domingo, marzo 24, 2013

Las proyecciones de Lollapalooza que lo consolidan en su tercera edición

El Mercurio


Será una inédita semana de música en Santiago, la que tendrá como cierre el festival más grande que se haya realizado en Chile. Pearl Jam, The Black Keys y Queens of The Stone Age serían vistos por 140 mil personas.

José Vásquez

El desembarco de artistas comienza el martes 26 de marzo con el arribo del músico electrónico Madeon. De ahí en adelante será común ver paseándose por el aeropuerto de Santiago a tipos cargando guitarras y caza autógrafos corriendo de un lado a otro.

Tampoco será una locura encontrarse en la terraza de algún bar de moda con músicos que hayan logrado reseñas en medios tan entusiastas como NME o más de 3 estrellas en críticas más tradicionales como las de The Rolling Stone.

No será azar: luego del Lollapalooza de Sao Paulo (29 al 31 de marzo), varios marcan como siguiente destino Santiago -otros harán escala en Buenos Aires-, que totalizarán luego del fin de semana del 6 y 7 de abril más de mil personas, entre músicos y sus delegaciones que meterán ruido en el que se proyecta como el festival de música más grande que se haya realizado en el país.

Solo en el ítem de pasajeros con credencial para estar en el escenario de Lollapalooza se reservaron 450 habitaciones de cinco hoteles de Santiago. Y no son solo artistas los que arriban en gran número, también lo hacen los turistas.

Si el año pasado llegaron siete mil extranjeros por la cumbre de música alternativa iniciada hace 22 años por Perry Farrell, este año serán más de 10 mil, adelantan Sebastián de la Barra y Maximiliano del Río, de Lotus, la productora encargada de levantar la filial chilena del evento.

"Compraron entradas desde países tan lejanos como India y Ucrania, aunque, claro, el mayor volumen de gente viene desde Brasil y Argentina. Lollapalooza es una marca internacional: todo el mundo sabe cuándo y dónde se hace", cuenta Del Río para explicar esta alta demanda.

Un interés que también se refleja en la venta de abonos para los dos días de festival. Hasta el momento se han despachado 55 mil, lo que asegura una asistencia de 110 mil personas, la misma cantidad de público que fue el año pasado. La proyección de Lotus es alcanzar en esta edición las 140 mil personas.

"En nuestro tercer festival estamos llegando a nuestra capacidad máxima, que serían 70 mil personas diarias, según como lo habíamos planificado", dice De la Barra.

Antes y posterior al festival se realizarán un total de 12 shows paralelos de las bandas que estarán presentes en Lollapalooza, de los cuales ya han agotado sus boletos Nas y Diplo. Además, la misma productora trae el show de The Killers (2 de abril), que ya ha vendido más de 10 mil entradas en el Movistar Arena para su quinto show en el país, esta vez para presentar "Battle born", su cuarto álbum.

-Este crecimiento que ha logrado el festival, ¿podría reflejarse en que el próximo año llegue a tres días, como es lo tradicional del formato en el mundo?
Maximiliano del Río: "No lo sabemos aún. Cuando termine este festival vamos a pensar en eso. En Brasil ya están en tres días de Lollapalooza, pero nuestro país avanza un poco más lento".

Un punto que aseguran no debería estar expuesto a las críticas este año es el sonido. La gran cantidad de público que llegó a ver la presentación de Foo Fighters dejó cientos de damnificados. El escenario contaba con sonido frontal, y quienes se ubicaron en sus costados no recibieron los mismos decibeles que los que estaban delante de Dave Grohl y compañía. "Ahora tendremos sonido lateral, para evitar esos problemas", dice Del Río, quien agrega que se sumarán cuatro torres de delay que funcionarán como un arco frente al escenario.

Este año la primera línea del evento destaca a Pearl Jam, Queens of the Stone Age, The Black Keys en el rock y Deadmau5 como número fuerte de la electrónica. Y todos están haciendo noticia.

La banda de Eddie Vedder se encuentra grabando nuevo material que lanzarían en los próximos meses. La dupla más ganadora de la última entrega de los Grammy, The Black Keys, se encuentra finiquitando la grabación de su próximo disco, y QOTSA podría estrenar sus nuevas canciones en Santiago.

Lo nuevo del grupo liderado por Josh Homme es uno de los discos de rock, junto con el regreso de Black Sabbath, más esperados del año. Cuenta con colaboraciones de tipos tan distintos como Elton John, Trent Reznor, Jake Shears (de Scissors Sisters), y en la batería un viejo conocido: el ex dueño de las baquetas en Nirvana, Dave Grohl.

El álbum llevaría por título "... Like clockwork", y se estrenaría en junio, según dan a entender los crípticos mensajes de su página web.
________
Show sorpresa
Está anunciado para el escenario del Kidzapalooza, y según anticipan los productores, lo realizará un músico extranjero que no aparece en el cartel.

La compra radial del grupo Luksic y su impacto en la industria del dial FM

El Mercurio


La adquisición de Oasis y Horizonte por parte del holding produjo reacciones en el medio. Aquí, rostros radiales intercambian sus puntos de vista.

Javier Contreras y Daniel Navarrete

El viernes pasado hizo su debut la radio juvenil Top FM en lugar de Horizonte y con ello terminó por materializarse la nueva aventura del grupo Luksic en la industria. Dos días antes, había sido el estreno de la nueva Oasis, la otra estación que el conglomerado compró al empresario radial Julián García Reyes, quien puso así fin a una tradición de casi 40 años.

La transacción dejó algunos heridos. Dos propuestas radiales con identidad, una orientada a un público adulto y otra a una audiencia alternativa, el lunes por la noche bajaron el telón. Horizonte se trasladó a internet y su puesto en el dial fue ocupado por Top FM, una radio de hits , mientras que Oasis fue reformulada hacia un público más amplio. Pesar hubo en los equipos de las estaciones cerradas, malestar en sus auditores e inquietud en la industria.

"Con el cierre de las radios se pierde una tradición profesional muy rica y muy valiosa que implantó Julián García Reyes desde hace muchos años", reflexiona Javier Miranda, quien conducía el espacio "Comunicando por la tarde" en la antigua Oasis. Desde la competencia, el análisis es similar. "Pareciera irse restringiendo cada vez más el espacio para los proyectos de más riesgo", postula la periodista Cony Stipicic, directora de radio Duna. "Hay una suerte de homogeneización. Existe la sensación de que hay fórmulas que son súper copiables y comercialmente exitosas, entonces todos apuntan para allá", dice sobre una industria donde todos los actores convergen con proyectos similares: radios de hits , otras con música de los 80 y programas de conversación, y las que apuestan por lo tropical.

Para Humberto Sichel, que este mes emigró de Horizonte a radio Universo, la reciente compra de los Luksic, holding que ya tenía las estaciones Play y Sonar, demostró que lo que prima hoy son las estrategias de mercado por sobre la generación de proyectos originales. "Estamos en la etapa de conformación de nuevos consorcios, ya sea el de Luksic o lo que está haciendo Bethia con Candela. Cuando un consorcio tiene que agrandarse, compra las señales y después ve qué proyectos se hacen. Es una lógica inversa. Y una vez que deciden, se van a la segura con fórmulas probadas y exitosas", afirma.

Ignacio Lira, quien hizo su carrera en Rock & Pop y también partió a Universo cuando esa radio fue vendida, coincide con esa mirada, aunque con matices. "Hubo un tiempo en que en la radio convivieron muy bien el nicho y lo masivo, pero en los últimos cinco años se nota una homogeneización de lo masivo en un desmedro muy fuerte de la apuesta por la diferencia. Desdramatizo ese tema, eso sí, ya que esa discusión se hace pensando en el dial y siento que hoy el escenario es diferente", apunta. El joven periodista estima que no tiene sentido hablar de una crisis de la radio FM si el formato tiene sus días contados. "Tengo claro que a la FM le quedan pocos años de vida. El online no es el futuro, es el hoy. Y tenemos que dar el salto cualitativo a un formato digital que dará un abanico de muchas más ofertas", adelanta.

Enrique "Cote" Evans, otro ex conductor de radio Oasis con su programa "Gente de mundo", discrepa de esa falta de variedad. "Este país es muy surrealista. Tiene 1.500 radios FM y ni siquiera llegamos a los 17 millones de habitantes. Hay variedad y opciones para todos. La segmentación en Chile es de una sofisticación y variedad notable", afirma. Algo en lo que coincide Marcelo Comparini, quien debutó el miércoles pasado con dos programas también en Oasis, pero con la nueva administración. "Hay radios para preadolescentes, para rockeros, para gente muy cuica, o muy popular. De hecho, creo que la gracia de la radio es que siempre está buscando públicos más específicos", sostiene. El animador Martín Cárcamo, quien tras cuatro años alejado del dial regresó este viernes a Top FM con el espacio "Súper top", va más allá y defiende el momento actual de la industria. "Es un medio que ha crecido mucho y se ha puesto muy competitivo. Se ha segmentado, lo que te permite encontrar radios de muchos tipos. Y si Top FM no hubiera sido especial, no la habría elegido como proyecto", concluye.
________
Consorcio
Además de Oasis y Top FM, el conglomerado ya cuenta con Play y Sonar, hecho que lo convierte en actor relevante del medio radial.

Guía de conciertos para esta Semana Santa

El Mercurio


Dos enfoques distintos del Réquiem de Mozart , "El Mesías" de Haendel, una Misa a capella chilena y el Stabat Mater de Pergolesi son las alternativas musicales para vivir la Pasión de Cristo.

ROMINA DE LA SOTTA DONOSO

 El gran milagro de Mozart
"Mozart sabía que se estaba muriendo y que su última obra sería su propio Réquiem", dice Juan Pablo Izquierdo , quien dirigirá en esta pieza a la Orquesta de Cámara de Chile , a los coros de Cámara UC y Magnificat, y a los solistas Ángela Marambio, Pilar Díaz, Gonzalo Tomckowiack y Sergio Gallardo.
"Mozart estudió seriamente el contrapunto barroco alemán, en particular las obras de Bach, y consiguió un verdadero milagro: combinar el estilo galante de su época con el litúrgico barroco", asegura. Este Réquiem -dice- "es una síntesis del mundo cristiano. El Dies Irae refleja muy bien el Apocalipsis, y hacia el final, el texto y la música son la luz de la Resurrección".
En el Teatro Municipal de Las Condes (martes 26, 20:00 horas), la Catedral de Santiago (miércoles 27, 19:30) y el Municipal de Ñuñoa (jueves 28, 19:45). Gratis.

Misa chilena "a capella"
Víctor Alarcón y Concerto Vocale ofrecerán el estreno mundial de la Misa a capella de Rodrigo Herrera (hijo) en el Campus Oriente UC , el jueves 28 (19:30 horas, gratis). "Rinde homenaje al gregoriano, pero desde el punto de vista moderno. El Kyrie y el Agnus Dei son contemplativos, y el Gloria y el Sanctus , muy festivos", asegura Alarcón. Se les sumarán la Orquesta Marga Marga, más Andrea Aguilar y Rodrigo Herrera (padre), como soprano y oboe solistas, en "Pinturas de la exposición privada de Dios", de Aharon Harlap. Se repite el sábado 30, en la Iglesia Los Jesuitas de Calera de Tango (19:00 horas, gratis).

Barroco americano y europeo
El Ensamble Terra Australis y el Coro de Cámara U. Alberto Hurtado confrontarán la música de la Pasión en América y Europa, el miércoles 27, en la Iglesia San Ignacio (19:30 horas, gratis). "En el barroco temprano, la palabra y la música se unieron para convencer a los pecadores de arrepentirse", comenta el tenor Gonzalo Cuadra.
Se escuchará música del 1700, la "Misa de difuntos" del colombiano Juan de Herrera, y "Sol Fa de Pedro", del mexicano Manuel de Sumaya. También, dos obras italianas del siglo XVII: "Historia Jonae", de Giacomo Carissimi, y "Amar a Dios por Dios", de Domenico Mazzochi, "que fue escrita en Roma, sobre un soneto anónimo en español, y se respetó el idioma", dice. El programa se repite el jueves 28 en el XII Festival de Calera de Tango (19:00 horas, gratis).

La inspiración de Haendel
"'El Mesías' es una de las obras más importantes de la historia, comparable a la Misa en Si Menor de Bach. Ejerció influencia en todos los demás compositores, incluyendo a Mozart", asegura José Luis Domínguez , quien dirigirá en el Teatro U. de Chile (Providencia 043) este oratorio, precisamente en la orquestación de Mozart.
La pieza recorre el Adviento, la Pasión y la Resurrección de Cristo. "Posee algunas de las arias más hermosas del barroco, y en su Amén final Haendel logra su más alta expresión en el uso del contrapunto. En ninguna otra obra suya he escuchado semejante inspiración", agrega.
Lo presentarán, en inglés, los solistas Nora Miranda, Ana Navarro, Felipe Catalán y Arturo Jiménez, el Coro Sinfónico y la Sinfónica de Chile . Sábado 23, martes 26, miércoles 27 y jueves 28, a las 19:40 horas.

Estaba la madre dolorosa
Un programa mariano ofrecerán solistas, el Coro de Cámara Crecer Cantando y la Orquesta Marga Marga en la U. de los Andes (20:00 horas), el martes 26. Dirige Víctor Alarcón: "Ofreceremos un contraste en torno a la Virgen, con una obra dolorosa y otra gloriosa", explica.
Con las solistas Andrea Aguilar y Claudia Leppe, abrirán con el Stabat Mater más importante del barroco, el de Pergolesi, que describe el dolor de María a los pies de la Cruz, y seguirán con el Magnificat de Bach, es decir, con la música de la Anunciación.

El más perfecto Réquiem
El Réquiem de Mozart es la apuesta del Teatro Municipal de Santiago , el martes 26 y miércoles 27 (19:00 horas). Maximiano Valdés dirigirá a la Filarmónica, el coro del teatro y los solistas Patricia Cifuentes, Luis Olivares, Evelyn Ramírez y Christian Peregrino.
"Es el Réquiem más perfecto. Mozart sólo usa los medios necesarios y obtiene un rendimiento máximo de expresividad y entrega. Es una obra de gran hermosura y de una tristeza no dramática; posee la misma melancolía mozartiana de su Sinfonía Nº 40", dice Valdés.
El programa también incluirá su Sinfonía Concertante, K. 364. "Es de las páginas más bonitas que Mozart escribió; incluso corta el aliento", confiesa Valdés, y destaca que abrirán con la Suite Sinfónica Nº 2 de Enrique Soro : "Es hora de que empecemos a escuchar su música".

sábado, marzo 23, 2013

Nuevamente Juntos Inti Illimani Historico Y Eva Ayllon



A pedido del público, vuelven a los escenarios de Santiago, el emotivo concierto de Eva Ayllón e Inti Illimani Histórico.
Después del enorme éxito en el Festival del Huaso de Olmué, y en la gira de verano, ambos artistas han decidido volver a juntarse para brindar un concierto íntimo en Santiago de Chile. Porque la música nos une, vuelve Inti + Eva.

ENTRADAS
Platea vip,  $ 26.000
Platea baja central, $ 24 .000
Platea baja lateral, $ 22.000
Platea alta central, $ 20.000
Platea alta lateral, $ 15.000
Platea alta general, $ 10.000

Venta de entradas  en Sistema Ticketek, www.ticketek.cl, callcenter 6902000, tiendas Falabella, cines Hoyts, Café La Clave (Av. Providencia #1652) y sin cargo en Boletería del Teatro Nescafé de las Artes.

Los Bunkers: "Ojalá nuestro disco lo lancemos en un estadio"


El Mercurio

La banda planea presentar su nuevo álbum en septiembre en el concierto de mayores dimensiones que hayan realizado en Santiago.

José Vásquez Enviado especial

Ciudad de México.- No tiene nombre, pero genera expectación. Lo nuevo de Los Bunkers, la agrupación de rock más importante del país en la actualidad, tiene fecha de salida en mayo, cinco años después de "Barrio estación" (2008), el anterior disco con canciones originales de la banda.

El último había sido el exitoso "Música libre" (2010), un álbum en que versionaron composiciones de Silvio Rodríguez y que fue aplaudido hasta por el mismo músico cubano.

Por ahora la cronología del grupo tras "Miño", "Llueve sobre la ciudad" y "Canción para mañana" se anota así: la próxima semana estará terminado el videoclip para "Bailando solo", el anticipo bailable del próximo lanzamiento que grabaron en el club Amanda. Un estreno programado para los siguientes días, mientras el disco entra a proceso de masterización.

La banda volverá de regreso a Chile en mayo para participar en el aniversario de la Radio Uno. "Esperamos con el disco en la mano", dice Mauricio Durán, guitarrista del grupo, mientras juguetea con Aretha, su mascota de raza pug en su departamento.

"No se trata de un álbum bailable, también tenemos canciones acústicas, es bien variado. No hay un concepto que atraviese el disco, al final se puede ver como una colección de canciones", cierra Durán sobre el disco grabado en el Estudio 1 de Sony en México, por donde pasó toda la edad de oro de cantantes aztecas. Un lugar acondicionado para grandes orquestas y que la banda buscó por sus dimensiones. "Siempre quisimos trabajar en un lugar así", apunta Francisco Durán.

El disco se terminó de grabar en enero en el estudio de Julieta Venegas, bajo la supervisión de Emmanuel del Real (Café Tacvba) y Yamil Rezk, que toca batería en Chetes.

-¿Entonces el single fue una pista falsa?
M.D.: "No lo veo así. Elegimos esa canción porque nos gustaba y es una pista real en el sentido que muestra lo que el grupo está buscando también. Tenemos sonidos novedosos que no habíamos usado antes. Tiene oscuridad en un lado medio The Cure, pero también luminoso como el single".

-En Chile llenan fácilmente recintos como el Teatro Caupolicán, ¿cuál es el próximo escalón?
Mauricio Basoalto: "Ojalá nuestro próximo disco lo lancemos en un estadio. Uno siempre quiere ir tocando en lugares más grandes y eso no significa necesariamente que creciste como banda, sino que más gente se interesa por tu música".
F.D.: "Queremos hacer algo grande en Santiago a fin de año. Podría ser un arena, que es lo más probable, se trabaja para eso".

Álbum

Lo nuevo de Los Bunkers tendrá entre 10 y 11 canciones. "Grabamos 13, pero dos ya quedaron fuera. Aún no tomamos una decisión", dice Mauricio Durán.

Oveja Negra: el sello de la SCD dejará de editar discos físicos

La Tercera


Tras siete años de funcionamiento, la discográfica tras álbumes de Chico Trujillo y Manuel García se dedicará al formato digital.

por Marcos Moraga


Lleva casi un año en discusión, pero ya está en marcha y sin retorno: la Fundación Música de Chile, de la cual depende el sello Oveja Negra, decidió terminar con la producción de discos físicos. Desde su fundación en 2006, han editado trabajos como los de Manuel García, Chico Trujillo o el nominado al Grammy La bala, de Ana Tijoux. Pero este año la institución abandonará el formato CD, en un proceso progresivo que apunta a cambiarse, totalmente, a la producción digital.

El fin del formato obedece a razones económicas. Y es que la propuesta de Oveja Negra era distinta a la que ofrecen los sellos tradicionales. Mientras que ahí, las regalías para los artistas se aproximan al 8%, Oveja Negra ofrece el 75% y se hacía cargo de la fabricación de los discos, su distribución y promoción. Sin embargo, los músicos debían financiar sus grabaciones. Las ganancias por la venta de discos pocas veces alcanzaban a cubrir la inversión de los músicos en la producción de sus trabajos. Menos, para reponer dinero de los gastos que asumía la Fundación Música de Chile. Ese fue el modelo que ahora abandonarán.

El presidente de la SCD, Alejandro Guarello, asegura que el cambio obedece principalmente a los nuevos hábitos de consumo musical. "Se trata de adecuarse a los nuevos tiempos y cómo hoy se comercializa la música, con toda la fuerza con que viene lo digital", dice.

Para ello, la Fundación Música de Chile reenfocará los recursos destinados a la fabricación de discos a su difusión y promoción digital. Durante este año se discutirá la creación de un "centro de promoción de la música chilena", que además buscará "alianzas con privados, y auspicios", según explica el presidente de la SCD, para inyectar recursos al fomento de la música nacional. Asegura, además, que el catálogo físico de Oveja Negra seguirá comercializándose en los puntos de venta tradicional.

La SCD conservará uno de sus dos brazos discográficos y seguirá editando compactos a través de Sello Azul. "Es una ampliación de nuestro rango de acción", insiste Guarello. Eso, porque una de las críticas que comenzaron a surgir hacia Oveja Negra era cómo seleccionaba a los artistas que integraban su catálogo. En septiembre, una asociación de artistas autodenominados como "Músicos Indignados" hicieron pública esta discusión. "Ahora necesitamos abrir la participación. Oveja Negra no se puede hacer cargo de toda la música que se edita en Chile. Existe un comité técnico que selecciona los proyectos, pero con el paso a digital, abriremos el espectro", dice Guarello.

El nuevo proyecto aún está en discusión, por lo tanto, son muy pocos los músicos al tanto de los cambios. La cantante Isabel Parra -en entrevista a La Tercera por el lanzamiento de su libro Ni toda la tierra entera- afirma: "El directorio de la SCD decidió que el proyecto de Oveja Negra no continuará, así que tendremos que irnos con la música de la Violeta a otra parte. ¿Dónde? No sé".

Ahora comienza, según comentan al interior de la organización, un trabajo para convencer a los músicos sobre las virtudes de la distribución digital, por sobre edición física de sus productos.

DE TRAYECTORIA

Oveja Negra inauguró su catálogo propio en 2006 con una primera camada de 15 artistas, que incluía, lanzamientos como la reedición de Banzai de Joe Vasconcellos, el álbum Valentín Trujillo y Pedro Amat del pianista y su nieto, un DVD de Cecilia Echenique y otros anuncios como una compilación para el grupo Lafloripondio (15 años y ni un brillo, que terminó editándose en 2009).

Así, bandas como Fiskales Ad-hok, Sinergia, Leo Quinteros, Juana Fe y Camila Moreno pasaron por sus filas. También realiza trabajo en conjunto con otras casas discográficas. Gran parte del catálogo de Quemasucabeza -donde se incluye a Gepe y Pedropiedra- apareció en la calle fruto de una alianza con la Fundación Música de Chile. Lo mismo con el catálogo de Algo Records -Guiso, Perrosky y Philipina Bitch, por ejemplo, aparecieron por esa vía-. En 2012, Oveja Negra editó 28 discos: si bien es una cifra considerable, representó apenas un 7% del total de la producción nacional, que se acercó a los 400 discos.

La joven reina del jazz chileno

El Mercurio


Melissa Aldana -nieta de Kiko Aldana, el mítico saxofonista de la orquesta Huambalí- vive en Nueva York, pero acaba de estar de paso por Chile. Y, junto con dar una pequeña tocata, aprovechó de repasar su carrera, la que hoy la tiene tocando junto a los mejores jazzistas del mundo. Y, aparte, preparando un disco con su trío The Crash, para lo cual se acaba de ganar un Fondart. Las preguntas parecen naturales: ¿Qué hace una mujer tocando un saxo tenor? ¿Qué hay de nuevo en el jazz? ¿Qué es el jazz? Vamos.  

SERGIO PAZ Melissa Aldana tiene 24 años. Y también carácter; mucho carácter. Fuerza. Uno le dice algo y ella responde. Con energía, con chispa. Melissa Aldana nunca se queda callada.

- ¿Tomamos un café? 

- No tomo café

- ¿Almorzamos? 

- Ya almorcé.

- ¿Nos juntamos en el mall?

- No quiero ir al mall. Ven donde estoy.

- Voy donde estás.

Hay que decirlo: al día siguiente de esta entrevista, Melissa partía otra vez a Nueva York, donde vive. Y, claro, mucho tiempo no tenía tampoco. Aparte, estaba lejos: en la casa de su pololo en el cerro Apoquindo.

Aunque igual Melissa es Melissa.

No por nada alguna vez compitió tocando su saxo en "Quiero ser una estrella" en Miami. Y aunque no ganó, poco después se las ingenió para tocar con Randy Brecker y, ese mismo año, con el pianista Danilo Pérez quien, fascinado con esta chica menuda, que vaya que sabe cómo arrancar notas de furia a su gigantesco saxo tenor, la invitó al Panama Jazz Festival. Ahí Melissa, decidida como ella sola, aprovechó la ocasión y se contactó con la gente de Berklee, la prestigiosa escuela de música, quienes terminaron dándole una beca presidencial para que estudiara con ellos. Y en Berklee trabó amistad con músicos como Greg Osby, Frank Tiberi y George Coleman: este último, un maestro vivo del be bop, quien la invitó a grabar dos discos en su sello Inner Circle Music.

Melissa se las trae. Melissa es seca.

Monk, Thelonius Monk, solía decir que en todo músico hay un matemático. Deber ser.

Respecto a otras mujeres tocando saxo tenor, Melissa dice: "Hay varias buenas, pero para ser honesta, todavía no he escuchado a ninguna que admire. ¿Me entiendes?".

Y respecto a su lugar en la escena, dice: "Soy un aporte al jazz en Nueva York".

Melissa no cree que lo de ella sea tocar y ya. Ella piensa que puede agregar lo suyo: "Tratando de sonar como yo misma, seré un referente. No porque traiga ritmos latinoamericanos, sino porque mis experiencias son distintas. De partida, porque soy mujer y veo las cosas de un modo diferente".

Melissa la tiene clara: "El jazz es una sola cosa y no está relacionado con que seas gringo o chileno. El jazz es una cultura, una manera de sentir la música que ha ido madurando y evolucionando con todas las influencias alrededor".

En Nueva York, Melissa vive una vida particular. Arrienda un departamento en Washington Heights con la 172, en el corazón del Manhattan más latino; ahí tiene el apoyo de leyendas como George Coleman, el maestro que incluso grabó con Miles Davis, quien apoya a Melissa porque encuentra que es seca, buena, capa.

Y lo es: a Melissa la invitan a Canadá, a Europa. Melissa viaja. Toca. Vuelve a viajar.

Cuando está en Nueva York ensaya en su departamento: hasta no más de las 9. Melissa es buena vecina. Y en las noches sale a ver en qué están sus amigos. Va al Village Vanguard, al Smalls Jazz Club, al Blue Note, al Jazz Standard, al Puppets, al Fat Cat, al Kitano. Son tantos. Nueva York, en buena medida, es jazz e improvisación.

"Es como mi vicio, me encanta", dice Melissa.

A veces, ella también toca en Nueva York. Recientemente en el Lincoln Center, donde se presentó con Crash, el trío que tiene con Pablo Menares y Francisco Mela, este último alguna vez baterista de Joe Lovano y ahora de McCoy Tyner. Con ellos, Melissa se ganó un Fondart para sacar un disco este año. Ya el 2012 se había ganado el Altazor por su última producción.

Melissa nació en Santiago y de chica vivía en Independencia. Un día, a los 6, tomó una caja que su papá atesoraba en un closet. Lo abrió; ahí estaba el saxo alto de su abuelo: Kiko Aldana, mítico saxofonista de la Huambalí, quien había muerto un año antes. Cosa rara: de inmediato le sacó al rudo instrumento tres notas más que afinadas.

- No te digo que haya tocado increíble, como Charlie Parker ni nada, pero me sonaron y fue el gancho para empezar a estudiar. Fue un enamoramiento instantáneo -dice Melissa.

Desde entonces no soltó nunca más el instrumento. Y en eso la apoyó Marcos Aldana, su papá, otra leyenda del jazz local, alguna vez músico de bandas como Cometa y hasta hoy un activo protagonista de la escena chilena y que, estos días, prepara un homenaje a Chick Corea con Espinoza y Sylleros.

Melissa, nuestra Lisa Simpson, iba a un colegio normal, el Álvaro Covarrubias en Independencia. Ya en casa, mientras su papá creaba algún jingle (los saxos no faltaban en la publicidad de los 90) ella repasaba escalas y armonías, ajustaba la afinación y, lentamente, el instrumento pasaba a ser parte de su cuerpo.

A los 12 la cosa se puso más radical. Escuchó tocar a Sonny Rollins y se enamoró del saxo tenor. Entonces tomó el Selmer Mark 5 que también había dejado su abuelo. Y no solo se la pudo sino que, al demandante instrumento, le puso su propio estilo. Melissa no renunciaba a ser parte del clan. Ella iba a ser una Aldana más.

Hoy Melissa tiene 24 años. Ya a los 15 frecuentaba el Thelonius en Bellavista. Un año después vino a Chile Wayne Shorter y, con él, el pianista panameño Danilo Pérez, quien la invitó a un festival en Panamá. Fue ahí donde, además, conoció a la gente de Berklee y entonces partió a Boston, más encima con la beca presidencial de Estados Unidos en el bolsillo.

Era el verdadero comienzo: ahí abrió sus oídos al nuevo sonido de guitarristas como la de Kurt Rosenwinkel o de saxofonistas como Mark Turner. Especial amistad trabó con Greg Osby, uno de los dueños del sello discográfico Inner Circle Music quien la entusiasmó para que grabara un par de discos.

Lo que estaba haciendo Melissa no pasaba inadvertido.

- Hoy hay mucha fusión. La música tiene cada vez más influencia de distintos países, distintos ritmos, hay más libertad.

Tras Berklee, Melissa se mudó a Nueva York y este será su tercer año ahí. No fue fácil: en un principio no conocía a casi nadie y, para ganarse un espacio, ella misma se convirtió en su propia agente. Melissa tomaba el teléfono. Mandaba mails. Un día le envió un mensaje al productor del Blue Note. El señor escuchó el tema adjuntado y pronto agendó una tocata.

Hoy Melissa la tiene clara.

- Mi sueño es ser lo mejor que pueda conmigo misma. Quiero sentirme realizada. Encontrar mi centro y encontrar quién soy, tocando saxo.

- El jazz, al menos en su formación, implicó romper con las barreras de la música, pero también con los límites físicos. El jazz siempre fue una aventura que, incluso corporalmente, implicaba ponerse fuera de sí. ¿Tú has buscado por ese lado también?

- Creo que más que nada tenía que ver con la conciencia, con poder relajarse y expresarse libremente. Pero imagínate en esa época cuántos problemas de racismo y de dinero había. Entonces hay un montón de cosas anexas, pero estoy segura -y es lo que yo veo en las generaciones de hoy- que ahora la gente tiende a ser súper sana, a ser vegetariana, a no fumar, a cuidarse y darle mucha importancia al cuerpo. Pero, claro, el jazz coincide con una época en que todo el mundo se inyectó heroína, pero al final no está absolutamente relacionado tampoco. Es un mito que hayan tenido que inyectarse heroína o tomar copete para llegar a ese estado. Es algo que puedes leer en los libros de la historia del jazz: el hecho de que ellos tocaran así no estaba absolutamente relacionado con las drogas. Obviamente era gente que se sacaba la mugre estudiando.

Tras dejar Chile, Melissa Aldana viajaría a Montreal para tocar en un par de clubes. Después de eso, a México: a un festival en Morelia. Y a otro en Italia. Entre medio, se da tiempo para venir a Chile y tocar en esos festivales que organiza Cuturrufo; por ejemplo el que se hace en Punta de Choros. Ojalá pronto en el Festival de Jazz de Providencia, donde aún no ha sido invitada.

- ¿Piensas, en algún momento, hacerle un homenaje a tu abuelo: Kiko Aldana, de la Huambalí?

- Si en algún momento se da la oportunidad, definitivamente es algo que me gustaría hacer. Pero es algo que se hará en el momento en que se tenga que dar.

Isabel Parra: "El museo de Violeta lleva 20 años esperando"

La Tercera


La cantante reedita Ni toda la tierra entera: memorias de 14 años de exilio que lanzará en el GAM. La Jardinera, el museo que recibirá la obra de su madre, debía inaugurarse a fines de 2011.

por Javier García


El 17 de febrero de 1974, la portada del diario alemán Sonntag, de la ex RDA, informaba la llegada a Europa de Isabel Parra con su pequeña hija Milena. El medio publicaba una fotografía donde ambas salen abrazadas junto a Joan Turner -viuda de Víctor Jara- y sus hijas Amanda y Manuela.

Isabel, hija de Violeta Parra, había salido de Chile en 1973, tras el golpe de Estado. Sólo volvería 14 años después, en 1987. El recorte del diario alemán es parte del libro Ni toda la tierra entera, que se reedita por el sello Cuarto Propio con nuevo material, como una canción inédita a Víctor Jara.

El testimonio de Isabel Parra (74) lejos del país suma reproducciones de afiches de conciertos, letras de canciones y cartas del poeta brasileño Thiago de Mello, del trovador cubano Silvio Rodríguez y de su padre, Luis Cereceda. Además, hay una serie de fotografías con el cantante Chico Buarque y el pianista Roberto Bravo, entre otros artistas.

El ejemplar cobra nueva vida a 10 años de su primera edición y a cuatro décadas del golpe militar. “Mi intención es que no se olvide el exilio que vivieron miles de chilenos. No se puede olvidar esta terrible historia y el libro es un testimonio de lo que dejó la dictadura”, dice la compositora, quien presentará Ni toda la tierra entera el miércoles 27, a las 19.00, en el GAM. En la oportunidad, dará un concierto junto al músico napolitano Roberto Trenco. Un adelanto de éste se podrá oír mañana en la Plaza Bogotá, de Santiago, a las 19.30.

El volumen abre con una fotografía de su madre en la Quinta Normal. Mientras, en su departamento de Providencia, Isabel mantiene en las paredes una serie de pinturas realizadas por la autora de Gracias a la vida.

Estas obras pronto deberían estar en La Jardinera, el esperado museo de Violeta Parra. Ubicado en Vicuña Mackenna, a pasos de la Plaza Italia, el espacio sería inaugurado a fines de 2011, pero su apertura se ha retrasado, pese a tener el 90% de la obra concluida. “Hace 20 años que estamos esperando inaugurar el museo”, dice Parra sobre su intento de abrir un lugar que conserve el legado de su madre.

El antecedente más próximo es de hace 10 años, cuando el empresario Carlos Cardoen decidió financiar el museo que se emplazaría en el Parque Forestal. La propuesta no fructificó. Tras obtener la suma de $ 920 millones del Consejo de la Cultura, la fundación comenzó la construcción de La Jardinera en febrero de 2011.

Ahora, dice Isabel Parra, resta financiar la última etapa. “Estamos esperando novedades de las autoridades. Dinero que estaría por salir ¿cuándo? No sé, puede ser en este gobierno o el que viene”, señala, y agrega: “Necesitamos que el Estado chileno apoye”. Sin embargo, fuentes del Consejo de la Cultura señalan que ya se entregó el monto ($ 920 millones) disponible para la construcción del recinto.  

“No estamos vendiendo las obras de Violeta. Las estamos donando a Chile, como ella quería, pero para eso tiene que terminarse el museo”, insiste la cantante, quien no quiere hablar de una eventual apertura.

Sin embargo, Cristián Undurraga, arquitecto encargado del proyecto, dice que “este año se inaugura, te lo puedo asegurar. Será en la primavera de este año”.

El museo recibirá las arpilleras, cuadros en óleo, relieve, papel maché (trabajos inéditos), documentación, fotos y material audiovisual de Violeta. Incluyendo 47 obras prestadas en comodato al Centro Cultural Palacio La Moneda. “Menos mal que está esa sala, si no la Violeta no estaría en ninguna parte”, señala la cantautora.

La Jardinera tendrá dos pisos, un entrepiso, y contará con salas de exposiciones, cafetería y un auditorio para 120 personas. Este se llamará Antar, nombre del nieto de Isabel fallecido en 2010.

A inicios de mes, ella fue invitada por la Municipalidad de San Carlos a visitar la casa natal de su madre y ahora proyecta hacer una muestra allá. “La casa será una sucursal de la fundación en el sur”, dice Parra.

TVN le sale al camino a CHV para quedarse con Olmué

La Tercera


En la licitación para quedarse por los próximos cuatro años con el Festival del Huaso, ambas señales compiten por tenerlo.

por C. Gutiérrez / M. Moraga


En la Municipalidad de Olmué aseguran que es un proceso inédito en la adjudicación del Festival del Huaso: el viernes se revelaron los interesados en obtener la licitación del evento, para sus versiones desde 2014 hasta 2017 y, por primera vez, dos canales compiten por quedarse con el certamen del Patagual.

TVN y Chilevisión presentaron ofertas y ambas califican dentro de los requisitos. Las propuestas serán analizadas el lunes por la comisión evaluadora y el miércoles, por el concejo municipal. Ese día se dirimirá el ganador. Pero desde ya, la irrupción de TVN marca un punto de inflexión en el festival. Y plantea una seria competencia para la estación de Turner.

"Presentamos una propuesta que nos parece súper fuerte para el festival y la municipalidad, siendo uno de los ítems más atractivos el sacar el festival de Chile a través de la señal internacional", comenta Eduardo Cabezas, gerente de producción del canal estatal. Es la primera competencia declarada entre los dos canales, que se suma a la apuesta de TVN por quedarse, además, con la licitación del Festival de Viña del Mar, cuando ese evento salga a concurso, en 2014.

CONTINUIDAD

"En el ítem experiencia, CHV debería tener el máximo puntaje. También potenciaremos el ítem de marketing, mientras que con la parrilla pretendemos seguir con la misma línea, con artistas internacionales, emergentes y de raíces", comenta la productora ejecutiva de la última versión, Catalina Yudin, quien llegó ayer hasta la V Región, para entregar la propuesta de su canal.

Eso, porque desde Olmué avisan que serán dos los puntos críticos que definirán al ganador. El municipio quiere reducir su gasto en el festival, desde los 158 millones de pesos que invirtió el año pasado, hasta no más de 90 millones. Y junto a eso, aumentar los spots publicitarios durante el año, a un mínimo de 500.

Las tres noches de la edición 2013 del festival promediaron 16,1 puntos de rating. Por otro lado, Chilevisión tiene que lidiar contra críticas que surgieron desde la municipalidad en su transmisión, luego que un grupo de estudiantes irrumpiera en el escenario durante la actuación de Illapu. Algo que, según la alcaldesa de Olmué, Macarena Santelices, no influirá en el veredicto: "Hubo una molestia, la manifesté en ese minuto y ahí lo dejé. Pero este festival no puede ser nunca más utilizado como una plataforma política".

El Mundo al Instante:Bebo Valdés fallece a los 94 años

Cancioneros.com

El pianista cubano de jazz Bebo Valdés ha fallecido este viernes en Suecia a los 94 años de edad, según ha informado su familia. Compositor, pianista y considerado una de las grandes figuras de la música cubana del pasado siglo, Valdés vivía desde hacía unos años en la localidad malagueña de Benalmádena.


Bebo Valdés, el gran pianista y arreglista que a principios de los años 50 tuvo "el honor de hacer el primer jazz de Cuba", falleció. Tenía 94 años.

Valdés murió el viernes en Suecia, donde vivió más de 40 años, confirmó la Sociedad General de Autores Españoles y la publicista de su hijo, el también afamado músico Chucho Valdés, sin especificar la causa.

Chucho Valdés, radicado en su natal Cuba, se encontraba en España pero no pudo ser localizado de inmediato. Hace unos años padre e hijo realizaron una gira española para celebrar las nueve décadas de vida de Bebo.

Nacido el 9 de octubre de 1918 en la población cubana de Quivicán, Dionisio Ramón Valdés Amaro, su verdadero nombre, estudió música en el Conservatorio Municipal de La Habana y trabajó como arreglista para la emisora Radio 1010, propiedad del Partido Comunista.

En 1948 inició una década de éxitos como arreglista y pianista del famoso club Tropicana, lo que consideraba como "el momento decisivo" de su carrera, entre otras cosas porque le dio la oportunidad de viajar por el mundo. Y en 1960, poco después de que Castro asumiera el poder, decidió dejarlo todo y abandonó la isla por México.

Eventualmente fijó su residencia en Suecia, aunque en el 2007 se mudó temporalmente al pueblo andaluz de Benalmádena, en la Costa del Sol española.

"No me gustaba el régimen y no me gusta. Por eso me fui y por eso no vuelvo" a Cuba, aseveró en una entrevista con la AP en el 2005 en la que reconoció que fue la decisión más difícil que tuvo que tomar en su vida.

Aunque vivió décadas alejado de su patria, siempre se mantuvo fiel a sus raíces. Al menos musicalmente. "Siempre me he inspirado, desde que me fui de Cuba, en el sabor de mi tierra", aseguró el pianista.

El incansable músico produjo decenas de discos hasta el último momento. En el año 2000, el director español Fernando Trueba lo convirtió en el eje de su cinta musical sobre el jazz Calle 54. Poco después, obtuvo gran éxito con el álbum Lágrimas negras, grabado con el cantaor de flamenco Diego "el Cigala". Además, protagonizó el documental "El milagro de Candeal", rodado en la favela brasileña de Candeal junto Carlinhos Brown.

"Duelo para la música por Bebo Valdés, se nos fue el más grande", escribió "El Cigala" en su cuenta de Twitter.

Valdés continuó tocando el piano casi todos los días de su vida, sin perder nunca "el amor por la música" ni su chispa de picardía.

Su último disco fue Bebo y Chucho Valdés juntos para siempre, en el que padre e hijo repasaron el repertorio y los ritmos de la música cubana.

Al preguntársele cuál era el secreto de la longevidad cuando cumplió sus nueve décadas de vida, respondió en e-mail desde España: "Si te lo digo, no es secreto... (risas). Pero, entre nosotros, ni fumo, ni bebo".

Dijo que la mayor dificultad de haber llegado a los 90 era "padecer enfermedades propias de mi edad". Y la mayor satisfacción "haberme curado para seguir tocando el piano y que a la gente le guste".

A la generación de relevo le dio el mismo consejo que a él le dio su madre: "Aplicarse para salir adelante y que crean en el Espíritu Santo, porque te limpia y te transforma para mejor".

También expresó que quería ser recordado "con el corazón" que había puesto cuando hacía música.

Música y percepción: conversación abierta con Luc Delannoy

Arcis


El lunes 25 de Marzo a las 12 Hrs en la sala Mario Berríos de la Universidad Arcis (Libertad 53), se desarrollará una conversación abierta con el destacado filósofo, músico y neurocientífico belga Luc Delannoy. Esta conversación, que se articula en torno al tema de "música y percepción", invita a estudiantes, académicos e interesados a reflexionar, entre otros aspectos, sobre la importancia de los acercamientos inter y transdisciplinarios como método y perspectiva esencial de la investigación hoy.

Filósofo y escritor, fundador del programa académico Neuroartes, Luc Delannoy, nacido en Bruselas, Bélgica, residente en Nueva York, es autor de varios libros publicados en Bélgica, Francia, Canadá, Estados Unidos y México. Miembro de la New York Academy of Sciences, de la Association for the Scientific Study of Consciousness, de la Mind and Science Foundation y del Mind and Life Institute, desde 2001 enseña Neuromusicologia, Neuroestética y Neuroartes en varias universidades del continente americano. Actualmente es Director del Instituto de Neuroartes, un centro que investiga como el arte influye en la relación entre la mente y el cuerpo. Sus libros Caliente! Carambola y Convergencias publicados por la prestigiosa editorial Fondo de Cultura Económica son considerados por la prensa internacional como fundamentales para la comprensión de la historia del jazz. Ha escrito más de 200 artículos para la prensa europea. Su libro El Espejo es una serie de ensayos sobre la consciencia musical. Recibió el prestigio premio Deems Taylor For Excellence in Authorship on Musical Subject.

http://www.neuroartes.org

http://www.lucdelannoy.com

Ciclo de Conferencias. 2 Abril 2013


Philip Glass vuelve a Chile en noviembre

El Mercurio

Concierto extraordinario en el Municipal de Santiago.


Todos los conciertos  que ofreció en 2010 en el Teatro Municipal de Santiago fueron a tablero vuelto. Ahora Philip Glass (1936) volverá a ese coliseo, para ofrecer sendos recitales los días 28 y 29 de noviembre.

Al piano, el compositor estadounidense interpretará sus obras "Mad Rush" (1979), "Metamorphosis" Nº 4 y Nº 5 (1989) y "Wichita Vortex Sutra" (1988) -inspirada ésta en el poema de Allen Ginsberg-.

Será, además, la oportunidad de descubrir a uno de los colaboradores más interesantes de Glass en los últimos años, pues el joven violinista estadounidense Tim Fain actuará con él. Juntos interpretarán la música que Glass compuso en 1990 para "The Screens", de Jean Genet, y un arreglo de "Pendulum" (2010). Fain presentará también la Chaconne de la Partita para violín solo (2011), obra que Glass le dedicó.

En 2011, el dúo realizó una aclamada gira europea, y Glass estrenó, hace dos meses, su última ópera, "The Perfect American", un retrato de Walt Disney.



La impronta de Nicolas Rauss para la Orquesta Usach

El Mercurio


Se centrarán en el repertorio clásico-barroco , pero con acento romántico. Y darán conciertos gratuitos en el GAM.

Romina de la Sotta Donoso

Será el primer año de Nicolas Rauss (1960) como titular de la Orquesta Usach. "El progreso debe darse poco a poco", dice, sin impaciencia. "Este año por primera vez tendremos cinco presentaciones en el GAM. La orquesta cuenta con su propio público en la Usach, pero también debemos mostrarla afuera, por su buen nivel".

El nuevo público, asegura, "escuchará programas que no va a encontrar en otros lados, con una orquesta coherente, entusiasta y efusiva, que funciona como una banda de rock: los músicos creen en la orquesta, y el público eso lo siente".

Los conciertos serán gratuitos, miércoles por medio, a las 19:00 horas, en el Aula Magna Usach (www.usach.cl). La temporada parte el 27 de marzo.

En el primer programa, abrirán y cerrarán con Haydn. "La Obertura de 'La Fedeltá premiata' es ocurrente, rápida y simpática, con mucho ritmo y swing . Y la Sinfonía Nº 83, 'La Gallina', tiene uno de los inicios más dramáticos, por no decir violentos, de los que Haydn escribió en su vida", comenta Rauss. Al medio, una obra contrastante, con la solista Edith Fischer: el Concierto en Sol para piano de Ravel. "Es una pieza muy viva y brillante, bien de los años 30", agrega Rauss. Repetirán el concierto en el GAM, el 2 de abril. Las invitaciones son gratuitas, y deben retirarse antes (www.gam.cl).

Este año, la Orquesta Usach exhibirá su corazón clásico: habrá conciertos dedicados a Mozart y Beethoven, y se programaron cuatro obras de Haydn, entre ellas la Sinfonía "Oxford". También la Misa en Do Mayor de Beethoven y el Concierto para violín Nº 4 de Mozart.

El barroco tendrá su protagonismo: el violinista Raúl Orellana conducirá dos fechas, una con los Conciertos Brandenburgués Nº 1, Nº 2 y Nº 3 de Bach (agosto). Y en Navidad, Rauss dirigirá el Magnificat de Bach.
Una de las novedades será el acento romántico de la temporada: ofrecerán una jornada eslava con la Suite Checa Op. 39 de Dvorak, más obras de Glinka y Tchaikovsky (mayo) y confrontarán a Schumann y Mendelssohn (septiembre).

Rendirán, además, homenaje a Wagner y Britten, en sus natalicios. "Haremos los lieder de Mathilde Wesendonck y el 'Idilio de Sigfrido', dos obras de un Wagner maduro", dice Rauss. Será solista Patricia Cifuentes, y se sumará la Serenata Op. 7 para vientos de Richard Strauss (abril).

De Britten, presentarán su Sinfonietta Op. 1, de la cual Rauss elogia su "carácter formidable" (noviembre), y destaca, además, que David del Pino hará dialogar a Barber, Prokofiev y Beethoven (abril) y a Kodaly con De Falla (mayo).

"Lo que hay poco este año es música actual. Pero estrenaremos una nueva obra de un compositor chileno", concluye.
________

MÁS MÚSICA

En la temporada 2013 también actuará el Coro Usach y Syntagma Musicum abordará, en siete programas, el barroco tardío, Bach, música americana de los siglos XVIII y XIX, y repertorio jesuita.

Helmuth Rilling: Regresa un gigante de Bach

El Mercurio


Uno de los principales promotores de este gran compositor germano dirigirá la "Pasión Según San Mateo" en el Teatro del Lago de Frutillar, el sábado 30. Pero antes, este martes ofrecerá un concierto didáctico sobre esta obra monumental, gratis, en el Centro de Extensión UC.

Maureen Lennon Zaninovic

"Helmuth Rilling: tocando el cielo". Así de elogioso fue el crítico Jaime Donoso para referirse a las presentaciones que ofreció el renombrado músico germano y uno de los mayores intérpretes de las cantatas de Bach y fundador de la Stuttgart Bach Academy el año pasado en el país.

Rilling (Stuttgart, 1933) lideró dos recordados conciertos en el Teatro Municipal de Las Condes y en el Teatro del Lago. En Frutillar, además, ofreció master classes y lecture concerts (conciertos didácticos), y fundó la Academia Bach en Chile, contribuyendo aun más a la difusión del músico barroco en nuestro país. En concreto, eso significa que todos los años, en el Teatro del Lago, se deberían realizar actividades vinculadas a la formación y difusión de la música de Bach.

"Estoy muy contento con este regreso. La fundación de la Academia Bach fue muy emocionante y ahora mi retorno será un poco distinto, porque estoy viajando con una selección de músicos jóvenes -entre 18 y 25 años- de todo el mundo, incluido Chile. Se trata de la Orquesta y Coro Johann Sebastian Bach Ensemble", señala Rilling a "El Mercurio".

En su nueva visita a Chile, Rilling conducirá la "Pasión Según San Mateo" de Bach. El martes 26 de marzo, en el Centro de Extensión UC -y para celebrar los 125 años de la Universidad- ofrecerá "La Pasión en palabras y música", sesión en la cual comentará la música que se irá tocando (19:00 horas, retiro previo de invitaciones en Alameda 390). Y el sábado 30 de marzo, el músico alemán dirigirá la obra en el Teatro del Lago de Frutillar (19:00 horas, desde $10.000 a $25.000), donde además ofrecerá clases magistrales.

Brillante carrera

Hace más de cinco décadas, Rilling fundó la Gächinger Kantorei Stuttgart, un coro profesional que se transformó, rápidamente, en uno de los más renombrados y célebres de Europa. Para ampliar el espectro y las posibilidades de difusión de esta música, también creó un ensamble instrumental: el Bach Collegium Stuttgart.

Al frente de ambos, el músico alemán hizo historia al registrar toda la música de Bach que involucra voces y orquestas, incluidas la Misa en Si menor, las pasiones, los oratorios, los motetes y todas sus cantatas.
"Ahora, en Frutillar, será el turno de la 'Pasión según San Mateo' que para mí es la obra central de Bach, la más importante y más extensa, porque requiere dos coros y dos orquestas. Me parece muy bien mostrarla en Semana Santa, porque el propio compositor la estrenó en un Viernes Santo", dice Rilling, y agrega que estamos ante una creación que contempla tres niveles de lecturas: "Primero están los capítulos que se refieren a la pasión, luego vienen los corales y luego esos textos libres que comentan la historia bíblica. Las numerosas arias y coros que incluye son los momentos más emocionantes de la obra".

Tras la muerte de Bach, la obra cayó en el olvido -como, en general, toda la obra del compositor- y no fue hasta 1829 cuando el compositor y director Felix Mendelssohn volvió a interpretarla. "Gracias a este último, hoy esta misa se toca con mayor periodicidad y es un imperdible de la Semana Santa", puntualiza Helmuth Rilling.

Nueva fecha para Daniel Johnston en Chile

Humo Negro


El 7 de marzo, Daniel Johnston, leyenda del indie tanto por su historia personal como por los célebres artistas que se reconocen influenciados por él, no pudo presentarse en Chile tras no viajar a Sudamérica por recomendación médica, pero el propio Johnston quería venir y lo hará, porque hay nueva fecha para el show del artista norteamericano, este 21 de abril en la Ex Oz.

La producción del evento informó que los tickets comprados para la fecha original son válidos para el show reagendado y que también habrá localidades a la venta por sistema Puntoticket a un precio de $25.000 más recargo.

The B-52's debutará en Chile

El Mercurio

La veterana banda de pop estadounidense, que triunfó a fines de los 80 con singles como "Love shack" y "Roam", es el primer número confirmado para el segundo ciclo "S.U.E.N.A.", serie de shows íntimos que reunirá a artistas locales e internacionales y que se realizará entre abril y agosto de este año en pequeños teatros de la capital.

Los primeros pasos de las bibliotecas digitales en Chile

El Mercurio


Este año la Dibam lanzará la primera biblioteca pública de este tipo, consolidando el préstamo de e-books en el país, que ya había tenido iniciativas privadas similares en años anteriores.

Josefina Marambio Márquez

"Ya tenemos usuarios que nos están pidiendo libros en formato digital", asegura Florencia García, encargada de fomento lector del Sistema Nacional de Bibliotecas Públicas, quien está al mando del proyecto de la primera biblioteca digital pública de Chile, que comenzará a funcionar en el segundo semestre de este año y que tendrá alrededor de 3.200 títulos.

Pero esta iniciativa no es la primera de su tipo en el país. Algunas universidades han implementado el préstamo de textos de estudio en formato e-book para sus alumnos. Es el caso de la Universidad Adolfo Ibáñez, cuyo sistema funciona desde abril de 2010. Luego de dos años, los préstamos aumentaron de cinco mil a 25 mil, en un universo de tres mil alumnos aproximadamente. Un año después, en abril de 2011, Biblioteca Viva, espacio de fomento lector en los centros comerciales Mall Plaza, creó su plataforma de préstamo de libros digitales.

El sistema es similar en todos los casos: se ingresa desde un computador, tableta o smartphone a una plataforma alojada en un sitio web, desde la cual se solicitan los títulos del catálogo. Los e-books se descargan en una "estantería virtual", desde la cual se pueden leer. Generalmente se utiliza el programa Adobe Digital, que el usuario debe instalar previamente. Una vez que se terminan los días de préstamo, los libros digitales se devuelven automáticamente. No es posible copiarlos en el dispositivo de manera permanente, ya que se encuentran protegidos.

Evidentemente las ventajas son muchas: los lectores pueden pedir prestados libros desde cualquier lugar, sin importar el día ni el horario. Los tiempos de préstamo son más efectivos, ya que no existe la posibilidad de que alguien no devuelva un e-book . No hay que tener una tableta para poder leer: el formato ePub permite usar otros dispositivos. Las bibliotecas pueden adquirir más títulos sin tener problemas de almacenamiento físico.

Cuando se lanzó, el proyecto digital de Biblioteca Viva fue exitoso: llegó a tener más de mil usuarios en pocos meses, pero con el tiempo comenzó a estancarse, según Larraín, por la falta de colecciones nuevas: "Queremos hacer una compra grande de e-books y relanzar el sitio web. Para nosotros fue súper importante tomar el desafío y no esperar a que todo esté funcionando para llevarlo a cabo", dice.

El principal obstáculo

El mayor problema que han enfrentado este tipo de bibliotecas es la compra de libros digitales, ya que cada editorial pone sus propias condiciones. "Subir los e-books a la plataforma ha sido rápido. Lo lento es hablar con las editoriales y consolidar un modelo que finalmente sea conveniente para todos", explica García.
Para Larraín, lo más importante es que los distintos espacios relacionados con el fomento lector se están atreviendo a realizar proyectos innovadores en el país: "Nos podemos equivocar o puede resultar fantástico, pero lo bueno es que está pasando. Lo peor sería que no pasara nada", dice.

martes, marzo 19, 2013

Rescatan el cancionero de amor gozoso de nuestra patria

El Mercurio

Libro "Para amar a quien yo quiero".En 136 tonadas recopiladas por Rodolfo Lenz las cantoras populares demuestran que el amor no tiene por qué ser trágico.

Romina de la Sotta Donoso

Rodolfo Lenz vino a Chile a enseñar idiomas. Pero, deslumbrado con nuestras tradiciones orales, terminó construyendo un invaluable archivo que hoy conserva la Biblioteca Nacional.

"Él es quien primero advierte el valor de la poesía en décimas que muchos de nuestros poetas populares publicaban en pliegos sueltos", dice Micaela Navarrete, coautora con Maximiliano Salinas del libro "Para amar a quien yo quiero. Canciones femeninas de la tradición oral chilena recogidas por Rodolfo Lenz" (220 páginas).

El volumen incluye 136 tonadas recopiladas por el alemán, cancionero que da cuenta del oficio de las cantoras.

"Ellas se incorporaron a la sociabilidad popular chilena en las chinganas y en las fondas, donde podían expresar con desenvoltura la libertad, la sabiduría y la magia de sus sentimientos amorosos", dice Salinas. "Entre 1532 y 1549, llegaron a Perú por lo menos trescientas mujeres calificadas de moriscas. De ellas se heredó el oficio de cantora, donde destacaba la lírica amorosa. El canto arábigo-andaluz supo enriquecerse con una cultura y una sensibilidad indígenas que no eran ni absolutamente distintas ni opuestas".

El historiador asegura que este cancionero tiene corazón sufí. "Y en el misterio del amor, del estar juntos, como horizonte vital, donde no caben las pesadeces instituidas por los poderes de este mundo, sino la realización 'gustosa' del 'corazón' 'amante'".

Un ejemplo: "Ciegos, mudos, cojos, sordos/ Toditos me han de celar/ ¡Ay corazón!/ Para amar a quien yo quiero/ Del matrimonio me privo/ Yo tengo el ojo muy vivo".

En estos versos Salinas identifica la sabiduría de los misticismos orientales "donde la vida se define por la plenitud amorosa, y no por sus amarguras trágicas".

En el libro, hay tonadas de amor constante, como "Me aconsejan de que te olvide/ Yo no te puedo olvidar/ Las que no saben de amor/ Se ponen a aconsejar".

Lo interpreta Salinas: "Saber de amor y no saber de amor; ahí está la cosa. El buen consejo solo puede proceder de la experiencia amorosa, y el olvido es recurso de los desamorados, ¡y de los ignorantes!".
También hay quejas de amor. Por ejemplo: "Para despedir a un hombre/ No es preciso malos modos/ Con decirle que se vaya/ Así se compone todo".

Al recorrer las tonadas se van reconociendo versos que ya son parte del subconsciente colectivo. "El 'Casamiento de negros' viene de un extenso romance burlesco de Quevedo del siglo XVII, y parte de sus versos los conocimos en la clásica interpretación de Violeta Parra. Y el tema del zapatero, que lo encontramos en la 'Negra Ester' de Roberto Parra, yo lo he escuchado como cueca en Chiloé", cuenta Navarrete.

El libro es publicado por el Centro de Investigaciones Diego Barros Arana y el Archivo de Literatura Oral, y en él también tiene un rol fundamental Patricia Chavarría, fundadora del Archivo de Cultura Tradicional de Concepción, quien confirma cuáles tonadas siguen vigentes. Ella, la cantora de Cunco Rosita Alarcón y el musicólogo Gastón Soublette, lanzarán el volumen mañana, a las 19:00 horas, en la Sala América.

lunes, marzo 18, 2013

El fin de semana en que la música chilena sonó más fuerte en México

El Mercurio


Diez artistas nacionales tocaron en la capital azteca. La mayoría lo hizo en el Vive Latino, el festival de música que atrapó incluso a fanáticos como el ex tenista Fernando González.

José Vásquez Enviado especial

Ciudad de México Damon Albarn lo entregó todo arriba y abajo del escenario. El cantante de Blur repasó la noche del sábado en 90 minutos gran parte de la discografía esencial de la banda y se lanzó en repetidas ocasiones a sentir el cariño de la gente.

El público mexicano lo recibió como cualquier audiencia teenager chilena: bastó que de una guitarra reventara una distorsión para que se desatara la locura amplificada por más de 45 mil personas presentes dentro del Foro Sol para ver el show estelar del Vive Latino, el festival de música más grande de México, que se completaba con 5 escenarios más. Y con otros 20 mil fanáticos de la música merodeándolos hasta elegir al artista que más les gustara por un rato. Porque la gente daba tantas vueltas como un piloto de Fórmula 1.

La comparación no es gratuita: el lugar donde se levanta el Vive Latino cuenta con un autódromo que rodea a un estadio de béisbol (Foro Sol) donde está ubicado el escenario principal. Y en toda la extensión de la pista está el resto de los escenarios que en el camino entre uno y otro entretiene con decenas de stands donde se puede comprar de todo: comida, cerveza -que solo se vende en vasos de medio litro-, mezcal, poleras de las bandas, discos y máscaras de la lucha libre.

Esa fue la escenografía que cobijó la participación de los chilenos en este Vive Latino que marcó a los números nacionales como la segunda delegación más grande después de la española. Y estuvieron en todos lados: desde Chico Trujillo desatando la fiesta en el escenario principal-donde tocaron Yeah Yeah Yeahs, Tame Impala y Blur- hasta la banda de nicho Mostro que actuó en la denominada "Carpa Intolerante", donde se presentaban los números alternativos y emergentes.

La banda de El Macha logró entusiasmar a las cerca de 5 mil personas que a las 15:00 horas estaban frente a ellos dispuestos a bailar. Y lo hicieron con ganas. "Loca" fue coreada por gran parte del público y el cierre vino con "La escoba", acompañada con un guiño local a Juan Gabriel que fue recibido con risas. Chico Trujillo cumplió con las expectativas y pasó demostrando oficio por el principal montaje de Vive Latino. Al bajarse del escenario contaron que en los próximos meses van a grabar un disco en formato acústico, explorando otras sonoridades.

Por otro lado, Mostro, el dúo de rock y electrónica integrado por los hermanos Jaime y Carlos Reinoso, fue la primera banda nacional que debutó en el festival el pasado viernes 15, logrando una tibia recepción entre quienes los llegaron a ver. Su mezcla de baterías marciales y sonidos sintéticos, en todo caso, logró la aceptación de algunos que los siguieron bailando.

El sábado 16 fue el turno de Sonido Landon. La banda de Andrés Landon, pese a tocar en el primer turno, logró convocar a bastante gente para ver su show. Landon se subió más tarde al escenario principal como guitarrista de Carla Morrison, cantante que en este festival confirmó su arrastre popular siendo vista por más de 30 mil personas.

La Carpa Danup, la de mayores proporciones de los escenarios alternativos, fue el lugar donde se presentó Alex Anwandter que logró entusiasmar al público haciéndolo bailar tanto con las canciones de sus proyectos solistas, entre ellas, "Tatuaje" y "Cabros", como con las de su ex banda Teleradio Donoso "Amar en el campo" y "Bailar y llorar".

Hasta ahí llegó Fernando González, reconocido fan de la música chilena. "Estoy pasándolo bien, nadie sabe que estoy acá y prefiero seguir así", dijo excusándose de hablar el retirado tenista que estaba acompañado de Leo Saavedra, cantante de Primavera de Praga y otros amigos. Camila Moreno fue una de las que subió sus bonos con una breve pero potente presentación en la que repasó sus dos discos publicados hasta el momento. La gente que no la conocía se preguntaba de dónde era y dónde comprar sus discos, celebrando sobre todo sus letras. La nueva etapa de Camila Moreno, a veces oscura y hermética y otras dulce y cercana, fue seguida por un momento desde el público por Francisca Valenzuela que más tarde cantó una canción con el grupo electrónico Sussie 4. "Mucho corazón" se llama el pegajoso cover bailable del clásico bolero mexicano que la chilena interpretó con soltura en un ambiente de fiesta.

También Javiera Mena apareció sorpresivamente para cantar con los mexicanos de Dapuntobeat "Necesito cambiar", tema que grabaron juntos. La voz de "Hasta la verdad" se presentaba ayer en el Zócalo de Ciudad de México junto a Instituto Mexicano del Sonido y The Presets en una feria de tecnología.

Cerraban las actuaciones chilenas en Vive Latino Aiken y Gepe, quien subía al escenario cerca de la medianoche.

Manuel García completó este auspicioso fin de semana de músicos chilenos en México con la presentación de su disco "Acuario" en Lunario, un foro alterno del Auditorio Nacional.
_______
Otro compatriota

Fernando Solís, la voz del "Señor Manguera" en "31 Minutos", y locutor comercial que ha hecho carrera en MTV Latino y Fox, fue el encargado de anunciar a las bandas.

Julián García-Reyes y el fin de 50 años de trayectoria radial: "Misión cumplida, estoy satisfecho"

El Mercurio

El emblemático locutor termina mañana su trabajo radial tras vender sus últimas estaciones al Grupo Luksic. "Mi destino de aquí para adelante no se despega de las comunicaciones", dice.

Cristopher Ahumada L.

El reloj marca el mediodía y en las oficinas de radio Horizonte, en Pocuro 2151, destacan las cajas embaladas y los estudios cerrados. Un frío ambiente. El vacío de un cercano final. Al interior, Julián García-Reyes Anguita, sonriente, reflexivo y siempre dispuesto, revive las cinco décadas que han marcado su trascendente paso por la radiotelefonía en Chile. No olvida detalles, no se arrepiente de sus decisiones. Hoy, su nombre se inscribe en la historia de las figuras más importantes de las comunicaciones en Chile.

A fines de septiembre de 2012, el Tribunal de la Libre Competencia aprobó la venta de radios Horizonte y Oasis a Radiodifusión SpA, holding del Grupo Luksic. La nueva administración decidió cerrar Horizonte y transformar la programación de Oasis, por lo que antes de la medianoche de mañana lunes 18 de marzo el actual equipo pondrá fin a sus transmisiones.

Hasta ahora, García-Reyes tenía su propio espacio en el 102.1 de radio Oasis, "El túnel del tiempo". Su afición por el campo radial se remonta a su infancia pues sus padres fueron los fundadores del radioclub de Valparaíso y Viña del Mar. "Desde niño veía una frecuencia y un transmisor en un estudio en el dormitorio", recuerda.

Creó un club de teatro en el colegio, animó festivales e hizo diversas locuciones fuera de la radio en su juventud. Terminó sus estudios en Limache, donde además hizo oficialmente sus primeras incursiones radiales para luego llegar a Valparaíso y cumplir el sueño de su vida: integrar la radio Recreo de Viña del Mar. Había ingresado a estudiar leyes en 1962, pero su trabajo en la estación lo hizo cuestionar su vocación y darse cuenta de que en esa carrera no estaban ni sus sueños ni sus alegrías: "En primer año decidí que la radio era la pasión de mi vida, y me dediqué a esta profesión con un amor de mucho fondo y mucho contenido".

Visionario y siempre enérgico, quiso combinar su trabajo radial con algo más. Es así como llega a una oficina de la agencia publicitaria McCann Erickson en Valparaíso, donde inicia una carrera de más de 15 años en el mundo de la publicidad.

Pero fue en 1972 cuando su carrera radial da un gran salto. Trabajaba en radio Minería y Recreo, ambas estaciones AM, cuando le ofrecen una señal en frecuencia modulada: radio Concierto, que hasta ese entonces, tras cinco aventurados proyectos, destacaba como un espacio para música clásica.

Julián García-Reyes se arriesga con una propuesta distinta que cambiaría la historia radial en Chile: hacer una señal popular en una frecuencia que marcaba escasos 2,3 o 2,4 puntos de audiencia. "La frecuencia modulada no la oía prácticamente nadie; hoy, casi todos lo hacen", cuenta el comunicador y agrega que "radio Concierto fue la creadora del boom de la frecuencia modulada".

"Están pasando cosas que no son muy limpias en este mundo"

Tras el éxito de radio Concierto, García-Reyes adquirió las radios Infinita y Futuro. Corría 1985 y creó Horizonte, uno de sus proyectos más importantes que ahora llega a su fin. Luego cedió Infinita a uno de sus socios y vendió Concierto y Futuro al Grupo Iberoamérica para crear una radio adulta que apuntara a un segmento mayor. Es así como surge radio Oasis. Horizonte da un giro de la mano de Julián García-Reyes Subercaseaux, su hijo. Melodías alternativas, tendencias electrónicas y clásicos de los 80 y 90 llegaron al 103.3 del dial FM.

Y ahora se vienen cambios bruscos. "Cumplí un ciclo de 50 años y decidí retirarme", cuenta Julián García-Reyes.

-¿El panorama radial actual influyó en su decisión de terminar su trayectoria?
"Empezó a primar el gusto por cosas íntimas y hoy tenemos morbo presente en todas partes. Se ha llegado incluso a transmitir un acto sexual a través de la radio".
"No puedo dejar de decirlo: el mundo ha cambiado. La mayoría de las cosas que se hacen, se hacen por el tener, y lo que era idílico antes, hoy se ha ido dejando de lado. La radiotelefonía que yo conocí era algo precioso, hacíamos comunicación limpia. Hoy día hay involucradas algunas acciones que yo llamo corruptas, como la coima. Están pasando cosas que no son muy limpias en este mundo y me he ido desilusionando".

-¿Eso quiere decir que abandona por completo las comunicaciones?
"No. Ahora, quiero llevar al cine dos ideas de guión y estudiar documentales en una agrupación, me atrae mucho eso. Mi destino no se despegará jamás de las comunicaciones".

-¿Siente pena?
"La emoción en los últimos meses ha embargado mi alma; he vivido una tremenda pena porque las despedidas siempre son tristes y esta en especial está llena de gratitud. Estoy agradecido de Dios porque me permitió que con mi hobby yo tuviera una remuneración profesional y pudiera realizar el soñado anhelo de la familia. Tengo una sensación de misión cumplida, estoy satisfecho. Ese es el llamado que se me viene a la mente".

"Recibimos ofertas que más bien eran ofensas"

-¿Cómo fue que se concretó la venta al grupo Luksic?
"La venta no fue dirigida a alguien en especial. Fue porque decidimos terminar nuestro trabajo para dedicar nuestras fuerzas a otros caminos. Entonces aparece el muy respetado grupo Luksic. Empezamos una conversación y terminamos cediendo nuestras dos radios, que ellos suman a Play y Sonar, para iniciar otro camino de las comunicaciones".

-¿Existieron otras ofertas que evaluar antes de cerrar el acuerdo?
"Hace cuatro o cinco años que se viene acercando gente con intenciones de comprar. Recibimos ofertas que más bien eran ofensas; por lo tanto, las conversaciones fueron muy breves".

-¿Fue muy buena la oferta del grupo Luksic?
"Creo que la parte numérica que tenemos con el actual comprador fue razonable. No es una locura tampoco. La gente piensa equivocadamente que esa plata va para Julián García-Reyes... Pero no es así, va para una sociedad que es la dueña de la concesión y se deposita en una entidad financiera. Claro que es un respaldo de dinero, pero si yo quiero sacar algo de ahí tengo que pagar el 40% o 45% de impuestos. De hecho, de la venta de radio Concierto y radio Futuro al Grupo Iberoamérica no toqué ningún peso".

-¿Imaginaba las decisiones que tomaría la nueva administración cuando cedió sus estaciones?
"Cuando uno vende una propiedad, la entrega, pasa las llaves y el comprador instala sus muebles, sus cortinas, pone piso nuevo y hace otra cosa".

Cronología

1972 El 1 de agosto nace el nuevo proyecto de radio Concierto en el dial FM.
1985 Funda radio Horizonte, señal que mantuvo en su poder hasta 2012.
1986 La Cepal entrega la Medalla de la Paz por primera vez a un medio de comunicación: radio Concierto.
1989 Julián García-Reyes adquiere radio Futuro.
1999 Vende radio Concierto y Futuro al grupo Iberoamérica Radio.
2000 Crea radio Oasis, el primer proyecto para el segmento adulto.
2004 Deja a Julián García-Reyes Subercaseaux, su hijo, como director de Horizonte, quien se mantiene hasta 2010.
2012 En septiembre, se aprueba la venta de Oasis y Horizonte al grupo Luksic.
2013 El 18 de marzo, se terminan las transmisiones de ambas estaciones para dar paso a nuevos proyectos del actual dueño.
----------------------------------------------------------------------------------------------------

Opciones de música del recuerdo?
www.fmdelosrecuerdos.cl

www.fmpalabra.com

David Bowie: las mil caras del camaleón

El Mercurio


El Victoria & Albert Museum de Londres estrena este sábado "David Bowie is", la primera retrospectiva a gran escala dedicada al legado artístico del músico británico. Famoso por sus muchísimos alter egos y una constante reinvención a lo largo de sus casi cinco décadas de carrera, el impacto de este ícono del rock va mucho más allá de lo musical, extendiéndose al diseño, la moda, y el arte contemporáneo en general.

Camila Ortiz Miranda

¿Quién es David Bowie? Enigmático, versátil, contradictorio, no es fácil responder a esta pregunta. Y es que David Robert Jones ha hecho una (muy exitosa) carrera a partir de la confusión entre persona y personaje, ficción y realidad. Pionero en esto del self-made art (una especie de proto "hágalo usted mismo"), ninguna otra celebridad antes que él se había convertido en un mito de forma tan consciente, con tanto control de la maquinaria publicitaria y de prensa que rodea a las estrellas de rock.

Resulta irónico, entonces, intentar responder esa pregunta. Porque preguntarse quién es David Bowie es un acto un tanto fútil, uno que no toma en consideración que el misterio es precisamente parte de lo que lo hace único. El seudónimo de "camaleón" no es por nada: Major Tom, Ziggy Stardust, Aladdin Sane o el Duque Blanco son sólo algunas de las distintas personalidades que ha asumido el artista a lo largo de los años, pasando sin problemas de la androginidad y homoerotismo a la masculinidad más formal entre uno y otro personaje. Un provocador que supo recoger influencias estéticas tanto de la vanguardia artística como de los travestis.

David Bowie es una figura que cautiva y, aún teniendo claro que se trata de una tarea complicada, es imposible no querer saber más. Quién es Bowie es una interrogante que se repiten tanto fans, periodistas y estudiosos del arte y es, precisamente, la pregunta que da vida a "David Bowie is", la primera gran exposición dedicada al artista y que abre en el Museo Victoria & Albert de Londres el próximo 23 de marzo.

Todos los anteriores

Músico, diseñador y actor. Ícono del rock y de la moda. Genio vanguardista o un sutil ladrón. Más allá de sus muchos alter egos, ¿cuál de esos adjetivos define mejor a David Bowie? Todos los anteriores, parece ser la respuesta. La muestra del Victoria & Albert recoge las muchas dimensiones del artista, pero deja la pregunta abierta. El mismo nombre de la exposición (un escueto "David Bowie es") da señales de esto. Una invitación a que cada espectador haga su propio personaje.

"Él es un verdadero ícono, más relevante que nunca en la cultura popular. Sus innovaciones radicales en la música, teatro, moda y estilo todavía resuenan en el mundo del diseño y la cultura visual, y continúa inspirando a artistas y diseñadores alrededor del mundo", ha dicho Martin Roth, director de la institución, sobre la muestra.

Lo del V&A de Londres es un acto sin precedentes. Se trata de una de las exhibiciones más exitosas en la historia de la galería, con más de 30 mil tickets ya vendidos, lo que los obligó a alargar la fecha de exhibición del 28 de julio al 11 de agosto y agregar funciones nocturnas los días sábado. Pero, además, es la primera vez que un museo obtiene acceso al archivo completo de David Bowie, el que fue revisado durante dos años por los curadores Victoria Broackes y Geoffrey Marsh.

La muestra recorre la evolución del artista, abarcando desde los inicios de David Robert Jones como aspirante a músico en el pueblo inglés de Bromley y, como señalan desde el mismo museo, explorará los procesos creativos detrás del trabajo de Bowie, siguiendo su cambiante estilo y constante reinvención a lo largo de casi cinco décadas de carrera artística. Para esto se escogieron más de 300 objetos, entre los que se incluyen trajes originales, letras manuscritas, fotografías, videos musicales, maquetas de escenarios e instrumentos usados por el músico. Un lugar privilegiado tendrán también las variadas colaboraciones que ha hecho Bowie con destacados artistas de distintas disciplinas, especialmente del mundo de la moda, el diseño y la fotografía.

Entre los objetos más llamativos se encuentran más de 60 trajes usados por Bowie durante sus giras, incluyendo los emblemáticos trajes de cuerpo completo de Ziggy Stardust, diseñados por Freddy Buretti en 1972; las llamativas creaciones del diseñador Kansai Yamamoto (quien se encargó del vestuario para el tour de Aladdin Sane, en 1973) y la chaqueta con la bandera del Reino Unido, diseñada en conjunto por Bowie y Alexander McQueen para la portada del disco Earthling (1997). Junto con estos ítems, se encontrarán también objetos más personales como storyboards inéditos, set lists y canciones escritas a mano, así como algunos bosquejos dibujados por el mismo Bowie y fragmentos de sus diarios privados, revelando así la evolución de sus ideas creativas.

El más elegante de los ladrones

La misma pregunta que trata de responder la exposición del V&A Museum es la que se plantea el periodista y escritor inglés Paul Trynka, autor de Starman (2011), una las biografías más exhaustivas que existen sobre Bowie. Con entrevistas a más de 300 personas que lo conocieron, en mayor o menor grado, el autor intenta dilucidar si es que se trata finalmente de un genio como pocos o un ambicioso y calculador comerciante. Y es que Trynka lo dice sin titubeos: el joven David Jones no era un músico particularmente talentoso. Quienes lo conocieron durante sus años de adolescencia admiraban su estilo elegante y despreocupado, pero era su amigo, George Underwood, el que todos se imaginaban terminaría convertido en una estrella musical.

Pero lo que le faltaba a Underwood (y sobraba a Bowie) era la ambición. Una ambición que consiguió que un artista que en un primer momento fue considerado como un one hit wonder (o de un solo éxito) se convirtiera en uno de los íconos de la música y el arte contemporáneo. En eso tuvo mucho que ver su talento para tomar prestado elementos de otros músicos y artistas. Y es que desde los días en que sus compañeros de colegio le envidiaban su estilo a la hora de vestir, Bowie siempre tuvo un ojo privilegiado para tomar las tendencias que se convertirían en moda e imponer su gusto personal.

Trynka explica: "Puede que Andy Warhol hubiese puesto de moda este tipo de 'apropiación' en el mundo del arte, pero que un rockero declarase 'soy un elegante ladrón' desafiaba una idea sagrada. Ese saber calcular, esas dotes de hombre de negocios, según lo describe Iggy Pop, lo encumbraron como la pura antítesis de héroes del rock and roll como Elvis Presley".

Darren Pih, curador de la muestra "Glam!", del Tate Liverpool (en exhibición hasta el 12 de mayo de este año) -y que también incluye a Bowie como parte importante de la exposición- concuerda en destacar la influencia de Warhol en el músico, sobre todo en esto de la apropiación del high art para hacerlo popular. "Warhol fue inmensamente influyente para Bowie, especialmente a través de su interés en ideas como la de la celebridad que se hace a sí misma por medio de la transformación. De hecho, Bowie conoció a Warhol en Nueva York en 1971 y, al poco tiempo después, él adoptaría el personaje de Ziggy Stardust. Por esa época, además, la fotógrafa Cindy Sherman realizaba sus primeros trabajos, poniéndose a sí misma en lugares ficticios y de alguna forma haciendo hincapié en cómo la imagen de alguien es reflejo de construcciones mediales y un glamour idealizado. Fue un periodo fascinante para las artes y Bowie fue una figura clave en todo eso".

Para Paul Trynka, el talento principal de Bowie no son prodigiosas dotes musicales, sino que la capacidad para "reposicionar la marca" y reinventarse constantemente, algo que posteriormente tomarían prestado músicos como Prince, Madonna y Lady Gaga. Pero en las páginas finales de Starman (el que fue publicado en medio del silencio de diez años de Bowie, cuando se temía que el artista se hubiese cansado del mundo del espectáculo para siempre), el autor se preguntaba: ¿será capaz el hombre que se transformó a sí mismo de volver a hacer magia?

Dos años después, cuando Bowie acaba de lanzar (el lunes recién pasado) "The Next Day", su vigésimo séptimo disco de estudio y que ya cosecha críticas favorables, la respuesta parece ser que sí. El camaleón lo ha hecho otra vez.

Día Mundial de la poesía


sábado, marzo 16, 2013

Beto Cuevas lanza revelador libro de entrevistas y estrena muestra con sus dibujos en Miami

La Tercera


El arte de ser Beto Cuevas salió a principios de mes y mezcla conversaciones con sus pinturas.

por Claudio Vergara


Curioso. El documento más revelador en torno a la vida de Beto Cuevas tiene como inspiración los años en que Chile y Latinoamérica aún no conocían a un cantante llamado Beto Cuevas: esos días de los 70 y los 80 en que el futuro vocalista estudiaba diseño en Canadá y aún miraba con distancia los escenarios.

Se trata de El arte de ser Beto Cuevas, texto que cuenta con la coautoría del ex VJ de MTV Latino, Javier Andrade, que fue lanzado a principios de mes en México (desde Chile se puede conseguir vía Amazon) y que por primera vez recopila un voluminoso puñado de sus dibujos y sus pinturas. “Hace mucho tiempo que quería recopilar toda mi obra visual. Tenía un acuerdo con una editorial y de pronto aparece Javier, un gran amigo, y se ofrece de manera desinteresada para escuchar con grabadora todas mis vivencias asociadas a dibujos”, relata el artista en referencia al otro gran tramo del libro: las entrevistas donde revisa desde su infancia hasta hoy, en lo que asoma como el relato más riguroso acerca de su figura (aparte de incluir fotos inéditas).

“Pero no es una biografía definitiva de La Ley, es sólo mi visión. Y espero que ninguno de los aludidos se enoje”, advierte en torno a los pasajes que detallan los quiebres del trío y que rematan en la promesa de una posible reunión para 2015. “No lo hemos conversado, pero es una intención, porque ese año se cumple una década de nuestro fin. Es algo que me da vueltas y que ya habrá tiempo de tratar”, dice. Más allá del contenido, El arte de ser... también abre un nuevo rumbo: sus dibujos del último mes -personajes ficticios y que ha elaborado en su iPhone- se exhibirán en la próxima Feria de Arte Contemporáneo Art Basel, una de las más reputadas de EE.UU. y que se hará en diciembre en Miami. “Pero en ningún caso voy a dedicarme a las artes plásticas”, cuenta. Aquí, los mejores pasajes de su libro:

* Su infancia en los 70 en Venezuela: “Siempre de niño fui como más bien tímido y delicado, en el sentido de que no era un niño que salía a la calle a embarrarme”.

* El retorno a Chile en 1988: “Nosotros no llegamos a Canadá (en 1978, tras Venezuela) por problemas políticos, como mucha gente piensa. Veo muchas biografías que hablan de que volví a Chile después del exilio y la verdad es que no salimos por problemas políticos, pero sí mi padre en los años que vivimos en Canadá fue como una especie de activista. El tenía un programa en radio donde hablaba de Chile y derechos humanos”.

* El Cuevas político: “Chávez apareció para decir ¡ya basta! Que no le gusta a mucha gente es cierto, pero lo que él le ha dado a la gente pobre en términos de educación no se lo ha dado ningún gobierno anterior. Y los pobres quieren a Chávez. Lo puedes entender. Política populista o no, les ha dado lo que nunca fue considerado por otros gobiernos”.

* Andrés Bobe: “Si bien éramos una dupla creativa y nos respetábamos mucho, como en todas las duplas creativas fuertes, conmigo había tensión. El, como fundador del grupo, por su ego, hubiese querido tener el reconocimiento mayor como líder. Sin embargo, fui el último en llegar y me convertí en la cara y por lo tanto la prensa y las revistas, cuando hablaban de La Ley, hablaban del grupo de Beto Cuevas. Entiendo que a Andrés le haya hinchado las pelotas y que sintiera celos”.

* Las partidas de Luciano Rojas y Coti Aboitiz de La Ley: “Para ser honesto, no son integrantes que se fueron de la banda porque quisieron irse, son integrantes que fueron echados del grupo. En el caso de Coti, aunque ahora afortunadamente ya lleva más de 10 años de sobriedad, en esa época venía arrastrando problemas de exceso, con el alcohol y algunas sustancias. Hubo situaciones con él en que sentí que podía haberse muerto como Andrés, y la verdad es que no tenía ningún interés en volver a vivir eso. (…) El problema que tenía Luciano era el alcohol porque, a diferencia de otras personas, le impedía funcionar bien sobre el escenario (…). En un momento, lo que le dije a la banda fue que, si seguía Luciano, yo me iba”.

* Con Roger Waters: (En una fiesta en 2002 en Venezuela) subí brevemente a mi habitación y quedó Estela conversando con él. Y cuando vuelvo lo veo a Roger conversando así, como acaparando su atención, sonriendo. Y lo miro sirviéndole vinito y entonces me senté y no dije nada. ¡Roger se la quería llevar a la habitación! Pero le puse un bloqueo”.

* Su separación de Estela Mora: “Se acaba La Ley en 2005 y después de estar una década por todos lados, aterrizo para estar en la casa todos los días. Sin entrar en detalles, te diría que me costó… Porque yo había adquirido ciertas malas costumbres, disfuncionalidades de rockstar, que de alguna manera seguí manteniendo y eso no era compatible con una relación de pareja. Fue ver cómo la vida se nublaba, la vida se hizo de noche durante más de un año. Me fui a vivir a un departamento y fui una persona muy miserable y muy triste y, a pesar de todo, hice un disco”.

* El fin de La Ley: “Había mucho descontento de parte de Pedro (Frugone), porque a lo mejor él quería poner más canciones y meter más cosas, pero la musicalidad de Pedro no tenía mucho que ver con el concepto que habíamos conseguido en La Ley. (En el último show) él, por ejemplo, salió por otro lado del escenario sin despedirse y nunca más lo vi, y de hecho eso fue algo muy triste para mí, porque quería darle un abrazo. Lo busqué y no lo encontré. Años después nos volvimos a contactar por mail para reiterarnos nuestro cariño”.

* ¿Regreso en 2015?: “Sí. Cabe pensar que en un tiempo más podríamos hacerlo. Las bandas cuando se separan deben esperar 10 años para que, al volver, se genere algo”.