domingo, noviembre 13, 2022

Regreso a la presencialidad: Estreno de Rossini y homenaje a Maria Callas marcan 2023 del Teatro Municipal de Santiago

 El Mercurio


Vuelve el destacado director Emilio Sagi para el debut en este escenario de “El viaje a Reims”. También habrá un ballet y una obra teatral, en el marco de los 100 años del nacimiento de la diva.

Maureen Lennon Zaninovic

Se sabe que fue la última ópera de Rossini en idioma italiano (todas sus obras posteriores fueron en francés). “El viaje a Reims” fue un encargo para conmemorar la coronación del rey francés Carlos X en Reims, en 1825, y se la considera una obra tremendamente exigente ya que requiere 14 solistas (tres sopranos, una contralto, dos tenores, cuatro barítonos y cuatro bajos).


Este título es uno de los imperdibles de la temporada 2023 que el Municipal de Santiago lanzó ayer, junto a la directora general de este histórico escenario, Carmen Gloria Larenas, y la alcaldesa de la comuna Irací Hassler. Se trata de un estreno en Chile y para ello se sumará en la régie el profesional español Emilio Sagi, quien actualmente está cosechando aplausos con la ópera “Manon”, y la conducción musical del músico chileno Paolo Bortolameolli, director asociado de la Filarmónica de Los Angeles (Estados Unidos).


Ayer, en la sala principal del teatro, Larenas confirmó que el próximo año la temporada lírica incluirá cuatro títulos (tres de ellos escenificados). Además de Rossini, llegará una nueva producción de la ópera “Carmen” de Bizet con el director titular de la Filarmónica Roberto Rizzi Brignoli y dirección escénica de Rodrigo Navarrete; “Rigoletto”, de Verdi con dirección musical de Rizzi Brignoli y Pedro-Pablo Prudencio y régie de la chilena Christine Hucke; y una ópera en concierto “Don Pasquale”, de Donizetti con dirección musical del italiano Evelino Pidò y dirección dramática de Francisco Krebs.


La oferta lírica se enriquecerá con dos títulos más, fuera de abono. En la Sala Arrau se estrenará “El demonio mudo”: ópera de cámara del jesuita Franz Lang y Florianus Ött, rescatada por el cantante y régisseur Gonzalo Cuadra. El Pequeño Municipal tendrá un concierto dramatizado titulado “Estación del canto”, que también contará con dirección musical y escénica de Gonzalo Cuadra y la ópera “Sigfrido”, de Wagner.


Dos argentinos estelares


“Estamos dándole a la Sala Arrau un sello propio”, comenta Carmen Gloria Larenas sobre el contenido que tendrá este espacio. La ejecutiva adelanta el regreso del teatro con el estreno mundial de “Un té con Callas”: obra de la dramaturga Ximena Carrera (“Arrau, el otoño del Emperador”), el director Jesús Urqueta (“Arpeggione”) y las actrices Blanca Lewin y Claudia Cabezas, en una historia que homenajeará a la diva de la ópera a cien años de su nacimiento. La programación en torno a esta cantante también incluye un estreno mundial del Ballet de Santiago: “Callas, la divina”, de la coreógrafa belga-colombiana Annabelle López Ochoa.


En materia de danza, la compañía que dirige Luis Ortigoza repondrá “Romeo y Julieta” de John Cranko, a 50 años de la muerte de este y con el protagónico de la argentina Ludmila Pagliero, Étoile de la Ópera de París (fue además integrante del Ballet de Santiago). Ortigoza volverá a montar sus exitosas versiones de “La bayadera” y “Cascanueces”; y su cuerpo de baile tendrá como maestro invitado al legendario bailarín trasandino Julio Bocca. Junto con ello, otro de los imperdibles será otro estreno mundial: “Nijinska”, pieza en torno a la destacada bailarina y coreógrafa bielorrusa de origen polaco, en una creación de la española Avatâra Ayuso y del compositor chileno en Estados Unidos José Luis Domínguez.


El primer concierto de la temporada tendrá a Alejandra Urrutia al frente de la Filarmónica de Santiago, en un concierto enmarcado en el Día de la Mujer. Pedro-Pablo Prudencio conducirá “La pasión según San Mateo”, de Bach; y debutará el joven director nacional, actual Dudamel Fellow y director asistente de la Orquesta Nacional de España, Luis Toro Araya, con la “Patética”, Tchaikovsky.


Más información de los horarios, artistas y elencos completos en el sitio www.municipal.cl.

sábado, noviembre 12, 2022

Los claroscuros de Nicole

 


El Mercurio


Luego de nueve años sin lanzar una producción de canciones inéditas, la artista nacional estrena “Claroscuro”, un álbum de 13 temas en los que fusiona estilos tanto en lo musical como en lo emocional, destapando las luces y sombras de su vida. “Mi oscuridad tiene que ver con la inseguridad, la incertidumbre, lo que uno no puede controlar”, dice. Aquí recuerda cómo fue comenzar tan temprano en la música y cuenta de su nueva etapa como profesora de coros comunitarios. Por Camila Sáez I.


Tras celebrar 30 años de carrera artística en el Teatro Caupolicán, en 2019, editar un disco triple en vivo, lanzar el documental “Panal: La historia detrás de un disco” y colaborar con artistas como We Are The Grand y Yorka, Nicole ha vuelto a las pistas.


A sus 45 años, la autora de hits que han acompañado al país a lo largo de décadas —desde “Tal vez me estoy enamorando” (1989) hasta “Hoy” (2012), pasando por “Dame luz” (1995)— acaba de lanzar “Claroscuro”, su séptima producción con canciones inéditas y la primera en nueve años, tras “Panal” (2013).


El martes pasado, en un íntimo concierto en el Liguria de Lastarria, la artista y rostro de TV (“The Voice Chile”) presentó el álbum. Un disco de 13 canciones como “Quédate”, “Valientes” o “Nostalgia”, con el que, siente, “se abrió una puerta muy importante”.


—Lo comencé a componer luego de terminar la celebración de mis 30 años de carrera. A nivel artístico y personal, sentía que estaba cumpliendo una etapa. Pero también abriendo otra. Tenía algunas ideas, letras sueltas, hasta que escribí “Desierto florido”, que me abrió un mundo de claroscuro, muy íntimo, personal. Y empezó a fluir, hasta que me di cuenta que tenía varias letras, sobre distintas situaciones: personales, como mujer, como mamá, como pareja, pero también sobre lo que estaba pasando en el país, la pandemia, el estallido social. Eran muchas sensaciones encontradas, que confluyeron en una misma cosa: paralelamente, comencé a leer acerca del claroscuro, que es una técnica pictórica que hace resaltar la luz y la oscuridad en los distintos matices. No son opuestos, luz y oscuridad, siempre están juntos y se complementan para poder ver. Todo ese juego, al leer las letras que estaba escribiendo, me hizo mucho sentido —explica entusiasmada. Y agrega:


—Desde que escribí “Dame luz”, cuando tenía 17 años, siempre he entendido que para seguir tu camino hay que buscar cosas luminosas. En ese momento en que tenía mucha ambición de salir del colegio y vivir de la música, tener éxito como cantante. Cuando la canto hoy, me da otro sentido. Me he vuelto a reencontrar con canciones que hoy me dan otro propósito al cantarlas. Por eso este nuevo disco es tan importante para mí, siento que estoy cerrando ciclos.


Crecer entre discos


Denisse Laval —su verdadero nombre— comenzó su carrera desde muy niña. Se sabe: formó parte del Clan infantil de “Sábado Gigante”, y luego, a los 12 años debutó como cantante bajo el nombre de Nicole, con su éxito “Tal vez me estoy enamorando”. Ella cuenta que se llevaba los libros del colegio a las grabaciones o a las salas de ensayo, porque el compromiso era que no dejara de lado el estudio. Y muchas veces tuvo que dejar de salir de vacaciones en el verano o dejar de asistir a fiestas de cumpleaños por sus compromisos con la música.


—Siempre me preguntan por mi experiencia como mujer en la industria de la música, que era un mundo de hombres. Pero a mí lo que más me marcó fue ser una niña en un mundo de adultos. Eso me hizo entender la responsabilidad del trabajo. Fui creciendo y muy pronto comprendí que tenía que tener muy claras las cosas al momento de hablar, de pedir algo, para que me escucharan. Recuerdo un músico que no me dejaba opinar. “Qué vas a saber tú, si ni siquiera sabes tocar música”. Una vez el director le dijo: “Escucha a Nicole, porque ella es la que está cantando al frente del escenario. Estamos en el proyecto musical de ella, y ella no puede perderse en una parte porque tú la cambias”. Pero me pasó muchas veces. “Sí, sí, Nicolcita. Cállese, mijita, que estamos tratando de solucionar algo”… ¡hasta el día de hoy me carga que me digan mijita! —comenta.


“Me estoy enamorando” vendió más de 15 mil copias y se convirtió en disco de oro (a pesar de que solo se publicó en formato cassette). Pero Nicole no estaba segura de querer continuar.


—Estaba más grande y las canciones de “Tal vez me estoy enamorando” ya no me representaban. Cuando pasé a 1° Medio, mis amigas me abandonaron. Nos mezclaron con los grandes y a mí los grandes me molestaban, me pedían autógrafos de broma. Ya no era tan cool ser mi amiga. ¡Qué difícil es ser una persona pública y ser adolescente!—recuerda sobre esos años.


—Que te digan “Tus canciones son malas” y que eso venga de tus amigos o del niño que te gusta… es una edad compleja. Eso que ahora llaman bullying, yo lo viví y me quedé sola —cuenta.


Fue entonces que se tomó una pausa y pasó los siguientes dos años pensando si seguiría adelante o no con la música, hasta que empezó a ensayar para cantar en una presentación para el aniversario del colegio. Conoció a un niño más grande que la acompañaba en la guitarra —con el que tocaron “More tan words”—. Él se convirtió en su primer pololo y la ayudó a recobrar su autoestima y su pasión por la música. Así, cuando estaba en 4° Medio, lanzó su disco “Esperando nada”, que hablaba sobre su futuro. El álbum fue un hit: obtuvo triple disco de platino, con más de 75 mil copias vendidas.


Atreverse


Después del éxito de “Esperando nada” (1994), muchos esperaban que hiciera otro disco parecido. Pero ella quería seguir explorando, empujar los límites.


—Me pasó lo mismo que cuando era más chica —dice. —No quería hacer lo mismo. Buscaba otro sonido. Yo escuchaba Chemical Brothers, Orbital, Massive Attack, y tenía ganas de juntar lo electrónico con el rock, con el pop, como lo hacía Cerati. Yo sabía que él estaba casado con Cecilia Amenábar y estaba en Chile. No sé cómo me conseguí el teléfono, lo llamé y le dije: “Soy Nicole, soy una cantante de Chile, tengo un nuevo material y me gustaría tener tu opinión. Creo que serías el productor indicado para mi nuevo disco” (se ríe). Al otro día fue al estudio a escuchar las canciones.


En esa época —reflexiona— la música pop cargaba con el estigma de ser algo plástico, armado, hecho solamente para satisfacer la demanda masiva, pero sin ninguna profundidad o valor artístico real. No era tan común fusionar el pop con otros estilos, como ahora. Ella fue una de las primeras artistas en Chile en hacerlo con su disco “Sueños en tránsito” (1997), producido por Cerati.


—Para mí, los discos son como un recorrido de tiempo, de época, de momento —comenta. —Tengo la fortuna de tener mis discos para escuchar, ir hacia atrás y poder recordar lo que estaba viviendo, lo que estaba sintiendo, cómo veía mis propias vivencias y mi alrededor. La adolescencia tiene esa ilusión de quererlo todo; a los 30 ya te planteas mucho más lo que hiciste y lo que vas a hacer. Cuando escribí “Hoy” (2010), esa canción también me abrió un portal que me hizo entender que van a venir cosas difíciles, pero hay que seguir adelante. Los 40 también son distintos. Para mí representó una etapa en que he avanzado en muchas cosas que quería hacer a nivel personal. Pero también hay muchas ganas de construir nuevas cosas que me hagan sentir viva. En esa etapa estoy —dice Nicole sobre su vida y sobre este nuevo disco que, sin decirlo explícitamente, atraviesa temas como la soledad, la maternidad, el matrimonio, la fortaleza y también la situación actual del mundo y del país, desde su vereda íntima.


—Con este nuevo disco volví a estudiar y me hizo mucho sentido entender que los ciclos siempre se renuevan —dice. —Todo se ha ido cerrando y volviendo a abrir, de una manera muy especial.


Luces y sombras


Después de salir del colegio, Nicole se tituló como profesora de música, pero nunca ejerció. Se empapó de la técnica vocal del francés Richard Cross y estudió un seminario sobre su pedagogía. Hoy está plasmando lo aprendido y todo lo que ha recorrido en su carrera en un proyecto de coros comunitarios, como una manera de ayudar a través de la música, y entregar a la gente una herramienta para enfrentar la vida.


Su primer acercamiento con el coro fue hace 14 años en la cárcel de Talagante, a propósito de un programa de TV. Ella se involucró tanto que continuó yendo después del programa y hoy está trabajando en un proyecto piloto de coro ciudadano en la comuna de Pedro Aguirre Cerda, junto a Andrés Pérez, gestor de la Mapocho Orquesta, y Daniela Guzmán, cantante y gestora cultural, con la idea de replicarlo en otras comunas, para que más gente de distintas edades se encuentre, se apoye, se exprese:


—Son tan complejos los tiempos que estamos viviendo, que más que decir, creo que hay que enfocarse en el hacer, desde la vereda que uno pueda. Y mi vereda es el canto —dice.


Con su nuevo disco también busca aportar, hablando de las cosas que a todas las personas nos unen.


—Estamos en un tiempo en que las diferencias son notorias. Llegar a acuerdos es algo fundamental. Mi desafío con este disco fue contar algo que me pasaba a mí, pero que pudiera hablar también de cosas que nos pasan a todos. Hablar de lo que nos une —dice. —Los seres humanos pasamos todos por momentos fundamentales. En sus oscuridades, en sus luces. Mi oscuridad tiene que ver con la inseguridad, la incertidumbre, lo que uno no puede controlar. Ese trabajo es fundamental hacerlo en todas las épocas de la vida, entender que una no puede controlarlo todo y soltar. Y yo creo que esa oscuridad es la que te ayuda a crecer y a ver la luz. Disfrutar de las cosas cotidianas y realmente sencillas. Mi abuela falleció hace poco, de 105 años. Tuve la oportunidad de conversar con ella este tema y ella me contaba que los momentos más luminosos que recuerda son tomando el té, el sol en la cara, un beso, un baile. Momentos que son destellos, y que a veces pasan por obvios, pero yo creo que ahí finalmente está la luz.


Entonces, con la cámara muestra su living-comedor-estudio, con una taza a medio tomar y papeles sobre la mesa. A un costado está la batería de uno de sus dos hijos y en el sillón, su perra Morita duerme la siesta: —Cuando estamos todos aquí mismo, en la tarde, en familia, conversamos, nos reímos, escuchamos música. Eso es hoy mi luz.

Los Cuatro Cuartos celebran sus 60 años de carrera

 El Mercurio


El conjunto nacional dará dos conciertos este fin de semana en el Teatro Municipal de Las Condes en los que repasarán lo mejor de su trayectoria.

Raimundo Flores S.

En 1962, Luis Enrique Urquidi, Fernando Torti, Pedro Messone y Raúl Morales formaron Los Cuatro Cuartos. Aunque desde entonces han pasado períodos de gran popularidad, recesos de varios años y distintos cambios de formación, seis décadas después el conjunto está activo y listo para celebrar este aniversario.


El vamos a las conmemoraciones se dará este fin de semana, con conciertos mañana y el domingo en el Teatro Municipal de Las Condes, donde los éxitos del conjunto serán repasados por la formación actual, integrada por Fernando Jiménez, Jaime Pérez, Carlos Vásquez, Rafael Medina y Eduardo Seco.


“Esta celebración es tremendamente importante para nosotros porque que un grupo se mantenga en el recuerdo durante todos estos años no deja de ser importante. Y eso para nosotros es fundamental, mantener el espíritu y el sonido de Los Cuatro Cuartos igual que en sus comienzos”, señala Jiménez.


Ese espíritu está marcado por una de sus etapas más exitosas, cuando en 1966 lanzaron el álbum “Adiós al séptimo de línea”, inspirado en la novela de Jorge Inostroza, abriendo la puerta a un repertorio de temáticas históricas.


“Si bien es cierto que Los Cuatro Cuartos se inician cantando repertorio chileno y latinoamericano, el gran legado del grupo aparte de eso es el canto a la historia de Chile, específicamente a la Guerra del Pacífico. Ese es el gran legado que tiene que perdurar, porque es parte de nuestra historia”, dice Jaime Pérez y agrega: “A los jóvenes hoy en día hay que enseñarles historia a través de la música porque la música emociona y, a veces, les llega más. Los jóvenes lógicamente hoy leen menos que ayer o leen otro tipo de cosas, pero esa es la función nuestra, que se siga preservando la historia”.


Precisamente, con respecto a las audiencias jóvenes, Jiménez y Pérez aseguran que el público que los sigue es muy transversal. “Mucha gente que nos va a ver va con sus hijos, sus nietos y mucha gente que nos va a ver nos dicen que son canciones que escuchaban sus abuelos y ellos nos han seguido escuchando. Las canciones nuestras las escuchan las familia cuando van de viaje por ejemplo y los niños van escuchando esto, entonces crecen con esta música y esos son muchos del público joven que tenemos hoy día”, dice Pérez.


En la misma línea, Jiménez señala: “Hemos percibido la admiración que ha demostrado la juventud que nos ha visto cantar en vivo y que les llama mucho la atención de este juego vocal que hacemos con onomatopeyas, donde los ritmos se hacen con las voces. Además que es un folclor que a pesar de los años que han pasado se ha ido posicionando entre la gente que nos sigue”.


Los conciertos que darán este fin de semana tendrán una hora y media de duración y contarán con una introducción audiovisual con videos y fotos de la trayectoria del grupo y saludos de músicos como Valentín Trujillo, Ginette Acevedo y Horacio Saavedra.


Las entradas para los shows de este sábado, a las 19:30 horas, y del domingo, a las 18:00, están disponibles en las boleterías del Teatro Municipal de Las Condes y en la página web del recinto.


La formación actual de Los Cuatro Cuartos, de izquierda a derecha: Carlos Vásquez, Rafael Medina, Fernando Jiménez, Eduardo Seco y Jaime Pérez. TEATRO MUNICIPAL DE LAS CONDES


Valentín Trujillo sufrió caída y se fracturó la muñeca izquierda

 El Mercurio 11-11-2022


“Tuve un porrazo, pero ya mejor. A falta de una mano, todavía queda la otra”, señaló el pianista de 89 años al contar en su Instagram sobre la caída que tuvo por lo que debió ser llevado a un centro asistencial por una fractura en su muñeca izquierda. Trujillo agregó que lo bueno fue que encontró un piano “y quise tocar para darle un minuto, aunque sea, de distracción a alguien que estuviera pasando por ahí, apesadumbrado por alguna enfermedad o preocupación” y subió un video en que se lo ve tocando con la mano derecha. El pianista ya está en su hogar.

Juan Luis Guerra superó sus problemas de salud

 El Mercurio -11-11-2022


El cantante dominicano se presentó anoche y antenoche en el Movistar Arena tras superar un cuadro febril y una inflamación de garganta por lo que suspendió el lunes un recital allí. Ese show se reprogramó para el 30 de noviembre.

Revelan causa de la muerte de Gal Costa

 El Mercurio


Los representantes de la cantante brasileña señalaron que el miércoles perdió su vida por un infarto fulminante “y no pudo resistir”. Según agregaron, su deceso tuvo lugar en su casa de Sao Paulo. Se hizo la precisión, ya que hubo versiones que atribuían su muerte a una reciente cirugía nasal. Su deceso ha sido lamentado por muchas figuras de la música brasileña como Caetano Veloso, Gilberto Gil y Maria Bethania, y el Presidente electo de Brasil, Lula da Silva.

Declaración: Ministerio de las Culturas lamenta paro de funcionario

 El Mercurio


Con una declaración pública, el Ministerio de las Culturas señaló que conocen las demandas de los trabajadores y que el acuerdo marco firmado en julio ya tiene un nivel de avance cuantificable del 73%. Agrega el comunicado que están en proceso de aprobación presupuestaria, “lo que permitirá responder a las demandas de los funcionarios y funcionarias del Patrimonio. Por eso, lamentamos la decisión de paralizar justo en medio de esta tramitación”.

En el Teatro de la U. de Chile: El Ballet Nacional estrena nueva obra

 El Mercurio


La compañía que dirige Mathieu Guilhaumon presenta desde mañana la creación “Dual”.

Maureen Lennon Zaninovic

Este sábado, a las 19:00 horas, “finalmente retornamos a nuestra casa con un estreno absoluto y mundial”, señala Mathieu Guilhaumon, director del Ballet Nacional Chileno (Banch), sobre “Dual”, una serie de 11 dúos que suman la dramaturgia de la actriz Millaray Lobos y la interpretación en vivo del pianista Luis Alberto Latorre, solista de la Orquesta Sinfónica Nacional de Chile.


“Para mí es clave la definición de dual: dos fuerzas opuestas que se unen. Es algo que yo tenía en la mente desde hace mucho tiempo, es decir, hacer una creación con solo dúos, sin que entrara lo grupal. Si bien he trabajado el tema de los dúos en mi obra, como en ‘Dos veces Bach', siempre alternaba con momentos grupales”, explica Mathieu Guilhaumon respecto del proceso creativo. Agrega que le interesó enfocarse en la relación entre dos personas y cómo el ser humano se va vinculando con el otro. “Eso es muy actual: profundizar en si dialogamos o no y en cómo también se ha perdido la manera de dialogar, de poder aceptar, entrar y acoger lo que dice el otro. Sin el otro, no existo”, dice.


Chopin y Isaak


La pieza incluye valses de Chopin y “Wicked Game”, de Chris Isaak, uno de los íconos del pop de fines de los 80. “Voy a tocar una selección de los valses más conocidos y lentos del compositor polaco que son preciosos”, señala Luis Alberto Latorre. Añade que juntar la obra de Chopin y la de Chris Isaak ha funcionado bien y genera un conjunto armónico atractivo. “Aunque hay una diferencia histórica tremenda entre los dos, tonalmente son muy parecidos. Chris Isaak tiene muchos arpegios y una cadencia en Mi Mayor todo el rato: una cadencia media hipnótica. Chopin también tiene puntos en común, con ese maravilloso melodismo y esa armonía increíble que te deja como en un mismo lugar”, apunta Latorre.


La actriz Millaray Lobos comenta que “nos pusimos como desafío con Mathieu Guilhaumon de jugar con la circulación sonora y Luis Alberto Latorre también ha entrado en este juego. Hay algunas notas que son como una traducción de lo que ocurre en las relaciones humanas y si bien no hay una narración lineal, hay una unidad en torno a la palabra dual”.


Más información de los horarios y fechas en www.ceacuchile.cl.

Filsa reabre en Estación Mapocho luego de tres años

 El Mercurio


Hoy se inaugura la clásica feria del libro de Santiago. Serán premiados Carmen Bereguer, Raúl Zurita y Hernán Rivera Letelier.

Roberto Careaga C.

Fue la gran fiesta del libro y la edición. Un hito cultural nacional que coronaba el fin de año. Era en la Feria Internacional del Libro de Santiago donde el público se reunía con los escritores, muchos de ellos extranjeros, y se desplegaba el debate intelectual. Pero entre disputas de gremios de editores y la aparición de nuevas ferias y festivales literarios, la Filsa fue perdiendo su trono. El estallido de 2019 y la pandemia obligó a suspenderla. Por un momento lo pareció, pero no estaba muerta: después de tres años la feria vuelve a abrir sus puertas en la Estación Mapocho.


Se trata de un regreso acotado. En esta nueva versión, la Filsa ocupará solo la Estación Mapocho y no tendrá la carpa que solía instalarse en la parte trasera. Además, en vez de los 17 días que solía durar, esta vez se extenderá por solo 10. Y acaso más importante, la presencia de editoriales tiene vacíos: no estarán presentes ni las grandes multinacionales que publican los títulos más demandados, Penguin Random House y Planeta, ni tampoco sellos como Catalonia, Ediciones UDP o la mayoría de las independientes que han encontrado su espacio en eventos como la Primavera del Libro o la Furia del Libro. Pero el gremio organizador, la Cámara Chilena del Libro, asegura que la Filsa tendrá los libros más buscados por el público.


Homenajes y seminarios


“Es como volver a empezar, porque a pesar de toda la historia y trayectoria de la Filsa, hoy nos encontramos con un rubro y un público muy distinto”, dice Jocelyn Marillán, coordinadora general de la Filsa, que cuenta que el evento contará con 100 expositores, entre librerías, distribuidoras y editoriales como LOM, Fondo de Cultura Económica y una serie de sellos de universidades de todo el país. Paralelamente, el programa cultural incluye más de 200 actividades, en las que participarán autores como Arturo Fontaine, Francisco Ortega, Carlos Iturra, Teresa Calderón, Marcelo Simonetti, María José Viera-Gallo, Carlos Tromben, Constanza Michelson, Pablo Illanes, Gonzalo Contreras y Andrea Jeftanovic, entre otros.


Este año la Filsa tendrá un acento en la literatura chilena y habrá homenajes para Gabriela Mistral, Marta Brunet, Marcela Paz, Pablo Neruda, José Donoso, Nicanor y Violeta Parra. Además, se creó el reconocimiento Patrimonio Literario y Cultural, que se le entregará a la poeta Carmen Berenguer, al actor Luis Alarcón, al poeta Raúl Zurita, al narrador y reciente Premio Nacional de Literatura Hernán Rivera Letelier, y a la Sociedad de Escritores de Chile.


Patrocinada por el Ministerio de las Culturas y la Municipalidad de Santiago, en esta versión de la feria se incluyen seminarios profesionales, en ámbitos de bibliotecas, literatura juvenil y edición universitaria. Abierta hasta el domingo 20 de noviembre, la Filsa esta vez tendrá cuatro días de entrada liberada, de lunes a jueves. Los viernes y fines de semana, el valor es de $3.500. Todos los días estará abierta entre las 11:30 y las 20:30 horas. El programa de actividades completo puede consultarse en camaradellibro.cl.

Ricardo Montaner: “En la vida nada está bajo libreto”

 El Mercurio


El cantante habló con “El Mercurio” sobre “Los Montaner”, el docurreality que sigue a su familia en la intimidad y que acaba de estrenar sus primeros cinco episodios en Disney+.

Romina Raglianti

No son precisamente los nuevos Kardashian. La familia Montaner —liderada por el cantante argentino-venezolano Ricardo Montaner y su esposa, la escritora y cineasta Marlene Rodríguez— quiere que el docurreality que acaba de estrenar Disney+ y que los muestra en la intimidad sea menos sobre dramas creados y chismes y más sobre la música y la importancia de la familia.


“Nosotros llevamos 33 años de casados más cuatro de novios, son muchos años en los que hemos estado cimentando el crecimiento de nuestros hijos y el nuestro como pareja”, dice Montaner a través de una videollamada. “Yo que he sido un tipo que ha reivindicado el matrimonio como una base fundamental de nuestra sociedad y del crecimiento del ser humano, hoy con este programa lo reivindico más; no existe una posibilidad mejor para un ser humano que vivir en familia. Siento que la parte fundamental de este programa es precisamente eso, enarbolar la familia como la meta y el factor importante a seguir”.


“Los Montaner”, cuyos primeros cinco de 10 episodios ya están disponibles en la plataforma, sigue a la pareja y a sus hijos Ricky, Mau y Evaluna —todos cantantes— y a las respectivas parejas de estos, Stefi Rotman, Sara Escobar y el también cantante Camilo Echeverry, en actividades cotidianas como la celebración sorpresa del cumpleaños de Marlene; hitos familiares como el nacimiento de la hija de Evaluna y Camilo y el matrimonio de Ricky y Stefi; viajes por Latinoamérica y su preparación para sus respectivos eventos musicales y giras.


“Siento que nada está bajo un libreto en la vida. La vida es un constante aprendizaje y experimentar”, señala Montaner. “Lo que más me gusta de todo es que con lo diferentes que somos nos podemos dar el lujo de decir que nos amamos infinitamente y que la diferencia del uno con la del otro forman una especie de carácter original dentro de la misma familia, que nos permite transitar tanto las buenas como las no tan buenas de manera muy fluida y amorosa. Siento que mi experiencia principal en esto que acabamos de hacer es saber que tenemos algo que contar que puede parecerle a la gente interesante y puede de alguna manera tocar el corazón de los que nos están viendo”.


Ricardo Montaner cree que la revelación de la docuserie es su esposa, probablemente el rostro menos conocido para el público, ya que todos los hijos de la pareja tienen gran actividad en redes sociales, aparte de sus respectivas carreras musicales. “Ella era la que menos de acuerdo estaba con que este proyecto se hiciera, porque obviamente era un paso trascendental dejar a las cámaras entrar a la intimidad de la familia”, señala. “Pero luego, cuando empiezas a ver pedazos del programa editado, te das cuenta de que, sin lugar a dudas, ella maneja una forma de ser que se convierte en la columna en torno a la cual todos vamos dando vueltas”.


Sentada a su lado, Marlene Rodríguez asegura que el proceso de hacer su vida frente a un equipo de filmación fue orgánico. “Esto no es algo que me agarró desprevenida; abrimos las puertas después de mucho conversarlo y tener claridad de cómo queríamos hacerlo”, explica. “Ahí entró este equipo maravilloso que nos acompañó, súper prudente y respetuoso, e hizo que fuera muy fácil que ni nos diéramos cuenta de que estaban ahí. Al final, terminaron siendo parte de nosotros. Era peor lo que me imaginé que lo que terminó siendo, gracias a Dios”.


Dios es un aspecto importante en la forma de ver la vida de la pareja, que son devotos cristianos. Rodríguez lo menciona de nuevo cuando habla sobre cómo la serie construye la historia de su familia complementando lo grabado en la actualidad con material de archivo de propiedad de ellos. “Cuando veo esas imágenes me sorprende ver a mis hijos chiquititos y verlos ahora, con orgullo. De verdad que cuando uno se entrega a lo que uno cree que Dios está haciendo con uno, él se encarga. Cuando yo veo a mi familia digo guau, qué buen trabajo hizo Él”.


Gran parte de ese material del pasado fue filmado por Alejandro Montaner, hijo del primer matrimonio del cantante con Ana Vaz. “Si me preguntan en qué mes empezaron a grabar, sinceramente siento que empezamos a filmar cuando Mau, Ricky y Evaluna eran chicos. Yo siento que contar con ese documento histórico le da credibilidad a la familia que estamos mostrando, porque la estás viendo desde cuando apenas empezábamos a poner su fundación y luego la ves hoy, y te das cuenta de que hay una historia que contar, y es una verdadera”, finaliza Montaner.

viernes, noviembre 11, 2022

Circuito patrimonial invita a revisitar la obra de Matta



El Mercurio


 Los 111 años de su nacimiento se conmemorarán en La Moneda con la inusual apertura de salones que exhiben obras suyas. La ruta gratuita contempla, además, el MAC, el MAVI-UC y el metro Quinta Normal.

Daniela Silva Astorga

Suele aparecer en las imágenes que circulan por los diarios y la televisión, pero pocos han visto en persona “Espejo de cronos” (1981), monumental pintura de Roberto Matta (1911-2002) instalada en el Salón Azul de La Moneda. Todavía más desconocida para el público es “Passage de la mort à la vie” (1973) —también llamada “La vida Allende la muerte”—, obra donada por Germana Matta en 2008 y expuesta en la sala Taller Matta, a la que solo entran funcionarios del palacio.


Una restricción que desaparecerá transitoriamente gracias al Circuito Matta Patrimonial, instancia que conmemorará el nacimiento y la muerte del icónico autor chileno, a través de una invitación a caminar y reencontrarse con su obra pública. En La Moneda los visitantes podrán ver nueve obras, entre las que están “Puro pueblo tu cielo azulado” y “Tradición de futuro” (a través de Instagram, @patrimoniolamoneda, se entregarán los detalles para inscribirse).


Esta propuesta de ruta, que se repetirá cada noviembre, incluye también el Museo de Arte Contemporáneo (MAC) del Parque Forestal, el MAVI-UC y el metro Quinta Normal, de visita libre.


“La motivación fundamental de este circuito es el ánimo de difundir otra vez la obra de Matta, pero dándole sobre todo alcance a la ciudadanía. Valoramos mucho eso. Aunque él sea uno de los grandes maestros y un artista conocido por todos los chilenos, al menos de nombre, pocos se han acercado a su obra. No siempre se tiene acceso al museo, no siempre se puede ir. Pero, además, no siempre están sus pinturas en exposición”, dice la curadora Inés Ortega-Márquez, quien impulsó esta iniciativa en conversación con Daniel Cruz, director del MAC. Rápidamente se sumaron otros espacios, y la idea es que año a año el circuito se renueve.


El Museo de Artes Visuales invita a reencontrarse con el mural “La debutante” (1995), compuesto por 135 placas de cerámica y expuesto de manera permanente en la fachada del edificio. En el marco del Circuito Matta, el MAVI ofrecerá actividades de mediación.


En el metro Quinta Normal está el mural “Verbo América” (1996), confeccionado también en Italia y luego trasladado a Chile con la condición de ser instalado en un sitio público. Esa intención de Matta es, asimismo, la que se quiere relevar con este circuito.


En tanto, el MAC de Parque Forestal participa con “El nacimiento de América” (ca. 1952). “Esta pintura es sumamente relevante dentro de su producción, porque pertenece a un período en el que tiene un profundo interés por sus raíces. Piensa mucho en las culturas originarias y en una América exuberante, y entonces pinta esta pieza tan germinal e importante. Este circuito, además, propicia el establecimiento de nuevas lecturas hacia el legado de Matta”, cierra Ortega-Márquez.

Mariano Casanova, el caballero del piano y su primer disco

 

“Keith Jarrett era muy joven , pero estaba dos cursos más arriba. No podíamos creer la música que tocaba ya en 1960”, recuerda de su compañero en Berklee. Fotografía: CAROLINA ZELADA


El Mercurio

Iniciado en los años 50, fue el primer chileno en estudiar en Berklee, donde compartió con Keith Jarrett. Su larga historia desemboca en el álbum “Trío”.

IÑIGO DÍAZ


El suyo fue un absoluto salto al vacío ese día en el teatro de Matucana 100, donde las 521 butacas se encontraban desocupadas. Eran los tiempos más duros de la emergencia sanitaria y entonces el Festival Chile Jazz de 2020 programó transmisiones telemáticas de sus conciertos. En uno de ellos aparecía, a solas en el piano, Mariano Casanova, un hombre tan imponente como escurridizo.


“Más que un pianista, yo me considero un arreglador en el piano. Toda mi vida tomé composiciones que me han impactado y les he puesto mi enfoque al interpretarlas. Cada vez que lo hago ocurren cosas diferentes porque hay muchos factores que juegan en el resultado”, dice Casanova. “La única diferencia entre un pianista de hotel y un pianista de jazz, que tocan la misma pieza, es que el primero lo hará siempre igual y el segundo siempre distinto”, dice Casanova, recordando esa sesión de piano solo que se puede ver en YouTube.


Esa experiencia en la improvisación pianística equivale a la que tuvo a los músicos Christian Gálvez (contrabajo) y Alejandro Espinosa (batería) en el estudio de grabación en el Cajón del Maipo, donde se registró “Trío”, disco que sorprendentemente terminó siendo el primer trabajo monográfico.


Su historia se remonta a los años 50, cuando fue parte de la generación joven que abrazó el jazz moderno y debió abrirse paso entre los cultores de la música tradicional. En 1960 abandonó Medicina para viajar a Boston como el primer chileno en Berklee. Allí compartió con un muy joven estudiante llamado Keith Jarrett. Y si bien, luego formó el grupo Impresiones y organizó sucesivos tríos de jazz, que aparecen en grabaciones colectivas, técnicamente “Trío” es su debut, seis décadas después.


Editado por Pez Records, el álbum viene a encabezar la partida de publicaciones que este sello ha puesto en circulación esta primavera: “Legado”, del bajista Eduardo Peña, quien es integrante del Ángel Parra Trío; “Asuperficial”, del guitarrista Sebastián Reyes, y “Ya es”, del cuarteto Jazzantiago.


La grabación presenta nuevos arreglos para piezas especiales, incluida una observación de “Gracias a la vida” a dúo con Gálvez. Toma material de autores como Clifford Brown, Michel Legrand o Toots Thielemans, “y también composiciones de Miles Davis o Freddie Hubbard que yo nunca había tocado. Este salto al vacío al río Maipo lo hicimos los tres músicos juntos: no hubo ensayo, nadie conocía mis arreglos y todo se hizo a la primera toma”, cierra el caballero Casanova.



jueves, noviembre 10, 2022

Murió Gal Costa, una de las leyendas de la música brasileña

 


El Mercurio


A los 77 años falleció ayer la cantante considerada uno de los íconos de la música de Brasil. En las últimas semanas había cancelado varias presentaciones por su estado de salud, luego de someterse en septiembre a una cirugía para retirar un nódulo de su fosa nasal derecha. Nacida en Salvador de Bahía, se caracterizó por su voz suave y melodiosa y fue parte del movimiento Música Popular Brasileña. Entre sus temas más conocidos figuran “Baby”, “Coração vagabundo”, “Por causa de você”, “Gabriela” y “Un día domingo”. Estuvo tres veces en Chile y se presentó en el Estadio San Carlos de Apoquindo, en 2004; en el Teatro Municipal, en 2007, y en el Teatro Caupolicán, en 2008, cuando vino para celebrar los 50 años del bossa nova.

miércoles, noviembre 09, 2022

Cristina Gallardo-Domâs: Publicación francesa celebra a soprano chilena como gran intérprete de Puccini

 El Mercurio


El libro analiza la obra del compositor y cada una de sus óperas, e incluye un listado con los mejores cantantes de sus personajes.

Juan Antonio Muñoz H.

“Avant-Scène Opéra” (Éditions Premières Loges, Paris) es una prestigiosa serie de libros que desde hace décadas se publica en Francia acerca de títulos y compositores de ópera. Cada volumen se encarga a un experto y cuenta con la colaboración de una pléyade de otros expertos y críticos, que analizan hasta los más mínimos detalles de las partituras, calificando a su vez los principales registros en estudio y en vivo, y a los mejores intérpretes de los personajes principales.


Como dice la publicidad de esta colección, estas ediciones tienen por propósito “cultivar tu pasión”. Es eso lo que persiguen, especialmente, las monografías dedicadas a los músicos, que llevan por subtítulo “mode d'emploi”, algo así como un “manual”. El más reciente, dedicado a Giacomo Puccini, está al cuidado de Chantal Cazaux, doctora en Musicología, experta en técnica vocal y profesora de la Universidad de Lille, quien, a través de 186 páginas, todas ellas con material fotográfico de gran atractivo, responde preguntas y motiva reflexiones acerca de la naturaleza de la obra pucciniana: ¿fue un músico verista?, ¿qué fueron para él las mujeres?, ¿qué exigencias no pueden eludir sus cantantes y sus directores?


Cazaux avanza sobre cada una de las óperas y analiza tanto la discografía como la videografía, proponiendo además listas de mejores cantantes (40), de mejores directores (40) y de mejores puestas en escena (10). En la publicación, el nombre de la soprano chilena Cristina Gallardo-Domâs aparece numerosas veces e incluye 5 fotografías en las que figura: dos de ellas como Liú de “Turandot”, en la producción del Festival de Salzburgo de 2002, con puesta en escena de David Pountney; dos como Cio Cio San en “Madama Butterfly”, en el Metropolitan de Nueva York en 2006, dirigida por James Levine, y una como “Suor Angelica” en el Teatro Colón de Buenos Aires.


Además, en la lista de los mejores intérpretes puccinianos de la historia, que viaja desde Cesira Ferrani (1863-1943, que estrenó “Manon Lescaut” y “La Boheme”) y Enrico Caruso (1873-1921, que cantó el primer Ramérrez de “La Fanciulla del West) hasta los cantantes más actuales, como Jonas Kaufmann y Ermonela Jaho, Cristina Gallardo-Domâs está destacada como una artista “destinada a Puccini y a sus heroínas líricas obstinadamente frágiles”. Chantal Cazaux recuerda su temprano debut en Santiago como “Butterfly” (1990) y celebra su llegada a la Scala de Milán con “La Rondine” (1993), su Mimí y Liú en Nueva York, su “Manon Lescaut” en Zürich y en Los Angeles, su grabación de “Suor Angelica” (EMI, dirigida por Antonio Pappano) y el registro en vivo de “Turandot”, con Valery Gergiev en el podio y el final compuesto por Luciano Berio, en Salzburgo. En ubicación estelar, la soprano chilena figura entre la soprano rumana Angela Gheorghiu y el tenor alemán-austríaco Jonas Kaufmann (página 148).


Cabe destacar que, durante su carrera, Gallardo-Domâs cantó 8 heroínas puccinianas: Anna, de “Le villi”; Fidelia, de “Edgar”; “Manon Lescaut”; Mimi, de “La Bohème”; “Madama Butterfly”; Magda, de “La Rondine”; “Suor Angelica”, y Liú, de “Turandot”.




martes, noviembre 08, 2022

Esta noche en el Teatro Nescafé de las Artes: Una revancha del tango con el trío de Rodolfo Mederos

 El Mercurio


Bandoneón, guitarra y contrabajo: el reputado músico bonaerense transita por la época dorada, desde el siglo XIX hasta Aníbal Troilo.

IÑIGO DÍAZ

En Argentina primero y en el mundo de la música después, estos fueron tiempos de conmemoración del centenario de Astor Piazzolla, considerado el hombre que traspasó los límites del tango popular para acceder a nuevos territorios desde la composición, la sonoridad y las fusiones. “Pero Piazzolla no hace tango: hace Piazzolla”, sostiene Rodolfo Mederos (1940).


El reputado bandoneonista bonaerense y director de orquestas típicas tiene más de 60 años de recorrido en el tango desde que comenzó, justamente, en la orquesta de Piazzolla, antes de pasar a la de Pugliese y formar sus conjuntos más decisivos en los años 60 y 70. Hoy dará un concierto, esta vez con el formato del trío, en el Teatro Nescafé de las Artes (20:00 horas, de $22.000 a $54.000).


Junto a Armando de la Vega (guitarra) y Sergio Rivas (contrabajo), además del cantor Negro Falótico, nombre presente en las agrupaciones de Mederos, el bandoneonista presentará un programa de piezas de lo que él considera la época más profunda del tango.


“Si hablamos de tango, estamos hablando de una música que se originó en el Río de la Plata entre 1880 y 1960. ¿Qué pasó después? Después de eso no ocurrió nada más. El tango se agotó, porque la sociedad que lo generó también se agotó. Entró en la meseta de una suerte de rémora e intentos de ponerlo de moda. Las cosas no son eternas”, dice Mederos, cultor de esas fuentes primarias.


Desde su particular óptica, el trío revisará partituras del período fundacional, desde el siglo XIX, con los grandes nombres de la guardia vieja, hasta desembocar en la figura del compositor Aníbal Troilo, a quien Mederos sitúa en el momento mayor del tango: la década de 1940.


“Tocaremos música de autores como Osvaldo Pugliese, Alfredo Gobbi y Horacio Salgán, que han tenido un compromiso directo y genuino con su pueblo”, anticipa. El programa incluye tangos como “El choclo”, “Mi tango triste”, “Romance de barrio”, “Desencuentro”, “A Homero” y “La pulpera de Santa Lucía”, entre otros.


“El valor que yo le doy a Troilo es el sentido de la economía musical. Una música no es buena porque tenga mucho, sino porque precisa de poco. Es la gran característica de Aníbal Troilo: no ponía lo que no hacía falta poner. Su música tiene un sentido horizontal”, refiere.


—¿Cómo es ese atributo?


“Es la música que acompaña al pueblo porque surge desde el pueblo y marca los acontecimientos de su historia. Eso es música popular. En cambio, una música con sentido vertical viene desde arriba, se derrama hacia abajo y hay que recibirla de ese modo: Beethoven, Mozart, Piazzolla”.


—Si Piazzolla no hace tango sino Piazzolla, entonces Troilo hace Troilo?


“Troilo hace tango a través de Troilo”.

domingo, noviembre 06, 2022

El Teatro Municipal de Santiago finalmente retoma las producciones de ópera

 El Mercurio


Después de tres años, el escenario capitalino presenta un montaje lírico escenificado con aforo completo y la orquesta en el foso. Este jueves se estrena una nueva producción de “Manon”, del compositor francés Jules Massenet, con régie del destacado profesional español Emilio Sagi. De esta manera, el coliseo de Agustinas comienza a dejar atrás un momento complejo que lo obligó a poner en pausa su actividad y luego ofrecer óperas de conciertos.

Maureen Lennon Zaninovic

Fue en medio de los ecos de la violencia y la inseguridad que provocó el “estallido social” cuando el Municipal de Santiago montó su última ópera escenificada: “Fausto” de Charles Gounod, con régie del brasileño André Heller-Lopes (noviembre de 2019). Luego vino la pandemia y, como muchos otros escenarios del mundo, el teatro de Agustinas cerró sus puertas a público. Recién —hacia fines del año pasado— presentó con aforo reducido y en versión de concierto “Don Giovanni”, de Mozart, y en 2022 reincidió en este formato con “La bohème” de Puccini y “La Traviata” de Verdi.


En un momento en que la mayoría de los coliseos desde hace meses han vuelto ofrecer producciones escenificadas, recién este jueves el histórico edificio de Agustinas retomará con “todas las de la ley” el género que le ha dado un sello y reconocimiento a lo largo de más de un siglo de existencia. El esperado regreso será con otro título francés: “Manon” de Jules Massenet (la última vez que se presentó en este teatro fue en 1981).


“Fue un camino largo, más largo de lo que todos pensamos”, reconoce a “Artes y Letras” Carmen Gloria Larenas, directora general del Municipal de Santiago al hablar de la recuperación de la ópera escenificada. La ejecutiva añade que nadie sabía, a principios de 2020, cuánto iba a durar la pandemia y las restricciones tan extensas que después vinieron. “Me acuerdo de una entrevista que dio Peter Gelb, gerente general del Metropolitan Opera House de Nueva York. El dijo que en Estados Unidos iban a reabrir en septiembre de 2021 ¿Por qué dijo eso? Era como si hubiera tenido una bola de cristal. Tuvo toda la razón”, dice. Larenas agrega que en nuestro país —a diferencia de otras capitales— las medidas sanitarias fueron mucho más estrictas. “Costó volver a la presencialidad y cuando planificamos esta temporada, no sabíamos exactamente a qué altura de este año podríamos contar con aforo completo. En materia de ópera diseñamos una programación conservadora con dos títulos de concierto y ahora con ‘Manon' volvemos a las producciones completas y sin limitaciones. La Orquesta Filarmónica de Santiago regresará al foso ya que repusimos las 262 butacas que sacamos de la platea para instalar ahí a los músicos. Ahora el teatro tiene disponible 1.466 localidades”, expresa, y aclara que eso significa que “se abrieron nuevas entradas a la venta, empezando por la parte delantera de la platea y otras ubicaciones que las tuvimos que cerrar por la distancia que exigía el covid-19”.


La ejecutiva rememora que fue difícil producir, desde fines de 2021, ópera en esas condiciones y con tantas limitaciones “y, sin embargo, lo hicimos y con creatividad. Evidentemente el operático no prefiere las óperas en concierto, pero esa es la realidad que nos tocó vivir y nos permitió echar a andar todo de nuevo. Fueron meses de aprendizaje, de buscar además un balance entre los cantantes y los músicos que se ubicaron hasta hace pocos días en un espacio donde no estaban acostumbrados a tocar”, expresa. Larenas repite la palabra realismo y afirma que “uno puede tener muchos sueños, pero no podemos poner en peligro la estabilidad económica del Municipal. Sé que algunos lamentan y nos comparan con el Teatro Colón de Buenos Aires que está pasando por un extraordinario momento artístico. Yo lo veo como algo positivo: ojalá que los melómanos puedan complementar nuestra oferta con las estupendas óperas del Colón”.


Al preguntarle por la decisión de retomar las producciones líricas con “Manon” de Massenet, Carmen Gloria Larenas señala que llegaron a este título tras conversarlo con el destacado profesional español Emilio Sagi, quien fuera director del Teatro Real de Madrid y tiene a su cargo la régie de esta propuesta. “Esta es una ópera que tiene un significado especial por distintas razones. Por un lado es un título que no se daba hace mucho tiempo en Chile y que ofrece papeles que nos permitían unir artistas internacionales con voces chilenas. Junto con ello, se dio la posibilidad de coproducir con Tenerife y Oviedo y en estos tiempos es importante la colaboración”, manifiesta. También comenta que coincidió que Sagi ya había trabajado en España con Maximiano Valdés, quien alternará con Pedro-Pablo Prudencio la dirección de la Orquesta Filarmónica de Santiago, lo que facilitaba el trabajo.


La envidia de todos


Elogiado por varias de sus producciones presentadas en el Teatro Municipal de Santiago, entre otras “El turco en Italia” de Rossini y “Los puritanos” de Bellini, el régisseur Emilio Sagi está de regreso con un debut en su carrera: es la primera vez que tiene a su cargo este título de Massenet, en una propuesta que incluye escenografía de Daniel Bianco, y el vestuario de Pablo Núñez. Su último trabajo para este histórico escenario data de 2016 con “Tancredo” de Rossini.


“En algún momento me llamó el anterior director Frédéric Chambert, pero no tenía la agenda libre”, recuerda instalado en uno de los palcos de este escenario este artista que este año, en el Teatro Colón de Buenos Aires, sacó aplausos con su puesta en escena para “Elixir de amor” con dos grandes estrellas de la lírica mundial: la soprano Nadine Sierra y el tenor Javier Camarena.


Con una historia que se desarrolla originalmente en Francia (Amiens, París y Le Havre), en 1721, “Manon” se inspiró en la novela “Historia del Caballero Des Grieux y Manon Lescaut”, séptima parte de las “Memorias de un hombre de rango” del abate Antoine-François Prévost D'Exiles (1697-1763). Se estrenó en 1884 en el Teatro de la Ópera Cómica de París y posteriormente, casi una década después, el célebre compositor italiano Giacomo Puccini presentó su propia versión de la obra del abate Prévost bajo el nombre “Manon Lescaut”. En ambos títulos —aunque con variaciones— el foco está puesto en el drama de una pareja de enamorados.


“El Municipal fue uno de los teatros más importantes de Hispanoamérica, si no el más relevante. Era la envidia de todos los escenarios, incluyendo el Colón. Había una gran envidia por su organización y su nivel. Estuvo cerrado mucho tiempo por la pandemia y ahora tiene que unir fuerzas y, como decimos en España, ponerse los tirantes, o sea, tiene que retomar la excelencia que tenía. No puede ir para atrás”, afirma Emilio Sagi a propósito de este lento regreso, después de tres años, a las producciones escenificadas. El régisseur destaca que a diferencia de Chile, en medio de la emergencia sanitaria, la actividad cultural en su país no tuvo descanso. “El Teatro Real y la Zarzuela siguieron ofreciendo obras para que el público no se olvidara de ellos. Los artistas no se quedaron en sus casas”, dice.


El director de escena manifiesta algunos cuestionamientos hacia las óperas en concierto. Explica a “Artes y Letras” que el formato “me parece bien si se trata de piezas extrañas u obras difíciles de montar. Estoy pensando en creaciones de Giacomo Meyerbeer o un barroco más complicado, pero las óperas de repertorio no. La ópera es para hacerla en teatro. Para hacer óperas de concierto ahí están los auditorios”, expresa. Emilio Sagi continúa con su reflexión y advierte que en el Teatro Real de Madrid, por ejemplo, se montó sin escenificación “Don Fernando el Emplazado”, que “es más bien una ópera rarísima. No se hacen en concierto ‘Aida', ‘Rigoletto' o ‘La Traviata'”, aclara.


Ingenuidad y corrupción


El profesional hispano señala que en España, como consecuencia del confinamiento, “desaparecieron pequeños festivales de música, pero eso fue algo puntual. Por ejemplo, el Teatro de la Maestranza de Sevilla sigue haciendo los mismos títulos y el Teatro Real y el Liceu de Barcelona continúan ofreciendo la misma cantidad de producciones. Se han mantenido vigentes con la ayuda de las gerencias de los teatros y de los políticos también”.


—¿Desde 1981 que no se daba “Manon” de Massenet en Chile, a diferencia de la “Manon Lescaut” de Puccini. ¿Por qué esta ausencia?


“Creo que la gente ama más la ópera italiana. Yo soy un gran admirador y amante de la ópera francesa y tenía muchísimas ganas de hacer esta ‘Manon' y en el momento que el Municipal me la ofreció, junto con Oviedo y con Tenerife, pensé que era lo ideal porque es una obra preciosa y en Santiago, además, tendremos dos repartos muy buenos. ‘Manon' es una obra deliciosa, está llena de melodías maravillosas y luego a mí me gusta más esta ópera francesa que la italiana y las voces son completamente distintas. El caballero Des Grieux de ‘Manon Lescaut' es un tenor más fuerte. El tenor de la ópera de Massenet es más lírico y con una mayor sensibilidad. En Puccini, por otro lado, la soprano tiene que ser más lírica, en cambio la de Massenet es una lírico ligera porque tiene muchas coloraturas y más fluidez. Puccini es pasional en un sentido italiano, aunque mi versión francesa es muy pasional: la estoy cargando de una inmensa pasión y de una gran fuerza erótica. La fuerza amorosa se manifiesta en melodías y actos impresionantes. El amor entre Manon y el caballero Des Grieux es de una sensualidad total. Por otro lado acá vamos a dar la ópera completa en cinco actos, con pequeños cortes como la escena del ballet que no se suelen montar para no alargar la historia”.


Emilio Sagi pone el acento en el famoso dúo de Saint Sulpice, cuando la protagonista le pide a su amado que abandone la vida religiosa “y lo mete en un espiral de vicios y de corrupción. Manon es una mujer muy simple, ingenua y muy de pueblo que de repente encuentra que le pueden dar todo en una sociedad de fines del reinado de Luis XV e inicios de Luis XVI: una sociedad sin valores éticos, donde a las mujeres se las casaba por interés, ingresaban a los conventos y las que no tenían suerte acaban siendo prostitutas. En ese mundo de corrupción, esta mujer que nunca tuvo nada, se deslumbra con el brillo de los brillantes, como dice una copla española, Triniá, que se cegó con el brillo de los diamantes”. El profesional hispano describe a Manon como una mujer “que como muchas de su época terminó siendo utilizada. Es un objeto de intercambio carnal entre los señores ricos. Eso sí no con su amante que sí la quiere de verdad. Manon se vuelve loca con toda esta sociedad que le ofrece la riqueza y no sabe bien dónde se está metiendo”.


—¿Qué artistas visuales aparecen en su puesta en escena?


“Yo la ambienté en 1760. En los últimos momentos del Ancien Régime. Los dos pintores más famosos de esa época son Jean-Honoré Fragonard y Antonie Watteau. Hay un cuadro de Watteau que se llama ‘El indiferente' y ahí está retratada esa sociedad amante del lujo, sin valores morales y donde siempre se habla del oro. Junto con el escenógrafo Daniel Bianco y el diseñador de vestuario Pablo Núñez quisimos que estos artistas nos dieran la estética de nuestra producción. Todo el decorado es corpóreo y tiene una sensación de la naturaleza de los cuadros de Fragonard: esos árboles, esa cosa un poco sensual está presente todo el tiempo”.


La destacada soprano española Sabina Puértolas, quien en 2017 encarnó en el Teatro Municipal de Santiago a Gilda (“Rigoletto”, de Verdi), alternará con Annya Pinto el papel de Manon Lescaut. En conversación con “Artes y Letras” describe a su personaje como una “mujer inocente que viene del pueblo y no sabe nada, pero dentro de esa inocencia está esa curiosidad. Como cualquier niña o adolescente que tiene un mundo por delante, ella quiere probar y sentir. Y coge todo al vuelo”. La cantante concluye que, sin duda, “en el elenco sentimos un peso porque es la primera producción escenificada después de tres años ¡Es una responsabilidad! Es un peso que llevamos todos los que hacemos esta producción, porque no solamente tiene que gustar, tienes que encandilar para que el público vuelva a llenar el teatro. Es muy importante que la gente vuelva a consumir cultura”. Para Puértolas en España solo “paramos los tres meses que nos encerraron en casa. Y después intentamos por todos los medios hacer ópera, aunque fuera con aforo reducidísimo. Todos nos levantamos la mangas e hicimos que la rueda empezara a rodar”, cierra.

martes, octubre 18, 2022

Bigote Villalobos: la vuelta del cantautor

 


Comunicado de Prensa

El payador y creador chileno presenta en una gira "La décima parte de mí", disco que grabara en 2001 y que contó con la valiosa participación de Eugenio Moglia, legendario guitarrista y músico chileno.

Con una gira por Rancagua, Casablanca y San Bernardo, el cantautor y payador Guillermo "Bigote" Villalobos presentará por primera vez en vivo el disco "La décima parte de mí" que realizó en 2001 junto con la participación del destacado músico Eugenio Moglia, fallecido en 2013.


Villalobos propone en el trabajo relatos de su vida o de homenaje a personajes y oficios de nuestra cultura, en los que Moglia hizo musicalizaciones de varios textos e interpretó todas las guitarras, junto a su Cuarteto Chile.


Sobre su aporte dice "Bigote" que "Moglia fue fundamental para ese disco porque tomó mis textos y me sugirió unas obras con su genialidad de compositor e intérprete. Pero más allá de eso me quedo con su disposición para trabajar conmigo, porque si yo incluso ahora soy casi un desconocido, él hace 20 años me dio la posibilidad de trabajar con él. Eso fue muy lindo".


El trabajo nunca fue tocado en vivo, así que el creador y payador chileno decidió hacer una serie de presentaciones para poder mostrarlo en público, también como una manera de recuperar una faceta de su labor musical que ha ido dejando de lado. "De algún modo es cerrar un círculo en términos del cantor que quedó postergado por el payador. Recuperar este disco y mostrarlo en vivo por primera vez me hace mucha ilusión", explica.


Para poder hacerlo, Villalobos contará con la participación del experimentado José Cabello (3x7 21, Gabriela Pizarro, Ensamble Tradicional Chileno, entre otros) y los jóvenes Juan Pablo Arriagada y Francisco Ubilla. "Es importante el elenco, que parte con la guitarra base que Pepe Cabello maneja con maestría. A él se suman dos muchachos que son estudiantes de música, diestros guitarristas y que tienen gran afinidad. Entre los cuatro armamos un grupo que ya está cohesionado y que, pese a la diferencia generacional, tiene muy buena ligazón al encontrarse en un interés mutuo porque porque nosotros hacemos música desde antes que ellos nacieran, pero todos tenemos un gusto absoluto por el canto y la guitarra", agrega el cantautor.


El espectáculo se complementa con dos encuentros de payadores que se realizarán en Rancagua y Casablanca. En el primero, el sábado 22 de octubre, participarán Juan Carlos Bustamante y Javier Peña; mientras que en el segundo, el sábado 29 de octubre, estarán Paul Castán y Francisco Barros. De esta instancia dice "Bigote" que "me interesa interactuar con los payadores locales desde el verso, porque ellos muestran el verso improvisado y yo el verso hecho con música distinta al canto a lo poeta".


Por cierto, Villalobos espera que estos conciertos, financiados por el Fondo de Fomento de la Música Nacional, Línea Circulación de la Música Chilena, sean el comienzo de un ciclo de actividades para mostrar su repertorio y retomar su faceta en el canto.

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Presentaciones Guillermo "Bigote" Villalobos, "La décima parte de mí", junto a Pepe Cabello, Juan Pablo Arriagada y Francisco Ubilla.


Sábado 22 de octubre, 18.30 horas, Casa de la Cultura Rancagua, Cachapoal 90.

Invitados: Encuentro de payadores con Juan Carlos Bustamente y Javier Peña.

Entrada liberada


Sábado 29 de octubre, 19 horas, Casa de la Cultura Casablanca, Diego Portales 02

Invitados: Encuentro de payadores con Paul Castán y Francisco Barros.

Entrada liberada.


Domingo 30 de octubre, 18.30 horas, Casa de la Cultura San Bernardo, América 504.

Entrada liberada.








jueves, agosto 25, 2022

La perfecta sincronía de la poética de Mistral y el fado portugués

 “Saudades de Gabriela” reúne 13 poemas, la mayoría recogidos de su vida en Portugal en los años 30. El repertorio fue compuesto por Jorge Prado, único cultor chileno de la guitarra portuguesa, quien grabó en Lisboa con importantes fadistas.

IÑIGO DÍAZ

“En ocho meses de Portugal me he salvado la salud y me he ganado un ánimo alegre y ligero, medio infantil, que es el mío de los buenos tiempos”, escribió Gabriela Mistral durante su primera época de vida en ese país, al que llegó en 1935 en su calidad de cónsul, después de un paso, a lo menos turbulento, por Madrid.


En el período de cuatro años en que vivió en Lisboa —dice el mistraliano Pedro Pablo Zegers— no solo retomó la escritura que había dejado en silencio en España, sino que además “comienza a perfilarse una obra maciza y contundente, que va dejando atrás a la poeta de los versos infantiles”. En Portugal, entonces, atravesará el abismo que existe entre dos libros: “Ternura” y “Tala”.


“Muchos de sus poemas más fuertes, nostálgicos y también trágicos fueron escritos en Portugal. Y varios de ellos, pertenecientes a ‘Tala', son ahora nuevas composiciones en el lenguaje del fado portugués”, introduce el músico Jorge Prado, el único cultor de la guitarra portuguesa en Chile, acerca de la gestación de un disco que se presenta hoy con un conversatorio en la Biblioteca Nacional.


Idiomas conectados


“Saudades de Gabriela”, vale decir “Nostalgias de Gabriela”, es una investigación que toma esa obra poética y la transforma en un repertorio único. Compuestos por Prado, los fados fueron grabados en Lisboa con grandes cantoras de la generación actual como Joana Amendoeira, Ana Laíns y Mafalda Arnauth, además del célebre trío formado por José Manuel Neto (guitarra portuguesa), Carlos Manuel Proenca (viola de fado, es decir, guitarra española) y Daniel Pinto (guitarra baixo).


Son 13 poemas de Mistral curatoriados por el chileno, arreglados por los músicos para el ensamble tradicional y ajustados en el lenguaje interpretativo por las propias cantoras. Algunos están en portugués, a partir de las traducciones de Fernando Pinto do Amaral, traductor de Mistral y Borges. Otros se cantaron en español y otros comparten idiomas en sus estrofas: “Riqueza”, “Ausencia”, “País de la ausencia” o “Todas íbamos a ser reinas”, que adquiere la forma de una alegre marcha lisboeta.


“Incluimos los tres ‘Sonetos de la muerte'. Ella podría ser una poeta de fado. Los músicos portugueses con los que trabajé quedaron impresionados con esa sincronía entre su escritura y la esencia del fado. Creo que Mistral podría ser homologable a Fernando Pessoa o a la poeta Florbela Espanca”, dice Prado.


Dos uñas postizas


En un viaje suyo a Lisboa en 2009 como bandoneonista de tango, el chileno conoció el fado y la guitarra portuguesa, cordófono medular en esta música, que se toca con uñas postizas en el índice y el pulgar, realiza melódicos punteos en las introducciones e intermedios, además de marcar los contracantos con la voz de la cantora.


Fue entonces que se convirtió a esa música y desde 2014 encabeza el ensamble Fado al Sur del Mundo, donde participa Jorge Coulon, de Inti-Illimani, además de la cantante Paulina Muñoz y el violista de fado Eugenio González. Se han presentado en el Teatro del Lago, el Teatro Municipal de Valparaíso y el GAM. Habitualmente se les puede escuchar en el subterráneo del Mesón Nerudiano, uno de los espacios que mejor se asemeja al ambiente de penumbra y silencio de las casas de fado lisboetas.


“Gabriela Mistral está muy presente en Lisboa. Existe una placa en el edificio del Bairro Azul, al norte de la ciudad, que da cuenta de donde ella vivió. Y en 2009, Michelle Bachelet inauguró un monumento a Mistral cerca del lugar, donde también se encuentra la Embajada de Chile”, cierra Prado.

viernes, agosto 12, 2022

Exposición ahonda en los viajes de Violeta Parra

Violeta Parra en Génova en 1955. Fundación Violeta Parra


 El Mercurio

Visita Europa en dos oportunidades, con largas estadías, además de Argentina y de recorrer Chile. Todo este movimiento influye en la obra de la artista.

María Soledad Ramírez R.


El montaje de “Las travesías de Violeta Parra: los contornos del mundo” es simple, pero va dando cuenta del recorrido seguido por la artista chilena en sus dos viajes a Europa. A través de sucesivos paneles, y siguiendo las indicaciones del suelo que apuntan país y año, uno va acompañando a Violeta en su descubrimiento del mundo.


Abierta hasta fines de agosto en el Centro de Extensión Oriente UC, de lunes a viernes de 10:00 a 19:00 horas y sábado hasta las 14:00 horas, con entrada gratuita, la muestra es el resultado de la investigación de Milena Rojas, nieta de la artista y curadora de la Colección Violeta Parra en la UC, y Manuel Gárate, académico de Historia UC. “La idea fue construir una línea de tiempo y una muestra en tres niveles. Lo principal son los viajes de Violeta, su experiencia y transformación de su obra, viajando en plena época de Guerra Fría. Pero también las personas pueden recorrer estos viajes viendo qué pasaba en Chile o en el mundo en esos años”, señala Manuel Gárate. Junto a las fotografías y documentación, la muestra incluye material audiovisual y códigos QR en los que se pueden escuchar grabaciones de Violeta Parra.


El primer viaje fue en agosto de 1955, invitada por el Partido Comunista al Festival de la Juventud y los Estudiantes en Varsovia. Se la ve, por ejemplo, a su llegada a Génova, después de tres semanas en barco desde Buenos Aires y, luego, visitando un hospital de niños en la capital polaca, entre las actividades programadas como parte del esfuerzo propagandístico de la órbita soviética. También viaja a la antigua Leningrado, hoy San Petersburgo, donde graba un disco y cuya carátula, en cirílico, está como imagen en la muestra, prestada por un coleccionista inglés que se contactó para esta exposición. “En Rusia compra, a muy bajo precio, una grabadora, que es la que va a usar en Chile cuando viaja grabando a los autores chilenos”, señala Gárate.


Como no tenía pasaje de vuelta, Violeta decide quedarse en el Viejo Continente, pero se traslada a París en 1956, donde trabaja para mantenerse y graba dos discos. La invitan, también, a Londres a grabar para la BBC. En la exposición se puede ver el contrato de esta presentación con la cadena británica. “Existían datos de que se había presentado, pero no había documentos y los encontramos con una investigadora inglesa”, señala Gárate como uno de los hallazgos de la muestra. A fines de 1956, la artista regresa a Chile.


Su segundo viaje, en 1962, parte inicialmente en Argentina, pero es nuevamente invitada al Festival de la Juventud, ahora en Helsinski, Finlandia. Su regreso a Europa la lleva también a Berlín, Moscú y a Bakú, capital de Azerbaiyán, en donde le da apendicitis. Pero cuando puede, viaja a Suiza, donde vive con su amor, Gilbert Favre, y se mueve entre Ginebra y París. Es acá cuando expone en el Louvre y se presenta en diferentes escenarios como una artista de prestigio. Regresa a Chile en 1964, pero eso ya es historia más conocida.


En la mitad de la muestra está el guitarrón original de Violeta Parra. También el disco grabado en Rusia, que tiene un coleccionista inglés. Soledad Ramírez

Disco publicado en Rusia


La muestra también incluye los viajes de Violeta Parra en Chile, cómo su experiencia en Puerto Montt para el terremoto de 1960. Comunicaciones UC


jueves, agosto 04, 2022

Los Huasos Quincheros se reactivan con tres discos y una nueva formación

Rodrigo Zegers, José Vicente León, Antonio Antoncich y Rafael Prieto integran la nueva formación del tradicional conjunto folclórico. HÉCTOR ARAVENA



El Mercurio

Luego de una pausa obligada por la pandemia y la llegada de dos nuevos integrantes, el tradicional conjunto alista su regreso a los escenarios y al estudio de grabación.

RAIMUNDO FLORES S.
Bastante agua bajo el puente ha pasado para Los Huasos Quincheros desde el comienzo de la pandemia. A la ausencia de los escenarios más larga en sus 85 años de historia, se sumó la salida de dos de sus integrantes, luego del retiro de Cristián O'Ryan el año pasado y el fallecimiento de Enrique Barros en enero último.

Más allá de estos sucesivos golpes al funcionamiento del conjunto, Los Quincheros han sabido rearticularse. La salida de O'Ryan fue cubierta por Rafael Prieto y la muerte de Barros trajo de vuelta a Rodrigo Zegers, quien ya fue parte del grupo entre 2010 y 2012.

“Estas ganas de seguir nacen de lo que nosotros siempre hemos llamado el ‘espíritu quinchero', porque los 23 integrantes que hemos pasado por estos 85 años de historia siempre nos hemos ido traspasando esta posta, con un tremendo bagaje detrás, que es justamente el amor por nuestra música tradicional”, señala Antonio Antoncich, actual líder del grupo, quien junto a José Vicente León completa la formación que tiene hoy el conjunto.

En el contexto de su reactivación, Antoncich anuncia que dentro del mediano plazo esperan publicar tres nuevos discos. El primero será con canciones infantiles tradicionales como “Caballito blanco” o “Mambrú se fue a la guerra”. “Los niños aprenden lo que ven en televisión, la Peppa no sé cuánto, y ese tipo de canciones que indudablemente tienen un valor increíble, pero creo que son más valiosas esas canciones nuestras, antiguas. Hay tantas preciosas que han quedado en el olvido y las queremos rescatar”, plantea.

La segunda producción se relaciona con otra pérdida reciente que sufrió el conjunto, la muerte de Sergio Sauvalle, autor de “El corralero” y miembro del grupo en los años 60. Como un homenaje, Los Quincheros grabarán un álbum con boleros inéditos que Sauvalle escribió en los 70 y que Antoncich encontró hace poco. El disco incluirá, además, otros boleros cubanos popularizados por Buena Vista Social Club.

“Fuimos muy amigos con Sergio. Siempre lo consideré como un hermano mayor. Todo lo que sé de Quincheros se lo debo a él y a su hermano Alfredo, que también estuvo años, y a Benjamín Mackenna”, dice Antoncich.

Otro álbum en el horizonte es el segundo volumen de “Cantos del patrimonio religioso nacional”, un disco publicado en 2015, en el que se quedaron con las ganas de grabar varias canciones que no cupieron en ese trabajo. Esta secuela incluirá títulos como “Pescador de hombres”, “El alfarero” y “Ave María”.

Junto a los proyectos discográficos, el grupo se alista para volver a los escenarios para Fiestas Patrias. “Hicimos cosas vía streaming, que no es lo mismo porque la interacción con el público es fundamental. Fue una buena solución para el momento, pero no es lo ideal”, dice Antoncich y agrega: “Lo comparo con un deportista que no hace deporte. Durante la pandemia ensayábamos por videoconferencias, porque era tanta la necesidad de vernos, cantar y seguir avanzando en los proyectos. Pero hay que estar mirándose las caras y respirando uno al lado del otro para que haya una comunicación, sobre todo si estamos haciendo música”.

domingo, julio 24, 2022

Dos voces que se abren paso llegan a Matucana 100

 El Mercurio


La próxima semana darán conciertos por separado en el centro cultural, un hito que los pone como líderes de una generación que asoma con fuerza en la música nacional.

Raimundo Flores S.

Esteza: El presente del R&B chileno


Hace unos días, Esteza (25) anunció a través de sus redes sociales que firmó un contrato con la editorial del sello multinacional Universal Music. La noticia confirma el buen momento que vive el proyecto musical de la viñamarina Paula Mena, quien a comienzos de este mes lanzó “Solo llámame”, el segundo EP de su carrera, sucesor de “Bindi Love” (2020).


El trabajo narra a través de seis canciones las distintas etapas de una relación amorosa, usando como base un sonido R&B que se fusiona con otras corrientes. “En realidad mi forma de cantar siempre ha sido inspirada por el R&B. Cuando era chica escuchaba a Alicia Keys, ese tipo de cantantes, pero también me metí mucho en el hip hop. Me gustaba harto ese tipo de referentes, aunque últimamente escucho de todo y con la ayuda de los productores vamos sacando sonidos distintos”, explica.


“Solo llámame” será presentado este jueves en el teatro principal de Matucana 100, en un show que Esteza define como “el más grande que he hecho en mi vida”. El concierto será teloneado por Anto Segovia y Rou C y también tendrá entre sus invitados a Ceaese, Bronko Yotte, Syar y Emaflu.


“A mí siempre me ha gustado la performance y por fin se me da la oportunidad de ir más allá que cantar con pista. Así que iré con banda, con bailarines, con un vestuario, con escenografía y con invitados súper importantes para mí”, adelanta.


Killua97: Las dos caras de la moneda


A pocas semanas del inicio de la pandemia, Killua97 (25) estrenó un EP llamado “Lovesongs”. Aunque en ese momento Cristian Díaz —su verdadero nombre— era un intérprete emergente en el infinito océano de la música urbana, ese trabajo comenzó a generar un ascendente y orgánico reconocimiento y terminó por ser la banda sonora de las cuarentenas de muchos jóvenes.


A medida que bajaron las restricciones sanitarias, Killua97 pudo medir en persona el alza de su popularidad en los shows que ha realizado, aunque ninguno tan importante como el que dará este miércoles en el teatro principal de Matucana 100.


El concierto contará con las presentaciones previas de Diso y Masquemusica y la participación estelar de Drefquila, Ceaese, Augusto Schuster, Poison Kid, Baby J y Vlntna B.


La ocasión servirá para presentar en vivo su álbum debut, “Sky's the Limit”, lanzado en junio. El disco destaca por intercalar canciones de espíritu festivo con temas que abordan la violencia en los barrios y momentos crudos de la biografía de Díaz.


“Eso es lo que quería retratar, las dos caras de la moneda. Por un lado, estoy bien y me está yendo bacán en lo que amo, pero por otra parte, hay cosas que no tienen solución, cosas que pasaron que pesan. La muerte de mi mamá o que mi gente se está muriendo mientras yo estoy arriba de un escenario y no puedo hacer nada”, explica.


sábado, julio 23, 2022

Funciones hasta el 31 de julio: El canto zulú que brilla con Nonhlanhla Pretty Shangase en Chile

 

“Viaje a Mombasa” sigue a Concepción, Temuco y Viña. VICENTE BADILLO

El Mercurio


La sudafricana es la voz del espectáculo de circo y teatro “Viaje a Mombasa” en el Metropolitan, la ex-CasaPiedra. “Canto sobre la esperanza, el amor, la pobreza, la inspiración”, dice.

IÑIGO DÍAZ

Es la historia de Mosi, un niño que emprende una travesía para saciar sus anhelos de aventura y conocer el espíritu profundo de África. Así se va encontrando con animales salvajes antes de que el mundo colapse y ellos desaparezcan. Tanto el niño como los animales de la obra de circo y teatro “Viaje a Mombasa” son marionetas de madera a escala real maniobradas por actores y artistas circenses.


Creadas por el titiritero sudafricano Roger Titley con motivo del Mundial de 2010, viajaron especialmente desde Sudáfrica para este montaje dirigido por Martín Erazo (la Patogallina). “Viaje a Mombasa” tiene funciones en varios horarios familiares hasta el 31 de julio en el Metropolitan, la ex-CasaPiedra (detalles en www.circomombasa.cl), y cuenta con música escrita por Ismael Oddó. Entre ese elenco tan amplio y diverso, una artista toma protagonismo desde la voz.


“Crecí en un lugar llamado Kwamashu, en Durban. Empecé a cantar a los siete años, cuando teníamos reuniones familiares. Cantar me hizo sentir completa, que estoy viva y nada más”, dice la sudafricana Nonhlanhla Pretty Shangase (1982), acompañada en la obra por músicos sudafricanos del tambor djembé.


Ella canta junto a la música de Oddó “y, además, agrego sonidos sudafricanos, para que la gente de Chile pueda entender mis raíces y el sonido de la música desde la cual provengo”, dice Pretty —como la conocen los artistas—, perteneciente a la etnia zulú.


“Se estima que nuestra lengua se habla en nueve provincias. África, pero en especial Sudáfrica, es tanto moderna como salvaje. Tiene grandes ciudades con industrias junto con espacios de animales salvajes. Aún existe presencia tribal en áreas rurales. De donde vengo hay un lugar llamado Inkadla, con esa vida de tribus. Se siguen usando pieles de animales y hay un rey. Incluso el (ex)presidente Zuma construyó su casa ahí”, cuenta a “El Mercurio”.


Nonhlanhla Pretty Shangase es conocida en su país como cantante y corista, pero además por sus participaciones como actriz. Su último papel fue el año pasado, en la telenovela de ocho temporadas al aire “Generations: The Legacy”.


—¿Cómo ha sido el encuentro con artistas chilenos, que son de otra cultura?


“Siempre es un placer para mí conocer personas desde que comencé a trabajar viajando por el mundo. He cantado en Alemania, Francia y Turquía. A pesar de que solo nos vimos una vez, Ismael Oddó me permitió ser versátil en la composición de las canciones para la obra y me dijo que cantara en mi idioma zulú. Observé los números y luego escribí las letras según cada acto y su mensaje”.


—¿Cómo son su música, su canto y su ritmo?


“Mis canciones siempre tienen ese fondo zulú auténtico. Están influenciadas por mi historia de vida, el lugar donde crecí. Canto sobre los desafíos de mi vida y de nuestro país. Escribo canciones sobre la esperanza, el amor, la pobreza, la inspiración; sobre mi pasado, mi vida hoy y mis sueños del futuro”.

Camila Gallardo y su nuevo álbum: “Fue como un purgatorio para mí”

 

La cantante acaba de estrenar “Anastasia”, el tercer disco de su carrera, donde a través de la búsqueda de un sonido propio resume los intensos últimos tres años de su vida.

Raimundo Flores S.

La historia de una de las cantantes chilenas más relevantes de los últimos años escribió el jueves en la noche un nuevo capítulo. Cami, el alias de Camila Gallardo, estrenó “Anastasia”, su tercer álbum de estudio, donde profundiza en la búsqueda de un sonido propio y lleva un paso más adelante su propuesta artística.


“Fue un proceso súper largo, de mucho trabajo y descubrimiento. Me pasaron muchas cosas y junté tres años de mi vida en un disco, casi tres años de experiencias, donde en la mitad hubo una pandemia”, explica Cami en conversación con “El Mercurio”.


El álbum lleva como título el segundo nombre de Gallardo y está compuesto por 17 canciones, convirtiéndose en su producción más larga hasta la fecha. Hasta antes del jueves ya habían sido publicados cinco sencillos, que adelantaban una de las temáticas más recurrentes del disco, una visión desconfiada y agotada de las relaciones románticas que también se cruza con ácidas reflexiones sobre la sociedad actual contrastadas con otros momentos de más vulnerabilidad.


“Tuve la posibilidad de alquimizar muchas experiencias y vínculos, historias que estaba intentando soltar o quizás ya había soltado, pero a las que a veces uno vuelve como punto de inspiración. Todas las canciones cuentan una historia de mi vida. Hay muchas que las escribí ya habiendo superado esos procesos, pero las quería escribir igual, porque necesitaba ese espíritu más teatral en el disco, y creo que es algo que se logró súper bien, lo pictórico y lo cinematográfico”, señala la voz de “Querida rosa”.


Asimismo, el ámbito sonoro incluye búsquedas en diferentes áreas, con Cami compartiendo créditos en la producción junto a importantes nombres internacionales como Sebastián Krys, Eduardo Cabra y Tainy. Aunque el pop y el folclor siguen siendo dos grandes pilares en su trabajo, “Anastasia” abre espacios a sonoridades electrónicas y más eclécticas. Según ella misma, la lista de influencias va desde la cantante de tango argentina Tita Merello hasta el DJ británico El Búho.


“Cuando decidimos empezar el proceso del tercer disco, no quise encasillarme en nada, ni tampoco responder ante un género musical o que el disco se tratara de una cosa”, dice Cami y agrega: “Llevaba las ganas de querer crear algo. Más allá de que escriba mis canciones, creo que los procesos de producción son súper importantes cuando el disco es tan personal, y también cuando uno tiene bien claro cuál es la estética o el ambiente que uno quiere generar”.


Lidiar con la exposición


Cuando Cami dice que “Anastasia” retrata los últimos tres años de su vida, abarca un período de tiempo en que la cantante también ha acaparado titulares por noticias extramusicales. Su detención en una reunión social nocturna que excedía el aforo permitido o la controversia que causaron alguna fotos suyas en una fiesta en Miami, cuando en Chile aún había restrictivas medidas sanitarias, son hechos que generaron una oleada de críticas el año pasado. Ahora, su regreso a la primera línea de exposición como jurado de “The Voice Chile” también le ha acarreado críticas en redes sociales.


“Ha habido épocas donde lo pasé muy mal, realmente muy mal”, dice y añade: “Intento ser lo más racional posible para no lastimarme y para estar concentrada, porque al final todos son distractores y no quiero darle más poder a gente que no hace nada por mí versus mucha gente que sí hace mucho por mí. No es justo ni para todo el amor que le pongo a mi trabajo, ni para todo el amor que la gente me da. Como que no es justo priorizar en mi cabeza ese lugar oscuro que siempre va a seguir existiendo, y si no era yo, iba a ser otra persona, siempre hay alguien ahí”.


Gallardo reconoce que las polémicas que protagonizó y las críticas que recibió la hicieron aislarse durante el proceso creativo de “Anastasia”. “Me fui mucho tiempo, porque necesitaba estar total y completamente concentrada en mi disco, y me alejé de todo el mundo. Borré todas las aplicaciones de mi teléfono y me encerré en el estudio a vomitar todo lo que tenía, a sanar. Estuve sola mucho tiempo afuera y también fue como un purgatorio para mí como artista. Lo mejor que puedo hacer ahora es que mi música hable por mí, y los que quieran conectar con eso volverán a llenar otro Movistar Arena”, dice sobre el concierto que hizo en el recinto hace algunas semanas, al que asistieron más de 10 mil personas.

El Festival del Huaso de Olmué regresa a TVN

 El Mercurio


Luego de dos años sin realizarse y del escaso interés que habían manifestado los canales, la señal pública confirmó ayer que producirá el evento durante los próximos tres años.

Patricia Cerda F.

El Festival del Huaso de Olmué finalmente encontró casa televisiva. Luego de dos años sin poder realizarse producto de la pandemia, pero, principalmente, por el escaso interés que habían mostrado los canales, TVN informó ayer que se adjudicaba el evento por los próximos tres años.


A través de un comunicado, la señal pública comentó su satisfacción por volver a tener en su parrilla un evento “que está tan arraigado a nuestras tradiciones y cultura”. TVN fue el último canal en transmitir el Festival del Huaso de Olmué en 2020, pero decidió no seguir haciéndolo, entre otros factores, por los costos asociados a su producción.


El plan ahora es emitir las ediciones de 2023, 2024 y 2025. “Estamos trabajando para desarrollar un espectáculo de gran nivel y calidad, que ayudará también a revitalizar la industria de la música y donde el público podrá reencontrarse con sus artistas”, afirmó el director ejecutivo de la señal, Alfredo Ramírez.


La noticia de que TVN se había adjudicado el festival que se realiza en El Patagual llega luego que se declarara desierta la segunda licitación que se realizó este año. Tras el concejo municipal de ayer, el alcalde Jorge Jil dijo estar muy contento, porque el evento pueda mantenerse vigente. “Estamos muy contentos por el resultado de un trabajo arduo y comprometido que nos obligó a repensar la forma en cómo se concibe el financiamiento del festival buscando un mecanismo que nos asegure un equilibrio entre los ingresos que genera y los gastos en los cuales se incurre”, sostuvo el edil.


La principal modificación a la que se refiere Jil se realizó en las bases donde antes la recaudación de tres de las cuatro noches del certamen por corte de tickets quedaba para el municipio. Ahora, el ingreso total por ese ítem se dividirá en partes iguales entre la municipalidad y el canal de televisión.


“Nuestro objetivo es que el Festival del Huaso de Olmué mantuviera el prestigio y su posición como el festival folclórico más relevante a nivel nacional. Estoy seguro de que la propuesta realizada por Televisión Nacional persigue estos objetivos”, manifestó el alcalde.


TVN comenzará a trabajar la versión 2023 del certamen en las próximas semanas, ya que, aunque también produce junto a Canal 13 el Festival de Viña del Mar, el de Olmué tiene lugar en enero y es el primer certamen musical televisado del verano.


Sobre nombres para la animación, por supuesto, todavía no hay claridad. Karen Doggenweiler y Álvaro Escobar fueron los últimos conductores de este festival, así es que, al menos por experiencia, ella correría con ventaja. Como alternativa masculina aparece Eduardo Fuentes, el nuevo fichaje de la estación, quien se suma a las opciones.