Este es un blog que tiene como misión recopilar información o noticias sobre música chilena, la Industria musical y la industria cultural de nuestro país aparecida en diversos medios de comunicación. Por lo tanto los textos son propiedad de los medios y de los periodistas que encabezan cada nota.
miércoles, mayo 31, 2023
Disco en homenaje al fallecido músico: Un eco de Guillermo Rifo en los compositores y vibrafonistas chilenos
jueves, mayo 25, 2023
Tina Turner, la reina del rock & roll : Una vida marcada por el éxito y el dolor
El Mercurio
La destacada cantante falleció ayer, dejando un importante legado musical y humano. En sus primeros años de carrera tuvo que sobreponerse al maltrato de su esposo y luego sufrió enfermedades y la muerte de dos hijos.
Raimundo Flores S.
Ayer, un poco antes de las tres de la tarde, sus redes sociales publicaron la información que remeció al mundo de la música. “Con gran tristeza anunciamos el fallecimiento de Tina Turner”, decía el comunicado. En paralelo, su familia confirmaba a la revista Rolling Stone que la cantante había muerto en paz, en su casa en Küsnacht, pequeña ciudad suiza, donde pasó su últimos años, luchando con problemas de salud que arrastraba desde hacía bastante tiempo.
Turner tenía 83 años y había dedicado 50 de ellos a su carrera musical, habiéndola finalizado en 2009 con su última gira de conciertos. Sus 22 álbumes vendieron más de 200 millones de copias y obtuvo ocho Premios Grammy. Y en 2021 fue incluida en el Salón de la Fama del Rock N' Roll. “Simplemente estaba cansada de cantar y de hacer a todo el mundo feliz. No había hecho otra cosa en mi vida”, planteó como explicación a su retiro.
Turner nació bajo el nombre de Anna Mae Bullock, el 26 de noviembre de 1939, en Tennessee (EE.UU.), y desde su adolescencia se crió con su abuela paterna. Cuando salió del colegio empezó a trabajar como asistente de enfermería y frecuentaba un local nocturno en Saint Louis, donde tocaba regularmente la banda Kings of Rhythm, liderada por Ike Turner. Poco tiempo después, el guitarrista la invitó a ser la vocalista del grupo.
Esos fueron los inicios de su carrera, que también estuvieron relacionados con algunos de los episodios más oscuros de su vida. En 1958, bajo el seudónimo de Little Ann, grabó su primera canción junto a Ike, con quien empezó una relación sentimental. En 1960 publican su primer sencillo bajo el nombre de Ike & Tina Turner y al año siguiente estrenaron “It's gonna work out fine”, que les mereció su primera nominación al Grammy.
Con el tiempo, Tina empezó a vivir con cada vez más frecuencia episodios de violencia por parte de Ike, quien era adicto a la cocaína y con quien se casó en 1962. Paralelamente, su carrera como dúo seguía en ascenso. En 1966 el prestigioso Phil Spector produjo su éxito “River deep-Mountain high”, que con los años se convertiría en un clásico. Tres años después, abrirían una gira de los Rolling Stones y ganaron su primer Grammy.
Al mismo tiempo, los problemas del matrimonio aumentaban. Años después, Turner confesó que incluso había intentado suicidarse por la desesperación que le producía la situación. Finalmente, en 1976 la cantante se decidió a dejar a su esposo para lo cual debió traspasarle sus bienes y derechos de autor. Todo coincidía con sus primeras incursiones como solista.
Renacer artístico
Su camino en solitario no fue fácil. Lanzó varios álbumes que pasaron sin pena ni gloria. Pero en 1982 su carrera tuvo un resurgimiento cuando la banda británica Heaven 17 la invitó a grabar “Ball of confusion”. El tema fue un éxito y la llevó a firmar un contrato con Capitol, con el apoyo David Bowie.
“Private dancer”, estrenado en 1984, fue su debut con el sello, donde mostró un sonido más contemporáneo en canciones como “What's love got to do with it”, que ganó cuatro Grammy y llevó a Turner al primer lugar de las listas de popularidad y la posicionó como un ícono que no volvería a perder su espacio en la cultura pop, siendo reconocida además por sus potentes presentaciones en vivo.
En los años siguientes siguió sacando música que fue bien acogida por el público y las premiaciones más importantes de la industria. En 1999 lanzó su último álbum, aunque entre 2008 y 2009 hizo su última gira, con la que celebró 50 años de carrera, con 90 conciertos en Europa y Norteamérica. Nunca visitó Chile, pero en 1988 estuvo cerca de venir para participar en el relanzamiento de una bebida.
Paralelamente, la estela de Turner se fue expandiendo a otros mundos. Su regreso al primer plano musical estuvo acompañado por una de sus incursiones más recordadas en el cine, su papel en “Mad Max: Más allá de la cúpula del trueno”, donde también compuso parte de la exitosa banda sonora.
Asimismo, en 1986 lanzó su autobiografía “Yo, Tina”, donde profundizaba en su tortuosa relación con Ike. El libro fue llevado al cine en 1993, con Angela Basset encarnando a la cantante, lo que le valió una nominación al Oscar. En 2018 publicó otras memorias, y en 2020 fue el turno de un libro donde hablaba sobre su vida espiritual, ligada al budismo.
Además, en 2018 se estrenó en Londres un musical sobre su vida, que luego pasó con éxito por Broadway, donde estuvo por cuatro años. En tanto, en 2021, HBO produjo “Tina”, un documental biográfico acerca de la cantante.
Aunque logró rearmarse después de su difícil matrimonio con Ike, quien falleció por una sobredosis en 2007, su vida personal sufriría otro gran revés en 2018, cuando su hijo mayor, Craig, se quitó la vida a los 59 años. Y en diciembre pasado, otro hecho la dejó devastada, su hijo Ronnie murió de cáncer, a los 62 años.
En 2013, Turner se casó con el ejecutivo discográfico alemán Erwin Bach (16 años menor que ella), con quien llevaba 27 años de relación y quien le donó uno de sus riñones en 2017. Tres semanas después del matrimonio, la cantante tuvo un derrame cerebral y un año antes fue diagnosticada con cáncer intestinal. En sus últimas memorias, admitió que su estado de salud la había hecho pensar en la eutanasia como opción.
Pesar global
“Tenía un enorme talento actuando y cantando. Era inspiradora cercana, divertida y generosa. Me ayudó mucho y nunca la olvidaré”.
Mick Jagger
Vocalista de los Rolling Stones
“El mundo ha perdido a una de las más grandes artistas de todos los tiempos. Estaré siempre agradecido por el tiempo que pasamos juntos en giras, en el estudio y como amigos. Gracias por ser una inspiración”.
Bryan Adams
Cantante canadiense
“Estoy conmocionada y entristecida”.
Diana Ross
Cantante estadounidense
“Tina ha sido un símbolo para todos nosotros en todas sus formas artísticas y humanas. Perdemos lo mejor, una persona extraordinaria. Cia Tina, siempre te estaré agradecido”.
Eros Ramazzotti
Cantante italiano
“Gracias por tanto maestra. Gracias por tu lección de resiliencia, de empoderamiento, de gracia, talento y clase”.
Andrea Tessa
Cantante chilena
“Me siento honrada de haberla conocido y de haber ayudado a mostrársela al mundo... ella nos dio más de lo que podríamos haber pedido”.
Angela Bassett,
actriz que la interpretó en el cine.
“El mundo pierde hoy a una mujer auténtica, poderosa y luchadora. Enseñó a las mujeres a ser fuertes”.
Pedro Sánchez,
Presidente del gobierno español.
“Fue un parámetro en mi vida artística. Fue una mujer inspiradora, con una vida difícil, pero que la supo traspasar a su pasión y emoción en el escenario”.
Denise
Cantante de Aguaturbia
“Por Dios que siento el fallecimiento de esta gran artista y cantante. Es un ejemplo de perseverancia, constancia y de amar lo que hacía. Nos quedamos sin una estrella”.
Cecilia
Cantante chilena
“Tina, una mujer increíble, una cantante genuina, un talento único. Me honra haberla conocido”.
Tom Jones
Cantante británico
Richard Wagner vuelve a brillar en el Municipal para niños
El Mercurio
A partir de este sábado, el escenario de Agustinas pondrá en escena “Sigfrido”, como parte del abono “Pequeño Municipal”. El director Pedro-Pablo Prudencio adelanta que se hizo un esfuerzo y en el foso se instalarán 60 músicos, “para darle todo el esplendor”.
Maureen Lennon Zaninovic
La titánica tarea de adaptar a Richard Wagner a un público infantil partió en 2019, cuando el Municipal de Santiago estrenó “El oro del Rin” —versión que obtuvo el Premio del Círculo de Críticos de Arte de Chile— y que corresponde a la primera entrega de la tetralogía “El anillo del nibelungo”. La serie de cuatro óperas creadas por el compositor nacido en Leipzig siguió con “La Valquiria” —presentada en el teatro de Agustinas en 2022— y a partir de este sábado (17:00 horas), y hasta el domingo 4 de junio, el histórico coliseo pondrá en escena la tercera parte de la famosa tetralogía. En uno de los hitos del abono “Pequeño Municipal” 2023, llegará “Sigfrido” con la Orquesta Filarmónica de Santiago dirigida por su batuta residente Pedro-Pablo Prudencio.
Este último afirma que “las óperas de Wagner, como muchas obras del Romanticismo, hablan de un mundo de fantasía y del más allá. Su saga es muy apta para toda la familia”. Añade que la música, “por lo menos a mí, desde niño, me encantaba. Tiene una cantidad de melodías y temas preciosos. Este compositor fue quien fortaleció el uso del leitmotiv: un tema musical que simboliza una persona, una cosa o un sentimiento”. Prudencio considera que, además, sus partituras son muy cinematográficas, “por eso muchos directores de cine han usado su música”.
El director residente de la Filarmónica de Santiago valora el aporte del fagotista de la Filarmónica Zilvinas Smalys, “que nos permitió reducir este título de más de cuatro horas a aproximadamente una hora, manteniendo lo fundamental. Cortar la música fue muy difícil, porque acá no hay arias o descansos como en otras producciones líricas. Wagner no para. Cada corte me dolió el alma, pero al final quedó algo bien redondo”, expresa.
Pedro-Pablo Prudencio agrega que, a diferencia de los dos títulos anteriores, “acá se hizo un esfuerzo mayor, con una orquesta que estará en el foso y que es mucho más grande (60 músicos) para darle todo el esplendor que requiere Richard Wagner, y así crear efectos impresionantes para el público”.
Fabiola Matte vuelve a tener a cargo la régie de este proyecto de la tetralogía. Dice que en “‘La Valquiria' fue la primera vez que hicimos rotoscopía: imágenes de animación cuadro a cuadro. Esta vez creamos nuestros propios videos en un estudio de grabación y sobre ellos editamos las imágenes y se hicieron los dibujos cuadro a cuadro. Artísticamente ha sido un desafío distinto”, explica.
La profesional revela que en escena se podrá ver un dragón gigante, fabricado por los talleres de escultura y utilería del Municipal, una labor liderada por el jefe del taller Claudio Marín. Junto con ello, “trabajamos la escenografía con un sistema de capas y como la ópera fue pensada para un público familiar, buscamos romper la cuarta pared, es decir, parte del elenco estará en las plateas y palcos”, concluye la régisseur.
Un Batman
El barítono Javier Weibel será el encargado de dar vida a Sigfrido, mientras que el bajo Pedro Alarcón encarnará al dragón Fafner; el tenor e integrante del Ibáñez Atkinson Young Artist Program, Gonzalo Quinchahual, abordará el rol de Mime; el bajo-barítono Jaime Mondaca será El Caminante, y la soprano Paulina González cantará Brunilda, entre otros destacados intérpretes nacionales.
Javier Weibel explica que Sigfrido es un “adolescente que está en búsqueda de su identidad: quién es él y sus padres”. Agrega que su personaje tiene la estructura de un héroe muy clásico, “pero también es muy humano. Es como Batman. Tiene artilugios que son como mágicos y poderosos, pero él no es eterno, ni tiene poderes”.
Gonzalo Quinchahual, quien acaba de pasar a la final del Paris Opera Competition, añade que Mime es “como un villano de Disney. En algún momento reluce un dejo de humanidad, pero casi siempre es falso y lo hace para conseguir lo que quiere. Hay escenas donde es malo, otras donde es mentiroso y embustero. Le miente a Sigfrido y hay lucha de energías, donde lo intenta mantener a raya, pero él ya no es un niño que se puede manejar”, concluye.
miércoles, mayo 24, 2023
Jorge Peña Hen: un músico del pasado y el futuro
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| Jorge Peña Hen dirigiendo a la Orquesta Sinfónica de Niños de La Serena en 1965. La imagen, junto con otras 13, se exhiben en la U. de Chile. CEDIM |
El Mercurio
El domingo, la U. de Chile presenta un concierto con sus obras, mientras que hoy la Orquesta Sinfónica Juvenil inaugura su año con un homenaje.
Iñigo Díaz y Maureen Lennon
Son 14 fotografías de niños de entre 8 y 14 años, con violines, chelos, flautas y trombones, la mayoría de las veces uniformados de blanco, que miran a la cámara o miran a su maestro, Jorge Peña Hen (1928-1973). Son imágenes de 1964 y 1965, cuando la Orquesta Sinfónica de Niños de La Serena vivía sus primeros días.
Con motivo del Día de los Patrimonios, la inédita muestra fotográfica estará en la Sala Isidora Zegers, de la U. de Chile, donde el concierto “Jorge Peña Hen: maestro del futuro” (domingo al mediodía) abordará su obra.
“Peña Hen es un patrimonio del país. Incidió en las herencias culturales y en las construcciones identitarias de los chilenos. Podemos ver ese impacto en muchas instituciones, como la Foji. Cuánto más hubiéramos aprendido de él, de cómo cuidar a los niños y darles una educación en el arte, si no hubiera sido asesinado. Vivió solamente 45 años y su figura aún no ha sido superada”, dice Fernanda Vera, subdirectora del Departamento de Música de la U. de Chile.
Se presentarán cuatro partituras de su faceta como compositor, que se inició a mediados de los años 40. “Si bien fue director de orquesta, gestor de coros y agrupaciones instrumentales y el educador pionero que conocemos, Peña Hen nunca dejó de escribir. Por su música para la película ‘Río abajo' (1950) ganó un Caupolicán”, refiere Vera.
El programa consulta sus tempranas “Sonata” y “Polonesa”, piezas para piano pensadas para su mujer, Nella Camarda, interpretadas por Svetlana Kotova. Además se escucharán “Dos piezas concertantes sobre Corelli”, por la Orquesta de Cuerdas del Departamento de Música, y su “Cuarteto de cuerdas N° 2”, una obra de su madurez.
Homenaje de la Foji
Inspirada en la figura del músico, hoy, a las 20:00 horas en el Teatro CorpArtes (Rosario Norte 660, gratis, inscripción previa en www.corpartes.cl) la Orquesta Sinfónica Nacional Juvenil, bajo la batuta invitada, el músico suizo Nicolás Rauss, tocará un estreno absoluto: “Manará”, de la compositora chilena Florencia Novoa. “La palabra Manará viene de emanar y de surgir”, señala Rauss.
El programa también incluye obras de Olivier Messiaen, Enrique Soro y Franz Liszt, y se repetirá mañana, a las 19:00 horas, en el Centro Cultural Lo Prado.
Escala conflicto en el Ministerio de las Culturas a días de la fiesta del patrimonio
El Mercurio
Hoy habrá una nueva reunión entre autoridades y dirigentes de los funcionarios.
Maureen Lennon y Soledad Ramírez
La suspensión de la cuenta pública del Ministro de las Culturas, Jaime de Aguirre, fue la reacción más clara desde el organismo ante la escalada en el paro indefinido en que están, desde el jueves 18 de mayo, los funcionarios de la Subsecretaría de las Culturas y las Artes, reunidos en las organizaciones Afucap, Anfucultura y Sindicatos de Honorarios de Valparaíso y Santiago.
Hoy está fijada una reunión entre el Ministerio y los dirigentes de los funcionarios, luego de que el miércoles pasado, la autoridad no asistiera a un encuentro programado, lo que llevó a los sindicatos a declarar el paro.
Ayer, en una declaración pública, los dirigentes de la Región Metropolitana de estas asociaciones pidieron la renuncia de la subsecretaria de las Culturas y las Artes, Andrea Gutiérrez, y catalogaron al ministerio como “sin rumbo y conducción”. El diario electrónico El Mostrador replicó este comunicado y la propia autoridad envió una carta al medio en la que aclara los puntos que considera están “alejados de la verdad y los hechos”.
Por su parte, Jonathan Galarce, presidente nacional de Afucap, afirmó a “El Mercurio” que esa declaración de la regional metropolitana no era oficial.
Desde el ministerio, a su vez, no se concedieron entrevistas pero se entregó un comunicado en donde reafirman su disposición al diálogo respetuoso como “la forma para trabajar en conjunto los desafíos que tenemos internamente y de cara a la ciudadanía”.
Día del Patrimonio a firme
Si bien los trabajadores del Servicio Nacional del Patrimonio no han adherido a la huelga, a través de comunicados han dado a conocer su malestar por, a su juicio, promesas no cumplidas.
Isabel Cortés, vicepresidenta nacional de la Asociación Nacional de Trabajadores del Servicio Nacional del Patrimonio Cultural (Anfupatrimonio), comenta que ayer tuvieron una reunión extensa de más de dos horas con Nélida Pozo, directora del Servicio Nacional del Patrimonio, por el tema del encasillamiento.
“Hay funcionarios que no han recibido una mejora económica de acuerdo a sus cargos y eso fue algo que se nos prometió, en 2018, al crearse el Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio. Hoy hay mucha frustración. Los funcionarios se sienten engañados y muy vulnerados en sus derechos”, dijo Cortés.
Añadió que en la reunión se “notó una buena disposición de Nélida Pozo para llegar a un acuerdo: ella nos planteó la figura de una suplencia para dar solución a la nivelación del grado pendiente. Eso tendría un tiempo de seis meses para luego, de manera paralela, poder llegar a un proceso de nivelación completa. Ahora tenemos que entregar esta propuesta en distintas asambleas y ver la opinión de los trabajadores”.
Cortés confirma que “seguimos en estado de alerta, pero no nos iremos a paro el Día de los Patrimonios”.
jueves, mayo 18, 2023
Constance Harvey adelanta su gestión en el Teatro Municipal de Las Condes
El Mercurio
Entre otros hitos, la exdirectora del Teatro Municipal de Temuco confirma que regresará la temporada internacional de la Fundación Beethoven en 2024. Junto con ello, dice, “queremos ser un laboratorio de experiencias artísticas para los artistas chilenos”.
Maureen Lennon Zaninovic
Tras la partida de Arturo Hughes, en 2022, hace unos días se confirmó que Constance Harvey es la nueva directora del Teatro Municipal de Las Condes. La profesional tiene una destacada trayectoria dedicada al mundo cultural. Fue directora del Teatro Municipal de Temuco, seremi de Cultura de la Región de Valparaíso y hasta enero se desempeñó como directora de difusión cultural de la Universidad Técnica Federico Santa María, en Valparaíso.
En conversación con “El Mercurio”, esta licenciada en arte, con mención pintura, cuenta que nació en Santiago, pero a los 10 años se fue a vivir a Temuco con su familia, se casó e hizo carrera de gestora cultural en esa ciudad. Luego, por razones laborales, se radicó en Valparaíso y “ahora vuelvo a la Región Metropolitana para asumir este reto precioso. Este teatro es un espacio muy reconocido. La verdad no descansa, con sus casi 240 funciones al año y una ocupación de butacas (809) prácticamente completa y con muy buenos índices de aprobación de público”, afirma Harvey.
Subgéneros líricos
En Temuco, añade, estuvo a cargo de nueve temporadas y, entre otros hitos, produjo varias óperas (las últimas contaron con régie de Gonzalo Cuadra).
“Sabemos que la actividad cultural está muy centralizada en Santiago y mucha gente no se imaginaba que existía un teatro de tales dimensiones en Temuco, con 1.300 butacas. Fue un desafío enorme llenar esta sala, en una ciudad que tiene 300.000 habitantes”, aclara. Agrega que durante casi una década montaron óperas con talentos locales, donde “desde la selección del título, la confección del vestuario y la escenografía se creó completamente en Temuco. A mí me fascina armar una red de asociatividad, y con esa red empezamos a levantar el nombre del teatro, a ponerlo en cartelera”, apunta.
—¿Hay posibilidad de que regrese el género lírico al Teatro Municipal de Las Condes?
“Más allá de preguntarse si realizaremos ópera o no, y que es algo que a mí me interesa mucho, porque llevo 15 óperas producidas en el cuerpo, creo que es mejor señalar que por mi parte se va a conservar y resguardar todo lo que es la línea de música docta del Municipal de Las Condes. Tenemos alianzas con la Universidad Mayor y con el Centro de Extensión Artística y Cultural (CEAC) de la U. de Chile. Acá han pasado músicos de la talla de Joshua Bell y Helmuth Rilling. Este es un teatro, además, idóneo y muy calificado para la innovación artística y, en ese sentido, podríamos ofrecer un montón de subgéneros vinculados a la ópera: operetas, zarzuelas, musicales, conciertos líricos y un sinfín de muchas otras experiencias”.
Harvey también pone en valor que este escenario, desde sus inicios, ha apostado por la producción de musicales. “Ahora tenemos en cartelera ‘Hit', que ya lleva 15 funciones a tablero vuelto. Ese es un ejemplo de una obra que fue creada en Chile con artistas de acá. Nosotros estamos cambiando el paradigma del teatro como un escenario donde llegan figuras internacionales, a ser un laboratorio de experiencias artísticas para los artistas chilenos. El llamado es a innovar en una suerte de laboratorio de prácticas escénicas, y esto nos permite fortalecer el capital cultural humano que tenemos”, expresa la directora.
—¿Qué va a pasar con la temporada internacional de la Fundación Beethoven?
“Estoy muy abierta a retomar los contactos con antiguos aliados, y además, profundizar los convenios que ya tenemos, entre otros, con la Fundación Teatro a Mil, y que nos permitirá traer en junio a la bailaora Eva Yerbabuena. Con la Fundación Beethoven ya conversé, porque queremos retomar los conciertos de música de cámara de vanguardia”.
—¿Puede confirmar que vuelve la Fundación Beethoven al teatro?
“De todas maneras. Estamos uniendo esfuerzos para que finalmente regrese en 2024”.
viernes, mayo 12, 2023
Las canciones sin música del folclorista Raúl de Ramón
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| El conjunto familiar Los de Ramón, junto a su mujer, María Eugenia Silva, y sus hijos Carlos Alberto y Raúl. Comenzó como un dúo de él y ella en 1956 |
Un centenar de sus letras, que él consideraba textos poéticos, se encuentran en el libro “Arreo en el viento. Cancionero secreto”. Se iba a lanzar en abril de 1984, pero murió sorpresivamente y el título quedó inédito.
IÑIGO DÍAZ
“El artista falleció a las 16:45 horas de ayer, en el Hospital Fach, víctima de un coma diabético. El mal le había hecho perder 35 kilos de peso en los últimos meses. Había sido internado el domingo”, informó “El Mercurio” sobre el fallecimiento de Raúl de Ramón García del Postigo, en abril de 1984. El folclorista colchagüino nacido en 1929 se encontraba a punto de publicar el que sería su libro más preciado y personal.
“Arreo en el viento. Cancionero secreto” ($12.000), una especie de radiografía al trasluz de su amplio trabajo como autor de canciones, se iba a lanzar en la plaza Mulato Gil ese 18 de abril. De Ramón debió ser hospitalizado de urgencia el día 15. El lanzamiento se suspendió, él murió el 19 y el libro quedó guardado por cuarenta años.
“En la prensa de la época también se perdió el contenido del libro, la gran cantidad de letras de sus canciones, porque toda la información de entonces se centró en noticias de su muerte”, dice Gonzalo Muñoz Bravo, de Ediciones Nueve Noventa, editorial con base en Curicó que se ha centrado en trabajos con temáticas regionales y autores locales. Hoy recupera este libro inédito de Raúl de Ramón.
“Él lo definió como un ‘cancionero secreto' porque creía que el público no captaba el mensaje poético en esa obra. Para él estos textos eran poesía más que canciones. Por eso les saca la música y las publica como poemario. No tendría sentido hacerlo si ya estaban las canciones en los LP, pero él necesitaba mostrar su lado literario”, reflexiona Muñoz Bravo.
Norte, centro y sur
El libro reúne 104 de las cerca de 150 canciones que escribió Raúl de Ramón, todas acompañadas por un grabado de su autoría. Están desplegadas en un orden geográfico y divididas en capítulos, junto con ensayos introductorios: Norte Grande, Norte Chico o Zona Central, el territorio donde vivió su niñez, en la casa de Chomedahue, fundo expropiado en 1970, y donde conoció la vida del patrón, pero también la del inquilino, el pequeño agricultor local, los cantores y los puetas. Se nutrió de todo ese universo.
De Ramón localiza la mayor parte de su trabajo autoral aquí: son 79 canciones centrinas, en diversos ritmos y danzas: abundantes tonadas, villancicos, valses, pregones y parabienes, cuecas y zamacuecas, polkas y mazurkas. También estilos que él mismo creó, como el galopito, el arreo o el diálogo. Más al sur en el mismo índice, él se sitúa en Chiloé y allí aparece su canción más conocida: la sirilla “El curanto”, que nació como una humorada y hoy es parte del patrimonio musical chileno.
“Su cancionero es interesante y muy bien documentado. En él se mezclan sus vetas de investigador, creador y difusor, a través de letras poéticas, ingeniosas, con humor y amor. Reflejan el cabal conocimiento que tenía de la geografía humana de Chile, siempre con un halo de nostalgia por un mundo que se fue”, señala el musicólogo Juan Pablo González, quien localiza a De Ramón en un punto central del mapa de la música chilena y el “folclor de masas”.
En 2016, Ediciones Nueve Noventa publicó el poema épico de Raúl de Ramón “Raíces en la bruma” y ahora se mantiene próximo a editar su novela costumbrista “El caballero y sus dragones”, donde se exhibe el ideario del huaso hidalgo a caballo. “Es una especie de autobiografía novelada en el siglo XIX. La idea es publicar su trilogía y dar cuenta de ese lado literario”, cierra Muñoz Bravo.
jueves, mayo 11, 2023
Joshua Redman y Nubya Garcia: Una semana de saxofonistas
El Mercurio
Dos nombres del jazz moderno, formados en dos dinámicas ciudades, pero con influencias dispares, coinciden en Chile con conciertos en la Aldea del Encuentro de La Reina y el Subterráneo de Providencia.
Iñigo Díaz
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| Joshua Redman estuvo en Santiago y Viña del Mar en 2007. Entonces vino como el saxofonista del cuarteto de Aaron Goldberg. Por primera vez actúa como líder de banda. MICHAEL WILSON |
Joshua Redman: “Es música liberadora pero llena de riesgo”
“Nunca pienso en el legado o en la importancia histórica cuando se trata de mi propia música. Solo intento ser lo más creativo, colaborativo y sensible que pueda ser cuando toco”, dice Joshua Redman (1969) desde Nueva York. El saxofonista tenor prefiere desmarcarse de esa posición, aunque por el estatus y la trayectoria, su nombre aparece destacado en la historia reciente del jazz. Sobre todo por la música que impuso en los primeros años 90 junto a un cuarteto que definió el sonido del jazz neoyorquino por entonces.
“Brad Melhdau, Christian McBride y Brian Blade son tres de los mejores músicos de mi generación y creo que de todos los tiempos. Tocamos juntos casi sin parar entre 1993 y 1994. Nos tomó 25 años volver a estar juntos y valió la pena la espera”, dice respecto del disco de la reunión, en plena pandemia, “RoundAgain”.
Pero Joshua Redman se vuelve a desmarcar, ahora de esa misma entidad, para el concierto que dará en Chile el sábado 20 de mayo, en la Aldea del Encuentro, de la comuna de La Reina (Alcalde Fernando Castillo Velasco 9750, entradas: de $31.000 a $53.000). Tras su visita de 2007, el tenorista regresa con un trío pianoless, sin piano, junto a Phillip Norris (contrabajo) y Nazir Ebo (batería). Nunca habían tocado juntos antes de esta visita a Buenos Aires, Montevideo, Sao Paulo y Santiago.
—¿Qué tan complejo es tocar sin un pianista detrás?
“No contar con un instrumento armónico es emocionante y liberador, pero también es muy difícil y lleno de riesgo. Tenemos mucha libertad para movernos dentro de la música y para sobrepasar los roles típicos en la banda: todos tenemos que ser responsables de la melodía, el ritmo, la textura, la narrativa, el color, el contraste y, por supuesto, de la armonía. Hay mucha armonía en un trío sin piano, que se expresa en las líneas melódicas entrelazadas”.
—¿Su banda toma la idea de los viejos tríos de Sonny Rollins?
“Por supuesto. Sonny Rollins es mi héroe. No ha habido mayor influencia para mí como saxofonista e improvisador. Básicamente él escribió el gran libro sobre la interpretación de tríos de saxofón en el jazz moderno: sus discos ‘A night at The Village Vanguard', ‘Way out west', ‘Freedom suite' o las grabaciones piratas de Suecia representan los pináculos en cualquier contexto. Son fuentes inagotables de sabiduría”.
Nubya Garcia: “Me formé en un gran crisol de influencias”
“Todavía estoy aprendiendo español, pero está mejorando paso a paso”, dice la saxofonista Nubya Garcia (1991) desde Londres. En el tránsito de una cultura a otra, su apellido hispano fue cambiando la gramática y así fue que perdió la tilde. “Mi bisabuelo era de Venezuela y se mudó a Trinidad. Mis padres son de Guyana y Trinidad, por lo que siempre se siente bien venir a América Latina. Para mí, que nací y crecí en Londres, necesito saber de dónde vengo”, agrega.
Este martes 16 de mayo, la tenorista, un nombre en ascenso en la escena del jazz contemporáneo británico, se presenta en el Club Subterráneo (Orrego Luco 46, entradas: $36.000 y $40.000). Encabezará un cuarteto para el concierto centrado en el repertorio de “Source”, un álbum que la consolidó en la escena y que remarca esa búsqueda de las raíces: “Se trata sobre mi herencia, mis ancestros. Explorar esos lugares y esas historias de mis padres y abuelos”, dice.
—¿Cómo se refleja la identidad británica en su música?
“Londres es tan diversa que me da un crisol de influencias y muchas músicas. Puedes ir a raves o a conciertos en hermosos salones, como en el Barbican. También puedo escuchar la música que encantaba a mis padres. Crecer como una persona de raíces caribeñas en Londres multiplica la música. Al ir al carnaval de Notting Hill, me inspiré mucho en la cultura sound system (proveniente de Jamaica), por lo que estos elementos multiculturales definieron una identidad londinense para mí”.
—Sus discos son mucho más que jazz.
“Mi música está explorando la improvisación a partir de sonidos de dub, reggae y distintas música de baile, como el garage y la cumbia. Agrego algo de electrónica para conseguir texturas diferentes. Hoy, toda la música está conectada en todo el mundo y significa muchas cosas diferentes para diferentes personas, por lo que a menudo se pueden escuchar referencias y ritmos a través de lo que se ha llamado ‘jazz'”.
—¿Qué tipo de concierto dará aquí?
“Tengo muchas inspiraciones entre los saxofonistas: Sonny Rollins, Dexter Gordon, Joe Henderson, Wayne Shorter. La belleza de la música que toco es que es diferente cada vez con este grupo con teclados, bajo y batería. Quiero ver cómo se vibra allá y, por supuesto, me encantaría ver bailar al público chileno”.
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| Nubya Garcia es parte de una actual escena londinense bullante. Desde 2017, su nombre está muy presente, con apariciones en festivales como el famoso Glastonbury, en Inglaterra. Adama Jalloh |
jueves, mayo 04, 2023
“Tres tristes tigres”: la restitución de una banda sonora para la historia
El Mercurio
La película de Raúl Ruiz, de 1968, contó con una impensada tríada de autores: el compositor Tomás Lefever, el poeta Waldo Rojas y la voz de Ramón Aguilera, quien llegó a ser el “rey de la canción cebolla”.
IÑIGO DÍAZ
Raúl Ruiz quedó deslumbrado el día en que vio cantar al sanantonino Ramón Aguilera, de 28 años, en un boliche de Valparaíso. El joven cineasta, que hasta ahí solo había rodado cortometrajes, supo que la interpretación del cantor de boleros, tan sentida y pura, completaría el rompecabezas de “Tres tristes tigres”, su primer largo.
“Ramón Aguilera no era famoso cuando lo vio Raúl Ruiz, quien se fascinó con su estilo. Fue a convencerlo para que grabara las canciones de la película. Su visión no deja de admirarme porque Ruiz no recurrió a los nombres obvios de la música, sino que eligió a un cantor del mundo popular que define muy bien el espíritu de la película”, dice Marisol García, autora del libro “Llora corazón”, en el que perfila a Ramón Aguilera como ese rey de la canción cebolla.
También escribe uno de los artículos que acompañan la reciente reedición en vinilo del LP del sello RCA Victor que se lanzó el mismo 19 de noviembre de 1968, el día del estreno de la película en Santiago. “Nunca más se reeditó el disco y hoy casi no existen copias circulando. Publicar bandas sonoras de cine era impensado entonces. Nosotros tuvimos que hacer un trabajo de restauración profundo de los masters de la música y la parte gráfica para poner otra vez esas canciones en vinilo”, dice Juan Pablo Bastidas, del sello Monophone Records. Cincuenta y cinco años después se publican 300 copias de “Ramón Aguilera canta la música de Tres tristes tigres” ($19.000. SURDISCOS).
La música se sostiene en una serie de boleros de cantina de distintos autores, junto con “El adiós”, del propio Aguilera. Lo interesante es la conjunción imprevista de los tres nombres que contribuyeron al repertorio. El compositor docto Tomás Lefever escribió la música para los textos del poeta Waldo Rojas, quien estaba interesado en la canción popular. Y con su estilo interpretativo único, Ramón Aguilera completa la figura de esos tres tercios.
“Tres tristes tigres” es la adaptación de la obra de teatro de Alejandro Sieveking. Muestra una ciudad oculta, con seres deambulantes y errabundos, “oficinistas de vida rutinaria que se dedican a dar vueltas por el Santiago nocturno y se mezclan con la bohemia”, dice Bastidas. “Es el retrato de ese Chile doliente y desajustado económicamente al que Ramón Aguilera le canta de igual a igual: no como un ídolo, sino como parte de ese mundo”, agrega García.
Con “Ramón Aguilera canta…”, Monophone Records suma su cuarta reedición de música chilena de estatus patrimonial. Ya aparecieron vinilos de “Cosecha tropical” (1972), de Giolito y su Combo; “Tolín tolín tolán” (1972), de Charo Cofré, y el LP colectivo “El jazz en Chile” (1962). En carpeta figuran proyectos para antiguas grabaciones de Santiago del Nuevo Extremo y del fantástico grupo femenino Frecuencia Mod.
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| Ramón Aguilera y el conjunto Los Playeros. Su interpretación se impuso en las canciones del disco “Ramón Aguilera canta la música de Tres tristes tigres”. ZIG ZAG / EL MERCURIO |
David Dahma asume en el Teatro Municipal de Viña del Mar
El Mercurio
El Mercurio de Valparaíso anunció ayer que David Dahma es el nuevo coordinador del Teatro Municipal de Viña del Mar. El profesional estuvo vinculado durante casi medio siglo a la Universidad Técnica Federico Santa María: fue director de difusión cultural y de la radio de este plantel, cargos que ejerció hasta fines de 2021 (el año pasado lo sucedió Constance Harvey, quien ayer fue confirmada como nueva directora del Teatro Municipal de Las Condes). Aunque se presume que debiera volver a funcionar en septiembre u octubre, aún no hay fecha de reapertura para el Teatro Municipal de Viña del Mar. El edificio ha estado cerrado desde el terremoto de 2010, en el marco de un largo proceso de restauración.
miércoles, mayo 03, 2023
U. Católica acoge documentos privados de Sergio Larraín
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| Tarjeta postal con una de las imágenes de Sergio Larraín. Fondo Sergio Larraín Echenique/UC |
El Mercurio
El plantel recibió una valiosa donación de los dos hijos del célebre fotógrafo chileno, que incluye pinturas, correspondencia y objetos. A futuro espera complementarse con el legado de sus fotografías.
MAUREEN LENNON ZANINOVIC
A un costado del féretro colocaron una cartulina que decía: “Don Sergio, el pueblo de Tulahuén se siente orgulloso de haberte acogido en sus faldas y agradece tu legado”. Así describió “El Mercurio” la partida del gran fotógrafo Sergio Larraín Echenique (1931-2012). Tras algunos años de residencia en Londres y París, este hijo del arquitecto Sergio Larraín García-Moreno fue contratado por la célebre agencia Magnum fundada por el famoso Henri Cartier-Bresson. “Life” y “Paris Match” fueron algunos de los medios que publicaron sus imágenes.
“Hace unos años di una conferencia en el Centro de Estudios Públicos (CEP) y se me acercó alguien de su familia y me pidió que le ayudara con los temas vinculados a la propiedad intelectual del trabajo de Larraín. Le señalé que encantado, porque me gustaba mucho su fotografía”, rememora el abogado Maximiliano Santa Cruz, socio del Estudio Santa Cruz IP. Agrega que junto a Verónica Besnier, la curadora de la importante retrospectiva sobre el fotógrafo que se realizó, en 2014, en el Museo Nacional de Bellas Artes, y a instancias de la familia, emprendió una labor que fue mutando desde una fundación al levantamiento de un archivo de investigación, y “había que elegir una institución seria que pudiera alojar este acervo y decidimos escoger a la Universidad Católica. Nos gustó lo que ha hecho este plantel con otras colecciones y así que con Verónica nos juntamos con el rector Ignacio Sánchez, quien accedió encantado”, cuenta Santa Cruz.
Hace unos días, Gregoria Larraín Truel y Juan José Larraín, hijos del fotógrafo, firmaron un acuerdo de donación con este plantel de educación superior. Ignacio Sánchez señala que la entrega “de la obra visual, escritos, documentos y artículos personales de Sergio Larraín es de tremenda relevancia para la universidad y para el país”. El rector agrega que en relación con su fotografía están muy avanzados en lograr “un acuerdo con la agencia Magnum para poder acceder a su obra con fines investigativos”.
Verónica Besnier añade que ella es el nexo entre esta universidad y Agnès Sire, quien fue “durante muchos años directora artística de la Fundación Cartier-Bresson y de la agencia Magnum. Ella nunca lo conoció, pero durante mucho tiempo mantuvo una larga correspondencia con Larraín. Estaba enamorada de sus imágenes. Gracias a su trabajo, sacó de los cajones de la Magnum estas fotos maravillosas”. Besnier expresa que el sueño de Agnès Sire es que se concrete un centro de investigación, “sin vulgarizar su obra. Ella quiere que Sergio siga siendo un ser misterioso”.
Gregoria Larraín Truel expresa que con gran emoción entregan el acervo de este artista chileno de fama mundial. “Así, las futuras generaciones conocerán sus aspectos más íntimos, podrán compartir su mensaje de paz, apreciar su lado humano y se encontrarán con facetas desconocidas. Este material será guardado por la Pontificia Universidad Católica de Chile, con todas las condiciones óptimas de conservación”. Complementa Juan José Larraín que, como familia, “donar a este plantel ha sido una experiencia fantástica, porque se abren interesantes posibilidades de investigación y nuevas perspectivas de análisis de la obra de mi padre”.
Obra pictórica
Instalado en una de las salas de la que fue la residencia de Sergio Larraín García-Moreno y que hoy forma parte del Campus Lo Contador, el arquitecto Emilio De la Cerda, director del Núcleo de Colección de UC, explica que la donación contempla 79 cuadros (óleos y acrílicos), dibujos, su biblioteca personal, textos de su autoría, como “Kinder Planetario” y “Satori”, libros de fotografías autografiados, 10 volúmenes empastados de correspondencias con distintas autoridades y fotógrafos, como Cartier-Bresson, y valiosos objetos, como su máquina de escribir y su ampliadora de fotos.
De la Cerda añade que si bien su obra fotográfica ha tenido un impacto indiscutido, hacia fines de los 70 y comienzos de la década del 80, “Sergio tomó otro derrotero. Se retiró al norte de Chile y desde ahí empieza a desarrollar otras búsquedas artísticas y espirituales. Participa del Grupo Arica y durante ese tiempo siguió trabajando con el mismo nivel de intensidad y rigor con otros soportes. En esos 40 años más desconocidos de su trabajo, se enfocó fuertemente en la pintura y la escritura”.
Método Couve
“Estamos hablando de una pintura realista en la corriente de la escuela de Adolfo Couve. Sergio Larraín Echenique era amigo de este último artista y de hecho dentro de la donación hay un escrito que se llama ‘El método Adolfo Couve de pintura', donde sistematizó ese método y con él enseñaba a sus alumnos. Pocos saben que fue profesor de pintura en localidades cercanas a Ovalle y regalaba sus obras. Hay mucho por descubrir, porque hay numerosa pintura dando vuelta”, explica De la Cerda. Agrega que la “pintura es una faceta inédita de su legado. Lo que recibimos son verdaderas joyas”.
Emilio De la Cerda dice que los cuadros, en general, no están firmados y los que sí lo están llevan las siglas AD, “que significan Alabando a Dios. A través de su obra tardía buscó un desprendimiento del ego y una forma de captar ese instante. Hay que entender su pintura como un ejercicio espiritual”, apunta.
El arquitecto concluye que con esta donación su famosa obra fotográfica “se amplía y se complejiza, al establecer vasos comunicantes con su pintura y sus escritos”, cierra.
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| Las pinturas de Sergio Larraín Echenique siguen el método de Adolfo Couve. El fotógrafo también impartió clases de arte en las cercanías de Ovalle. Fondo Sergio Larraín Echenique/UC |
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| Trabajo manuscrito del fotógrafo chileno y que forma parte de la donación. Fondo S. Larraín Echenique/UC |
Filippo Gorini: Un ascendente pianista italiano debuta en el Teatro Municipal de Santiago
El Mercurio
El instrumentista abordará este sábado 6 y el martes 9 de mayo el concierto “El Emperador”, de Beethoven.
Maureen Lennon Zaninovic
Hace unos meses Roberto Rizzi Brignoli, director titular de la Orquesta Filarmónica de Santiago, comentaba sobre la posibilidad del regreso al teatro de Agustinas del recordado ciclo Grandes Pianistas. El conductor señaló a “Artes y Letras” que existen conversaciones con Carmen Gloria Larenas, directora general del Municipal de Santiago, para retomar el abono. Como parte de ese interés por el instrumento, el sábado 6 y martes 9 de mayo dirigirá al pianista italiano Filippo Gorini (27 años) en el Concierto N° 5, “El Emperador”, de Beethoven. El programa para ambas fechas también suma el “Notturno N° 1, Op. 70, de Martucci, y la Sinfonía N° 2, de Rachmaninov.
A juicio de Rizzi Brignoli, estamos ante un músico “que ya cuenta con una carrera internacional fantástica, con varios premios: ganó varios concursos y el premio de la crítica internacional que tenemos en Italia”. El conductor complementa que “es un talento extraordinario y con él queremos dar una señal de que el piano tiene que regresar a nuestro teatro”.
A través de un contacto por zoom, desde su residencia en Milán, Filippo Gorini revela que está muy ilusionado con este debut en el Municipal de Santiago y, sobre todo, “porque es mi primera vez en Sudamérica”.
Agrega que no conoce en persona al director titular de la Filarmónica. “Presumo que él vio alguna grabación de mis recitales y como le gustó mi presentación, me pidió un concierto en Santiago y otro en Mannheim (Alemania)”. Gorini explica que tocó justamente el concierto “El Emperador” para la final del Concurso de Piano Telekom-Beethoven, en Bonn. “Fue un gran momento porque me permitió ser muy conocido, fundamentalmente en Europa y, sin duda, contribuyó a que pudiera venir a Chile”, afirma.
Tensión entre el piano y los músicos
Sobre esta pieza beethoveniana, el intérprete italiano comenta que es uno de sus conciertos favoritos y que fue el último que compuso Beethoven. “Tiene muchos desafíos. Uno se puede quedar en el aspecto técnico, pero dejando de lado el entusiasmo y la energía que están muy presentes en la partitura. Uno puede abordarlo de forma virtuosa, pero sin sentido. La relación con la orquesta si bien tiene que ser fluida, también tiene que dar la sensación de un ataque. Hay mucha tensión entre el piano y los músicos”, advierte. Filippo Gorini considera que el gran reto es poder ejecutar esta obra con frescura y vida, pero “también con un fuerte mensaje de libertad y esperanza”.
El pianista italiano señala que el nombre “Emperador” no es de su agrado, “porque da la impresión de que estamos ante una música que habla de poder y de control, ya que alude a la invasión de las tropas napoleónicas en Viena. Creo que es una pieza que fue concebida desde otro espíritu. Es uno de sus conciertos más psicológicos y donde Beethoven muestra que ya no es más un joven. Es un hombre maduro”, apunta el pianista, quien en 2017 grabó “Variaciones Diabelli” del llamado “genio de Bonn” y por este disco fue reconocido con un Diapason D'or, por la prestigiosa revista francesa de música clásica Diapason.
Más información en www.municipal.cl
Vicente Atria y el mejor álbum debut: Baterista y compositor chileno gana el prestigioso Deutscher Jazzpreis
El Mercurio
Desconocido en el medio local debido a su historia musical en Nueva York, Vicente Atria (30) recibió este fin de semana en Bremen el Deutscher Jazzpreis (Premio Alemán de Jazz), de manos de la ministra de Cultura, Claudia Roth. El músico, baterista de jazz, compositor e improvisador, se impuso en la categoría Mejor Álbum Debut Internacional, por su disco experimental “Orlando furioso”. Atria pilotea proyectos de jazz y música contemporánea en Nueva York y también dúos y tríos de electrónica e improvisación en su paso por Chile.
Valentín Trujillo cumplió 90 años
El Mercurio
El destacado pianista nacional cumplió ayer nueve décadas de vida. Como una celebración adelantada fue la presentación que hizo el domingo último en el Teatro Nescafé de las Artes, donde estuvo acompañado en el escenario por cuatro de sus nietos. Ayer recibió muchos saludos por redes sociales, entre ellos de Andrea Tessa y de la SCD. Mario Kreutzberger, Don Francisco, le grabó un video en que le señala: “Usted ha sido para mí una gran inspiración. Le ha puesto música a mis palabras y a mi alma”. Además, le agradeció y destacó su aporte a la música chilena y a su carrera.
Luis Miguel dará tres conciertos en el Movistar Arena
viernes, abril 28, 2023
Concierto inaugural a dos teclados y cuatro manos: El piano “mutante” de 130 años que regresa al Museo del Sonido, en Santiago
| Los pianistas Svetlana Kotova y Danor Quinteros reinauguraron el piano Pleyel doble con un concierto ayer tras una larga restauración. MUSEO DEL SONIDO |
El Mercurio
Adquirido en Francia por Eusebio Lillo, estuvo por más de dos décadas en la casa familiar que hoy alberga al museo. Tras una rigurosa restauración, la reliquia retornó a ese mismo salón como parte de la exhibición.
IÑIGO DÍAZ
Con forma de mesa rectangular revestida en madera de jacarandá y palisandro, donde las dos colas se funden en el teclado opuesto, el piano Pleyel doble no solo es un peculiar ensayo de lutería, sino una reliquia de 130 años. Esta fábrica francesa construyó 70 ejemplares de pianos dobles, de los cuales hay 12 identificados alrededor del mundo y solo seis que se encuentran en condiciones de ser tocados.
El séptimo está en Chile y tuvo su reestreno en un concierto efectuado ayer en el Museo del Sonido por los pianistas Svetlana Kotova y Danor Quinteros, uno a cada lado. Desde hoy el público puede conocerlo en Huérfanos 2919.
“El piano doble pasará a formar parte de la exhibición permanente, acompañando la colección de gramófonos y fonógrafos de 100 años, al igual que la casa que es nuestra sede en el barrio Yungay. Además, el piano seguirá siendo utilizado para próximos conciertos”, señala Sofía Forttes, directora del museo educativo que recorre la historia del sonido y la reproducción musical, junto con una aproximación a ese sonido desde distintos ángulos, no solo la música.
La descripción del piano es llamativa, pero la historia que lo rodea supera todo ello. Fue adquirido en Francia en la década de 1890 nada menos que por el poeta y político Eusebio Lillo, por encargo de Rafael Cumplido, su amigo y vecino. Tras una exhibición en la Feria Universal de Bruselas de 1897, dada la innovación de los dos teclados, llegó por fin a Chile en 1903.
“El dueño actual del piano Pleyel doble es Benjamín Olivares Pemjeam, tataranieto de Rafael Cumplido, de modo que lo heredó. Lo curioso es que, en algún momento de los años 60, el piano llegó a la casa de Huérfanos 2919, donde vivía su familia y que es la misma del Museo del Sonido actual”, cuenta Felipe Copaja, quien gestionó la restauración del piano y el traslado al museo desde Valdivia, donde se encontraba desde 1987. “El piano regresa a su casa”, complementa Forttes.
La restauración estuvo a cargo del lutier Nikola Mrkša y tomó 27 meses, debido a su estado de deterioro por acción del tiempo y de la humedad valdiviana. Había sido expuesto sin demasiada figuración en el Museo Histórico y Antropológico Maurice van de Maele, muy cerca del río. Ese proyecto contó con el apoyo de Fundación Mariana Prendez, que gestiona el Museo del Sonido, y Gtd. Se repararon, restauraron y reemplazaron más de 18 mil piezas que lo conforman.
“Quedó al mismo nivel de cuando fue construido en Francia”, dice Copaja. Los pianistas convocados a su inauguración 130 años después interpretaron piezas para doble teclado de Ignaz Pleyel y Enrique Soro, además de obras de Mozart, Rachmaninoff y Dvorak. “En su época, un piano equivalía a la radio, el equipo estéreo o la televisión, un aparato para la entretención en la casa familiar. Pero pocos podían tener un piano, dados sus costos. Tener dos era más costoso. Por eso apareció el piano doble, que fue un experimento que finalmente no prosperó”, cierra Copaja.
Gustavo Miranda desplegó su virtuosismo en la Viña Santa Rita
El Mercurio
El pianista, becado estrella de la Corporación Amigos del Municipal de Santiago, se presentó gracias a la Fundación Claro Vial, en la capilla de la viña. Compartió con estudiantes de la zona y con melómanos.
Maureen Lennon Zaninovic
Construida en 1885, en Alto Jahuel, la hermosa capilla de la Viña Santa Rita acoge todos los años el ciclo de Conciertos de Estaciones, desarrollado por la Fundación Claro Vial en conjunto con la viña, en un proyecto acogido a la Ley de Donaciones Culturales. La iniciativa contempla dos presentaciones, una para público general y un concierto de extensión en formato educativo al que asisten alumnos de las escuelas de comunas cercanas al lugar.
Ayer fue el pianista chileno Gustavo Miranda (1991) quien abrió el ciclo 2023. A las 11:00 horas, el becado estrella de la Corporación Amigos del Municipal ofreció un emotivo concierto para estudiantes de la zona que incluyó, entre otras, “Barcarola Op. 60”, de Frédéric Chopin, y el N°1 en Do de Mayor de los “Seis momentos musicales”, de Schubert.
La capilla estaba atiborrada de entusiastas alumnos y un grupo de ellos, al finalizar la presentación, le hizo preguntas al pianista de Puente Alto. Incluso uno de ellos, Michael Pirela (12), estudiante del Liceo Poetisa Gabriela Mistral, se animó a tocar “Para Elisa”, de Beethoven, consiguiendo la aprobación del propio Miranda y cálidos aplausos de los asistentes.
Patrimonio y música
Otro de los que estuvo en el concierto educativo fue Umberto Bonomo, director del Centro de Patrimonio UC, quien dijo que le “pareció una atmósfera maravillosa que se crea en esta iglesia, la música, el patrimonio y la juventud”.
A las 19:00 horas, Gustavo Miranda ofreció otro recital para invitados, con algunas modificaciones al programa de la mañana, con piezas como el “Intermezzo Op. 119” y el “Scherzo Op. 4”, de Brahms.
“Para mí es muy valioso que gente que nunca ha escuchado en vivo el sonido del piano, lo pueda hacer y ojalá sirva de inspiración”, comenta Miranda a “El Mercurio”. Agrega que se siente muy cómodo con el programa que ofreció y destaca la obra de Franz Schubert, quien “tuvo una vida muy corta, pero alcanzó a dejar creaciones muy interesantes. La Sonata D537 la compuso a los 20 años y es una pieza donde el piano parece un instrumento vocal. Es una obra de atmósferas”, concluye Gustavo Miranda.
jueves, abril 27, 2023
Yaritza Véliz: “Esto es un sueño”
| Yaritza Véliz, como Mimí, junto al tenor coreano Sehoon Moon en el último Festival de Glyndebourne (Gran Bretaña), en una producción de “La Bohème”, de Puccini. Tristam Kenton |
El Mercurio
La destacada soprano coquimbana protagonizará “La Bohème” en la temporada 2023-24 del Royal Opera House, en Londres.
Maureen Lennon Zaninovic
El año pasado Yaritza Véliz (30) debutó en el prestigioso Festival de Glyndebourne (Gran Bretaña) como Mimí en la ópera “La Bohème”, de Puccini. Tras su estreno, la becada estrella de la Corporación Amigos del Teatro Municipal de Santiago y de la Fundación Ibáñez Atkinson recibió críticas sobresalientes.
Su elogiada Mimí ahora se podrá ver en vivo y en directo en el Royal Opera House de Londres (ROH). Ayer este coliseo, uno de los más prestigiosos a nivel mundial, anunció su temporada 2023-2024 y dio a conocer que Véliz protagonizará este título a partir del 29 de enero del próximo año y con funciones confirmadas para el 2, 8, 10 y 16 de febrero. Estará en escena junto al tenor italiano Leonardo Caimi (Rodolfo), en una producción del director inglés Richard Jones. Son tres elencos que también incluyen a las sopranos Ruzan Mantashyan y Angela Gheorghiu. La intérprete coquimbana sería la segunda cantante chilena, después de Cristina Gallardo-Domâs, que dará vida a esta obra pucciniana en Londres.
“Estoy muy contenta de volver al Royal Opera House y tener mi primer papel principal. Es un sueño. No pensé que este sueño se convertiría en realidad tan pronto. Mimí es un rol que me va a acompañar por muchos años”, adelanta la soprano a “El Mercurio”. Añade que está feliz de regresar “a mi segundo hogar artístico, después del Municipal de Santiago. En Londres crecí mucho como cantante, gracias a que integré el Jette Parker Young Artists Programme (JPYAP). En ese programa, mi último papel en el Covent Garden fue en 2021, en ‘Jenufa', de Janácek, y ahora, volver con este gran desafío es un orgullo”, expresa. Yaritza Véliz considera que, sin duda, las muy buenas críticas que recibió por su debut en Glyndebourne contribuyeron a que le pidieran abordar el papel de Mimí en este prestigioso teatro londinense. “A los operáticos les gustó mucho mi interpretación y, además, gracias a ese festival tuve el honor de ser nominada a los premios Opera Awards”, cierra la soprano.
Humildad y actitud
Carmen Gloria Larenas, directora general del Municipal de Santiago, señala que siente un tremendo orgullo como chilena de ver a una artista como Yaritza llegando a los principales escenarios del mundo. “Su perfecta mezcla entre humildad, inteligencia y actitud, unido a su talento, explican la auspiciosa carrera que ya desarrolla. Pudimos ver todo eso en su Violeta del año pasado en ‘La Traviata' en el Teatro Municipal”, dice Larenas.
Andrés Rodríguez Spoerer, gerente del área de música de la Fundación Ibáñez Atkinson, complementa que estamos ante un tremendo triunfo. “Es gratificante cómo logró cerrar el círculo de manera virtuosa, iniciado en el JPYAP y hoy como artista principal del ROH. Esfuerzo e ímpetu llevan a que se alineen las cosas y en 2024 Yaritza Véliz compartirá cast con Angela Gheorghiu, mientras que otra chilena, Isabela Díaz, pronta a ingresar al Jette Parker, será cover de ambas cantantes en esta producción. Emocionante”, concluye Rodríguez Spoerer.
Sello Alerce y Fundación Violeta Parra presentan ciclo en vivo dedicado al Canto Popular de Chile
El primer concierto del ciclo dedicado al Canto Popular se realizará este 28 de abril, de manera gratuita, en la Universidad Católica Silva Henríquez.
El Canto Popular es historia y memoria que acompaña día a día a quienes habitamos este territorio. Alerce, sello discográfico de rico patrimonio musical chileno, ha asumido la labor de relevar y recopilar una muestra viva de lo que es este género en una serie de proyectos, los que inició durante el 2022. Así fue como nació, por ejemplo, el tríptico Canto Popular, disco que compila 48 canciones de diversos cantores y cantoras nacionales.
Ciclo Sello Alerce y Fundación Violeta Parra
Continuando con esta línea, sello Alerce y la Fundación Violeta Parra se han unido para realizar durante este año 10 conciertos que tendrán como protagonistas a 20 cantores y cantoras en diferentes escenarios de Santiago, Valparaíso y Lanco.
La primera cita de este ciclo de Canto Popular será este 28 de abril en el Aula Magna de la Universidad Católica Silva Henríquez, quienes se han sumado a la iniciativa de acercar el Canto Popular a nuevas audiencias. La universidad está ubicada en General Jofré 482, Santiago, y su Aula Magna se abrirá a la presencia de Camila Vaccaro y Eduardo Peralta, quienes con acordeón, guitarra y aguda líricas invitarán a un momento de música, trova y también vanguardia.
“Estamos muy contentos con este convenio que nos permite llevar el Canto Popular a distintos territorios. Estamos agradecidos de la Fundación Violeta Parra y la Universidad Católica Silva Henríquez y esperamos que esta actividad se pueda extender a otras provincias, pues el Canto Popular está en cada rincón del país”, comenta Viviana Larrea, directora de Sello Alerce.
El ingreso al evento del día 28 de abril es gratuito
Ana Belén es una de las invitadas del nuevo disco de Inti Illimani: fue grabado entre Chile e Italia
Bio Bio
La cantante española Ana Belén fue una de las colaboradoras de la grabación de “Ojos”, primer sencillo del nuevo álbum de la veterana banda chilena Inti Illimani.
Según informó el grupo, el disco se publicará este viernes bajo el título de “Agua”, con motivo del aniversario 50 del golpe de Estado de Augusto Pinochet.
El nuevo trabajo es resultado de una colaboración con el cantautor italiano Giulio Wilson, y fue grabado entre Florencia y Santiago de Chile.
Como parte de su gira de promoción, está previsto que Inti Illimani actúe en varias ciudades europeas, comenzando por Bruselas el 10 de mayo, Turín (día 17) y Milán (19).
España acogerá dos de sus conciertos: el 28 de mayo en Madrid y el 30 en Barcelona, en una gira que terminará el 6 de junio en Helsinki.
Fundada en 1967, el nombre de la banda se compone de la palabra de la lengua quechua “Inti”, que significa “sol”, y del aymara “Illimani”, que es una montaña de las proximidades de La Paz, capital de Bolivia.
El grupo obtuvo gran éxito como parte del movimiento de la Nueva Canción Chilena, que se desarrolló especialmente hasta comienzos de los años 70, cuando se vieron obligados a exiliarse a Italia.
Bruce Springsteen y los británicos Sting o Peter Gabriel, entre muchos otros, destacan en su lista de colaboradores.
Primavera Sound 2023 descarta a Chile y suma a Colombia y Paraguay: versión española será transmitida
El festival catalán Primavera Sound regresará este año a Sudamérica, pero no a Chile. "Hace tiempo que queríamos crear un evento en Colombia, ya que es uno de los puntos vitales del circuito de la música en directo en Latinoamérica", señaló el director del evento.
Hoy se confirmó lo que ya era una realidad en la industria local de espectáculos: el festival español Primavera Sound celebrará en 2023 su segunda versión en Sudamérica, pero esta vez no en Chile.
Hoy fue ratificada Bogotá como una nueva sede del evento catalán, que se celebrará los próximos 9 y 10 de diciembre en Colombia; el 25 y 26 de noviembre en Buenos Aires; el 2 y 3 de diciembre en Sao Paulo; y el 7 del mismo mes en Asunción, Paraguay.
“Hace tiempo que queríamos crear un evento en Colombia, ya que es uno de los puntos vitales del circuito de la música en directo en Latinoamérica”, aseguró el director del Primavera Sound, Alfonso Lanza, en un comunicado en el que reiteró sus deseos de “aprender de la escena musical colombiana”.
La elección del Parque Metropolitano Simón Bolívar como “pulmón verde de la ciudad” y futuro escenario del festival, según el productor, se debe a los principios del evento en materia de “sostenibilidad, compromiso social” e “integración urbanística natural y respetuosa”.
Bajo el lema “reflect what you are, aquí y allá, a un lado y a otro del Atlántico”, el festival oriundo de Barcelona que ya registra 20 años de historia promete un cuantioso cartel de artistas. El año pasado, Björk, Arctic Monkeys y Travis Scott encabezaron la cita musical.
¿Cómo ver Primavera Sound Barclona/Madrid desde Chile?
Este año, a modo de consuelo para sus usuarios chilenos, Amazon Music anunció que retransmitirá en directo y en exclusiva las actuaciones de las ediciones de Primavera Sound 2023 desde Barcelona y Madrid.
“Los fans de todo el mundo podrán disfrutar de una amplia variedad de presentaciones de algunos de los nombres más importantes de la música, así como de entrevistas y contenidos Behind The Scenes, en directo desde el Parc del Forum (Barcelona) del 1 al 3 de junio, y desde la Ciudad del Rock (Arganda del Rey – Madrid) del 8 al 10 de junio”, señalan.
Se trata de la primera transmisión vía streaming de un festival con duración de un fin de semana a través de Amazon Music en Europa. La firma, ya había cubierto el Festival Dreamville desde Raleigh (Carolina del Norte) y retransmitirá en directo el Stagecoach Festival desde Indio (California) este fin de semana (del 28 al 30 de abril).
La retransmisión gratuita en directo estará disponible en el canal de Twitch de Amazon Music en ambos festivales a partir de las 19.30 horas CET, cada día.
“Durante el primer fin de semana, en directo desde Barcelona, los espectadores tendrán la oportunidad de elegir entre dos canales. Además, los comentarios estarán disponibles en inglés, con subtítulos en español, en ambos canales de Twitch. Todo el contenido emitido desde Primavera Sound se podrá ver de forma gratuita en Twitch y Prime Video”, agregan.
“Durante el segundo fin de semana, en directo desde Madrid, los fans de la música tendrán la oportunidad de sintonizar aún más contenido Behind The Scenes, entrevistas y actuaciones seleccionadas en el canal de Twitch de Amazon Music. El festival se emitirá en directo y en español, con subtítulos en inglés.
miércoles, abril 26, 2023
Murió Harry Belafonte, un icónico actor, cantante y activista
El Mercurio
A los 96 años falleció la recordada figura estadounidense de ascendencia jamaicana que en los años 50 se convirtió en un fenómeno de la música del género calypso y cuyos principales éxitos fueron “The Banana Boat Song (Day-O)” y “Jump in the Line”. También fue un popular actor en películas como “Carmen Jones” (1954) y “Island in the sun” (1957). Su última actuación fue en “El infiltrado del KKKlan”, de 2018. Sin embargo, su mayor legado es como figura clave en la lucha por los derechos civiles de las personas de color en EE.UU. durante los años 60 (fue amigo cercano de Martin Luther King Jr.) y también para acabar con el apartheid en Sudáfrica. En su extensa carrera, Belafonte ganó tres premios Grammy, un Emmy, un Tony y, en 2014 recibió un Oscar honorífico por su labor humanitaria.
Tardes de música electroacústica para escuchar y “ver”
El Mercurio
De la audición a ciegas que representa la acusmática hasta las obras con solistas en el escenario, la electroacústica consolida una nueva variante de apreciación al incluir la imagen en pantallas. Hoy comienzan las tres jornadas del festival de la U. Católica.
IÑIGO DÍAZ
“Yo no planteo el relato visual en esta composición al punto de que la música se convierta nada más que la banda sonora de una película. Aquí tanto el sonido como la imagen están a un mismo nivel, se relacionan y reaccionan”, dice el compositor Andrés Ferrari, uno de los nombres que estarán en el Festival de Música Electroacústica UC, con conciertos entre hoy y el viernes.
Su obra se titula “Optikalis-04” y es un ejemplo nítido de lo que se denomina “música visual”, o música audiovisual, pues además del sonido en paralelo se despliega una imagen en pantalla. Es una tendencia en la composición actual que llega desde Europa, por ejemplo desde el festival EviMus en Alemania. “La música visual comparte los mismos espacios con la acusmática (música generada a partir de dispositivos electrónicos) y la electroacústica mixta (música que incluye a intérpretes en escena)”, refiere Antonio Carvallo, coordinador de la cita.
A lo largo de 20 minutos en “Optikalis-04” se observan formas, luces, volúmenes en movimiento, bloques, esferas y ovoides, además del silencio, representado en pantallas que se van a negro. “La obra muestra cosas que han ocurrido en el país y que me han ocurrido a mí. Se pueden apreciar las curvas de lo visual junto con las curvas de lo sonoro. Es un todo”, explica Ferrari.
En cada una de las tres jornadas se podrán escuchar y “ver” piezas electroacústicas, como “El trino de Ate”, para violín, electrónica y video, del también chileno Cristian Morales Ossio. Desde Europa llegan las obras visuales “Codex”, de la italiana Daria Baiocchi; Coalescence”, del portugués João Pedro Oliveira, y “Milk spilt on a stone”, de la española Helga Arias. También figura “In nature alone are forms”, de la argentina Ana María Rodríguez, donde se puede ver a la chelista Cosima Gerhardt accionando todo tipo de sonidos que no corresponden al instrumento a través de movimientos de tai chi.
“Diría que el elemento visual de la electroacústica en las obras del festival están en sintonía con lo que apuntaba el compositor y teórico francés Michel Chion, acerca de que la visualidad se enlaza con la música al punto de que ambas tienen el mismo valor, pero ninguna se entendería por sí sola”, dice Carvallo.
Los 21 conciertos del encuentro se realizarán en el Auditorio del Centro de Extensión Oriente (19:00 horas, Jaime Guzmán 3300, gratis), con cuatro estrenos absolutos y diez estrenos para Chile.
Desde luego, la acusmática pura y dura, vale decir la música cuya emisión “no nos permite identificar cuál es la fuente del mundo real de donde proviene el sonido”, en palabras de Carvallo, sigue siendo el alma de la electroacústica. Entre esas obras destacan “My own Kwai”, de Alejandro Albornoz, y “Hiss & crackle”, de José Miguel Candela, dedicada a ese compositor punta de lanza en la electroacústica chilena que es Gabriel Brncic. Programa e inscripciones en Musica.uc.cl.
60 autores chilenos llegan a Feria de Buenos Aires
El Mercurio
Santiago es la ciudad invitada a la fiesta literaria que se extenderá hasta el 15 de mayo. Chile llevará escritores, conciertos y exposiciones.
Roberto Careaga C.
Siempre hay expectativas, pero este año el escritor Martín Kohan aseguró que no se prestará para el juego de las polémicas: adelantó que no habrá “frases de impacto” en el discurso que dará para inaugurar la Feria Internacional del Libro de Buenos Aires 2023. Se sabrá mañana a las 18 horas, cuando arranque oficialmente el evento más importante de la industria editorial del Cono Sur y que este año tiene una importancia especial para Chile: Santiago es la ciudad invitada de honor a la feria y nuestro país llevará a 60 escritores chilenos, más espectáculos musicales y exposiciones.
Abierta al público desde mañana jueves 27 de abril hasta el 15 de mayo en el recinto La Rural, ubicado en el barrio Palermo y frente al Jardín Botánico, la FIL Buenos Aires en realidad inició ayer sus actividades con las Jornadas Profesionales del mundo del libro y Chile arranca hoy con sus presentaciones: a las 18 horas, el pianista Roberto Bravo dará un concierto en el Teatro Colón. En adelante, escritores chilenos como Raúl Zurita, Nona Fernández y Benjamín Labatut se mezclarán en actividades con lo que la misma feria anuncia como sus grandes invitados, los españoles Arturo Pérez Rerverte y Fernando Aramburu.
Ayer empezaron a recibir público los dos espacios de Chile en la feria: el estand de ProChile, que opera como librería de títulos locales enviados por editoriales chilenas, y un pabellón de 200 metros cuadrados que además de exhibir textos todos los días acogerá lanzamientos y conversatorio. Ahí se lanzará mañana el concurso Buenos Aires en 100 Palabras, organizado por Plagio, y el poeta Rafael Rubio presentará un nuevo libro.
Precedido por la inevitable polémica en el mundo literario, especialmente por el sesgo de la lista de autores invitados que fue criticada por diversos sectores, el envío de Santiago está amparado por un relato curatorial que recorre hitos históricos y políticos de la ciudad, incluyendo los 50 años del Golpe de 1973 y el estallido de 2019. Entre los autores que participarán en la FIL se cuentan a Alberto Fuguet, Elvira Hernández, Pedro Cayuqueo, Carlos Peña, Alejandra Costamagna, Francisco Ortega, Rosabetty Muñoz, Simón Soto, Andrea Jeftánovic, Elicura Chihuailaf, Carla Guelfenbein y Kathya Araujo, entre otros.
Además de las actividades literarias, Chile tendrá dos exposiciones: una dedicada a la editorial Quimantú en el espacio de la FIL y una sobre Enrique Lihn, que recoge dibujos, manuscritos y diferentes documentos en el Centro Cultural Matta. El sábado, en tanto, está programada la primera gran fiesta: a las 21:30 se ofrecerá un recital dirigido por Lito Vitale en que participarán Javiera Parra, Camila Moreno, Nano Stern, Benjamín Walker, Sandra Mihánovich, Hilda Lizarazu, Paula Maffia, León Gieco y Juan Carlos Baglietto.
Las claves de Masters of Rock, el festival que marcará la despedida de Kiss
El Mercurio
La banda hará su última presentación en Chile este 30 de abril en Santa Laura, junto a Scorpions y Deep Purple, en un evento que ya proyecta volver aún más grande en 2024.
José Vásquez
Por años en la industria del espectáculo, las giras de despedida se han leído, muchas veces con la suspicacia del cuento de “Pedrito y el lobo”, como una amenaza que solo se vuelve real cuando ya nadie cree demasiado en ellas, aunque esta vez, el rótulo del “último concierto de Kiss en Chile”, el mismo que se utilizó el año pasado para los dos shows que la banda realizó en el Movistar Arena, pareciera definitivo, sobre todo cuando el conjunto neoyorquino ya fijó sus presentaciones finales en su ciudad de origen para el 1 y 2 de diciembre en el tradicional Madison Square Garden.
De esta manera, lo que sucederá el próximo domingo cobra relevancia como el que en el papel, una vez más, será el adiós de Kiss en el país con el grupo encabezando el Festival Masters of Rock, que se realizará en el Estadio Santa Laura, que tendrá una jornada maratónica de música, de más de 10 horas y bandas como Scorpions —que en 2010 también empleó el rótulo de “gira de despedida”, idea que luego abandonaron—, Deep Purple, Skid Row, Helloween y las locales Cleaver y Queenmilk, que se espera convoquen a unas 31 mil personas.
“Kiss es una banda que mueve masas que cruzan generaciones, entonces este último concierto va a dejar en las familias un recuerdo y una experiencia que va a perdurar por mucho tiempo”, asegura Francisco Goñi, general manager de The FanLab, que ha producido todos los conciertos que el grupo ha realizado en el país desde 2015.
“Muchas bandas dicen adiós y luego regresan porque es muy difícil dejar la adrenalina que reciben cuando están arriba de un escenario, pero ahora, en el caso de Kiss, a mí me da la impresión, por la forma en que se entregan al público, todo el proceso previo que realizan para maquillarse, los trajes y terraplenes que usan, de que es algo que va provocando un desgaste constante y llega un momento en que las bandas dicen: ‘quiero terminar de la mejor forma', y yo creo que ellos están en esa situación”, plantea Goñi.
Sin el Estadio Nacional disponible por los trabajos para los próximos Juegos Panamericanos y el Monumental, por un partido de Copa Libertadores, la opción de un recinto de alta convocatoria fue la cancha de Independencia, que el mes pasado tuvo el retorno de Los Bunkers.
“La gente va a tener una experiencia muy similar a los festivales en el extranjero. Vamos a tener cuatro zonas de comida y merchandising, que estarán divididas por cada sector del estadio para que la gente pueda circular durante el tiempo que estén ahí”, señala el productor, quien cuenta que ya trabaja en el desarrollo del Masters of Rock 2024 y que se efectuará en un “recinto más grande”, adelanta.
Goñi, asimismo, formula un llamado al público que asista al Estadio Santa Laura a que lo haga prefiriendo el transporte público. “Hemos solicitado a la autoridad un refuerzo en el transporte público, tal como a Metro un horario extendido, ya que alrededor del estadio no existen estacionamientos y si la gente deja sus autos en las veredas, por ejemplo, van a generar complicaciones a la comunidad y, seguramente, van a recibir una multa”, advierte el productor.
Deep Purple vuelve al Santa Laura
En 1997, para el primer concierto de la banda tras el éxito “Highway Star” en el país, todo pudo haber terminado en una tragedia en el estadio de la Unión Española. Apenas iniciado el show, en el segundo tema, “Fireball”, un grupo de personas trepó a la torre de iluminación ubicada en la cancha, una estructura de fierros que se desplomó por el peso de la gente, resultando heridos de diversa consideración. Tras la detención del espectáculo para socorrer a los lesionados, el recital continuó.
“El grupo vuelve a un lugar donde tienen una historia que quedó en los registros de conciertos en Chile y, en ese sentido, lo importante es que hoy los eventos se han profesionalizado y el público ha aprendido de esto. Los asistentes a Masters of Rock son un público principalmente familiar, así es que no tendremos algo de ese nivel”, dice Goñi.
martes, abril 25, 2023
Teatro Biobío cancela presentaciones de la ópera “Lautaro”
VI Festival de Música de Cámara: Los sonidos españoles del conjunto La Misola se escucharán en Vitacura
El Mercurio
Integrado, entre otros, por el cantautor Nano Stern y la especialista en música antigua Gina Allende, el conjunto ofrecerá repertorio del Renacimiento hoy, a las 19:00 horas, en la Parroquia Nuestra Señora de Las Mercedes, “Los Castaños”.
Maureen Lennon Zaninovic
El año pasado el ensamble La Misola —gracias a un Fondo de la Música— grabó su primer disco, que está disponible en Spotify: “Más vale trocar. Canciones de la España renacentista”, con creaciones de compositores como Juan del Encina (1468-1529) y Lope de Baena (1476-1506), entre otros.
“El martes (hoy) vamos a tener la primera presentación en vivo de esta grabación. Vamos a tocar nuestro disco prácticamente completo”, aclara Gina Allende (vihuela de arco), destacada académica del Instituto de Música de la UC y codirectora del Estudio MúsicaAntigua, uno de los más señeros conjuntos dedicados a difundir este repertorio. Allende también integra el ensamble La Misola, junto al célebre cantautor, poeta e instrumentista Nano Stern, Florencia Bardavid, (vihuela de arco), Cristián Carvacho (percusión), Sergio Candia (flautas renacentistas) y Cristián Gutiérrez (guitarra); y con esta conformación actuará, con entrada gratuita, a las 19:00 horas, en la Parroquia Nuestra Señora de Las Mercedes “Los Castaños”, en Vitacura 7401, como parte del VI Festival de Música de Cámara de Vitacura.
Gina Allende destaca que el ensamble nació porque buscaba armar proyecto junto a Nano Stern, a quien conoció en el Instituto de Música de la UC (IMUC). Junto con ello, quería ofrecer “estas canciones con un cantante que no proviniera de la academia o del canto lírico. Quería algo más suelto y buscar una voz del ámbito de la música popular, rescatando el carácter popular de estas músicas, ya sea por su texto, melodías y los ritmos. Le hice la propuesta a Nano y aceptó de inmediato y así se empezó a armar el grupo”, expresa Allende, instalada en una de las salas del IMUC. El ensamble nació en 2018 con una plantilla de instrumentistas más acotada y para la grabación sumaron a Cristián Gutiérrez y a Sergio Candia, “quien es un maestro a la hora de hacer disminuciones, o sea, hacer adornos que es un aspecto fundamental en estas obras”, explica la intérprete, y profundiza en el nombre del álbum “Más vale trocar” ya que, a su juicio, “más vale cambiar y eso estamos haciendo con estas canciones renacentistas: cambiando algunas cosas que reiteradamente se han dado de una manera, gracias a la voz de Nano Stern y las percusiones de Cristián Carvacho”, cierra Gina Allende.
Florencia Bardavid complementa que integrar La Misola ha sido una experiencia “entretenida, pero en el buen sentido de la palabra. Me encanta poder tocar un instrumento, pero también cantar. Yo soy cantante de formación y acá voy a tener una pequeña intervención”, expresa.
Un instrumento original
El cantautor Nano Stern rememora que alcanzó a estudiar poco más de un año en el IMUC y luego continuó sus estudios en Ámsterdam. “Entré a este conjunto con mucha timidez, pero se me ha ido quitando porque estamos ante unas obras que si bien tienen polifonías, son muy cercanas a mi mundo”, dice.
En este ensamble, además de cantar, Stern toca el Nyckelharpa. El músico explica que es un instrumento que se considera tradicional de Suecia, pero el primer registro que existe de él es un relieve en una iglesia en Siena, en Italia del siglo XIII. “Tiene la lógica de un violín de teclas donde la gran diferencia es que, en vez de pulsar una cuerda con el dedo, uno pulsa unas teclas de maderas que, a su vez, cortan la cuerda en un lugar preciso. Es complejo conseguirlo y en mi caso lo encargué en Suecia”, concluye Nano Stern.
Más información del concierto en www.lomatta.cl











