Julián García-Reyes y el fin de 50 años de trayectoria radial: "Misión cumplida, estoy satisfecho"

El Mercurio

El emblemático locutor termina mañana su trabajo radial tras vender sus últimas estaciones al Grupo Luksic. "Mi destino de aquí para adelante no se despega de las comunicaciones", dice.

Cristopher Ahumada L.

El reloj marca el mediodía y en las oficinas de radio Horizonte, en Pocuro 2151, destacan las cajas embaladas y los estudios cerrados. Un frío ambiente. El vacío de un cercano final. Al interior, Julián García-Reyes Anguita, sonriente, reflexivo y siempre dispuesto, revive las cinco décadas que han marcado su trascendente paso por la radiotelefonía en Chile. No olvida detalles, no se arrepiente de sus decisiones. Hoy, su nombre se inscribe en la historia de las figuras más importantes de las comunicaciones en Chile.

A fines de septiembre de 2012, el Tribunal de la Libre Competencia aprobó la venta de radios Horizonte y Oasis a Radiodifusión SpA, holding del Grupo Luksic. La nueva administración decidió cerrar Horizonte y transformar la programación de Oasis, por lo que antes de la medianoche de mañana lunes 18 de marzo el actual equipo pondrá fin a sus transmisiones.

Hasta ahora, García-Reyes tenía su propio espacio en el 102.1 de radio Oasis, "El túnel del tiempo". Su afición por el campo radial se remonta a su infancia pues sus padres fueron los fundadores del radioclub de Valparaíso y Viña del Mar. "Desde niño veía una frecuencia y un transmisor en un estudio en el dormitorio", recuerda.

Creó un club de teatro en el colegio, animó festivales e hizo diversas locuciones fuera de la radio en su juventud. Terminó sus estudios en Limache, donde además hizo oficialmente sus primeras incursiones radiales para luego llegar a Valparaíso y cumplir el sueño de su vida: integrar la radio Recreo de Viña del Mar. Había ingresado a estudiar leyes en 1962, pero su trabajo en la estación lo hizo cuestionar su vocación y darse cuenta de que en esa carrera no estaban ni sus sueños ni sus alegrías: "En primer año decidí que la radio era la pasión de mi vida, y me dediqué a esta profesión con un amor de mucho fondo y mucho contenido".

Visionario y siempre enérgico, quiso combinar su trabajo radial con algo más. Es así como llega a una oficina de la agencia publicitaria McCann Erickson en Valparaíso, donde inicia una carrera de más de 15 años en el mundo de la publicidad.

Pero fue en 1972 cuando su carrera radial da un gran salto. Trabajaba en radio Minería y Recreo, ambas estaciones AM, cuando le ofrecen una señal en frecuencia modulada: radio Concierto, que hasta ese entonces, tras cinco aventurados proyectos, destacaba como un espacio para música clásica.

Julián García-Reyes se arriesga con una propuesta distinta que cambiaría la historia radial en Chile: hacer una señal popular en una frecuencia que marcaba escasos 2,3 o 2,4 puntos de audiencia. "La frecuencia modulada no la oía prácticamente nadie; hoy, casi todos lo hacen", cuenta el comunicador y agrega que "radio Concierto fue la creadora del boom de la frecuencia modulada".

"Están pasando cosas que no son muy limpias en este mundo"

Tras el éxito de radio Concierto, García-Reyes adquirió las radios Infinita y Futuro. Corría 1985 y creó Horizonte, uno de sus proyectos más importantes que ahora llega a su fin. Luego cedió Infinita a uno de sus socios y vendió Concierto y Futuro al Grupo Iberoamérica para crear una radio adulta que apuntara a un segmento mayor. Es así como surge radio Oasis. Horizonte da un giro de la mano de Julián García-Reyes Subercaseaux, su hijo. Melodías alternativas, tendencias electrónicas y clásicos de los 80 y 90 llegaron al 103.3 del dial FM.

Y ahora se vienen cambios bruscos. "Cumplí un ciclo de 50 años y decidí retirarme", cuenta Julián García-Reyes.

-¿El panorama radial actual influyó en su decisión de terminar su trayectoria?
"Empezó a primar el gusto por cosas íntimas y hoy tenemos morbo presente en todas partes. Se ha llegado incluso a transmitir un acto sexual a través de la radio".
"No puedo dejar de decirlo: el mundo ha cambiado. La mayoría de las cosas que se hacen, se hacen por el tener, y lo que era idílico antes, hoy se ha ido dejando de lado. La radiotelefonía que yo conocí era algo precioso, hacíamos comunicación limpia. Hoy día hay involucradas algunas acciones que yo llamo corruptas, como la coima. Están pasando cosas que no son muy limpias en este mundo y me he ido desilusionando".

-¿Eso quiere decir que abandona por completo las comunicaciones?
"No. Ahora, quiero llevar al cine dos ideas de guión y estudiar documentales en una agrupación, me atrae mucho eso. Mi destino no se despegará jamás de las comunicaciones".

-¿Siente pena?
"La emoción en los últimos meses ha embargado mi alma; he vivido una tremenda pena porque las despedidas siempre son tristes y esta en especial está llena de gratitud. Estoy agradecido de Dios porque me permitió que con mi hobby yo tuviera una remuneración profesional y pudiera realizar el soñado anhelo de la familia. Tengo una sensación de misión cumplida, estoy satisfecho. Ese es el llamado que se me viene a la mente".

"Recibimos ofertas que más bien eran ofensas"

-¿Cómo fue que se concretó la venta al grupo Luksic?
"La venta no fue dirigida a alguien en especial. Fue porque decidimos terminar nuestro trabajo para dedicar nuestras fuerzas a otros caminos. Entonces aparece el muy respetado grupo Luksic. Empezamos una conversación y terminamos cediendo nuestras dos radios, que ellos suman a Play y Sonar, para iniciar otro camino de las comunicaciones".

-¿Existieron otras ofertas que evaluar antes de cerrar el acuerdo?
"Hace cuatro o cinco años que se viene acercando gente con intenciones de comprar. Recibimos ofertas que más bien eran ofensas; por lo tanto, las conversaciones fueron muy breves".

-¿Fue muy buena la oferta del grupo Luksic?
"Creo que la parte numérica que tenemos con el actual comprador fue razonable. No es una locura tampoco. La gente piensa equivocadamente que esa plata va para Julián García-Reyes... Pero no es así, va para una sociedad que es la dueña de la concesión y se deposita en una entidad financiera. Claro que es un respaldo de dinero, pero si yo quiero sacar algo de ahí tengo que pagar el 40% o 45% de impuestos. De hecho, de la venta de radio Concierto y radio Futuro al Grupo Iberoamérica no toqué ningún peso".

-¿Imaginaba las decisiones que tomaría la nueva administración cuando cedió sus estaciones?
"Cuando uno vende una propiedad, la entrega, pasa las llaves y el comprador instala sus muebles, sus cortinas, pone piso nuevo y hace otra cosa".

Cronología

1972 El 1 de agosto nace el nuevo proyecto de radio Concierto en el dial FM.
1985 Funda radio Horizonte, señal que mantuvo en su poder hasta 2012.
1986 La Cepal entrega la Medalla de la Paz por primera vez a un medio de comunicación: radio Concierto.
1989 Julián García-Reyes adquiere radio Futuro.
1999 Vende radio Concierto y Futuro al grupo Iberoamérica Radio.
2000 Crea radio Oasis, el primer proyecto para el segmento adulto.
2004 Deja a Julián García-Reyes Subercaseaux, su hijo, como director de Horizonte, quien se mantiene hasta 2010.
2012 En septiembre, se aprueba la venta de Oasis y Horizonte al grupo Luksic.
2013 El 18 de marzo, se terminan las transmisiones de ambas estaciones para dar paso a nuevos proyectos del actual dueño.
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David Bowie: las mil caras del camaleón

El Mercurio


El Victoria & Albert Museum de Londres estrena este sábado "David Bowie is", la primera retrospectiva a gran escala dedicada al legado artístico del músico británico. Famoso por sus muchísimos alter egos y una constante reinvención a lo largo de sus casi cinco décadas de carrera, el impacto de este ícono del rock va mucho más allá de lo musical, extendiéndose al diseño, la moda, y el arte contemporáneo en general.

Camila Ortiz Miranda

¿Quién es David Bowie? Enigmático, versátil, contradictorio, no es fácil responder a esta pregunta. Y es que David Robert Jones ha hecho una (muy exitosa) carrera a partir de la confusión entre persona y personaje, ficción y realidad. Pionero en esto del self-made art (una especie de proto "hágalo usted mismo"), ninguna otra celebridad antes que él se había convertido en un mito de forma tan consciente, con tanto control de la maquinaria publicitaria y de prensa que rodea a las estrellas de rock.

Resulta irónico, entonces, intentar responder esa pregunta. Porque preguntarse quién es David Bowie es un acto un tanto fútil, uno que no toma en consideración que el misterio es precisamente parte de lo que lo hace único. El seudónimo de "camaleón" no es por nada: Major Tom, Ziggy Stardust, Aladdin Sane o el Duque Blanco son sólo algunas de las distintas personalidades que ha asumido el artista a lo largo de los años, pasando sin problemas de la androginidad y homoerotismo a la masculinidad más formal entre uno y otro personaje. Un provocador que supo recoger influencias estéticas tanto de la vanguardia artística como de los travestis.

David Bowie es una figura que cautiva y, aún teniendo claro que se trata de una tarea complicada, es imposible no querer saber más. Quién es Bowie es una interrogante que se repiten tanto fans, periodistas y estudiosos del arte y es, precisamente, la pregunta que da vida a "David Bowie is", la primera gran exposición dedicada al artista y que abre en el Museo Victoria & Albert de Londres el próximo 23 de marzo.

Todos los anteriores

Músico, diseñador y actor. Ícono del rock y de la moda. Genio vanguardista o un sutil ladrón. Más allá de sus muchos alter egos, ¿cuál de esos adjetivos define mejor a David Bowie? Todos los anteriores, parece ser la respuesta. La muestra del Victoria & Albert recoge las muchas dimensiones del artista, pero deja la pregunta abierta. El mismo nombre de la exposición (un escueto "David Bowie es") da señales de esto. Una invitación a que cada espectador haga su propio personaje.

"Él es un verdadero ícono, más relevante que nunca en la cultura popular. Sus innovaciones radicales en la música, teatro, moda y estilo todavía resuenan en el mundo del diseño y la cultura visual, y continúa inspirando a artistas y diseñadores alrededor del mundo", ha dicho Martin Roth, director de la institución, sobre la muestra.

Lo del V&A de Londres es un acto sin precedentes. Se trata de una de las exhibiciones más exitosas en la historia de la galería, con más de 30 mil tickets ya vendidos, lo que los obligó a alargar la fecha de exhibición del 28 de julio al 11 de agosto y agregar funciones nocturnas los días sábado. Pero, además, es la primera vez que un museo obtiene acceso al archivo completo de David Bowie, el que fue revisado durante dos años por los curadores Victoria Broackes y Geoffrey Marsh.

La muestra recorre la evolución del artista, abarcando desde los inicios de David Robert Jones como aspirante a músico en el pueblo inglés de Bromley y, como señalan desde el mismo museo, explorará los procesos creativos detrás del trabajo de Bowie, siguiendo su cambiante estilo y constante reinvención a lo largo de casi cinco décadas de carrera artística. Para esto se escogieron más de 300 objetos, entre los que se incluyen trajes originales, letras manuscritas, fotografías, videos musicales, maquetas de escenarios e instrumentos usados por el músico. Un lugar privilegiado tendrán también las variadas colaboraciones que ha hecho Bowie con destacados artistas de distintas disciplinas, especialmente del mundo de la moda, el diseño y la fotografía.

Entre los objetos más llamativos se encuentran más de 60 trajes usados por Bowie durante sus giras, incluyendo los emblemáticos trajes de cuerpo completo de Ziggy Stardust, diseñados por Freddy Buretti en 1972; las llamativas creaciones del diseñador Kansai Yamamoto (quien se encargó del vestuario para el tour de Aladdin Sane, en 1973) y la chaqueta con la bandera del Reino Unido, diseñada en conjunto por Bowie y Alexander McQueen para la portada del disco Earthling (1997). Junto con estos ítems, se encontrarán también objetos más personales como storyboards inéditos, set lists y canciones escritas a mano, así como algunos bosquejos dibujados por el mismo Bowie y fragmentos de sus diarios privados, revelando así la evolución de sus ideas creativas.

El más elegante de los ladrones

La misma pregunta que trata de responder la exposición del V&A Museum es la que se plantea el periodista y escritor inglés Paul Trynka, autor de Starman (2011), una las biografías más exhaustivas que existen sobre Bowie. Con entrevistas a más de 300 personas que lo conocieron, en mayor o menor grado, el autor intenta dilucidar si es que se trata finalmente de un genio como pocos o un ambicioso y calculador comerciante. Y es que Trynka lo dice sin titubeos: el joven David Jones no era un músico particularmente talentoso. Quienes lo conocieron durante sus años de adolescencia admiraban su estilo elegante y despreocupado, pero era su amigo, George Underwood, el que todos se imaginaban terminaría convertido en una estrella musical.

Pero lo que le faltaba a Underwood (y sobraba a Bowie) era la ambición. Una ambición que consiguió que un artista que en un primer momento fue considerado como un one hit wonder (o de un solo éxito) se convirtiera en uno de los íconos de la música y el arte contemporáneo. En eso tuvo mucho que ver su talento para tomar prestado elementos de otros músicos y artistas. Y es que desde los días en que sus compañeros de colegio le envidiaban su estilo a la hora de vestir, Bowie siempre tuvo un ojo privilegiado para tomar las tendencias que se convertirían en moda e imponer su gusto personal.

Trynka explica: "Puede que Andy Warhol hubiese puesto de moda este tipo de 'apropiación' en el mundo del arte, pero que un rockero declarase 'soy un elegante ladrón' desafiaba una idea sagrada. Ese saber calcular, esas dotes de hombre de negocios, según lo describe Iggy Pop, lo encumbraron como la pura antítesis de héroes del rock and roll como Elvis Presley".

Darren Pih, curador de la muestra "Glam!", del Tate Liverpool (en exhibición hasta el 12 de mayo de este año) -y que también incluye a Bowie como parte importante de la exposición- concuerda en destacar la influencia de Warhol en el músico, sobre todo en esto de la apropiación del high art para hacerlo popular. "Warhol fue inmensamente influyente para Bowie, especialmente a través de su interés en ideas como la de la celebridad que se hace a sí misma por medio de la transformación. De hecho, Bowie conoció a Warhol en Nueva York en 1971 y, al poco tiempo después, él adoptaría el personaje de Ziggy Stardust. Por esa época, además, la fotógrafa Cindy Sherman realizaba sus primeros trabajos, poniéndose a sí misma en lugares ficticios y de alguna forma haciendo hincapié en cómo la imagen de alguien es reflejo de construcciones mediales y un glamour idealizado. Fue un periodo fascinante para las artes y Bowie fue una figura clave en todo eso".

Para Paul Trynka, el talento principal de Bowie no son prodigiosas dotes musicales, sino que la capacidad para "reposicionar la marca" y reinventarse constantemente, algo que posteriormente tomarían prestado músicos como Prince, Madonna y Lady Gaga. Pero en las páginas finales de Starman (el que fue publicado en medio del silencio de diez años de Bowie, cuando se temía que el artista se hubiese cansado del mundo del espectáculo para siempre), el autor se preguntaba: ¿será capaz el hombre que se transformó a sí mismo de volver a hacer magia?

Dos años después, cuando Bowie acaba de lanzar (el lunes recién pasado) "The Next Day", su vigésimo séptimo disco de estudio y que ya cosecha críticas favorables, la respuesta parece ser que sí. El camaleón lo ha hecho otra vez.

Día Mundial de la poesía

Beto Cuevas lanza revelador libro de entrevistas y estrena muestra con sus dibujos en Miami

La Tercera


El arte de ser Beto Cuevas salió a principios de mes y mezcla conversaciones con sus pinturas.

por Claudio Vergara


Curioso. El documento más revelador en torno a la vida de Beto Cuevas tiene como inspiración los años en que Chile y Latinoamérica aún no conocían a un cantante llamado Beto Cuevas: esos días de los 70 y los 80 en que el futuro vocalista estudiaba diseño en Canadá y aún miraba con distancia los escenarios.

Se trata de El arte de ser Beto Cuevas, texto que cuenta con la coautoría del ex VJ de MTV Latino, Javier Andrade, que fue lanzado a principios de mes en México (desde Chile se puede conseguir vía Amazon) y que por primera vez recopila un voluminoso puñado de sus dibujos y sus pinturas. “Hace mucho tiempo que quería recopilar toda mi obra visual. Tenía un acuerdo con una editorial y de pronto aparece Javier, un gran amigo, y se ofrece de manera desinteresada para escuchar con grabadora todas mis vivencias asociadas a dibujos”, relata el artista en referencia al otro gran tramo del libro: las entrevistas donde revisa desde su infancia hasta hoy, en lo que asoma como el relato más riguroso acerca de su figura (aparte de incluir fotos inéditas).

“Pero no es una biografía definitiva de La Ley, es sólo mi visión. Y espero que ninguno de los aludidos se enoje”, advierte en torno a los pasajes que detallan los quiebres del trío y que rematan en la promesa de una posible reunión para 2015. “No lo hemos conversado, pero es una intención, porque ese año se cumple una década de nuestro fin. Es algo que me da vueltas y que ya habrá tiempo de tratar”, dice. Más allá del contenido, El arte de ser... también abre un nuevo rumbo: sus dibujos del último mes -personajes ficticios y que ha elaborado en su iPhone- se exhibirán en la próxima Feria de Arte Contemporáneo Art Basel, una de las más reputadas de EE.UU. y que se hará en diciembre en Miami. “Pero en ningún caso voy a dedicarme a las artes plásticas”, cuenta. Aquí, los mejores pasajes de su libro:

* Su infancia en los 70 en Venezuela: “Siempre de niño fui como más bien tímido y delicado, en el sentido de que no era un niño que salía a la calle a embarrarme”.

* El retorno a Chile en 1988: “Nosotros no llegamos a Canadá (en 1978, tras Venezuela) por problemas políticos, como mucha gente piensa. Veo muchas biografías que hablan de que volví a Chile después del exilio y la verdad es que no salimos por problemas políticos, pero sí mi padre en los años que vivimos en Canadá fue como una especie de activista. El tenía un programa en radio donde hablaba de Chile y derechos humanos”.

* El Cuevas político: “Chávez apareció para decir ¡ya basta! Que no le gusta a mucha gente es cierto, pero lo que él le ha dado a la gente pobre en términos de educación no se lo ha dado ningún gobierno anterior. Y los pobres quieren a Chávez. Lo puedes entender. Política populista o no, les ha dado lo que nunca fue considerado por otros gobiernos”.

* Andrés Bobe: “Si bien éramos una dupla creativa y nos respetábamos mucho, como en todas las duplas creativas fuertes, conmigo había tensión. El, como fundador del grupo, por su ego, hubiese querido tener el reconocimiento mayor como líder. Sin embargo, fui el último en llegar y me convertí en la cara y por lo tanto la prensa y las revistas, cuando hablaban de La Ley, hablaban del grupo de Beto Cuevas. Entiendo que a Andrés le haya hinchado las pelotas y que sintiera celos”.

* Las partidas de Luciano Rojas y Coti Aboitiz de La Ley: “Para ser honesto, no son integrantes que se fueron de la banda porque quisieron irse, son integrantes que fueron echados del grupo. En el caso de Coti, aunque ahora afortunadamente ya lleva más de 10 años de sobriedad, en esa época venía arrastrando problemas de exceso, con el alcohol y algunas sustancias. Hubo situaciones con él en que sentí que podía haberse muerto como Andrés, y la verdad es que no tenía ningún interés en volver a vivir eso. (…) El problema que tenía Luciano era el alcohol porque, a diferencia de otras personas, le impedía funcionar bien sobre el escenario (…). En un momento, lo que le dije a la banda fue que, si seguía Luciano, yo me iba”.

* Con Roger Waters: (En una fiesta en 2002 en Venezuela) subí brevemente a mi habitación y quedó Estela conversando con él. Y cuando vuelvo lo veo a Roger conversando así, como acaparando su atención, sonriendo. Y lo miro sirviéndole vinito y entonces me senté y no dije nada. ¡Roger se la quería llevar a la habitación! Pero le puse un bloqueo”.

* Su separación de Estela Mora: “Se acaba La Ley en 2005 y después de estar una década por todos lados, aterrizo para estar en la casa todos los días. Sin entrar en detalles, te diría que me costó… Porque yo había adquirido ciertas malas costumbres, disfuncionalidades de rockstar, que de alguna manera seguí manteniendo y eso no era compatible con una relación de pareja. Fue ver cómo la vida se nublaba, la vida se hizo de noche durante más de un año. Me fui a vivir a un departamento y fui una persona muy miserable y muy triste y, a pesar de todo, hice un disco”.

* El fin de La Ley: “Había mucho descontento de parte de Pedro (Frugone), porque a lo mejor él quería poner más canciones y meter más cosas, pero la musicalidad de Pedro no tenía mucho que ver con el concepto que habíamos conseguido en La Ley. (En el último show) él, por ejemplo, salió por otro lado del escenario sin despedirse y nunca más lo vi, y de hecho eso fue algo muy triste para mí, porque quería darle un abrazo. Lo busqué y no lo encontré. Años después nos volvimos a contactar por mail para reiterarnos nuestro cariño”.

* ¿Regreso en 2015?: “Sí. Cabe pensar que en un tiempo más podríamos hacerlo. Las bandas cuando se separan deben esperar 10 años para que, al volver, se genere algo”.

Stanley Jordan: "Para entender mi música tienes que escuchar con el corazón abierto"

El Mercurio


El guitarrista de jazz fusión, que llevó al límite el tapping tocando hasta tres guitarras en simultáneo, actuará el 11 de abril en el Teatro Nescafé de las Artes.

IÑIGO DÍAZ

"Lo recuerdo como si fuera ayer", dice el guitarrista Stanley Jordan. Pero eso ocurrió hace exactos veinte años, cuando el músico tenía 33 y daba su primer concierto en Chile, en el entonces llamado Teatro California, de Irarrázaval, ante mil 200 espectadores.

"Ese concierto incluyó a Ángel Parra. Fue genial ver a un guitarrista fino, de linaje musical y con talento. Después me encontré con una aspirante a cantante que demostró gran dedicación. Tuve la sensación de que estaba destinada a grandes cosas y mi impresión fue la correcta. El año pasado la vi hacer una maravillosa actuación en República Dominicana. Su nombre es Claudia Acuña", comenta.

El próximo 11 de abril, Stanley Jordan volverá a tocar en Chile, en el Teatro Nescafé de las Artes como parte del proyecto World Jazz Circuit, con su particular punto de vista musical. Se basa en una técnica de ejecución que, según los especialistas, Jordan ha llevado hasta el límite de las posibilidades. Se le conoce como tapping , modalidad que permite conseguir sonidos a partir del golpe de los dedos sobre las cuerdas. Pero alrededor del mundo, Stanley Jordan la presenta como touch technique . Un concepto vinculado al disco que lo lanzó al estrellato.

Editado por Blue Note, "Magic touch" (1985) se mantuvo 51 semanas en el número 1 en el Billboard y logró dos nominaciones al Grammy. En él mostró por primera vez los alcances del touch que Jordan a exhibirá en su tercera visita. En 2004 se presentó en Valparaíso: "Qué ciudad increíble y vibrante, llena de jóvenes y la inspiración artística en el aire. Recuerdo haber pensado que si yo viviera en esta ciudad, podría hacer mucha música nueva", evoca.

Jordan fue descubierto en las calles de Nueva York en 1982. Pocas veces actúa acompañado. "Voy a tocar solo, pero esta vez también tocaré el piano, que lo usé en mis últimos dos discos y lo he estado incluyendo en mis conciertos. Cuando se combina con la guitarra, se siente algo celestial".

-¿Cómo aprendió a tocar de esta manera?
"Lo hice de modo autodidacta desde 1977. Poco después supe de la existencia de Emmett Chapman, quien inventó el Chapman Stick (instrumento de cuerdas basado en el tapping ), y de Jimmie Webster, que ya tocaba así en los años 50. Y por supuesto, Eddie van Halen, que comenzó a tocar de esta manera más o menos al mismo tiempo que yo. No fui el primero, pero cuando empecé no tenía conocimiento de ninguno de ellos. Y para mí no es una técnica rara: simplemente significa tocar la guitarra".

-¿Cuál es la ventaja musical?
"Utiliza toques hammer-ons (presión de la cuerda) y pull-offs (pulsación de la cuerda) y otras técnicas para tocar con una sola mano. Esto permite que las dos manos sean independientes, produciendo un nivel de complejidad orquestal que es similar a un instrumento de teclado. También produce un tono claro y hermoso".

-Algunos críticos dicen que sus conciertos son más visuales que musicales.
"Hay personas que sólo pueden apreciar la técnica si están enfocados en ella. Para mí no es más que la herramienta para crear. Yo estoy enfocado directamente en la música. Si se quiere entender realmente mi música, hay que escuchar con el corazón abierto".

El histórico aterrizaje de The Cure

El Mercurio


Después de dos décadas y media de conciertos de rock internacionales a gran escala en Chile, pocas visitas eran tan esperadas como la de la banda de Robert Smith. Y es mucho lo que el grupo tiene pendiente para ponerse al día con el público local, como parte de un intenso inicio de la temporada de conciertos 2013.  

Por David Ponce

Era un Perry Farrell en especial locuaz el que se dedicó a hablar con la televisión y la prensa locales hace dos años, para incrementar la expectación sobre la noticia de la temporada de conciertos de 2011 en Chile: el debut en Santiago de Lollapalooza, el festival rockero estadounidense que Farrell inventó en 1991. Pero aún con todo su entusiasmo, el cantante de Jane's Addiction tenía una mala noticia que dar, frente al deseo de la audiencia de tener a The Cure en ese festival. Lo intentó, pero...

A Robert Smith, el cantante de la banda, no le gustan los aviones, confidenció Perry en un noticiero. Era información de primera fuente, The Cure estaba descartado. Solo una fuente mejor podía desmentirla, y es lo que ocurrió dos años más tarde, cuando en enero de 2013 el anuncio de la gira sudamericana apareció actualizado en las noticias del sitio oficial del grupo. Y con un párrafo suscrito por el propio Robert Smith: "Estamos delirantemente felices de volver a Sudamérica por fin. ¡Hemos estado lejos por demasiado tiempo! Vamos a tocar un show de más de tres horas, y tenemos la intención de hacer de esta la gira más memorable de The Cure".

Más de tres horas puede parecer mucho tiempo para la duración promedio de un show. Pero si va a durar eso, cada minuto del concierto de The Cure estará justificado por el tiempo mucho mayor que el público local pasó esperando esa noticia. En una época en que la gran mayoría de los nombres de primera línea del mercado musical pop internacional ya han venido a Chile, desde Michael Jackson a Madonna, desde Paul McCartney a los Rolling Stones, desde Dylan a Bowie, desde Serrat a Silvio Rodríguez, desde Roger Waters a U2, desde Björk a Radiohead, desde R.E.M hasta Pearl Jam, son pocos los nombres de esta liga que falta por ver: Nirvana, salvo que Cobain resucitara; Pink Floyd, salvo que Gilmour y Waters se reconciliaran; The Cure, salvo que Robert Smith se subiera a un avión.

Cuando Smith se baje de un avión el mes próximo en Santiago, serán generaciones las que estarán esperando en el Estadio Nacional para ver a su banda en vivo. Es demográfico: pocos grupos tienen una audiencia más transversal. Empezaron a grabar en 1979 y sus discos circularon incipientes por el underground de los 80 en Chile, pero hubo que esperar a la segunda mitad de la década para ver por primera vez un videoclip suyo en "Magnetoscopio musical" mientras salía a la venta un casete llamado "Con la cabeza en la puerta", versión de fabricación local de "The head on the door" (1985). Y fue el inicio de una lista de éxitos demoledora, desde "Boys don't cry" (1980), "In between days" y "Close to me" (1985), "Why can't I be you", "Catch", "Just like heaven" y "Hot, hot, hot!!!" (1987), "Lullaby" y "Lovesong" (1989), "Never enough" (1990), "High" y "Friday I'm in love" (1992) o "Mint car" (1996) hasta discos recientes como "Bloodflowers" (2000), "The Cure" (2004) y "4:31 dream" (2008).

Todo está sembrado ahora, con años de influencia. The Cure es relevante hoy para los pocos enterados en tiempo real de la new wave y el post punk de los 80 en Chile, para esas legiones de colegiales que se aprendieron "Boys don't cry" a fines de la misma década, para las generaciones completas que los han venido consumiendo en radios de adulto joven desde los 90 a la fecha, para el mismo público indie juvenil que hoy está terminando de redescubrir a otro grupo transversal como Los Prisioneros. Para cerrar la fórmula, este es ahora un país donde toda esa gente tiene poder adquisitivo y donde además es sabido que el público compra sin chistar y con gran disciplina algunas de las entradas más caras del mundo por ver conciertos. Aquí The Cure hoy son una liga en sí mismos: de lo poco que realmente faltaba por ver en vivo.
14 de abril. Estadio Nacional. Desde $23.000 a $150.000 por Puntoticket.com.


Los otros elegidos de la agenda musical

Aznavour:No te despidas nunca
La última vez que aterrizó en Chile fue en 2008 y el aviso era que se trataba de su gira de despedida. Pero está todo bien con que no haya sido así: la ocasión de volver a ver en acción a Charles Aznavour siempre será una buena noticia. Volverá apenas unos días antes de cumplir 89, a mostrar una vez más por qué, mucho más que un cantante, es una leyenda viva. Con una orquesta de diez músicos a sus espaldas y el oficio de siete décadas de carrera, Aznavour es un actor y un anfitrión consumado de sus canciones en escena, y ellas son un repertorio impagable. 18 de mayo. Movistar Arena. Desde $13.700 a $182.400 por Puntoticket.com.

En gran escenario:Ángel Parra
Parra se mantiene en movimiento entre Chile y Francia, donde vivió en el exilio, y en marzo va a brindar la ocasión de verlo como pocas veces aquí: sobre el escenario de un gran teatro. Un cancionero con base en la discografía de cinco décadas que tiene a su haber será su argumento, a solas con la guitarra, pero también con invitados como sus hijos Ángel y Javiera Parra. 23 de marzo. Nescafé de las Artes. Desde $8.000 por Ticketek.

Rock and roll yo:Chuck Berry
Astro máximo en la primera fila de agitadores juveniles que inventaron esa fiebre llamada rock and roll en los años 50, es responsable de haber prendido fuego a ese quiebre no solo musical sino generacional, con impactos del calado de "Johnny B. Goode" o "Roll over Beethoven". Esto es una clase de rock and roll y de música popular. 16 de abril. Movistar Arena. Desde $13.700 por Puntoticket.com.

Trío de solistas: Anneke, Rufus y Regina
La cantante holandesa Anneke Van Giersbergen llega a comprobar la fidelidad de sus fans, válida desde que era la cantante de The Gathering.  Más amplias son las coordenadas del canadiense Rufus Wainwright: desde la canción melódica y la influencia del cabaret hasta el pop de cámara, los arreglos orquestales y hasta la ópera son elementos que han hecho de él uno de los cantantes con mayor carácter en su tiempo. Y por segunda vez viene Regina Spektor, destacada con nitidez entre las autoras más personales de la década pasada hasta la fecha.
Anneke Van Giersbergen. 20 de marzo, Teatro Nescafé de las Artes// Rufus Wainwright. 13 de mayo. Nescafé de las Artes// Regina Spektor. 3 de abril. Movistar Arena.

Siete chilenos desembarcan en el mayor festival de rock latinoamericano

El Mercurio


Artistas como Álex Anwandter se presentarán en México para Vive Latino, que comienza mañana. Es la segunda mayor delegación extranjera presente en el festival, después de los españoles.

JOSÉ VÁSQUEZ / Enviado especial

CIUDAD DE MÉXICO.- Un chilango (como se apoda a los habitantes de Ciudad de México) grita desesperado al escenario pidiéndole una canción de Teleradio Donoso (su ex banda) a Álex Anwandter. Al fondo, otra mexicana baila arriba de la silla y le grita al chileno, diciéndole que es el mejor. El martes en la noche, el compositor de "Tatuaje" realizó una breve presentación en el Black Horse del D.F., un bar estilo cantina estadounidense. El DJ disparaba más rock que pop -el estilo musical de Anwandter-, pero en la cultura mexicana, que tiene un margen mucho mayor de aceptación de estilos que en nuestro país, funciona sin problemas y todo el mundo es bienvenido.

El lugar ubicado en la bohemia colonia La Condesa estuvo repleto, en un preámbulo a pequeña escala de lo que sucederá desde mañana hasta el domingo, cuando más de 80 mil personas asistan diariamente a la décima cuarta versión del Vive Latino.

Este año lideran el festival más grande de México Blur y Yeah Yeah Yeahs como espectáculos anglo y Los Fabulosos Cadillacs, Nortec Collective y una delegación de siete nombres nacionales encabezados por Chico Trujillo, Gepe, Álex Anwandter y Camila Moreno como números en español.

A ellos se suman Mostro, Aiken y Sonido Landon, el alter ego de Andrés Landon, un músico y productor santiaguino radicado en México, donde hizo carrera no solo arriba del escenario: también fue uno de los responsables del éxito de Carla Morrison, la última voz azteca femenina en alcanzar popularidad. A ella le produjo "Déjenme llorar", un álbum que acaba de ganar dos premios Grammy.

El Vive Latino, que tuvo una versión en Chile en 2007 -la única ocasión en que ha salido de su país- se realiza en el Foro Sol, un lugar especialmente acondicionado para conciertos, que se inició como un autódromo y que es ocupado durante el año como un estadio de béisbol.

En ese lugar también cantará como artista invitada Francisca Valenzuela. La voz de "Muérdete la lengua", que viene de una actuación consagratoria en el último Festival de Viña del Mar, fue invitada por el dúo electrónico Sussie 4 para cantar la canción que grabaron juntos, "Mucho corazón".

Abundan los comentarios y notas publicadas en importantes medios de Inglaterra, España y Estados Unidos sobre el buen presente del pop chileno, además del emergente cine nacional. En la música, nombres como los de Astro, Ana Tijoux, Javiera Mena, Álex Anwandter y Gepe acaparan los principales elogios. Excelentes reseñas que sirven para destacarlos en el mapa, pero que aún no les alcanza para posicionarse popularmente y alcanzar la masividad.

Por eso, instancias como el Vive Latino son una buena oportunidad para eso y reflejo de que en Chile se están haciendo las cosas bien. Que siete bandas chilenas digan presente en el festival más grande de este país no es casualidad. Tampoco que el sábado Manuel García realice un concierto en el D.F. en un foro contiguo al Auditorio Nacional, uno de los principales escenarios aztecas. Este fin de semana, la música chilena sonará más fuerte que nunca en México.

Morrissey canceló

El británico no viajará al festival, donde tocaría hoy, producto de una severa neumonía que lo ha tenido hospitalizado. Con la caída de este concierto, la inauguración del evento se corrió para mañana.

Hijo de Gato Alquinta es despedido de Los Jaivas: "Ha sido triste y doloroso"

La Tercera


Ankatu Alquinta fue reemplazado por el guitarrista Alan Reale. El grupo explica que el músico "se lanzó con su proyecto personal".

por Marcos Moraga


El 15 de diciembre de 2012, el guitarrista y músico Ankatu Alquinta blandió su guitarra por última vez frente a Los Jaivas, en un concierto que la banda ofreció en el frontis de la Municipalidad de Lo Prado. En su memoria, fue una presentación compleja: el día anterior, el músico pactaba su salida desde el grupo al cual ingresó en 2003 para asumir el vacío que su padre, Eduardo 'Gato' Alquinta, dejó tras su muerte el 15 de enero de ese año.

"El tema de fondo es que estoy en varios proyectos paralelos y Los Jaivas no me dieron la posibilidad de compatibilizarlos", comenta Alquinta, aludiendo a su trabajo  en la banda Chilatin Beats (que esta noche se presenta en el bar Onaciú, barrio Bellavista) y también en su carrera solista.

Desde las filas de Los Jaivas matizan la partida. "Se lanzó con su proyecto personal y no hay mucho más que contar", comenta el pianista Claudio Parra. La noche del martes la banda presentó el DVD de Obras cumbres, un antología que recopila videoclips a través de los 50 años de vida de la agrupación. Durante ese lanzamiento, el guitarrista Alan Reale ya ocupaba el lugar de Alquinta. "Es un músico que ha sido cercano a nosotros por 20 años, al menos", relata Parra.

TRAUMA Y SALIDA
La salida de Ankatu Alquinta se precipita justo cuando Los Jaivas entran en el año de celebración para sus cinco décadas. "Sería absurdo que me negara a tocar con Los Jaivas en el año del medio centenario", dice el músico saliente. Y continúa: "Ellos tributan su propio legado y eso está bien. Tanto, que han logrado constituirse en una empresa, donde yo sólo era un empleado. El problema es que yo necesitaba ser un artista vigente".

El guitarrista cuenta que en diciembre conversó con los otros integrantes del grupo y jugó su última carta: "Puse, como alternativa, dejar de lado mis proyectos. Me tuvieron esperando dos semanas y pensé que iba a seguir. Suspendí todas mis actividades, por exclusividad con ellos. Después me dijeron que no les gustó (la alternativa) y me pidieron que me fuera".

Formalmente, desde enero, Alquinta ya no forma parte de Los Jaivas. "Fue traumático. Fue negarme la posibilidad de seguir con el legado y herencia del Gato. Ha sido un período triste y doloroso. Sin embargo, en Los Jaivas no veo algún tipo de conmoción", comenta. El hijo del fallecido cantante insiste, sin embargo, en que guarda "un gran cariño por Los Jaivas", pero que, al interior de sus filas, "el trabajo creativo ya no existe".

Los 50 años ayudan a entender la partida de Ankatu, según explica Parra: "De esta banda ya se ha ido gente. Lo hizo el 'Pájaro' Canzani, también Alberto Ledo y Eduardo Parra, que no pudo seguir tocando y no hay mucha diferencia con lo de ahora. Son cosas que ocurren en la vida".

El proyecto más cercano en el calendario de celebraciones de la banda viñamarina es la exposición que, durante todo agosto en el Museo Nacional de Bellas Artes albergará una muestra de objetos, pinturas e instrumentos históricos recopilados en medio siglo de carrera musical.

Renuncia masiva de integrantes del coro remece al Teatro Municipal de Temuco

Radio Bío Bío


El Teatro Municipal de Temuco ha hecho público un comunicado donde se refiere a la renuncia masiva de sus 47 integrantes. Se rebelan ante la decisión de su directora Constance Harvey, quien decidió no renovar contrato al maestro Eduardo Gajardo como Director del Coro.

Esta situación ha motivado la solidaridad de sus dirigidos. Esteban Villagrán, vocero del movimiento, dice que “durante el proceso pudimos observar que las descalificaciones se transformaron en ofensas a los integrantes. Se habló de mala disciplina, incluso de mala calidad del coro”.

“Nosotros vemos que nuestro trabajo ha sido menospreciado. Nuestra motivación y sentido de pertenencia ha disminuido y no nos reintegraremos al coro mientras la señora Harvey y el señor David Ayma, director de la orquesta, sigan en la dirección del teatro”, enfatiza Villagrán.

Más información: Facebook Coro Municipal de Temuco

Comunicado de Prensa

Motivo: Renuncia masiva de integrantes del Coro del Teatro Municipal de Temuco

Como es de conocimiento público, la Directora del Teatro Municipal de Temuco, Sra. Constance Harvey, decidió a mediados del mes de diciembre del año recién pasado no recontratar al maestro Eduardo Gajardo como Director del Coro del Teatro Municipal de Temuco. Ante esta situación, que los integrantes del elenco consideramos injusta y carente de fundamentos, iniciamos una respetuosa movilización con el objetivo de revertir esta decisión.

El día de ayer hemos recibido una carta enviada por el Sr Alcalde Miguel Becker, en donde señala que en reunión de la Corporación Cultural se ha decidido por unanimidad respaldar la no recontratación del Maestro Eduardo Gajardo como nuestro Director.

Ante esto queremos manifestar que nos parece insólito que se haya respaldado una decisión que fue justificada con argumentos faltos a la verdad e inconsistentes, como fueron los desafortunados dichos que la Sra. Harvey expuso en el informe entregado al Concejo Municipal, que incluso hacía alusión a supuestas descoordinaciones con el tenor Tito Beltrán en la “Gala del Canto Coral”, cosa que fue desmentida directamente por el artista.

Por otro lado, durante este proceso pudimos observar que el problema pasó a ser un ataque directo en contra de los integrantes del Coro, ya que tanto la Sra. Harvey como el Sr. David Ayma, Director de la Orquesta, argumentaron que el Coro presentaba mala calidad y problemas de disciplina, temas sobre los cuales nunca se recibió crítica alguna.

Así mismo, la Directora del teatro avisó públicamente que se realizarán audiciones para la selección del elenco de lo que llamó el “Nuevo Coro”, lo que puede ser entendido como una expulsión implícita a los actuales integrantes, cosa que reafirma el hecho de que señaló a la prensa de que “nadie puede renunciar a algo donde aún no se es parte”, evidenciando que ya no nos considera integrantes del Coro y demuestra su desinterés por continuar el trabajo realizado en estos 13 años, trabajo que mereció el reconocimiento de artistas de renombre nacional e internacional. Además, luego de haber sido duramente criticada nuestra calidad como coro, el día lunes recién pasado se nos hizo llegar un correo electrónico invitándonos a audicionar ya que, según ella, nuestra “experiencia musical y escénica son una enorme contribución para la nueva etapa que iniciaremos con el Coro”. Ello nos parece una dualidad de opinión que más parece una medida paliativa y bordea en lo burlesco.

En conclusión, creemos que la actitud de la Sra. Harvey, lejos de ser conciliadora y de tratar de solucionar el conflicto, ha sido más bien autoritaria, antojadiza y que ha sido mal asesorada. Así mismo, es evidente que el objetivo es desarticular el coro existente y formar uno que se adapte a sus requerimientos y manipulaciones.
Como ciudadanos de Temuco, que estuvimos trabajando por tanto tiempo en este hermoso proyecto que buscaba brindar espacios para la cultura a los habitantes de esta ciudad, sentimos que hemos sido menospreciados y que se ha perdido el sentido de pertenencia y la motivación.

Es por esta razón, y no por la existencia de un nuevo Director, que más del 90% de los integrantes activos ha decidido no reintegrarse mientras la Sra. Harvey y el Sr. Ayma estén a cargo de la Dirección del Teatro. Esta decisión, no pretende ser una medida de presión o de revancha, sino que es una consecuencia natural de este proceso, puesto que las relaciones se encuentran muy afectadas y la convivencia sería muy compleja.

Lamentamos que esta situación haya llegado a estas instancias y deseamos agradecer a la comunidad, a los concejales, en especial a don Roberto Neira, y a los medios de comunicación que nos han apoyado. Por tal motivo, como una forma de manifestar esta gratitud, ofreceremos a la comunidad un Concierto de Despedida, ahora como ex-integrantes, el que se realizará en una fecha que confirmaremos en los próximos días y que será dirigido por el maestro Eduardo Gajardo, a quien entregamos nuestro incondicional apoyo y le manifestamos públicamente nuestro deseo de continuar bajo su dirección en los nuevos proyectos que él emprenda.

Ex Integrantes Coro del Teatro Municipal de Temuco
Firman: 47 personas

Claudio Parra, miembro de Los Jaivas: "Darse cuenta que son 50 años es sorprendente"

La Tercera

El pianista de la legendaria banda reveló los detalles de "Obras cumbres", un DVD que recopila videoclips e inéditas grabaciones, dando inicio a las celebraciones por sus cinco décadas sobre los escenarios.

por Patricia Reyes


Los Jaivas han tenido un verano bien movido. Así lo describe Claudio Parra, pianista y fundador de la agrupación. "Y ahora viene la época de vendimias y las fiestas de las universidades", enumera, recordando que ya en abril deben hacer nuevamente sus maletas para llegar a Buenos Aires, donde realizarán un concierto en el Teatro Ateneo.

"Claramente, de aquí no paramos", analiza el músico, recordando que el 15 de agosto próximo se conmemoran los 50 años de Los Jaivas sobre los escenarios.

"Darse cuenta que son 50 años es sorprendente. Y poder seguir haciéndolo y contar con el apoyo de la gente es maravilloso", asegura.

Pero los festejos comenzaron desde esta semana, cuando fue lanzado el DVD "Obras cumbres", un compilado de videoclips y grabaciones inéditas de sus mayores éxitos.


"Es un material que recorre toda la historia del grupo con imágenes, videos musicales a lo largo de nuestra carrera desde comienzos de los años 70 hasta la actualidad", explica Parra.

Son 19 clásicos seleccionados por los miembros de la banda, lo que llevó a producir un DVD doble. "Al principio pensamos que sería algo corto, no habíamos imaginado a lo que podíamos llegar. En un momento teníamos más de 30 videos, eran demasiados, había que seleccionar. Finalmente quedaron 19, haciendo dos horas y media", relata.

El proyecto comenzó hace unos tres años, cuando Sony Music les propone continuar el disco "Obras cumbres" con un compilado audiovisual. "Las imágenes estaban guardadas en nuestros archivos esperando el momento para salir", comenta el artista. Un trabajo arduo que además de ser un regalo para sus fanáticos, tuvo mucho sentido para los integrantes de la banda.

"Se puede apreciar el recorrido del grupo, los cambios de la formación, las desapariciones de nuestros compañeros. Es emocionante porque nosotros vivimos eso y fuimos reviviendo todo, tantos lugares que nos ha tocado recorrer, los que no están con nosotros…", cuenta Parra recordando las muertes de sus compañeros Gabriel Parra, el destacado baterista fallecido en 1988 y el vocalista Eduardo 'Gato' Alquinta, quien dejó de existir hace 10 años.

El compilado de imágenes reúne, además de sus clásicos videos, grabaciones inéditas de algunos temas que se hicieron en el extranjero. "Hay un video interesante realizado con música de El Gavilán de Violeta Parra. Le hicimos los arreglos y a un amigo cineasta, más menos en 1983, le interesó esta música e hizo un videoclip. Grabamos en la casa donde vivíamos en Paris y los actores son nuestros hijos. Juanita (Parra), por ejemplo, estaba chica. Eso es emocionante", relata el artista.

Pero el músico se atreve a revelar: "las grabaciones más sorprendentes no alcanzaron a quedar en este DVD. Quizás da para una segunda versión”, adelanta. "Por ejemplo, quedó fuera un montón de grabaciones que hicimos nosotros mismos durante una gira por la Unión Soviética en 1983. Pero para la próxima…", asegura.

LA GRAN CELEBRACIÓN

En agosto de este año, la fecha exacta en que se cumplan los 50 años de la banda, se estrenará una inédita exposición en el Museo de Bellas Artes. Además de la muestra de René Olivares, el pintor que ha creado todas las carátulas de sus discos, la agrupación pondrá a vista del público una serie de artefactos de culto.

"Estará la batería de Gabriel (Parra), esa que todos recuerdan de Alturas de Machu Picchu, la de 12 timbales. Estaba guardada en Francia, así que la restauramos. Asimismo estarán las guitarras del Gato (Eduardo Alquinta)", revela el pianista.

Los espectáculos suspendidos tras la clausura de Club Chocolate

La Tercera


El más próximo estaba a cargo de la banda tributo a Los Beatles este jueves, mientras el show del grupo Los Tetas y De Kiruza para el 21 de marzo también fue cancelado.

por Patricia Reyes


Tras la clausura de Club Chocolate, una seguidilla de conciertos y presentaciones comenzaron a ser suspendidas. El cierre del local, ubicado en pleno barrio Bellavista, ocurrió luego de los destrozos generados tras la presentación de la banda norteamericana de raíces latinas Los Crudos, realizada en ese recinto el lunes 11 de marzo.

Durante la tarde del martes, la municipalidad de Recoleta informó al local de su clausura, por lo que debió reubicarse el concierto que el británico Paul Banks, vocalista y guitarrista de Interpol, comenzaría a las 21.30 horas. Según indicó la dueña del local, Gema Gómez, el anuncio fue realizado solo dos horas antes del show "cuando todos los instrumentos estaban en el escenario y la gente comenzaba a llegar", tras lo cual la productora Transistor resolvió cambiar locación a Blanco Encalada 2850.

Fue el comienzo de las suspensiones de las presentaciones agendadas por el recinto, que cuenta con un nutrido calendario hasta mayo próximo.

Para el jueves 14 de marzo, se esperaba la presentación de Siempre Beatles, banda tributo a la legendaria agrupación de Liverpool y que ya fue cancelada.

Posteriormente, el jueves 21 de este mes se esperaba el show de la banda nacional Los Tetas junto a De Kiruza, conciertos que tampoco se realizarán y que aún se desconoce si se llevarán a cabo.

"Tenemos que suspender todos los show que había, pero lo más probable es que exista bandas que me van a demandar por no cumplimiento de contrato, aunque hay varios con los que tenemos buena relación y que ya aseguraron no tener problemas", relata Gómez.

La dueña del recinto además, aprovechó de aclarar que la patente de funcionamiento como discoteca está al día "y pagada hasta junio de 2013, no como se dijo en la prensa sobre la clausura por no contar con ella".

Sobre la idoneidad del local para este tipo de eventos, Gómez señaló que el recinto tiene una capacidad de 900 personas y que "en ningún caso hubo más de mil asistentes como se ha dicho. De hecho había unas 750 para el concierto de Los Crudos, porque nosotros lo chequeamos".

Finalmente, Gómez aseguró  que los efectos del cierre de su local afectarán tanto a sus trabajadores (de los cuales unas 60 personas podrían perder su empleo), pero también a su rol como promotores de la música.

"Somos una casa cultural demasiado importante donde damos cabida a todo tipo de música y artistas. Hay un daño cultural para muchas bandas, sobre todo para las emergentes. Permitimos hacer lanzamientos sin cobrar, somos precursores de la música. Todo esto ha sido súper injusto", concluye.

Mientras se desconoce el tiempo que el local podría estar fuera de funcionamiento, los organizadores evalúan la realización del concierto de la banda norteamericana Passion Pit el próximo 5 de abril, como sideshow de Lollapalooza. Para el 2 de mayo, además, se esperaba el lanzamiento del nuevo disco de la banda chilena Silvestre.

“Festival De Música Al Margen” Retoma Su Programa De Conciertos

El Festival de Bandas Emergentes “Música al Margen” retoma su programa de actividades este sábado 16 de marzo, contando con la participación del grupo metal “Dorso”. Esto luego de suspender el evento en pleno desarrollo debido al atraso de los fondos adjudicados por el Fondo de la Música del Consejo Nacional de la Cultura y las Artes (CNCA).

Con gran afluencia de público se llevó a cabo la inauguración de la 3ra Versión de Festival de Música al Margen el sábado 2 de marzo. Tres bandas emergentes sobre el escenario y el consagrado grupo de punkrock “Los Miserables” impulsaron el inicio de este gran evento musical en La Pintana, que terminó por mencionar a “Signuz” (banda de pop rock) como la primera banda emergente clasificada para la gran final. Sin embargo, el retraso de los recursos ya asignados por el Fondo de la Música de CNCA hizo insostenible la segunda jornada y los organizadores tuvieron que suspender el evento programado para el sábado 9 de marzo, donde ya contaban con el esperado concierto de “Cómo Asesinar a Felipes (CAF)” y una clínica de stick bass con Silvio Paredes, uno de los fundadores de la banda ochentera “Electrodomésticos”.

Luego de una semana de incertidumbre por fin salió humo blanco desde el Fondo de la Música y hubo buenas noticias para el Festival de Bandas Emergentes de La Pintana. Los recursos asignados ya estaban dispuestos para continuar con el evento festivalero que busca promocionar bandas nacionales en potencia. De esta manera la organización decidió retomar su plan de actividades programadas, que además de conciertos de grupos consagrados, esta vez cuenta con espacios de conversación y educación musical a través de clínicas de bajo y guitarra.

Grupo "Resonancia Femenina": Mujeres ganan terreno en la composición

El Mercurio


Tres autoras están mostrando en Chile y el mundo que poseen un imaginario en común.

Romina de la Sotta Donoso

"Estoy convencido de que en el género femenino hay un imaginario en la creación que es ciertamente distinto del masculino. Pero la sociedad ha insistido en que la composición no está ligada necesariamente a las mujeres, y ellas se han terminado por convencer. Por eso, sólo se puede consignar a diez compositoras en nuestra historia", dice Boris Alvarado (1962), profesor de la UCV.

Por lo mismo, hace tres años fundó el inédito grupo de trabajo e investigación "Resonancia Femenina", con tres ex alumnas suyas de composición: Fernanda Carrasco (1984), Valeria Valle (1979) y Natalie Santibáñez (1971).

"La misión de este grupo es difundir la labor musical de las mujeres", agrega Alvarado, quien el año pasado dirigió los estrenos de "Aiwin", de Carrasco, y de "Michelada", de Valle, Obra por encargo 2012 de la SCD. Y para este año programó dos piezas de Santibáñez.

"Resonancia Femenina" está alcanzando notoriedad internacional: la compositora mexicana Leticia Armijo los invitó al XVII Encuentro "Mujeres en el arte", en México, a fin de mes. Con apoyo de un Fondo de la Música, Valle, Carrasco y Santibáñez darán conferencias sobre su obra y Alvarado esbozará una panorámica. Además, se estrenarán cuatro obras chilenas en el Palacio de Bellas Artes de México. Los cuatro ofrecerán un adelanto de estas conferencias a las 19:00 horas de hoy, en la Biblioteca Nacional (Alameda 651, gratis).

En agosto lanzarán el cedé "La resonancia femenina. Música de compositoras chilenas del siglo XXI", repertorio que será interpretado en vivo en julio, en el GAM, en el evento "La escritura femenina. Música Contemporánea desde Valparaíso".

Los Jaivas presentan “Obras Cumbres” en DVD

Comunicado de prensa


En el año de la celebración de sus 50 años de carrera, la banda sorprende con un clásico ahora en formato audiovisual.

Se trata de la primera colección de videos musicales de Los Jaivas. Un DVD doble con 19 clásicos extraídos de toda la discografía del grupo, que invitan a viajar a través del tiempo para descubrir la mágica historia de la banda.

Ordenados cronológicamente cada uno de los videos seleccionados destaca algún hito en la trayectoria de la banda. La recopilación, que incluye registros que van desde 1972 hasta el 2009, se transforma en una biografía audiovisual del grupo, haciendo un recorrido por su historia, distintas formaciones y cambios, al pasar de los años.

La recopilación incluye algunos videoclips de la banda pero principalmente se trata de videos musicales de actuaciones en vivo e imágenes de archivo. En el compilado destacan extractos de sus presentaciones en: Antártida, Machu Picchu, Putre, Isla de Pascua, Las Torres del Paine, Sewell, Desierto de Atacama, Paris (Francia) y Colonia (Alemania), entre otras.

El DVD, distribuido por Sony, ya está a la venta a un precio aproximado de $19.000 en diversas tiendas del país.

El lanzamiento de este nuevo trabajo se da en el marco de la celebración de “Medio Siglo” de la banda. Festejo que este año además implicará la realización de otras actividades como: edición de libros y exposiciones fotográficas, para finalizar con un recital gratuito en el Museo Nacional de Bellas Artes el próximo 15 de agosto. Misma fecha en que se festeja el Día Nacional de la Música, en honor a este grupo.

Los Jaivas "Obras Cumbres" [2 DVD]

DVD 1

1. Mañana Cuando Llegues

2. Mira Niñita

3. Águila Sideral

4. La Poderosa Muerte

5. Canción Del Sur

6. El Dormilón Imposible

7. El Gavilán

8. Dónde Estabas Tú

9. Hijos de la Tierra

10. Cerro de la Virgen

DVD 2

1. Todos Juntos

2. Mambo de Machaguay

3. Arrebol

4. En El Tren a Paysandú

5. Sube a Nacer Conmigo Hermano

6. Tarka y Ocarina

7. Takirari del Puerto

8. La Conquistada

9. Que o la Tumba Serás

10. Créditos: "Viva La Gente"

Camila Meza: Otra jazzista chilena debuta en el Village Vanguard de NY

El Mercurio

La guitarrista y cantante actuará en el histórico club junto al cubano Fabián Almazán, mientras prepara su estreno en el Jazz Standard.

IÑIGO DÍAZ

"Somos extranjeros y eso nunca va a cambiar", reflexiona Camila Meza desde su departamento en Prospect Park, de Brooklyn. "En estos años se ha creado una comunidad de músicos que en el fondo son una familia. Me siento muy en casa", agrega la guitarrista y cantante, que en 2009 llegó a Nueva York para estudiar en la New School for Jazz and Contemporary Music.

Durante marzo tendrá protagonismo en las esferas del jazz joven de la ciudad: si bien suele tocar en clubes del Village como Smalls, Zinc Bar y The Next Door Bar, la chilena llegará a nuevos escenarios.

El 20 de marzo se presentará por primera vez en el Jazz Standard, un club para 130 espectadores, cuya programación del mes anuncia a figuras como el trompetista Dave Douglas, los bateristas Antonio Sánchez y Kendrick Scott y la Mingus Orchestra.

"No es fácil conseguir fechas allí. Un día acompañé al cantante Sachal Vasandani y me recomendaron. Para mí es todo un logro", dice. Meza liderará un cuarteto con el reconocido pianista Aaron Goldberg, el contrabajista Ben Williams y el baterista Clarence Penn. Mostrará un repertorio latinoamericano, canciones de Víctor Jara y arreglos personales de temas de Radiohead, Björk y Eliott Smith.

Pero antes ella aparecerá dos noches en el Village Vanguard, escenario subterráneo sede de las mayores grabaciones en directo realizadas por John Coltrane y Bill Evans en los años 60, y del que se ha dicho es el club de jazz más importante del mundo. Meza actuará el 15 y 16 de marzo con el pianista cubano Fabián Almazán. "Al comienzo tenía descartada la posibilidad de actuar allí, porque tiene muy poca programación de cantantes. Cuando Fabián me dijo que me quería en su grupo fue increíble. Es uno de los lugares con más historia de Nueva York y no lo voy a desaprovechar".

Presidenta de fundación no reconoció casa natal de Violeta Parra

San Carlos On Line


“Acordamos que no íbamos a publicitar ésto, ni hacer entrevistas, ni nada”, con esa frase concluyó  su visita a la casa natal de Violeta Parra,  Isabel (Cereceda) Parra, presidenta de la Fundación Violeta Parra.

Ayer pasadas las 17,30 horas  la presidenta de la Fundación Violeta Parra llegó hasta la casa natal de la insigne folclorista, en una visita que  estuvo marcada por lo tenso del ambiente que evidenció las diferencias entre la Corporación Itihue y el municipio de San Carlos.

El municipio había dispuesto que sus funcionarios explicaran la historia del proyecto y se refirieran a las obras que se pretende desarrollar, luego de la restauración.

La visitante se encargó de calificar la mayoría de los testimonios exhibidos en  el recinto “como poéticos”  y les restó validez histórica. “De la misma manera que se empieza a crear todo este mito (historia de Violeta Para y de la familia), se comienza a distorsionar poéticamente todo”.

Lo mismo hizo cuando  el Alcalde Gebrie le señaló a otro Parra  que visitó anteriormente la casa, Lautaro Parra. En esa ocasión el visitante que hoy vive en Suecia, señaló un lugar y dijo “aquí mi padre tenía un escritorio”, frase que más del alguno cuestionó. Sobre las afirmaciones de Lautaro Parra, la presidenta de la Fundación dijo que los dichos de Lautaro entran en el rubro de la mitología y agregó “Lautaro es uno de los menores de los Parra y cuando éramos chicos a él le decían Capitán mentira”.

A esa altura  la comitiva comenzó a inquietarse y tras una breve visita al patio  pasó rápidamente por los antecedentes expuestos en las murallas y  cuando el Alcalde intentó  testimoniar la copia del Acta de nacimiento de Violeta Parra, que da cuenta que nació en esa dirección,  la visitante la minimizó señalando que  ya la conocía. Rápidamente se despidió  y cuando le pedimos su impresión- diciéndole- Después de esta visita, qué declaración nos puede hacer, nos dijo: “No. Esta es la primera venida y acordamos (?) que no íbamos a publicitar ésto, ni hacer entrevistas, ni nada”.

Cabe recordar que la visitante pronto inaugurará su museo denominado “La jardinera”  en la calle Vicuña Mackenna, a pasos de Plaza Italia en Santiago y que tuvo un financiamiento del Consejo de la Cultura de $ 920 millones.

José Miguel Márquez: "En todo lo que hago está presente mi origen, mi gente y mis raíces"

Cancioneros.com

por Víctor Tapia 

José Miguel Márquez, cofundador y miembro durante muchos años del grupo chileno Illapu, acaba de lanzar su tercer álbum en solitario, Natural, que está presentando actualmente en Europa.

 Nacido en medio del Desierto de Atacama, José Miguel Márquez forma parte de una de las generaciones de músicos más importantes que ha dado Chile.

A la edad de doce años comienza su caminar por el mundo musical de América del Sur especializándose en la ejecución de instrumentos andinos como el quenacho, la zampoña, el moceño y desarrolla de forma brillante la interpretación de la quena. También en esta misma época comienza a perfeccionar entre otros el aprendizaje del charango, el cuatro y la Guitarra.

Es co-fundador del grupo Illapu y realiza durante mas de 35 años giras por 28 países presentándose en teatros como el Opera House de Sydney, el Olympia de París y la Opera de Frankfurt.

Durante su estadía en Europa estudia en la prestigiosa Escuela Superior de Música “Hanns Eisler" de Berlín y comienza paralelamente su carrera solista.

En 1994 regresa por algunos años a Chile y escribe en esta etapa canciones que forman parte importante del repertorio musical chileno y de las jóvenes generaciones.

José Miguel Márquez ha participado en la grabación de mas de 30 CDs y ahora se encuentra presentando Natural, su tercer álbum en solitario.

¿A qué se debe que haya elegido en esta oportunidad el radicarse nuevamente en Alemania, y principalmente su alejamiento de Illapu? Sé que esto es algo frecuente en su carrera desde sus estudios de música en los 80 en Alemania, y que ha ido y venido desde Alemania desde esa época hasta la actualidad, pero creo que es preciso que el público pueda leer la respuesta de primera mano.

Esto se debe principalmente a razones familiares. Te cuento que Illapu fue invitado en el año 1982 al Festival de la Canción Política del que mi esposa fue durante 17 años la responsable artística. Así nos conocimos, nos casamos, nacieron mis hijos acá y formamos la que en estos últimos 30 años ha sido mi familia. No nos ha sido posible asentarnos en ninguno de los dos países pues en muchos aspectos siempre alguno de nosotros no está en su entorno natural y sufre de diversas formas este hecho. Yo he podido durante algunos años y con muchas dificultades estar transitando entre Berlín y Santiago. También no fue posible que el grupo pudiese convivir con mi necesidad de viajar por lo menos tres veces por año a Berlín pues en estos periodos ellos estaban impedidos de hacer conciertos. Esto hizo que tomara le decisión de dejar definitivamente al Illapu.

Usted recientemente ha editado un nuevo disco ¿Qué nos puede decir de él? ¿Cuál es la propuesta en este trabajo? ¿Hay intenciones de editarlo en Chile? Se lo pregunto fundamentalmente considerando que el ultimo disco solista editado en Chile tenía una sonoridad distinta al que escuchamos en esta producción 2012.

Yo he publicado tres CDs como solista, Sonidos, Puentes y Natural. Cada uno de estos trabajos ha tenido su propia propuesta pero el acento ha estado siempre puesto en la música latinoamericana. En el último, Natural, he buscado volver a las sonoridades acústicas y naturales de los diversos instrumentos de nuestra región. Con la llegada de la fusión a nuestra música, opción que la mayoría de los grupos ha hecho suya, ha quedado un poco relegada una corriente musical que no fusiona pero que también tiene un amplio público. A mí esta opción me atrae mucho y por eso la elegí para mi nuevo CD. Confieso que con este trabajo he vuelto a reencantarme con el inmenso mundo sonoro y rítmico que nuestras raíces ofrecen. Este disco tuvo un avance a fines de Noviembre del 2012 pero su publicación y difusión comenzó este año. Espero por supuesto poder publicarlo en Chile lo antes que sea posible.

¿Cuál es el espacio que tienen estas expresiones latinoamericanas dentro del escenario europeo y específicamente alemán?

Europa tiene una vida cultural que está en constante ebullición, acá hay espacio y público para todas las músicas del mundo.

Por supuesto que cada una de estas propuestas tiene "su momento" pero aún así todas están siempre presentes y la latinoamericana nunca deja de tener un espacio de privilegio. Los niños y jóvenes de hoy están descubriendo nuestra música y la historia que esta trae consigo, están escuchando por primera vez la sonoridad de los diversos instrumentos que por ejemplo tiene la cultura andina de América del Sur y este mundo sonoro les cautiva. Esto pasa en Alemania así como en los otros países europeos, yo pienso que una propuesta musical seriamente trabajada se abrirá siempre un espacio en cualquier rincón del mundo.

¿Cómo se ha visto afectada la actividad cultural de Europa, y específicamente de Alemania, con la crisis económica? ¿Cuál es la propuesta que puede hacer un artista latinoamericano en Europa frente a esta coyuntura?

La cultura no ha estado ausente de esta crisis pues ha habido recortes en los presupuestos culturales. Creo que aunque estos se redujeran a la mitad, el volumen seguiría siendo significativamente mas alto que el de cualquier país de nuestro continente, por lo mismo la actividad cultural no se ha detenido. La importancia de la cultura ha sido siempre tomada muy en serio en Alemania y Europa pues acá hace rato que se entendió que esta es fundamental para el desarrollo de la sociedad y el hombre. Un artista latinoamericano puede ser un aporte en esta crisis proponiendo, por ejemplo, un mensaje que busque acercar a los seres humanos y salir así al paso a odiosidades como el racismo y la intolerancia que en estas coyunturas tienden a florecer.

Cree o siente que hay una renovación dentro de la propuesta musical latinoamericana pensando, por ejemplo, si expresiones como las de Illapu, Inti-Illimani, Quilapayún, o las expresiones que usted desarrolla tiene una siguiente generación que tome el relevo; y qué es lo que deben decir estas propuestas en la actualidad según su opinión.

Es natural que exista una renovación, estos grupos que mencionas y yo mismo fuimos también parte de un proceso de renovación en los 70. Hay temas que eran nuestras banderas de lucha y nuestras razones de cantar que siguen siendo vigentes y que hoy son tomados entre otros por nuevas generaciones de creadores. En todos las países latinoamericanos están naciendo nuevas propuestas, la forma que ellas toman son variadas, algunas quedarán en el camino, otras se fortalecerán y se desarrollarán con el tiempo.

¿Cómo ve la situación actual latinoamericana y chilena desde la distancia, en que las cifras macroeconómicas no se condicen con la sensación ciudadana de crecientes demandas sociales?

Lamentablemente hay desigualdades básicas que no han sido solucionadas. Derechos como la educación, la salud, el trabajo, la cultura están cada vez menos del alcance de las mayorías. Nuestros recursos naturales están en manos privadas y, peor aún, en manos extranjeras y la tendencia en nuestro país no da señales de cambios. Tarde o temprano esto tendrá que terminar pues el abismo entre los pocos que tienen mucho y los muchos que tienen poco se hace insoportable. Desde la distancia se ve que claramente hay países que han emprendido nuevos rumbos que buscan devolver la dignidad a sus pueblos y que paso a paso, aunque luchando contra intereses poderosos, van recuperando sus recursos naturales. Al nuestro lo veo apoyado en cifras macroeconómicas deslumbrantes y pretendiendo ser ya parte de las grandes naciones del planeta pero contradictoriamente siendo incapaz aún de dar a nuestros habitantes una vida más digna y justa.

¿Qué es lo que busca plasmar en su canto?

A través del canto busco acercar a los seres humanos. No pretendo dictar cátedra de nada pero si exponer mi punto de vista y mi visión de la vida. Cuando vives momentos tan significativos como fue el proceso de intentar crear una sociedad mas justa, o tener que vivir bajo una dictadura militar, sufrir la expulsión de tu tierra, el exilio y la recuperación de la democracia, siento que tienes vivencias que pueden ser importantes para otras generaciones que no han pasado por esta etapas. Si esto lo puedo plasmar en mi canto siento entonces que este canto tiene razón de ser.

¿Cuales son sus próximos pasos artísticos?

Seguir haciendo conciertos, seguir creando canciones y seguir buscando motivos para cantar. Aunque hoy mi gran desafío es poder construir un camino que me posibilite llegar a mi tierra con mis canciones pues en todo lo que hago está presente mi origen, mi gente y mis raíces.

Mi manifiesto: Manuel García

La Tercera


Yo viví, sin saberlo, en un estado de ruralidad muy potente, en una casa de cholguán y piso de tierra en el cerro La Cruz de Arica, en el norte. Mi conexión era con el desierto. Recuerdo que salía a correr o caminaba sólo 10 minutos y ya no veía ninguna casa. No sentía ningún ruido, excepto el del viento y el de las piedras bajo mis pies. Lo tenía tan incorporado que incluso viviendo aquí, en la gran capital, no lo echaba de menos, porque iba conmigo a todos lados.

Cuando llegué a Santiago por primera vez, alucinaba con viajar en Metro. Encontraba que las distancias eran tan grandes que podías extraviarte. Y me confundía, pero me daba gusto caminar por la calle y ver a tanta gente al mismo tiempo.

Para mí, la literatura es una especie de voz interna que me acompaña. Por ejemplo, hoy estaba componiendo una letra que dice: “Y dejar que el tiempo pase/como insectos complicados/que arroja puñados/eléctricos/metálicos”. ¡Y de repente me di cuenta de que ese verso venía seguramente de una máquina de matar que tiene el señor K en Crónicas marcianas!

La primera vez que escuché sobre Crónicas marcianas, de Ray Bradbury, fue por una serie de televisión que existía en los años 80. La veíamos con mi hermano y alucinábamos con este señor K que abría su libro fantástico y con esta señora K barriendo la casa de cristal. Luego, estas crónicas llegaron a nuestras manos como libro. No sé si lo pedimos prestado o nos lo pelamos de alguna casa. Pero nos volvimos locos. Me impactó, porque lo encontré profundamente poético.

Crecí encontrándome con gente que tipo seis o siete de la tarde te contaba que soñó tal cosa.

El cerro La Cruz es como si lo hubiese pintado Van Gogh, porque es una población que está hecha de muchos pincelazos. Sola. A la contra. En la punta del cerro, literalmente. Todos los elementos que están presentes en mis canciones están en los relatos de esa gente.

Mi mamacita sigue viviendo ahí. Y mi papá también. Se habían separado, pero están juntos de nuevo. Ella se llama Normandía, no le gusta, porque nadie lo entiende mucho. Yo, en cambio, acabo de escribir una canción con ese nombre.

Ella es una persona muy particular. Tiene un mundo muy propio y hace esfuerzos generosos y amorosos por conectar socialmente. Siempre ha sido muy lectora. Siempre se las ha tenido que arreglar con metáforas para poder dar a entender sus pensamientos. Radica un misterio en ella. Y yo no lo sé descifrar, sólo digo en mi canción que ella siempre supo que la belleza duele, que lastima.

Las fresias son mi aroma favorito. Recuerdo que mi papá llegó con un ramo una vez para mi mamá a la casa y desde entonces que agarré la costumbre de echarlas adentro de la guitarra.

Estudié Historia antes de ser músico. En un minuto, incluso, estuve corto de plata, vivía en una piecita del Portal Fernández Concha y fui a dejar un currículum a un preuniversitario. Tenía 24 años y quería ser profesor, pero nadie me pescó, así que seguí con la guitarra pa’ adelante.

Me maravillo con un poder súper fuerte que está despertando en los grupos más populares. Un estado de conciencia que va más allá de las marchas estudiantiles, en el que está colaborando toda una generación, y gente de 40 años que ya había renunciado a un Chile más igualitario. Ese es el Chile que me gusta. El mío no es necesariamente el de Bachelet ni el de Golborne, sino el que está en la cola de Fonasa.

Vengo de una tropa de Manueles. Manuel García es mi papá, mi abuelo, el abuelo de mi abuelo, unos primos que tengo y también algunos sobrinos lejanos. Parece una maldición, porque no hay ninguno que no sea sátrapa. Se las arreglan con la vida y andan por el mundo popular haciendo el día. De todos ellos, ¡yo vendría siendo el más tranquilo y centrado!

Mi papá es un huracán energético. Siempre está construyendo su ego y esperando que baje alguien de las estrellas y lo nombre embajador de algún planeta. Para él, todo es una aventura. Es como si le hubiesen dicho: te queda un día de vida. En apariencia es más negro y tiene el pelo más motita que yo. Es un zambo.

Yo a mis tres caracolitos (mis hijos) no los privo de televisión, de que jueguen en el iPad a las Plantas vs. Zombies, pero todo tiene un punto de crítica y de excepción que yo se los subrayo. Vivimos en Peñalolén, y cuando la vida nos marea, salimos a caminar, sin tiempo. Siete kilómetros, sin parar. A veces también va mi mujer, la Caracola (Claudia). Me encanta porque estructuramos y desestructuramos el mundo, saludamos a la gente, pedimos un vaso de agua a la vecina, nos volvemos súper pelusas.

Si fuera profesor, contaría la historia social de Chile. A lo Gabriel Salazar. O a partir de la poesía. Los llevaría a un asilo de ancianos para que los viejos les contaran las historias de la Estación Central, la música, el burdel, la patria, la cueca, las injusticias. O los haría recorrer todas las casas donde vivió la Violeta. Siento que a través de la gente que ha iluminado la historia con su trabajo se puede hacer un viaje muy rico y personal, fuera del aula, en la calle, con este profesor “Locovich” que sería yo.

Diez años del Consejo de la Cultura: ¿ha sido un aporte?

El Mercurio


En 2013 se cumple una década desde la creación del organismo que prometía "apoyar el desarrollo de las artes y la difusión de la cultura". Consultamos a seis personalidades de nuestro mundo cultural para saber si se ha notado, o no, la mano del Consejo: para bien o para mal, lo que más se recalca es el incremento y mejora de los fondos para la creación.

Juan Ignacio Rodríguez Medina

El 31 de julio de 2003 el entonces Presidente Ricardo Lagos promulgó la Ley 19.891, que creó al Consejo Nacional de la Cultura y las Artes. La ley, que entró en vigencia el 23 de agosto de ese año, estableció como objeto de la entidad "apoyar el desarrollo de las artes y la difusión de la cultura, contribuir a conservar, incrementar y poner al alcance de las personas el patrimonio cultural de la nación y promover la participación de estas en la vida cultural del país". Todo ello guiado por un principio descentralizador -simbolizado en la localización en Valparaíso de la sede del Consejo-, para lograr "un desarrollo cultural armónico y equitativo entre las regiones, provincias y comunas del país".

Hoy, a meses de cumplir diez años, y luego de la gestión de tres ministros presidentes del Consejo (José Weinstein, Paulina Urrutia y Luciano Cruz-Coke), preguntamos: ¿Se ha notado, y de qué forma, su aporte al mundo cultural chileno?

Un ministro no ministro

El Ministerio de Cultura no es un ministerio, y el ministro de Cultura no es ministro. Es, en realidad, un directorio de diez integrantes más un presidente de dicho cuerpo que tiene "rango de ministro" (a lo que se suman un subdirector nacional, consejos regionales, un comité consultivo nacional y comités consultivos regionales). De ahí que, aun siendo un servicio autónomo, con relación directa con el Presidente de la República, su presupuesto sea un capítulo del de Educación y, dice la ley, "todos aquellos actos administrativos del Consejo en los que, según las leyes, se exija la intervención de un Ministerio, deberán realizarse a través del Ministerio de Educación".

De todos modos, la principal novedad que introdujo el organismo, fuera de crear una institucionalidad cultural distinta del Ministerio de Educación, fue que las decisiones serían responsabilidad de un directorio. "El CNCA ha permitido que las políticas culturales se adopten no por una persona -por ejemplo, el Presidente de la República o el presidente del mismo Consejo-, sino por un directorio, o sea, un órgano colegiado que tiene fuerte presencia de la sociedad civil", dice el abogado Agustín Squella , quien participó en la creación del Consejo.

Clara Budnik , ex directora de Bibliotecas, Archivos y Museos (Dibam), cree que por ahí pasa el aporte del CNCA: "En Cultura un consejo es mucho más democrático que un ministerio, porque tú nunca sabes quién va a ser el ministro, mientras que con un consejo tienes a un grupo de gente, representativo de la ciudadanía, que está opinando sobre políticas culturales".

Para Squella, el CNCA ha aportado con mayor equidad territorial en el desarrollo cultural. Y ha permitido un aumento significativo de los recursos públicos para la cultura: "Confirió carácter permanente a lo que hasta 2003 había dependido de una simple glosa anual en la Ley de Presupuesto -el Fondart- y puso bajo sí a tres consejos y fondos sectoriales de gran importancia: del libro, del audiovisual y de la música". Sin embargo, cree que se está al debe en la coordinación con la Dibam y el Consejo de Monumentos Nacionales, "por causa de la tendencia a que cada repartición del Estado busque antes su propio protagonismo y el de sus jefes que el bien común del país". De todos modos piensa que el Consejo ha cumplido, "en alta medida", con sus objetivos, "aunque en el último tiempo se percibe un cierto desdibujamiento de su directorio y una preeminencia de las autoridades unipersonales".

Marta Cruz-Coke , primera mujer en hacerse cargo de la Dibam, alaba los esfuerzos que se han hecho para implementar una política cultural, lo que -dice- se ha materializado dando importancia a las regiones. Pero, ve un problema de origen en el CNCA: "Es un sustituto fragmentado del Ministerio de la Cultura que no llegó a crearse. Su compleja composición y su falta de medios para alcanzar los fines que le suponen hacen muy difícil su administración". "Por lo demás -agrega- no fue otra cosa que el traslado que se hizo a un órgano distinto de la Dirección de Cultura del Ministerio de Educación". De ahí, dice, su único aporte real: "El antiguo Fondart con más dinero". Por eso cree que, por exitoso que esté siendo, el Consejo "no suprime la necesidad de un ministerio con dos brazos, Creación y Patrimonio"; y que, dada esa falta, la tarea de sus directores ha sido, sobre todo, darle existencia real y presencia pública "a este ente indefinido", labor en la que destaca a José Weinstein y Luciano Cruz-Coke.

Para el psiquiatra y escritor Marco Antonio de la Parra no hay duda de que se ha notado la presencia del Consejo: "En lo bueno, que es mucho, y en lo todavía insuficiente, que también es mucho". Destaca la política de fomento a la creación, que se ha realizado "con grandes dificultades", y los esfuerzos por ampliarlo a regiones: "Me consta, por haber participado en talleres y presentaciones, pero aún no es regular". También la ampliación de la infraestructura, aunque cree que ahora toca llenarla de contenido. También reclama que se concrete el plan de fomento de la lectura. "El potencial del Fondart y del Consejo del Libro es enorme y no está del todo acabado. En algunos gestos da la sensación de que se ha privilegiado el evento antes que el trabajo de investigación y la protección a lo que podríamos llamar las pymes culturales. Creo que debería arriesgarse más en la política de protección al libro y a los artistas. Los proyectos de itinerancia son insuficientes y debe desarrollarse un plan de largo alcance que permita contar con instituciones regionales capaces de tener sus propias agrupaciones y sus propias galerías, tanto para giras como para la creación local", concluye.

El musicólogo y director del Instituto de Música de la Universidad Alberto Hurtado, Juan Pablo González , cree que el Consejo ha cumplido, "en buena medida", con la expectativa de los artistas de contar con apoyo del Estado para realizar su labor. "Se trata de un apoyo fundamental en el fomento de las artes contemporáneas y de los artistas emergentes, pues se trata de lenguajes menos consolidados en el imaginario público y de artistas menos conocidos por el medio". Sin embargo, piensa que ese "puntapié inicial ha caído muchas veces en el vacío, puesto que los siguientes eslabones de la cadena artística han permanecido ajenos a la labor del CNCA", a saber: las industrias culturales y las audiencias. Por eso destaca que el CNCA haya empezado a fortalecer esos eslabones: "Han aumentado considerablemente en el país las salas para música, danza, teatro y audiovisuales; y se han incrementado los fondos públicos para que radios, canales de TV, sellos discográficos y editoriales difundan producciones nacionales". De ahí que su apuesta para la próxima década sea un Ministerio de Cultura, "que fortalezca la acción cultural en todo el país con la creación de secretarías regionales ministeriales de cultura. El desarrollo de Chile depende también de esto", dice.

Para el presidente de la Cámara Chilena del Libro, Arturo Infante , "sin duda la creación del CNCA fue un gran paso adelante", especialmente "por los estímulos culturales y la administración de fondos para la creación", independientemente de que crea que el presupuesto debiese ser mayor, los evaluadores más capacitados y más equitativo en la repartición de los fondos. Infante también valora su transversalidad y la participación de la sociedad civil, su independencia del poder político de turno y la descentralización que ha generado su orgánica. Pero, dice, "también nos gustaría ver en él una mayor influencia en la concreción de las políticas públicas, con un mayor peso frente a los gobiernos y el Parlamento".

Si atendemos a lo dicho, y en medio del híper anunciado proyecto para crear un Ministerio de Cultura y Patrimonio, al parecer el gran sello del CNCA en el mundo cultural chileno durante estos diez años conlleva, si no una paradoja, al menos una encrucijada: ha aportado un modelo participativo y transversal para diseñar políticas públicas, pero sin el peso institucional para que esas políticas impacten, también, transversalmente y así generar la realidad que la Ley 19.891 promete: un país culturalmente desarrollado, que cree patrimonio y lo conserve, pero sobre todo donde las personas participen de la vida cultural. Lo que, por lo demás, es un derecho humano: "Toda persona tiene derecho a tomar parte libremente en la vida cultural de la comunidad, a gozar de las artes...".