace una curatoría en donde predominan casi a la totalidad las artistas femeninas y en donde se pueden encontrar a leyendas como Lauryn Hill y su "Ex-Factor" y la eterna "Time After Time", de Cindy Lauper.

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Mejor canción:

"Strange Mercy", de St. Vincent, canción que da nombre al tercer disco de la señorita Annie Clark es una oda al futurismo trip-hopero que va derivando en una inquietante melodía industrial gracias a las afiladas guitarras que ella misma toca con un despampanante virtuosismo.

Peor canción:

"In the White Silence: Letter G", del compositor John Luther Adams, es una bonita canción instrumental, pero en el contexto de este listado es una hermosa invitación a dormir.

Regreso al pasado:

"Like A Prayer", de Madonna. No es necesario agregar nada más, salvo que en 1989 sonó tanto que la Pepsi la usó para un comercial y que debido a su video el Papa Juan Pablo II lideró un boicot para prohibir que la diva sonara en Italia. Ya sabemos quién ganó esa batalla.

 Canción para descubrir:

"Keep On" de Kehlani, neo soul en clave pop.

 Nivel de autopromoción:

Dos canciones en casi siete horas y media de música. Poco si consideramos que ella misma es una artista por descubrir.

Frank Ocean
El cantante de R&B norteamericano no es de dar muchas entrevistas o aparecer en público, por lo que su playlist , llamada "Blonded", es una buena forma de saber lo que escucha. Aunque no todas las canciones son una influencia directa en su música, ninguna sobra.

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Mejor canción:

"Babyfather", de Sade, porque es Sade y ya sabemos que no hay nada que supere a la señora Adu.

Peor canción:

"Rolls Royce Bitch" de 2 Chainz.

Regreso al pasado: "Bein' Green", de Frank Sinatra junto a Antonio Carlos Jobim, Don Costa y Eumir Deodato y "Qué te pedi", de la leyenda cubana La Lupe son tremendas sorpresas.

 Canción para descubrir:

Quizás "Everything is Embarrasing", de Sky Ferreira, ya tenga cinco años, pero bueno, uno no siempre puede estar atento a todo lo que está pasando en el mismo minuto.

 Nivel de autopromoción:

Dos de 24 canciones son de Frank Ocean. Se le perdona.

Cuatro conciertos con Luis Orlandini: El gran retorno del director sueco Mika Eichenholz

El Mercurio

El director sueco vino a conducir la Orquesta de Cámara de Chile, desde el miércoles al sábado. Pero además se confirmó que volverá a asumir como titular de la Sinfónica Universidad de Concepción en mayo. 

Romina de la Sotta Donoso
Son más de 25 años de invitaciones continuas para venir a conducir las orquestas Sinfónica de Chile, de Cámara de Chile y Sinfónica Universidad de Concepción (UdeC). Un romance musical que se veía coronado, en 2016, por la contratación de Mika Eichenholz como director titular de la Sinfónica UdeC.

Sin embargo, ese vínculo sufrió un duro golpe cuando la gerencia que administra a la Sinfónica UdeC ignoró el contrato, pese a que el músico sueco ya había diseñado la programación 2017. Esa insólita situación y el despido de varios miembros de la orquesta desataron una crisis que recién ahora empieza a subsanarse, habiéndose ya instalado una nueva administración.

El nuevo rector de la UdeC, Carlos Saavedra, anunció ayer que Eichencholz asumirá nuevamente como titular desde mayo de 2019. "Hoy es un día de reencuentros y de futuro", dijo, y anunció que para el centenario de la UdeC "queremos desarrollar giras internacionales". Mientras, el director destacó la relación de 25 años que tiene con los músicos penquistas: "Me siento impactado y en casa".

Pero antes de viajar a Concepción para el anuncio, durante la mañana Eichenholz ensayó con la Orquesta de Cámara de Chile el programa romántico que tocarán esta semana. "Lo pasamos muy bien trabajando juntos. Me encanta venir a Chile, siempre he podido hacer buenos repertorios. No se librarán de mí tan fácilmente (ríe). Se los prometo", dijo.

Tres de los cuatro conciertos son gratuitos y a las 20 horas: el miércoles en la Parroquia San Pedro de Las Condes; el jueves en el Teatro Oriente, y el viernes en el Teatro Municipal de Ñuñoa. El sábado es a las 19:30 horas, en la U. Santa María de Valparaíso (desde $5 mil).

El solista invitado es el célebre guitarrista Luis Orlandini, decano de la Facultad de Artes de la U. de Chile y candidato al Premio Nacional de Música 2018. Él abordará "Concierto del Sur", de Ponce, que Eichenholz define como "uno de los mejores y más hermosos Conciertos para guitarra que existen".

La apertura será con una orquestación que él mismo le encargó a David Björkman del Intermezzo de la ópera "Manon Lescaut" de Puccini. Y el cierre será con la Sinfonía N° 3 de Schubert. "Tiene una inspiración muy marcada de Rossini, presenta incluso ciertas extravagancias rossinianas, como los repentinos cambios de tempo . Es una obra genial y exige mucho trabajo", destaca Eichenholz. "Schubert tenía 18 años cuando la escribió, en 1815, y nadie la escuchó hasta 1881, cuando fue interpretada por primera vez en Londres. Es increíble, ¡una música tan fantástica olvidada por 60 años!".

Alabado por la crítica por su "maestría en unir gestualidad física y gesto musical" y por "hacerle justicia" a la música, Eichenholz viene llegando de abrir la temporada de la Filarmónica Real de Estocolmo. Después de Santiago conducirá en Noruega y tiene una gira escandinava con una orquesta vienesa. "Y en los tiempos muertos, aprovecho de estudiar", ríe.

jueves, octubre 18, 2018

Eduardo Parra: “Al final de cuentas estoy lisiado”

La Tercera

Afectado por una poliomielitis que arrastra desde su infancia, el fundador y tecladista del grupo, retirado desde 2009 de los escenarios, volvió ayer para celebrar los 55 años de historia del conjunto.

Por Carlos Farías

Son cerca de las 2 de la mañana del jueves. Eduardo Parra (75) se bajó hace un rato del escenario del Movistar Arena donde tocó con Los Jaivas en la celebración de los 55 años de carrera del conjunto que él mismo ayudó a fundar en 1963. Concentra todos los requerimientos en el backstage: fotos, firma de autógrafos, saludos de músicos y familiares, todos quieren conversar con él; y él, amable y cercano, accede a todos. La ocasión era especial, era su retorno tras alejarse en 2009 de los escenarios por problemas derivados de la poliomielitis que lo aqueja desde que era un niño.

“En este momento no siento la cadera, a esta hora estoy en la última”, confiesa el autor de la mayor parte de las letras de los viñamarinos. “Me levanto en la mañana y me tomo un Paracetamol, pero ya al mediodía empiezo a sentir los dolores”.

Y es que el tecladista ha vivido durante casi toda su vida con la enfermedad, incurable, que afecta el sistema nervioso, provocando parálisis, debilidad muscular, entre otras dolencias. “Quedé cojo de una pierna, se me atrofió”, dice. Pero fue otro hecho el que detonó el empeoramiento en su estado de salud. “No recuerdo el año, pero fue después de Alturas de Macchu Picchu (1981), cuando en medio de un show en Orléans (Francia) se desprende una barra de iluminación y pasó como un viento por mi espalda y me trizó una vertebra. Eso fue fulminante, porque fue otro problema más a los huesos, al movimiento y articulaciones, le agregó tanto que no sé como resisto estar parado aquí”.

Aún así se mantuvo por 46 años en la banda, aunque tomando por más de 10 años un fuerte calmante llamado dextropropoxifeno (“con el que se me arregló el mundo”, dice). Pero tras la prohibición del medicamento en Francia volvieron los dolores. Y de eso ya han pasado 15 años, donde debió dar el paso, quizás, más doloroso de su carrera: alejarse en 2009 de los escenarios junto a su grupo de toda la vida. “Fue doloroso, pero creo que hay que tener valor. Y también, no me he retirado de Los Jaivas, sino que me bajé del escenario”, explica.

Y así es como desde Francia, donde vive hace más de 40 años, le dio un giro a su carrera y se volcó al manejo comunicacional de la banda a través de la computación. “Necesitábamos comunicarnos con la gente no solo en el escenario, ahora administro tres Facebook, dos Twitter, tres sitios web, todos relacionados a Los Jaivas, además de la revista del grupo. Esto es muy importante y suple lo emocional (de no tocar)”, cuenta. Además, sigue con su labor literaria con algunas publicaciones, como su poemario Santiago (2013).

Por eso lo del miércoles era histórico, era su vuelta al escenario –también participó en los 50 años de la banda en 2013- donde abrió el show estelar recitando Del aire al aire, que es parte de Alturas de Macchu Picchu. Pero luego se volvió a poner detrás de un Moog para interpretar Sube a nacer conmigo hermano. Y ahí se le vio errático en su accionar. Parra lo aclara: “No es el mismo mío, el mío era el modelo D, análogo. Este hay que programarlo. No me sentí cómodo para nada tocándolo”, cuenta. Luego nuevamente sube a escena para recibir la torta por los festejos de la banda, para aparecer nuevamente ahora tocando el bombo en Corre que te pillo, y en el cierre en Todos juntos estuvo tocando las maracas. “Yo no venía a hacer el concierto, para eso se necesita por lo menos un año de ensayo de 10 horas. Lo mío fue un acto simbólico para estar presente”, cuenta.

Y sigue: “Sentí la familiaridad de estar nuevamente tocando con Los Jaivas, aunque hayan pasado sus años. Si hubiera que tocar de nuevo juntos no sería un problema, sí se necesitaría un año de ensayos intensos”.

Y, ¿por qué no ha vuelto a tocar con Los Jaivas?

Al final de cuentas estoy lisiado.

¿Le gustaría volver a tocar con ellos algún día?

Lo he pensado harto y yo no sé, eso solo Dios lo va a decidir.

Pillanes: el nuevo supergrupo chileno adelanta su primer disco



La Tercera

La banda, que une a Pedropiedra con los hermanos Durán (exLos Bunkers) e Ilabaca (Chancho en Piedra), debuta con una propuesta que, según explican, es “como si Prince y Sol y Lluvia tuvieran un hijo”.

Por Carlos Farías

El ambiente es distendido en la antigua casa de Recoleta donde ensaya Pillanes. Allí, frente a frente, están algunos de los músicos nacionales más prolíficos y destacados de los últimos 20 años, reunidos ahora en un combo estelar: los hermanos Francisco y Mauricio Durán, exLos Bunkers; Pablo “K-V-Zón” Ilabaca, exChancho en Piedra y su hermano mayor, Felipe, aún a cargo del bajo en ese grupo. Las bromas abundan, las risas también: todo es cofradía en la banda que completa Pedropiedra, otro nombre de historial colaborativo en la escena local.

“Esto surgió porque somos amigos, no dijimos ‘oye, ya somos famosos hagamos esta superbanda’”, cuenta este último. El lazo se venía construyendo hace años entre los cinco integrantes, pero fueron las constantes visitas a México de la banda de 31 Minutos, integrada entre otros por los Ilabaca y Pedropiedra, las que los acercaron más a los Durán, residentes hace más de nueve años en Norteamérica.

“Los chiquillos son excelentes anfitriones, me quedé bolseando casa hartas veces. Ahí tocábamos y se nos ocurrió la idea, pero todo se selló en noviembre del año pasado”, recuerda “K-V-Zón”.

Tras darle forma al proyecto, que debe su nombre a un espíritu vinculado a los ancestros en la cosmovisión mapuche, el siguiente paso era el disco. Claro que con una regla autoimpuesta: nadie debía traer ideas listas y todo debía surgir desde la improvisación en conjunto. “Se dio una confianza en el resto de los compañeros muy bonita, porque todos venimos estilísticamente de lugares diferentes, era maravillarse con lo que podía hacer el otro, colgarse y sumarse”, explica Mauricio Durán. Así fue como en abril pasado se instalaron en una casa de la familia de Pedropiedra en Valparaíso, donde en tres semanas crearon su primer álbum, homónimo, con estreno ya fijado para el 9 de noviembre. El 25 de ese mismo mes debutarán en vivo, en la Feria Pulsar.

Si bien tanto Pablo Ilabaca como los hermanos Durán eran los compositores principales en sus exgrupos, el ego en esta nueva apuesta no existió. “Todos colaboramos en todas las canciones y están firmadas por todos”, cuenta Francisco. “El criterio era lo que a todos nos pareciera bueno y esto quedaba adentro”, añade Ilabaca.

Bajo esos principios compusieron las 12 canciones del LP, que suena “como si Prince con Sol y Lluvia tuvieran un hijo”, dice riendo Mauricio Durán. En efecto, según los primeros adelantos a los que tuvo acceso La Tercera, las composiciones no se ciñen a un género determinado y transitan por sonidos electro-andinos, como en Loro, un homenaje a Horacio Salinas; la balada dream pop en Carmesí; la cumbia en Facho pobre; el funk en Somos lo peor y el rock en El mundo es un lugar tan triste, primer single que se estrena mañana en plataformas digitales junto con su videoclip. “La mezcla fue súper desprejuiciada. Llevamos un camión con todos los tipos de instrumentos inimaginables para echarles mano”, comenta Pedropiedra.

Sobre las letras, Francisco Durán adelanta: “Son variadas igual que lo musical. Hay temas personales, otros de súper buen espíritu, homenajes, guiños a la cultura pop chilena, contingencia y humor”.

Pillanes no se complica con la residencia definitiva de los hermanos Durán en México, quienes comandan el grupo Lanza Internacional tras el receso indefinido de Los Bunkers en 2014. “Venimos seguido a Chile. Además, los chiquillos tienen cada uno su proyecto que los ocupa constantemente”, dice Mauricio. Y es que el propio exguitarrista de Chancho en Piedra, tras su retiro en abril de la agrupación, tiene una apretada agenda que incluye su tercer disco bajo el nombre de Jaco Sánchez y un EP con su nombre, entre otros.

Pero Ilabaca aún recuerda a su grupo madre, con quien se mantuvo unido por 25 años: “Han sido meses tranquilos. Al Felipe lo veo siempre, con el Toño (baterista) nos vemos en 31 Minutos. Pero somos hermanos, nos queremos, ningún rollo. Mi decisión pasó netamente por hacer otras cosas y dedicar mi tiempo a otros proyectos y vivir otras experiencias”.

Además, todos concuerdan en que no tocarán canciones de sus exagrupaciones en los recitales de Pillanes, y Francisco profundiza en las razones: “Para nosotros es refrescante empezar todo de nuevo. También un desafío muy bonito, porque es como tener una página en blanco, olvidarse de todas las páginas anteriores y empezar a construir algo nuevo. Eso es lo más valioso y estoy orgulloso de que hayamos tomado esa decisión de no recurrir al pasado o a canciones ya antiguas, sino que a empezar de cero”.

Los Jaivas celebraron sus 55 años de carrera con un repaso de su historia musical

El Mercurio

Anoche el conjunto se presentó ante 12 mil personas en el Movistar Arena, con un extenso show y decenas de invitados. 

José Vásquez
De pronto la oscuridad del escenario liberó un haz de luz para dejar ver a un Eduardo Parra que, solemne, leyó los versos nerudianos incluidos en su obra "Canto General" para una pieza bautizada como "Del aire al aire", que Los Jaivas plasmaron en uno de sus títulos cumbre a comienzos de los ochenta, "Alturas de Machu Picchu". El trabajo que musicaliza los poemas del Nobel fue anoche el pase de entrada a un postergado concierto de un aniversario que ayer al fin celebró los 55 años de la banda.

Parra viajó especialmente desde París, donde reside, para volver a integrar un conjunto que ayer repasó en un show extenso, de más de dos horas de duración, gran parte de su historia musical.

Con un escenario generoso en pantallas de alta definición, las imágenes comenzaron en tono sepia un recorrido fotográfico que pasó por Moscú y Nueva York, entre otras ciudades, y que retrató el camino hecho por un grupo icónico dentro de la música popular chilena, el que ha dado la vuelta al mundo en un ya longevo viaje que ha dejado en el camino a integrantes como los fallecidos Gabriel Parra y Eduardo "Gato" Alquinta, que ayer fueron aplaudidos cada vez que aparecieron por las pantallas del escenario.

De fondo, los paisajes de las ruinas de Machu Picchu y, al frente, Los Jaivas mostrando lo mejor de su legado, rubricando en vivo el rock progresivo con los ritmos latinoamericanos en temas enormes como "La poderosa muerte" y "Sube a nacer conmigo hermano".

Luego Mario Mutis tomó el micrófono para presentar en sociedad su fundación homónima, que funcionará en una vieja casona del barrio República, para posteriormente continuar con temas como "Que o la tumba serás", incluida en su primer álbum, "El volantín" y su lectura de Violeta Parra con "El guillatún" y "El gavilán", como parte de un espectáculo en el que hasta ese momento había tenido sobre el escenario a una veintena de músicos invitados, entre ellos la Banda Estación, el pianista José Riveros y un aplaudido grupo de niños mapuches.

Fiesta postergada

El inicio de la celebración se había dilatado por dos meses y tuvo, incluso, la mediática salida de un ministro, quien estuvo apenas cuatro días en el cargo, mientras Los Jaivas aparecían como incómodos espectadores de la situación.

El aniversario del conjunto iba a ser festejado en agosto pasado, coincidiendo con el Día del Rock Chileno, que consagra al 15 de ese mes como la fecha, hace 55 años atrás, de la primera presentación del fallecido Gato Alquinta junto a sus muchachos.

El evento iba a ser anunciado por el entonces nuevo ministro de las Culturas, Mauricio Rojas, pero el recuerdo de un libro suyo, publicado en 2015, donde calificaba al Museo de la Memoria como un "montaje", provocó el amplio rechazo del mundo artístico y su salida desde entonces fue solo cuestión de horas, empañando, de paso, la celebración de los mismos dueños de éxitos como "Mira niñita".

Finalmente, el pasado 4 de octubre, en el Día de la Música, la actual ministra de las Culturas, Consuelo Valdés, fue la encargada de anunciar el show gratuito que se realizó anoche ante 12 mil personas en el Movistar Arena.