Dialecto de Pájaros (2025): El regreso esperado de una obra de Patricio Wang

 Por Ricardo Tapia

Un deseo que sobrevoló durante años

Si me pongo a pensar cuándo comenzó a mencionarse de forma más habitual por el país la idea de montar Dialecto de Pájaros en Chile, me remite, inevitablemente, a los años 2007 - 2009. Por entonces, Patricio Wang empezaba a regresar con mayor frecuencia al país para presentar sus cantatas y obras musicales, mientras surgía un renovado interés por su obra gracias a las nuevas generaciones de músicos universitarios que ya contaban con sus propios conjuntos.

Para 2014-2015, un grupo formado en la UMCE propuso montar varias cantatas populares, entre ellas Dialecto de Pájaros. Sin embargo, la obra quedó a un voto de ser seleccionada; en su lugar se escogieron La Cantata América, Es el colmo que no dejen entrar a la Chabela y Canto para una semilla. A ello se sumaron otros intentos posteriores, igualmente frustrados, por la dificultad de acceder a las partituras.

Durante años, la obra íntegra circuló principalmente gracias a grabaciones en audio difundidas en internet y a la curiosidad de los músicos. Faltaba, sin embargo, alguien capaz de concretar definitivamente ese anhelo.

Abigail y Ricardo: el inicio de un sueño cumplido

Ese momento largamente esperado llegó cuando Abigail Villalobos Valenzuela y Ricardo Andrade Rojas —músicos de amplia trayectoria y futuros creadores del Ensemble Dialéctico— decidieron asumir el desafío. Su vínculo con la obra venía desde las primeras colaboraciones con Patricio Wang en proyectos junto a la Orquesta Andina y otros conjuntos, donde interpretaron obras como Qué más quieres que te diga, Transiente, Naufragio, Oficio de tinieblas y Las canciones salvajes, forjando así lazos artísticos y afectivos que se mantuvieron en el tiempo.

En 2025 consolidaron la formación del Ensemble Dialéctico, agrupación creada con el objetivo de montar en Chile la Cantata Dialecto de Pájaros.

Reconstrucción de una obra y comienzo de los ensayos

Uno de los puntos de partida fue una copia de la partitura que conservaba el director de la Orquesta Andina. Autorizada por Wang fue facilitada a los músicos para comenzar el montaje, aunque aquella versión estaba incompleta: faltaban páginas y correspondía a borradores iniciales. A partir de ello comenzó un proceso de reconstrucción y diálogo constante con el compositor.

Las partes ya digitalizadas por parte de Wang —Invocación a la lluvia, Canto VII y Statement— facilitaron un primer avance. Con ese material y con las partituras facilitadas por la Orquesta Andina, se realizó un trabajo de reescritura y edición digital que permitió conformar una versión revisada de la obra, que Wang continúa afinando.

Los ensayos comenzaron entre abril y mayo de 2025 en el Instituto de Música de la Pontificia Universidad Católica de Valparaíso, en Viña del Mar, con reuniones quincenales. Cada sesión se convirtió en un espacio de lectura, experimentación y escucha compartida. “Fue un trabajo democrático, donde cada integrante asumió las partes que mejor se ajustaban a sus capacidades o instrumentos”, recuerda Abigail.

La obra fue reapareciendo como un organismo vivo que se reconstruye desde la memoria y desde la práctica colectiva.

Una escritura accesible, una rítmica exigente

Aunque inscrita en el ámbito de la música contemporánea, la escritura de Wang conserva cierta claridad formal, heredada del hecho de haber sido concebida inicialmente para el Quilapayún, donde no todos los músicos leían partituras. Esto permitió concentrarse en la relación entre voces e instrumentos, más que en notaciones experimentales.

Las verdaderas complejidades surgieron en la rítmica: compases irregulares, cambios métricos sucesivos y libertades interpretativas, como el número de vueltas en algunas secciones o modos de ejecutar ciertas percusiones. “El desafío fue mantener el pulso colectivo sin perder el sentido del canto, esa oscilación entre caos y orden que atraviesa toda la obra”.

La llegada de Wang y las modificaciones para la versión chilena

Gracias al montaje de la obra y de algunas conversaciones, se estableció una alianza con la Fundación Orquesta Marga Marga para incluirla en el Festival Puente, haciendo coincidir con la visita de Wang a Chile por otros compromisos.

Durante el transcurso de los meses en que se montaba la obra y se conversaba con Wang para ajustar las partes, se llegó a la posibilidad de incluir al pianista Gerard Bouwhuis, quien estaría en el país para participar junto al Ensamble Nap en algunos estrenos de otras obras de Patricio Wang, todo gestionado gracias a una invitación del Festival Darwin Vargas, aunque por temas logísticos el pianista solo podría llegar el mismo día del estreno.

En octubre, la llegada de Wang inyecta nueva energía al proceso. Junto al ensemble se trabajó detalladamente la pieza Nubes y relámpagos, debido a que la versión que tenían correspondía a la interpretada en 1987, la cual tuvo que ser simplificada, ya que es especialmente difícil por el entrelazamiento rítmico entre piano y marimba en forma de hoketus. Además, para esta versión, Wang incorporó el siku y propuso algunos cambios de interpretación que distinguen esta versión chilena del montaje del 87.

También revisó indicaciones estructurales y de ejecución, y buscó el ensayo sin dirección visible, buscando una interpretación sostenida únicamente por la escucha mutua. Aun así, Wang marcaría entradas con ayuda del bajo y daría apoyos vocales, como en 1987.

En uno de los últimos ensayos, al cual tuve acceso, se me hicieron evidentes las características de esta nueva versión: el texto en español (frente al texto en inglés de 1987), un tempo ligeramente más rápido, la inclusión de dos mujeres que amplían el color vocal y la instrucción de Wang respecto a que algunas partes “no deben ejecutarse para el público, más bien para uno mismo”. Según sus palabras, esta versión es la más cercana a la idea original de 1987, imposible de concretar entonces por razones técnicas y de tiempo del conjunto Quilapayún.

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El estreno en el Teatro Municipal de Viña del Mar

El inicio de las palabras mágicas

El 11 de noviembre de 2025, Dialecto de Pájaros tuvo su estreno en Chile como parte del Festival Puente: Encuentro Interoceánico de las Culturas.

Las puertas del Teatro Municipal de Viña del Mar se abrieron a las 18:07, con un ingreso fluido y una sala que se fue llenando gradualmente. La primera parte estuvo a cargo de la Orquesta Marga Marga, con obras de compositores vietnamitas y una pieza del argentino Esteban D’Antona. Tras un intermedio exacto de diez minutos, comenzó el renacimiento del Dialecto de Pájaros.

El telón se abrió con los músicos ya dispuestos en escena. Wang ingresó desde un costado para ofrecer unas palabras antes de iniciar la obra.

Ejecución, recepción y detalles técnicos

La obra fue interpretada de manera íntegra y sólida. Los pequeños desfases perceptibles —posiblemente fruto del nerviosismo o de problemas de retorno— no afectaron el resultado general ni la potencia del montaje. Los detalles eran más notorios únicamente para quienes conocían profundamente la versión de 1987.

El Teatro de Viña mostró una acústica excepcional, aunque algunos problemas técnicos de amplificación —voces o instrumentos que no alcanzaban nitidez— podrían explicarse por el hecho de que el recinto suele trabajar con micrófonos ambientales más que con amplificación directa.

El público respondió con entusiasmo y atención. El montaje tuvo una duración cercana a los 40 minutos, incluyendo los cuatro dedicados a las palabras iniciales de Wang y una prolongada ovación final que se extendió varios minutos hasta el cierre del telón.

Algunos momentos destacados

Debo resaltar la labor del pianista Gerard Bouwhuis, quien llegó el mismo día al país y prácticamente sin ensayos plenos con el ensemble. Aun así, su interpretación y fiato con el conjunto fue impecable, como si llevara años trabajando con el grupo.

También destacó la restitución de arreglos originalmente concebidos por Wang, que en 1987 no pudieron ser montados. La continuidad musical y los guiños musicales característicos del compositor se hicieron especialmente visibles.

Lo actual que sigue sonando la obra, llegando a ser atemporal en el tiempo, se manifiesta en cómo esta nueva versión revive su carácter ritual y su lógica de ciclo, permitiendo que vuelva a cobrar sentido y relevancia plena en el presente.

Por lo que puedo decir que este estreno reafirma la vigencia artística de Wang, probablemente el integrante de Quilapayún más activo creativamente en la actualidad

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¿Qué viene para Dialecto de Pájaros?

La siguiente presentación está programada para el 11 de diciembre, en el Teatro Municipal de Quilpué. Por ahora, sería la última oportunidad de escuchar la obra en vivo. Sin embargo, existen intenciones de llevarla a otros espacios en el futuro y también de realizar una grabación en estudio, dependiendo de recursos, disponibilidad y nuevas gestiones.

Aunque el futuro pueda parecer incierto, sí podemos afirmar y celebrar que Dialecto de Pájaros ha vuelto. Su vuelo —y su espíritu chamánico— parece recién comenzar, y quizás ahí reside su mayor coherencia: al igual que su estructura en forma de loop, la obra regresa sobre sí misma para renacer una y otra vez. De este modo, este montaje no solo recupera una creación de Wang, sino que inaugura un nuevo ciclo, dispuesto a seguir creciendo y transformándose en cada interpretación futura.

Illapu prepara el lanzamiento de adelanto de su nuevo álbum “En esos días de los 90”

Comunicado de prensa

Este viernes 7 de noviembre estará disponible el primer adelanto del nuevo álbum de Illapu, que recoge nuevas versiones y grabaciones de sus temas más importantes de la década de los 90.

Se trata de “Dos Sobreviviendo”, una de las piezas más intensas y significativas de su repertorio.

De esta forma, Illapu continúa erigiéndose como una banda esencial de nuestra música.  Un referente permanente de identidad, compromiso y belleza musical.

Su historia une y  entrelaza distintas generaciones hasta el dia de hoy, las cuáles se dan cita en cada uno de sus multitudinarios conciertos: Quienes evocan los años 70, marcados por penas y oscuridades solo alumbradas por temas como Candombe para Jose; quienes recuerdan aquellas grabaciones llegadas desde Europa durante los 80 y su emotivo reencuentro con el público chileno en 1988 en parque La Bandera; y quienes vivieron en los 90 el renacer creativo del grupo en su propia tierra, con canciones inolvidables como “Lejos de Amor”, “Sincero Positivo”, “Morena Esperanza”, “Del Pozo de Mis Sueños”, entre muchas otras que hoy son verdaderos clásicos.

Dos Sobreviviendo

“Dos Sobreviviendo” es, en esencia, una canción de amor - no solo por la historia de Pedro y María, los personajes que encarna la poesía de Nelly Lemus y la música de Roberto Márquez - sino porque plantea con profundidad lo inquebrantable de ese amor y la soledad que lo rodea. Es el amor que persiste frente a la adversidad, en un mundo muchas veces indiferente.

Generalmente, las canciones de amor suelen hablar de la pasión, la ruptura de una relación o el deseo. Pocas abordan el amor desde una perspectiva social. “Dos Sobreviviendo”, habla del amor que resiste, incluso en medio de las carencias, los problemas y los desafíos cotidianos de la vida. Ese amor que, pese a todo, sobrevive.

Con este nuevo proyecto, Illapu no solo revisita su propio pasado: lo reinterpreta con la madurez y la sensibilidad del presente. “En esos días de los 90” es una celebración de una época, pero también una mirada al hoy, desde la misma raíz humana y esperanzadora que ha hecho de Illapu una voz imprescindible.

Dialecto de Pájaros: El resurgir en Chile de una cantata chamánica

 

Casi cuatro décadas después de su estreno en Ámsterdam, la cantata “Dialecto de Pájaros” del compositor Patricio Wang revive en Chile con una versión revisada por su autor. Una obra mística y vanguardista que regresa para cerrar un ciclo pendiente en la historia musical de Quilapayún y Patricio Wang.

Por Ricardo Tapia

Hace casi cuatro décadas —en 1987— el compositor Patricio Wang presentó en Ámsterdam, junto a Quilapayún & Co., la cantata Dialecto de Pájaros, concebida como un viaje al límite del lenguaje, la voz y el sonido.

La génesis de Dialecto de Pájaros se sitúa cuando Wang, ya vinculado a Quilapayún desde inicios de los años ochenta, emprendió una investigación sobre lenguajes no convencionales, voces primordiales y territorios sonoros que superan la palabra cotidiana.

Tomando textos de diferentes fuentes —como los Modoc, cantos de los Yamanes de Tierra del Fuego, de los pueblos esquimales, de iglesias pentecostales estadounidenses e incluso el poema “Canto VII” de Vicente Huidobro—, logró crear una cantata que ha sido considerada como “un viaje chamánico a través de los siete cielos en busca de un nuevo lenguaje”.

El estreno tuvo lugar en el marco del Festival Stage Door, en Ámsterdam, en 1987, con el respaldo de patrocinadores europeos y con pleno conocimiento de que no existían los medios para desarrollar el proyecto más allá de la semana que duraba el festival. Es por eso que la cantata nunca fue registrada oficialmente en su integridad ni volvió a presentarse como obra completa.

Sin embargo, algunos fragmentos salieron a la luz bajo el alero del Quilapayún, agrupación que grabó ciertas secciones en sus álbumes e interpretó otras en vivo, aunque nunca llegó a montar ni registrar la obra en su totalidad posterior al festival.

Fue así como tuvieron que pasar casi cuarenta años desde aquella oportunidad en Ámsterdam para que Dialecto de Pájaros volviera a surgir como el ritual y canto chamánico destinado a ser escuchado íntegramente, en un espacio que permite que las palabras conserven su poder mágico y, de algún modo, puedan cobrar vida y transformar lo que tocan.

Esta vez, los afortunados serán el público chileno, constituyendo, de alguna manera, el cierre de ese pendiente musical tanto en el catálogo de Quilapayún como en la trayectoria de Patricio Wang.

Es gracias a las agrupaciones musicales Los Precisos y Colectivo Dialéctico —colectivo formado especialmente para esta ocasión—, que se abre una nueva etapa para la cantata, la cual será presentada en su totalidad y, esta vez, con una versión revisada por su autor, que incorpora nuevos arreglos y correcciones, constituyendo posiblemente su «versión definitiva».

Como músico invitado para el día del estreno participará el pianista holandés Gerard Bouwhuis, intérprete original del estreno de la obra en 1987. Su presencia se sumará exclusivamente al día del estreno, aportando junto a Patricio Wang —quien será parte del colectivo y participa en en las fechas agendadas interpretando el bajo eléctrico— un valor histórico y artístico singular a este reencuentro con Dialecto de Pájaros.

Este estreno en Chile se presenta como el redescubrimiento de una pieza clave en la evolución de Quilapayún durante su etapa más vanguardista y, a su vez, como una de las obras más emblemáticas y místicas del trabajo de Wang, quien une tradición sonora, vanguardia musical y el cruce de lenguajes humanos, animales y rituales en una cantata que invita a escuchar el origen mismo del lenguaje en una travesía hacia los sonidos primordiales del ser.

Pero esto no es todo, ya que la reaparición de Dialecto de Pájaros en los escenarios chilenos coincide con un momento especialmente significativo en la trayectoria de Patricio Wang, quien durante su estancia en el país presentará también parte de su amplio catálogo musical, en un recorrido que combina música, memoria y reflexión sobre el exilio.

Su visita por Chile se enmarca en dos conmemoraciones de alto valor simbólico: los 80 años del Premio Nobel de Gabriela Mistral y los 200 años de relaciones diplomáticas entre Chile y los Países Bajos, país en el que Wang ha desarrollado gran parte de su vida artística.

En este contexto, el compositor ofrecerá al público chileno la posibilidad de reencontrarse con obras esenciales de su catálogo. Entre ellas se cuentan Canciones Salvajes, para solista, coro e instrumentos, basada en textos de Pablo Neruda; Transiente y Oficio de Tinieblas, piezas grabadas por Quilapayún, entre otras de su catálogo. Además, junto al Dialecto de Pájaros, se suma el estreno en Chile del Ciclo Mistraliano, inspirado en textos de Gabriela Mistral, obra que profundiza el diálogo entre literatura, identidad y música contemporánea. Paralelamente, Wang lanzará su libro bilingüe Música en Exilio / Muziek in Ballingschap, donde revisa su camino artístico y humano ligado al exilio, abordando tanto su experiencia personal como su creación musical desarrollada fuera de Chile.

Programación de Patricio Wang en Chile

5 de noviembre – Conversatorio en el 1.º Encuentro de Guitarra, Universidad Alberto Hurtado.

11 de noviembre (19:00 hrs) – Dialecto de Pájaros en el Teatro Municipal de Viña del Mar, concierto de apertura del Festival Internacional Puente: Encuentro Interoceánico de las Culturas.

13 de noviembre (19:00 hrs) – Museo del Inmigrante, Valparaíso (Festival Darwin Vargas, PUCV). Estreno en Chile del Ciclo Mistraliano.

14 de noviembre – Casa de la Fundación Creciente, Osorno. Ciclo Mistraliano y otras composiciones.

21 de noviembre – Concierto en Casa Román, Santiago. Ciclo Mistraliano y otras composiciones.

29 de noviembre – Concierto en Sala Rívoli, Valparaíso. Canciones Salvajes y otras composiciones.

11 de diciembre (19:00 hrs) – Oficio de Tinieblas y Dialecto de Pájaros en el Teatro Municipal de Quilpué.

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🎟️ Entradas liberadas.

Algunas actividades requieren inscripción previa a través de las plataformas y redes sociales de los teatros, universidades, museos y festivales donde participará Wang.

Se recomienda informarse directamente en dichos canales.

David Rieff: “Los intelectuales y artistas woke se creen anticapitalistas. Es su fantasía, mientras el negocio sigue funcionando”

 El Mercurio

Ya está en Chile el nuevo ensayo del intelectual estadounidense, que analiza los efectos del movimiento woke en la cultura y las humanidades. Hijo de Susan Sontag y de Philip Rieff y autor del “Elogio del olvido” (2017), al reportero de guerra y ensayista le inquieta la primacía de la autorreferencia en la cultura y también la ruptura del diálogo entre el presente y el pasado. “Deseo y destino” es un libro inteligente y provocador, al igual que su autor, que conversó con “El Mercurio”.

Elena Irarrázabal Sánchez

Voz ronca — ¿mucho tabaco?—, pelo cortado al rape, muy delgado. Veterano corresponsal de guerra y escritor, David Rieff (Boston, 1952) es un reconocido ensayista, colaborador de medios como el New York Times, Washington Post, Foreign Affairs y Letras Libres. Rieff estudió Historia en la Universidad de Princeton y ha escrito sobre duros conflictos a través del mundo, como el sitio de Sarajevo, el genocidio de Ruanda y la invasión de Afganistán. No es hombre de eufemismos y está en las antípodas de la corrección política, pero sí devela, a través de la entrevista, una gran erudición en historia, literatura y artes.

Nacido en un entorno marcado por la palabra y el humanismo, Rieff es hijo de la célebre intelectual estadounidense Susan Sontag y fue el editor de los diarios de su madre. Su padre fue el destacado sociólogo Philip Rieff, una figura menos conocida, pero no por ello menos interesante, gran analista de la obra de Freud y estudioso de temas como la importancia de la represión de los impulsos y del rol de la sacralidad en la sociedad.

En 2017 David Rieff presentó su contundente —y no exento de controversia— ensayo “Elogio del olvido” (2017), en el que cuestionaba el excesivo culto a la memoria histórica y advertía que la instrumentalización de un pasado puede ser una forma de profundizar en el odio. Ahora publica “Deseo y destino: lo woke, el ocaso de la cultura y la victoria de lo kitsch” (Debate), sobre el pensamiento woke y su comprensión de la cultura. La obra, que ya va en su segunda edición en español y está disponible en librerías chilenas, cuenta con un excelente prólogo de John Banville, quien define el ensayo de Rieff como “un ataque convincente y brillantemente argumentado contra las ortodoxias actuales que dominan sobre todo al mundo académico, a los patronos de las artes y a Silicon Valley”.

Desde Barcelona, Rieff conversó con “El Mercurio” por Zoom. “Casi toda mi vida he sido un nómade, es casi mi profesión. Vivo entre Europa y Nueva York, pero viajo unas seis semanas al año a Buenos Aires, y ahora vine a España por la publicación del nuevo ensayo. Luego iré a Varsovia y de ahí a Kiev, donde paso temporadas y hago clases en la universidad. Estoy preparando un libro sobre la guerra de Ucrania, es una vuelta a mis raíces”.

—Ha vivido varias guerras. Y dice que allí ha aprendido que víctima y victimario son roles que cambian con el tiempo. ¿Esta reflexión influye en su nuevo ensayo?

“Bueno, para empezar, el movimiento woke, en general, suele borrar la diferencia entre la violencia metafórica —digamos, verbal— y la violencia física. Para mí eso es una distorsión de la realidad. Decir que la violencia retórica es la misma cosa que una bala en la pierna, me parece ridículo. La gran mayoría de los wokistas no entienden nada de la violencia y los jóvenes en las facultades en Estados Unidos, el Reino Unido y Australia hoy tienen un nivel de autocentrismo e ingenuidad, que para mí es casi inédito”.

—Le inquieta la primacía de la sensación subjetiva por sobre la realidad.

“La subjetividad ha pasado a ser lo más importante, se transforma en ‘la' realidad. Es my truth, mi verdad. En las universidades estadounidenses, los alumnos se quejan de que algunos profesores los ofenden y se sienten ‘psicológicamente amenazados'. Y si alguien da una opinión y piensa que hay dos sexos, la retórica woke lo acusa de estar borrando, matando espiritual y sexualmente a las personas trans. Desde hace 40 o 50 años, hay tratamientos para el cambio de sexo, pero el movimiento trans, en su gran mayoría, expresa una insistencia absoluta en que la identidad la eliges, poco importa que hayas cambiado de género o no. La realidad biológica es mucho menos importante que tu realidad imaginaria o subjetiva”.

Shakespeare imperialista

Una expresión de hipocondría moral y social, que está demoliendo la tradición cultural occidental y el cultivo de las humanidades. Así describe Rieff los efectos del pensamiento woke en la cultura. “Para ellos no existe un pasado interesante, solo el pasado victimario o el pasado racista. Y hay que expurgar ese pasado con el celo de un nuevo puritanismo”, comenta el autor. Su libro combina con amenidad textos cortos y otros más extensos, con referencias a acontecimientos actuales. No falta la ironía —uno no sabe si reír o llorar— cuando cita al libro “Marx para gatos”, editado por la Universidad de Duke, que critica “la exclusión de los gatos del abrazo revolucionario”. O cuando cita la canción “Todos somos especiales” del dinosaurio Barney, como “la expresión más radical de la convulsión woke”.

A juicio de Rieff, la mirada woke —en su opinión, de mayor penetración en el mundo anglosajón que en el latino— sataniza el pasado y con ello a la tradición cultural occidental. Se considera a Shakespeare como parte del canon imperialista y se prefiere a un escritor de Guinea Ecuatorial antes que a Cervantes. El movimiento woke, para el ensayista, “es un conjunto de fantasías occidentales sobre la autenticidad y nobleza de lo tribal y lo premoderno”, con una mirada identitaria justo cuando el mestizaje es más intenso que nunca. El ensayista percibe en el wokismo una intensa dimensión moral o pseudorreligiosa. “Aunque no sea completa, la analogía con la religión me parece correcta, pues es un movimiento de reforma emancipatoria y moral, como pueden haber sido la reforma evangélica o, en el mundo laico, la revolución cultural china”, señala.

—Su mirada se focaliza en los efectos culturales del movimiento.

“El woke no va a destruir el mundo, pero sí puede destruir la cultura occidental en nombre de la justicia, de la igualdad, de la representación de ciertos grupos. ¿Es un peligro al mismo nivel que el cambio climático? No, pero tampoco me parece que tenga que disculparme por focalizar en la cultura y en las artes. Es posible imaginar un mundo sin gran cultura y todas las culturas son mortales, como nosotros. Pero me parece que no había que adelantar la muerte de la cultura occidental, ese es uno de mis reproches fundamentales. En todas las grandes culturas, sean occidentales u orientales, el pasado es más importante que el presente. El woke es el revés. Está solo el presente, y el pasado es una forma de prefacio a nosotros mismos. Como el concepto maoísta del año cero o la frase guevarista del hombre nuevo”.

El pasado y Beyoncé

—En el libro dice que se ha perdido el diálogo con el pasado.

“Los grandes artistas de toda la historia han entendido bien aquella frase del poeta ruso Ósip Mandelshtam, que dice que la cultura es una conversación continua entre artistas del pasado, presente y futuro. Algo que trasciende las generaciones. Pero el woke es lo contrario y uno puede ver cómo destruye la cultura más selecta, solo hay que mirar las universidades y las humanidades. También el mundo de los museos y las filantropías culturales. Ya ha destruido mucho”.

— ¿Cree de verdad que las humanidades están muriendo?

“Creo que hoy vivimos un universo de las humanidades que es totalmente autorreferencial. En las universidades se estudia a Beyoncé o la propia experiencia de vida de los alumnos. ¿Para qué? Si estás ahí para estudiar, no para cantar de ti mismo. No tengo que tomar clases para tener un diploma en mi propia vida, eso puedes hacerlo en un bar con tus amigos. Esto se conjuga con una vulgarización de las ideas psicoanalíticas y una visión autosatisfecha y narcisista. Cuántas novelas y poemas describen con minucia hoy cuán alienado se siente el autor en su barrio burgués de los suburbios. El panorama es bien desolador”.

—El “yo” como temática casi única.

“Todos hablan de sí mismos. También hablan de la importancia de la diversidad, pero dicen las mismas cosas. Y proclaman el multiculturalismo, pero siempre en inglés. El reclamo fundamental del wokismo es que la cultura debe hablar de tu raza, tu género, tu minoría, tu grupo excluido. Y la otra responsabilidad del artista es ser buena persona. Algo que excluye al 99% de los buenos artistas de la historia. La gran mayoría de buenos artistas han sido hijos de puta o han tenido vínculos con sistemas de opresión”.

—Esta depreciación cultural termina en el kitsh, según su perspectiva.

“Creo que finalmente el pensamiento woke no va a producir un gran arte, sino que abre camino al kitsch, que es el subtítulo de mi libro. La cultura popular es más fácil de abordar. Hay que trabajar un poco para entender la gran cultura, pero no a Taylor Swift o Beyoncé”.

La liturgia

—David, usted plantea que el pensamiento woke tiene débiles fundamentos culturales y que les interesa más Taylor Swift que Cervantes. ¿Por qué lo considera un movimiento preocupante si tiene cimientos precarios?

“Los movimientos débiles han destruido mucho en la historia. No veo que haya una contradicción entre un movimiento intelectualmente débil —o aún idiota— y su capacidad de destrucción. Muchos movimientos destructores han sido intelectualmente débiles, incluso el fascismo y el estalinismo. Y yo diría que el neoliberalismo también es intelectualmente débil”.

—También plantea las simplificaciones culturales propias del pensamiento woke, pero sus autores suelen usar un lenguaje difícil. .

“Es que no es un lenguaje, es una liturgia. Escriben como los sacerdotes de la religión woke. Y, obviamente, cada liturgia debe tener un idioma. Además, ¿qué pasaría si escribieran de manera normal? Todos se burlarían de sus propuestas, pero en un lenguaje oculto y esotérico es más fácil decir tonterías”.

— ¿La atracción del woke no ha disminuido en el último tiempo? El último libro de Judith Butler recibió críticas.

“No sé, no la sigo tanto a estas alturas. Ya he leído demasiado a Butler en mi vida. Tal vez en mi reencarnación pueda leer más”.

— ¿Por qué considera que Butler es un fraude?

“En pocas palabras, creo que su idea de la realidad como presentación —tu propio teatro— me parece un asalto a la realidad”.

Trump y las universidades

A juicio de Rieff, el concepto de democracia se está vaciando y se tornará cada vez más impreciso. Lo mismo que el espacio del centro en la política. “Los jóvenes, en su gran mayoría, o están en la derecha o en la izquierda. El centro para ellos no existe. Y las autocracias irrumpen porque los partidos de centro no plantean soluciones para los temores y prioridades de la población. La solución autocrática aparece más persuasiva, se presenta como si tuviera esas respuestas”.

— ¿Y cuál es su perspectiva actual de Donald Trump?

“Bueno, hay que reconocer que es un mago de la política, sería muy idiota negar esto. Las personas que lo subestimaron terminaron llorando. El 6 de enero del 2021, nadie hubiese podido pensar que Trump iba a retornar al poder. Ahora es el Presidente y un presidente en sus propios términos. Es posible que fracase, no sé, mi bola de cristal se rompió hace tiempo. Pero el equipo de Trump está armando una contrarrevolución en casi la totalidad de la sociedad norteamericana”.

—Un elemento de esta contrarrevolución es la presión a las universidades para que cambien contenidos o profesores.

“Es obvio que Trump tiene una visión fundamentalmente antidemocrática y quiere presionar con todo a las universidades para que cambien sus perspectivas. Pero, entre tantos temas, diría que me preocupa más la política migratoria de Trump, que sea muy indulgente con Putin o que tenga una política nefasta en el Medio Oriente. Esto me perturba más”.

— ¿El de Trump no es un ataque a la libertad de expresión en las universidades?

“Es un asalto contra la libertad de expresión, no me cabe duda. Ahora, tampoco creo que en las universidades haya existido libertad de expresión en los últimos 20 años. Durante toda la época de Obama y Biden, identificarse como alguien de centroderecha, para no hablar de la derecha, era una sentencia de muerte dentro de las facultades. Las presiones de la administración de Trump son absolutamente reales y también lo fue la represión a la derecha en las últimas décadas. Desafortunadamente, quienes hoy se quejan se sintieron muy confortables durante la represión a la derecha y hoy viven una cosecha amarga”.

— ¿Y existe un wokismo de derecha?

“Bueno, creo que hay una versión woke de la derecha, sobre todo en términos de Palestina. Muchas personas de la derecha proisraelí usan ese vocabulario de sentirse inseguros u ofendidos. Han establecido su propia versión del wokismo, pero creo que es menos relevante y ha tenido mucho menos efectos nefastos”.

Disidencia y consumo

“Al capitalismo le conviene la infinita segmentación del mercado. El capitalista prefiere a Taylor Swift y el woke, también. En este sentido, el sistema dominante y el movimiento woke tienen los mismos intereses. Ambos consideran que la tradición es un impedimento para la rentabilidad”, reflexiona Rieff, quien se ha referido a una “mercantilización de la disidencia”. También ha señalado que la izquierda woke tiene una visión negativa de la clase trabajadora, a quienes percibe como bárbaros, xenófobos y sexistas.

—Las grandes figuras del movimiento woke dicen ser anticapitalistas, pero usted dice que es una falacia.

“Los intelectuales, profesores universitarios y artistas woke se imaginan como revolucionarios y anticapitalistas. Y se lo creen. Es perfecto, ellos tienen su fantasía, sus victorias simbólicas, mientras el negocio sigue funcionando, sin cambiar en nada. Finalmente, ¿cuál es la idea del capitalismo del mercado? Que el acceso a los mercados sea sencillo, que el acto de consumir o de comprar sea lo más fácil posible. Puedes comprar en la tienda trans o en una tienda heterosexual, no importa, así tienes más oportunidades para el consumo. El Banco Santander o el Repsol pueden aceptar el Día del Trans, sin cambiar en nada en su manera de hacer su negocio. Los woke no piden cambios fundamentales en el sistema capitalista, piden representación. Y la representación puede ser una idea revolucionaria en términos psicológicos, pero no es revolucionaria en materia económica. Y una izquierda sin análisis económico no presenta un desafío al capitalismo”.

Mis deseos son mi destino

“Deseo y destino” constituye uno de los temas del nuevo ensayo de Rieff, que además le da el título al libro. En su opinión, “el movimiento woke tiene una visión muy ingenua del destino. Sus deseos son más importantes que la realidad, sobre todo la realidad material”. El “tú puedes lograrlo” se convierte, para Rieff, en una promesa fraudulenta que suele terminar en victimismo y denuncias por trauma .

—Usted relaciona esa promesa de que “tu deseo va a ser tu destino”, con una cierta derivación de la ética protestante.

“Bueno, hoy es una idea global y existe aún en países de cultura católica, yo lo atribuyo a la continuidad de la hegemonía cultural estadounidense. Pero hablando de las raíces culturales, sí, creo que hay diferencia. ¿Cuál es la distinción fundamental entre la cultura protestante, aún en su identidad posprotestante y la esencia católica o poscatólica? Diría que en el catolicismo el sacerdote tiene que interpretar la realidad. En el protestantismo eres tú y Dios. Entonces, tu interpretación es lo más importante, es tu realidad, tu fe”.

Chile y Argentina, en la mirada de Rieff

Rieff habla bien castellano —a veces se le cuela alguna palabra en inglés—, pero su español tiene un marcado acento argentino. “Aprendí mi español en México, pero he pasado muchas temporadas en Argentina, tengo una aculturación bonaerense”. Dice que le fascina Argentina. “Es un país extraordinario tanto en sus logros como en sus frustraciones, sus debilidades. Tengo muy buenos amigos argentinos”. También ha visitado nuestro país varias veces, pero no por períodos largos y por eso da su perspectiva con prudencia. “A pesar de esa época trágica de la dictadura, creo que Chile no tiene desafíos de la misma gravedad que países como Argentina o Colombia. Hay retos serios, por cierto, como la crisis migratoria, problemas en la juventud, la educación. Y si vos me permitís, el problema de qué hacer con el arruinado centro de Santiago. Nunca he visto una ciudad donde no había existido verdadera guerra, tan destruida en su parte céntrica”.

El ensayista piensa que la izquierda chilena aún no tiene claro cómo reconstituirse. “Estuve en Santiago para el referéndum constitucional en que triunfó el Rechazo. Lo viví en casa de un gran escritor de izquierda. Él y su entorno de otros escritores y artistas estaban totalmente destruidos por los resultados. Creo que la izquierda chilena ha estado secuestrada por sus propias fantasías, pensó que Chile había cambiado y me parece no ha cambiado tanto”.

Germaín de la Fuente (78): “Es asombroso poder seguir arriba de los escenarios, disfrutando de lo que me gusta hacer”

Cuando no está de gira , Germaín de la Fuente se mueve entre su departamento en Santiago y su parcela en Buin. SERGIO ALFONSO LÓPEZ

El Mercurio

Voz original de Los Ángeles Negros y con una gran trayectoria como solista

El icónico cantante fue uno de los artistas destacados en las fondas del Parque O'Higgins la semana pasada y luego comenzó una gira por Ecuador, Perú y que terminará en México —donde vivió por más de dos décadas— en lo que resta del mes. “Dejar de actuar no lo haría jamás”, dice enfático. Y agrega: “Es posible seguir estando vigentes y siendo importantes para los demás”.

C. González

Septiembre siempre ha sido intenso para Germaín de la Fuente (78). Y este en particular no es la excepción: la semana pasada fue un artista clave en las celebraciones de Fiestas Patrias en las fondas del Parque O'Higgins y luego comenzó una gira que lo llevó a Ecuador, para sumar esta semana un par de presentaciones en México y finalizar el mes con cuatro conciertos en diferentes ciudades peruanas.

“Para mí es asombroso poder seguir todavía arriba de los escenarios disfrutando de lo que me gusta hacer. La gente de repente olvida a los artistas pero, en mi caso, he estado vigente”, sentencia con orgullo.

Como miembro y voz original de Los Ángeles Negros y, luego, como solista, De la Fuente es considerado una figura emblemática de la música latinoamericana, tanto por su tono inconfundible como por su emotiva interpretación de boleros y baladas románticas. “Y volveré”, “Cómo quisiera decirte” y “Murió la flor” son algunas canciones que han marcado a varias generaciones a lo largo de casi seis décadas.

—¿Qué siente cuando gente joven conoce sus canciones?

“Primero que todo, agradecido de que nos den pelota (se ríe). Sin duda alguna, uno lo agradece y lo acepta. Es muy motivador. El público que nos va a ver ahora es bien transversal, pero obviamente el grueso es gente menor que yo y eso es un incentivo para continuar”.

Sentado en la mesita de un café en pleno centro de Santiago, cercano a su departamento y adonde se lo puede ver seguido cuando está en la capital, la gente que pasa lo saluda o se acerca para tomarse una fotografía. “Creo que he ido cosechando el reconocimiento y un cariño tremendo aquí en Chile”.

Y afuera también. A bandas locales contemporáneas, como Los Bunkers, Los Pettinellis y Los Tetas, que han reversionado algunos de sus temas, se unen artistas extranjeros que han hecho lo mismo, como los estadounidenses Beastie Boys o el rapero Jay-Z (uno de los artistas de hip-hop más exitosos a nivel global).

“Eso ha sido sorprendente. Un día me llamaron y me dijeron que fulano de tal quería grabar una canción; era Jay-Z y yo no lo conocía”. ¿Le gustó la versión? “No, no me gustó. Es que él rapea y eso es otro pedo. Me gusta más el reguetón porque tiene una rítmica entretenida”.

Si bien reconoce que no cantaría reguetón —“No lo sabría hacer”—, confiesa que lo ha bailado “un poquito, por ahí…”.

“La música actual casi no la entiendo; no digo que sea mala, pero hay gustos para todos, como dicen. Yo creo que todo lo que se oye es por algo, algo tiene. Y puede que una canción haga más sentido que otra, pero al final, es clara la importancia que tiene la música en la vida de las personas. Por ahí va la cosa”.

Otros dones

Su historia personal es un buen ejemplo de ello. Oriundo de San Carlos (en la actual Región de Ñuble) —“Las mejores longanizas son de allá”, sentencia—, a los 15 años se plantó por primera vez en un escenario. “Mi papá tenía una quinta de recreo y yo cantaba allí. Ni siquiera era del gusto popular, porque el público que asistía prefería escuchar cumbia o rancheras mexicanas”.

Lo suyo eran las baladas. Tríos como Los Panchos o Inspiración eran sus favoritos. “Yo tocaba un poco de guitarra y con eso me acompañaba. También me gustaban en ese tiempo Sandro y Raphael, figuras inolvidables en el corazón de toda la gente”.

La veta artística venía por el lado materno. “Mi madre tocaba muy bien la guitarra y cantaba muy bien”.

Creció junto a su mamá y su hermana menor, que también canta pero no profesionalmente. Su papá fue una figura más ausente y que le dio “un chorro de hermanos por fuera. Pero estamos hablando de otra época”.

“Ahora la gente se ocupa primero de educar a los hijos, de estar pendiente de que no les falte nada. Mi papá se ocupaba a medias de eso. Mi mamá cumplía todas las labores”, recuerda.

Ella estaba a cargo del Banco de Sangre del Hospital de San Carlos. “Me dediqué a la música porque era lo único que me funcionaba. Nunca intenté ninguna cosa más que cantar”. En el colegio participaba en grupos folclóricos y en cuanta actividad artística se organizara. Pero los libros no eran lo suyo. “La verdad que del estudio pues tengo poco que presumir. Iba al colegio porque había que ir, pero el intelecto no me dio. Tenía otros dones”.

Tenía 20 años cuando lo invitaron a formar parte de un grupo musical para participar en un concurso de la radio La Discusión de Chillán. “Un día estábamos ensayando en mi casa y Sergio Rojas (el bajista) propuso que nos llamáramos Los Ángeles Negros. Había un grupo llamado Los Diablos Azules. Como que a ninguno le gustó el nombre (los otros integrantes eran Cristián Blasser y Mario Gutiérrez), pero a mi mamá sí. Entonces para no discutir con la dueña de casa, se quedó”.

Finalmente ganaron el concurso, lo que les permitió grabar su primer LP, en marzo de 1969. Ese fue el punto de inicio que los catapultó a la fama. “Yo se lo debo todo a Los Ángeles Negros”, reconoce.

—¿El éxito los tomó por sorpresa?

“Estábamos en una edad en la que siempre esperas lo mejor y yo confiaba en que ganaríamos. Lo sorprendente fue que las canciones comenzaran a ser escuchadas y tener éxito. Cuando escuché mi grabación, no me gustó, pensé que cantaba mejor... Entonces como que me desilusioné un poco, pero el asunto es que funcionó. Gracias a eso podemos contar esta historia”.

De San Carlos pasaron a Concepción y luego a Santiago. En poco tiempo, la internacionalización del grupo fue una realidad.

A inicios de los 70 se instalaron en México. Para Germaín fue un viaje que lo alejaría de Chile por más de 20 años: en 1974 se retiró y decidió iniciar una carrera como solista. “Ellos volvieron y yo me quedé allí. Viajaba a Chile de vez en cuando, así que nunca perdí el contacto”.

—¿Qué recuerdos tiene de esos años en México?

“Es un país maravilloso que me recibió muy bien. Lo pasé muy a gusto, aunque trabajaba mucho y viajé bastante. Al principio mi carrera me absorbió al 100%, porque estaba siempre en eso. Sobraba el trabajo y las ganas de trabajar también”.

Además de buenos recuerdos y uno que otro modismo que sale durante la conversación, México también le dio una familia. Allí se casó con una argentina, de la que luego se separó y con quien tuvo dos hijas, las que lo acompañaron cuando decidió volver a Chile, a comienzos de los años 90.

—¿Cómo fue el regreso al país?

“Hubo que hacerse de nuevo un camino. Además de continuar cantando, puse un estudio de grabación aquí en el centro. También compré una parcela en Buin y vendía los productos que cosechábamos, tenía unos 150 paltos y mil nectarines. ¡Muy ricos! Ahora solo me quedan las paltas”.

Aunque mantuvo la comunicación con los demás miembros del grupo, no fue sino hasta 40 años después de independizarse que volvió a tocar con ellos, en el Teatro Caupolicán en Santiago. “Fue una linda experiencia y después volvimos a tocar un par de veces. Con ellos pasé por lo máximo y ahora estoy en una etapa más tranquila, pero siempre en actividad. Tampoco podría trabajar 100 shows al año como fue alguna vez, pero dejar de actuar no lo haría jamás”.

En Santiago volvió a encontrar el amor —lleva 22 años con su pareja— y supo lo que es ser abuelo. Cinco nietos ampliaron la familia; uno de ellos, que aún no cumple diez años, toca el piano. “Es lindo verlo y es motivador, porque es como una herencia que he dejado”.

—¿Qué significó ser reconocido como uno de los 100 Líderes Mayores?

“El reconocimiento me dice que sigo presente en el corazón de la gente, que cuento con el apoyo de muchas personas y que somos un ejemplo de que es posible seguir estando vigentes y siendo importantes para los demás”.

—¿Cómo siente que son tratados los adultos mayores en la actualidad?

“Creo que hay un respeto y un cariño por la gente mayor, sin duda alguna. Aunque hay excepciones y no deberían existir. En fin, no es el caso mío, lo importante es tratar de tener una actitud positiva frente a todo lo que nos pasa. Es cierto que hay personas que no pueden y que eso depende mucho de las experiencias de vida de cada uno”.

—¿Cómo enfrenta el envejecimiento?

“Tengo que confesar que no me siento viejo, esa es la realidad. Yo sé que soy mayor, porque voy a cumplir 80 años en poco tiempo más, pero no me siento así. Bueno, tengo algunos problemas de salud, sufrí un infarto hace años, pero eso está todo bajo control y trato de no llevar una vida pendiente de eso, para nada. Ah, la memoria me falla un poco, pero considerando la edad, es normal. Pero no me achaco por eso tampoco”.

Su rutina diaria comienza temprano por la mañana, haciendo ejercicio físico y luego un poco de ejercicios vocales. “Me acompaño con el piano y eso me entretiene”.

Eso sí, reconoce que hubo una época en la que no se cuidaba tanto y estuvo expuesto a excesos. “Era un borracho conocido, no un alcohólico anónimo”, suelta entre risas. “Un día me convencí de que tenía que parar y tomé la decisión de cuidarme. Hay gente que le entra a la fiesta y otros que no, y eso no es exclusivo del ambiente artístico, porque también hay abogados borrachos y médicos borrachos. En mi caso, tuve la fuerza de voluntad de decir ‘ya no más'. No fue fácil, pero yo quería seguir cantando y eso me estaba generando problemas en la voz, y aquí estoy”.

—¿Hay algo de lo que se arrepiente?

“¿De qué me podría arrepentir? Hay muchas cosas que no me atreví a hacer y otras cosas que no supe hacer bien, tal vez, lo cual es normal también y es parte de la vida. Podría decir que me hubiera gustado aprender otro idioma, por ejemplo, pero no fui capaz. Me dediqué un poco a la agricultura también, ya de grande, sin pegarle nada al asunto y funcionó por un tiempo. No es mi modo de vida tampoco, pero fue una manera de mantenerme activo. Lo mío siempre fue cantar; puedo haber fallado en otras cosas, pero tener ese tipo de dificultades no me frenó”.

—¿Está consciente de lo importante que ha sido su música para otras personas?

“Sin duda. Y es que para mí también lo es. Más de alguna pareja se ha acercado para decirme que con mis canciones se enamoró, se declaró, se casó y todo lo demás. Claro que escuchar eso es potente y uno se siente parte también de lo bueno, de muchas historias. De repente yo oigo cuates que cantan tan bien, con tantas cualidades y no logran lo que se merecen. Es curioso eso; algunos hablan de buena o mala suerte también. Pero creo que hay que estar en el lugar indicado, en el momento adecuado. Yo siempre estuve convencido de que a esto me iba a dedicar toda la vida, pero no me puse como meta alcanzar algún reconocimiento. Pero cuando llega, claro que te hace feliz”.

En el estudio de grabación que instaló en Santiago, tras volver a Chile a inicios de los 90. LA SEGUNDA

Junto a los integrantes originales de Los Ángeles Negros. De la Fuente es el primero a la izquierda. CEDIDA

Durante una presentación televisiva en Ecuador, en 1969. CEDIDA

Un abrazo de quenas y violines: la trastienda del primer show sinfónico de Illapu

 

La Tercera

El histórico grupo chileno se alista para su primer show sinfónico este domingo 27 de julio en Movistar Arena. Una experiencia que responde a un viejo anhelo. Se ha trabajado con 4 arreglistas una veintena de canciones, en distintos formatos. En charla con Culto, Roberto Márquez y el director de orquesta Juan Pablo Aguayo trazan las claves de un encuentro entre dos universos.

Por Felipe Retamal

La primera vez que Roberto Márquez estrechó la mano del director de orquesta Juan Pablo Aguayo, ocurrió en la calle. Fue el lunes 28 de octubre de 2019. El líder de Illapu había sido convidado a cantar junto a la Orquesta Sinfónica Nacional de Chile, afuera del Centro de Extensión Artística Cultural (CEAC) de la Universidad de Chile, a la salida de la estación Baquedano del Metro.

La idea era sacar a la música en la calle. Corrían los días del estallido social y Márquez, además de Nano Stern, interpretaron un repertorio que incluyó clásicos de la canción chilena como Gracias a la vida de Violeta Parra y El derecho de vivir en paz, de Víctor Jara.

“Ahí nos conocimos con Roberto”, recuerda Aguayo, quien por entonces era músico de la Sinfónica y hoy trabaja como director freelance de orquestas profesionales. “Poco tiempo después, me contactó y me dijo que quería hacer un show sinfónico. Nos pusimos a hablar, pero después quedó en nada”.

A Márquez le daba vueltas la idea de preparar una presentación sinfónica de Illapu. Pero lo más difícil era concretarlo. “En un momento teníamos la idea de armar una orquesta y hacer un concierto, pero era muy caro”, cuenta a Culto.

Pero el músico no claudicó y notó el vínculo que tenía Aguayo con la Orquesta Nacional Juvenil, en la que fue director residente durante siete años. Fue entonces que se encaminó la gestión. El mismo Márquez se lo propuso al director. “A fines del año pasado, me llamó Roberto -recuerda Aguayo-. Me dijo que estaba en conversaciones con la FOJI para tener a la Orquesta Sinfónica Nacional Juvenil. Así que ya podíamos ponernos a trabajar en el sinfónico, porque además ya tenían la fecha”.

Aquel fue el origen de Illapu Sinfónico, el concierto en que por primera vez el afamado grupo cultor de música popular, tocará junto a una orquesta. Una experiencia única que replica experiencias similares de músicos como Joan Manuel Serrat y Sting, que se está preparando con la producción de Bizarro con miras a presentarla el próximo domingo 27 de julio en Movistar Arena.

Para el grupo Illapu se trata de toda una aventura. En el pasado tuvieron un par de experiencias tocando junto a orquesta, pero en eventos acotados. La primera vez fue en 2010. “En Antofagasta participamos de un homenaje que se le hizo a [la poeta] Nelly Lemus -recuerda Roberto Márquez-. Ahí montamos con la Orquesta Sinfónica de Antofagasta los temas que hemos compuesto con poesía de Nelly Lemus. Después hicimos una segunda parte en el Teatro Municipal. Otra experiencia fue en el Teatro Municipal de Santiago, en ese día que tienen los trabajadores del teatro. Normalmente invitan músicos de distintas corrientes para hacer una gran gala. Y nos invitaron a nosotros. Aprovechamos de hacer El grito de la raza Sinfónico con los cuerpos de músicos, los cuerpos de baile. Son las dos experiencias que hemos tenido, pero que hemos tocado tangencialmente la música sinfónica, porque no estuvimos involucrados del todo”.

El trabajo de cara al concierto sinfónico comenzó a la altura de marzo de este año, con animadas charlas entre Roberto Márquez y Juan Pablo Aguayo. Lo primero fue definir el repertorio. “Conversamos qué temas se prestaban más para hacer arreglos sinfónicos. Ha sido un trabajo de mucho compartir. Hay canciones nuestras como Aunque los pasos toquen, que tienen un corte más clásico, mucho más fácil de llevar al mundo sinfónico. Pero por primera vez sentimos que estamos muy involucrados en un trabajo así”.

Por su lado, Juan Pablo Aguayo también propuso un listado de canciones para trabajar en formato sinfónico. “Mi lista coincidió bastante con las propuestas de Roberto y de José Miguel, a mí me gusta mucho Illapu -comenta-. Estoy muy contento porque la gran mayoría de las canciones a mí me encantan, hubo bastante coincidencia. Pero para mí, había tres canciones que eran muy importantes que estén; Arrurrú la faena, Condorcanqui y Aunque los pasos toquen. A mí me han marcado, sobre todo en mi vida universitaria”.

Luego hubo que trabajar los arreglos. Ahí Aguayo se encontró con una dificultad. “Illapu es un grupo muy completo, lleno de instrumentos, cuya música está ya muy completa. Distinto es cuando un cantautor hace un experimento sinfónico, por ejemplo, Serrat Sinfónico, o cuando Sting hizo su sinfónico, él modifica su banda y se pone a cantar arriba de la orquesta. Pero en este caso, es el grupo completo el que toca sus canciones y sobre eso había que pensar”.

Aguayo tiene sobrada experiencia en cruzar música popular y docta. Participó en la orquesta que acompañó a Sting en su aclamada presentación sinfónica en el Festival de Viña 2011 y por lo mismo, deseaba que la orquesta tuviera protagonismo. “Conozco muchas iniciativas de colaboración sinfónica. En las experiencias que he tenido con grupos populares, muchas veces se hace a la rápida, se encargan mal los arreglos y la orquesta no se luce. Entonces, yo siento que el gran desafío de todo este proceso, ha sido relevar la sonoridad de una orquesta sinfónica y que realmente haya una colaboración”.

Por lo mismo, entre Márquez y Aguayo dedicaron algunas tardes a escuchar otras experiencias; los shows sinfónicos de Joan Manuel Serrat, el trabajo de Sting, e incluso el afamado concierto S&M de Metallica junto a la Sinfónica de San Francisco. “Escuché todas esas -dice el líder de Illapu, quien asimismo, recordó su gusto por el rock-. Hay una versión de Blanca palidez [A Whiter Shade of Pale, de Procol Harum] que es increíble. Fue en un concierto al aire libre, donde están los músicos originales tocando con una orquesta sinfónica y el tema tomó un vuelo que es increíble. Estuve escarbando mucho de cosas que me gustan”.

Ya con las ideas más claras, se decidió contratar a cuatro arreglistas; Simón González, Rodrigo Santa María, Jimmy Beas y Giuliano Bertetti. “Llegaron por recomendación, por el lado de Roberto o por mi lado, conocíamos el trabajo de estos arreglistas”, dice Aguayo. Cada uno abordó un formato sinfónico distinto; canciones en que la orquesta acompaña a Illapu; otras en que la orquesta toma el protagonismo e Illapu solo interpretará sus características armonías vocales; temas instrumentales tocados por la orquesta; y otros en que se combinan el ensamble sinfónico con algún solista del conjunto. “Hay una diversidad que permite un concierto muy dinámico, va a ir sorprendiendo muchísimo”, apunta Roberto Márquez.

Con el paso de las semanas, se imponía probar el encuentro entre las quenas y el charango, con el violín y el cello. Se pudo escuchar por primera vez el pasado lunes 28 de abril. A eso de las 10 de la mañana, los transeúntes que se desplazaban por la estación Baquedano de la L1 del Metro, se encontraron con una sorpresiva presentación de Illapu, acompañados por 20 músicos de orquesta. Se trató de una prueba a pequeña escala, en que se escuchó Lejos del amor, Sobreviviendo y Morena esperanza.

La sorpresa fue mayúscula. En Lejos del amor, la clásica canción del disco En estos días, la orquesta arranca con una introducción, y luego se suma el conjunto. “Son canciones que tú tienes muy integradas y de repente sentirlas así, sentir violines, sentir instrumentos que tienen como otra sonoridad, te emociona profundamente. Nos permite ir redescubriendo las canciones”, recuerda Roberto Márquez.

Esa intervención se preparó con solo un ensayo de hora y media. “Sabíamos que en ese espacio del metro donde está todo el mundo pasando, lo importante era sonar, pese a todas las limitantes que tiene el lugar -cuenta Juan Pablo Aguayo, quien esa mañana llevó la batuta-. Fue una experiencia muy acotada, pero muy entretenida también, porque el grupo estaba muy sorprendido de cómo sonaban acompañados por una orquesta”.

En mayo pasado, Aguayo y Márquez asistieron a un ensayo de la Sinfónica Nacional Juvenil. “Fuimos a dar el vamos de manera oficial, y para que los chicos conocieran a Roberto -dice el director de orquesta-. Estaban súper felices, se querían sacar fotos con Roberto. En este concierto yo soy director invitado, pero conozco a los chicos porque fui parte de su proceso formativo, así que es como volver a casa. De hecho, los chicos me cantaban el Vuelvo. Estaban bien eufóricos de hacer esto”.

Hasta ahora, los músicos de Illapu solo han escuchado maquetas de los arreglos. Roberto Márquez se encarga de apuntar algunas observaciones para los arreglistas. “Las escucho y digo, ‘mira, aquí a lo mejor sería bueno que estos violines fueran más bien haciendo una suerte de acompañamiento o que en un momento los violines sean los que lleven la voz cantante’. Hemos estado haciendo ese ejercicio, nos involucramos”.

La hora de la verdad llegará este lunes 21 de julio, cuando arranque una serie de cinco ensayos en la sede de la FOJI. En total, están preparando 22 temas que recorren toda su carrera, incluyendo instrumentales. “En el mundo orquestal, como uno trabaja con partitura, se hacen solo cinco ensayos, luego se hacen los conciertos y después viene un nuevo repertorio. Ese es el funcionamiento habitual de una orquesta. Entonces, lo planteamos así”, explica Aguayo. Solo harán un ensayo en el Movistar Arena, el mismo día del show, el domingo 27, pues este ocurrirá entre la serie de siete conciertos sold out de Kidd Voodoo, en el mismo lugar.

En esos ensayos, Illapu podrá tocar junto a la orquesta completa, de 68 músicos. “Eso nos va a permitir esa intercomunicación que no tuvimos antes, de estar con los músicos, compartir con ellos, ver lo que pasa. Hay canciones que yo siento que para los músicos clásicos deben ser más complicadas, por ejemplo, los waynos o los ritmos más folclóricos que normalmente no son tan cuadrados. Va a ser una dinámica bien especial”.

Tras el show sinfónico, Illapu seguirá en la carretera con su gira En esos días de los 90, que inició el 31 de mayo en Temuco. Un tour en que repasan lo mejor del material que publicaron en esa década, que resultó exitosa para la agrupación, con discos como Vuelvo amor...vuelvo vida (1991), En estos días (1993), Multitudes (1995) y Morena Esperanza (1998). “Tomamos esos temas y armamos un concierto en que tú vas escuchando todos los temas que has querido siempre escuchar, pero todos juntos, de una vez”, apunta Márquez.

Este tour permite a Illapu repasar en el escenario temas asentados en el cancionero popular como Sincero Positivo, Volarás o Tres versos para una historia, pero también los llevarán nuevamente al estudio. El grupo se apresta a lanzar el álbum En esos días de los 90, en que regrabaron 12 temas de aquel tiempo, pero con su alineación actual y con un tratamiento de sonido envolvente Dolby Atmos, a cargo de Christopher Manhey en Omni Soundlab. “Estas cosas nos permiten actualizarnos, te vas enamorando de nuevo de las canciones. Es increíble”.

Gastón Soublette: Una vida providencial

 

La aparente dispersión temática de Gastón Soublette, en sus libros y opiniones sobre la coyuntura noticiosa, ocultaba una homogeneidad conceptual que daba sentido a todo su discurso. Siempre creyó que la vida en el universo no es casual. Ni siquiera la de cada uno de nosotros. Estaba convencido de que el mundo de lo desconocido, lo misterioso, se revela ante nosotros —se nos ofrece— si sabemos entender los símbolos y leer las señales. El pensamiento “soublettiano” siempre tuvo ese eje central.

MIGUEL LABORDE

Decía que “un hombre es lo que hace”. Podemos, entonces, considerarlo según qué hizo en este mundo. A primera vista, Soublette pareciera un ser disperso. Carreras universitarias inconclusas, incursiones en el cristianismo y budismo, libros sobre Confucio y películas contemporáneas, sobre música y de cultura tradicional de los campos de Chile, experto además en la cosmovisión mapuche. Hasta su aspecto parecía contradictorio: tan europeo, pero cubierto con un poncho, con el que se le veía, flauta en mano, perderse por los cerros de la cordillera de la Costa.

Hizo, en efecto, muchas cosas, las que no parecen responder a una trayectoria sistemática, como se espera de un filósofo formado en la cultura occidental que, además, cursó la carrera de Derecho.

Si seguimos con su pensamiento, no fue casual ese desorden aparente. Para un cristiano —y lo era—, a través suyo actuaba la Divina Providencia, la que lo guiaba hacia su destino, para él desconocido. Para un junguiano —y también lo era—, en su trayectoria se produjeron notables sincronías. Es decir, unas coincidencias significativas, entre ciertos sucesos externos y su estado psíquico interno.

Siempre creyó —con una fe persistente— que la vida en el universo no es casual. Ni siquiera la de cada uno de nosotros. Estaba convencido de que el mundo de lo desconocido, lo misterioso, se revela ante nosotros —se nos ofrece— si sabemos entender los símbolos y leer las señales. El pensamiento “soublettiano” siempre tuvo ese eje central.

Cuando nos preguntamos qué hacía él analizando a Mahler y sus sinfonías, lo que transmiten los símbolos de la alfarería mapuche y el libro chino de los cambios —el I Ching—, o las primeras banderas de la República de Chile, en todo encontramos la misma actitud vital, el mismo propósito de oír los mensajes que se ocultan detrás de la realidad aparente.

Como se ha recordado en estos días, tras su muerte reciente, su madre lo golpeó psíquicamente, cuando él era un niño, al decirle que ella no era su verdadera madre. Esa frase, que podría haber sido simplemente traumática, a él, providencialmente, le abrió una puerta amplia; pudo así descubrir que hay realidades muy diferentes, las que no aparecen a simple vista.

Esa familia suya, viñamarina, culta y melómana, refinada y de buen pasar, tan perfecta en sus expresiones, podía ser una apariencia que apenas recubría algo mucho más complejo. Un tema recurrente en la literatura y, lo que tanto le interesaba, en el cine.

Podíamos ir a ver “2001, Odisea del espacio”, y salir comentando la película, su imagen del futuro. Eso, para él, no era suficiente. Tenía que sumergirse en las ideas de su director, Stanley Kubrick, y encontrar detalles significativos que ofrecían otra perspectiva de su autor. Uno que, al igual que Soublette, tenía un complejo mundo interior y, de niño, sufrió la educación formal; asimismo, no siguió una formación académica regular, sino sus propias intuiciones… ¿Sincronía?

También hay constancia en su amor a la humanidad, amor extenso y sin fronteras. Si podía sumergirse en Japón, China y la India, en los mitos celtas y escandinavos, en las cosmovisiones mapuche y maya, es porque le fascinaba ver cómo el ser humano enfrenta el silencio de lo desconocido, con qué conexiones místicas o elaboraciones intelectuales busca el sentido de la vida. Encantado con esa diversidad que, en lo profundo, veía conectada por vasos comunicantes esenciales. En ello se explayó en su libro “El Cristo preexistente” (Ediciones UC, 2016), sobre el Evangelio cristiano y el Camino del Tao, de maravillosas sincronías.

Después de todo, y estaba muy consciente de ello, el ser humano se había abierto a lo desconocido al advertir que la espiral de la galaxia, en lo profundo de la bóveda celeste, era idéntica a la de la caparazón del pequeño caracol, lo que no parecía simple coincidencia. Y eso fue vivencia de todos los continentes.

Creer o saber

Aunque Soublette fue un gran conservador espiritual, en diálogo abierto a todas las tradiciones, también le interesaba el mundo de los agnósticos y los ateos. En el pensamiento de Jung descubrió un gran aporte porque, justamente, aunque este analista, de familia protestante, se había alejado de lo institucional para vivir su espiritualidad desde adentro hacia fuera, desde su ser interior: “No me interesa creer, yo sé”, llegó a escribir. Era una ruta apta para no creyentes, fundada en los arquetipos psíquicos de nuestra especie, compartidos por todos los pueblos. Se podía acceder a una búsqueda espiritual desde la fe, o sin ella. Y dialogar unos con otros.

Partió decepcionado de su cultura occidental y cristiana, proceso en el que comenzó a calibrar y valorar otras tradiciones, pero luego se reencontró con sus raíces. Percibió que era su portador, aun sin darse cuenta. Es por eso que se alejó de la India y sus gurúes —en tránsito hacia la iluminación, individual— y se concentró en la sabiduría china, que ofrece una búsqueda compartida con la comunidad. Por lo mismo, exactamente, siguió de largo en relación con Freud y sus exploraciones de la psiquis individual, y se sumergió en las teorías de Jung, quien, a través de los arquetipos, estudia lo que compartimos los seres humanos.

Si el cristiano cree en un orden, en el que se le aparece la Divina Providencia, y el junguiano puede observar la sincronía con que se relacionan los hechos exteriores con el mundo interior, Soublette buscó idear una alternativa transversal. De cómo el sujeto y el objeto, lo conocido y lo desconocido, la materia y el espíritu, se andan buscando en una suerte de danza universal, que los acerca y vincula, gracias a que hay una relación de “analogía” que relaciona al que busca con lo buscado.

Más cercano al arte que a la intelectualidad formal —finalmente, su formación fue esa, en el Conservatorio de París—, sus trabajos reflejan una radical convicción en el poder comunicativo de las artes, en especial, en su caso, de la poesía y la música, las que conoció y cultivó desde su infancia.

A través de ellas se conectaba, gozosamente, con el esplendor del mundo y con la armonía universal. En el primer caso, llegó a ser un activista ecológico, dolido —e indignado— ante el maltrato a una naturaleza que, bella y sobrecogedora —por analogía—, comunicaba el interior del ser humano con la admirable belleza del cosmos y sus misterios. Una naturaleza que es o puede ser un contacto con lo trascendente, lo que hizo de él un gran caminante por los cerros de la cordillera de la Costa, la cercana a su casaquinta de Limache. Esas percepciones, por lo demás, las vería compartidas por los sabios populares de los campos chilenos, y también por los sabios de pueblos originarios de América, todos hermanados por el mismo psiquismo y las mismas inquietudes espirituales de todas las culturas humanas.

En su libro “Poética del acontecer” (Editorial Universitaria, 2018) ahonda en las artes y sus revelaciones. La poesía puede ser reveladora de la esencia del acontecer, tal como la música, con sus epifanías, puede abrirnos a espacios interiores antes insospechados.

Como intelectual público, sus reacciones iban en esa línea; la pobreza, la mala educación, las indignidades que padecen los marginales, más allá de sí mismas, le parecían una violación al compromiso tácito que compartimos como humanidad. Si cada ser humano es portador de un misterio original y único, el que no pueda acceder a su plenitud —por condicionantes económicas y/o políticas— viene a ser una suerte de crimen espiritual.

La tierra justa

Orientalistas hay muchos, también junguianos y cinéfilos amantes de teorías que escudriñan los símbolos que aparecen en las películas. En todo eso, Gastón Soublette estaba acompañado. En lo que siguió una ruta menos transitada fue en la inmersión que hizo después en la sabiduría tradicional chilena.

Una vez más, la casualidad —Divina Providencia, sincronía, analogía— lo puso en el lugar correcto y en el momento preciso. En realidad, en dos de esas situaciones, complementarias. La primera, en 1956, cuando llegó una joven Violeta Parra a golpear su puerta en la Radio Chilena, propiedad de la Iglesia Católica —donde él dirigía la programación—, para pedirle ayuda; había memorizado cerca de tres mil canciones tradicionales chilenas, y no sabía cómo llevarlas a partituras. La segunda, cuando él fue a golpear la puerta del Instituto de Estética de la Universidad Católica, donde Fidel Sepúlveda Llanos —que pronto asumiría su dirección, en 1971— era un reconocido experto en saberes tradicionales de Chile; tanto así que tras su muerte, el año 2006, la Dirección de Archivos, Bibliotecas y Museos de Chile creó el premio anual que lleva su nombre para distinguir a personas o grupos que aporten al “patrimonio inmaterial de nuestro país”. El instituto sería el hogar intelectual de Soublette por casi medio siglo.

Violeta Parra le abrió la puerta para que él conociera esos saberes —“sapienciales”, le gustaba decir—, que, a través de canciones, cuentos, refranes o mitos, se transmiten de generación en generación. Una cultura de fuentes orales, de vida aparte de la oficial. Por ella conoció cultores, “sabios populares”, los que, como fue descubriendo, transmitían patrones éticos y estéticos, conductas e ideales humanos, caminos para quienes buscan su plenitud. Gente bien puesta en el mundo, capaz de dar gracias a la vida.

Fidel también le abrió una puerta a ese mundo que ya venía estudiando. Soublette, entonces, le hizo una propuesta. Tal como Confucio y Lao Tsé, que en China habían rescatado esos saberes superiores, de valores tradicionales que se veían amenazados por la centralista cultura imperial, ellos podrían emularlos en Chile, y también crear una serie de libros para rescatar esa sabiduría indo- hispana del siglo XVIII, de espíritu barroco, que los chilenos del siglo XIX habían descartado por anglofilia, francofilia, germanofilia. Por buscar el conocimiento moderno, habían dejado atrás la sabiduría espiritual.

De acuerdo los dos, dieron vida a una seguidilla notable, dedicados a los Cantos a lo humano y lo divino, a refranes y cuentos, a la cultura tradicional chilena.

Tal vez, en el caso del filósofo, ese es el aporte más relevante en su larga y compleja trayectoria, y no habría podido hacerlo en profundidad de no haber conocido antes las filosofías orientales y las teorías de Jung. Fue algo providencial —una vez más— porque fue ese bagaje el que le permitió aquilatar la profundidad de lo sapiencial chileno, distinto al pensamiento occidental preponderante.

No era un folclore sencillo y casi ingenuo, como se percibía desde la cultura oficial, sino alta sabiduría para humanizar el mundo. Algo necesario, antes y siempre, porque ofrecía pautas de conducta y un sentido de vida trascendente y pleno, acompasado con nuestra geografía. En sintonía, según él, con el mensaje que trajera el hijo de un carpintero, quien, también desde un entorno sencillo y rural, se transformó, como le gustaba decir, en quien cambió el paisaje cultural de toda Europa y América. Y cuyas enseñanzas fluían mucho más en la cultura tradicional que en la oficial.

El autor es director de Revista Universitaria.

Adiós, maestro: Gastón Soublette muere a los 98 años

Alrededor de 40 años tenía cuando fue retratado por Jorge Aravena Llanca, músico y fotógrafo hoy radicado en Alemania. Jorge Aravena Llanca

 Ganador del Premio Nacional de Humanidades y Ciencias Sociales 2023, sobresalió en distintos ámbitos, como la música, la docencia, la sabiduría ancestral, la religión cristiana, el mundo de los símbolos y de la cultura popular.

Maureen Lennon y Equipo Cultura

La frase se la lanzó Violeta Parra cuando lo conoció en Radio Chilena, en 1958: “Eres un pituco de mierda”. “Quería decirme que yo vivía en un mundo de absoluta inconsciencia de lo que sufría su pueblo”, señaló Gastón Soublette Asmussen en una entrevista concedida a “El Mercurio” en 2012, en los jardines del Campus Oriente de la Universidad Católica, donde dictó numerosos cursos de simbología del cine, sabiduría popular chilena, espiritualidad y arquitectura, entre otros tópicos. Fue, a nivel mundial, uno de los mayores expertos sobre la Catedral de Notre Dame de París.

No le gustaba que lo llamaran “gurú”, pero sin duda fue un maestro que marcó a fuego a numerosas generaciones. El sábado, alrededor de las 11:00 de la noche, falleció a raíz de una insuficiencia respiratoria, provocando un vacío y desazón enorme entre sus numerosos alumnos, seguidores y admiradores durante más de medio siglo. Un intelectual transversal que, pese a la frase intimidante de la autora de “Gracias a la vida”, terminó convertido en uno de sus más cercanos y fieles colaboradores artísticos.

“Mi atracción por la cultura popular se la debo a ella. Su arte, lo que ella cantaba, me interesó tremendamente y no hice el menor esfuerzo para que fuéramos amigos”, rememoraba en “Artes y Letras” en 2021, a propósito del lanzamiento de su libro “Marginales y marginados. Ensayo autobiográfico” (Ediciones UC). Entre otras anécdotas, destacó que la propia Violeta Parra se presentó cuando él dirigía la programación de Radio Chilena. “Ella apareció en mi oficina a pedirme que pusiera por escrito las melodías y las entonaciones de todo lo que ella había recopilado a lo largo de Chile, y ahí empezó nuestra amistad. Violeta es un ícono de la cultura popular chilena que vino a mi encuentro”.

Gonzalo Saavedra, crítico de música de “El Mercurio” y quien lo entrevistó para su programa “La música que cambió mi vida”, en Radio Beethoven, habla del trabajo musical de Gastón Soublette como “de amplio espectro” y pone en valor su asociación con Violeta Parra, entre 1958 y 1959, en la preparación de un libro que recién se publicaría veinte años después: “Cantos folklóricos chilenos”. Al respecto, señala: “Violeta, que nunca aprendió a escribir ni leer música, buscó a Soublette para cantarle de memoria las canciones que había recogido en su incesante investigación etnomusicológica por decenas de pueblos y él transcribió esas melodías a partituras”. Soublette, añade el crítico, recordaría después esa relación bonita y difícil, y declararía que Violeta fue su maestra y que “ella le mostró la cultura popular chilena, y especialmente su música, de ahí nacieron sus piezas que integran ‘Chile en cuatro cuerdas', y también su pensamiento político de izquierda, que, decía, no era otra cosa que estar del lado de los perdedores”.

Por su parte, la cantautora Isabel Parra, hija de Violeta, dice que “hemos tenido mucha suerte de que Gastón haya nacido por aquí, que sea nuestro y consciente de quiénes somos, de nuestros pueblos y continentes. Nos acerca y nos invita a reflexionar y a compartir su pensamiento con belleza y confianza en tiempos mejores”.

Sin cuello y corbata

Soublette se reconoció como una persona muy mal orientada en su juventud. Creyó que podía ser abogado o arquitecto, pero finalmente, dice, cometió un error. Estudió la carrera de Derecho, aunque no la ejerció. Luego, tras una beca, pudo estudiar en el Conservatorio de París, con maestros notables como Nadia Boulanger. “Ahí comenzó mi realización y, luego, la Universidad Católica me contrató como profesor en Filosofía y en el Instituto de Estética. Eso ha sido realmente mi oficio: soy un educador, un intelectual apto para la academia”, sostuvo. La verdadera vocación, decía, le llegó con retardo, “ya que antes fui diplomático, fui director artístico de Canal 13, cargos muy bien pagados, pero no me sentía muy bien vestido de cuello y corbata todos los días, con palabras de buena crianza o tener que asistir a grandes recepciones”.

Casado con la artista francesa Bernadette de Saint Luc, quien falleció en 2019 y con quien tuvo tres hijos (Violaine, Isabelle y Francisco), Gastón Soublette nació en Antofagasta el 29 de enero de 1927 y la música llegó a su vida como herencia familiar. Como él mismo señaló en diversas entrevistas, su abuela paterna, Rosa García-Vidaurre, fue compositora y sus obras fueron publicadas en Francia. Por el lado materno, su tío Julio Asmussen Urrutia fue un conocido dramaturgo y dirigió, hacia 1907, una orquesta sinfónica en Antofagasta. “Mi hermana Sylvia y mi hija Violaine tomaron el camino musical. También el director de orquesta Maximiano Valdés, uno de los pocos sobrinos que tengo que desertó de la política”, afirmó.

Autor, además, de una contundente bibliografía, gran parte de ella bajo ediciones UC, publicó, entre otros títulos, “Rostro de hombre”, “Sabiduría chilena de tradición oral”, “El Cristo preexistente”, “Tao Te King” (su versión castellana del texto del pensador chino Lao Tse) y “El I Ching y la sabiduría prehistórica”. En 2024 presentó la reedición de uno de los mayores clásicos de su carrera literaria, “Mahler. Música para las personas”, donde exploró la obra sinfónica de este compositor buscando las claves en el inconsciente del músico vienés. Soublette situaba a este creador, fallecido en Viena en 1911, como el continuador de Anton Bruckner (1824-1896), a quien Mahler consideraba su maestro. Para él, ambos músicos expresaron lo que él definió como “la religión cósmica”, ya que expresaron la inmensidad de la naturaleza en la música.

Gonzalo Saavedra afirma que Soublette se adentró con gran profundidad en la obra de Gustav Mahler y, entre otros hitos, emprendió la compleja tarea de transcribir para piano el primer y extenso movimiento de la Novena Sinfonía, que luego interpretaría Luis Alberto Latorre. Sobre su libro “Mahler. Música para las personas” (Ediciones UC, 2005 y 2024), sostiene que repasó “con una mirada tan erudita como personalísima las sinfonías del compositor bohemio, incluida la Décima, de la que solo quedó completo el Adagio inicial”. Saavedra también destaca que fue un excelente intérprete de los cientos de canciones de George e Ira Gershwin, “a los que admiraba muchísimo y tocaba ante la menor provocación”.

Un sabio necesario

Sin duda, un punto de inflexión en su extensa y dilatada carrera ocurrió el año 2023, cuando obtuvo el Premio Nacional de Humanidades y Ciencias Sociales. “Por unanimidad, hemos tomado la decisión considerando la condición de filósofo y esteta de la cultura tradicional chilena”, dijo el ministro de Educación, Nicolás Cataldo, al informar del máximo galardón a Soublette, y lo describió como “un sabio necesario en los tiempos que vivimos, un inspirador que reúne distintas actividades como pocos tienen”.

Javiera Blanco Herrera considera “un privilegio” haber sido una estrecha colaboradora de este destacado investigador, filósofo y músico. Fue su última ayudante en el Instituto de Estética de la UC, en los cursos “Simbología del cine” y “Poética del acontecer”. Recuerda con emoción que lideró en tres oportunidades su postulación al Premio Nacional, en 2019, 2021 y, finalmente, lo consiguió en 2023. Aclara que, hasta sus últimos años, tuvo el cargo de profesor asistente de la UC, “pero el compromiso no era dar clases, sino escribir. Gastón fue muy correcto y se comprometió a publicar dos o tres textos al año, bajo Ediciones UC”.

Blanco cuenta que dejó listo su último libro, “Miradas sobre el siervo de Dios”, y que se presentará próximamente. Su tesis, según explica la politóloga y gestora cultural, es que Jesús es el líder espiritual de Occidente. “Él fue un fiel seguidor de Jesús y acá está todo lo que no alcanzó a decir en ‘Rostro de hombre'. Lo aborda desde un punto de vista social, desde la justicia y su contacto con los pobres. Esas son las características que lo enamoraron de Jesús”. Destaca su impresionante convocatoria. “Cada vez que lo acompañaba a una clase o evento, era impresionante ver cómo lo seguían. Me imagino que, como en su época, también debieron seguir a Sócrates o a Aristóteles”.

En los últimos años, Gastón Soublette donó a la Universidad Católica más de 300 piezas elaboradas por pueblos originarios y recopiladas por él mismo, entre ellas, textiles, cerámica, líticos y platería, las que se exhiben en el Aula de Arte y Artesanía del Campus Oriente. En 2018, en tanto, junto a su hermana, la compositora Sylvia Soublette (quien falleció en 2020), donó su legado musical al Archivo de Música de la Biblioteca Nacional y, recientemente, entregó a la Universidad Alberto Hurtado (UAH) su piano de conciertos Blüthner. Juan Carlos Poveda, director del Instituto de Música de la UAH, señala que “hace un par de semanas tuvimos el honor de que don Gastón se acordara de nosotros, a través de nuestra académica, su hija Violaine Soublette, y nos donó un ejemplar precioso y que ahora está en el Aula Magna. Va a ser una manera de tenerlo siempre presente”, apunta.

Además, fue el creador del Grupo de los Veintiuno, que reunió a figuras de distintas disciplinas, como el director de orquesta Juan Pablo Izquierdo, el psiquiatra Otto Dörr, la arquitecta Cazú Zegers y el experto en patrimonio Miguel Laborde, para reflexionar en torno a la cultura.

Ayer, durante toda la jornada, decenas de vecinos y cercanos a la familia del académico se acercaron hasta su casa quinta, donde estaban siendo velados sus restos. También concurrieron representantes de diversas organizaciones del ámbito social y cultural.

Según informaron sus hijos, hoy al mediodía se realizará una misa fúnebre en la parroquia Nuestra Señora Purísima de las 40 Horas (Camilo Henríquez 35, Limache), y será sepultado en el Cementerio Uno de Valparaíso.

La Municipalidad de Limache decretó dos días de duelo comunal en su memoria y el alcalde Luciano Valenzuela señaló que “su legado no solo se refleja en el Premio Nacional de Humanidades, sino también en la obra que desarrolló a lo largo de toda su vida. Este duelo sobrepasa las barreras de Limache y es una pérdida a nivel nacional. Por lo mismo, nos sumamos también a todos los homenajes y expresiones de dolor por su partida”.

Gabriel Boric

Presidente de la República

a través de su Instagram

“Nos deja un grande. Gracias a Gastón Soublette entendemos mejor el saber, el decir y el contar de Chile. Nos acercó la cosmovisión del pueblo mapuche, el valor de lo rural y también la filosofía oriental. Abrió un diálogo intergeneracional tremendamente valioso para redescubrir desde el humanismo nuestra identidad y desde ahí enfrentar los desafíos de nuestro tiempo”.

Juan Carlos de la Llera

Rector Universidad Católica

“Él mismo nos recordaba recientemente que llegó a la UC con la convicción de abrir un espacio para las filosofías orientales, desde su vocación católica, buscando generar un verdadero diálogo de saberes, sin improvisaciones ni superficialidades. Ese mismo espíritu lo llevó a tender puentes entre la teología, la filosofía y la cultura tradicional chilena. Nunca olvidó —como él mismo decía— que fue Violeta Parra quien le enseñó a conocer y valorar la sabiduría del pueblo chileno, esa memoria oral tejida de cuentos, refranes y cantos a lo humano y a lo divino”.

Rosa Devés

Rectora Universidad de Chile

“El legado del profesor Gastón Soublette es un profundo mensaje de paz. Buscó y encontró verdades donde nadie más miraba, respetó y aprendió de culturas que no eran la suya, demostró lo que es ser maestro. Nos enseñó que la autoridad se ejerce desde la humildad, desde la apertura a lo distinto, sin miedo a los otros, sino amando aun antes de conocer”.

Ignacio Sánchez

Exrector Universidad Católica

“Fue una persona imprescindible en nuestra cultura y en el desarrollo de la universidad. Publicó gran cantidad de libros y artículos con ensayos breves, dando a conocer su pensamiento sobre diversas materias de alto nivel intelectual y académico, con gran acogida de la crítica y del público, lo que significó que varios de sus libros han sido reeditados. Los temas de historia y teoría del arte, el pensamiento filosófico de Oriente, la literatura y el cine lo atraían de manera especial. Tuve una gran relación de amistad con Gastón Soublette, lo admiré mucho. Se ha ido un amigo, un maestro, un profesor y una persona excepcional para la cultura chilena y para todos quienes pudimos aprender de él”.

Maximiano Valdés

Director de orquesta

“Luis Gastón Soublette, nuestro tío, emprendió su último viaje y seguramente llevó consigo el crepuscular Adagio de la Novena Sinfonía de Mahler, la música que él más amaba. Hombre bueno y sabio, fue guía de jóvenes y mayores que lo admiraron por la fuerza de sus ideas y por la coherencia de su vida esencial. Sus libros son testimonio de su fe en el Cristo histórico, ‘el ungido', como él lo llamaba, que fue centro y guía de toda su vida. Se le echará mucho de menos”.

Juan Pablo Izquierdo

Premio Nacional de Artes Musicales 2012

“Recuerdo a Gastón Soublette como un ser humano que encarnaba múltiples disciplinas de la cultura universal y de nuestra cultura chilena. Entregado por entero a compartir sus múltiples conocimientos e inquietudes. Tuvo una vasta y dedicada influencia en nuestro medio cultural y será para siempre recordado por su vocación por contribuir a la unidad y paz en nuestro mundo”.

Carmen Luisa Letelier

Premio Nacional de Artes Musicales 2010

“Era un hombre múltiple. Escribía, componía, era filósofo, folclorista. ¡De todo! Superdotado, y creció en una familia excepcional”.

Miguel Laborde

Director Revista Universitaria UC

“Gastón Soublette no fue abogado a pesar de sus estudios de Derecho, aunque agradecía haber aprendido a escribir memorizando textos de Andrés Bello. Ni fue la arquitectura su camino, aunque también le dedicó años, pero si uno observa su obra total, levantó un edificio completo. Se sumergió en mundos variados, desde las raíces indígenas hasta Jesús como gran héroe cultural además de divino —a quien dedicó un libro luminoso—, pasando por Mahler y la música como conexión para sentir el pulso y el sentido de la vida; también navegó en el I Ching y en Confucio, además del cine como portador de símbolos que tocan lo profundo de nuestra psiquis. Siguió un camino que no se parece a ningún otro, pero detrás de todo latía su mismo amor a la vida y sus misterios, los que enfrentaba desde una espiritualidad capaz de valorar a todas las demás. Era, como la obra de Robert Bolt, ‘Un hombre para la eternidad'”.

Cecilia García-Huidobro M.

Exdirectora Museo Violeta Parra

“En el mundo patrimonial, Gastón Soublette comprendió la voz del Chile profundo, en todas sus dimensiones. Defendió la preservación de barrios, pueblos y ciudades, los vestigios arqueológicos, las formas intangibles de vida. Su mirada fue la de un poeta y un esteta que vio en todas las manifestaciones culturales el plan de Dios”.

Clara Budnik

Directora de la Dibam (2000-2006)

“Fue un hombre clave para la cultura chilena. Esto que haya fallecido justo para el Día de los Patrimonios significa que no lo podemos olvidar: ¡Soublette es parte de nuestro patrimonio! Ha hecho tantas cosas. Fue un musicólogo fantástico, ensayista, estudioso del mundo popular, alguien que pensó muy bien Chile. Se introdujo. Eso debemos valorarlo. Patrimonio es el pasado, el presente y lo que queda para el futuro. ¡Soublette deja mucho para nuestro futuro!”.

Jorge Acevedo

Filósofo de la U. de Chile

“Tuve el agrado y el honor de conocer a Gastón Soublette dentro de las reuniones que mantenía hace algunos años el que denominamos Grupo de los Veintiuno. Me llamó la atención su atenta actitud hacia los otros integrantes del grupo, así como sus meditadas palabras, fruto de la experiencia de la vida y de un inmenso saber. También fue significativo presenciar sus extensos diálogos con el director de orquesta Juan Pablo Izquierdo, miembro destacado de esas reuniones. En cuanto a sus escritos, he sido asiduo lector de su excelente versión castellana comentada del Tao Te King, Libro del Tao y de su Virtud, de Lao Tse, felizmente publicada por la editorial Cuatro Vientos, obra que llama a ser leída y releída a través del tiempo”.

La faceta medioambientalista:

Su última lucha para salvar el patrimonio: un triunfo para Limache

Gastón Soublette habló de la naturaleza y su importancia muchos antes de que el cambio climático se considerara una amenaza.

Equipo Cultura

Gastón Soublette dio una larga lucha en temas medioambientales, mucho antes de que el cambio climático se tomará las tribunas públicas y de gobierno. Ya en los años 90 reflexionaba sobre el polémico proyecto de la represa Ralco en el Biobío, y en los últimos años se comprometió con la defensa de Limache, donde vivía desde hace décadas.

A inicios de este mes, recibió un resultado positivo. El cuestionado proyecto inmobiliario del Grupo San Isidro S.A., en la avenida Urmeneta, tuvo un revés en la Corte Suprema. El tribunal acogió la reclamación presentada por Soublette y un grupo de vecinos contra la Superintendencia de Medio Ambiente (SMA), obligándola a emitir un nuevo pronunciamiento respecto de la denuncia de elusión al Sistema de Evaluación de Impacto Ambiental (SEIA). Se determinó que la SMA incurrió en ilegalidad al no considerar, a la hora de evaluar su impacto ambiental, que el edificio proyectado se emplazaría en la zona de transición de la Reserva Mundial de la Biosfera La Campana-Peñuelas. La sentencia de la Suprema anula la dictada por el Segundo Tribunal Ambiental de Santiago, en 2022, que desestimó las alegaciones de Soublette y de la comunidad.

En esa ocasión, Soublette comentó: “Le habría dicho (al tribunal): según Confucio, lo que está en la forma se llama el objeto; sobre ella está el sentido. Acá la forma es la trama legal, pero el sentido es que esto es una aberración cultural. Los jueces deben moverse en estos planos. No solo sacar cuentas jurídicas, sino darse cuenta que están destruyendo el patrimonio de Limache”.

No fue la única pelea del académico. Antes del problema con la construcción de este edificio, Soublette había sido crítico con la instalación de la termoeléctrica Los Rulos en la zona, que había recibido una evaluación ambiental positiva en 2017. Un movimiento ciudadano interpuso recursos en la justicia, lo que recibió el apoyo del filósofo, quien participó en marchas y protestas en esos años. En 2022, la empresa dueña del proyecto Los Rulos, renunció a construirla.