miércoles, octubre 12, 2011

Los Jaivas en partitura: un registro que faltaba



El Mercurio

Seis estudiantes de la Escuela Moderna avanzan en el proyecto de llevar al pentagrama el vasto repertorio del grupo nacido en 1963. Pero no son los únicos.

IÑIGO DÍAZ

"Nos hemos encontrado con muchos jóvenes interesados en interpretar la música de Los Jaivas exactamente igual a como la escuchan en los discos. Nos han llamado para pedirnos las partituras y nosotros, con un poco de vergüenza, les hemos tenido que decir que no existen. No las tenemos porque nunca las escribimos. Pero ese tiempo de hacerlo ya llegó", dice el pianista Claudio Parra.

Parra es el único del quinteto original que tuvo entrenamiento docto: entre 1965 y 1973 estudió piano clásico en el Conservatorio de la Universidad de Chile y su maestra fue Cristina Herrera. Ese aprendizaje le permitió anotar en manuscritos informales algunas de las primeras piezas del grupo, como el famoso malambo mutante "Corre que te pillo" (1973). "Originalmente era música para Los Jaivas y conjunto sinfónico. Yo escribí las particellas y tiempo después adaptamos la obra sólo para la banda. Siempre trabajamos con cinta. Así dejábamos grabadas las primeras ideas de las canciones", cuenta Parra.

Ante esa carencia de registro en papel, seis estudiantes de la Escuela Moderna de Música se lanzaron en un proyecto de rescate patrimonial. Convencieron a Eduardo Parra e iniciaron la transcripción de esa obra iniciada en 1971 con el álbum "El volantín".

"Es uno de los discos que ya tenemos transcritos. El otro es 'Mamalluca' (1999), que fue escrito para el grupo y orquesta sinfónica. Las partituras de la orquesta estaban hechas, pero las de la banda, no. Las hicimos nosotros", dice Cristián Jiménez, integrante del grupo de alumnos de guitarra, batería y composición, que integran además Gabriel Faúndez, Daniel Gómez, Fabián Monares, María de los Ángeles Ibarra y Andrés Varas.

El proyecto tiene como objetivo editar un libro de partituras por cada disco de Los Jaivas, que suman quince, incluida la música del concierto grabado en París "En el bar restaurant Lo que Nunca se Supo" (2000). Para 2012 estiman la publicación de cuatro volúmenes, y el resto en 2013, cuando se cumple el cincuentenario de este grupo nacido en Viña del Mar como una orquesta de kermesses llamada High Bass (fonéticamente, "Jaivas").

"Trabajamos primero la base rítmica entre bajo y batería, y luego el resto de los instrumentos, las guitarras, el piano, los teclados, los aerófonos (andinos o mapuches) y las voces. Como en el rock, las intenciones nacen de la experiencia del ensayo, no podemos anotar todo a la manera europea. Por eso en algunos pasajes tenemos que indicar cosas como 'corchea huaynera', para apuntar que se trata de un ritmo de huayno nortino", dice Jiménez.

En tanto, la tesista de la carrera de Música de la Universidad de Valparaíso Shantal Andrada ultima detalles de su trabajo de transcripción completa de la fundamental "Alturas de Macchu Picchu" (1981), que inició en 2010. "Claudio Parra quiere que sean las partituras oficiales de la obra", cuenta la estudiante, mientras en Santiago, el baterista Juan Pablo Bosco, un erudito en el estilo de Gabriel Parra, también se ha dedicado a la transcripción de las secciones de percusión de Los Jaivas.

martes, octubre 11, 2011

Ana Tijoux hará prelanzamiento de su nuevo disco el 21 de octubre

La rapera, quien adelanta cómo será su participación en el concierto de Jorge Drexler este miércoles, hará un show en Amanda previo al lanzamiento oficial de La Bala, el 24 de noviembre.

La Tercera

Al menos una hora y media va a durar el show de prelanzamiento de La Bala, el tercer trabajo de Ana Tijoux, en Amanda este 21 de octubre. La rapera cuenta: "Vamos a dar unas pinceladas del nuevo disco y, claramente, sumando los discos anteriores, mostrando estos temas nuevos".

Con ella van a estar sobre el escenario Andrés Célis en teclados, Abraham Youssef en batería y DJ Dacel en tornamesas. "Voy a llamar a parte de la gente que tocó los violines y los bronces. El disco tiene 11 temas, pero no me atrevo a decir cuántos voy a tocar, pero serán unos tres o cuatro, entre ellos Shock", cuenta sobre el primer single que ya suena en radios y ha llamado la atención por su video grabado en un liceo en toma.

"El video ha generado polémica y era de esperarse. Han habido muchísimos comentarios buenos y ha sido súper bonito: me han escrito hartos apoderados de la gente que dio su testimonio en el video, también nos hemos llamado con los cabros que participaron". Tijoux explica que lo que más le importaba era que los chicos que dieron su testimonio se reconocieran en el video. "A mí cuando me hacen un video, por más que te veas bien, (piensas) esa no soy yo", dice y cuenta que los elogios no sólo le han llegado a ella. "Mis padres son profesores universitarios y han recibido, a su vez, muchos comentarios de colegas de universidades de Brasil, Córdoba y gente de Chile y eso va más allá del rap. Me tiene bien contenta".

Sobre los comentarios negativos, asegura: "No es nada que no me esperara. El tema se ha politizado y provoca lo mismo que ocurre en el país, o estás a favor de las marchas estudiantiles y las tomas o estás en desacuerdo". Pero las críticas no van a cambiar su idea de hacer un microdocumental, sin fecha de lanzamiento, que recopile todos los testimonios.

Dentro de sus planes más inmediatos está participar en el concierto de Jorge Drexler este miércoles en el Teatro Caupolicán, donde van a interpretar Sacar la voz, el dueto que hacen en La Bala. "La verdad, me encantaría convencerlo de tocar Shock en vivo, pero no depende de mí. ¡Es que es su concierto!", dice Tijoux, quien adelanta que el lanzamiento oficial del disco será el 24 de noviembre en el Club Chocolate (la ex-Rockola). "Va a tener invitados sorpresa y estará mucho más enfocado en el disco, la idea es tocarlo entero", dice.

El Festival Ai-Maako se inicia el viernes: La música electroacústica gana nuevos territorios





El Mercurio

Por primera vez en el GAM , y con nuevos conciertos en el Teatro Lord Cochrane de Valdivia, parte la undécima versión del principal encuentro en su género de América Latina.

IÑIGO DÍAZ
Fueron conciertos sin mayor pretensión que la sola audición de obras, los que llevaron a Ai-Maako a la Sala SCD Bellavista durante sus tres primeros años. Ahora, en su undécima edición, el festival se ha consolidado como la mayor cita de la electroacústica en Latinoamérica.

"Hace rato que tenemos esa categoría. De los festivales que se realizan en Argentina, México y la bienal de Brasil, ninguno tiene las dimensiones, la cantidad de conciertos e invitados extranjeros, ni se realizan en dos ciudades como Ai-Maako", dice el compositor Federico Schumacher, uno de los organizadores.

El festival, que tendrá catorce conciertos gratuitos con un sistema de sonido de 21 parlantes, junto a charlas y talleres, se realizará en Santiago entre el 14 y el 18 de octubre, y seguirá del 20 al 22 en el Teatro Lord Cochrane de Valdivia. En esta edición, Ai-Maako llegará al GAM, "un espacio acondicionado y muy central, que nos permite recibir a 250 personas. Queremos que el festival se pueda radicar en un solo lugar", dice Schumacher. Porque la itinerancia forzada del festival ha sido larga. Después de ese inicio en la Sala SCD, entre 2004 y 2008 se estableció en el Centro Cultural de España, donde logró un público fiel, ya instruido en la audición de música acusmática.

"En 2009 lo hicimos en Matucana 100, con el estreno de la 'Noche blanca', ese concierto que dura toda la noche, y el año pasado fue en la Sala Telefónica", recuerda la compositora Cecilia García-Gracia, representante chilena del concierto "de confrontación" titulado "Mano a mano", que este año la ubicará ante el chileno radicado en Brasil Bryan Holmes.

Otras instancias especiales son "Electroacústica global", que reúne obras de distintos países, y "Carta blanca", donde un compositor extranjero presenta música propia o de otro autor para "espacializar" la música a través de los 21 parlantes ubicados en la sala.

"Hay mucho material no escuchado. Prácticamente todas las obras chilenas son estrenos y en esta edición no se escucharán a los próceres de la electroacústica chilena. La obra más antigua es de 1994, mientras que la mayoría son de 2010 y 2011, lo que permitirá tener un panorama de la creación actual", finaliza Schumacher.

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"A Raúl Ruiz no le daban ni la hora"

El Mercurio

Jorge Arriagada, quien compuso la música para 46 filmes del célebre cineasta, desclasifica ciertos recuerdos y adelanta cómo es la obra suya que estrenarán la Orquesta de Cámara y Juan Pablo Izquierdo.

Romina de la Sotta Donoso

Jorge Arriagada (1943) es el compositor chileno de música para el cine más reconocido a nivel internacional. Autor de unas 140 partituras fílmicas, trabajó 35 años con Raúl Ruiz, quien murió en agosto. "Además de amigos, éramos partners ; hicimos 46 películas juntos. Es toda una vida en la que intercambiamos muchas ideas", comenta.

Arriagada fue alumno de Max Deutsch, discípulo de Arnold Schoenberg, lo que resultó esencial para su trabajo: "Bernard Herrmann, Alfred Newman y Max Steinner, todos los grandes compositores de Hollywood, eran discípulos de Schoenberg. De ahí les viene el uso del leitmoti v wagneriano y mahleriano".
Un encuentro con Ruiz cambiaría su vida. "Me instalé en Francia en 1966, y viví de la música contemporánea hasta 1977. Pero ese año hice mi primera partitura para el cine, con Raúl Ruiz: 'Coloquio de perros'", recuerda, y agrega: "Le interesé a Raúl por ser un músico contemporáneo, lo cual me permitía jugar con la abstracción y lo figurativo. A Raúl le gustaban mucho los compositores chilenos, especialmente Alfonso Leng y Acario Cotapos".

Con la música para el cine, dice, "aprendí a ser muy explícito, porque jamás puedes componer para más de un minuto. Todas las técnicas que aprendí, la música concreta, el dodecafonismo y la electroacústica, se condensaron en una estética particular de ideas musicales claras. Por eso me pagan por componer".

"Incluso lo insultaron "
Esta semana se estrenará en Santiago "Insostenibles vigilias", de Arriagada. "Son tres piezas sinfónicas que escribí para Juan Pablo Izquierdo y la Orquesta de Cámara de Chile. Tiene elementos repetitivos, abstractos y tonales, e incluso una pequeña parte serial", adelanta.

En 1994, la Sinfónica de Chile interpretó su partitura para "It's all true", el documental sobre un filme inacabado de Orson Welles. "Aparte de eso, nunca he sido tocado en Chile. ¿No ve que en este país hay que morirse para que a uno le den bola ? Es lo que le sucedió a Raúl. Me da una rabia espantosa que ahora que está muerto le echan florcitas al ataúd. Creen que por haberle hecho un entierro con espectáculo el problema se solucionó. Y no es así".

-Al menos TVN transmitió sus series "La Recta provincia" y "Litoral". Claro que en trasnoche.
"Yo lo acompañé a TVN... Lo acompañé a varios lados para tratar de vender sus películas, para intentar hacer algo en Chile. Y no le daban ni la hora. No se imagina las respuestas que le daban; incluso lo insultaron... Es lo que me da más pena. La única película suya que tuvo financiamiento chileno es la última, 'La noche de enfrente', que debería estar lista en febrero. Tiene un charme como el de 'Días de campo', pero surrealista, y está inspirada en los cuentos de Hernán del Solar. Raúl siempre se interesó en escritores que han sido dejados a un lado".

-¿Piensa retomar la ópera "Las tres coronas del marinero"?
"Por supuesto. Conversamos tantos años con Raúl sobre esto, que ya lo teníamos todo prácticamente resuelto. La voy a hacer, claro que en Chile seguramente no, no creo que llegue una minera a hacerme una proposición (ríe). Hay que hacerla afuera, y después traerla".

domingo, octubre 09, 2011

Música pop y sinfónica se unen en gran tributo a Violeta Parra



La Tercera

130 músicos tendráVioleta en concierto, homenaje organizado por Fitam y Minera Escondida.

por Estefanía Etcheverría

Si una mañana las onomatopeyas encarnaran en personas, lo más probable es que el "ayayay" se vería igual que Violeta Parra. El lamento suena a su voz, aunque hoy los motivos para quejarse seguro serían menos. A los proyectos asociados a su figura, pasados y por venir, ahora se suma el que espera ser el homenaje en vivo más grande que alguna vez se le haya hecho. Se trata de tres conciertos gratuitos de corte sinfónico y popular que se realizarán en Santiago, Iquique y Antofagasta durante noviembre.

"Como familia siempre habíamos esperado este momento, el momento en que la Violeta alcanzara este nivel de figuración real, merecido y adeudado", dice su nieta Javiera Parra. La cantante integra con su grupo, Los Imposibles, la nómina de artistas que dará vida a Violeta en concierto. Además, estará Inti Illimani Histórico, Claudia Acuña, Alvaro Henríquez, Francisca Valenzuela, Anita Tijoux, el argentino Pedro Aznar y la Orquesta Sinfónica de la Universidad de Chile, con la conducción del italiano Massimiliano Stefanelli, director de la Orquesta del Teatro San Carlo di Napoli.

Idénticos entre sí, cada concierto durará dos horas y tendrá a 130 músicos en escena. En total esperan reunir entre 10 mil y 15 mil personas, sin contar a los auditores y telespectadores que sume por radio y televisión.

De origen volcánico, pero distante, la idea surgió curiosamente en medio de Pompeya. Fue en julio del 2010. En las ruinas de la ciudad se conmemoró el Bicentenario durante dos días y ante 2.500 personas con el concierto Hecho en Chile, dedicado a Víctor Jara y Violeta Parra. La organización a cargo de Fitam decidió entonces que había que traer el evento a Chile. Y lo harán, en parte con artistas que estuvieron en Italia: Acuña, Valenzuela, Inti Illimani Histórico y Stefanelli. La diferencia es que ahora no se presentará el homenaje al autor de Te recuerdo Amanda. ¿El motivo? Contribuir a la iniciativa de Minera Escondida, operada por BHP Billiton, el clásico socio de Fitam, que decidió hacer del 2011 el año de Violeta Parra. Así, este trío de conciertos siguen la línea de las otras iniciativas de la minera: la película Violeta se fue a los cielos, la reinauguración de la muestra permanente con sus arpilleras y óleos en el Centro Cultural La Moneda y la reedición del libro Violeta Parra: obra visual.

Pero hay más. Mientras que el proyecto del museo dedicado a ella sigue avanzando, se afinan los últimos detalles del disco tributo de Javiera y Los Imposibles. En noviembre se lanzarán las 12 canciones que componen El árbol de la vida, varias de las cuales se podrán escuchar en Violeta en concierto. El disco será la primera parte de un homenaje que promete bis, porque Javiera Parra al menos quiere reversionar una veintena de temas. Todo con el objetivo de que a través de su interpretación Violeta Parra suene nuevamente en la radio y sea conocida por más personas, contribuyendo así a que el interés actual "sea algo que se instale y no se quede en una conmemoración, porque eso sería algo muy pequeño para su importancia". Ella, como muchos, espera que este regreso de Violeta sea para quedarse.

Itinerario del homenaje
El debut de Violeta en concierto será en la Plaza de Armas de Santiago el 16 de noviembre. Dos días después llegará al Hemiciclo Frontis del Teatro Municipal de Iquique y al día siguiente se presentará en las Ruinas de Huanchaca, en Antofagasta. Todos los eventos contarán con los mismos 130 músicos en escena, comenzarán a las 20.00 horas, durarán 120 minutos y serán gratuitos. Además, se transmitirá por radio y televisión.

Los chilenos siguen pagando los precios más altos por ver a sus artistas favoritos en vivo

A los fanáticos chilenos, el valor de una entrada parece no mermar sus presupuestos. Simplemente lo pagan.


Emol

Las entradas pueden llegar a costar hasta un 100 por ciento más caras que en otras partes del mundo. Revelamos aquí distintos puntos de vista sobre un fenómeno que ya está instalado.

SANTIAGO.- En la última década, Chile ha sido el destino de decenas de artistas que se han presentado ante nuestro público. El gran interés de los fanáticos ha llevado a que bandas de gran renombre mundial lleguen a mostrar sus espectáculos, convirtiendo a Chile en el cuarto mayor mercado de conciertos masivos, incluso antes que Brasil, México y Argentina.

Mucho se ha cuestionado el valor de las entradas para los conciertos en nuestro país. Las diferencias entre recitales realizados en otros países en comparación con los que se han exhibido en Chile se han dejado notar, pero los expertos señalan que los contrastes son mínimos y que se deben a que Chile es considerado un escenario terminal para las giras mundiales.

Según Rodrigo Martínez, media manager de DG Medios, una de las productoras más grandes del país, las diferencias en el precio de las entradas en Chile con respecto a otros países del circuito, radican específicamente en la cantidad de público a quien está dirigido un show y el espacio que puedan abarcar los recintos que los albergan.

"En Chile no tenemos un lugar para una cantidad muy grande de personas. Está el Teatro Caupolicán, con capacidad para cinco mil, y de ahí saltamos a las 10 miz que tiene Arena Movistar. El más grande es el Estadio Nacional, con una capacidad de 50 mil personas. Si tuviéramos lugares más grandes, podríamos hacer conciertos más baratos, ya que todo radica en el costo de producción, además de lo que cobra el artista", indicó Martínez.

Beatle Paul cobra caro

Casos específicos se han dado a conocer en el último tiempo. Uno memorable y más recordado fueron los precios del concierto de Paul McCarney, ex integrante de los Beatles, quien llegó a cobrar más de un millón de pesos por un paquete especial y alrededor de 500 mil pesos por la entrada más cara en su último concierto, realizado en mayo de este año. La adhesión no tan solo significó uno de los valores más caros pagados por los chilenos, sino que también representó la entrada más costosa en la historia de los shows ofrecidos por McCartney.

Ese mismo tour tuvo distintos precios según las ciudades donde se presentó: en Perú, McCartney cobró alrededor de 330 mil pesos, y en México pagaron 150 mil, cifra similar pagada por los argentinos tiempo después. En Europa el escenario no es muy distinto: las entradas tienen un valor cercano a los 100 mil pesos.

Según el ingeniero comercial, Alonso Lucero, las personas valoran que sus grupos favoritos vengan al país, sobre todo cuando son bandas de larga trayectoria, las que probablemente no volverán a presentarse en Chile. El profesional también asegura que el precio de los boletos depende netamente de la demanda, con la lógica de que mientras más personas quieran ir, más caro sale el show.

"Puedes cobrar lo que quieras"

"Los precios no se abaratarían con lugares más grandes, si puedes cobrar 10 mil pesos por 50 mil personas en el Estadio Nacional, puedes cobrar lo mismo en un lugar donde entre el doble de personas, por lo que no hay un incentivo en bajar los precios si tienes la seguridad de que puedes llenar de la misma manera el lugar", agrega.

Además, Lucero señala que "la calidad de los conciertos es más alta que los de antes. La gente ya no solo va a escuchar a su grupo favorito, sino que va a disfrutar de un show completo". El profesional destaca que las personas tienen una mayor disponibilidad a pagar, pese al precio, ya que le dan una importancia más alta al concierto, tanto en calidad como en la entrega.

Para Jean Paul Goffard, psicólogo de la Universidad del Desarrollo, la impulsividad dictamina la asistencia a un recital, y asegura que el consumidor piensa "para qué esperar más, si ya se esperó lo suficiente". Según Goffard, ir a un recital marca un status y los chilenos "gastamos más de lo que tenemos, para aparentar una situación distinta. Nuestro país es el único del mundo donde existieron los celulares de palo, por ejemplo".

Según el profesional, los chilenos vamos a los conciertos "porque podemos, queremos y tenemos la fantasía de que con ello demostramos poder adquisitivo, control en nuestras vidas, satisfacción de nuestras necesidades y un vivir en el presente insuperable", agrega.

Para los fanáticos, el precio es irrelevante. Según Macarena Núñez, estudiante, su pasión son los shows musicales. "Me encanta ir a recitales. Escucho música casi el 60 por ciento del día o más, por lo que obviamente soy pirata y una forma de aportar por toda la música que bajo o escucho es pagar por los conciertos", señala.

En nuestro país, no existen subsidios que abaraten los costos por concepto de entradas a recitales, según plantea José Andrés Alvarado, representante del Consejo Nacional de la Cultura y las Artes, pero señala que lo que sí existen son exenciones tributarias que se aplican en casos específicos a los productores de conciertos, pero su objetivo final no es la disminución del precio de las entradas.

5 razones musicales para tomar en serio a Ringo Starr

 


Visita a Chile Una mirada más allá del cuarteto de Liverpool

El Mercurio

Sin la espectacularidad de McCartney, pero acompañado de una banda imbatible. Más allá de Los Beatles, ¿qué secretos esconde su discografía? Acá recomendamos los mejores momentos del baterista favorito de todos.

J. C. Ramírez Figueroa

El Beatle excepcional

Richard Starkey, universalmente conocido como Ringo Starr, siempre ha sido la "excepción" en los Beatles. Mientras John, Paul y George aprendían a dominar sus instrumentos en sus encendidas giras a Alemania a principios de los sesenta, él ya era un experimentado baterista en otra banda de Liverpool llamada Rory Storm and the Hurricanes. Hasta tenía su famoso sobrenombre, debido a su extraña costumbre de usar muchos anillos ( rings en inglés). También era el más bajo y tenía más años que el resto. Esto, sumado a su particular carisma, lo hizo, literalmente, robarse la película en "A hard day's night" (1964) y "Help!" (1965). Cintas donde terminaba siendo el protagonista. No por nada, para los estadounidenses, era el Beatle más popular.

Hasta su voz era extraña. Pero también irresistible para un grupo como los Beatles, donde los cantantes estaban tan presionados a cantar perfecto y en armonía. Posiblemente para distender los discos, invitaban a Ringo a tomar el micrófono. Partió con covers de rock and roll y canciones de sonido country . A veces, abriendo el lado "b" de los discos. Hasta que le hicieron cantar su primer número uno: "Yellow Submarine" (1966). ¿Qué otro Beatle podría encarnar el espíritu juguetón e infantil de la canción?

Pero más allá de eso, a Ringo le sobraban los méritos. Por un lado, fue el primer baterista de pop en convertirse en una estrella del instrumento desde Gene Krupa. Por otro lado, logró crear patrones de batería imbatibles como el de "Ticket to ride", "Tomorrow never knows" o "Come together". Y finalmente su famoso estilo preciso y económico.

Como persona, hasta podríamos decir que Ringo disfrutó incluso más que Paul ser un Beatle. Hacía vida social, se dejaba tomar fotos y era capaz de reconocer muy serio en las entrevistas que con el dinero que ganaba planeaba construir una cadena de peluquerías para "señoras elegantes". Esa candidez -fingida u honesta, quién sabe- tras el quiebre de la banda lo haría brillar en películas, televisión y presentaciones en vivo, mucho más discretas y asequibles que las que brindaban sus ex compañeros. Y ellos, por cierto, nunca dejaron de llamarlo, incluso estando peleados entre ellos.

El cantante con swing


"Sentimental Journey" (1970) fue un disco tan mediático como todos los debuts solistas de los Beatles. La diferencia es que mientras Lennon elegía el ruidismo y la confesión brutal, McCartney el pop sofisticado y Harrison un rock autoral, Ringo eligió la música antigua. El disco, producido por George Martin y editado por Apple, el mismo sello de su ex banda, estaba compuesto por baladas, temas ligeros y clásicos de los años veinte o treinta.

Piezas como "Night and day" (Cole Porter) son puro swing , con arreglos "de época", secciones de vientos y explosivos solos de saxofón. "Bye bye blackbird" es un estándar que comienza con un ukelele y termina con una big band . También hay versiones soul como en "Have I told you lately that I love you", muy en la línea de los hits de la Motown o Stax. Pero el núcleo del disco son las baladas ("Dream", "Let the rest of the world go by") y cierto ambiente de club nocturno. Canciones que, él mismo ha dicho, sus padres bailaban y que marcarían la línea que seguiría su obra donde destaca el incomprendido "Bad boy" (1978) o los mejores criticados "Time takes time" (1992) o "Vertical man" (1998).

El viejo que sabe roquear


"Ringorama" (2003) quizá es el mejor disco de Ringo. Su sonido, potente y ruidoso, es más que sorprendente. "Eye to eye" suena casi a ajuste de cuentas con todos los que lo habían ninguneado como el "Beatle menor". Un riff asesino para un Ringo en plena forma. El resto del disco se debate entre el rock de carretera como "Menphis in you" o "Trippinon my own tears", baladas sesenteras ("Missouri love", "Elizabeth Reigns"), el mismo folk que los Beatles hacían en el "Álbum blanco" ("Imagine me there", "Love first, ask questions laters") y momentos de originalidad Ringo: "English garden" (con recitado incluido). Quizá es muy necesario revisar también los álbumes de los primeros setenta como "Goodnight Vienna" (1974) o "Beaucoups of blues" (1970)´, que son de la época inmediatamente posterior a la separación de su banda. Pero éste nos demuestra que en la actualidad, cuando Ringo asume la influencia Beatle, en lugar de refugiarse en la música de una época que su banda no pudo influir, puede lograr grandes cosas.

El sobreviviente de la invasión británica


Quizá es el respeto de los músicos de sesión. O cierto temor del productor a que el "ídolo" se moleste. Pero lo cierto es que los discos tardíos de las estrellas de la invasión británica (The Who, Rolling Stones, Ray Davies, McCartney) tienen una base sonora parecida: guitarras rock/blues, melodías duras, algún estribillo para llegar a la radio, letras confesionales. Ringo no escapa a eso en su álbum de estudio más reciente "Y not" (2010). Esta matriz sonora quizá se deba a que más allá de los artículos y reseñas entusiastas, será muy difícil que una canción pueda competir en descargas con Justin Bieber o Lady Gaga. Por eso mismo se puede dar el lujo de volver a esas melodías sesenteras dulces en "Peace dream", soltarse al ritmo del funk en "Time" o roquear con la muy joven cantante Joss Stone en "Who's you dady?"

El mejor de los amigos


Ringo tiene 71 años, pero se ve más joven. Quizá por esa tendencia a socializar y dejarse ver sin mayores problemas. A pesar de que algunos dicen que cuando apagan las cámaras su carácter es algo más sombrío. Lo cierto es que su grupo -la "All-Star Band"-, aunque cambie de integrantes, es el mejor soporte para que el músico emocione cantando y tocando la batería en vivo. En esta gira su banda está compuesta por Wally Palmar, guitarrista de los héroes del power pop The Romantics, y Edgar Winter (hermano del legendario Johnny), también en guitarras. En el bajo está Richard Page, de Mr. Mister (los mismos del Festival de Viña). Apoyando en la batería estará Gregg Bissonette, quien tocó con el virtuoso de la guitarra heav Joe Satriani. Y cierra el equipo Gary Wright, tecladista de Harry Nilson. Con ese tremendo grupo, el bueno de Ringo se paseará entre el micrófono y la batería para atacar con clásicos de los Beatles como "With a little help from my friends", "Yellow submarine" o "I wanna be your man". Pero también mostrará temas de su disco "Y not", como "The other side of Liverpool", una versión del clásico de Romantics "What I like about you", y un tema de Lennon: "Give peace a chance". Una fiesta.

 

Reprograman concierto de Illapu, Quilapayún e Inti Illimani en Talcahuano

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Debido a dificultades técnicas, el concierto de la gira “Juntos, Aquí Estamos” fijado para el domingo 9 de octubre en La Tortuga de Talcahuano, debió ser reprogramado para las 15:00 horas de este próximo domingo 16 de octubre, en el recinto ferial Sur Activo, ubicado en sector El Trébol.

La decisión, comunicada por los organizadores, debió ser tomada a fin de garantizar la calidad del espectáculo, que congregará a las tres agrupaciones más importantes del canto popular chileno, Illapu, Quilapayún e Inti-Illimani, quienes unirán sus historias, canciones y sentimientos en un espectáculo integrado sobre escenarios chilenos y de Argentina.

Los músicos lamentaron profundamente esta reprogramación, puesto que el encuentro con el público penquista era un momento muy esperado por las tres agrupaciones. Y aclaran que estas dificultades, que conllevan para ellos diversos costos asociados al cambio de itinerarios y de producción, lejos de ser algo que amilane sus ánimos, es un estímulo para que el concierto tenga aún más bríos y la espera mayores recompensas.

Nuevos puntos de venta
La venta de entradas para la nueva fecha, comienza este sábado 8 de octubre en las oficinas de la Productora SONO, ubicadas en calle Colo Colo 166-A, en la ciudad de Concepción.
El valor de las entradas es de $7.000 (general) y $15.000 (cancha VIP). En este último caso, existe 2×1 para estudiantes, presentando carnet universitario.

Entradas ya adquiridas


Para las personas que ya habían comprado sus entradas, podrán hacer ingreso al recinto ferial con el mismo ticket, pues éste será válido para la nueva fecha, y además serán relocalizados en una ubicación preferencial al interior del mismo, sin distinción del valor de entrada que hayan adquirido.
Quienes tengan dificultades para hacer uso de sus entradas en la nueva fecha, podrán reembolsar el importe cancelado por la entrada en las oficinas de Productora SONO.

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sábado, octubre 08, 2011

Ramuntcho Matta y el centenario de su padre: En el nombre de Matta

 

Revista Sábado

El hijo músico del pintor surrealista, el que pasó tres años postrado y tuvo que aprender a caminar de nuevo, el que compró un castillo cerca de París para hacer desde clases de Tai Chi a exposiciones de arte, revive la memoria del gran artista a 100 años de su nacimiento. Pero aquí no habla del genio. Habla de su padre.

Por Isabel Plant -Yo no soy experto en arte y no soy un experto en psicología o historia, pero tengo memoria.

El que habla es el hijo de un padre monstruosamente grande. Ramuntcho Matta (50) está al teléfono desde París, hablando con su acento francecísimo, salpicado de italiano y estrujando el castellano. Ramuntcho, el hijo músico, habla sobre cuál es el mensaje a transmitir como heredero de Roberto Matta, el gigante del surrealismo, para la celebración de los 100 años de su nacimiento.

Ramuntcho lo ha estado reviviendo este año de varias maneras. Primero lanzó el libro Cartas a Ramuntcho, donde rescata la correspondencia, incluyendo dibujos y el puño y letra del pintor, que le mandaba este padre lo suficientemente viejo para ser su abuelo y lo suficientemente famoso para no estar siempre ahí.

Vendrá a Chile, además, a dar una conferencia dentro del festival "Puerto de ideas", en Valparaíso, junto al amigo de su padre y propio, Eduardo Carrasco, donde revivirán la herencia de Matta. Y está el documental, Intimatta, al cual se le están dando los toques finales para ser exhibido en TVN. La cinta tiene filmaciones caseras que Ramuntcho hizo de su padre pintando, hablando, jugando con su nieta, paseando por el jardín de su casa en Tarquinia, Italia.

Ramuntcho Matta puede no ser experto en arte, ni psicólogo, ni historiador, pero es experto en ser hijo de Matta.

 
EL HIJO MÚSICO
Ramuntcho es el quinto de los seis hijos de Matta, nacidos de cinco matrimonios. Primero fue el matrimonio con Anne Clark, del cual nacieron los mellizos Gordon y Batam; el primero murió de cáncer en 1978 y el segundo se suicidó en 1976. Después nació Pablo Echaurren, hijo de la actriz Angela Faranda; y después vinieron Federica y Ramuntcho, hijos de Malitte Pope. La menor, Aliseé, es hija de la viuda y heredera de Matta, Germana Ferrari.

Ramuntcho era un niño que hablaba poco; su comunicación con el mundo comenzó con la música, cuando su tío Sergio Matta le regaló un órgano. Ramuntcho creció primero junto a Federica en el campo; pasó una temporada también solo con Matta, cuando su hermana se fue con su madre a París a estudiar. Cuando tenía nueve años sus padres se separaron; a los 14 lo mandaron a un internado y a los 15 partió en un colegio especial para hijos de artistas. Estaba presupuestado que pasara los veranos en la montaña junto a su padre, pero este muchas veces no llegaba, dejando al adolescente solo la mayor parte del tiempo, como recuerda en el libro Cartas a Ramuntcho.

-Al leer las cartas, pareciera que tu padre era muy amoroso contigo, pero no estaba presente.
-No sé si es importante estar físicamente juntos. Lo importante es ser honesto y no especular sobre lo que uno no es. Mi padre fue muy ausente, pero mucho más presente que la mayoría de los padres de mis amigos. Cuando hablábamos, lo hacíamos verdaderamente. Fue una mezcla de padre, tío y abuelo.

Eduardo Carrasco, quien solía visitar a Matta en su pequeño departamento de Saint Germain, en París, recuerda: "Lo que pasa es que Matta era muy especial como persona y estaba lleno de cosas, a nivel mundial. Llegaban periodistas, galeristas, mucha gente inventando proyectos, exposiciones, era una persona muy solicitada, y creo que eso hacía que su relación con sus hijos no fuera la normal. Aunque Matta intentaba lo más posible acercarse a sus hijos, y tenía un especial cariño por ellos, como yo pude constatar".

 
A los 17 años, cuando Ramuntcho llevaba un tiempo perfeccionándose en música -en el Conservatorio Rachmaninoff y luego en la Schola Cantorum de París-, comenzó su periplo de independencia, primero en Europa, luego en Nueva York.

-Esa época era un milagro poder viajar con la guitarra eléctrica -recuerda hoy-. En Nueva York podía tocar mi guitarra en un bar, ganar 100 dólares, y eso era la cuenta de mi habitación por un mes. Fue un gran éxito poder ser bienvenido en cada parte del mundo, una verdadera sensación de libertad.

Matta padre veía con aprobación la vocación de su hijo. Esta es una de sus cartas:

"Mi querido Mountcho.
Escucho tu música, tienes ideas formidables, pero te falta música y técnica y voz. Hay que trabajar mucho, pero mucho, tus poemas son muy bellos, ahí también hay mucho que limpiar.
Acláralos, ilumina todo, pero estoy muy orgulloso de tu talento, el que veo como un diamante enterrado.
Estás a caballo sobre un poeta auténtico".

-Puede ser que la relación con mi padre siempre fue buena - dice Ramuntcho- porque yo desde muy chico fui independiente, por la música.

- Usted hoy tiene cuatro hijos. ¿Qué patrones se sorprende repitiendo de su padre, y cuáles ha evitado?
-Yo creo que estamos siempre mejor que nuestros padres, porque queremos ser mejor. Los padres son difíciles, el mío ciertamente no fue ideal, pero fue intenso y necesario en mi educación. Yo no creo ser un padre perfecto, pero creo ser lo más honesto posible.

-¿La honestidad es algo que sí rescata de Matta como padre?
-Claro, porque la honestidad es algo bueno. Las cosas malas, la megalomanía, el egoísmo, eso no lo soy, porque mi prioridad es escuchar las señales que me mandan mis hijos.

En Nueva York Ramuntcho tuvo grandes maestros, como Don Cherry y John Cage. De vuelta en Francia, durante los años 80, se convirtió en un productor y músico de gran éxito, lo que significó, al mismo tiempo, ver menos a su familia.

-Esa es la historia del éxito: es una ilusión que te hace creer que cosas importantes llegan a tu vida. Yo tenía un éxito increíble porque hice un par de canciones a las que les fue muy bien, gané mucha plata, llené conciertos. Fue muy interesante, pero no sé si importante, porque por tres años estuve fuera y mi hijo creció sin mí. ¿El éxito de tocar frente a 200 mil personas, o de estar frente a tus hijos de dos años y verlo aprender música? Fue la vida, un periodo de experiencia, y después en los 90 comencé a transmitir lo aprendido.
Durante los años 90 Ramuntcho, quien amplió sus incursiones artísticas a la pintura y otras disciplinas, fue ganando terreno como productor musical; ha grabado más de veinte discos. Y también tomó en cuenta el legado de su padre: pescó una cámara y lo registró en sus últimos años de vida. Había que transmitir antes de que se fuera.

Aunque entremedio, Ramuntcho pensó que se iba él también.
 

LA MUERTE Y LA PARÁLISIS


Fue hace diez años cuando pasó. De repente, no se pudo mover más. Estaba paralizado, brazos, piernas, manos, por el síndrome Guillain Barré que atacó su espina dorsal. Los médicos le daban seis meses de vida.

-Por fortuna encontré un doctor chino que me dijo: mira, tu situación la conocemos bien, es cuando la vida no está en adecuación con su destino. Ahí me empezó a hacer masajes, acupuntura, plantas, hierbas. Y por seis meses pude sentir un poco mi mano. Fue un trabajo muy difícil, pero fascinante. Volví a caminar tres años después.

-¿Y por qué su vida no estaba en adecuación con su destino?
-Estaba en un momento de grandes dudas no exprimidas. Puede ser que trabajas mucho, tienes éxito, tienes plata, tienes todo lo que tú piensas que quieres, pero tu cuerpo puede ser como una antena, y decirte, mira, toma un poco de tiempo para ver la situación.

-¿Le pasó desde entonces que vive distinto?
-No, eso empezó cuando el primero de mis hermanos se suicidó, porque eso te da la sensación de que necesitamos intensidad. Te puedes ir de vacaciones, puedes hacer bromas, pero si tienes dudas debes hacérselas a tus amigos, en los encuentros. La intensidad no es necesariamente latera.

Lo que sí ha cambiado es que hoy Ramuntcho tiene un gran proyecto, asociado a la experiencia que vivió: Lizieres. Es un castillo que compró a las afueras de París, y que está transformando en una especie de centro de cultura, de sanación, de encuentro, desde clases de Tai Chi a exposiciones de arte, todo pensado en restaurar y recuperar cabezas.

-Cuando estaba paralizado tenía sólo mi cabeza, y durante todo ese tiempo de rehabilitación descubrí que no existe un lugar bueno para eso. ¿Si te divorcias, por ejemplo, dónde vas? ¿Te vas a beber whisky y piña colada? Este es un lugar para aceptar a la dificultad como una oportunidad de buscar una parte de ser nueva.

El gran trabajo de armar Lizieres se suma a sus varios proyectos hoy, que van desde la música, diseñar logos para empresas, pinturas, y claro, terminar Intimatta, la película sobre su padre.

Ramuntcho contaba con cerca de 50 horas de grabación, que ha tenido que resumir en una, con ayuda del productor Rodrigo Jorquiera, junto a quien ganó un fondo del CNTV para armar el proyecto. Jorquiera ve que el artista ha sabido sobrellevar bien el ser hijo de Matta y armar su propia vida. Y que la película, de alguna manera, es muestra de ello: "Esta película no sé si es la forma de cerrar un libro o abrirlo, pero sí es una graduación del padre".

La película es, de seguro, su manera de responder a la gran pregunta que le harán hasta el día que Ramuntcho muera.

-Si uno tiene la pregunta de "cómo fue tu papá" -resume Ramuntcho Matta-, ahora le puedo decir: mira el filme.


MATTA NO EXISTE
Sábado 5 de noviembre
Ramuntcho Matta - Artista visual
Eduardo Carrasco - Filósofo
Parque Cultural Valparaíso - 16:00
$1.500

Las apuestas de la Sinfónica para 2012

Serán 90 conciertos con la Sinfónica, la Camerata Vocal y el Coro Sinfónico de la U. de Chile. Algunos se realizarán en el Teatro Baquedano; otros, afuera. Aumentaron las funciones del Ballet Nacional Chileno. Estrenará obras de sus bailarines y actuará además en el Teatro Municipal de Las Condes y en Matucana 100.

Romina de la Sotta Donoso

Directores especialistas
"Entre agosto y septiembre de 2012 decidiremos quién será el nuevo director titular de la Sinfónica. Hemos recibido 20 propuestas", confiesa Ernesto Ottone, director del Centro de Extensión Artístico y Cultural (CEAC) de la U. de Chile, entidad que administra a la Orquesta Sinfónica, la Camerata Vocal, el Coro Sinfónico y el Ballet Nacional Chileno.

Entre los directores nacionales destaca Francisco Rettig , con ocho presentaciones, y se sumarán, además, 16 maestros extranjeros. Lo más interesante es que la mayoría digirirá música en la que es especialista. Es el caso de Rettig, quien conducirá la Sinfonía Inconclusa de Schubert y la Sinfonía Lírica de Zemlinsky (11 y 12 de mayo). Nicolas Rauss (Suiza) dirigirá a la Sinfónica y al Coro Sinfónico en "Romeo y Julieta" de Berlioz (29 y 30 de junio). Desde Italia arribará el premiadísimo maestro Emilio Pomarico , para dirigir "Petrouchka" de Stravinsky y un estreno de Gabriele Manca (27 y 28 de julio); mientras Juan Pablo Izquierdo , con "La Noche Transfigurada" de Schoenberg y obras de Rachmaninov y Gluck (9 y 10 de noviembre). Igualmente, el finlandés Ari Rasilainen conducirá obras de Balákirev, Prokofiev y Sibelius, además de estrenar en Chile "Cantus Articus" de Rautavaara (6 y 7, y 13 y 14 de julio). Asimismo, el austriaco Peter Guth dirigirá el programa "Música de la dinastía Strauss" (Teatro de Carabineros, en noviembre).

Danza a mil
En el Teatro U. de Chile, el Ballet Nacional Chileno sólo ofrecerá estrenos. A "Periplo" de Gigi Caciuleanu (abril), se sumará una creación de los coreógrafos invitados Laura Martorana y Massimiliano Siccardi (junio). Pero además se estrenarán coreografías originales de dos miembros de la compañía, quienes ganaron un concurso con ellas: "El color del cuerpo" de Carolina Bravo , y "Cuaderno de composición" de Cristián Contreras (septiembre). Otra novedad: en "Furioso", de Caciuleanu, actuará en vivo la Camerata Vocal, con música de Verdi (diciembre).

El Banch, además, tendrá temporadas en el Teatro Ladrón de Bicicletas ("De Chile con amor", de Caciuleanu, en enero), en el Teatro Municipal de Las Condes (con "Periplo", en abril y mayo) y en Matucana 100 ("La sangre de las estrellas", de Thierry Malandain, en agosto).

Más conciertos que en 2011
Serán más de 90 conciertos durante 2012. A las 52 presentaciones de la temporada oficial, que se realiza de marzo a noviembre, se suman una nueva temporada de verano, una de cámara (los miércoles en la tarde, de mayo a noviembre) y una coral, que será protagonizada por la Camerata Vocal y el Coro Sinfónico de la U. de Chile. Inauguran, además, el concepto de Temporada Abierta , que incluirá presentaciones de la Sinfónica y del Coro Sinfónico en la Quinta Vergara y en Frutillar, además de conciertos en el Teatro U. de Chile para conmemoraciones especiales, como la Semana Santa (con la Pasión según San Mateo, de Bach, en tres funciones) y el Día del Patrimonio . Asimismo, habrá un ciclo de conciertos gratuitos en el Teatro de Carabineros, otro en la U. Técnica Federico Santa María, y una docena de presentaciones en regiones. David del Pino conducirá una Gran Gala Lírica en la Plaza de Armas (17 de noviembre).

Programas temáticos
La estadounidense Gisele Ben-Dor celebrará el Día de la Mujer dirigiendo el Concierto para piano en La menor de Clara Schumann (con la solista Liza Chung), más "Sheherazade" de Rimsky-Korsakov y una selección de "Carmen", de Bizet (9 y 10 de marzo). En "Universo Shakespeare" , el sueco Micha Eichenholz abordará piezas de Mendelssohn, Dvorak y Tchaikovksy inspiradas en obras del dramaturgo isabelino (23 y 24 de marzo), y luego se dedicará al repertorio latinoamericano (23 y 24 de marzo). "Danza macabra" de Saint-Saëns, "La primera noche de Walpurgis" de Mendelssohn y "Una noche en el Monte Calvo" de Mussorgsky, serán conducidas por Víctor Hugo Toro en "Brujas, hechiceros y aquelarres" (1 y 2 de junio). José Luis Domínguez revivirá la música del filme "Fantasía" a través de obras de Stravinsky, Dukas y Respighi (20 y 21 de julio). La faceta compositiva de Wynton Marsalis será parte, a través de su obra "Meelaan", del programa de música del siglo XX que dirigirá el alemán Eckart Preu, el que incluirá además "La pregunta sin respuesta" de Ives, las Danzas Sinfónicas de "West Side Story" de Bernstein y "Un americano en París" de Gershwin (10 y 11 de agosto). Max Valdés rendirá honores a Francia con "Preludio a la siesta de un fauno" de Debussy, el Réquiem de Duruflé, y dos piezas de Ravel (7 y 8 de septiembre). Mozart tendrá también una jornada exclusiva, con el danés Gabriel Adorjan (19 y 20 de octubre), y Nicolas Rauss conducirá la Suite de "Aladino", de Nielsen, y "Till Eulenspiegel", de Richard Strauss, en el programa "Historias de aventureros y pillos" (23 y 24 de noviembre).

Música chilena
En 2012, la Sinfónica participará por primera vez en el Festival de Música Contemporánea de la U. de Chile. Allí, con la conducción de David del Pino, estrenará la obra ganadora del Concurso de Compositores Nacionales. Además, Max Valdés conducirá a la orquesta y al Coro Sinfónico en "Vitrales de la Anunciación", de Alfonso Letelier , al cumplirse cien años de su nacimiento, más la Sinfonía Romántica de Enrique Soro y "Balmaceda", de Acario Cotapos (3 y 4 de agosto). Se programaron, también, "Emiliana", de Boris Alvarado, e "IO", de Juan Quinteros. Además, la Camerata Vocal abordará arreglos de Violeta Parra y Víctor Jara (31 de mayo).

Orquesta Colegio Nocedal de La Pintana cautivó a José Carreras

El Mercurio

El célebre tenor catalán se reunió ayer con estos jóvenes músicos.

Maureen Lennon Zaninovic

Fue una jornada inolvidable para los estudiantes y músicos miembros de la Orquesta Sinfónica Infantil Nocedal de La Pintana. Ayer este recinto educacional -emplazado en la población El Castillo- recibió la visita ilustre del tenor catalán José Carreras, quien esta noche actuará en el Movistar Arena.

Miguel Arce, director del colegio, fue el encargado de recibir al artista: "Quienes hace 16 años partieron con la aventura de sacar adelante el Nocedal, animados por el espíritu de San Josemaría, coterráneo suyo don José, hicieron propias las palabras del fundador del Opus Dei: 'Soñad y os quedaréis cortos'. Siguiendo ese sueño, ahora tenemos en nuestro patio a uno de los máximos exponentes del canto lírico. Usted es un regalo inmerecido que Dios ha querido traer a nuestro colegio".

De inmediato, la Orquesta Sinfónica Infantil Nocedal, bajo la batuta de Fernando Saavedra, interpretó el Finale de la Sinfonía N° 2 de Tchaikovsky y un extracto de música incidental del filme "Piratas del Caribe".

Tras la aplaudida presentación, el cantante recibió un obsequio del director del plantel y animó a los jóvenes a seguir en esta senda:

"Quisiera agradecerles el regalo que significó el poder estar esta tarde con ustedes. Quiero felicitar a todos los jóvenes instrumentistas y a su director. Me parece una labor fantástica y felicito de corazón a los familiares, a los padres de los chicos, que los apoyan en esta afición. Estudien y prosperen, porque la música es una de las artes que más entrega satisfacciones a quien la practica", declaró.

Conciertos

El Mercurio

Don Omar
Fecha: 8 de octubre.
Hora: 20 horas.
Lugar: Teatro Caupolicán.
Precio: Desde $26.000 a $45.000, vía Ticketmaster.
Teléfono: 6902000.

Banda Conmoción
Fecha: 8 de octubre
Hora: 17 horas.
Lugar: Matucana 100.
Precio: Entre $1.000 y $3.000, Ticketmaster.
Teléfono: 6902000

. Cpv & Killarmy
Fecha: 10 de octubre.
Hora: 20 horas.
Lugar: Teatro Caupolicán.
Precio: Desde $10.000 a $35.000, Ticketmaster.
Teléfono: 6902000.

José Carreras
Fecha: 8 de octubre
Hora: 21 horas.
Lugar: Movistar Arena.
Precio: $19.800 y $174.400, Feriaticket.
Teléfono: 5928500.

Chico Trujillo
Fecha: 8 de octubre
Hora: 23 horas.
Lugar: Amanda.
Precio: $14.000, ($10.000 hasta las 23 horas) vía Ticketmaster.
Teléfono: 6902000.

Felix Da Housecat
Fecha: 14 de octubre.
Hora: 21 horas.
Lugar: Industria Cultural.
Precio: Desde $15.000 a $25.000, Ticketmaster.
Teléfono: 6902000.

Sade
Fecha: 13 de octubre.
Hora: 21 horas.
Lugar: Movistar Arena.
Precio: Desde $24.000 a $160.000, vía Feriaticket.
Teléfono: 5928500.

Inti Illimani, Illapu y Quilapayún
Fecha: 14 y 15 de octubre.
Hora: 21 horas.
Lugar: Teatro Caupolicán.
Precio: $8.000 y $11.000, Ticketmaster.
Teléfono: 6902000.

Pedro Aznar
Fecha: 13 y 14 de octubre
Hora: 21 horas.
Lugar: Teatro Nescafé de las Artes.
Precio: $18.000 a $26.000, Ticketmaster.
Teléfono: 6902000.

Mijares
Fecha: 14 de octubre.
Hora: 23 horas.
Lugar: Monticello Grand Casino.
Precio: Desde $44.200 a $79.800, vía Puntoticket.
Teléfono: 6004626000.

Fiskales ad hok
Fecha: 10 de octubre.
Hora: 15 horas.
Lugar: Teatro Caupolicán.
Precio: $8.800, vía Feriaticket.
Teléfono: 5928500.

Bad Religion
Fecha: 9 de octubre.
Hora: 20 horas.
Lugar: Teatro Caupolicán.
Precio: Desde $24.200 a $38.500.
Teléfono: 6004626000.

El silencioso desembarco de la música indie en el país

 
Hercules and Love Affair


El Mercurio

En los próximos dos meses, más de diez exponentes internacionales del género se presentarán en Santiago en distintos festivales. Nombres como Interpol, Goldfrapp o Hercules And Love Affair no suenan muy familiares, pero dan cuentan de una escena que llegó para quedarse. Javier Contreras.


No es un género masivo. Sus hits globales son escasos y sus exponentes rara vez conquistan los primeros lugares de los rankings . Pero tanto en Chile como en el mundo, cada vez son más sus seguidores. Sin grandes campañas promocionales, copan carteles de los principales festivales musicales del planeta y hasta se cuelan en premiaciones como los Grammys. Son los llamados artistas "indie".

El concepto tuvo su origen en los 80, cuando bandas como R.E.M., Sonic Youth y Pixies editaban sus primeros discos al margen de las grandes casas discográficas. La consigna era la autogestión. Acogidas por pequeños sellos, las bandas gozaban de absoluta libertad creativa. Y esa independencia respecto a la industria la abrazaron como virtud. De hecho, la palabra "indie" alude a ese concepto.

Llegaron los 90 y todas esas bandas firmaron con algún sello importante. En el intertanto, Nirvana, la última representante de esa generación, se convertía en fenómeno pop. La industria, en un intento por absorber a esos artistas que renegaban de ella, los llamó alternativos. El concepto de lo indie quedaba atrás, con todas las compañías disqueras reclutando a los herederos de R.E.M. y Nirvana, en un afán que terminó por establecer al rock alternativo como un negocio tan rentable como el hip-hop o el metal.

Pero la mina de oro no duró mucho. Cuando la cultura alternativa se convirtió en cultural oficial o "mainstream", perdió toda novedad. Y vendrían relevos. El pop adolescente regresaba a los charts y el rock se radicalizaba con propuestas que cruzaban rap y metal. En eso arribó el nuevo milenio. Y en medio de la indiferencia de la industria, las bandas que apostaban por la consecuencia artística volvieron a mirar a los pequeños sellos.

Nace el género
Fue en 2001, en Nueva York. Un veinteañero fanático de bandas post-punk, como Television, se dio el gusto de editar el disco de su banda, sin hacer concesión alguna. Ciertamente, tenía los medios para hacerlo. Mal que mal era Julian Casablancas, hijo del multimillonario dueño de la agencia Elite. Pero lo que pudo ser el capricho de un chico burgués, terminó siendo un hito. El lanzamiento y posterior éxito de "Is this it", de The Strokes, se convirtió en referente para muchas otras bandas que entendieron que era posible llegar a nuevas audiencias sin renunciar a las convicciones creativas.

Grupos como Interpol, Black Rebel Motorcycle Club y The White Stripes seguirían el ejemplo. Luego se sumarían desde Inglaterra nombres como Franz Ferdinand y Arctic Monkeys. Tal como en los 90, la industria no tardó en reaccionar y fichó a muchos de ellos, esperando encontrar a un nuevo Nirvana. De paso, desempolvó el término "indie", para rotular a la naciente generación.

The Strokes se alzó como la esperanza de una nueva revolución musical, pero ésta nunca llegó. Las bandas indie no lograrían el crossover que una década antes sí consiguió el grunge cuando se coló en los primeros lugares de las listas. Al poco andar, el género perdería relevancia, mientras otra revolución, la del pop femenino, sepultaba cualquier aspiración.

Una nueva escena
Pero Roberto Parra, gestor con su productora Fauna de los principales festivales del género en el país, afirma que más allá de su éxito o fracaso comercial, la música indie llegó para quedarse. "Hoy hay muchas bandas, con estilos que van desde el rock a la electrónica, que se rigen por la autogestión y que hacen la música que ellos quieren. Creo que eso define a lo indie", sostiene. Y agrega que hoy se vive una explosión gracias a internet y los avances digitales. "Cualquier banda puede producir un disco en un computador y hacerse conocida por la red. Lo interesante es que por lo mismo hoy hay una generación inquieta que quiere escuchar cosas nuevas y que va a sus conciertos".

Para Nicolás Castro, voz de Horizonte, radio emblema del género en el dial, incluso se podría hablar de una escena local. "Cada vez son más las personas que escuchan a estas bandas y que pagan por ir a verlas. Antes era esporádico que vinieran grupos como The Rapture, por ejemplo, pero hoy hay conciertos una vez al mes", dice. Eso sí, no le acomoda el término indie: "Lo indie existió genuinamente en los 80, pero hoy es sólo un género inventado por la industria. Hay bandas como Arcade Fire, que ganó el Grammy a mejor álbum este año, y que es definida como indie, aunque en realidad están con un gran sello. Lo mismo pasa con MGMT, cuyo último disco fue muy experimental. Al final, sólo es buena música, y eso es lo que muchos están valorando hoy", concluye.

¿Quiénes son y cuando verlos?
Esta noche arranca la ola de conciertos. Hercules and Love Affair , proyecto electrónico del músico de Nueva York Andy Butler, es el plato fuerte del festival que celebra los 10 años de Matucana 100. "Será una gran fiesta en el escenario, con música bailable de calidad", adelanta Butler. La banda fue una de las revelaciones del año 2008 con su álbum debut, el que conquistó a la crítica con su propuesta que une elementos del disco y house. "Creo que la música dance puede ser creativa, a diferencia del pop actual que es dance artificial. Lo mío es transmitir emociones", recalca. El dúo británico Goldfrapp será otra de las visitas ilustres de la vertiente bailable de la escena indie. Con cuatro aplaudidos discos y un estilo que la propia Madonna ha reconocido como influencia, la banda liderada por la carismática Alison Goldfrapp se presentará el próximo 8 de noviembre en el Teatro La Cúpula. Seis días antes se presentará The Kills , conjunto que desde la vereda del rock sacudirá las butacas del Teatro Oriente. Lo suyo es el sonido garage, matizado por las armonías de sus vocalistas Jamie Hince, flamante esposo de Kate Moss, y Alison Mosshart. Otros amantes de las melodías y las guitarras sucias son los chicos de Black Rebel Motorcycle Club (B.R.M.C. ). Contemporáneos de The Strokes, ya son casi veteranos del género y llegan como una de las principales cartas del Festival Maquinaria, que se realizará en el Club Hípico el 12 de noviembre. En tanto, The Raveonettes , dúo danés similar a B.R.M.C. pero con una vocación más pop, será el número fuerte del Festival Primavera Fauna, el que tendrá lugar en Espacio Broadway el 5 de ese mes. Compartirán cartel con !!! , banda de nombre impronunciable pero fundamental para el subgénero dance con actitud punk. Cierra la invasión indie quizás su exponente más sólido: el 18 de noviembre tocará Interpol , conjunto de Nueva York que con cuatro álbumes a la fecha ya es referente de bandas emergentes con su elegante fusión de guitarras post-punk y melancolía sonora. La cita es en el Teatro Caupolicán.

Este rock también se puede escuchar en familia

El Mercurio

Nadie pensaría en ponerle a su guagua de meses un disco de la segunda etapa de Radiohead. Tampoco apetece almorzar con The Downward Spiral, de NIN; o Roots Bloody Roots, de Sepultura. Sin embargo, no todo el rock es depresivo o ensordecedor. Aquí va un listado de recomendaciones para compartir con los más chicos.
Julio Osses

Tienen mala fama. Incluso pésima. Muchos mueren antes de los 30 años reventados en sustancias ilícitas, exhiben sus partes privadas sin que nadie se los pida, insultan y maldicen sin mediar provocación, y, lo más serio, usan sus discos como un depositario de toda clase de desperdicio emocional. Como un exorcismo. Y sus fans pagan por oírlos, les rinden culto y les promueven ese estilo de vida salvaje y extremo. Pero no todos son así. Incluso, hay algunos que guardan el estilo escandaloso para su vida privada, y en su música se preocupan de exaltar la belleza sonora, el ritmo inspirador y la melodía contagiosa. La siguiente selección es subjetiva, claro. Porque no tiene que ver con la música pop -teóricamente diseñada para ser recordada por la mayor cantidad de gente-, sino que con la capacidad inspiradora que algunos discos de rock poseen. En su mayoría son clásicos, pero también hay un par de rarezas indie . Son discos que al escucharlos alegran el ambiente, emocionan, llenan de energía o, simplemente, gatillan emociones positivas. Escúchelos, y haga su propio listado.

Beatles - One
Podría decirse que los autores de una obra impactante, que constituye la biblia de la música popular moderna, raramente hicieron música oscura o depresiva. Esta compilación acaba de ser reeditada por EMI en formato de lujo digipack , y es una excelente recomendación para acompañar un panorama de fin de semana porque su legado es transversal a todas las edades, o relajarse tarareando después de un día intenso de trabajo.

Queen: Greatest Hits
Son muchos los fanáticos del rock que se han enganchado en la infancia con el avasallador poder rockero de Queen. Puede ser la teatralidad sublime de Freddie Mercury, o la controlada aspereza de la guitarra de Brian May. El repertorio de Queen es fuente inagotable de buenas vibraciones y goce heavy - metal , sin estridencias ni angustias.

Stevie Wonder - The Definitive Collection
Si el soul se llamara de otra forma, habría que ponerle Stevie Wonder. Así de simple. El niño maravilla de Motown, suplió su ceguera congénita con un talento de características épicas, a la hora de componer un grueso porcentaje de los clásicos que definieron las múltiples variaciones de la música popular negra. Desde el funk de "Superstition", al ritmo electropop de "Part time lover", pasando por el romanticismo sicodélico de "You are the sunshine of my life", una compilación buena para escuchar con fonos o a todo volumen.

CHC - La cosa
La Congregación de Hermanos Contemplativos -que contaba entre sus filas con el cineasta Sebastián Silva, y el nuevo valor del indie local, Pedro Piedra- se caracterizó por no tomarse nada muy en serio. Música juguetona y cándida, al borde de lo light , este, que es el tercer disco del grupo, contiene especialmente una joya rock, que bien podría ser la canción más divertida en la historia de la música chilena: "Pelos".

Varios - Yo nunca vi televisión: 31 minutos
Lástima que a nadie se le ocurrió en Chile, pero qué orgullo es que haya sido una idea concebida en México. En 2009, un mix altamente heterogéneo de mexicanos y locales rindió tributo al genial repertorio extraído de la serie protagonizada por títeres, conformando una paleta de estilos altamente poderosa y representativa del sonido latino del siglo XXI.

Juno - Soundtrack
Tan indie en espíritu y textura como la película que la inspiró, la banda sonora de la película "Juno" es un manjar de candidez sonora. Repleta de retazos acústicos, proto-canciones que parecen escritas y grabadas en el dormitorio de cualquier adolescente, su sinceridad viene exactamente de esa cualidad orgánica, diametralmente opuesta a la grandilocuencia del rock.

Varios - Motown Gold
Aquí están las raíces del pop. De eso no hay duda. Pero fue el inagotable caudal de canciones geniales que emanó del semillero del productor Berry Gordy, lo que terminó inspirando a los Beatles. De hecho, en esta megacompilación triple de más de 80 canciones, es posible escuchar varios de los caballitos de batalla de la primera mitad de la carrera del grupo, en sus versiones originales, como "Money", o "Please Mr. Postman". Un deleite melómano con alta capacidad de alegrar.

Varios - Saturday Morning: Cartoons' Greatest Hits
Los covers son factor esencial en la conservadora mitología del rock, un rito necesario. En este álbum de culto, editado en 1995, un grupo de celebridades del rock alternativo e independiente fueron invitados a versionar los temas principales de sus series de dibujos animados favoritas. La lectura directa y ruda de Ramones para "Spiderman" y la respetuosa pasada guitarrera de Matthew Sweet para el tema central de Scooby Doo son simplemente imperdibles.

Elvis Presley - Elv1s 30 # Hits
Uno de los tres artistas más influyentes de la historia del rock, jamás compuso canciones. Pero aún así, se las ingenió para producir el chispazo que inició todo, con una mezcla volátil de impronta vocal influida por el bolero, música country , blues y rockabilly . El repertorio invulnerable de Elvis es sólo la mitad de su atractivo. El resto es su estilo, el culto a su personalidad y su carisma. Una gran manera de iniciarse en la arqueología del rock, con canciones inmortales, de atractivo transversal para cualquier edad.

Beach Boys - Sounds of Summer: The Very Best
Si hubiera que premiar a la banda de rock más entretenida de la historia, el repertorio de los Beach Boys arrasarìa. Fueron los primeros en explotar el surf como estilo de vida, celebrando la playa, las fiestas para conocer chicas y los romances de verano. La primera mitad de su carrera, hasta 1965, es fuente inagotable de melodías alegres, frenéticas y contagiosas. Mientras que la madurez creativa de Brian Wilson, desde la segunda mitad de los años 60, suda tal espiritualidad y belleza sonora, que llegó a influenciar a los mismísimos Beatles.

jueves, octubre 06, 2011

Ciclo de cinco conciertos en el GAM: Música antigua con figuras nacionales de impacto mundial

El Mercurio

Rodrigo del Pozo , Raúl Orellana y Manuel de Grange, entre otros, interpretarán desde hoy obras de genios como Vivaldi, Haendel y Telemann.

Romina de la Sotta Donoso

El violinista barroco Raúl Orellana -colaborador permanente de L'Arpeggiata de Cristina Pluhar y del Ensamble Artaserse de Philippe Jaroussky- vino a Chile al Programa de Profesores Visitantes del Instituto de Música UC, y aprovechó de preparar tres programas para el XIII Ciclo de Música Antigua UC que parte hoy en el GAM. Es ta tarde será concertino conductor en famosos Conciertos para violín de Vivaldi, entre ellos, "Il Piacere", "Tempestá di mare" y "La caccia". "Vivaldi es uno de los padres de la música programática. Y fue el creador del Concierto para instrumento solista, con su fórmula allegro-adagio-allegro ", comenta Orellana. Se interpretará además la Sinfonía "Al santo sepolcro" (Vivaldi).

Orellana se sumará, el 13 de octubre , a otros siete músicos, en un programa dedicado a Telemann y Haendel, dos compositores esenciales del Barroco. "Haendel hizo mucha ópera, Telemann, no tanto. Y a pesar de que a Telemann se le conoce por sus obras instrumentales, él se consideraba un compositor de música sacra, y escribió muchísimos oratorios, cantatas y pasiones", dice el tenor Rodrigo del Pozo (1961), quien abordará, de Haendel, la Cantata "Look down, harmonious saint" y Gloria in Excelsis Deo , pieza que estuvo siglos perdida y que se reestrenó en 2001. Del Pozo, quien codirigirá con Rodrigo Díaz este concierto, es el músico chileno vivo con más grabaciones y ha trabajado con emblemas como Christophe Coin, Les Arts Florissants y The King's Consort.

"Il suono dal prete rosso", será el programa dedicado a Vivaldi que el Estudio MusicAntigua UC y Orellana, abordarán el 20 de octubre , con Tríos, Conciertos y arias de las óperas "Giustino" y "La fida ninfa".

Una selección de obras italianas e inglesas de los siglos XVI y XVII, presentarán el 27 de octubre la soprano Nora Miranda y el contratenor Gonzalo Cuadra, más Óscar Ohlsen y Eduardo Figueroa en laúdes, guitarra barroca y tiorba. "En ambas tradiciones están presentes las temáticas amorosa, bucólica y pastoril, y la voz es fundamental", revela Cuadra. Miranda, agrega, sobre "No se enmendará jamás", que ella interpretará, que "es la única cantata en español que hizo Haendel; la compuso durante un viaje a Nápoles, cuando conoció a Scarlatti", dice la soprano.

El 3 de noviembre , Estudio MusicAntigua UC presentará canciones hispánicas con acompañamiento instrumental. Se sumará, en la guitarra barroca, Manuel de Grange. "Él es una de las mayores figuras chilenas en Francia; ocupa un puesto preeminente en la Escuela de Música Barroca de Versailles", apunta Cuadra y adelanta que el programa "es muy diverso en términos de afectos. Estas obras tienen la misma finalidad que una canción de Chayanne: que el auditor suspire y diga 'yo pasé por lo mismo' ".

PROGRAMARSE
19:00 horas, los jueves, hasta el 3 de noviembre, en el GAM. $1.500 y $3.000. www.uc.cl/artes

martes, octubre 04, 2011

Festival del Huaso de Olmué tributará a Violeta Parra

BioBio

La XLIII versión del festival folclórico más importante de Chile presenta novedades en su competencia.
Para esta nueva versión, se ha vuelto a la modalidad de homenajear a un artista fundamental del folclor a través de la interpretación de sus temas, en este caso se tributará el genio de la Viola Chilensis.

Podrán participar en este certamen todos los solistas o grupos chilenos que interpreten composiciones de Violeta Parra, compitiendo en la búsqueda de los mejores.

El plazo para la recepción de los temas concluirá el día 30 de noviembre del 2011 a las 17:00 horas y el jurado tendrá hasta el día 12 de diciembre para dar a conocer los ocho intérpretes seleccionados.

Cada intérprete o grupo, por el sólo hecho de quedar clasificado para la competencia, se hará merecedor a un premio de 500 mil pesos.

Los ganadores del primer, segundo y tercer lugar, además de un Guitarpín, se harán acreedores de $6.000.000; $2.500.000; y $1.500.000, respectivamente.

El detalle de las Bases se encuentra disponible en www.festivaldelhuaso.cl.

Gypsy Trío sale de gira: Tiempo de swing gitano

El Mercurio

El conjunto del guitarrista Cristóbal Gómez lanza el disco "Swing gitane" y continúa este jueves su itinerancia entre Talca y Castro, con 17 conciertos hasta el 17 de octubre.

IÑIGO DÍAZ
Se toca a tan alta velocidad y con tal intensidad que hasta el propio Django Reinhardt, el más célebre de los cultores del jazz manouche , diseñó una agrupación a su medida. El primer Quintette du Hot Club de France, de 1934, tenía a dos guitarristas rítmicos sólo para apoyar su función solística en la primera guitarra.

"De esa manera Django podía tomarse momentos de descanso dentro de un concierto. A nosotros nos pasó algo muy parecido", dice el guitarrista Cristóbal Gómez, quien advirtió ese desgaste físico cuando su grupo de jazz manouche , el Gypsy Trío, se vio en la necesidad de incluir otro músico para respaldar el suministro continuo de solos de improvisación. "Al comienzo éramos Gabriel Montt y yo tocando las guitarras sin parar y quedábamos muertos. Por eso el grupo tiene ahora a Ignacio Díaz como guitarrista rítmico".

Son tiempos de gran movimiento para el Gypsy Trío, uno de los proyectos chilenos más significativos del swing gitano junto a los grupos encabezados por el guitarrista Marcelo Salinas y por ese referente absoluto que se llama Panchito Cabrera, el "Django Reinhardt chileno". Tras su disco debut de 2008, titulado "Homenaje a Django Reinhardt", el Gypsy Trío está presentando un segundo trabajo, tan genérico como el primero: "Swing gitane". Allí recupera repertorio de Reinhardt y autores como el violinista Stéphane Grappelli y el astro Maurice Chevalier, además de melodías gitanas anónimas.

El lanzamiento coincide con la gira sureña que el Gypsy Trío inició el 29 de septiembre con un concierto en la Universidad Católica del Maule, en Talca, cuna de tres de sus cuatro integrantes, Cristóbal Gómez, Gabriel Montt y el contrabajista Sebastián Gómez.

El tour contempla diecisiete conciertos hasta el 17 de octubre, con estaciones en teatros municipales de San Javier, Chanco, Parral y Chillán, y escenarios diversos en Cauquenes, Valdivia, La Unión, Puerto Varas, hasta rematar en la chilota Castro. Su próxima presentación está programada para este jueves en la Sala Alberto Hurtado de Constitución.

"El año 2007 me fui a París a investigar en terreno la raíz del jazz manouche . Estudié con Boule Ferré, hijo de Matelo Ferré, que tocó en uno de los quintetos de Reinhardt. Ambas familias son muy importantes en la música manouche , palabra que significa gitano. Pero después seguí mi proyecto solo. No me costó nada llegar a esa raíz porque el jazz gitano realmente estaba en todas partes. Entrabas a cualquier bar y había cinco guitarras al mismo tiempo. Está totalmente vivo", cuenta Gómez.

lunes, octubre 03, 2011

Con canciones en vivo solistas chilenos celebran cumpleaños 94 de Violeta Parra



Emol

SANTIAGO.- Un disparo al centro acabó con su vida el 5 de febrero de 1967. Violeta Parra murió a los 49 años. De haber sobrevivido, la artista nacional tendría hoy 94 años. Este martes 4 de octubre se cumple un nuevo aniversario de su natalicio y por eso una serie de solistas se reunirán para conmemorar la fecha con canciones.

Nano Stern, Yael Meyer, Paz Quintana, Natalia Contesse, el saxofonista Pedro Villagra, Vasti Michel y Manuel García anunciaron un concierto colectivo mañana, a partir de las 15:00 horas en la Tienda MusicaChilena, ubicada en Bernarda Morín 440.

La entrada al espectáculo será la adquisición de un disco de Violeta Parra, que tendrán precios prederenciales, como pare de la apludida colección Obras De Violeta Parra - Musicales, Poéticas, Visuales, que contiene trece discos y dos DVDs. Cada disco de tendrá un valor especial de $4.990, mientras que la colección completa costará $69.990.

El concierto tendrá también la presencia de la cantautora Isabel Parra, hija mayor de Violeta Parra, quien será entrevistada desde el mismo escenario por Radio Uno. La misma emisora transmitirá en directo la serie de actuaciones de músicos con Stern y Meyer, quienes acaban de arribar al país.

Los DJ chilenos que llevan el pulso en las fiestas más grandes del mundo

El Mercurio

Son músicos nacidos o criados en Chile y se dedican a predicar sus ritmos y sonidos electrónicos por las ciudades más importantes del globo terráqueo. Desde Londres, pasando por Buenos Aires, y terminando en Ibiza, estos pinchadiscos trabajan día y noche para lograr que cada día más gente baile a su ritmo.
 Diego Rammsy S.

Francisco Allendes

En su infancia, este ingeniero de la Universidad Católica quería ser músico docto, y escuchaba casetes de música barroca y practicaba con su violín. Luego de probar el rock y estudiar en la Escuela Moderna, se vio caminando por la vía de las máquinas y los sonidos sintetizados. Tras lanzar su primer disco, "Vacas locas" (2003), ganó dos años seguidos el premio al mejor músico electrónico nacional que otorga Ballantines.
"Desde hace unos cinco años que estaba viajando a Europa a pinchar en fiestas por períodos de dos o tres meses, y siempre tuve las ganas de establecerme acá", dice Allendes ahora desde el Primer Mundo. "Mi primer viaje a Ibiza fue el que me hizo tomar la decisión de instalarme en Europa".

Al igual que Jorge González y su proyecto Los Updates, Allendes ha editado en el sello Cadenza, y actualmente maneja una agenda movida que lo ha llevado hasta Tokio. Incluso, tiene su propio sello en Chile: Andes music. "A largo plazo, quiero posicionar mi sello dentro de los sellos que marcan las tendencias musicales", dice.
 


Ricardo Villalobos


A estas alturas, Villalobos ya es un consagrado. Una figura de culto dentro de la escena electrónica mundial y, por lo tanto, un ineludible dentro del panorama de los créditos locales que hacen vibrar los parlantes de las pistas de baile en Europa.

Nacido en Chile en 1970 y criado en el exilio desde los tres años, este músico reside actualmente en Alemania, desde donde dispara a los diferentes clubes de Europa y al resto del mundo para presentar su música en vivo. Ahora se apresta a cumplir 20 años de trayectoria -o por lo menos desde que lanzó su primera producción discográfica bajo el sello Overdrive en 1992-.

Desde 1995, Villalobos tiene convertido a Ibiza (el imperio del verano europeo) en su tercer hogar, y se destaca por marcar tendencias con sus elecciones musicales porque, a pesar de nunca lanzar tracks destinados al éxito comercial, ha tenido una carrera notablemente exitosa más allá de las fronteras del circuito underground.

Como percusionista de origen -tocaba congas y bongós- se ha caracterizado por cultivar esta parte dentro de su corazón minimalista, llegando a ser a la fecha una de las mentes maestras de la música electrónica dance contemporánea.
 


Luciano


Es la figura chilena que vive el mejor momento. Nacido como Lucien Nicolet en Suiza, pero de madre chilena, se vino junto a sus padres a Santiago en 1988, a los diez años.

Bajo el apodo de DJ Magi-k comenzó a forjar sus primeras herramientas en la escena musical santiaguina, donde de música electrónica por aquellos años había poco y nada.

En 2001 vuelve a Suiza definitivamente y comienza el despegue que lo tiene hoy como rutilante estrella del movimiento. Junto a Ricardo Villalobos y bajo el nombre de Sense Club, exhibió piezas musicales que fueron incluidas en trabajos compilatorios.

Hoy como DJ trabaja por todo el mundo y tiene su propio sello, Cadenza, que en pocos años de vida se ha convertido en una de las etiquetas más respetadas del ambiente. En el verano europeo de 2010 recaló como DJ residente en el club más importante de Ibiza, Pacha, con una concurrencia de hasta 3.500 personas por noche, donde marcó uno de los debut más comentados de la temporada. Este año volvió y confirmó su año más prolífico, perfilándose como una figura de primera línea de la mano de su mezcla de techno medular con candentes ritmos latinos.

El gran arrastre que ha logrado Luciano en Europa lo trae nuevamente a Chile para la edición local de Creamfields, que se celebra el próximo 11 de noviembre en Espacio Riesco.
 


Pier Bucci


Él está instalado en Alemania desde 2002, y en estos años las colaboraciones con otros músicos han formado parte importante de su producción personal. En 2004, junto a Monne Automne -banda compuesta por el también chileno Luciano y el venezolano Argenis Brito-, lanzó "Introducing light & sound" bajo el alero del sello Lo-Fi Stereo, uno de los más importantes de la nueva escena alemana.

Pero fue con Mambotur, también junto a Brito, que Bucci causó revuelo en Alemania al mezclar los sonidos y ritmos de la cumbia con las bases sintéticas del techno.

Su primer disco como solista ("Familia") lo editó en 2005, con la colaboración en las voces de Aldo "Macha" Asenjo, líder de La Floripondio, y Chico Trujillo. También ha recreado y remezclado música de Los Jaivas.
 


César Bass Romero


En 2002 ganó una competencia de DJs en Chile, donde el jurado era Paul Oakenfold y al año siguiente dejó el país para radicarse en Montreal, Canadá, su actual residencia, donde ha podido dedicarse ciento por ciento a la música. "Tengo mi estudio en mi casa y desde que me levanto hasta que me acuesto todo lo que hago tiene relación con la música", dice César.

Romero agradece a sus orígenes por este éxito, donde "grandes forjadores, como las fiestas que se hacían en la Perrera, Blondie y Parque Forestal", dice, "sentaron bases muy fuertes, lo que tuvo una gran repercusión en la calidad del DJ profesional chileno que hoy es excelente".

En 2010, César Bass Romero vino a Chile para presentarse dentro del cartel musical de la tercera versión local de la fiesta Sensation White.
 


Matías Aguayo


Nació en 1973 en Santiago y dos años después partió al exilio con su padre. Pasó los años 90 en Colonia, Alemania, donde se forjó como DJ en los clubes de música electrónica.

Este año fue destacado por algunos medios porque el tema "Rollerskate", de su disco "Ay ay ay" (2009), apareció seleccionado por el líder de Radiohead, Thom Yorke, en una de sus famosas listas de canciones favoritas. El álbum en cuestión obtuvo positivos comentarios tanto de medios nacionales como internacionales.

Cantando, susurrando, gritando o tocando variados instrumentos, Aguayo también ha fundado su propio sello llamado Cómeme, donde puede plasmar sus inéditas mezclas que pueden incluir desde una oscura música disco hasta un techno con sabor latinoamericano.

Estará en el festival Maquinaria de Chile.
 


Felipe Venegas


"Decidí partir a Berlín en 2009 y radicarme seis meses al año. Siempre me motivó esa ciudad porque es la capital de la música electrónica y culturalmente te entrega mucho, tiene un peso histórico cultural potente. Así he podido desarrollarme como músico y desde ahí tocar por Europa", afirma Felipe Venegas.

Aunque estudió guitarra clásica y composición en la Universidad Católica, luego de estudiar a Beethoven y a Bach, en la semana se pasaba a escuchar house y techno en sus días libres, así que se mudó al Primer Mundo. "Hablando por mí y no de manera generalizada, te podría decir que un músico electrónico tiene una rutina tan ardua como un músico de concierto", afirma.

Actualmente, Venegas edita su música en el sello Cadenza, el mismo donde Luciano es el mandamás, y junto a él se presentará en la versión chilena y argentina de Creamfields, en noviembre de este año.
"Siempre el mejor síntoma de que todo está bien encaminado es ver el disfrute y la buena onda de la gente en tus conciertos", asegura.
 

domingo, octubre 02, 2011

Cancioneros.com lanza la mayor y mejor discografía- cancionero de Violeta Parra

Violeta Parra (1958) © Sergio Larraín

Siempre había resultado complicado armar los registros, las fechas de edición y todas la información disponible sobre las grabaciones de Violeta Parra. La información que estaba disponible por lo general tenían ciertas falencias, el cancionero editado por la Fundación Violeta Parra tiene por lo menos en cada canción algún error en la transcripción de las letras, y otras fuentes tenían mal asignadas las fechas de lanzamiento de las grabaciones, o el autor de las canciones. Incluso los datos incluidos en la última edición del Libro Mayor de Violeta Parra no contiene toda la información en forma correcta. Fue así que después de por lo menos 5 años de estudio, preparación, recopilación y revisión realizada principalmente por Hannes Salo, está disponible en Internet la discografÍAa mas completa y precisa existente sobre Violeta Parra, en este sitio se pueden encontrar la información de todos los discos grabados y editados por Violeta Parra, las canciones incluidas, y las letras de cada una de ellas, siendo un aporte real a la historia musical de nuestro país.

El lanzamiento de esta discografía cuenta con una introducción de Ángel Parra que dejamos a continuación:


Cancioneros.com

Me pide Hannes Salo que escriba una presentación del cancionero con el repertorio de mi madre, Violeta Parra. Creo que no hay nada más difícil que el hijo (sin los méritos necesarios para ello) trate de presentar a una artista extraordinaria, única. No creo tener el talento para hacerlo, así que me limitaré a presentarles el cancionero.
Primero que nada hay que decir que es un trabajo enorme el realizado por este equipo. He seguido algunos pasos del trabajo y creo que será la discografía más completa de la obra de mi madre.

A través de esta discografía los internautas amantes de la música y la poesía tendrán una herramienta formidable en sus manos. Esta herramienta servirá para ir conociendo a través de la escucha el desarrollo del trabajo de mi madre. Al principio como intérprete de canciones populares de esa época a dúo con su hermana Hilda, pero poco a poco reconoceremos en esa evolución cómo va buscando su camino propio. Ese camino recorrido nos muestra los distintos periodos de investigación y madurez que culminan en el año mil novecientos sesenta y seis con el disco «Las últimas composiciones de Violeta Parra». Fue un camino de búsqueda de intuiciones y también de reconstrucción de su infancia musical; es decir, de nostalgias y recuerdos. Recuerdos que estaban grabados en lo más profundo de su ser.

Podremos ver en esta discografía el paso gigante que dio mi madre entre canciones como «El buen consejo» (1952) y «El gavilán» (1959), obra que es, para mi gusto, la cumbre desde el punto de vista musical.

Violeta Parra es la autora compositora e intérprete de mayor importancia de América Latina, eso ustedes ya lo saben. Solo me queda dejarlos con el resultado de este excelente esfuerzo por dar a conocer una de las facetas de la obra de mi madre, Violeta Parra.


Ángel Parra
Trovador

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Para acceder al cancionero

Rayados por los vinilos tuvieron su primera Feria Vinílica en Valparaíso

Acople

El punto de reunión fue Bar La Cantera, que junto a la disquería especializada Orange Days, pujaron en forma premeditada el alumbramiento del cónclave disquero

El pasado sábado 24 de septiembre se reunió por primera vez en forma concertada un grupúsculo de personajes seleccionado a dedo en torno al vinilo, aquél dinosáurico formato para reproducir música.

El punto de reunión fue Bar La Cantera, que junto a la disquería especializada Orange Days, pujaron en forma premeditada el alumbramiento del cónclave disquero.

Entre los organizadores, las expectativas eran inciertas. Si se trata de ferias independientes, la experiencia dice que las convocatorias no son masivas mientras la feria en cuestión no sea un evento con relativo renombre. Por otra parte, entre los asistentes a estos rejuntes abunda la familia Miranda, lo que complica la experiencia de los expositores que participan con el ánimo comercial de vender sus productos. Para el caso de la Feria Vinílica, estos puntos no trancarían la pelota, ya que la mayor parte de los expositores sólo asistían con el fin de exhibir sus joyas.

En efecto, con el ánimo de sólo exhibir su colección, tuvimos la presencia de Marcos Hödl, periodista freelance viñamarino, integrante de Acople Records, quien aportó con su colección para amenizar la jornada, mezclando parte de su discografía: Grandfunk, Madonna, The Doors, Led Zeppelín, Miles Davis, Depeche Mode, Rod Stewart.

También en plan de expositor, tuvimos la presencia de Gabriel Rodríguez, también conocido como El Uruguayo, ex conductor del programa Al Otro Lado Del Espejo de la Radio Placeres, sociólogo de profesión y melómano por opción. Actualmente en receso comunicacional, aprovechó de exponer parte de su colección, con joyas como Los Jaivas – El Volantín (sin carátula, pasaba piola), Led Zeppelín – Volumen II, el especial de año nuevo de Sonora Palacios, Ella Fitzgerald – en vivo en Berlín, Los Blue Splendor – Homónimo y Depeche Mode – Violator.

Desde Santiago, la Feria Vinílica tuvo la participación magallánica de Dj Manyin, también conocido como Julio Vera, hombre ancla dentro de POTQ Radio, un melómano vinílico que se ha especializado en el sonido sesentero latinoamericano. Manyin puso sobre la mesa finuras de la talla de Los Yorks – 67 y Los Belkings – El Sonido de Los Beklings de Perú; el primer disco de Los Mockers y el primer disco de Los Shakers de Uruguay; Los Sonnys – Distorsionado, Los Jockers – En La Onda de Los Jockers y Los Vidrios Quebrados – Fictions de Chile

Ya con el vilipendiado ánimo lucrativo entre ceja y ceja, la presencia de la disquería especializada Orange Days fue el pez gordo de la tarde. Volcado en términos temporales a la discografía noventera y posterior, la muestra de Orange Days fue la más voluminosa de la tarde. Junto con disponer discos como Jimi Hendrix – Blues, Miles Davis – Miles, Black Flag – Damaged, The Beatles – Abbey Road y Pavement – Crooked Rain, Crooked Rain, que se vendieron como pan caliente, Orange Days dispuso de una torna Garrard 401, que junto a la Sony PS-333 de Marcos Hödl reprodujeron la discografía que amenizó la tarde-noche porteña.

Y cuando la reunión ya estaba armada, el Sistema Interconectado Central nos regala un hermoso “blackout” que mandó a piso la reunión disquera. Si bien la junta continuó bajo las luces de emergencia del local, no pudimos seguir disfrutando de la mezcla vinílica que se estaba realizando en las tornamesas que se dispusieron para la ocasión. Quizás por esto, quizás también por la buena onda que se generó entre los expositores, la experiencia se volverá a repetir más temprano que tarde, por lo tanto la fanaticada vinílica debe estar atenta a este notición

El juez rastrea al asesino de Víctor Jara en un selecto colegio chileno



Cancioneros.com

El juez chileno Alejandro Madrid, que investiga el asesinato del cantautor Víctor Jara tras el golpe militar del 11 de septiembre de 1973, rastrea la identidad del autor material del crimen entre ex alumnos del selecto colegio Saint George de Santiago.
01/10/2011 AGENCIAS


Edmundo Pérez Zújovic
Así lo dijeron hoy a Efe fuentes relacionadas con el caso, que precisaron que el juez ya entregó algunas órdenes específicas a una unidad especializada de detectives que trabaja en el esclarecimiento del crimen de Víctor Jara, de cuyo nacimiento se cumplieron este miércoles 79 años.

Víctor Jara fue detenido al día siguiente del golpe en la Universidad Técnica del Estado (UTE), actual Universidad de Santiago, en la que era profesor y conducido al Estadio "Chile", convertido en prisión por los militares, que lo sometieron a torturas, según testimonios de supervivientes.

El cantautor y director teatral fue asesinado en el recinto por unos soldados a quienes dio la orden un oficial de aspecto germánico apodado "El Príncipe", que es el objeto de las indagaciones del juez.

El cadáver de Jara, con casi 40 impactos de bala, fue abandonado en la calle e identificado en el Servicio Médico Legal por su viuda, Joan Turner, la única persona que además acompañó su funeral, en el Cementerio General de Santiago.

Durante la investigación judicial han surgido algunos sospechosos de haber sido "El Príncipe", pero hasta ahora no se han reunido pruebas suficientes para inculpar a alguno de ellos.

La pista que llevó al juez hasta el establecimiento educacional provino de una actuación que Víctor Jara ofreció en el establecimiento en 1969, en la que entre otros temas interpretó Preguntas por Puerto Montt.

Se trata de una canción inspirada en una matanza de una decena de pobladores cometida por la policía de esa ciudad del sur de Chile durante un intento de ocupación de unos terrenos, el 9 de marzo de ese año.

En letra, Jara culpa de la masacre al entonces ministro del Interior del presidente Eduardo Frei Montalva (1964-1970) y destacado dirigente demócrata cristiano, Edmundo Pérez Zújovic, uno de cuyos hijos era alumno del Saint George cuando Jara ofreció su recital.

Finalizada la actuación, según consigna la prensa de la época, Víctor Jara fue golpeado por algunos alumnos del colegio.

El Saint George se destacó durante el gobierno de Salvador Allende por desarrollar programas de integración social, incorporando como alumnos, de forma gratuita, a niños y jóvenes de sectores populares.

Por esa causa, fue el único colegio privado de Chile que fue ocupado e intervenido por los militares tras el golpe de 1973, situación que inspiró hace algunos años la laureada película Machuca, de Andrés Wood.

Según han declarado algunos testigos en el proceso, cuando Víctor Jara llegó detenido al estadio Chile, fue recibido por el oficial apodado "El Príncipe", que lo torturó diciéndole que se tomaba "venganza" por los insultos que el artista había proferido contra el ministro Edmundo Pérez en el colegio Saint George.

Edmundo Pérez Zujovic fue asesinado el 8 de junio de 1971, durante el gobierno de Salvador Allende, por integrantes del ultraizquierdista grupo Vanguardia Organizada del Pueblo (VOP), que interceptaron su automóvil en Santiago y le asestaron más una decena de disparos.

Uno de los hijos del asesinado ministro, Edmundo Pérez Yoma, ocupó el mismo Ministerio del Interior bajo la presidencia de Michelle Bachelet (2006-2010).

Aunque varios ex oficiales han declarado como inculpados en el juicio por el asesinato de Víctor Jara, hasta ahora sólo ha sido procesado en el caso José Paredes, un ex recluta que fue detenido en junio de 2009 tras confesar que había disparado a Jara por orden de un oficial, aunque posteriormente se retractó.