El Mercurio de Valparaíso
Con "Mil cantoras para Violeta", en la Plaza Sotomayor se le rindió tributo a la insigne folclorista para festejar su centenario, la primera actividad en el país.
Por Flor Arbulú
Las bocinas de los barcos anunciaron la medianoche, momento en que un millar de mujeres comenzaron a entonar "El día de tu cumpleaños" en torno a una torta con velitas. Así culminó "Mil cantoras para Violeta", iniciativa del Consejo Regional de la Cultura y las Artes y que dio inicio a las celebraciones que se realizarán en todo el país para festejar el centenario de la artista, quien llegó a este mundo un 4 de octubre de 1917 en la actual Región de Ñuble.
La actividad comenzó tres horas antes en una Plaza Sotomayor donde llegaron cientos de personas, especialmente mujeres de todas las edades, y contó con tres partes. La primera estuvo a cargo tres destacadas cantantes nacionales: Tita Parra -hija de Isabel y nieta de Violeta-, Ana Tijoux y Pascuala Ilabaca.
La encargada de inaugurar la jornada fue Tita con "El palomo", canción recopilada por Violeta y que ella escuchaba de niña y que fue coreada por todos los presentes. Luego entonó "La tierra", composición propia, y el tema de su abuela "Me gustan los estudiantes".
Posteriormente fue el turno de Ana Tijoux con su canción "Mi verdad", tema principal de "El reemplazante", para seguir con "Shock". "Antipatriarca", en tanto, se la dedicó a Tita Parra y que hizo bailar a parte del público. Pascuala, en tanto, abrió su show con la cueca libre que le dedicó a Violeta, "Violeta y Frida". Luego siguió con el tema "Canción quechua", basado en un poema de Gabriela Mistral, para terminar con "Diablo rojo, diablo verde", que motivó al público a bailar.
Después fue el turno de la Orquesta Andina de la Pontificia Universidad Católica de Valparaíso (PUCV), dirigida por Félix Cárdenas, y del coro compuesto por 120 féminas provenientes de San Felipe, Los Andes, La Ligua, Quillota, San Antonio, Quintero, Quilpué y Valparaíso, mientras que a los costados del escenario se ubicaron mil mujeres que unieron sus voces junto a otras cientos del público, en una emocionante interpretación de clásicos de Violeta Parra, como "Run Run se fue pa'l norte", "Volver a los 17", "La jardinera" y "Casamiento de negros", y donde también cantaron las artistas nacionales invitadas.
La tercera parte estuvo a cargo de Los Maestros del Folclor, instancia que busca abrir espacios de difusión para cultores del folclor urbano de Valparaíso y que cuenta con la colaboración del Centro Cultural La Isla de la Fantasía. En su intervención participaron María Cristina Escobar, Lucy Briceño, César Olivares, Luis "Flaco" Morales, "Juanín" Navarro, Ramón "Huaso" Alvarado, el "Tío" Elías Zamora y José "Pollito" González, acompañados de Martín León en contrabajo y Gabriela Cáceres en piano y acordeón.
El gran empuje
El ministro de Cultura, Ernesto Ottone, manifestó que "partimos celebrando el Día de la Música y los Músicos Chilenos y, por supuesto, la previa de los cien años de Violeta Parra desde Valparaíso. Este concierto recoge la visión de una Violeta multifacética y convocante, reuniendo en un escenario a artistas destacados y reconocidos nacional e internacionalmente, como Ana Tijoux, Pascuala Ilabaca y Tita Parra, más el coro de 120 mujeres conformado luego de un proceso participativo regional, dando como resultado un hito musical a la altura de lo que esta figura de la creación nacional representa para el país".
La directora regional de Cultura, Nélida Pozo, expresó, por su parte, que "este concierto ha sido una gran experiencia para todos y todas quienes participamos". Desde su perspectiva, "no podíamos celebrarla de otra forma, con muchas voces de nuestra diversidad regional, una puesta en escena de excelencia artística y con un Plaza Sotomayor desbordada de emociones, por lo que nos sentimos orgullosos que sea Valparaíso la ciudad que dio el pie inicial a la celebración de los 100 años de Violeta Parra y esta noche de víspera nuevamente seamos el punto de partida de los festejos que se extenderán por todo el país".
miércoles, octubre 04, 2017
Teatro Regional del Maule reconocerá labor y trayectoria de Vicente Bianchi
El Mercurio
A sus 97 años, Vicente Bianchi Alarcón, es una de las figuras más influyente de la música chilena. Es por eso que este pianista, compositor, radiodifusor, arreglador, director de orquesta y coros, será reconocido en vida este viernes 06 de octubre, a las 20 horas, en el escenario del Teatro Regional del Maule, donde se presentará la Orquesta Clásica del Maule, el Ballet Folclórico Estampa Maulina y el Coro del Liceo Abate Molina.
Bianchi, quien no se encuentra bien de salud, confesó que hará un esfuerzo para estar presente en esta velada y apreciar la interpretación de estos tres elencos maulinos de sus creaciones. “Estoy más o menos, no crezco ni bajo, me mantengo”, dijo Bianchi en los preparativos de su viaje a Talca.
El trabajo de Bianchi se destaca por transitar por diversos géneros y estilos diversos, como el docto, folclórico, popular y religioso. Reconocido es la musicalización de la obra de Pablo Neruda, sociedad virtuosa que marcaron la identidad del cancionero nacional, con creaciones como la “Tonada a Manuel Rodríguez”.
Importante fue su participación como arreglador y orquestador del chilenísimo musical, “La Pérgola de las Flores”, en 1960. Cuatro años más tarde creó su “Misa a la chilena”, la primera cantada que combina ritmos mapuche, cantos corales, danzas nortinas y una cueca. En 1969, por solicitud del cardenal Raúl Silva Henríquez compuso la obra “Te Deum Laudamus”, obra generalmente interpretada en el Te Deum del 18 de septiembre.
Entre sus distinciones destacan el Premio Naconal de Música (2016), obtenido luego de numerosas nominaciones, además del Premio al Folclor (1998), la Orden al Mérito Docente y Cultural Gabriela Mistral (2002), el Premio a lo Chileno (2004) y el premio APES a la trayectoria (2008).
Pese de estar cercano a cumplir un siglo de vida, este propulsor de la música, en sus diferentes géneros, continúa su incansable trabajo creativo, recientemente el año pasado lanzó un nuevo álbum, “Chile fértil”, una continuación de su obra “Música para la historia de Chile”.
Los tickets a este evento familiar se encuentran a la venta en boletería del teatro, siendo 3 mil pesos el único valor a entrada general.
A sus 97 años, Vicente Bianchi Alarcón, es una de las figuras más influyente de la música chilena. Es por eso que este pianista, compositor, radiodifusor, arreglador, director de orquesta y coros, será reconocido en vida este viernes 06 de octubre, a las 20 horas, en el escenario del Teatro Regional del Maule, donde se presentará la Orquesta Clásica del Maule, el Ballet Folclórico Estampa Maulina y el Coro del Liceo Abate Molina.
Bianchi, quien no se encuentra bien de salud, confesó que hará un esfuerzo para estar presente en esta velada y apreciar la interpretación de estos tres elencos maulinos de sus creaciones. “Estoy más o menos, no crezco ni bajo, me mantengo”, dijo Bianchi en los preparativos de su viaje a Talca.
El trabajo de Bianchi se destaca por transitar por diversos géneros y estilos diversos, como el docto, folclórico, popular y religioso. Reconocido es la musicalización de la obra de Pablo Neruda, sociedad virtuosa que marcaron la identidad del cancionero nacional, con creaciones como la “Tonada a Manuel Rodríguez”.
Importante fue su participación como arreglador y orquestador del chilenísimo musical, “La Pérgola de las Flores”, en 1960. Cuatro años más tarde creó su “Misa a la chilena”, la primera cantada que combina ritmos mapuche, cantos corales, danzas nortinas y una cueca. En 1969, por solicitud del cardenal Raúl Silva Henríquez compuso la obra “Te Deum Laudamus”, obra generalmente interpretada en el Te Deum del 18 de septiembre.
Entre sus distinciones destacan el Premio Naconal de Música (2016), obtenido luego de numerosas nominaciones, además del Premio al Folclor (1998), la Orden al Mérito Docente y Cultural Gabriela Mistral (2002), el Premio a lo Chileno (2004) y el premio APES a la trayectoria (2008).
Pese de estar cercano a cumplir un siglo de vida, este propulsor de la música, en sus diferentes géneros, continúa su incansable trabajo creativo, recientemente el año pasado lanzó un nuevo álbum, “Chile fértil”, una continuación de su obra “Música para la historia de Chile”.
Los tickets a este evento familiar se encuentran a la venta en boletería del teatro, siendo 3 mil pesos el único valor a entrada general.
La ciencia y el arte se unen para estudiar el muy chileno bombo chinchinero
Es único en el mundo y es fabricado por familias que conservan la tradición. Para que el tiempo no termine con su riqueza, académicos lo investigan con el fin de dar vida a un bombo "canónico".
Por Alexis Ibarra O.
Gira veloz como una pirinola mientras el "bum-bum chinchín" emerge del instrumento adosado a su espalda. Se trata de nuestro tradicional chinchinero, el músico danzante. Hoy van quedando cada vez menos. Si ellos desaparecen, también se perderá la tradicional forma de fabricar el bombo.
Con eso en mente, un grupo de investigadores de la U. de Chile se embarcó en el proyecto "Levantamiento tipológico y construcción normalizada del bombo chinchinero". En él, ciencia y arte se reúnen para desentrañar se fabricación y sonido, utilizando herramientas matemáticas. El objetivo final es construir un bombo chinchinero "canónico", que recoja su sonido tradicional y, en lo posible, lo mejore.
"Incorporamos elementos de la ciencia que nos ayuden a entender la sonoridad y la acústica. Además, hicimos un levantamiento tipológico. Queremos dejar un testimonio técnico y plasmar ese conocimiento en la construcción de bombos de distintos tamaños", explica Osvaldo Muñoz, académico del Depto. de Diseño y director del proyecto.
El investigador ya se reunió con tres de las familias más importantes que conservan la tradición chinchinera: los Saavedra, los Toledo y los Lizana. A través de su relato conocieron la particular forma en que ejecutan el instrumento y su proceso de fabricación.
"Antes, la membrana era de cuero de cabra, pero ahora usan parches de bombos. Antes usaban un solo tensor para ambas membranas, pero ahora usan dos, así pueden lograr dos tonalidades distintas", dice Muñoz.
"Nosotros queremos hacerlo más ergonómico para que sea más cómodo. Pero nos dimos cuenta de que no lo podemos hacer más liviano aunque queramos. Debe pesar unos 18 a 20 kilos para que se produzca la inercia que les permite dar vueltas rápidamente", explica el académico.
Ya tienen construida la planimetría de este bombo "canónico". "Pronto comenzaremos a construir tres de distintos diámetros -20, 16 y 12 pulgadas-, este último como el que usan los niños. También queremos construir uno a la usanza antigua", agrega.
En paralelo, académicos del Depto. de Sonido de la Fac. de Arte de la U. de Chile están desarrollando un modelo acústico y matemático del instrumento."Instalamos micrófonos tanto en la membrana como en la cavidad de aire. Luego se reproduce un sonido mediante un parlante -técnicamente llamado un barrido de frecuencia- para que la membrana vibre y se genere resonancia. Esto también se hace con un golpe al bombo. Así se obtienen datos desde la perspectiva numérica", dice Sergio Floody, doctor en Ingeniería Mecánica en el área de construcción, vibraciones y acústica.
En forma preliminar, han descubierto que tiene un sonido más agudo que el bombo tradicional debido a que es el único con dos perforaciones para pasar el tirapié. "Además, tiene complejidades en su sonoridad, ya que no es un instrumento estático. Por ejemplo, al dar vuelta rápidamente se genera un efecto Doppler que es percibido por el público", dice.
Artistas expresan su pesar por la muerte de Tom Petty
El Mercurio
Figuras como Sheryl Crow, Bob Dylan y Stephen King hicieron público su sentir tras confirmarse el deceso del cantautor norteamericano, líder de la banda The Heartbreakers.
Por Patricio Zenklussen Franco
El fallecimiento de Tom Petty causó un gran impacto. Un paro cardíaco sufrido en su casa en Los Angeles lo obligó a internarse en un hospital de Santa Mónica, donde se mantuvo en estado crítico hasta la medianoche del lunes. En las primeras horas de la madrugada de ayer, su mánager, Tony Dimitriades, confirmó su deceso.
Decenas de celebridades y personajes del mundo artístico despidieron ayer al líder de The Heartbreakers, a través de redes sociales.
Los homenajes comenzaron de inmediato, cuando Coldplay y R.E.M. reunieron fuerzas durante un concierto que realizaban juntos en Portland. Allí interpretaron un cover de la canción "Free Fallin' ".
Jon Bon Jovi expresó a través de Twitter que se sentía "devastado". "Estoy rezando por todos los afectados por lo ocurrido esta noche en Las Vegas, y ahora por la pérdida de una de mis más grandes influencias", escribió junto a una foto en blanco y negro en la que se lo ve acompañado de Petty.
Sheryl Crow, voz detrás de éxitos como "All I Wanna Do" y "If It Makes You Happy", catalogó a Petty como un héroe de la música. "Nos diste tanta alegría. Te extrañaremos", escribió.
La cantante Carole King expresó: "Mi corazón está con la familia, amigos y fans de Tom Petty, de los cuales yo soy una".
"Son noticias impactantes", dijo Bob Dylan a la revista Rolling Stone tras enterarse. "Yo adoraba a Tom. Era un gran artista, lleno de luz. Un amigo que jamás olvidaré", agregó.
Petty y Dylan fueron compañeros de escenario en el supergrupo de fines de los 80 llamadoTravelling Wilburys, que también contó con la presencia de Jeff Lyne, Roy Orbison y George Harrison, y con el que lanzaron dos discos.
Eric Clapton, en tanto, emitió un comunicado en el que menciona que Petty "es una parte gigante de nuestra historia musical". El guitarrista selló su comunicado asegurando que "jamás habrá nadie como él".
El deceso de Tom Petty no se ha cerrado al mundo de la música: personajes del cine y hasta de la literatura han manifestado su dolor.
El comediante Rob Schneider compartió una letra del músico, para luego agradecerle "por la banda sonora de nuestras vidas".
El actor nominado a los Globo de Oro John Cusack se remitió a un sobrio "Tom Petty. Qué día".
El escritor Stephen King también se acercó a las redes sociales para manifestarse: "¿Se ha ido Tom Petty? Eso es terrible. Ha sido un pésimo día en muchas dimensiones".
Jason Aldean, la estrella del country moderno, al centro del tiroteo en Las Vegas
El Mercurio
Es uno de los artistas más populares del género y también uno de los que hacen más giras. Antes de esta matanza, sus recitales fueron foco de otras tragedias.
Por Romina Raglianti
Jason Aldean no es reconocido en Chile, pero en Estados Unidos es una de las principales estrellas de la música country actual. El género, el más escuchado en la radio en ese país, es uno que se potencia especialmente en vivo, y recitales y festivales congregan a millones de fanáticos. Aldean era el número que cerraba la cuarta versión del Route 91 Harvest Festival en Las Vegas, con una audiencia de 40 mil personas que alcanzó a escucharlo 20 minutos antes de que comenzara la balacera que se convirtió en el tiroteo más letal en Estados Unidos desde que se registran estos eventos.
El cantante -que el año pasado fue nombrado el Artista del Año por la Academia de Música Country y en 2014 se convirtió en el solista masculino más vendedor del género en plataformas digitales- es reconocido por sus numerosas e intensas giras. Pero estas han estado marcadas por eventos trágicos. En 2013, el bus en el que viajaba su equipo mató a un peatón en Indiana. Un año después ocurrieron tres eventos: en mayo, un hombre se suicidó en el teatro donde Aldean estaba cantando; en julio, uno de sus fans desapareció durante uno de sus conciertos en Cleveland y su cuerpo fue encontrado cinco días después. Se determinó que había caído accidentalmente por un ducto de basura del estadio. Y poco después, otro de sus seguidores abandonó su show en estado de ebriedad y arrolló a un policía. "Vi cosas en ese período que no me gustaría volver a vivir", dijo el artista en septiembre de ese año. "Ha sido muy raro, hemos tenido una mala racha".
Lo vivido ahora en Las Vegas supera con creces lo anterior. Aldean abandonó corriendo el escenario poco después de que empezaron los disparos y sus posteriores declaraciones fueron de desconcierto. "Algo ha cambiado en este país y en el mundo que da miedo ver. Se está volviendo en el lugar en el que temo criar a mis hijos", escribió en Twitter. También hizo un llamado a la unidad. "Al final no somos demócratas o republicanos, blancos o negros, hombres o mujeres. Todos somos humanos y todos somos estadounidenses. Es tiempo de empezar a actuar como si lo fuéramos y a juntarnos como UNO (...). ¡Es hora de juntarnos y detener el odio!".
Difícil comienzo
Jason Aldean -cuyo apellido real es Williams- nació en Georgia hace 40 años. Creció escuchando rockeros como Guns n' Roses, y este género ha influenciado fuertemente su apuesta en el country . Tras trabajar como camionero y tocar en un bar, fue descubierto en 1998, a los 21 años, por un productor que se lo llevó a Nashville. Le costó empezar: recién en 2005, tras el rechazo de varios sellos, lanzó su primer álbum, "Jason Aldean".
Desde entonces ha lanzado otros seis discos de estudio -un octavo saldría a fines de este año- y ha vendido más de 21 millones de copias. Una de sus características es su personalidad arisca y el hecho de que no le gusta sonreír en las fotos. Ha criticado desde la industria del country hasta la decadencia del rock actual, y se ha burlado abiertamente del perfil ultraconservador que suele atribuirse a los fans del country en Estados Unidos. "No intento ser algo que no soy. Es demasiado trabajo", confesó en un perfil de Billboard. Pero es esa lejanía del perfil habitual de celebridades que buscan adoración la que le ha ganado una fiel legión de fans, que lo llaman el "héroe de la clase trabajadora".
El artista retomará su gira este viernes, cuando dé un concierto en Los Angeles, y luego participará en un evento de beneficio por el huracán en Texas el 12 de octubre.
Eventos cancelados
Como muestra de solidaridad con las víctimas del tiroteo, Warner Bros. canceló una premiere de "Blade Runner 2049" anoche en Hollywood, y Estée Lauder hizo lo mismo con una fiesta en Nueva York.
Celebridades piden un mayor control de armas
Sumándose a un debate habitual cada vez que hay un evento similar en el país norteamericano, varios artistas han usado las redes sociales para pedir leyes más estrictas en el uso de armas. Lady Gaga tuiteó: "Hay sangre en las manos de los que tienen poder para legislar", mientras que Ariana Grande, cuyo concierto en Manchester en mayo fue escenario de un atentado terrorista, dijo: "Necesitamos amor, unidad, paz, control de armas y que la gente vea esto por lo que es: terrorismo".
La actriz Julianne Moore expresó: "Estoy de luto por esta pérdida de vidas sin sentido. ¿Qué se necesita para que el Congreso actúe?", mientras que Emmy Rossum, enfatizó "Necesitamos mejores leyes. En ningún mundo un civil necesita una metralleta. Arreglemos esto".
Incluso en el mundo de la música country, donde la mayoría apoya la libertad de tener armas, hubo voces disidentes. Caleb Keeter, guitarrista de Josh Abott Band que estaba presente en el lugar del tiroteo, escribió: "Toda mi vida he defendido la segunda enmienda. No puedo expresar lo equivocado que estaba. Teníamos miembros de nuestro equipo con armas legales y fueron inútiles (...) Necesitamos control ahora".
¡Feliz cumpleaños, Violeta Parra!
Ya sea con guitarra o en formato sinfónico, su enorme obra musical se despliega el día de hoy.
Por Romina de la Sotta Donoso
Debido al pronóstico de lluvias se postergó el concierto "Violeta en los balcones", que iban a ofrecer esta tarde en el frontis de La Moneda las Orquestas Juveniles e Infantiles (FOJI), e Isabel y Tita Parra y Anita Tijoux, entre otras voces.
Sin embargo, hay otras celebraciones gratuitas en el día del cumpleaños de Violeta Parra.
Desde las 9 horas de hoy, la Radio Valentín Letelier de la U. de Valparaíso recorre su obra en un programa de los periodistas Eduardo Drouillas y René Cevasco. Se sumarán Cristián Warnken y Juan Estanislao Pérez.
También desde las 9 horas , radio Los 40 presenta "UltraVioleta. Después de vivir un siglo", con 30 músicos -desde Américo y Gepe hasta Javiera y Ángel Parra- y sus versiones de las piezas de la cumpleañera.
A las 11:30 horas , el Taller Musikahuín, del Departamento de Música de la UMCE, ofrece el concierto "Viola Rebelde". La curatoría tiene dos focos: Parra como pionera en Chile de la canción de contenido social, y como una innovadora que amplió los límites de la canción popular, incorporando recursos folclóricos (J.P. Alesandri 774). Desde "Maldigo del alto cielo" y "Hace falta un guerrillero" hasta "El día de tu cumpleaños" y "El gavilán".
Desde las 13:30 horas hasta las 18 habrá una fiesta en el Museo Violeta Parra (Vicuña Mackenna 37). Actuarán Las Primas, Así e' la Cosa y los organilleros de la familia Lizana, y habrá talleres. Asimismo, se expondrá por primera vez al público el óleo "Fiesta en casa de Violeta", de la cumpleañera.
A las 19 horas se estrena el concierto "Canto a la diferencia", de la Orquesta Usach, en el Aula Magna Usach (Ecuador 3659). Con la dirección de Nicolas Rauss y las voces solistas de Magdalena Matthey y Pamela Flores, se interpretarán arreglos de Guillermo Rifo del cancionero de Parra. Se transmite vía streaming en www.facebook.com/UsachExtension, y se repite el martes 11 en el Centro Cultural de Lo Prado y el miércoles 18 en la Aldea del Encuentro de La Reina.
A las 24 horas, el programa Siglo XXI de Radio Beethoven presentará una selección de emblemáticas creaciones contenidas en sus discos "Canciones reencontradas en París", "Cantos campesinos", "Composiciones para guitarra" y "Las últimas composiciones", enriquecida con análisis estéticos sobre su genial aporte.
Con conciertos en todo el país celebran el Día de la Música
Habrá shows gratuitos en todas las regiones para conmemorar hoy el centenario del nacimiento de Violeta Parra.
Por Raimundo Flores
Es el acontecimiento que ha marcado gran parte del año cultural en Chile, y hoy llega a su punto cúlmine. Hace 100 años nació la cantautora Violeta Parra, y, como se acostumbra desde 2004, en el aniversario de su nacimiento se celebra una nueva edición del Día de la Música Chilena.
"No podíamos no celebrar a Violeta, porque su significado está a la vista de todos. Felizmente, estos cien años de Violeta le han dado una impronta muy especial a la celebración. Ella cambió la música chilena, puso un contenido muy impresionante de poesía en el cantar y fue una conocedora de nuestras tradiciones como ninguna otra. Es importantísimo siempre tenerla presente y festejarla", asegura Horacio Salinas, miembro de Inti Illimani Histórico y presidente de la SCD, institución que, junto al Consejo de la Cultura y las Artes, encabeza las celebraciones.
En esta ocasión, las actividades en la Región Metropolitana contemplan 30 escenarios, en los que se presentarán 50 artistas de diversos estilos, en su mayoría a partir de las 19:00 horas.
Dentro del repertorio más clásico de músicos que se presentarán en Santiago están Buddy Richard y Banda Canitrot, en Quinta Normal; Andrea Tessa, en Santiago Centro; Eduardo Gatti y la banda Perrosky, en Ñuñoa; Patricio Manns, en Talagante, y La Sonora de Tommy Rey, en Pedro Aguirre Cerda.
Otras presentaciones incluirán a Pedropiedra, en San Joaquín; Nano Stern, en La Pintana; Prehistöricos y Hausi Kuta, en La Reina; Movimiento Original, en La Florida; (Me llamo) Sebastián, en Maipú, y Pascuala Ilabaca junto a Rulo, en Estación Central.
Las regiones también se harán parte de la celebración contando no solo con conciertos gratuitos, sino que también con actividades, como talleres, exposiciones, charlas y la presentación de obras teatrales.
El grupo de hip hop Tiro de Gracia estará en Tarapacá; Camila Moreno, en Atacama; Inti Illimani Histórico junto a Denisse Malebrán, en Concepción; Los Jaivas, en Puerto Montt, y Los Miserables, en Puerto Aysén. En todas estas presentaciones también habrá un amplio espacio para bandas locales que tendrán la oportunidad de compartir escenario con algunos de los nombres más consolidados de la música chilena.
En Valparaíso, anoche se realizó el concierto "1.000 voces para Violeta", en el que Anita Tijoux, Tita Parra y Pascuala Ilabaca se unieron a un coro de mil mujeres para interpretar canciones de la cantautora. Hoy, las celebraciones continúan con la interpretación de sus obras en clave sinfónica con la participación de la Orquesta Cormuval bajo la dirección de Francisco Villalobos.
En Punta Arenas, la conmemoración también se extenderá, ya que el sábado se presenta Gepe junto a la banda regional "As de Oros", en el Liceo Industrial Armando Quezada.
El objetivo de los organizadores es que el 4 de octubre vaya adquiriendo mayor visibilidad entre los chilenos y sea una fecha recordada por todos los seguidores de la música.
"Estamos muy alertas para ir creando esta tradición, con perseverancia, con un trabajo inteligente y con muchas alianzas. Cuando se tiene un conjunto importante de artistas nacionales que hace música, este país es más alegre y mejor, y nos podemos reconocer con mucho orgullo. Ese es el sentido que tiene la cultura, en general, en los países, porque es lo que trasciende", sostiene Salinas.
La programación completa del Día de la Música se puede encontrar en los sitios web de la SCD y del Consejo Nacional de la Cultura y las Artes.
Con conciertos en todo el país celebran el Día de la Música
Habrá shows gratuitos en todas las regiones para conmemorar hoy el centenario del nacimiento de Violeta Parra.
Por Raimundo Flores
Es el acontecimiento que ha marcado gran parte del año cultural en Chile, y hoy llega a su punto cúlmine. Hace 100 años nació la cantautora Violeta Parra, y, como se acostumbra desde 2004, en el aniversario de su nacimiento se celebra una nueva edición del Día de la Música Chilena.
"No podíamos no celebrar a Violeta, porque su significado está a la vista de todos. Felizmente, estos cien años de Violeta le han dado una impronta muy especial a la celebración. Ella cambió la música chilena, puso un contenido muy impresionante de poesía en el cantar y fue una conocedora de nuestras tradiciones como ninguna otra. Es importantísimo siempre tenerla presente y festejarla", asegura Horacio Salinas, miembro de Inti Illimani Histórico y presidente de la SCD, institución que, junto al Consejo de la Cultura y las Artes, encabeza las celebraciones.
En esta ocasión, las actividades en la Región Metropolitana contemplan 30 escenarios, en los que se presentarán 50 artistas de diversos estilos, en su mayoría a partir de las 19:00 horas.
Dentro del repertorio más clásico de músicos que se presentarán en Santiago están Buddy Richard y Banda Canitrot, en Quinta Normal; Andrea Tessa, en Santiago Centro; Eduardo Gatti y la banda Perrosky, en Ñuñoa; Patricio Manns, en Talagante, y La Sonora de Tommy Rey, en Pedro Aguirre Cerda.
Otras presentaciones incluirán a Pedropiedra, en San Joaquín; Nano Stern, en La Pintana; Prehistöricos y Hausi Kuta, en La Reina; Movimiento Original, en La Florida; (Me llamo) Sebastián, en Maipú, y Pascuala Ilabaca junto a Rulo, en Estación Central.
Las regiones también se harán parte de la celebración contando no solo con conciertos gratuitos, sino que también con actividades, como talleres, exposiciones, charlas y la presentación de obras teatrales.
El grupo de hip hop Tiro de Gracia estará en Tarapacá; Camila Moreno, en Atacama; Inti Illimani Histórico junto a Denisse Malebrán, en Concepción; Los Jaivas, en Puerto Montt, y Los Miserables, en Puerto Aysén. En todas estas presentaciones también habrá un amplio espacio para bandas locales que tendrán la oportunidad de compartir escenario con algunos de los nombres más consolidados de la música chilena.
En Valparaíso, anoche se realizó el concierto "1.000 voces para Violeta", en el que Anita Tijoux, Tita Parra y Pascuala Ilabaca se unieron a un coro de mil mujeres para interpretar canciones de la cantautora. Hoy, las celebraciones continúan con la interpretación de sus obras en clave sinfónica con la participación de la Orquesta Cormuval bajo la dirección de Francisco Villalobos.
En Punta Arenas, la conmemoración también se extenderá, ya que el sábado se presenta Gepe junto a la banda regional "As de Oros", en el Liceo Industrial Armando Quezada.
El objetivo de los organizadores es que el 4 de octubre vaya adquiriendo mayor visibilidad entre los chilenos y sea una fecha recordada por todos los seguidores de la música.
"Estamos muy alertas para ir creando esta tradición, con perseverancia, con un trabajo inteligente y con muchas alianzas. Cuando se tiene un conjunto importante de artistas nacionales que hace música, este país es más alegre y mejor, y nos podemos reconocer con mucho orgullo. Ese es el sentido que tiene la cultura, en general, en los países, porque es lo que trasciende", sostiene Salinas.
La programación completa del Día de la Música se puede encontrar en los sitios web de la SCD y del Consejo Nacional de la Cultura y las Artes.
lunes, octubre 02, 2017
Músicos y técnicos del mítico Ircam de París vienen a Chile
El Mercurio
Del 11 al 14 de octubre habrá talleres, charlas y música en vivo con grandes compositores y científicos que mostrarán los avances en tecnologías musicales.
Por Romina de la Sotta Donoso
Pierre Boulez lo fundó en 1970, porque se lo encargó el presidente de Francia, Georges Pompidou. El Instituto de Investigación y Coordinación Acústico-Musical (Ircam, por su sigla en francés) respondía a la creciente necesidad de nuevas tecnologías musicales y sonoras, acordes a la evolución misma de la música. "El Ircam es un faro para los compositores. Están desarrollando las últimas tecnologías musicales, y dan cursos para acceder a usar estos softwares ", aclara el compositor e ingeniero Rodrigo Cádiz, profesor asociado del Instituto de Música UC.
Avances que ahora llegan a Santiago con una comitiva desde París y que serán compartidos en charlas y talleres en el Forum Ircam, entre el 11 y 14 de octubre en el GAM, tras un esfuerzo conjunto de las universidades de Chile y Católica, con apoyo de la embajada de Chile en París. Las inscripciones están abiertas hasta mañana, en Forumnet.ircam.fr y son gratuitas para los alumnos de esas universidades.
"El Ircam viene a mostrar lo último que se está haciendo en el campo de la investigación acústica e informática para el sonido", detalla el compositor Antonio Carvallo, del Gabinete de Electroacústica para la Música de Arte (GEMA), de la Universidad de Chile. "Y también se comunicarán asuntos informáticos y científicos. Por ejemplo, habrá charlas del Centro de Modelamiento Matemático de la U. de Chile", agrega.
La comitiva del Ircam la encabeza el compositor catalán Héctor Parra (1976). "Estoy muy emocionado. Chile es actualmente una de las puntas de flecha de la nueva creación en el mundo, dentro de una América Latina muy potente, ya que las nuevas generaciones de compositores han sabido sintetizar con éxito las exploraciones tímbricas con un mundo armónico influido por el espectralismo francés de los años 80-90, la electrónica en tiempo real y su influencia sobre la instrumentación y, lo más importante, una autenticidad expresiva propia y un lirismo completamente original", comenta Parra.
También vienen el compositor chileno José Manuel Fernández (1973), quien es desarrollador de música computacional en el Ircam; Carlos Argón, profesor de Ciencias de la Computación de La Sorbonne, y Jean-Louis Giavitto, director del Centro Nacional para la Investigación Científica (CNRS) de Francia.
A las 19:30 horas del viernes 13, en el GAM (con retiro previo de entradas gratuitas), un ensamble chileno interpretará obras de Parra y Fernández, además del francés Philippe Manoury y del chileno Rodrigo Cádiz. Este último presentará "eQuena", que es para quena, arcontinuo y electrónica.
Cómo los sellos independientes enfrentan el auge del streaming musical
El Mercurio
Estas empresas nacionales buscan potenciar sus posibilidades dentro de las nuevas plataformas que abrieron una impensada fuente de ingresos.
Por Raimundo Flores
La llegada de las plataformas de streaming remeció una vez más a la siempre agitada industria musical, generando los mayores cambios desde la aparición de internet. La posibilidad de contar con un catálogo de millones de canciones en un celular no solo cambió la forma en que las personas escuchan música, sino que agregó un nuevo escenario de distribución.
En Chile, los sellos independientes, que trabajan con un gran porcentaje de los músicos locales más destacados, han debido adaptarse a las nuevas reglas del juego. "Hoy, las estrategias de difusión y promoción quedan obsoletas en un menor tiempo. La sobrepoblación de canciones ha puesto la vara más alta para los músicos, managers y promotores, en el objetivo de posicionar y destacar cierto material", dice Felipe Guerra, encargado digital de Quemasucabeza, sello que en su catálogo incluye a artistas como Gepe, Ases Falsos y Pedropiedra.
Los nuevos desafíos también han traído ventajas imprevistas para los músicos. Si el escenario generalizado hace unos años era la tendencia a la baja de ventas en formato físico y la apuesta por obtener la mayor cantidad de ingresos a través de las presentaciones en vivo, hoy el streaming ha sumado una nueva forma de generar ganancias. A pesar de que el monto que pagan las plataformas por cada reproducción es bajo, al ser multiplicado por los miles o millones de veces que una canción puede ser escuchada, las cifras pueden llegar a ser significativas para los artistas.
"El cambio se reflejó cuando empezó a llegar una plata que antes no existía. Porque la música en internet ya estaba, pero la capacidad de monetización fue la novedad", explica Nicolás Carrasco, productor musical y director de Potoco Discos, sello a cargo de varios de los principales álbumes de hip hop local de los últimos años, quien agrega: "Sostener el sello o atreverte a hacer cosas nuevas es más fácil sabiendo que va a existir esa plata".
El bajo costo de las suscripciones para estos servicios hizo que personas que no estaban acostumbradas a pagar por escuchar música, se decidieran a hacerlo. De hecho, estudios europeos postulan que la consolidación de estas plataformas ha disminuido las descargas ilegales.
A medida que ha ido creciendo la popularidad y rentabilidad de las plataformas de streaming , los sellos también han aumentado su interés por tener visibilidad en ellas. "Así como en una estación de radio el programador define qué música tocar y los auditores escuchan, en las plataformas existen los playlists oficiales que -tal como una radio- permiten programar y sugerir nueva música a sus suscritos, aumentando el nivel de reproducción de una canción a niveles exponenciales", explica Víctor Schlesinger, creador de Tierra de Fuego, primer servicio de distribución digital chileno que se encarga de posicionar a músicos y sellos en plataformas de streaming .
En busca de ocupar estos espacios, los sellos independientes se movilizan tratando de generar lazos con las plataformas que permitan un intercambio fluido de nuevos estrenos y novedades. "La situación es un poco más democrática, pero el poder aún no está en la música independiente. Es más fácil subir el contenido, pero que eso se vea depende de muchas cosas", dice Jaime Concha, director de La Makinita, sello con el que trabajan grupos como Juanafé e Inti Illimani. Schlesinger complementa: "Las multinacionales, por su posición dominante de mercado, suelen tener un mejor acceso a estas posiciones privilegiadas en las playlists ".
Es ahí donde los sellos apuestan por hacer la diferencia y atraer a los músicos independientes para ayudarlos a competir con las multinacionales, a través de la inyección de recursos y la experiencia en gestión, buscando sobresalir dentro de los millones de opciones que hoy tienen los oyentes al alcance de la mano.
Ganancias
Aunque suele ser un monto bajo el que pagan las plataformas de música en streaming, el alto número de reproducciones de los usuarios permite que los artistas tengan ganancias significativas con su música.
Manfred Engelbert: "Hay que evitar convertir a la Violeta Parra en un artículo de lujo"
Al cumplirse 100 años del nacimiento de la autora de "Gracias a la vida", este miércoles en San Carlos y el 12 de octubre en la prestigiosa Feria del Libro de Frankfurt, el académico germano presentará la tercera edición de su antología bilingüe: "Violeta Parra, Lieder aus Chile". Engelbert es crítico de algunas teorías recientes en torno a esta creadora y llama a rescatar su obra "como una síntesis musical de todo Chile".
Por Maureen Lennon Zaninovic
"Violeta Parra es nuestro Shakespeare. En sus canciones están contenidos todos los sentimientos y emociones humanas, y en su alucinado recorrido ellas van tocando esa gama infinita de pequeñas esperanzas y borrosos sueños, de amaneceres y cuerpos degollados, de amores inmortales y abruptos abandonos".
Son palabras del Premio Nacional de Literatura Raúl Zurita vertidas en julio del 2016, en el marco de la presentación de "Poesía, Violeta Parra", publicado por la Editorial Universidad de Valparaíso (la recopilación, estudio preliminar y notas de este elogiado volumen fueron realizadas por la académica de la UC Paula Miranda).
Más adelante en la presentación de este texto, el autor de "Anteparaíso" rememora que en 1978, Manfred Engelbert, docente de filología románica de la Universidad Georg-August Göttingen (Alemania), "a quien le rindo aquí un homenaje, traduce y publica en Frankfurt una antología bilingüe de 'Violeta Parra, Lieder aus Chile' (Frankfurt: Vervuert), en la que se la presenta por primera vez como una gran poeta, a la altura de Pablo Neruda, de Gabriela Mistral y de su hermano Nicanor".
Instalado por algunos días en Santiago, Engelbert comenta a "Artes y Letras" que agradece el reconocimiento que le hizo Raúl Zurita. "Él supo captar la esencia de mi obra y por eso le pedí permiso para incluir su escrito en la tercera edición de mi libro".
La antología bilingüe es uno de los puntos altos de la conmemoración del centenario del nacimiento de la autora de "Volver a los 17". Este miércoles, en la ciudad de San Carlos y con el apoyo de la Dirección de Asuntos Culturales de la Cancillería (Dirac), se realizará su primera presentación pública. El 12 de octubre, esta tercera versión corregida y aumentada (la primera, de 1978, se reeditó un año después) se lanzará en Alemania, en la prestigiosa Feria del Libro de Frankfurt, con las intervenciones -además del investigador germano- del propio Raúl Zurita, de la editora Anne Wigger y de la periodista María Teresa Cárdenas, de "El Mercurio". Finalmente, el 15 de este mes, será el turno de la ciudad de Göttingen.
El volumen, publicado por la editorial Iberoamericana-Vervuert incluye una selección de poemas-canciones en alemán y español y, como advierte Manfred Engelbert, "se conservan algunas secciones que publiqué en 1978 para mostrar la vigencia de lo que manifesté en esa época. En esta última edición, además, incluí un importante suplemento donde intento cubrir los avances y necesidades futuras en torno a la investigación".
El experto reafirma una de sus tesis. A su juicio, con el correr de los años, la figura de la autora de "Gracias a la vida" se ha vuelto igual de valiosa que la de los "cuatro grandes", los premios Nobel Gabriela Mistral y Pablo Neruda lado a lado con Vicente Huidobro y Pablo de Rokha. "Pero este reconocimiento es de fecha reciente. En agosto de 1992 asistí en la Universidad Metropolitana de Ciencias de la Educación a una conferencia de Volodia Teitelboim, político comunista, ensayista, poeta y compañero de senda de Pablo Neruda. El tema era justamente esa 'cuadriga'. Cuando le pregunté si no sería adecuado hablar de los 'cinco grandes' y así incluir a Violeta Parra, dudó un momento, para luego responder: 'Ah, bueno, Violeta es grande, pero otra cosa'".
Engelbert considera que en un momento en que Bob Dylan ha sido reconocido con el Premio Nobel de Literatura se hace evidente concebir a los cantautores como poetas, y si bien ha habido claros avances en la difusión de la obra de esta artista nacida en San Carlos, en Alemania su conocimiento sigue siendo marginal. También reafirma, tal como lo señaló en una entrevista en Revista de Libros de "El Mercurio" en 1993, bajo el título "Violeta Parra vista por un alemán", que el centro de la obra de la autora de "Casamiento de negros" es la poesía cantada. "Insisto que se trata de poemas-canciones y que es importante tener en cuenta la música".
El investigador germano cree que a partir de la década del 90, en Chile, la creación de la autora de "La Jardinera" ingresa a la academia y comienza a ser objeto de estudio. Eso sí, dentro esta reciente reivindicación y proliferación de textos, antologías y biografías -fundamentalmente en nuestro país-, Manfred Engelbert plantea matices: "Yo mismo puedo caer en esta crítica. Hay que evitar convertir a la Violeta Parra en un artículo de lujo, en un objeto demasiado académico, alejado de los orígenes y del público al que ella aspiraba".
El experto es crítico de algunas teorías en torno a esta compositora. "Sobre todo algunas son exageradas y están falsificando a la Violeta. El caso más extremo es la mapuchización. Es fantástico poner atención en las canciones mapuches recolectadas por ella y prácticamente desconocidas. Eso, sin duda, es un descubrimiento mayor. No me parece que, a través de ese descubrimiento, se diga que hay una médula mapuche en la poesía cantada de Violeta. Darle demasiada importancia y transformarla en una machi no me parece correcto. Lo que tiene de valioso su obra es una sensación de plenitud: una fusión de elementos".
Los orígenes de su pasión
Engelbert rememora un viaje a Perú realizado hacia fines de la década del 60. En ese momento estaba muy interesado en la literatura peruana y, en particular, en la obra del escritor romántico-costumbrista Ricardo Palma (1833-1919). Como parte de esa investigación, llegó a Chile buscando las huellas de los escritos de Palma en nuestro país. "Y me encontré con esa legendaria mesa redonda en la que participaron, entre otros, José María Arguedas y José María Palacios. Fue la primera vez que escuché el nombre de Violeta. Como estaba en todos los escaparates, compré el disco 'Las últimas composiciones'. Ahí partió mi interés. La pasión por su obra ocurrió más tarde". El autor añade que en 1976, en París, conoció a su hijo, Ángel Parra. "Fuimos muy amigos y él me ayudó muchísimo a concretar el proyecto de la antología que se publicó por primera vez en 1978".
En la introducción de su libro, Manfred Engelbert entrega algunos datos biográficos de la cantautora nacida el 4 de octubre de 1917 en San Carlos de Ñuble. "Se está comenzando a revaluar la importancia de Nicanor Parra en su carrera", afirma, y añade que "es indudable que su hermano la introduce en un mundo cultural e intelectual. Le ofrece la posibilidad de avanzar en su educación y seguramente impulsó a la Violeta a investigar. Nicanor la anima a cantar de una forma diferente".
Carácter apocalíptico
Apoyándose en el estudio de Patricio Manns, el experto enfatiza en el carácter apocalíptico de la artista. "Cada vez comparto más esa mirada. Es casi una moneda corriente decir que fue un personaje insoportable, que transmitía una violencia, una convicción férrea de que lo que ella estaba haciendo debía valorarse. No era una persona atractiva por su físico, sino por su fuerza vital. Esa furia de vivir, esa insistencia en mostrar quién era ella, revela un modo de ser apocalíptico".
Manfred Engelbert también subraya la contradicción de sentimientos en su obra y cita como ejemplo "Versos por matrimonio" ("Décimas"), donde estamos ante "el amor por un lado como un evento natural y, por otro, como opresión de la mujer; un modo de vivir los roles para nada típico y la actitud de asombro respecto al varón que actúa 'virilmente'". El académico destaca a la mujer que se endereza con su guitarra. "Podría parecer patético, pero probablemente es así: su arte se constituye en una necesidad vital para ella".
El experto germano profundiza en las contradicciones de la autora de "Volver a los 17": "Por un lado el amor profundo y por otro la posibilidad del odio. Una vida privada muy intensa y, por otro lado, un compromiso intenso con la vida pública. La depresión por un lado, el entusiasmo por otro. En un momento no tiene ningún problema de invocar a Dios y los santos, en situaciones difíciles, pero no por eso abandona su ser anclado en este mundo como en 'Ayúdame Valentina', donde habla de que el paraíso hay que construirlo en la Tierra". Siguiendo este análisis, Manfred Engelbert considera que muchas veces esa contradicción -como se aprecia en 'Gracias a la vida'- se da en la conciencia de una vivencia plena. "Eso es lo más importante en la obra de Violeta: ella vivió las contradicciones, no las negó y, al mismo tiempo, buscó una solución para vivirlas en conciencia", dice.
Otro episodio clave es su paso por Concepción, en la década del 50. "La Violeta se encontró con Nemesio Antúnez, con Julio Escámez, con el fotógrafo Sergio Larraín y con el cineasta Sergio Bravo, quien fue muy importante para ella durante esa época. Bravo hizo sus dos primeros cortos de importancia: 'Mimbre' y 'Trilla', y para ambas películas esta artista compuso una música que se conoce poco: una cueca disonante. Había un ambiente vanguardista y la Violeta estuvo ahí con ese enorme poder de apropiación de ideas y formas. Ella comienza a explorar una música atonal, emplea disonancias como este tritono que destaca la investigadora Lucy Oporto en 'El Gavilán'".
Manfred Engelbert vuelve al tema de las contradicciones, porque si bien la autora de San Carlos coquetea con la vanguardia, en 1960 compone "Yo canto a la diferencia" donde opta por un lenguaje musical y verbal directo, "desligándose de un hablar retórico y de recovecos, distinguiendo la verdad de lo falso. Se desliga, precisamente, de tendencias demasiado formalistas. Hay una estrofa en 'Cantores que reflexionan' donde critica a los artistas que se han dejado encandilar por las luces de la fama y yo creo que ahí estamos ante un adiós directo a estas formas vanguardistas con las cuales ella experimentó, pero que al final no la terminaron de satisfacer".
El experto remata que ella abandona esta vanguardia para dedicarse a lo suyo: a lo tradicional, pero refrescado para un discurso contemporáneo. "Eso es algo muy interesante y le da a la obra de Violeta un espesor cultural único. Ella recoge una cultura, unos ritmos, unas formas de hablar y un contenido que vienen de una España de hace 500 años, pero modernizados para hablar del presente de Chile. Utiliza la sirilla, que ella descubre en Chiloé, la cueca, la tonada y los ritmos del norte. Trata de reunir musicalmente a todo Chile. En esa reunión, ella se convierte en un artista universal".
"Ella recoge una cultura, unos ritmos, unas formas de hablar y un contenido que vienen de una España de hace 500 años, pero modernizados para hablar del presente de Chile".
"Transformarla en una machi no me parece correcto. Lo que tiene de valioso su obra es una sensación de plenitud: una fusión de elementos".
Realizan la mayor encuesta de hábitos culturales en el país
El Mercurio
Por Martín Cifuentes Fuentes
A principios de agosto pasado, el Consejo Nacional de la Cultura y las Artes (CNCA) inició el desarrollo de la IV Encuesta Nacional de Participación Cultural. Enfocada en realizar el mayor catastro ciudadano de consumo cultural, llevó a 200 encuestadores alrededor de todo Chile, centrándose en las tres regiones más pobladas -Santiago, Valparaíso y Biobío-. Además, respecto de la versión 2012, los encuestados subieron de 8.200 a 13.140.
Con este proceso, realizado junto al Centro de Encuestas y Estudios Longitudinales de la Universidad Católica de Chile, se pretende mostrar cómo y cuánto han cambiado el consumo y hábitos culturales en distintos ámbitos, desde cine, TV y ópera hasta uso de radio e incluso visitas a museos. Según explican desde el organismo público, ahora mejoraron la precisión estadística respecto de las veces anteriores. Las viviendas fueron elegidas luego del precenso que realizó el INE en abril pasado.
Afirman que, con el aumento de casos, tendrán la cantidad necesaria para realizar "generalizaciones estadísticas que permitan tener datos representativos para todo el país". Además, en comparación a la versión anterior, incluyeron preguntas específicas, como cuáles fueron las últimas películas vistas en el cine y obras de teatro, entre otros, y si fueron solos o acompañados.
"Hemos ampliado en un 60% el tamaño de la muestra, permitiendo con esto una mayor validez estadística de los resultados, en un contexto donde estos análisis se vuelven cruciales para la implementación del nuevo Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio", comenta el ministro de Cultura, Ernesto Ottone.
Tras el proceso, que termina la semana del 25 de octubre, se analizarán los resultados y estarán disponibles durante el próximo año.
Por Martín Cifuentes Fuentes
A principios de agosto pasado, el Consejo Nacional de la Cultura y las Artes (CNCA) inició el desarrollo de la IV Encuesta Nacional de Participación Cultural. Enfocada en realizar el mayor catastro ciudadano de consumo cultural, llevó a 200 encuestadores alrededor de todo Chile, centrándose en las tres regiones más pobladas -Santiago, Valparaíso y Biobío-. Además, respecto de la versión 2012, los encuestados subieron de 8.200 a 13.140.
Con este proceso, realizado junto al Centro de Encuestas y Estudios Longitudinales de la Universidad Católica de Chile, se pretende mostrar cómo y cuánto han cambiado el consumo y hábitos culturales en distintos ámbitos, desde cine, TV y ópera hasta uso de radio e incluso visitas a museos. Según explican desde el organismo público, ahora mejoraron la precisión estadística respecto de las veces anteriores. Las viviendas fueron elegidas luego del precenso que realizó el INE en abril pasado.
Afirman que, con el aumento de casos, tendrán la cantidad necesaria para realizar "generalizaciones estadísticas que permitan tener datos representativos para todo el país". Además, en comparación a la versión anterior, incluyeron preguntas específicas, como cuáles fueron las últimas películas vistas en el cine y obras de teatro, entre otros, y si fueron solos o acompañados.
"Hemos ampliado en un 60% el tamaño de la muestra, permitiendo con esto una mayor validez estadística de los resultados, en un contexto donde estos análisis se vuelven cruciales para la implementación del nuevo Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio", comenta el ministro de Cultura, Ernesto Ottone.
Tras el proceso, que termina la semana del 25 de octubre, se analizarán los resultados y estarán disponibles durante el próximo año.
domingo, octubre 01, 2017
Habla Alberto Zapicán sobre Violeta Parra: "Me amaba y yo también"
El Mercurio de Valparaíso
"Ella está presente", dice el uruguayo, compañero de vida y de trabajo de la artista en los meses previos a su muerte. Desde Montevideo, cuenta que nunca vio otra mujer con su fuerza y magnitud.
Alberto Zapicán, tiene 90 años, es uruguayo y fue la última pareja que tuvo Violeta Parra.
Desde su país natal, habló con el suplemento de cultura de El Mercurio de Valparaíso, KU en los escenarios y en la vida los últimos meses antes de su muerte. En su casa de la ruta que va de Montevideo a Punta del Este, hecha con sus manos y muestra de un hombre que vive conectado con la naturaleza y los impulsos creativos, Zapicán se detiene en la mujer con mayúsculas, en su faceta humana y auténtica, generadora de conciencia, luchadora y plantada en su verdad.
Mucho se especuló sobre la relación entre ambos, muy probablemente el último amor de Violeta, aunque Alberto contesta con evasivas, tal vez dándole la razón a esa parte de la canción que ella compuso para él, “Albertío”, que dice: Discreto, fino y sencillo/ son joyas resplandecientes/ con las que el hombre que es hombre/ se luce decentemente.
-Pasó medio siglo de la muerte de Violeta. ¿Está presente de algún modo en su vida cotidiana?
-El símbolo más gráfico y más imponente de mujer continental es Violeta Parra. Y está presente porque yo siempre he estado y estoy en conexión con los valores de la nación indígena, con la gente de la tierra, y veo que el nivel al que llegó a honrar a la mujer Violeta, es único. ¿Cómo no tenerla presente si hay una constante actividad alrededor los derechos de la mujer? Por el machismo de Uruguay, el machismo de Chile, el machismo en general. Veo que las mujeres que se organizan y luchan, pero sin ánimo descalificador, sí quizás crítico, la magnitud de la actitud que ha tenido Violeta en la vida, yo no la veo y no la he visto en ninguna mujer. Seguir la huella de sí misma. Tener una actitud de lucha que signifique la entrega total de la vida… En este aniversario, en esta fiesta de sus 100 años, no veo mujeres que tengan ese derrotero de lucha, desligadas de partidos, de filosofías o religiones, ese camino con un propósito, que es lo que mostró por todos los ángulos Violeta.
-Si le pido una imagen cotidiana que ilustre esta autenticidad de la que habla, ¿qué me contaría?
-La primera imagen que se me viene es la de esa mujer chica, desprolija, no con esa atención de la feminidad que tiene la sociedad occidental, esa pulcritud para el mercado, para la venta, si no esa mujer de campo, natural, descuidada de sus medias, de sus zapatos. Esa mujer chica, con una guitarra en la mano, que entró al Louvre, un espacio sagrado universal. Entró sola, sin padrinos y mostró dentro del Louvre, durante mucho tiempo, la cultura de una nación, de Chile, mostró la danza, la artesanía, la escultura, el tejido, la poesía, el canto, llevando a sus hijos, a una nieta. Esa envergadura, esa magnitud de mujer, no la he viso en nadie, jamás. Ese símbolo, ¿cómo no va a estar presente todos los días? Pero yo no veo que tomen a la Violeta como un referente social, sino ilustrativo para hacer anecdótica la vida y tener algún dividendo. Un escritor hace una novela y lucra. No veo el seguimiento de su magnitud humana.
-¿Cuál era su relación con Violeta?
-Ella me amaba, y yo también, como amo a amigos y amigas que tengo por acá.
-Pero hay distintas clases de amor.
-Mi amor era ese, el amor a un ser que era maravilloso. Pero no una ilusión de pasión.
-Ella estaba triste cuando se conocieron, ¿cierto?
-Estaba recontra quebrada. Cuando la conozco es cuando el gringo Gilbert Favré (su ex pareja) se había ido hacía pocos meses, como tres o cuatro meses. Antes de eso había estado en Europa. Estando en Chile se dio la hecatombe con él y Gilbert se fue.
-Y con usted tuvieron mucha complicidad.
-Claro. Una relación en la que estás conviviendo en una habitación, también confunde a cualquiera, incluso hoy. En la misma pieza, yo dormía en una cama y ella en la otra. El que nosotros nos conectásemos fue por la actitud que teníamos frente a la vida. Si bien yo sabía lo que era ella, me enamoró la actitud. Concordaba lo que decía con lo que hacía, no andaba con un discurso para los escenarios. Y se encontró con un tipo que tenía la misma condición, que no se dejaba manejar. Ahí se produjo un idioma común. Yo ya venía con una historia en Uruguay, había participado en la primera marcha de los peludos, estaba en la directiva, hacía cosas dentro de la cultura, fui de los primeros en estar preso acá, y al llegar allá nos encontramos dos seres con un propósito de vida. Un encuentro importante, salvando las grandes diferencias, porque ella tuvo una calidad y una producción literaria y musical brutal.
-A usted le dedicó dos canciones.
-Sí, nosotros cantábamos muchas cosas. Hay temas que ha hecho por mí y también yo he hecho algún tema por ella que grabamos juntos y que quedaron con nombre de ella.
-¿Cómo era su manera de expresarse, de escribir?
-Ella era muy compulsiva, no contenía. Tenía mucha rabia o mucha alegría, pescaba el lápiz y en un minuto expresaba todo. El domingo que se suicidó escribió un mamotrete de papeles que fue infernal, cincuenta o cien hojas. Esas hojas las tenía a recaudo Nicanor Parra, creo que algo se filtró después. Tengo entendido que algunas cosas se publicaron, no todas. Fue muy ácida con lo que decía y las críticas que hacía.
-¿Qué dolor cree que la llevó a una decisión tan drástica?
-Violeta tenía la condición de angustiarse por las cosas sociales y no se quedaba con esa angustia: la expresaba con rabia o creatividad benefactora. Pero lo que es el amor personal, iba de fracaso en fracaso, porque un temperamento tan fuerte era muy difícil que una pareja lo soportase. Tendría que haber tenido una persona igual que ella para soportar esa magnitud de poder. Siempre tenía conflictos con las parejas y terminaban yéndose. Además, había cosas familiares. En lo social, no sentía que estuviese siendo comprendida ni aceptada. Tenía mucha popularidad, tocábamos en lugares donde había miles de personas, pero no estaba la aceptación de un sistema. Ella tenía muchos proyectos sociales y nadie le daba una mano. Cuando se suicidó tenía 80 escudos, ¿qué hacía con eso? Era todo su capital. Se hacían los encuentros de la peña y había que pedir la harina fiada para las empanadas. No había mucho público, estaba en un lugar inaccesible, lejos de Santiago, solo se podía llegar en taxi, en un entorno de una clase media alta que tenía resistencia hacia esa carpa, por los ruidos que generaba. Todo eso frustra, angustia, y la suma de situaciones emocionales fue minando su ánimo.
-En una fecha como ésta, ¿qué le parece importante remarcar?
-La magnitud de mujer luchadora, que tuvo un propósito de vida de defender los valores del pueblo de Chile y llevarlo a costa de su propia vida, sin contradicciones, las 24 horas. La gente consume o se regodea con el conocimiento de Violeta, eso les da un lugar en la vida, pero no muestra lo que deberían seguir: su real envergadura de luchadora. El pueblo, en el caso de Chile, es un matriarcado y es poderoso, es el dominio de la mujer en el hogar. La mujer tiene poder, pero no lo usa hacia una proyección social. Podrían tener a Violeta más como referente, tener presente la integridad de este ser que se la jugó. Ella no estaba para hacer un poema y que la aplaudieran. Estaba dando un mensaje por los cuatro ángulos de la vida. –
 |
| Violeta Parra y Alberto Zapicán |
Con una gran fiesta San Fabián de Alico celebrará el centenario de Violeta Parra
Soy Chile
Con cantos, bailes y representaciones homenajearán a la cantora de Ñuble, actividad que estará a cargo de los niños y niñas de la comuna.
Con cantos, bailes y representaciones homenajearán a la cantora de Ñuble, actividad que estará a cargo de los niños y niñas de la comuna.
El 4 de octubre se conmemorará el centenario del natalicio de la artista ñublensina Violeta Parra, fecha que se celebrará en toda la región y el país. San Fabián de Alico, no podía restarse de este acontecimiento y se alista para sumarse a esta tónica festiva.
En el día de los 100 años de la folclorista la comunidad en su conjunto realizará una jornada artístico-cultural denominada "De lo humano a lo divino", en la Plaza de Armas, desde las 19:30 horas.
Los estudiantes del Liceo Jorge Alessandri Rodríguez amenizarán la actividad con bailes, cantos y representaciones alusivos a la autora de "Arriba quemando el sol". También, bandas y solistas locales se presentarán ante los vecinos. Luego de los tributos se iniciará una "velatón por lo divino" por las calles del pueblo.
Durante la mañana del 4 de octubre, el alcalde de San Fabián, Claudio Almuna, participará en una ceremonia que realizará la Fundación Violeta Parra en el museo homónimo, en Santiago.
Lee la columna de Bachelet por los 100 años de Violeta Parra
El Mercurio de Valparaíso
"Violeta ayer, hoy y siempre", se llama el escrito de la Presidenta que hoy aparece en el suplemento de cultura de El Mercurio de Valparaíso, KU.:
"Raúl Zurita dijo una vez que Neruda era ineludible como la cordillera de los Andes.
Pienso que quizá Violeta Parra es como la bóveda del cielo sobre nuestras cabezas, ese que cantamos en el himno nacional, que a veces es puro y azulado, a veces tormentoso; descarga su furia o nos llena de energía y paz, nos maravilla con su limpidez por las noches, mostrándonos la luz de estrellas que ya no existen.
Todas las variantes de la emoción humana caben en la obra de Violeta Parra. Pensamos de inmediato en sus canciones, por supuesto, desde la ternura desolada de “Run Run se fue pa’ l norte” a la rabia desgarradora de “Maldigo del alto cielo”, de “Arréglate Juana Rosa” a “Ayúdame Valentina”.
Pero sabemos que Violeta Parra es más que sus canciones, aunque sus canciones sean por sí solas, una provincia de nuestra imaginación. Está su obra plástica, sus pinturas, sus arpilleras, sus esculturas. Está su trabajo de investigación y recopilación, reconocido en su momento, olvidado de algún modo más tarde y hoy enormemente vigente.
Y está su legado, en una familia de artistas por derecho propio, que continúa hoy vivo gracias a hijos y nietos.
Violeta nos enseñó a valorar una tradición campesina que en su tiempo parecía a punto de desaparecer. Abrió el camino para un movimiento como la Nueva Canción Chilena, cuyos acordes resuenan hasta hoy y que se perpetúa en nuevas formas de canto y creación.
Violeta dialoga con los jóvenes de hoy: los seduce con su pasión, con su fuerza indomable, con su carácter irreductible. Les habla desde el cine, desde las versiones y homenajes de sus temas, pero les habla también con esa voz suya inconfundible, la voz de la niña que se contagia de viruela en un viaje en tren y se atormenta durante años pensando en cuántas personas habrán muerto por su culpa, que quedó marcada, pero se salvó.
A través de Violeta Parra hablan la cordillera y los ríos, y habla también un pueblo entero. Su voz, tan propia, tan suya e inconfundible, fue al mismo tiempo un canto que nos interpretó a todos. Y eso es cierto no sólo para Chile o para el conjunto de América Latina, sino para el mundo.
Esa es la dimensión universal de su profundidad y de su riqueza.
Esta patria nuestra, a veces tan mezquina para reconocer el talento y la generosidad de sus hijas e hijos, le dio la espalda por muchos años.
En vida, su coraje, su rebeldía, su manera de crear sin concesiones ni cálculos, causaron escozor, incluso más allá de su muerte. Tanto fue así que la dictadura intentó negarla, esconderla, doblegarla. Pero como escribió su hermano Nicanor, Violeta Parra no se compra ni se vende, Violeta Parra habla la lengua de la tierra. Callarla ha sido y seguirá siendo imposible.
Y eso ocurre porque Violeta siempre está con nosotros. No podemos deshacernos de ella porque se ha vuelto parte de nuestro paisaje más íntimo, de nuestra geografía sentimental, de nuestra identidad más profunda.
Y por eso decimos: Gracias, Violeta, y gracias a la vida que nos dio tu canto".
"Violeta ayer, hoy y siempre", se llama el escrito de la Presidenta que hoy aparece en el suplemento de cultura de El Mercurio de Valparaíso, KU.:
"Raúl Zurita dijo una vez que Neruda era ineludible como la cordillera de los Andes.
Pienso que quizá Violeta Parra es como la bóveda del cielo sobre nuestras cabezas, ese que cantamos en el himno nacional, que a veces es puro y azulado, a veces tormentoso; descarga su furia o nos llena de energía y paz, nos maravilla con su limpidez por las noches, mostrándonos la luz de estrellas que ya no existen.
Todas las variantes de la emoción humana caben en la obra de Violeta Parra. Pensamos de inmediato en sus canciones, por supuesto, desde la ternura desolada de “Run Run se fue pa’ l norte” a la rabia desgarradora de “Maldigo del alto cielo”, de “Arréglate Juana Rosa” a “Ayúdame Valentina”.
Pero sabemos que Violeta Parra es más que sus canciones, aunque sus canciones sean por sí solas, una provincia de nuestra imaginación. Está su obra plástica, sus pinturas, sus arpilleras, sus esculturas. Está su trabajo de investigación y recopilación, reconocido en su momento, olvidado de algún modo más tarde y hoy enormemente vigente.
Y está su legado, en una familia de artistas por derecho propio, que continúa hoy vivo gracias a hijos y nietos.
Violeta nos enseñó a valorar una tradición campesina que en su tiempo parecía a punto de desaparecer. Abrió el camino para un movimiento como la Nueva Canción Chilena, cuyos acordes resuenan hasta hoy y que se perpetúa en nuevas formas de canto y creación.
Violeta dialoga con los jóvenes de hoy: los seduce con su pasión, con su fuerza indomable, con su carácter irreductible. Les habla desde el cine, desde las versiones y homenajes de sus temas, pero les habla también con esa voz suya inconfundible, la voz de la niña que se contagia de viruela en un viaje en tren y se atormenta durante años pensando en cuántas personas habrán muerto por su culpa, que quedó marcada, pero se salvó.
A través de Violeta Parra hablan la cordillera y los ríos, y habla también un pueblo entero. Su voz, tan propia, tan suya e inconfundible, fue al mismo tiempo un canto que nos interpretó a todos. Y eso es cierto no sólo para Chile o para el conjunto de América Latina, sino para el mundo.
Esa es la dimensión universal de su profundidad y de su riqueza.
Esta patria nuestra, a veces tan mezquina para reconocer el talento y la generosidad de sus hijas e hijos, le dio la espalda por muchos años.
En vida, su coraje, su rebeldía, su manera de crear sin concesiones ni cálculos, causaron escozor, incluso más allá de su muerte. Tanto fue así que la dictadura intentó negarla, esconderla, doblegarla. Pero como escribió su hermano Nicanor, Violeta Parra no se compra ni se vende, Violeta Parra habla la lengua de la tierra. Callarla ha sido y seguirá siendo imposible.
Y eso ocurre porque Violeta siempre está con nosotros. No podemos deshacernos de ella porque se ha vuelto parte de nuestro paisaje más íntimo, de nuestra geografía sentimental, de nuestra identidad más profunda.
Y por eso decimos: Gracias, Violeta, y gracias a la vida que nos dio tu canto".
Óscar Ohlsen y Eduardo Figueroa llegan a la Sala Arrau
El Mercurio
Son dos de los más destacados intérpretes de música antigua en nuestro país. En el ciclo "Guitarra", el martes 3 a las 19:30 horas, abordarán piezas renacentistas y barrocas.
Por Maureen Lennon Zaninovic
En 2006, el hallazgo de un valioso manuscrito del siglo XVIII en una librería "de viejos" -a cargo del musicólogo chileno Alejandro Vera- se convirtió en una noticia mundial. El descubrimiento de un conjunto de danzas del español Santiago de Murcia generó impacto, porque este último, junto a Gaspar Sanz y Francisco Guerau, ha sido reconocido como uno de los compositores más importantes para guitarra barroca.
Un año más tarde, el dúo conformado por Óscar Ohlsen (guitarra barroca) y Eduardo Figueroa (laúd) decidió registrar parte del importante hallazgo. El resultado fue el álbum "Cifras Selectas de Guitarra", grabado en el Museo Colonial de San Francisco y presentado en variadas locaciones, entre otras, el Leighton House Museum de Londres.
"Alejandro Vera nos participó este descubrimiento y tuvimos el privilegio de ser los primeros en tocar la música de ese libro que se encontró en Santiago", rememora Óscar Ohlsen, quien, el martes 3, a las 19:30 horas, junto a Eduardo Figueroa, se presentará en la Sala Arrau del Municipal de Santiago, en el marco del ciclo Guitarra Clásica, que organiza Luis Orlandini. El repertorio incluirá una selección de danzas de Murcia y tal como lo adelanta este músico y productor -hace 28 años- del exitoso programa "Guitarra", que transmite la Radio Beethoven, el público podrá revivir la creación de quien fuera maestro de la reina María Luisa de Saboya. "Se ha fantaseado con la posibilidad de que Santiago de Murcia pudo haber estado en Latinoamérica y esta fantasía se alimenta porque algunas de sus piezas tienen un sabor muy especial, con elementos afroamericanos. En la Sala Arrau vamos a tocar una de ellas: Cumbées", dice Ohlsen.
Eduardo Figueroa, docente del Instituto de Música de la UC, quien además realizó un Magíster en Filología de los textos musicales, en la Universidad de Pavia (Italia), añade que "es parte del mito que Santiago de Murcia habría estado en Santiago. Esa tesis está descartada, pero lo que sí está claro es que tuvo una relación con Latinoamérica. El guitarrista y compositor fue músico de la corte y, a principios del siglo XVIII, cuando los Habsburgo dejaron España y dieron paso a los Borbones, terminó como un músico común y corriente, lejos de las altas esferas. Terminó su vida en la oscuridad".
Un hit de la guitarra
El programa también incluye creaciones de artistas europeos. "Vamos a abordar la obra ('Due Contrapunti') de un compositor bastante desconocido: Vincenzo Galilei, padre del célebre astrónomo y quien fue uno de los principales miembros de la Camerata Florentina. También interpretaremos piezas de músicos ingleses y un hit : 'Canarios', del guitarrista español Gaspar Sanz: Joaquín Rodrigo se basó en esta obra para componer el último movimiento de 'Fantasía para un gentilhombre'. E incluimos una obra del danés Nathanael Diesel (1692-1745). Su 'Suite para dos guitarras' es muy interesante y rarísima", remata Óscar Ohlsen.
Prestigioso festival de música electrónica aterriza en Chile
El Mercurio
El festival holandés Dekmantel, uno de los más valorados de la electrónica a nivel mundial, comienza hoy su primera gira por Sudamérica en M100, para luego ir a Brasil, Perú y Colombia. En el evento se presentarán los holandeses Interstellar Funk y Dekmantel Soundsystem y los DJ chilenos Roman & Castro, Andrea Paz, Diegors y Kamila Govorcin.
El festival holandés Dekmantel, uno de los más valorados de la electrónica a nivel mundial, comienza hoy su primera gira por Sudamérica en M100, para luego ir a Brasil, Perú y Colombia. En el evento se presentarán los holandeses Interstellar Funk y Dekmantel Soundsystem y los DJ chilenos Roman & Castro, Andrea Paz, Diegors y Kamila Govorcin.
El 14 de enero de 2018: "Chile en mi corazón", concierto de Plácido Domingo en el país
El Mercurio
Con un programa que incluirá óperas, operetas, zarzuelas, emblemáticas piezas de Broadway, canciones tradicionales del repertorio latinoamericano y temás de Violeta Parra, se presentará Plácido Domingo el 14 de enero del próximo año en el Estadio Nacional, en un concierto organizado por Corpartes. El encuentro ocurrirá a 50 años del primer recital que dio el tenor español en el país, en 1967, en el rol principal de la ópera "Andrea Chenier". Su última visita al país fue en 2014, donde cantó en el Movistar Arena; ahora será la primera vez que en Chile se presente en un estadio. Las entradas costarán entre $5.500 y $33.000 y se podrán adquirir en Puntoticket.com.
El concierto será a las 20:00 horas, y Domingo cantará junto a la destacada soprano puertorriqueña Ana María Martínez. Estarán acompañados por la Orquesta Filarmónica de Bogotá, dirigida por el maestro estadounidense Eugene Kohn.
Con un programa que incluirá óperas, operetas, zarzuelas, emblemáticas piezas de Broadway, canciones tradicionales del repertorio latinoamericano y temás de Violeta Parra, se presentará Plácido Domingo el 14 de enero del próximo año en el Estadio Nacional, en un concierto organizado por Corpartes. El encuentro ocurrirá a 50 años del primer recital que dio el tenor español en el país, en 1967, en el rol principal de la ópera "Andrea Chenier". Su última visita al país fue en 2014, donde cantó en el Movistar Arena; ahora será la primera vez que en Chile se presente en un estadio. Las entradas costarán entre $5.500 y $33.000 y se podrán adquirir en Puntoticket.com.
El concierto será a las 20:00 horas, y Domingo cantará junto a la destacada soprano puertorriqueña Ana María Martínez. Estarán acompañados por la Orquesta Filarmónica de Bogotá, dirigida por el maestro estadounidense Eugene Kohn.
El regreso de la Lady Macbeth rusa que irritó a Stalin
El Mercurio
"Desde que un ser humano aprendió a escribir y divulgar sus palabras, nunca faltó otro que quisiera borrarlas, destruirlas, hacerlas desaparecer de la faz de la Tierra. Junto con la escritura nació también la censura. Las palabras estaban hechas de la misma sustancia del deseo" (Federico Andahazi).
Por Juan Antonio Muñoz H.
Hay que prepararse para volver a ver y a escuchar a Dmitri Shostakovich y su "Lady Macbeth de Mtsensk" ("Ledi Makbet Mzenskogo ujesda"), que retorna al Teatro Municipal después de su exitoso estreno en 2009.
Prepararse porque hay que saber acerca de esta ópera para captar su significado profundo y también porque es necesario conocer el contexto en que fue creada. No es música "fácil" tampoco. Ópera en la que el telón de fondo es más importante que la historia relatada, "Lady Macbeth" no se entiende sin el mundo que la vio nacer; un mundo que abandonaba toda vocación bucólica y legendaria para desnudar las tragedias sociales y las frustraciones eróticas de los personajes. La obra propone una indagación psíquica y física sin meandros.
El estreno fue el 22 de enero de 1934, en el Teatro Mali de Leningrado. La ópera zanja que si bien el deseo es irreprimible, dejarse llevar por él es un acto político que tiene consecuencias. "Lady Macbeth" no es un guiño a Shakespeare -con libreto de Aleksander Preis y del propio compositor, está basada en un relato homónimo de Nikolai Leskov y, salvo por el título, es poco y nada lo que tienen de común Katerina y la protagonista de la "obra escocesa"-, sino un canto a cómo la intención de frenar las pasiones tiene resultados peligrosos para la psiquis: "Bésame para que la sangre acuda a mi cabeza y los íconos caigan de sus pedestales", canta Katerina, la protagonista.
El arrebato sexual que involucra a Katerina y Sergei va en paralelo con las aspiraciones sociales de cambio, y es por esto que la juventud y los disidentes de la Unión Soviética repletaron los teatros para ver y escuchar esta ópera. Solo en Leningrado tuvo un éxito enorme: 83 funciones.
Shostakovich compuso "Lady Macbeth" cuando tenía entre 24 y 26 años. El investigador húngaro András Batta escribe en su libro "La ópera" que los años de gestación, entre 1930 y 1932, estuvieron marcados para el músico por dos acontecimientos relacionados entre sí. Dmitri se había enamorado perdidamente de Nina Warsar, para quien compuso la obra, y estaba en pleno recorrido por "los laberintos del amor y la sexualidad". Además, eran años en que los jóvenes soviéticos "reivindicaban y practicaban el principio de la libertad sexual", mientras que las autoridades del régimen trataban de reducirlo al crecimiento de la población.
Stalin mismo fue a una función y abandonó la sala, irritadísimo. Tras eso se produjo una campaña de prensa liderada por un artículo del Pravda, titulado "Confusión en vez de música", cuya autoría se suele atribuir al propio dictador. En el texto se condenaba a "Lady Macbeth" de "pornofonía" y formalismo. Hubo que sacar la ópera de cartelera.
Años más tarde, Shostakovich fue instado a realizar los "arreglos" pertinentes. Fue así y con el título de "Katerina Ismailova" que se estrenó en 1963, aunque la revisión se inició en 1958. Recién en 1979, el cellista y director Mstislav Rostropovich y su esposa, la soprano Galina Vishnevskaya, pudieron acceder a la partitura original, con lo cual se reintegró a los escenarios del mundo.
Galina Vishnevskaya, en sus memorias publicadas por Javier Vergara, recuerda cómo se conmovió el músico, muchos años después, cuando algunas páginas de "Lady Macbeth" fueron recuperadas: "Cuando Slava (Rostropovich) comenzó a tocar con su sonido maravilloso la melodía dulce y plañidera de Katerina, no pude evitar mirar a Shostakovich. Las lágrimas corrían por sus mejillas".
Shostakovich decía en su ópera original que ninguna mujer debía sentirse postergada sexualmente. Así, en su aria del segundo acto, Katerina canta: "Nadie viene hacia mí, nadie toma mi talle entre sus brazos, nadie besa mis labios, nadie acaricia mis senos, nadie me agota con su amor ardiente....". En la revisión de 1963, las palabras son bastante diferentes: "Vi en el tejado un pequeño nido con pajaritos. Es triste que ella no tenga a su palomo amado...".
Maxim Shostakovich, hijo del compositor, quien vino a Santiago en 1991 para dirigir las sinfonías 1 y 13 de su padre, en entrevista con "El Mercurio" comentaba entonces que su progenitor sobrevivió al régimen "sencillamente porque creo que la mayor parte de los oficiales no entendieron su lenguaje... Los poetas y los novelistas que pensaban como él y que escribían con palabras sus ideas, fueron asesinados o hechos prisioneros. Las próximas generaciones comprenderán nuestro tiempo por la música. Y se entenderá la primer mitad de este siglo en la Unión Soviética gracias a la música de mi padre".
Funciones: 12, 14, 16, 17, 18 y 19 de octubre. Teatro Municipal de Santiago. Dirección musical: Konstantin Chudovsky / Pedro-Pablo Prudencio. Dirección escénica: Marcelo Lombardero.
Recomendación: En YouTube se puede ver la película sobre la ópera que el régisseur checo Petr Weigl realizó en 1992 con los actores Markéta Hrubesová (Katerina) y Michal Dlouhý (Sergei), doblando las voces de Galina Vishnevskaya y Nicolai Gedda. Se trata de un filme bastante explícito.
El jefe en Broadway: Bruce Springsteen en su "primer trabajo real"
El Mercurio
No es un pequeño espectáculo de rock o uno teatral. Inspirado en un concierto en la Casa Blanca, uno de los famosos storytellers (contador de historias) del rock está llevando sus propias vivencias a un nuevo escenario.
Jon Pareles, The New York Times
"Springsteen on Broadway". Para el compositor que surgió de las actuaciones en un bar en la costa de Nueva Jersey para convertirse en símbolo de empatía para el estadounidense de clase trabajadora, que se ha estado presentando en diversos escenarios por casi cuatro décadas, la simple yuxtaposición parece un choque de escala y estilo. ¿Es esto un concierto íntimo o un espectáculo teatral? Bruce Springsteen (68) dice que es algo más, y que una extensa residencia en Broadway es la declaración que quiere hacer ahora.
Esto empezó en la Casa Blanca. El 12 de enero, en las últimas semanas del gobierno de Obama, Springsteen ofreció un concierto acústico en el Salón Este, como un regalo de despedida de la familia Obama y para los cerca de 250 miembros del personal. Para el artista, quien toma cada presentación muy seriamente, fue un momento de recuento. Con todo cuidado armó una lista de canciones que abarcó su carrera; iluminó las canciones con historias y recuerdos hablados que se hicieron eco de "Born to Run", la autobiografía que publicó en 2016.
"Hubo mucho ' storytelling ' (narración de historias), lo cual se remonta a nuestros primeros días en el Bottom Line cuando estábamos frente a un par de cientos de personas", dice Springsteen en su casa en Colts Neck, Nueva Jersey, al recordar el club de Greenwich Village, donde sus presentaciones en el verano de 1975 llegaron a ser una sensación. "Funcionaba en un ambiente muy, muy íntimo".
Regresando a su hogar desde Washington, Springsteen y su esposa, Patti Scialfa, y su mánager, Jon Landau, pensaron que más personas debían presenciar una actuación como esa. "La forma en que él combina las palabras habladas con las canciones que ha escogido suena como algo muy simple", señaló Landau. "Pero es una verdadera pieza de arte de la representación".
El resultado, nueve meses más tarde, es "Springsteen on Broadway", cuyas funciones de preestreno empiezan el 3 de octubre y luego continuarán, cinco noches a la semana, hasta febrero. El espectáculo se presentará en el Walter Kerr Theater para 960 personas, que se construyó en 1929 y ha sido el lugar que ha albergado más producciones ganadoras de Tony y Pulitzer que cualquier otro teatro de Broadway. A Springsteen le tomará un mes actuar para la cantidad de fans que podría asistir a un show en un estadio.
Desde el punto de vista de Broadway, el artista está planeando un espectáculo unipersonal; a diferencia de sus maratones en un recinto enorme, él estará en escena durante dos horas con un piano de media cola y una "serie de guitarras". Pero pretende ofrecer algo distinto de un concierto característico, donde las canciones y las palabras habladas vendrán a ser lo que él llama una "tercera entidad".
-Hablemos de Broadway. El suyo bien puede ser el único espectáculo ahí que no utiliza un director o un guionista.
"¡Ese soy yo! ¡Soy yo! Me voy a dirigir yo mismo en escena y escribí el guión por mi cuenta. Es un show bastante básico. Va a parecer un taller de garaje básicamente, y voy a tocar mis canciones y contar mis historias. Así es que no era algo que exigiera mucho más que eso".
-Usted tiene mucha experiencia en dar forma a un espectáculo.
"Eso es lo que he pasado haciendo toda mi vida. Esa era una parte importante del oficio. Si pertenecía a nuestra generación de músicos, tenía como mentor a los grandes artífices de cómo se lleva un show, cómo logra que funcione. Sam Moore de Sam & Dave, y por supuesto James Brown, ellos eran los grandes maestros de cómo cobrar impulso y cómo mantener un espectáculo. Y eso da paso a un show acústico. Este tiene que tener sus ritmos. Para esto lo difícil era encontrar cómo contar algunas historias sin desacelerar el ritmo del show. Esto es lo más cercano a lo que yo habría hecho en Max's Kansas City en 1973, cuando me presentaba solo".
-Usted hizo un "VH1 Storytellers" con algunos extensos interludios hablados en 2005.
"Eso sería lo más parecido a lo que estoy haciendo ahora. Cuando hice lo de VH1, Elvis Costello se me acercó más tarde y dijo, 'Vaya, se creó una tercera entidad'. Y eso es lo que me interesa hacer con el show. Estoy tocando música conocida, pero creo que lo va a llevar a escucharla con otros oídos debido al contexto en que la he puesto. Siempre hago un comentario: que cuando las cosas están funcionando en el arte, uno más uno es igual a tres".
Creo que una audiencia siempre quiere dos cosas. Quiere sentirse en casa y quiere que la sorprendan. Y yo salgo cada vez para hacer esas dos cosas. Trato de hacer que la gente se sienta que ha llegado a un lugar que ha conocido desde hace mucho tiempo, y luego también trato de sorprenderla con algunas nuevas ideas o nuevas formas o nueva energía o simplemente una nueva forma de hacer algo. Tiene que tener ese factor X. Si no lo tiene, está muerto".
-Sin duda usted no intentó escribir un musical de Broadway.
"¡Eso es difícil! Felicito a los chicos que lo han intentado. No son las mismas reglas que rigen para la composición de música popular. Es un formato completamente diferente y creo que se necesita un conjunto totalmente distinto de habilidades. No se trata de decir, 'ya, voy a escribir 12 canciones y de algún modo las voy a unir'. Conozco a chicos que realmente lo intentaron. Mi amigo Sting, según mi opinión, hizo un trabajo grandioso con "The Last Ship". Pero es una cosa diferente concebirlo de principio a fin".
-Con su libro y con "Springsteen on Broadway" está repasando todo su pasado. ¿También está componiendo canciones?
"Terminé un disco. Tuve cierta inspiración. Cuando está sumido en un período de creatividad es muy similar a tener hambre todo el tiempo. Tiene apetito por componer. Es una de las sensaciones más agradables en el mundo para un compositor, porque sabe lo que es estar sin ese apetito. Una vez que se sume en esto, se está alimentando. A cualquier parte que vaya tiene hambre. Así es que yo podría crear un verso mientras estoy sentado en la cocina, podría estar dormido y despertar en medio de la noche y subir a mi sala de composición y crear otro verso o dos. Literalmente, lo hago en cualquier parte y en todas partes, y ese va a ser un buen lugar para estar. No sucede muy a menudo".
-El hecho de escribir el libro lo debe haber llevado a pensar en su historia de vida.
"Es una de las cosas que en cierto modo estoy contento de que exista. Por los hijos; los niños realmente no saben mucho sobre la vida de uno. Tuvimos nuestros hijos tarde, yo tenía 40 años cuando nació nuestro primer hijo, y ellos han mostrado un sano desinterés en nuestro trabajo a través de los años. Tenían sus propios héroes musicales, estaban interesados en su propia música. Se mostrarían bastante inexpresivos si alguien mencionara el título de una canción mía, y por eso siempre consideré que habíamos hecho una buena labor. Sé que ninguno de mis hijos ha leído el libro, aunque imagino que algún día lo harán, quizás. Eso en cierto modo me agrada. Mi trabajo es una labor extraña, es una línea excéntrica de trabajo. Y no se compara con nada más y puede ser difícil abordarla. Como digo en el libro, conozco a muchos niños a quienes no les importaría ver a 50 mil personas abucheando a sus padres. Pero no sé cuántos desearían ver a esas personas aplaudiendo a sus padres. Simplemente no está bien (risas)".
-El libro explica que usted siempre ha sido un músico. Jamás tuvo en realidad un empleo de nueve de la mañana a cinco de la tarde. Pero "Springsteen on Broadway" se presenta cinco noches a la semana durante cinco meses. Es un trabajo estable.
"Es un empleo real. Este es mi primer trabajo real, creo (risas). Es lo único a lo que me dedico con un cierto sentido de confianza. Bueno, no estoy utilizando mi físico totalmente sobre una base diaria. Y no estoy utilizando mi voz; es decir, no estoy gritando. Pero la energía mental que se necesita para hacerlo es la misma. La gente viene a ver que esté total y absolutamente presente. En cualquier momento que esté tratando de hacer eso, se requiere de mucha energía".
Las entradas para ver a Springsteen en Broadway van desde los US$ 700 hasta los US$ 2.400 en StubHub.
jueves, septiembre 28, 2017
Lutero versus Monteverdi: música antigua para dos grandes aniversarios
El Mercurio
Coinciden en la escena el rescate de la banda sonora que tuvo la Reforma Protestante hace 500 años y la versión 100% histórica de las "Vísperas" de Monteverdi, a 450 años de su natalicio.
Por Romina de la Sotta Donoso
Lo religioso y lo profano hace 500 años
El impacto cultural de la Reforma que lideró Martín Lutero hace 500 años tuvo también consecuencias musicales. "Antes el pueblo no podía cantar, la Iglesia Católica lo restringía a los hombres eruditos. Y, tal como Lutero tradujo la Biblia del latín al alemán, para que todos pudieran participar en el culto, pasó lo mismo con la música, ahora toda la gente podía cantar en los oficios", asegura Octavio Tenorio.
Flautista dulce y violista da gamba, Tenorio es uno de los fundadores de The Broken Consort. Este conjunto, con financiamiento de la Liga Chileno-Alemana y un Fondo de la Música, estrena este domingo en el Club Manquehue, al mediodía, el programa "Música en el tiempo de Lutero".
El grueso del repertorio será música luterana e incluirá un himno que él mismo tradujo al alemán. "Es una obra tipo gregoriana que marca el paso del catolicismo al protestantismo y que consiste en una línea melódica vocal, sin acompañamiento instrumental", cuenta Tenorio. Se destacan también corales como aquel apodado "Castillo fuerte", de la Cantata 80, de Bach, y "Von Himmel hoch, da komm ich her", que tiene letra de Lutero y música de Eccard.
Pero también interpretarán piezas profanas, como "Un joven monje", de Di Lasso. "Es música de cantina y habla del amor prohibido de un monje y una monja", dice Tenorio.
The Broken Consort ofrece una interpretación históricamente informada: tocan en instrumentos de época y con temperamento histórico, es decir, el 415 Hz.
Tras itinerar por iglesias luteranas de Los Lagos, volverán a presentar "Música en el tiempo de Lutero" en Santiago, en la Iglesia Luterana de Providencia (domingo 8, 19:30 horas) y en la Fundación Cristo Vive, de Recoleta (lunes 9, 12 horas).
La más monumental obra sacra de Monteverdi
Cincuenta años después de la Reforma nació Claudio Monteverdi, uno los grandes genios de la música. Él también le devolvió la inmensidad de la palabra a la gente, pues le dio la misma importancia que a la música. Y además, reveló el sentido dramático de la música: por primera vez las voces igualaron en protagonismo a los instrumentos.
Su obra sacra más monumental son las "Vísperas de la Santísima Virgen", creación que marca el paso del Renacimiento al Barroco y que por primera vez será presentada en nuestro país en su versión histórica, exclusivamente con instrumentos de época.
Así, la Orquesta Barroca Nuevo Mundo celebra los 450 años del natalicio de Monteverdi, con cuatro conciertos gratuitos. Hoy, en Malloa; mañana y el sábado en Rengo, y el domingo en Santiago, en la Universidad San Sebastián, sede Los Leones (19 horas).
Con la dirección del famoso violinista barroco Raúl Orellana, se suman nueve cantantes, entre ellos Rodrigo del Pozo, Nora Miranda, Claudia Godoy y Patricio Sabaté, en un acontecimiento que marca el debut de un quinteto de vientos antiguos íntegramente conformado por músicos chilenos, y liderado por Francisco Alaniz. Lo integran dos sacabuches tenor y uno bajo, además de dos cornettos.
Alaniz explica que el sacabuche fue inventado entre 1450 y 1470, y que sus sonidos son "más dúctiles y suaves" que los del bronce más antiguo, la trompeta. Y que los cornettos funcionan como una flauta dulce, pero con boquilla parecida a la de trompeta.
Aclara que en "Vísperas" el quinteto de bronces tiene un rol protagónico en algunos movimientos, y en otros, un rol solamente armónico, es decir, doblan las voces humanas. Uno de los momentos de mayor figuración, en todo caso, es la famosa fanfarria inicial. La misma que Monteverdi ya había usado en "Orfeo", ópera que la Nuevo Mundo presentó el año pasado con Les Sacqueboutiers de Toulouse. Ahora, en cambio, esa fanfarria será hecha por bronces chilenos.
Suscribirse a:
Entradas (Atom)