martes, junio 19, 2018

Cartelera Semana del 18 al 24 de junio



Comunicado de prensa

Todos los detalles de la cartelera Eventrid de esta semana los puedes ver a continuación:

THE TRUE MAYHEM - De Mysteriis Dom Sathanas - TEMUCO
Lunes 18 de junio del 2018. 20:00 hrs. Centro de eventos Puerto Madero
The True Mayhem, la banda black metal más influyente e importante del mundo, regresa a Chile y en su segunda fecha de presentación estarán en Temuco y puedes escuchar su primer álbum de larga duración, “De Mysteriis Dom Sathanas”, adquiriendo las entradas en Eventrid.cl.
El tiempo ha pasado y la banda entera se ha vuelto más fuerte y experimentada. Ahora en 2018, luego de su regreso en gloria y majestad, vuelven a Latinoamérica para celebrar “la ceremonia” de forma íntegra, para continuar liberado a la bestia.
Valor: $18.000
Las entradas las puedes conseguir a través de Eventrid


THE TRUE MAYHEM - De Mysteriis Dom Sathanas - ANTOFAGASTA
Miércoles 20 de junio del 2018. 20:00 hrs. Marbella Disco Club.
Valor: $30.000
Las entradas las puedes conseguir a través de Eventrid


Newen Afrobeat en Club Amanda
Jueves 21 de junio del 2018. 22:00 hrs. Club Amanda
Con el mensaje de que el ser humano nace libre y debe vivir libre, Newen Afrobeat vuelve a los escenarios y puedes escuchar la mezcla funk, jazz, latin, ritmos y esencias de África adquiriendo los tickets a través de Eventrid.cl
El grupo tomó la voz mapudungún “newen”, que significa fuerza, para unir los dos mundos originarios de África Occidental y Sudamérica. Y con el lema de hacer la “revolución desde dentro hacia afuera”, Newen Afrobeat se presentó en los festivales Lollapalooza de 2012 y Siempre Vivo Reggae de 2013.
Valor: $5.000
Las entradas las puedes conseguir a través de Eventrid

CONCIERTO THIAGO LYRA
Viernes 22 de junio del 2018. 21:00 hrs. Club Ambar
El artista brasileño vuelve a los escenarios capitalinos para llenar de alegría Club Ambar con su fusión de samba, reggae, rap y de la bossa nova con líricas positivas y románticas acompañado de los mejores DJs del ambiente cultural santiaguino y si quieres escuchar su último éxito Piranha consigues las entradas a través del sistema Eventrid.
Luego de ya estar 8 años radicado en Chile y haber presentado su música en las calles santiaguinas, el cantautor prepara su segundo disco, el cual promete sorprender a sus seguidores.
Valor: $3.000
Las entradas las puedes conseguir a través de Eventrid

Moral Distraída & Yorka ::: Subterráneo
Viernes 22 de junio del 2018. 23:00 hrs. Club Subterráneo
El grupo chileno vuelve a los escenarios santiaguinos de la mano de las cantautoras, Yorka, quienes serán las encargadas de abrir el show de la Moral Distraída.
Las entradas las puedes conseguir a través de Eventrid

Fármacos + ECSDLQHP en Sala Italia
Sábado 23 de junio del 2018. 20:00 hrs. Sala Italia
Por primera vez Fármacos y El Cómodo Silencio de los que Hablan Poco se presentan juntos y puedes escuchar sus mejores éxitos adquiriendo las entradas por Eventrid.cl
El concierto dirigido a toda la familia se suma al estreno de E.C.S.D.L.Q.H.P., “Despedida, track que viene a cerrar  gran parte del ciclo de promoción del álbum debut y deja el camino pavimentado para su segunda producción a estrenarse durante este 2018.
Preventa: $4.000
General: $6.000
En puerta: $7.000
Las entradas las puedes conseguir a través de Eventrid

Pascuala Ilabaca + Invitados en Pleno Puente
Sábado 23 de junio del 2018. 20:00 hrs. Pleno Puente
Puente Alto recibe todo el poder femenino de Pascuala Ilabaca, Fauna, Valvai, Araceli GuitarraYvoz, las chicas de Deconstruidas presentando #BodyPositiva y a través de Eventrid.cl puedes adquirir las entradas. Además la Asamblea de Mujeres Cordillera quienes estarán acompañando con un stand informativo sobre la organización contra el patriarcado en la zona de Puente Alto, La Florida, San José de Maipo, Pirque y la Pintana.
Valor: $5.000
Las entradas las puedes conseguir a través de Eventrid

OTROS EVENTOS DE LA SEMANA

LIVINGSTONE en Sala SCD Bellavista
Miércoles 20 de junio del 2018. 20:30 hrs. Sala SCD Bellavista
Las entradas las puedes conseguir a través de Eventrid

CAPITANO & CIUDAD NÓMADE ::: El Clan
Miércoles 20 de junio del 2018. 22:00 hrs. Bar El Clan
Las entradas las puedes conseguir a través de Eventrid

TANIA JOZZ Y HESPER en Sala SCD Bellavista
Jueves 21 de junio del 2018. 20:30 hrs. Sala SCD Bellavista
Las entradas las puedes conseguir a través de Eventrid

CONSUELO MONTERO en Sala SCD Egaña
Jueves 21 de junio del 2018. 21:00 hrs. Sala SCD Egaña
Las entradas las puedes conseguir a través de Eventrid

Callemigra y Los Temibles Sandovales en Bar El Clan
Jueves 21 de junio del 2018. 22:00 hrs. Bar El Clan
Las entradas las puedes conseguir a través de Eventrid

Como Asesinar a Akinetón , Como asesinar a Felipes y Akinetón Retard
Jueves 21 de junio del 2018. 22:00 hrs. Club Chocolate
Las entradas las puedes conseguir a través de Eventrid

Chilean Fest 3
Viernes 22 de junio del 2018. 20:00 hrs. Casa de los diez
Las entradas las puedes conseguir a través de Eventrid

WORMHOLE PROJECT en Sala SCD Bellavista
Viernes 22 de junio del 2018. 21:00 hrs. Sala SCD Bellavista
Las entradas las puedes conseguir a través de Eventrid

ELVIRA LÓPEZ en Sala SCD Egaña
Viernes 22 de junio del 2018. 21:00 hrs. Sala SCD Egaña
Las entradas las puedes conseguir a través de Eventrid

Transubhiriano en Bar El Clan
Viernes 22 de junio del 2018. 22:00 hrs. Bar El Clan
Las entradas las puedes conseguir a través de Eventrid

PAULA RIVAS en Sala SCD Egaña
Sábado 23 de junio del 2018. 20:30 hrs. Sala SCD Egaña
Las entradas las puedes conseguir a través de Eventrid

RUTA SZIGET FESTIVAL en Sala SCD Bellavista
Sábado 23 de junio del 2018. 21:00 hrs. Sala SCD Bellavista
Las entradas las puedes conseguir a través de Eventrid

InterfÆce tributo a TOOL
Sábado 23 de junio del 2018. 21:00 hrs. Club Subterráneo
Las entradas las puedes conseguir a través de Eventrid

CFunk & Joya en Bar El Clan
Sábado 23 de junio del 2018. 23.30 hrs. Bar El Clan
Las entradas las puedes conseguir a través de Eventrid

Técnicas Manuales y No Bailo en San Antonio
Sábado 23 de junio del 2018. 22:30 hrs. Cowork Espacio Rossi
Las entradas las puedes conseguir a través de Eventrid

Race XCM Arica 2018 / UCI
Domingo 24 de junio del 2018. 10:00 hrs.
Las entradas las puedes conseguir a través de Eventrid

Lucha Libre " LEGIÓN LUCHA LIBRE"
Domingo 24 de junio del 2018. 17:00 hrs. Fortin Prat Valparaíso
Las entradas las puedes conseguir a través de Eventrid

INSULAR FRIENDLY SESSIONS - WENTRU & CIUDAD NOMADE
Sábado 23 de junio del 2018. 21:00 hrs. Estudio Insular
Las entradas las puedes conseguir a través de Eventrid

De Kiruza regresa con nuevo single y 30 años de carrera



Comunicado de prensa

Nuestro idioma” es el nuevo sencillo de la próxima placa que prepara la banda. El viernes 29 de junio estará disponible en plataformas digitales.

En octubre de este año la agrupación celebra los 30 años de su primer disco homónimo “De Kiruza” catalogado como pionero y la primera incursión en rap grabada de una banda chilena.

Ha pasado casi una década desde que la agrupación liderada por los hermanos Foncea sacó su último y premiado disco -ganador de un Altazor el 2010- “Música pa’l mundo”. Nueve años en los que una de las bandas fundacionales del rap y la fusión afrocaribeña en Chile, ha estado silencioso en los estudios de grabación, pero constantemente activos en escenarios. Porque el ritmo y el baile es lo que mueve a De Kiruza, vibrar con el público y hacerlo bailar, es lo que los mantiene vivos y llenos de energía.

En imágenes, el tiempo es aún más extenso. El último gran videoclip de la banda fue en 1995 con el exitoso sencillo “Bakán”. Sin embargo, la pausa musical de los autores de “Amándote” termina en estos días, pues el 29 de junio presentarán su nuevo single “Nuestro idioma” en plataformas digitales.

Cambio de década y milenio y el horizonte de De Kiruza continúa vigente con su lírica atenta sobre la realidad y los márgenes de la sociedad chilena bajo el mismo espíritu abrasador de las melodías latinas y multiculturales. “Nuestro Idioma” habla sobre la inmigración y aceptar la diferencia con una mirada positiva para enfrentar los nuevos tiempos, pero es también “una obra dedicada a nuestra musa mayor que es la música, representa lo que sentimos por ella y a partir de esa sensación maravillosa está el ímpetu y el impulso por transmitirlo. La música es para tocarla, bailarla y cantarla, ésa es la trinidad vital y esta banda ha sido inclaudicable en la búsqueda de la sabrosura y la raíz africana como fuente de todas las músicas. Hemos trabajado la combinación elegante y artística para que todo cuaje en una obra. Y este es un regalo para nuestros seguidores y una manera de llegar a quienes no nos conocen aún” agrega Pedro Foncea, voz y percusión.

“Nuestro idioma” se podrá conseguir a partir del viernes 29 de junio vía Spotify, Itunes, Apple Music, Claro Música, Google Play, Deezer y Amazon, entre otros.

LO QUE VIENE: DE KIRUZA RECARGADO

Este 2018, marca un regreso de De Kiruza con importantes presentaciones en escenarios -como Lollapalooza en marzo pasado- nuevas grabaciones, la celebración de treinta años de historia y el anuncio de un documental sobre su carrera.

En octubre, además, se cumplen 30 años de su primer disco homónimo “De Kiruza” que incluyó el tema “Algo está pasando”, el primer rap grabado alguna vez en Chile (contó con la colaboración del futuro MC de La Pozze Latina, Jimmy Fernández). Tema indiscutible en los recuentos y en las canciones más influyentes de nuestra música popular.



SINGLE “NUESTRO IDIOMA”
Lanzamiento - Viernes 22 de junio

CALENDARIO DE PRESENTACIONES
23 de junio  - Pacto Bar
27 de junio - Subterráneo
1 de julio - Bar El Clan

Ciclo Kiltronic - Bandas Emergentes en el Centro Cultural de España


Jóvenes talentos de Latinoamérica compiten en certamen de lírica

El Mercurio

Organizado por la Fundación Ibáñez Atkinson, 25 cantantes, entre ellos 10 chilenos, después de una selección de más de 150 postulantes, participaron en el Paris Opera Competition. 

Por M.S.

Chile se convirtió en una importante plataforma para talentos musicales, con la presencia de destacados expertos de la Ópera Internacional que escucharon durante dos días a jóvenes cantantes líricos de Latinoamérica.

El jueves y viernes pasado, la Fundación Ibáñez Atkinson llevó a cabo la fase latinoamericana de las audiciones para el concurso de canto Paris Opera Competition que se celebrará en enero de 2019 en la capital francesa.

Esta etapa del certamen se desarrolló en el auditorio de Transoceánica, de Santiago, al que llegó la directiva del concurso Paris Opera Competition compuesto por Nicola Oppermann, Pascale Bucheton y Jerome Angot, quienes tuvieron la labor de seleccionar a los posibles representantes de Latinoamérica para el concurso.

"Quisimos aprovechar la oportunidad y generar una instancia de mayor impacto para todos los cantantes que vinieran, y que, además de participar en el concurso, pudieran presentarse frente a especialistas de distintos teatros del mundo que permanentemente están en búsqueda de voces para producciones de ópera de teatros europeos", señala Andrés Rodríguez-Spoerer, gerente de Música de Fundación Ibáñez Atkinson.

Para esto, la institución chilena construyó un panel de asesores estratégicos al que invitó a Udo Gefe, asesor musical Teatros de Dortmund y Nurenberg, Alemania; Alejandro Abrante, intendente de la Ópera de Tenerife, España; Matthew Wild, director artístico Opera de Ciudad del Cabo, Sudáfrica; Alejandra Martí, directora ejecutiva OLA; Carmen Gloria Larenas, directora artística Teatro del Lago, y Andrés Rodríguez-Spoerer.

La Fundación Ibáñez Atkinson, que representa en Latinoamérica al concurso mencionado, se establece como un puente entre talentos latinoamericanos y la industria de la ópera internacional.

"El objetivo es dar la oportunidad a jóvenes músicos de llegar ante los más prestigiosos jurados y profesionales del circuito de la música internacional y a importantes instituciones del mundo de acceder al talento latinoamericano", afirma Daniela del Valle, gerente general de Fundación Ibáñez Atkinson.

Durante el año 2017, el área de música de la Fundación realizó una selección previa mediante audiciones en Brasil, Argentina y Chile, para definir a los jóvenes talentos de Latinoamérica que llegaron a Santiago para estas dos jornadas. Entre los cantantes chilenos figuraban nombres ya conocidos como Yaritza Véliz, Paulina González, Matías Moncada, Eleomar Cuello y Sergio Jarlaz.

"Durante 2017, hicimos un convenio con el Manhattan Opera Studio de Nueva York, en el que talentos chilenos entrenaron durante un mes y pudieron presentarse en el Carnegie Hall; hoy con el convenio Paris Opera Competition buscamos facilitar la entrada de jóvenes talentos al mercado europeo", señala Heather Atkinson, directora de la fundación.

Muchas veces las dificultades que enfrentan los músicos no pasan tanto por la falta de talento como por una limitación de acceso y red de contactos. "Por eso estamos creando las condiciones necesarias para facilitar que comiencen su carrera profesional, ya sea en el extranjero o dentro del país", señala Rodríguez-Spoerer.

Por la no inclusión de la ópera: Cantantes líricos critican la Ley de Artes Escénicas

El Mercurio

El Colectivo de Cantantes Líricos de Chile rechazó la no inclusión de la ópera. "Si esta ley busca cautelar los derechos de los trabajadores de las artes escénicas, no pueden ser excluidos los trabajadores de artes escénicas musicales, dado que carecemos absolutamente de una legislación que ejerza dicha cautela", dice la carta que firman 124 intérpretes. Rechazan, además, que se use como argumento la asignación directa que recibe el Municipal de Santiago, pues "solo el 10% de los cantantes con formación académica de Chile son albergados" allí. "Esta es la oportunidad para darle a la ópera la visión y desarrollo nacional que Chile merece", dicen.

Muere baleado rapero XXXTentacion

El Mercurio

El cantante estadounidense fue atacado ayer en Miami a la salida de una tienda de motocicletas. A sus 20 años, ya tenía un largo historial de cargos por delitos y un caso de violencia doméstica.

Según testigos, fue interceptado por dos sujetos con capuchas, uno de los cuales le disparó. Luego sacaron el bolso del músico desde su auto y huyeron. Jahseh Dwayne Onfroy (su verdadero nombre) fue llevado a un hospital, donde falleció. Su álbum "?", lanzado en marzo último, debutó en el número 1 del ranking Billboard.



lunes, junio 18, 2018

El gran estreno en París de Fernando Munizaga

El Mercurio

"Réplicas" explora la inminencia de los sismos a través de voz, ensamble y electrónica. 

Por Romina de la Sotta Donoso

Estudió en la UC, y en el Conservatorio de París, ha ganado dos veces el Concurso "Luis Advis" y además lo becó el Centro Nadia et Lili Boulanger de Francia, país donde Fernando Munizaga (1986) reside hace cuatro años.

Este viernes, el compositor chileno estrenará "Réplicas" en el Teatro de Gennevilliers de París. "Siempre que yo hablaba acá de terremoto, todos me quedaban mirando fijo; encontraban muy raro que pueda temblar en cualquier momento y eso de vivir en estado de emergencia entre una catástrofe y otra", dice Munizaga.

"Réplicas" es una obra de teatro sonoro de 30 minutos, que interpretarán la soprano Marina Ruiz, el actor Yann Boudaud y el ensemble Court-circuit, con libreto de Irène Gayraud-Outranspo y puesta en escena de Olivier Brichet. La pieza es para voz, ensamble y electrónica y explora el concepto de réplica en varios niveles. "El epicentro es la voz humana", aclara Munizaga. Porque esta obra se la comisionó el Ircam -el influyente centro de investigación acústico-musical - para que extendiera al ámbito teatral su trabajo compositivo con la voz.

"La voz es nuestra huella digital; cada uno depende de su fisiología para emitir determinados sonidos, y eso en la música es muy rico porque abre las posibilidades no solo al canto, sino que a diferentes tipos de expresiones que se pueden obtener con la electrónica", explica. Para eso, utiliza un laringófono, micrófono que se pone sobre la garganta y que amplía el rango de la expresión vocal.

"Réplicas", además, propone una inmersión en la experiencia sísmica a través de 21 percusiones distribuidas entre el público. "Son percusiones aumentadas que actúan como un instrumento híbrido entre electrónico y analógico porque las hacemos vibrar a través de unos transductores", detalla Munizaga. Y cuenta que para desarrollar el proyecto trabajó con el realizador en informática musical del Ircam Carlo Laurenzi. "Es muy emocionante poder hacer un proyecto con todos los recursos que realmente necesitas, de modo que pueda funcionar bien", dice.

Otro nivel de réplicas, revela, lo da el libreto, pues incorpora cuatro idiomas: "El colectivo Outranspo hizo las traducciones con métodos como la 'traducción homofónica', que busca traducir el sonido y no necesariamente el sentido".

Museo Histórico Nacional reanuda sus muestras tras crisis de mayo

El Mercurio

La cancelación de la controversial "Hijos de la Libertad" derivó en un período de análisis. Los especialistas del museo están preparando ahora la segunda exposición de su trilogía del Bicentenario, dedicada a la Fraternidad. Se inaugura el 26 de julio. 

Por Iñigo Díaz

Según el calendario trazado para 2018, hoy iba a ser el último día de la exposición "Hijos de la Libertad: 200 años de Independencia" en el Museo Histórico Nacional (MHN). La muestra alcanzó a estar abierta poco más de un mes: el 9 de mayo la ministra de las Culturas, Alejandra Pérez, anunció su cancelación debido a la polémica que generó parte de la museografía, donde se presentaba al general Pinochet vinculado al concepto de Libertad.

La única pieza que aún permanecía la semana pasada en el Salón Gobernadores, donde se instaló la muestra y donde estarán las dos siguientes de la trilogía que dedican al Bicentenario de la firma del Acta de Independencia, era "La batalla de Maipú" de Mauricio Rugendas, en un muro pintado de rojo.

"Cada muestra de la trilogía tiene un color predominante. El rojo fue para Libertad y el blanco será para Fraternidad, una exposición que es mucho más amistosa. No todas las muestras tienen que ser polémicas", señala Isabel Alvarado, directora interina por cuarta vez en sus 37 años como trabajadora del museo. "Son exposiciones conceptuales y siempre que las llevas a la museografía tienen un desafío mucho mayor que si comienzas una muestra a partir de una colección de piezas existentes", agrega.

Fue un mes especialmente difícil en el MHN, tras la cancelación de "Hijos de la Libertad", que como coletazo trajo la destitución del antropólogo Pablo Andrade de su cargo de director. Además, los equipos debieron asumir las faltas en que incurrió la muestra. Se habló de "graves errores", de "imprecisión", de "desprolijidad".

"Ha sido difícil establecer claramente dónde estuvo la equivocación, porque las asociaciones que hicieron los visitantes y los no visitantes fueron bien particulares y nosotros no las previmos. Son nuevas audiencias, con miradas distintas. El libro de comentarios de la muestra tiene muchos mensajes a favor, de gente que vio cosas que otras no vieron. Hay múltiples miradas y eso te hace más complejo el tema. Yo no podría decir puntualmente 'el error estuvo aquí'", advierte Alvarado.

La ministra Pérez señaló en su minuto que las nuevas muestras en el MHN serían observadas. "Nosotros no vamos a actuar de censores de los museos nacionales. No nos parece que corresponda", aclara el subsecretario del Patrimonio Cultural, Emilio de la Cerda. Tras el cierre de la muestra, el personero recorrió la exposición y se reunió con los funcionarios del museo. "Acá lo que ha ocurrido es que los mecanismos de calidad y rigor fallaron en al menos un punto específico y eso tuvo las consecuencias que tuvo. Eso tiene que venir a reforzar la labor de los museos", dice De la Cerda.

Los equipos del museo han tenidos pequeños claustros o sesiones de reflexión con miras a optimizar las siguientes propuestas, para no caer en ambigüedades. "Uno aprende de estos episodios, en el sentido de tomarse el tiempo y reflexionar, para mejorar la entrega del mensaje", señala Alvarado.

Curada por Leonardo Mellado, "La Fraternidad. Un camino a la Igualdad" se inaugura el 26 de julio y estará abierta hasta el 7 de octubre. Se sostendrá en cuatro conceptos alrededor del ideario de la Fraternidad: beneficencia, caridad, solidaridad y sororidad. "Cada uno de estos valores está representado por instituciones que fueron y han sido importantes en la historia republicana", dice Mellado. "Habrá mucha más presencia de piezas que vienen desde fuera del museo que la anterior. Por ejemplo, el hábito de Fray Andresito o la camioneta del Padre Hurtado", agrega Alvarado.

"Sororidad es un concepto que recién está instalándose hace unos 20 años. Es lo mismo que fraternidad pero entendido bajo el discurso femenino", explica Mellado. "En latín frater significa 'hermano', mientras sor es 'hermana'", detalla. Allí figurarán los grandes movimientos feministas de la historia y sus logros, desde la figura de Elena Caffarena a los actuales bloques de lucha.

Tanto beneficencia como caridad tienen una lógica vertical en el socorro de los desvalidos. "La élite del país lideraba la beneficencia, a través de organizaciones como la Hermandad de los Dolores, que en 1819 ya estaba funcionando con Juan Egaña, Mariano Egaña, Manuel de Salas, y O'Higgins como su primer director. En cambio, la caridad tenía un perfil religioso, con las Hijas de la Caridad, los Recoletos Franciscanos y el Hogar de Cristo", dice Mellado.

De la verticalidad luego se pasa a una relación fraterna más horizontal, entre iguales. La solidaridad se representará con las mutuales, las mancomunales, o las sociedades de socorros mutuos, además del voluntarismo de Bomberos y la Vicaría de la Solidaridad.

Franco El Gorila: El reggaetonero que cambió Puerto Rico por Santiago

El Mercurio

Luego de cosechar varios éxitos en su tierra natal y un par de años de inactividad por problemas contractuales, el cantante decidió radicarse en Chile en 2016, donde busca hacer crecer la industria de la música urbana. 

Por Raimundo Flores S.

"La idea era venir seis meses y ya van dos años y medio", dice entre risas Franco El Gorila, cantante de reggaetón puertorriqueño que está actualmente radicado en Chile. Con más de 13 años de carrera y un nombre importante en la escena de la música urbana internacional, Luis Fernando Cortés -su verdadero nombre-, decidió cambiar la capital del reggaetón por Santiago a comienzos de 2016.

"En mi país ya hice lo que tenía que hacer. Tuve la oportunidad de ser exitoso y ser conocido. Creo que venir a Chile era lo que tenía que hacer, buscar otra inspiración, como Cristóbal Colón que se fue a buscar otros horizontes", dice el cantante, quien además de concentrarse en su propia carrera, dirige el sello Full Metal, que también funciona en Puerto Rico y que busca potenciar a intérpretes chilenos de música urbana.

Aunque la conexión con su tierra natal sigue intacta, Franco El Gorila, chef de profesión, asegura que su casa es parada obligada de los boricuas que vienen a presentarse al país. Es ahí donde les ha cocinado comida típica de Puerto Rico a músicos como Nicky Jam y Wisin y Yandel.

Una de las motivaciones detrás de la decisión del reggaetonero por instalarse en Chile fue la riqueza musical que vio en el país, el que visitó continuamente desde que vino a tocar por primera vez en 2007. "Chile es un país que absorbe y que es amante de todo tipo de música. Estamos tratando de hacer que el mercado en Chile se expanda y que la gente de afuera vea que aquí sí hay competencia", dice, mientras desliza una crítica: "Los chilenos no apoyan su mercado y su música. Si te pones a ver con el paso de los años, ¿qué artistas tiene Chile? Beto Cuevas y Mon Laferte. Y realmente en Chile hay miles de ellos, hay mucho talento, pero no se apoya".

Su llegada a Chile se dio después de un período de inactividad en su carrera, luego de tener problemas contractuales con su anterior sello, lo que lo tuvo cerca de dos años sin publicar música. "Venir a Chile fue un segundo aire", reconoce.

Desde que está en el país, Franco El Gorila ha colaborado con distintos artistas nacionales como Noche de Brujas y Negro Sambo. Además, alista el estreno de "La última tentación", un sencillo de Luis Jara en el que colaboró él y María José Quintanilla y que saldrá en las primeras semanas de julio. Contará con un videoclip dirigido por el dúo de bailarines Power Peralta.

Joaquín Sabina podría suspender gira por problemas de salud

El Mercurio

El cantante no pudo terminar un concierto que daba en Madrid durante el sábado debido a problemas en su voz. "Joaquín se ha quedado mudo y no puede seguir", explicó uno de sus músicos. El mánager de Sabina declaró que la gira que realiza actualmente por España se podría suspender si es que el músico no se recupera. Durante este año, el cantante ya ha cancelado varias presentaciones por problemas de salud.

domingo, junio 17, 2018

Miguel Ángel Pellao, la voz lírica del Wallmapu

La Tercera

El tenor se presenta el próximo domingo en el Teatro Municipal de Las Condes, para celebrar el año nuevo mapuche. Hoy comienza el retiro de entradas.

Por Paula Valles

Cuando tenía 10 años, Miguel Ángel Pellao (37) recibió de regalo un cassette de ópera. Fue su primer acercamiento a la música clásica y al canto lírico, mientras crecía en un humilde hogar indígena de la localidad de Santa Bárbara, en la región del Bío-Bío. A ese lugar llegó a los tres años, luego de la muerte de su padre y tras la difícil situación económica por la que pasaba su madre.

Creció cantando canciones de raíz folclórica, sin embargo sus cercanos vieron en él una voz que tenía potencial para desarrollarse más allá del género tradicional de la zona. “Cuando mis amigos y profesores vieron en mí que tenía condiciones, nunca pensé hacer otra cosa que no fuese dedicarme al canto. Y mi mamá, dentro de sus posibilidades, también me instó a que no me quedara en el pueblo y que aceptara la invitación que me hicieron para ir a estudiar al Conservatorio Vivaldi en Concepción, cuando estaba en segundo medio”, cuenta al teléfono desde Lago Ranco, donde se encuentra haciendo charlas motivacionales en colegios de comunidades mapuches, una actividad que realiza ad portas del We Tripantu, la celebración del año nuevo mapuche entre el 21 y el 24 de junio.

Esa misma festividad lo traerá a Santiago el próximo domingo 24 de junio, para presentarse en el Teatro Municipal de Las Condes. Ahí presentará el concierto Tributo a mi pueblo, donde lo acompañará una orquesta de 57 músicos de distintos países, que será dirigida por Alejandra Urrutia, con un repertorio que va desde Puccini a versiones de clásicos populares de Los Jaivas.

De Santa Bárbara a Italia
Tras su paso por Concepción, entró a estudiar Licenciatura en Artes Musicales a la Universidad de Chile. Sin embargo, fue a fines del 2006 cuando decidió irse a Italia. “Era mi sueño ir allá donde están los grandes compositores como Puccini o Verdi”, recuerda Pellao.

Allá estudió y tuvo participaciones en coros y obras teatrales líricas, pero fueron sus raíces mapuches lo que tomó más relevancia estando lejos. Incluso llegó a tener la oportunidad de poder ir a la televisión italiana a hablar de su cultura. “Desde allá se sentía un real respeto, e intención de poder entender las problemáticas que aquejan al pueblo mapuche. Entendí mucho más el hecho de tener esa sangre”, comenta.

Esa identidad la hace presente en sus conciertos, con una mezcla de música docta y popular, incluyendo composiciones en mapudungún. En esa línea, el repertorio clásico incluye a Verdi, Puccini, Tosti y Bernstein. A ello, se suman versiones sinfónicas de canciones como “Mentira” de Buddy Richard, o “Fe” de Jorge González. Además, rescata la historia de su pueblo mapuche a través de las composiciones de Cecil González, quien se ha dedicado a estudiar la cultura y compone sobre la cosmovisión de la cultura del Wallmapu. De esta forma, Pellao transmite el acervo mapuche desde el canto lírico, tanto en Chile como en el extranjero. “Es una manera de homenajear al pueblo mapuche a través de mi voz”, señala.

¿Qué diferencias hay entre la visión del pueblo mapuche, que se tiene en Chile y el extranjero?

El europeo en general, conoce más del pueblo mapuche no solo por las cosas que se han contado en televisión, sino que como un gran pueblo guerrero. En Chile falta más educación en los establecimientos, o simplemente la gente es ignorante con respecto al tema mapuche. Estamos varios haciendo cosas, pero falta entender bien el tema y abrir los espacios para que también sea mucho más equitativo en la sociedad chilena.

¿Cómo considera que se ha llevado la discusión sobre el conflicto mapuche?

Yo creo que con la violencia no se llega a ningún lado. Somos personas que podemos ser puentes, y podemos llegar a la reconciliación, pero hay que entender las verdaderas problemáticas mapuche. Hay una visión equivocada. El mapuche que está luchando por sus tierras, es porque su espacio fue invadido, y la tierra para los mapuches es una cosa sagrada. El pueblo mapuche tiene que ser representado en las grandes ligas, tiene que haber una representatividad grande para la gente que no conoce el tema. Para que los mismos diputados puedan lograr una conciliación, pero no viendo la plata, sino con paz e integración.

Éxitos y penurias de los teatros regionales

El Mercurio

Problemas de financiamiento y ampliación de la oferta programática son algunos de los retos que enfrentan estos escenarios. "Los teatros regionales no son feudos de nadie. No son el rancho político del intendente o del alcalde de turno", denuncia Juan José Valdés, secretario ejecutivo de la Corporación de Amigos del Teatro Regional del Maule 

Por Maureen Lennon Zaninovic

Se solía llamar la capital barroca de Chile. Es sabido que el Teatro Regional de Rancagua, bajo la gestión del músico Marcelo Vidal, alcanzó un indiscutido prestigio por sus innovadoras puestas en escena de óperas. Con un aforo de 729 butacas, en 2015 -y a casi un año de su inauguración- este escenario marcó un hito con el estreno en Latinoamérica de "Platée" (1745), de Jean-Philippe Rameau. Tras un bullado problema presupuestario, que precipitó la salida forzada de Vidal, se designó en febrero del año pasado a la gestora cultural Francisca Pizarro como directora artística del principal coliseo de la VI Región.

En una decisión que generó impacto entre los melómanos, este escenario dejó de programar música barroca. Las nuevas autoridades optaron por una oferta mucho más popular y comenzaron, fundamentalmente, a recibir propuestas "importadas" de productoras externas. En uno de los escasos momentos destacados de su programación 2017, el 11 y 12 de noviembre, en la Medialuna de Rancagua, presentaron una producción propia de la ópera "Carmen", de Bizet. A la hora de los balances, el montaje dejó un sabor amargo. ¿La razón? Los problemas presupuestarios volvieron a salir a flote y las presentaciones se vieron empañadas por el retraso en el pago de honorarios, lo que generó un público rechazo de cantantes y del director de escena de esta ópera.

"Reconozco que en 2017 prácticamente no hubo producción porque a raíz de los cuestionamientos al financiamiento, se cortaron todos los subsidios al teatro", revela a "Artes y Letras" el artista cubano Eduardo Díaz, quien asumió en abril como director de programación del Teatro Regional de Rancagua. Díaz cuenta con una destacada trayectoria en su Cuba natal -junto al Ballet Nacional de Alicia Alonso-, en Corea y Europa, y es fundador de la Orquesta Sinfónica Juvenil del Teatro Regional de Rancagua. Añade que "lamentablemente, por la falta de financiamiento, no se le ha podido dar continuidad a esta agrupación y los músicos trabajan por proyectos".

Díaz asume este nuevo reto con optimismo y confía en que saldrán a flote: "Las deudas ya están saneadas. Incluso teníamos deudas desde hace cuatro años que están pagadas. Ya tuve una reunión con las autoridades locales y se nos aprobó una primera inyección de recursos. Con la Contraloría hoy estamos en orden". El profesional remata: "Todo indica que retomaremos una programación variada y de calidad. Mi propuesta para este año es tener cuatro producciones propias de ballet, danza contemporánea y ópera. Estamos en un buen momento para aprender a construir".

"No hay diálogo"

Juan José Valdés, secretario ejecutivo de la Corporación de Amigos del Teatro Regional del Maule, señala a "Artes y Letras" que es una "gran pena lo que pasó en Rancagua. Generalmente la ópera estaba presente, durante todo el año, en las provincias, gracias al aporte de los teatros regionales, pero esa tendencia se rompió. Somos muy pocos los escenarios que están apostando por el género lírico".

El coliseo talquino ha cosechado elogiosas críticas por sus producciones. El año pasado estrenaron "El Trovador" de Verdi y en noviembre su apuesta es "La Bohème", de Puccini. "Lamento mucho que los teatros regionales no podamos reunirnos en una sola entidad y así producir entre todos ópera y hacerla circular por el país. Lamentablemente entre nosotros no nos comunicamos. Lo de Rancagua es triste y el Teatro Municipal de Temuco está saliendo a flote, después de un 2017 complicado".

Valdés considera que la cultura en regiones es "como un grito en el desierto. Si uno mira los presupuestos de Hacienda, prácticamente todos los millones se quedan en Santiago, en desmedro de las regiones. ¿Qué tenemos que hacer ante este panorama? Ser capaces de autogestionarnos. En nuestro caso es clave el aporte de los privados, del alcalde y del gobierno regional. Eso nos ha dado una estabilidad entre comillas, porque puede llegar un alcalde o un intendente que no comparta este proyecto y nos quedamos sin un peso".

El secretario ejecutivo de la Corporación de Amigos del Teatro Regional del Maule remata que "afortunadamente contamos con el apoyo de las autoridades locales, quienes han entendido que este espacio es una entidad corporativa que tiene fines comunitarios y sociales; y que tiene como objeto promover la cultura. Los teatros regionales no son feudos de nadie. No son el rancho político del intendente o del alcalde de turno. El gran problema es que muchas veces asumen autoridades por cuatro años, luego se van, y durante su período intervienen todo".

Valdés reconoce que en estos momentos está pasando por una relación delicada con la Orquesta Clásica del Maule, cuyos músicos le reclaman contar con un contrato indefinido y no seguir a honorarios. "Estamos ante una situación bastante ingrata, pero tengo que ser realista. Para la orquesta contamos con apoyo del Ministerio de las Culturas y estoy muy agradecido, pero aún nos falta por avanzar en esta materia. En Talca no tengo recursos, como sí los tiene la Universidad de Concepción o el Teatro Municipal de Santiago. Tener ese tipo de contratos sería una locura, un despropósito. Si tengo 100, debo gastar 100 y no 200. Espero que el sentido común prime, porque de seguir así quedaría en suspenso nuestra ópera de fin de año".

Temuco: de la incertidumbre a la luz

Patricia Betancourt, actual directora del Teatro Municipal de Temuco, reconoce a "Artes y Letras" que el 2017 fue complicado para este escenario que, si bien no tiene el rótulo de regional, se lo reconoce como el principal coliseo de La Araucanía (cuenta con un aforo de 1.200 localidades). "Tuvimos que volver a convencer a todos los concejales, quienes por falta de información o porque en el pasado no supimos difundir bien nuestra labor, no tenían conocimiento de que nuestra oferta no se restringe solo a nuestro espacio físico y que devolvemos prácticamente el doble de nuestra programación, de manera gratuita, a la comunidad", dice la autoridad temuquense. Betancourt advierte que hubo una merma importante en sus ingresos, "por eso en 2017 montamos una ópera más pequeña, como 'Così fan tutte', de Mozart, con un elenco acotado y la participación de nuestra Orquesta Filarmónica de Temuco. En noviembre de este año queremos presentar 'La flauta mágica' del compositor de Salzburgo. Es parte de nuestra historia dar ópera. Es un esfuerzo enorme, pero el público nos pregunta cada año qué montaje vamos a ofrecer. Espera la ópera, independientemente de su título".

Betancourt detalla que durante su gestión ha buscado generar una oferta amplia donde tienen cabida los cuerpos estables de este escenario (además de la Filarmónica, hay una agrupación juvenil, dos coros y dos ballets folclóricos) y variadas expresiones como la danza contemporánea, el tango, el teatro y la música popular. "En un momento se nos calificó de un teatro 'elitista', pero no queremos ser reconocidos como tales", expresa.

Y sobre el financiamiento, advierte que una parte importante proviene de la Municipalidad de Temuco. También hay ingresos que llegan vía Ministerio de las Culturas, compra de entradas y el aporte de privados.

La joya de Concepción

Con 10.000 m2 construidos, una altura similar a la de un edificio de seis pisos y una extensión equivalente al frontis del Palacio de La Moneda, desde que se inauguró el Teatro Regional del Biobío, en marzo pasado, no ha pasado desapercibido.

"La construcción de Smiljan Radic ha generado reacciones encontradas: amor y odio. Pero una vez que el público ingresa, se fascina. Siento que poco a poco este escenario va a visibilizar a Concepción de una manera muy importante", reconoce Francisca Peró, directora ejecutiva del Teatro Regional del Biobío.

La principal sala de este imponente escenario penquista cuenta con 1.188 butacas, además de 12 espacios para sillas de ruedas; mientras que la sala de cámara, una caja negra sin escenario, tiene 250 aposentadurías retráctiles, lo que le da mayor versatilidad. Desde su apertura ha recibido obras de teatro y danza, conciertos y otros montajes de artistas regionales y nacionales.

"La afluencia de público superó nuestras expectativas. El viernes tuvimos, a tablero vuelto, al Ballet de Santiago con 'Don Quijote'. Las entradas eran gratuitas y se nos fueron en un día", dice la directora ejecutiva y agrega que la apuesta es programar producciones propias e invitadas, con un fuerte énfasis en las artes escénicas, fundamentalmente la música y el teatro. "Nuestro sueño, y vengo llegando de Colombia buscando acuerdos, es poder compartir gastos y traer en 2019 a Concepción a una gran orquesta clásica internacional".

Peró también tiene un diagnóstico claro en torno a los retos que supone el financiamiento de la programación: "Chile, por sus distancias, es un país caro. No es fácil traer obras de Santiago, fundamentalmente por los costos. Para hacerse una idea, muchas veces es apenas un poco más costoso traer un espectáculo de Buenos Aires".

El financiamiento de este escenario -que asciende a 1.900 millones de pesos anuales- privilegia un modelo diversificado, es decir, suma aportes del gobierno regional, del Ministerio de las Culturas, más los recursos del mundo privado, venta de entradas e ingresos por el arriendo de salas. La profesional remata que, lamentablemente, el funcionamiento de algunos escenarios regionales se ha "visto cooptado por las autoridades de turno, ya sean alcaldes o intendentes, y esa realidad obviamente afecta el funcionamiento y supervivencia de estos espacios".

En la ciudad también está el Teatro de la Universidad de Concepción que, además de una elogiada programación protagonizada por su orquesta sinfónica, desde hace más de una década ofrece producciones propias de ópera.

Tras la llegada del nuevo rector, Carlos Saavedra, esta semana se anunció que Mario Cabrera (en reemplazo de Lilian Quezada) asumirá la gerencia de la Corporación Cultural de la Universidad de Concepción. Cabrera -quien se excusó de dar entrevistas- es además presidente de la Corporación del Teatro Regional del Biobío y según ha trascendido en el medio penquista, su nombramiento ha generado bastante "extrañeza", tanto en la universidad como en el coliseo regional. Extraoficialmente se había anunciado para agosto el estreno de "Rigoletto", de Verdi. "Pero el cambio de autoridades lo dejó en suspenso. No nos han dicho nada aún, pero nos imaginamos que la ópera se canceló. Estamos a la espera y confiamos que el género lírico no desaparezca", advierte el régisseur Gonzalo Cuadra.

"Hacer gestión cultural en regiones es un grito en el desierto"
JUAN JOSÉ VALDÉS
TEATRO REGIONAL DEL MAULE

"Chile es un país caro para hacer traslados de programación"
FRANCISCA PERÓ
TEATRO DEL BIOBÍO

Gustavo Dudamel: "El homenaje al maestro Abreu cobra más importancia al hacerlo en Chile"

El Mercurio

La estrella venezolana explica por qué decidió trabajar con jóvenes músicos locales y con virtuosos que invitó personalmente, para los conciertos que dedicará a José Antonio Abreu, el 28 y 29 de junio. "Chile significa mucho para el Sistema", asegura. 

Por Romina de la Sotta Donoso

Es una estrella internacional de la dirección, requerido por las mejores orquestas del mundo. Pero Gustavo Dudamel (1981) no se olvida de dónde viene. Por eso se dio el espacio para trabajar con los músicos chilenos de la Fundación de Orquestas Juveniles e Infantiles (FOJI) y para rendirle, con ellos, un homenaje a su maestro, José Antonio Abreu, fundador del Sistema venezolano, fallecido en marzo. Los conciertos "A mi maestro" serán el 28 y 29 de junio en el teatro de CorpArtes, fundación que los organiza junto con la Gustavo Dudamel Foundation.

El Sistema Nacional de Orquestas y Coros Juveniles e Infantiles de Venezuela es un programa estatal de formación musical que actualmente beneficia a 950 mil niños venezolanos, y que ha sido replicado en decenas de países.

"Yo nací de un programa artístico-social, y para mí es muy importante sembrar y expandir ese mensaje. En Chile eso significa trabajar con las orquestas juveniles, para darles la mano, y que vayamos adelante todos juntos. Eso es algo que estoy viviendo desde que soy un niño, desde que estaba en Barquisimeto, con la ilusión de crear y hacer cosas, una ilusión que la siento como si yo fuese el niñito que está ahorita viviendo esto", dice Gustavo Dudamel.

El director habla mirando a los ojos y enfatiza ciertas ideas con gestos de sus manos. No exhibe apuro ni divismo y, de hecho, saluda de mano a todos los trabajadores. Y a todos les sonríe.

"El maestro Abreu le dio a la música el regalo más importante: la posicionó como un derecho humano; creó una vía para que nuestras generaciones futuras tengan acceso a esa belleza. Y también impuso una visión transformadora de la música, que no es algo solamente estético, sino social. Nos mostró cómo se puede transformar una vida a través del arte, y ese mensaje retumba en el mundo. Su visión se ha convertido en una realidad", agrega.

Y así como no olvida su origen, Dudamel tampoco olvida la historia del Sistema, y por eso hará en Santiago este homenaje.

"Chile significa mucho para el Sistema y el maestro siempre tuvo un vínculo muy estrecho con Chile. Recuerdo visitar Santiago siendo un niño y conocer al maestro Fernando Rosas, que fue el fundador del movimiento juvenil chileno. Pero aparte de eso, el maestro siempre me hablaba mucho del maestro Jorge Peña Hen, ¿sabes?, este pionero que ha sido una chispa para iniciar todo un movimiento. Chile es un centro referencial de lo que es el Sistema. A Venezuela fueron muchos maestros chilenos, recuerdo al gran maestro de oboe Hernán Jerez, que vivía en Carora, una población pequeña del Estado Lara, y que allí murió, después de entregar toda su vida, como tantos otros maestros chilenos", explica.

Se refiere a los músicos que trabajaban con Peña Hen -fundador de la primera orquesta infantil de América Latina, en 1964-, quienes se refugiaron en Venezuela, tras su asesinato, en 1973, y fueron instructores del Sistema que Abreu fundó en 1975.

"Este homenaje cobra mucha más importancia al hacerlo en Chile y con los niños de la vida musical chilena", dice.

A los jóvenes talentos chilenos se sumarán 28 virtuosos invitados por Dudamel, algunos de sus dos orquestas, la Filarmónica de Los Angeles y la Sinfónica Simón Bolívar de Venezuela, y otros de las filarmónicas de Berlín y de Viena, de la Sinfónica de Gotemburgo y de la Nacional Juvenil de Venezuela. Ellos trabajarán desde el lunes 25 con sus colegas locales. "Es como aprender de las maniobras que hace el mejor piloto, al lado tuyo", ríe.

"Para mí el elemento más valioso como director fue haber estado sentado en una orquesta, viendo la interacción de los músicos con el director, y también medir psicológicamente todo lo que va sucediendo durante las horas de ensayo y el concierto. Son elementos muy profundos, ¿sabes? Y tuve al mejor maestro del mundo, que al mismo tiempo me enriquecía el pensamiento y la curiosidad. Porque esto no se detiene nunca; puedes estar dirigiendo las mismas obras y siempre, siempre estás aprendiendo algo nuevo", dice, y confiesa que por eso le gusta releer los libros. Y enumera los que más ha releído: "Cien años de soledad", de García Márquez; "Así habló Zaratustra", de Nietzsche; "Las Confesiones", de Rousseau; "Niebla", de Unamuno; "Pedro Páramo", de Rulfo, y "El Aleph", de Borges.

"Cuando los vuelvo a leer es como cuando dirijo la Cuarta de Tchaikovsky, o la Octava de Mahler, o la Primera: siempre cobran una vida propia en el momento en que lo estamos viviendo con la orquesta", apunta.

Otra afición suya es el rock; le encantan Pink Floyd, Led Zeppelin y Radiohead. "¿Quién sabe si en estos días me encierro a tocar guitarra eléctrica?", bromea. Igualmente, dice, le gustan mucho los boleros y la música folclórica, que toca desde su niñez.

Su obra favorita

El programa para Santiago es romántico. Primero, tocarán en attaca -en forma continua- el preludio del primer acto de "Lohengrin", de Wagner, y la Séptima Sinfonía de Beethoven, ya que ambas son en La Mayor.

También tocarán la Cuarta Sinfonía de Tchaikovsky. "Era la obra preferida del maestro", asegura. Recuerda que la primera vez que Abreu lo dirigió, fue en esa sinfonía, cuando él tenía 13 años y era concertino de la Orquesta Nacional Infantil de Venezuela, en Washington, en su primera gira internacional, y que luego, cuando él ya era director de la Sinfónica Juvenil de Venezuela, la tocaron en la Estación Mapocho, en 2001.

"La última vez que conversamos el maestro y yo, lo llamé de Londres, poquísimos días antes de que muriera, y él estaba escuchando la Cuarta de Tchaikovsky en ese momento", cuenta.

Dudamel aclara que para él ser director tiene dos aspectos. "Lo social, que es fundamental, y lo artístico. En el aspecto interpretativo las experiencias van enriqueciendo tu manera de ver la música, pero no te das cuenta, tal como no notas cómo envejeces. Sería muy egocéntrico decir '¡Caramba, pero mira lo que estoy haciendo ahorita!'. Uno ve que hay un camino recorrido, pero siempre es la evolución de una sola idea, que es la idea que viene del compositor. Cada nueva vez que he dirigido la Primera de Mahler la he hecho de manera distinta, pero ha sido el mismo Gustavo, con más experiencia. Por eso, cuando dicen 'Oh, esta no es la interpretación de Bernstein', y son vidas, momentos, edades completamente distintos, incomparables, no me quiebro mucho la cabeza. No cuando me exigen algo que no es humano", ríe.

 "Paolo Bortolameolli es un gran artista"
Respecto del músico chileno que asumió en 2017 como asistente de la Filarmónica de Los Angeles, Dudamel dice que "es muy talentoso, muy disciplinado, una maravillosa persona. Es un joven conocedor, profundo en su pensamiento, un gran artista. Creo que Paolo tiene un presente maravilloso y un futuro promisorio. Cuenta con todo mi apoyo y con la admiración de los artistas con los que él trabaja".

"El Sistema va mucho más allá de una ideología"
"Nosotros los artistas, si de alguna manera podemos hablar políticamente es con lo que hacemos. Hacer música representa un discurso muy importante, que significa el entendimiento y el encuentro; es un acto colectivo. La gente no se da cuenta de que la transformación musical no se da solamente en el escenario, sino que hay una interacción energética con el público", dice.

"Es cierto que vivimos tiempos complejos. Si me preguntas por mi país, bueno, por supuesto que las cosas tienen que mejorar; yo pienso que la democracia es la suma de la felicidad de la comunidad, del pueblo. Pero para emitir una opinión hay que ser muy preciso, porque si no puede ser dañino", agrega. Y aclara que el Sistema Nacional de Orquestas y Coros Juveniles e Infantiles de Venezuela ha sobrevivido a nueve gobiernos y es un proyecto de Estado. "El Sistema lo trasciende todo, pese a la crisis siguen entrando niños que quieren hacer música. Y fíjate, acá en Chile hay muchos músicos que se han venido de Venezuela, ¡y no están trabajando para su propio beneficio! Cuando tú creces en el Sistema, lo que tú haces es entregar. Por eso es que el Sistema va mucho más allá de una ideología. Es un derecho humano fundamental", cierra Dudamel.

Chile está en la mira de la industria por la piratería online

El Mercurio

En un estudio, el país aparece dentro de los tres de Sudamérica que proporcionalmente más acceden a contenido ilegal en internet. Fox Networks Group desarrolló una campaña para concientizar a los niños sobre la importancia de proteger la propiedad intelectual. 

Por Romina Raglianti

Este año, Chile aparece mencionado por duodécima vez consecutiva en el informe anual de la Oficina del Representante Comercial de EE.UU. como uno de los doce países prioritarios a observar porque, a juicio de esta institución, no protege adecuadamente los derechos de propiedad intelectual según lo comprometido en el tratado de libre comercio con ese país.

La piratería de contenidos audiovisuales, en particular, es una que preocupa a proveedores y cableoperadores, que hace años formaron una alianza para hacerle frente. Antes, la mayor preocupación eran los decodificadores ilegales y los "colgados" al cable; la "piratería analógica" que sigue existiendo en unos 300 mil hogares en Chile. Pero hoy el foco está en internet.

"La piratería de contenidos ha ido mutando en el tiempo y va de la mano con los cambios tecnológicos a través de los cuales se accede al consumo de contenido", dice Daniel Steinmetz, jefe de antipiratería de Fox Networks Group en Latinoamérica. "Con el aumento de la penetración de internet en la región, ha aumentado la piratería online ".

Esta se manifiesta de tres maneras. Una es el "peer to peer" (P2P), compartir contenido ilegal entre dos usuarios a través de la red mediante BitTorrent. Otra son los "cyberlockers", sitios que archivan contenido que se puede descargar. La tercera, que ha ido ganando popularidad y es la que más rechazan las cableoperadoras, es la retransmisión en vivo por IPTV, servicios que por una suscripción replican la señal en vivo de canales de cable sin pagar a estos los derechos correspondientes.

Según un estudio encargado por la Alianza contra la Piratería de Televisión Paga en 2016, se estima que alrededor de 110,5 millones de usuarios de internet en Sudamérica acceden a contenidos de forma ilegal. Es prácticamente la mitad del universo total de 222,3 millones.

Y dentro de la región, Chile aparece en el top 3 en todas las formas de piratería online . El estudio dice que el 30,9% de los usuarios de internet (3,6 millones de personas) emplea P2P, superado en proporción solo por Uruguay (35,8%). En el caso de los "cyberlockers", el 40,2% de los chilenos con internet accede a ellos (4,6 millones de personas), quedando en tercer lugar bajo Uruguay (49,6%) y Brasil (40,7%). En IPTV el informe determina que en Chile se concentra la mayor cantidad de usuarios, con el 6,5% (0,7 millones de personas).

"Los efectos económicos no son solo para los creadores y operadores de TV de pago, sino también para los usuarios y el Estado", recalca Steinmetz. "Las pérdidas por concepto de evasión de tributarios están en torno a los 60 millones de dólares anuales en Chile", añade.

La industria además ve con preocupación la poca regulación legal que existe actualmente, y la lentitud con la que avanzan los proyectos de ley en el Congreso. Por ejemplo, uno que establece sanciones a la decodificación ilegal de los servicios limitados de televisión está en tramitación desde 2015. Y no es un problema solo en Chile. "Las leyes que tenemos en los diferentes países de Latinoamérica no van de acuerdo a los tiempos y los desarrollos tecnológicos", plantea Steinmetz.

Campaña escolar

Fox Networks Group es uno de los agentes que han liderado la pelea contra los contenidos ilegales, y hace un año establecieron de forma interna la llamada "Liga antipiratería", iniciativa educativa que apunta a niños de entre 8 y 10 años y que se desarrolla a través de talleres en conjunto con colegios. "Los niños son un agente de cambio fundamental cuando el objetivo es que la gente modifique determinados hábitos", dice Guadalupe Lucero, VP senior de comunicaciones corporativas & RSE de FNG Latinoamérica. "Vamos a los colegios para contarles a los chicos qué es la piratería, el trabajo que hay detrás de cada uno de esos contenidos que consumen diariamente y que sepan el uso responsable de internet. Y uno de los primeros hallazgos a la hora de hacer los talleres es que ellos tienen clarísimos todos esos conceptos".

Chile fue el segundo país donde se realizó esta iniciativa, después de Argentina. Se trabajó en tres colegios de Santiago con cerca de 400 niños. "Estamos convencidos de que los cambios culturales nacen en la familia, y les damos herramientas a los niños para que entiendan el valor de la creatividad y que la propiedad intelectual hay que protegerla", finaliza Steinmetz.

sábado, junio 16, 2018

La inconsistencia de los Premios Pulsar



Casa Central

¿Cómo se explica que el mejor disco del año de los premios Pulsar no haya sido elegido también como el mejor dentro de su categoría?

Por Víctor Tapia

Por Dónde empezar?,  creo que lo primero es enunciar que mi opinión no tiene más importancia que la de cualquier otra persona, la única diferencia es que yo me doy el tiempo en escribirla con cierta lógica detrás.

Han pasado los recientes premios Pulsar y hay algo que no me cuadra, que no me hace sentido, y es el grado de consistencia que tienen los premios otorgados entre sí.  En este caso específicamente debería ser de una lógica básica que la producción elegida como mejor disco del año también haya sido elegida como mejor disco o trabajo en la categoría base en la cual participaba.

Como sabrán los premios Pulsar están divididos por categorías, en la cual se elige mejor artista por esa categoría pero vinculado a un disco en especial. No hay nominado a mejor artista de una categoría sin un disco. Y esto resulta esencial para determinar qué es lo que se está premiando acá. Podrán decirme que en realidad los premios por categoría son por los artistas pero no por los discos. Aceptaría esa respuesta  como válida solo si en las diversas categorías también participaran artistas que no tienen discos; ya que es posible que un artista tenga la mejor propuesta del año y haya decidido especialmente entregar sus nuevas propuestas artísticas en vivo y en directo y no a través de registros grabados. Considerando lo anterior llegamos a la conclusión que en cada categoría al “Premiar artistas” en realidad se premia al artista y su disco, y no al artista solo.

En el caso del disco de Congreso “La Canción que te debía” fue elegido como mejor disco del año pero en forma confusa no fue elegido como mejor disco  (“ o mejor artista”) en la categoría en que participaba que era “Mejor artista de raíz”

¿Cómo se puede explicar esa inconsistencia?

Y aquí partimos con los desvaríos.

¿ Cuál es el fundamento para elegir una obra artística como “la mejor” dentro de un rubro?. Discutiendo este tema con un grupo de conocedores, o que algo tienen que ver con el tema de estos premios,  se llegó a plantear que en realidad valorar de esta forma una obra artística, es decir “que es la mejor”, es solo la suma de opiniones subjetivas de los jurados, que al dar mayoría dan un premio de reconocimiento, pero que no es un juicio objetivo de valor el decir que una obra es “la mejor”.

Podemos estar de acuerdo o no con esa afirmación, pero asumamos que es válida. Lo que uno buscaría incluso en ese escenario es que por lo menos haya consistencia entre los parámetros utilizados en las diversas categorías, es decir, ¿Qué elementos se considerarán para ser elegido como “lo mejor”?,  ¿ cómo se relaciona ese concepto de “lo mejor por categoría” a “ “lo mejor sobre la totalidad”? y creo que esto es fundamental, ya que si no hay consistencia entre las diversas premiaciones se da la imagen que los premios se dan por subjetividades tan diversas e inconsistentes que resulta similar a que se dieran los premios a la chuña o casi en una rifa, lo que haría en términos finales que se considere a los premios Pulsar como algo desarrollado tan a la ligera, que hace perder todo el valor que se le busca dar.

Recibí comentarios que me decían que era bueno que no hubiera consistencia. Entonces ahí viene la pregunta  sobre qué es lo que se quiere hacer con los Premios Pulsar, ¿se busca  generar industria, o se quiere dar un premio casi poético?, y por la puesta en escena creo que se busca generar industria. Si quieren hacerlo poético, y que eso explique de alguna forma que no tenga consistencia entre  las diversas categorías, entonces mejor cambien la puesta en escena y les queda un Premio Perfecto.

Si quieren generar industria sean consistentes con los reconocimientos que se están entregando, porque si la inconsistencia se hace permanente en el tiempo, los premios terminarán en el tacho de la basura.

Ignacio Salvo, el compositor de 22 años que llega al Teatro Municipal



La Tercera

Su obra La isla encantada, ganadora del concurso de composición de la Filarmónica de Santiago, debuta esta semana junto a piezas de Mendelssohn y Tchaikovsky.

Por Álvaro Gallegos

Con solo 22 años, ya tiene a su haber más de un centenar de composiciones, y mediante concursos consiguió este año ser programado por las dos principales orquestas del país. En enero, la Sinfónica Nacional presentó su Dies Irae, tras ganar la convocatoria para el Festival de Música Contemporánea de la Universidad de Chile. Y ahora, se apronta para el estreno de La isla encantada, escogida en el concurso de la Filarmónica de Santiago para ser la única obra chilena en el abono de conciertos del Municipal.

Ignacio Salvo (1995) empezó a componer tempranamente, “desde los 5 años”, comenta, y es esencialmente autodidacta. “Cuando iba en Kinder, en vez de timbre ponían música clásica, y un día le pregunté a mi mamá qué era eso, y ahí me mostró unos cassettes que había en la casa. Siempre tuve el interés de crear esa música, de hacerla yo mismo”, relata, a la vez que muestra orgulloso partituras de gran tamaño que lleva en su bolso: un réquiem de 90 minutos, su Tercer Concierto para piano y una Primera Sinfonía, todas obras de los últimos dos años.

Cuenta que “de los 10 hasta los 17 me formé solo, buscaba partituras en Internet y las estudiaba”, hasta que llegó a la Facultad de Artes de la Universidad de Chile, con cartas de recomendación del compositor turco Fasil Say, a quien contactó virtualmente. Pero su paso por Compañía 1264 no fue agradable para él: “Al principio estaba muy motivado, pero empezaron los problemas cuando tuve los ramos de composición. Demostraba demasiada autonomía, y creo que eso causaba molestia”.

Se queja de “cierta envidia de algunos profesores”, y que “me ignoraban, a pesar de ganar concursos”. Salvo ya había ganado la convocatoria de la Sinfónica en 2015, y había sido finalista en el concurso Luis Advis en 2016. Edgardo Cantón, uno de sus principales tutores en la Chile, reconoce que “tiene mucho talento, la música le fluye y puede producir mucho en poco tiempo”.

Su disconformidad se acentuó debido a que “yo iba en una línea distinta a la supuesta vanguardia de los años 60 que ellos representan, y quería hacer este neorromanticismo extraño”. El resultado fue que se salió y ahora cursa primer año de Sicología en la Universidad Finis Terrae, pero sin abandonar la composición. “Siempre tuve un interés tanto por las humanidades como la ciencia, y encontré en la Sicología ese punto en común entre ambas”.

Sobre sus inspiraciones, indica que “mis referentes son europeos totalmente, yo hasta llegar a la Chile no sabía que había compositores chilenos”, dice con honestidad. “Berlioz, Strauss, por la grandiosidad de la música, también Mahler, que me inspira filosóficamente más que musicalmente. Y de la música actual, me interesa el alemán Jörg Widmann”.

INSPIRADO EN SHAKESPEARE

La isla encantada lleva el subtítulo de Dos escenas de La tempestad de Shakespeare, op. 106. Dice el compositor: “Es como un poema sinfónico pictórico, con un lenguaje al estilo de Brahms, pero deconstruido y ligado a sonoridades tonales, con mucha melodía”. Sobre sus dos movimientos, afirma que son “contrastantes”, donde “el primero se rige por un ostinato en el arpa y representa el hechizo de Ariel, y anuncia el tema principal del segundo, que es como un andante que recuerda un paseo, inspirada en un cuadro que vi en Wikipedia sobre Miranda y Ferdinando”.

El concierto que tiene lugar martes 19 y miércoles 20 estará dirigido por Pedro-Pablo Prudencio, y contempla además la Obertura-Fantasía Romeo y Julieta de Tchaikovsky, y Sueño de una noche de verano de Mendelssohn. Es esta conexión shakespeariana la que motivó a Salvo.

“Sabía que con una obra inspirada en Shakespeare tenía más posibilidades que con algo basado en el norte, por ejemplo”, dice.

Fue Prudencio, director residente de la Filarmónica, el impulsor de este concurso: “La idea precisamente era abrir el Municipal a nuevas generaciones, y potenciar nuevos talentos”. Acerca de la obra de Salvo comenta que “tiene una instrumentación muy rica, reconozco un talento para orquestar y belleza en sus temas. Los dos movimientos en su conjunto tienen el carácter de obertura”.

Salvo es optimista respecto a la recepción de la audiencia. “Mi interés como compositor siempre ha estado en escribir para el público, pensando en sus expectativas y en entregar un buen espectáculo, más que quedar conforme sólo yo con un trabajo bien hecho”, dice.

Mon Laferte graba en Capitol Studios con líder de The Mars Volta

La Tercera

La solista registra hoy su nuevo LP en el icónico estudio de Los Angeles y con Omar Rodríguez-López de productor.

Por Andrés del Real

El ritmo de trabajo puede no dar tregua cuando se está en la curva ascendente. Bien lo sabe Mon Laferte, quien corona una de las etapas más exitosas de su meteórica carrera con nuevos desafíos y una agenda casi sin pausas. Basta revisar los posteos de la viñamarina para hacerse una idea de lo que han sido sus últimas tres semanas, en las que terminó una extensa gira por Estados Unidos junto a Juanes, bajó hasta Buenos Aires para participar en la grabación del Unplugged de Los Auténticos Decadentes, se presentó en el festival Cosquín Rock de Guadalajara y debutó como conductora en los premios MTV MIAW.

Pero la vorágine no se detiene para Monserrat Bustamante, quien desde hace algunos días prepara en Estados Unidos el sucesor de La trenza, el exitoso álbum de 2017 con el que amplió su audiencia continental y ganó un Grammy Latino, además de los tres premios Pulsar de esta semana. En los últimos días, la artista y su banda han ensayado exhaustivamente el nuevo material, que grabarán hoy en Capitol Studios, uno de los más emblemáticos estudios de Los Angeles, ubicados en el corazón de Hollywood y origen de algunos de los capítulos más importantes de la música anglo del último siglo.

Sin ir más lejos, en el recinto creado en 1956 y emplazados en la icónica torre del mismo nombre, han grabado leyendas de la talla de Frank Sinatra, Nat King Cole, Barbra Streisand, Paul McCartney y los Beach Boys, mientras que en los últimos años lo han hecho figuras como Beck, Sam Smith y Michael Bublé, entre otros.

Un recinto con historia para el nuevo trabajo de la viñamarina, cuya preocupación por los ensayos previos al registro tiene una razón de peso: según detallan cercanos, las nuevas composiciones se grabarán en una sola toma y sin el tradicional “overdubbing” de capas de audio, con todos los músicos tocando en simultáneo y dándole al nuevo material la sensación de un registro en vivo.

MUJER DE L.A.
Para esta nueva producción, que la compañía multinacional que maneja a la chilena pretende publicar antes de fin de año, Mon Laferte contará con un equipo de ilustres colaboradores. Además de la banda estable que la acompaña, liderada por su director musical Manú Jalil, el registro será conducido por Omar Rodríguez-López, el músico de origen puertorriqueño detrás de dos de las bandas más celebradas del rock alternativo estadounidense de este siglo: los extintos The Mars Volta y los recientemente reunidos At the Drive-In.

Rodríguez, que en noviembre llega a Chile junto a esta última agrupación -con un show ya agotado y otro en el festival Fauna Primavera-, oficiará de productor del nuevo álbum de Laferte, con quien ha coincidido en festivales y cultivado una amistad fuera del escenario.

La mesa de sonido, en tanto, estará a cargo de Bruce Botnick, el ingeniero tras algunas obras cumbres del rock californiano, como “L.A. Woman” de The Doors y “Forever changes” de Love, completando un equipo de lujo para el debut formal de la chilena en la industria estadounidense.

Joe Vasconcellos baila y llora

La Tercera

El músico alista un EP que recoge esa fusión de la que fue impulsor en los 90, hoy tan boga: la cumbia de acento chileno. Pero también sufre por Jorge González y Álvaro Henríquez: “La vida es loca”, dice.

Por Carlos Farías

Joe Vasconcellos (59) está en su centro de operaciones. Es una vieja casona en Providencia, en sus murallas están las huellas de una de las carreras más influyentes y populares de la escena local, como un cuadro que lo galardona con un disco de platino por Toque (1995), material donde están gran parte de sus hits; y otro que celebra su cuádruple disco de platino por Vivo (1999), ese directo que lo catapultó al éxito. El músico, apelando a su estampa más característica, se muestra alegre, se ríe con facilidad, pero su semblante cambia y se emociona hasta las lágrimas cuando habla sobre el complejo presente de dos de sus compañeros de ruta: Jorge González y Álvaro Henríquez. En ese minuto, Joe Vasconcellos también llora.

“En este momento uno es absolutamente solidario, porque sé lo que es estar arriba del escenario sintiéndose mal y teniendo claro que ese es tu templo; y si te tienes que ir, ojalá sea en tu templo”, reflexiona. Suspira y sigue: “La vida es muy loca, nos pone muchas cosas por delante. Todo lo que le ha pasado a mis colegas hace que uno piense, porque uno lleva una vida muy sedentaria. También debemos ser más agradecidos, más cariñosos con nuestros próceres del arte, no reírnos. Ya que todos estamos haciendo un proceso antibullying, ya no está bueno reírse del curadito, del loquito, porque eso también genera reacciones, sobre todo cuando uno es un persona sensible, solitaria, que solemos ser”.

Y el compositor volvió al estudio, para materializar un nuevo EP: Llamadas vol. 3, el que cierra la trilogía de corta duración, del mismo nombre, que comenzó en 2014. “Quise probar (con tres EP) y no con un disco por la velocidad con que van las cosas. Con un EP, podía tener más tiempo de ir creando cosas y la respuesta es más inmediata”, cuenta el hombre de “Mágico”. De hecho, la última vez que lanzó un larga duración fue en 2007 con el festivo Destino.

Vaconcellos cuenta que antes del proceso del reciente material, que demoró un mes y medio en componer y grabar, junto a su grupo vivieron una verdadera revolución. “Decidimos no limitarnos y no seguir con la figura de un director musical”, revela. “Fue a fines del año pasado y tenía que pasar, habían músicos muy buenos que podían aburrirse e irse a tocar a otro lado. Pero fue una revolución entretenida, porque aparecieron talentos increíbles. Este disco es una exaltación de la banda, de lo lindo que es tener una dentro de esta sociedad”.

Y es así como en las cuatro canciones de la producción hay una gran participación de su conjunto, con quienes en su mayoría lleva siete años, mientras otros ya son aliados históricos, como el percusionista Silbert Da Silva. Y bajo esta mancomunión nació el primer single: la cumbia nortina Alma gemela, que se estrenó ayer por plataformas digitales. “Es un homenaje a toda esa música del norte, tiene una dinámica y sonoridad que evoca eso. Pero que agarra esta onda de lo que es esta urbe, Santiago”.

En la obra, grabada en los Estudios del Sur, el músico volvió a trabajar con Moral Distraída, con quienes reversionó el año pasado su clásico que criticaba el consumismo de los años 90: “La funa”. Ahora están juntos en “El vuelo”, cuya letra habla sobre la inmigración. “Quisimos darle un clima del Caribe, con un coro que dice: ‘bienvenidas sean las personas de otros países’”, cuenta. Y agrega: “Y sin ningún pudor quisimos homenajear a Os Paralamas, que son familia. Me conmovió mucho verlos tocar en Río hace poco, mayores y tocando la raja”.

El 17 de agosto saldrá a la venta el álbum en formato físico, y de aquí a noviembre se lanzarán los nuevos singles, que mantienen su característico mestizaje.

Así nació “Primavera”. “Ese evoca los 90”, adelanta. Y el material cierra con “Un beso así no se olvida”, donde crítica el ritmo de vida actual y que tiene coros del combo de fusión Newen Afrobeat, además de la participación del chinchinero Felipe Toledo, hijo del histórico cultor del género, Patricio Toledo (El Pepa).

Luisito Rey no está solo: Los otros "papito corazón" del mundo del espectáculo

El Mercurio

Gracias a "Luis Miguel, la serie", el progenitor del astro mexicano se ha transformado en sinónimo de padre tirano y maltratador. Sin embargo, varios especímenes como él han habitado tras las luces de los sets y los escenarios, marcando para siempre a sus hijos. 

Por Sebastián Cerda

Es el causante de todos sus problemas: El que se interpone en sus relaciones, boicotea sus planes, el que asalta sus cuentas, destruye a su familia, lo explota laboralmente y, en definitiva, se las arregla para transformarse en el titiritero que dirige toda su vida.

De ese modo es como se presenta al español Luis Gallego Sánchez en "Luis Miguel, la serie", producción que en estos días emite Netflix. Una descripción que calza a la perfección con la figura del antagonista o el archienemigo, de no ser por un detalle: que se trata de su propio padre.

Uno que estuvo lejos de ser un modelo, pero que en ningún caso es una excepción en el mundo del espectáculo. Porque, allí, Luisito Rey tiene meritorios acompañantes.

 José Sosa (José José)
Otro de los grandes astros mexicanos en torno al cual se acaba de estrenar una serie en Netflix ("José José, El Príncipe de la Canción"), donde también se aprecia a una figura paterna severa y determinante. Pero si la motivación de Luis Rey era exprimir el talento de su hijo, la de José Sosa terminó siendo la contraria: tras forzarlo a aprender sobre música, lo presionó para abandonar ese camino, aduciendo que el único destino posible era la ruina económica. Sosa quizás se basaba en su propia experiencia como tenor caído en desgracia a causa del alcohol, adicción que no solo determinó su conducta en lo laboral, sino sobre todo en lo familiar, con el propio José José sufriendo su agresividad.

Mitch Winehouse (Amy Winehouse)
Aunque conductas antes y después del deceso de Amy Winehouse venían sembrando dudas en torno a la figura de su padre, fue el documental "Amy" (2015) el que terminó de imprimir su imagen. La obra lo muestra como alguien ausente, pero que procuró revertir aquello cuando su hija comenzó a ser una artista rentable, aunque sin nunca preocuparse verdaderamente de sus adicciones e incentivándola a trabajar incluso cuando su condición ya era muy precaria. El hombre montó en cólera una vez estrenada la cinta, y, en paralelo, aprovechó su figuración para relanzar su propia carrera como cantante.

Tommy Gallagher (Noel y Liam Gallagher)
"Quizá mi padre me metió el talento a golpes", fue la elocuente frase con que el ex líder de Oasis se refirió al período junto a su progenitor, en el documental "Supersonic". Allí se cuenta cómo la violencia de Tommy Gallagher marcó a la familia, aunque fue Noel, el segundo de tres hijos, quien sufrió la peor parte. Por ello, la madre de los músicos decidió irse con ellos y abandonar a su marido, de quien no supieron más hasta que Oasis ya había alcanzado la fama. Fue entonces cuando se dejó caer en un show, lo que causó la ira de los Gallagher, particularmente de Liam, quien lo amenazó con "partirle las piernas" si no se retiraba. El cantante recordó en The Telegraph que "él siempre estaba fuera, peleando, golpeando a mi mamá, a Noel y a mi hermano Paul".

Joe Jackson (Michael Jackson)
Restando alusiones más específicas a la violencia, ni el propio patriarca de los Jackson ha desmentido la extrema severidad con que trató a sus hijos. "Se burlaba de mí y lo odiaba, me hacía llorar cada día. Era muy estricto, muy duro y severo. Había veces en que venía a verme y me ponía enfermo, me sentía mal, comenzaba a sentir náuseas", dijo Michael en una entrevista en 1993. El fallecido astro recordó en más de una ocasión los golpes de cinturón y los abusos psicológicos del padre, quien ha aseverado que esa impronta fue la que permitió transformar a varios de sus hijos en estrellas.

Ryan O'Neal (Tatum O'Neal)
El viudo de Farrah Fawcett y ex estrella de Hollywood es uno que ni siquiera intenta disimular su escasa vocación por la paternidad y los horribles resultados que anota en ese rol, y que han sufrido, entre otros, la ganadora del Oscar Tatum O'Neal. Las historias sobre el actor hablan de episodios de violencia, incitación al consumo de drogas y un verdadero aniquilamiento de la autoestima de sus hijos, de quienes terminó distanciado. Tanto así, que él mismo reconoció que en el funeral de Fawcett fue incapaz de reconocer a Tatum, con quien tuvo una embarazosa escena: "Acababa de poner el ataúd en el coche fúnebre y estaba viendo cómo este se alejaba, cuando se me acerca una hermosa mujer rubia (...). Estaba tratando de ser divertido con una sueca desconocida, y resultó que era mi hija", dijo a la revista Vanity Fair. Tampoco ha sido mejor con Redmond, hoy sumido en la drogadicción y la criminalidad, mientras que a Griffin llegó a lanzarle un balazo. "Creo que yo no tendría que haber sido padre. No hay más que echar un vistazo a lo que he conseguido: o están en la cárcel o deberían estarlo", agregó O'Neal en la citada entrevista.

Julio Iglesias (Enrique Iglesias)
El astro español está lejos de ser un Luisito Rey o un Joe Jackson, pero no digamos que ha sido un ejemplo a la hora de interactuar con un hijo artista, en particular con Enrique, quien ha hecho explícita la distancia que mantienen y la falta de apoyo que recibió, debido a los celos y resquemores profesionales. Según Alfredo Fraile, mánager histórico de Julio, luego de que Enrique editara su primer disco "llamó a su padre para decirle que había vendido un millón de copias. La respuesta de Julio fue que el éxito se lo debía a ser hijo suyo y que el disco era una porquería". El distanciamiento entre ambos se ha acentuado y hoy la comunicación entre ambos está prácticamente cortada.

Earl Petty (Tom Petty)
Según sus biógrafos, en buena medida los tempranos acercamientos de Tom Petty a la música tuvieron por motivación abstraerse de los malos tratos que le propinaba su padre. Hombre frustrado, mal genio y aficionado al alcohol, Earl Petty quedó en la memoria de su hijo como un tipo violento y castigador. En "Petty: The Biography" (2015), el propio artista recordó la primera paliza que le dio, cuando apenas tenía cuatro años: "Agarró un cinturón y me dio con todo. Me pegó tan fuerte que quedé cubierto de ronchas, desde la cabeza hasta los pies (...). Mi mamá y mi abuela me acostaron, me sacaron la ropa y con algodón y alcohol se pusieron a limpiar mi cuerpo".

Matthew Knowles (Beyoncé)
Aunque en el mundo artístico hay padres explotadores, violentos e inescrupulosos, quizá también hay simples "pasteles", como Matthew Knowles. De ahí que Beyoncé insista en mantener siempre una buena relación con él, a pesar de sus múltiples errores. El ex empleado de una empresa de tecnología, que dejó su trabajo para convertir a su hija en artista, mostró dificultades para convivir con esta cuando se transformó en una estrella empoderada, lo que sumado a su propio afán de figuración lo llevaría por una espiral que terminó con su divorcio, dos demandas por paternidad y la cantante despidiéndolo como mánager. Luego aparecería en los tabloides por lanzar cursos para ser una estrella al estilo Beyoncé, vender artículos sobre esta, insinuar que sus líos maritales eran un truco para vender tickets y decir que su hija mentía sobre su edad. Las líneas sobre la infidelidad masculina del álbum "Lemonade" también lo tendrían a él como destinatario.

Charles Theron (Charlize Theron)
Pero si hablamos de historias de maltrato, pocas hay tan desgarradoras como la vivida por Charlize Theron. La actriz creció en un hogar marcado por la violencia y el alcoholismo del padre. "Lo que más me afectó fue vivir todos los días con un alcohólico y despertar sin saber lo que iba a suceder. Mi vida dependía de otra persona y de si iba o no a beber", dijo el año pasado a Howard Stern. La situación llegó a un punto crítico el 21 de junio de 1991, cuando Charles Theron apareció en casa borracho y armado. El pánico se apoderó de su esposa, quien terminó disparándole y causándole la muerte. La actriz ha sostenido que los traumas de su niñez le han dejado secuelas como un trastorno obsesivo compulsivo, aunque hoy no duda en calificar a su madre como su gran inspiración.

En el Municipal de Santiago: Héctor Noguera y joven compositor chileno se unen en homenaje a Shakespeare

El Mercurio

El Premio Nacional de Teatro 2015 y el músico Ignacio Salvo protagonizarán este martes y miércoles uno de los puntos altos de la temporada de conciertos de la Orquesta Filarmónica de Santiago. 

Por Maureen Lennon Zaninovic

En la versión de "Sueño de una noche de verano" de los payadores Manuel Sánchez y Guillermo Villalobos, los personajes se paseaban entre hadas y hechizos de amor hablando en décimas y versos chilenos. La novedosa adaptación para el teatro -montada en 2016, en el marco del Festival Santiago a Mil, por Héctor Noguera y Daniel Muñoz- sin duda no pasó desapercibida.

"Fue una versión totalmente chilenizada y picaresca. Tuvimos una audiencia enorme, a lo largo de todo Chile", rememora Héctor Noguera en un palco del Municipal de Santiago.

El Premio Nacional de Teatro 2015 está preparando su debut en el escenario de Agustinas como uno de los narradores -junto a la actriz Tita Iacobelli- de la versión sinfónica de Felix Mendelssohn de esta imprescindible obra de Shakespeare, junto a la Orquesta Filarmónica de Santiago. Las presentaciones son el martes y miércoles.

"Es una maravilla debutar en el Municipal y poder hacer esta obra de una manera tan diferente, más clásica, con la Orquesta Filarmónica de Santiago, coro, solistas y narración. Estamos ante una gran producción", dice Noguera y añade que Fabiola Matte diseñó una puesta en escena con movimientos e intencionalidades para los actores.

Es sabido que la relación de Felix Mendelssohn con "Sueño de una noche de verano" atravesó toda su vida. El compositor leyó por primera vez la obra en 1826, con solo 17 años, y rápidamente compuso una obertura inspirada en ella. Dieciséis años más tarde, en 1842, Federico Guillermo IV de Prusia le pidió terminar esta pieza. Su composición incluye una variedad de números, entre otros, la marcha nupcial: la composición más conocida de Mendelssohn y una de las más famosas de la historia de la música.

"Estamos ante una partitura bellísima, que se enriquece con la narración. Para mi intervención y la de Tita Iacobelli se seleccionaron algunos textos de Shakespeare. A mí me toca interpretar varios personajes, entre otros: Oberón; los dos jóvenes, Lisandro y Demetrio, y uno de los elfos. Trabajar con Tita ha sido un gran descubrimiento. Es una gran actriz".

Noguera profundiza en su lectura de este clásico: "Me impresiona la interacción entre los humanos y los seres divinos, espirituales y mágicos. Esta fusión, que es muy propia de Shakespeare, también está presente en 'Macbeth'. En 'Sueño de una noche de verano' los seres espirituales son diáfanos, alegres y picarescos. Conocen la naturaleza humana y se ríen de ella, desde su lugar espiritual".

Gran estreno nacional

El programa de la Orquesta Filarmónica de Santiago, dirigida por Pedro-Pablo Prudencio, también incluye la obertura de "Romeo y Julieta", de Tchaikovsky, y "La isla encantada. Dos escenas de 'La Tempestad' de William Shakespeare para orquesta. Op. 106". Esta última fue compuesta por Ignacio Salvo (22) y es la obra ganadora del Primer Concurso de Composición del Municipal de Santiago.

Salvo estudió en la Facultad de Artes de la U. de Chile, entre 2013 y 2017, y ha ganado prestigiosos concursos de composición, entre otros, los de la Orquesta Sinfónica de Chile, en 2014 y 2017. Actualmente cursa Psicología en la U. Finis Terrae.

"Afortunadamente, me ha ido bastante bien. Ya en mi primer año de estudios gané el certamen de la Sinfónica", dice. El creador chileno añade que comenzó a componer a los cinco años y que llegó a la Casa de Bello con un importante número de creaciones bajo el brazo. "Desde 2015 ya cuento con 120 obras escritas. Pero si me remonto más atrás, son más de 500 piezas, muchas de ellas pequeñas creaciones de práctica y de juventud".

Sobre la obra ganadora que estrenará en el Municipal concluye: "Shakespeare siempre ha estado dentro de la lista de mis autores favoritos, sobre todo por su aspecto místico y la presencia del amor. Mi obra quiere ser una gran síntesis de los otros dos compositores que incluye este programa. Tomé algunos elementos característicos de 'Sueño de una noche de verano' y 'Romeo y Julieta' y creé algo nuevo pensando en el siglo XXI. Mi obra sigue una idea tonal, la orquestación romántica, pero también tiene elementos de atonalidad. Tiene la libertad de la música contemporánea".

PROGRAMARSE:

Martes y miércoles , 19:00 horas. Municipal de Santiago. Entradas desde $3.000 a $27.000. Más información en Municipal.cl

Destacados músicos de jazz y rap se unen en La Brígida Orquesta



Comunicado de prensa

El recorrido de destacados músicos nacionales por diversas agrupaciones de jazz y rap, converge en una innovadora propuesta musical: La Brígida Orquesta

Presentarán su nuevo single “No hay apuro” a mediados de junio, a través de plataformas digitales, siendo además un adelanto de su primer disco "Corte Elegante".

Cuentan con una interesante puesta en escena: un show musical y un juego con elementos teatrales, que busca llevar al auditor a un viaje experimental.

Dicen que el concepto “brígido” es usado en Chile para referirse a una situación escalofriante, de esas que te pone los pelos de punta. Y a eso justamente alude La Brígida Orquesta: una conjugación de capos músicos, audaces en sus instrumentos y al mismo tiempo irreverentes en sus letras, cuyos protagonistas ya se hicieron notar en diversas bandas nacionales, destacándose por sobre todo en los estilos de jazz y rap.

En la voz principal está Matías Chinaski -fundador de Mente Sabia Crú- quien con letras agudas plasma una mirada introspectiva de su día a día y se mueve cómodamente sobre beats que van desde lo más clásico del rap, hasta el jazz más negro de los años 50.

Su director musical, Gabo Paillao, es pianista, compositor y arreglador proveniente de la Conchalí Big Band. Actualmente tecladista en la banda de Ana Tijoux. Además ha sido colaborador de varios artistas hip hop, destacándose su trabajo con Hordatoj, Como Asesinar a Felipes, Foex, Portavoz, entre otros.

“El formato orquesta es potente, es brigido y el contexto de nosotros también lo es, somos gente de población con herramientas musicales con las que nos encontramos. En un país donde las oportunidades y cultura escasean, hacer música es ir contra la corriente. Somos "La Brígida Orquesta" porque como orquesta te podría hacer alusión a algo elegante, pero somos más bien piantes”, señala Gabo Paillao.

La parte orquestal de la banda lo completa un ensamble de vientos de lujo, compuesto por importantes intérpretes nacionales, la mayoría de ellos han sido parte de la Conchalí Big Band.

Las trompetas están a cargo de Italo Viveros, quien además es fundador de la Mapocho Orquesta (ganador Premios Pulsar 2017), y Fernando Carvacho, siendo el menor de la orquesta y parte de la última generación activa de Conchalí Big Band (además destaca su paso por Newen Afrobeat).

Los trombones, en tanto, caen en las manos de Alfredo Tauber (quien ha colaborado con Ana Tijoux, Gepe, Mapocho Orquesta, Mercurio Paradise y parte de la Orquesta de Viña del Mar) y Alejandro Mendoza (de la Mapocho Orquesta y Sonora 5 Estrellas).

Siguiendo con los vientos, en los saxofones se lucen Ed Neidhardt, músico inglés radicado en Chile, es el encargado de liderar el ensamble de vientos con su saxofón alto; Vicente Aravena, el encargado del saxo tenor en la orquesta, y Aldo Gómez en saxo barítono y flauta (quien también fue parte de la Conchalí Big Band y Newen Afrobeat).

Y para completar la composición de la orquesta, en la sección rítmica se destaca Felipe Salas (fundador de ¨Como Asesinar a Felipes¨), que es quien lidera la batería y Tomas Alud a cargo del bajo y voz.

Juntos y revueltos componen La Brígida Orquesta, una banda innovadora que propone colores oscuros desde la mezcla de sonoridades y escuelas musicales muy distintas: el jazz, el rap, la música clásica y la música para cine.

Desde el jazz, el trabajo de orquestación cuenta con influencias de las corrientes más negras como Charles Mingus, Thelonious Monk o Miles Davis, que se complementan con las habilidades de improvisación y canto en el rap de Matiah Chinaski, cuyo estilo se caracteriza por la versatilidad y la capacidad de rapear sobre géneros musicales muy diversos.

A esta propuesta suma una interesante puesta en escena: ¡Alunizaje de Pailas! es su show musical y ¡Atraco al Teatro! es su juego con elementos teatrales y es allí donde nace ¨Orquestina, La Brígida¨ personaje central del mundo de La Brígida Orquesta que hace su aparición en escena y se apodera del show.

En noviembre de 2017 La Brígida Orquesta presentó su primer EP Homónimo, de este trabajo ya lanzaron su primer single y videoclip “InconsecuencIa”. Ahora se preparan para lanzar su primer disco y como adelanto presentan “No hay apuro” a mediados de junio, por plataformas digitales.

"No hay apuro nos representa, tiene que ver con el hacer por el placer mismo de hacer, sin presiones. Con mucho o con poco, con o sin recursos, lo hacemos porque las ganas nos sobran -No nos regalaron nada y no nos pusimos a llorar, tomamos las armas que teníamos más cerca; metales, maderas, percusiones, cuerdas, letras y unas ganas tremendas de ponerlas donde sea- de eso se trata el nuevo single”, sentencia Gabo Paillao.

Murió ex integrante de Locomía

A los 46 años falleció Santos Blanco, quien integró la primera formación de la banda española, que se caracterizó por su llamativo vestuario y bailes con abanicos. El representante del grupo dijo que el deceso obedeció a causas naturales. Blanco se presentó con Locomía en el Festival de Viña en 1992 cuando la banda estaba en la cúspide de su carrera con temas como "Loco Vox" y "Rumba, samba, mambo".

viernes, junio 15, 2018

Mon Laferte graba disco este fin de semana en los estudios Capitol


La Tercera

La viñamarina sumó tres premios Pulsar y consolidó unas de sus temporadas más brillantes, horas antes de entrar al estudio para registrar el sucesor de La trenza.

Canción del año, Mejor artista pop y un reconocimiento especial como autora de la canción más tocada en radios del último año. Si bien sus compromisos le impidieron estar presente en la ceremonia, Mon Laferte fue una de las grandes protagonistas de la cuarta versión de los Premios Pulsar, que se celebraban anoche en uno de los estudios de TVN y, como pocas veces, con ganadores repartidos y sin un triunfador único y descollante.

En ese escenario, junto al trofeo a Congreso por Disco del Año y al de Artista del Año para Movimiento Original -en una siempre impredecible elección por voto popular-, la solista viñamarina se impuso como soberana de la velada con tres premios por su álbum La trenza, los que agradeció a través de un saludo en video desde Norteamérica, su residencia hace una década y el centro de operaciones desde donde continúa su hasta ahora imparable fenómeno continental.

Pero mientras su último álbum sigue cosechando premios, Monserrat Bustamante parece decidida a no dormirse en los laureles y a obedecer a su ya conocido ímpetu artístico. Es así como ahora, a poco más de un año del lanzamiento de La trenza, la cantante alista la grabación de su sexto disco, que registrará en los estudios Capitol de Estados Unidos. Y aunque hasta ahora, más allá de sus declaraciones de intenciones, la autora de “Amárrame” no ha adelantado mayores detalles de esta nueva producción, lo concreto es que el LP se grabará este fin de semana y en una sesión de una sola toma que apuesta a la urgencia y la espontaneidad, cuyo resultado verá la luz durante el segundo semestre.

Una nuevo hito en la siempre sorprendente carrera de la ex Rojo, quien terminó de afinar su nueva apuesta luego del tour norteamericano que realizó junto a su compinche Juanes, y que hasta el mes pasado la tuvo recorriendo diversas arenas y recintos emblemáticos de Estados Unidos, en portadas de sitios y revistas de la escena anglo e, incluso, como invitada -junto a Gepe- al Unplugged que Los Auténticos Decadentes grabaron para MTV en ese país.

Imágenes tomadas desde el Instagram de Mon Laferte: