sábado, febrero 08, 2014

Paul y Ringo celebran en vivo los 50 años de la beatlemanía

El Mercurio

Los dos músicos vivos de The Beatles serán homenajeados en un especial de la CBS que se emitirá este domingo en Estados Unidos.

J. V.

El resorte les dio un brinco planetario. Hace exactamente 50 años, en la tarde del 7 de febrero de 1964, los Beatles llegaron a Estados Unidos, en un aterrizaje que tendría un significado totalmente opuesto: el del despegue definitivo de la banda más influyente de la música popular.

Hicieron historia. En términos artísticos, culturales y de industria, lo revolucionaron todo. Su actuación en "The Ed Sullivan show" del 9 de febrero de ese mismo año fue vista por 73 millones de estadounidenses, un récord para la época, y una caja de repercusión mayor para un fenómeno que se transformó en pandemia con la consolidación de la beatlemanía, término acuñado en Europa algunos meses antes.

Por eso la consumación de las cinco décadas de ese suceso alimentaba la celebración de una efeméride mayor, aunque Paul McCartney no estaba demasiado convencido de participar de un homenaje a la banda de Liverpool. Según han comentado algunos de los miembros del círculo más íntimo del músico, McCartney solo se decidió a recordar a los Beatles junto con su ex compañero Ringo Starr a mediados de enero cuando se le hizo ver el impacto que tuvo aquella recordada actuación televisiva.

En la CBS, la emisora que puso en pantalla por primera vez a los cuatro jóvenes ingleses, se preparó una serie de programas especiales para rememorar la trascendental fecha. Desde una entrevista en el late de David Letterman a Ringo y Paul, los dos miembros vivos del grupo (John Lennon fue asesinado en 1980 y George Harrison murió en 2001) en el mismo teatro donde se transmitió "The Ed Sullivan show", hasta un homenaje en que artistas como Stevie Wonder, Katy Perry, Maroon 5, John Mayer y Dave Grohl, entre otros, saludarán a la banda versionando algunas de sus canciones.

El plato de fondo era una tarea mayor: conseguir que ambos músicos rememoran a The Beatles, una idea de la que siempre han preferido escapar. En la última entrega de la ceremonia de los Grammy hubo un gran acercamiento. Ambos fueron parte del show y se reunieron para tocar una canción juntos, el tema "Queenie eye" de "New", el último álbum de McCartney.

El domingo, en Estados Unidos, se transmitirá el especial de la CBS (grabado el 27 de enero) titulado "The night that changed America: A Grammy salute to The Beatles", donde los músicos de Liverpool interpretan juntos "Hey Jude" y "With a little help from my friends".

Mario Guerrero lanza su nuevo disco con cantantes mexicanas

El Mercurio

La actriz Sandra Echeverría ("Salvajes", "The Bridge") y María León, del grupo Playa Limbo, grabaron duetos con el chileno.

DIEGO RAMMSY

El cantautor local Mario Guerrero espera anotarse en las ligas mayores de la música romántica latina con su próximo disco, que lanzará a fines de marzo. Argumentos no le faltan.

El contrato que selló en 2013 con la editora Warner Chappell México -que ahora administra su catálogo como compositor- lo catapultó a nuevos mercados y, de manera inequívoca, todas las señales apuntan a una pronta internacionalización en su carrera. "El disco nuevo refleja un proceso largo lleno de cosas buenas. Es consecuencia de un largo caminar y de varios viajes a México en busca de oportunidades. Uno de los logros fue firmar como compositor de Warner Chappell, y así poder trabajar con grandes músicos", señala Guerrero. "Consideramos que Mario tiene un gran nivel como autor y que podemos trabajar sus canciones para moverlas con otros artistas", señala Pablo Esposito, creativo/A&R de la editora musical.

El primer gran cambio de este disco es que fue grabado y producido por los reputados Stefano Vieni y Fabrizio Simoncioni en el estudio Sonic Ranch, en la ciudad de El Paso, Texas. Yeah yeah yeahs, Ely Guerra, Band of Horses y Reik han grabado allí. Luego, fue mezclado en Italia y masterizado en Los Angeles por el legendario Dave Donnelly, que ha trabajado para Aerosmith y Mötley Crüe.

Otra de las novedades que tendrá el álbum, aún sin nombre, es la presencia de dos destacadas voces femeninas mexicanas. En primer lugar, la actriz y cantante Sandra Echeverría, que aparte de figurar en múltiples producciones de TV, tuvo una participación en la última cinta de Oliver Stone "Salvajes" y en la más reciente temporada de la serie "The Bridge" (Fox). Echeverría, que también grabó un dueto con Marc Anthony en 2011 para la telenovela "La fuerza del destino", puso su voz en "Dos extraños" para el disco del chileno.

La segunda es la voz del grupo Playa Limbo, María León, que figura en la canción "Cenizas". El grupo ha sido multiventas logrando disco de oro por superar las 30 mil copias vendidas en México. "Se trata de dos importantes figuras que le dan importancia a nivel internacional a este álbum. Ojalá puedan venir al lanzamiento para cantar juntos en vivo", dice Guerrero.

Las 10 canciones del disco fueron escritas en parte por el mismo Guerrero, y también participan en la autoría Ángela Dávalos y Ettore Grenci.

Dúo La Sociedad regresa con "13"

El Mercurio

Daniel Guerrero y Pablo Castro lanzan su nuevo disco el 14 de febrero.

Diego Rammsy

El cantautor Pablo Castro está en Santiago, ya repatriado desde Estados Unidos, donde trabajaba para el grupo mexicano Los Tigres del Norte. Daniel Guerrero, su contraparte en el dúo La Sociedad por 15 años, habla de las expectativas de esta nueva etapa del reformado grupo: "Lo que hicimos en un principio fue especial, pero otros ya lo han hecho; hacerlo dos veces, es más difícil. El desafío es volver a ser número uno y estar en boca de todos".

Un año exacto pasó desde su reunión para que el dúo La Sociedad lanzara un nuevo disco. Se trata de su primer trabajo en 13 años, con 13 canciones y grabado en 2013. Dicha reiteración los llevó a titularlo así: "13".

Los integrantes del dúo que brilló en los 90 lanzan su álbum el 14 de febrero, y ya suenan los sencillos "Me muero" y "Por mi maldito orgullo", copando un espacio del dial poco transitado, gracias a esa balada popular, romántica y latina.

"Eso de 'placer culpable', como le llaman a nuestra música, es una idiotez. La Sociedad es donde jugamos a ser Los Ángeles Negros y Leo Dan", replica Guerrero aludiendo al éxito de sus nuevos sencillos en las radios. Pero las expectativas en este retorno son mayores. "Quiero ganar lo que no terminamos de ganar antes. La idea es conquistar América", dice Guerrero.

Porque La Sociedad ha trabajado duro desde su regreso. Con "13" completarán su tercera producción musical en menos de un año tras un disco acústico hecho para la radio FM Dos y otro en vivo registrado en el Teatro Caupolicán. "No nos queremos poner viejos. Tenemos 40 años, pero vamos a conquistar a gente nueva", advierte Guerrero.

El sonido de Chiloé: acordeonistas celebran cónclave

El Mercurio

Este 8 de febrero se realiza el XI Encuentro de Cultores del Acordeón en Tenaún. Habrá unos treinta músicos de Castro, Ancud y Chonchi, pero también de Mechuque y Coldita.

IÑIGO DÍAZ

Es lógico concluir que el origen del acordeón en el archipiélago de Chiloé está en la influencia alemana del sur y que la abundante población de estos instrumentos allí proviene de Puerto Montt y Puerto Varas, pero la investigadora ancuditana Cyntia Ulloa tiene algo más que decir al respecto.

"Casi todos los antiguos chilotes que he entrevistado me dicen que sus acordeones entraron a la isla desde Punta Arenas. El chilote tiene más conexión con la Patagonia que con Puerto Montt", dice Ulloa, quien prepara un estudio acerca de la historia de los acordeonistas del archipiélago. "Hay chilotes que se iban a trabajar a las estancias de Punta Arenas por temporadas con el único objetivo de reunir dinero y comprar sus acordeones de botones. Después volvían todos juntos, tocando en los barcos", agrega.

El acordeón representa el gran sonido de Chiloé. Según advierte la investigadora, se puede encontrar uno casa por medio de cualquier pueblo, y no existe familia que no tenga al menos un acordeonista en su núcleo. Por eso, cada vez más músicos se unen al Encuentro de Cultores del Acordeón que se realiza en Tenaún.
Organizada por la ONG Codet, la undécima edición del encuentro tendrá lugar este 8 de febrero, con una treintena de acordeonistas convocados a la maratón de siete horas de música. Ese día, Tenaún triplica su población con músicos y visitantes que admiran los acordeones de botones y de piano. Las actividades comienzan a las 16:00 horas con un pasacalle, procesión de 20 minutos con la totalidad de los cultores invitados. A ellos se les unen acordeonistas jóvenes y otros que recién comienzan en un unísono hasta llegar al escenario de la sede social.

"Los acordeonistas tienen otros oficios. Son campesinos o pescadores, y también tocan el instrumento. Es una forma de entender que no son músicos profesionales, pero sí son cultores", dice Ulloa.

Este año se esperan acordeonistas de Ancud, como la maestra octogenaria Carmen Choulouc, descendiente de alemanes que toca el acordeón a botones, y también de Castro, con el músico del grupo Trifulka Carlos Mancilla. Al encuentro llegarán doña Filomena Barrera, de Guardiamó; María Teresa Andrade, de Chonchi; Iván Cárcamo, de Rilán, y Luis Vargas, de Aldachildo. "Incluso vendrá Ana María Cárdenas, una monjita que vive en la isla Mechuque, y ojalá podamos tener también a don Liborio Almonacid, un señor mayor que vive en Coldita, isla apartadísima al sur de Quellón".

En el encuentro se lanzará el libro-catálogo "Acordeones chilotes", que reúne retratos de Lincoyán Parada junto a reseñas sobre la religiosidad y las fiestas populares que utilizan este instrumento, escritas por el investigador Renato Cárdenas. "Es un registro de los 20 acordeonistas que son la base de esta celebración, porque si hablamos de cultores en Chiloé, puede haber 150 o más", apunta Parada.

Los hitos de la Feria del Disco, que bajó la cortina tras 58 años de historia

El Mercurio

La tradicional disquería se declaró en quiebra el pasado martes. Marta González, su fundadora, habla de los inicios y de la época de apogeo de la compañía que tuvo el protagonismo de la industria musical criolla.

D. Rammsy y J. Vásquez

El comienzo fue humilde, y solo Marta González confiaba que, en 1956, el negocio de la venta de discos resultaría. La esposa de Humberto de la Fuente (fallecido en 2002), dueño de un local de electrodomésticos en el centro de Santiago, insistía en una idea que se transformó en acción, y en un rincón de su tienda de Monjitas 642 se ubicó con una caja de cartón repleta de álbumes.

Así, entre lámparas y planchas, vinilos de 45 y 78 RPM de artistas como Astor Piazzolla y Los Chalchaleros se comenzaron a vender rápidamente. A los oídos de la pareja llegó la noticia de que el sello RCA Victor estaba deshaciéndose de sus discos para reducir mercadería, y decidieron comprar. Algo similar ocurría en EMI, que liquidaba su material sobrante.

La instancia era ventajosa y los precios mínimos, lo que favoreció el despegue del emprendimiento que en su mejor momento totalizó una cadena de 52 sucursales, más de 300 empleados e ingresos que se cuantificaron en millones de dólares.

"Esperaba a mi quinto hijo, tenía 24 años y quería trabajar, por eso le planteé la idea a mi marido. Yo partí llamando a los sellos para hacer la primera compra", dice Marta González, que reconoce que su sueño desde niña era ser cantante.

El sistema de tener los discos apilados en cajas gustó al público, que cada vez que entraba a una tienda se quedaba buscando algo más que un objeto material, porque la idea fuerza de González era que el negocio de la música consistía en vender sentimientos. "A la gente le encanta revisar las bateas, ahí están las alegrías, penas, amores y esperanzas", cuenta.

"En el camino iba a aprendiendo de la música. Cambié toda la historia, porque puse los discos por grupos, estilos. En la fábrica en un principio me retaron, pero yo fui innovadora para que el cliente eligiera. Así, nació la idea de las estanterías", recuerda González.

Los cantantes que alcanzaron la fama durante la denominada Nueva Ola, estrellas como Julio Iglesias, Luis Miguel (un artista que en Chile ha vendido más de 2 millones de discos) o los recientes fenómenos juveniles de boybands que llegaron en formato físico con su música a las casas del país, lo hicieron, en su gran mayoría, a través de la Feria del Disco, que cambió de nombre a Feria Mix en 2006, cuando el negocio se amplió a la venta de libros y videojuegos. Desde entonces, la venta de discos solo representaba el 50% de sus ingresos.

La empresa vivió momentos de gran prosperidad y avanzaba de la mano de los fenómenos musicales, a los que González se encargaba de cobijar. No fueron pocos los artistas que visitaron, por ejemplo, la tienda de la Feria del Disco ubicada en el paseo Ahumada, firmaron discos y compartieron con sus seguidores.
El primero fue José Alfredo Fuentes, ídolo de las quinceañeras de los sesenta, el que se fotografió en un local. De ahí en adelante se transformó en una costumbre que cada vez que llegaba un artista extranjero cumpliera el ritual de visitar una tienda.

Ahí estuvieron desde Kiss, que aparecieron sin maquillaje, a Muse, que en su primera visita a Chile compartió con una larga fila de seguidores en pleno centro de Santiago.

Pero la prosperidad no iba a ser duradera. La industria discográfica mundial se vio afectada por la tecnología, y en esta pasada, como ha ocurrido en prácticamente todo el mundo, las grandes tiendas de discos no se supieron adaptar al cambio, y progresivamente han ido desapareciendo.

La irrupción del formato MP3, la masificación de internet, el acceso a la música a través de distintas plataformas virtuales -hoy, una de las más populares es Spotify- y, sobre todo, la piratería, fueron el golpe de gracia a una industria que en su momento supo responder al cambio de formato desde el casete al disco compacto.

El pasado martes 28 de enero se les avisó a los empleados que las cortinas de Feria Mix no se volverían a levantar. Los hijos del matrimonio De la Fuente González, actuales dueños de la empresa, declararon la quiebra, y se espera la intervención de un síndico que determine los pasos a seguir en una industria que está sentenciada a seguir el mismo destino de los dinosaurios frente a las glaciaciones.

¿Dónde comprar música?

Hoy son los supermercados los que pueden ofrecer un sistema de venta parecido a lo que ofrecía Feria Mix, con los catálogos más populares del mercado.

 El sello y la ticketeraLlegó el año 2006, y la compañía, que hasta el momento sólo se dedicaba a distribuir y vender música, decidió dar un paso más, diversificando el negocio hacia los libros y videojuegos y rebautizándose como Feria Mix. Pero además creó dos negocios paralelos; uno de venta de entradas para conciertos (Feria Ticket), y un sello musical propio (Feria Music).

Feria Music fue el sello discográfico de la mayoría de los artistas nacionales, como Américo, Los Tres, La Noche, Francisca Valenzuela y Luis Jara. El uruguayo Alfonso Carbone arrastró a los artistas de su sello, La Oreja, para asumir la gerencia de Feria Music entre 2007 y 2013. Tras el cierre de Feria Mix, artistas como Américo y Los Tres se enfrentan ahora al no pago de regalías por contratos históricos que tenían con la empresa.

El negocio de las entradas es otro que siempre estuvo presente en Feria del Disco. Antes de que existieran las ticketeras, el local de Ahumada vendía boletos para conciertos. Luego comenzaron a vender entradas de Ticketmaster, y más tarde pusieron Feria Ticket, su propia marca. Sara Solari fue la última gerente de la ticketera.

Hasta llegó a existir un negocio llamado Feria Kiosco, una estantería de discos en estaciones de servicio y farmacias. También Feria llegó a tener su propio programa de TV llamado "La pasión por la música". El espacio conducido por Francisco Palma se emitió entre 1998 y 2000, pasando por Canal 2, UCV-TV y Gran Santiago. Pedro Fernández, Los Nocheros, Eva Ayllón y Paolo Meneguzzi estuvieron en el espacio.

Semanas Musicales de Frutillar: hitos de un milagro cultural

El Mercurio

Con entradas agotadas desde hace días, el encuentro se ha posicionado como uno de los eventos artísticos más convocantes de nuestro país. Ad portas de cumplir las bodas de oro, diversas personalidades desempolvan los momentos más relevantes del festival, sus escollos y desafíos.

Maureen Lennon Zaninovic

"Estoy seguro de que la ciudad de Frutillar, al hacerse cargo de esta iniciativa y tomar las medidas necesarias para asegurarse el papel de sede permanente de los festivales, ocupará un lugar destacado dentro del creciente movimiento musical en Chile".

El temprano augurio de Arturo Junge, fundador histórico de las "Semanas Musicales de Frutillar", ya fallecido, se cumplió con creces, ya que el tradicional encuentro está celebrando sus 46 años de vida hasta el 5 de febrero con una contundente e inusitada convocatoria de público.

"Sin duda que esta versión será una de las mejores de nuestra historia, en cuanto a asistencia -esperamos contar con más de 15 mil personas- y nivel artístico. El hecho de que la Orquesta Sinfónica interprete varias piezas que son estrenos para nuestro país es muy relevante. Desde varios días los conciertos tienen sus entradas agotadas. La vara nos quedó alta", comenta efusivamente a "Artes y Letras" Ramón Espinoza, alcalde de Frutillar y vicepresidente de la Corporación Cultural de las "Semanas Musicales de Frutillar". El edil saca cuentas alegres: "Este año se ha notado un incremento importantísimo de turistas, sobre todo nacionales. Por primera vez puedo decir que estamos a la altura de la convocatoria de otros balnearios de la zona central, que siempre han estado de moda, como Zapallar y Maitencillo. ¡Ha sido impresionante!, y nos plantea un desafío para nada menor, porque la capacidad hotelera se ha visto sobrepasada".

Flora Inostroza, presidenta de las "Semanas Musicales de Frutillar" complementa que "nunca pensé que llegaríamos a los 46 años. Afortunadamente vamos bien y tenemos carrete para mucho tiempo más. Uno pregunta en la boletería de dónde viene usted y te responden de San Francisco, Grecia o París. También tenemos melómanos que durante 30 años -de manera ininterrumpida- no se han perdido este festival. Eso nos llena de orgullo, porque acá todo ha sido muy a pulso. Partimos sin saber nada de gestión cultural, con un lápiz y una goma de borrar". Al preguntarle por las razones de esta supervivencia, Inostroza considera que "la gracia de nuestro proyecto es que hemos ido formando varias generaciones, tanto de amantes de la música como de voluntarios. Los orientadores de sala, por ejemplo, tienen desde 8 o 10 años hasta universitarios. A todos ellos se les forma: saben atender, sonreír y estar siempre impecables. Además de que entre el público se nota que cada vez más hay más profesionales jóvenes. Ha habido un recambio".

Los inicios de un soñador

A fines de los 50, Robert Dick, entonces director del Instituto Alemán de Frutillar, invitó a Arturo Junge (1913-1994) y a su coro Singkreiss a participar en las jornadas corales que se desarrollaban en el balneario. Fue tal el éxito de esas veladas, que en 1968 el propio Junge decidió convocar a un grupo de instrumentistas con "la idea de que entre los músicos surgiera algo parecido a lo que pasó con los coros", como recordó el artista en una entrevista concedida a este diario en 1993. Su amor por la música y su preocupación por los jóvenes lo llevaron a fundar, en 1968, las Semanas Musicales. Visto el éxito de esa primera Semana, Junge propuso al alcalde de Frutillar de la época, Egon Schmidt, la formación de un directorio que se hiciera cargo del evento. En 1969, este directorio integró a Alfredo Doetz y a la pianista y chelista Flora Inostroza, actual presidenta de la Corporación Cultural "Semanas Musicales de Frutillar" y principal responsable de lo que es el encuentro hoy.

"En los inicios había una cosa mucho más familiar. Nos alojábamos en el Instituto Alemán o en casas de vecinos del balneario. Arturo, por lo demás, tenía una mística muy especial. Entusiasmaba a todos. Frutillar era completamente distinto. Había, por ejemplo, solo un local que vendía kuchenes y se formaban colas. Tampoco se soñaba con el Teatro del Lago", recuerda su viuda, la soprano Ana María Zabala.

Agrega que cuando su esposo se proponía algo, siempre lo conseguía sin considerar los costos económicos. "Era un soñador fantástico y tremendamente visionario. Desde los inicios siempre los recursos fueron escasos, por eso en un momento Arturo fue a pedirle ayuda al entonces general Fernando Matthei y él le dijo: 'Perfecto, yo le facilito los aviones para el traslado de los artistas, a cambio de que se presente en Frutillar la Banda Sinfónica de la FACh'. Y así partió esta alianza que perdura hasta nuestros días".

En 1979, como rememora su viuda, "por desavenencias con el directorio Arturo Junge dejó las 'Semanas Musicales de Frutillar'. En uno de los momentos más dolorosos de su vida". De esta manera, Flora Inostroza, como presidenta de la Corporación, toma las riendas e impulsa otro de los hitos del encuentro: el convenio con la Universidad de Chile, que ha posibilitado que todos los años se presenten en el balneario los cuerpos estables de esta casa de estudios.

Del gimnasio al Teatro del Lago

Hasta el 2010, los conciertos se desarrollaban en distintas plazas de la ciudad, iglesias luterana y católica y, fundamentalmente, el gimnasio municipal. Una etapa llena de mística y anécdotas sabrosas.

"El gimnasio era un local grande, pero con asientos duros y sin aislación acústica", rememora el periodista Walter Krumbach. Sus recuerdos de los inicios de este encuentro musical están llenos de momentos tragicómicos: "En un árbol cercano se había instalado una familia de bandurrias, que graznaban en el momento menos pensado y nunca coincidían con la tonalidad de la obra que se ejecutaba. Una vez, un joven pianista se afanaba con un adagio en pianissimo . En eso, comenzó a llover a cántaros. El ruido en el tejado era tan intenso, que no se escuchaba el instrumento, de modo que el ejecutante interrumpió su recital, esperando que amainara el temporal. Durante otro temporal, la Sinfónica comenzó su concierto con la obertura 'La fuerza del destino', de Verdi. Apenas había tocado un par de compases, cuando se cortó la energía eléctrica. El gimnasio quedó totalmente a oscuras, ¡boca de lobo! Uno a uno, los instrumentos dejaron de sonar, resultando un silencio desconcertante. Rápidamente, los bomberos que resguardaban la sala pusieron unos chonchones para que la gente no se asustara".

Claramente, y tras el crecimiento y consolidación del encuentro, no podía continuar en tan precarias condiciones. Por eso, la propia Flora Inostroza, junto al fallecido empresario Guillermo Schiess, consiguió -con el apoyo la Municipalidad de Frutillar- que el lugar donde se encontraba el Hotel Frutillar (destruido por un devastador incendio en 1996) se les traspasara para la construcción de un moderno teatro. Así gracias a su empuje, la visión de las autoridades de la comuna y el aporte fundamental de Guillermo Schiess y sus familiares, así como el de muchos donantes y amigos, se comienza a hacer realidad el Teatro del Lago.

De esta manera, un 27 de enero de 1998, con la instalación de la primera piedra de la construcción, ceremonia que encabezó Christoph Schiess en honor a su padre, se inicia este gran proyecto que tardó 12 años en concretarse, entre otras razones por la crisis asiática y la falta de recursos. Ello sumado a que, en los últimos años, surgieron algunas desavenencias que se acentuaron para la inauguración del teatro en noviembre de 2010.

Como es de público conocimiento, la familia Schiess y la "Corporación Semanas Musicales de Frutillar" se aliaron hace más de una década bajo la sociedad Inmobiliaria Frutillar. La Corporación aportó el terreno (valorizado en unos $ 150 millones, cedido por la municipalidad) y la familia Schiess, otro tanto. El ambicioso teatro, sin embargo, significó una inversión superior a los 40 millones de dólares, principalmente financiados por los Schiess, quienes tomaron finalmente el control del inmueble. A él se sumó el hecho de que el matrimonio Uli y Nicola Bader-Schiess lideraron de manera decisiva el proyecto a partir de 2006, logrando transformarlo en uno de nivel internacional, finalizar la construcción e inaugurarlo en su totalidad en 2010, con la visión y misión de Teatro del Lago claramente establecidas. Hasta 2013, Nicola integró también el directorio de las "Semanas Musicales de Frutillar". ¿Cómo están las relaciones hoy entre ambas partes?

Relaciones cordiales

"Son relaciones cordiales", señala Carmen Gloria Larenas, gerenta de programación artística y de comunicaciones del Teatro del Lago, "pero cada uno va por un carril distinto. Nuestra visión y misión están íntimamente ligadas a la educación, a través de la música y las artes, y desarrollar un proyecto artístico transformador y generador de desarrollo a nivel local, nacional e internacional durante todo el año. Respecto del acuerdo con 'Semanas Musicales', ellos pueden utilizar los escenarios del teatro para sus actividades y conciertos y nuestro equipo técnico y de operaciones contribuye al buen desarrollo del festival. Pero es todo. Nos respetamos, pero no hay mayor interacción ni complementación".

El alcalde Ramón Espinoza comenta que, como jefe de la municipalidad, está abogando para que se produzca un acercamiento entre ambas partes. "Nicola hizo un extraordinario aporte en el directorio de las 'Semanas Musicales' y yo estoy convencido de que tiene que regresar. Debe haber una complementariedad entre ambos esfuerzos. Sin Flora y sin la familia Schiess no tendríamos el maravilloso teatro con el que hoy contamos".

Pero más allá de este momentáneo impasse , no se pone en duda que pasar del gimnasio de Frutillar al Teatro del Lago significó un avance exponencial en el despegue del festival. "El teatro ha sido una experiencia única de un proyecto, las Semanas Musicales, que nació en la precariedad absoluta y que sin embargo sigue manteniendo la misma mística y el mismo significado a nivel continental, de un evento de gran nivel artístico que se desarrolla en un ambiente único", señala Ernesto Ottone, director del Centro de Extensión Artístico y Cultural de la U. de Chile (CEAC).

Flora Inostroza considera que no se puede olvidar "lo lindo que fue pasar por el gimnasio municipal. Mucha gente me comenta que añora esa cercanía con los músicos. ¡Si hasta uno los veía transpirar! Pero estar en este teatro, con esta acústica impresionante, es un regalo. Ha sido un cambio tremendamente importante para todos" .

Artistas ad honoren

Otros de los sellos que caracterizan, desde sus inicios, a las "Semanas Musicales de Frutillar" es que todos los artistas que participan deben postular y, una vez aceptados por el directorio, la organización les financia sólo el alojamiento y la alimentación: "Acá trabajamos sin fines de lucro, de hecho todos los miembros del directorio no recibimos un peso. Nos encantaría contar con más recursos para financiar los honorarios de los músicos, pero no ha sido posible. Hacemos malabares con los dineros que recibimos del gobierno regional, del municipio y privados. Es terrible juntar la plata", señala Flora Inostroza.

Ramón Espinoza comparte este análisis y agrega que "afortunadamente terminamos cada edición sin deudas. Es cierto que sería fantástico contar con más ingresos, pero tampoco queremos perder de vista que queremos seguir organizando un festival a escala humana, sin perder la magia que nos caracteriza. Para los artistas estar aquí es un premio y no hay un afán comercial: solo queremos posicionar al balneario como una ciudad de la música y realizar muchos conciertos de extensión".

En 2015 debería renovarse el directorio de la Corporación "Semanas Musicales de Frutillar". Flora Inostroza adelanta a "Artes y Letras" que llegó el momento de "dejar paso a las nuevas generaciones. Y, afortunadamente, quienes llegarán estoy segura de que serán mucho mejores y con más ideas que los que partimos con este sueño".

El alcalde de Frutillar despeja dudas: "Flora es un símbolo de Frutillar. Ella es un motor y si la salud la acompaña, tal como lo sucede hasta ahora, no veo un recambio. ¿Para qué?".

Ernesto Ottone, director del CEAC, puntualiza: "Es difícil imaginar las 'Semanas Musicales de Frutillar' sin Flora. Que ella siga hasta el 2015 es la mejor noticia que nos pueden dar. Creo que todos los festivales han tenido una madrina o un padrino, y ella representa ese espíritu desde donde nació este gran evento. Ahora, los padrinos van cambiando en el tiempo y también es legítimo imaginarse un recambio, pero hasta que eso no ocurra no vale la pena hablar de ello".

 Algunos sucesos y artistas inolvidables

Alfredo Perl rememora a "Artes y Letras" que en las "Semanas Musicales de Frutillar" el año 1978 "debuté como solista con orquesta, tocando el concierto KV 271 ('Jeunehomme') de Mozart. Dirigió Fernando Rosas. Fue una experiencia maravillosa, inolvidable, de la que recuerdo principalmente el impacto que me causó escucharme a mí mismo tocar, y a la vez oír a los demás músicos como formábamos un conjunto sonoro armónico. Yo tenía doce años entonces. Durante la misma edición de las 'Semanas Musicales' hubo un montaje de la ópera 'Bastián y Bastiana' del mismo Mozart, en la que participé en una especie de introducción actuada en la que aparecí tocando el clavecín disfrazado de Mozart. Todo el mundo lo encontró muy tierno".

El periodista Walter Krumbach destaca un hito del año 1994. "Me acuerdo de una Sinfonía Coral de Beethoven, a cargo del Coro y la Orquesta Sinfónica de Chile , dirigidos magníficamente por Irwin Hoffman , y en que destacó la contralto solista Pilar Díaz, con su característico timbre broncíneo. Inolvidable".
A lo largo de sus 46 años de vida, han actuado importantes solistas y conjuntos de cámara nacionales e internacionales, como el pianista francés Jean-Philippe Collard , la soprano Patricia Cifuentes (ganadora del Concurso "Luis Sigall"), la cantante Andrea Tessa, directores como David del Pino y Francisco Rettig, el Ensemble Bartok ; además de importantes agrupaciones como la Sinfónica Nacional Juvenil dirigida por José Luis Domínguez.

Pero, sin duda, uno de los mayores hitos de su historia ocurrió en enero de 2011, cuando la totalidad de sus conciertos vespertinos comenzaron a desarrollarse en el Teatro del Lago.

Las claves de la futura sala de conciertos de la Sinfónica

El Mercurio

El nuevo recinto tendrá 950 butacas y será parte de un centro de extensión de 8.500 m2  . Se financiará con recursos mixtos.

Romina de la Sotta Donoso

Juan Pablo Izquierdo y Maximiano Valdés son solo dos de los cientos de músicos que han criticado las deplorables condiciones acústicas en las que trabaja la Orquesta Sinfónica de Chile, la más longeva del país. El último intento de solución fue la fallida sala de 2.000 butacas del GAM, que inicialmente se destinaría a la Sinfónica, pero ha quedado en nada.

A sus 73 años de edad, la Sinfónica finalmente se encamina a su casa propia. El rector de la Universidad de Chile, Víctor Pérez, revela a "El Mercurio" el estado de avance de un novedoso proyecto en el que han trabajado durante 20 meses y que hasta ahora mantenían en absoluto hermetismo.
"La Orquesta Sinfónica tiene un nivel internacional, y no es digno para el país que esté tocando en el Teatro Baquedano, que es un cine adaptado", dice el rector.

"Ninguno de nuestros cuerpos estables, ni la Sinfónica ni el Coro Sinfónico, ni la Camerata Vocal ni el Ballet Nacional Chileno, pueden seguir en esta situación de poca dignidad para con el arte y para con la ciudadanía. Por eso hemos desarrollado un proyecto para instalar un centro de extensión en Vicuña Mackenna 20, que contenga un hall de conciertos con 950 butacas para la Sinfónica y un auditorio de 270 para el Banch", agrega Pérez.
Este centro de extensión tendrá 8.500 m {+2} y se sumará a las nuevas edificaciones del Instituto de Asuntos Públicos y de la Escuela de Posgrado de la Universidad de Chile.

"Ya hemos desarrollado el proyecto de arquitectura y se está trabajando en la parte final de las especialidades. Las partes acústica y de iluminación tomarán más tiempo. En abril llevaremos el proyecto debidamente definido, y con un esquema de financiamiento, a los órganos de gobierno de la universidad, tanto el Consejo Universitario como el Senado Universitario. Plantearemos que se empiece la construcción con cargo parcial al fondo de inversión de la universidad. Pero el financiamiento será mixto: esperamos contar con la generosidad del sector privado y que el Estado cumpla con su responsabilidad hacia su principal universidad pública. Estamos hablando de bienes públicos patrimoniales, que tienen que estar a disposición de toda la ciudadanía", detalla el rector.

El centro de extensión tendrá ocho pisos y estacionamientos. Aún no existe una cifra definitiva sobre su costo; se estima entre 15 y 17 millones de dólares.

La sala de conciertos será moderna, con tecnología de punta, y con butacas en 360 grados respecto del escenario.

"No es opción para nosotros una sala multiusos, tan en boga hoy. No necesitamos un espacio de exhibición, sino de residencia. La Sinfónica tendrá su sala de ensayo, también el Coro Sinfónico y el Banch. Solo así, funcionando como un centro escénico moderno de creación, podrán desarrollar sus proyectos. Además invitaremos a compañías independientes de danza y orquestas clásicas de regiones", aclara Ernesto Ottone, director del CEAC.

"Los músicos de la Sinfónica no van a creerlo hasta que vean la primera piedra, y con justa razón, han vivido muchas promesas anteriores. Pero este proyecto va", asegura Ottone. "La universidad es sabia en apoyar iniciativas serias, no personalistas, que proyectan el quehacer universitario en el tiempo. No le estamos pidiendo al Estado que lo haga, sino que participe en un proyecto público en el cual la Universidad de Chile asegura el resguardo de estos bienes de valor patrimonial", agrega.

"Esperamos inaugurar en 2016", dice el rector Pérez. Entonces, la Sinfónica cumplirá 75 años, y tanto el Banch como el Coro Sinfónico habrán superado los 70.

Los grandes intérpretes de la canción española llegan en masa a Chile


El Mercurio

Célebres voces ibéricas, con Raphael a la cabeza, visitan el país con múltiples conciertos en agenda y aprovechando la nutrida red de casinos de norte a sur.

DIEGO RAMMSY

Tal como lo han hecho sus compatriotas en busca de mejores oportunidades -hoy hay más de 50 mil españoles en Chile y 10 mil de ellos arribaron solo entre 2012 y 2013-, los músicos ibéricos se han tomado el país para ofrecer conciertos por doquier, estrujando hasta el último éxito en su repertorio.

Al menos la agenda de espectáculos local considera una docena de ellos con shows pactados entre febrero y abril de 2014. Liderando ese grupo de cantantes está Raphael. Su gira de 11 conciertos, en los que celebra en casi tres horas sus 50 años de trayectoria, se titula "Mi gran noche" y recorre desde Antofagasta hasta Frutillar, donde el Teatro del Lago abrirá sus puertas extrañamente a un cantante popular.

"Un artista tiene que desear ir a las regiones para que se pueda hacer el show. El montaje no es el mismo que en Santiago, es más sencillo, pero algunos pueden lograrlo y convocar al público. Para eso tiene que ser un artista transversal y con historia", asegura Jorge Ramírez, director ejecutivo de Multimúsica, productora responsable de la actual visita de Raphael y de su compatriota Álex Ubago.

Pero la ola ibérica en Chile tiene más representantes que exponer. Sin ir más lejos, unas de las principales voces del Festival de Viña del Mar es la cantante Paloma San Basilio, quien será parte de la velada del 27 de febrero en la Quinta Vergara.

Dentro de los consagrados, Dyango se presentará el próximo 13 de abril en el Teatro Caupolicán en lo que será su despedida de los escenarios, y Ana Belén hará lo propio el 11 de marzo en el Teatro Nescafé de las Artes. Rosana, Mocedades, Melendi y La Oreja de Van Gogh se suman al desembarco (ver recuadro).

Hoy, una de las mayores plataformas musicales a lo largo de Chile son los casinos. Gran parte de los conciertos que ofrecen los artistas internacionales la constituyen los escenarios de esos recintos. "Se han vuelto un lugar para pasarla bien donde el juego es solo una parte, porque de cada 100 personas que entran a un casino, 60 no juegan", señala Ramírez desde Multimúsica. De hecho, de los 11 conciertos de Raphael, cinco ocurren en casinos Enjoy, llevando al español por primera vez a lugares tan imprevistos como Colchagua. "Los espectáculos son importantes para nosotros, por eso aprovechamos la instancia que crean las productoras para tener a los artistas", explica Juan Andrés López de Santa María, de contenidos Enjoy, cadena que realiza más de 300 shows al año y alrededor de 120 entre enero y febrero.

Dreams, la cadena de casinos que cuenta con cinco recintos, está presentando a los hispanos Álex Ubago, Ella Baila Sola y Amistades Peligrosas en vivo, pero sin cobrar un ingreso extra que el de la entrada al casino. "Combinar el hecho de que sean artistas que nos interesan y que vienen a Chile, es una forma de abaratar costos, si no, sería casi imposible traerlos del extranjero exclusivamente", explica Antonio Menchaca, chief entertainment officer de Dreams.


 En vivo

Raphael: En febrero, 8 y 9 en Teatro Caupolicán. También en Concepción (12), Frutillar (14), Temuco (16), Colchagua (18), Rinconada (21) y Viña del Mar (22).

Álex Ubago: 13 de febrero en Temuco. Luego en Monticello (14) y en Puerto Varas (15).

Marcos Llunas: 8 de febrero en Rancagua.

Mocedades: 8 de febrero en Puerto Varas, 11 en Viña del Mar y 13 en Teatro Caupolicán.

Ella Baila Sola y Amistades Peligrosas: 8 de febrero en Valdivia y 14 en Puerto Varas.

Paloma San Basilio: 27 de febrero en el Festival de Viña del Mar.

Melendi: 28 de febrero en el Festival de Viña del Mar y 2 de marzo en Teatro Caupolicán.

La oreja de Van Gogh: 8 de marzo en Teatro Caupolicán.

Ana Belén: 11 de marzo en Teatro Nescafé de las Artes.

Enrique Bunbury: 8 de abril en Teatro Caupolicán.

Dyango: 13 de abril en Teatro Caupolicán.

Rosana: 30 de abril en Teatro Caupolicán.

sábado, febrero 01, 2014

Cómo los músicos chilenos están aprovechando el mundo de la publicidad

El Mercurio

Una fuente extra de ingresos, la posibilidad de concretar un mayor número de presentaciones y más visibilidad son las alternativas que entrega esta alianza que comienza a hacerse recurrente en Chile y que, en el extranjero, tiene ejemplos de sobra.

Bastián García S.

A la encargada de marketing le gustaba Gepe. Daniel Riveros -el músico tras "Fruta y té" - cuenta que su llegada a las filas de Foster fue muy simple: "Ella le decía a Felicia Morales -cellista del cantautor- que de repente yo podría trabajar con ellos. Se convenció y me llamó a una reunión". La gente a cargo de la tienda de ropa y accesorios quería seguir haciendo cosas con músicos.

La campaña con Francisca Valenzuela había salido bien y ahora buscaban ampliarla incluyendo la línea de hombres. El sanmiguelino quería saber si aquella incursión sería "fome o entretenida", si además de fotos habría que hacer cosas incómodas, pero no: "Ellos se adaptaban a lo que quisiera hacer, fue súper libre y con harto respeto. Se preocuparon e informaron de saber quién era. Hubo un trabajo muy bueno de su parte", explica.

El multiinstrumentista no fue el único. Desde allí, artistas como Dënver, Nano Stern o Los Tres, por nombrar algunos, fueron parte de distintos tipos de campañas: con su música en comerciales, algunos como rostros y, muchos otros, con shows exclusivos.

La banda nacional We Are The Grand comenzó ayer su gira por varias ciudades de Chile -Valdivia y Osorno, entre otras-, previo a su presentación en Lollapalooza el domingo 30 de marzo. Y una de las firmas asociadas a su nombre es Ellus. Sobre el convenio, su baterista Matías Peralta explica que "Nos dan una cierta cantidad de dinero al año en sus productos, y lo que nos piden a cambio es que al promocionar nuestros espectáculos, tengamos fotos con su ropa para hacer un trabajo de redes sociales. Es como una colaboración".

Asimismo, opina que es una muy buena ayuda para profesionalizar el trabajo de las agrupaciones: "poder girar con tus propios equipos o costear un auto y bencina para no irte en bus es algo muy positivo, a falta del apoyo convencional de años atrás como los sellos", comenta.

Gepe, además de Foster, compuso una canción original para Inacap, que cada año toma a un músico nacional: "Ellos querían que fuese un tema alegre y optimista -típicas recomendaciones publicitarias-, parecida a 'Por la ventana'. Mandé dos referencias, eligieron una, la terminé y así salió", dice, e indica que, en algunos casos, se corre el riesgo de banalizar el trabajo del músico pero que en otros es un aporte, ya que "te sirve como un ingreso extra a los shows. Aunque tampoco hay que sobredimensionarlo. No es ni un gran paso ni un retroceso, es parte de la vida de los músicos contemporáneos".

Los últimos movimientos corrieron por cuenta de Astro y H&M, que a través de su plataforma H&M Life -que destaca agrupaciones que marcan tendencias-, presentó el video de "Manglares" a nivel mundial. Otro en aparecer fue Nicolás Torres, vocalista de Silvestre, que participa en la publicidad de otra línea de ropa.
Pero el batazo lo dio Javiera Mena, porque la cantante y productora vendió su último sencillo llamado "Espada" a la nueva campaña de la compañía Ford, donde promociona uno de sus vehículos. Y no solo eso, la artista es rostro y protagonista del comercial.

Esta fue una estrategia que ya utilizó otra empresa de automóviles en Estados Unidos, con la música de Foster The People como actor principal.

Mark Foster y Michael Jackson

Mark Foster partió a Hollywood, desde la casa de sus padres -en Sylmar, Los Angeles- a los 18 años para perseguir su sueño de ser músico. Aunque sus trabajos nocturnos, las fiestas y la adicción a las drogas lo alejaron de su objetivo. Se rehabilitó y buscó una nueva oportunidad. Hasta que en 2008 consiguió trabajo como escritor de jingles para comerciales: allí aprendió lo que funciona desde el punto de vista comercial.
Un año después formó Foster The People. Y la fama no tardó en llegar. Tampoco las marcas, porque los norteamericanos lograron introducir la mitad de su álbum debut "Torches" en distintas campañas: "Don't stop (color on the wall)" fue la elegida por Nissan; además, "Pumped up kicks" -su primer gran éxito- fue parte de series como "Entourage" o la película "Friends with benefits"; Houdini también en "Gossip girl"; "Helena beat" en "The vampire diaries"; y "Call it what you want" en el videojuego FIFA 2012.

Emblemática, también, fue la alianza de una bebida cola con Michael Jackson durante los años 80, en que el "Rey del pop" cantó una nueva versión de "Billie Jean", donde se le veía en medio de jóvenes imitadores. Así como la del 27 de enero de 1984 -con el contrato más costoso hasta esa fecha en la promoción de un producto- en la que el autor de "Thriller" terminaría con el cabello en llamas: "Lo curioso es que todo el incidente generó mucha publicidad para el anuncio, y se vendieron más bebidas que nunca", contaría después.

Durante este período, artistas de la talla de David Bowie, Oasis, Kanye West o Chemical Brothers han tenido sus canciones en comerciales de gaseosas o perfumes. Tal y como se está utilizando en Chile.

La fiesta multinacional del jazz en Las Condes

El Mercurio

Músicos de Estados Unidos, Japón , Inglaterra, Francia, Cuba, Nicaragua, Bolivia, Perú y Chile se congregan entre el viernes 31 y el domingo 2 de febrero en el Parque Alberto Hurtado para celebrar su primera década.

IÑIGO DÍAZ

Hace diez años comenzó con una convocatoria que pasó de pequeña a mediana en cosa de minutos. Los primeros momentos del Festival de Jazz de Las Condes, que desde 2005 se realizaba en la Plaza Perú del barrio El Golf, y logró una recepción progresiva tal, que cinco años más tarde el programa debió trasladarse al Parque Araucano.

Pero ese espacio también fue insuficiente, por lo que la municipalidad optó por llevar el festival al Parque Alberto Hurtado, donde se reúnen unas cerca de cuatro mil personas por jornada. "El año pasado, con el Ángel Parra Trío acudieron casi cinco mil personas. Si hay algo claro, es que en estos diez años hemos patrimonizado el jazz en Las Condes", dice Cristián Cuturrufo, impulsor de la idea.

El trompetista de Coquimbo volverá a ser parte del programa, que el fin de semana presentará tres noches con conciertos dobles, alternando visitas extranjeras con músicos nacionales. Ayer, a las 21:00 horas, las sesiones se iniciaron con el cuarteto del bajista peruano Enrique Luna, pionero en el jazz fusión en Chile durante los años 70, quien se rodea de músicos cubanos.

"Tocarmos música de los tres conjuntos que tengo actualmente: Eqlectik (música africana), Moontoon (jazz fusión) y Grooves Urbanos (funk y acid jazz)", dijo Luna. Esta primera jornada se completó con el cuarteto del guitarrista japonés Akira Ishiguro, uno de los músicos que se encuentran girando por diversos festivales del país.

Cuturrufo lidera con su sexteto la segunda noche, mañana a la misma hora, y anuncia un homenaje a Art Blakey con un extenso repertorio de los Jazz Messengers, la banda que el baterista afroamericano lideró desde los años 50 y le dio el sonido a la música de la era Blue Note. En la banda del chileno también hay solistas de Francia y Bolivia. Luego toca el grupo Old School of Blues, residente del club The Jazz Corner en el barrio Italia, con el saxofonista tenor inglés Edward Neidhardt. "Esta versión del festival es por lejos la más internacional que hemos tenido", apunta el trompetista.

"Yo venía del jazz y me reuní con estos músicos de la timba. Quería unir las dos influencias para armar un grupo sólido de latin jazz, y aquí estamos: listos para tocar", dice el baterista Ignacio Rocco, quien encabeza el nuevo grupo Efori, formado por músicos como el cubano Juan Manuel Arranz (piano) y el nicaragüense Johnny Campo (trompeta). "Para los cubanos, 'efori' es algo parecido a 'echar humo'. Aunque significa otra cosa", cuenta Rocco.

El gran cierre del festival quedará a cargo del guitarrista Frank Gambale, mundialmente famoso por su militancia en el clásico grupo de Chick Corea de los 80, Elektric Band. Gambale, quien tocó por primera vez en Chile en 1994 con una guitarra que lucía una espléndida calcomanía del Correcaminos, se unirá al nuevo trío eléctrico del bajista Christian Gálvez. Las entradas a los conciertos son de $2.000. Vecinos de Las Condes pueden retirar invitaciones en todos los centros comunitarios.

Rescatan misterioso libro de partituras que habría sido escrito por una esclava

El Mercurio

Acaba de ser donado a la Biblioteca Nacional el "Libro Sesto", de María Antonia Palacios. Un compendio de partituras copiadas a fines del siglo XVIII, que el musicólogo Guillermo Marchant encontró, abandonadas, en un convento.

Romina de la Sotta Donoso

El musicólogo Guillermo Marchant (1950-2009) descubrió el "Libro Sesto" de María Antonia Palacios en un convento. "Nuestro encuentro fue casual y providencial; estaba entre escombros y vetustas 'basuras' resultantes de un proceso de 'modernización' en una antigua institución religiosa en Santiago de Chile", apuntó el investigador al respecto. Nunca dijo de qué orden era ese convento, pues no quería herir susceptibilidades eclesiásticas.

El manuscrito consta de 98 folios y reúne decenas de partituras copiadas a fines del siglo XVIII. Este volumen invaluable acaba de ser donado por la familia del musicólogo al Archivo de Música de la Biblioteca Nacional. "Existe bastante material que documenta la música colonial chilena, pero generalmente es vocal. Las piezas del 'Libro Sesto', en cambio, son instrumentales", dice Cecilia Astudillo, jefa de ese Archivo.
El compendio reúne música instrumental para clave, pianoforte, salterio y órgano. La mayoría, indica el musicólogo Luis Merino, fue escrita por compositores ibéricos activos entre 1780 y 1790, como Juan Capistrano Coley, Vicente Joaquín Castillón y Juan de Lanbida. También hay piezas del austro-francés Ignaz Joseph Pleyel y del veneciano Giambattista Grazioli. Incluso está Franz Joseph Haydn, con el primer movimiento de su Sonata en Do Mayor, Hob. XVI: 35.

Merino fue profesor guía de Marchant en la tesis de magíster, que dedicó al "Libro Sesto", y que fue donada junto al manuscrito. "Él era un historiador nato. Quería averiguar quién era María Antonia Palacios, cuyo nombre aparece en la portada. Indagó en el Archivo Histórico del Seminario Pontificio Mayor y en el Archivo Nacional y elaboró la hipótesis de que probablemente era una esclava afroamericana", detalla.
Marchant confirmó la existencia de una esclava de ese nombre, y revisó estudios precedentes que sostienen que en el siglo XVIII se valoraba mucho en Chile a los esclavos con capacidades musicales.

"Rosa Soto, autora de 'Esclavas negras', estudió la vida de María Antonia Palacios y cuenta que en la partida de su compra dice que sus labores no eran domésticas, sino de destreza musical. Ella sabía leer e interpretar piezas religiosas, y además sabía tocar el órgano y el salterio. Hay documentos que dicen que Gertrudis Palacios, su dueña, le habría permitido incluso componer. Guillermo creía que las tres obras anónimas del 'Libro Sesto' eran suyas", asegura Astudillo. "Su hipótesis es verosímil y consistente, pero hay que seguirla investigando", apunta Merino. Algo que será más fácil ahora que el documento ingresó al Archivo de Música.

"Esta donación fue posible gracias a las gestiones de Luis Merino con la familia de Guillermo", destaca Astudillo, y revela que lo primero que harán será someter el manuscrito a un tratamiento de conservación preventiva. "Nos pusimos un año como plazo para digitalizarlo, y queremos que al menos algunas de sus páginas estén disponibles en Memoria Chilena", concluye.

El polémico libro que destapa las contradicciones del líder de U2

El Mercurio

"Bono: en el nombre del poder", tilda de personaje negativo al que millones consideran un embajador de la paz.

ANDRÉS PANES

"No es nada personal, Bono, pero me temo que uno de los primeros pasos para buscar justicia real es dejar de comprar el mensaje que nos estás vendiendo". Así remata Harry Browne, periodista, académico y activista irlandés, la introducción de su libro "Bono: en el nombre del poder". En casi 300 páginas, el autor evalúa la retórica del cantante de U2 como actor social y político, y saca cuentas tristes: asegura que su labor humanitaria causa más daño del que enmienda.

Browne califica a Bono de "filantrocapitalista". Lo perfila como un hijo de la interacción entre cinismo e idealismo influenciado por la conciencia social de los 60, pero a la vez tecnócrata y compinche de la élite rica occidental. Un "embajador de la explotación imperial", dice, exponiendo su trabajo con precursores de la guerra en Irak como George Bush o Tony Blair, mientras intenta sembrar la paz en el mundo, y destapando su lazo con organizaciones religiosas con sede en África que condenan el uso de preservativos, pese a que la lucha contra el sida es una de sus principales cruzadas.

No habría, según el cáustico libro, mejor ejemplo de los delirios, las pretensiones y la terquedad de la filantropía de celebridades que Bono, síntesis de misionero bienintencionado y comerciante colonialista; una contradicción ambulante. Alguien que tiene reuniones con presidentes para encontrar mejoras a la vida del Tercer Mundo -ofreciendo soluciones parche, recalca Browne-, y después protagoniza campañas para transnacionales que explotan a sus trabajadores en países pobres. Aunque reconoce algunos de sus aportes: después de todo, la fundación ONE impactó profundamente en la alfabetización del África subsahariana.

En su afán investigativo y denunciante, incluso dedica espacio a las cuentas personales de Bono. Cuenta que no financia casi ninguno de sus proyectos con dinero propio, sino que consigue el aporte de amigos inversores del calibre de Bill Gates. Y explica que U2 funciona como la mayoría de las grandes empresas: subdividida en compañías que realizan prestaciones entre sí, y establecida en Holanda desde 2006 para pagar menos impuestos. "Bono: en el nombre del poder" pertenece a la saga "Counterblasts" de la casa editorial Verso: una serie de libros que busca "desafiar a los apologistas del capital" como el economista Jeffrey Sachs o el columnista Thomas Friedman.

Stax Records, la resurrección del sello que transformó al soul

El Mercurio

Cuna de artistas como Otis Redding, Wilson Pickett e Isaac Hayes, el sello de Memphis revolucionó la música negra en los 60. Ahora, con reediciones de su catálogo más esencial, vive un renovado aire de valoración. Esta es su historia.

Felipe Rodríguez

En una entrevista concedida el año pasado al diario The New York Times, John Fogerty, el ex líder de Creedence Clearwater Revival, recordó que, a comienzos de los 70, su banda "era bastante buena, pero no éramos los mejores del mundo". Ese honor, según él, le pertenecía a Booker T. & The MG's. La respuesta fue sorpresiva: ese era un grupo de soul instrumental que trabajó como la banda de estudio de la discográfica Stax Records.

Inaugurada a comienzos de los 60 en Memphis, la misma ciudad del rey Elvis, la compañía dio un golpe de timón a la realidad estadounidense. Si la segregación racial y los albores de la guerra de Vietnam fueron otro estallido de la división entre negros y blancos en ese país, Jim Stewart y su hermana Estella Axton brindaron un ejemplo. Su naciente empresa -instalada donde antes hubo un cine y bautizada al unir las dos primeras letras de los apellidos de sus dueños- giraba en sus propios gustos: abortaba la participación de grupos de rock and roll y posicionaba el soul como referente de identidad de su ciudad. Y aún más: en sus filas, la odiosidad de razas quedaba fuera. En ese sentido, Booker T. & The MG's daba un ejemplo de integración con músicos negros y blancos.

El primer golpe a la competencia, la millonaria Motown de Detroit, llegó en 1962 de la mano de un chofer de una banda de blues: Otis Redding. Ante la insistencia de tomar un micrófono, grabó un tema y, a los meses después, lanzó "Respect" y "These arms of mine", títulos que pusieron de rodillas a la competencia.

Ese fue el primer zarpazo de popularidad. Lo siguió un acuerdo de distribución para todo el país con el sello Atlantic -la discográfica de Led Zeppelin- y, especialmente, una idea de The Beatles que nunca se concretó, pero que les subió los bonos. En su gira de 1966 a Estados Unidos, los de Liverpool quisieron ensayar en sus estudios Soulsville. La idea no prosperó: el lugar, acondicionado con lo justo, fue rechazado por la policía después que jóvenes de Memphis y sus alrededores se lo tomaron. Los ejecutivos de Stax se desilusionaron. "Iba a cortar la alfombra en pedazos y venderla a los fans. Habíamos hecho cálculos y quedaba un buen saldo", dijo Deanie Parker, encargado de la publicidad de la discográfica.

La revancha demoró menos de un año en cuajar. Con el mercado estadounidense en el bolsillo, los dueños de la compañía plasmaron su primera gira por Europa. Llamada Stax/Volt Revue, el tour actuó como un revulsivo. Algunos músicos no conocían más que su propia ciudad y enterarse que en escenarios tan ajenos como Oslo, Estocolmo, Copenhague o París pedían sus canciones en las radios y se acercaban para sacarles autógrafos fue una rareza con características exóticas. Más aún, cuando en el aeropuerto de Londres los recibían como jefes de Estado. Enterados de su visita, The Beatles enviaron limusinas para su traslado, interrumpieron las grabaciones de "Sgt. Pepper... (1967)" para conocerlos e, incluso, se dice que al saludar a Steve Cropper, integrante de Booker T. & The MG's, los cuatro le hicieron una reverencia. No sería el único honor que los ingleses le brindarían a Cropper. En 1996, la revista Mojo lo citó como el segundo mejor guitarrista de la historia detrás de Jimi Hendrix. Una certificación que el músico agradeció, pero desestimó con humildad. "Es una exageración. Soy un obrero, no un virtuoso", afirmó.

La productividad de Stax era sorprendente. A la sombra mágica de Otis Redding se colaron varios más: Sam & Dave, Wilson Pickett, Eddie Floyd, The Bar Kays y Staple Singers, entre otros. En el estudio, otra rareza: no recurrían al alcohol ni a las drogas. "Debías entrar con las ideas claras, grabar rápido y salir corriendo, sobre todo en verano, que era inaguantable. Solíamos escaparnos al Lorraine Motel a darnos un chapuzón y seguir trabajando", asegura Cropper.

Mientras Stax era cada vez más cotizado, vino la tragedia. En 1967, unos meses después de consagrarse en el festival de Monterrey -donde compartió con The Who, Janis Joplin y Jimi Hendrix-, Otis Redding murió en un accidente de avión cerca de Wisconsin. Tenía 26 años y un mes después su disco póstumo, "(Sittin' on) the dock of the bay" (1968) llegaba al número uno. Esa victoria, sin embargo, fue el fin de su alianza con Atlantic Records, que les quitó los derechos de las canciones de Redding, debido a una cláusula en el contrato.

El suceso obligó a tapar el agujero tras la trampa de Atlantic. Entró otro socio, Al Bell, que coincidió con el período más político del sello tras la muerte en abril de 1968 de Martin Luther King en el propio Memphis. Bajo la administración de Bell, se editaron 27 álbumes y 30 singles en once meses y despuntaron figuras como Isaac Hayes y The Temprees. El punto culminante sucedió en agosto de 1972 con el concierto Wattstax en Los Angeles con más de cien mil personas pagando un dólar por la entrada. La politización de su nuevo catálogo fue el declive. En 1975, Stax Records se declaró en bancarrota. Según Deanie Parker, las cúpulas de Memphis abonaron la caída de la discográfica por racismo. "Éramos una empresa negra que hacía gala de su militancia y nos querían como sus camareros. No como hombres de negocios".

Los músicos emergentes no los olvidaron. En 1979, The Clash exigió a Sam & Dave como sus teloneros en su gira por Estados Unidos y Elvis Costello imitó el sonido Stax en su álbum "Get Happy!" (1980). Más allá del recuerdo que se plasma en Memphis al transformar actualmente su estudio en el Stax Museum of American Soul Music, la música de Stax revive un sentimiento poderoso: la intuición como escuela y la creatividad como antídoto contra la precariedad.

jueves, enero 30, 2014

Ana Tijoux y el rap andino: "En este disco no hay ningún sampler "

El Mercurio

Lanzará el 18 de marzo "Vengo", su cuarto álbum, en el que por primera vez la grabación fue 100% orgánica. "Era un cuestionamiento que tenía hace tiempo", dice.

JOSÉ VÁSQUEZ

No hay un golpe de timón drástico, pero el nuevo disco de Ana Tijoux, que llevará por título "Vengo" -y que tendrá un lanzamiento continental a través de Nacional Records el 18 de marzo- la devuelve a la música con un sonido diferente.

Fue un álbum que terminó en el estudio el 31 de diciembre pasado. Una fecha que para muchos se anota radical, algo así como una separación espacial entre el pasado, el presente y el futuro, y que determinó el fin de un trabajo y el comienzo de una nueva sonoridad.

Porque "Vengo", como ya lo anticipó la canción homónima que lanzó como adelanto el 21 de enero, tiene un fondo musical distinto a todo lo que había hecho antes. Afuera los samplers, bienvenidos los instrumentos andinos. Sí, zampoñas y charangos al servicio del rap con un resultado que entusiasma.

"Este era un cuestionamiento que tenía hace tiempo. Incluso cuando grabé '1977' (lanzado en 2010, nominado al Grammy Latino y que musicalizó un capítulo de "Breaking bad") les comenté a mis músicos que quería incluir música andina, pero entonces no tuvimos tiempo. En este disco no hay ningún sampler , todos los instrumentos fueron grabados; esta es la primera vez que hago un disco 100% orgánico", dice la voz de "Shock".

Y para conseguirlo escribió la música en partituras, las que luego grabaron los músicos. Un desarrollo en el estudio que espera poder replicar en sus presentaciones en vivo, donde sumaría a un total de 13 artistas sobre el escenario. "Es difícil que los pueda tener a todos, pero mi intención es conseguir ese sonido lo más fiel posible", cuenta Tijoux.

El disco también cuenta con una colaboración que la cantante califica como la de una "estrella invitada". Se trata de la atractiva rapera palestina Shadia Mansour, a quien conoció en un festival de rap árabe en Estados Unidos. Un músico iraquí fue el nexo, y desde entonces se hicieron amigas. La comunicación se hizo instantánea a través del WhatsApp, y llega a Chile el próximo 2 de febrero para cantar con ella. "Lo más probable es que la canción que grabamos se transforme en un single", dice.

Ana Tijoux realizará una gira por Estados Unidos y México, donde destaca su presentación en el festival Vive Latino, de la capital azteca, en marzo. En Chile será parte de la próxima edición de Lollapalooza, donde planea presentar por primera vez el disco completo. "Si no lo hago así, espero por lo menos tocar cinco canciones de él", anticipa.


La Nueva Ola está de luto: A los 72 años muere Danny Chilean

Emol

La noticia fue confirmada por cercanos al cantante por medio de las redes sociales.

SANTIAGO.- Tras una larga batalla contra el cáncer, falleció a los 72 años Javier Astudillo, más conocido como Danny Chilean, destacado intérprete y compositor de la Nueva Ola chilena.

La noticia fue confirmada por la cantante Cecilia, quien por medio de su cuenta de Twitter informó lo sucedido.

"Ha partido un gran colega de la gloriosa Nueva Ola, Danny Chilean, mis abrazos y condolencias a su esposa y familia. La música sigue con Dios", escribió en la red social.

Bajo el seudónimo de Danny Chilean, el cantante fue una de las figuras emblemáticas de la Nueva Ola, junto a Peter Rock, Luis Dima y Cecilia, entre otros.

Entre las canciones más recordadas de Astudillo se encuentran temas como "Hola Josefina" y "Verónica", entre otros.

Estudio MusicAntigua rescata el legado sonoro colonial de Sudamérica

El Mercurio

"Venid deydades" viene a completar la serie de grabaciones de las obras recopiladas por Samuel Claro.

Paula Fredes Cortés

Un reencuentro con el patrimonio histórico musical es lo que ofrece "Venid deydades", el último de los tres discos que reinterpreta el Estudio MusicAntigua, a partir de la "Antología de la música colonial de América del Sur", publicada en 1974 por el musicólogo Samuel Claro. El disco, que se estrena hoy en el Instituto de Música de la UC, "es la conclusión de un proyecto de registro sonoro de una obra muy conocida a nivel mundial, pero que nunca había sido registrada integralmente", explica Sergio Candia, director del IMUC y del conjunto .

La grabación de las 34 obras antologadas por Claro comenzó el 2002 con "A tocar, a cantar y a baylar", compuesto por 18 villancicos y un aria. Continuó "Fuego de amor" (2011), con diez piezas pertenecientes al barroco sudamericano.

La producción que hoy se presenta, financiada por la Vicerrectoría de Investigación de la UC y el CNCA, la integran tres obras; dos de ellas encontradas en la Catedral de Santiago y una en un archivo colonial en Perú.

Se trata de una opereta del Fray Esteban Ponce de León llamada "Venid, venid, deydades", obra dramática de carácter profano sobre "la llegada de un nuevo obispo a la ciudad del Cuzco", precisa Candia.

Las obras nacionales, en tanto, son "Un gallego pastorcillo", pastoral de raigambre popular que se compone como "una especie de villancico polifónico a varias voces con acompañamiento orquestal", dice.

A su parecer, "la más larga y quizás la más importante de las tres es la Misa de José de Campberrós, quien fue maestro de capilla de la Catedral de Santiago a comienzos del siglo XIX".

Si bien esta obra ya había sido registrada en los 70, en esta oportunidad fue grabada por MusicAntigua con instrumentos de la época, como el clavecín, cornos naturales, violines barrocos, violas de gamba, además de cuatro voces corales.

Dos de los temas ya han sido tocados en vivo en el Encuentro de Música Sacra UC y en el GAM. "La recepción ha sido muy buena. El público siempre agradece escuchar obras que son patrimoniales, aparentemente muy lejanas en el tiempo, pero con una sonoridad que resulta muy viva", cuenta Candia, quien junto a 22 músicos cumple la labor de rescatar y preservar el repertorio histórico musical del continente.

Primer ciclo de música popular en el Museo de Bellas Artes

El Mostrador

Esta iniciativa de abrir las puertas del museo a la música popular provino luego de la exitosa experiencia generada durante la muestra “Los Jaivas, Cinco Décadas de Rock Chileno”, en agosto de 2013. Es una forma de incorporar la música a la oferta cultural del museo.

A partir del domingo 2 de febrero y durante todos los domingos del mes, se llevará a cabo en el Salón José Miguel Blanco del Museo Nacional de Bellas Artes el Primer ciclo de música popular.

Los artistas invitados a participar de estas jornadas musicales son Los siempre vivos (domingo 2 de febrero), Mauricio Redolés (domingo 9 de febrero), Sototo Blues Band (domingo 16 de febrero) y Fernando Ubiergo, quien cerrará el ciclo el domingo 23 de febrero.

Para dar la bienvenida a este ciclo, el martes 28 de enero a las 12.00 horas se realizó un encuentro con los músicos protagonistas, que además contará con la participación de Mario Mutis de Los Jaivas y Mario Rojas y Miguel Barriga, de Sexual Democracia.

Esta iniciativa, de abrir las puertas del museo a la música popular, provino luego de la exitosa experiencia generada durante la muestra “Los Jaivas, Cinco Décadas de Rock Chileno”, en agosto de 2013, y como una forma de incorporar la música a la oferta cultural del museo.

De esta manera confluirán distintos estilos musicales como folclore, blues, rock, pop, jazz, cantautores, payadores y grupos experimentales. El ciclo se inicia el domingo 2 de febrero con la presentación del grupo de payadores e improvisadores “Los Siempre Vivos”, integrado por Bigote Villalobos, Luciano Fuentes y Maximiliano Villalobos, genuinos exponentes del canto popular campesino.

Para el domingo 9 está programada la presentación del destacado músico y poeta chileno Mauricio Redolés. El domingo 16, los sonidos nacidos a orillas del Mississippi invadirán el Salón Blanco con “Sototo Blues Band”, agrupación liderada por Jorge Soto, emblemático músico de bandas como Tumulto, y Sol y Medianoche, entre otras.

El cierre, el domingo 23, estará a cargo de uno de los más importantes cantautores surgidos en nuestro país: Fernando Ubiergo, quien además de ganar los más importantes festivales de habla hispana en el mundo, ha incorporado bellas canciones a la banda sonora de vida de varias generaciones de chilenos.

Todas las jornadas comienzan a las 17:00 horas y la entrada a estos espectáculos es liberada. Se solicita puntualidad, pues una vez llena la sala, no se permitirá el acceso al auditorio.

Violeta Parra será reconocida en Salón de la Fama de Compositores Latinos

Cooperativa

También será premiado de manera póstuma Carlos Gardel.
Joan Manuel Serrat, Juan Luis Guerra y Rubén Blades optan a los galardones en la categoría compositor.

El español Joan Manuel Serrat, el dominicano Juan Luis Guerra, el panameño Rubén Blades y el brasileño Roberto Carlos optan por entrar al Salón de la Fama de los Compositores Latinos, una iniciativa sin ánimo de lucro que busca realzar la figura de los creadores hispanos de música.

En la categoría de Artistas aparecen además el argentino Alberto Cortez, la cantante de origen cubano Gloria Estefan, el salvadoreño Álvaro Torres, el guatemalteco Ricardo Arjona, el mexicano Juan Gabriel, el peruano Gian Marco, el estadounidense de origen puertorriqueño Willie Colón y el venezolano Franco de Vita.

La organización también quiere a homenajear a aquellos compositores que, a pesar de no tener notoriedad pública, han sido autores de exitosos temas. Entre los nominados en la categoría de "No artistas" están los argentinos Roberto Livi y Lalo Schifrin, el colombiano Héctor Ochoa Cárdenas, el cubano Jorge Luis Piloto, los españoles Alejandro Jaén y Rafael Pérez Botija, el mexicano Rubén Fuentes y Lolita de la Colina.

La lista, leída en Miami por los músicos Luis Enrique, Alex Matos y Julio José Iglesias, la completan el panameño Omar Alfano, el puertorriqueño Johnny Ortiz, el dominicano Rafael Solano y el venezolano José Enrique "Chelique" Sarabia.

Esta será la segunda oportunidad que Cortez, Roberto Carlos, Juan Luis Guerra, Arjona, Juan Gabriel, Serrat, Livi, "Chelique" Sarabia, Pérez Botija y Schifrin optarán por formar parte del selecto grupo de músicos, después de que en 2013 se quedaran a las puertas de este reconocimiento.

El público puede votar por sus compositores favoritos a través de internet hasta la medianoche del próximo 27 de abril, y los ganadores serán anunciados al día siguiente.

El reconocimiento a Violeta Parra
A título póstumo se reconocerá especialmente la carrera de la chilena Violeta Parra, el argentino Carlos Gardel, el brasileño Antonio Carlos Jobim, el cubano Ernesto Lecuona, el mexicano Agustín Lara y el puertorriqueño Rafael Hernández Marín.

"Nuestra iniciativa solamente es la de honrar, preservar y celebrar las obras y las carreras de los grandes compositores de todos los géneros musicales", dijo a EFE Rudy Pérez, uno de los artífices de este proyecto.

Rudy Pérez, cofundador de esta iniciativa junto al productor musical Desmond Child, destacó que, gracias a este proyecto, "se preserva la historia y la cultura musical latina", algo que no se había hecho anteriormente.

"Considero que nosotros hemos hecho un trabajo bastante pésimo en honrar a grandes compositores, ya que, hasta ahora, no ha existido un salón de la fama. Creo que es necesario y muy importante para nuestro futuro", reivindicó el compositor y productor de artistas como Luis Miguel, Cristian Castro, Ricky Martin y Luis Fonsi.

En su intervención, el cantante nicaragüense Luis Enrique lamentó que el compositor "casi nunca es reconocido ni se le da el valor que se merece".

"Todas esas canciones que ustedes escuchan nadie sabe quién las compuso", señaló el denominado "príncipe de la salsa", quién confía en que, gracias a la consolidación de este proyecto, finalmente se reconozca la figura del creador de las grandes canciones de la música latina.

"Es muy valioso todo lo que se está haciendo a través del Pabellón de la Fama de los Compositores Latinos porque le va a dar al público una cultura", añadió.

Julio José Iglesias, hijo de Julio Iglesias, quiso apoyar con su presencia esta iniciativa. "Me encanta la música. Me he criado en una familia musical. Para mí la música lo es todo en la vida", dijo Julio José en declaraciones a Efe.

De hecho, su padre entró al Salón de la Fama de los Compositores Latinos en su primera edición, celebrada en 2013, junto con el español Manuel Alejandro, los mexicanos José Ángel Espinoza "Ferrusquilla" y Armando Manzanero, el puertorriqueño José Feliciano y la cubana Concha Valdez Miranda.

martes, enero 28, 2014

FeriaMix solicita la quiebra y cierra locales y páginas web incluyendo la venta de tickets

Emol

Desde la Superintendencia de Quiebras señalaron que hasta hoy no había llegado ninguna declaración oficial de bancarrota de dicha empresa (ex Feria del Disco).

SANTIAGO.- Hoy, todos los locales de FeriaMix (ex Feria del Disco) y sus páginas web amanecieron cerrados a público, sin una razón concreta. Sin embargo, esta tarde Empresas Feria, controladas por la sociedad Establecimientos De La Fuente S.A., comunicó que ha solicitado la quiebra, por razones que se encuentran en su memoria "de mal estado de los negocios de la sociedad fallida".

Emol consultó a la Superintendencia de Quiebras, desde donde señalaron que durante esta mañana se habían acercado trabajadores de la firma para averiguar respecto de una probable quiebra de la compañía, la que a partir del comunicado, se supo que será presentada en la Corte de Apelaciones de Santiago, "en las próximas horas, a objeto de que todos los acreedores verifiquen sus créditos y sean pagados de conformidad a las normas de prelación de créditos".

Según se informó, los abogados a cargo de la quiebra de esta empresa que comenzó a operar el año 1956 como "Feria del Disco", serán Leonel Stone Cerda y Michael Niedmann Honour.

Desde la Superintendencia comentaron que, hasta esta mañana, los empleados de Feria que se acercaron a consultar por la bancarrota no habían recibido cartas de finiquito de parte de la firma, conocida por vender discos y libros, así como también entradas para eventos y espectáculos, a través de Feriaticket.cl.

Trabajadores de la empresa señalaron a Emol que recibieron un llamado anoche, avisando que no volvieran a trabajar el día de hoy, y que se les depositaría el sueldo proporcional correspondiente a los días trabajados durante enero. Sin embargo, nada se les dijo respecto de alguna indemnización.

Muere el músico Pete Seeger, emblema del folk en Estados Unidos

Emol

El reconocido cantautor, mentor de Bob Dylan, falleció a los 94 años en Nueva York. Su último concierto lo ofreció el año pasado.

NUEVA YORK.- A los 94 años falleció el músico estadounidense Pete Seeger, emblemático exponente del folk en su país. El artista murió en un hospital de Nueva York, informa hoy el "New York Times" citando a fuentes de la familia.

El también activista por la paz de espíritu rebelde se hizo famoso sobre todo como letrista. La guitarra de doce cuerdas y el banyo eran sus instrumentos favoritos, y con ellos se convirtió en un modelo para toda una generación y en altavoz de la crítica social en Estados Unidos.

Su tema "Where Have All The Flowers Gone?" se convirtió en un himno a favor de la paz. Otras de sus canciones más famosas son "If I Had a Hammer" y "We Shall Overcome".

Seeger, nacido en 1919 en Nueva York, fue durante muchos años una figura clave entre los cantautores estadounidenses, modelo y mentor de figuras como Bob Dylan y Don McLean. Pese a haber publicado más de 100 discos, Seeger nunca se sintió una estrella. Utilizó su éxito comercial para dar a conocer problemas ecológicos y políticos.

"Mi trabajo es mostrar que hay buena música en la Tierra y que puede ayudar a salvar el planeta si se la utiliza de manera adecuada", aseguró en 2009 en una entrevista con el "New York Times".

El músico fue muy activo hasta sus últimos tiempos, y se subió a un escenario hasta el año pasado. En 2009 recibió un Grammy por su álbum At 89, y dos años después otra vez por Tomorrow's Children.

Ya en 1993 había sido galardonado con el Grammy a la trayectoria y en 1997 por el disco Pete. Su mujer, Toshi, murió en julio pasado, poco antes de cumplir 70 años de casados. Durante años ella apoyó el trabajo de su marido como cineasta, productora y activista por el medio ambiente.

En plena actividad, Vicente Bianchi cumplió 94 años

El Mercurio

Nacido en 1920, el compositor, pianista y director orquestal chileno prepara diversos conciertos y un documental para este año.

David Ponce

Con el eco todavía reciente de sus actuaciones de diciembre y diversos planes para 2014, cumplió ayer 94 años el autor, compositor, pianista y director de orquestas y coros Vicente Bianchi, una de las figuras fundamentales de la música chilena. Nacido en 1920, Bianchi es autor de obras de los años 60 y 70 como la popular "Tonadas de Manuel Rodríguez", sobre versos de Neruda, y la "Misa a la chilena", y se mantiene vigente hasta hoy como director musical y de coros.

En diciembre dirigió a los dieciséis cantantes de su Coral Vicente Bianchi en un concierto navideño en la capitalina iglesia de los Sacramentinos. Y el 21 del mismo mes actuó en la Cámara Chileno-Japonesa de Comercio e Industria el dúo de la soprano Mika Komiya y la pianista Aki Ogihara, artistas japonesas con las que el pianista trabajó todo el año en la preparación de un repertorio de obras de Enrique Soro, Osmán Pérez Freire y el propio Bianchi.

"Mostrando ese Chile que está olvidado en el tiempo. Y como yo soy enfermo de chileno, me da gusto trabajar con ellas", comenta el músico en su casa de La Reina, donde además anticipa sus quehaceres para 2014: un concierto para la tercera edad, otra presentación del dúo Komiya-Ogihara, un repertorio sobre poesía chilena y un registro audiovisual biográfico a cargo de su hija Bernardita y Patricia Leal.

Bianchi trabaja en paralelo en la organización de su catálogo de partituras. "Sigo ordenando todo lo que tengo escrito, ya sea orquestal, coral, solístico, de piano, material que quiero armar antes de que me vaya de este mundo. Que espero que no sea todavía", sonríe. Y varias de esas obras permanecen inéditas. Van desde composiciones sobre Arturo Prat o la Quintrala, hasta su partitura para el poema dedicado a Violeta Parra "Elegía para cantar" (1970), de Pablo Neruda.

En 2014, el cumpleaños del músico vino a coincidir con el conocimiento del fallo de la Corte Internacional de Justicia de La Haya sobre el litigio marítimo entre Chile y Perú, país donde el músico chileno vivió la primera mitad de los años 50. Allí trabajó como director de orquesta en la radio El Sol y compuso el popular vals "Peruanita bonita".

"Me da rabia y me da pena", comenta. "Yo conquisté tantos buenos amigos allá y nunca tuve problemas como chileno. Todo lo contrario, nos querían mucho. Ahora es una cuestión política, nada más, y la política no arregla nada y a veces ensucia. Pero tengo la convicción de que todo esto va a pasar, porque no todos los peruanos ni todos los chilenos quieren enemistarse".

"Tengo catorce cosas listas para grabar"
Vicente Bianchi a propósito del repertorio que mantiene inédito.

Panorámica de un maestro: lanzan disco de Cirilo Vila

El Mercurio

La Academia de Bellas Artes presenta registros históricos de 13 obras del Premio Nacional de Música 2004.

ROMINA DE LA SOTTA DONOSO

La Academia Chilena de Bellas Artes dedica un nuevo cedé de su colección Compositores Chilenos a Cirilo Vila (1937), Premio Nacional de Música 2004. Eximio pianista y compositor, Vila es considerado el mayor maestro vivo por varias generaciones de músicos.

"Es la culminación de la escuela chilena de enseñanza de la composición, que comienza con Pedro Humberto Allende, sigue con Gustavo Becerra y remata con él", dice Fernando García, miembro de la Academia Chilena de Bellas Artes y Premio Nacional de Música 2002.

"¡Recuerde que Cirilo Vila fue profesor de figuras como Alejandro Guarello y Andrés Alcalde! Su tremenda cultura ha sido fundamental en la formación de compositores. Cirilo Vila es genial, y tiene una capacidad infinita para enseñar y aprender", agrega.

"Siempre estuvo preocupado del lenguaje musical y de las leyes de la composición, pero todo lo hizo muy asentado en la realidad y el acontecer del país", detalla.

El cedé reúne registros históricos de la Facultad de Artes de la Universidad de Chile. Hay tres piezas para instrumento solista: Sonata (1958), "Tonada de un transeúnte" (1980) y "Poema" (1969).

La favorita de García es "Secuencia. Momentos para cuarteto de cuerdas" (1985), siete piezas, dice, "muy breves pero de una tremenda fuerza y belleza".

Todas las demás composiciones cuentan con textos poéticos: García Lorca se hace presente en "Tres canciones corales" (1960) y Vicente Huidobro, con "Navegaciones" (1976). La poesía de Pablo Neruda anima a tres canciones: "El fugitivo" (1979), "Oda a la esperanza" (1979) y "Recuerdo el mar" (1984).
Entre los intérpretes que protagonizan estas grabaciones están el propio Cirilo Vila y Cecilia Plaza al piano, así como las voces de Mary Ann Fones, José Quilapi y Víctor Alarcón.

"Es una panorámica bastante completa, tanto en términos de recursos sonoros como de épocas creativas", concluye García. Esta producción discográfica está disponible en Svrproducciones.cl, a $7.000.

lunes, enero 27, 2014

Ángel Parra, padre e hijo, presentan «El legado de Violeta»

Cancioneros.com

Ángel Parra, padre e hijo, se reúnen el próximo primero de febrero en Valparaíso para ofrecer un concierto en el que, además de ejecutar composiciones propias, recordarán la obra de su madre y abuela en El legado de Violeta.

Este sábado 1 de febrero a las 21:30 el Teatro Municipal de Valparaíso se vestirá de gala para recibir a dos grandes figuras de dos generaciones de la música chilena: Ángel Parra, el gran cantautor residente en Paris, Francia, fundador de la Nueva Canción Chilena, y la Peña de Los Parra, junto a su hijo el destacado guitarrista recién renunciado del grupo Los Tres, líder de Ángel Parra Trío y considerado uno de los mejores guitarristas chilenos.

Ambos interpretarán lo mejor de un repertorio emblemático que reúne canciones de Violeta Parra y sus propias creaciones publicadas en Chile y América desde los años 60’s, en un concierto extraordinario titulado El legado de Violeta a punto de cumplirse 47 años de la partida de la gran creadora chilena, el 5 de febrero de 1967.

Ángel Parra, a casi cinco décadas de su primer LP, a casi cuatro de haber partido al destierro y en constante movimiento entre Francia y Chile, protagonista vigente en la música chilena desde los albores del movimiento de la Nueva Canción en los años '60, cantante, compositor, guitarrista y escritor, prepara su próximo libro, Bienvenidos al Paraíso. que será el sucesor de Violeta se fue a los cielos (2006), su biografía personal de Violeta Parra que sirvió de base para el guion de la exitosa película de Andrés Wood,

En este concierto en Valparaíso, su ciudad natal, dice Ángel que "voy a cantar canciones de mi madre, tres o cuatro canciones folclóricas de la tradición de este país, melodías del folklore como Caballo tordillo mío, aprendidas de Violeta como Amada prenda querida y creaciones mías como Valparaíso en la noche, Canción de amor, Dos veces te vi, mujer, En el Tolima, reguntitas sobre Dios, Cuando amanece el día, Compañero Presidente, El poeta frente al mar y La libertad serán parte del repertorio. Me reservo siempre un espacio porque la gente de repente pide canciones, y coincide con los deseos que tengo".

"Con mi hijo siempre estoy aprendiendo, tocando y estudiando", dice con orgullo el músico que se encuentra grabando un nuevo disco con un conjunto de guitarristas de Valparaíso, que será una verdadera sorpresa.

Baterista de jazz en gira con un quinteto trinacional

El Mercurio

Nelson Oliva actúa junto al saxofonista estadounidense Ben Schmidt-Swartz.

IÑIGO DÍAZ

Es el músico que hoy protagoniza la temporada estival de jazz, con una gira hasta fines de febrero. Pero algo más conecta al baterista Nelson Oliva con la agenda noticiosa dura. "Nací en La Haya. Es un hito circunstancial, porque antes de cumplir un año mis padres volvieron a Concepción", comenta el músico en relación con la jornada que hoy definirá el futuro territorial de Chile y Perú.

Cuarenta años después, Nelson Oliva vuelve a esa ciudad sureña con una categoría mayor: con cinco años de estudio en la Western Michigan University y dos discos como líder, viene en gira junto al saxofonista tenor Ben Schmidt-Swartz.

"Es la primera vez que Ben salía de Estados Unidos y realmente está sorprendido con el nivel de los jazzistas chilenos, sobre todo con Melissa Aldana, Sebastián Jordán y Félix Lecaros", cuenta el baterista. En 2012, Oliva y Schmidt-Swartz editaron en conjunto el disco "Mastermind", con un repertorio compartido, escrito para quinteto clásico de jazz.

"Grabamos con músicos de la universidad, pero para esta gira estamos tocando con el belga Jasper Huysentruyt (piano), Rodrigo Espinoza (contrabajo) y Alejandro Pino (trompeta), un solista muy joven y talentoso, que me dio una muy buena impresión cuando toqué con él en septiembre. Se acomoda al estilo del hard bop que nos gusta hacer", dice Oliva.

Este miércoles, y el próximo 5 de febrero, el quinteto trinacional actuará en el programa Plazas de Arte de la comuna de San Miguel. El 31 de enero estará en la Corporación Cultural de La Reina, y el 2 de febrero, en el Festival de Jazz del Jardín Botánico de Viña del Mar.

La serie en vivo continúa el 8 de febrero en el club Thelonious, el 14 y 15 en el Festival de Jazz de Lebu, encuentro que cumple diez años y del que Oliva fue uno de sus fundadores, para finalizar el 22, 23 y 24 en Punta Arenas y Puerto Natales.

Los desafíos que asume en Frutillar la Banda Sinfónica de la FACh

El Mercurio

La agrupación uniformada se atreve esta noche con la Quinta Sinfonía de Beethoven. Y mañana desplegará cien vientos en el Teatro del Lago, para la monumental "Obertura 1812" de Tchaikovsky.

Romina de la Sotta Donoso

La Banda Sinfónica de la FACh, que dirige Fabrizio De Negri, amplió los límites de su repertorio este verano. La agrupación exhibirá una nueva faceta esta tarde, en la apertura de las 46 {+a} {+s} Semanas Musicales de Frutillar, y también en el concierto vespertino que dará mañana.

Su programa para hoy en el Teatro del Lago incluye la Quinta Sinfonía de Beethoven. "Nunca la ha tocado una banda como la nuestra, al menos no en Chile. Tuvimos que adaptar la partitura y rescatar la intención del compositor", reconoce De Negri. "Actualmente hay una gran revalorización de Beethoven, en todos lados están haciendo el ciclo de sus sinfonías. Es una tendencia mundial a la que nos quisimos sumar", agrega.

Esta agrupación cuenta con 60 instrumentistas, cuyos protagonistas son los vientos y no las cuerdas, como en las orquestas. Y por eso abordar la Quinta de Beethoven es un nuevo paso, después de haber ya interpretado, en versiones previas del festival, obras sinfónicas completas, como "Cuadros de una exposición" (Mussorgsky) y "Los pinos de Roma" (Respighi), en vez de solo selecciones de piezas.

El programa de esta noche incluye también la Obertura Festiva Op. 46 de Shostakovich y la Obertura de "Candide" de Bernstein. También habrá un estreno del propio De Negri: "Marcha Halcones". "Se inspira en una música incidental que compuse para acompañar, en vivo y aquí en Frutillar, una rutina de 30 minutos del Escuadrón Halcones. La idea es que el público sienta la misma emoción que los pilotos".

Mañana, en tanto, se concentrarán en Tchaikovsky, partiendo con arreglos del Capricho Italiano y la Marcha Eslava del compositor ruso. Además invitaron a la Banda Sinfónica de la Universidad de Chile, que conduce Eduardo Browne, y que contribuirá con "Violeteando", una fantasía sobre temas de Violeta Parra escrita por Pablo Délano. Luego, ambas agrupaciones ofrecerán una experiencia inédita en el Teatro del Lago. Serán cien músicos de viento arriba del escenario, para la monumental y brillante "Obertura 1812" de Tchaikovsky.

Además de estos compromisos, los músicos de la Fuerza Aérea tienen una intensa agenda de presentaciones gratuitas. Su Big Band ya dio conciertos de extensión el viernes en Fresia y el sábado en Puerto Octay, y anoche, en Llanquihue, actuaron las bandas de la Fuerza Aérea y de la U. de Chile. Además, el jueves, la Banda Sinfónica de la FACh se presentará en Frutillar Alto. "Valoramos mucho a ese público, que es el que vive y trabaja todo el año en Frutillar, y por eso haremos un programa de la misma calidad que el del Teatro del Lago; tocaremos la Quinta de Beethoven y obras de Tchaikovsky", dice De Negri.

TREINTA Y TRES CONCIERTOS JUNTO AL LAGO LLANQUIHUE

Serán más de 500 músicos, en el festival que se desarrolla desde hoy y hasta el 5 de febrero. Habrá música sinfónica, de cámara y solista. Veintiún conciertos serán en el Teatro del Lago y otros 12, gratuitos, en varias comunas de Los Ríos y Los Lagos. Toda la programación está en Semanasmusicales.cl