Algunos alcances sobre "Des/encuentros de la música popular chilena (1970-1990)" de Juan Pablo González

Por Víctor Tapia

No es la intención de este post cuestionar la calidad de la publicación. Nada está mas alejado de eso. El autor tiene los estudios necesarios, y una cantidad de vida importante dedicado al tópico sobre lo que trata el libro. A pesar que he manifestado en forma extrema mis opiniones sobre algunos frases destacadas del autor, sería pelotudo de mi parte menospreciar la capacidad del autor para escribir textos sobre música popular.

Solo quiero acotar algunos pequeños detalles que encontré en el texto, que espero sean considerados en una eventual segunda edición,  o que puedan servir para algunos lectores del libro para ajustar ciertos datos que se encuentran en el texto y que no necesariamente tienen la precisión del detalle.

Estos alcances se hicieron llegar al autor del texto posterior a la publicación del libro:

-Página 99: El silencio discográfico del Barroco Andino fue hasta el año 1988, no el año 1989 como indica el libro. El cassette fue del año 1988 por CBS Chile, el año 1989 el CD Por Sony Music.

-Página 110: Se da a entender que Andrés Pérez ayudó a la puesta en escena de “El Grito de la raza” de Illapu en la década de 1970. No hay antecedentes sobre eso, solo hay antecedentes (y fui testigo) que Andrés Pérez hizo esa tarea cuando la obra se presentó al público en el Estadio Chile (Hoy Victor Jara) el año 2001 cuando fue editada por primera vez en CD. Andrés Pérez anteriormente había colaborado con el Inti Illimani para el lanzamiento del arriesgaré la piel en el teatro Caupolicán durante la década de 1990

-En las páginas 114 y 255 se escribe sobre el cassette y específicamente sobre el cassette de Cromo. Hay que aclarar que el cassette que ocupo la industria chilena como formato desde los 70 hasta cerca de los 2000 fue el cassette de ferro. El cassette de Cromo fue ocupado por la industria chilena para lanzamientos puntuales, como por ejemplo The Beatles a inicios de la década de 1990, y una partida especial que hicieron del cassette corazones, estos cassettes tenían una mejor fidelidad en el sonido  y  tenían un precio del doble sobre el que tenia el cassette normal
Mas sobre los cassettes aca
Cassettes: http://www.instructables.com/id/Cassette-Tape-1101-an-in-depth-look-into-this-an/

-En relación al aumento del crecimiento de las importaciones de cassettes el año 1981 que se hace mención en el libro, habría que considerar en el análisis el tipo de cambio y el aumento de las importaciones en otros artefactos para determinar si este crecimiento es considerable o no, tomando en cuenta que en aquella época aún se vivía bajo el espejismo del tipo de cambio fijo. Además se vivían bajo 2 modelos distintos, entre 1970-1973 se vivía bajo el modelo de protección a la industria nacional, sumado al aislamiento económico propiciado por EEUU frente a la UP, y a principios de la década de 1980 estaba en pleno auge el modelo de libre mercado. Solo teniendo esa información a la vista se puede determinar que tan grande fue el crecimiento de la importaión de cassette en ese período.

-Página 115. El programa Hecho en Chile según recuerdo iba de 12.00 a 13.00 hrs, al revisar info en internet para verificar mis recuerdos di con esto, en donde se señala que a las 13.00 hrs daban un espacio de pedidos musicales, por lo tanto no iba en el horario que indica el libro
http://radiodifusionchilena.blogspot.cl/2009/10/radio-galaxia-1975-1995.html

-Creo que era imprescindible incluir a la música romántica en el estudio, o sino no hay base para poder analizar el disco “Corazones”  de Los Prisioneros en algún próximo estudio, considerando además que fue el disco más exitoso de Los Prisioneros. Por otro lado la música típica y sus variantes también deberían haberse incorporado, para incluir en un próximo estudio la explosión de la cueca a mediados de los 90 de mano de Los Tres

-Pagina 141 se indica que el tema “Rubia de los Ojos celestes” fue editado por Star Sound el año 1973. Este tema fue por primera vez editado como single por el sello Emi Odeón en 1977
https://www.discogs.com/es/Tumulto-Rubia-De-Los-Ojos-Celestes-Himno/release/5542450
La edición Star Sound corresponde a una nueva grabación y fue publicada en 1987 https://www.discogs.com/es/Tumulto-Tumulto/release/5542433
La Grabación de 1977 fue incluida cuando se hizo una reedición en CD del primer disco de Tumulto grabado en 1973 por la EMI, tal vez de ahí viene la confusión.

-Página 157-158 se indica que el cassette “La voz de los 80” de Los Prisioneros fue editado por la EMI en 1984. Este cassette fue editado por el sello Fusión, de Carlos Fonseca en 1984, y fue licenciado ese mismo año a la EMI:
https://www.discogs.com/es/Los-Prisioneros-La-Voz-De-Los-80/release/4138020
Solo hace algunos años Fonseca le quitó la licencia a la EMI y lo licenció a Chilevisión Musica, siendo el único disco de la primera etapa del conjunto que no esta actualmente en el catálogo de la EMI- Universal chilena

-Página 195 se indica que la NCCH se desarrolló a través de 2 minors: Dicap y Demon, con presencia acotada en EMI. Creo que es al revés, el desarrollo fue a través de Dicap – EMI, con presencia acotada en Demon; por lo menos en el muestreo aleatorio que tengo del catálogo de la NCCH gana por goleada la Odeón sobre Demón. Además hay que considerar que ya al año 1971 la EMI  divulgó catalogo de la NCCH  a nivel internacional, antes que los grupos llegaran por el exilio.

-Página 208-254. Se indica al cassette como formato digital. Error, el cassette nació y murió como formato análogo. La cinta digital es de los años 90 y se utilizó mayormente en los estudios de grabación en Chile, no llegó a consumo masivo:
https://en.wikipedia.org/wiki/Digital_Compact_Cassette

-Página 230: se indica que el disco de Sonia Canta a Violeta es de 1980, pero realmente es de 1979
https://discotecanacionalchile.blogspot.cl/2013/10/sonia-canta-violeta-parra-10-temas-de.html

-Sugiero un análisis a esta grabación que permaneció inédita hasta la década de los 80, Violeta tocando rin con charango, haciendo una intro en Charango con un toquio de canto a lo Humano/divino, además de la técnica de grabación con “rever”. Esto último demuestra que la Odeón ya hacía esas variantes tecnológicas cuando tenían los recursos, tal vez la sorpresa que se encuentra con la grabación RCA de 1966 es cuando se comparan con las grabaciones Odeón de la década de 1950, siendo que sería mejor comparar versiones grabadas por Violeta en fechas cercanas en ambos estudios.
https://www.youtube.com/watch?v=IZrVHuUfABI

-Página 282, sobre el festival del Nuevo Pop Chileno, creo que sería bueno indicar que el manager de todas las bandas presentes en ese festival era el mismo: Carlos Fonseca, quién además fue el que organizó el festival.

-Página 309: Eclecticismo anti hegemónico y Fulano. En las 3 primeras páginas en que aparece esa búsqueda en google, casi un 100% aparece vinculado a declaraciones de Crisosto en que hace referencia al concepto del autor del libro. Por lo tanto la gran conexión del concepto con el grupo y su uso reiterado se debe a que el grupo lo aceptó y lo comenzó a difundir en entrevistas y en comunicados de prensa; siendo escasamente utilizado por terceros.

Sobre el sgte punto es solo una sugerencia, no tengo el conocimiento suficiente sobre formas literarias para cerrar este tema:

-Pagina 236 sobre la forma literaria de run run, en el inserto de la primera edición de Las Ultimas composiciones se muestra el texto como una serie de 4 seguidillas agrupadas para realizar una estrofa. La seguidilla tiene una larga tradición en la lengua española y especialmente vigente en la cueca.  Hay que considerar que en la cueca las seguidillas se acompañan con la muletilla “ay ay ay”, utilizando Violeta en Run Run la variante “ay ay ay de mí”, ver como escribe Violeta las cuecas en ese mismo inserto:
https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgJ_KTA91wxKYVfAWw2y3tZ37vifcOreM8KYdYKnXZymqLbxFewMuJXgfWrQvpnAtMNZwXVGrNQx2vb94AYAXdocJla7-kWMyQ7Dl8PRetCyjuQEvGPYsDNY5ngJuZ4KMLivUs47g/s1600/violeta+ultimas+6.JPG

https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiWjYYQu2dFXyrEn8V0zpAAHFxF3xqOPd1oSGIDiFRgeAfHHQlUPFAQ5z_yLMybTr1VZlU67VDwouZLDHYolLOS6pSWmyfdG3zc9uKSbhcnuVahExc9h_PG_vDoiqKCRTrOvabbIA/s1600/violeta+ultimas+5.JPG

https://es.wikipedia.org/wiki/Copla
https://es.wikipedia.org/wiki/Seguidilla_(poes%C3%ADa)

Mon Laferte y "Norma": Un salto al infinito

Comentario por Casa Central

Hace un poco mas de un año me puse a escribir el mismo día de su lanzamiento un comentario sobre el disco "Trenza" de Mon Laferte, comenté ahí lo adolescente de sus letras, las malas rimas, etc,. Para que volver a lo mismo.

Hace un poco mas de un mes salió su mas reciente producción "Norma", y les transcribo lo que le comenté a un amigo por wassap ese mismo día cuando iba escuchando el disco en el transantiago

"Acá escuchando el nuevo disco de Mon Laferte. Voy en el 1er tema y el texto es un par de décimas. Ya con eso me noqueó de entrada".
"Nada que decir en contra del disco. Está muy bueno. Se pasea por un montón de de estilos musicales con propiedad, una superación destacable en los textos, acompañamiento musical y arreglos de 1ra. Lo mejor de Laferte con creces, y para mi con este disco subió un montón de escalones en el escalafón de la música chilena"

El salto cuántico desde el disco anterior a este es sorprendente. Mon Laferte asume cada uno de sus años para hacer letras de acuerdo a su vida, partiendo el disco con una décima, que pertenece a una forma lírica tradicional latinoamericana proveniente desde España. y que es ampliamente utilizada por ejemplo por los payadores en improvisaciones , o también en composiciones mas elaboradas como son algunos textos de Violeta Parra o de Silvio Rodríguez.

Mon Laferte se pasea en este disco por un abanico de diversas formas musicales iberoamericanas, desde una Habanera, algunos vals, blues, rumbas, cumbia, bachata, una salsa, un cha cha cha con insertos de rap,  entre otros, demostrando un manejo al dedillo de cada una de estas vertientes en la creación  y en las interpretaciones y como estas son tomadas con propiedad por la cantante chilena.

La cantante ha insistido en que este es un disco conceptual y que es una obligación escuchar los temas en orden. Puede que así sea, pero cada tema de por si vale por si mismo en forma individual, siendo este disco 10 temas cada uno que pueden alinearse con una línea narrativa detrás, pero también puede darse una interpretación libre.

Hay varios items a destacar. Partir el tercer tema con "5 minutos", para mi hace una reminiscencia directa a lo "eterno" que son los 5 minutos en "Te recuerdo Amanda" de Víctor Jara. Por otro lado la portada se podría criticar por simple, por ser demasiada explicita, comparada con el arte de las dos últimas producciones de Mon Laferte, pero por otro lado me recuerda los imple y directo que eran las portadas de Ramón Aguilera, de Palmenia Pizarro en sus discos de la década de los 60's y 70's: Ellos en portada, en algún parque, u en otro lugar... solo su rostro y su nombre en los discos.

Reminiscencias de la música popular chilena

Mon Laferte en varias entrevistas ha mencionado que este disco viene acompañado con una serie de videos. Esta serie de videos no viene incluido en la primera edición de este disco, por lo tanto es un paso natural que en algunos meses salga este disco nuevamente editado, ahora en versión De-Luxe y que venga acompañado con un DVD con los videos mencionados.

Después de escucharlo varias veces, reafirmo mi opinión que solté ese vez que por primera escuché este disco. Esta producción es un hito mayor dentro de la carrera de Mon Laferte, con la cual sube muchos peldaños dentro de la historia de la música popular chilena. Y lo mejor de todo es que aun queda mucho mas por espera de Laferte. Espero que la vida se confabule para que podamos disfrutar de mas entregas que sean un avance dentro de la carrera de Laferte y la música popular de este lado del mundo.



Víctor Tapia

La inconsistencia de los Premios Pulsar

Casa Central

¿Cómo se explica que el mejor disco del año de los premios Pulsar no haya sido elegido también como el mejor dentro de su categoría?

Por Víctor Tapia

Por Dónde empezar?,  creo que lo primero es enunciar que mi opinión no tiene más importancia que la de cualquier otra persona, la única diferencia es que yo me doy el tiempo en escribirla con cierta lógica detrás.

Han pasado los recientes premios Pulsar y hay algo que no me cuadra, que no me hace sentido, y es el grado de consistencia que tienen los premios otorgados entre sí.  En este caso específicamente debería ser de una lógica básica que la producción elegida como mejor disco del año también haya sido elegida como mejor disco o trabajo en la categoría base en la cual participaba.

Como sabrán los premios Pulsar están divididos por categorías, en la cual se elige mejor artista por esa categoría pero vinculado a un disco en especial. No hay nominado a mejor artista de una categoría sin un disco. Y esto resulta esencial para determinar qué es lo que se está premiando acá. Podrán decirme que en realidad los premios por categoría son por los artistas pero no por los discos. Aceptaría esa respuesta  como válida solo si en las diversas categorías también participaran artistas que no tienen discos; ya que es posible que un artista tenga la mejor propuesta del año y haya decidido especialmente entregar sus nuevas propuestas artísticas en vivo y en directo y no a través de registros grabados. Considerando lo anterior llegamos a la conclusión que en cada categoría al “Premiar artistas” en realidad se premia al artista y su disco, y no al artista solo.

En el caso del disco de Congreso “La Canción que te debía” fue elegido como mejor disco del año pero en forma confusa no fue elegido como mejor disco  (“ o mejor artista”) en la categoría en que participaba que era “Mejor artista de raíz”

¿Cómo se puede explicar esa inconsistencia?

Y aquí partimos con los desvaríos.

¿ Cuál es el fundamento para elegir una obra artística como “la mejor” dentro de un rubro?. Discutiendo este tema con un grupo de conocedores, o que algo tienen que ver con el tema de estos premios,  se llegó a plantear que en realidad valorar de esta forma una obra artística, es decir “que es la mejor”, es solo la suma de opiniones subjetivas de los jurados, que al dar mayoría dan un premio de reconocimiento, pero que no es un juicio objetivo de valor el decir que una obra es “la mejor”.

Podemos estar de acuerdo o no con esa afirmación, pero asumamos que es válida. Lo que uno buscaría incluso en ese escenario es que por lo menos haya consistencia entre los parámetros utilizados en las diversas categorías, es decir, ¿Qué elementos se considerarán para ser elegido como “lo mejor”?,  ¿ cómo se relaciona ese concepto de “lo mejor por categoría” a “ “lo mejor sobre la totalidad”? y creo que esto es fundamental, ya que si no hay consistencia entre las diversas premiaciones se da la imagen que los premios se dan por subjetividades tan diversas e inconsistentes que resulta similar a que se dieran los premios a la chuña o casi en una rifa, lo que haría en términos finales que se considere a los premios Pulsar como algo desarrollado tan a la ligera, que hace perder todo el valor que se le busca dar.

Recibí comentarios que me decían que era bueno que no hubiera consistencia. Entonces ahí viene la pregunta  sobre qué es lo que se quiere hacer con los Premios Pulsar, ¿se busca  generar industria, o se quiere dar un premio casi poético?, y por la puesta en escena creo que se busca generar industria. Si quieren hacerlo poético, y que eso explique de alguna forma que no tenga consistencia entre  las diversas categorías, entonces mejor cambien la puesta en escena y les queda un Premio Perfecto.

Si quieren generar industria sean consistentes con los reconocimientos que se están entregando, porque si la inconsistencia se hace permanente en el tiempo, los premios terminarán en el tacho de la basura.

Super Junior mezcló K-pop y reggaetón en su regreso a Chile

El Mercurio

Por Bárbara Castro

Anoche, en medio de un mar de gritos y luces azules, la fiebre por la música surcoreana se fusionó con los sonidos urbanos, cuando Super Junior se presentó en el Movistar Arena.

A la espera de la boyband surcoreana, el público, en su mayoría joven y femenino, aclamaba por ellos agitando bastones de luz azul, el color oficial del grupo.

El arranque llegó lleno de energía con "Black Suit", sencillo de su último disco que el conjunto hizo suyo con una cuidada coreografía sincronizada con un juego de luces y pirotecnia. Una dinámica que se extendió por un poco más de dos horas de recital.

La agrupación volvió a Chile - luego de presentarse en 2012 y 2013- para promocionar su octavo trabajo "PLAY", cuya reedición lanzada hace una semana incluye un reggaetón en colaboración con la cantante urbana Leslie Grace, un esfuerzo por expandir el fenómeno que marca un hito en la industria musical coreana. Precisamente, Grace se subió al escenario para interpretar junto a ellos el sencillo, llamado "Lo siento", en un segmento dominado por los ritmos latinos.

El espectáculo también repasó lo mejor de un repertorio electropop que combina estrofas en coreano con coros en inglés. La puesta en escena, con varios cambios de vestuario, escenografía elaborada y cortometrajes, se encargó de cautivar a los asistentes, en algunos casos, hasta las lágrimas.

El regreso de Super Junior a territorio nacional llegó en un momento en que el k-pop se ha consolidado fuera de sus fronteras como un género éxito de ventas que atrae multitudes de fans alrededor del mundo y donde Chile se ha convertido en una apuesta segura. La boyband coreana GOT7 agotó en un día sus ubicaciones para su presentación del 17 de julio.

Palmenia Pizarro y Ensamble Musicactual. 22 Julio 2017

Desde que supe que iba a ocurrir este concierto quise darme el tiempo para poder darme una vuelta... y finalmente fui.

La ocasión era un Concierto de Doña Palmenia Pizarro acompañada por Conjunto de Cámara dirigido y con arreglos de Sebastián Errázuriz, que iba a ocurrir en ese horrible adefesio arquitectónico de la Universidad San Sebastián entrando por calle Bellavista. 

By the way, independiente de las actividades que ahí realicen ese edificio deberían echarlo abajo.

Volviendo a lo nuestro, el concierto comenzó casi puntual a las 19.00, en una sala llena, excelentemente habilitada, con capacidad para unas 500 personas si no me falla el cálculo. Partió la orquesta con un pequeño preludio que se unió a los primeros compases de "Cariño Malo", momento en el cual hizo su presencia en el escenario Doña Palmenia Pizarro para  a interpretar el tema con la Orquesta.

Lo que vi en esa hora y media fue único. Cuando uno ve un concierto como este, uno se da cuenta que en ciertos caminos de la música sí existen diversos idiomas musicales, diversas vías de la perfomance. Por un lado un músico popular con una vasta carrera, que tiene flujos de interpretación propios, personales, y que se acompaña siempre por músicos que la conocen al revés y al derecho por los años que llevan juntos, y que saben leer, anticipar, adivinar, sentir, cada variación en los tempos, en cada rubbato, en cada acelerando que va a realizar y realiza, en las variaciones infinitas, en el sentimiento de agregar vueltas al final, en las pausas, y que finalmente se van plegando a la piel del músico y todo suena perfecto.

Por otro lado, es lo que vi en este concierto, están los músicos doctos que se apegan directamente a lo escrito en la partitura, a las directrices del director, a cierta rigidez en la interpretación, pero que no necesariamente llevan años tocando con un músico.

A que viene todo esto?, a que fueron varios los pasajes en el concierto en que los tiempos de la interpretación de la cantante y de la orquesta no fueron alineados, así era posible que Palmenia acelerara, o se tomara más tiempo en algunas frases, y la orquesta seguía por su camino a pesar de los esfuerzos del director de alinearse a las fuerzas interpretativas de Palmenia.

Pero no hay que dejar de reconocer que también hubieron varios pasajes del concierto en que los flujos interpretativos de Palmenia y de la Orquesta se aunaron, dando celestiales resultados. Ahí, uno podía percibir que los arreglos musicales estaban hechos con cariño, con respeto, en algunos casos tratando de emular el sonido de las Orquestas que acompañaban a los músicos en la década de 1950 o 1960 en las radios;  ya que para el director hubiera sido totalmente factible tomar un camino de arreglos difíciles, con enmarañados armonías y rítmicas, pero no, todo fue con respeto, con sincero homenaje a la cantante.

Mientras el concierto iba avanzando Doña Palmenia iba contando historias de cada una de las canciones con una memoria prodigiosa para recordar cada detalle, y esto también hacía que ella misma se fuera relajando mientras iba avanzando el concierto. Así por ejemplo, fue posible escuchar al final del concierto un bis de Cariño Malo brillante, si bien el concierto comenzó con este tema, el tema en su primera versión presentó los detalles de los tempos que comenté párrafos más arriba, pero ahora todo fue perfecto.

Tal vez si hubieran hecho una segunda función, todo hubiera salido perfecto; pero es claro que en muchos casos lo perfecto es enemigo de lo bueno. Y este concierto, en donde se aunaron dos universos de la música chilena, bien valía la pena las casi 3 horas de viaje en total, en una muy buena presentación de Palmenia Pizarro junto a la Orquesta dirigida por Sebastián Errázuriz.

Espero que un evento como este se pueda volver a repetir, y que ideas como estas, de juntar estos universos, puedan ser eternamente posibles.

Víctor Tapia

Mon Laferte. La Trenza. 2017

Recién salido me dio por escuchar este disco de Mon Laferte, una de las figuras femeninas más reconocidas dentro del último tiempo en la música chilena, y por qué no decirlo, en México y en varios lugares de Latinoamérica.

Mon Laferte tiene una fuerte llegada dentro de un grupo etario adolescente y juvenil, principalmente por interpretaciones apasionadas, llevando su voz al extremo de expresión de la música melódica.

Este disco viene a ser el continuador del Vol1, editado el 2015, y es un continuador en forma literal, ya que no hay grandes variaciones en los arreglos, en la temática y en la calidad de los versos comparados con el disco anterior.

* El disco parte con un hermoso tema que trata sobre la falta del amor paternal “Pa dónde se fue”, tal vez asociado fuertemente a su vida personal, sobre un ritmo de música andina. Pero este tema muestra desde el principio unos de los ripios recurrentes en las letras de las canciones de este disco, el utilizar la rima con dos palabras ubicadas al final de versos sucesivos: “pestañas… arañas”.
Si miramos las letras de canciones desde un punto de vista más formal, esta rima en versos sucesivos, produce cacofonías, es decir palabras o frases que suenan mal. Una de las más reveladoras de los últimos años por ejemplo es la que utilizó Manuel García para rimar en versos sucesivos  las palabras “restaurant” y “wantán”. Magistralmente horrible.
La canción también muestra un derrotero en las canciones de Mon Laferte, textos simples, directos, poca metáfora, bien melancólicas y dolidas; y registros musicales tradicionales, sonoridades conocidas, no se busca la experimentación melódica, armónica ni sónica; son canciones que bien podrán sumarse a un repertorio tradicional de la música popular realizadas hace un montón de años.
Esa es otra característica de este trabajo. Cuesta ubicar este disco en el año 2017. Podrían ser canciones compuestas hace 50 años fácilmente. Incluso muchas buscan y desarrollan esa sonoridad. La de la música de la Nueva Ola, de los Pretty Faces, pero también el repertorio de la música de cantina, con la expresión dolida y sufrida de esa vertiente musical.
Incluso si vamos más allá, la presencia física de Mon Laferte en los escenarios también es hereditaria de ese concepto, tal vez buscando algo un poco más actual, recuerda la presencia de Luz Casal cuando tomó repertorio de los años 50, con algunos tatuajes adicionales.


*Que si, Una especia de Bossa Nova. Otra canción explicita, nada de sensaciones, descriptiva, de un par de amantes.


*Mi buen amor. Estilo Blues. Otra canción descriptiva, realizada a dos voces sobre una pareja que se trata de convencerse mutuamente de volver, o de no volver.  “Dolida” “amiga”, otra rima en versos sucesivos.

*Ana. Una canción de amor lésbico. Asi se puede leer este tema de Los Saicos en su voz. Un estilo de canción de slow rock, o música de los 50 o de los 60, de ese estilo Nueva Ola. Otra canción descriptiva. “Si yo nací, para amarte a tí”, otra rima de aquellas.

*Amárrame. Una cumbia. Realizada a dos voces sobre una pareja y su juego en el amor, casi como el “dime que no” de Arjona. También otra canción descriptiva.

*“Yo te qui”, vals peruano. Es una temática tradicional la utilización del verso recortado. “Yo te quiero con raíces pero en libertad”. Una pésima metáfora, o tal vez relamida.

*Primaveral. Canción. Otra canción descriptiva sobre una pareja después de echarse un polvo, y la mina es bipolar. “portal…Primaveral… Sentimental… Bipolaridad” “Primaveral.. Real”. Esas rimas…

*No te fumes mi mariguana. Estilo Ska Reggae. Derechamente una de las peores canciones del disco, pasando a liderar fuertemente el ranking de las mejores canciones de lo peor de chilito. No es por lo temática, pero es una canción super adolescente, es como una canción realizada por una niña de 11, ahí sí que sonaría rupturista, versos simples; además ¿qué más simple que ponerle música de Jamaica?, tal vez si le hubiera puesto música Mexicana, o chilena, o de otro país, hubiera sonado como propositiva. Esta no es más una canción para la barra, para el posible escándalo fácil, pero que es un cero a la izquierda en calidad artística.

*Cielito de abril. Tal vez la canción más cuidada, le suma la voz del Innombrable Manuel García, resulta interesante escucharlo en un registro que no es el propio

*Flaco. Tanto como yo. Una baladita, sobre un amor ausente, o que está a punto de irse.

*Trenza. Distinta a todas las del barrio. Una canción dedicada a la hija o a la nieta, para que siga su carrera artística sobre lo que diga el amor o la vida. Tal vez podría ser una canción de su abuela a ella misma, poniéndose en su papel.

Mon Laferte puede resultar una figura importante para que toda una generación redescubra el repertorio de la música popular romántica, dolida, marginal; pero si lo analizamos dentro de la historia de la música popular, teniendo en mi caso un conocimiento relativamente decente del repertorio de la música popular chilena desde los años 50 a la actualidad, Mon Laferte se convierte en solo una figura más, que explota este repertorio, que crea composiciones a partir de él, pero que aún le falta, con creces, elementos y trabajos para convertirla en un aporte que evolucione y revolucione el repertorio del cancionero nacional.

Llama por otro lado lo adolescente que es la temática de las letras, considerando que ella es una mujer sobre los 30 años, podría transformarse, si sigue en ese derrotero, en una mujer adulta cantando canciones infantiles, una integrante de Mazapan, o una Tia Pucherito. Tal vez le exigimos más madurez en sus letras, en su música; un mayor riesgo en la propuesta. Tal vez ella no lo quiere y no lo desea, sino que quiere ser una gota más en el río.

Es este disco un avance a la música popular chilena?, yo creo que no, esto ya Mon Laferte lo demostró en su disco anterior, y otros músicos ya lo desarrollaron hace años. Tal vez este disco es la consolidación del estilo. ¿ Dará para un tercer disco así?, tal vez; pero cada vez que lo haga se alejará de ser un aporte al progreso de la música popular. Tal vez tampoco lo busca. Tal vez es tiempo de dejar pasar este disco, tomarlo como uno más, y que pase el siguiente.

Atte.

Víctor Tapia

Director y todo lo demás de Puro Chile Musical, Discoteca Nacional Chile, etc, etc... pa que vamos a agregarle mas...

Cuando La Musicología Mata a la Música

Casa Central

Siento que es una perdida de tiempo esto, pero por otro lado siento la necesidad de hacerlo, escribir sin filtros, sin evitarse el que dirán, o evaluando las consecuencias, lo que pierdo, etc. Estar haciendo esos cálculos pequeños no me sirve, y a la cresta el que dirán, ….

Todo esto para que?, para dejar al margen algunos comentarios sobre le libro “Pensar la Música desde Amércia Latina” de Juan Pablo González, un libro que se desarma por partes, no hay unidad en este ya que sencillamente es una recopilación de ensayos publicados en distintas fechas y sobre distintos temas que por ahí se cruzan con algo de Latinoamérica, pero el titulo le queda grande, eso de Latinoamérica y de Libro es una mentira, no se trata de Latinoamérica, ni es un libro. Hay algunos ensayos que trata sobre Latinoamérica, pero la mayoría es mirado desde Chile, y parte algo cruza a Brasil, pero eso no da para llamarlo de “Latinoamérica”, y de Libro, tampoco, por mas que se intente que el libro tenga una densidad de libro, esto no se logra.

Sinceramente escribo este comentario desde mi punto de vista de melómano, y me metí a este libro para saber algo mas sobre la música latinoamericana, en este libro se aportan algunos conceptos, pero nada mas profundo de lo ya leído,

Se encuentran algunos detalles, por ejemplo en la introducción se nombran 3 vías en que la musicología se ha acercado a estudiar la música latinoamericana, el americanismo, el interamericanismo, el latinoamericanismo y se podría agregar un cuarto, el iberoamericanismo, el tema es que en el primer capitulo donde se trata específicamente sobre este tema, se dice que sobre este ultimo no se va a decir nada porque es muy temprano para hacerlo (¿??!!!), El libro en sus primeros capítulos entrega algunos resúmenes y enunciados de cómo se estudia la música, mas que hablar sobre música, lo que sinceramente me parece una real lata, ya que el arte en si es la música, no el estudio musicológico, o no?.

El tercer capitulo aborda la escucha de sonidos grabados a fines de la década del 1800 en Chile como un fenómeno vinculado al colonialismo cultural, un texto atravesado por un paradigma de dependencia cultural que ensucia todo lo valioso que uno pudiese rescatar de esta experiencia, pero el veneno que se trasunta en el texto, hace que uno tras otro empiece a saltarse los párrafos en donde se incluyen reflexiones, opiniones, o secuencias lógicas que no tienen otra finalidad de buscar algo que tenga relación a la hipótesis que se quiere comprobar.

El cuarto capitulo es sobre los estudios de música popular, ojo es sobre los estudios, no es sobre música.

El quinto es sobre el análisis de las canciones, y sobre hasta que punto esto puede llegar, algo que sorprende al tratar de poner bajo el microscopio cada matiz, cada respito de la canción… eso es la musicología?,  de hacer una autopsia a la música?, de meterla fríamente en el análisis? y donde queda el misterio del canto y de la música?, es necesario todo encararlo dentro del análisis frío?, del desprender las capas, de separarlo todo?, una mierda!

El capitulo seis en adelante se trata específicamente sobre música chilena, y el ensayo de ese capitulo se trata sobre el tema Marcianita que a fines de los 50 popularizaron en Chile los Flamingos, el capitulo en una parte es descriptivo sobre la forma en que esta compuesta la canción, como se versionó en distintos países, y por otro lado busca dar una teoría sobre su construcción y mensaje que va mas en la fantasías del autor que en las búsqueda de las fuentes originales, ¿por qué en ves de fantasear el autor del ensayo no trató de entrevistar a los mas cercanos al autor de la canción?, El autor nos demuestra especialmente en este capitulo, y a lo largo de todo el libro, que toda teoría o interpretación es válida, y hay que darle hartas vueltas al asunto para que con tantas vueltas, y mareos le vamos a encontrar la razón en algo que cualquier otra teoría la tendría … ¿por qué no decimos finalmente sobre marcianita que lo que quería decir el autor era que una mujer que tuviera todas esas característica debía ser solo una extraterrestre y se acaba la cuestión?

De ahí viene tres ensayos sobre vanguardia, en lo cual rescato el aspecto descriptivo de sucesos mas que las interpretaciones antojadizas del autor, y antojadizas porque el libro o el ensayo no incluyen teorizaciones sobre estas materias de los creadores o de los interpretes, sino son mas bien teorizaciones escritas sobre un computador sobre algo que hicieron los creadores.

Un penúltimo capitulo entra sobre la globalización de la música de raiz chilena y las vertientes e influencias que se han recibido, y el último capítulo un estudio sobre música mas cercana a música de concierto chilena, en la cual se muestra un listado de 40 principales, que sinceramente me suena ridícula, y nuevamente antojadiza, ya que en el texto se no describe el proceso, y las fuentes por las cuales se llega a ese listado. El autor que tanto analiza, y describe no nos cuenta en el texto cual es el proceso que utilizó para llega a ese listado, como lo hizo?, se lo dictaron los sueños?, fue porque le gustaba cada una de esas obras?, o a quien le gustaba?

Si a usted le gusta la música como melómano, este libro es una paja y le recomendamos invertir estas 12 lucas en cualquier disco, o en otros libros. Si usted es musicólogo puede que le sirva. Y si usted tenía interés en adentrarse en algo a la musicología, esto sinceramente lo alejará de inmediato: Si el estudio de la música significa tratar de que los hechos encajen según la teoría que se me ocurrió, si esto además significa poner títulos complicados a unos textos que tratan de cosas de lo mas sencillas,  pretender que el estudio sobre un arte es mas importante que el arte y tratar que diversos temas tengan una unión que no tienen: mejor nos dedicamos a otra cosa.

Se que no se puede pero este libro no vale 12 lucas, con cueva pagaría 5, no puede costar mas que un disco nuevo- sellado de los que venden en el Bío Bío.


Víctor Tapia

Sobre el disco "Absolutamente" de Quilapayún (Parada/Wang)

Casa Central


Sinceramente creo que el Quilapayún quedó allá muy lejos, el 2002, con la separación y el quiebre se terminó el sueño colectivo. Tal vez el fin venía desde mucho antes, desde los últimos años del exilio cuando el grupo venía en una profunda caída de actividades, experimentos con singles para entrar en las discos de Paris, para darle un giro musical a la alicaída actividad, pero en esos años la creatividad cundía por todos lados. Los que hemos seguido al Quilapayún escuchándolos desde sus primeros discos, es la época que mas agradecemos, a pesar de las duras y las maduras sacaron su creatividad por los poros, y los discos editados entre el 82 y el 89 son lo mejor de su carrera: Musical, poética y conceptualmente es la cumbre del conjunto; los que quieran hacer valer otras épocas como las mas encumbradas mas vale que se miren al espejo y se limpien las marcas de los partidos, o de la historia que les conviene contar.

Lo que ha venido después del año 2002, según mi humilde opinión que no es mas válida que la de cualquier hijo de vecino que se da el tiempo para plasmar en las letras las tonteras que piensa,  es la existencia de dos grupos que utilizan el mismo nombre, que plantean su personal propuesta sobre la existencia y la continuidad de un grupo; y para quienes añoramos la mejor época del conjunto no nos queda mas que oír un disco de un lado, ir a un concierto del otro, y esperar casi una década por si los de allá graban algo, o los de acá qué plantean hacer, tratando de armar un rompecabezas para ver si algo parece a lo que fue.

Pero a pesar de lo anterior, primero hay que respetar las canas de los que están sobre el escenario de uno u otro lado, esos años de experiencia no se ganan detrás de un escritorio escribiendo a desmadre,  sentado plácidamente en un teatro o escuchando los discos en la comodidad del hogar con un cerveza en la mano y en la otra cubriendo las áreas del amor que la música del Quilapayún nos tenía guardadas desde la infancia hasta que llegase la época precisa en que todo cuadra…

Y por eso los discos después del 2003 a la fecha hay que tomarlos con la debida distancia y con la debida objetividad que pueden dar los años de ver que las distancias judiciales son problemas de ellos, y que quieran lo que quieran no quedaran plasmados finalmente en lo que se reconozca como la historia del conjunto o de la cultura musical chilena (sino díganme quién se acuerda de los problemas legales entre Los Quincheros y los Huasos Quincheros de fines de los 50). Con la distancia de saber reconocer, sea la agrupación que sea, esa parte del grupo que alguna vez nos gustó, que está en el inconsciente colectivo, pero que aún no esta cerca del grupo que atesoramos en la memoria de nuestros oídos, y aún están como chutándola desde el borde, pero no de lleno; sorry, pero la verdad que entre los 2 Quilapayún prefiero a los Beach Boys….

Y aquí entramos a Absolutamente… primer disco editado por el Conjunto Quilapayún (dirigido artísticamente por Rodolfo Parada y musicalmente por Patricio Wang) después del quiebre de la agrupación el año 2002 ( si quiere saber mas antecedentes revise esta nota). Antes que nada es bueno escuchar un disco desde si, no es bueno las comparaciones entre uno y otro grupo, las comparaciones son odiosas, y si acaso existen ellas están basadas en que ambas agrupaciones tienen los mismos planteamientos artísticos… y eso no es así… solo basta darse una vuelta musicalmente por los discos desde el 2003 en la reagrupación , y en las entrevistas de Eduardo Carrasco para ver que la nueva propuesta de ese grupo viene por otro lado, es una refundación desde el concepto hasta la propuesta, y comparar dos agrupaciones del mismo nombre, pero con distintos objetivos artísticos es perdida de tiempo, es tratar de sacar un as bajo la manga cuando no hay nada que mostrar…

Entrando derechamente al CD Absolutamente en las primeras audiciones les soy sincero, me pareció una broma de mal gusto, un disco de 15 canciones con mas de 6 que están tomadas desde otros discos, reinterpretados, etc; me pareció que era el anuncio del fin, o de que grabaron lo que quisieron antes de cerrar el grupo…

Hasta casi una semana después… me di cuenta que si uno dejaba el disco hasta el track 12 “aquí estamos”, y dejaba afuera la segunda parte que podía entender como bonus track, el disco tomaba otro cariz… lo primero que me llamó la atención desde la primera audición es que en este disco esta plasmada la continuidad del sonido del conjunto que quedó registrada antes del quiebre en el disco al Horizonte, sonoramente por acá va la línea, y en este CD se quiso mantener esa continuidad sónica. Lo otro destacable, la inclusión de 4 composiciones creadas desde el formato de cantautor, casi interpretadas en forma solista, que le dan un timbre interesante a la propuesta; y el aporte de Patricio Wang de sus composiciones tomadas desde sus proyectos paralelos para incorporarlas al Quilapayún , algo que es continuo desde el 82 a la fecha, también le otorgan peso al disco. “Preludio y según el favor del viento”, tomadas de Suite para Violeta, es excelente, al igual “como la primavera” tomada del proyecto canciones salvajes, en el cual se la juega por una coda con un cambio armónico de los mas interesantes que he escuchado en el último tiempo en la música popular chilena y que es una modificación a la coda original, la versión de Transiente aporta sonoridad al disco, (perteneciente originalmente a música para un ballet antes de que la grabara el Quilapayun el año 84); y plasma su maestría en la interpretación de 7x8. La unión de esta canción con el tema “con la primavera” me parecen lo mas sublime del disco, y lo mas sublime en años que he escuchado; ese par de temas a uno pueden dejarlo con la guardia abajo… pero a no engañarse con Chilandó, que sinceramente me parece un plagio inconciente a repertorio folclórico tradicional, que alguna vez grabó el conjunto Los Curacas en el disco Norte con el nombre Coplas Folclóricas, Chilandó ciertamente viene a ser lo mas bajo dentro de la propuesta de este disco,  aun así a pesar de lo pobre de esta canción es destacable el preciosismo en el arreglo, en el cual se escucha (por primera vez?) un unísono entre una quena y una guitarra eléctrica, y la utilización de sonidos de platillos en reversa.

Otras secciones  destacables del disco son “Rosa de los vientos” y “La indiferencia” en el cual se produce un hermoso contraste entre el canto coral, las voces solistas y los arreglos minimalistas. Ramona Parra se queda en deuda frente a un texto demasiado simple, que cae casi en lo infantil…

Por ahí podríamos encontrar una profunda debilidad en este disco: En todo lo que cae bajo las manos del director artístico. No hay un concepto claro bajo la cual se desarrolla esta producción, ¿qué se intentó hacer?, ¿cuál era el concepto?, ¿bajo que fundamentos se puede decir que después de varios años había un montón de material nuevo sin grabar y de eso hay 9 temas de 15? ¿Dónde quedó el grupo que nos incluía un montón de canciones nuevas?, ¿dónde está la continuidad artística en una agrupación que graba un disco después de 13 años?,  y si vamos más allá ¿dónde está el poder de tomar decisiones estratégicas artísticas con visión de futuro si se han perdido casi todas las instancias judiciales y las actuaciones escasean hasta en el escenario mas cercano en donde se ubica la agrupación?.

Dentro de lo mas interesante en este disco, y lo he dicho en las líneas superiores, es el trabajo musical que hay en este disco, hay un grado, una calidad interpretativa que está generosamente en los límites superiores, lo mas destacable en el último tiempo para un grupo de la Nueva Canción Chilena, hay preciosos arreglos, una excelente calidad interpretativa en cada uno de las voces y de los instrumentos, los cuales cada uno se encuentra perfectamente afinados, hay recursos, arreglos que van dando un paso mas allá. Otro punto interesante es la participación en la composición de Patricio Castillo dentro de un disco de Quilapayún, algo que no sucedía desde hace mas de 40 años, y el aporte de los nuevos integrantes en la música de un par de temas.

Un último punto a destacar en las distintas ediciones, tanto la digital, como la física en las ediciones española,  argentina y chilena, es el pobre rango dinámico de este CD. Este disco es el mas ruidoso editado alguna vez por el Quilapayún (sea de la época que sea y de la agrupación que sea), un rango dinámico bajo es interesante para una audición en radioemisoras, en las reproducciones digitales en equipos portátiles cuando se puede tocar cualquier tema de cualquier disco, pero es contraproducente en la audición del disco completo en el hogar, en donde el oído se satura fácilmente al no existir una diferencia sustancial entre los sonidos mas bajos y los mas altos, y el auditor es tentado a no terminar de escuchar un disco que alcanza fácilmente los 60 minutos.

En resumen Absolutamente es un disco trabajado pobremente en el tiempo desde el punto de vista artístico, pero que es trabajado musicalmente de manera superior en cada uno de sus detalles. Sumando y restando el resultado final es que el disco hubiera sido totalmente distinto y mucho mejor con otra dirección artística dentro de la agrupación.

Esperamos que este disco tenga la difusión que se merezca, es musicalmente un aire fresco y de renovación a la música popular chilena, y que se encuentra al debe en el concepto artístico desarrollado dentro de una historia como la del grupo Quilapayún.

Víctor Tapia

Cuidado con la reedición vinilo 2012 de The Beatles !

Casa Central

Llegamos al disco Sgt. Pepper de The Beatles en su edición en vinilo 2012, una de los discos mas importantes dentro de la Historia de la Música Popular...

Por cosas del destino recibimos la misma semana una edición en vinilo japonesa de la década del 70 de este disco, y por otro lado la versión 2012; y al comparar ambas versiones uno se da cuenta que la versión 2012 suena HORRIBLE: tiene fuertes problemas de saturación en los agudos desde los primeros temas de cada lado, siendo incontrolables llegando casi al final de cada faz. Una muestra notoria es el caso del tema  "Good Morning", el vinilo versión 2012 corta el sonido de los saxofones al inicio de la canción, si quieren comparar a continuación encontrarán primero una muestra del vinilo edición japonesa de la década del 70, y la segunda muestra extraído del vinilo edición 2012 ocupando mismo equipo, misma aguja, todo igual, solo un par de días de diferencia entre la audición de un disco y otro... y el resultado es sorprendente: La versión 2012 literalmente se escucha como la mierda.

Good Morning Vinilo Edición japonesa década del 70
Good Morning Vinilo Edición 2012

Hemos revisado algunos comentarios en Amazon.com, y hay varios compradores que han manifestado este problema al comprar el BOX de vinilos, se supone que la partida de producción de estos vinilos son desde USA y desde Europa, la edición que presentaría problemas es la de fabricación Norteamericana; pero cuando uno compra el disco o la caja no necesariamente sabe que partida de fabricación le va a tocar, es casi como una ruleta...

Y si quiere invertir dinero en estas reediciones, por lo menos tengan conciencia que finalmente pueden llegar a disfrutar solo del arte de cada vinilo.

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Actualización:

-Acabo de abrir un Magical Mystery Tour vinilo 2012, el diseño y el sonido del vinilo es perfecto, en este ejemplar no encontramos problemas de sonido.

- Lo mismo en un ejemplar de Revolver vinilo 2012: diseño y sonido perfecto

En resumen, y no teniendo en la mano otros discos de esta reedición, y tomando los comentarios publicados en Amazon, las reediciones que tendrían problemas son:
-Sgt Pepper
-White Album disc 1
-Abbey Road

Víctor Tapia

Contrapunto de Libros: Keith Richards: Vida- Geoff Emerick: El Sonido de Los Beatles

Casa Central


Podría escribirse la historia de la música necesariamente?, se pueden hilar ciertos aspectos que se pasan por alto por cierto… pero hay que tener algo por seguro: la música es vida, y es algo inútil darle la misma importancia al comentario, al estudio o a la critica, que a la importancia que se merece la música. La música vive, y como vida es eterna, casi alcanzando el nivel de los dioses, los comentarios, las criticas y los estudios en cambio son opiniones mortales sobre aspectos divinos, es decir a millones de pies por debajo del ser musical…

Teniendo esto en claro, y además acotando que para poder entender la historia de la música chilena es imprescindible mirar mas allá de las fronteras, podemos dar los pasos necesarios para acercarnos a este par de libros de música inglesa, y se trata sobre dos puntales fundamentales, el libro de Keith Richards (guitarrista de los Rolling Stones) : Vida; y el libro de Geoff Emerick (uno de los principales ingeniero de sonido de The Beatles): Here, there and everywhere, o como se conoce en edición española “El sonido de los Beatles por su ingeniero”; sin duda son rastros y datos de primera mano sobre todo esta proceso musical que comienza en los 50 y que fue revolucionariamente importante en la historia de la música popular a partir de la década del 60; Keith Richard, por cierto que cuenta la historia desde dentro de lo que le tocó vivir toda la carrera de los Rolling. Mientras Emerick cuenta con lujo de detalles los procesos evolutivos del trabajo de Los Beatles durante sus años mas importantes.

Primero que nada, estos libros son casi inencontrables en Chile, y si los busca por ahí el precio es desorbitante, si puede trate de comprarlo a través de Amazon USA, sino tiene tarjeta pídale a un amigo que se los compre, no los dos juntos, pruebe primero con uno. Lo recibe, lo lee. Y después pida al otro, así no se autoexige demasiado, y así también se evita el IVA y los derechos de aduana que pueden multiplicar el precio de los dos libros más allá de lo que tiene estimado.

Primero hay que imaginarse un ambiente de guerra y post guerra en Inglaterra, con todo lo que ello significa; estar preparados para los ataques de las fuerzas alemanas, después del fin de la guerra vivir diariamente con la destrucción de la ciudad que se mantiene por largos años, así también como el racionamiento alimenticio. Sin duda no es un ambiente sicológicamente muy tranquilo; y así también dentro de ese ambiente, las radios en Londres mantenían su tradicional secuencia de música que habían transmitido por décadas, las únicas alternativas que tenían los Ingleses de escuchar música distinta era sintonizar Radio Luxemburgo, que transmitía su señal desde Europa, y que tenía diversos espacios con música norteamericana, esta es la vía bajo la cual el medio inglés se fue influenciando paulatinamente de música Norteaméricana, y algo que descubren estos libros: Podían recibir la música norteamericana puramente en sus oídos sin saber que cara, que rostro, que color de piel tenían los músicos, sin saber cual era la situación de segregación racial que podían tener esos músicos en su propio país, y que grado de difusión tenían allá; los ingleses recibían la música desde la distancia; llegando a pedir directamente singles a los sellos norteamericanos sin intermediarios, y crearon desde la lejanía una recopilación sonora tan completa de la música norteamericana, de tal calidad, que ni los mismos norteamericanos podían lograr con todas sus segregaciones y aislamientos regionales que vivían diariamente; por lo tanto el sonido que llegó a Inglaterra era toda la paleta sonora americana sin limites. Por supuesto que después se percataron del rostro, del fraseo, de los colores de los intérpretes, de los estilos, de la forma de tocar, pero el contacto y el aprendizaje ya estaba instaurado.

Los primeros espacios de encuentro de los interesados en la música eran los colegios, después algunos de una u otra forma entraban a las escuelas de arte, que no eran mas que escuelas técnicas sobre aspectos vinculados al diseño o a la industria publicitaria, pero que permitieron los espacios generacionales para poder compartir y escuchar todas las nuevas propuestas que llegaban de Norteamérica. Fue cosa de tiempo que los jóvenes británicos comenzaran a interpretar esta música, y el espacio natural fue aquellos lugares en que se cobijaban las expresiones del Jazz; ahí cupieron el blues, algunas expresiones de R&B, aunque nunca faltaban aquellos puristas que veían con horror que estas interpretaciones no tenía sincopa, y cómo el blues “diabólicamente” se electrificaba haciendo perder, según su percepción, toda aquella pureza divina de su origen.

De ahí a que los jóvenes pudieran crear sus grupos, tener aceptación en los medios, a que la industria musical se alimentara de estas expresiones o de otros jóvenes que recién salidos de la secundaria querían probar suerte en un sello de grabación, eran cosas que podían ocurrir naturalmente. Se percibe la naturalidad de los pasos, de la vida, algo que sería casi imposible hoy en día en la cual las variables se miden después de evaluar a tantos postulantes, tantos curriculums, tanta experiencia de seguro en una situación similar. Esos milagros hoy no ocurrirían, y tal vez de cuanto nos estamos perdiendo.

Así por un lado un joven comenzó a ser guitarristas de los Rolling, una agrupación que estudiaba con devoción las expresiones del Blues norteamericano, por otro lado un joven de casualidad lo llaman a trabajar en los estudios ubicados en Abbey Road de la EMI; uno se ve arrastrado desde su amor al Blues a las presión por componer, por arrancar de las chicas, y por verse enfrascados en toda esa llamarada que habían abierto poco antes The Beatles. El otro llegó después de algunos meses a estar en la sala de grabación de The Beatles, y con el tiempo llega a romper las estrictas reglas del sello de grabación para probar nuevas experiencias sonoras, nuevos acercamientos, compresiones, experimentación al máximo para sacar provecho a esas grabadoras de 4 pistas con nuevas texturas y sonidos que cambiarían para siempre el mundo del registro sonoro de la música popular.

Las drogas, el alcohol, las jornadas extenuantes de trabajo se mezclan en los libros; las rencillas, las peleas, el trabajo milagroso de hermanos musicales, también queda reflejado después de leer estos voluminosos libros.

En el libro de Keith siempre queda la sensación que su mirada subjetiva de alguna u otra forma mira livianamente todas aquellos exceso de su vida, los mira desde la vejez, y de la experiencia de estar vivo después de todo lo consumido, lo cargado, lo vivido. En sus páginas se saborea de otra forma cierto grado de sabiduría musical, de cómo pudo reinterpretar esas tradicionales cuerdas de la guitarra transpuesta en el rock, de cómo su vida estuvo llena de amores, de drogas, y de una muerte segura.

En las líneas de Emerick, está la visión mas objetiva posible de la intimidad del estudio de grabación de los Beatles, como no hay libros, ni creo que hayan de registros autobiográficos de ninguno de ellos, ni de su productor, las mirada de Emerick, es la mas cercana disponible, y también nos da toda sensibilidad de abrir horizontes, de probar, de entregarse enteramente por el trabajo que amaba, y como ha pesar de todo el grupo de desarmaba ante sus ojos, y como nunca pudo darse cuenta que pronto llegaría el fin de esa historia.

Si el rock puede ser carne de estudio musicológico, pues bien , que otros lo hagan,, creo que eso se lee frecuentemente como una autopsia, en cambio en las paginas de este par de libros hay vida por montones, está la mirada transparente de que todo era posible, y de que a las finales todos eran inmortales, hasta el fin.

Sexo, Drogas, Rock and Roll mirados y contados desde la carne y el alma, vistos con cercanía, con todo el mundo y la vida que eso significa, para poder aprender de donde partimos, en que estamos y hacia donde vamos.

Víctor Tapia

Pulsar 2012

Casa Central

Después de haber ido a los 3 Pulsar, después de ver los cambios desde el GAM  a la estación Mapocho, después de haber invertido 4 mil pesos, y después de cabecearme por horas para escribir un comentario con párrafos de sustento, me di cuenta que no valía la pena: Pulsar 2012 es una mierda.

Comentario de Novedades: Quilapayún- Cd + dvd Homenaje a Víctor Jara

Casa Central

Casi después de 3 años salió a la venta este registro realizado en agosto de 2009 en el Teatro Teletón, aquel recital en que el conjunto Quilapayún por primera vez daba un concierto de Homenaje a Víctor Jara en Chile. En su oportunidad lo comentamos, cuando asistí a ese recital, el quiebre de nuestra historia hace que sucedan hechos que podrían considerarse insólitos, por ejemplo éste, que después de 35 años de su muerte el Quila junto al Inti realicen un concierto de homenaje a Jara, o que algunos temas se estrenen en Chile en la versión del Quila después de 35 años de su edición en el exilio. Hay toda una parte de recomponer la historia, las emociones, la continuidad  musical.

Recuerdo que ese concierto ya fue fuerte emocionalmente en su primera parte, y que al intermedio algunos de los concurrentes se fueron y no se quedaron a ver la segunda parte del concierto para ver los otros temas interpretados por el Quilapayún de su repertorio propio. Sinceramente, y con el tiempo, creo que con esa primera parte era suficiente, no habían razones para ofrecer algo mas, incluso se podrían haber incorporado otras canciones del repertorio de Víctor Jara que trabajaron con el Quila, por ejemplo La Cueca Triste, Gira Girasol, etc, par hacer un solo gran concierto en una sola parte…

Y parece que el grupo también lo entendió así al editar este disco. La memoria me recuerda que en ese concierto el conjunto sonó como cañón, con algunos problemas técnicos en el sonido, pero nada muy significativo, y lo primero que escucho al acercarme al CD es que el sonido es potente, tiene un buen rango dinámico dando un buen cuerpo a la sonoridad del registro completo, aun así el sonido del CD está demasiado editado, sobró tiempo en el soporte para haber agregado algunos textos y presentaciones que demás se hubieran integrado en un CD de 80 minutos.

 El tiempo, y la frialdad de escucharlo cómodamente en la casa,  me hace sentir ciertas voces destempladas, o no en su óptima ubicación. Es posible que al regrabar ciertas partes del disco en vivo no se quiso tocar en demasía las voces, además es imposible y contranatura no mostrar las voces como maduran, se gastan y van envejeciendo, es normal, natural, y no quitan valor al registro artístico.

A la noche me acerqué al DVD, desde que parte se nota un desarrollo en el diseño que esta por sobre cualquier otro material editado por este conjunto (nos referimos específicamente a la facción dirigida por Eduardo Carrasco), y me quedé pegado en el menú… ahí pasan imágenes de fondo del Quilapayún y de Víctor Jara acompañado por una banda sonora de interpretaciones del Quilapayún o de Víctor Jara, y ahí mi primera sorpresa, la edición de las imágenes estaba de primera calidad, aun así se ocupó material fonográfico del cual estoy seguro que el conjunto no tiene los derechos, por ejemplo se incluyen en esos registros las versiones de Quilapayún de Canción de El Minero y Somos Pájaros Libres editados por el sello Odeón en Quilapayún I del año 1967, ese disco no ha sido reeditado,  y del cual el conjunto no tiene los derechos, ¿es esto infracción a alguna ley?, no sé, pero quien utilizó esas grabaciones para acompañar las imágenes solo demuestra un poco de inexperiencia en estos temas al dejar un flanco legal abierto sobre el DVD editado, cuando esas mismas canciones era posible rescatarlas de otras ediciones que el Quilapayún ya había realizado hace algunos años en el CD La Fuerza de La Historia o del audio del mismo recital. A pesar de este detalle ese menú de inicio llega a sorprender por lo extenso considerando que es solo un Menú, aun así está bellamente desarrollado y su lugar mas adecuado era tal vez agregarlo dentro de “Material Adicional”. 1.

Hay una historia detrás de este DVD, desde la realización del concierto hasta su edición final, el registro estuvo originalmente entregado a un equipo que se supone también lo iba a editar, este equipo tenía experiencia en registro, pero no en editar ni el proceso de authoring de DVD, por lo cual el trabajo se fue postergando, pasando de mano en mano, hasta que llegó un momento que tuvo que ser rescatado.

A ese concierto del 2009 asistió como invitado un joven fanático del conjunto que con su pequeña cámara se ubicó en una de las filas laterales para grabar el recital con la autorización del conjunto. Este fanático había empezado hace meses una tarea de recopilar videos del Quilapayún y empezar a digitalizarlos, para eso varios colaboraron con material, con algunas donaciones; y el muchacho además demostraba un ímpetu en desarrollar material en la pagina web del conjunto que por esos días estaba en manos de otro diseñador que había tomado la tarea de hacer la página oficial cuando casi nadie se acordaba del conjunto, ni nadie colaboraba. Tanto fue el ímpetu de ese joven, y tanto el tiempo que pasó, que el joven de la camarita presente ese día en el concierto pasó a ser el webmaster de la página del conjunto y a aparecer en varios créditos en la edición del DVD, y con seguridad podemos decir que gracias al aporte de él el trabajo pudo ser finalmente editado.

Considerando su fuerza en sacar adelante proyectos, y dado que son sus primeros pasos, hace que el registro del DVD se vea bien, se utilizaron varias herramientas para cubrir esos espacios en blanco que se veían en el telón de fondo, que para los asistente al teatro era el espacio de exposición de imágenes pero que no necesariamente fueron todas captadas por las cámaras  de TV, frente a ese mundo blanco en la edición del DVD se insertaron imágenes que cubren de buena forma ese vacío. Además mientras avanza el concierto se insertan imágenes de archivo del Quilapayún y de Víctor Jara los que en su mayoría están bien desarrollados, pero en otras la inclusión de estas imágenes es tan violenta y en algunas tan sin sentido, sin ritmo, que llegan a disgustar, por ejemplo en la sección de los temas Manifiesto y Paloma quiero contarte se produce una mazmorra impresionante de imágenes, en que se mezclan imágenes del fondo del telón del Teatro, mas la imagen del concierto, mas la imagen de fotografías de archivo difuminada sobre todo lo anterior.

También se producen pequeños errores en el DVD, por ejemplo el rasgueo de Fernando Carrasco en el Charango de Manifiesto pocas veces tiene que ver con lo que suena, o se da la rareza que en el tema Vientos del Pueblo se escucha claramente la voz de Fernando Carrasco en los coros, mientras que en las imágenes se ve claramente que está tocando la quena, detalles, mínimos detalles que no empañan el producto final.

El dvd tiene mayores grados de continuidad, se ven más presentaciones de los temas, mas comentarios, pero igual se ve cierto grado de acepcia, ya que el haber sacado de la edición final el texto Ahora, y las palabras de Joan Jara, le restan emotividad y precisión histórica sobre la época en que se realizó este concierto.

Queda un tema pendiente, según una entrevista realizada el 2009 por  Manuel Vilches a Eduardo Carrasco se mencionaba que los derechos de este DVD pertenecerían a la Fundación Víctor Jara, para hacer un aporte a ella. Al ver los derechos de producción y de propiedad de esta edición 2012, en ninguna parte aparece que el material sea parte de la Fundación. ¿A las finales el DVD es de la Fundación y comprarlo es un aporte que se hace para la mantención de ella?… por lo que se ve… parece que no.

Un Cd- Dvd Histórico, en que el conjunto desarrollada un mejor producto audiovisual a la que nos tenía acostumbrado, en donde se le rinde homenaje con dignidad a uno de los mentores en los orígenes del Quilapayún, de la Nueva Canción Chilena, y de la música popular de nuestro país. ¿en qué quedaron las razones de la separación entre Víctor Jara y Quilapayún?, no es el tiempo, ni el espacio, eso el tiempo ya se lo llevó.

No hay más que estar conciente que se está escuchando y viendo un registro histórico, que la emoción que se traspasa por el CD- DVD es mínima frente a lo que vivimos ese día en Vivo, y que nada de lo que se haga, ni de lo que se cante hará que se olvide la muerte de Víctor Jara.

Víctor Tapia

PS: Si quieren ver opinión sobre el concierto de 2009  haga click aqui

Nota pie de página:


 1. En el Menú principal acompañando a las imágenes se incluyen los sgtes registros:
1. Canción del Minero – Disco Quilapayún I
2. Somos Pájaros libres- Quilapayún I
3. Plegaria a un labrador- Víctor Jara + Quilapayún- Single
4. Tururururú- (no alcanzo a identificar versión)
5. Te recuerdo amada- Disco Patria
6. Canción del Soldado- Quilapayún III
7. Manifiesto- Solistas
8. Canción a Víctor Jara- Umbral
9. La Cocinerita- Versión en vivo de un concierto en España de la década del 70
10. Paloma quiero contarte- Umbral
11. Herminda de la Víctoria- Tomada del concierto en Colombia
12. Con el alma llena de Banderas- El pueblo Unido

El conjunto ni los productores del DVD tienen los derechos para utilizar las grabaciones 1-2-6. Ni tampoco para utilizar la canción Plegaria a un labrador del menú de material extra extraído del disco Quilapayún 4, ni el tema usado para el Menú de opciones, El Llanto de mi Madre. Todos los registros anteriores pertenecen a EMI Odeón, y a la fecha de la edición de este DVD aun son de derecho privado. Además en los créditos del DVD no se indica que esas grabaciones fueron utilizadas bajo la autorización de la EMI.

Comentarios de No Novedades: Claudio Narea - Mi vida como Prisionero

Comentario

No si a alguien le va a interesar, pero tengo que escribir algo, la realidad es que por lo general me guardo años en comprar algunas cosas. Caminando la semana pasada por una feria de las pulgas cerca de mi casa, encontré el libro de Claudio Narea a $3000. Me di un par de vueltas y lo compré… y no me arrepiento. Si  bien no es una obra maestra pero se puede leer de corrido y te mantiene agarrado en cada línea, no te suelta. Hace años que no me pasaba esto con un libro, me agarró y fue difícil soltarlo, si desde hace años podía estar leyendo 2 o 3 libros a la par, acá tuve que practicar la monogamia. Es cierto que parte de la Historia ha sido contada y recontada, pero la narración posee ciertos giros y detalles valiosos, además de toda una parte final que traspasa las fronteras de lo que uno esperaba encontrar en un libro de este tipo.


Me he leído varios libros de Jaime Bayly, en donde el escritor peruano novela su vida privada en forma brillante, acá no se quiere novelar nada, la historia se cuenta de la forma mas sencilla y sincera posible, en las palabras de Narea, o de quien ayudó a escribirle, se siente una narración tranquila, te invita a tomarte un trago mientras te cuenta la historia, y dan ganas de mandarle un par de insultos por tanta pelotudez que hizo al final de la historia, eso de irse y venir tantas veces, eso de ser frío en algunas circunstancias es para putearlo, pero lo que da a conocer en el desenlace a uno lo mantiene en vilo, y todo calza.

Narea no es arrogante, conoce sus limitaciones, sabe quien la llevó en la carrera de los Prisioneros, y mantiene un grado de tranquilidad en su narración que es consecuente en todo momento. La historia tiene un cierto grado de linealidad que se quiebra cuando empieza a narra sucesos de la década de los 90 y ahí como que se desordena la historia, pero ya a partir de la segunda reunión de Los Prisioneros vuelve a su leiv motiv.

Su largo camino a estar falto de dinero es algo que también se repite a lo largo de su historia, y a las finales uno se llega a preguntar, cuanto de esto influyó para que el músico escribiera el libro?, tal vez nada, tal vez algo, pero bueno, es un tema de él. Yo por mi parte me felicito por haber comprado este libro.

Víctor Tapia

Colectivo Cantata Rock 5 de Mayo 2012

Casa Central

La noche del sábado 5 de mayo de 2012 nos acercamos a ver la presentación del colectivo Cantata Rock. Esta grupo surgió como una agrupación de jóvenes músicos que reversionaron la cantata Santa María hace poco mas de 5 años, en una vertiente rock, con integrantes del grupo Chancho en Piedra mas algunos del Quilapayún Carrasco (Ismael Oddó, Ricardo Venegas Hijo) y del Inti Histórico (Camilo Salinas y Fernando Julio).

He tenido la oportunidad de verlos en 3 oportunidades, el año 2007 cuando estrenaron su versión antes de grabar el disco, después en un concierto de lanzamiento del disco, y ahora. Y el grupo crece y evoluciona con fuerza, la entrega de esta agrupación supera cada vez con creces la versión discográfica de su versión. Cada vez mas fundido, cada vez mas claros en los concepto, y cada vez incorporando otras obras. Si las dos primeras oportunidades que los vi tocaban solo la cantata, ahora incluyen otras canciones, incluso una composición propia. Su idea es reversionar libremente, con fuerza, con experimentación obras ligadas a la nueva canción chilena, y así fue como aparecieron versiones de temas de Víctor Jara, de Canto para una semilla, de Quilapayún , con imaginativos y contundentes  arreglos. La canción propia estaba demasiada pegada al concepto original, ahí faltó esa energía de reversionar, por qué no reversionar su propia canción y reconstruirla con fuerza imaginativamente?,

Hubo un pequeño intermedio y se interpretó la cantata. La interpretación fue monumental, cada vez los interpretes logran mayores niveles de expresividad, es sorpréndete la evolución en el canto de Pablo Ilabaca, su “Vamos Mujer” se incluyó con fuerza dentro de las mejores versiones que he escuchado, su voz estaba imbuida por el carácter, sus inflexiones, su canto, su verso logró niveles superiores de evolución en estos años, que dio en total una obra fuerte y bellamente entregada.

Cuando se juntan jóvenes músicos, con una formidable formación, con repertorio de Nueva Canción, generan  fuertes aires de renovación a la música joven. Hoy es difícil escuchar a estas agrupaciones con arriesgados arreglos corales, y eso acá se vio. Ahora falta llevarlo mas normalmente al resto del repertorio de la música rock, de la música joven, para que esto sea un avance, por fin sea un avance con fusión.

Víctor Tapia

Lollapalooza 2012 Sábado 31 de Marzo

Fotografía. Emol.

Casa Central

Para alguien que ya esta está mas cerca de los 40 que de los 30, que le ha tocado a ir bastante a recitales mas ligados a música chilena de raíz latinoamericanista, o a recitales de rock en la década de los 90, algunos en el 2000, poder entrar a vivir Lollapalooza es una experiencia de otro nivel.

Primero, es imprescindible darse cuenta que eventos de esta magnitud si se pueden hacer en Chile: Todo programado, funcionando bien, todo en sus tiempos, buena conducta del público, buen sonido, buena iluminación, shows de primer nivel, cada artista tenía su espacio que era respetado por los productores. ¿Cuántos productores chilenos deberían haber ido por obligación a este evento solo como una forma para que aprendan a hacer las cosas bien?. ¿ a cuantos recitales me ha tocado ir en que parten decenas de minutos tardes, en que el sonido no está preparado, en que las luces no funcionan, en que no calculan bien la cantidad de recursos técnicos básicos para hacer que la cosa funcione, en que los eventos no son publicitados, en que todo es como un milagro?.

Aquí nada era un milagro, todo funcionaba bien porque todo fue organizado para que funcionara así. Y cada uno de los músicos pudo entregar su arte en las condiciones adecuadas, dependió de cada uno el resultado de lo que hizo, no podían achacarle responsabilidad a nadie mas que a ellos mismos.

Durante el día de ayer estuve posteando varios mensajes en directo desde el Parque O'Higgins, primero sobre los accesos mas expeditos, la hora de ingreso que se retraso por casi una hora, y algunos comentarios a algunas presentaciones, ahí  les dejo el mensaje original de lo posteado mas algunos comentarios adicionales que agregué el día de hoy

El itinerario personal que hice el día de ayer fue:

Adanowsky

Mosquitas Muertas

Beat Calavera

Inti Illimani Histórico

Hoppo

Surtek Collective

31 minutos

Zapping varios

Bjork


En relación a 31 minutos se dio que a esa hora habían varias propuestas interesantes por un lado Electrodomésticos, Los Jaivas y 31 minutos, me fui a ver esta última presentación debido a que era el debut, nada mas y nada menos.

Después un zapping variado para quedar a la espera de Bjork.

Y acá me detendré un poco.

Fue sinceramente lo mejor del día. Uno desde el fondo del gusto musical no puede llegar a entender que esta música tan poco convencional pueda llegar a ser masiva, y que así lo sea abre un poco de esperanza sobre el futuro de los gustos masivos. La música que actualmente hace Bjork no es de fácil procesamiento, se necesitan horas, y horas de asimilación, y a las finales uno entra extasiado por la lucidez de esta mujer que sigue manteniendo su registro, su voz de niña al hablar, y sus jugarretas que experimentan y nos hacen entender como se abre el futuro de la música en el presente. Estoy seguro que en 20 años mas la música de Bjork sonará mas vigente que nunca, así como suenan hoy sus discos de hace 20 años. Bjork iluminó el futuro de la música desde el presente vivido ayer en forma caótica entre el público de las primeras filas.

Puedo decir que sí puede ver en forma directa y clara a Bjork, que pude percibirla completamente, aunque molido físicamente.

La experiencia el día de ayer fue como someterse a una secuencia intensa de ejercicios, o como lo pensé anoche después de llegar a la casa: Fue la sensación que queda después de hacer el amor todo el santo día: Molido, pero con esa sensación placentera de éxtasis que perdurará por un tiempo prolongado.

Como para volver a hacerlo otra vez.

Todos los comentarios y fotografías de las notas fueron realizadas por Víctor Tapia para Purochile Musical (excepto donde se indica)

31 minutos en Lollapalooza

Mensaje Original. "El publico abarroto el recinto dado a los niños para apreciar el estreno en vivo d este proyecto".

Sinceramente se hizo chico el recinto infantil para recibir a la mayoría de personas adultas que llegaron a ver el debut de 31 minutos en vivo interpretando sus canciones. La presentación partió puntual con la presencia de los músicos en escena mas Álvaro Díaz. La presentación simuló ser un TulioPalooza en donde los afamados animadores del programa de TV hacían la presentación de dos canciones como excusa para poder ver gratis a los otros músicos del festival, después de ver que estaban obligados a "cumplir contrato" se presentaron un set de las canciones mas recordadas de este programa televisivo acompañados por las marionetas mientras los músicos ponían en vivo toda la fuerza a las interpretaciones, todo esto integrado por un hilarante guión.

Fueron interpretaciones correctas, no descollantes, mas primó la nostalgia entre el público que obvió ciertos detalles, como ciertas limitaciones vocales tratando de cubrir las voces originales de Rodrigo Salinas.

Hay que ser sinceros, faltó Rodrigo Salinas, con él hubiera sido una presentación de lujo lo que alcanzó a ser una presentación brillante.

Listado de temas:
Intro
Ratoncitos
Diente Blanco no te vayas
Mi muñeca me hablo
Rin Raja
Doggy Style
Objeción denegada
Nunca un 7 me voy a sacar
Bailan sin cesar
Mr Guantecillo
Tangananica
Equilibrio espiritual
Regla Primordial (con Rubén Albarrán)
Mala
Yo nunca vi TV
Bis:
Lala
Me cortaron mal el pelo.

Surtek collective en Lollapalooza

Mensaje Original. "Electrónica d 1er mundo, la variacion constante en el bit en un continuo fluir ritmico. Sacaron un fuerte aplauso."

Sinceramente fui a ver esta presentación por curiosidad, nunca había visto al músico, alemán avecindado hace años en Chile, Uwe Schimdt en vivo. Sabía de los innumerables proyectos en los que ha participado, entre ellos Sr Coconout, de las colaboraciones con Jorge González. Y tenía curiosidad de este combo que iba a presentar con Vicente Sanfuentes. Y lo que me encontré fue de lo mejor que vi en la Jornada. Música dance electrónica finamente elaborada, principalmente basada en el dance europeo que iba evolucionando constantemente, al entrar en el detalle de los sonidos las secuencias no se repetían, siempre había un beat, un timbre nuevo que hacia que el set tuviera una constante evolución, llegando al final a una secuencia de la electrónica tropical cercana al regetón, finamente procesado.

No eramos mas de 500 personas en el Arena Santiago, pero lo disfrutamos a concho, una de las mejores presentaciones que me tocó presenciar este día sábado.

Hoppo en Lollapalooza

Mensaje Original: "T recuerdo amanda. Ocio y gozo. Me gustan los estudiantes. Dale tu mano al indio. Vaso d vino. Alfonsina y el mar. Gracias a la vida"

Apenas terminada la actuación de Inti Histórico nos fuimos corriendo al Alternative Stage en donde hacía su presentación la agrupación Mexicana- Chilena Hoppo. Cuando llegamos ya habían pasado aproximadamente unos 15 minutos de su presentación, pero nos permitió ver la gran mayoría del repertorio presentado por Hoppo.

Frente a unas 1.000 personas esta agrupación hizo una revisión a su repertorio ligado principalmente a hacer revisiones a músicas ligadas al cancionero comprometido latinoamericano, algo ya conocido por nosotros que tuvimos la oportunidad de ver el debut de esta banda en Chile hace algunos años. Lo destacable de la presentación fue el estreno de algunas nuevas canciones y la comunicación que logró Rubén Albarrán con el público.

Un buen concierto,ampliamente aplaudido entre el público.

Inti Histórico en Lollapalooza

Mensaje Original: "Temas: Sensemaya. La pajita. Con mano ajena a mi no me cumbeen. Luchin. 5teto del tren. Mi papa. Drume negrito. Calabo y bambu. Mdo testaccio (con mano ajena). Fiesta d sn benito. Bis mulata"

En una presentación presenciada mayormente por jóvenes y adultos, hizo su debut en Lollapalooza Inti Illimani Histórico con un repertorio centrado principalmente en la temática infantil y de los niños, teniendo en cuenta que el escenario destinado para su presentación era el Kidpalooza. La formación de la agrupación estuvo compuesta por Horacio Salinas, Horacio Durán, José Seves, Camilo Salinas, Fernando Julio y Danilo Donoso, y en un par de temas fueron acompañados por algunos integrantes de la agrupación La Mano Ajena. Una presentación correcta, acompañado por un hermoso trabajo en animación stop motion para algunas canciones.

Bienvenida la Nueva Canción Chilena a Lollapalooza.