viernes, junio 09, 2017

Dylan lee su discurso de aceptación del Premio Nobel

El Mercurio

A siete meses de haber obtenido el galardón, por fin el músico se pronuncia oficialmente: el lunes pasado se hizo público su discurso de aceptación, con lo que recibirá los 819 mil euros con que está dotado.  

Por Roberto Careaga C. 

A siete meses de que la Academia Sueca anunciara que el ganador del Premio Nobel de Literatura había recaído en Bob Dylan, ayer se dio a conocer que el cantautor estadounidense cumplió con la mínima exigencia para recibir los 819 mil euros del galardón: envió su discurso de aceptación. Se trata del capítulo final de una teleserie en que Dylan, jugando su esquivo papel, apenas ha dicho palabras sobre el reconocimiento y, en vez de asistir a la ceremonia de entrega, mandó de emisaria a Patti Smith.

"El discurso es extraordinario y, tal y como cabía esperar, elocuente. Ahora que ha sido enviado, la aventura Dylan está llegando a su conclusión", escribió Sara Danius, secretaria permanente de la Academia Sueca, en el sitio web del Nobel, donde se puede leer el discurso y también oír al mismo músico leerlo. El creador de "Like a rolling stone" demora 27 minutos en su lectura: es un largo rodeo que empieza en el rock and roll de los 50 para llegar hasta las tres novelas que lo marcaron: "Moby Dick", de Herman Melville; "La odisea", de Homero, y "Sin novedad en el frente", de Erich Maria Remarque.

Esas tres novelas

"Cuando supe que había ganado el Nobel de Literatura, me empecé a preguntar exactamente cómo mis canciones se relacionan con la literatura", arranca sus palabras Dylan, resumiendo la duda de tantos. Comienza recordando el mundo que se le abrió escuchar por primera vez a los 18 años Buddy Holly, uno de los pioneros del rock and roll, y luego, no mucho después, escuchar el disco "Cottonfields", de Leadbelly, legenda del folk y blues: "De repente, la oscuridad se iluminó", dice Dylan.

Lo que vino, sigue el músico, fue conectarse con la "cultura vernácula" de su país: recorrer pueblos de Estados Unidos aprendiendo viejas tonadas folk, canciones de vaqueros, las baladas de los Apalaches, blues de los campos de algodón. "Cuando empecé a escribir mis propias canciones, la jerga folk era el único vocabulario que tenía, y lo usé", cuenta Dylan. Pero agrega que tenía algo más: "Tenía principios, sensibilidades y una informada visión del mundo. Lo aprendí en el colegio: 'Don Quijote', 'Ivanhoe', 'Robinson Crusoe', 'Los viajes de Guliver', 'Historia de dos ciudades'", dice el músico, listando clásicos literarios unidos por los viajes y las aventuras.

Luego Dylan dedica largos pasajes a relatar su experiencia como lector de tres novelas que, dice, aparecen de múltiples formas en sus canciones: de "Moby Dick" a "Sin novedad en el frente" y luego "La odisea". El músico cuenta sus tramas plagadas de aventuras sin tratar de entregar explicaciones sobre sus temas y, más aún, desiste de conectarlas con sus canciones. "Yo y muchos compositores han sido influidos por estos temas. Y pueden significar muchas cosas. Si una canción te emociona, eso es todo lo importante. No tengo que saber qué significa", dice.

Las pocas conexiones explícitas que hace, tampoco son tan claras: Dylan recuerda que Aquiles, en "La odisea", se arrepintió de haber cambiado una larga vida pacífica por una corta llena de honor y gloria. "No había honor. Nada de inmortalidad. Fue un rey en la tierra de los muertos", dice Dylan. Y añade: "Nuestras canciones están vivas en el mundo de los vivos. Pero las canciones no son como la literatura. Las palabras de Shakespeare en sus obras fueron pensadas para los escenarios. Tal como las letras de las canciones fueron pensadas para ser cantadas, no leídas. Espero que algunos de ustedes tengan la opción de escuchar estas letras de la manera que fueron ideadas para ser escuchadas: en conciertos o en discos. Yo vuelvo una y otra vez a Homero, que dice: 'Canta en mí, oh musa, y a través de mí cuenta la historia".

Este es el Discurso Integro:

"Cuando supe que había obtenido el Premio Nobel, me surgió la pregunta de cómo se relacionaban exactamente mis canciones con la literatura. Quise reflexionar sobre ello y ver dónde se hallaba la conexión. Voy a tratar de articularlo. Y lo más probable es que lo haga dando rodeos, pero espero que lo que diga valga la pena y tenga sentido.

Si tuviera que volver al amanecer de todo, creo que tendría que empezar con Buddy Holly. Buddy murió cuando yo tenía dieciocho años y él veintidós. Desde el momento en que lo escuché por primera vez, me sentí identificado. Sentí casi que era como un hermano mayor. Hasta pensé que me parecía a él. Buddy tocaba la música que me apasionaba -la música con la que crecí: country western, rock 'n' roll y rhythm&blues-. Tres hebras separadas de la música que entrelazó y fundió en un género. Una marca. Y Buddy escribía canciones - canciones que tenían bellas melodías y versos imaginativos. Y cantaba muy bien - cantaba con distintas voces. Él era el arquetipo. Todo lo que yo no era y quería ser. Lo vi sólo una vez, unos días antes de su muerte. Tuve que viajar 100 millas para verlo actuar y no me decepcionó.

Era poderoso y electrizante y tenía una presencia imponente. Yo estaba a solo seis pies de distancia. Estaba hipnotizado. Le miré la cara, las manos, la forma en que marcaba el ritmo con el pie, sus grandes gafas negras, los ojos detrás de las gafas, la forma en que sostenía su guitarra, su postura, su traje elegante. Todo él. Aparentaba más de veintidós años. Algo en él parecía permanente, y me llenó de convicción. Entonces, de repente, sucedió lo más extraño. Me miró directamente a los ojos y me transmitió algo. Algo que no sé lo que era. Y sentí escalofríos.

Creo que fue un día o dos después de que su avión se estrellara. Y alguien -alguien a quien nunca había visto- me dio un disco de Leadbelly que incluía la canción 'Cottonfields'. Y este disco cambió mi vida en ese momento y en ese lugar. Me transportó a un mundo desconocido. Fue como una explosión. Como si hubiera estado caminando en la oscuridad y, de repente, la oscuridad se iluminara. Era como si alguien hubiera puesto sus manos en mí. Debo de haber tocado esa canción cientos de veces.

Estaba en un sello discográfico del que nunca había oído hablar con un libreto dentro lleno de anuncios de otros artistas del sello: Sonny Terry y Brownie McGhee, The New Lost City Ramblers, Jean Ritchie, 'string bands'. Nunca había oído hablar de ninguno de ellos. Pero consideré que si estaban en esta etiqueta con Leadbelly, tenían que ser buenos, así que necesitaba escucharlos. Quería saberlo todo y tocar ese tipo de música. Todavía me atraía la música con la que había crecido pero, de pronto, se me olvidó. Ni siquiera lo pensé. En ese momento, hacía tiempo que esa música había desaparecido.

Todavía no me había ido de casa, pero estaba ansioso: quería conocer esa música y a la gente que la tocaba. Al final me marché del hogar y aprendí a tocar esas canciones. Eran diferentes de las canciones que ponían en la radio y que había estado escuchando hasta entonces. Eran más vibrantes y más sinceras. Con las canciones que suenan en la radio, un intérprete podría conseguir el éxito como con una tirada de dados o una buena mano de cartas, pero eso no importaba en el mundo del folk. Todo era un éxito. Todo lo que tenías que hacer era escribir buenos versos y ser capaz de tocar una melodía. Algunas de estas canciones eran fáciles, otras no. Tenía una predisposición natural para las viejas baladas y el 'country blues', pero todo lo demás lo tuve que aprender desde cero. Tocaba para un público pequeño, a veces de no más de cuatro o cinco personas, en una habitación o en una esquina en la calle. Había que tener un amplio repertorio, y tenías que saber qué tocar y cuándo tocarlo. Algunas canciones eran intimistas, en algunas había que gritar para que te escucharan.

Puedes aprender la jerga escuchando a los artistas folk de los primeros años y cantando sus canciones. La interiorizas. La cantas en los blues a tiempo rasgado, en las canciones de trabajo, en las canciones que cantaban los marinos mercantes de Georgia, en las baladas de los Apalaches y en las canciones de los 'cowboys'. Escuchas los matices y aprendes los detalles.

Ya sabéis de qué va esto. De sacar la pistola y volver a meterla en la pistolera. De abrirte camino a través del tráfico, de hablar en la oscuridad. Ya sabéis que Stagger Lee era un mal tipo y que Frankie era una buena chica. Ya sabéis que Washington es una ciudad burguesa y ya habéis oído la voz profunda de John the Revelator y ya habéis visto al Titanic hundirse en un arroyo cenagoso. Y sois colegas del vagabundo irlandés y del chico de las colonias. Escuchasteis la batería amortiguada y los flauitines que tocaban bajito. Habéis visto al lujurioso Lord Donald clavarle un cuchillo a su mujer y a muchos de vuestros camaradas envueltos en lino blanco.

Ya había interiorizado la jerga totalmente. Conocía la retórica. Nada de eso se me escapó: los artefactos, las técnicas, los secretos, los misterios, y también conocí todos las carreteras desiertas por las que circulaban. Podía hacer que todo estuviese conectado y que se moviera con la corriente del día. Cuando empecé a escribir mis propias canciones, la jerga folk era el único vocabulario que conocía, y lo usé.

Pero yo también tenía algo más. Tenía principios y sensibilidades y una visión informada del mundo. Y la había tenido desde hace tiempo. Lo aprendí todo en la escuela primaria. Don Quijote, Ivanhoe, Robinson Crusoe, Los viajes de Gulliver, Historia de dos ciudades, todo lo demás - lectura típica de la escuela secundaria que te da una manera de ver la vida, una comprensión de la naturaleza humana y un estándar para medir las cosas. Tomé todo eso conmigo cuando empecé a componer letras. Y los temas de esos libros funcionaron en muchas de mis canciones, ya sea a sabiendas o sin intención. Quería escribir canciones que fuesen diferentes a cualquier cosa que alguien hubiera escuchado, y estos temas eran fundamentales.

Algunos de los libros específicos que han permanecido conmigo desde entonces, los había leído en la escuela secundaria. Quiero hablarles de tres de ellos: 'Moby Dick', 'Sin novedad en el frente' y 'La Odisea'.

'Moby Dick' es un libro fascinante, un libro que está lleno de escenas y diálogos dramáticos. El libro te exige. La trama es sencilla. El misterioso Ahab -capitán de un barco llamado el Pequod- un egomaníaco con una pierna de perno que persigue su némesis, la gran ballena blanca Moby Dick que se la arrancó. Y la persigue desde el Atlántico, bordeando la punta de África y adentándose en el Océano Índico. Persigue a la ballena de una punta a otra de la Tierra. Es un objetivo abstracto, nada concreto o definido. Él la llama Moby el emperador, y la ve como la encarnación del mal. Ahab tiene una esposa y un hijo en Nantucket que recuerda de vez en cuando. Ya podéis imaginaros lo que acaba sucediendo.

La tripulación del buque está formada por hombres de diferentes razas, y cualquiera que vea a la ballena recibirá la recompensa de una moneda de oro. Una gran cantidad de símbolos del zodíaco, alegorías religiosas, estereotipos. Cuando Ahab se encuentra con otros barcos balleneros, presiona a los capitanes para obtener detalles sobre Moby. ¿Lo han visto? Hay un profeta loco, Gabriel, que predice la condena de Ahab. Moby encarna al dios Shaker y cualquier trato con él llevará al desastre. Se lo dice al capitán Ahab. Otro capitán del buque, el Capitán Boomer, pierde un brazo contra Moby. Pero él se aguanta y está feliz de haber sobrevivido. No puede aceptar la sed de venganza de Ahab.

Este libro cuenta cómo los diferentes hombres reaccionan de distintas maneras a la misma experiencia. Hay mucho del Antiguo Testamento, mucha alegoría bíblica: Gabriel, Raquel, Jeroboam, Bildah, Elijah. Nombres paganos también: Tashtego, Frasco, Daggoo, Fleece, Starbuck, Stubb, Martha's Vineyard. Los paganos son adoradores de ídolos. Algunos adoran pequeñas figuras de cera, algunas figuras de madera. Algunos adoran el fuego. El Pequod es el nombre de una tribu india.

'Moby Dick' es un cuento marinero. Uno de los hombres, el narrador, dice: "Llámame Ismael". Alguien le pregunta de dónde viene, y él dice: "No está en ningún mapa. Los verdaderos lugares nunca lo están". Stubb no da significado a nada, dice que todo está predestinado. Ismael ha estado en un velero toda su vida. Llama a los veleros su Harvard y su Yale. Y mantiene su distancia de la gente.
Un tifón golpea al Pequod. El capitán Ahab cree que es un buen presagio. Starbuck, que piensa que es un mal presagio, considera matar a Ahab. Tan pronto como la tormenta termina, un miembro de la tripulación cae del mástil del barco y se ahoga, anticipando lo que está por venir. Un sacerdote pacifista cuáquero, que en realidad es un hombre de negocios sanguinario, le dice a Flask: "Algunos hombres heridos siguen el camino de Dios, otros el camino de la amargura."

Todo está mezclado. Todos los mitos: la Biblia judeo-cristiana, los mitos hindúes, las leyendas británicas, San Jorge, Perseo, Hércules, todos ellos son balleneros. La mitología griega, el negocio sanguinario de cortar una ballena. Muchos hechos en este libro, como conocimientos geográficos, el aceite de ballena -bueno para la coronación de la realeza- familias nobles en la industria ballenera... El aceite de ballena se usa para ungir a los reyes. La historia de la ballena, frenología, filosofía clásica, teorías pseudocientíficas, justificación de la discriminación, todo incluido y nada racional. Ilustres, persiguiendo la ilusión, persiguiendo la muerte, la gran ballena blanca, blanca como el oso polar, blanca como un hombre blanco, el emperador, la némesis, la encarnación del mal. El capitán demente que en realidad perdió su pierna hace años tratando de atacar a Moby con un cuchillo.

Solo vemos la superficie de las cosas. Podemos interpretar lo que está debajo de cualquier forma que creamos conveniente. Los tripulantes caminan en la cubierta escuchando las sirenas, y los tiburones y los buitres persiguen la nave. Leer los cráneos y las caras como usted lee un libro. Aquí hay una cara. Lo pondré delante de usted. Léalo si puede.

Tashtego dice que murió y renació. Sus días extra son un regalo. No fue salvado por Cristo, sin embargo, dice que fue salvo por un compañero: un no cristiano. Una parodia de la resurrección.
Cuando Starbuck le dice a Ahab que debe pasar página, el capitán enojado le responde: "No me hables de blasfemia, hombre, porque sería capaz de golpear al sol si me insultara". Ahab, también, es un poeta de la elocuencia. Él dice: "El camino hacia mi propósito fijo está puesto con rieles de hierro sobre los cuales mi alma está diseñada para rodar". O estas líneas: "Todos los objetos visibles son máscaras de cartón". Frases poéticas que no pueden mejorarse.

Finalmente, Ahab ve a Moby y aparecen los arpones. Los barcos se vacían. El arpón de Ahab ha sido bautizado en sangre. Moby ataca el barco de Ahab y lo destruye. Al día siguiente, vuelve a avistar a Moby. Los barcos se vacían de nuevo. Moby ataca de nuevo el barco de Ahab. Al tercer día, otro barco entra. Más alegoría religiosa. Se ha elevado. Moby ataca una vez más, golpeando al Pequod y hundiéndolo. Ahab se enreda en las cuerdas del arpón y cae de su barco a una tumba acuosa.
Ismael sobrevive. Está en el mar flotando en un ataúd. Y eso es todo. Esa es toda la historia. Ese tema y todo lo que implica funcionaría en más de una de mis canciones.

'Sin novedad en el frente' era otro libro que también encajaría en mis canciones. 'Sin novedad en el frente' es una historia de terror. Este es un libro donde pierdes tu infancia, tu fe en un mundo con sentido, y tu interés por los individuos. Estás atrapado en una pesadilla. Sumergido en un misterioso remolino de muerte y dolor. Te estás defendiendo de la eliminación. Te van a borrar de la faz del mapa. Había una vez un joven inocente con grandes sueños de ser concertista. Hace un momento amabas la vida y el mundo, y ahora estás disparando.

Día tras día, las avispas te muerden y los gusanos recorren tu sangre. Eres un animal acorralado. No encajas en ninguna parte. La lluvia que cae es monótona. Hay interminables asaltos, gas venenoso, gas nervioso, morfina, corrientes ardientes de gasolina, barrido y escabechado de alimentos, gripe, tifus, disentería. La vida se derrumba a tu alrededor, y las conchas están silbando. Esta es la región inferior del infierno. Barro, alambre de púas, trincheras llenas de ratas, ratas comiendo intestinos de hombres muertos, trincheras llenas de suciedad y excrementos. Alguien grita: "Eh, tú ahí. Párate y pelea."

¿Quién sabe cuánto tiempo durará este lío? La guerra no tiene límites. Te están aniquilando, y esa pierna está sangrando demasiado. Ayer mataste a un hombre y hablabas con su cadáver. Le dijiste que después de que esto haya terminado, pasarás el resto de tu vida cuidando a su familia. ¿Quién se beneficia aquí? Los líderes y los generales ganan fama, y muchos otros se benefician financieramente. Pero tú estás haciendo el trabajo sucio. Uno de tus camaradas dice: "Espera un momento, ¿a dónde vas?" Y tú dices: "Déjame en paz, volveré en un minuto". Entonces entras en el bosque de la muerte buscando un pedazo de salchicha. No puedes entender que los civiles puedan tener algún tipo de propósito en la vida. Todas sus preocupaciones, todos sus deseos - no puedes comprenderlo.

Más ametralladoras atronadoras, más partes de cuerpos que cuelgan de los alambres, más piezas de brazos y piernas y cráneos donde las mariposas se posan en los dientes, heridas más espantosas, pus saliendo de cada poro, heridas de pulmón, heridas demasiado grandes para el cuerpo, cadáveres que sueltan gas y cuerpos muertos haciendo ruidos vomitivos. La muerte está en todas partes. Nada más es posible. Alguien te matará y usará tu cadáver para practicar tiro. Botas, también. Son tu posesión más preciada. Pero pronto estarán en los pies de otra persona.

Hay soldados que atraviesan los árboles. Cabrones despiadados. Te estás quedando sin balas. "No es justo que nos ataquen otra vez tan pronto", dices. Uno de tus compañeros está tendido en la tierra, y quieres llevarlo al hospital de campaña. Alguien más dice: "Podrías ahorrarte un viaje." "¿Qué quieres decir?" "Gíralo, verás lo que quiero decir."

Esperas a oír las noticias. No entiendes por qué la guerra no ha terminado. El ejército está tan corto de tropas de reemplazo que están reclutando a muchachos sin formación militar porque se están quedando sin hombres. La enfermedad y la humillación han roto tu corazón. Tus padres te han traicionado, tus maestros de escuela, tus ministros, e incluso tu propio gobierno.

El general que fuma un cigarro lentamente te traicionó también -te convirtió en un matón y un asesino. Si pudieras, le meterías un balazo en la cara. El comandante también. Fantaseas con que si tuvieses el dinero, ofrecerías una recompensa para cualquier hombre que le quitase la vida por un módico precio. Y si a él lo matasen, aun así tendría dinero para dejarles a sus herederos. El coronel también, con su caviar y su café, otro más. Pasa todo su tiempo en el burdel de los oficiales. También te gustaría verlo muerto. Matarás a veinte de ellos y otros veinte saldrán en su lugar. Simplemente apesta en las fosas nasales.

Has venido a despreciar a esa generación mayor que te envió a esta locura, a esta cámara de tortura. A tu alrededor, tus compañeros están muriendo. Muriendo de heridas abdominales, amputaciones dobles, caderas destrozadas, y piensas: "Sólo tengo veinte años, pero soy capaz de matar a cualquiera. Incluso a mi padre si se me acerca".

Ayer, trataste de salvar a un perro mensajero herido, y alguien gritó: "No seas tonto". Un soldado está gorgoteando a tus pies. Le apuñalaste con una daga en el estómago, pero el hombre todavía vive. Sabes que deberías terminar el trabajo, pero no puedes. Te han clavado en la cruz y un soldado romano está poniendo una esponja de vinagre en tus labios.

Los meses pasan. Te vas a casa con un permiso. No puedes comunicarte con tu padre. Él dijo: "Serás un cobarde si no te enrolas". Tu madre también, al salir de la puerta, dice: "Ten cuidado con las chicas francesas". Más locura. Luchas durante una semana o un mes y avanzas diez yardas. Y al mes siguiente las vuelves a perder.

Toda esa cultura de hace mil años, esa filosofía, esa sabiduría -Platón, Aristóteles, Sócrates- ¿qué le sucedió? Debería haber evitado todo esto. Tus pensamientos te devuelven a casa. Y una vez más eres un colegial que camina entre los altos álamos. Es un recuerdo agradable. Más bombas cayendo sobre ti desde dirigibles. Tienes que hacerlo ahora. Ni siquiera puedes mirar a nadie por miedo a algo impredecible que podría suceder. La tumba común. No hay otras posibilidades.

Entonces notas las flores de la cereza, y ves que a la naturaleza no le afecta todo esto. Los álamos, las mariposas rojas, la belleza frágil de las flores, el sol - se ve cómo la naturaleza es indiferente a todo. Toda la violencia y el sufrimiento de toda la humanidad. La naturaleza ni siquiera lo nota.
Estás tan solo. Entonces un pedazo de metralla golpea el lado de su cabeza y estás muerto. Has sido descartado, tachado. Has sido exterminado. Dejé este libro y lo cerré. Nunca quise volver a leer otra novela de guerra, y nunca lo hice.

Charlie Poole de Carolina del Norte tenía una canción que conectó con todo esto. Se llama "No me estás hablando", y las letras son así:
Vi un cartel en una ventana caminando por la ciudad un día. Únete al ejército, 'ven a ver el mundo' es lo que tenía que decir. Verás lugares emocionantes con una tripulación jovial, conocerás gente interesante y aprenderás a matarlos también. Oh no me estás hablando a mí, no me estás hablando a mí. Puedo estar loco y todo eso, pero soy sensato. No me estás hablando a mí, no me estás hablando a mí. Matar con una pistola no suena divertido. No me estás hablando a mí.

'La Odisea' es un gran libro cuyos temas han influido en las baladas de muchos compositores: 'Homeward Bound', 'Green on Grass Range', 'Home on the Range' y mis canciones también.

'La Odisea' es una historia extraña y aventurera de un hombre adulto que trata de llegar a casa después de luchar en una guerra. Un largo viaje a casa lleno de trampas y trampas. Su maldición es vagar para siempre. Siempre tiene que volver al mar por algún motivo. Grandes trozos de rocas hacen oscilar su bote. Hace enfadar a gente a la que no debería. Hay gente problemática en su tripulación. Traición. Sus hombres se convierten en cerdos y luego se convierten en hombres más jóvenes y más guapos. Siempre está tratando de rescatar a alguien. Es un hombre viajero, pero está haciendo demasiadas paradas.

Atrapado en una isla desierta. Encuentra cuevas desiertas y se esconde en ellas. Se encuentra con gigantes que dicen: "Te comeré esta vez". Y se escapa de los gigantes. Trata de regresar a casa, los vientos le llevan de un lado a otro. Vientos intranquilos, vientos fríos, vientos hostiles. Viaja lejos y los vientos lo alejan más.

Siempre le advierten de las cosas por venir. Tocando cosas que le dijeron que no lo hiciera. Hay dos caminos por recorrer, y ambos son malos. Ambos peligrosos. En uno se podría ahogar y por el otro se podría morir de hambre. Entra en los estrechos estrechos con espumosos remolinos que lo tragan. Se reúne con monstruos de seis cabezas con colmillos afilados. Los rayos le atacan. Dioses y dioses lo protegen, pero otros quieren matarlo. Cambia identidades. Está agotado. Se duerme y se despierta por el sonido de la risa. Él cuenta su historia a extraños. Han pasado veinte años. Lo llevaron a algún lugar y se fue de allí. Las drogas cayeron en su vino. Ha sido un camino demasiado duro
.
De muchas maneras, algunas de estas mismas cosas te han pasado. Tú también has compartido cama con la mujer equivocada. También has sido hechizado por voces mágicas, voces dulces con extrañas melodías. También has llegado demasiado lejos. Y también has tenido llamadas cercanas. Has enojado a la gente que no deberías. Y has sentido que el viento enfermo, el que te sopla en la cara, no es bueno. Y eso no es todo.

Cuando vuelve a casa, las cosas no son mejores. Los sinvergüenzas se han mudado y están aprovechando la hospitalidad de su esposa. Y hay demasiados. Y aunque es más grande que todos y el mejor en todo - mejor carpintero, mejor cazador, mejor experto en animales, mejor marinero - su valor no lo salvará, pero su truco lo hará.

Todos estos rezagados tendrán que pagar por profanar su palacio. Se disfrazará como un mendigo sucio, y un humilde criado le dará patadas por los escalones con arrogancia y estupidez. La arrogancia del siervo le revuelve, pero él controla su ira. Él es uno contra cien, pero todos caerán, incluso los más fuertes. No era nadie. Y cuando todo está dicho y hecho, cuando él finalmente está en casa, él se sienta con su esposa. Y le cuenta historias.

Entonces, ¿qué significa todo ésto? Yo y muchos otros compositores han sido influidos por estos mismos temas. Y pueden significar muchas cosas diferentes. Si una canción te mueve, eso es todo lo que importa. No tengo que saber lo que significa una canción. He escrito todo tipo de cosas en mis canciones. Y no voy a preocuparme por eso, lo que significa todo. Cuando Melville puso el Antiguo Testamento, referencias bíblicas, teorías científicas, doctrinas protestantes y todo ese conocimiento del mar y de los veleros y las ballenas en una sola historia, no creo que tampoco se preocupara por lo que significa .

John Donne, el poeta-sacerdote que vivió en la época de Shakespeare, escribió estas palabras, "El Sestos y Abydos de sus pechos. No de dos amantes, sino de dos amores, de los nidos". Yo tampoco sé lo que significa. Pero suena bien. Y quieres que tus canciones suenen bien.

Cuando Ulises en 'La Odisea' visita al famoso guerrero Aquiles en el inframundo - Aquiles, que cambió una larga vida llena de paz y alegría por una corta cargada de honor y gloria - le dice a Odiseo que todo fue un error. "Acabo de morir, eso es todo." No había honor. Ninguna inmortalidad. Y si pudiera, elegiría regresar y ser un esclavo humilde de un arrendatario en la tierra en lugar de ser lo que es -un rey en la tierra de los muertos- que cualesquiera que fueran sus luchas de vida, eran preferibles A estar aquí en este lugar muerto.

Eso es lo que son las canciones también. Nuestras canciones están vivas en la tierra de los vivos. Pero las canciones son diferentes a la literatura. Están destinadas a ser cantadas, no leídas. Las palabras en las obras de Shakespeare estaban destinadas a actuar en el escenario. Así como las letras de las canciones están destinadas a ser cantadas, no a leerse en una página. Y espero que algunos de ustedes tengan la oportunidad de escuchar estas letras de la forma en que fueron destinados a ser escuchadas: en vivo o en un disco, y sin embargo la gente está escuchando canciones estos días. Regreso una vez más a Homero, quien dice: "Canta en mí, oh Musa, y a través de mí cuenta la historia"."


U2 vuelve al Estadio Nacional para reinterpretar la nostalgia de "The Joshua Tree"

El Mercurio

Bono y compañía se presentarán el 14 de octubre en Ñuñoa para tocar de forma íntegra el disco que hace 30 años los transformó en gigantes. La banda arribará con una pantalla de dimensiones monumentales y de avanzada tecnología, que proyecta la obra que los unió a Chile.  

José Vásquez 

La hoja de ruta de U2 comenzó a operar con los mismos comandos que un reproductor musical. El año pasado cuando grababan su nuevo álbum, la elección como Presidente de Estados Unidos de Donald Trump los hizo modificar completamente su agenda, decidiendo pausar el proyecto "Songs of experience" -que estaba casi acabado- y replantearse todo para rebobinar tres décadas de carrera hasta estacionarse en "The Joshua Tree", el álbum que en 1987 los convirtió en unos gigantes de la industria.

"El mundo es un lugar distinto ahora, y necesitábamos la oportunidad para reconsiderarlo todo", le dijo The Edge a la revista Rolling Stone. La banda irlandesa miró por primera vez al pasado en su historia y recurrió entonces a un disco influenciado en gran medida por la política y la música estadounidense para volver a presentarse en estadios con un mensaje que hoy sintoniza los mismos temas que los empujaron a escribir el disco hace 30 años.

Después de girar durante 2015 por las arenas de Norteamérica y Europa, Bono y compañía volvieron a los grandes shows con un tour que comenzó el 12 de mayo en Vancouver y que los tendrá de regreso en Santiago el próximo 14 de octubre en el Estadio Nacional. Una fecha que, además, tendrá como número de apertura a Noel Gallagher junto a los High Flying Birds.

U2 toca por primera vez de forma íntegra y en el mismo orden del disco, "The Joshua Tree", que es el corazón del nuevo espectáculo. El concierto se divide en tres partes y se inicia en un escenario B ubicado al final de una pasarela que simula la enorme sombra del característico árbol que ilustra el álbum. Ahí la banda interpreta canciones como "Sunday bloody sunday" y "Pride (In the name of love)" y ahí también vuelve cerca del cierre para finalizar con temas como "One", "Beautiful day" y "Elevation".

La enorme pantalla curva al centro y literalmente gigante de casi 61 metros de ancho por 14 de alto -con una resolución de 8K de gran nitidez-, es el contrapunto tecnológico de una entrega que es por sobre todo sobria con las imágenes proyectadas de un colaborador habitual del grupo, Anton Corbijn. La obra brilla en canciones como "Where the streets have no name", "I still haven´t found what I'm looking for", "With or without you" y "Mothers of the disappeared", tema dedicado a las madres de los fallecidos en las dictaduras de Chile y Argentina y que en su nueva versión en vivo realiza un homenaje a través de la proyección en la pantalla de una decena de mujeres levantando una vela.

Las entradas para este concierto tendrán una preventa de 30 mil boletos este 12 de junio para los clientes de Entel. La venta general comenzará tres días después y sus precios van desde los $44.850 a los $287.500 a través de Superticket.

Con Noel Gallagher El ex Oasis será el encargado de abrir el show de U2 en Chile, junto a su banda, los High Flying Birds.

A 12 años del cierre parten obras en el Municipal de Iquique

El Mercurio

Sin uso de su sala desde 2005, el teatro de madera de 1889 solo abre para visitas. La próxima semana se inicia el saneamiento de daños por termitas en el 30% de sus áreas.  

IÑIGO DÍAZ 

Ha sido una historia de contratiempos la del Teatro Municipal de Iquique, desde que cerró sus puertas, en 2005. Incluso antes, cuando había perdido su función original de espacio para espectáculos ciudadanos. "Llegó a ser escenario para boxeo y cine erótico", recuerda el arquitecto Patricio Gross, quien en 2008 realizó los primeros diagnósticos del estado del edificio, contratado por la municipalidad.

La siguiente administración municipal entrampó la restauración, reviviendo discusiones que ya estaban cerradas. El proyecto quedó en suspensión. A eso debe sumarse la licitación del Ministerio de Obras Públicas (MOP), que en 2015 fue declarada desierta.

Después de una serie de anuncios de inicio del proyecto, realizados en distintos momentos, la próxima semana comienzan los primeros trabajos en el edificio construido en 1889, completamente en pino oregón. "Está muy influenciado por los teatros centroeuropeos del siglo XIX y con una enorme similitud con los vieneses", dice Gross.

Son obras preliminares, que consisten en la desinfección de las estructuras de madera contra la acción de xilófagos (termitas), además de un inventario de los elementos arquitectónicos. "Esta fase durará cinco meses, y es fundamental para que luego se ejecuten los trabajos de restauración, que, dependiendo de la licitación, comenzarían el segundo trimestre de 2018", adelanta Claudia Silva, directora de Arquitectura del MOP.

El grueso de la restauración de los 3.700 m2 del edificio tiene costos del orden de los $5.200 millones y podría tomar dos años, por lo que el teatro completaría 15 años cerrado. Desde 2005 se encuentra sin uso su estupenda sala de 784 butacas, con dos niveles de palcos, cúpula, lámpara central, "e incluso, algunas butacas históricas que serán reubicadas en los palcos principales", dice Gross, cuyo estudio será guía de la restauración.

"Nosotros pensábamos que el teatro estaría muy dañado, pero el estudio que encargamos nos indica que alrededor del 30 por ciento de sus áreas han sido atacadas por termitas. Eso es una buena noticia, dentro de la situación", dice Silva. La empresa especializada española Kalam, que también se encuentra realizando trabajos en el Palacio Pereira, está encargada del saneamiento de las maderas, aplicando productos de alta tecnología para controlar los daños.

La restauración que se iniciaría en 2018, si la licitación sigue su curso, considera el mejoramiento de las condiciones acústicas, mobiliario, áreas públicas, caja escénica y foyer , además de incorporar elementos modernos como un ascensor.

"Es importante que los iquiqueños recuperen uno de sus mayores emblemas y que perdure como escenario de primer nivel. Estamos comprometidos con lograr que este histórico recinto abra sus puertas con el mismo esplendor que tenía durante la era del salitre", dice el ministro de Obras Públicas, Alberto Undurraga.

Harry Styles agenda su primer show en Chile

El Mercurio

El ex integrante de One Direction anunció ayer las nuevas fechas de su tour mundial, que lo tendrá el 25 de mayo de 2018 en el Movistar Arena. El músico llegará a la capital acompañado de Leon Bridges como número de apertura. Las entradas saldrán a la venta el 19 de junio por Puntoticket.

Daniel Barenboim convertirá su academia en un centro de música árabe

El Mercurio

El director argentino  anunció ayer que la Academia Barenboim-Said, que dio origen a la West-Eastern Divan Orchestra, se convertirá en un centro de música árabe y que se inspiró en la conferencia de música árabe de 1932. También adelantó que la próxima temporada del auditorio de su academia tendrá 140 conciertos, además del estreno de una producción escénica de Robert Wilson sobre Lutero, con música de Bach, Knut Nystedt y Steve Reich.

Christian Gálvez inaugura festival de jazz en Valparaíso

El Mercurio

Hoy, a las 19:30 horas , el bajista eléctrico abre el festival de jazz que se realiza en el Aula Magna de la U. Federico Santa María, en Valparaíso, y que tendrá nuevas fechas durante junio. El músico presenta su banda de jazz fusión junto a un cuarteto de cuerdas. El festival continúa con el legendario quinteto Quilín (sábado 17), el Ensamble Newentun (24) y The Chilean Jazz Project (30), que incluye al trompetista Cristián Cuturrufo. De $3.000 a $10.000.

Bélgica Castro enfrenta delicado estado de salud

El Mercurio

La actriz de 96 años sufrió un accidente cardiovascular y ayer fue trasladada a la unidad de Geriatría del Hospital San Juan de Dios.  

Eduardo Miranda 

Tiene a su haber la carrera de mayor trayectoria de las tablas locales. La actriz Bélgica Castro es, a sus 96 años, una de las intérpretes más respetadas de la escena local y también una de las más queridas entre sus pares.

Pero por estos días, la actriz y Premio Nacional de Artes de la Representación vive un complejo estado de salud. La tarde del pasado martes habría sufrido un accidente cardiovascular, que obligó a su marido, el dramaturgo Alejandro Sieveking, a trasladarla hasta la Posta Central, donde estuvo internada por una noche.

La reconocida pareja teatral estuvo en compañía de las actrices Catalina Saavedra y Esperanza Silva, esta última en representación de Chileactores. "Al principio estuvo delicada y perdió movilidad en un brazo, pero se fue recuperando", dice un cercano a la artista fundadora del Teatro Experimental.

La familia de la actriz pidió a los cercanos e instituciones, como Sidarte y el Consejo de la Cultura, mantener en reserva cualquier información sobre la salud de Castro. "Al parecer, ella está muy estable y bien. Se recupera", agrega otro cercano. De hecho, su marido, Alejandro Sieveking, decidió seguir con las funciones de "El locutorio" y anoche volvía al escenario del Centro GAM. "Dice que si no puede estar con Bélgica, entonces no quiere estar solo en la casa", añade otra fuente.

Anoche la actriz fue trasladada a la unidad de Geriatría del Hospital San Juan de Dios, un área de recuperación para pacientes de la tercera edad.

lunes, junio 05, 2017

Con multitudinario show, Manchester dice "No al terrorismo"

El Mercurio

Unos 50 mil espectadores llegaron al estadio de Cricket Old Trafford, en Inglaterra, para ver un emotivo show donde Ariana Grande se reunió con Katy Perry y Justin Bieber, entre otros, para honrar a las víctimas del atentado de mayo.  

Carolina Núñez F. 

"No siempre es fácil elegir el amor, especialmente en momentos como estos... pero este amor que escogemos nos dará fuerza y ese es nuestro poder más grande", dijo Katy Perry al público que se reunió ayer en la ciudad de Manchester para disfrutar del concierto "One love Manchester". El evento fue en memoria de las 22 víctimas fatales y los 64 heridos que dejó el ataque terrorista del pasado 22 de mayo, justo al finalizar un concierto de Ariana Grande.

Con una capacidad para 50 mil espectadores, el estadio de Cricket Old Trafford se llenó de fanáticos que corearon, entre lágrimas, gritos y aplausos, las canciones de Pharrell Williams, Take That, Miley Cyrus, Coldplay, Niall Horan, Katy Perry, Liam Gallagher y Black Eyed Peas, entre otros.

Los mensajes en contra del terrorismo se escucharon a medida que cada uno de los artistas pisaban el escenario. En un comienzo fue un apasionado discurso sobre la historia de unidad de la ciudad, entregado por el poeta Tony Walsh. Y luego, Marcus Mumford pidió un minuto de silencio que se apoderó del estadio antes de empezar a cantar "Timshel".

Luego de la presentación de Take That, su ex integrante, Robbie Williams, subió al escenario usando un polerón con el nombre del álbum de Justin Bieber, "Purpose", y comenzó a cantar "Strong". Aprovechó la letra de la canción para decir: "Manchester, nosotros somos fuertes".

"No quiero sentir o escuchar o ver miedo", agregó Pharrell Williams mientras interpretaba "Happy". Más tarde fue el turno de un emocionado Justin Bieber, quien se subió al escenario solo con una guitarra para entonar versiones acústicas de "Love yourself"y "Cold water". También interactuó con la audiencia y pidió que levantaran las manos. "El amor siempre gana", dijo al finalizar su show.

Pero Ariana Grande fue la gran protagonista del encuentro. La joven estadounidense apareció en medio de una ovación, para interpretar algunos de sus éxitos: "Be alright", "Break free", "My everything", "Side to side".

Uno de los momentos más emotivos se vivió a la mitad del encuentro, cuando la artista de 23 años invitó a su amiga Miley Cyrus a cantar junto a ella una versión de "Don't dream it's over", single que popularizó la banda Crowded House en 1986. Tomadas de las manos, ambas cantantes terminaron remarcando las palabras: "Sabes que ellos no ganarán".

A pesar de la gran expectación del encuentro -las entradas se agotaron en tan solo 20 minutos -y de la presencia de líderes religiosos y políticos, la velada estuvo marcada por los ataques terroristas ocurridos la noche del sábado en la capital británica.

Debido a esto, la policía tuvo que reforzar las medidas de seguridad. Los asistentes -en su mayoría jóvenes que usaban las características orejas de conejo de Ariana Grande-tuvieron que ser revisados uno a uno, mientras que decenas de oficiales, apoyados por otros funcionarios, se paseaban armados, entre la gente. Aunque el humor no quedó de lado y se pudieron ver algunos niños bromeando con los oficiales camino al estadio. Además, algunos helicópteros circularon por la zona y también hubo policías a caballo recorriendo el lugar.

El show de tres horas terminó alrededor de las 22:00 horas en Londres (17:00 horas en Chile) con la voz quebrada de Ariana Grande mientras cantaba "Somewhere over the rainbow", emblemática canción de la película "El mago de Oz".

Puede ver el show completo aca:


Romilio Orellana y Luis Orlandini: dos guitarras frente a frente

El Mercurio

Juntos son el dúo más fecundo del país, pero mañana martes actuarán por separado. Orellana apostará por el repertorio latinoamericano y nacional en el Municipal de Santiago, y Orlandini recorrerá cien años de música chilena en el GAM.

Romina de la Sotta Donoso

Latinoamérica y Chile: Romilio Orellana retorna al Municipal

Las últimas dos veces que hubo una guitarra solista invitada en el Municipal de Santiago, fue Romilio Orellana (1970). En 2008 abordó el "Concierto de Aranjuez" (Rodrigo), y en 2004, el Concierto de Giuliani. El premiado y destacado intérprete, profesor en las universidades Mayor y de Chile, retorna  mañana martes al Municipal, esta vez a la Sala Claudio Arrau, dentro del 1er Ciclo de Guitarra Clásica del teatro (19:30 horas, $6 mil).

"Es fantástico volver al teatro y representar de alguna manera al movimiento guitarrístico chileno", comenta. Y cuenta que en su programa quiere "dar cuenta de la tradición latinoamericana, de los grandes exponentes del repertorio para guitarra y también de lo que está sucediendo hoy en Chile, que es muy importante".

De los pilares latinoamericanos, eligió "La Catedral", de Manuel Ponce; "Julia Florida", de Agustín Barrios Mangoré, e "Invierno porteño" y "Primavera porteña", de Astor Piazzolla. "Son todas obras fundamentales del repertorio", asegura.

Las contrapondrá a piezas escritas en los últimos 15 años en Chile: "Tenemos compositores como Juan Antonio Sánchez, Javier Contreras y Javier Farías, que hoy día se conocen en todo el mundo, y que sin duda van a ser parte de nuestro patrimonio histórico". Eligió a dos de ellos para su recital. De Juan Antonio Sánchez, presentará "Tonada por despedida" y su arreglo de "La partida" (Víctor Jara), y de Javier Contreras, "Laberintos y vorágines", más sus arreglos de "Maldigo del alto cielo" y "La jardinera" (Violeta Parra).

"Existe un sentimiento que tenemos los latinoamericanos, y del que la guitarra es el vehículo nacional. Esta expresión es muy refinada en todos estos compositores y tiene un vínculo profundo con nuestros pueblos", asegura Orellana, y agradece al Municipal por haberse abierto a la guitarra con este ciclo de conciertos: "Esto motiva aun más a una serie de talentos chilenos que están dándonos prestigio en todo el mundo".

A su juicio, la longevidad del dúo que conforma con Luis Orlandini se debe al concepto que tienen del rol del músico: "Uno tiene que tocar para las personas, y por eso hemos ido a lugares tan remotos como Codpa, y a decenas de colegios, para mostrarles música con la cual se pueden sentir identificados, y demostrarles que la creación chilena está viva y tiene algo que decirles. Y a ese concepto se suma una verdadera amistad. Es una lástima que coincidamos, porque me hubiera gustado ir al concierto de Luis".

Obras chilenas de ayer y de hoy, con Luis Orlandini, en el GAM

Luis Orlandini (1964), el primer guitarrista chileno que ganó un premio internacional -en Múnich, 1989-, profesor en la Universidad de Chile y en la Católica, ya ha estrenado unas 100 obras nacionales. "El haberme relacionado tan fuertemente con la composición chilena y sus creadores siempre ha sido para mí un cable a tierra, es sentir que mi acción es parte de una actualidad y de un lugar geográfico del cual soy parte. Para mí los compositores representan el sentir, el espíritu e incluso parte de nuestra historia, porque en su música ellos representan, en forma sutil, una cierta identidad", comenta.

Ese repertorio es el que abordará mañana martes , en la temporada de la UC (GAM, 19:30 horas, gratis, con repetición a las 13 horas del jueves en el Auditorio Luksic, Campus San Joaquín UC).
"Pretendo mostrar dos miradas de la música chilena asociada a la guitarra", anuncia. Abrirá con su propia transcripción de Tres Tonadas de carácter popular chileno, N° {+s} 4, 5 y 6, obra escrita por Pedro Humberto Allende hace casi un siglo, como un guiño a este compositor que le dedicó a Andrés Segovia "Adagio" (1928), pieza para guitarra que después se perdió. "También tocaré 'Sugerencias de Chile' (1940) de Jorge Urrutia Blondel, que podría considerarse la obra iniciadora de la escritura para guitarra clásica en Chile", agrega. El programa continúa con "Fantasía" (1974), de Carlos Botto, y "Rapsodia" (1995), de Juan Lémann, dos obras que el propio Orlandini estrenó.

La segunda parte del programa es una mirada reciente a la guitarra, con piezas de Mario Mora, Aliocha Solovera, Jorge Pepi y Pablo Aranda. Las dos últimas son estrenos mundiales.
"La guitarra es parte de nuestra cultura nacional, es un instrumento emblemático y muy respetado. El público lo aprecia y lo valora, y también los compositores, lo que para mí es fundamental", agrega. Por esas razones fue que Orlandini le propuso a Frédéric Chambert, director del Municipal de Santiago, que se realizara en ese escenario, el Ciclo de Guitarra Clásica, que debutó en abril. "El espaldarazo de Chambert representa la consolidación de la guitarra clásica en Chile. Ya estamos planificando la versión de 2018", comenta.

"Que hayamos coincidido de fecha con Romilio Orellana es una pena, por no poder escuchar a mi colega. Pero también es una fortaleza de la guitarra: tenemos público y tenemos salas, y eso es maravilloso", dice Orlandini.

Otra música para niños: El foco de los nuevos autores

El Mercurio

Menos sobreinfantilización y más experiencias sensoriales, menos énfasis didáctico y más mirada medioambientalista. Los actuales músicos abren el espectro creativo.  

IÑIGO DÍAZ 

Llevaban 24 funciones de su obra "Una mañanita partí" en China, cuando la noticia los sorprendió en la ciudad de Kunshan con 12 horas de desfase. La compañía Teatro de Ocasión ganaba el premio Pulsar en la categoría Música Infantil, por el disco "Canciones de ocasión", con música de sus montajes dedicados a la primera infancia.

"Nosotros no creamos para enseñar. A través de las artes escénicas nos centramos en el estímulo cognitivo y la creatividad de los niños", dice la actriz Fernanda Carrasco. "Tenemos un tremendo potencial en ellos. El mercado solo los ve como sujetos de consumo y no como sujetos de derecho", agrega.

El teatro ha sido pródigo en la llamada música infantil, una categoría con la que muchos músicos especialistas hoy no están de acuerdo. "Porque esquematiza y genera estereotipos. Es demasiado reduccionista. La música infantil sobreprotege y tiende a ser feliz . ¿Pero qué pasa si un niño está contemplativo? Para los padres es preocupante, pero no debiera ser así", dice el compositor Leonardo Fontecilla, que encabeza el grupo Don Barbarroja, y quien ha trabajado con poesía de Efraín Barquero, en el disco "Estrellamar".

"En nuestra época la música para niños era Pin Pon o la Tía Patricia. Pero yo recuerdo que siendo niño si quería escuchar algo buscaba a los Beatles o a Congreso. Es música elaborada, que los niños sí pueden entender. En ese sentido, 31 Minutos logró romper las barreras", agrega.

En sintonía con la música visual están también Los Patapelá y Diana Reds and Family, que vinculan el teatro con canciones e instrumentos diversos: guitarra eléctrica, contrabajo, acordeón, saxofones, batería o efectos electrónicos. Y en sus discos -"Isabel Patapelá" y "Diana Reds and Family for children", respectivamente-, las canciones no se sustentan solo en melodías probadas, rondas o adivinanzas. La música va desde el swing y el dixieland al rock y el hip-hop.

"Un rap como 'Madre Tierra' muestra el énfasis que tenemos en canciones que hablan de las especies en extinción, pájaros y bosques de Chile. Hay una enseñanza de cuidar el medio ambiente", dice la compositora quilpueína Diana Rojas.

"No queremos sobreinfantilizarlos: ¡niiiiiiiños! Isabel Patapelá es un personaje teatral de una niña que interactúa con Los Patapelá, pero no está dentro del estereotipo. Ella tiene gustos distintos: le encantan los vinilos antiguos", apunta Gustavo Valdivieso, del grupo que hoy al mediodía se presenta en el Parque Bicentenario.

La profesora y cantante Sofía Carrasco publicó "Melodías contagiosas", disco que salió de una investigación sobre percepción auditiva en preescolares, mientras que Antonia Schmidt prepara este año "Mitos y leyendas de Chile y América del Sur", su quinto álbum, inspirado en cuentos de Alicia Morel.

"No soy compositora de música infantil. Yo vengo de la pedagogía Waldorf. Mi proyecto no es didáctico, sino mucho más abstracto: cantos y sonidos de la naturaleza, música para su meditación. No escribo canciones para bailar o cantar, sino para que los niños, simplemente, sientan", dice.

Geoff Emerick, ingeniero de los Beatles: "Estoy disgustado. Esto es destruir nuestro trabajo"

El Mercurio

El ingeniero en sonido que trabajó con Lennon, McCartney, Harrison y Starr habla en exclusiva sobre cómo se crearon los sonidos de "A Day in the Life" y su enojo por la nueva reedición de "Sgt. Pepper's".

Nuno Veloso

A la edad de 15 años, Geoff Emerick entró a trabajar en los estudios EMI, hoy conocidos como Abbey Road, gracias a los mismos The Beatles. A los 19 años, y debido a que el entonces ingeniero de los cuatro de Liverpool, Norman Smith, decidió dedicarse a producir a una banda llamada Pink Floyd, Geoff pasó a estar completamente a cargo de las grabaciones de "Revolver", deslumbrando a los músicos con su inventiva.

En el caleidoscópico "Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band" y los dos singles que le antecedieron, 'Strawberry Fields Forever' y 'Penny Lane', él volcó la experiencia obtenida en aquellas sesiones para hacer realidad las visiones de Lennon y hacer brillar el perfeccionismo musical de McCartney. Al lograrlo, ganó su primer premio Grammy y cambió la música popular para siempre: un álbum no sería más simplemente una colección de canciones que intentaban capturar el sonido en vivo de una banda. Desde ahora, se trataba del sonido, de gestar una experiencia única, ambiciosa y que, incluso, podría llegar a ser imposible de recrear en concierto.

Al teléfono desde Los Angeles, California, Emerick recuerda las sesiones de "Sgt. Pepper's", y es tajante en su opinión respecto a la nueva edición del álbum, remezclada por el hijo del productor George Martin, Giles Martin, con motivo de su quincuagésimo aniversario. "Estoy disgustado, ¿sabes? ¡Es un álbum icónico que ya tiene 50 años! Esto es destruir nuestro álbum. No tiene sentido más que para la compañía discográfica que busca hacer dinero".

-¿Ha escuchado las tomas extra que vienen en el box set?
"Simplemente no quiero escucharlo, y nunca lo haré. Obviamente, sé lo que trae el paquete, son los pedazos que no completamos y que no eran lo suficientemente buenos como para ir en el 'Beatles Anthology'".

Creación de estudio

Cansados de no poder escucharse en el escenario producto del griterío de los fans, y hartos de los malentendidos con la prensa, los Beatles decidieron dejar las giras de una vez por todas. De espaldas al público, solos en el estudio, comenzaron a utilizar las herramientas que habían conocido en "Revolver" para crear, a partir de pequeños bosquejos, piezas sorprendentes. "Strawberry Fields Forever", fue la primera en emerger, quedando fuera del próximo álbum al ser editada como single doble junto a "Penny Lane".

-Comenzó a trabajar con los Beatles como asistente de Norman Smith, pero se convirtió en ingeniero por primera vez en "Revolver", donde trató de hacer realidad sus visiones.
"Así es. Estaba trabajando bajo presión, era joven, y quería buscar innovaciones, sonidos que podían crearse. Ya en la primera sesión que tuve con ellos, donde comenzamos a grabar 'Tomorrow Never Knows', Ringo quería un sonido diferente de batería, algo con más impacto, así que alteré la forma de microfonear para obtenerlo, y utilizando un limitador. Luego, John pidió que su voz sonara como el Dalái Lama sobre una montaña a 25 millas del estudio. Esa era la forma en que John se expresaba. Yo estaba atascado, no habían plugins ni software , como ahora. Entonces se me ocurrió usar el parlante giratorio del órgano del estudio, poder pasar a través de él el sonido de la voz de John. Fue ese el momento en que me aceptaron como su ingeniero".

-Antes, los Beatles llegaban a grabar canciones que eran parte de su repertorio, ahora todo se creaba en el estudio. ¿Fue eso un reto?
"Fue un reto, pero tenía el lujo de tener el tiempo de mi lado, porque la mayoría de las canciones en 'Pepper' eran solo un bosquejo, una letra o una idea de qué instrumentos querían en la canción. Luego comenzaban a ensayarla, y tal vez después de cuatro horas, funcionaba. Después de eso, cambiábamos la instrumentación. En vez de un piano, intentábamos con un clavicordio, y si eso no pegaba, probábamos un órgano, o una guitarra, buscando lo correcto para una canción en particular. Pero incluso en este momento, en que la canción se ensayaba en el estudio, me dio el lujo del tiempo para probar ideas mundanas. Decíamos, no queremos que el piano suene como piano, no queremos que la guitarra suene como guitarra, no queremos que esto suene como aquello. Debido a la falta de elementos técnicos, yo tenía que estar arreglándomelas con los micrófonos, cambiándolos de lugar, por ejemplo grabando un piano desde abajo en vez de la norma, que es desde arriba, cosas así, según el ánimo de la canción. Es todo lo que podía hacer".

-¿Cree que hubiese sido posible hacer "Sgt. Pepper's" ahora, con los equipos actuales, y que su sonido fuese igual de sorprendente?
"No, no lo creo. Simplemente porque en aquel entonces, debido a que usábamos cuatro pistas, teníamos que estar tomando decisiones. Y cuando tomábamos una, ya sea grabar una guitarra, o la pista básica de ritmos, esas pistas ya tenían que tener la ecualización y el reverb definitivo en ellas. Todos estaban 100% concentrados en lo que se estaba grabando".

Nada es real

Hace 10 años, Emerick produjo un disco de versiones de "Sgt. Pepper's", donde artistas como Stereophonics, Kaiser Chiefs, Oasis y The Libertines se encargaron de tributar las composiciones, registrando todo con el mismo equipamiento de las sesiones originales. Una experiencia compleja para bandas habituadas a trabajar con Pro Tools, y acostumbradas a lo digital. "Para mí, aún el sonido sigue siendo importante. Pero, por supuesto, para las nuevas generaciones que vienen, no lo es. Como sabes, todo es debido a la forma en que todo se graba ahora, a la sobrecompresión. No es posible escuchar instrumentos individualmente en una grabación, es solamente ruido, con una voz encima. No soy muy técnico, llegué al negocio a grabar música, donde todo era sobre tonalidades y texturas y eso es lo que intentas crear. En análogo, en vinilo, en cinta, eso suena bien, pero para la generación más joven está este ruido incesante, con una voz encima y con Auto-Tune".

-Suele decirse que ustedes tardaron semanas en mezclar el álbum en mono y tan solo tres días en la versión estéreo.
"Lo que solíamos hacer era mezclar las canciones justo después de que se terminaban de grabar. Así hicimos la versión mono, y la versión definitiva es esa. Porque en esas mezclas los Beatles estuvieron presentes, George Martin, yo y mi asistente. Nosotros siete, aportando a las mezclas. Todos estaban expresando su opinión acerca de qué tan bueno o malo era. Capitol Records quería las versiones en estéreo, Inglaterra estaba atrasada, eso estaba reservado para la música clásica. Nosotros teníamos solamente cuatro pistas, y las mezclas en estéreo son muy diversas, con instrumentos en cada lado y casi nada al medio, excepto los vocales. Hicimos rápido esos mixes porque ya habíamos hecho las versiones en mono y estaban frescas en nuestras mentes. La gente cree que lo hicimos a la rápida, pero básicamente fue porque no necesitábamos más tiempo".

-En ese tiempo, el estudio no estaba de acuerdo con que el nombre de los ingenieros de grabación apareciera en los créditos de los álbumes. Sin embargo, terminó de igual forma ganando su primer premio Grammy por su trabajo en "Sgt. Pepper's".
"Lo que pasó con los créditos básicamente es por el sistema de clases en Inglaterra. Si eras un ingeniero de grabación, eras de una clase inferior que el tipo que lo estaba produciendo. Incluso Peter Blake, el autor de la portada del disco, salía en los créditos. ¡Y mi asistente y yo, que estuvimos setecientas horas trabajando en el álbum, no! Yo ni siquiera me enteré de que el álbum estaba nominado a los Grammy, y cuando lo gané, lo mandaron al estudio de EMI y el director lo tuvo en su oficina una semana antes de decir algo. George Martin se enteró y Ringo me lo pasó".

-¿Y de todas las canciones en las que trabajó para el disco, de cuál se siente más orgulloso?
"Supongo que "A Day In The Life", obviamente. Es la grabación más sorprendente de todos los tiempos. La noche en que habíamos terminado de grabar a la orquesta y nos pusimos de inmediato a hacer una mezcla fue la experiencia más increíble para todos. Había que estar ahí para verdaderamente apreciarlo."

Los ambiciosos retos que enfrenta La Fundación de Orquestas Juveniles e Infantiles

El Mercurio

A 16 años de su formación, la FOJI vive un importante aumento de su presupuesto y se prepara para cerrar un trascendental convenio con el Berklee College of Music, además de soñar con una gira por Estados Unidos. Su directora, Haydée Domic, remata: "Anhelamos un nuevo espacio que esté acorde con los nuevos tiempos y con nuestro crecimiento". Esta semana celebrarán con dos conciertos los 25 años de la Sinfónica Nacional Juvenil.  

Maureen Lennon Zaninovic 

Una larga historia ligada al servicio público respalda a Haydée Domic, la doctora experta en medicina nuclear, quien -hacia fines del 2015- asumió como nueva directora ejecutiva de la Fundación de Orquestas Juveniles e Infantiles (FOJI), tras un corto y polémico período liderado por el psicólogo Walter Valdebenito.

Además de su paso por el Hospital San Juan de Dios y Conicyt, entre 2002 y 2005, Domic fue directora ejecutiva del Museo Interactivo Mirador (MIM) y hasta el 2015 tuvo a su cargo el área de extensión y actividades culturales de la Universidad de Santiago.

"Liderar la FOJI ha sido un privilegio, porque, desde siempre, he mirado esta fundación con tanto cariño y admiración. Para mí es un sueño: desde que llegué a este puesto me ha tocado protagonizar varios hitos, como en 2016, la celebración de sus 15 años de vida, y en 2017 tendremos los 25 años de la Orquesta Sinfónica Nacional Juvenil y la conmemoración de los 10 años del fallecimiento de Fernando Rosas, una figura que sigue impregnando de una manera muy profunda todo nuestro quehacer", comenta Haydée Domic a "Artes y Letras", instalada en una sencilla oficina de la calle Balmaceda.

En su segundo año en este cargo, la profesional ha trazado sus prioridades, entre otras, más énfasis en la capacitación de los directores y de los instructores. También estrenó un comité consultivo de expertos musicales, conformado por Patricio Cobos, José Luis Domínguez, Isaac Frenkel, Américo Giusti, Alejandro Guarello, Nicolas Rauss, Miryam Singer y Maximiano Valdés. Junto con ello, un comité de programación, conformado por Juan Pablo Izquierdo, Nicolas Rauss y Maximiano Valdés, revisó propuestas de programas, hizo algunas sugerencias y, en conjunto con el resto del comité consulto de expertos musicales, diseñó la temporada de conciertos 2017, que destaca por la presencia de importantes directores nacionales, como Juan Pablo Izquierdo, Paolo Bortolameolli, José Luis Domínguez, Maximiano Valdés y Rodolfo Fischer, entre otros. Este último, el año pasado, dictó dos cursos para directores del sistema, y en julio impartirá otro más. Con Haydée Domic, Fischer, además, abrió un novedoso programa que permitió becar a tres jóvenes batutas nacionales -Eduardo Browne hijo, Leonardo Carvajal y Christian Lorca-, para una pasantía de tres meses en la Musikakademie de Basilea. "Fueron meses muy intensos, donde agarré a estos chicos y los hice trabajar obras de madurez como 'La Consagración de la Primavera', de Stravinsky, y 'El Caballero de la Rosa', de Strauss. Fue un trabajo muy minucioso, casi de arqueología. Gracias a la gestión de Álvaro Parra, el violinista chileno de la Filarmónica de Berlín, también pudimos asistir a un ensayo de este conjunto germano con Simon Rattle y después tuvimos otros encuentros con este importante conductor británico. Fue una experiencia musical muy única. Un buen director es la suma de muchas experiencias y estos jóvenes aumentaron su espectro de conocimientos", comenta Rodolfo Fischer a "Artes y Letras", quien además enseña dirección en la Musikakademie de Basilea.

El director chileno ha seguido de cerca el desarrollo de la FOJI en la última década y tiene un diagnóstico bastante claro. A su juicio, esta ha crecido bajo el amparo de la Presidencia de la República con objetivos que nadie discute: la inclusión social y un nivel artístico de excelencia. "Ojalá que estos objetivos, a largo plazo, no tengan un lineamiento político ni se supriman. Por otro lado, el nivel alcanzado por la Sinfónica Nacional Juvenil que, desde que se fundó hace 25 años, ha sido un semillero enorme de talentos, tiene que continuar a un altísimo nivel. Por eso yo insisto tanto en los programas de perfeccionamiento y en la necesidad de enfrentar a estos chicos a un repertorio de exigencia con el que se van a encontrar en su vida adulta".

Un presupuesto histórico

La FOJI administra 17 agrupaciones: la Orquesta Sinfónica Nacional Juvenil (OSNJ), la Orquesta Sinfónica Estudiantil Metropolitana (OSEM) y la Sinfónica Infantil, además de 14 conjuntos juveniles regionales. También apoya, a través de distintos mecanismos, a las más de 400 orquestas comunales. "Estas últimas no dependen directamente de nosotros, sino de los colegios, municipalidades o distintas entidades que las sostienen. Para nosotros estas orquestas comunales son muy relevantes, porque constituyen el semillero que después se va a sumar a nuestras orquestas regionales y a las que tenemos en Santiago. Tenemos una preocupación y ocupación especial por estos conjuntos. Por un lado, tratamos de involucrarlos en todas nuestras actividades, dándoles la posibilidad de presentarse en varios escenarios, pero también contamos con fondos concursables a los que estas orquestas pueden acceder para fortalecer sus instrumentos, contar con capacitaciones o becas. Todos nuestros esfuerzos van hacia la equidad: que ojalá ningún talento se pierda por no contar con los recursos necesarios", señala Domic. Con respecto a las orquestas regionales, reconoce que el trabajo ha sido inmenso y en vías de consolidación: "Son agrupaciones que se conformaron en las capitales regionales. Hay un coordinador, hay un director e instructores. Estamos hablando de 1.100 músicos, de 100 instructores y 14 directores de orquesta. ¡Es un tremendo movimiento!".

La directora ejecutiva de la FOJI adelanta que entre el 2015 y 2016 esta fundación recibió un considerable aumento de presupuesto: entre un 40 o 45%. "Esta alza nos dejó en una situación bastante estable y bien. Estamos hablando de 2.936 millones de pesos, pero también hemos debido atender otro tipo de situaciones de las que nos sentimos responsables. Tenemos que tener mejores directores, tenemos que tener mejores instructores e instrumentistas, por eso apoyamos la pasantía en Suiza".

-¿Se va a nombrar a un director titular de la Sinfónica Nacional Juvenil?
"Ese es un tema que tendrá que evaluar nuestro comité consultivo de expertos musicales. Ellos tendrán que reflexionar si es relevante o no contar con un director titular. En esta área y fruto de una larga reflexión, este comité consultivo conformó un pequeño grupo, integrado por Maximiano Valdés, Patricio Cobos y Nicolas Rauss, quienes llevaron adelante el proceso de concurso para director residente de la OSNJ. El puesto lo acaba de ganar un integrante de la Orquesta Sinfónica de Chile: Juan Pablo Aguayo (flautín). Su nombre fue propuesto a la directora Paula Forttes y nuestro directorio lo ratificó. Estamos hablando de un título que es diferente al que se conoce al interior de una orquesta profesional, es más bien un profesional que tendrá un papel activo con los tuttis y con los instructores. Por lo menos, este año la orquesta cuenta con importantes directores invitados y nuestra percepción, al igual que lo que pasó en 2016, es que nuestros músicos han florecido. Se pegaron un salto sustantivo".

-¿Durante la gestión de Maritza Parada hubo una gira por Europa? ¿Hay planes en esa área?
"Estamos en conversaciones muy avanzadas con el Berklee College of Music que, desde 2016, se fusionó con el Conservatorio de Boston. Estuvimos hace tres semanas en esa ciudad y fue una estadía muy buena. La idea es abrir posibilidades para el uso de sus plataformas online y de perfeccionamiento a nuestros músicos en diversas áreas, como aquellas que últimamente están teniendo bastante popularidad y demanda, vinculadas a las llamadas industrias creativas. Estamos conversando sobre si se puede hacer una gira el próximo año, a Boston, Washington y Miami. Y en el ámbito internacional, estamos abriendo varias rutas. Partimos con Basilea y este año, gracias al apoyo de Isaac Frenkel, el célebre violinista Shlomo Mintz dirigirá, en octubre, a la OSNJ, como parte de nuestra temporada de conciertos. Son varios nuestros sueños. Anhelamos un nuevo espacio para la FOJI, que esté acorde con los nuevos tiempos, con nuestro crecimiento. Nos faltan más espacios de acogida y para ensayar. Estamos tirando líneas para darle impulso a este proyecto".

 El regreso de José Luis Domínguez y el homenaje a Fernando Rosas

En enero de 2016, José Luis Domínguez dirigió su último concierto como director titular de la Orquesta Sinfónica Nacional Juvenil (OSNJ). Después de 12 años de titularidad, decidió poner fin a esta labor, para así dar curso a la internacionalización que ha tenido su carrera. Radicado en Filadelfia junto a su familia, está de regreso en nuestro país, como parte de la celebración de los 25 años de la OSNJ: el conjunto fue fundado en 1992, por Fernando Rosas. Este viernes 9 de junio (19:30 horas, en el Teatro de Carabineros. Entrada liberada, previo retiro en FOJI, en Balmaceda 1301, metro Cal y Canto) y el sábado 10, en la Aula Magna de la Universidad Federico Santa María, la OSNJ abordará la Obertura Candide, de Bernstein; el Concierto para dos Clarinetes, Op. 91, de Krommer, y la Sinfonía N° 6, "Patética", de Tchaikovsky.

"En esta visita la FOJI me está aprovechando muchísimo, porque además de dirigir la OSNJ, también me programaron algunos conciertos con la Sinfónica Estudiantil Metropolitana", revela Domínguez a "Artes y Letras", en una pausa de un ensayo.

Sobre el repertorio que dirigirá esta semana, añade que "escogí la Obertura Candide porque es muy festiva, y con la Sinfonía N° 6, de Tchaikovsky, recibimos, hace unos años, el reconocimiento del Círculo de Críticos de Arte. Es una obra de madurez que supone, además, un fuerte trabajo de preparación".

Al preguntarle cómo encontró la OSNJ, explica que se sorprendió. "Hay que ver el vaso medio lleno y me dio mucha alegría el primer ensayo. Fue bien intenso y se notó el trabajo de los instructores".

¿Cree que es fundamental nombrar a un director titular de este conjunto? 
"Absolutamente. Se han 'empoderado' mucho los instructores y eso es muy bueno, pero proyectarla en el tiempo, con una cabeza artística detrás, es tremendamente importante", remata José Luis Domínguez.

En noviembre de este año, Juan Pablo Izquierdo dirigirá en distintos espacios -entre otros, Corpartes y el Teatro Municipal de Ñuñoa- la OSNJ y la Estudiantil Metropolitana, en un concierto-homenaje por los 10 años del fallecimiento de Fernando Rosas. En esa oportunidad se estrenará una pieza de Fernando García, Premio Nacional de Música 2002, en recuerdo de Rosas.

José Carreras: "Tengo 70 años y el pelo blanco, ambas señales de que no me queda mucho tiempo para recorrer el mundo"

El Mercurio

El tenor catalán habla del último concierto que dará en Chile y de sus planes tras su retiro de los escenarios. Además, recuerda sus presentaciones junto a Luciano Pavarotti y Plácido Domingo.  

José Vásquez 

El tenor catalán hace memoria y lista tres momentos en su carrera que no puede olvidar. José Carreras (70) rebobina su historia y se detiene en su primera actuación en el Teatro alla Scala de Milán, también en su regreso a Barcelona tras superar la leucemia en 1987 y cuando compartió escenario con el espectáculo de Los Tres Tenores en Roma. "La verdad es que no puedo quedarme con un solo momento, ¡fueron muchos!", dice el artista a "El Mercurio", previo a su viaje a Santiago, donde se presentará el próximo 11 de junio en el Movistar Arena, acompañado de 58 músicos sobre el escenario.

Carreras, que ha vendido más de 75 millones de discos, comenzó en octubre pasado su viaje final por las ciudades del mundo donde alguna vez se presentó. Una despedida de los escenarios que aún no define su última escala y que el español adelanta se extenderá hasta 2018 con su "A life in music, final world tour", un concierto que al igual que el espíritu revisionista de su gira, abarcará todos los estilos que interpretó en vivo. "Estarán presentes los géneros musicales que amo, desde la ópera al tango. Además, por primera vez presentaré un medley clásico de unos 20 minutos mientras en las pantallas se muestren imágenes de mi carrera", cuenta el cantante.

-¿Ya pensó qué hará luego de culminar su gira?
"Todavía no puedo imaginar ese momento, pero sé que vendrá. Estaré en esto hasta 2018, pero para mí es muy claro lo que seguirá: me concentraré aún más en mi trabajo para la Fundación Josep Carreras en Barcelona, para alcanzar nuestro objetivo de que la leucemia algún día tenga cura para todo el mundo, además de tener más tiempo para mis cinco nietos".

-Han pasado 30 años desde que tuvo la enfermedad, ¿cómo cambió su vida desde entonces?
"Enfermedades terribles como esta cambian muchos aspectos de la vida, pero yo seguí siendo la misma persona, cometiendo pequeños errores como lo hice antes de la leucemia. Después de eso, uno sabe que cada minuto en la vida es importante y es un regalo".

-¿Cómo fue el momento en que se dio cuenta de que se quería despedir de los escenarios?
"Bueno, en diciembre pasado celebré mi cumpleaños. Tengo 70 años y el pelo blanco, ambas señales de que no me queda mucho tiempo para recorrer el mundo. Entonces, como adoro lo que hago decidí ir a todos los lugares donde me hubiera presentado. Sé que esto no es posible, pero quiero hacerlo en la mayor cantidad de ciudades de las que guardo un gran recuerdo".

-Usted popularizó el canto lírico, ¿se siente uno de los responsables de masificarlo con Los Tres Tenores?
"En las canciones y en las arias está la pasión, un sentimiento de mi alma y mi corazón que trato de expresar con la voz. Cuando estábamos en el escenario había una pequeña competencia, pero siempre nos divertimos mucho y disfrutamos de cada concierto juntos. Fue una gran alegría saber que pudimos llegar a cientos de millones de amantes de la música de todo el mundo".

Regresa "Las bodas de Fígaro": Una ópera de deseo y libertad

El Mercurio

Después de nueve años de ausencia, la creación mozartiana vuelve, a partir del 14 de junio, al Municipal de Santiago, con régie del francés Pierre Constant y dirección musical de Attilio Cremonesi.  

Maureen Lennon Zaninovic 

Fígaro, un servidor de cámara del duque Almaviva, prepara su boda con su elegida, Susanna, una criada de la duquesa Rosina. Pero el duque también tiene sus ojos puestos en Susanna y, para enredar más la historia, el paje Cherubino provoca cada vez nuevos líos y sorpresas.

Con justa razón se ha señalado que el argumento de "Las bodas de Fígaro", de Mozart, es una intensa confusión, con cambios de ropas y escondites, pequeñas astucias y escenas de celos, engaños y disgustos. Todo para que la boda de Fígaro pueda realizarse.

Con esta ópera, el llamado "genio de Salzburgo" dio comienzo a una muy fructífera colaboración con el poeta italiano Lorenzo da Ponte: una trilogía imprescindible, que incluye a "Don Giovanni" y "Così fan tutte".

Hacia 1781, el compositor se encontraba liberado de sus compromisos con la corte, regida entonces por el Emperador José II, y había adquirido un estatus de músico independiente. A poco de haber estrenado "El rapto en el serrallo", en 1782, Mozart conoció a Da Ponte y le propuso escribir el argumento inspirado en la pieza teatral "Las bodas de Fígaro", de Pierre-Augustin Caron de Beaumarchais (1732-1799). "Las bodas...", a su vez, es la continuación de "El barbero de Sevilla", del dramaturgo francés, y esta última sirvió de inspiración para las célebres óperas homónimas de Giovanni Paisiello, en 1782, y Gioacchino Rossini, en 1816.

La obra original de Beaumarchais está cruzada por la alusión política y social, y en su estreno desató todo tipo de discusiones y polémicas. Lorenzo da Ponte, en cambio, ideó un libreto más blando, privilegiando las situaciones de intriga y comicidad.

"Pero para mí esta es una ópera política", comenta el régisseur francés Pierre Constant, quien a partir del miércoles 14 de junio, en el Municipal de Santiago, presentará "Las bodas de Fígaro", de Mozart. El profesional cuenta con una reconocida experiencia en el mundo teatral europeo y en 1995 estrenó esta producción, junto al prestigioso ensamble barroco Atelier Lyrique de Tourcoing. Un año después, la presentó con gran éxito en París, en el Théatre des Champs-Élysées. El montaje que llegará a Santiago incluye a un equipo creativo de primera línea: la escenografía es del artista franco-argentino Roberto Platé, Emmanuel Peduzzi diseñó el vestuario y Jacques Rouveyrollis está a cargo de la iluminación.

Constant añade que estamos ante una creación sumamente política, porque "asistimos a la pelea entre el pueblo, personificado en Fígaro y Susanna, y el poder feudal del conde. Al final, Fígaro tiene la victoria y en el siglo siguiente (XIX) seremos testigos de cómo la burguesía poco a poco comienza a ascender, frente a la decadencia de la aristocracia. En mi versión, al final, decidí juntar dos mesas del banquete del matrimonio y sobre ellas están todos los personajes, en un símbolo de esta nueva generación que coge el poder. No hay que perder de vista el contexto histórico de Beaumarchais y del propio Mozart. Estamos en los años cercanos a la Revolución Francesa. El compositor de Salzburgo era masón y en esta ópera quiso reflejar sus ideales de libertad, del 'Siglo de las Luces'. 'Las bodas de Fígaro' es una obra de deseo y libertad".

El régisseu r se explaya en su lectura: "A los cantantes les he dicho que lo que tiene que primar en ellos es el deseo: Fígaro desea a Susanna y viceversa. El conde también desea a Susanna y antiguamente deseaba a la condesa Rosina. Bartolo desea a Marcellina, el solitario Basilio desea a Querubino, y Querubino desea a todas las mujeres del castillo, a las viejas y a las jóvenes. Hay que buscar un equilibrio de humor, ironía, apetito, velocidad, gravedad, intensidad y agresividad, pero sin dejar de lado la gracia".

No da respiro

En esta producción, el músico Attilio Cremonesi dirigirá la Orquesta Filarmónica de Santiago. Comenta que ya condujo esta versión de 'Las bodas...' en 2016, en el Teatro del Capitolio de Toulouse: "Mozart no separa la música de los cantantes y eso hace que esta ópera sea tremendamente genial y difícil. Es un viaje lleno de emociones muy rápidas. Acá hay andante , andante molto , larghetto , presto ...Ni la orquesta ni los solistas se pueden relajar. Mozart no da tregua".

PROGRAMARSE:
Municipal de Santiago . Desde el 14 de junio, a las 19:00 horas. Entradas desde $7.000.

viernes, junio 02, 2017

Gran sala del GAM estaría lista en diciembre

El Mercurio

Finalizada su obra gruesa, se inicia la fase de terminaciones. La Presidenta Bachelet confirmó ayer que el nuevo teatro, que tiene un costo de $41.000 millones, estará en pleno funcionamiento el próximo año.  

IÑIGO DÍAZ 

Allí donde por 45 años existió un estacionamiento a nivel de calle, hoy irrumpe uno de los edificios más imponentes de la Alameda, por su volumen, su materialidad y su tecnología. Es la esquina de dicha arteria y la pequeña calle Namur, donde se construye el nuevo teatro del Centro Cultural Gabriela Mistral, el GAM, que tendrá 1.859 butacas.

Ayer en su cuenta pública, la Presidenta Bachelet habló de varios proyectos de infraestructura cultural en curso en todo el país, pero subrayó la fecha de entrada en funciones para la llamada segunda etapa del GAM. "A principios del próximo año", dijo la Mandataria. En sintonía con ese discurso están los equipos que hoy ultiman la fase de la obra gruesa en el edificio
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Polivalencia espacial

"Se está hormigonando la parte más alta de la caja escénica, que equivale a un edificio de ocho pisos. El vacío es el de una verdadera basílica", dice Cristián Fernández Eyzaguirre, arquitecto de la obra, quien trabajó en el diseño con 30 arquitectos y otras 34 oficinas de especialidades. En paralelo se están realizando trabajos de terminaciones. "Ahora comenzaremos a ver resultados mucho más rápido: butacas, cristales, revestimientos. Estamos en los últimos 100 metros de la carrera", agrega.

"El compromiso es entregar el edificio en diciembre próximo, justo dos años después de que pusiéramos la primera piedra con la Presidenta. La salida del (río) Mapocho el año pasado afectó los plazos, pero nos hemos puesto al día en la recuperación de esos tiempos", dice Claudia Silva, directora nacional de Arquitectura del Ministerio de Obras Públicas, de donde proceden los $41.000 millones que cuesta el proyecto.

"En un momento se pensó convertir este teatro en un segundo Municipal, pero no tenía sentido competir. Mejor era tener un espacio para acoger una multiplicidad de espectáculos, que no podían llegar a Chile porque no había un espacio que los pudiera recibir", comenta Felipe Mella, director del GAM, enfatizando la versatilidad de su uso: "Es el enfoque del GAM. Aquí podremos tener un gran concierto de rock, como espectáculos de danza aérea o circo, o un concierto clásico", precisa.

El recinto cuenta con un sistema móvil de 684 butacas, que se conectan con la platea intermedia. Cuando estas se repliegan bajo el piso, la zona de la audiencia se convierte en una cancha libre de 900 m {+2} para espectáculos de pie. Las plateas fijas tienen 564 y 611 asientos, respectivamente.

Además, cuenta con una sala de ensayos de las mismas dimensiones que el escenario, lo que le permitirá mantener montajes en simultáneo, y un foso retráctil para una orquesta de más de cien músicos. "Se podrá escuchar allí una gran obra de Wagner", anticipa Fernández. Pero lo más importante, apunta el arquitecto, es su polivalencia espacial y acústica.

"Incorporamos el sistema inglés Constelation, que puede configurar la acústica de la sala. No se trata de amplificación sino del manejo de la reverberancia del sonido, de modo que se podrá escuchar tanto un concierto de órgano como si estuviéramos en una catedral, como un discurso perfectamente nítido", cierra Fernández.

Llegan documentales que exploran las historias de tres íconos del rock

El Mercurio

Netflix, Amazon y OnDirectv emitirán a partir de hoy aplaudidas realizaciones que ponen el foco en Los Beatles, Roger Waters y Grateful Dead.  

Romina Raglianti 

La historia de Grateful Dead, una de las bandas más representativas del rock psicodélico estadounidense, es fascinante y llena de curiosidades. Además de vender más de 35 millones de discos, crearon una verdadera comunidad de fanáticos, llamados Deadheads, que los acompañaron fielmente en sus constantes y extensas giras a lo largo de sus tres décadas de existencia, entre 1965 y 1995.

La legión de seguidores significa también que existe una gran cantidad de material inédito y desconocido de Grateful Dead, algo de lo que se dio cuenta el realizador Amir Bar-Lev cuando quiso filmar un documental sobre el grupo. Fue un proyecto que comenzó en 2003 y demoró 11 años en concretarse, y ahora llega como una miniserie llamada "Long Strange Trip". Los seis episodios, que en conjunto alcanzan cuatro horas, exploran la trayectoria de la banda y sus fans y, en particular, de su líder Jerry Garcia, quien falleció de un infarto en 1995. La serie se podrá ver desde hoy en Amazon Prime Video, plataforma de streaming que cuenta con un período de prueba gratuito antes de cobrar una suscripción mensual.

"Long Strange Trip" llamó la atención de Martin Scorsese, quien se sumó al proyecto como productor ejecutivo y aseguró su distribución. "Siempre he admirado el espíritu y la creatividad de Grateful Dead", explicó el cineasta. "Son artistas revolucionarios que cambiaron para siempre el mundo de las giras y grabar música en vivo. Fueron una fuerza cultural, un estilo de vida que sigue influenciando a nuevas generaciones". El documental tuvo un paso por el Festival de Sundance y por salas de cine estadounidenses la semana pasada, y recibió excelentes críticas, con algunos medios especializados llamándolo uno de los mejores trabajos del género.

La fascinación por los íconos rockeros continuará mañana a las 21:00 horas, con la emisión por el canal OnDirectv -exclusivo de DIRECTV- de "Sgt. Pepper's Musical Revolution", documental de la BBC que examina el legado del disco "Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band" de Los Beatles, que acaba de cumplir 50 años. Conducido por el compositor británico Howard Goodall, el filme muestra grabaciones de la banda nunca antes vistas, explora el contexto en el que se lanzó el álbum y teoriza sobre sus influencias en trabajos musicales modernos. A Chile, la realización llega el mismo día de su estreno en Inglaterra y Estados Unidos. Se repetirá el próximo viernes 9, a las 22:00 horas, seguido por el documental "Becoming The Beatles" y la emisión de un concierto tributo a Paul McCartney de 2012 en el que participaron Coldplay, Alicia Keys y James Taylor, entre otros.

Cierra la trilogía el estreno el 8 de junio en Netflix de "Roger Waters: The Wall", documental de 2015 que refleja los mejores momentos de la extensa gira mundial que el ex líder de Pink Floyd realizó entre 2010 y 2013, y que llegó a ser el tour de un solista más visto en la historia, con más de cuatro millones de asistentes en total.

jueves, junio 01, 2017

Álex Anwandter se impone en los premios Pulsar

El Mercurio

El músico fue el gran ganador de la tercera versión del certamen, logrando triunfar en las principales categorías. El espectáculo anoche incluyó un homenaje a Violeta Parra y un reconocimiento a Beto Cuevas.  

José Vásquez 

Anoche el galardón cobró un significado literal para Álex Anwandter. "El Aplauso", el simbólico reconocimiento que entregan los premios Pulsar, se multiplicó por cuatro para el ex Telerradio Donoso, quien se transformó en el gran triunfador de la tercera edición del certamen. El músico se impuso con su último disco "Amiga" en las categorías de Álbum del Año, Canción del Año, con su single "Siempre es viernes en mi corazón", Mejor Artista Pop y Mejor Productor Musical.

Más atrás le siguió el grupo Kuervos del Sur, quienes ganaron en Mejor Artista Rock y Mejor Arte de un Disco, por su trabajo "El vuelo del Pillán", en una ceremonia que se transmitió por primera vez por TVN desde el Teatro Teletón.

Otros artistas que lograron el reconocimiento fueron Demian Rodríguez como Cantautor y Consuelo Schuster como Mejor Artista Balada. En una categoría especial, donde el público vota por su favorito, el conjunto Villa Cariño se impuso en Artista del Año, y Noche de Brujas, con su éxito "Me gusta todo de ti" (2011), logró el premio Canción Más Tocada, por ser el tema chileno más reproducido en radios durante 2016.

La premiación comenzó anoche con un dueto inédito: Beto Cuevas junto a Denise Rosenthal abrieron la jornada, dando paso al primer reconocimiento de la noche: un tributo especial para el ex cantante de La Ley por su aporte a la internacionalización de la música chilena. La ceremonia continuó con un homenaje a Violeta Parra, conmemorando los 100 años de su natalicio, a cargo de sus nietos Javiera y Ángel Parra, una colaboración entre Nicole y Los Tetas y otro tributo inédito a Jorge González -quien se retiró de los escenarios en enero pasado en la última Cumbre del Rock Chileno- , que estuvo a cargo de Nano Stern y Quique Neira.

El cierre del espectáculo fue con uno de los momentos más emotivos de la premiación: el regreso de Cecilia, quien tras un año alejada de los escenarios luego de una neumonía que complicó su salud, interpretó junto a Ana Tijoux "Un compromiso".

- Mejor Cantautor: Demian Rodríguez
- Mejor Artista Rock: Kuervos del Sur - El Vuelo del Pillán
- Mejor Artista Tropical: Juanafé - Maleducado
- Mejor Artista de Raíz: Orquesta Andina - Zumbidoss, Nuevas Músicas Latinoamericanas
- Mejor Artista Música Urbana: Liricistas - Bon Voyage
- Mejor Canción del Año: "Siempre es Viernes en mi Corazón" - Alex Anwandter
- Mejor Artista Balada: Consuelo Schuster - Esta Vez
- Mejor Artista Revelación: 330 am - Mientras Dormías 
- Mejor Artista del Año: Villa Cariño
- Mejor Artista Pop: Alex Anwandter - Amiga
- Mejor Álbum: Amiga - Alex Anwandter
- Mejor Productor Musical: Alex Anwandter
- Mejor Publicación Musical: Massacre: 30 Años de Trash Metal - Maximiliano Sánchez
- Mejor Videoclip: Felipe Reutter / Maltrecho - Felipe Grandón
- Mejor Arte para un Disto: Jean-Pierre Cabañas / Disco: El Vuelo del Pillán - Kuervos del Sur
- Premio a la Difusión de la Música de los Pueblos Originarios: Roberto Oyarzún Susñar - Weichan y Control Territorial 
- Instrumentista del Año: Simón González Holman
- Mejor Artista Música Infantil: Teatro de Ocasión - Canciones de Ocasión
- Mejor Artista Música Clásica: Tomás Brantmayer - Plegaria
- Mejor Artista Música Electrónica: Ayeaye - Sayaa
- Mejor Música para Audiovisuales: Título de la obra: Niña Sombra (Shadow Girl) - Jorge Aliaga
- Mejor Artista Fusión: Ernesto Holman Etnojazz Trío - De Raíz
- Mejor Arista Jazz: Mapocho Orquesta - Cicatriz
- Mejor Artista Metal: Claudio Cordero - Quasar
- Premio SCD a la canción más Tocada del Año: Me Gusta Todo de Ti - Noche de Brujas

Jóvenes renuevan la música en Valdivia: la Filarmónica de Los Ríos cumple 10 años

El Mercurio

Con una gala en la Catedral de Valdivia , este domingo parte la temporada del conjunto que dirige Genaro Burgos. También harán itinerancias.  

Romina de la Sotta Donoso 

Tienen entre 16 y 24 años de edad, y la mayoría estudia en el Conservatorio de la Universidad Austral de Valdivia. Los demás son alumnos de Arquitectura, Ingeniería y Enfermería. Estos 33 jóvenes músicos conforman la planta estable de la Orquesta Filarmónica de Los Ríos, conjunto que cumple 10 años y que se está convirtiendo en un foco cultural en Valdivia.

Su director titular es Genaro Burgos, discípulo de Víctor Tevah. Tras haber sido violinista de la Sinfónica de Chile, Burgos fue violista de la Filarmónica de Santiago y, en paralelo, titular de la Orquesta Usach, en los años 80.

"Valdivia es una ciudad muy particular desde el punto de vista cultural, tiene una universidad de gran prestigio, y siempre han existido conjuntos musicales, algunos más longevos que otros. Cuando nació la Región de Los Ríos, en 2007, había muchos jóvenes músicos que se habían formado en el Conservatorio de la Universidad Austral o en la Escuela de Música Juan Sebastián Bach, y que estaban dando vueltas por estos lados sin posibilidades de una práctica musical", comenta Genaro Burgos (1942).

"Viendo esa necesidad, un conjunto de profesores y ex miembros de orquestas quisimos volcar nuestra experiencia en organizar un grupo orquestal en Valdivia, para que así los jóvenes no tuvieran que emigrar antes, incluso, de estar completamente formados y dominar un buen repertorio", agrega.

Ese rol de puente entre la etapa de formación y la profesional, ya lo están cumpliendo: varios de sus integrantes han sido aceptados en la Sinfónica Nacional Juvenil, la Sinfónica U. de Concepción y la Filarmónica de Temuco.

Burgos explica que la orquesta se amplía hasta los 45 músicos, según el programa que interpreten. "Como es una orquesta semiprofesional, trabaja en base a ensayos parciales, con sus jefes de fila, y luego se prepara cada concierto con el director. Pero lo que ha permitido que esta orquesta se desarrolle bien es el trabajo parcial, pues felizmente contamos con músicos profesionales en cada grupo de cuerdas", detalla. Se trata de un primer y un segundo violines, un viola, un chelo y un contrabajo que son miembros de la Orquesta de Cámara de la U. Austral. "Esta colaboración ha hecho posible responderle al público sinfónico que Valdivia siempre ha tenido", asegura.

Como parte de los recursos que permiten su financiamiento se asignan para el segundo semestre (ver recuadro), la temporada de la Filarmónica de Los Ríos se realiza entre junio y noviembre. Todas sus presentaciones son gratuitas y de cada programa ofrecen un concierto educativo y una gala en la catedral. Igualmente, realizan itinerancias en la región.

Este año tendrán, además, dos directores invitados. El primero es el estadounidense Stanley DeRusha, quien mañana conducirá un concierto educacional en el Liceo Armando Robles de Valdivia. La gala será este domingo, a las 20 horas, en la Catedral de Valdivia. Abrirán con el "Idilio de Sigfrido", de Wagner, y continuarán con la Sinfonía N° 5 de Tchaikovsky. "Esta sinfonía es uno de los mayores desafíos que asumiremos este año, porque en ella la orquesta es la prima donna ; todos los grupos de instrumentos están en primer plano", dice Burgos.

Los otros grandes retos programáticos son, a su juicio, la Sinfonía N° 1 de Brahms, que conducirá en agosto otra batuta invitada, Alejandra Urrutia, además de la Sinfonía N° 4 de Beethoven y la Sinfonía N° 4, "Italiana", de Mendelssohn.

Asimismo, este año ofrecerán el estreno mundial de una obra comisionada al compositor chileno Santiago Vera-Rivera, en octubre.

PRESUPUESTO
La Municipalidad de Valdivia destina cada año $4 millones a la orquesta, y completan su presupuesto con recursos concursables del FNDR, los que promedian $34 millones al año.