miércoles, agosto 16, 2017

IV Festival Internacional de Guitarra Clásica de Santiago

Todos invitados al IV Festival Internacional de Guitarra Clásica de Santiago FIGS 2017.

INSCRIPCIONES ABIERTAS (Alumnos Activos y Alumnos Pasivos).
Más info: festival.figs@gmail.com

Figuras internacionales se reúnen en gran festival de saxofón

El Mercurio

Desde hoy en Santiago e Iquique.
El chileno Álvaro Collao , residente en Austria, impulsa por segundo año el Chile Sax Fest y el Tarapacá Música Fest.  

Romina de la Sotta Donoso 

Tras el éxito de convocatoria que tuvo el año pasado, el saxofonista iquiqueño residente en Viena Álvaro Collao León (1985) repite esta semana y la próxima los dos festivales que él diseñó y organizó: Chile Sax Fest y Tarapacá Música Fest, ambos con clases magistrales, workshops y conciertos de gala y educativos.

El impacto de los festivales en la comunidad no será menor este año: Collao sumó más apoyos y cuenta con la agrupación cultural "Pampa Alegre" como co-organizadora. La mayoría de las actividades son gratuitas para el público y los eventos se financian con colaboraciones que ha reunido en Austria, y propias. "Amo lo que hago, y tengo fe de que esto quedará en la memoria de los mas jóvenes", dice el saxofonista. Destaca que en 2016, además de que hubo conciertos en Santiago, Iquique y Alto Hospicio, participaron tres mil jóvenes, entre estudiantes y músicos, y hubo cursos de perfeccionamiento y laboratorios de orquesta y de improvisación.

Variedad de estilos

El Chile Sax Fest se realizará desde hoy y hasta el domingo en Santiago. Vienen 12 músicos extranjeros invitados, entre los que se cuentan Vincent David (París), el Mobilis Saxophon Quartett, con su virtuoso solista Michael Krenn (Viena), y Yukiko Itawa (Tokio), entre otros. De los chilenos se destaca el conjunto de jazz Contracuarteto.

Vincent David, asegura Collao, "es una figura excepcional, un ídolo mundial, debido a su perfección técnica y, sobre todo, la flexibilidad incomparable en la interpretación de cada estilo musical".

Aprovechando que el saxofón ha tomado un rol protagónico en el jazz y la música clásica, habrá una gran variedad estilística en la programación. Se interpretará, por ejemplo, "New York Counterpoint" de Steve Reich, para ensamble de saxos, y también se tocarán obras de Bach, Debussy y Ligeti, además de piezas de Friedrich Cerha y música tradicional japonesa de Ryo Noda (Chilesaxfest.com).

El Tarapacá Música Fest, en tanto, se realizará del 22 al 27 de agosto. "Buscamos propuestas musical y pedagógicamente interesantes", aclara Collao. Todos los días habrá cursos de perfeccionamiento con los artistas invitados, así como workshops de música de cámara. Se sumarán tres flash mob y cuatro conciertos de mediodía, más siete de gala. Serán 20 actividades desplegadas en colegios, centros culturales, teatros y museos de Iquique, pero también en el Teatro de Humberstone y en Alto Hospicio (Tarapacamusicafest.com).

Una de las estrellas que Álvaro Collao invitó el año pasado a estos festivales, el famoso saxofonista estadounidense Andy Middleton, es enfático: "Fue una experiencia fascinante y emocionante y espero volver a ser invitado", dice, y destaca la impronta educativa, el nivel de los músicos, los novedosos estrenos y el entusiasmo del público.

El jazz espacial de Novas Trío aterriza en el GAM

El Mercurio

El ensamble experimental de fusiones estrena en Chile el disco "Gravity's empire", con actuaciones subsiguientes en Concepción y Temuco.  

IÑIGO DÍAZ 

No tiene un nombre pero ya es todo un símbolo en la estética y la gráfica del grupo Novas Trío. El personaje fue creado por la ilustradora Francisca Meneses, conocida como Frannerd, como encargo especial.

"Un oso moderno, medio estrella, que usa anteojos y es todo un hipster ", dijo la artista durante la primera visita de este trío de jazz contemporáneo y experimental nacido en Nueva York, cuando en una tableta ella improvisó dibujos que luego se proyectaban en una pantalla en el club Thelonious mientras los músicos tocaban.

El oso vuelve a estar en la carátula de un disco, titulado "Gravity's empire" (Discos Pendiente), y Novas Trío vuelve a aterrizar en Chile, cuatro años después, para dar tres conciertos de presentación de este nuevo material. El oso, esta vez, flota en el espacio en un traje de cosmonauta, conectado a su transbordador interestelar. Este viernes la serie en vivo comienza en el GAM (19:30, $3.000 a $7.000), el 25 tocan en el bar Callejón (Concepción) y el 26 en la U. de La Frontera (Temuco).

"En los inicios estábamos más que nada probando cosas. Teníamos temas donde se notaba el swing. Durante las giras por las costas este y oeste de Estados Unidos fuimos viendo qué nos gustaba a nosotros y cómo respondía el público. Ahora la improvisación es más directa, más rock, funk y fusión", define el baterista Rodrigo Recabarren.

El grupo se completa con el también chileno Carlos Vera Larrucea (vibráfono) y el estadounidense Jeff Miles (guitarra). "Musicalmente dimos rienda suelta a la imaginación de cada uno, sin complejos de ningún tipo. Jeff está más a la vanguardia y a mí me tira mi formación clásica. El hecho de no tener un bajista abre todas las posibilidades", dice Vera Larrucea, quien vive en Munich y es percusionista de la Orquesta de la Ópera de Bavaria.

El propio nombre del grupo, Novas Trío, da cuenta de ese fenómeno. "Un día íbamos a tocar en cuarteto y el contrabajista no se presentó. Tocamos igual y nos gustó el sonido, por eso nos bautizamos así: Novas, 'no bass", dice Recabarren, desde 2009 neoyorquino por adopción. "Hoy existe aquí toda una escena de ensambles, grupos distintos a los cuartetos o quintetos tradicionales, que exploran sonidos, jazz-rock, improvisación, fusión contemporánea. Somos parte de esa generación", completa.

El Teatro Regional del Biobío en su recta final

El Mercurio

Fue anhelado durante años por Concepción. Tras una serie de anuncios y postergaciones, el edificio debería ver la luz en diciembre y abrir a público en marzo, con una sala principal para 1.200 personas. Así se cierra una larga historia de ilusiones y tropiezos que partió a mediados de la década del 90, con la actuación del legendario tenor Luciano Pavarotti en la zona.

Maureen Lennon Zaninovic

Francisca Peró Gubler (38) es actriz titulada de la Universidad Católica y, hasta febrero de este año, se desempeñó como coordinadora de programación del Centro Cultural Gabriela Mistral (GAM). Desde hace aproximadamente seis meses ya está radicada en la ciudad de Concepción. "Me vine de Santiago con todo: con mi marido, mi hijo y hasta el gato", revela con humor a Artes y Letras.

La profesional postuló a un concurso público en diciembre del 2016, quedó en una lista de cinco finalistas y -a fines de enero- la confirmaron como directora ejecutiva del Teatro Regional del Biobío, uno de los proyectos culturales más anhelados por la comunidad penquista y que después de una larga y polémica espera, finalmente, debería abrir a público en marzo del 2018.

"El Ministerio de Obras Públicas (MOP) ya nos confirmó que la fecha de finalización de las obras será en diciembre de este año. Queremos inaugurar el primer trimestre del 2018 y lo más probable es que sea antes del 10 de marzo", añade Francisca Peró, aludiendo al término del gobierno de Michelle Bachelet.

Los trabajos de este teatro diseñado por el arquitecto chileno Smiljan Radic (ver nota relacionada) revelan más de un 70% de avance. "El anuncio del MOP y el contar con fechas más claras y definitivas, nos está permitiendo trabajar en el evento de la inauguración. Estamos preparando algo muy especial, que queremos mantener en sorpresa. Sí pretendemos que sea un acto abierto, gratuito y que resalte el edificio mismo, que es una obra bien impactante", dice la directora.

Peró reconoce que no tiene estudios en gestión cultural y que no es de la zona. "Soy actriz y bachiller en humanidades. No tengo formación en gestión cultural, pero no veo eso como una desventaja, porque mi gran escuela fue el GAM. Si no hubiera pasado por este espacio, creo que habría sido necesario formarme en otras áreas", advierte, y agrega que le llamó la atención que la escogieran, tomando en cuenta que no nació ni se crió en la VIII Región. "Siendo un proyecto tan emblemático para esta ciudad, me sorprendió que me seleccionaran a mí, pero, por otro lado, mi equipo es penquista y, en todo este tiempo, he buscado vincularme con los artistas de la zona. Además, el hecho de venir de afuera, creo que puede ser un aporte en términos de una mirada más objetiva e independiente", dice.

Ya está trabajando con un pequeño equipo de avanzada que, además de ella, suma a Andrea Alcaíno, como directora de comunicaciones; Matías Ulibarri, como jefe técnico, y Macarena Muñoz, como jefa de administración y finanzas. También se acaban de designar los nuevos directores de la Corporación del Teatro Regional del Biobío: Mario Cabrera, de la Fundación Cepas; Arnoldo Wëber, en representación de Artistas del Acero; Igor Concha, de la Universidad del Biobío, Pablo Gaete, de Balmaceda Arte Joven; Sergio Muñoz Cid, de la Compañía Perfiles y Siluetas, un representante de la Municipalidad de Concepción y cinco miembros del Consejo de Gobierno Regional (Core).

"No tenemos contemplada una producción propia de ópera para el 2018"

El financiamiento de este escenario asciende a 1.900 millones de pesos anuales. "Como muchos teatros de este tipo, estamos apuntando a un financiamiento mixto, es decir, que incluya aportes del gobierno regional, del Consejo Nacional de la Cultura y de las Artes, más los recursos que podamos levantar desde el mundo privado e ingresos por el arriendo de nuestras salas", explica Francisca Peró.

-¿Está definida la programación del 2018?
"Decidimos proyectar distintas líneas programáticas partiendo de una base: las artes escénicas contemporáneas. Una de nuestras líneas será la música clásica internacional y nacional, con un importante énfasis en lo regional, dándoles espacio a las orquestas juveniles locales que tienen gran impacto en esta zona. Como la sala principal, con un aforo de 1.200 personas, es multipropósito, también queremos programar música popular y rock, tanto nacional como internacional. El 16 de agosto vamos a lanzar una convocatoria para que los artistas de la región puedan formar parte de la cartelera del 2018, en danza, teatro y música. Uno de nuestros planes es crear un comité de programación conformado por artistas que no hayan quedado seleccionados en esta convocatoria inicial y que nos guíen en el diseño de la cartelera. Junto con ello, en el directorio de la corporación se formó un comité asesor de programación, que apoyará a la dirección ejecutiva en esta materia" .
"Además se está preparando una producción propia de teatro que se va a estrenar a fines de marzo o a inicios de abril del 2018, y estamos cerrando convenios con los teatros Municipal de Chillán y el Municipal de Santiago: de este último mostraremos una de sus producciones, pero aún no está definido si va a ser una ópera o un ballet. También cerramos una alianza con el GAM y el Corredor Biobío, y hay avanzadas conversaciones para sellar convenios con el Ballet Nacional Chileno y Matucana 100. Más allá de la magnitud de los metros cuadrados del edificio, este teatro tiene un escenario que es casi del mismo tamaño de la futura sala del GAM, con un foso adecuado para albergar a una orquesta sinfónica. Tiene las dimensiones para mostrar grandes espectáculos. Hay muchos desafíos que debemos asumir en esta primera etapa y, al menos en el primer año, no tendremos una ópera de producción propia. Más adelante sí queremos incursionar en el género lírico".

-¿Ha tenido conversaciones con el equipo del Teatro de la Universidad de Concepción y con los directores del Teatro del Lago?
"Nos reunimos con las autoridades del Teatro de la Universidad de Concepción y se está analizando, con su directora, Lilian Quezada, cómo podemos trabajar en conjunto. Ojalá podamos relacionarnos. Conozco a Carmen Gloria Larenas, directora artística del Teatro del Lago, pero aún no he tenido con ella una reunión presencial y me encantaría poder hacerlo a la brevedad".

-¿Cuentan con estudios de audiencia?
"El Consejo Nacional de la Cultura hizo todo un estudio previo, antes de construir este edificio y que señala, con bastante claridad, cuáles son los hábitos de consumo de la región y la cantidad de funciones programadas. Nosotros vamos a trabajar con un programa de formación de audiencias, vinculado - sin duda- a los estudiantes, adultos, niños y la tercera edad".

-¿Habrá cuerpos estables?
"No, de ningún tipo. El modelo de gestión tiene, en ese sentido, varios elementos cercanos a Matucana 100 y al GAM. El teatro tampoco contempla a las artes visuales. Se ha definido como un centro de artes escénicas, cuyo objetivo primordial es acoger producciones de calidad, tanto internacionales, como nacionales y regionales, con algunas producciones propias, pero sin cuerpos estables".
"El modelo de gestión tiene, en ese sentido, varios elementos cercanos a Matucana 100 y al GAM. El teatro no contempla cuerpos estables. Se ha definido como un centro de artes escénicas". '
'Más allá de la magnitud de los metros cuadrados del edificio, este teatro tiene un escenario, que es casi del mismo tamaño de la futura sala del GAM, con un foso adecuado para albergar a una orquesta sinfónica".

 Juan Eduardo King, impulsor del Teatro Pencopolitano: "Lo importante es la gestión"

Fue en 1994 cuando la nostalgia por el hermoso Teatro Municipal de Concepción, abatido por el terremoto de 1960, convocó a un grupo de connotados vecinos, para conformar la Corporación Teatro Pencopolitano.

El 15 de diciembre de 1995 trajeron hasta la VIII Región al famoso tenor Luciano Pavarotti, para poner en evidencia que la ciudad necesitaba con suma urgencia un coliseo acorde a su entusiasta demanda cultural. El sueño de contar con un teatro prendió fuerte y el renombrado arquitecto Borja Huidobro se entusiasmó tanto, que se lanzó al diseño del edificio. El proyecto era ambicioso: ocho pisos, dos escenarios y muchas salas para espectáculos y ensayos. ¿Qué pasó después?

"El ex Presidente Eduardo Frei nos apoyó fuertemente con la idea. Formamos, en 1994, una corporación que de 64 vecinos pasamos a sumar a más de 2.500 personas. Yo fui el primer presidente de la corporación y durante el gobierno de Ricardo Lagos pensaba que el teatro ya debería estar listo, pero el intendente de la época empezó a poner objeciones. Comenzamos a polemizar por la prensa y, finalmente, el proyecto se diluyó", rememora el abogado Juan Eduardo King, quien además fue seremi de Cultura durante el gobierno de Sebastián Piñera. "En ese período presidencial sí se retomó el teatro, pero se me pidió como condición abrir una licitación pública, lo que me trajo serios problemas con el arquitecto Borja Huidobro. Pero lo más importante es que al teatro se le dio un impulso real y, finalmente, es un hecho que se va a inaugurar muy pronto. Como Corporación Teatro Pencopolitano decimos 'misión cumplida'", adelanta King.

El profesional plantea a Artes y Letras algunas aprehensiones sobre la conformación del actual directorio de la Corporación Teatro Regional del Biobío: "Hay representantes de la sociedad civil y del Gobierno Regional (Core), lo que claramente supone una intencionalidad política, porque todos los partidos quieren estar presentes. Nuestra corporación, por ejemplo, que ha sido la madre de este proyecto, es socia, pero no es miembro del directorio", dice.

Juan Eduardo King no quiere ahondar en la polémica y añade que siente optimismo ante el futuro de este escenario. Confía en que no será "un elefante blanco".

"Lo importante es que se gestione bien y tengo fe en que sí se hará. Eso sí, el edificio de la Philharmonie de Hamburgo se inauguró un día específico, pero comenzó a funcionar tres años después, porque el diseño de programación se debe hacer con tiempo, sobre todo si estamos pensando en una programación internacional. Esa preparación no la he visto en Concepción", remata.

Smiljan Radic: "Es un teatro de nivel mundial"

Aunque el arquitecto Smiljan Radic -responsable entre otros elogiados proyectos de la ampliación del Museo Chileno de Arte Precolombino- ganó el concurso de diseño en 2011, la primera piedra del Teatro Regional del Biobío se puso recién en 2015. "Los que trabajamos en el levantamiento de infraestructura pública sabemos que los procesos son largos y cansadores. Hay que tener paciencia y lo importante es que este edificio sí se va a terminar", advierte a Artes y Letras.

Ubicado en la ribera norte del río Biobío, entre los puentes Llacolén y Chacabuco, el Teatro Regional del Biobío tiene una altura de 30 metros y su largo equivale al frontis del Palacio de La Moneda. La superficie construida alcanza los 9.786 metros cuadrados, un poco menos que la famosa Ópera Garnier de París. Tendrá una sala principal de 1.200 butacas y una sala de cámara con 250 sillas retráctiles, además de salas para ensayo, una cafetería y una tienda.

"La totalidad del edificio es de hormigón armado y su interior está envuelto en una membrana PTFE, es decir, fibra de vidrio revestida en teflón", dice Radic y agrega que "en rigor, el teatro está pensado para ser un teatro nacional en la región. Esa fue la estrategia que quisimos implementar, aunque oficialmente lo llamamos teatro regional. Por las dimensiones de su sala principal, por todo el equipamiento técnico, puede recibir producciones de las más importantes capitales artísticas como Buenos Aires. Es un teatro de nivel mundial".

El arquitecto añade que diseñó una gran sala polifuncional, "con acústica asistida, que perfectamente -si estuviera bien administrada- podría estar abierta a público todos los días del año. No es una acústica especializada, sino una que permite una mayor eficiencia".

Uno de los elementos que más resaltan del edificio es el hall de acceso. "En los teatros europeos es muy relevante el espacio previo al ingreso a la sala, es decir, se considera que antes de entrar a un espectáculo hay una serie de actos sociales, una manera de aproximarse, de vestirse, de encontrarse con amigos, que forman parte de la función del teatro y necesitan una plaza pública para mostrarse. Por eso diseñé un espacio público generoso, pensando a una escala urbana y para una ciudad como Concepción, donde llueve mucho y la gente necesita un espacio amplio donde no esté apretujada. Este hall va a tener una gran instalación lumínica del artista Iván Navarro. La idea es que este hall pase a ser parte del espectáculo".

Ángel y Javiera Parra: "Es emocionante que Violeta nos invada artísticamente"

El Mercurio

El viernes 19, los hermanos realizarán un concierto en el Nescafé de las Artes para presentar el disco "Las últimas composiciones de Violeta Parra". Luego seguirán con homenajes en el extranjero, en las ciudades de París y Bruselas.  

Eduardo Miranda 

Querían montar juntos "El poeta frente al mar", que su padre había compuesto años atrás. Pero Javiera Parra se detuvo en seco. "Le dije al Angelito que no podía cantar esta canción. Lo intenté, pero fue imposible porque me hacía recordar las giras con mi papá, nosotros cuando chicos, el exilio, la separación".

La cantante cuenta el episodio emocionada y su hermano recuerda los días posteriores al 11 de marzo, tras la muerte de su padre, el músico Ángel Parra: "Ensayábamos y la Javi se iba a llorar y yo también. Estábamos frágiles".

Los hermanos Javiera y Ángel Parra Orrego visten de negro y en cada episodio de su conversación recuerdan al padre. Están los momentos finales en París, algunos consejos y también cuando le presentaron parte del material de su trabajo en conjunto, una versión de "Las últimas composiciones de Violeta Parra", que conmemora los 50 años de una de las creaciones fundamentales de la discografía local. "Él estaba contento pero muy cansado, porque eran sus días finales de vida", cuenta Ángel y luego agrega. "Ha sido importante trabajar en toda la obra de la Violeta para no estar ensimismados. La reunión como hermanos es importante para sobrellevar todo".

Aunque se han presentado en el Teatro Oriente, en el festival REC en Concepción y también en Lollapalooza, los hermanos volverán a subirse al escenario para tocar el disco íntegro, el 19 de agosto en el teatro Nescafé de las Artes. Con ellos estarán los músicos Ismael Oddó, Federico Faure, Andy Baeza y Eduardo del Campo. "Es la primera vez que presentaremos el disco con los arreglos y con una banda que se ha ido sumando con mucha generosidad", comenta Javiera sobre la producción donde también registra la voz de su padre en un par de canciones.

La idea de grabar una versión del disco nació el año pasado. Los hermanos querían hacer un homenaje a las creaciones de su abuela, Violeta Parra, y comenzaron a ensayar con guitarras, un charango, un cuatro y un bombo. Pero también hay una razón que escapa a lo emotivo: desde 1996, todos los derechos de explotación y comercialización de "Las últimas composiciones" están en poder de Pedro Valdebenito, un ingeniero eléctrico quien compró el catálogo de la desaparecida disquera RCA Víctor.

"Grabamos estas canciones a raíz de lo que pasa con el máster original: esta especie de secuestro que no se puede editar, no se puede vender ni nada. Es absurdo que el mejor disco de nuestra historia no esté en la familia ni disponible para la gente, que no se pueda descargar. Esta es una razón para recuperarlo", explica Javiera Parra.

Los hermanos también se detienen en la herencia artística que han recibido. "Fui descubriendo el mundo de la Violeta con bastante lata, cuando era chico. Sin ganas, porque escuchábamos otra música. Éramos un poco rockeros y estábamos en rebeldía con el lugar de donde veníamos porque era muy fuerte la carga", confiesa Ángel. Y luego admite: "Pero a esta edad uno se siente cada día más orgulloso y seguimos un legado que tomó nuestro padre".

Javiera también toma la palabra: "Fuimos conscientes de tener carreras propias, pero igual es emocionante que la Violeta nos invada artísticamente". Y finaliza: "Ahora que estamos en la mitad de la vida, más que nunca, nos damos cuenta que Violeta sigue siendo la voz de los araucanos, de los chilotes, los mineros y los estudiantes. Sus canciones compuestas hace 50 años son verdades universales".

Los hermanos Parra continuarán con una gira internacional para presentar este disco. El 25 de septiembre estarán en Bruselas y luego llegarán al Festival de Biarritz, donde se exhibirá un documental sobre la vida de su padre. El 2 de octubre se presentarán en el Theatre de la Ville, en París, y tres días después llegarán a la ciudad de Bordeaux, para participar en el Festival Le Rocher de Palmer. También estarán en la feria del libro en México.

Para Verlos

El día viernes 19  alas 21:00 horas , se realizará el concierto en el teatro Nescafé de las artes.
 Una gira internacional

lunes, agosto 14, 2017

Los Vidrios Quebrados reviven en blanco y negro


El Mercurio

Al cumplirse medio siglo de su disco "Fictions", un libro recopila fotografías inéditas de una banda que rompió moldes en los 60.

Con una memoria privilegiada, el bajista Cristián Larraín recuerda aquella mañana de otoño de 1967, cuando Los Vidrios Quebrados tuvieron su sesión fotográfica más importante. Ataviados con largos abrigos oscuros, el cuarteto capitalino fue retratado por el lente de dos aficionados, Juan Casassus y Nicolás Luco, en el Parque Juan XXIII de Ñuñoa. "Fue un día con buena luz, e, incluso, nos vestimos un poquito más ad hoc ", recuerda. "Los fotógrafos nos fueron diciendo dónde y cómo colocarnos, un poco imitando a Los Beatles en la película 'A Hard Day's Night'. Si tú miras las fotos, hay algunas similitudes".

En septiembre de ese año, cuatro de esas imágenes fueron incluidas en la portada y contraportada de "Fictions", el primer y único LP de la banda, y que marcó un hito en el rock chileno al ser el primero compuesto íntegramente por sus intérpretes. Sin embargo, el grueso de este registro fotográfico estuvo perdido por casi medio siglo, hasta que los negativos llegaron a las manos del cantante Juan Mateo O'Brien. "Estaban muy bien protegidos cuando los recibí", dice este último. "Cuando nos tomamos esas fotos, la idea no era aparecer riéndonos, sino tener caras medio hurañas, como de chicos malos (risas). Era la estética de esa época".

Tras recoger este archivo, O'Brien se lo entregó a Aldo Benincasa -ex The Ganjas y avezado fotógrafo de rock- quien digitalizó el material. Y, posteriormente, Gonzalo Planet -bajista de Matorral y autor de la investigación "Se oyen los pasos"- llevó este hallazgo al papel. El resultado es "Ficciones: Los mil días de Los Vidrios Quebrados" (Libros del Pez Espiral, Cápsula Discos), un libro que recopila cerca de 50 imágenes inéditas del grupo y será lanzado oficialmente a comienzos de septiembre (ver recuadro). La fecha será la excusa para que O'Brien y Larraín suban juntos por primera vez a un escenario desde los 60 y, acompañados de una banda de apoyo, interpreten "Fictions" completo, en una jornada donde recordarán a sus fallecidos compañeros Juan Enrique Garcés y Héctor Sepúlveda.

Además de las fotografías en blanco y negro, el libro incluye recortes de prensa de la época y textos del propio Planet y O'Brien en formato bilingüe español-inglés. "La idea surgió porque, primero, el disco de Los Vidrios Quebrados está cantado en inglés", dice Planet. "Pero, principalmente, porque hay mucho público de la banda en el extranjero. De hecho, la más reciente reedición de 'Fictions' la hizo el sello Lion Productions, en Estados Unidos, una edición muy bien cuidada como nunca se hizo en Chile. Pensamos que podría funcionar para el público local y también para afuera".

Un disco bisagra

A pesar de que nunca alcanzó el éxito masivo, "Fictions" es un disco que rompió varias barreras en la industria musical chilena. En una época en que los sellos locales todavía le exigían a las bandas tocar covers , Los Vidrios Quebrados grabaron con el pequeño sello UES Producciones -una subsidiaria de la multinacional RCA, destinada a publicar proyectos universitarios- para tener libertad creativa. "El disco se mantuvo como una pieza de culto por dos razones: primero, porque tuvimos la buena o mala suerte de salir el mismo mes en que salió 'Sgt. Pepper's' (de Los Beatles) y pasamos un poco desapercibidos", dice Larraín. "Y, a poco andar, esta música rockera fue perdiendo espacio por la música más contingente y todos los cambios políticos del país".

Además de lograr un sonido con toques de beat y folk rock, la banda se distinguía de sus pares por sus dos motores creativos: el aventajado guitarrista Héctor Sepúlveda, quien fue el director musical de "Fictions", y el rico imaginario de las letras de O'Brien. "Mi papá era hijo de irlandés y me leía mucho a (Oscar) Wilde. Y, por otro lado, mi mamá escribió tres novelas. Y yo tomé de ellos este amor por la palabra escrita", dice el cantante. "Aporté mi granito con las letras en inglés, que eran atingentes a cosas que importaban en esa época, y que todavía importan hoy, como la diversidad".
A pesar de que la banda tuvo corta vida, el legado de "Fictions" creció con el paso del tiempo. En las últimas décadas, el disco fue reeditado en países como Japón, Bélgica, Inglaterra, Estados Unidos y España. "Cuando vi estas fotos, fue sumamente divertido verse tan joven y con tantas ganas de hacer cosas", reflexiona Larraín, quien hoy labora como radiólogo en la Clínica Alemana y el Hospital del Trabajador. "Reescuchando 'Fictions' me doy cuenta de que tiene cosas muy interesantes y los arreglos son bastante complicados. Me asombra cómo se construyó este material en un tiempo en que solo teníamos el entusiasmo y el espíritu amateur ".

"Estábamos en una onda de reconstruir el mundo"
   
Diez años antes de inmortalizar a Los Vidrios Quebrados, Juan Casassus fue parte de uno de los primeros conjuntos rock que hubo en Chile: Headliners, una banda que tuvo hasta un fan club . "El 67 estuve sacando fotografías y la familia de Cristián Larraín nos contactó para hacer una sesión con la banda", dice el filósofo y doctor en Sociología de la Educación. "En ese momento, yo estaba influenciado por dos cosas muy fuertes: la película 'Blow up' y Los Beatles. Tú puedes reconocer ese tipo de estética en las fotos".

La dupla Casassus-Luco también retrató los vitrales de la capilla del colegio Verbo Divino, los mismos que fueron la base del collage de la icónica portada de "Fictions". "Los 60 eran un instante de renovación tremenda y estos amigos, a quienes yo conocí de rebote, estaban en una etapa de creatividad muy fuerte", relata Luco, periodista y columnista semanal de "El Mercurio". "En las fotos, tú ves la agresividad creativa de estos gallos. Estábamos todos en una onda de reconstruir el mundo".

Además de la sesión en el Parque Juan XXIII, el libro de Gonzalo Planet incluye una serie de instantáneas capturadas en una casa de calle Cienfuegos que pertenecía a la familia del baterista, Juan Enrique Garcés. "Hay fotos de la cotidianeidad de la banda, probablemente en momentos previos a los ensayos", cuenta el autor.

Los mismos O'Brien y Larraín junto a una banda de apoyo, reinterpretarán en vivo Fictions íntegro para lanzar el libro el Sábado 2 de Septiembre de 2017 a las 21 hrs en Sala SCD Egaña (Mall Plaza Egaña, Ñuñoa, Stgo). Entrada general: $5.000.

En vivo: Lanzamiento libro Ficciones. Los mil días de Los Vidrios Quebrados
Sábado 2 de Septiembre 2017, 21:00 hrs.
Sala SCD Egaña (Mall Plaza Egaña, Av. Larraín 5872 local T4, Metro Plaza Egaña, Ñuñoa, Stgo).
Entrada general: $5.000.
Tickets en línea disponibles en www.dticket.cl, y en boletería de Sala SCD Egaña.


Fito Páez: "El mundo es un hervidero de escenas dantescas, y es muy difícil que eso no te inspire"

El Mercurio

El músico argentino vuelve el 15 de noviembre a Santiago con una gira de grandes éxitos que empalmará con el nuevo disco que lanzará antes de fin de año. "Creo que será una bomba", adelanta el cantautor.  

JOSÉ VÁSQUEZ 

El video no alcanzó a transformarse en viral, pero es una secuencia reveladora que da cuenta de que Fito Páez también se rindió al "Despacito" de Luis Fonsi. Claro que en una versión mucho más libre y al piano, en la marca registrada del cantautor.

"Fue una anécdota bastante graciosa", cuenta el argentino recordando el momento en que participaba, en junio pasado, de la inauguración de la academia musical de su socio artístico Guillermo Vadalá, Let it beat, en Miami. "Pasó que justo en un momento de silencio, antes de comenzar a improvisar, sonó un teléfono con el comienzo de la canción, lo que me llevó a ese juego delirante, montándome sobre ese ringtone ", dice la voz de "A rodar mi vida" en sintonía con el éxito del año.

Páez se expresa relajado, con la liviandad con que se entregó al hit histórico de YouTube y se abre a dar pistas sobre su próximo álbum, que todavía se encuentra en proceso de mezcla, pero que promete lanzar antes de fin de año. Un título con el que seguramente llegará en su regreso a Santiago para su postergado concierto -inicialmente era en abril pasado-, que realizará el próximo 15 de noviembre en el Movistar Arena, un espectáculo que se promociona como una retrospectiva de su carrera y que empalmará con su nueva producción. "Creo que será una bomba, me tiene muy entusiasmado", dice el músico.

-¿De qué habla el nuevo disco?
"Ahora estoy a punto de iniciar la mezcla, me llevó un año desde que comencé a componerlo. El mundo es un hervidero de escenas dantescas y es muy difícil que eso no te inspire. Por otro lado, cada uno sigue su viaje interior y del choque de esos dos mundos surgió este material. Es muy difícil hablar de una obra cuando aún no está terminada, pero sí puedo decir que es un álbum bien ecléctico y que fue en gran parte tocado en vivo en los estudios The Hit Factory Criteria de Miami, que tiene una sala de grabación como pocas en el mundo y nos permitió tocar a todos juntos logrando un audio puro y salvaje".

-Este año se cumplen 30 años de "Ciudad de pobres corazones", ¿ha pensado en realizar una gira a propósito del aniversario de este disco, como lo hizo antes con "Giros" y "El amor después del amor"?
"Es difícil. Todos los álbumes cumplen años y ya decidí no festejarlos más porque a los que no se les hace fiesta se enojan. Y tienen razón. Pero posiblemente le dediquemos un buen tramo del concierto a 'Ciudad de pobres corazones' en Santiago, lugar donde fui abrazado con amor, del de verdad, en aquel momento tan triste de mi vida (el disco fue influenciado por el terrible asesinato de su abuela y su tía abuela en su Rosario natal)".

-¿Por qué cree que hay tanto interés en revivir específicas épocas pasadas a través de la música?
"Es que nadie quiere envejecer, y cuando se suceden aquellos conciertos hay una nostalgia que recorre la atmósfera de los shows. De todas maneras no me considero un hombre nostálgico y por eso casi todo el repertorio, de todos mis álbumes, fue revisado a través de todos estos años como si fueran canciones escritas mañana. La música del corazón, hecha con amor y dedicación, persiste a través del tiempo, porque la música no tiene tiempo".

 Entradas a la venta "Retrospectiva, Grandes Éxitos" tiene entradas disponibles en Puntoticket desde los $21.000 a los $120.000

sábado, agosto 12, 2017

La música, poderoso estimulador de la neuroplasticidad cerebral

El Mercurio

El psicobiólogo y músico español Jordi A. Jauset se refiere a los descubrimientos del campo de la neurociencia que demuestran que la música impacta positivamente en la formación de los niños y también en la etapa de la neurodegeneración celular.  

Por Juan Antonio Muñoz H. 

¿Podemos vivir sin la música? "Absolutamente, no", define Jordi A. Jauset, máster en psicobiología y neurociencia cognitiva de la Universidad Autónoma de Barcelona y profesor superior de música. "La música es innata al ser humano, como el movimiento o la danza. Son aspectos propios porque implican un significado de alegría, de cohesión, de relación, y el ser humano es un ser totalmente relacional. El ser humano necesita de la música".

Pero no solo la necesidad de la música se impone como foco de interés, sino también la particularidad de la música como arte capaz de penetrar el organismo, pues las ondas sonoras viajan por el cuerpo lo que implica modificaciones en nuestro interior, al punto de poder alterar nuestro metabolismo y aun nuestra información genética.

Jauset hace una distinción: "A veces decimos que hay música cuando escuchamos a un grupo que está cantando, pero eso no es cierto: lo que ellos producen son vibraciones mecánicas que nuestro cerebro interpreta como música. A nivel físico, la música es la variación de la presión atmosférica. Sucede también con la visión, que también es una interpretación del cerebro. Para entender por qué la música nos influye, es básico entender cuál es el origen físico de la música, cómo el sistema auditivo capta esa energía y cómo la transforma en impulsos eléctricos que van a distintas partes del cerebro. La neurociencia lo ha podido explicar a nivel de imágenes, pero es más fácil hacerlo con algo tangible que con algo que no lo es. Entonces hay un poco de misterio... Siempre digo que la música no es magia, pero tiene magia y la neurociencia nos ayuda a descubrir esa magia".

El gran error

Por cierto, la música evoca emociones, y por eso las personas se conectan con determinadas formas de música o con determinadas melodías. Pero, ¿dónde radica la importancia de que las emociones sean evocadas?

Simplemente en que "las emociones son lo más poderoso que tiene todo ser humano ya que movilizan todos nuestros recursos", puntualiza Jauset. "Cuando entendemos que la música está modificando niveles de transmisores y efectuando ciertas conexiones en determinadas partes del cerebro es que podemos empezar a pensar por qué la música puede aplicarse para mejorar la calidad de vida o por qué la música es útil para estimular las funciones cognitivas".

Aunque los avances respecto de estos conocimientos son cada vez mayores y en muchos países gracias a ellos se han cambiado hasta los programas educativos, en Chile -y también en España, como comenta Jordi A. Jauset- la música sigue estando relegada. "Eso es un gran error. Ojalá que vengan los políticos a escuchar la conferencia (ver recuadro). La música es fundamental para desarrollar a la persona como un ser humano íntegro, porque está súper comprobado que estimula las funciones cognitivas, la atención, la concentración. La música es un poderoso estimulador de la neuroplasticidad cerebral. Hay diferencias entre el cerebro de un niño que estudia música de uno que no lo hace: tiene áreas de mayor densidad neuronal, áreas de mayor densidad de materia blanca, volúmenes superiores en el cerebelo. Todo eso le da la posibilidad de una mayor transferencia de información. Hay una línea de investigación nueva que ha observado que como todos los cerebros de los músicos tienen estas densidades mayores, cuando llega la etapa de la neurodegeneración celular, la llamada tercera edad, los músicos van a tener esta neurodegeneración más lenta, lo que se va a traducir en una mejor calidad de vida".

En este punto es interesante que en enfermos de Alzheimer se ha visto que olvidan muchas cosas, pero no la música que escuchaban. "Esto continúa siendo un misterio", dice Jauset. "Se han hecho estudios para ver cuáles son las áreas del cerebro que permiten conservar la música. En los enfermos de Alzheimer se ha detectado que esas áreas que conservan la música tienen la misma densidad de amiloides que todas las demás, pero en ellas no se traduce en un mal metabolismo de la glucosa, como sí ocurre en otras áreas del cerebro. El punto es que no se sabe por qué".

La voz y los mantras: armas poderosas

¿Y qué sucede con la voz? Muchas veces conectamos con una voz y no con otra. Hay voces que una persona siente que le pertenecen y otras que le parecen ajenas. "La voz es el instrumento musical más perfecto. Y es precisamente por su gran capacidad para llegar a otro. La voz es el primer contacto de una madre con su hijo, a través del canto. La voz es un arma muy potente", dice Jauset.

En un mundo más elaborado también es posible establecer que se da una conexión superior entre una voz determinada y una sensibilidad determinada. También hay una cultura que integra el proceso, lo mismo que ocurre con la música instrumental. Es difícil pensar que alguien de una cultura poco nutrida vaya a conectar fácilmente con música compuesta, por ejemplo, por Debussy o por Alban Berg. Lo mismo ocurre con las voces; es más probable que mucha más gente conecte con el espectáculo de una voz potente o que hace cosas sorprendentes, que con una voz que ofrece un mensaje interpretativo de otro orden.

"Tuve una experiencia extraordinaria con la voz en Praga", comenta Jordi A. Jauset. "La ópera y el canto no me han atraído nunca tanto como la música instrumental. Pero una vez, en una iglesia pequeña fui a un concierto en el que cantaba una soprano. No olvidaré nunca las sensaciones que tuve al escuchar su voz y la conexión tan especial que tuve con esa persona. Se me ha venido ahora a la memoria, y mientras lo relato he estado viviendo durante algunos segundos esa experiencia otra vez".

Esto, que a muchos puede parecerle un pensamiento de nueva generación, es algo que las civilizaciones antiguas también supieron. El mejor ejemplo de ello lo encontramos en los mantras. "El mantra más importante que existe es nuestro propio nombre. Ha habido casos de personas que han estado en coma y han salido de él o bien porque se les ha llamado muchas veces por su nombre, porque el nombre es nuestra identidad, o bien porque han escuchado música que les ha evocado algo y han sido estimulados por ella. Se está descubriendo que el cerebro capta cosas incluso en estado de coma. Hay antiguos mantras en sánscrito que al parecer lo que logran es producir una determinada vibración que a través del paladar, por unos canales similares a los yadis de la acupuntura, llegan hasta la hipófisis, centro del cerebro que regula muchas cosas. Yo creo que si tú estás convencido de algo o si para ti una determinada palabra tiene fuerza o poder, ese es tu mantra".

Jordi A. Jauset conversará con Francisco Claro, doctor en Física , sobre el asombroso poder de la música en el cuerpo, la mente y nuestros genes. Todo, como parte de un nuevo Encuentros El Mercurio que se desarrollará el miércoles 16 de agosto, a las 19:30 horas, en el Teatro Mori Parque Arauco. El valor de la entrada es de 8.000 pesos para público general y de 6.000 pesos para socios del Club de Lectores. Más información y venta de entradas en el sitio http://encuentros.elmercurio.com. 

Juana Molina, música argentina: "Siempre trabajé testarudamente sola"

El Mercurio

La artista regresa a Chile para presentar su último disco, "Halo", en dos conciertos que prometen ser un viaje introspectivo y atmosférico hacia la esencia de este álbum.  

Claudia Montecinos 

Determinada y auténtica. Así se muestra Juana Molina, una de las compositoras más importantes de la escena musical trasandina, que este fin de semana vuelve a Santiago con dos fechas en el Teatro San Ginés, enmarcadas en las Red Bull Music Academy Sessions.

Con siete discos de estudio y veinte años de carrera, Juana Molina ha impuesto su sello personal. A lo largo de este proceso fue incorporando sonoridades que privilegian la generación de ambientes psicodélicos.

Ha contado su historia muchas veces, pero nunca deja de sorprender. Su nombre comenzó a resonar por su trabajo de actriz en la televisión argentina y no por su música. En entrevistas ha explicado que éste fue un medio para financiar lo que realmente quería hacer: canciones.

En este rubro tuvo tal éxito que llegó a protagonizar durante tres años su propio show televisivo, Juana y sus hermanas. Sin embargo, cuando quedó embarazada se retiró para volcarse a la música, ante lo cual la prensa y sus seguidores reaccionaron negativamente.

"Fue muy difícil para el público tolerar que yo cambiara de carrera. Era muy querida como actriz y el público no quería que yo dejara de hacer eso", comenta.

Había lanzado su primer álbum, "Rara" (1996), y en Argentina eso parecía no importar. La explosión vino con el disco "Segundo" (2000), que le permitió traspasar las fronteras y cautivar al público de Europa, EE.UU. y Asia, donde solo conocían su música. Ese fue el puntapié de una exitosa carrera artística.

"Cuando grabé 'Segundo', tomé un camino que es el que sigo hasta ahora. Creo que ahí está la semilla de todo lo que vino después, solo que en cada disco se fueron desarrollando diferentes aspectos sugeridos en ese disco", agrega.

En este proceso el uso de loops y sintetizadores es una característica propia de los álbumes de la argentina, quien hace magia solo con su guitarra y algunas máquinas. Y aunque la presencia de la tecnología permanece en todos los discos, asegura carecer de una relación cercana con los más recientes avances. "No me llevo muy bien con la tecnología, por eso hace tantos años trabajo con casi los mismos elementos.", explica.

Actualmente, es una referente consolidada en la vanguardia musical, no sólo por su trabajo artístico, sino también por su claridad para trazar su propia ruta. Ese estilo personal la ha llevado a desarrollar y experimentar con plena libertad su música, para llegar a un punto en el que los aprendizajes están claros.

"Con el trabajo se va aprendiendo y mi aprendizaje fue lento porque siempre trabajé testarudamente sola", confiesa. Del mismo modo que visualiza sus objetivos: "La prioridad número uno siempre es la satisfacción personal. Una vez alcanzada esa meta, la preocupación es poder transmitir lo más fidedignamente posible lo que se hizo en el disco en los shows en vivo".

"Halo" en vivo

Hoy el motivo que la trae de vuelta es la presentación de su séptimo álbum, "Halo", alabado como uno de los discos más relevantes del año. A través de sus doce temas consagra su estilo vanguardista y atmosférico, que evoca un viaje a mundos oníricos y misteriosos.

Según Molina, el proceso de composición de este álbum, y de todos los anteriores, es un trabajo que evoluciona en la medida en que compone las canciones: "Nunca tengo una intención previa. Es una intención simultánea, en presente".

En vivo esa idea espontánea se materializa en otro formato, que tiene como prioridad resguardar la esencia de las composiciones, y al mismo tiempo interpretarlas de manera distinta en formato de trío, junto a sus músicos Diego López de Arcaute (batería) y Odín Schwartz (bajo). Aquí también cobra relevancia el público como una fuerza activa dentro del concierto, que es llamado a entregarse a la música.

"El público es importantísimo. Me gusta que estén parados porque se crea una energía que de otro modo no se da. Hacemos muy pocos shows con el público sentado, la diferencia es enorme. Cuando están sentados siento que tengo que llevar la carreta adelante, cuando están parados todos vamos en avión", expresa.

Coordenadas
Fechas:Sábado 12 de agosto 22:00 hrs. Domingo 13 de agosto 21:00 hrs.Lugar: Teatro San Ginés (Mallinkrodt 76). 

La vida de Mario Galeano Toro es la cumbia

El Mercurio

Denominado como el responsable de llevar la cumbia al mundo entero, el músico colombiano del Frente Cumbiero repasa el auge alternativo del género, mientras se prepara para presentarse en Santiago, el próximo jueves 17 de agosto.  

Felipe Ramos 

M ario Galeano Toro viene de pasar unos días fuera de Bogotá, por lo que lleva "un tiempito" trabajando en su casa antes de partir en una minigira que lo tendrá tocando en Chile y Argentina, en lo que es su primera visita a nuestro país desde que estuviera en el festival Sonar, en diciembre de 2015. Tal como en aquella ocasión, el músico colombiano estará presentando un Dj Set en el Bar Loreto, basado en su trabajo con el Frente Cumbiero, uno de sus tres proyectos que lo mantienen -junto a Los Pirañas y Ondatrópica- como uno de los artistas más activos de su país y que le han valido ser llamado "El comandante de la Cumbia" y que "El País" de España lo situara como el responsable del reposicionamiento de la cumbia en el mundo.

Si bien ha dedicado gran parte de su vida adulta a posicionar los ritmos colombianos y caribeños, trabajando con artistas de la talla de Mad Professor y Jorge Drexler, él rehúsa todos estos apelativos que los medios le han dado. "Yo no sé de donde vienen estos términos. Quizás sea porque el Frente Cumbiero surgió antes de que apareciera esta nueva moda alrededor de la cumbia. Ahora son afirmaciones muy grandilocuentes que no tienen pies ni cabeza, ya que el resurgimiento de la cumbia ha tenido muchos protagonistas", dice.

Aunque se piense que Colombia y la cumbia van de la mano los 365 días del año, la verdad es que la gran mayoría ve a este género como algo anticuado que solo se escucha y baila para Navidad. De acuerdo con Galeano Toro, "la cumbia hasta los años 80 estaba presente en todos los ámbitos, pero luego fue relegada por el vallenato, transformándose en algo muy tradicional y campesino. Hoy la radio colombiana pasa vallenato, reggaeton , un poco de salsa y pop gringo, pero no cumbia".

-La cumbia por estos lados está en boga desde hace años, pero adquiriendo un ribete más alternativo. Pasa con ustedes y Bomba Estéreo en Colombia, con la chicha peruana, con Gepe, Villa Cariño y Chico Trujillo en Chile. ¿A qué atribuyes este movimiento latinoamericano?
"Yo estimo que este resurgimiento tiene que ver exclusivamente con internet a partir de finales de los 90 y principios de los 2000. Esto hizo saltarnos esas 'biblias' de la música que nos decían qué era adecuado escuchar o no, lo que permitió a proyectos como el Frente Cumbiero estar en contacto con gente en Argentina, México, España u Holanda. Al entrar en esta comunicación más directa, se va construyendo una comunidad que adquiere una visibilidad hacia afuera".

Aunque se ha hecho un nombre a través de los ritmos caribeños, Mario Galeano Toro comenzó tocando rock y jazz a principios de los 90. De ahí creó el Ensamble Polifónico Vallenato, grupo que él mismo define como muy experimental y ruidista, que básicamente tocaban un tipo de vallenato y cumbia politonal muy denso. Esos fueron los primeros pasos a finales de los 90, pero poco a poco comenzó a investigar sobre la cumbia en el continente, viajando a México, Perú y Argentina, y creándose un mapa mental para aportar con un proyecto de corte latinoamericanista.

-Además del Frente Cumbiero realizas tus DJ Sets y estás metido en estos otros grupos. ¿Cómo separas tu trabajo creativo en cada proyecto?
"Los tres proyectos tienen un corte tropical, pero con ángulos muy diferentes. Ondatrópica es muy de raíz, en el cual tocamos con músicos mayores y que tiene una visión más clásica, con una orquesta, vientos, timbales y cantantes, teniendo un repertorio más tradicional. A su vez, Los Pirañas tienen un sonido más brutal, en la psicodélica y el ruido; mientras que el Frente Cumbiero está más centrado hacia la pista de baile, con elementos del dub y electrónicos".

-Para un artista colombiano que comenzó en el rock y jazz, debe ser interesante perfilarse desde un sonido tan propio como la cumbia, género que ha sido apropiado por artistas de la talla de David Byrne.
"Lo que nosotros hacemos en Bogotá no está muy presente en los medios colombianos; sin embargo, tiene una presencia underground muy interesante. Entonces es muy importante tener una escena haciendo un ejercicio de colonización en contraposición de lo que viene desde Europa y Estados Unidos. Nosotros hacemos una resistencia sonora no desde una perspectiva colombiana, sino más latinoamericanista que habla de las vivencias que pasan en nuestros países. Esta resistencia está fundamentada en investigación, creación y difusión, y al fin de cuentas esto enriquece el lenguaje universal de la música. Si todos nos hacemos expertos en rock vamos a terminar con una mirada anglocentrista y creo que es importante que existan diferentes epicentros de búsqueda de otras estéticas".

Ritmo pirata

"Baile Bucanero" se llama el segundo disco de Ondatrópica, uno influenciado por los mitos e historias de los piratas ingleses que llegaron al Caribe. Consultado si existe un sonido en común que vaya desde la costa colombiana hasta las Bahamas, esa mezcla entre cumbia, reggae, dub y calipso, Galeano Toro dice que básicamente es la misma factura musical con los mismos ingredientes mezclados de diferentes formas. "Quien esté al otro lado del Caribe y escuche la cumbia o el porro colombiano va a encontrar elementos absolutamente comunes. Eso mismo pasa en Nicaragua o Nueva Orleans, y eso es lo que tratamos de buscar en este disco de Ondatrópica. Ahora hay mucho interés por la música haitiana, donde no se habla ni inglés ni francés", señala.

-En Chile hemos recibido una gran cantidad de inmigrantes colombianos y haitianos. ¿Cómo crees que eso influenciará los sonidos que escuchamos acá?
"Por la posición geográfica de Chile, esas cosas más negras no han tenido tanta difusión, y la cumbia que llegó al sur de Latinoamérica ya pasó por un proceso de mediación de la industria musical, donde se ablandó para no ser tan agresiva. Definitivamente existen otras vertientes más afro que tienen un golpe mucho más contundente".

-Yendo a tu DJ Set, ¿qué es lo que buscas en tus fiestas?
"Básicamente, llevo la música del Frente Cumbiero con sintetizadores, máquinas de ritmo y lo mezclo con vinilos de cumbia, dub y música africana, presentando una línea particular de los ritmos cumbieros que espero que sea del gusto de los hermanos chilenos que irán a bailar".

 Desentrañando el fenómeno "Despacito"

Mario Galeano Toro, además de participar en tres grupos, es músico de formación y estudió composición centrado en Música Popular en la Universidad de Rotterdam. Desde su posición como conocedor de los ritmos centroamericanos, desmenuza el fenómeno de "Despacito", el gran éxito planetario de Luis Fonzi y Daddy Yankee. Según él, todo "tiene que ver con la preparación de los meses y años interiores en los cuales el reggaeton estaba haciendo una fuerza en el ámbito global. Así pasó con los temas de Enrique Iglesias, y luego con el hecho de que Justin Bieber haya metido elementos del reggaeton en su sonido. Todo eso pavimentó la llegada de este megahit cuya clave está en el propio 'Despacito', que puede cantar cualquier persona sin importar el idioma que hable".

Mario Galeano Toro estará en Bar Loreto (Loreto 435, Recoleta) el próximo jueves 17 de agosto, a las 22:00 horas. El precio de las entradas es de 8.000 pesos en preventa, a través de la página Music Jungle, y de 10.000 pesos en la puerta del bar el día del evento.

viernes, agosto 11, 2017

Instauran el Día Nacional del Circo

El Mercurio

Se celebrará el primer sábado de septiembre de cada año. En el país hay 120 compañías circenses.  

Por Martín Cifuentes Fuentes 

La noticia la recibieron con aplausos. "Este es uno de nuestros grandes triunfos", señala Joaquín Maluenda, el "Tachuela grande", presidente de la Asociación Gremial de Empresarios y Artistas Circenses de Chile, que representa a 120 compañías y cinco mil artistas del rubro. Ayer, el Diario Oficial publicó la Ley N° 21.026, del Ministerio del Interior, que establece el primer sábado de septiembre de cada año como el Día Nacional del Circo Chileno.

"El mundo circense se rige por el Día Mundial del Circo en abril, que nombró la princesa Estefanía de Mónaco, pero eso no nos corresponde, porque en septiembre se inician las Fiestas Patrias y el circo", plantea Maluenda.

Esta ley surgió de una moción parlamentaria impulsada por los diputados Roberto Poblete, Claudio Arriagada, Ramón Farías, Issa Kort, Leonardo Soto, Guillermo Teillier, Víctor Torres, Daniela Cicardini, Maya Fernández y María José Hoffmann.

Para el sábado 2 de septiembre próximo la asociación gremial ha organizado un desfile por la Alameda y una función especial en el GAM, donde se distinguirán a los artistas de mayor trayectoria.
Esta ley se suma a la de Protección y Fomento al Circo. "Queremos crear un Premio Nacional del Circo. Uno ve que el Tony Caluga se fue sin reconocimiento y eso no debe ser", dice Maluenda.

Saxo de la historia: Joe Lovano encabeza el Festival Chile Jazz

El Mercurio

El solista que marca toda una época en el jazz contemporáneo llega con su Classic Quartet. El programa para octubre anuncia también a la guitarrista Camila Meza y la premiada big band Mapocho Orquesta.  

IÑIGO DÍAZ 

Ni un Grammy como el que consiguió por su fundamental disco "52nd Street themes" (2000) ni otras 14 nominaciones a la estatuilla del fonógrafo ni la elección del público y la crítica al mejor saxofonista tenor del año en revistas como Down Beat o Jazz Times, donde su nombre es habitual. Nada de eso se puede comparar con escuchar una arremetida al saxo de Joe Lovano (1952).

"En una grabación que rescatamos de un antiguo festival de la radio Classica, hay un momento donde el gran Rick Margitza está tocando un solo. Pero cuando viene el turno de Joe Lovano, le pasa por encima con una fuerza y una musicalidad impresionantes. En Estados Unidos ya se hablaba sobre que él era el saxofonista de los 90", dice el baterista de jazz Alejandro Espinosa, recordando la noche en que Lovano tocó por primera y única vez en Chile, en el Teatro Baquedano, en 1992.

Veinticinco años después, el tenorista regresa a Chile para encabezar el programa del Festival Chile Jazz, organizado por la Corporación Cultural CChC. En su tercera edición presentará conciertos en cuatro ciudades durante octubre. Joe Lovano aterriza con su Classic Quartet, que integran Lawrence Fields (piano), Peter Slavov (contrabajo) y Otis Brown III (batería).

"Indudablemente, Joe Lovano no es un innovador como fue John Coltrane, pero él generó toda una escuela en nuestros tiempos. En cuanto a sonido, a enfoque y a la manera de expresarse muchos saxofonistas comenzaron en su línea o siguen alineados con él", dice el crítico de jazz Roberto Barahona. "Una vez le hice un comentario acerca de que yo pensaba que existía un 'sonido Lovano' en el jazz moderno. Entonces su señora lo empezó a reprender, diciéndole, '¿ves que es cierto lo que te digo?' Ni Lovano lo veía tan claro", agrega.

El festival es gratuito, con retiro de invitaciones, y tendrá fechas en el Teatro Oriente de Santiago (11 de octubre), el Teatro Sala 2 de Concepción (12), el Teatro Municipal de Valparaíso (13) y el Teatro Centenario de La Serena (14). El cartel suma a la cantante y guitarrista chilena radicada en Nueva York, Camila Meza, que organiza un cuarteto con músicos nacionales, y también a la Mapocho Orquesta, big band que viene de obtener el premio Pulsar.

"La característica principal es la itinerancia de un festival sin sede fija: lo planteamos como una caravana de música. Tiene también un acento en lo visual, con escenografías e iluminación que encargamos a artistas. No nos interesan los rayos láser ni las pantallas led, sino la cercanía que se da en estas salas entre músicos y público, que además podrá acceder a charlas y encuentros con los músicos durante el año", describe Miguel Luis Lagos, organizador del festival.

3 figuras del jazz aterrizan en Chile

El Mercurio

Los próximos meses traen solo buenas noticias para los amantes del jazz: el 28 de agosto llega Jacob Collier, quien hace furor en el mundo con su show como "hombre orquesta"; en octubre viene Chick Corea junto a Steve Gadd; y en noviembre, la aplaudida voz de Madeleine Peyroux se escuchará por primera vez en vivo en tierras chilenas. Por M.A.

Jacob Collier: el nuevo Mesías

Su primer disco, publicado en julio del año pasado, se llama "In my room". Y cómo no, si este cantante, compositor, arreglista y multi-instrumentista inglés de 22 años se hizo conocido, literalmente, desde su pieza. Allí, a los 16, empezó a grabar videos que subía a YouTube, en los que reversionaba clásicos de Stevie Wonder haciendo todas las voces, tocando todos los instrumentos y presentándose como "Jacob Collier con su Ello, Yo y Súper Yo".

Sus performances, con llamativos montajes que formaban mosaicos en pantalla, no tardaron en convertirse en virales y en llegar a los oídos del todopoderoso músico, compositor y productor estadounidense Quincy Jones, famoso por su buen ojo para descubrir estrellas, y a quien le bastó escuchar la versión de Collier de "Don't you worry 'bout a thing", también de Stevie Wonder, para saber que tenía un talento extraordinario y no debía dejarlo pasar. Tanto, que le ofreció representarlo, producirle su disco y además darle un espaldarazo para saltar de las cuatro paredes de su pieza adolescente a una carrera de alcance mundial.

Un salto que pudo dar, además, gracias a la tecnología, cuando Ben Bloomberg, ingeniero del Massachusetts Institute of Technology (MIT), creó junto a él un software para que pudiera llevar su mezcla de instrumentos, voces y armonías de YouTube a un espectáculo en vivo. La primera vez que lo usó fue en el Festival de Jazz de Montreux, en 2015, en Suiza, donde Collier se presentó junto a Herbie Hancock y Chick Corea.

Lo que vendría después de ese día es conocido: los medios de comunicación no tardaron en bautizar al joven músico como "El nuevo Mesías del jazz", y Quincy Jones se aventuró a decir que era "el futuro" de este género musical. La posibilidad de presentarse en distintos escenarios le dio la confianza para grabar su primer disco, "In my room", que lanzó el 1 de julio del año pasado y que, por cierto, este año ganó dos Grammy.

Todo un récord para un niño prodigio que ha sorprendido a los grandes por su talento autodidacta para tocar múltiples instrumentos: hijo de madre y abuelo músicos, solo estudió dos años de piano en la Royal Academy of Music y luego abandonó los estudios, como contó en una entrevista que dio a The Guardian el año pasado. En vez de eso, se dedicó a escuchar un disco cada día: Steve Wonder, Joni Mitchell, Radiohead, Beck, Jimmy Hendrix, Sting, Bob Dylan, John Martyn. "El tema con la educación musical es que es buena para enseñar la técnica, pero no la textura de la música", dijo en esa conversación. "Solo aprendes de música escuchando y experimentando por tu cuenta. Para mí, se trata de sentir un instrumento".

Se presentará en Chile: el 28 de agosto, a las 21:00 horas, en el teatro Nescafé de las Artes. Entradas en Ticketek.cl

Madeleine Peyroux: genio y figura

Por su voz -ronca y rasposa-, en los comienzos de su carrera la cantante estadounidense Madeleine Peyroux (43) fue asociada de inmediato a la ícono del jazz Billie Holiday. Especialmente cuando, con 22 años, sacó en 1996 su primer disco, "Dreamland", que vendió 200 mil copias en Estados Unidos -algo inusitado para una cantante desconocida y además de jazz- y la puso en órbita como una nueva y talentosa voz femenina.

Sin embargo, algo pasó: durante los siguientes ocho años, Madeleine Peyroux desapareció del mapa, situación que dio pie a distintas especulaciones sobre su destino: desde que había tenido problemas con su voz hasta que había vuelto a cantar a las calles de Francia, país donde se fue a vivir en su adolescencia y donde comenzó su carrera, hasta que a los 18 años tomó sus maletas y viajó a Nueva York a probar suerte. Lo cierto es que ella, poco dada a las entrevistas y a hablar de su vida, volvió en 2004 con el disco "Careless Love", que la catapultaría a la fama y la consolidaría como una voz potente dentro del jazz.

Desde ahí en adelante, Madeleine Peyroux no ha dejado de producir, ha recorrido el mundo con su música y ha grabado ocho discos, el último de ellos llamado "Secular Hymns", de 2016, que registró en solo dos días -el 12 y 13 de enero de ese año- dentro de la iglesia de St. Mary the Virgin, en Oxford, Inglaterra, lugar que conoció después de dar un concierto y enamorarse del eco del lugar. Allí grabó un repertorio de canciones de jazz, folk, country y blues, estilos que le acomodan a esta cantante que, fiel a su consigna rebelde, ha confesado que le gusta la libertad que le da la música. Como contó en una reciente entrevista al diario El País de España: "Mi estilo de vida puede parecerle muy atractivo a mucha gente, pero están siempre lo que yo llamo las tres pes: no plantas, no mascotas ("pets", en inglés) y no progenie".

Se presentará en Chile: este próximo 18 de noviembre, en el Teatro Oriente. Entradas en Puntoticket.com

Chick Corea: la leyenda

A estas alturas, el pianista y compositor estadounidense Armando Anthony "Chick" Corea no necesita mayores presentaciones: es una leyenda viva del jazz. Con 76 años, Corea se convirtió en referente de este estilo musical en los años 70, como uno de los precursores de la corriente de jazz fusión, carrera que lo ha llevado a colaborar con otros grandes como Herbie Hancock y Keith Jarrett, y a formar distintos grupos que han marcado la historia de este estilo musical. Y no es para menos, si se inició con otra leyenda, Miles Davis, con quien trabajó durante dos años para luego formar su primera agrupación, Circle, y luego Return to Forever, su primer conjunto de jazz fusión.

Con más de 90 discos, entre trabajos solistas y colaboraciones, Chick Corea regresará por novena vez a Chile en octubre -la primera vez lo hizo 1987-, esta vez junto al también legendario baterista Steve Gadd -quien ha trabajado con Paul McCartney, Paul Simon, Al Jarreau, Joe Cocker y Eric Clapton-, con quien acaba de grabar un disco que se lanzará por estos días, y que será la base de la esperada presentación que harán en Santiago.

Se presentará en Chile: este próximo 22 de octubre, en el Teatro Caupolicán. Entradas en Ticketek.com

jueves, agosto 10, 2017

Daniel Barenboim: "Una de las personas que más he admirado fue Claudio Arrau"

El Mercurio

El legendario director debutó anoche en CorpArtes, junto a la West-Eastern Divan Orchestra. En conferencia de prensa reveló su vínculo con el pianista chillanejo.  

Maureen Lennon Zaninovic 

Después de 17 años de ausencia, el regreso del director y pianista Daniel Barenboim (1942) a Chile provocó expectación y euforia entre los melómanos, quienes ayer repletaron las dos presentaciones de este músico bonaerense de raíces judías, junto a la West-Eastern Divan Orchestra: la primera tuvo lugar en la mañana (ensayo general) y la segunda, en la noche, como parte de la temporada de conciertos de CorpArtes. El programa incluyó el Poema Sinfónico "Don Quixote", de Richard Strauss, y la Quinta Sinfonía, de Tchaikovsky.

"Lo primero que tengo que decir es que estoy muy feliz de estar aquí, porque una de las personas que más he admirado en mi vida, como músico y como ser humano, fue Claudio Arrau. Él siempre me decía 'tienes que venir a Chile', y aquí estoy", rememoró el artista, en una íntima conferencia de prensa que dio acompañado de Mariam Cortas de Said, viuda del crítico y teórico literario y musical palestino-estadounidense Edward Said, con el que Barenboim dio forma a la West-Eastern Divan Orchestra, que reúne a jóvenes intérpretes árabes e israelíes.

En una relajada conversación, el director se explayó en su relación con el pianista chillanejo: "Lo conocí siendo muy chico, alrededor de 1949 o 1950, en Buenos Aires. Él venía muy a menudo a Argentina, al Teatro Colón, y yo iba a oírle. Debí haber tenido siete años cuando también me llevaron a tocar para él. Después, Arrau fue muchas veces a mis conciertos y me hacía observaciones".

Barenboim recordó cuando el legendario pianista Leon Fleisher (que vio truncada su carrera por una parálisis) canceló, a inicios de la década del 60, un concierto en Nueva York y él tuvo que reemplazarlo a último minuto. "Acepté tocar y eso que era un programa muy difícil: la 'Hammerklavier', de Beethoven. Salgo al escenario y veo en el público a Rubinstein con su señora, a Horowitz con su mujer y a Claudio Arrau. ¡Me tiembla la mano cuando me acuerdo de ese episodio! Y los tres pianistas tuvieron la amabilidad, después del concierto, de ir a verme al camarín. Arrau me dio su número de teléfono. 'Si tienes ganas, llámame', me dijo, y fui a su casa en Long Island. Estuve toda una tarde con él y me hizo un análisis completo de cómo había tocado. Tenía todo en su memoria. Era una persona de una honestidad realmente extrema. De Arrau aprendí mucho: la forma de enfocar el sonido, sus movimientos redondos y la increíble modestia que tuvo hacia la música".

Sobre la West-Eastern Divan Orchestra, aclaró que este no es "un proyecto que tiene que ver con la paz. La paz necesita muchas otras cosas más. Y no tiene que ver con la tolerancia, porque la tolerancia en nuestro mundo loco de hoy, se convirtió en algo positivo y eso es horrible. O sea, 'yo te tolero, aunque seas un criminal'. La tolerancia, y eso lo dijo Goethe, es el primer paso para salir de la animosidad, pero es en sí una cualidad muy negativa. Esta orquesta es un proyecto de humanidad".

En 2001, el músico dirigió 40 minutos de la ópera "Tristán e Isolda", de Wagner, en Jerusalén. "Wagner fue un grandísimo compositor y un antisemita asqueroso, como bien lo sabemos. Pero él vivió hasta 1883. Hay mucha gente en Israel que piensa, por idiotez, que Wagner vivió en Berlín en 1942 y fue amigo íntimo de Hitler. Lo que juega en contra y a favor de ciertos compositores, son las asociaciones", puntualizó Daniel Barenboim.


 Su mirada de "El Sistema" de Venezuela

Otro de los temas abordados por Barenboim fue el Sistema de Orquestas Juveniles de Venezuela y su cara más exitosa: el director Gustavo Dudamel. "Es una idea magnífica. La primera vez que escuché 'El Sistema' fue en el 2000, cuando Dudamel tenía 18 años. Un proyecto impresionante que no sé cómo estará ahora, por la situación tan fatal de Venezuela", dijo.

Más adelante precisó que "la idea de utilizar la música para curar la droga o la criminalidad es un poco problemática, porque la música no fue hecha para ser utilizada para otros fines. Tiene una característica única: es parte de este mundo y es un mundo aparte, al mismo tiempo".

En el caso extremo de Venezuela, agregó Daniel Barenboim, "que se les haya dado a estos niños la oportunidad de hacer música, en lugar de caer en el crimen o de drogarse, es un gran paso adelante. Es una pena que con esa actitud de los músicos venezolanos no haya salido una de las mejores orquestas del mundo".

Roberto Bravo participará en aniversario del cine Normandie

El Mercurio

Es una sala emblemática del centro de Santiago y también del circuito cine arte de la capital. Hoy a las 18:00 horas, el Cine Arte Normandie celebrará sus 35 años de vida con un concierto en que el destacado pianista chileno junto a tres músicos interpretarán melodías de recordadas películas como "Los paraguas de Cherburgo", "La misión" y "La La Land: Ciudad de sueños", entre otras.

Sello de TVN estrena programa que impulsa la música chilena

El Mercurio

"Los acordes de la patria" se emite los jueves por plataformas digitales y es conducido por Jiminelson.  

Cristopher Ahumada 

Tras hacer un recorrido por radios y medios nacionales para presentar el catálogo de artistas del sello TVN Records, el gestor musical del canal público, Sergio Ruiz de Gamboa, identificó un prejuicio generalizado al interior de la industria: "Los directores de medios creen que la música chilena es mala", dice el ejecutivo. "Pero este es el minuto más prolífico de la música nacional. Nunca habían existido tantas bandas y tantos tipos talentosos", afirma.

Esa situación motivó la creación de un programa que impulsara y visibilizara el actual panorama. Así surgió "Los acordes de la patria", un espacio conducido por el músico y productor Jiminelson (Gustavo León), que se estrenó la semana pasada y que se emite todos los jueves a las 20:00 horas a través de Facebook Live -simultáneamente por los fanpage de TVN Records, TVN y canal 24 Horas- y YouTube.

El formato incluye una conversación de Jiminelson con músicos locales -la semana pasada estuvo Rulo y Pedropiedra-, la interpretación en vivo de sus canciones y un cover al cierre del capítulo. Además, se invita a un artista emergente del sello para sumarse al diálogo y recibir consejos de sus pares. "No es la típica entrevista de un periodista. Acá el músico habla horizontalmente con los artistas y comentan anécdotas en un espacio muy cordial e íntimo. Esta es la vitrina definitiva de la música chilena", plantea Ruiz de Gamboa.

"Los acordes de la patria" se emite desde el estudio de TVN Records, que cuenta con tres cámaras, iluminación y una mesa digital. En el capítulo de hoy estarán la banda Lucybell y la cantante Dani Ilabel, que tiene canciones en la teleserie "La colombiana".

miércoles, agosto 09, 2017

Paolo Bortolameolli: "Enfocar la apreciación artística desde el elitismo intelectual segrega"

El Mercurio

Figura musical La joven batuta chilena da un gran salto en su carrera.

A punto de cumplir 35 años de edad, el músico chileno se convierte en director asistente de Gustavo Dudamel. Aquí, analiza este desafío, defiende una educación que genere más preguntas que respuestas y alerta sobre los peligros del esnobismo a la hora de renovar las audiencias.  

Romina de la Sotta Donoso 

El 25 de septiembre, Paolo Bortolameolli cumplirá 35 años. Y justo al día siguiente Gustavo Dudamel dará inicio a la temporada 2017-2018 de la Filarmónica de Los Angeles. Ese día, además, el joven músico chileno asumirá como director asistente de esa orquesta a la que todos llaman LA Phil. Lo eligió directamente Dudamel, y el cargo dura un año renovable.

La estrella venezolana premió así el trabajo que Bortolameolli hizo entre enero y mayo, en el programa "Dudamel Fellowship", pasantía que lo convirtió en el primer chileno en dirigir a la Filarmónica de Los Angeles, nada menos que en el Walt Disney Concert Hall.

Esto sucede, además, en el mejor momento de la Filarmónica de Los Angeles. The New York Times la acaba de calificar como "la orquesta más importante de Estados Unidos", y la revista New Yorker decretó que su importancia y su influencia son "el hecho más relevante de los últimos 25 años de la vida orquestal estadounidense".

El nombramiento solo tiene un precedente en nuestra historia musical: cuando Juan Pablo Izquierdo se convirtió en director asistente de Leonard Bernstein en la Filarmónica de Nueva York, en 1966.
Bortolameolli está consciente de la oportunidad que tiene entre manos: "Ser parte de unas de las orquestas más importantes de la actualidad es un escenario soñado. Se aprende de todo. De repertorio, de trabajar con artistas excepcionales y con una orquesta de lujo, de estar en un ritmo de trabajo muy exigente, de ver cómo una orquesta se reinventa cada día, de cómo enamoran a su público una y otra vez, pero además de estar en una ciudad muy activa y diversa".

En su pasantía ya vivió por dentro ese ritmo: "Los ensayos pueden comenzar un miércoles y, dos días después, la función sale increíble. Y son programas muy difíciles, uno distinto cada semana".

Junto con tener estudiado y preparado todo el repertorio que la orquesta programe, para cumplir su rol de cover -de Dudamel y de las batutas invitadas-, Bortolameolli también tendrá responsabilidades exclusivas: preparar a la orquesta en "Mass" de Bernstein, para celebrar en 2018 el centenario del compositor estadounidense, y en "La Canción de la Tierra", de Mahler, que se presentará con una puesta en escena de Teatro Cinema. También acompañará a la LA Phil en su gira a Europa del próximo año y, además, dirigirá algunos conciertos, con desafíos tan atractivos como preparar con el propio Esa-Pekka Salonen una obra del finés.

El gran salto

La Filarmónica de Los Angeles hoy está en el centro de la cultura norteamericana. Gracias a las titularidades previas de André Previn y Esa-Pekka Salonen, Dudamel recibió en 2009 una orquesta que funciona como reloj, se adapta a todo repertorio, y se vincula con el arte actual, comisionando y estrenando obras.

Dudamel, por su parte, ha revitalizado el romance con el público californiano con su carisma y personalidad musical. Y siendo él mismo el mayor fruto de "El Sistema", está replicando en pequeña escala el milagro venezolano a través del Programa YOLA, que ya cuenta con 800 jóvenes músicos. Bortolameolli también participará en ese programa estrella.

Los números de la LA Phil son tan buenos que hace poco la Filarmónica de Nueva York "levantó" a Debora Borda, su CEO (directora ejecutiva).

"La clave del éxito y la trascendencia que está logrando la Filarmónica de Los Angeles está en su mirada temeraria respecto de la innovación y el riesgo. Toman una idea y la hacen. Prueban, experimentan, desarman formatos y ofrecen alternativas. Hace poco, por ejemplo, presentaron un recital de Lieder de Schubert intercalado con lecturas escenificadas de Samuel Beckett. ¡Y funcionó! Y lo mismo se hará con 'La Canción de la Tierra'; la creatividad, innovación y talento de los conceptos visuales y poéticos de la compañía chilena Teatro Cinema complementarán la música de Mahler", dice Bortolameolli.

Y da fe de la pasión que viven Los Angeles y su orquesta. Lo grafica con una anécdota: estaban tocando la Sinfonía "Trágica" de Schubert, cuando al terminar el primer movimiento se oye desde la galería un grito muy entusiasta. "Era un grito de concierto de Rock. Dudamel se salió de protocolo e hizo un gesto en el aire con el puño apretado en señal de aprobación. Los más puristas dirán que todo esto es una falta de respeto, pero yo lo rescato: la música clásica es sublime, pero lo que la enaltece no es nuestra actitud altiva y parsimoniosa, sino el cómo la vivimos intensamente. Cómo dejamos que este lenguaje entre y nos afecte sin que el proceso se acerque más a lo restrictivo que a la exultación", asegura.

-¿Cómo es trabajar tan cerca de Hollywood? ¿Van estrellas a los conciertos?
"Sí, van y es de lo más natural. Por ejemplo, Chris Martin, de Coldplay, que es amigo de Gustavo Dudamel. Él se comporta como un espectador cualquiera, fascinado con la música clásica. Le preguntó a la violinista Lisa Batiashvili cómo memoriza las notas del Concierto de Tchaikovsky, y también habló conmigo".

El problema del elitismo

El debut profesional de Bortolameolli fue con la Filarmónica de Santiago, a fines de 2013. Dirigió "La Consagración de la Primavera", de Stravinsky, para celebrar los cien años de esa obra capital. Como hubo un incendio en el Teatro Municipal, los conciertos se hicieron en el Teatro Caupolicán y el resultado fueron más de 3.500 asistentes, en su mayoría jóvenes.

Un mes antes, y mientras era estudiante en el Conservatorio Peabody, en Baltimore -previamente también estudió en Yale-, el chileno lideró el innovador proyecto "Rite/Now". Les encargó a ocho compositores nuevos episodios musicales inspirados en "La Consagración", que luego ensambló y estrenó con cien músicos en vivo.

Después de la Filarmónica, Bortolameolli fue invitado por cada orquesta del país: Sinfónica U. de Concepción, Orquesta Usach, Sinfónica de Chile, Orquesta de Cámara de Chile, Sinfónica Nacional Juvenil, Sinfónica Estudiantil Metropolitana, Filarmónica de Temuco, Clásica del Maule, Sinfónica U. de La Serena y Solístico de Santiago, en ese orden. Y con la mayoría ha repetido, varias veces.

"Una de las cosas que más contento me tienen de mi relación musical con Chile es la relación con los músicos de cada orquesta. Tienen gran energía y son muy colaboradores, algo que es impagable, porque la música se hace con los músicos. Esa premisa parece tan evidente, pero en el mundo profesional existen carreras que se mueven en la órbita de lo administrativo, de los agentes, de la venta de entradas. Es cierto que la música también es un negocio, ¡pero por sobre todo, y primero que nada, es música! Todo lo demás es secundario si no existe esa entrega artística, esa búsqueda de la belleza. En la dirección de orquesta lo sabes cuando logras la comunicación; cuando eres uno más en un gran grupo que busca hacer música de cámara; escucharse, leer entre líneas de una partitura. No puedes plantearte tu rol como una especie de jefe, sino como alguien que despierte en todos los demás esa voluntad de ir hacia la misma meta. Y eso lo siento en Chile con todos los músicos con los que he trabajado, y por eso solo siento agradecimiento y entusiasmo por seguir colaborando juntos", dice.

-¿Cómo ve la escena orquestal chilena?
"Creo que vive un excelente momento. Hay una nueva generación de músicos ávidos por oportunidades. Jóvenes, muy talentosos y cada vez mejor formados; con más repertorio en su cabeza y conscientes de estar persiguiendo un resultado artístico. Han sido de suma trascendencia para eso los aportes de la Fundación de Orquestas Juveniles e Infantiles, los Amigos del Teatro Municipal y la Fundación Ibáñez-Atkinson. Me siento honrado de ser parte de esta generación. Talento hay, y de buen nivel; ahora deben sumarse más apoyos para dar un paso cuantitativo en el desarrollo cultural y musical de Chile".

-¿Y qué destacaría de David del Pino, quien hizo el primer curso de dirección orquestal y además de haber sido profesor suyo también lo fue de Víctor Hugo Toro, que es titular en Campinas, y Francisco Núñez, titular en La Serena?
"David del Pino ha sido un nombre fundamental para toda una generación de directores chilenos. En ese momento era una locura intentar esto, y él nos ofreció un excelente camino. Es un gran formador, entusiasta y entregado a sus alumnos".

-¿Cuáles son sus referentes internacionales?
"Me gusta Andris Nelsons, admiro su natural musicalidad. Admiro también a Gustavo Dudamel. No es solo su carisma; tiene una sabiduría natural al enfrentar un ensayo, maneja a la orquesta con gran inteligencia emocional y comunica sus ideas musicales con soltura. Se aprende mucho de él. Y en un plano muy distinto admiro mucho a Roger Norrington, por su concepto del sonido y del fraseo, ¡que es tremendo! Eso con respecto a los vivos, porque como gran referente tengo a Nikolaus Harnoncourt, por su concepto de la música, su pensamiento y su aporte como artista".

-¿Y entre los chilenos?
"Siempre he admirado y respetado a los maestros Juan Pablo Izquierdo y Maximiano Valdés. Crecí escuchando sus conciertos, sus óperas; son carreras que servían de inspiración y guía. Y de la generación más nueva me entusiasma pensar en lo que llegará a hacer la nueva camada de Sebastián Camaño, Eduardo Browne Salinas, Christian Lorca y Leonardo Carvajal. Son muy talentosos".

-¿Cuál cree que es la mejor herramienta para frenar el envejecimiento del público y generar nuevas audiencias?
"Necesitamos conectarnos con el público, derribar murallas y entusiasmar desde nuestro entusiasmo. Quienes dedicamos nuestra vida a la música clásica tuvimos la fortuna de descubrir algo que despierta pasiones tan fuertes como los deportes. El problema está en que se sigue enfocando la apreciación artística desde el elitismo intelectual, y esa visión segrega. Al mismo tiempo me parece inconcebible que la educación musical ya no esté en el colegio. Claro, si miramos cómo era enseñada la música en el pasado, tocando 'Fray Jacobo' en una flauta dulce desafinada, es bastante pobre el aporte. Pero hoy en día, con tantos estudios neurocientíficos que prueban de forma irrebatible el aporte al desarrollo neuronal, cognitivo, motor, a la capacidad de disociación de actividades simultáneas y al desarrollo de aspectos de la personalidad como el trabajo en grupo, resulta inexplicable su exclusión o que se la considere una actividad de recreación. La música y el arte son pilares fundamentales de cada sociedad. Nadie debería sentirse un extranjero en un teatro o un museo. El arte es un lenguaje universal que está ahí, al alcance de la humanidad".

Faceta educativa

Conscientes del gran potencial de las redes sociales y del atractivo pedagógico de los formatos audiovisuales, Paolo Bortolameolli y Gonzalo Saavedra, periodista, profesor en la UC y crítico de "El Mercurio", han desarrollado el proyecto "Ponle Pausa". Son cápsulas audiovisuales para entusiasmar a cualquier persona con el fenómeno musical. "Y por esa filosofía que tenemos los dos, cada guión está planteado desde ese discurso casi eufórico de alguien que te va mostrando aspectos de la música que tal vez no son evidentes de buenas a primeras. Es una suerte de: '¡Mira, escucha este acorde! ¡Fíjate cómo ese silencio provoca expectativas! o ¡Escucha cómo los violines se están 'riendo'! En vez de entregar respuestas, queremos generar preguntas", explica el director.

Las primeras ocho cápsulas están alojadas en el canal de la Fundación CorpArtes, entidad que junto con la Fundación Ibáñez-Atkinson apoyaron una primera etapa del proyecto. Actualmente Bortolameolli y Saavedra están evaluando nuevas alianzas para una nueva etapa.

Bortolameolli reside en Boston, pero acaba de dirigir a la Sinfónica de Rosario, y ahora comenzará un intenso trabajo en Chile. Conducirá la Cuarta de Mahler con la Sinfónica Nacional Juvenil y la Primera de Beethoven con la Sinfónica Estudiantil Metropolitana. "Además, con Solístico de Santiago presentaremos las dos Sinfonías de Cámara de Schoenberg y estrenos de los chilenos Luis Saglie, Manuel Segura y Aaron Pereira", detalla. Luego será jurado en el concurso para jóvenes pianistas "Toca el Cielo", de Radio Beethoven. En octubre y noviembre irá dos veces a la Sinfónica de Concepción, para dirigir la Cuarta de Beethoven, "Variaciones sobre un tema de Paganini" de Rachmaninov y la Quinta de Shostakovich. Y en octubre debutará en España. Su itinerario está en el sitio Paolobortolameolli.com.

"La LA Phil es una orquesta de un nivel increíble, con un sonido muy propio donde se notan el oficio, la experiencia y el tiempo tocando juntos. Además, es muy dúctil".
"A los 15 años, cuando yo era estudiante de dirección, uno miraba para arriba a la Filarmónica y la Sinfónica, y listo. Hoy puedes ir a un concierto de la Sinfónica Nacional Juvenil y salir más contento que del Teatro Municipal. Es alucinante".

 "Este nombramiento es muy importante"

"Cada vez que invitamos a Paolo Bortolameolli a la Orquesta de Cámara de Chile, los músicos quedaron muy contentos con él. Este nombramiento en Los Angeles es muy importante, porque él estará en todos los ensayos, con una orquesta de nivel mundial, y con programas distintos todas las semanas, lo que ampliará mucho su repertorio. Así me sucedió a mí en la Filarmónica de Nueva York, tenía que asistir a la orquesta y bajo una presión enorme, porque si no sabes la música, te echan nomás. Será un gran aliciente para Paolo trabajar con un director que ha tenido un éxito mundial muy grande, como es Gustavo Dudamel, y estar allá le dará además un contacto con una red internacional".
Juan Pablo Izquierdo, Premio Nacional de Música 2012

"Él es solo talento, mérito y futuro"
"He seguido muy de cerca la carrera de Paolo Bortolameolli, y me parece una persona dotada de un talento extraordinario. Aborda el repertorio orquestal con un conocimiento muy profundo, con mucho respeto, y por eso le ofrecimos dirigir una obra compleja y muy difícil para una persona joven como es 'La Consagración de la Primavera', de Stravinsky, con la cual debutó con la Filarmónica de Santiago. El resultado fue extraordinario; los músicos y el público estaban contentos y él no demostró fallas, ni fisuras; fue súper contundente. De ahí para adelante su carrera ha sido subir y subir. No me sorprende lo de Los Angeles; las cosas se han dado como tenían que darse. Él es solo talento, mérito y futuro".
Andrés Rodríguez, ex director del Teatro Municipal de Santiago

"Tiene la inteligencia para aprovechar la oportunidad"
"Conozco a Paolo Bortolameolli desde que era un excelente alumno de piano en la UC. Ya en ese tiempo él sentía que su real vocación era la dirección orquestal, pero el conocimiento del repertorio pianístico le dio una impronta que no todos los directores tienen. Valoro en él su rigor, su carisma y su facilidad para relacionarse con los músicos, que respetan su autoridad musical a pesar de su juventud. El trabajo con Dudamel es un espaldarazo enorme, pero no todos tienen la inteligencia para aprovechar la oportunidad y construir una carrera. Bortolameolli la tiene de sobra y con sus notables condiciones debería imponerse en un mundo despiadadamente competitivo".
Jaime Donoso, músico, ex decano de Artes UC y crítico musical de "El Mercurio".