Buscar varios mensajes, buscar varios caminos, buscar las sendas que nos comuniquen de alguna forma con nuestra historia perdida. Es distinto leer la historia en un libro, que sentir que la historia actual es la continuación de aquella historia. Pero nuestra patria supo de una guillotina que cortó en dos el vaso comunicante, que lo perdió, que lo hizo desaparecer. Mientras la mitad lejana trataba de seguir con la historia, esta ocurría demasiado lejos de la patria. Acá se borró el pasado, se persiguió, de amoldó de tal forma que es casi imposible darse cuenta del molde militar que nos norma en lo inconsciente, y es duro pero honesto reconocer que somos hijos de la dictadura, con todo lo oscuro que eso significa, con todos los oscuros rincones que nos dictan el diario vivir…
Desde nuestra ignorancia, buscamos el saber, y en ese saber, en esa causa investigativa, encontramos en el concierto del jueves 27 un eslabón fundamental de la cultura musical chilena; y tuvieron que pasar casi 20 años de la vuelta a la democracia para ver en que estábamos el 73, para sentir lo fundamental que significó la pérdida de la voz de Víctor Jara sobre la faz de la tierra. Fue una historia que nos perdimos, que supimos de oídas desde nuestra niñez hasta nuestra madurez, pero ese jueves se nos plantó en cuerpo y alma se nos hizo claramente como una nueva luz sobre tanta música que se nos pasó durante estos años.
A fines del ’89 el Quilapayún se nos plantó como un grupo con una historia hecha y derecha, maduro, de una calidad máxima, jamás igualada. Pero todo esto de donde venía?...
Pasaron todos estos años, para que el grupo pudiera mirar hacia atrás, y realizar en Chile el homenaje a Víctor que tanto se hizo en el exilio, pero que vuelta la democracia había quedado en el olvido. Tal vez era mas fundamental buscar un nuevo discurso, ver como renegar y volver al grupo, ver como se separan los sonidos de tantos años de música, de estar adelante sacando discos de dudosa calidad, o de ver quien es el dueño del nombre, todo esto historias mínimas frente a la deuda que quedo saldada este Jueves con Víctor.
La primera parte del concierto fue un viaje a la historia, una respiración interna, un crecimiento hacia dentro, una implosión musical que era necesaria en cuerpo y alma. Demasiado verbo para explicar un concierto de canciones por Víctor Jara?, para mi no, y no puedo encontrar ninguna otra explicación para ello, y mirándolo a un día de sucedido, es ese verbo que me hizo gritar con todo el alma después de terminar Canción Del Minero, nadie mas lo hizo, y al escucharme sentí que era yo y no lo era, lo grité con todas las ansias de gritar al escuchar directamente música que nunca pensé que iba poder escuchar en vivo alguna vez.
La formación del Quilapayún dirigido por Eduardo Carrasco fue la sgte:
Eduardo Carrasco, Carlos Quezada, Hugo Lagos, Rubén Escudero, Guillermo García, Ricardo Venegas, Ismael Oddó, Ricardo Venegas jr, Fernando Carrasco. Toda esta primera parte del concierto fue acompañada por un fondo en donde se proyectaba un exquisito trabajo visual sobre las creaciones del taller de los hermanos Larrea en fotografía y en las portadas de los discos de la Nueva Canción Chilena. Así pudimos ver que al inicio del Concierto el logo del Quilapayún se posaba sobre un arte similar al ocupado en el disco El derecho de Vivir en Paz, ver la fotografía del Quilapayún del disco Basta en alto contraste, mostrando solo las siluetas, para que después de unos minutos aparecieran los rostros de toda esa formación, una imagen que mostraba una raras figuras, pero que al ir alejándose lentamente nos decían que eran un detalle de las portadas de los discos pongo en tus manos abiertas, Basta. Un gran trabajo visual.
La entrega del conjunto fue profunda, lleno de respeto, de emoción, con palabras bien cuidadas pudimos ver en el escenario que Fernando Carrasco es un aporte de primerísimo nivel y denme el derecho a guardar en él ciertas esperanzas sobre el trabajo musical que pueda desarrollar la agrupación dirigida por Carrasco en los próximos años, un buen interprete en Guitarra, en Charango, en Quena, en voz, un músico completo, inmerso ya en un 110% en el repertorio presentado.
Tal vez si buscábamos la misma tesitura de las primeras grabaciones, no lo íbamos a encontrar, pero fue sobrecogedor escuchar todas esas interpretaciones. Canción del Soldado fue entregada en una buenísima interpretación, con una formación que no contó entre sus intérpretes a Carlos Quezada, pero el tenor tuvo a su responsabilidad la entrega de Manifiesto.
También encuentro que Eduardo Carrasco fue demasiado generoso, no debió entregar las interpretaciones de Canción para Víctor Jara, y de Con el alma llena de Banderas; el primer tema fue interpretado por Fernando Carrasco en una interpretación certera, Ricardo Venegas cantó Con el alma llena de Banderas, pero a Venegas le falta la seguridad suficiente en sus interpretaciones solistas, lo que lo aleja bastante a las versiones cantadas por Carrasco o Parada para esta canción. En esta última canción y en Paloma Quiero Contarte se produjo algo especial, fue la primera audición en Santiago de estas canciones interpretados por el Quilapayún, fue un nexo con el exilio, con la conexión, con el mostrar parte de la vida que muchos aún no conocen, cuanto material de aquella época aún no se interpreta en Chile?, cuanto aún queda por recorrer?
Para entregar las últimas 4 canciones se subió al escenario el Inti histórico que no contó entre sus filas a Salinas padre ni Ball y también el escenario recibió a Joan Turner. Esta primera parte comenzó cerca de las 21.20 y terminó cerca de las 22.45.
Realmente fue sobrecogedor, el concierto pudo haber sido solo eso, nada más, y no hubiera perdido nada.
La segunda parte, fue la parte débil, no por sus interpretaciones, ya que todas estuvieron ajustadas, pero no había una nueva propuesta dentro del repertorio, 11 canciones escuchadas y re escuchadas desde el 2007 a la fecha. Lo mas novedosos, fue la interpretación de ventolera el cual contó en Charango a Horacio Durán-Hugo Lagos-Rubén Escudero- Fernando Carrasco, mientras RV dirige al publico con las palmas; y una nueva versión de la Batea
Lo que le falta al Quilapayún, y formación que quiera toma el guante, es homenajear o hacer programas centrados en
1. repertorio antes del 73
2. repertorio del exilio
3. repertorio de la renovación en el exilio
y ahí podremos cerrar el circulo, solamente ahí nuestras almas podrán estar un poco mas completas.
La agrupación de Carrasco mostró una presentación maciza, camino a la recuperación histórica de la música nacional.
1Ra Parte:
>
> Presentación
> Canción del Minero
> Somos Pájaros Libres
> Plegaria a un Labrador- Guillermo García
> Tururururu -Versión original
> Te recuerdo Amanda- Guillermo García
> Canción del Soldado- Formación sin Carlos Quezada
> Manifiesto- Carlos Quezada
> Canción para Víctor Jara-Fernando Carrasco
> La Cocinerita- Ricardo Venegas- Hugo Lagos
> Paloma quiero contarte- Hugo Lagos-Carlos Quezada
> Herminda de la Victoria- Ismael Oddó
> Con el alma llena de Banderas- Ricardo Venegas
> La Partida- Con Inti Historico
> Vientos del Pueblo- con IH
> Tinkú- con IH
> El aparecido- con IH
>
>
> 2da parte:
> Siempre
> A California me voy
> Premonición a la muerte de JM
> Quita Hurpillay
> Ventolera
> Tio Caimán
> Vals de Colombes
> Donde está la que quiero
> La muralla
> La Batea- Versión 2009
> El pueblo Unido
domingo, agosto 30, 2009
domingo, agosto 23, 2009
Canciones Salvajes. 2009
La música esta abierta, esta abierta de par en par, y es difícil sentirse seguro de esto al existir tanta historia musical, tanto registro, que nos dicen inconscientemente que todo está creado, que todo está escrito. Pero está en el papel de los verdaderos creadores encontrar las vías perdidas, entre tanto camino seguro, en mostrarnos los nuevos horizontes de desarrollo. Siempre se puede hacer algo más.
Nada más falso entonces a estas líneas que decir que la Nueva canción Chilena está muerta, existe y esta viva, y una experiencia concreta de esto son las Canciones Salvajes de Patricio Wang- Winanda del Sur- Coro Mixto y conjunto instrumental.
La Nueva Canción Chilena se caracteriza principalmente por abarcar sentidos, ritmos latinoamericanos como propios, por buscar un desarrollo y una conexión entre la música popular y la docta y esta obra resulta un eslabón fundamental y profundo dentro del camino de esa conexión que se abriera hace años con la cantata Santa Maria.
En este disco se funde la poesía de Pablo Neruda, con la música de Patricio Wang, músico con vasta experiencia dentro del desarrollo de la Nueva canción, además de contar con la formación de creador de música de concierto; con lo cual entrega obras consistentes, cada una con un desarrollo dramático, con interesantes líneas melódicas mientras se pasea por diversos ritmos latinoamericanos, con cuidados arreglos para cada uno de los interpretes vocales e instrumentales.
Cada obra nos asemeja un Neruda tectónico, tan profundo como las raíces de la cordillera, ahí, el aposento de nuestros dioses que duermen. Neruda en vida tuvo mucho de terrenal, mucho de errores, de pecados mortales que desmoronaron su carne, pero nada más divino que su poesía, su verbo, que es la verdadera justificación para la existencia terrena de su carne. Un verbo que toma todo el continente desde su nadir a su morir, y en cada ritmo latinoamericano muestra el afluente de su pasión, de su sabia continental. Y esa profundidad de su poesía es el mensaje de América en su letra, y ahora en música.
No es una obra sencilla, pero requiere sencillez al oírla, necesita una disposición para viajar, para descubrir, para dejarse llevar por los cauces sonoros de América, y también para descubrir con cierta sorpresa que la mejor música de la nueva canción chilena se este dando en Europa, con músicos del mundo. Tal vez la nueva canción dejó de ser chilena, y es América en el mundo, en verbo, en sonido, en poesía, la continuación de nuestros ríos que han bañado los mares del plantea con nuestro sentir.
Y resultara curioso cada día que pase, antes que estas obras sean editadas, oídas, interpretadas en nuestra América, en nuestro Chile. Tal vez Chile y América están en otra parte.
Y en este disco hay tanta sangre, tanto río, tanto verbo americano que se agradece poderlas oír este 2009.
Hay una entrevista realizada por Radio Nederland, la caul se puede escuchar on line. ver aqui
Nada más falso entonces a estas líneas que decir que la Nueva canción Chilena está muerta, existe y esta viva, y una experiencia concreta de esto son las Canciones Salvajes de Patricio Wang- Winanda del Sur- Coro Mixto y conjunto instrumental.
La Nueva Canción Chilena se caracteriza principalmente por abarcar sentidos, ritmos latinoamericanos como propios, por buscar un desarrollo y una conexión entre la música popular y la docta y esta obra resulta un eslabón fundamental y profundo dentro del camino de esa conexión que se abriera hace años con la cantata Santa Maria.
En este disco se funde la poesía de Pablo Neruda, con la música de Patricio Wang, músico con vasta experiencia dentro del desarrollo de la Nueva canción, además de contar con la formación de creador de música de concierto; con lo cual entrega obras consistentes, cada una con un desarrollo dramático, con interesantes líneas melódicas mientras se pasea por diversos ritmos latinoamericanos, con cuidados arreglos para cada uno de los interpretes vocales e instrumentales.
Cada obra nos asemeja un Neruda tectónico, tan profundo como las raíces de la cordillera, ahí, el aposento de nuestros dioses que duermen. Neruda en vida tuvo mucho de terrenal, mucho de errores, de pecados mortales que desmoronaron su carne, pero nada más divino que su poesía, su verbo, que es la verdadera justificación para la existencia terrena de su carne. Un verbo que toma todo el continente desde su nadir a su morir, y en cada ritmo latinoamericano muestra el afluente de su pasión, de su sabia continental. Y esa profundidad de su poesía es el mensaje de América en su letra, y ahora en música.
No es una obra sencilla, pero requiere sencillez al oírla, necesita una disposición para viajar, para descubrir, para dejarse llevar por los cauces sonoros de América, y también para descubrir con cierta sorpresa que la mejor música de la nueva canción chilena se este dando en Europa, con músicos del mundo. Tal vez la nueva canción dejó de ser chilena, y es América en el mundo, en verbo, en sonido, en poesía, la continuación de nuestros ríos que han bañado los mares del plantea con nuestro sentir.
Y resultara curioso cada día que pase, antes que estas obras sean editadas, oídas, interpretadas en nuestra América, en nuestro Chile. Tal vez Chile y América están en otra parte.
Y en este disco hay tanta sangre, tanto río, tanto verbo americano que se agradece poderlas oír este 2009.
Hay una entrevista realizada por Radio Nederland, la caul se puede escuchar on line. ver aqui
lunes, junio 29, 2009
200 años no son nada
Y sin embargo los celebraremos como los dioses mandan, esperamos comenzar a partir del mes de septiembre a revisar los mejores discos de la musica chilena, de todas las tendencias de todas las èpocas, los mas representativos, los esenciales, los olvidados, los descatalogados, los conocidos, los famosos y no por ello malos, etc. Dar nuestro punto de vista de por qué deben estar ahí en nuestros oídos. Esperamos encontrar la expresión máxima musical entre cada track, cada nota, cada comentario.
Si todo se nos da comenzamos a partir de septiembre , espero que hagan llegar sus opiniones en relación a los mejores discos de la música chilena.
Saludos,
Si todo se nos da comenzamos a partir de septiembre , espero que hagan llegar sus opiniones en relación a los mejores discos de la música chilena.
Saludos,
domingo, abril 05, 2009
Tributo a Don Gerónimo Barría. Musica de Chiloé
Tributo a Don Gerónimo Barría. Musica de Chiloé
http://purochile.podOmatic.com/entry/2009-04-05T16_05_39-07_00
http://purochile.podOmatic.com/entry/2009-04-05T16_05_39-07_00
domingo, marzo 29, 2009
Quilapayun Wang Parada
http://purochile.podOmatic.com/entry/2009-03-29T14_12_25-07_00
Pensaba aportar mas,pero me falló la subida de un archivo,no se si es problema del ciber o del archivo.
En el link superior estan canciones "Ineditas" del Quilapayún dirigido por Wang Parada. Estos son
Preludio-Segun el favor del viento.Tomado de la suite para Violeta.
Por ellos canto. Daniel Viglietti.
Rosa de los vientos. Supongo que es de Wanf Parada.
La calidad del registro de medio-bajo,pero peor es nada...
Saludos,
Inti Illimani (Coulón) y Francesca Gagnon
El viernes 20 de Marzo se realizó en el teatro Caupolicán el concierto entre Inti Illimani (Coulón) y Francesca Gagnon.
Después de 20 minutos de espera el recinto dificilmente pasó las 3 /4 partes de su capacidad
La mayor parte del concierto estuvo interpretado por Inti Illimani, en una puesta de escena correcta. La característica de esta agrupación es que el peso musical e interpretativo esta dada a la joven guardia, mientras que sus integrantes históricos tienen una participación limitada, pero no por ello menos importante.
El concierto de inti illimani estuvo centrado fuertemente en las composiciones de sus últimos 2 discos, temas folclóricos y temas correspondientes principalmente a Víctor Jara, y se dejó de lado completamente cualquier aporte que pudo haber realizado Horacio Salinas, excepto Samba Lando, y la música de Palimpsesto. Tal vez ahí esta la debilidad del repertorio de este grupo, dejando fuera un cauce importante en su evolución, una miopía que se puede explicar tal vez en razones de no querer aportar con derechos de autor a los integrantes del grupo contrario, pero que no se basan específicamente en razones artísticas, y que lamentablemente también la podemos ver entre las facciones de Quilapayún, que no tocan temas compuestos por integrantes del otro bando.
Otra de las características de esta agrupación es que representan como si estuvieran tocando en el living de la casa, no hay movimientos cuidados, los músicos se pasean libremente por el escenario, uno de ellos puede tomar en el medio del escenario un sorbo de agua de su botella plástica mientras sus compañeros están interpretando la canción “El Arado” de Víctor Jara sin importarle nada, tal vez está bien el relajo, pero un poco de rigurosidad en la interpretación no estaría mal que fuera retomado por esta formación.
Así el concierto avanzaba y avanzaba y por ninguna parte aparecía la cantante invitada Debido al cartel, las entrevistas, pensamos que iba a ser un concierto en conjunto; pero en realidad no fue así, la participación de la cantante Franco Canadiense se limitó solo a los últimos 30 minutos del recital. En este lapso se interpretaron aproximadamente 3 temas de la banda sonora de Alegría del Circo du soleil en ajustados arreglos, y los temas El amor- La denuncia- de Canto para una semilla; Canna Justina-Tarantela, y “cuando me acuerdo de mi país”.
En términos generales, un buen concierto, que contó durante toda su duración con problemas de sonido, pero que fue entregado en forma eficiente por Inti Illimani y sus invitados…
Después de 20 minutos de espera el recinto dificilmente pasó las 3 /4 partes de su capacidad
La mayor parte del concierto estuvo interpretado por Inti Illimani, en una puesta de escena correcta. La característica de esta agrupación es que el peso musical e interpretativo esta dada a la joven guardia, mientras que sus integrantes históricos tienen una participación limitada, pero no por ello menos importante.
El concierto de inti illimani estuvo centrado fuertemente en las composiciones de sus últimos 2 discos, temas folclóricos y temas correspondientes principalmente a Víctor Jara, y se dejó de lado completamente cualquier aporte que pudo haber realizado Horacio Salinas, excepto Samba Lando, y la música de Palimpsesto. Tal vez ahí esta la debilidad del repertorio de este grupo, dejando fuera un cauce importante en su evolución, una miopía que se puede explicar tal vez en razones de no querer aportar con derechos de autor a los integrantes del grupo contrario, pero que no se basan específicamente en razones artísticas, y que lamentablemente también la podemos ver entre las facciones de Quilapayún, que no tocan temas compuestos por integrantes del otro bando.
Otra de las características de esta agrupación es que representan como si estuvieran tocando en el living de la casa, no hay movimientos cuidados, los músicos se pasean libremente por el escenario, uno de ellos puede tomar en el medio del escenario un sorbo de agua de su botella plástica mientras sus compañeros están interpretando la canción “El Arado” de Víctor Jara sin importarle nada, tal vez está bien el relajo, pero un poco de rigurosidad en la interpretación no estaría mal que fuera retomado por esta formación.
Así el concierto avanzaba y avanzaba y por ninguna parte aparecía la cantante invitada Debido al cartel, las entrevistas, pensamos que iba a ser un concierto en conjunto; pero en realidad no fue así, la participación de la cantante Franco Canadiense se limitó solo a los últimos 30 minutos del recital. En este lapso se interpretaron aproximadamente 3 temas de la banda sonora de Alegría del Circo du soleil en ajustados arreglos, y los temas El amor- La denuncia- de Canto para una semilla; Canna Justina-Tarantela, y “cuando me acuerdo de mi país”.
En términos generales, un buen concierto, que contó durante toda su duración con problemas de sonido, pero que fue entregado en forma eficiente por Inti Illimani y sus invitados…
domingo, marzo 15, 2009
Cómo se mueven los hilos en la música chilena
Es el reino de la autogestión, donde la prioridad es hacer buenos shows y buenos amigos. Así se canta en nuestro país en el siglo XXI.
POR JAVIERA HERNÁNDEZ
"Este es el mejor momento de la música chilena", dijo Fernando Ubiergo en la versión 50 del Festival de Viña, y la frase quedó resonando en el aire. Puede que no a todos nuestros músicos les esté yendo bien, pero es cierto que nunca habían convivido tantas bandas, de estilos tan distintos y con propuestas tan innovadoras como ahora.
Un día anuncian a Francisca Valenzuela por la radio, al otro sabemos que Difuntos Correa canta la versión moderna de "El tiempo en las bastillas" en la exitosa serie "Los 80" o que la canción final de la última película de Andrés Wood es de Chinoy, el descubrimiento de la trova sanantonina. Y si no, basta con mirar la interminable lista de 71 bandas que tocaron en la última Cumbre del Rock que se realizó en el Club Hípico en enero pasado, o los 6 mil inscritos que tiene hoy la Sociedad Chilena del Derecho de Autor, SCD (en 1997, a dos años de su fundación, tenía cerca de 2 mil). El ganador de Viña 1978 parece no estar tan equivocado.
Pero eso no significa que los músicos chilenos hoy la tengan fácil: Los grandes sellos discográficos ya no están tan abiertos a firmar largos contratos por uno o más discos, o años, ni hay tanto cazatalentos buscando artistas como sucedió en el boom de la música local en los 90.
La canción chilena se teje hoy de manera distinta: a través de internet y sitios como MySpace y de variadas salas para armar tocatas. Es el reino de la autogestión, donde la prioridad es lograr buenas canciones, tener buenos shows y hacer buenos amigos, porque todo funciona a través de invitaciones o de la institución del padrino: una persona que sabe, ayuda y enseña desde cómo pararse en un escenario, pasando por invitarlos a telonear sus presentaciones, hasta darles datos como cuál es el mejor estudio de grabación. Y nada de esto se hace por plata. Nadie promete un contrato con una disquera. Ahora las relaciones se dan por onda. Gusto. Sintonía.
Padrinos y ahijados: Los Bunkers y Francisca Valenzuela vienen llegando de una gira que hicieron juntos por el país. Los Bunkers estaban promocionando su nuevo álbum "Barrio Estación" (2008) y Francisca Valenzuela fue la invitada especial que se dedicó a cantar los éxitos radiales de "Muérdete la Lengua" (2007). Hacer la gira con ellos fue fácil porque está a la espera de grabar su segundo disco, una etapa a la que no estaría llegando si no es porque la banda de Concepción la apadrinó desde el inicio.
Se conocieron hace cuatro años cuando un amigo les recomendó a Los Bunkers que grabaran las canciones de la talentosa chica que había descubierto tocando piano en el bar Thelonious. Luego de verla en algunas tocatas, se pusieron de acuerdo y comenzaron a ensayar. Con los tres temas elegidos ("Dulce", "Peces" y "Las Vegas") ellos la llevaron a los estudios de la radio Rock&Pop para que los grabara. Un año después de eso, Francisca los llamó nuevamente para pedirles que la ayudaran a terminaran de grabar el disco: había tratado por otros lados sin resultados.
Así se forjó una colaboración que partió en conversaciones de música y llegó hasta invitaciones a cumpleaños. Hoy suman la producción de un disco, seis tocatas juntos, cerca de 50 ensayos y han perdido el número de cervezas que han tomado en el Liguria.
Francisca aprendió cómo funciona una banda, a rockear con la guitarra y lograr buenos momentos en el escenario. "Por ejemplo, aprendí que muchas veces cantar simple, pero con sentimiento, puede ser más emocionante que la complejidad técnica", reconoce la cantante. Además la dejaron bien dateada: "Me dijeron que Estudios Triana es de lo mejor que hay para grabar discos en Santiago", recuerda ella (ver recuadro).
Ni Francisca ni Los Bunkers han hablado de crear un proyecto juntos. "La idea sólo ha sido compartir", cuentan los músicos que una vez fueron apadrinados por Álvaro Henríquez, quien los invitó a participar en un disco tributo a Violeta Parra, produjo su segundo trabajo, "Canción de Lejos", y los contactó con Sony. "Pero hubo algo más importante que eso: cuando en los inicios se tiene un espaldarazo de un tremendo músico como él, eso afirma tus convicciones y te inyectas de energía", dice Mauricio Durán, guitarrista de Los Bunkers. Cuando analizan por qué han llegado a contactarse con ciertos músicos, Mauricio Durán responde: "Simplemente las canciones son buenas, eso nos hace compatibles".
Aceptar invitaciones. Si uno está permanentemente tocando se topa con gente, músicos a quienes les puedes gustar. Para eso hoy en día hay que aceptar las invitaciones, independiente de si es una pequeña tocata o un lugar con onda y buen sonido. Lo importante es poder ser visto por los fans y los mismos pares. Así fue como llegó la suerte a Chinoy (Mauricio Castillo).
A mediados de 2007, Manuel García no quería que un desconocido Chinoy teloneara su tocata en el Consejo de la Cultura de Valparaíso: según él, corría el riesgo de que aburriera al público. Pero no tenía muchas opciones. La noticia se la dio su mánager a pocos minutos de que el show empezara, por lo que debió escuchar rapidito qué tal cantaba el joven de ojos rasgados. Chinoy cautivó inmediatamente al trovador de Arica con las canciones que sacó de la destartalada guitarra que había comprado por 5 mil pesos en su San Antonio natal. Desde ese momento se transformó en su padrino.
Manuel García se trajo a Chinoy a Santiago. Lo salvó así de seguir buscando trabajo en bares del puerto y lo recibió en su casa. "Compartimos un par de días y se sentía que podríamos llegar a ser amigos. Más que amigos, sentí que de él yo tenía mucho que aprender como artista", dice el ariqueño. Chinoy cuenta que entre ellos todo ha sido espontáneo. "Terminé cantando una de sus canciones en el living de su casa y de ahí pasé a cantarla en escenarios más grandes. Sin ensayar, me la aprendí escuchándolo a él".
García reconoce que "cuando era más pendejo me gustaba que me invitaran", pero de la experiencia de haber partido en un grupo (Mecánica Popular) aprendió que ser solista no significa trabajar solo. Hoy va para todos lados con diez personas, entre músicos, iluminadores y asistentes. Eso es lo que trata de comunicarle a Chinoy, quien aún ama el romanticismo de llegar solo con su guitarra y que las cosas se informen a través del boca a boca.
Ese romanticismo es el mismo que motiva a los sellos independientes, que se formaron hace unos cuatro años con el objetivo de canalizar el trabajo de tantos músicos que siguen naciendo a pesar del vacío que quedó cuando perdió valor el disco tangible y con él, sus fabricantes
El disco de Chinoy saldrá luego y Manuel García espera ansioso el lanzamiento, porque le gustaría hacer algunas versiones de sus temas. Por mientras, los trovadores de puerto siguen componiendo al aire libre con su guitarra y siguen coincidiendo, porque después de esa primera invitación la gente se acostumbró a verlos juntos, entonces cuando invitan a tocar a uno, también llaman al otro.
Buscarle a internet. Javiera Mena y Gepe siempre se topaban en fiestas y reuniones porque tenían amigos en común, pero sus conversaciones nunca pasaron más allá del saludo. Hasta que un día alguien del círculo le mostró a Gepe unas canciones que le había grabado a Javiera. "Me encantó. De ahí la invité a mi casa y me ofrecí para ser su baterista. Empezamos juntándonos a ensayar y lo pasábamos súper bien", cuenta Gepe.
Cuando se conocieron, ella ya había grabado su primer disco - que nunca se publicó- y estaba buscando músicos para formar su nueva banda. Él vio que Javiera ya tenía un camino recorrido y quería aprender de ella. "Porque ella desde los quince años sabía que quería hacer canciones así y no de otra forma", recuerda Gepe, quien reconoce que persiguió a Javiera para que le enseñara lo que había aprendido. Y lo consiguió.
Ella llevaba tiempo buscando nuevas formas de promocionar su música y en internet había encontrado la solución. Después Gepe siguió sus pasos. Hoy ambos le han sacado jugo a sus computadores para grabar canciones, subirlas a MySpace, organizar tocatas por mail y promocionarse a través de grupos en Facebook. Incluso ahora Javiera se hizo usuaria de Twitter, un sitio de la web 2.0 donde irá informando las etapas en que va su próximo disco.
Como todos los nuevos músicos, han entendido que estar en internet es sinónimo de existir. Ya no necesitan convencer a un gran sello para que les produzca su primer disco y así tener una carta de presentación en las radios. Hoy pueden ser escuchados gratis por personas de todo el mundo.
Gracias a internet, Javiera y Gepe llegaron a tocar juntos a Buenos Aires y se les acercó el sello independiente Quemasucabeza para ofrecerles la producción de sus discos. "Creo que todo fue gracias a que fuimos bien 'busquillas' desde el comienzo", reconoce la cantante, que invitó a Gepe a cantar la canción "Sol de invierno" en su primer disco. Ahora él la invitará a cantar en su próximo álbum.
Independientes pero profesionales. Álex Anwandter (vocalista de Teleradio Donoso) es un perfeccionista. Por eso escuchó muchas veces las cerca de 70 canciones que tenía el grupo antes de elegir las 12 que irían en su primer disco. También se preocupa del look de la banda y los videos que la acompañan cuando tocan. Y ha producido los discos de dos grupos independientes: Fother Muckers y Adrianigual.
A Adrianigual los escuchó por primera vez gracias a un EP que la banda había sacado. Le impresionó tanto su música que invitó al vocalista Diego Adrián a su casa y le ofreció grabarle un disco gratis. "Para mí, Adrianigual es de las pocas bandas en Chile, quizás la única, que hace música considerada actual en el mundo", afirma Álex sobre el grupo del que terminó haciéndose amigo y con el que hoy están trabajando juntos en los videoclips de ambas bandas.
"Es un privilegio conocer gente que uno admire, y más todavía poder aportarles en algo. A mí me encanta producir y me sirve también para no quedarme encerrado en un tipo de música", cuenta Álex. Pero no basta con grabar y tocar. Para llamar la atención y perdurar en el tiempo, es necesario hacerlo bien. "Dar un buen espectáculo, tocar harto, intentar sortear las condiciones técnicas pencas - que abundan- , valorar el trabajo propio ganando dinero y pasarlo bien", son las cosas que enumera el músico para lograr un excelente show en vivo.
La autogestión para él también es una ventaja que permite abaratar costos y controlar mejor lo relacionado con la estética de los músicos. Cada vez crece más el circuito de pubs como el Club Mist o La Berenjena que buscan llenar sus locales con las presentaciones de nuevas bandas. Y si al público le gusta, lo más seguro es que sean invitados a tocar en un lugar cool como El Living, con buen sonido como la Sala Master o masivo como La Batuta. Por eso, "tocar en bares o clubes chicos para los amigos, tíos y perros es una excelente manera de empezar", dice Álex.
El espíritu de la nueva música se basa en la autogestión y creencia en el propio gusto. Y aunque cada uno está preocupado de sus proyectos personales, si existe la posibilidad de ayudarse, intercambiar y compartir, ninguno pone mala cara. Todo sea por lograr un buen show.
"ESTO ESTÁ QUE EXPLOTA"
Con menos artistas que ahora, en la segunda mitad de los 90 la música chilena vivió un boom. Pero eso se acabó. La piratería y la decisión de los grandes sellos (de los que ahora sólo quedan cinco) de apostar a los superventas televisivos, como "Mekano" y el axé o los cantantes de "Rojo", dejaron a los artistas que no cabían dentro de esa categoría en el aire. Y hubo un vacío, porque nadie tenía muy claro cómo hacerlo sin el antiguo sistema.
Antes, el único estudio profesional de grabación era Estudios Sur, donde una banda debía pagar cerca de 400 mil pesos para ocuparlo por un día, y el costo no incluía al ingeniero en sonido. Si se tiene en cuenta que un disco puede tardar tres semanas en quedar listo, queda claro por qué ninguna banda sin sello tenía posibilidades. Con la diáspora de las grandes casas discográficas, Estudios Sur debió cerrar y los músicos e ingenieros, además de crear sellos independientes, crearon a sus reemplazantes. Así aparecieron Estudios Foncea (2004) y Estudios Triana (2006), este último de los ingenieros en sonido Carlos Barros, Gonzalo "Chalo" González, Claudius Rieth y el audiovisual Francisco Anwandter. Triana nació con la idea de terminar la notoria diferencia entre lo top y lo hecho en casa. Cobran 20 mil pesos la hora, ingeniero incluido, y hacen precio cuando piden el estudio por más de un día.
"Esto está que explota. Nos ha ido realmente bien. Hay algo en este lugar que la gente disfruta, aparte de que tengamos buenos equipos", dice Claudius Rieth. Han analizado incluir cantantes más comerciales como Myriam Hernández o Luis Jara, pero han desistido porque no quieren que el lugar "se llene de gente histérica por los números. Queremos aportar a la música chilena, a este pedacito de historia que se está escribiendo desde el 2005", concluye. Quienes ahora están dedicados a la difusión de estos discos son los sellos independientes como Oveja Negra, Quemasucabeza o El Escarabajo. También trabajan sólo con músicos de su gusto. Para los impacientes que prefieren moverse por su cuenta antes que esperar que un padrino caiga del cielo, la opción es concursar en el Sello Azul (2001) de la SCD, que cada 20 meses convoca a nuevas bandas. Para la última versión postularon 520 artistas, de los que sólo 12 quedarán seleccionados para producir su primer disco.
Javiera Hernández.
http://diario.elmercurio.com/2009/03/13/wiken/_portada/noticias/EDB17346-994C-4370-A2CA-D9C99E0D850D.htm?id={EDB17346-994C-4370-A2CA-D9C99E0D850D}
POR JAVIERA HERNÁNDEZ
"Este es el mejor momento de la música chilena", dijo Fernando Ubiergo en la versión 50 del Festival de Viña, y la frase quedó resonando en el aire. Puede que no a todos nuestros músicos les esté yendo bien, pero es cierto que nunca habían convivido tantas bandas, de estilos tan distintos y con propuestas tan innovadoras como ahora.
Un día anuncian a Francisca Valenzuela por la radio, al otro sabemos que Difuntos Correa canta la versión moderna de "El tiempo en las bastillas" en la exitosa serie "Los 80" o que la canción final de la última película de Andrés Wood es de Chinoy, el descubrimiento de la trova sanantonina. Y si no, basta con mirar la interminable lista de 71 bandas que tocaron en la última Cumbre del Rock que se realizó en el Club Hípico en enero pasado, o los 6 mil inscritos que tiene hoy la Sociedad Chilena del Derecho de Autor, SCD (en 1997, a dos años de su fundación, tenía cerca de 2 mil). El ganador de Viña 1978 parece no estar tan equivocado.
Pero eso no significa que los músicos chilenos hoy la tengan fácil: Los grandes sellos discográficos ya no están tan abiertos a firmar largos contratos por uno o más discos, o años, ni hay tanto cazatalentos buscando artistas como sucedió en el boom de la música local en los 90.
La canción chilena se teje hoy de manera distinta: a través de internet y sitios como MySpace y de variadas salas para armar tocatas. Es el reino de la autogestión, donde la prioridad es lograr buenas canciones, tener buenos shows y hacer buenos amigos, porque todo funciona a través de invitaciones o de la institución del padrino: una persona que sabe, ayuda y enseña desde cómo pararse en un escenario, pasando por invitarlos a telonear sus presentaciones, hasta darles datos como cuál es el mejor estudio de grabación. Y nada de esto se hace por plata. Nadie promete un contrato con una disquera. Ahora las relaciones se dan por onda. Gusto. Sintonía.
Padrinos y ahijados: Los Bunkers y Francisca Valenzuela vienen llegando de una gira que hicieron juntos por el país. Los Bunkers estaban promocionando su nuevo álbum "Barrio Estación" (2008) y Francisca Valenzuela fue la invitada especial que se dedicó a cantar los éxitos radiales de "Muérdete la Lengua" (2007). Hacer la gira con ellos fue fácil porque está a la espera de grabar su segundo disco, una etapa a la que no estaría llegando si no es porque la banda de Concepción la apadrinó desde el inicio.
Se conocieron hace cuatro años cuando un amigo les recomendó a Los Bunkers que grabaran las canciones de la talentosa chica que había descubierto tocando piano en el bar Thelonious. Luego de verla en algunas tocatas, se pusieron de acuerdo y comenzaron a ensayar. Con los tres temas elegidos ("Dulce", "Peces" y "Las Vegas") ellos la llevaron a los estudios de la radio Rock&Pop para que los grabara. Un año después de eso, Francisca los llamó nuevamente para pedirles que la ayudaran a terminaran de grabar el disco: había tratado por otros lados sin resultados.
Así se forjó una colaboración que partió en conversaciones de música y llegó hasta invitaciones a cumpleaños. Hoy suman la producción de un disco, seis tocatas juntos, cerca de 50 ensayos y han perdido el número de cervezas que han tomado en el Liguria.
Francisca aprendió cómo funciona una banda, a rockear con la guitarra y lograr buenos momentos en el escenario. "Por ejemplo, aprendí que muchas veces cantar simple, pero con sentimiento, puede ser más emocionante que la complejidad técnica", reconoce la cantante. Además la dejaron bien dateada: "Me dijeron que Estudios Triana es de lo mejor que hay para grabar discos en Santiago", recuerda ella (ver recuadro).
Ni Francisca ni Los Bunkers han hablado de crear un proyecto juntos. "La idea sólo ha sido compartir", cuentan los músicos que una vez fueron apadrinados por Álvaro Henríquez, quien los invitó a participar en un disco tributo a Violeta Parra, produjo su segundo trabajo, "Canción de Lejos", y los contactó con Sony. "Pero hubo algo más importante que eso: cuando en los inicios se tiene un espaldarazo de un tremendo músico como él, eso afirma tus convicciones y te inyectas de energía", dice Mauricio Durán, guitarrista de Los Bunkers. Cuando analizan por qué han llegado a contactarse con ciertos músicos, Mauricio Durán responde: "Simplemente las canciones son buenas, eso nos hace compatibles".
Aceptar invitaciones. Si uno está permanentemente tocando se topa con gente, músicos a quienes les puedes gustar. Para eso hoy en día hay que aceptar las invitaciones, independiente de si es una pequeña tocata o un lugar con onda y buen sonido. Lo importante es poder ser visto por los fans y los mismos pares. Así fue como llegó la suerte a Chinoy (Mauricio Castillo).
A mediados de 2007, Manuel García no quería que un desconocido Chinoy teloneara su tocata en el Consejo de la Cultura de Valparaíso: según él, corría el riesgo de que aburriera al público. Pero no tenía muchas opciones. La noticia se la dio su mánager a pocos minutos de que el show empezara, por lo que debió escuchar rapidito qué tal cantaba el joven de ojos rasgados. Chinoy cautivó inmediatamente al trovador de Arica con las canciones que sacó de la destartalada guitarra que había comprado por 5 mil pesos en su San Antonio natal. Desde ese momento se transformó en su padrino.
Manuel García se trajo a Chinoy a Santiago. Lo salvó así de seguir buscando trabajo en bares del puerto y lo recibió en su casa. "Compartimos un par de días y se sentía que podríamos llegar a ser amigos. Más que amigos, sentí que de él yo tenía mucho que aprender como artista", dice el ariqueño. Chinoy cuenta que entre ellos todo ha sido espontáneo. "Terminé cantando una de sus canciones en el living de su casa y de ahí pasé a cantarla en escenarios más grandes. Sin ensayar, me la aprendí escuchándolo a él".
García reconoce que "cuando era más pendejo me gustaba que me invitaran", pero de la experiencia de haber partido en un grupo (Mecánica Popular) aprendió que ser solista no significa trabajar solo. Hoy va para todos lados con diez personas, entre músicos, iluminadores y asistentes. Eso es lo que trata de comunicarle a Chinoy, quien aún ama el romanticismo de llegar solo con su guitarra y que las cosas se informen a través del boca a boca.
Ese romanticismo es el mismo que motiva a los sellos independientes, que se formaron hace unos cuatro años con el objetivo de canalizar el trabajo de tantos músicos que siguen naciendo a pesar del vacío que quedó cuando perdió valor el disco tangible y con él, sus fabricantes
El disco de Chinoy saldrá luego y Manuel García espera ansioso el lanzamiento, porque le gustaría hacer algunas versiones de sus temas. Por mientras, los trovadores de puerto siguen componiendo al aire libre con su guitarra y siguen coincidiendo, porque después de esa primera invitación la gente se acostumbró a verlos juntos, entonces cuando invitan a tocar a uno, también llaman al otro.
Buscarle a internet. Javiera Mena y Gepe siempre se topaban en fiestas y reuniones porque tenían amigos en común, pero sus conversaciones nunca pasaron más allá del saludo. Hasta que un día alguien del círculo le mostró a Gepe unas canciones que le había grabado a Javiera. "Me encantó. De ahí la invité a mi casa y me ofrecí para ser su baterista. Empezamos juntándonos a ensayar y lo pasábamos súper bien", cuenta Gepe.
Cuando se conocieron, ella ya había grabado su primer disco - que nunca se publicó- y estaba buscando músicos para formar su nueva banda. Él vio que Javiera ya tenía un camino recorrido y quería aprender de ella. "Porque ella desde los quince años sabía que quería hacer canciones así y no de otra forma", recuerda Gepe, quien reconoce que persiguió a Javiera para que le enseñara lo que había aprendido. Y lo consiguió.
Ella llevaba tiempo buscando nuevas formas de promocionar su música y en internet había encontrado la solución. Después Gepe siguió sus pasos. Hoy ambos le han sacado jugo a sus computadores para grabar canciones, subirlas a MySpace, organizar tocatas por mail y promocionarse a través de grupos en Facebook. Incluso ahora Javiera se hizo usuaria de Twitter, un sitio de la web 2.0 donde irá informando las etapas en que va su próximo disco.
Como todos los nuevos músicos, han entendido que estar en internet es sinónimo de existir. Ya no necesitan convencer a un gran sello para que les produzca su primer disco y así tener una carta de presentación en las radios. Hoy pueden ser escuchados gratis por personas de todo el mundo.
Gracias a internet, Javiera y Gepe llegaron a tocar juntos a Buenos Aires y se les acercó el sello independiente Quemasucabeza para ofrecerles la producción de sus discos. "Creo que todo fue gracias a que fuimos bien 'busquillas' desde el comienzo", reconoce la cantante, que invitó a Gepe a cantar la canción "Sol de invierno" en su primer disco. Ahora él la invitará a cantar en su próximo álbum.
Independientes pero profesionales. Álex Anwandter (vocalista de Teleradio Donoso) es un perfeccionista. Por eso escuchó muchas veces las cerca de 70 canciones que tenía el grupo antes de elegir las 12 que irían en su primer disco. También se preocupa del look de la banda y los videos que la acompañan cuando tocan. Y ha producido los discos de dos grupos independientes: Fother Muckers y Adrianigual.
A Adrianigual los escuchó por primera vez gracias a un EP que la banda había sacado. Le impresionó tanto su música que invitó al vocalista Diego Adrián a su casa y le ofreció grabarle un disco gratis. "Para mí, Adrianigual es de las pocas bandas en Chile, quizás la única, que hace música considerada actual en el mundo", afirma Álex sobre el grupo del que terminó haciéndose amigo y con el que hoy están trabajando juntos en los videoclips de ambas bandas.
"Es un privilegio conocer gente que uno admire, y más todavía poder aportarles en algo. A mí me encanta producir y me sirve también para no quedarme encerrado en un tipo de música", cuenta Álex. Pero no basta con grabar y tocar. Para llamar la atención y perdurar en el tiempo, es necesario hacerlo bien. "Dar un buen espectáculo, tocar harto, intentar sortear las condiciones técnicas pencas - que abundan- , valorar el trabajo propio ganando dinero y pasarlo bien", son las cosas que enumera el músico para lograr un excelente show en vivo.
La autogestión para él también es una ventaja que permite abaratar costos y controlar mejor lo relacionado con la estética de los músicos. Cada vez crece más el circuito de pubs como el Club Mist o La Berenjena que buscan llenar sus locales con las presentaciones de nuevas bandas. Y si al público le gusta, lo más seguro es que sean invitados a tocar en un lugar cool como El Living, con buen sonido como la Sala Master o masivo como La Batuta. Por eso, "tocar en bares o clubes chicos para los amigos, tíos y perros es una excelente manera de empezar", dice Álex.
El espíritu de la nueva música se basa en la autogestión y creencia en el propio gusto. Y aunque cada uno está preocupado de sus proyectos personales, si existe la posibilidad de ayudarse, intercambiar y compartir, ninguno pone mala cara. Todo sea por lograr un buen show.
"ESTO ESTÁ QUE EXPLOTA"
Con menos artistas que ahora, en la segunda mitad de los 90 la música chilena vivió un boom. Pero eso se acabó. La piratería y la decisión de los grandes sellos (de los que ahora sólo quedan cinco) de apostar a los superventas televisivos, como "Mekano" y el axé o los cantantes de "Rojo", dejaron a los artistas que no cabían dentro de esa categoría en el aire. Y hubo un vacío, porque nadie tenía muy claro cómo hacerlo sin el antiguo sistema.
Antes, el único estudio profesional de grabación era Estudios Sur, donde una banda debía pagar cerca de 400 mil pesos para ocuparlo por un día, y el costo no incluía al ingeniero en sonido. Si se tiene en cuenta que un disco puede tardar tres semanas en quedar listo, queda claro por qué ninguna banda sin sello tenía posibilidades. Con la diáspora de las grandes casas discográficas, Estudios Sur debió cerrar y los músicos e ingenieros, además de crear sellos independientes, crearon a sus reemplazantes. Así aparecieron Estudios Foncea (2004) y Estudios Triana (2006), este último de los ingenieros en sonido Carlos Barros, Gonzalo "Chalo" González, Claudius Rieth y el audiovisual Francisco Anwandter. Triana nació con la idea de terminar la notoria diferencia entre lo top y lo hecho en casa. Cobran 20 mil pesos la hora, ingeniero incluido, y hacen precio cuando piden el estudio por más de un día.
"Esto está que explota. Nos ha ido realmente bien. Hay algo en este lugar que la gente disfruta, aparte de que tengamos buenos equipos", dice Claudius Rieth. Han analizado incluir cantantes más comerciales como Myriam Hernández o Luis Jara, pero han desistido porque no quieren que el lugar "se llene de gente histérica por los números. Queremos aportar a la música chilena, a este pedacito de historia que se está escribiendo desde el 2005", concluye. Quienes ahora están dedicados a la difusión de estos discos son los sellos independientes como Oveja Negra, Quemasucabeza o El Escarabajo. También trabajan sólo con músicos de su gusto. Para los impacientes que prefieren moverse por su cuenta antes que esperar que un padrino caiga del cielo, la opción es concursar en el Sello Azul (2001) de la SCD, que cada 20 meses convoca a nuevas bandas. Para la última versión postularon 520 artistas, de los que sólo 12 quedarán seleccionados para producir su primer disco.
Javiera Hernández.
http://diario.elmercurio.com/2009/03/13/wiken/_portada/noticias/EDB17346-994C-4370-A2CA-D9C99E0D850D.htm?id={EDB17346-994C-4370-A2CA-D9C99E0D850D}
Quilapayun Al Horizonte. Edicion 2002 Picap España
En Octubre de 1999 apareció en el mercado Chileno el disco “A Horizonte” del conjunto Quilapayún, este fue el último disco en estudio antes de la división del grupo en 2 facciones. El año 2003 quedó una facción dirigida por Patricio Wang y Rodolfo Parada y otra bajo el comando de Eduardo Carrasco. Después con los años se han editado discos en estudio de la agrupación dirigida por Carrasco, y de la agrupación dirigida por Wang y Parada no hemos tenido nada nuevo por casi 10 años.
Pero bien, retornando a la historia de Al Horizonte, este disco tuvo una edición francesa el año 2000, y una edición española editada por Picap el año 2002; y esta es la que hemos podido escuchar este fin de semana. Cual es la diferencia con la edición que ya conocíamos?, hay 3 temas que vienen “remixados” ( el cual se limita a agregar algunos elementos rítmicos), y hay una variación en el orden de los temas.
El orden de los temas es el sgte:
A los niños con suerte
Temporía
El pimiento
Mas allá
Alharaca
Suite Movie
Caleuche I
Caleuche II
El hombre natural
La flor del romero
Tan Alta que está la luna
El hombre de hoy
El sabio Loco.
Este “nuevo orden”, a partir del segundo tercio del disco, hace que este trabajo tenga levemente un mejor gustillo, (me parece que en el aspecto artístico-musical no se da el principio que el orden de los factores no altera el producto), y hace que el disco termine arriba con “el sabio loco”.
Hágalo usted mismo en su casa: altere el orden del disco de esta forma, para ver como le queda, o juegue con el aleatorio de su equipo;
Por nuestra parte compartimos con usted las versiones remixadas de este disco:
http://purochile.podOmatic.com/entry/2009-03-15T16_29_49-07_00
Pero bien, retornando a la historia de Al Horizonte, este disco tuvo una edición francesa el año 2000, y una edición española editada por Picap el año 2002; y esta es la que hemos podido escuchar este fin de semana. Cual es la diferencia con la edición que ya conocíamos?, hay 3 temas que vienen “remixados” ( el cual se limita a agregar algunos elementos rítmicos), y hay una variación en el orden de los temas.
El orden de los temas es el sgte:
A los niños con suerte
Temporía
El pimiento
Mas allá
Alharaca
Suite Movie
Caleuche I
Caleuche II
El hombre natural
La flor del romero
Tan Alta que está la luna
El hombre de hoy
El sabio Loco.
Este “nuevo orden”, a partir del segundo tercio del disco, hace que este trabajo tenga levemente un mejor gustillo, (me parece que en el aspecto artístico-musical no se da el principio que el orden de los factores no altera el producto), y hace que el disco termine arriba con “el sabio loco”.
Hágalo usted mismo en su casa: altere el orden del disco de esta forma, para ver como le queda, o juegue con el aleatorio de su equipo;
Por nuestra parte compartimos con usted las versiones remixadas de este disco:
http://purochile.podOmatic.com/entry/2009-03-15T16_29_49-07_00
Quelentaro
Domingo 15 de marzo de 2009
Por Javier Ramos / Fotos: Álvaro Inostroza / La Nación Domingo
Quelentaro: “La cesantía es tan linda…”
Ahora lo dicen con ironía, pero hace 38 años escribieron el himno de la desocupación. “Cesante” es una canción metafísica que hoy se actualiza con rostro de “necesidad de empresa”. Abuelos de los rockeros independientes, estos músicos nacidos en Angol son duros como el carbón del sur. Por algo el nombre del grupo significa voces de un río de mierda. “Tendríamos que tener el Premio Nacional de Arte”, dicen.
Aquí puedes enviar tu comentario acerca de la noticia que estas leyendo
"Cesante, primo carnal del hambre/ y pariente lejano de la muerte." Los versos de "Cesante", una de las coplas más populares del dúo Quelentaro, suenan hoy más duras. Editada en 1971 en el álbum homónimo, tuvo su origen en los recuerdos de infancia de los hermanos Gastón y Eduardo Guzmán Muñoz (derecha e izquierda en la foto) en época de crisis económica.
"Era tal la cesantía, que los cesantes se organizaron y salían a marchar a las calles exigiendo trabajo y la gente les tenía miedo", rememora Gastón, de 72 años, el mayor del dúo.
En sus 12 minutos de duración, salen a flote la humillación, el hambre y la repulsión al desempleado, aversión que los comparaba con "el viejo del saco", que comería a los pequeños que no querían dormir. Pero, hoy el monstruo está al otro lado, atemoriza a todos por igual con su rostro de porcentaje, de "necesidades de la empresa", de "está mal el negocio", o la simple palabra "crisis".
"Pero la cesantía es tan linda", ironiza Gastón, mientras Eduardo analiza las formas de hacerle frente, "hay gente que se niega a trabajar si no es en lo que estudió y otra gente es capaz de hacer lo que venga para sobrevivir. Hay gente que puede elegir no trabajar, hay muchas maneras de vivir".
Formas de existencia que son mucho mejores a las penurias de nuestros antepasados. "Antiguamente la mitad de los cabros andaba sin zapatos en el sur, lloviendo, con escarcha, eso ya no se ve casi. Ahora cualquier niñito puede tener zapatillas de marca. Una cachá de cabritos anda con celulares. Entonces, eso es algo, no están desconectados, hay pueblos chicos donde la escuela tiene internet", argumenta Eduardo, de 69 años, para quien sería una tozudez y una infamia negar las señales de progreso que han visto en su vida.
Evidentemente, exigen una mejor distribución de la riqueza. Él mismo sostiene, "a todos los gobiernos les pediría que se preocupen por una mejor distribución del paquete, ¿el 20 por ciento tendrá el 80 por ciento de la plata?, no sé ".
AMORECIENDO
Pese a su popularidad y reconocimiento, han tenido que servirse las rebanadas más delgadas de esa torta en 49 años de trayectoria artística.
Su absoluta independencia musical no les da siquiera para poder editar un disco sin sobresaltos económicos. Sin embargo, pueden darse el gusto de elegir dónde y para quién actuar. Tienen agendadas presentaciones en Pelarco, Yumbel, Huilquilemu, Temuco y también piensan retornar al Teatro Cariola, su epicentro en la capital.
Pero no sólo recitales tienen ocupada la mente de la activa dupla. Discurren la forma de poder editar el resto de discos que conforman las "Coplas libertarias de la historia de Chile", cuyas dos primeras entregas corrieron por cuenta de la Municipalidad de Maipú, en la gestión del actual alcalde. Además, está en su horizonte poder regrabar las "Canciones laborales" y "Tiempo de amor", que desean rebautizarlo como "Amoreciendo".
-Eso tiene que ver con el acoplamiento de las ovejas, ‘es tiempo de amorecer’ ejemplifica Eduardo encuentro tan bonita la palabra, ‘amoreciendo’ , dice.
-¡Lindo!, amorecer, confirma Gastón que aquel verbo prosaico e inexistente en la urbe les suena a la más dulce poesía.
Tras anunciar la publicación de otro libro de poemas, Eduardo indica que aún está en barbecho uno de cuentos, lo cual ampliará su currículo literario marcado por las líricas impresas en "Amanocheciendo" y "Desde mi cuarto". Pero no son máquinas. Con la sabiduría contenida en sus canas, Gastón defiende su derecho al ocio, acrecentando las expectativas por conocer la prosa quelentariana, "soy hermosamente flojo. ¡Es que es lindo ser flojo!, más lindo, no hay", declara.
EL MIERDAL
La vocación artística de los Guzmán la forjaron desde su infancia. "Compartimos desde muy chiquititos", le recuerda Eduardo a Gastón, "fíjate que ayer me acordaba de que mis papás confiaban en ti pa’ cuidarme. A todas partes me llevabái vos. A dónde, a la escuela con éste, si me tocaba ir al cine, con éste, pa’ salir a jugar, con éste todo." Aparte, su casa de Angol siempre era visitada por payadores y cantores, "si mi hermano traía al tocador de guitarra que encontraba en la calle", agrega su ex chaperón.
Relevante en esa época fue doña Celinda, su madre, quien les transmitió su gusto por el folclore y la música, "siempre yo pensé que podíamos, nunca me quedé atrás", explica el mayor. Por eso, cuando los profesores del Liceo de Hombres de Angol les preguntaban qué habían hecho en vacaciones, la respuesta era invariable: "Tocar la guitarra".
Sin embargo, su decisión de ser cantores populares, no sería completa sin la base que les dio su temprana obsesión con la lectura, inusual en unos niños sureños provenientes "de un caudal pobrísimo de gente", como define Eduardo a su familia.
Egresados, coincidieron en la construcción de la central de Rapel, en la década de los 60. En su condición de obreros, seguían tocando y componiendo, siempre fieles a su idea de que podían lograr transmitir su visión del Chile esforzado. Es ahí cuando nace Quelentaro, gracias al nombre del estero que atravesaba el campamento obrero de la faena. "Recibía todo el mierdal, ahí desaguaban los baños", recuerda Gastón, para explicar la primitiva denominación "Voces del Quelentaro", un nombre adecuado para transmitir las chocantes verdades de sus coplas.
Desde allí en adelante, el trabajo que fue corriendo de mano en mano llegó a difundirse a todo el pueblo. Para Eduardo, su actuación más memorable fue en el gobierno de la UP, "me gustó la que hicimos en la Unctad (ex Diego Portales, próximo Centro Cultural Gabriela Mistral) por el Día Internacional de la Mujer. Estaba el Presidente Salvador Allende, nos estrechó la mano. ‘¡Muchachos!’ le imita con una voz bonachona y nos cerró la mano. ¡Bonito!", rememora con orgullo.
"A mí me gustan todas", dice con un dejo de indiferencia Gastón, a lo que su hermano se apresura en defender, "pero esa fue notable, porque no todos los días te saluda un Presidente, y más encima Salvador Allende."
Gastón sostiene que para él lo más valioso es torcerle la mano al destino. Argumento no menor, si se recuerda que pese a haber sido críticos con la UP, él partió al exilio. Sin embargo, la dictadura fue una época difícil, pero fructífera. Si hasta la BBC de Londres los entrevistó.
Cantar lo que estaba sucediendo en Chile les mantuvo la mente más despierta, aunque no sin menospreciar el yugo militar. "Ese período que nosotros vivimos pudo haber sido reflejado en otros cultores populares que no lo hicieron. No vi que nadie dijese absolutamente nada sobre lo que nosotros estábamos sufriendo o viviendo. Sin embargo, nosotros lo dijimos, con miedo, con un miedo absoluto", sentencia.
VERDADES Y MITOS
Septuagenarios, trabajan como los jóvenes músicos de hoy, sin sello y con la solidaridad de los hermanos Pedro y René Valencia para grabar caseramente sus composiciones. Admiran artísticamente a Pancho Villa, por su compromiso social y su particular estilo de variar la trova cubana. Le siguen el ariqueño Alexis Venegas, por su buen gusto musical y Magdalena Matthey, dueña de una voz dulce y suave.
También la juventud les dio luces para indagar en los conflictos de su natal Araucanía. Hace algunos años, gracias a conversaciones con estudiantes mapuches, previeron el conflicto que se avecinaba. "Esto se pudo haber evitado", dictamina Eduardo, quien sostiene que la única forma de poder enfrentar el problema es con el diálogo y la comprensión, "y tratando de compensar lo que ellos piden, pero no tirarlos directamente al olvido", opina.
No quieren vivir de recuerdos. Viven anclados en el presente, que también les recuerda que algunas cosas no cambian.
Si antes en "Veneno negro" narraban la encrucijada de un padre que perdía a su hijo por el alcoholismo, inspirado en un hermano muerto por tal enfermedad, creen que se puede extrapolar perfectamente a las vicisitudes de la vida moderna. "Esa vivencia la tiene cualquier persona, cualquier familia y trasladado a la época actual, es el cabro drogadicto y el papá que no lo puede salvar. Es lo mismo. Antes era con el alcohol, ahora las drogas", comenta el menor.
Tal aversión desmiente el mito de que eran capaces de vaciar garrafas de vino tras sus actuaciones. "Hay cuestiones peores", comenta Eduardo. "Gente que miente delante de nosotros. Fíjate que un caballero nos vio cantar en el Estadio Nacional, al medio, con una guitarra cada uno y 60 mil personas y te cuenta a ti que estuvo allí y nosotros no estuvimos allí".
MÉRITOS Y AUSENCIAS
Siempre críticos, abogan por el respeto cabal a las leyes laborales que benefician a su gremio, entre otras injusticias. Particularmente no tienen contemplaciones para con los medios de comunicación, que escasamente les han dado tribuna en desmedro de temas desechables.
Aunque su presencia en radio, televisión o prensa sea ínfima, conocen el respaldo popular y también institucional a través de tres premios, del Sindicato de Folkloristas y Guitarristas de Chile, el Altazor y Premio a la Música Nacional Presidente de la República categoría Música Folklórica, que confirman su peso en la escena chilena. "Uno siempre espera que lo reconozcan, y cualquier distinción es bienvenida y agradecida", dice Eduardo.
"Por decir alguna cosa, si ustedes pudieran tener acceso al trabajo de Quelentaro y profundizarlo, interesarse en eso, yo pienso que, apoyándonos en todo lo que hemos hecho, necesariamente tendríamos que tener el Premio Nacional de Arte. Indiscutiblemente", expresa vehemente Gastón.
Ejemplifica que las "Coplas libertarias para la historia de Chile" serían mérito suficiente para obtenerlo. Pero, a parte de no tener plata para concluirlo, Eduardo recuerda que deben ser propuestos para ello, "tener un grupo humano que trabaje para defender esa postulación."
-Pese a esta marginación de medios y cánones usuales de distribución, tienen seguidores y han perdurado en la memoria de muchos chilenos, entonces, qué habría que hacer para
-Ustedes ya no pueden hacer nada, ni para ayudarnos, ni para cagarnos. Ya está LCD
http://www.lnd.cl/prontus_noticias_v2/site/artic/20090314/pags/20090314165723.html
Por Javier Ramos / Fotos: Álvaro Inostroza / La Nación Domingo
Quelentaro: “La cesantía es tan linda…”
Ahora lo dicen con ironía, pero hace 38 años escribieron el himno de la desocupación. “Cesante” es una canción metafísica que hoy se actualiza con rostro de “necesidad de empresa”. Abuelos de los rockeros independientes, estos músicos nacidos en Angol son duros como el carbón del sur. Por algo el nombre del grupo significa voces de un río de mierda. “Tendríamos que tener el Premio Nacional de Arte”, dicen.
Aquí puedes enviar tu comentario acerca de la noticia que estas leyendo
"Cesante, primo carnal del hambre/ y pariente lejano de la muerte." Los versos de "Cesante", una de las coplas más populares del dúo Quelentaro, suenan hoy más duras. Editada en 1971 en el álbum homónimo, tuvo su origen en los recuerdos de infancia de los hermanos Gastón y Eduardo Guzmán Muñoz (derecha e izquierda en la foto) en época de crisis económica.
"Era tal la cesantía, que los cesantes se organizaron y salían a marchar a las calles exigiendo trabajo y la gente les tenía miedo", rememora Gastón, de 72 años, el mayor del dúo.
En sus 12 minutos de duración, salen a flote la humillación, el hambre y la repulsión al desempleado, aversión que los comparaba con "el viejo del saco", que comería a los pequeños que no querían dormir. Pero, hoy el monstruo está al otro lado, atemoriza a todos por igual con su rostro de porcentaje, de "necesidades de la empresa", de "está mal el negocio", o la simple palabra "crisis".
"Pero la cesantía es tan linda", ironiza Gastón, mientras Eduardo analiza las formas de hacerle frente, "hay gente que se niega a trabajar si no es en lo que estudió y otra gente es capaz de hacer lo que venga para sobrevivir. Hay gente que puede elegir no trabajar, hay muchas maneras de vivir".
Formas de existencia que son mucho mejores a las penurias de nuestros antepasados. "Antiguamente la mitad de los cabros andaba sin zapatos en el sur, lloviendo, con escarcha, eso ya no se ve casi. Ahora cualquier niñito puede tener zapatillas de marca. Una cachá de cabritos anda con celulares. Entonces, eso es algo, no están desconectados, hay pueblos chicos donde la escuela tiene internet", argumenta Eduardo, de 69 años, para quien sería una tozudez y una infamia negar las señales de progreso que han visto en su vida.
Evidentemente, exigen una mejor distribución de la riqueza. Él mismo sostiene, "a todos los gobiernos les pediría que se preocupen por una mejor distribución del paquete, ¿el 20 por ciento tendrá el 80 por ciento de la plata?, no sé ".
AMORECIENDO
Pese a su popularidad y reconocimiento, han tenido que servirse las rebanadas más delgadas de esa torta en 49 años de trayectoria artística.
Su absoluta independencia musical no les da siquiera para poder editar un disco sin sobresaltos económicos. Sin embargo, pueden darse el gusto de elegir dónde y para quién actuar. Tienen agendadas presentaciones en Pelarco, Yumbel, Huilquilemu, Temuco y también piensan retornar al Teatro Cariola, su epicentro en la capital.
Pero no sólo recitales tienen ocupada la mente de la activa dupla. Discurren la forma de poder editar el resto de discos que conforman las "Coplas libertarias de la historia de Chile", cuyas dos primeras entregas corrieron por cuenta de la Municipalidad de Maipú, en la gestión del actual alcalde. Además, está en su horizonte poder regrabar las "Canciones laborales" y "Tiempo de amor", que desean rebautizarlo como "Amoreciendo".
-Eso tiene que ver con el acoplamiento de las ovejas, ‘es tiempo de amorecer’ ejemplifica Eduardo encuentro tan bonita la palabra, ‘amoreciendo’ , dice.
-¡Lindo!, amorecer, confirma Gastón que aquel verbo prosaico e inexistente en la urbe les suena a la más dulce poesía.
Tras anunciar la publicación de otro libro de poemas, Eduardo indica que aún está en barbecho uno de cuentos, lo cual ampliará su currículo literario marcado por las líricas impresas en "Amanocheciendo" y "Desde mi cuarto". Pero no son máquinas. Con la sabiduría contenida en sus canas, Gastón defiende su derecho al ocio, acrecentando las expectativas por conocer la prosa quelentariana, "soy hermosamente flojo. ¡Es que es lindo ser flojo!, más lindo, no hay", declara.
EL MIERDAL
La vocación artística de los Guzmán la forjaron desde su infancia. "Compartimos desde muy chiquititos", le recuerda Eduardo a Gastón, "fíjate que ayer me acordaba de que mis papás confiaban en ti pa’ cuidarme. A todas partes me llevabái vos. A dónde, a la escuela con éste, si me tocaba ir al cine, con éste, pa’ salir a jugar, con éste todo." Aparte, su casa de Angol siempre era visitada por payadores y cantores, "si mi hermano traía al tocador de guitarra que encontraba en la calle", agrega su ex chaperón.
Relevante en esa época fue doña Celinda, su madre, quien les transmitió su gusto por el folclore y la música, "siempre yo pensé que podíamos, nunca me quedé atrás", explica el mayor. Por eso, cuando los profesores del Liceo de Hombres de Angol les preguntaban qué habían hecho en vacaciones, la respuesta era invariable: "Tocar la guitarra".
Sin embargo, su decisión de ser cantores populares, no sería completa sin la base que les dio su temprana obsesión con la lectura, inusual en unos niños sureños provenientes "de un caudal pobrísimo de gente", como define Eduardo a su familia.
Egresados, coincidieron en la construcción de la central de Rapel, en la década de los 60. En su condición de obreros, seguían tocando y componiendo, siempre fieles a su idea de que podían lograr transmitir su visión del Chile esforzado. Es ahí cuando nace Quelentaro, gracias al nombre del estero que atravesaba el campamento obrero de la faena. "Recibía todo el mierdal, ahí desaguaban los baños", recuerda Gastón, para explicar la primitiva denominación "Voces del Quelentaro", un nombre adecuado para transmitir las chocantes verdades de sus coplas.
Desde allí en adelante, el trabajo que fue corriendo de mano en mano llegó a difundirse a todo el pueblo. Para Eduardo, su actuación más memorable fue en el gobierno de la UP, "me gustó la que hicimos en la Unctad (ex Diego Portales, próximo Centro Cultural Gabriela Mistral) por el Día Internacional de la Mujer. Estaba el Presidente Salvador Allende, nos estrechó la mano. ‘¡Muchachos!’ le imita con una voz bonachona y nos cerró la mano. ¡Bonito!", rememora con orgullo.
"A mí me gustan todas", dice con un dejo de indiferencia Gastón, a lo que su hermano se apresura en defender, "pero esa fue notable, porque no todos los días te saluda un Presidente, y más encima Salvador Allende."
Gastón sostiene que para él lo más valioso es torcerle la mano al destino. Argumento no menor, si se recuerda que pese a haber sido críticos con la UP, él partió al exilio. Sin embargo, la dictadura fue una época difícil, pero fructífera. Si hasta la BBC de Londres los entrevistó.
Cantar lo que estaba sucediendo en Chile les mantuvo la mente más despierta, aunque no sin menospreciar el yugo militar. "Ese período que nosotros vivimos pudo haber sido reflejado en otros cultores populares que no lo hicieron. No vi que nadie dijese absolutamente nada sobre lo que nosotros estábamos sufriendo o viviendo. Sin embargo, nosotros lo dijimos, con miedo, con un miedo absoluto", sentencia.
VERDADES Y MITOS
Septuagenarios, trabajan como los jóvenes músicos de hoy, sin sello y con la solidaridad de los hermanos Pedro y René Valencia para grabar caseramente sus composiciones. Admiran artísticamente a Pancho Villa, por su compromiso social y su particular estilo de variar la trova cubana. Le siguen el ariqueño Alexis Venegas, por su buen gusto musical y Magdalena Matthey, dueña de una voz dulce y suave.
También la juventud les dio luces para indagar en los conflictos de su natal Araucanía. Hace algunos años, gracias a conversaciones con estudiantes mapuches, previeron el conflicto que se avecinaba. "Esto se pudo haber evitado", dictamina Eduardo, quien sostiene que la única forma de poder enfrentar el problema es con el diálogo y la comprensión, "y tratando de compensar lo que ellos piden, pero no tirarlos directamente al olvido", opina.
No quieren vivir de recuerdos. Viven anclados en el presente, que también les recuerda que algunas cosas no cambian.
Si antes en "Veneno negro" narraban la encrucijada de un padre que perdía a su hijo por el alcoholismo, inspirado en un hermano muerto por tal enfermedad, creen que se puede extrapolar perfectamente a las vicisitudes de la vida moderna. "Esa vivencia la tiene cualquier persona, cualquier familia y trasladado a la época actual, es el cabro drogadicto y el papá que no lo puede salvar. Es lo mismo. Antes era con el alcohol, ahora las drogas", comenta el menor.
Tal aversión desmiente el mito de que eran capaces de vaciar garrafas de vino tras sus actuaciones. "Hay cuestiones peores", comenta Eduardo. "Gente que miente delante de nosotros. Fíjate que un caballero nos vio cantar en el Estadio Nacional, al medio, con una guitarra cada uno y 60 mil personas y te cuenta a ti que estuvo allí y nosotros no estuvimos allí".
MÉRITOS Y AUSENCIAS
Siempre críticos, abogan por el respeto cabal a las leyes laborales que benefician a su gremio, entre otras injusticias. Particularmente no tienen contemplaciones para con los medios de comunicación, que escasamente les han dado tribuna en desmedro de temas desechables.
Aunque su presencia en radio, televisión o prensa sea ínfima, conocen el respaldo popular y también institucional a través de tres premios, del Sindicato de Folkloristas y Guitarristas de Chile, el Altazor y Premio a la Música Nacional Presidente de la República categoría Música Folklórica, que confirman su peso en la escena chilena. "Uno siempre espera que lo reconozcan, y cualquier distinción es bienvenida y agradecida", dice Eduardo.
"Por decir alguna cosa, si ustedes pudieran tener acceso al trabajo de Quelentaro y profundizarlo, interesarse en eso, yo pienso que, apoyándonos en todo lo que hemos hecho, necesariamente tendríamos que tener el Premio Nacional de Arte. Indiscutiblemente", expresa vehemente Gastón.
Ejemplifica que las "Coplas libertarias para la historia de Chile" serían mérito suficiente para obtenerlo. Pero, a parte de no tener plata para concluirlo, Eduardo recuerda que deben ser propuestos para ello, "tener un grupo humano que trabaje para defender esa postulación."
-Pese a esta marginación de medios y cánones usuales de distribución, tienen seguidores y han perdurado en la memoria de muchos chilenos, entonces, qué habría que hacer para
-Ustedes ya no pueden hacer nada, ni para ayudarnos, ni para cagarnos. Ya está LCD
http://www.lnd.cl/prontus_noticias_v2/site/artic/20090314/pags/20090314165723.html
jueves, enero 22, 2009
First if you Please” “Los Updates
Todos deben saber quien es Jorge González, líder de Los Prisioneros, y que de tanto en tanto nos entrega obras de sus proyectos en solitario (que va por los 20 años) siempre sorprendiéndonos con su camino hacia delante. En esta oportunidad tenemos en nuestras manos el CD “First if you Please” de “Los Updates”, proyecto que desarrolla Jorge con su pareja Loreto Otero, editado por cadenzarecords en USA. Este es un disco de casi 58 minutos de pura electrónica continua, que cuenta con 8 canciones con letras en Inglés. Si bien a alguien le puede parecer extraño escuchar a Jorge en inglés, ya existía un antecesor en su participación el año 2004 en el trabajo de Sieg Über Die Sonne +1 editado en Alemania por multicolor recording y que conoció una edición en Chile a través del sello Warner Music, en donde interpreta la voz en todo ese disco con textos en inglés.
Incluso uno de los integrantes de ese trío que se dio para el CD 2004 también aparece por acá, Dandy Jack está por allá y por acá.
Creo que lo que aleja de la música electrónica es cierta repetición eterna de los bits y de las posible líneas melódicas que se pueden dar… y acá esta la gran diferenciación de este trabajo; los bits siempre muestran un desarrollo, siempre hay un nuevo pulso, un nuevo sonido que se agrega, que aparece, que desaparece, que evoluciona, siempre mantiene el interés el oído; y ese seguir en el interés te puede hacer llevar a un hermoso trance.
Acá nada esta al natural, todo es pasado por el ordenador, pienso que incluso la voz de Jorge en cada tema esta procesada por su MAC, se pueden oir por ahí ciertos sampleos a guitarras, a la voz de Rafaela Carrá de “03” (exactamente en el tercer track del disco).
Es interesante escuchar el track 6 en donde se desarrolla el bit a través de una agrupación ternaria, y la evolución que esta va tomando y mezclándose son bits binarios….
Para escuchar en profundidad este trabajo es necesario tener un buen equipo con buenos bajos, para disfrutar de los bajos en su verdadera dimensión, también para este caso no sirve los archivos que te comprimen el sonido, fuera el MP3 para escuchar este disco; salvo que fuera un ripeo de alta calidad.
Las letras de esta obra van mas por el lado de la vida diaria de pareja, de los niveles de desarrollo que se pueden dar, de preguntarse si este sueño es de uno o del otro, o como comparten el sexo, los temores, las amistades…. Podría entenderse como un viaje sobre la vida actual de Jorge, y su perspectiva es mas global, nada que ver con Chile, pero si con aquello que si bien es tan global que pertenece a lo mismo que hay en todo el mundo, la intimidad, el mundo propio, que de ser tan intimo llega a tener grados de igualdad con el total…
Un disco interesante que muestra un desarrollo en la obra de jorge, que nos sorprende y nos hace esperar con ansias cualquier aventura por la cual se sumerja.
Incluso uno de los integrantes de ese trío que se dio para el CD 2004 también aparece por acá, Dandy Jack está por allá y por acá.
Creo que lo que aleja de la música electrónica es cierta repetición eterna de los bits y de las posible líneas melódicas que se pueden dar… y acá esta la gran diferenciación de este trabajo; los bits siempre muestran un desarrollo, siempre hay un nuevo pulso, un nuevo sonido que se agrega, que aparece, que desaparece, que evoluciona, siempre mantiene el interés el oído; y ese seguir en el interés te puede hacer llevar a un hermoso trance.
Acá nada esta al natural, todo es pasado por el ordenador, pienso que incluso la voz de Jorge en cada tema esta procesada por su MAC, se pueden oir por ahí ciertos sampleos a guitarras, a la voz de Rafaela Carrá de “03” (exactamente en el tercer track del disco).
Es interesante escuchar el track 6 en donde se desarrolla el bit a través de una agrupación ternaria, y la evolución que esta va tomando y mezclándose son bits binarios….
Para escuchar en profundidad este trabajo es necesario tener un buen equipo con buenos bajos, para disfrutar de los bajos en su verdadera dimensión, también para este caso no sirve los archivos que te comprimen el sonido, fuera el MP3 para escuchar este disco; salvo que fuera un ripeo de alta calidad.
Las letras de esta obra van mas por el lado de la vida diaria de pareja, de los niveles de desarrollo que se pueden dar, de preguntarse si este sueño es de uno o del otro, o como comparten el sexo, los temores, las amistades…. Podría entenderse como un viaje sobre la vida actual de Jorge, y su perspectiva es mas global, nada que ver con Chile, pero si con aquello que si bien es tan global que pertenece a lo mismo que hay en todo el mundo, la intimidad, el mundo propio, que de ser tan intimo llega a tener grados de igualdad con el total…
Un disco interesante que muestra un desarrollo en la obra de jorge, que nos sorprende y nos hace esperar con ansias cualquier aventura por la cual se sumerja.
Quilapayún 17 de enero de 2009 La Florida
El conjunto Quilapayún se presentó el día 17 de enero de 2009 en el estadio Bicentenario de La Comuna de La Florida, bajo el alero del festival de teatro de esta comuna. Esta velada era con invitaciones y estas se agotaron rápidamente; como lo suponía algunas se repartieron entre el público; otras de ellas se distribuyeron a concejales, y un gran porcentaje de las localidades estaba habilitada para invitaciones de carácter político, espacio que estaba celosamente vigilada por guardias, para evitar que cualquier extraño de invitación común quisiera ingresar.
Cómo no teníamos invitaciones de ni una ni de la otra, la opción fue llegar temprano antes que abrieran las puertas e ir preguntando humildemente a cada una de las personas que estaban esperando en la fila para entrar al estadio si les sobraba una invitación… así pude conseguir 2.
El estadio es de una gran hermosura, con instalaciones nuevas, es un orgullo provinciano, podríamos decir; el que siente uno cuando ingresa a este recinto de primer nivel. El escenario estaba instalado en la mitad de la cancha (sobre el circulo central), dirigido hacia lo que llamamos “Galería Andes” (es decir mirando hacia el este). A cada costado del escenario había amplias pantallas gigantes que nos irían entregando el detalle de las interpretaciones.
Pasadas las 21.40 horas las luces del estadio se apagaron completamente para dar inicio al espectáculo: Después de una breve coreografía, se presentó en el escenario el Locutor Miguel Davagnino para dar el inicio del Concierto. Y Aparecen en el escenario el Conjunto Quilapayún en la sgte formación:
Eduardo Carrasco, Carlos Quezada, Rubén Escudero, Guillermo García, Ricardo Venegas, Ismael Oddó, Ricardo Venegas hijo, mas un músico invitado de Ventiska en el charango, y un cellista. Para los que seguimos al conjunto ésta no es una formación muy común en relación a la que generalmente vemos en el grupo dirigido por Eduardo Carrasco, pero tal como él lo comentara, se trataba de una formación que buscaba de alguna forma apechugar frente a los compromisos adquiridos paralelamente, frente a una eventual actuación en el Festival de Olmué, que finalmente no se concretó.
A pesar de lo comentado mas arriba el conjunto respondió con profesionalismo al interpretar una obra de envergadura como es la cantata; es así como se mostró a un grupo versátil que puede cubrir los espacios que dejan los integrantes que se quedaron en Europa. De esta forma se pudo ver a Rubén Escudero interpretando la obra en guitarra durante toda su duración; algunas voces principales fueron cubiertas por él y por Ricardo Venegas. Por ejemplo la canción letanía fue tomada por Ricardo, La canción “Un niño juega en la escuela”… fue iniciada por Rubén. La quenas fueron tomadas por Ricardo y por Eduardo, demostrando Eduardo que ha superado largamente las deficiencias que le encontramos el año 2003 en la interpretación de este instrumento, tiene un sonido mas continuo, sin tanta vibración extrema en el flujo de aire, aún así debe continuar en su trabajo de recuperar el nivel interpretativo que tenía a finales de los ’80.
Como comentábamos fue una obra entregada profesionalmente por los integrantes de esta formación, pero que mostraba en ciertas partes una textura levemente distinta en la fuerza grupal de las voces; tenían la misma fuerza, la misma intención, pero la armonización tradicional tenía un color distinto, que creemos que se explica al no poder contar con todos los integrantes. También hubo un mínimo momento en que casi se quiebra la interpretación de la obra en la canción soy obrero; en la entrega tradicional esta parte es interpretada en guitarra por Guillermo García y por Hernán Gómez, como Hernán quedó en Francia; la guitarra la tomo Rubén; en la mitad de esta canción Guillermo se perdió en la sucesión de acordes, y calló la guitarra; y Rubén también se fue a “blanco”, mientras Ismael seguía cantando acompañado por la línea de contrabajo (interpretada en Bajo eléctrico por Ricardo Venegas Hijo), y por el cello. No fueron mas de 2 compases en esta situación; pensé que podía ocurrir lo peor; pero Guillermo se reintegró en el tiempo-acorde preciso para seguir con la canción; y detrás de él Rubén arremetió con precisión en la guitarra; solo un par de compases de debilidad para una obra que fue entregada llena de fortalezas.
En los relatos estuvo Jorge Gajardo (recién electo alcalde de esta comuna), quien los había acompañado en las presentaciones del 2007; y que si bien muestra una interpretación demasiado teatralizada comparándola con la idea original; cumple su función mirándolo desde el punto de vista del escenario en donde se estaba presentando la obra en esta oportunidad.
Fue una entrega largamente aplaudida por el respetable.
Después de la obra vino de inmediato, sin intermedios ni nada, la entrega de una serie de canciones:
Plegaria
Que dirá el santo padre
Siempre
Cuculí
Tío Caimán
Te Recuerdo Amanda
Quita Hurpillay
La Muralla
Donde esta la que quiero
La Batea
El Pueblo Unido
En la entrega de estas canciones se repitieron las características que hemos comentado sobre la cantata; un grupo versátil, que entrega profesionalmente su repertorio, y que tiene como un gran plus la comunicación con el público: le habla, lo escucha; fue así como que cada músico fue presentado (incluyendo al percusionista invitado de Inti Illimani histórico que estuvo presente en toda esta sección del concierto), que se invitara a cantar juntos el tío caimán, etc.
También podemos ver que Ismael se ha convertido en una parte fundamental del conjunto, es así como llevó las responsabilidad de la primera guitarra, tocó solo en cuerdas Te recuerdo Amanda, fue al piano a tocar Donde esta la que quiero; tocó el tres en Tío Caimán, etc.
También pudimos ver interpretaciones únicas debido a como estaba compuesta esta formación: Carlos Quezada cantando el inicio de Quita Hurpillay, y Rubén Escudero cantando como solista La Muralla,
Como detalle destaco como presentaron Quita Hurpillay: nombraron en todos los idiomas que habían grabado: ingles, francés, italiano, ruso, etc, etc, pero que nunca habían grabado en quechua, y esa era la canción Quita Hurpillay, y que tenían un especialista en Quechua (y una leve sonrisa en el que presento esta parte), me parece que lo mismo pasó en la presentación de este tema el año 2007; por que sonreírse de que hay un especialista en quechua?, es chistoso el especialista?, es chistoso el quechua?, o ambos a la vez y no por separado?; creo que ni el Inti, ni el Illapu se reirían sobre como y que tan certeramente interpretan el quechua; el quechua es una lengua como otra, pero su diferencia es que pertenece naturalmente a esta tierra….
Sumando y restando fue un concierto entregado con envergadura, con peso, y que a pesar de las ausencias fue cubierto noblemente por todos los Quilapayún.
Cómo no teníamos invitaciones de ni una ni de la otra, la opción fue llegar temprano antes que abrieran las puertas e ir preguntando humildemente a cada una de las personas que estaban esperando en la fila para entrar al estadio si les sobraba una invitación… así pude conseguir 2.
El estadio es de una gran hermosura, con instalaciones nuevas, es un orgullo provinciano, podríamos decir; el que siente uno cuando ingresa a este recinto de primer nivel. El escenario estaba instalado en la mitad de la cancha (sobre el circulo central), dirigido hacia lo que llamamos “Galería Andes” (es decir mirando hacia el este). A cada costado del escenario había amplias pantallas gigantes que nos irían entregando el detalle de las interpretaciones.
Pasadas las 21.40 horas las luces del estadio se apagaron completamente para dar inicio al espectáculo: Después de una breve coreografía, se presentó en el escenario el Locutor Miguel Davagnino para dar el inicio del Concierto. Y Aparecen en el escenario el Conjunto Quilapayún en la sgte formación:
Eduardo Carrasco, Carlos Quezada, Rubén Escudero, Guillermo García, Ricardo Venegas, Ismael Oddó, Ricardo Venegas hijo, mas un músico invitado de Ventiska en el charango, y un cellista. Para los que seguimos al conjunto ésta no es una formación muy común en relación a la que generalmente vemos en el grupo dirigido por Eduardo Carrasco, pero tal como él lo comentara, se trataba de una formación que buscaba de alguna forma apechugar frente a los compromisos adquiridos paralelamente, frente a una eventual actuación en el Festival de Olmué, que finalmente no se concretó.
A pesar de lo comentado mas arriba el conjunto respondió con profesionalismo al interpretar una obra de envergadura como es la cantata; es así como se mostró a un grupo versátil que puede cubrir los espacios que dejan los integrantes que se quedaron en Europa. De esta forma se pudo ver a Rubén Escudero interpretando la obra en guitarra durante toda su duración; algunas voces principales fueron cubiertas por él y por Ricardo Venegas. Por ejemplo la canción letanía fue tomada por Ricardo, La canción “Un niño juega en la escuela”… fue iniciada por Rubén. La quenas fueron tomadas por Ricardo y por Eduardo, demostrando Eduardo que ha superado largamente las deficiencias que le encontramos el año 2003 en la interpretación de este instrumento, tiene un sonido mas continuo, sin tanta vibración extrema en el flujo de aire, aún así debe continuar en su trabajo de recuperar el nivel interpretativo que tenía a finales de los ’80.
Como comentábamos fue una obra entregada profesionalmente por los integrantes de esta formación, pero que mostraba en ciertas partes una textura levemente distinta en la fuerza grupal de las voces; tenían la misma fuerza, la misma intención, pero la armonización tradicional tenía un color distinto, que creemos que se explica al no poder contar con todos los integrantes. También hubo un mínimo momento en que casi se quiebra la interpretación de la obra en la canción soy obrero; en la entrega tradicional esta parte es interpretada en guitarra por Guillermo García y por Hernán Gómez, como Hernán quedó en Francia; la guitarra la tomo Rubén; en la mitad de esta canción Guillermo se perdió en la sucesión de acordes, y calló la guitarra; y Rubén también se fue a “blanco”, mientras Ismael seguía cantando acompañado por la línea de contrabajo (interpretada en Bajo eléctrico por Ricardo Venegas Hijo), y por el cello. No fueron mas de 2 compases en esta situación; pensé que podía ocurrir lo peor; pero Guillermo se reintegró en el tiempo-acorde preciso para seguir con la canción; y detrás de él Rubén arremetió con precisión en la guitarra; solo un par de compases de debilidad para una obra que fue entregada llena de fortalezas.
En los relatos estuvo Jorge Gajardo (recién electo alcalde de esta comuna), quien los había acompañado en las presentaciones del 2007; y que si bien muestra una interpretación demasiado teatralizada comparándola con la idea original; cumple su función mirándolo desde el punto de vista del escenario en donde se estaba presentando la obra en esta oportunidad.
Fue una entrega largamente aplaudida por el respetable.
Después de la obra vino de inmediato, sin intermedios ni nada, la entrega de una serie de canciones:
Plegaria
Que dirá el santo padre
Siempre
Cuculí
Tío Caimán
Te Recuerdo Amanda
Quita Hurpillay
La Muralla
Donde esta la que quiero
La Batea
El Pueblo Unido
En la entrega de estas canciones se repitieron las características que hemos comentado sobre la cantata; un grupo versátil, que entrega profesionalmente su repertorio, y que tiene como un gran plus la comunicación con el público: le habla, lo escucha; fue así como que cada músico fue presentado (incluyendo al percusionista invitado de Inti Illimani histórico que estuvo presente en toda esta sección del concierto), que se invitara a cantar juntos el tío caimán, etc.
También podemos ver que Ismael se ha convertido en una parte fundamental del conjunto, es así como llevó las responsabilidad de la primera guitarra, tocó solo en cuerdas Te recuerdo Amanda, fue al piano a tocar Donde esta la que quiero; tocó el tres en Tío Caimán, etc.
También pudimos ver interpretaciones únicas debido a como estaba compuesta esta formación: Carlos Quezada cantando el inicio de Quita Hurpillay, y Rubén Escudero cantando como solista La Muralla,
Como detalle destaco como presentaron Quita Hurpillay: nombraron en todos los idiomas que habían grabado: ingles, francés, italiano, ruso, etc, etc, pero que nunca habían grabado en quechua, y esa era la canción Quita Hurpillay, y que tenían un especialista en Quechua (y una leve sonrisa en el que presento esta parte), me parece que lo mismo pasó en la presentación de este tema el año 2007; por que sonreírse de que hay un especialista en quechua?, es chistoso el especialista?, es chistoso el quechua?, o ambos a la vez y no por separado?; creo que ni el Inti, ni el Illapu se reirían sobre como y que tan certeramente interpretan el quechua; el quechua es una lengua como otra, pero su diferencia es que pertenece naturalmente a esta tierra….
Sumando y restando fue un concierto entregado con envergadura, con peso, y que a pesar de las ausencias fue cubierto noblemente por todos los Quilapayún.
viernes, enero 16, 2009
"2 Sisters" Estreno en Chile de obra de Patricio Wang
Hay un concepto que dice Toretti (tomado de Einstein) dentro de las conversaciones con Carrasco, en relación a que ciertas obras musicales tienen su necesidad de ser, de tener esa forma, ese desarrollo, y yo creo que eso también se puede llevar a la existencia misma de la obra; uno siente que ciertas obras o ciertas canciones deben estar ahí, que tenían la obligación de ser creadas. Llevándolo al área chica de este grupo, que sería de nuestros oídos sin La Muralla, sin Contraste, sin el Galileo?.
Esas obras existen porque las existencia las obligo a ser, la existencia de cada uno de nosotros las invocó, desde antes de nuestro nacimiento, para nuestro regocijo presente (entre los pasados), y futuro.
A que viene tanto desvarío?, a la asistencia que realicé el día de ayer al festival de música contemporánea en la universidad de Chile. Si bien hace unos años era muy asiduo a estos festivales, me fui alejando naturalmente al no ver grados de originalidad entre los compositores, casi todos utilizaban aleatoriamente los ruidos, sonidos disonantes sin curso, sin relación con nada, y si bien las primeras veces me llamaron la atención abiertamente por su originalidad, con el tiempo llegue a pensar que muchos de esas obras podrían ser verdaderas tomaduras de pelo
El concierto de ayer comenzó con Willimapu, una obra para cuarteto de cuerdas desarrollado con exquisitas texturas, y con hermosas estructuras; era un viaje por el espacio y el viento, con una excelente interpretación por cuatro “casi niños”. (Uno se da cuenta que el tiempo pasa, no solo mirándose al espejo, sino cuando uno ve con sorpresa que los interpretes en los conciertos de música son más jóvenes que uno);
Después vino Unión III de Mario Mora a la cual clasifico casi en el punto de tomadura de pelo, nada mas, ;
Después vino “Traces” de Carlos Silva, una obra rígida para piano, con una buen desplante de la interprete. La cuarta obra me la perdí y la quinta obra del programa era “2 Sisters” de Patricio Wang, para dos pianos y dos sopranos; y sobre esta obra me voy a centrar.
La obra deja un gusto de bastante oscuridad, con pianos interpretados certeramente por las jóvenes Camila Vaccaro y Pilar Peña, que también interpretan simultáneamente las voces de soprano (algo no muy usual dentro de la música de concierto). Una vestida de riguroso blanco y otra de riguroso negro, son las 2 hermanas de un grupo de 3 que ven como su vida es tan miserable comparada con la majestuosa vida de su hermana menor. Los textos interpretados en ingles, con una traducción simultánea, fueron pronunciados con una dicción regular; y la traducción simultánea proyectada sobre el fondo del escenario fue correcta, pero en algunos momentos estuvo derechamente perdida.
Así la obra transcurre escuchando los lamentos de estas hermanas, las envidias que corroe sus vidas llenas de dolor y exilio, y los planes que desarrollan dentro de su infelicidad para que su hermana mate a su esposo así sea igual de infeliz que ellas. La obra tiene un desarrollo dramático de excelente calidad, y la música va por los juegos más arriesgados del experimentalismo como por la vía a la cual nos tiene familiarizados Pwang. Ciertas secciones melódicas de la voz se parecen a las que ha utilizado Stephen Sondheim en alguna de sus obras, aún así tiene grandes niveles de originalidad en la trama, en la puesta en escena, en la interpretación; que hacen mantener la atención e involucrarse en el desarrollo de la obra.
Al término de la obra la sala explotó en fuertes aplausos y gritos, (quiero ser lo mas objetivo posible), que hace años no veía por parte del público dentro de un concierto de música contemporánea.
La obra superó largamente las expectativas, y hay que asumir que el nivel de desarrollo de las obras de PWang están en un nivel distinto a lo que nos tienen acostumbrados los festivales de la nueva música; un nivel que para mi gusto es excelente, abriendo en cada nota, en cada segundo, nuevos horizontes para el desarrollo de la música.
Esta obra tiene razón de ser, fue llamada, y ahí esta, la pudimos sentir el día de ayer.
Saludos,
Esas obras existen porque las existencia las obligo a ser, la existencia de cada uno de nosotros las invocó, desde antes de nuestro nacimiento, para nuestro regocijo presente (entre los pasados), y futuro.
A que viene tanto desvarío?, a la asistencia que realicé el día de ayer al festival de música contemporánea en la universidad de Chile. Si bien hace unos años era muy asiduo a estos festivales, me fui alejando naturalmente al no ver grados de originalidad entre los compositores, casi todos utilizaban aleatoriamente los ruidos, sonidos disonantes sin curso, sin relación con nada, y si bien las primeras veces me llamaron la atención abiertamente por su originalidad, con el tiempo llegue a pensar que muchos de esas obras podrían ser verdaderas tomaduras de pelo
El concierto de ayer comenzó con Willimapu, una obra para cuarteto de cuerdas desarrollado con exquisitas texturas, y con hermosas estructuras; era un viaje por el espacio y el viento, con una excelente interpretación por cuatro “casi niños”. (Uno se da cuenta que el tiempo pasa, no solo mirándose al espejo, sino cuando uno ve con sorpresa que los interpretes en los conciertos de música son más jóvenes que uno);
Después vino Unión III de Mario Mora a la cual clasifico casi en el punto de tomadura de pelo, nada mas, ;
Después vino “Traces” de Carlos Silva, una obra rígida para piano, con una buen desplante de la interprete. La cuarta obra me la perdí y la quinta obra del programa era “2 Sisters” de Patricio Wang, para dos pianos y dos sopranos; y sobre esta obra me voy a centrar.
La obra deja un gusto de bastante oscuridad, con pianos interpretados certeramente por las jóvenes Camila Vaccaro y Pilar Peña, que también interpretan simultáneamente las voces de soprano (algo no muy usual dentro de la música de concierto). Una vestida de riguroso blanco y otra de riguroso negro, son las 2 hermanas de un grupo de 3 que ven como su vida es tan miserable comparada con la majestuosa vida de su hermana menor. Los textos interpretados en ingles, con una traducción simultánea, fueron pronunciados con una dicción regular; y la traducción simultánea proyectada sobre el fondo del escenario fue correcta, pero en algunos momentos estuvo derechamente perdida.
Así la obra transcurre escuchando los lamentos de estas hermanas, las envidias que corroe sus vidas llenas de dolor y exilio, y los planes que desarrollan dentro de su infelicidad para que su hermana mate a su esposo así sea igual de infeliz que ellas. La obra tiene un desarrollo dramático de excelente calidad, y la música va por los juegos más arriesgados del experimentalismo como por la vía a la cual nos tiene familiarizados Pwang. Ciertas secciones melódicas de la voz se parecen a las que ha utilizado Stephen Sondheim en alguna de sus obras, aún así tiene grandes niveles de originalidad en la trama, en la puesta en escena, en la interpretación; que hacen mantener la atención e involucrarse en el desarrollo de la obra.
Al término de la obra la sala explotó en fuertes aplausos y gritos, (quiero ser lo mas objetivo posible), que hace años no veía por parte del público dentro de un concierto de música contemporánea.
La obra superó largamente las expectativas, y hay que asumir que el nivel de desarrollo de las obras de PWang están en un nivel distinto a lo que nos tienen acostumbrados los festivales de la nueva música; un nivel que para mi gusto es excelente, abriendo en cada nota, en cada segundo, nuevos horizontes para el desarrollo de la música.
Esta obra tiene razón de ser, fue llamada, y ahí esta, la pudimos sentir el día de ayer.
Saludos,
miércoles, diciembre 03, 2008
Eduardo Parra de Los Jaivas con De CarneMadera: "El Sueño tiene que ser poder hacer Patria, poder hacer Cultura”
categorias: Entrevista - Cultura - Local
"De CarneMadera" es el primer grupo de Arica en grabar un disco para el Sello Parra. Sí, de Eduardo Parra de Los Jaivas, quien estuvo en nuestra ciudad para compartir su música y su experiencia. (VIDEO) Por Zorka Ostojic
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Escrito por Zorka Ostojic
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Estoy gratamente sorprendida, aunque avergonzada. Sorprendida por descubrir la gran calidad del grupo ariqueño “De CarneMadera”, y avergonzada porque tuvo que venir “Eduardo Parra” para que yo me diera cuenta de aquello. “De CarneMadera” es uno de los grupos con que viene conociéndose y trabajando Eduardo Parra de “Los Jaivas”: él le está realizando la producción musical para su próximo disco. Todo esto como parte de un deseo que, al parecer, se verá concretado en el Sello Parra. Como siempre, con su estilo relajado y su buena onda, Eduardo nos contó en detalle de qué se trata, largo y tendido, con la fluidez de una canción.
Nacimiento del Sello Para
“Todo empieza cuando yo me hago adicto, como muchos jóvenes actuales, como es la obligación, de estar en Internet. Descubro tardíamente el Internet, en parte por mi edad y porque no me había dado cuenta que existía; estaba en mis propias barbas y yo no lo veía, hasta que un día lo descubro y me entusiasmó mucho, porque me venía al pelo con mi pensamiento. Yo siempre había pensado así de esa manera, media electrónicamente.
Desde mi juventud tenía proyectos de hacer cosas electrónicas y, al final de cuentas, el dinero no me lo permitió, era mucho más fácil el lápiz y el papel, era más económico y más directo, me dediqué a la literatura. Pero sin embargo todo, lo que decido finalmente, es que Los Jaivas estén en Internet y para eso necesitaba todo el típico nombre de dominio. Empiezo a aprender esto que es la informática, empiezo a aprender, aprender hasta que llego a tener un sitio de Los Jaivas.
A través del sitio me doy cuenta inmediatamente del gran valor comunicativo que tiene el Internet, la posibilidad de comunicarse con la gente, que la juventud está especialmente, está entusiasmadísima con eso y que no los para nadie. Entonces yo, como todos, me doy cuenta que existían los sitios web, entonces decido hacer el sitio de Los Jaivas, especialmente para comunicarnos y me resultó, como era de esperar, porque en general la gente está muy dispuesta a la comunicación de este tipo.
Así fue como en el transcurso de 4 ó 5 años en la correspondencia fui conociendo grupos, no solamente de Chile, Primero conocí grupos mexicanos que de una u otra manera eran tributo de Los Jaivas, me fui enterando de estas sorpresas agradables hasta que me llegaron noticias desde Chile, de algún grupo tributo o grupos que no eran tributo y que simplemente querían comunicarse con nosotros y fui haciendo conocimiento de estos grupos, entre los que están “De CarneMadera”. Se me van juntando estas amistades y yo decido definitivamente juntarme cada vez más. Entonces los entrevisto, hago de nuestro sitio, un sitio no totalmente de una exposición “Jaiviana”, sino que un sitio de comunicaciones, donde se puede alternar, una especie de blog más o menos, pero más dirigido, porque tenemos sólo una página donde se puede escribir.
Cuando me doy cuenta que estamos interactuando con la juventud actual en un estilo profesional, si podemos decirlo así, empiezo a darme cuenta que yo al entrevistarlos ya estoy haciendo una tarea de acercamiento mío propiamente tal y de darles también la posibilidad a los grupos de crear un movimiento, de mover el asunto musical y es allí donde nacen mis primeras intenciones: los grupos empiezan a contarme que van a grabar, se empieza a formar una intimidad y yo empiezo a acercarme cada vez más a ellos. Ya físicamente, empezamos a tener encuentros donde a mi me nace la idea de producirlos. ¿Qué significa producirlos en este caso? A mi no me interesaba hacer nada con su música, porque la música que yo he ido conociendo con los grupos es muy original, yo he sido un poquito un filtro, he querido hacer acercamiento con los grupos que más me interesaron por su originalidad. Entonces, la producción musical no altera la música de ellos si no que al contrario, yo me dedico al sonido, a cómo exponer esa misma música, que en este caso es bonita, maravillosa, cómo hacer que se mantenga en el sonido en la electroacústica, se mantenga e incluso sacarle más fuerza y más amplitud a eso que uno escucha en vivo y en directo. Así empiezo a trabajar con un grupo que es “Cuchufleta” en Santiago, hacemos ya la labor directamente de remix y de toma de sonido. Esa es la producción musical, yo intervengo en el sonido, como el grupo le presenta esa música al auditor y es ahí donde yo colaboro, donde yo pongo mi conocimiento y mis años de experiencia, es decir, es el mismo trabajo que vengo haciendo ya hace más de 30 años con Los Jaivas.
El Sello Parra, entonces, nace por inercia: si tanto interés tengo yo en esta labor, bonito sería que pudiéramos distribuirlo por el país, que fuera un movimiento nacional. De ahí nace inmediatamente la idea del sello, puesto que el sello tiene que tener una distribución. Consiguiéndome yo la distribución, entonces, ya tengo un sello maduro, hecho y derecho; tengo 5 grupos ya.
No es un negocio para que vendamos millones y ganemos harta plata, es decir, todo eso se puede producir y se puede realizar, pero el sueño principal no es ése, el sueño tiene que ser poder hacer patria, poder hacer cultura”.
El Espíritu Los Jaivas
Consultado respecto a Los Jaivas, me cuenta que continúan en lo de ellos, no han parado de tocar, por eso tendrán un descanso ahora a fin de año, pero seguirán tocando el 2009, 2010...
Mientras ensayan en el Teatro Municipal, y comparten también con el grupo El Roble, escucho a “De CarneMadera”. Las letras de sus temas tienen un gran arraigo que se expresa armónicamente con el sonido, con detalles que dejan en evidencia el origen ariqueño de sus composiciones.
Conversé con Carlos Alucema, vocalista de “De CarneMadera”, quien nos habla del disco “Cuando no hay diferencia”, cuyos temas nacieron durante la época en que los miembros del grupo se fueron a vivir en comunidad por más de un año. Los 9 temas del disco plantean situaciones como la ecología, la falta de oportunidades en la ciudad y también está presente la temática del plomo en una de sus canciones.
Carlos nos cuenta que le presentaron el proyecto a José Lineros de INACAP Arica, en quien hallaron aceptación y puso a su disposición los estudios de grabación de la Carrera de Sonido.
El grupo compuesto por jóvenes músicos que se inició como tributo a Los Jaivas lo integran:
Jonathan Pizarro: Piano - sintetizadores.
Rodrigo Contreras: Batería - percusión general.
Mauricio Millahueque: percusión - trompeta
Ignacio Alvarado: Guitarra eléctrica
Juan Pedro Silva: Percusión general.
Johnny Mcgregor: Percusión - flauta traversa
Carlos Alucema: Bajo - Voz solista
Un grupo ariqueño prometedor, con talento y energía, digna de ser producidos por el mismísimo Eduardo Parra.
http://www.elmorrocotudo.cl/admin/render/noticia/18417
categorias: Entrevista - Cultura - Local
"De CarneMadera" es el primer grupo de Arica en grabar un disco para el Sello Parra. Sí, de Eduardo Parra de Los Jaivas, quien estuvo en nuestra ciudad para compartir su música y su experiencia. (VIDEO) Por Zorka Ostojic
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Escrito por Zorka Ostojic
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Estoy gratamente sorprendida, aunque avergonzada. Sorprendida por descubrir la gran calidad del grupo ariqueño “De CarneMadera”, y avergonzada porque tuvo que venir “Eduardo Parra” para que yo me diera cuenta de aquello. “De CarneMadera” es uno de los grupos con que viene conociéndose y trabajando Eduardo Parra de “Los Jaivas”: él le está realizando la producción musical para su próximo disco. Todo esto como parte de un deseo que, al parecer, se verá concretado en el Sello Parra. Como siempre, con su estilo relajado y su buena onda, Eduardo nos contó en detalle de qué se trata, largo y tendido, con la fluidez de una canción.
Nacimiento del Sello Para
“Todo empieza cuando yo me hago adicto, como muchos jóvenes actuales, como es la obligación, de estar en Internet. Descubro tardíamente el Internet, en parte por mi edad y porque no me había dado cuenta que existía; estaba en mis propias barbas y yo no lo veía, hasta que un día lo descubro y me entusiasmó mucho, porque me venía al pelo con mi pensamiento. Yo siempre había pensado así de esa manera, media electrónicamente.
Desde mi juventud tenía proyectos de hacer cosas electrónicas y, al final de cuentas, el dinero no me lo permitió, era mucho más fácil el lápiz y el papel, era más económico y más directo, me dediqué a la literatura. Pero sin embargo todo, lo que decido finalmente, es que Los Jaivas estén en Internet y para eso necesitaba todo el típico nombre de dominio. Empiezo a aprender esto que es la informática, empiezo a aprender, aprender hasta que llego a tener un sitio de Los Jaivas.
A través del sitio me doy cuenta inmediatamente del gran valor comunicativo que tiene el Internet, la posibilidad de comunicarse con la gente, que la juventud está especialmente, está entusiasmadísima con eso y que no los para nadie. Entonces yo, como todos, me doy cuenta que existían los sitios web, entonces decido hacer el sitio de Los Jaivas, especialmente para comunicarnos y me resultó, como era de esperar, porque en general la gente está muy dispuesta a la comunicación de este tipo.
Así fue como en el transcurso de 4 ó 5 años en la correspondencia fui conociendo grupos, no solamente de Chile, Primero conocí grupos mexicanos que de una u otra manera eran tributo de Los Jaivas, me fui enterando de estas sorpresas agradables hasta que me llegaron noticias desde Chile, de algún grupo tributo o grupos que no eran tributo y que simplemente querían comunicarse con nosotros y fui haciendo conocimiento de estos grupos, entre los que están “De CarneMadera”. Se me van juntando estas amistades y yo decido definitivamente juntarme cada vez más. Entonces los entrevisto, hago de nuestro sitio, un sitio no totalmente de una exposición “Jaiviana”, sino que un sitio de comunicaciones, donde se puede alternar, una especie de blog más o menos, pero más dirigido, porque tenemos sólo una página donde se puede escribir.
Cuando me doy cuenta que estamos interactuando con la juventud actual en un estilo profesional, si podemos decirlo así, empiezo a darme cuenta que yo al entrevistarlos ya estoy haciendo una tarea de acercamiento mío propiamente tal y de darles también la posibilidad a los grupos de crear un movimiento, de mover el asunto musical y es allí donde nacen mis primeras intenciones: los grupos empiezan a contarme que van a grabar, se empieza a formar una intimidad y yo empiezo a acercarme cada vez más a ellos. Ya físicamente, empezamos a tener encuentros donde a mi me nace la idea de producirlos. ¿Qué significa producirlos en este caso? A mi no me interesaba hacer nada con su música, porque la música que yo he ido conociendo con los grupos es muy original, yo he sido un poquito un filtro, he querido hacer acercamiento con los grupos que más me interesaron por su originalidad. Entonces, la producción musical no altera la música de ellos si no que al contrario, yo me dedico al sonido, a cómo exponer esa misma música, que en este caso es bonita, maravillosa, cómo hacer que se mantenga en el sonido en la electroacústica, se mantenga e incluso sacarle más fuerza y más amplitud a eso que uno escucha en vivo y en directo. Así empiezo a trabajar con un grupo que es “Cuchufleta” en Santiago, hacemos ya la labor directamente de remix y de toma de sonido. Esa es la producción musical, yo intervengo en el sonido, como el grupo le presenta esa música al auditor y es ahí donde yo colaboro, donde yo pongo mi conocimiento y mis años de experiencia, es decir, es el mismo trabajo que vengo haciendo ya hace más de 30 años con Los Jaivas.
El Sello Parra, entonces, nace por inercia: si tanto interés tengo yo en esta labor, bonito sería que pudiéramos distribuirlo por el país, que fuera un movimiento nacional. De ahí nace inmediatamente la idea del sello, puesto que el sello tiene que tener una distribución. Consiguiéndome yo la distribución, entonces, ya tengo un sello maduro, hecho y derecho; tengo 5 grupos ya.
No es un negocio para que vendamos millones y ganemos harta plata, es decir, todo eso se puede producir y se puede realizar, pero el sueño principal no es ése, el sueño tiene que ser poder hacer patria, poder hacer cultura”.
El Espíritu Los Jaivas
Consultado respecto a Los Jaivas, me cuenta que continúan en lo de ellos, no han parado de tocar, por eso tendrán un descanso ahora a fin de año, pero seguirán tocando el 2009, 2010...
Mientras ensayan en el Teatro Municipal, y comparten también con el grupo El Roble, escucho a “De CarneMadera”. Las letras de sus temas tienen un gran arraigo que se expresa armónicamente con el sonido, con detalles que dejan en evidencia el origen ariqueño de sus composiciones.
Conversé con Carlos Alucema, vocalista de “De CarneMadera”, quien nos habla del disco “Cuando no hay diferencia”, cuyos temas nacieron durante la época en que los miembros del grupo se fueron a vivir en comunidad por más de un año. Los 9 temas del disco plantean situaciones como la ecología, la falta de oportunidades en la ciudad y también está presente la temática del plomo en una de sus canciones.
Carlos nos cuenta que le presentaron el proyecto a José Lineros de INACAP Arica, en quien hallaron aceptación y puso a su disposición los estudios de grabación de la Carrera de Sonido.
El grupo compuesto por jóvenes músicos que se inició como tributo a Los Jaivas lo integran:
Jonathan Pizarro: Piano - sintetizadores.
Rodrigo Contreras: Batería - percusión general.
Mauricio Millahueque: percusión - trompeta
Ignacio Alvarado: Guitarra eléctrica
Juan Pedro Silva: Percusión general.
Johnny Mcgregor: Percusión - flauta traversa
Carlos Alucema: Bajo - Voz solista
Un grupo ariqueño prometedor, con talento y energía, digna de ser producidos por el mismísimo Eduardo Parra.
http://www.elmorrocotudo.cl/admin/render/noticia/18417
miércoles, noviembre 26, 2008
Inti-Illimani histórico en la Sala Clamores (Madrid)
Pequeña crónica del Concierto de Inti-Illimani histórico en la Sala Clamores (Madrid)
Miércoles 19 de Noviembre de 2008 22 h.
El pequeño Club de Jazz madrileño se vio abarrotado de público con la presencia del grupo chileno. Abundancia de músicos y fieles seguidores venidos de todos los lugares del país
Buen ambiente a pesar de las condiciones del lugar: escenario pequeño, columnas, barandillas, etc. Sonido más bien flojo: a pesar de llevar su propio técnico de sonido, esta claro que no tuvo su día. Tuvo que luchar contra el equipo de sonido, pero tampoco se aclaraba musicalmente con los temas interpretados. Un contrabajo más que atronador emborronaba el resto de los instrumentos, y todos sabemos que Inti-Illimani es un grupo a la hora de interpretar, de matices y sutilezas tanto tímbricas como musicales, y mucho de esto se perdió.
A pesar de todo, Horacio Salinas al final del concierto estaba contento con el ambiente conseguido y el público, ambiente de peña como dijo al principio del recital. El que parecía haber disfrutado era Jorge Ball, supongo que es cuestión de carácter.
Personalmente tengo que reconocer que lo pasé bien: fue además una buena ocasión para encontrarme con amigos.
Aquí va el listado de canciones interpretadas:
- Ramis
- Un son para Portinari
-Polo doliente
-La exiliada del sur
-Rin del angelito
-Lo que más quiero
-Huañacagua
-Takakoma
-Ya parte el galgo terrible
-Arroz con cocolón
-Danza verde
-Danza mediterránea
-Danza di Cala Luna
-La marusa
-Montilla
-Cantantes invisibles
-Medianoche
-La fiesta ere tú
-Mulata
-El canelazo
-Vuelvo
-Samba landó
-El mercado de Testaccio
-El pueblo unido jamás será vencido
Inti Illimani son:
Horacio Salinas: Voz, guitarra, tiple, sikus
Horacio Durán: charango, voz, maracas, (las mejores de Santiago)
José Seves: Voz, guitarra, tiple, sikus, quena, cuatro
Jorge Ball: Voz, cuatro, flauta travesera, quena, sikus, maracas (extraordinarias)
Camilo Salinas: piano, acordeón, voz
Fernando Julio: contrabajo, voz
Danilo Donoso: percusión, voz
Saludos a todos.
Javier Ignacio Larrayoz "larri"
Pamplona
Norte de España
Miércoles 19 de Noviembre de 2008 22 h.
El pequeño Club de Jazz madrileño se vio abarrotado de público con la presencia del grupo chileno. Abundancia de músicos y fieles seguidores venidos de todos los lugares del país
Buen ambiente a pesar de las condiciones del lugar: escenario pequeño, columnas, barandillas, etc. Sonido más bien flojo: a pesar de llevar su propio técnico de sonido, esta claro que no tuvo su día. Tuvo que luchar contra el equipo de sonido, pero tampoco se aclaraba musicalmente con los temas interpretados. Un contrabajo más que atronador emborronaba el resto de los instrumentos, y todos sabemos que Inti-Illimani es un grupo a la hora de interpretar, de matices y sutilezas tanto tímbricas como musicales, y mucho de esto se perdió.
A pesar de todo, Horacio Salinas al final del concierto estaba contento con el ambiente conseguido y el público, ambiente de peña como dijo al principio del recital. El que parecía haber disfrutado era Jorge Ball, supongo que es cuestión de carácter.
Personalmente tengo que reconocer que lo pasé bien: fue además una buena ocasión para encontrarme con amigos.
Aquí va el listado de canciones interpretadas:
- Ramis
- Un son para Portinari
-Polo doliente
-La exiliada del sur
-Rin del angelito
-Lo que más quiero
-Huañacagua
-Takakoma
-Ya parte el galgo terrible
-Arroz con cocolón
-Danza verde
-Danza mediterránea
-Danza di Cala Luna
-La marusa
-Montilla
-Cantantes invisibles
-Medianoche
-La fiesta ere tú
-Mulata
-El canelazo
-Vuelvo
-Samba landó
-El mercado de Testaccio
-El pueblo unido jamás será vencido
Inti Illimani son:
Horacio Salinas: Voz, guitarra, tiple, sikus
Horacio Durán: charango, voz, maracas, (las mejores de Santiago)
José Seves: Voz, guitarra, tiple, sikus, quena, cuatro
Jorge Ball: Voz, cuatro, flauta travesera, quena, sikus, maracas (extraordinarias)
Camilo Salinas: piano, acordeón, voz
Fernando Julio: contrabajo, voz
Danilo Donoso: percusión, voz
Saludos a todos.
Javier Ignacio Larrayoz "larri"
Pamplona
Norte de España
martes, noviembre 25, 2008
Luis Advis Sinfónico
El día viernes 21 de Noviembre se presentó en la estación mapocho el concierto “Luis Advis Sinfónico” bajo la interpretación de la Orquesta Sinfónica y Coro de la Universidad de Concepción, dirigidos por el maestro Guillermo Rifo. El Concierto dio una comprimida muestra de la relevante creación del maestro Luis Advis; con una orquesta que maneja de manera correcta las instrucciones del director, y le da énfasis necesarios a la belleza que buscaba don Luis en cada una de sus obras.
El concierto comenzó con un par de Preludios para piano, posteriormente se integró toda la orquesta junto a un cantante solista para interpretar la canción “Nuestro tiempo terminó”, una hermosa canción bellamente entregada por la agrupación musical, en donde las modulaciones están bellamente resueltas.
Vino el turno de escuchar la Suite Latinoaméricana (1976), en donde el maestro se pasea por los ritmos latinoamericanos para mostrarnos su impregnación con cada rincón de nuestra América, acá se notó el buen desarrollo de las líneas melódicas, y como estas se van distribuyendo entre los distintos grupos de instrumentos; se nota que el maestro en obras de esta envergadura buscaba también mantener cierta atención sonora evitando caer en largos letargos musicales, siempre hay piezas con fuerza, con allegro.
El concierto continuó con el estreno en Chile del “Primer Mural Extremeño”, para Orquesta sinfónica, Coro Mixto y Solistas, una obra de la década de los 90 que fue encargada por la Junta de Extremadura, esta obra muestra un desarrollo consistente que demuestra el nacimiento de estos muros, y como este nacimiento, este desarrollo se va fundiendo con el continente latinoamericano, la obra ocupa ciertas ideas melódicas que pueden reconocerse en otras de sus creaciones, aun así la obra es consistente, fuerte, vigorosa. En esta obra la soprano solista tuvo un regular desempeño, al llevar en ciertos agudos la destemplanza en la voz; pero el resto de los intérpretes mantuvieron su nivel.
El concierto cerró con una Suite de la Cantata Santa María de Iquique con arreglos del maestro Germán Concha para Orquesta, Coro Mixto, y conjunto (Guitarras, Quenas, Charango).
La fusión entre Coro y Orquesta fue de gran nivel entregándole un realce adecuado a la obra, aún así creo que el nivel esta por debajo si se llegase a fusionar el arreglo orquestal que presentó el conjunto Quilapayún dirigido por Carrasco mas el arreglo Coral presentado por Quilapayún dirigido por Wang y Parada el año pasado.
Como era una suite ciertos pasajes fueron saltados, comprimidos o variados, fue así que ciertas canciones de la obra fueron interpretadas a velocidades muy rápidas, como el “Vamos Mujer” y la “Canción final”; aun así el resultado fue de primer nivel.
En suma un buen concierto, que entregó una hermosa muestra de la obra del maestro Luis Advis, de su pensamiento, de su legado en la música chilena, interpretados en forma correcta, y ante la presencia de un público que llenó aproximadamente un 60% de la capacidad del recinto.
Quedamos a la espera de más conciertos similares, pero con mayor publicidad, para que todos los interesados puedan escuchar la música de su gusto en sus oídos.
El concierto comenzó con un par de Preludios para piano, posteriormente se integró toda la orquesta junto a un cantante solista para interpretar la canción “Nuestro tiempo terminó”, una hermosa canción bellamente entregada por la agrupación musical, en donde las modulaciones están bellamente resueltas.
Vino el turno de escuchar la Suite Latinoaméricana (1976), en donde el maestro se pasea por los ritmos latinoamericanos para mostrarnos su impregnación con cada rincón de nuestra América, acá se notó el buen desarrollo de las líneas melódicas, y como estas se van distribuyendo entre los distintos grupos de instrumentos; se nota que el maestro en obras de esta envergadura buscaba también mantener cierta atención sonora evitando caer en largos letargos musicales, siempre hay piezas con fuerza, con allegro.
El concierto continuó con el estreno en Chile del “Primer Mural Extremeño”, para Orquesta sinfónica, Coro Mixto y Solistas, una obra de la década de los 90 que fue encargada por la Junta de Extremadura, esta obra muestra un desarrollo consistente que demuestra el nacimiento de estos muros, y como este nacimiento, este desarrollo se va fundiendo con el continente latinoamericano, la obra ocupa ciertas ideas melódicas que pueden reconocerse en otras de sus creaciones, aun así la obra es consistente, fuerte, vigorosa. En esta obra la soprano solista tuvo un regular desempeño, al llevar en ciertos agudos la destemplanza en la voz; pero el resto de los intérpretes mantuvieron su nivel.
El concierto cerró con una Suite de la Cantata Santa María de Iquique con arreglos del maestro Germán Concha para Orquesta, Coro Mixto, y conjunto (Guitarras, Quenas, Charango).
La fusión entre Coro y Orquesta fue de gran nivel entregándole un realce adecuado a la obra, aún así creo que el nivel esta por debajo si se llegase a fusionar el arreglo orquestal que presentó el conjunto Quilapayún dirigido por Carrasco mas el arreglo Coral presentado por Quilapayún dirigido por Wang y Parada el año pasado.
Como era una suite ciertos pasajes fueron saltados, comprimidos o variados, fue así que ciertas canciones de la obra fueron interpretadas a velocidades muy rápidas, como el “Vamos Mujer” y la “Canción final”; aun así el resultado fue de primer nivel.
En suma un buen concierto, que entregó una hermosa muestra de la obra del maestro Luis Advis, de su pensamiento, de su legado en la música chilena, interpretados en forma correcta, y ante la presencia de un público que llenó aproximadamente un 60% de la capacidad del recinto.
Quedamos a la espera de más conciertos similares, pero con mayor publicidad, para que todos los interesados puedan escuchar la música de su gusto en sus oídos.
lunes, noviembre 17, 2008
Los primeros acordes del rock made in Chile
Libro "Prueba de sonido", de David Ponce
Desde que atracó en el puerto de Valparaíso, en los '50, hasta que se internó en la periferia capitalina en los '80. Origen, pioneros y desarrollo. "Prueba de sonido" cuenta la historia rockera local a través de sus protagonistas. Hoy se presenta en la Feria del Libro de Santiago.
EVELYN ERLIJ
Si se hiciera una encuesta sobre bandas de rock en Chile antecesoras a la década de 1980, probablemente serían pocas las personas capaces de nombrar a algún grupo que no fuesen Los Jaivas, Congreso o los Blops. Algunos quizás mencionarían Aguaturbia, más por el escándalo que causara la foto de desnudo de una de sus portadas, que por el recuerdo de su música.
Esta aparente amnesia colectiva es justamente una de las características de la historia más prematura del rock chileno, años inadvertidos que el periodista David Ponce ha decidido nombrar como la "prueba de sonido" del rock nacional. De ahí el título de su reciente publicación, un extenso trabajo que hoy, después de nueve años de investigación y 420 entrevistas realizadas, sale al mercado a través de Ediciones B.
- Hacía falta no tanto un ensayo, sino un libro de referencia, de información, de más relato que opinión -comenta el autor de "Prueba de sonido. Primeras historias del rock en Chile (1956-1984)", quien hace más de una década escribe sobre música en medios como Musicapopular.cl, donde se desempeña como uno de los editores, el portal Emol y la Revista Rolling Stone-. Los que más hablan en el texto son los entrevistados, y eso fue una decisión deliberada. Quise intervenir lo menos posible- añade.
A partir de este relato colectivo construido por testimonios inéditos emerge un pasado rockero caracterizado por el desfile de bandas fugaces, discos nunca grabados y material perdido, aunque también por la existencia de grupos que cambiaron el rumbo de la música popular. Es la historia de un ritmo, estilo, género y actitud marcados por la imitación inicial de referentes extranjeros y, por sobre todo, por la precariedad.
- Ése puede ser el rasgo de identidad que une al rock chileno -reflexiona Ponce, refiriéndose a este último concepto-. Pero también la imposibilidad de no ser algo propio. El rock chileno, aunque quisiera copiar a los Beatles, los Rolling Stones, Jimi Hendrix o Santana, nunca logró hacerlo exactamente igual, y eso es lo mejor. Recoger influencias diversas es parte primordial de la identidad de la música chilena.
Sudamerican rockers
Suele haber consenso respecto de cuándo nació el rock en Chile, y la escasa bibliografía sobre el tema lo corrobora: 1966, año en que la banda porteña Los Mac's edita su primer disco, y más específicamente cuando lanza la canción "Ayer mataron a mi hermano", en 1967. No obstante, este dato convierte inmediatamente el apellido y la actitud rockera de Peter Rock o el célebre "Rock del mundial" de Los Ramblers, en una injusta referencia anecdótica. Por ello, cuando Ponce comenzó a indagar en los orígenes locales de este género, no fue tarea fácil establecer un punto de partida.
- El disco de Los Mac's es del 66, pero el grupo empezó a tocar el 62 -especifica el periodista, luego de confesar que su idea original era comenzar el libro desde el surgimiento de esta banda y de otras como Los Jockers o Los Vidrios Quebrados-. Pero antes de ellos estaba la Nueva Ola, y era fácil darse cuenta de que su historia estaba en parte relacionada con el rock. Los Ramblers, por ejemplo, es un grupo de rock and roll, por lo que era impreciso dejar fuera a músicos de esa época. Esto obliga a ir al año 59, que es cuando Peter Rock graba su primer single. Pero después uno se entera de que tampoco fue el primero, porque en el 56 había rocanroleros en Valparaíso tocando la música traída por los marinos mercantes. Era una historia de nunca acabar. En ese sentido, William Reb, el líder de los Rock Kings, fue un hallazgo, y él fue quien llevó al libro hacia lo más atrás posible, que fue 1956- explica.
"Prueba de sonido" comienza con las primeras grabaciones de rock and roll de la orquesta bailable Huambaly (nacidas de manera forzada por una petición del sello Odeon), y termina con la "subversión musical" de Fulano, clasificando las distintas camadas de rockeros surgidos entre 1956 y 1984 en las categorías "ancestros", "coléricos", "patronos", "silvestres", "periféricos", "mutantes", "transilvestres", "metálicos" y "transeúntes". Aunque resulta tentador asociar el fin de la primera etapa del rock en Chile con el surgimiento del disco "La voz de los 80" (1984), las razones respecto de por qué concluir el libro en ese punto son más diversas para su autor.
- Que el libro termine en el 84 no significa que sólo después de ese año el rock chileno madura -aclara Ponce respecto de su decisión-. Los discos de Los Jaivas, Congreso, Los Mac's o Los Vidrios Quebrados son de una madurez increíble. Ese año en particular (1984), se conjugan muchos hechos. No sólo sale el primer disco de Los Prisioneros o se forma Fulano, sino también empieza el thrash, una forma mucho más agresiva de metal; empieza el punk, una forma mucho más rabiosa e insolente de rock. En 1984 hay un cambio de guardia, marcado por una falta de respeto natural y quizás incluso necesaria de los grupos de rock y punk hacia todo lo que venía antes. Fulano se conecta con la historia previa que viene desde los años 60 y 70, y por eso están en el libro. Pero Los Prisioneros son un quiebre mucho más notorio en relación al pasado; por eso decidí no incluirlos -explica, revelando que planea continuar con la historia del rock hasta la actualidad en un posible segundo libro.
Instantáneas de una época
Detrás de las historias que cuentan los músicos de las tres décadas que abarca el libro, emerge una imagen decidora de la sociedad chilena de esos tiempos. Desde el miedo de los disk-jockeys de los '50 a pasar las "escandalosas" canciones de Elvis, hasta la indignación de una población adulta que vio horrorizada las transformaciones físicas y culturales de los "coléricos" de los '60 y '70. "Advertimos lo malo que podía llegar a ser el vestir como mujer, y usar el pelo como mujer, cuando se es hombre", anunciaba la editorial de la revista "El Musiquero" de 1967, para luego comparar el uso de alucinógenos y la homosexualidad con el asesinato y el robo.
- Estas historias son viñetas de lo que estaba pasando en la sociedad, es la manera no oficial de asomarse a ese tiempo. La música es reflejo de ciertos cambios: un grupo de San Miguel como Los Teyker's tocando rock en 1965 habla de que esta música ya no era sólo de una elite, sino que era una fiebre que ya no respetaba clases sociales -explica Ponce-. Este libro es una manifestación de las fuentes alternativas de una época en particular. A través de los 199 entrevistados es posible entrever qué pasó en ese tiempo en la juventud chilena y, desde luego, en la música popular.
Si bien advierte que es ambicioso pensar en un reflejo fiel de Chile entre 1956 y 1984, sí es posible extraer de los relatos instantáneas atendibles de distintos momentos históricos. De la "bohemia de puerto, de los hippies de la era de la UP, del rock confinado al barrio por el toque de queda militar". De los días en que la heladería Coppelia era la sede de las bandas coléricas de los '60, de la psicodelia tercermundista de Piedra Roja, el Woodstock chileno. De las contradicciones de comienzos de los '70, cuando bandas que rescatan a Violeta Parra y Víctor Jara son acusados de imperialistas por tocar la guitarra eléctrica. De aquellos días en que el rock es marginado a la periferia y es utilizado, paradójicamente, como mecanismo distractor en los '80.
Episodios inadvertidos de la cultura popular que pueden no aparecer en los libros de historia, pero que fueron, sin duda, música de fondo, signos de una época.
Prueba
de sonido
Ediciones B
437 páginas
$16.000
http://diario.elmercurio.com/2008/11/16/artes_y_letras/_portada/noticias/2AF1CC17-B9F5-41A9-9B38-A9FFEBC469C5.htm?id={2AF1CC17-B9F5-41A9-9B38-A9FFEBC469C5}
Desde que atracó en el puerto de Valparaíso, en los '50, hasta que se internó en la periferia capitalina en los '80. Origen, pioneros y desarrollo. "Prueba de sonido" cuenta la historia rockera local a través de sus protagonistas. Hoy se presenta en la Feria del Libro de Santiago.
EVELYN ERLIJ
Si se hiciera una encuesta sobre bandas de rock en Chile antecesoras a la década de 1980, probablemente serían pocas las personas capaces de nombrar a algún grupo que no fuesen Los Jaivas, Congreso o los Blops. Algunos quizás mencionarían Aguaturbia, más por el escándalo que causara la foto de desnudo de una de sus portadas, que por el recuerdo de su música.
Esta aparente amnesia colectiva es justamente una de las características de la historia más prematura del rock chileno, años inadvertidos que el periodista David Ponce ha decidido nombrar como la "prueba de sonido" del rock nacional. De ahí el título de su reciente publicación, un extenso trabajo que hoy, después de nueve años de investigación y 420 entrevistas realizadas, sale al mercado a través de Ediciones B.
- Hacía falta no tanto un ensayo, sino un libro de referencia, de información, de más relato que opinión -comenta el autor de "Prueba de sonido. Primeras historias del rock en Chile (1956-1984)", quien hace más de una década escribe sobre música en medios como Musicapopular.cl, donde se desempeña como uno de los editores, el portal Emol y la Revista Rolling Stone-. Los que más hablan en el texto son los entrevistados, y eso fue una decisión deliberada. Quise intervenir lo menos posible- añade.
A partir de este relato colectivo construido por testimonios inéditos emerge un pasado rockero caracterizado por el desfile de bandas fugaces, discos nunca grabados y material perdido, aunque también por la existencia de grupos que cambiaron el rumbo de la música popular. Es la historia de un ritmo, estilo, género y actitud marcados por la imitación inicial de referentes extranjeros y, por sobre todo, por la precariedad.
- Ése puede ser el rasgo de identidad que une al rock chileno -reflexiona Ponce, refiriéndose a este último concepto-. Pero también la imposibilidad de no ser algo propio. El rock chileno, aunque quisiera copiar a los Beatles, los Rolling Stones, Jimi Hendrix o Santana, nunca logró hacerlo exactamente igual, y eso es lo mejor. Recoger influencias diversas es parte primordial de la identidad de la música chilena.
Sudamerican rockers
Suele haber consenso respecto de cuándo nació el rock en Chile, y la escasa bibliografía sobre el tema lo corrobora: 1966, año en que la banda porteña Los Mac's edita su primer disco, y más específicamente cuando lanza la canción "Ayer mataron a mi hermano", en 1967. No obstante, este dato convierte inmediatamente el apellido y la actitud rockera de Peter Rock o el célebre "Rock del mundial" de Los Ramblers, en una injusta referencia anecdótica. Por ello, cuando Ponce comenzó a indagar en los orígenes locales de este género, no fue tarea fácil establecer un punto de partida.
- El disco de Los Mac's es del 66, pero el grupo empezó a tocar el 62 -especifica el periodista, luego de confesar que su idea original era comenzar el libro desde el surgimiento de esta banda y de otras como Los Jockers o Los Vidrios Quebrados-. Pero antes de ellos estaba la Nueva Ola, y era fácil darse cuenta de que su historia estaba en parte relacionada con el rock. Los Ramblers, por ejemplo, es un grupo de rock and roll, por lo que era impreciso dejar fuera a músicos de esa época. Esto obliga a ir al año 59, que es cuando Peter Rock graba su primer single. Pero después uno se entera de que tampoco fue el primero, porque en el 56 había rocanroleros en Valparaíso tocando la música traída por los marinos mercantes. Era una historia de nunca acabar. En ese sentido, William Reb, el líder de los Rock Kings, fue un hallazgo, y él fue quien llevó al libro hacia lo más atrás posible, que fue 1956- explica.
"Prueba de sonido" comienza con las primeras grabaciones de rock and roll de la orquesta bailable Huambaly (nacidas de manera forzada por una petición del sello Odeon), y termina con la "subversión musical" de Fulano, clasificando las distintas camadas de rockeros surgidos entre 1956 y 1984 en las categorías "ancestros", "coléricos", "patronos", "silvestres", "periféricos", "mutantes", "transilvestres", "metálicos" y "transeúntes". Aunque resulta tentador asociar el fin de la primera etapa del rock en Chile con el surgimiento del disco "La voz de los 80" (1984), las razones respecto de por qué concluir el libro en ese punto son más diversas para su autor.
- Que el libro termine en el 84 no significa que sólo después de ese año el rock chileno madura -aclara Ponce respecto de su decisión-. Los discos de Los Jaivas, Congreso, Los Mac's o Los Vidrios Quebrados son de una madurez increíble. Ese año en particular (1984), se conjugan muchos hechos. No sólo sale el primer disco de Los Prisioneros o se forma Fulano, sino también empieza el thrash, una forma mucho más agresiva de metal; empieza el punk, una forma mucho más rabiosa e insolente de rock. En 1984 hay un cambio de guardia, marcado por una falta de respeto natural y quizás incluso necesaria de los grupos de rock y punk hacia todo lo que venía antes. Fulano se conecta con la historia previa que viene desde los años 60 y 70, y por eso están en el libro. Pero Los Prisioneros son un quiebre mucho más notorio en relación al pasado; por eso decidí no incluirlos -explica, revelando que planea continuar con la historia del rock hasta la actualidad en un posible segundo libro.
Instantáneas de una época
Detrás de las historias que cuentan los músicos de las tres décadas que abarca el libro, emerge una imagen decidora de la sociedad chilena de esos tiempos. Desde el miedo de los disk-jockeys de los '50 a pasar las "escandalosas" canciones de Elvis, hasta la indignación de una población adulta que vio horrorizada las transformaciones físicas y culturales de los "coléricos" de los '60 y '70. "Advertimos lo malo que podía llegar a ser el vestir como mujer, y usar el pelo como mujer, cuando se es hombre", anunciaba la editorial de la revista "El Musiquero" de 1967, para luego comparar el uso de alucinógenos y la homosexualidad con el asesinato y el robo.
- Estas historias son viñetas de lo que estaba pasando en la sociedad, es la manera no oficial de asomarse a ese tiempo. La música es reflejo de ciertos cambios: un grupo de San Miguel como Los Teyker's tocando rock en 1965 habla de que esta música ya no era sólo de una elite, sino que era una fiebre que ya no respetaba clases sociales -explica Ponce-. Este libro es una manifestación de las fuentes alternativas de una época en particular. A través de los 199 entrevistados es posible entrever qué pasó en ese tiempo en la juventud chilena y, desde luego, en la música popular.
Si bien advierte que es ambicioso pensar en un reflejo fiel de Chile entre 1956 y 1984, sí es posible extraer de los relatos instantáneas atendibles de distintos momentos históricos. De la "bohemia de puerto, de los hippies de la era de la UP, del rock confinado al barrio por el toque de queda militar". De los días en que la heladería Coppelia era la sede de las bandas coléricas de los '60, de la psicodelia tercermundista de Piedra Roja, el Woodstock chileno. De las contradicciones de comienzos de los '70, cuando bandas que rescatan a Violeta Parra y Víctor Jara son acusados de imperialistas por tocar la guitarra eléctrica. De aquellos días en que el rock es marginado a la periferia y es utilizado, paradójicamente, como mecanismo distractor en los '80.
Episodios inadvertidos de la cultura popular que pueden no aparecer en los libros de historia, pero que fueron, sin duda, música de fondo, signos de una época.
Prueba
de sonido
Ediciones B
437 páginas
$16.000
http://diario.elmercurio.com/2008/11/16/artes_y_letras/_portada/noticias/2AF1CC17-B9F5-41A9-9B38-A9FFEBC469C5.htm?id={2AF1CC17-B9F5-41A9-9B38-A9FFEBC469C5}
domingo, noviembre 09, 2008
Salvador Allende 100 años
El concierto comenzó pasadas las 21 horas, con más de una hora de retraso según la citación oficial. Resultó curioso que el comienzo del recital, como especie de intro fuera dado por la sección rítmica que da el fin a la gran suite de los Beatles de Abbey Road, para posteriormente entrar con Todos Juntos. La banda de acompañamiento dirigida por Tilo Gonzalez estuvo precisa en todas sus intervenciones.
La sgte revisión de artistas tal vez no será en el orden que aparecieron en escena pero quiero dar un cierto retrato de lo que apareció en escena.
Después de Todos Juntos hizo su intervención el maestro Valentín Trujillo, que logró una excelente interpretación en piano de Gracias a la vida, aplicando en forma certera las dinámicas y agógicas en una de las mejores creaciones de la música chilena.
Posteriormente apareció Inti Illimani Histórico con una interpretación certera, precisa, tal vez lo que se pueda reclamar a esta agrupación es su frialdad al tocar, es similar escuchar un cd que verlos en vivo, y esto se refuerza con su nula comunicación con el público.
La puesta en escena mas contradictoria, y fuera de foco es la que hizo Manuel García al fundir en un mismo "Track" el tema Santiago de Chile de Silvio Rodriguez, con Another Brick in the wall the Pink Floyd, el comienzo al tema de Rodriguez fue hermoso acompañado solo con campanadas, pero la fusión con The wall fue caótica y sin dejar traslucir la intención de esta fusión de estilos, cada obra es hermosa en su sitio, pero esta fusión no da por donde buscarle interpretación. Ese desvarío de García opacó su presentación,
Se acompañó por Nano Stern y Anita Tijoux que presentaron sentidas versiones de temas de Víctor Jara y Violeta Parra, acá de nuevo apareció de Beatles con la interpretación de With a little help from my friends en la versión conocida de Joe Cocker.
Participaciones destacadas fueron las de Aznar, Chico Cesar, que solo acompañado de guitarra, voz, y por una espectacular percusionista casi dejaba entrar en éxtasis frente a la libertad, la calidad, y la emoción de su interpretación.
El grupo sol y Lluvia tocó un par de temas, Caminando de Víctor Jara y en un largo tour acompañados en forma fundamental por la orquesta de Tilo gonzalez.
Buenas presentaciones lograron Denisse Malebrán junto a Luis Lebert. No deja de emocionarnos la calidad vocal de Denisse, buena entonación, afinación y proyección de la voz.
Mauricio Redolés hizo una correcta presentación con Quien Mató a Gaete y El Finao.
Uno de los grupos que mejor sonó fue Illapu, interpretando Lejos del Amor, Tres versos para una historia y Lejos del Amor se detecta un afiatamiento, una calidad, una profundidad que no se deja arrastrar por los años.
Las Capitalinas, Foncea, Matthey, presentaron lo suyo, Lucybell no aportó demasiado. Chancho en Piedra dió demostraciones de sobrada calidad sobre el escenario. Congreso hizo su aporte de experiencia sonora.
Javiera Parra interpretó un par de versiones de temas de Violeta Parra.
Lo que nos sorprendió fue la Mano Ajena, un raudal de energía sobre el escenario, que van más allá de los fundamentos de sus canciones, por lo cual una presentación en vivo le da un fuerte plus a sus obras.
Y lo que quedó en deuda fue Quilapayún.
En términos de calidad la presentación de esta formación es lo mas bajo que he visto o escuchado para un grupo que se presente bajo el nombre de "Quilapayún",de todos los integrantes presentes solo tocaran 3, (Carrasco, Escudero no tocan, Venegas tocó muy poco). Esto me hace plantear como se pone en juego el nombre del grupo con una presentación de tan baja calidad musical. Se hicieron sentir la falta de Gómez y Quezada, hubiera preferido que el grupo se hubiese reforzado con Preludio, dejando mas a la altura el nombre de ese grupo que llevamos en el corazón.
En suma y resta un buen espectáculo, con una línea de continuidad mucho mejor trabajada de lo que se vió el año 2003, y que pecó solamente de falta de puntualidad y en términos globales, de una mejor distribución de artistas para las dos jornadas.
Y los Beatles por 4. las 2 ya mencionadas + we can work it our por Johannsen, e Imagine de Lennon por Congreso.
La sgte revisión de artistas tal vez no será en el orden que aparecieron en escena pero quiero dar un cierto retrato de lo que apareció en escena.
Después de Todos Juntos hizo su intervención el maestro Valentín Trujillo, que logró una excelente interpretación en piano de Gracias a la vida, aplicando en forma certera las dinámicas y agógicas en una de las mejores creaciones de la música chilena.
Posteriormente apareció Inti Illimani Histórico con una interpretación certera, precisa, tal vez lo que se pueda reclamar a esta agrupación es su frialdad al tocar, es similar escuchar un cd que verlos en vivo, y esto se refuerza con su nula comunicación con el público.
La puesta en escena mas contradictoria, y fuera de foco es la que hizo Manuel García al fundir en un mismo "Track" el tema Santiago de Chile de Silvio Rodriguez, con Another Brick in the wall the Pink Floyd, el comienzo al tema de Rodriguez fue hermoso acompañado solo con campanadas, pero la fusión con The wall fue caótica y sin dejar traslucir la intención de esta fusión de estilos, cada obra es hermosa en su sitio, pero esta fusión no da por donde buscarle interpretación. Ese desvarío de García opacó su presentación,
Se acompañó por Nano Stern y Anita Tijoux que presentaron sentidas versiones de temas de Víctor Jara y Violeta Parra, acá de nuevo apareció de Beatles con la interpretación de With a little help from my friends en la versión conocida de Joe Cocker.
Participaciones destacadas fueron las de Aznar, Chico Cesar, que solo acompañado de guitarra, voz, y por una espectacular percusionista casi dejaba entrar en éxtasis frente a la libertad, la calidad, y la emoción de su interpretación.
El grupo sol y Lluvia tocó un par de temas, Caminando de Víctor Jara y en un largo tour acompañados en forma fundamental por la orquesta de Tilo gonzalez.
Buenas presentaciones lograron Denisse Malebrán junto a Luis Lebert. No deja de emocionarnos la calidad vocal de Denisse, buena entonación, afinación y proyección de la voz.
Mauricio Redolés hizo una correcta presentación con Quien Mató a Gaete y El Finao.
Uno de los grupos que mejor sonó fue Illapu, interpretando Lejos del Amor, Tres versos para una historia y Lejos del Amor se detecta un afiatamiento, una calidad, una profundidad que no se deja arrastrar por los años.
Las Capitalinas, Foncea, Matthey, presentaron lo suyo, Lucybell no aportó demasiado. Chancho en Piedra dió demostraciones de sobrada calidad sobre el escenario. Congreso hizo su aporte de experiencia sonora.
Javiera Parra interpretó un par de versiones de temas de Violeta Parra.
Lo que nos sorprendió fue la Mano Ajena, un raudal de energía sobre el escenario, que van más allá de los fundamentos de sus canciones, por lo cual una presentación en vivo le da un fuerte plus a sus obras.
Y lo que quedó en deuda fue Quilapayún.
En términos de calidad la presentación de esta formación es lo mas bajo que he visto o escuchado para un grupo que se presente bajo el nombre de "Quilapayún",de todos los integrantes presentes solo tocaran 3, (Carrasco, Escudero no tocan, Venegas tocó muy poco). Esto me hace plantear como se pone en juego el nombre del grupo con una presentación de tan baja calidad musical. Se hicieron sentir la falta de Gómez y Quezada, hubiera preferido que el grupo se hubiese reforzado con Preludio, dejando mas a la altura el nombre de ese grupo que llevamos en el corazón.
En suma y resta un buen espectáculo, con una línea de continuidad mucho mejor trabajada de lo que se vió el año 2003, y que pecó solamente de falta de puntualidad y en términos globales, de una mejor distribución de artistas para las dos jornadas.
Y los Beatles por 4. las 2 ya mencionadas + we can work it our por Johannsen, e Imagine de Lennon por Congreso.
martes, noviembre 04, 2008
Patricio Castillo Sala Master.31 Octubre 2008
Patricio Castillo es un hombre de historias, de esas que antes de cada tema nos deja entrever; el mundo a pasado por él a través de su guitarra y su canto, de sus grabaciones, de sus colaboraciones; creo sin exagerar que en cada casa en donde haya música chilena debe haber una grabación en donde aparece Patricio Castillo, tal vez anónimamente, pero hoy ahí está ante nosotros ofreciendo un concierto en solitario, el segundo en Santiago, el primero que es transmitido on line.
Tal como lo vimos la semana pasada en el Goethe se nota cierto nerviosismo, también se nota emoción contenida, y se quiebra su voz al presentar el tema “viene volando”, y también se quiebra su voz en medio del canto de esa misma canción; ¿y que tanto si Patricio llora en medio de su presentación?, la emoción casi se lo lleva; pero sigue a flote con cada canto, con cada nota.
Acompañado por los mismos músicos con el cual lo vimos la semana pasada, la interpretación de sus acompañantes fue precisa, certera, no sobró nada, ningún adorno que impidiera ver lo fundamental de la obra.
El concierto fue avanzando entre comentarios y canciones, en recordar lo fundamental del movimiento estudiantil de la década de los 60, de cómo el discurso de lucha por Chile se agotó con todo lo que eso significa, como ciertas cosas a pesar de los años no cambian y por eso lo actual que suenan las canciones de rebeldía de Violeta Parra; como los intereses económicos están por sobre los intereses estéticos y como estas razones llevan a la destrucción de las ciudades de todo el mundo concretándose esto en una canción en nombre de la ciudad española de Altea.
Su música va entre la Nueva Canción chilena y Latinoamericana , la sonoridad francesa, mas la música contemporánea. Creo que cualquier grupo que lo tenga de integrante, tiene un músico de peso, que puede parar solo un concierto, que puede dar a conocer su música, y que puede mantener la línea de atención por casi dos horas. Patricio Castillo es un cantor, uno grande, de los nuestros, y como cada uno de los grandes nuestros en vida, es anónimamente fundamental dentro de la música chilena.
Espero con ansias la próxima visita de don Patricio Castillo por estas latitudes, con su sinceridad expresada en canto, en sonido, en nervios, en emoción.
Programa:
Noche de Chile
Angelita Huenumán
Viene Volando
Mareas
Manifiesto
Gringa
Gracias a la vida
Intermedio
Miren como sonríen
Te recuerdo Amanda
Valparaíso
Ventolera
Altea
No solo un Poeta
Bis: Noche de Chile
---------------------------------------------------------------------------------
En el concierto estaba a la venta un disco de Patricio, una compilación autoproducida el año 2008, con el nombre de "Viene Volando", que contiene los sgtes temas.
Altea (Osvaldo Rodriguez- Patricio Castillo)
Cuando amanece el día (A. Parra)
Las Manadas (P Manns-P castillo)
Noche de Chile (PC)
Gringa (PC)
Lautaro (PC)
Mareas (PC)
Cueca a Joaquín Murieta (PC)
Viene Volando (PC)
No solo un poeta (PC).
Tal como lo vimos la semana pasada en el Goethe se nota cierto nerviosismo, también se nota emoción contenida, y se quiebra su voz al presentar el tema “viene volando”, y también se quiebra su voz en medio del canto de esa misma canción; ¿y que tanto si Patricio llora en medio de su presentación?, la emoción casi se lo lleva; pero sigue a flote con cada canto, con cada nota.
Acompañado por los mismos músicos con el cual lo vimos la semana pasada, la interpretación de sus acompañantes fue precisa, certera, no sobró nada, ningún adorno que impidiera ver lo fundamental de la obra.
El concierto fue avanzando entre comentarios y canciones, en recordar lo fundamental del movimiento estudiantil de la década de los 60, de cómo el discurso de lucha por Chile se agotó con todo lo que eso significa, como ciertas cosas a pesar de los años no cambian y por eso lo actual que suenan las canciones de rebeldía de Violeta Parra; como los intereses económicos están por sobre los intereses estéticos y como estas razones llevan a la destrucción de las ciudades de todo el mundo concretándose esto en una canción en nombre de la ciudad española de Altea.
Su música va entre la Nueva Canción chilena y Latinoamericana , la sonoridad francesa, mas la música contemporánea. Creo que cualquier grupo que lo tenga de integrante, tiene un músico de peso, que puede parar solo un concierto, que puede dar a conocer su música, y que puede mantener la línea de atención por casi dos horas. Patricio Castillo es un cantor, uno grande, de los nuestros, y como cada uno de los grandes nuestros en vida, es anónimamente fundamental dentro de la música chilena.
Espero con ansias la próxima visita de don Patricio Castillo por estas latitudes, con su sinceridad expresada en canto, en sonido, en nervios, en emoción.
Programa:
Noche de Chile
Angelita Huenumán
Viene Volando
Mareas
Manifiesto
Gringa
Gracias a la vida
Intermedio
Miren como sonríen
Te recuerdo Amanda
Valparaíso
Ventolera
Altea
No solo un Poeta
Bis: Noche de Chile
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En el concierto estaba a la venta un disco de Patricio, una compilación autoproducida el año 2008, con el nombre de "Viene Volando", que contiene los sgtes temas.
Altea (Osvaldo Rodriguez- Patricio Castillo)
Cuando amanece el día (A. Parra)
Las Manadas (P Manns-P castillo)
Noche de Chile (PC)
Gringa (PC)
Lautaro (PC)
Mareas (PC)
Cueca a Joaquín Murieta (PC)
Viene Volando (PC)
No solo un poeta (PC).
lunes, octubre 27, 2008
Patricio Castillo en el Goethe Institute. Santiago, Chile 25 10 08
El día 25 de Octubre bajo el marco del festival entrecuerdas hizo su debut en Chile Patricio Castillo como solista. Su nombre ha estado ligado a colaboraciones, a grupos; pero nunca bajo esta condición, y para su debut hizo una combinación casi precisa de tocar, cantar y contar. Patricio es un buen contador de historias, de cómo surgió cada tema, y al escuchar cada historia uno va descubriendo el peso de la experiencia en su voz, en el ser que está sobre el escenario compartiendo sus experiencias. Nos cuenta por ejemplo cual fue el origen de Gringa: por una amiga que tenía el Willy Oddó y cómo la melodía nació en una marcha entre Valparaíso y Santiago en contra de la ocupación de Viet Nam por EEUU, y el arreglo con bandoneón de este tema, le da unos aires de allende los Andes. Cada tema, cada arreglo guarda rasgos de melancolía.
En esta oportunidad Patricio se hizo acompañar por un buen grupo de músicos, en bajo, Guitarra, bandoneón-flauta, percusión y voz. Y a pesar de estar acompañado se dejó traslucir sus nervios en algunas de sus interpretaciones.
Y a través de cada conversación da a conocer sus inquietudes sobre estas presentaciones…siente que esta pagando una deuda consigo mismo y con Chile en estas actuaciones … Pregunta si su música suena chilena, porque él es un chileno que vive muy lejos…
La cantante, Susy, también nos cuenta que es su debut en Chile. Que ha pasado en nuestra historia, en cada de las historias que se han cruzado hasta el momento para que artistas y músicos chilenos debuten a esta altura en su propio país?, todavía nos sigue penando los años de oscuridad en nuestra patria.
Patricio Castillo debe sentirse cada vez mas dueño de su historia, de su capacidad, de explotar aún mas esa cualidad de enseñarnos en cada palabra los detalles sobre cada melodía, cada nota que llegan a nuestros oídos. Buen apronte para lo que nos espera en el concierto en la Sala Master.
Música para La noche de Chile.
Gringa
Mareas (Para duo de guitarras)
Manifiesto
Altea
Ventolera (Afinación por 5ta).
Simón Poblete en Bajo
Jorge Prado en Flauta y Bandoneón
Fabrizio Pablo Sanna- Guitarra
Susana - Voz
En esta oportunidad Patricio se hizo acompañar por un buen grupo de músicos, en bajo, Guitarra, bandoneón-flauta, percusión y voz. Y a pesar de estar acompañado se dejó traslucir sus nervios en algunas de sus interpretaciones.
Y a través de cada conversación da a conocer sus inquietudes sobre estas presentaciones…siente que esta pagando una deuda consigo mismo y con Chile en estas actuaciones … Pregunta si su música suena chilena, porque él es un chileno que vive muy lejos…
La cantante, Susy, también nos cuenta que es su debut en Chile. Que ha pasado en nuestra historia, en cada de las historias que se han cruzado hasta el momento para que artistas y músicos chilenos debuten a esta altura en su propio país?, todavía nos sigue penando los años de oscuridad en nuestra patria.
Patricio Castillo debe sentirse cada vez mas dueño de su historia, de su capacidad, de explotar aún mas esa cualidad de enseñarnos en cada palabra los detalles sobre cada melodía, cada nota que llegan a nuestros oídos. Buen apronte para lo que nos espera en el concierto en la Sala Master.
Música para La noche de Chile.
Gringa
Mareas (Para duo de guitarras)
Manifiesto
Altea
Ventolera (Afinación por 5ta).
Simón Poblete en Bajo
Jorge Prado en Flauta y Bandoneón
Fabrizio Pablo Sanna- Guitarra
Susana - Voz
Entrevista a Patricio Castillo
Después de su primera presentación en Chile el pasado Sabado 25, le hicimos algunas preguntas a Patricio Castillo
-Cual es su impresión con respecto a este primer concierto solista que da en Chile?.
-Son sensaciones bastante encontradas por que por una parte tengo que vencer mis emociones que bloquean un poco; son procesos que no son perceptibles, como los nervios, cosas que van por dentro; y por otra parte es la emoción de tocar que puede llegar a paralizarte en la cuestión interpretativa y técnica; y esto en el aspecto personal me molestó un poco.
Encontrarse con el público chileno en un festival de guitarra es algo bastante importante, y para mi es un honor como músico el haber comenzado mi serie de presentaciones en Chile en este festival.
-Cual es su itinerario estos días?:
-El martes 27 vamos a dar un concierto conferencia en el salón de actos del pedagógico, en Macul, en donde yo fui estudiante. El día 30 tenemos un concierto en la Piedra Feliz en Valparaíso, el 31 tocamos en la sala master acá en Santiago; y el día 1ro de noviembre tocamos en el off the record.
Después vuelvo a Francia, estoy por 3 días allá y vuelo a Ecuador.
-Usted comentó que va a tener discos para ofrecer en Miguel Claro, que discos tendrá ahí disponibles?
-Vamos a tener el Provincias, La primavera muerta en el tejado y una compilación de música que es lo estamos haciendo en estos instantes.
-Y Aguananá?
-No, ese es otro tipo de música, esta inédito, o sea tengo un disco solo para mi, tal vez algún día lo edito, pero es de Latin Jazz; a mí me gusta mucho.
-Por último su situación actual con el Quilapayún dirigido por Rodolfo Parada, usted continua con él?
-Sí continuó con él.
-Y su opinión con respecto a los últimos sucesos en el cual por lo menos en Francia no pueden ocupar el nombre
-Mira personalmente esto lo siento como algo que me libera de un gran problema; a mi me molesta esa historia; a mi me parece que es un cosa fuera de toda ética; hay un problema ético en este tema…; con la gente que yo toco estoy muy bien, que es un grupo de músicos bastante eficiente, bastante poderoso, que realmente ha demostrado un gran valor; son ellos en realidad los que han mantenido todo el tiempo la historia del Quilapayún.
Tu sabes mi historia, yo estuve en el Quilapayún hasta el 70, salí, trabajé con los Parra cualquier año, después me dediqué a otro tipo de música, hice Jazz, hice Latin music, un montón de cosas, entre esas esta música que presenté hoy que nadie conoce; y entonces de pronto volví al Quilapayún, en esa época había un solo Quilapayún, y ese es el mismo Quilapayún en el que estoy hoy en día. En realidad nosotros estamos muy bien, estamos haciendo muy buena música y pronto editaremos un nuevo CD.
-Cual es su impresión con respecto a este primer concierto solista que da en Chile?.
-Son sensaciones bastante encontradas por que por una parte tengo que vencer mis emociones que bloquean un poco; son procesos que no son perceptibles, como los nervios, cosas que van por dentro; y por otra parte es la emoción de tocar que puede llegar a paralizarte en la cuestión interpretativa y técnica; y esto en el aspecto personal me molestó un poco.
Encontrarse con el público chileno en un festival de guitarra es algo bastante importante, y para mi es un honor como músico el haber comenzado mi serie de presentaciones en Chile en este festival.
-Cual es su itinerario estos días?:
-El martes 27 vamos a dar un concierto conferencia en el salón de actos del pedagógico, en Macul, en donde yo fui estudiante. El día 30 tenemos un concierto en la Piedra Feliz en Valparaíso, el 31 tocamos en la sala master acá en Santiago; y el día 1ro de noviembre tocamos en el off the record.
Después vuelvo a Francia, estoy por 3 días allá y vuelo a Ecuador.
-Usted comentó que va a tener discos para ofrecer en Miguel Claro, que discos tendrá ahí disponibles?
-Vamos a tener el Provincias, La primavera muerta en el tejado y una compilación de música que es lo estamos haciendo en estos instantes.
-Y Aguananá?
-No, ese es otro tipo de música, esta inédito, o sea tengo un disco solo para mi, tal vez algún día lo edito, pero es de Latin Jazz; a mí me gusta mucho.
-Por último su situación actual con el Quilapayún dirigido por Rodolfo Parada, usted continua con él?
-Sí continuó con él.
-Y su opinión con respecto a los últimos sucesos en el cual por lo menos en Francia no pueden ocupar el nombre
-Mira personalmente esto lo siento como algo que me libera de un gran problema; a mi me molesta esa historia; a mi me parece que es un cosa fuera de toda ética; hay un problema ético en este tema…; con la gente que yo toco estoy muy bien, que es un grupo de músicos bastante eficiente, bastante poderoso, que realmente ha demostrado un gran valor; son ellos en realidad los que han mantenido todo el tiempo la historia del Quilapayún.
Tu sabes mi historia, yo estuve en el Quilapayún hasta el 70, salí, trabajé con los Parra cualquier año, después me dediqué a otro tipo de música, hice Jazz, hice Latin music, un montón de cosas, entre esas esta música que presenté hoy que nadie conoce; y entonces de pronto volví al Quilapayún, en esa época había un solo Quilapayún, y ese es el mismo Quilapayún en el que estoy hoy en día. En realidad nosotros estamos muy bien, estamos haciendo muy buena música y pronto editaremos un nuevo CD.
martes, octubre 14, 2008
Barroco Andino 12 Octubre 2008 Plaza Vespucio.
Barroco Andino se presentó el día 12 de Octubre a las 19.00 horas en la sala scd del Plaza Vespucio; a esa misma hora se jugaba el partido de Ecuador- Chile por las clasificatorias al mundial, tal vez eso afectó la asistencia al recital; ya que cuando el Barroco comenzó a interpretas sus obras en la sala no había más de 20 personas.
Barroco Andino tiene una vasta historia, tiene diversos períodos, y ha tenido variadas formaciones. La primera etapa corresponde a la vivida en la década de los 70, posteriormente el grupo se rearma en la segunda mitad de la década de los 80 y ha permanecido hasta la actualidad. A pesar de esta larga historia el grupo ha permanecido fiel a su sonido, y ha seguido una línea de desarrollo acorde a los intereses de su fundador y director Jaime Soto León.
Se pudo observar en la primera parte al conjunto con sus 11 integrantes interpretando diversos arreglos de música de concierto hecho para instrumentos populares de origen “andino”. Hacer llegar al público popular este tipo de repertorio, con tan hermosos arreglos y con interpretaciones tan precisas y llenas de calidad ha sido una de los logros fundamentales del barroco en su historia; y lo que entregó en esta oportunidad el barroco estuvo fielmente apegado a estos principios; uno podía ver con alegría la cara de sorpresas con que miraban un par de niños en primera fila como se desarrollaba frente a sus ojos tan admirable belleza.
En la segunda parte el repertorio estuvo dedicado a canciones originarias de la Nueva Canción Chilena, con arreglos precisos y certeros, pero debido a que el origen de esas interpretaciones tenía en mente ya cierta cercanía a la música popular el aporte que pueden hacer en este caso los arreglos no son tan vistosos como en la primera parte; esto unido a cierta solemnidad del repertorio escogido hace el auditor medio pierda la atención, y que el repertorio esté dedicado mas a oyentes concienzudos en apreciar letras, música y arreglos.
En lo referente al repertorio en general este fue el mismo que se presentó hace unas semanas en la Sala Isidoro Zegers, incluso en esa oportunidad el repertorio fue mas generoso en lo relativo a la cantidad de temas interpretados; y esto es un llamado de atención al barroco, no hay nada nuevo?, no hay aunque sea un tema mas que presentar?, los músicos no se aburren de tocar siempre los mismo y de no incorporar algo nuevo a cada una de sus presentaciones?.
Alguna vez he escuchado grupos con objetivos mucho mas sencillos y se esmeran en cada presentación en tener aunque sea un tema que no habían tocado antes, o de una forma que el repertorio siempre presentara algo nuevo para quien quisiera seguir escuchando en cada oportunidad, eso le falta al barroco, mayor flexibilidad en el repertorio, y mayor generosidad en entregar aunque sea un tema de bis a los 20 asistentes que fueron a su recital.
Programa:
PRIMERA PARTE
W. A. MOZART "Pequeña Serenata Nocturna", primer movimiento, Allegro
Original para orquesta de cuerdas
J. S. BACH "Duetto", de la cantata nº 78
Original para soprano, alto y bajo continuo
BACH "Air", de la Suite nº 3
Segundo movimiento, original para cuerdas
BACH "Badinerie", de la Suite nº2
Para flauta traversa y cuerdas
G. F. HAENDEL "Allegro Moderato", del Concerto Grosso nº10
Original para cuerdas
G. F. HAENDEL "Allegro", del Concerto Grosso nº2
Orquesta de cuerdas
P. I. TCHAIKOVSKY "Danza de los Mirlitos", del Ballet El Cascanueces
S. PROKOFFIEV "Danza con Mandolinas", del Ballet Romeo y Julieta
A. DVORAK "Danza Eslava nº10"
Original para piano a cuatro manos
MOZART "Marcha Turca", de la Sonata en La mayor
para piano
SEGUNDA PARTE
POR QUÉ LOS POBRES NO TIENEN Violeta Parra
QUÉ DIRÁ EL SANTO PADRE Violeta Parra
RETRATO Texto Patricio Manns, Música Horacio Salinas
LA REPRESIÓN Texto Julio Rojas, Música Jaime Soto
SOY OBRERO Luís Advis (Cantata Santa María de Iquique)
VAMOS MUJER Luís Advis (Cantata Santa María de Iquique)
Norte Grande, Pobre Norte Texto Sergio Ortega
PRELUDIO SOBRE EL CORAL OJOS AZULES Jaime Soto, basada en el folclor andino
TESTAMENTO Texto Pablo Neruda, Música Jaime Soto
Vientos del Pueblo. Víctor Jara
Barroco Andino tiene una vasta historia, tiene diversos períodos, y ha tenido variadas formaciones. La primera etapa corresponde a la vivida en la década de los 70, posteriormente el grupo se rearma en la segunda mitad de la década de los 80 y ha permanecido hasta la actualidad. A pesar de esta larga historia el grupo ha permanecido fiel a su sonido, y ha seguido una línea de desarrollo acorde a los intereses de su fundador y director Jaime Soto León.
Se pudo observar en la primera parte al conjunto con sus 11 integrantes interpretando diversos arreglos de música de concierto hecho para instrumentos populares de origen “andino”. Hacer llegar al público popular este tipo de repertorio, con tan hermosos arreglos y con interpretaciones tan precisas y llenas de calidad ha sido una de los logros fundamentales del barroco en su historia; y lo que entregó en esta oportunidad el barroco estuvo fielmente apegado a estos principios; uno podía ver con alegría la cara de sorpresas con que miraban un par de niños en primera fila como se desarrollaba frente a sus ojos tan admirable belleza.
En la segunda parte el repertorio estuvo dedicado a canciones originarias de la Nueva Canción Chilena, con arreglos precisos y certeros, pero debido a que el origen de esas interpretaciones tenía en mente ya cierta cercanía a la música popular el aporte que pueden hacer en este caso los arreglos no son tan vistosos como en la primera parte; esto unido a cierta solemnidad del repertorio escogido hace el auditor medio pierda la atención, y que el repertorio esté dedicado mas a oyentes concienzudos en apreciar letras, música y arreglos.
En lo referente al repertorio en general este fue el mismo que se presentó hace unas semanas en la Sala Isidoro Zegers, incluso en esa oportunidad el repertorio fue mas generoso en lo relativo a la cantidad de temas interpretados; y esto es un llamado de atención al barroco, no hay nada nuevo?, no hay aunque sea un tema mas que presentar?, los músicos no se aburren de tocar siempre los mismo y de no incorporar algo nuevo a cada una de sus presentaciones?.
Alguna vez he escuchado grupos con objetivos mucho mas sencillos y se esmeran en cada presentación en tener aunque sea un tema que no habían tocado antes, o de una forma que el repertorio siempre presentara algo nuevo para quien quisiera seguir escuchando en cada oportunidad, eso le falta al barroco, mayor flexibilidad en el repertorio, y mayor generosidad en entregar aunque sea un tema de bis a los 20 asistentes que fueron a su recital.
Programa:
PRIMERA PARTE
W. A. MOZART "Pequeña Serenata Nocturna", primer movimiento, Allegro
Original para orquesta de cuerdas
J. S. BACH "Duetto", de la cantata nº 78
Original para soprano, alto y bajo continuo
BACH "Air", de la Suite nº 3
Segundo movimiento, original para cuerdas
BACH "Badinerie", de la Suite nº2
Para flauta traversa y cuerdas
G. F. HAENDEL "Allegro Moderato", del Concerto Grosso nº10
Original para cuerdas
G. F. HAENDEL "Allegro", del Concerto Grosso nº2
Orquesta de cuerdas
P. I. TCHAIKOVSKY "Danza de los Mirlitos", del Ballet El Cascanueces
S. PROKOFFIEV "Danza con Mandolinas", del Ballet Romeo y Julieta
A. DVORAK "Danza Eslava nº10"
Original para piano a cuatro manos
MOZART "Marcha Turca", de la Sonata en La mayor
para piano
SEGUNDA PARTE
POR QUÉ LOS POBRES NO TIENEN Violeta Parra
QUÉ DIRÁ EL SANTO PADRE Violeta Parra
RETRATO Texto Patricio Manns, Música Horacio Salinas
LA REPRESIÓN Texto Julio Rojas, Música Jaime Soto
SOY OBRERO Luís Advis (Cantata Santa María de Iquique)
VAMOS MUJER Luís Advis (Cantata Santa María de Iquique)
Norte Grande, Pobre Norte Texto Sergio Ortega
PRELUDIO SOBRE EL CORAL OJOS AZULES Jaime Soto, basada en el folclor andino
TESTAMENTO Texto Pablo Neruda, Música Jaime Soto
Vientos del Pueblo. Víctor Jara
sábado, diciembre 15, 2007
QUILAPAYUN (WANG-PARADA) 5TA VERGARA 8 DICIEMBRE
Viña nos esperaba con 16º y el viento helado y algunas nubes auguraban las nubes que cubrirían la noche.
Pude escuchar la prueba de sonido de “los quila” Tocaron un fragmento de temporía, mas un fragmento de malembe. En esta parte hubo un intercambio de ideas entre los Patos del grupo, Castillo le hablaba a Wang, y Wang le decía a Castillo en forma convincente que era “el”, y que estaba en “el” algo, yo creo que la decisión sobre que y como tocar algo, ya que no pude escuchar lo que hablaba debido a que en ese pequeño lapso Wang alejó el micrófono de su boca. Después de tocar el fragmento de Malembe, Wang se acercó a Castillo le dijo algo corto al oído y le dio un beso en la mejilla. Todos dejaron sus instrumentos, salvo Castillo que se quedó tocando largamente su bajo, sentado en una esquina del escenario.
Al rato después parecieron los Inti. Los muchachos del coro no pudieron hacer prueba de sonido y eso se notó después en la actuación.
Mientras habrían las puertas vi que Patricio Wang caminaba hacia la puerta de la Quinta, y ahí estaba conversando animadamente con 3 personas, nóveles compositores de la región, los cuales pudieron seguir conversando con Patricio cuando abrieron las puertas. Ya pasadas las 20.00 horas Patricio bajó a los camarines y se despidió de sus amigos, previa promesa de comunicación por email, y esperando esas regalías de la SCD que les prometieron sus compañeros de conversación.
Pasadas las 21 horas, mientras los muchachos vocalizaban, en los camarines del “quila” se vivía una situación tensa, estaban llamando urgente a un doctor, pasaron como 15 minutos y no aparecía, parece que el contacto que tenía Rodolfo Parada no se movía mucho. Después de contactarse con otras personas de la producción llegó una paramédica… la situación afectaba a Patricio Castillo, le insistieron que se fuera a la Clínica, que había una ambulancia esperándolo para llevarlo, todos los compañeros trataron de convencerlo, incluso desde los camarines del Inti se acercaron para hacerlo cambiar de idea, pero Castillo no quiso, dijo que la Esmeralda había luchado hasta el final, y nadie lo movió de su idea. Así se aprestaron a salir al escenario.
La Quinta Vergara estaba llena en no más de su 40 % de su capacidad, la galería mostraba algunos manchones de gente; es decir parece que entradas no regalaron.
Después de la actuación pude tener el listado de temas, y fue el mismo que presentaron en Osorno, el listado es el sgte:
1. Según el favor.
2. Plegaria-------------Rod
3. Suite Movie.
4. Por ellos canto--------Wang
5. Soy del Pueblo.
6. Fuerzas (Sale tachado “Pimiento”)---------Rod
7. Chacarilla.
8.Temporía---------Wang.
9. La muralla--------Castillo.
10. Malembe.
Si leemos este track list, podemos ver que la intervención de Chañaral Ortega dedicándole el tema Soy del Pueblo a una persona “a quien quiere mucho como es Willy Oddó”, estaba fuera de programa.
Las interpretaciones fueron correctas, cada uno puede sacar sus conclusiones si es que aun anda por ahí el registro que hice con mi pequeña y milagrosa grabadora. Pero uno puede darse cuenta que en esto de los dos quilas se trata de dos grupos distintos, tal vez el concepto sobre el cual se agrupan sea el mismo, pero no es la misma forma de entregar, no es el mismo objetivo sobre el repertorio que quieren dar, ni la comunicación con el público es la misma.
Hubieron en ciertas partes fuertes errores de sonido, alguna entrada falsa, pero la calidad de los músicos que estaba sobre el escenario no se puede cuestionar; lo que si se puede cuestionar es que si solo la calidad de los músicos es suficiente para entregar algo que pueda llegar al publico.
Después entró Inti Illimani, que se manifestó en un primer momento bastante disconforme con el sonido, bajé a los camarines para ver que pasaba, en los camarines del quila se podía escuchar un par de guitarras y un par de voces tocando “Zamba de las tolderías”, por favor, cualquier sea el grupo que la reincorporen al repertorio…; se escucharon un par de quenas ensayando la fiesta de san benito…después subió la joven guardia al escenario.
Al momento llegó Patricio Castillo al camarín….
Cerca de las 24 horas comenzaron los preparativos para subirse al escenario a cantar la cantata, la adrenalina recorría los integrantes del coro. “Los Quila” ya vestían sus ponchos. Por parte del coro me dieron la tarea de subir el atril de la directora y ponerlo sobre el escenario, eso hice y subieron todos.
La partida demoró más de lo previsto debido a que la guitarra de Parada no se escuchaba en el retorno que tenían los músicos. Además el coro no se escuchó durante por lo menos la mitad de la cantata, es decir el arreglo vocal, por lo cual personalmente me parecía interesante esta entrega, se perdió, los dos micrófonos originales entregados al coro, y en la posición que estaban fueron escasos frente a la amplificación que tenía el Quila., y después de soy obrero fueron agregándose mas micrófonos al coro. La entrega del Quila fue correcta, Patricio Castillo tocó en un bajo eléctrico la línea de contrabajo. Un trabajo bien montado por esta agrupación, la narración de Silvia Santelices se ajustó bastante bien a la intención de la cantata.
A esa altura de la noche el publicó se concentró en la parte baja de la quinta, mientras la galería estaba prácticamente vacía.
Cuando por fin se pudo escuchar el coro, se pudo detectar que el arreglo es hermoso, y que le da un énfasis necesario a las emociones y sensaciones que transmite la cantata.
Después de la cantata se interpretó el Pueblo Unido, dando por cerrada esta maratónica fecha en la Quinta Vergara pasadas la 1.00 AM.
En ese momento escuché a don Patricio Catillo que decía que se sentía mejor, que le había dado un alza de presión, que lo habían llevado a la Clínica y lo habían estabilizado, y daba las gracias por la preocupación.
En una parada de vuelta escuché a Patricio Wang que decía que no hay fecha para un nuevo disco, que pensaba algún día montar solo el canto 7º pero para una agrupación mucho más numerosa; también que pensaba remontar “el oficio…”, ya que no estaba disponible ahora en CD, y que sus creaciones no eran conocidas en Chile como compositor debido a que nadie le pedía cosas para interpretar.
En el viaje los muchachos del coro expresaron su profunda decepción, rabia y frustración en la entrega, debido que ellos sentía que tenían muchas expectativas, y que estas no pudieron satisfacerse debido a la mala amplificación que les impedía escucharse, que les impedía escuchar al Quila, y que impidió que tanto trabajo en detalle durante estas semanas no hubiera sido apreciado por el público.
Todos quedaron claros que para la actuación del domingo deberá haber una prueba de sonido junto con “el quila”, para que el resultado pueda ser infinitamente mejor para cada uno de las muchachas y muchachos. De lo que quedamos claros es que no es posible concluir que el domingo habrá un mejor resultado con el público.
En Compañía los pacos estaban desalojando un local, mientras en las esquinas de huérfanos y teatinos alguien que parecía una mujer ofrecía sus servicios..
Pude escuchar la prueba de sonido de “los quila” Tocaron un fragmento de temporía, mas un fragmento de malembe. En esta parte hubo un intercambio de ideas entre los Patos del grupo, Castillo le hablaba a Wang, y Wang le decía a Castillo en forma convincente que era “el”, y que estaba en “el” algo, yo creo que la decisión sobre que y como tocar algo, ya que no pude escuchar lo que hablaba debido a que en ese pequeño lapso Wang alejó el micrófono de su boca. Después de tocar el fragmento de Malembe, Wang se acercó a Castillo le dijo algo corto al oído y le dio un beso en la mejilla. Todos dejaron sus instrumentos, salvo Castillo que se quedó tocando largamente su bajo, sentado en una esquina del escenario.
Al rato después parecieron los Inti. Los muchachos del coro no pudieron hacer prueba de sonido y eso se notó después en la actuación.
Mientras habrían las puertas vi que Patricio Wang caminaba hacia la puerta de la Quinta, y ahí estaba conversando animadamente con 3 personas, nóveles compositores de la región, los cuales pudieron seguir conversando con Patricio cuando abrieron las puertas. Ya pasadas las 20.00 horas Patricio bajó a los camarines y se despidió de sus amigos, previa promesa de comunicación por email, y esperando esas regalías de la SCD que les prometieron sus compañeros de conversación.
Pasadas las 21 horas, mientras los muchachos vocalizaban, en los camarines del “quila” se vivía una situación tensa, estaban llamando urgente a un doctor, pasaron como 15 minutos y no aparecía, parece que el contacto que tenía Rodolfo Parada no se movía mucho. Después de contactarse con otras personas de la producción llegó una paramédica… la situación afectaba a Patricio Castillo, le insistieron que se fuera a la Clínica, que había una ambulancia esperándolo para llevarlo, todos los compañeros trataron de convencerlo, incluso desde los camarines del Inti se acercaron para hacerlo cambiar de idea, pero Castillo no quiso, dijo que la Esmeralda había luchado hasta el final, y nadie lo movió de su idea. Así se aprestaron a salir al escenario.
La Quinta Vergara estaba llena en no más de su 40 % de su capacidad, la galería mostraba algunos manchones de gente; es decir parece que entradas no regalaron.
Después de la actuación pude tener el listado de temas, y fue el mismo que presentaron en Osorno, el listado es el sgte:
1. Según el favor.
2. Plegaria-------------Rod
3. Suite Movie.
4. Por ellos canto--------Wang
5. Soy del Pueblo.
6. Fuerzas (Sale tachado “Pimiento”)---------Rod
7. Chacarilla.
8.Temporía---------Wang.
9. La muralla--------Castillo.
10. Malembe.
Si leemos este track list, podemos ver que la intervención de Chañaral Ortega dedicándole el tema Soy del Pueblo a una persona “a quien quiere mucho como es Willy Oddó”, estaba fuera de programa.
Las interpretaciones fueron correctas, cada uno puede sacar sus conclusiones si es que aun anda por ahí el registro que hice con mi pequeña y milagrosa grabadora. Pero uno puede darse cuenta que en esto de los dos quilas se trata de dos grupos distintos, tal vez el concepto sobre el cual se agrupan sea el mismo, pero no es la misma forma de entregar, no es el mismo objetivo sobre el repertorio que quieren dar, ni la comunicación con el público es la misma.
Hubieron en ciertas partes fuertes errores de sonido, alguna entrada falsa, pero la calidad de los músicos que estaba sobre el escenario no se puede cuestionar; lo que si se puede cuestionar es que si solo la calidad de los músicos es suficiente para entregar algo que pueda llegar al publico.
Después entró Inti Illimani, que se manifestó en un primer momento bastante disconforme con el sonido, bajé a los camarines para ver que pasaba, en los camarines del quila se podía escuchar un par de guitarras y un par de voces tocando “Zamba de las tolderías”, por favor, cualquier sea el grupo que la reincorporen al repertorio…; se escucharon un par de quenas ensayando la fiesta de san benito…después subió la joven guardia al escenario.
Al momento llegó Patricio Castillo al camarín….
Cerca de las 24 horas comenzaron los preparativos para subirse al escenario a cantar la cantata, la adrenalina recorría los integrantes del coro. “Los Quila” ya vestían sus ponchos. Por parte del coro me dieron la tarea de subir el atril de la directora y ponerlo sobre el escenario, eso hice y subieron todos.
La partida demoró más de lo previsto debido a que la guitarra de Parada no se escuchaba en el retorno que tenían los músicos. Además el coro no se escuchó durante por lo menos la mitad de la cantata, es decir el arreglo vocal, por lo cual personalmente me parecía interesante esta entrega, se perdió, los dos micrófonos originales entregados al coro, y en la posición que estaban fueron escasos frente a la amplificación que tenía el Quila., y después de soy obrero fueron agregándose mas micrófonos al coro. La entrega del Quila fue correcta, Patricio Castillo tocó en un bajo eléctrico la línea de contrabajo. Un trabajo bien montado por esta agrupación, la narración de Silvia Santelices se ajustó bastante bien a la intención de la cantata.
A esa altura de la noche el publicó se concentró en la parte baja de la quinta, mientras la galería estaba prácticamente vacía.
Cuando por fin se pudo escuchar el coro, se pudo detectar que el arreglo es hermoso, y que le da un énfasis necesario a las emociones y sensaciones que transmite la cantata.
Después de la cantata se interpretó el Pueblo Unido, dando por cerrada esta maratónica fecha en la Quinta Vergara pasadas la 1.00 AM.
En ese momento escuché a don Patricio Catillo que decía que se sentía mejor, que le había dado un alza de presión, que lo habían llevado a la Clínica y lo habían estabilizado, y daba las gracias por la preocupación.
En una parada de vuelta escuché a Patricio Wang que decía que no hay fecha para un nuevo disco, que pensaba algún día montar solo el canto 7º pero para una agrupación mucho más numerosa; también que pensaba remontar “el oficio…”, ya que no estaba disponible ahora en CD, y que sus creaciones no eran conocidas en Chile como compositor debido a que nadie le pedía cosas para interpretar.
En el viaje los muchachos del coro expresaron su profunda decepción, rabia y frustración en la entrega, debido que ellos sentía que tenían muchas expectativas, y que estas no pudieron satisfacerse debido a la mala amplificación que les impedía escucharse, que les impedía escuchar al Quila, y que impidió que tanto trabajo en detalle durante estas semanas no hubiera sido apreciado por el público.
Todos quedaron claros que para la actuación del domingo deberá haber una prueba de sonido junto con “el quila”, para que el resultado pueda ser infinitamente mejor para cada uno de las muchachas y muchachos. De lo que quedamos claros es que no es posible concluir que el domingo habrá un mejor resultado con el público.
En Compañía los pacos estaban desalojando un local, mientras en las esquinas de huérfanos y teatinos alguien que parecía una mujer ofrecía sus servicios..
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