El Mercurio
Publicación de la SCD se lanza hoy en la Filsa. Con el testimonio de 27 personas que conocieron al insigne compositor, se reconstruye el proceso creativo de obras tan famosas como la Cantata "Santa María de Iquique" y "Canto para una semilla".
Romina de la Sotta Donoso
"Advis en cuatro movimientos y un epílogo" (SCD, 154 páginas) ofrece un acabado retrato de Luis Advis (1935-2004). Lo hace a través del testimonio de 27 personas, y textos del propio músico, articulados por el "ensamblador" Desiderio "Chere" Arenas, quien se convirtió en su discípulo cuando le dijo qué opinaba de sus primeras canciones: "Está bien, pero tienes que aprender música".
"El Lucho era divertido e irónico. No soportaba la tontera, pero se reía con mi impertinencia. Una vez le mostró unas canciones a su amigo Sergio Ortega, quien en vez de comentarlas me preguntó qué conocía yo de él. 'Un jingle para galletas', le dije, por vanidoso, y el Lucho estalló en carcajadas", recuerda.
En el libro, Alejandro Sieveking y Eugenio Guzmán testifican que la música que Advis compuso a los 22 años para el montaje "La princesa Panchita", de Jaime Silva, era deslumbrante. Entonces, estudiaba Derecho, que abandonó por Filosofía. Y empezó a aprender composición con Gustavo Becerra-Schmidt. Muy pronto, dice Fernando García, empujó al maestro a "desarrollar un novedoso método de análisis del discurso musical".
Los testimonios aplauden, por cierto, la Cantata "Santa María de Iquique"(1970), donde incorporó un cello y un contrabajo a un conjunto de voces, guitarras, bombos y charango. "Fue una revelación, una música vocal que hablara de la realidad chilena, una forma con desarrollo dramático que fuera más allá de la canción con estribillo", apunta Patricio Wang. Y Jorge Coulon dice que fue "una revolución en la revolución".
Advis es menos entusiasta: "Lo que hice fue utilizar elementos polifónicos, lo que responde a mis necesidades creativas. No es que yo haya teorizado sobre la necesidad de hacer polifonía con una cosa folclórica".
Arenas interpreta al maestro: "Le daba rabia que la gente lo asociara únicamente con la Cantata, encontraba mucho más logrado el 'Canto para una semilla'. Así que hablaba mal de la Cantata. Pasó lo mismo con 'Nuestro tiempo terminó', le daba pudor", agrega. El propio Advis confiesa que esta canción, que Gloria Simonetti hizo famosa, la compuso jugando con su hermano Patricio: "Me senté en el piano y toqué las primeras notas y el Gordo tarareó: "Nuestro tiempo terminó'. Después entre los dos le hicimos una letra muy rasca y eso fue todo".
Además de abordar su convicción como fundador y presidente de la SCD, se revisan sus procesos creativos: Ángel Parra y Horacio Salinas hablan de "Canto para una semilla" (1972); Margot Loyola, de "Canciones del 900" (1972), y Eduardo Carrasco, de la Sinfonía "Los Tres tiempos de América" (1988), por ejemplo.
Arenas también recuerda cuando le cambió una letra, y Advis envió una furibunda carta. "Decía que qué se creía ese 'tal Arenas' para atreverse a reemplazar un texto épico por un panfleto eroticoide en el cual pretendía fornicar con América", ríe.
Ya le había pasado con Julio Cortázar, cuando intervino el texto de la Cantata. Advis lo confiesa: "Estaba tan molesto con ese señor, que le iba a escribir una carta, pero no lo hice porque se murió al mes siguiente".
En la feria
El libro se lanza a las 17:00 horas de hoy, en la Sala de las Artes de la Estación Mapocho. Habrá una conversación con el autor y con Alejandro Guarello, Rodrigo Torres y Eduardo Carrasco; y actuarán Isabel Parra, Gloria Simonetti, Inti Illimani (Coulon), Valentín Trujillo y Alazne Arana.
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Este es un blog que tiene como misión recopilar información o noticias sobre música chilena, la Industria musical y la industria cultural de nuestro país aparecida en diversos medios de comunicación. Por lo tanto los textos son propiedad de los medios y de los periodistas que encabezan cada nota.
sábado, noviembre 10, 2012
Maquinaria se alista para recibir a 70 mil fanáticos del rock
El Mercurio
Ayer se instalaron los primeros campistas. Hoy a las 22:30 horas tocaría Kiss, el número de cierre de esta primera noche.
José Vásquez
La gente comenzó a llegar de a poco. Luego de días soleados, en que las quejas por el calor eran el acompañamiento inmediato a cualquier saludo, un día nublado, con baja temperatura y algunas gotas de lluvia desanimaron a los primeros campistas que se acercaron hasta el Club de Campo Las Vizcachas donde hoy, desde las 14:30 horas, comienza la tercera edición del Maquinaria Fest, que este año tiene como principales atracciones a Kiss, Slayer, Marilyn Manson y Calle 13.
Estaba anunciado que las puertas del camping se abrirían a las 16:00 horas de ayer, pero todo se postergó hasta las 18:00 horas, donde hicieron su ingreso sólo unos 20 campistas a un lugar especial, denominado "Camp Rock" y que está equipado para recibir a las cerca de 1.500 personas que compraron su ticket de $15.000, adicionales a su abono al festival, y que se quedarán en el lugar hasta que finalice el evento, pasadas las 23:30 horas del domingo con el mix electrónico y rockero de The Prodigy.
Hoy, las puertas del recinto se abrirán a las 13:00 horas, donde se espera, según datos entregados por la producción, a cerca de 40 mil fanáticos. En total, según sus registros, se han despachado alrededor de 70 mil boletos, los que han tenido un importante aumento con las promociones de entradas 2x1 que se mantienen hasta hoy y que se venderán en el mismo recinto.
Varios artistas ya están en Santiago. El primero en arribar fue Jorge González, que lo hizo el 28 de octubre y aprovechó el tiempo para realizar tres pequeños conciertos antes de su presentación en Maquinaria. El miércoles llegó Criminal y ayer Cavalera Conspiracy, Stone Sour, Mastodon y Slayer.
Marilyn Manson aterrizó en Chile
La banda liderada por Brian Hugh Warner llegó ayer, en el vuelo LAN 532 proveniente de Buenos Aires, a las 21:15 horas. Fue recibida por una veintena de fanáticos que le hicieron guardia por casi 20 horas en el aeropuerto.
Ayer se instalaron los primeros campistas. Hoy a las 22:30 horas tocaría Kiss, el número de cierre de esta primera noche.
José Vásquez
La gente comenzó a llegar de a poco. Luego de días soleados, en que las quejas por el calor eran el acompañamiento inmediato a cualquier saludo, un día nublado, con baja temperatura y algunas gotas de lluvia desanimaron a los primeros campistas que se acercaron hasta el Club de Campo Las Vizcachas donde hoy, desde las 14:30 horas, comienza la tercera edición del Maquinaria Fest, que este año tiene como principales atracciones a Kiss, Slayer, Marilyn Manson y Calle 13.
Estaba anunciado que las puertas del camping se abrirían a las 16:00 horas de ayer, pero todo se postergó hasta las 18:00 horas, donde hicieron su ingreso sólo unos 20 campistas a un lugar especial, denominado "Camp Rock" y que está equipado para recibir a las cerca de 1.500 personas que compraron su ticket de $15.000, adicionales a su abono al festival, y que se quedarán en el lugar hasta que finalice el evento, pasadas las 23:30 horas del domingo con el mix electrónico y rockero de The Prodigy.
Hoy, las puertas del recinto se abrirán a las 13:00 horas, donde se espera, según datos entregados por la producción, a cerca de 40 mil fanáticos. En total, según sus registros, se han despachado alrededor de 70 mil boletos, los que han tenido un importante aumento con las promociones de entradas 2x1 que se mantienen hasta hoy y que se venderán en el mismo recinto.
Varios artistas ya están en Santiago. El primero en arribar fue Jorge González, que lo hizo el 28 de octubre y aprovechó el tiempo para realizar tres pequeños conciertos antes de su presentación en Maquinaria. El miércoles llegó Criminal y ayer Cavalera Conspiracy, Stone Sour, Mastodon y Slayer.
Marilyn Manson aterrizó en Chile
La banda liderada por Brian Hugh Warner llegó ayer, en el vuelo LAN 532 proveniente de Buenos Aires, a las 21:15 horas. Fue recibida por una veintena de fanáticos que le hicieron guardia por casi 20 horas en el aeropuerto.
Marilyn Manson: "Cuando Jodorowsky diga acción, ahí estaré"
La Tercera
El artista actúa hoy en el Festival Maquinaria y adelanta a La Tercera su show.
por Cristina Alzate
Es uno de los números fuertes del Festival Maquinaria Chile que parte hoy -y que ayer canceló el segundo día de su versión argentina, por mal tiempo-, pero a la hora de hablar sobre cómo será compartir escenario con Kiss esta noche, en el Club de Campo Las Vizcachas, Marilyn Manson ataja: “No tenía idea”. Y agrega: “Es raro, porque Kiss fue el primer concierto al que fui. Poder seguir con una tradición inspirada por gente como ellos y David Bowie es una obligación. Es lo que crecimos amando y vamos a seguir haciéndolo”.
Con esta visita, Manson anota su segunda vez en Chile. La primera fue en 1997, en el punto más alto de su carrera y con un show en la Pista Atlética del Estadio Nacional. “Probablemente, no debería decirlo, pero recuerdo que involucró drogas y sexo. Igual fue hace un buen tiempo, mi malgastada juventud. Me acuerdo que la pasé bien, fuimos a un par de clubes nocturnos y casi me arrestaron por hacer una de las dos cosas, sexo y droga”. Esta vez, afirma, las cosas serán más tranquilas y con tiempo para recorrer.
La banda llega con un nuevo disco bajo el brazo, Born villian, que lanzaron en mayo. Pero, según cuenta el cantante, de 43 años, el show de hoy incorporará material de sus distintas etapas. “Tocamos una buena parte de Antichrist superstar, bastante de Holy Wood y tres o cuatro canciones del nuevo disco. Pero no quería que fuera un concierto predominantemente sobre el último álbum”, detalla, añadiendo que “el listado de temas contiene lo que a mí más me gusta, sin importar si la gente lo considera un éxito o no. Tocamos las canciones que para mí destacan de los distintos álbumes”. Con todo, el artista no da detalles de la puesta en escena. “Siempre es difícil de describir. Es casi como decirle a alguien lo que le vas a hacer antes de tener sexo con ellos. Pero el lugar donde está la banda, mi espíritu, mi mente y cómo me siento están muy fuertes. El poder de Manson está en alto. Todo el mundo va a quedar feliz con el show”.
Sus visitas como músico no son la única conexión de Manson con Chile. El cantante, además, tiene una amistad con Alejandro Jodorowsky, a quien considera “un buen amigo”. El intérprete de The beautiful peo-ple iba a ser el protagonista de la película que el escritor y cineasta dirigiría, King shot, pero el proyecto se pospuso indefinidamente. “Todavía estoy esperando que se concrete. Hemos tenido dificultades para que la producción avance y estoy haciendo lo posible para ayudar, pero es difícil que la gente quiera apoyar algo tan experimental. Pero en cualquier momento en que diga ‘acción’, ahí estaré”.
En las próximas semanas, la banda lanzará una edición especial de Born villian, que incluye nuevos temas y un libro de pinturas realizado por Manson en la época en que escribió el disco. “Siempre recordaré este disco, porque me hizo recobrar el poder, recobrar el control de lo que quería hacer como artista y persona, este álbum me completó nuevamente. Me siento igual que con el primero”.
El artista actúa hoy en el Festival Maquinaria y adelanta a La Tercera su show.
por Cristina Alzate
Es uno de los números fuertes del Festival Maquinaria Chile que parte hoy -y que ayer canceló el segundo día de su versión argentina, por mal tiempo-, pero a la hora de hablar sobre cómo será compartir escenario con Kiss esta noche, en el Club de Campo Las Vizcachas, Marilyn Manson ataja: “No tenía idea”. Y agrega: “Es raro, porque Kiss fue el primer concierto al que fui. Poder seguir con una tradición inspirada por gente como ellos y David Bowie es una obligación. Es lo que crecimos amando y vamos a seguir haciéndolo”.
Con esta visita, Manson anota su segunda vez en Chile. La primera fue en 1997, en el punto más alto de su carrera y con un show en la Pista Atlética del Estadio Nacional. “Probablemente, no debería decirlo, pero recuerdo que involucró drogas y sexo. Igual fue hace un buen tiempo, mi malgastada juventud. Me acuerdo que la pasé bien, fuimos a un par de clubes nocturnos y casi me arrestaron por hacer una de las dos cosas, sexo y droga”. Esta vez, afirma, las cosas serán más tranquilas y con tiempo para recorrer.
La banda llega con un nuevo disco bajo el brazo, Born villian, que lanzaron en mayo. Pero, según cuenta el cantante, de 43 años, el show de hoy incorporará material de sus distintas etapas. “Tocamos una buena parte de Antichrist superstar, bastante de Holy Wood y tres o cuatro canciones del nuevo disco. Pero no quería que fuera un concierto predominantemente sobre el último álbum”, detalla, añadiendo que “el listado de temas contiene lo que a mí más me gusta, sin importar si la gente lo considera un éxito o no. Tocamos las canciones que para mí destacan de los distintos álbumes”. Con todo, el artista no da detalles de la puesta en escena. “Siempre es difícil de describir. Es casi como decirle a alguien lo que le vas a hacer antes de tener sexo con ellos. Pero el lugar donde está la banda, mi espíritu, mi mente y cómo me siento están muy fuertes. El poder de Manson está en alto. Todo el mundo va a quedar feliz con el show”.
Sus visitas como músico no son la única conexión de Manson con Chile. El cantante, además, tiene una amistad con Alejandro Jodorowsky, a quien considera “un buen amigo”. El intérprete de The beautiful peo-ple iba a ser el protagonista de la película que el escritor y cineasta dirigiría, King shot, pero el proyecto se pospuso indefinidamente. “Todavía estoy esperando que se concrete. Hemos tenido dificultades para que la producción avance y estoy haciendo lo posible para ayudar, pero es difícil que la gente quiera apoyar algo tan experimental. Pero en cualquier momento en que diga ‘acción’, ahí estaré”.
En las próximas semanas, la banda lanzará una edición especial de Born villian, que incluye nuevos temas y un libro de pinturas realizado por Manson en la época en que escribió el disco. “Siempre recordaré este disco, porque me hizo recobrar el poder, recobrar el control de lo que quería hacer como artista y persona, este álbum me completó nuevamente. Me siento igual que con el primero”.
viernes, noviembre 09, 2012
La explosión de la música chilena
Wiken- El Mercurio
En un solo fin de semana, tres festivales juntarán en el escenario a más de 100 músicos nacionales. El 16, 17 y 18 de noviembre, la Cumbre del Rock Chileno, la feria Pulsar y la Fonda Permanente La Popular congregarán a buena parte de lo más granado del rock, pop, folk y cumbia local.
Por Jimmy Gavilán
Si esto no es signo de que la música chilena goza de buena salud, pocas cosas podrán serlo: el fin de semana del 16 al 19 de noviembre, más de 100 músicos chilenos de los más distintos estilos y trayectorias, estarán tocando en vivo en diferentes escenarios santiaguinos. Será un fin de semana inédito e histórico. Por eso aquí revisamos la oferta de cada uno de los eventos y damos una mirada al momento que vive la música local, en los ojos de sus protagonistas y de tres expertos.
LA INTERNACIONALIZACIÓN DE PULSAR.
Esta Feria -iniciativa de la SCD y gestionada a través de Fundación Música de Chile- que ya va en su tercera edición y se realizará en la Estación Mapocho, entre el 16 y 18 de noviembre, se instaló como un importante referente de contenidos musicales, ya que no sólo une a artistas, sino a todos quienes se vinculan con este mundo. Tendrá 65 artistas en conciertos en vivo -los nominados al Grammy como mejor álbum folclórico, Inti-Illimani Histórico, la reunificada banda Los Tetas, Pánico, Javiera y Los Imposibles, Saiko, Camila Moreno, entre otros-, y más de 30 horas de música. Además, a los 70 módulos del 2011 se sumaron este año 10 expositores más de la industria musical chilena: sellos, tiendas de discos, ventas de instrumentos, estudios de grabación, escuelas y productoras, entre otras. Pulsar ha subido como la espuma y las expectativas para esta nueva edición son altas: en 2010 asistieron 10 mil personas y el año pasado, la cifra se duplicó. Por eso este 2012 se agregó un cuarto escenario y un primer expositor internacional: México. Ellos tendrán un módulo especial donde expondrá la Feria de la Música de Guadalajara, y la cantante Carla Morrison, nominada al Grammy Latino como Mejor Álbum Latino, compartirá el escenario con Gepe. "La idea de invitar a México surgió como un primer paso de internacionalización", explica Alejandro Guarrello, presidente SCD y Fundador de Música de Chile. Está claro: Pulsar quiere seguir creciendo. Carolina Tres Estrellas y Edi Pistolas, de Pánico, concuerdan: "Pulsar permite que una importante cantidad de bandas y músicos presenten su trabajo. En el fondo, permite el desarrollo".
EL ANHELADO REGRESO DE LA CUMBRE DEL ROCK.
"Yo creo que en Chile se están haciendo festivales de nivel internacional, independientemente de que sean bandas nacionales. La idea es rescatar lo que está sonando y que tiene calidad internacional", comenta el cantante Fernando Milagros ("San Sebastián"), quien luego de haber estado presente en Pulsar en dos ocasiones previas, este año tocará en el otro megaevento que rendirá culto a la música nacional: La Cumbre del Rock Chileno.
Su primera versión fue en 2007 (no se ha hecho todos los años), cuando 38 bandas se reunieron para festejar 40 años del rock local en el Estadio Nacional. Ahora la cita será en la Ciudad Parque Bicentenario de Cerrillos (Ex Aeropuerto Cerrillos) y se esperan más de 30 mil personas. Con dos versiones anteriores bajo el brazo, los organizadores consideran que existe un recambio generacional importante y que la música chilena está "más activa y exportable que de costumbre". Signo de ello es la aparición de nuevos sellos nacionales -autogestionados- y una explosión de bandas de rock, pop, cumbia y cantautores de folk, entre otros, lo cual permite que la diversidad sea un eje central. En su tercera versión, traerá a escena a nombres como Manuel García, Francisca Valenzuela, Javiera Mena, Gepe, Chinoy, Camila Moreno, Pedro Piedra, Alex Anwandter, Nano Stern, Leo Quinteros y Fernando Milagros, entre los solistas; y bandas como Los Bunkers, Como Asesinar a Felipes, Silvestre, Primavera de Praga y De Saloon.
"Me parece que es una buena instancia para que venga, sobre todo, gente de provincia. No sucede mucho que estén todas sus bandas favoritas juntas y esta es la oportunidad. No es tan caro y van a ver a 30 artistas chilenos. Van a poder regodearse con los que les gusten. Es una fiesta y debería hacerse más seguido", comenta Nicolás Torres, vocalista del grupo Silvestre, quien también estará presentándose -con un repertorio más festivo- en el tercero de los eventos que inundará de música la noche santiaguina del 18 de noviembre: La Fonda Permanente.
QUE SIGA LA FIESTA DE LA FONDA PERMANENTE.
Todo partió en septiembre. Tres eventos masivos y un lleno total, de esos que se dan en Fiestas Patrias, llevaron a La Fonda Permanente La Popular a sumar en su agenda una nueva fiesta con algunos clásicos y otros nuevos nombres de un género que cada día gana más adeptos: la cumbia. Este 17 y 18 de noviembre, al menos tres generaciones de cumbia se darán cita en Matucana 100, en una fiesta que espera congregar a 4 mil personas por día. Nombres con historia como La Sonora Malecón, Tommy Rey o La Cubanacán se entremezclarán con bandas más jóvenes que también cultivan el estilo, como Silvestre, Combo Ginebra y Chorizo Salvaje. "Nos sentimos muy orgullosos de reunir, en un mismo evento, a gente tan histórica del estilo, como la Malecón o Tommy Rey, con nombres más recientes como la Sonora 5 estrellas", dicen los organizadores. Dentro de las sorpresas estará la participación de Rumberos del 900, un grupo que rinde homenaje a los músicos de las orquestas bailables chilenas, como la ex Huambaly y Pérez Prado, con un repertorio más bien clásico de cumbias y mambos del recuerdo.
Los protagonistas dicen
* JAVIERA PARRA
"Me parece genial que la gente que está interesada en la música pueda saber, en un solo lugar, dónde estudiar, dónde comprar buenos instrumentos, cómo conseguir los mejores softwares para grabar o que tengan clínicas con productores, músicos, mánagers. Creo que la industria se profesionaliza, hace que tengamos un mercado más vivo, más transparente. En Pulsar te puedes comprar un vinilo o ir a pasear con tus hijos. Es un espectáculo muy transversal", dice la cantante, quien estará en Pulsar el sábado a las 16 horas mostrando parte de su disco tributo a Violeta Parra.
* INTI-ILLIMANI HISTÓRICO
"Tenemos 45 años de trayectoria, entonces, cada canción representa un período. Estaremos en el cierre de una de las noches de Pulsar presentando nuestro trabajo más reciente. Además, estamos nominados a los premios Grammy, por el disco con Eva Ayllón, y no sabemos con qué euforia nos vamos a presentar. Ese trabajo ya tiene el premio de haber sido nominado, y dentro de lo que tocaremos, de seguro será algo de ahí", explica José Seves, de Inti Illimani Histórico.
* LEO QUINTEROS
"El hecho de que se haya mantenido un show masivo de música chilena es una buena señal, porque ésta no es el plato principal sino que el único. Y no está tampoco en la mesa de los niños como ocurre en algunos festivales más grandes", opina Leo Quinteros, que se presentará en La Cumbre del Rock Chileno el sábado 16 y en Pulsar, el domingo.
* PÁNICO
"Estamos trabajando en un disco nuevo y sacaremos uno más experimental, más alternativo que se llama 'Resonancia' y se lanzará el 15 de noviembre", adelanta Carolina Tres Estrellas y Edi pistolas, de Pánico, que tocará en Pulsar el sábado a las 18 horas.
* SILVESTRE
"Lo que me gusta de los festivales es que no se siente una rivalidad entre los distintos estilos de música. Me gusta ver cómo la gente se cruza para ir a ver a sus bandas. Es como una oda a la tolerancia", dice Nicolás Torres, quien se presentará con su banda Silvestre el sábado 17 tanto en La Cumbre del Rock como en La Fonda Permanente.
* CAMILO TEA TIME
"Pulsar es una plataforma con un criterio muy artístico en la selección de las bandas. Te presenta un cuadro de las siluetas más reales de lo que está pasando y no sólo el entorno de propaganda en que vivimos", dice Camilo Tea Time, quien estará en Pulsar con sus bandas Criminal Jazz y Los Tetas.
Opinión
Peleando a la contra
Felipe Rodríguez es periodista y crítico de música.
Como pasó en la década de los 90 con los tenistas, la actual generación de músicos locales es producto del esfuerzo y el talento. En Chile, la prensa difunde poco y cada banda o solista aplica la autogestión para sobrevivir. Por eso, lo que sucederá el fin de semana próximo huele a milagro: ni siquiera en la época de la Unidad Popular, único periodo que fortaleció la música chilena, hubo tanto por escuchar.
Si Los Bunkers, Chico Trujillo y Manuel García -los hermanos mayores de este movimiento- asoman como los más consolidados, el equipo que los escolta cuenta con experiencia y reconocimiento internacional. Javiera Mena, Gepe, Francisca Valenzuela y Alex Anwandter, todos afincados en la escuela del pop, son nombres probados y alabados.
En vivo, pocas bandas actuales sostienen la electricidad de Astro. Cada show es refrescante, nuevo y con tensión. Esa misma cualidad es la que posee Adrianigual. Admiradores del álbum "Corazones" (1990), de Los Prisioneros -como varios de su promoción-, en directo su pop ochentero se agiganta, saltando desde una electrónica vital a melodías oníricas.
Entre los emergentes, Pedro Piedra es un solista que si logra calibrar lo que ofrece en estudio versus lo que entrega en vivo, debería constituirse en un clásico. Sus canciones, que divagan entre sueños infantiles y melodías estetizadas, pueden transformarse en referencia. Esa fortaleza también está en Ases Falsos. Su cantante, Cristóbal Briceño, es un profundo cronista de la realidad, pero todavía no asume en sus shows un rol de líder que, hasta ahora, disminuye su potencial.
Juana Fe es otra banda que apunta alto. Reconocidos por el hit "Callejero", de su segundo disco, "La Makinita" (2010), tuvieron un salto enorme: enlazó la fiesta con la reflexión. En ellos, hay mirada política -una virtud perdida en la actual música chilena- en "La Bala"; cotidianeidad de barrio en "Tengo luquita" y pertenencia en "Del fin del Mundo". Unos Fabulosos Cadillacs en versión 2012.
Opinión
2004-2012: de Pulso a Pulsar
David Ponce es periodista, con cerca de 20 años de experiencia musical. Es autor también del libro "Prueba de sonido".
Es arbitrario elegir 2004 como punto de partida posible: la música independiente en Chile no empezó ese año ni mucho menos. Pero desde entonces está en la memoria una fecha útil para trazar una línea continua hasta hoy, a las puertas de festivales próximos como Maquinaria, La Cumbre del Rock Chileno, Pulsar y hasta la edición 2013 de Lollapalooza.
El sábado 19 de junio de 2004 hubo un festival en el Teatro Novedades de Santiago, se llamó Pulso y es el registro de otro mundo. No hubo productoras a cargo: como cualquier concierto local de esos años, fue organizado por los mismos músicos que tocaban, en este caso dos integrantes de los grupos Gameover y Termita. No había pendones de marcas ni promotoras: como en todos los conciertos de la época aún no se aparecía nada remotamente parecido a un auspiciador. No había grandes recursos: la prueba de sonido se atrasó y el primer grupo en tocar pagó las consecuencias con un desastre de amplificación. Y había variedad: era un mismo circuito, pero lo bastante amplio para que esa noche en el Novedades hubiera, a grandes rasgos, pop de cámara con Les Ondes Martenot, rock incendiario con Tsunamis, pop con Amongelatina, punk melódico con Gameover, rock de garage con Ramires! y Guiso y folk rock con Matorral, un trío que tocó con un quenista de diecinueve años como músico invitado: se llamaba Nano Stern.
Desde entonces aparecieron distintos actores en este escenario: las marcas, que encontraron aquí un "nicho" para explotar; el Estado, por medio de los fondos concursables que estos músicos aprendieron a ganar; instituciones como la SCD, que organiza el encuentro Pulsar; los promotores de shows internacionales, que en algo han mejorado la presencia de músicos chilenos en festivales como Lollapalooza. El más importante de esos actores es la radio y sigue en deuda con la diversidad musical disponible en Chile, pero los músicos tampoco han perdido tiempo esperando milagros y en estos años Internet ha sido la herramienta con que muchos de ellos se han hecho escuchar en Argentina, México o España sin haber figurado en las radios ni la prensa local, demasiado ocupada en reportear la TV y la industria del chisme. En el sonido también ha habido cambios, y el péndulo se movió hacia las guitarras acústicas, las fusiones mestizas, la cumbia o la cueca, prueba de que la música independiente nunca se ha agotado en el pop ni en el rock. Para que existieran Pulsar y otros nombres en 2012 tuvo que haber un Pulso en 2004: la evidencia de que siempre hay un circuito de música independiente por descubrir. Antes y ahora también.
Opinión
El futuro se fue
Sergio Cancino es director de Radio Uno, emisora que cumplió ya cinco años dedicada a la difusión exclusiva de música nacional.
Sucede en la ciencia ficción: las visiones futuristas tienden a fallar y caer en predicciones que los años dejan en ridículo. Este principio también se aplica a la montaña rusa de la industria musical. Las certezas están aquí y ahora, más aún en un mercado pequeño como el chileno. Lejos del llanto por el debilitamiento de los sellos multinacionales, la caída de un formato (CD) y la irrupción de otros (MP3, el regreso del vinilo), el dogma no cambia: la importancia de una buena canción es la unidad básica del sistema. Porque puedes matar una industria, pero jamás la música.
El acceso a la tecnología democratizó el proceso de grabación de discos. Proliferan los estudios caseros y los sellos independientes. Sin embargo, la excelencia sigue siendo cara, pues los procesos de mezcla y masterización, ni hablar de encontrar el productor adecuado, muchas veces son subestimados por los músicos, y también por el criterio con que se asignan fondos estatales. La misión es optimizar recursos: para qué grabar un álbum pobre si puedes lanzar un single asesino.
Las plataformas digitales difuminaron las fronteras. Cada vez más artistas locales tocan en festivales internacionales, reciben cobertura global y encuentran nuevos públicos. Ahí está el ya célebre artículo del diario español El País sobre nuestro pop. El contacto con industrias más voluminosas, como la mexicana, implica aprendizaje. El desafío de los músicos locales es profesionalizar su labor; para sobresalir, debe ser un trabajo, no un hobby de fin de semana. En tiempos de autogestión es clave un rol activo en las distintas áreas: márketing, promoción, booking, contratos. Este soldado universal debe ser mateo, ingenioso, capaz de generar alianzas y no olvidar otro dogma: dondequiera que exista creación y comercialización, siempre habrá derechos involucrados. Nuevos modelos, como Kobalt, ponen el énfasis en la editorial (publishing) como pilar de la generación de ingresos.
Existe miopía al culpar de los males de la industria a la falta de difusión radial, ignorando de paso la deuda histórica que tiene la televisión. Además de vulnerar la libertad editorial, propuestas como un porcentaje obligatorio de producción chilena al aire no conciben un desarrollo global que va desde la calidad de la educación musical recibida en nuestra infancia hasta el rol del Estado en un proyecto de radio pública, adaptando a nuestra realidad modelos como la NPR estadounidense o la BBC británica. Talento chileno existe, no se limita a bandas tributo e imitadores. A casi 5 años de su nacimiento, el éxito de Radio UNO -de la que este columnista es director- es la principal evidencia.
Manuel García recibe el disco de oro por «Acuario» y prepara lanzamiento en la Quinta Vergara
Cancioneros.com
Manuel García recibió ayer el galardón que representa la venta de más de 5.000 unidades de su última producción, Acuario. Además, la instancia sirvió para anunciar su esperado concierto oficial de lanzamiento, el cual tendrá lugar el 25 de enero de 2013 en la Quinta Vergara.
Manuel García recibió de manos de Alejandro Guarello, Presidente de Fundación Música De Chile y SCD, un Disco de Oro por las ventas reales de más de 5 mil unidades de su trabajo Acuario, del cual se han destacado los singles Sueños, Carcelero y el reciente Un rey y un diez, tema que el músico interpretó en la ocasión personificado como en la portada del disco.
Respecto al reconocimiento, Manuel García expresó que “es una emoción muy grande porque simboliza el esfuerzo de un equipo que es una verdadera familia. Además porque revela lo que significa el arte en nuestro país”.
En la ocasión, el artista mostró el making of de grabación de su placa Acuario y anunció la fecha del gran concierto de su lanzamiento. El concierto será el 25 de enero en la Quinta Vergara, y la preventa ya se encuentra disponible a través de sistema Ticketek,
Manuel García recibió ayer el galardón que representa la venta de más de 5.000 unidades de su última producción, Acuario. Además, la instancia sirvió para anunciar su esperado concierto oficial de lanzamiento, el cual tendrá lugar el 25 de enero de 2013 en la Quinta Vergara.
Manuel García recibió de manos de Alejandro Guarello, Presidente de Fundación Música De Chile y SCD, un Disco de Oro por las ventas reales de más de 5 mil unidades de su trabajo Acuario, del cual se han destacado los singles Sueños, Carcelero y el reciente Un rey y un diez, tema que el músico interpretó en la ocasión personificado como en la portada del disco.
Respecto al reconocimiento, Manuel García expresó que “es una emoción muy grande porque simboliza el esfuerzo de un equipo que es una verdadera familia. Además porque revela lo que significa el arte en nuestro país”.
En la ocasión, el artista mostró el making of de grabación de su placa Acuario y anunció la fecha del gran concierto de su lanzamiento. El concierto será el 25 de enero en la Quinta Vergara, y la preventa ya se encuentra disponible a través de sistema Ticketek,
jueves, noviembre 08, 2012
4º Encuentro de Bajo Eléctrico
Emoderna
Por cuarto año consecutivo, los mejores bajistas chilenos en todos los estilos son convocados por Lecaros y Faure, para conversar, tocar y compartir los secretos del Bajo Eléctrico. Dos días de charlas y conciertos con entrada liberada en el Teatro de nuestra escuela.
4º Encuentro de Bajo Eléctrico
Lunes 12 de noviembre
13:30 Introducción al Walking Bass – Pablo Lecaros
16:00 Entrevista a Sergio Solar (ex Wawankó)
18:00 Conversación Hugo Moraga y Federico Faure. Arreglos y Composición en el Bajo.
Martes 13 de noviembre
13:30 Charla y muestra de Tilo González (Congreso) con Magdalena Matthey.
16:00 Entrevista a Ariel González (bajista de Sinergia)
20:00 Concierto de La Maraqueta.
Por cuarto año consecutivo, los mejores bajistas chilenos en todos los estilos son convocados por Lecaros y Faure, para conversar, tocar y compartir los secretos del Bajo Eléctrico. Dos días de charlas y conciertos con entrada liberada en el Teatro de nuestra escuela.
4º Encuentro de Bajo Eléctrico
Lunes 12 de noviembre
13:30 Introducción al Walking Bass – Pablo Lecaros
16:00 Entrevista a Sergio Solar (ex Wawankó)
18:00 Conversación Hugo Moraga y Federico Faure. Arreglos y Composición en el Bajo.
Martes 13 de noviembre
13:30 Charla y muestra de Tilo González (Congreso) con Magdalena Matthey.
16:00 Entrevista a Ariel González (bajista de Sinergia)
20:00 Concierto de La Maraqueta.
Documentales sobre Congreso y Chancho en piedra compiten en Festival In-Edit
La Tercera
Ocho filmes musicales se estrenarán en el encuentro que va del 6 al 16 de diciembre en el Teatro Nescafé.
Si hay un festival local que con los años se ha consolidado en base a una muy cuidada programación y un público fiel, es el In-Edit, el encuentro de cine documental musical que entre el 6 y 16 de diciembre celebrará su novena edición en el Teatro Nescafé.
Poco a poco se va armando la parrilla y en días anteriores conocimos la lista de los 100 mejores documentales musicales de la historia, confeccionada por el Festival In-Edit de España, y del cual se verá en esta edición el top ten, con títulos definitivos como "Don´t look back", sobre Bob Dylan y "Gimme shelter", en torno a los Rolling stones, entre otros.
Hoy se acaba de conocer la Competencia Nacional 2012, que incluye ocho documentales -todos estrenos exclusivos del certamen- donde destacan trabajos en torno a dos de las bandas más importantes de las últimas décadas: Congreso y Chancho en piedra. La longeva banda de la quinta región tiene un trabajo dirigido por Alejando Mendoza, Rodrigo Burgos y Bernardo Martínez, y que bucea en sus más de cuatro décadas de historia.
El filme sobre Chancho en piedra fue dirigido por el actor y director teatral Pato Pimienta -en conjunto con Hellen Cáceres- y gira en torno al concierto de julio del 2010 en que la banda funk tocó sus siete discos en un concierto inédito. Hay también documentales sobre figuras desconocidas de la escena local, como la del jazzista Rodrigo Recabarren (residente en Nueva York y que llega con el filme El parque de los prospectos) y por sobre todo, de la cantautora Rosita Serrano ("Rosita, la favorita del Tercer Reich"), quien fue muy popular en Europa en los años cuarenta, en especial en la Alemania Nazi y que incluso trabajó en Hollywood.
Las reseñas de todos los filmes en competencia, son las sgtes.
Los Rockers, rebelde rock & roll
De Matías Pinochet
Formada en 1992, la banda de rockabilly Los Rockers fue dándole forma a una trayectoria que consiguió cinco publicaciones, premios en concursos y el respeto de sus ídolos. Al cumplir veinte años de trabajo, el grupo se impone concluir un nuevo disco y presentarlo en México, resarciendo así los pasados errores. La música es, para ellos, un instrumento de agitación: «El rebelde rock and roll fue, es y será nuestra mejor arma, disparando contra el sistema, el descontento y la vergonzosa desigualdad a la que somos sometidos».
Crear en viaje. La música de Pascuala Ilabaca
De Alejandra Fritis
La música de la cantautora Pascuala Ilabaca está anclada a Valparaíso, pero también a ls influencias diversas de un mundo que ha recorrido con gran curiosidad desde su infancia. India, México, Araucanía y Valle Central suenan en la particular fusión que la joven compositora realiza junto al grupo Fauna. Este documental es parte de la serie «Tierra de sonidos».
La experiencia Barriga
De Esteban Rojas
En el 2006, un grupo de cuatro inexpertos cineastas de nacionalidades diversas (dos chilenos, un peruano y un estadounidense) deciden seguir al músico Miguel Barriga en una gira por provincias. La experiencia, estilo road-movie, los llevará por gimnasios, hospedajes, audiencias familiares y buses alejados por completo del cliché de glamour rocanrolero. Junto al ex Sexual Democracia, este documental muestra un lado inesperado de la auténtica chilenidad.
Cogollos del tiempo. La historia de Congreso
De Alejando Mendoza, Rodrigo Burgos y Bernardo Martínez
En el Chile de los años sesenta, el grupo Congreso construyó una propuesta sonora única, siempre inquieta, que hermanaba rock, folclore y jazz, con letras atentas a los cambios de la sociedad. Aunque el Golpe militar desarticuló o exilió a casi todos los conjuntos que trabajaron con ellos en simultáneo, el grupo de Quilpué eligió mantenerse de pie, como un excepcional espacio de música, apoyo y fraternidad en tiempos de represión y censura. Hasta hoy, Congreso es una banda activa y propositiva, y este documental reconstruye su historia a partir de entrevistas con integrantes actuales e históricos, compañeros de ruta (como Eduardo Gatti, Claudio Parra y Manuel García) y expertos en su obra.
El parque de los prospectos
De Eduardo Pavez
Rodrigo Recabarren es un baterista chileno de jazz, que vive hace tres años en Nueva York. Este documental viaja hasta esa enorme ciudad para seguir la huella de un compatriota rodeado de culturas diversas, pasatiempos infinitos y músicos de los más diversos géneros y ambiciones, pero siempre con una meta en común: volver a sus respectivos países mejores de lo que se fueron. «No es un documental sobre la vida de los músicos en Nueva York ni tampoco sobre los jazzistas chilenos en el extranjero», aclara su director. «Es una muestra de los músicos que rodean a Rodrigo y cómo cada uno ve su estadía en esa ciudad desde su cultura y sus expectativas».
Chancho en Piedra: 12 horas; 16 años en escena
De Pato Pimienta y Hellen Caceres
El 10 de julio del 2010 la banda chilena Chancho en Piedra celebró sus dieciseís años de trayectoria con un concierto inédito en Chile. Sobre el escenario del capitalino teatro Teletón la banda reprodujo en vivo y de modo sucesivo los siete álbumes de su discografía, en doce horas de música. Este documental cubre el camino de la banda santiaguina de funk-rock para llegar a este peculiar concierto: su historia, las horas en el gimnasio, los largos ensayos, las aprehensiones y, finalmente, el baño de fanáticos.
Rosita, la favorita del Tercer Reich
De Pablo Berthelon
Como «el ruiseñor chileno» se conoció en varios idiomas a Rosita Serrano (1914-1997), diva internacional de la canción y el cine que extendió su talento y belleza desde su natal Viña del Mar a la Europa de entreguerras. En 1943, un concierto en beneficio de la causa judía en Suecia significó su expulsión de la Alemania nazi, donde incluso Adolf Hitler había aplaudido sus actuaciones. Este documental recorre la vida asombrosa (matrimonio con millonario egipcio, trabajo para los estudios Disney en Hollywood, objeto de culto en Europa hasta hoy) de una de las pocas divas chilenas que merecen el calificativo de tales, pero que, sin embargo, murió pobre y olvidada en una casona de Ñuñoa.
Mi nuevo estilo de baile
De Pablo Berthelon
A mediados de la década de los ochenta, en plena dictadura militar, surgió en Concepción Emociones Clandestinas, un grupo de pospunk que llegaría a liderar los cambios del nuevo movimiento musical de esa ciudad universitaria del sur de Chile. El proyecto liderado por Jorge Yogui Alvarado fue pionero en su irreverencia y convicción, haciéndole frente a la represión de su tiempo con letras explosivas. Más allá de un hit radial inoxidable, Emociones Clandestinas es un referente de la música chilena, como lo prueba este documental con entrevista a varios de sus integrantes.
Ocho filmes musicales se estrenarán en el encuentro que va del 6 al 16 de diciembre en el Teatro Nescafé.
Si hay un festival local que con los años se ha consolidado en base a una muy cuidada programación y un público fiel, es el In-Edit, el encuentro de cine documental musical que entre el 6 y 16 de diciembre celebrará su novena edición en el Teatro Nescafé.
Poco a poco se va armando la parrilla y en días anteriores conocimos la lista de los 100 mejores documentales musicales de la historia, confeccionada por el Festival In-Edit de España, y del cual se verá en esta edición el top ten, con títulos definitivos como "Don´t look back", sobre Bob Dylan y "Gimme shelter", en torno a los Rolling stones, entre otros.
Hoy se acaba de conocer la Competencia Nacional 2012, que incluye ocho documentales -todos estrenos exclusivos del certamen- donde destacan trabajos en torno a dos de las bandas más importantes de las últimas décadas: Congreso y Chancho en piedra. La longeva banda de la quinta región tiene un trabajo dirigido por Alejando Mendoza, Rodrigo Burgos y Bernardo Martínez, y que bucea en sus más de cuatro décadas de historia.
El filme sobre Chancho en piedra fue dirigido por el actor y director teatral Pato Pimienta -en conjunto con Hellen Cáceres- y gira en torno al concierto de julio del 2010 en que la banda funk tocó sus siete discos en un concierto inédito. Hay también documentales sobre figuras desconocidas de la escena local, como la del jazzista Rodrigo Recabarren (residente en Nueva York y que llega con el filme El parque de los prospectos) y por sobre todo, de la cantautora Rosita Serrano ("Rosita, la favorita del Tercer Reich"), quien fue muy popular en Europa en los años cuarenta, en especial en la Alemania Nazi y que incluso trabajó en Hollywood.
Las reseñas de todos los filmes en competencia, son las sgtes.
Los Rockers, rebelde rock & roll
De Matías Pinochet
Formada en 1992, la banda de rockabilly Los Rockers fue dándole forma a una trayectoria que consiguió cinco publicaciones, premios en concursos y el respeto de sus ídolos. Al cumplir veinte años de trabajo, el grupo se impone concluir un nuevo disco y presentarlo en México, resarciendo así los pasados errores. La música es, para ellos, un instrumento de agitación: «El rebelde rock and roll fue, es y será nuestra mejor arma, disparando contra el sistema, el descontento y la vergonzosa desigualdad a la que somos sometidos».
Crear en viaje. La música de Pascuala Ilabaca
De Alejandra Fritis
La música de la cantautora Pascuala Ilabaca está anclada a Valparaíso, pero también a ls influencias diversas de un mundo que ha recorrido con gran curiosidad desde su infancia. India, México, Araucanía y Valle Central suenan en la particular fusión que la joven compositora realiza junto al grupo Fauna. Este documental es parte de la serie «Tierra de sonidos».
La experiencia Barriga
De Esteban Rojas
En el 2006, un grupo de cuatro inexpertos cineastas de nacionalidades diversas (dos chilenos, un peruano y un estadounidense) deciden seguir al músico Miguel Barriga en una gira por provincias. La experiencia, estilo road-movie, los llevará por gimnasios, hospedajes, audiencias familiares y buses alejados por completo del cliché de glamour rocanrolero. Junto al ex Sexual Democracia, este documental muestra un lado inesperado de la auténtica chilenidad.
Cogollos del tiempo. La historia de Congreso
De Alejando Mendoza, Rodrigo Burgos y Bernardo Martínez
En el Chile de los años sesenta, el grupo Congreso construyó una propuesta sonora única, siempre inquieta, que hermanaba rock, folclore y jazz, con letras atentas a los cambios de la sociedad. Aunque el Golpe militar desarticuló o exilió a casi todos los conjuntos que trabajaron con ellos en simultáneo, el grupo de Quilpué eligió mantenerse de pie, como un excepcional espacio de música, apoyo y fraternidad en tiempos de represión y censura. Hasta hoy, Congreso es una banda activa y propositiva, y este documental reconstruye su historia a partir de entrevistas con integrantes actuales e históricos, compañeros de ruta (como Eduardo Gatti, Claudio Parra y Manuel García) y expertos en su obra.
El parque de los prospectos
De Eduardo Pavez
Rodrigo Recabarren es un baterista chileno de jazz, que vive hace tres años en Nueva York. Este documental viaja hasta esa enorme ciudad para seguir la huella de un compatriota rodeado de culturas diversas, pasatiempos infinitos y músicos de los más diversos géneros y ambiciones, pero siempre con una meta en común: volver a sus respectivos países mejores de lo que se fueron. «No es un documental sobre la vida de los músicos en Nueva York ni tampoco sobre los jazzistas chilenos en el extranjero», aclara su director. «Es una muestra de los músicos que rodean a Rodrigo y cómo cada uno ve su estadía en esa ciudad desde su cultura y sus expectativas».
Chancho en Piedra: 12 horas; 16 años en escena
De Pato Pimienta y Hellen Caceres
El 10 de julio del 2010 la banda chilena Chancho en Piedra celebró sus dieciseís años de trayectoria con un concierto inédito en Chile. Sobre el escenario del capitalino teatro Teletón la banda reprodujo en vivo y de modo sucesivo los siete álbumes de su discografía, en doce horas de música. Este documental cubre el camino de la banda santiaguina de funk-rock para llegar a este peculiar concierto: su historia, las horas en el gimnasio, los largos ensayos, las aprehensiones y, finalmente, el baño de fanáticos.
Rosita, la favorita del Tercer Reich
De Pablo Berthelon
Como «el ruiseñor chileno» se conoció en varios idiomas a Rosita Serrano (1914-1997), diva internacional de la canción y el cine que extendió su talento y belleza desde su natal Viña del Mar a la Europa de entreguerras. En 1943, un concierto en beneficio de la causa judía en Suecia significó su expulsión de la Alemania nazi, donde incluso Adolf Hitler había aplaudido sus actuaciones. Este documental recorre la vida asombrosa (matrimonio con millonario egipcio, trabajo para los estudios Disney en Hollywood, objeto de culto en Europa hasta hoy) de una de las pocas divas chilenas que merecen el calificativo de tales, pero que, sin embargo, murió pobre y olvidada en una casona de Ñuñoa.
Mi nuevo estilo de baile
De Pablo Berthelon
A mediados de la década de los ochenta, en plena dictadura militar, surgió en Concepción Emociones Clandestinas, un grupo de pospunk que llegaría a liderar los cambios del nuevo movimiento musical de esa ciudad universitaria del sur de Chile. El proyecto liderado por Jorge Yogui Alvarado fue pionero en su irreverencia y convicción, haciéndole frente a la represión de su tiempo con letras explosivas. Más allá de un hit radial inoxidable, Emociones Clandestinas es un referente de la música chilena, como lo prueba este documental con entrevista a varios de sus integrantes.
Música chilena para voz y guitarra, ahora en disco
El Mercurio
El lanzamiento es este sábado. Carolina Acuña y Tatiana Muñoz grabaron obras de Orrego-Salas, Becerra y Amenábar, entre otros.
Romina de la Sotta Donoso
"Sabemos que se conoce muy poco de las partituras de nuestros compositores para guitarra y voz", asume la soprano Carolina Acuña, integrante de la Camerata Vocal de la U. de Chile.
Por eso decidió, con la guitarrista Tatiana Muñoz, recuperar parte del repertorio chileno para esta formación. Tras conquistar un Fondo de la Música, el dúo grabó las obras, y el resultado es el CD "Compositores chilenos para canto y guitarra. Música original del siglo XX", que lanzarán con un recital este sábado en la Casa del Coro de la U. de Chile (Pedro de Valdivia 2454, 17:00 horas. Gratis).
"Nuestra intención fue mostrar la diversidad de estilos y autores chilenos que surgieron durante el siglo XX. Abarcamos la música modernista (1910 a 1975) y la música contemporánea (desde 1975)", especifica Acuña. El 80% de las obras que registraron no habían sido grabadas anteriormente.
El CD incluye, entre otras, "Látigo y sudor", de Gustavo Becerra-Schmidt; "Padre nuestro", de Juan Amenábar, y "Clara Sandoval", de Federico Heinlein, así como canciones de Juan Orrego-Salas, Pablo Délano y Pedro Núñez Navarrete.
Al momento de destacar una de las obras que registraron, eligen a Orrego-Salas. "Mi-La-Re-Sol-Si" es la opción de Acuña: "Son las cinco notas de la guitarra. Toda la canción juega en torno a esta onomatopeya que repite con pequeñas variantes de línea".
Muñoz opta por "Al aire": "Su armonía es interesante, y el poema, al ser de Pablo Neruda, le da cierto peso al lenguaje musical. El compositor logra un lenguaje afín entre el canto y la guitarra; cada una hace algo diferente, pero al ir las partes juntas, se nutren una de la otra".
El lanzamiento es este sábado. Carolina Acuña y Tatiana Muñoz grabaron obras de Orrego-Salas, Becerra y Amenábar, entre otros.
Romina de la Sotta Donoso
"Sabemos que se conoce muy poco de las partituras de nuestros compositores para guitarra y voz", asume la soprano Carolina Acuña, integrante de la Camerata Vocal de la U. de Chile.
Por eso decidió, con la guitarrista Tatiana Muñoz, recuperar parte del repertorio chileno para esta formación. Tras conquistar un Fondo de la Música, el dúo grabó las obras, y el resultado es el CD "Compositores chilenos para canto y guitarra. Música original del siglo XX", que lanzarán con un recital este sábado en la Casa del Coro de la U. de Chile (Pedro de Valdivia 2454, 17:00 horas. Gratis).
"Nuestra intención fue mostrar la diversidad de estilos y autores chilenos que surgieron durante el siglo XX. Abarcamos la música modernista (1910 a 1975) y la música contemporánea (desde 1975)", especifica Acuña. El 80% de las obras que registraron no habían sido grabadas anteriormente.
El CD incluye, entre otras, "Látigo y sudor", de Gustavo Becerra-Schmidt; "Padre nuestro", de Juan Amenábar, y "Clara Sandoval", de Federico Heinlein, así como canciones de Juan Orrego-Salas, Pablo Délano y Pedro Núñez Navarrete.
Al momento de destacar una de las obras que registraron, eligen a Orrego-Salas. "Mi-La-Re-Sol-Si" es la opción de Acuña: "Son las cinco notas de la guitarra. Toda la canción juega en torno a esta onomatopeya que repite con pequeñas variantes de línea".
Muñoz opta por "Al aire": "Su armonía es interesante, y el poema, al ser de Pablo Neruda, le da cierto peso al lenguaje musical. El compositor logra un lenguaje afín entre el canto y la guitarra; cada una hace algo diferente, pero al ir las partes juntas, se nutren una de la otra".
miércoles, noviembre 07, 2012
Este viernes y sábado improvisación sonora en “Sonificaciones”
Ciudadano
Este viernes y sábado una casona del centro de Santiago acogerá “Sonificaciones”, un evento en el que participarán varios músicos y proyectos activos en la escena de la música experimental y la libre improvisación en Chile.
“Sonificaciones” será la ocasión para acercarse a la música improvisada y la construcción sonora en tiempo real, a través de las presentaciones de Luis ‘Toto’ Alvarez y Edén Carrasco, Eduardo Astudillo (Coleóptero), Ram Trio, Ensamble Majamama, Thanatoloop, Náusica, y el Ensamble Tarabust, propuestas musicales que trabajan activamente las posibilidades del sonido.
“La actividad busca una aproximación reflexiva y activa a la escucha de una música que está llena de silencios, texturas y detalles; sonidos creados con electrónica casera, modificación de aparatos, e instrumentos preparados o intervenidos son las fuentes desde donde surge la música”, explica uno de los organizadores.
Vale decir que estos proyectos están integrados por músicos de diversa procedencia, algunos con estudios formales y otros autodidactas, quienes se acercan a la improvisación con distintos bagajes musicales, lo que diversifica los procesos y resultados.
“Sonificaciones” se realizará los días 9 y 10 de Noviembre en Casa Viva Arteduca (Av. España 502, esq. Toesca, Metro República), desde las 20 horas. La entrada cuesta $ 2.000 y habrá discos, material para adquirir, bebidas y comidas en un ambiente ameno y libertario
Este viernes y sábado una casona del centro de Santiago acogerá “Sonificaciones”, un evento en el que participarán varios músicos y proyectos activos en la escena de la música experimental y la libre improvisación en Chile.
“Sonificaciones” será la ocasión para acercarse a la música improvisada y la construcción sonora en tiempo real, a través de las presentaciones de Luis ‘Toto’ Alvarez y Edén Carrasco, Eduardo Astudillo (Coleóptero), Ram Trio, Ensamble Majamama, Thanatoloop, Náusica, y el Ensamble Tarabust, propuestas musicales que trabajan activamente las posibilidades del sonido.
“La actividad busca una aproximación reflexiva y activa a la escucha de una música que está llena de silencios, texturas y detalles; sonidos creados con electrónica casera, modificación de aparatos, e instrumentos preparados o intervenidos son las fuentes desde donde surge la música”, explica uno de los organizadores.
Vale decir que estos proyectos están integrados por músicos de diversa procedencia, algunos con estudios formales y otros autodidactas, quienes se acercan a la improvisación con distintos bagajes musicales, lo que diversifica los procesos y resultados.
“Sonificaciones” se realizará los días 9 y 10 de Noviembre en Casa Viva Arteduca (Av. España 502, esq. Toesca, Metro República), desde las 20 horas. La entrada cuesta $ 2.000 y habrá discos, material para adquirir, bebidas y comidas en un ambiente ameno y libertario
Cantata Mapudungún
“Cantata Mapudungún” de Jaime Herrera Andaúr, basada en los textos de poetas chilenos del siglo XX, traducidos al mapudungún por Elicura Chihuailaf, en el libro
“Poesía y Prosa Chilena del Siglo XX / Vlkantun Ka Epew Chile Mapu Mew”.
Interpretado por el grupo Kalfu y el Coro y Orquesta juvenil del Colegio Melipilla
(400 jóvenes en escena), con la participación especial de Roberto Márquez (Illapu),
Francesca Ancarola y Elicura Chihuailaf en los relatos.
LANZAMIENTO DISCO VIERNES 23 DE NOVIEMBRE 21:00 HRS.
CENTRO CULTURAL CHIMKOWE DE PEÑALOLÉN
(Av. Grecia 8787 Peñalolén) ENTRADA LIBERADA
El wurlitzer con patas
The Clinic
Egidio Altamirano, acordeonista y cantor de "Las Tejas", es de la generación del Baucha y del Nano Núñez. Y es tan choro como ellos. Ha grabado con Los Hermanos Campos, con Daniel Muñoz y muchos más que alucinan con su vozarrón. Egidio Altamirano -que tiene pasado como luchador de cachacascán y fue uno de los fundadores de La Pincoya-conoce como la palma de su mano la vida nocturna.
A Egidio Altamirano le gusta enumerar todo. Por ejemplo, cuando habla de los locales “más grandiosos y famosos” en los que ha trabajado, dice: “he cantado en La Posada de Tarapacá, Bodegón, Hostería Providencia, Chito Faró, Antoniana, Capri, la boite Zeppelín, El pollo Bravo, la Quinta de Quilicura, la Quinta Gardel, el Santiago Zúñiga y el Germania…”. En emblemas de los años 60 y 70, cuando la bohemia era “fabulosa, una maravilla, puras fiestas”, donde con su grupo Chile Lindo compartía escenario con Ramón Aguilera, Los Tumbaítos y el Indio Pije.
Hace casi 40 años, eso sí, trabaja de lunes a sábado en Las Tejas -siendo el único músico estable del emblemático local ubicado en calle San Diego-, donde es conocido por los parroquianos como el “Wurlitzer con patas” pues canta el tema que le pidan. De hecho, se sabe de memoria más de 200 canciones de estilos variopintos, los que enumera en detalle: “Me sé tangos, valses, boleros, rancheras, corridos, pasos doble, pasillo, joropo venezolano, samba, cueca, balada, tonada, merengue, cumbia, tropicales, rocanrol, guaracha, salsa, foxtrot…, lo que me pidan. Menos reggetón. Esa lesera no me gusta. Es horrible. No canto esas tonteras, canto música”.
En Las Tejas, Egidio tiene un sistema particular de trabajo. Lo hace mesa por mesa, a pedido del comensal. No es de los que cantan una sola vez y pasan estirando la mano por todas las mesas. No le gusta así. “Yo canto a pedido. De repente en una mesa puedo estar un buen rato, siempre cuando me paguen lo correcto. Si les canto y toco el acordeón, lo mínimo es que me den luca, pero para eso hay que estar capacitado”.
LAS PUTITAS
Egidio llegó a la música por su padre, un marino porteño que en sus ratos libres tocaba la mandolina y el banjo. En uno de sus viajes a Alemania, a comienzos de los ‘50, trajo cajas y cajas con acordeones para vender en Valpo. Y le prestó uno a Egidio para ver si podía sacar algún tema de oído. Y le salió. Así que se quedó con un acordeón. Se metió al conservatorio, pero se retiró: aprendía más escuchando radio que leyendo partituras.
Un día, un guitarrista, amigo de su hermana, necesitaba a un músico para animar una ramada en Valparaíso. Y aceptó ir. Tanto lo cautivó la onda que se lanzó a la noche trabajando en bares, cabarés, restoranes. Fue así como llegó a Pueblo Hundido, una zona minera cerca de Chañaral donde le pagaban “el manso billete” por tocar con un trío musical en los cabarés que había por todos lados, donde “los trabajadores de la picota llegaban con todas las putitas a bailar”. “Que quede claro -dice- que yo solo tocaba, nomás, no soy de putitas, me gusta la exclusividad”.
Tiempo después se vino a la capital con una polola a probar suerte a una fuente de soda. Y las cosas se dieron: terminó con la polola, hizo contactos para trabajar en “lugares grandiosos” y terminó encontrando un sitio en La Pincoya para armar su casa. “Era puro barro, no había nada”. Era el gobierno de Frei, y se suponía que La Pincoya sería una villa. “Chuta, una villa, todo electrificado, igual que en el barrio alto, era para emocionarse. Pero llegó Allende y no hubo plata para la villa. Y quedamos como población. No sabemos qué pasó. Pero no me quejo, igual quedamos bien. Salimos privilegiados con el clima, es el mejor que hay, estamos protegidos por la cordillera de Colina. La vida es tranquila. La gente es trabajadora. Y los patos malos están en el cerro. Y no en La Pincoya”.
EL CACHACASCÁN
Tras el Golpe, Egidio quedó cesante. Y recurrió a parrilladas, restoranes y picadas más chicas para sobrevivir. Ya no tocando en escenarios, sino por mesas. Fue así como llegó a Las Tejas. Pero acá la bohemia no es la misma, dice. No se gana igual que en otros lados.
Si antes tocaba con dos músicos más en Las Tejas, ahora lo hace solo. Es que no alcanza para repartir las 20 lucas que se hace diariamente. “Hay poco campo. Los únicos que quedan en locales son músicos de mi época. Los nuevos tienen que esperar a que nos muramos para pillar pega”, dice. Así, que cuando le sale un pituto para “casamientos, cumpleaños, santos, pichangas, asados, banquetes, tijerales, despedidas de soltero, bautizos y funerales”, recurre a alguno de ellos para que lo acompañen.
Para ganarse los morlacos, cuenta, tiene que cantar sin parar de dos a doce de la noche.
¿Cómo no queda afónico de tanto cantar?
-Estoy entrenado. Como tengo estudios de canto, canto con el diafragma, como se debe hacer, entonces uno no se pone afónico. Bueno, debe ser por mi pasado deportista. A esta edad, no cualquiera se puede un acordeón de doce kilos sin cansarse. Le cuento: fui gimnasta, atleta, levantador de pesas, barrista, esgrimista, futbolista, boxeador, ciclista y luchador de cachacascán mucho antes que los Titanes del Ring.
Le gustaba la onda de las piruetas.
-Le pegaba harto a ese cocido. Mi papá me decía que era puro tongo, que estaban arreglados los golpes, pero no le creía: yo luchaba de verdad y sin tongo. Cuando entré a la noche, dejé el deporte. De esa época, mantengo una sana alimentación. Nada de chatarra. Sólo alimentos vitamínicos: como verduras pal mundo, lentejas, porotos, arroz, puré, chancho, caballo, pollo, me faltó decir perro nomás, guatitas en carbonadas, chunchules, pero más me gustan las guatitas con guatitas.
Decía que antes la cosa era mejor, que la plata le alcanzaba para lujos.
-Claro, pero fui inteligente. No farreaba con el billete, sino que con el acordeón. No gastaba plata en fiestas. Pues no había razón. Carreteábamos en los mismos lugares donde tocábamos. No había necesidad de gastar.
¿Cómo eran esos carretes?
-Se tomaba, cantaba y comía a destajo. Lo único que no existía era la droga. Y cuando llegó la droga, no le hice nunca. En ese tiempo, la cocaína no era como ahora, que corre como azúcar, era una rareza y un lujo. Pero nunca acepté. ¿Sabe por qué no me tomé un pencazo de coca? Tenía tanto entusiasmo que con un trago de vino volaba. Olvídese, si hubiese tomado coca, habría quedado pegado en el techo. Tenía una vitalidad tremenda. ¿Para qué iba a querer coca? Si al otro día estaba con la caña, pucha, otra vez su pencazo de vino. Y listo.
Era bueno para empinar el codo, entonces.
-Le puse harto. A veces despertaba sin saber dónde estaba y me ponía a gritar “dónde esta mi acordeón”. Y lo tenía al lado. No me acordaba de nada.
¿Y tomaba sus terremotos?
-No, ese es un invento de ahora. En la época mía no existía. Es nuevo. Se tomaba piscola, incluso el ron no existía, estamos hablando, uf, de hace tiempo… Pero estoy chantado hace como diez años. Es que vi como cien músicos que se murieron de cirrosis. Eran buenos pa ponerle. Empezaban con el vino y terminaban con el pisco, que les cocía el hígado y les quitaba el hambre. Y así morían. Y eso te hace recapacitar. Podría haberme ido cortado igual que ellos, de cirrosis o por peleas de curao. Yo estuve a punto de grabar un disco hace años, pero se me murieron los músicos: uno de curao y los otros dos de cáncer.
Chuta.
-Ahora tomo poco: para las comidas, la once o la emoción. Si antes tomaba como carretonero, ahora tomo como ejecutivo. Tomo de lo bueno, porque si tomara acá del vino en garrafa saldría en cuatro patas, y no es la idea. Además, que el vino bigoteado me hace pésimo. Me puse finoli.
LA MANSA PRIETA
Antes que todo, Egidio es cuequero. Pero de los choros. Nada de cueca centrina, la encuentra fome. Es más, es de los que goza cantando cuecas picantes y subidas de tono, de esas “no aptas para damas”, y de hecho tiene varias que ha escrito en esa línea. “Cueca del Transantiago” y “El rasca chuchas” son algunas de ellas. La primera surgió de la odisea que vivió él mismo arriba de la micro “cuando me pisaron los callos, me robaron la billetera, llegué atrasado porque no me paró el chofer y mi jefe me metió la mansa prieta por el poto”. El otro tema dice “rajaaa chuuu, rajaaa chu, mi corraleña/ por la huee huueea del camino/ por las hueeee… por las hueee… las del camino/ ya meee meee, ya me meeeooo un carabinero/ ya me caagooo/ ya me caigo de curao/ cada vez que te veo, mijita, tus lindas piernas, se me pone la goma, caramba, como una lezna”. La Lezna, explica, es un punzón para hacer los hoyos donde se meten los cordones de zapatos. “Así que imagínese lo que quiere decir el tema. En todo caso, el chileno es picaresco. Y le gustan estos temas”.
Tiene otro de cuando le pegaron en la nuca.
-El cabeza de puré, se llama. Chita, ese tema nació porque me dejaron la cabeza como membrillo colegial. Las mujeres me han hecho sufrir. Puras peleas y broncas. Me enfermaron de los nervios. Las mujeres que tuve eran muy porfiadas. No hacían lo que uno les decía. Me molestaba que se largaran para la casa de la familia y me dejaron botado. Pero entiendo que era una manera de desquitarse. Yo era bien machista, ahora se me ha pasado un poco. De hecho, me considero machista pero no intenso… Antes me la pasaba viajando. Y no me portaba muy bien con ellas.
¿Qué tanto?
-Les era infiel. Cuando andábamos en gira, si aparecía una minita, se terciaba nomás. Hace tiempo tuve dos mujeres al mismo tiempo, pero ninguna supo que la engañaba. Y le puedo decir que de las dos me enamoré. Siempre me preguntaba que por qué no se podrá vivir con las dos. En ese sentido, tengo espíritu de cacique.
¿Cómo es eso?
-Eso de querer tener hartas mujeres, como el Gurú, en el mismo núcleo. O como los árabes, que tienen de cinco a seis mujeres.
No quiere nada.
-Los árabes nacieron con otra contextura a la de nosotros, que salimos más tibios y no tan calientes. Por eso debo tener pasado árabe, al menos tuve de a dos. En todo caso, no era el único. Antes se usaba mucho eso. Incluso un compañero tuvo tres mujeres pero quedó casi en la ruina.
Además de infiel, ¿en qué otra cosa se portaba mal?
-No las llevaba conmigo de gira. Es que era un cacho. Había que pagarles todo. Y no hay bolsillo que aguante. Las mujeres, si no las atiendes bien, se van. Son capitalizadas las mujeres, chupan mucho la plata. Entonces, sale caro. Por eso el que tiene plata, tiene más mujeres. La mujer está muy vivaracha. En todo caso, estoy en otra. No me cuadra la vida que hice antes.
¿Cómo así?
-El cuerpo está gastado y no tengo ansiedad de mujeres como antes. Tampoco soy de tomar viagra, que es contraproducente: puede dar ataque al corazón y me da miedo morir así. Además que estoy más tranquilo, hogareño, y tengo una señora que me aguanta todo. Ella es joven, como me gustan.
¿Qué tan joven?
-Debe tener unos 40. Por ahí. No me gustan viejas. Se ponen medio guatonas, se descuidan y terminan siendo feas.
LA MÚSICA LATERA
Ahora está de moda la cueca chora. ¿Cómo cree que lo están haciendo los jóvenes?
-Hay buenos como el Daniel Muñoz y su grupo. Pero la mayoría son reguleques, les falta pito.
El Baucha, al contrario, los critica por cantar como si los estuvieran apaleando.
-Claro, cantan más rajados, a grito pelado. Se trata que toquen como pitos, pero entonados. Si no, se escucha mal.
¿Ha tocado con el Baucha?
-Canté con él en Los Chileneros unas veces. Pero él peleaba con todo el mundo. Además era muy sinvergüenza, cortaba mucho la cola, y muchos no le tenían buena, porque se los cagaba.
Él odiaba a Nano Núñez.
-Nunca he entendido por qué se tenían mala. Pero en lo comercial se entendían. El Nano le pasaba todas las cuecas choras para que él las cantara. El Nano era un gran compositor. No sé por qué le tiene tanta mala el Baucha.
¿Qué piensa de la cueca más empaquetada, como la de los Huasos Quincheros?
-Para empezar, esos no son huasos verdaderos, son tonaderos. Pero se visten de huasos para hacer un folclor que encuentro un poco fome.
¿Qué otra música escucha?
-No me gusta la que se canta en inglés. Me llegan al corazón Nino Bravo, Javier Solís, Lucho Gatica, Germaín de la Fuente, José José. Y eso es lo que me pide la gente también, además de Marco Antonio Solís, Chupete Fierro, Arjona.
¿Le gusta Arjona?
-Mmm, más o menos. A las mujeres no les gusta mucho. La mayoría me dice que, por favor, no toque el tema Mujeres porque les carga.
Qué piensa del Premio Nacional de Música. A Vicente Bianchi no se lo han querido dar.
-Ese chico es muy bueno. Ojalá que lo premien algún día. Se lo merece de sobra. Así como la Margot Loyola. Ahora la están pescando más, pero es tarde.
¿Le gusta Víctor Jara?
-No me gustan sus canciones, son desabridas. Pero me encanta Violeta. Su música es brillante… Pero para el folclor nunca hay premios. En cambio para la otra y los poemas, sí los hay.
¿Qué piensa de la otra música?
-No me gusta. He escuchado música clásica y a veces me he quedado dormido. Hay partes, movimientos, muy desabridos. No tiene el brillo de lo popular.
¿Con qué se ha quedado dormido?
-Con Beethoven, Mozart… Igual me gusta la Marcha Turca de Mozart, pero los otros temas sinfónicos tienen unos pasajes, uf, muy desabridos, unos silencios y de repente paaaá, pegan el tamborazo, un contraste que es para dar un ataque… Y esos silencios tan largos, monótonos, no, no nací para esa música. Tampoco hay mucha libertad. El público tiene que estar callado, sin hacer nada, ni moverse. Qué aburrido. Y los músicos tan empaquetados. No.
En cambio, yo gozo con el público, echándole el pelo, tocando, cantando, me atienden, me pagan, me elevan el espíritu, nos reímos. No estoy tocando pa’ callado.
También usted canta en rodeos, entiendo.
-Sí. Pero eso hace unos 30 años. Ahora no me llaman. Me hice 50 rodeos de Vallenar a Osorno.
De ahí que le dicen “el Huaso Altamirano”.
-Claro.
¿Qué opina de los rodeos?
-No tomaba en cuenta lo que pasaba. Muchos consideran que es muy bruto, pero resulta que el novillo no sale muerto.
Pero sí harto machucado.
-Tres veces machucado, pero no más. Entonces, no es para alharaquear tanto.
Egidio Altamirano, acordeonista y cantor de "Las Tejas", es de la generación del Baucha y del Nano Núñez. Y es tan choro como ellos. Ha grabado con Los Hermanos Campos, con Daniel Muñoz y muchos más que alucinan con su vozarrón. Egidio Altamirano -que tiene pasado como luchador de cachacascán y fue uno de los fundadores de La Pincoya-conoce como la palma de su mano la vida nocturna.
A Egidio Altamirano le gusta enumerar todo. Por ejemplo, cuando habla de los locales “más grandiosos y famosos” en los que ha trabajado, dice: “he cantado en La Posada de Tarapacá, Bodegón, Hostería Providencia, Chito Faró, Antoniana, Capri, la boite Zeppelín, El pollo Bravo, la Quinta de Quilicura, la Quinta Gardel, el Santiago Zúñiga y el Germania…”. En emblemas de los años 60 y 70, cuando la bohemia era “fabulosa, una maravilla, puras fiestas”, donde con su grupo Chile Lindo compartía escenario con Ramón Aguilera, Los Tumbaítos y el Indio Pije.
Hace casi 40 años, eso sí, trabaja de lunes a sábado en Las Tejas -siendo el único músico estable del emblemático local ubicado en calle San Diego-, donde es conocido por los parroquianos como el “Wurlitzer con patas” pues canta el tema que le pidan. De hecho, se sabe de memoria más de 200 canciones de estilos variopintos, los que enumera en detalle: “Me sé tangos, valses, boleros, rancheras, corridos, pasos doble, pasillo, joropo venezolano, samba, cueca, balada, tonada, merengue, cumbia, tropicales, rocanrol, guaracha, salsa, foxtrot…, lo que me pidan. Menos reggetón. Esa lesera no me gusta. Es horrible. No canto esas tonteras, canto música”.
En Las Tejas, Egidio tiene un sistema particular de trabajo. Lo hace mesa por mesa, a pedido del comensal. No es de los que cantan una sola vez y pasan estirando la mano por todas las mesas. No le gusta así. “Yo canto a pedido. De repente en una mesa puedo estar un buen rato, siempre cuando me paguen lo correcto. Si les canto y toco el acordeón, lo mínimo es que me den luca, pero para eso hay que estar capacitado”.
LAS PUTITAS
Egidio llegó a la música por su padre, un marino porteño que en sus ratos libres tocaba la mandolina y el banjo. En uno de sus viajes a Alemania, a comienzos de los ‘50, trajo cajas y cajas con acordeones para vender en Valpo. Y le prestó uno a Egidio para ver si podía sacar algún tema de oído. Y le salió. Así que se quedó con un acordeón. Se metió al conservatorio, pero se retiró: aprendía más escuchando radio que leyendo partituras.
Un día, un guitarrista, amigo de su hermana, necesitaba a un músico para animar una ramada en Valparaíso. Y aceptó ir. Tanto lo cautivó la onda que se lanzó a la noche trabajando en bares, cabarés, restoranes. Fue así como llegó a Pueblo Hundido, una zona minera cerca de Chañaral donde le pagaban “el manso billete” por tocar con un trío musical en los cabarés que había por todos lados, donde “los trabajadores de la picota llegaban con todas las putitas a bailar”. “Que quede claro -dice- que yo solo tocaba, nomás, no soy de putitas, me gusta la exclusividad”.
Tiempo después se vino a la capital con una polola a probar suerte a una fuente de soda. Y las cosas se dieron: terminó con la polola, hizo contactos para trabajar en “lugares grandiosos” y terminó encontrando un sitio en La Pincoya para armar su casa. “Era puro barro, no había nada”. Era el gobierno de Frei, y se suponía que La Pincoya sería una villa. “Chuta, una villa, todo electrificado, igual que en el barrio alto, era para emocionarse. Pero llegó Allende y no hubo plata para la villa. Y quedamos como población. No sabemos qué pasó. Pero no me quejo, igual quedamos bien. Salimos privilegiados con el clima, es el mejor que hay, estamos protegidos por la cordillera de Colina. La vida es tranquila. La gente es trabajadora. Y los patos malos están en el cerro. Y no en La Pincoya”.
EL CACHACASCÁN
Tras el Golpe, Egidio quedó cesante. Y recurrió a parrilladas, restoranes y picadas más chicas para sobrevivir. Ya no tocando en escenarios, sino por mesas. Fue así como llegó a Las Tejas. Pero acá la bohemia no es la misma, dice. No se gana igual que en otros lados.
Si antes tocaba con dos músicos más en Las Tejas, ahora lo hace solo. Es que no alcanza para repartir las 20 lucas que se hace diariamente. “Hay poco campo. Los únicos que quedan en locales son músicos de mi época. Los nuevos tienen que esperar a que nos muramos para pillar pega”, dice. Así, que cuando le sale un pituto para “casamientos, cumpleaños, santos, pichangas, asados, banquetes, tijerales, despedidas de soltero, bautizos y funerales”, recurre a alguno de ellos para que lo acompañen.
Para ganarse los morlacos, cuenta, tiene que cantar sin parar de dos a doce de la noche.
¿Cómo no queda afónico de tanto cantar?
-Estoy entrenado. Como tengo estudios de canto, canto con el diafragma, como se debe hacer, entonces uno no se pone afónico. Bueno, debe ser por mi pasado deportista. A esta edad, no cualquiera se puede un acordeón de doce kilos sin cansarse. Le cuento: fui gimnasta, atleta, levantador de pesas, barrista, esgrimista, futbolista, boxeador, ciclista y luchador de cachacascán mucho antes que los Titanes del Ring.
Le gustaba la onda de las piruetas.
-Le pegaba harto a ese cocido. Mi papá me decía que era puro tongo, que estaban arreglados los golpes, pero no le creía: yo luchaba de verdad y sin tongo. Cuando entré a la noche, dejé el deporte. De esa época, mantengo una sana alimentación. Nada de chatarra. Sólo alimentos vitamínicos: como verduras pal mundo, lentejas, porotos, arroz, puré, chancho, caballo, pollo, me faltó decir perro nomás, guatitas en carbonadas, chunchules, pero más me gustan las guatitas con guatitas.
Decía que antes la cosa era mejor, que la plata le alcanzaba para lujos.
-Claro, pero fui inteligente. No farreaba con el billete, sino que con el acordeón. No gastaba plata en fiestas. Pues no había razón. Carreteábamos en los mismos lugares donde tocábamos. No había necesidad de gastar.
¿Cómo eran esos carretes?
-Se tomaba, cantaba y comía a destajo. Lo único que no existía era la droga. Y cuando llegó la droga, no le hice nunca. En ese tiempo, la cocaína no era como ahora, que corre como azúcar, era una rareza y un lujo. Pero nunca acepté. ¿Sabe por qué no me tomé un pencazo de coca? Tenía tanto entusiasmo que con un trago de vino volaba. Olvídese, si hubiese tomado coca, habría quedado pegado en el techo. Tenía una vitalidad tremenda. ¿Para qué iba a querer coca? Si al otro día estaba con la caña, pucha, otra vez su pencazo de vino. Y listo.
Era bueno para empinar el codo, entonces.
-Le puse harto. A veces despertaba sin saber dónde estaba y me ponía a gritar “dónde esta mi acordeón”. Y lo tenía al lado. No me acordaba de nada.
¿Y tomaba sus terremotos?
-No, ese es un invento de ahora. En la época mía no existía. Es nuevo. Se tomaba piscola, incluso el ron no existía, estamos hablando, uf, de hace tiempo… Pero estoy chantado hace como diez años. Es que vi como cien músicos que se murieron de cirrosis. Eran buenos pa ponerle. Empezaban con el vino y terminaban con el pisco, que les cocía el hígado y les quitaba el hambre. Y así morían. Y eso te hace recapacitar. Podría haberme ido cortado igual que ellos, de cirrosis o por peleas de curao. Yo estuve a punto de grabar un disco hace años, pero se me murieron los músicos: uno de curao y los otros dos de cáncer.
Chuta.
-Ahora tomo poco: para las comidas, la once o la emoción. Si antes tomaba como carretonero, ahora tomo como ejecutivo. Tomo de lo bueno, porque si tomara acá del vino en garrafa saldría en cuatro patas, y no es la idea. Además, que el vino bigoteado me hace pésimo. Me puse finoli.
LA MANSA PRIETA
Antes que todo, Egidio es cuequero. Pero de los choros. Nada de cueca centrina, la encuentra fome. Es más, es de los que goza cantando cuecas picantes y subidas de tono, de esas “no aptas para damas”, y de hecho tiene varias que ha escrito en esa línea. “Cueca del Transantiago” y “El rasca chuchas” son algunas de ellas. La primera surgió de la odisea que vivió él mismo arriba de la micro “cuando me pisaron los callos, me robaron la billetera, llegué atrasado porque no me paró el chofer y mi jefe me metió la mansa prieta por el poto”. El otro tema dice “rajaaa chuuu, rajaaa chu, mi corraleña/ por la huee huueea del camino/ por las hueeee… por las hueee… las del camino/ ya meee meee, ya me meeeooo un carabinero/ ya me caagooo/ ya me caigo de curao/ cada vez que te veo, mijita, tus lindas piernas, se me pone la goma, caramba, como una lezna”. La Lezna, explica, es un punzón para hacer los hoyos donde se meten los cordones de zapatos. “Así que imagínese lo que quiere decir el tema. En todo caso, el chileno es picaresco. Y le gustan estos temas”.
Tiene otro de cuando le pegaron en la nuca.
-El cabeza de puré, se llama. Chita, ese tema nació porque me dejaron la cabeza como membrillo colegial. Las mujeres me han hecho sufrir. Puras peleas y broncas. Me enfermaron de los nervios. Las mujeres que tuve eran muy porfiadas. No hacían lo que uno les decía. Me molestaba que se largaran para la casa de la familia y me dejaron botado. Pero entiendo que era una manera de desquitarse. Yo era bien machista, ahora se me ha pasado un poco. De hecho, me considero machista pero no intenso… Antes me la pasaba viajando. Y no me portaba muy bien con ellas.
¿Qué tanto?
-Les era infiel. Cuando andábamos en gira, si aparecía una minita, se terciaba nomás. Hace tiempo tuve dos mujeres al mismo tiempo, pero ninguna supo que la engañaba. Y le puedo decir que de las dos me enamoré. Siempre me preguntaba que por qué no se podrá vivir con las dos. En ese sentido, tengo espíritu de cacique.
¿Cómo es eso?
-Eso de querer tener hartas mujeres, como el Gurú, en el mismo núcleo. O como los árabes, que tienen de cinco a seis mujeres.
No quiere nada.
-Los árabes nacieron con otra contextura a la de nosotros, que salimos más tibios y no tan calientes. Por eso debo tener pasado árabe, al menos tuve de a dos. En todo caso, no era el único. Antes se usaba mucho eso. Incluso un compañero tuvo tres mujeres pero quedó casi en la ruina.
Además de infiel, ¿en qué otra cosa se portaba mal?
-No las llevaba conmigo de gira. Es que era un cacho. Había que pagarles todo. Y no hay bolsillo que aguante. Las mujeres, si no las atiendes bien, se van. Son capitalizadas las mujeres, chupan mucho la plata. Entonces, sale caro. Por eso el que tiene plata, tiene más mujeres. La mujer está muy vivaracha. En todo caso, estoy en otra. No me cuadra la vida que hice antes.
¿Cómo así?
-El cuerpo está gastado y no tengo ansiedad de mujeres como antes. Tampoco soy de tomar viagra, que es contraproducente: puede dar ataque al corazón y me da miedo morir así. Además que estoy más tranquilo, hogareño, y tengo una señora que me aguanta todo. Ella es joven, como me gustan.
¿Qué tan joven?
-Debe tener unos 40. Por ahí. No me gustan viejas. Se ponen medio guatonas, se descuidan y terminan siendo feas.
LA MÚSICA LATERA
Ahora está de moda la cueca chora. ¿Cómo cree que lo están haciendo los jóvenes?
-Hay buenos como el Daniel Muñoz y su grupo. Pero la mayoría son reguleques, les falta pito.
El Baucha, al contrario, los critica por cantar como si los estuvieran apaleando.
-Claro, cantan más rajados, a grito pelado. Se trata que toquen como pitos, pero entonados. Si no, se escucha mal.
¿Ha tocado con el Baucha?
-Canté con él en Los Chileneros unas veces. Pero él peleaba con todo el mundo. Además era muy sinvergüenza, cortaba mucho la cola, y muchos no le tenían buena, porque se los cagaba.
Él odiaba a Nano Núñez.
-Nunca he entendido por qué se tenían mala. Pero en lo comercial se entendían. El Nano le pasaba todas las cuecas choras para que él las cantara. El Nano era un gran compositor. No sé por qué le tiene tanta mala el Baucha.
¿Qué piensa de la cueca más empaquetada, como la de los Huasos Quincheros?
-Para empezar, esos no son huasos verdaderos, son tonaderos. Pero se visten de huasos para hacer un folclor que encuentro un poco fome.
¿Qué otra música escucha?
-No me gusta la que se canta en inglés. Me llegan al corazón Nino Bravo, Javier Solís, Lucho Gatica, Germaín de la Fuente, José José. Y eso es lo que me pide la gente también, además de Marco Antonio Solís, Chupete Fierro, Arjona.
¿Le gusta Arjona?
-Mmm, más o menos. A las mujeres no les gusta mucho. La mayoría me dice que, por favor, no toque el tema Mujeres porque les carga.
Qué piensa del Premio Nacional de Música. A Vicente Bianchi no se lo han querido dar.
-Ese chico es muy bueno. Ojalá que lo premien algún día. Se lo merece de sobra. Así como la Margot Loyola. Ahora la están pescando más, pero es tarde.
¿Le gusta Víctor Jara?
-No me gustan sus canciones, son desabridas. Pero me encanta Violeta. Su música es brillante… Pero para el folclor nunca hay premios. En cambio para la otra y los poemas, sí los hay.
¿Qué piensa de la otra música?
-No me gusta. He escuchado música clásica y a veces me he quedado dormido. Hay partes, movimientos, muy desabridos. No tiene el brillo de lo popular.
¿Con qué se ha quedado dormido?
-Con Beethoven, Mozart… Igual me gusta la Marcha Turca de Mozart, pero los otros temas sinfónicos tienen unos pasajes, uf, muy desabridos, unos silencios y de repente paaaá, pegan el tamborazo, un contraste que es para dar un ataque… Y esos silencios tan largos, monótonos, no, no nací para esa música. Tampoco hay mucha libertad. El público tiene que estar callado, sin hacer nada, ni moverse. Qué aburrido. Y los músicos tan empaquetados. No.
En cambio, yo gozo con el público, echándole el pelo, tocando, cantando, me atienden, me pagan, me elevan el espíritu, nos reímos. No estoy tocando pa’ callado.
También usted canta en rodeos, entiendo.
-Sí. Pero eso hace unos 30 años. Ahora no me llaman. Me hice 50 rodeos de Vallenar a Osorno.
De ahí que le dicen “el Huaso Altamirano”.
-Claro.
¿Qué opina de los rodeos?
-No tomaba en cuenta lo que pasaba. Muchos consideran que es muy bruto, pero resulta que el novillo no sale muerto.
Pero sí harto machucado.
-Tres veces machucado, pero no más. Entonces, no es para alharaquear tanto.
martes, noviembre 06, 2012
Eduardo Parra de Los Jaivas: “Hacer Atomic City sería una excelente razón para volver a la Antártica”
Prensa Antártica
El 15 de agosto de 2013, la emblemática banda chilena, Los Jaivas, celebrará sus 50 años como grupo musical, después del debut cinco décadas atrás con el nombre “High Bass”.
A lo largo de todos estos años, Los Jaivas han recorrido numerosos escenarios en todo Chile y en el mundo, siempre merecedores de elogios y del reconocimiento de un público que los acompaña en cada presentación.
Sin embargo, existe un momento particular en la vida de la agrupación, que de manera extraña ha sido omitido por los medios y las crónicas a comienzos de los años 80.
En 1983, luego de realizar más de 30 conciertos en Europa, Los Jaivas regresan a Chile invitados por la producción del programa de televisión “Amigos Siempre Amigos” de TVN, para tocar en el Territorio Antártico.
De la histórica presentación en la Antártica, solo circulan a través de YouTube dos videos donde se puede ver a los integrantes de Los Jaivas tocar en medio de la nieve y el hielo, incluso haciendo una particular imitación de pingüinos.
Hasta aquí, todo lo que se conoce de esa increíble experiencia de la banda en la Antártica, hasta hoy.
En el Día de la Antártica Chilena, y por esas causas del destino, a 29 años de aquel acontecimiento único en la vida de la música nacional, Eduardo Parra, con la gentileza y generosidad de siempre, conversó con Prensa Antártica para contar por primera vez como fue tocar en el escenario natural más particular del mundo.
¿Cómo nace la idea de tocar en la Antártica?
La idea de ir a tocar a la Antártica nació de una de las productoras de aquel tiempo de Televisión Nacional de Chile, TVN, y el programa “Amigos Siempre Amigos”. Para la producción del canal no era difícil plantear a las autoridades pertinentes un viaje tal, incluyendo, por supuesto una presentación oficial en la base chilena donde estuvieron invitadas todas las dotaciones de las bases vecinas.
Se ha escrito o dicho muy poco de lo que consideramos un acontecimiento inédito para la música y para la historia Antártica Chilena. ¿A que creen que se debe esta omisión?
No es difícil imaginar la falta de comentarios puesto que tratándose de una millonaria producción de televisión de aquellos tiempos, pocos eran los que iban a seguirles el amén. Se sabe además que siempre existe la competencia en la televisión y hasta en la prensa.
¿Cómo se prepararon para el viaje?
Prácticamente no hubo preparación. Nosotros nos encontrábamos en gira por Alemania cuando recibimos la invitación telefónicamente. Inmediatamente terminada la gira por Alemania partiríamos a Chile especialmente para cumplir con este contrato.
¿Cómo fue el viaje hasta la Antártica?
Desde Santiago a Punta Arenas el viaje fue en un avión comercial donde íbamos junto a todo el equipo de “Amigos Siempre Amigos” más el resto de los artistas invitados.
¿Cómo fue esa primera impresión al bajar del avión?
Desde luego que para nosotros era una verdadera aventura así como para todo el equipo y los demás invitados. ¡Estábamos en el Polo Sur!
El viaje incluía la filmación de imágenes para el proyecto “Atomic City”, del cual ya tenían guion. ¿Qué pasó con el proyecto, y en qué consistía?
Desgraciadamente por no haber firmado un buen contrato donde se especificara punto a punto todas nuestras necesidades, tuvimos una respuesta negativa de TVN cuando al regreso quisimos proseguir con la filmación de “Atomic City”. Tampoco podíamos usar las mismas imágenes que se conocen porque estas pertenecían a TVN y nos vendían muy caro esas imágenes.
El proyecto “Atomic City” era en realidad el proyecto de guión de una película evidentemente musical que trataba de un grupo de músicos establecidos en Europa y que cansados de la polución y ante el alerta de un planeta en destrucción deciden ir a refugiarse a la Antártica para pasar la catástrofe ecológica que se venía encima. Hibernarían 100 años y después regresarían a la civilización cuando del desastre quedaran solamente ciertos vestigios. Una manera de preservar la humanidad. Era un argumento simbólico bastante adelantado para la época.
En los videos que circulan de Los Jaivas en la Antártica, se los ve muy alegres, divertidos y jugando todo el tiempo. ¿Disfrutaron mucho ese viaje?
¡Por supuesto! Estábamos cargados de energía y de optimismo. Nos sentíamos construyendo una obra inédita incluso para el mundo. De haber logrado llevar a cabo ese proyecto habría sido un suceso mundial.
¿Cuáles fueron los principales inconvenientes del viaje?
Al final de cuentas no hubo inconvenientes. Sólo la temperatura a máximo bajo cero que desde luego nos obligaba a estar siempre cubiertos hasta la punta de la nariz. Esas escenas donde andamos vestidos solamente con frac, ¡Uyuyuyyy! Debíamos filmar muy rápido y volver a abrigarnos por un momento hasta comenzar con otra secuencia.
¿Qué significado tiene para Uds. la experiencia de haber tocado en la Antártica, y que valor cobra a poco de cumplir 50 años como grupo?
Es significativo porque se una a toda una serie de experiencias a través del planeta que pocos grupos de música por no decir ninguno han podido vivir.
¿Les gustaría regresar?
Quizá lo más lindo sería regresar a hacer finalmente el proyecto “Atomic City”. Esa sería una excelente razón para volver a pisar el continente Antártico.
¿Cómo sería ese regreso después de 30 años?
¡Sería fabuloso nuevamente y si es con “Atomic City”, sería un gol de media cancha.
En los últimos años, se ha visto un renovado interés por parte de los artistas sobre la Antártica y la región austral del país. ¿Qué les parece esta especie de movimiento que busca revalorar las regiones más apartadas de Chile?
Eso es muy interesante. Por nuestra parte nosotros siempre tuvimos el pensamiento de la descentralización y por dar a conocer los lugares más recónditos de nuestro país. Resultado de ese punto de vista es gran parte de nuestra obra musical. En la actualidad existe www.revistadelosjaivas.com una revista en línea donde intentamos reivindicar a todo nuestro país y los cultores de nuestra cultura en esos lugares.
¿Veremos en algún momento más archivos, videos o fotos de aquella histórica presentación en la Antártica hace 30 años?
Al parecer esas imágenes que nosotros filmamos a propósito pensando en el proyecto “Atomic City”, pareciera que las rescatamos de TVN. Pero no son gran cosa. Es decir, nunca como para con esas imágenes poder confeccionar una película completa. De todo lo que se rescató quizá lo más maravilloso es cuando estamos vestidos de pingüino (frac) y existe un video de una canción completa que es El Dormilón Imposible, bolero escrito especial para esa obra. Este video está incluido en un DVD de pronta aparición.
El 15 de agosto de 2013, la emblemática banda chilena, Los Jaivas, celebrará sus 50 años como grupo musical, después del debut cinco décadas atrás con el nombre “High Bass”.
A lo largo de todos estos años, Los Jaivas han recorrido numerosos escenarios en todo Chile y en el mundo, siempre merecedores de elogios y del reconocimiento de un público que los acompaña en cada presentación.
Sin embargo, existe un momento particular en la vida de la agrupación, que de manera extraña ha sido omitido por los medios y las crónicas a comienzos de los años 80.
En 1983, luego de realizar más de 30 conciertos en Europa, Los Jaivas regresan a Chile invitados por la producción del programa de televisión “Amigos Siempre Amigos” de TVN, para tocar en el Territorio Antártico.
De la histórica presentación en la Antártica, solo circulan a través de YouTube dos videos donde se puede ver a los integrantes de Los Jaivas tocar en medio de la nieve y el hielo, incluso haciendo una particular imitación de pingüinos.
Hasta aquí, todo lo que se conoce de esa increíble experiencia de la banda en la Antártica, hasta hoy.
En el Día de la Antártica Chilena, y por esas causas del destino, a 29 años de aquel acontecimiento único en la vida de la música nacional, Eduardo Parra, con la gentileza y generosidad de siempre, conversó con Prensa Antártica para contar por primera vez como fue tocar en el escenario natural más particular del mundo.
¿Cómo nace la idea de tocar en la Antártica?
La idea de ir a tocar a la Antártica nació de una de las productoras de aquel tiempo de Televisión Nacional de Chile, TVN, y el programa “Amigos Siempre Amigos”. Para la producción del canal no era difícil plantear a las autoridades pertinentes un viaje tal, incluyendo, por supuesto una presentación oficial en la base chilena donde estuvieron invitadas todas las dotaciones de las bases vecinas.
Se ha escrito o dicho muy poco de lo que consideramos un acontecimiento inédito para la música y para la historia Antártica Chilena. ¿A que creen que se debe esta omisión?
No es difícil imaginar la falta de comentarios puesto que tratándose de una millonaria producción de televisión de aquellos tiempos, pocos eran los que iban a seguirles el amén. Se sabe además que siempre existe la competencia en la televisión y hasta en la prensa.
¿Cómo se prepararon para el viaje?
Prácticamente no hubo preparación. Nosotros nos encontrábamos en gira por Alemania cuando recibimos la invitación telefónicamente. Inmediatamente terminada la gira por Alemania partiríamos a Chile especialmente para cumplir con este contrato.
¿Cómo fue el viaje hasta la Antártica?
Desde Santiago a Punta Arenas el viaje fue en un avión comercial donde íbamos junto a todo el equipo de “Amigos Siempre Amigos” más el resto de los artistas invitados.
¿Cómo fue esa primera impresión al bajar del avión?
Desde luego que para nosotros era una verdadera aventura así como para todo el equipo y los demás invitados. ¡Estábamos en el Polo Sur!
El viaje incluía la filmación de imágenes para el proyecto “Atomic City”, del cual ya tenían guion. ¿Qué pasó con el proyecto, y en qué consistía?
Desgraciadamente por no haber firmado un buen contrato donde se especificara punto a punto todas nuestras necesidades, tuvimos una respuesta negativa de TVN cuando al regreso quisimos proseguir con la filmación de “Atomic City”. Tampoco podíamos usar las mismas imágenes que se conocen porque estas pertenecían a TVN y nos vendían muy caro esas imágenes.
El proyecto “Atomic City” era en realidad el proyecto de guión de una película evidentemente musical que trataba de un grupo de músicos establecidos en Europa y que cansados de la polución y ante el alerta de un planeta en destrucción deciden ir a refugiarse a la Antártica para pasar la catástrofe ecológica que se venía encima. Hibernarían 100 años y después regresarían a la civilización cuando del desastre quedaran solamente ciertos vestigios. Una manera de preservar la humanidad. Era un argumento simbólico bastante adelantado para la época.
En los videos que circulan de Los Jaivas en la Antártica, se los ve muy alegres, divertidos y jugando todo el tiempo. ¿Disfrutaron mucho ese viaje?
¡Por supuesto! Estábamos cargados de energía y de optimismo. Nos sentíamos construyendo una obra inédita incluso para el mundo. De haber logrado llevar a cabo ese proyecto habría sido un suceso mundial.
¿Cuáles fueron los principales inconvenientes del viaje?
Al final de cuentas no hubo inconvenientes. Sólo la temperatura a máximo bajo cero que desde luego nos obligaba a estar siempre cubiertos hasta la punta de la nariz. Esas escenas donde andamos vestidos solamente con frac, ¡Uyuyuyyy! Debíamos filmar muy rápido y volver a abrigarnos por un momento hasta comenzar con otra secuencia.
¿Qué significado tiene para Uds. la experiencia de haber tocado en la Antártica, y que valor cobra a poco de cumplir 50 años como grupo?
Es significativo porque se una a toda una serie de experiencias a través del planeta que pocos grupos de música por no decir ninguno han podido vivir.
¿Les gustaría regresar?
Quizá lo más lindo sería regresar a hacer finalmente el proyecto “Atomic City”. Esa sería una excelente razón para volver a pisar el continente Antártico.
¿Cómo sería ese regreso después de 30 años?
¡Sería fabuloso nuevamente y si es con “Atomic City”, sería un gol de media cancha.
En los últimos años, se ha visto un renovado interés por parte de los artistas sobre la Antártica y la región austral del país. ¿Qué les parece esta especie de movimiento que busca revalorar las regiones más apartadas de Chile?
Eso es muy interesante. Por nuestra parte nosotros siempre tuvimos el pensamiento de la descentralización y por dar a conocer los lugares más recónditos de nuestro país. Resultado de ese punto de vista es gran parte de nuestra obra musical. En la actualidad existe www.revistadelosjaivas.com una revista en línea donde intentamos reivindicar a todo nuestro país y los cultores de nuestra cultura en esos lugares.
¿Veremos en algún momento más archivos, videos o fotos de aquella histórica presentación en la Antártica hace 30 años?
Al parecer esas imágenes que nosotros filmamos a propósito pensando en el proyecto “Atomic City”, pareciera que las rescatamos de TVN. Pero no son gran cosa. Es decir, nunca como para con esas imágenes poder confeccionar una película completa. De todo lo que se rescató quizá lo más maravilloso es cuando estamos vestidos de pingüino (frac) y existe un video de una canción completa que es El Dormilón Imposible, bolero escrito especial para esa obra. Este video está incluido en un DVD de pronta aparición.
El Barroco vuelve al Teatro Municipal
El Mercurio
En la sala Claudio Arrau se desarrollará desde este jueves el II Festival de Música Barroca Europea e Hispanoamericana "Perpetuum Mobile".
Maureen Lennon Zaninovic
Con el apoyo del Consejo Nacional de la Cultura y de las Artes, desde este jueves se desarrollará la segunda versión del Festival de Música Barroca Europea e Hispanoamericana "Perpetuum Mobile", en la Sala Claudio Arrau del Teatro Municipal. El objetivo, señala el ministro de Cultura, Luciano Cruz-Coke, es "rescatar y difundir el legado musical de la historia fundacional de Latinoamérica y Chile, dando cuenta del cruce cultural entre Europa y América".
El festival abrirá este jueves a las 19:30 horas, con la participación del conjunto Syntagma Musicum de la Universidad de Santiago, que ejecutará el cancionero misional jesuita mapuche "Chilidugú". "Se trata de una investigación y un rescate que realizó hace ya un tiempo nuestro integrante y musicólogo Víctor Rondón. Las canciones son en mapudungún porque su autor, el misionero Bernardo de Havestadt, buscaba con ellas convertir a los pueblos originarios al cristianismo", señala Julio Aravena, viola de gamba de Syntagma Musicum.
Junto a este grupo se presentará el Coro de Niños del Colegio Santo Domingo de La Reina. "Ellos darán vida a la feligresía, y nuestro solista, el cantante Gonzalo Cuadra, será la voz del misionero. Es un desafío muy bonito para estos niños, porque además de aprender un repertorio muy nuestro, son introducidos en un idioma totalmente desconocido para ellos como el mapudungún", puntualiza Aravena.
El jueves 22 de noviembre será el turno del Coro de Cámara de la Universidad Alberto Hurtado que se aventurará con el programa "La canción del esclavo: Mosaico de obras corales de raíz indígena y afroamericana". El festival cerrará el jueves 27 con el conjunto Les Carillons y el Coro de Madrigalistas Usach. "Interpretaremos una selección de villancicos y algunas cantatas del siglo XVIII que se encuentran conservadas íntegramente en las catedrales de Santiago y Lima", explica Rodrigo Díaz, director del conjunto. Y agrega que estas composiciones están dedicadas a la Virgen María, al Santísimo Sacramento y la Navidad. "Algunas son anónimas y otras fueron compuestas, ente otros, por Antonio Ripa, que fue maestro de capilla de la Catedral de Sevilla. Es un repertorio de gran interés musical e histórico, y nuestro sueño, junto al musicólogo Alejandro Vera, es que quede de él un testimonio discográfico".
En la sala Claudio Arrau se desarrollará desde este jueves el II Festival de Música Barroca Europea e Hispanoamericana "Perpetuum Mobile".
Maureen Lennon Zaninovic
Con el apoyo del Consejo Nacional de la Cultura y de las Artes, desde este jueves se desarrollará la segunda versión del Festival de Música Barroca Europea e Hispanoamericana "Perpetuum Mobile", en la Sala Claudio Arrau del Teatro Municipal. El objetivo, señala el ministro de Cultura, Luciano Cruz-Coke, es "rescatar y difundir el legado musical de la historia fundacional de Latinoamérica y Chile, dando cuenta del cruce cultural entre Europa y América".
El festival abrirá este jueves a las 19:30 horas, con la participación del conjunto Syntagma Musicum de la Universidad de Santiago, que ejecutará el cancionero misional jesuita mapuche "Chilidugú". "Se trata de una investigación y un rescate que realizó hace ya un tiempo nuestro integrante y musicólogo Víctor Rondón. Las canciones son en mapudungún porque su autor, el misionero Bernardo de Havestadt, buscaba con ellas convertir a los pueblos originarios al cristianismo", señala Julio Aravena, viola de gamba de Syntagma Musicum.
Junto a este grupo se presentará el Coro de Niños del Colegio Santo Domingo de La Reina. "Ellos darán vida a la feligresía, y nuestro solista, el cantante Gonzalo Cuadra, será la voz del misionero. Es un desafío muy bonito para estos niños, porque además de aprender un repertorio muy nuestro, son introducidos en un idioma totalmente desconocido para ellos como el mapudungún", puntualiza Aravena.
El jueves 22 de noviembre será el turno del Coro de Cámara de la Universidad Alberto Hurtado que se aventurará con el programa "La canción del esclavo: Mosaico de obras corales de raíz indígena y afroamericana". El festival cerrará el jueves 27 con el conjunto Les Carillons y el Coro de Madrigalistas Usach. "Interpretaremos una selección de villancicos y algunas cantatas del siglo XVIII que se encuentran conservadas íntegramente en las catedrales de Santiago y Lima", explica Rodrigo Díaz, director del conjunto. Y agrega que estas composiciones están dedicadas a la Virgen María, al Santísimo Sacramento y la Navidad. "Algunas son anónimas y otras fueron compuestas, ente otros, por Antonio Ripa, que fue maestro de capilla de la Catedral de Sevilla. Es un repertorio de gran interés musical e histórico, y nuestro sueño, junto al musicólogo Alejandro Vera, es que quede de él un testimonio discográfico".
lunes, noviembre 05, 2012
Se posterga show de Los Jaivas, Congreso y Los Blops juntos en el Teatro Caupolicán
Radio Futuro
Para comienzos de 2013, fecha por confirmar, en el mismo recinto.
La histórica jornada que Los Jaivas, Congreso y Los Blops debían realizar en el Teatro Caupolicán el sábado 15 de diciembre ha sido suspendida.
Según informó la propia banda, el evento recién se realizará a comienzos de 2013 por situaciones propias del lugar donde se llevaría a cabo el concierto.
Por ahora, no hay fecha definida del show, ni tampoco opciones de llevarlo a otras ciudades de Chile.
sábado, noviembre 03, 2012
En Valparaíso se realizará el primer encuentro de cantautores autogestionados
La Tercera
En el evento se presentarán trovadores de Talca, Santiago, Rancagua, Coyhaique y Bolivia.
por La Tercera
Para el viernes 16 de noviembre está agendada la realización de primer encuentro de cantautores autogestionados "Canción Nuestra", evento que reúne a diversos artistas que desarrollan por si solos toda su producción musical, desde la creación de la canción, las presentaciones hasta los discos.
Alonso Núñez, cantautor de la Patagonia y productor del encuentro, explica el origen de esta iniciativa, "hay un sin fin de cantautores que trabajan de esta forma, que se aburrieron de presentar curriculums a cultura, a los fondos de la música y otros que sencillamente nos planteamos desde la génesis divorciados de esas instancias, independientemente que podamos trabajar con ellos, el norte de nuestra producción es sencillamente cantar y ser testigos musicales y directos de lo que va pasando en la sociedad, sobre todo en estos tiempos" señaló.
En la presentación participaran Vicencio Navarro y José Manuel Lattus de Santiago, Charro Núñez de Talca, Pepa Díaz de Rancagua, Claudio Martínez de Valparaíso, Alonso Núñez de Coyhaique y Raúl Ybarnegaray de Bolvivia.
Se realizará el 16 de noviembre próximo a las 20.30 horas en el Teatro museo del Títere y el Payaso (Cumming 795), en el Cerro Cárcel de Valparaíso.
En el evento se presentarán trovadores de Talca, Santiago, Rancagua, Coyhaique y Bolivia.
por La Tercera
Para el viernes 16 de noviembre está agendada la realización de primer encuentro de cantautores autogestionados "Canción Nuestra", evento que reúne a diversos artistas que desarrollan por si solos toda su producción musical, desde la creación de la canción, las presentaciones hasta los discos.
Alonso Núñez, cantautor de la Patagonia y productor del encuentro, explica el origen de esta iniciativa, "hay un sin fin de cantautores que trabajan de esta forma, que se aburrieron de presentar curriculums a cultura, a los fondos de la música y otros que sencillamente nos planteamos desde la génesis divorciados de esas instancias, independientemente que podamos trabajar con ellos, el norte de nuestra producción es sencillamente cantar y ser testigos musicales y directos de lo que va pasando en la sociedad, sobre todo en estos tiempos" señaló.
En la presentación participaran Vicencio Navarro y José Manuel Lattus de Santiago, Charro Núñez de Talca, Pepa Díaz de Rancagua, Claudio Martínez de Valparaíso, Alonso Núñez de Coyhaique y Raúl Ybarnegaray de Bolvivia.
Se realizará el 16 de noviembre próximo a las 20.30 horas en el Teatro museo del Títere y el Payaso (Cumming 795), en el Cerro Cárcel de Valparaíso.
Pianista Mahani Teave concluye exitosa gira por Asia
La Tercera
La pianista, junto a la flautista Viviana Guzmán se presentó hoy en Pekín, y antes estuvieron en Malasia y Taiwán, entre otros países.
por EFE
El dúo chileno compuesto por la pianista clásica Mahani Teave y la flautista Viviana Guzmán, cerraron hoy su gira asiática con un concierto en Pekín, donde la pareja sorprendió al público chino con su técnica y su cercanía.
"Es la primera vez que veo un dúo de piano y flauta. Su técnica es impresionante, me ha encantado", comentó un octogenario pequinés, minutos después de que terminara el concierto en el Centro Nacional de Artes Escénicas de la capital china, cercano a la plaza de Tiananmen.
Después de su primera parada, Tailandia, las chilenas han recorrido este mes hasta seis países más, entre ellos Malasia y Vietnam, para acabar en China, donde debutaban como formación.
"Yo vine ya en 2003, y el cambio de China es impresionante. El del público, no: fue igual de acogedor que lo ha sido hoy", comentó Viviana Guzmán después de impresionar con su soltura en distintas flautas.
Ese fue uno de los momentos que hicieron levantar al público de sus asientos, cuando la flautista demostró su talento con una flauta indígena norteamericana y otra de 9 quilates de oro.
Pero cuando la artista provocó que los presentes rompieran en aplausos fue cuando entonó las primeras notas de una flauta húngara "sin agujeros, que sólo entona las notas con el aire del músico y la lengua".
A la pianista Mahani Teave también le dedicaron numerosas alabanzas, centradas, sobre todo, en el solo que protagonizó de casi 10 minutos.
"Es muy bonito, transmite mucho sentimiento", indicó la joven de 29 años, Wang Mengchung, en un español perfecto debido al interés que sentía por Latinoamérica.
Y es que, destacó Wang, a la sociedad china "le interesa mucho Occidente" y "los amigos latinos", pero no al revés.
"Occidente también debería interesarse por la cultura china", incidió Wang.
Con ella coincidió la pianista Teave, a quien pareció "triste" que no se conozca más de una sociedad tan "bella".
"Yo venía con un poco de miedo por los grandes artistas que tiene esta nación, como Lang Lang", explicó la joven músico.
El dúo volverá mañana a Chile con un buen sabor de boca y con ganas de volver al país asiático.
"Me encantó en 2003, y me encanta ahora. Estoy deseando volver", aseguró Guzmán, mientras jóvenes estudiantes de música chinas no cesaban en pedirle, tanto a ella como a Teave, una "foto de recuerdo".
Los 10 mejores documentales musicales del festival In-Edit Nescafé
La Tercera
Elegidos por un grupo de músicos y periodistas españoles, los filmes estuvieron en In-Edit Barcelona. Las películas se darán en la versión local del evento, que va del 6 al 16 de diciembre.
por Rodrigo González
Don’t Look Back (1967)
Bob Dylan sale de gira en 1965 a Gran Bretaña y en el camino hace lo que quiere: contesta al que se le antoja, se ríe de todos, dice frases para el bronce. Es una estrella de talento inconmensurable, de carisma innegable y de temperamento insoportable. Los periodistas lo pasan mal, no saben cómo tomarse al cantautor de 24 años. El que sí sabe qué hacer es el documentalista D. A. Pennebaker, quien no tenía idea de Bob Dylan antes de hacer este trabajo, y que estuvo ahí para filmar lo preciso en el momento correcto. Es uno de los mayores filmes musicales de la historia, preservado por la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos “por su significación cultural, histórica y estética”.
Gimme Shelter (1970)
Querían tener algo de seguridad, tomar precauciones. Pero los Rolling Stones fueron demasiado lejos en 1969: contrataron de guardias a los Angeles del Infierno, un grupo de motociclistas con demasiado ego en las venas. El 6 de diciembre, la banda británica se presentó en el Festival de Altamont (California). Al día siguiente, las noticias salieron en las páginas policiales: un homicidio y tres muertes accidentales. Todo lo documentaron los hermanos Albert y David Maysles.
A Film About Wilco (2002)
Wilco es uno de los grupos indies más importantes de la última década, dueño de un sonido único y con un líder que es un hombre que tiene su humor: cambiante como pocos. Este filme de Sam Jones tiene como título completo I’m trying to break your heart y muestra qué pasa cuando un grupo hace un gran disco (resultó ser Yankee Hotel Foxtrot, para muchos su cumbre) y casi muere en el intento. En esta grabación se fueron dos integrantes y Wilco rompió con su sello.
Instrument (1999)
Fugazi, otra banda inclasificable, necesitaba la mirada de un director que fuera antes que nada un amigo, un cómplice. De lo contrario, nadie que viera el documental iba a captar el mensaje. Y el mensaje de Instrument es que estos representantes del post punk no hipotecan su originalidad ni por un millón de dólares. Tocan en gimnasios de colegios, en cárceles y dan entrevistas a niños de ocho años. No importa, lo hacen a su manera. Y su sonido es único. Dirige Jem Cohen.
Let’s Get Lost (1988)
Chet Baker, el trompetista más fotogénico del jazz, era para algún crítico “la mezcla perfecta entre Frank Sinatra y James Dean”. Se hizo conocido en los 50, quiso ser actor de cine, intentó brillar más que Miles Davis y terminó sin dientes tras una golpiza. La heroína, droga que mató a Charlie Parker y Bill Evans, lo llevó a pasear al infierno en vida. Sólo hacia el final, en los 80, encontró algo de paz. Dio entrevistas y Bruce Weber hizo este documental. Un clásico de la derrota.
Stop Making Sense (1984)
Jonathan Demme, director de El silencio de los inocentes, se encargó en los 80 de llevar a imágenes la vida artística de sus amigos, los Talking Heads. En 1983 pasó tres noches filmando sus recitales en el Hollywood’s Pantages Theater. Lo que hizo ahí fue simple e influyente: no aplicó el método MTV y, por el contrario, hizo tomas largas, de cuerpos enteros, sin muchos cortes. Y, caso raro, sin darle demasiada atención al público. Sólo los Talking Heads para el espectador.
The Devil & Daniel Johnston (2005)
Un loco que compone en el subterráneo de la casa y graba casetes que escucha Kurt Cobain. Un adulto niño que lleva 30 años creando, pero que sufre tormentas cerebrales el día menos pensado. En esas jornadas, Daniel Johnston no es Daniel Johnston. Es sólo un interno más en el hospital, a merced de las enfermeras y de los doctores. De los matasanos y de las inyecciones. Esta película de Jeff Feuerzeig ganó Sundance y contribuyó a hacer más conocidos a Daniel y a su demonio.
The Filth and the Fury (2000)
El director inglés Julien Temple sabe de lo que habla cuando está contando una historia de punks en los 70. Fue uno de ellos e hizo el documental The great rock ‘n’ roll swindle (1980), sobre los Sex Pistols. También creó The future is unwritten, acerca del líder de The Clash. El 2000, 20 años después de su primer acercamiento, vuelve sobre los Sex, pero ahora más lúcido. Y los que hablan son los viejos Pistols, ya gastados, amargos como nunca. El punk después del punk.
The Last Waltz (1978)
Martin Scorsese comenzó en documentales musicales y todas sus películas la tienen: rock, clásica, blues. En los últimos años entró en la vida y obra de los Rolling Stones, Bob Dylan y George Harrison. Sin embargo, en The last waltz está el código genético de Scorsese, el melómano. Registra el concierto de despedida de The Band en 1976, en San Francisco, con invitados como Bob Dylan, Neil Young, Eric Clapton, Neil Diamond, Joni Mitchell y un infinito etcétera.
This is Spinal Tap (1984)
This is Spinal Tap es el padre de todos los documentales falsos. El más inspirado y copiado. Lo dirigió Rob Reiner antes de hacer Cuenta conmigo. Los protagonistas son los Spinal Tap (los Médula Espinal), una banda británica de heavy metal que realiza una tragicómica gira por Estados Unidos. Lanzan un disco que no vende, cantan en un show para jubilados de la fuerza aérea, se pierden al intentar salir a un escenario y, claro, se pelean por una chica. Obra maestra.
Elegidos por un grupo de músicos y periodistas españoles, los filmes estuvieron en In-Edit Barcelona. Las películas se darán en la versión local del evento, que va del 6 al 16 de diciembre.
por Rodrigo González
Don’t Look Back (1967)
Bob Dylan sale de gira en 1965 a Gran Bretaña y en el camino hace lo que quiere: contesta al que se le antoja, se ríe de todos, dice frases para el bronce. Es una estrella de talento inconmensurable, de carisma innegable y de temperamento insoportable. Los periodistas lo pasan mal, no saben cómo tomarse al cantautor de 24 años. El que sí sabe qué hacer es el documentalista D. A. Pennebaker, quien no tenía idea de Bob Dylan antes de hacer este trabajo, y que estuvo ahí para filmar lo preciso en el momento correcto. Es uno de los mayores filmes musicales de la historia, preservado por la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos “por su significación cultural, histórica y estética”.
Gimme Shelter (1970)
Querían tener algo de seguridad, tomar precauciones. Pero los Rolling Stones fueron demasiado lejos en 1969: contrataron de guardias a los Angeles del Infierno, un grupo de motociclistas con demasiado ego en las venas. El 6 de diciembre, la banda británica se presentó en el Festival de Altamont (California). Al día siguiente, las noticias salieron en las páginas policiales: un homicidio y tres muertes accidentales. Todo lo documentaron los hermanos Albert y David Maysles.
A Film About Wilco (2002)
Wilco es uno de los grupos indies más importantes de la última década, dueño de un sonido único y con un líder que es un hombre que tiene su humor: cambiante como pocos. Este filme de Sam Jones tiene como título completo I’m trying to break your heart y muestra qué pasa cuando un grupo hace un gran disco (resultó ser Yankee Hotel Foxtrot, para muchos su cumbre) y casi muere en el intento. En esta grabación se fueron dos integrantes y Wilco rompió con su sello.
Instrument (1999)
Fugazi, otra banda inclasificable, necesitaba la mirada de un director que fuera antes que nada un amigo, un cómplice. De lo contrario, nadie que viera el documental iba a captar el mensaje. Y el mensaje de Instrument es que estos representantes del post punk no hipotecan su originalidad ni por un millón de dólares. Tocan en gimnasios de colegios, en cárceles y dan entrevistas a niños de ocho años. No importa, lo hacen a su manera. Y su sonido es único. Dirige Jem Cohen.
Let’s Get Lost (1988)
Chet Baker, el trompetista más fotogénico del jazz, era para algún crítico “la mezcla perfecta entre Frank Sinatra y James Dean”. Se hizo conocido en los 50, quiso ser actor de cine, intentó brillar más que Miles Davis y terminó sin dientes tras una golpiza. La heroína, droga que mató a Charlie Parker y Bill Evans, lo llevó a pasear al infierno en vida. Sólo hacia el final, en los 80, encontró algo de paz. Dio entrevistas y Bruce Weber hizo este documental. Un clásico de la derrota.
Stop Making Sense (1984)
Jonathan Demme, director de El silencio de los inocentes, se encargó en los 80 de llevar a imágenes la vida artística de sus amigos, los Talking Heads. En 1983 pasó tres noches filmando sus recitales en el Hollywood’s Pantages Theater. Lo que hizo ahí fue simple e influyente: no aplicó el método MTV y, por el contrario, hizo tomas largas, de cuerpos enteros, sin muchos cortes. Y, caso raro, sin darle demasiada atención al público. Sólo los Talking Heads para el espectador.
The Devil & Daniel Johnston (2005)
Un loco que compone en el subterráneo de la casa y graba casetes que escucha Kurt Cobain. Un adulto niño que lleva 30 años creando, pero que sufre tormentas cerebrales el día menos pensado. En esas jornadas, Daniel Johnston no es Daniel Johnston. Es sólo un interno más en el hospital, a merced de las enfermeras y de los doctores. De los matasanos y de las inyecciones. Esta película de Jeff Feuerzeig ganó Sundance y contribuyó a hacer más conocidos a Daniel y a su demonio.
The Filth and the Fury (2000)
El director inglés Julien Temple sabe de lo que habla cuando está contando una historia de punks en los 70. Fue uno de ellos e hizo el documental The great rock ‘n’ roll swindle (1980), sobre los Sex Pistols. También creó The future is unwritten, acerca del líder de The Clash. El 2000, 20 años después de su primer acercamiento, vuelve sobre los Sex, pero ahora más lúcido. Y los que hablan son los viejos Pistols, ya gastados, amargos como nunca. El punk después del punk.
The Last Waltz (1978)
Martin Scorsese comenzó en documentales musicales y todas sus películas la tienen: rock, clásica, blues. En los últimos años entró en la vida y obra de los Rolling Stones, Bob Dylan y George Harrison. Sin embargo, en The last waltz está el código genético de Scorsese, el melómano. Registra el concierto de despedida de The Band en 1976, en San Francisco, con invitados como Bob Dylan, Neil Young, Eric Clapton, Neil Diamond, Joni Mitchell y un infinito etcétera.
This is Spinal Tap (1984)
This is Spinal Tap es el padre de todos los documentales falsos. El más inspirado y copiado. Lo dirigió Rob Reiner antes de hacer Cuenta conmigo. Los protagonistas son los Spinal Tap (los Médula Espinal), una banda británica de heavy metal que realiza una tragicómica gira por Estados Unidos. Lanzan un disco que no vende, cantan en un show para jubilados de la fuerza aérea, se pierden al intentar salir a un escenario y, claro, se pelean por una chica. Obra maestra.
Festival Maquinaria lanza promoción 2x1 a dos semanas del evento
La Tercera
A través de las ofertas, buscan impulsar la venta de tickets para un evento que se prepara para recibir a 20 mil personas diarias.
por Marcos Moraga
Quedan 10 días para la tercera versión de Maquinaria en Chile, el 10 y 11 de noviembre en el Club de Campo Las Vizcachas. Con el festival encima, la producción dispuso una serie de descuentos.
El lunes comenzó una campaña junto a la obra social Techo, con 40% de descuento para los tickets, al que se accedía presentando un depósito por $ 1.000. “La productora se acercó hace dos semanas a nosotros, explicándonos que el concierto va a tener un enfoque social”, comenta la directora comercial de la ONG, Antonella Sassi.
El miércoles la promoción cambió, y hasta el domingo, tras presentar un comprobante de donación por el monto de $ 1.500, serán dos entradas por el precio de una. Hay más: desde ese mismo día los socios del club deportivo Universidad Católica y Universidad de Chile, más los socios del Club Las Vizcachas, junto a los clientes de T-Banc, tienen descuentos de un 50%, que se extenderán hasta el mismo día del evento.
El “ofertón” de último minuto se ha recibido con molestia en Twitter, por quienes compraron entradas anticipadas. Es una práctica que, en otra medida, también ha ocurrido con recitales como el que ofreció la banda Snow Patrol, el 5 de octubre pasado, en el Teatro Caupolicán: el día anterior al concierto de los británicos, la compañía de descuentos por internet, Groupon, ofreció entradas al 50% de su valor.
Pero según explican desde el Sernac, las empresas pueden hacer las ofertas que quieran, sin límite, “a menos que haya existido una promesa explícita de que el precio inicial sería el más conveniente”, explican. Esa promesa sí ocurrió, por ejemplo, con la productora Lotus, que en la venta “Early bird” (o compra en verde) que dispuso para el festival Lollapalooza 2013, comunicó que ese sería el precio más bajo al que se podrá acceder a las entradas de acá hasta abril del próximo año, cuando se realizará el evento.
En sus comunicados oficiales la producción de Transistor informaba que para los dos días del festival esperaban un total de 80 mil personas. Así tomó conocimiento el 13 de agosto la Prefectura Cordillera de Carabineros. Pero eso varió y en el mismo lugar recibieron una directiva de funcionamiento -un documento desde el cual se coordinan acciones de seguridad pública, que es dirigido desde el OS-10 donde se trabaja con 20 mil asistentes por día.
A través de las ofertas, buscan impulsar la venta de tickets para un evento que se prepara para recibir a 20 mil personas diarias.
por Marcos Moraga
Quedan 10 días para la tercera versión de Maquinaria en Chile, el 10 y 11 de noviembre en el Club de Campo Las Vizcachas. Con el festival encima, la producción dispuso una serie de descuentos.
El lunes comenzó una campaña junto a la obra social Techo, con 40% de descuento para los tickets, al que se accedía presentando un depósito por $ 1.000. “La productora se acercó hace dos semanas a nosotros, explicándonos que el concierto va a tener un enfoque social”, comenta la directora comercial de la ONG, Antonella Sassi.
El miércoles la promoción cambió, y hasta el domingo, tras presentar un comprobante de donación por el monto de $ 1.500, serán dos entradas por el precio de una. Hay más: desde ese mismo día los socios del club deportivo Universidad Católica y Universidad de Chile, más los socios del Club Las Vizcachas, junto a los clientes de T-Banc, tienen descuentos de un 50%, que se extenderán hasta el mismo día del evento.
El “ofertón” de último minuto se ha recibido con molestia en Twitter, por quienes compraron entradas anticipadas. Es una práctica que, en otra medida, también ha ocurrido con recitales como el que ofreció la banda Snow Patrol, el 5 de octubre pasado, en el Teatro Caupolicán: el día anterior al concierto de los británicos, la compañía de descuentos por internet, Groupon, ofreció entradas al 50% de su valor.
Pero según explican desde el Sernac, las empresas pueden hacer las ofertas que quieran, sin límite, “a menos que haya existido una promesa explícita de que el precio inicial sería el más conveniente”, explican. Esa promesa sí ocurrió, por ejemplo, con la productora Lotus, que en la venta “Early bird” (o compra en verde) que dispuso para el festival Lollapalooza 2013, comunicó que ese sería el precio más bajo al que se podrá acceder a las entradas de acá hasta abril del próximo año, cuando se realizará el evento.
En sus comunicados oficiales la producción de Transistor informaba que para los dos días del festival esperaban un total de 80 mil personas. Así tomó conocimiento el 13 de agosto la Prefectura Cordillera de Carabineros. Pero eso varió y en el mismo lugar recibieron una directiva de funcionamiento -un documento desde el cual se coordinan acciones de seguridad pública, que es dirigido desde el OS-10 donde se trabaja con 20 mil asistentes por día.
Robert Plant trae elogiado show y planea reunirse con Los Jaivas
La Tercera
Ofrecerá un recital en Movistar Arena el miércoles y ya hay gestiones para una cita con sus teloneros.
por Claudio Vergara
La hoja de ruta de Robert Plant vuelve a establecer coordenadas en Chile. Tras su recordado show de 1996 junto a Jimmy Page, en el Estadio Sausalito, el ex cantante de Led Zeppelin se presentará este miércoles 7 en el Movistar Arena con un espectáculo que ya reporta fechas en Brasil y Argentina, donde las críticas no han disimulado el entusiasmo. “Puede que su voz ya no sea exactamente la misma y que el repertorio prescinda de algunos éxitos, pero Plant se las ingenia para entregar un recital redondo”, dijo el periódico brasileño O Globo sobre un show que dura 90 minutos y que presenta 15 temas, ocho de ellos de sus días en Led Zeppelin (Friends es el primero, para luego seguir con Black dog y Four sticks). “Esas canciones poseen una magia que supera al tiempo”, dijo la prensa argentina de la performance secundada por la banda The Sensational Space Shifters.
En Chile ya ha vendido cerca de 6 mil entradas y por estos días se gestiona una reunión con Los Jaivas -teloneros del concierto-, pedida por el propio vocalista. La cita sería al finalizar el espectáculo. “Nos parece bonito, un gesto fraternal entre músicos”, asume Claudio Parra. Como extra, la cinta Celebration Day, que recoge el show de reunión de Led Zeppelin en 2007 (ver columna), se estrenará el próximo jueves 8 en los cines locales.
Ofrecerá un recital en Movistar Arena el miércoles y ya hay gestiones para una cita con sus teloneros.
por Claudio Vergara
La hoja de ruta de Robert Plant vuelve a establecer coordenadas en Chile. Tras su recordado show de 1996 junto a Jimmy Page, en el Estadio Sausalito, el ex cantante de Led Zeppelin se presentará este miércoles 7 en el Movistar Arena con un espectáculo que ya reporta fechas en Brasil y Argentina, donde las críticas no han disimulado el entusiasmo. “Puede que su voz ya no sea exactamente la misma y que el repertorio prescinda de algunos éxitos, pero Plant se las ingenia para entregar un recital redondo”, dijo el periódico brasileño O Globo sobre un show que dura 90 minutos y que presenta 15 temas, ocho de ellos de sus días en Led Zeppelin (Friends es el primero, para luego seguir con Black dog y Four sticks). “Esas canciones poseen una magia que supera al tiempo”, dijo la prensa argentina de la performance secundada por la banda The Sensational Space Shifters.
En Chile ya ha vendido cerca de 6 mil entradas y por estos días se gestiona una reunión con Los Jaivas -teloneros del concierto-, pedida por el propio vocalista. La cita sería al finalizar el espectáculo. “Nos parece bonito, un gesto fraternal entre músicos”, asume Claudio Parra. Como extra, la cinta Celebration Day, que recoge el show de reunión de Led Zeppelin en 2007 (ver columna), se estrenará el próximo jueves 8 en los cines locales.
Zé Perdigão: La celebrada voz actual del fado debuta en Chile
El Mercurio
El cantante portugués visita por primera vez Sudamérica para exponer el canto popular portugués que en 2011 fue declarado patrimonio inmaterial por Unesco.
Diego Rammsy S.
"El fado es una música nostálgica; para nosotros es el amor ausente pero que está siempre en el alma. El fado canta una tristeza que para nosotros no es tristeza, para nosotros es alegre, es alma y nostalgia", explica el cantante portugués Zé Perdigão sobre la música que trae por primera vez a Latinoamérica.
Se trata del canto urbano, de la música tradicional portuguesa que fue declarada el año pasado por la Unesco como patrimonio inmaterial de la humanidad. Aquella que nació al alero de la vida cotidiana, que como el tango, el flamenco o nuestra cueca, sabe de penas y alegrías, expresadas a través de la poesía y el canto. "Es una música de calle, de origen tradicional urbano, de ciudad, de puerto, de comercio", agrega el pianista André Varandas, quien acompaña al cantante en esta primera gira que además de Santiago y Valparaíso, los llevará a las ciudades de Córdoba, Montevideo, Mar del Plata y Buenos Aires.
Zé Perdigão se ha situado como una de las más destacadas voces contemporáneas del fado desde que fue descubierto por el productor luso José Cid. En 2008 lanzó su disco "Os fados do rock" ("Los fados del rock"), donde gracias a la innovación de llevar al fado canciones del rock local se ganó a un público que ha ido creciendo tenazmente.
Uno de los instrumentos más característicos del fado es la guitarra portuguesa, que en esta gira es responsabilidad de un músico chileno llamado Jorge Prado. Este sábado se presentan en el GAM, a las 21:00 horas, pero además compartirán escena con el músico Max Berrú en Santiago y Valparaíso (14 y 15 de noviembre) y el 21 de noviembre ofrecerán una gala junto a una orquesta de cuerdas en la Escuela Moderna de Música. "Cuanto más pequeño el lugar, más acontece el fado; cuanto más próximo, mejor. No permite grandes audiencias, es para la intimidad", agrega el cantante sobre los conciertos que ofrecerán. La gira culminará en el primer Festival Porteño de Tango y Fado que se realizará en Buenos Aires el próximo 5 de diciembre.
Conciertos
Este sábado 3 de noviembre, Zé Perdigão se presenta en el GAM, a las 21:00 horas. También ofrecerá conciertos el 9 en el Centro Cultural de Las Condes, el 14 en el Teatro Ladrón de Bicicletas, el 15 en Valparaíso y el 21 en la Escuela Moderna de Música.
El cantante portugués visita por primera vez Sudamérica para exponer el canto popular portugués que en 2011 fue declarado patrimonio inmaterial por Unesco.
Diego Rammsy S.
"El fado es una música nostálgica; para nosotros es el amor ausente pero que está siempre en el alma. El fado canta una tristeza que para nosotros no es tristeza, para nosotros es alegre, es alma y nostalgia", explica el cantante portugués Zé Perdigão sobre la música que trae por primera vez a Latinoamérica.
Se trata del canto urbano, de la música tradicional portuguesa que fue declarada el año pasado por la Unesco como patrimonio inmaterial de la humanidad. Aquella que nació al alero de la vida cotidiana, que como el tango, el flamenco o nuestra cueca, sabe de penas y alegrías, expresadas a través de la poesía y el canto. "Es una música de calle, de origen tradicional urbano, de ciudad, de puerto, de comercio", agrega el pianista André Varandas, quien acompaña al cantante en esta primera gira que además de Santiago y Valparaíso, los llevará a las ciudades de Córdoba, Montevideo, Mar del Plata y Buenos Aires.
Zé Perdigão se ha situado como una de las más destacadas voces contemporáneas del fado desde que fue descubierto por el productor luso José Cid. En 2008 lanzó su disco "Os fados do rock" ("Los fados del rock"), donde gracias a la innovación de llevar al fado canciones del rock local se ganó a un público que ha ido creciendo tenazmente.
Uno de los instrumentos más característicos del fado es la guitarra portuguesa, que en esta gira es responsabilidad de un músico chileno llamado Jorge Prado. Este sábado se presentan en el GAM, a las 21:00 horas, pero además compartirán escena con el músico Max Berrú en Santiago y Valparaíso (14 y 15 de noviembre) y el 21 de noviembre ofrecerán una gala junto a una orquesta de cuerdas en la Escuela Moderna de Música. "Cuanto más pequeño el lugar, más acontece el fado; cuanto más próximo, mejor. No permite grandes audiencias, es para la intimidad", agrega el cantante sobre los conciertos que ofrecerán. La gira culminará en el primer Festival Porteño de Tango y Fado que se realizará en Buenos Aires el próximo 5 de diciembre.
Conciertos
Este sábado 3 de noviembre, Zé Perdigão se presenta en el GAM, a las 21:00 horas. También ofrecerá conciertos el 9 en el Centro Cultural de Las Condes, el 14 en el Teatro Ladrón de Bicicletas, el 15 en Valparaíso y el 21 en la Escuela Moderna de Música.
jueves, noviembre 01, 2012
Muere María Ester Grebe Vicuña, fundamental investigadora de las culturas de pueblos originarios
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| María Ester Grebe durante un viaje al altiplano, acompañada por cultores como Rodomiro Huanca, Roberto Vega, José Zorrilla y Orlando Godoy. |
Nacida en 1928, la musicóloga y antropóloga chilena dejó un cuantioso trabajo, parte del cual fue reeditado este año en la colección de discos "Aymara".
Por David Ponce
SANTIAGO.- Pocos meses después de que parte de su trabajo quedara registrado en la reciente recopilación Aymara, disco doble que recoge grabaciones en terreno realizadas en los años '70 y '80, murió hoy la antropóloga y musicóloga chilena María Ester Grebe Vicuña, unas de las fundamentales investigadoras de las culturas de pueblos originarios de nuestro país.
La noticia fue dada a conocer en la tarde de hoy por la hija de la investigadora, Ana María Marconi Grebe, según confirmó el antropólogo Mauricio Pineda, uno de los integrantes del colectivo Etnomedia que tuvo a su cargo la edición del mencionado disco. "Tenía una avanzada edad y su estado de salud estaba bien deteriorado", explicó Pineda acerca de la maestra, quien había mantenido vigente su trabajo académico hasta fines de la década pasada.
Como está consignado en el reciente libro "Andinos", subtitulado "Fotografías siglos XIX y XX. Visualidades e imaginarios del desierto y el altiplano" y publicado en junio de este año, María Ester Grebe nació en Arica en 1928. En 1965 obtuvo la licenciatura en musicología de la Universidad de Chile, cursó estudios de etnomusicología en la Universidad de California en 1967 y en los años '70 ingresó a la Facultad de Ciencias Sociales de la Universidad de Chile, para culminar en los '80 un doctorado en musicología en la Queen's University en Belfast, Irlanda.
Entre 1974 y 1976 realizó un proyecto de investigación etnográfica en la comunidad de Isluga, región de Tarapacá, que fue parte del cuantioso trabajo en terreno cumplido además en localidades como Matilla, Chiapa, Pisiga Choque y Enquelga en la misma región. Son los mencionados registros que este año fueron por primera vez publicados en los discos Aymara (1976-1977) - Región de Tarapacá y Aymara (1976-1983) - Región de Arica y Parinacota, editados por Etnomedia en conjunto con la Universidad de Chile y el Fondo para el Fomento de la Música Nacional.
-Una de las cosas que hay que destacar de ella es su increíble trabajos en terreno -dice Mauricio Pineda-. Recorrió todo Chile registrando festivales, festividades religiosas, música y entrevistas. Hace poco tuve la ocasión de revisar parte de su tesis de doctorado y nunca había visto algo tan complejo ni tan completo, porque además de las partituras musicales incluía modelos de la cosmovisión de esos pueblos y de cómo esta cosmovisión afectaba los aspectos sociales y organizativos de su música.
María Ester Grebe jubiló en 2008 del Departamento de Antropología de la Universidad de Chile, y vivió sus últimos años en un hospital capitalino, ya enfrentada al deterioro en su estado de salud, explica Pineda. "Es la causa por la que nunca pudimos concertar una entrevista con ella. Pero hasta pocos años antes fue profesora del Departamento de Antropología, donde daba las cátedras de culturas andinas y antropología simbólica".
No termina allí el trabajo que Etnomedia se ha propuesto realizar a partir de los archivos de María Ester Grebe. El colectivo postuló este año tres proyectos a los fondos culturales estatales para continuar el proceso de restauración y restitución de los registros sonoros y discográficos y de las libretas de notas de la investigadora, esta vez referidos a su trabajo con las comunidades kaweskar en Magallanes, con los cantores y bailes de chinos de la zona central, y sus registros más tardíos realizador en Antofagasta entre 1988 y 1989.
-María Ester Grebe es una de las etnomusicólogas más destacadas del continente, aunque acá no se le haya dado el reconocimiento que le correspondía -concluye Mauricio Pineda-. En mi opinión está entre las tres grandes: Violeta Parra como cultora, Margot Loyola como folclorista y María Ester Grebe como etnomusicóloga. Lamentablemente es la menos conocida.
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