El Mercurio
Se mantienen estrictos acuerdos de confidencialidad con todos los actores.
Sobre la eventual instalación del Data Center, la gigante tecnológica precisa que debe haber capacidad técnica y voluntad de avanzar en mejorar la infraestructura de telecomunicaciones, o sea, conectividad. "Buscamos tanto conexiones de cables terrestres como submarinos", explica Teresa Carlson, alta ejecutiva de Amazon, quien estuvo de visita en Chile.
Por Sascha Hannig
Este miércoles, durante la reunión que sostuvo en La Moneda el Presidente Sebastián Piñera con la vicepresidenta de Sector Público de Amazon Web Services (AWS), Teresa Carlson , las partes abordaron la posibilidad de cristalizar un singular proyecto que puso sobre la mesa la representante de la gigante de la tecnología fundada por Jeff Bezos : Además de invitar al Presidente a Seattle y a Washington DC para ver los avances que está haciendo Amazon en robótica, por ejemplo, plantearon que Chile sea receptor de una inversión de Amazon para las estaciones espaciales y observatorios astrológicos que se encuentran en el norte del país.
La representante de la multinacional manifestó su profundo interés en que AWS preste servicios para almacenar y procesar la información que recopilen "los telescopios" para innovar en el sector de tecnología espacial, entre otras posibilidades. Un servicio que, en Estados Unidos, Amazon presta a empresas reconocidas del área, y a instituciones como la NASA y que podría instalarse en el país.
"Una cosa que le comenté y le ofrecí al Presidente es que entiendo que tienen algunos de los telescopios más grandes del mundo y que tienen estas imágenes increíbles, pero no tienen la capacidad tecnológica para guardarlas o compartirlas", señala Carlson a "El Mercurio". La representante explica que su compañía tendría las herramientas para poder apoyar en dicha dificultad y que, de concretarse, esto podría convertir a Chile, incluso, en un desarrollador de tecnología espacial y acelerador de estos proyectos. "Le prometí al Presidente ayudar con este proyecto y que AWS invertirá para almacenar, procesar y entregar el contenido para investigadores y estudiantes. Y generar sets de datos abiertos para abrir esta información al mundo", señala.
El interés de la empresa en esta área es tal, que el primer día de su encuentro anual -que se realizará en junio en Washington DC- será dedicado a esta materia, y se llamará " Space Day ".
"Una cosa que les llamó la atención es la abundancia de energías renovables"
La visita a Chile de la representante de Amazon AWS, en el marco de su tour por América Latina, causó expectación en Chile. El anunciado arribo de una millonaria inversión de la compañía en Chile en un Data Center para convertir al país en una "región" dentro de la estructura de la compañía norteamericana, -que ya se encuentra instalada en 18 regiones en el mundo-, ha hecho que Amazon esté en la boca de autoridades y empresarios desde hace ya meses.
AWS -una línea de negocios distinta a la retailer Amazon.com-, se instaló en Chile en enero de 2017. Comenzaron con una pequeña oficina en el sector de El Golf, Las Condes, que luego ampliaron, conforme fueron contratando personal y adquiriendo nuevos clientes.
¿Qué hace? Servicios de computación, almacenamiento, bases de datos, analítica, internet de las cosas (IOT) y aplicaciones empresariales. A la fecha, han desarrollado proyectos con varias empresas e instituciones. Por ejemplo, Startup Chile, con la que colaboran para ayudar a las pymes digitales. Rio Tinto es uno de sus clientes en el proceso de modernizar la industria de la minería con Inteligencia Artificial. Además han desarrollado programas especialmente en el área académica. Uno de los últimos anuncios de la compañía fue la entrega del equivalente a US$ 1,2 millones en créditos a la Universidad de Chile en servicio de cloud de AWS.
Para la posible llegada del centro de procesamiento de datos (Data Center) -con una inversión de unos US$ 1.000 millones- hay una historia de dos años de conversaciones, explica Carlos Álvarez, ex director de InvetsChile, y quien era el contacto con la empresa en un inicio.
Álvarez, quien dejó su cargo en marzo, cuenta que la comunicación "comenzó en octubre de 2016 y no se ha suspendido en ningún momento. Ha habido decenas de reuniones. No solo con nosotros, sino que con otros servicios públicos". Uno de los ministerios que se contactó, por ejemplo, fue el de Energía, por la infraestructura eléctrica que un proyecto de esta envergadura podría necesitar. "Una cosa que les llamó la atención es la abundancia de energías renovables", revela Álvarez.
Además, relata que los distintos equipos de evaluación, tanto del sector infraestructura, tributario, legal de la compañía, entre otros, han visitado el país al menos en diez ocasiones, en el marco de esta evaluación, "en misiones de distinto tamaño", agrega la ex autoridad.
Sobre el lugar de emplazamiento para el potencial proyecto, si bien un terreno cercano a la laguna Carén, de la Universidad de Chile, fue mencionado, Álvarez señala que dicho paño fue sondeado como posibilidad, entre muchas otras pociones. "Nosotros nos pegamos una larga ronda de identificación de posibles terrenos públicos y les sugerimos algunos de estos terrenos fiscales. Algunos los descartaron, porque ellos tienen pre requisitos respecto a la distancia. Entonces no podían elegir solo uno, sino que tenían que explorar de a varios", explica el exdirector de InvestChile, quien además explica que la empresa habría buscado otros paños por cuenta propia.
"Ellos se juntaron con empresas que se dedican a la búsqueda de terrenos, como corredoras de propiedades", revela. Además mencionó que si bien la Región Metropolitana es la principal candidata, también pueden buscar en otros espacios.
"En fases iniciales se vio más la Región Metropolitana. Pero unos dicen que es mejor estar en lugares más fríos, para ahorrar costos en refrigeración y aire acondicionado. Otros dicen que cerca de donde está la demanda, por ejemplo (...) O mejor en el norte, porque ahí están los observatorios astronómicos", estima Álvarez.
El Data Center es a prueba de terremotos
Chile corre contra Argentina para ser sede de esta inversión. De hecho, Teresa Carlson llegó a Santiago en un vuelo desde Buenos Aires. "Sabemos que Chile está interesado en que Amazon venga a gran escala y por supuesto nos preguntaron qué podrían hacer para que Amazon llegue en una forma mucho más grande", dijo la vicepresidenta.
¿La respuesta? Neurálgica es la capacidad técnica para recibir una empresa como Amazon, es decir, la voluntad de avanzar en mejorar la infraestructura de telecomunicaciones. Esto significa conectividad. "Buscamos tanto conexiones de cables terrestres como submarinos", explica Carlson. "De lo que se tienen que encargar es de que los proveedores de telecomunicaciones estén listos para que las grandes empresas de este ámbito, como Amazon WS, vengan (...) Y también queremos cables que se conecten globalmente. Creo que la construcción de un cable de fibra óptica entre Chile y Asia sería muy bueno para esto", precisa Carlson.
¿Los riesgos de terremotos podrían perjudicar a Chile? Los representantes de Amazon dicen que, al decidir dónde se ubicará el proyecto, será una instalación a largo plazo que involucrará no uno, sino múltiples edificios separados. "Los ponemos en tres puntos en un país. Están geográficamente dispersos para cosas como terremotos, huracanes. Entonces, construimos múltiples Data Centers y nos aseguramos que esas áreas sean seguras", explica. Añade que los edificios están separados en al menos 15 millas, "pero puede ser más, dependiendo de las condiciones del terreno de ese país", detalla la ejecutiva.
Chile también es candidato para otras obras de infraestructura, como por ejemplo, " edge locations (...) Actualmente tenemos 114 de estas, que proveen de infraestructura técnica para procesos de internet. (...) Como un mini Data Center", añade Teresa.
Tras su estadía en Chile, Carlson y su equipo palparon la posibilidad de que Chile se transforme en una economía digital que importe y exporte servicios de este tipo y talento con habilidades relacionadas con la tecnología, si implementa las políticas correctas. Algo que AWS potencia, entrenando y capacitando personal calificado para operar sistemas de Cloud y desarrollando proyectos ligados a la informática. "Esas son habilidades muy bien pagadas", comenta Carlson, quien plantea que en el caso de instalar un Data Center, dichos conocimientos son vitales para su funcionamiento. "Es importante para que los gobiernos puedan ahorrar en innovación y no usen todo su presupuesto para mantener un sistema", dice Teresa.
LA INDUSTRIA DE TELECOMUNICACIONES y el sector energía deberán estar preparados para que empresas como AWS lleguen a Chile, o al menos, considerarlo en sus planes.
"El gobierno chileno es nuestro cliente"
Desde hace más de tres años que Chile está contratando los servicios de AWS para modernizar tanto sus procesos como servicios en áreas como educación. "El gobierno chileno es nuestro cliente", explica Jeffrey Kratz, gerente general de AWS para América Latina, Canadá y El Caribe, quien supervisa este proceso y quien ayudó a gestionar -junto al ministerio de Economía- , la reunión de esta semana. Según ellos, la implementación de un servicio de Cloud donde no se tenga que pagar una licencia, sino por el uso que se le da, le permite a las instituciones y empresas ahorrar hasta 66 veces el gasto normal en estos servicios. Además, algo que además se discutió en la reunión es que una de las prioridades para el Ejecutivo es la seguridad de los datos. "Tenemos una relación muy fuerte en Ciberseguridad en Chile, por un convenio con la Organización de los Estados Americanos (OEA)", explica Kratz, quien añade que Amazon contribuye en capacitar a gobiernos para enfrentar situaciones de riesgo.
Sobre el procesamiento de datos gubernamentales a través de Amazon, Carlson asegura: "le pedimos a los gobiernos que encripten la información. No tocamos ni miramos sus datos. Aseguramos los datos y les damos la llave".
domingo, mayo 27, 2018
sábado, mayo 26, 2018
Denise Rosenthal: salón de emociones
La Tercera
Lleno total en el teatro Nescafé de las Artes en la segunda noche del estreno en vivo de Cambio de piel (2017), el último álbum de Denise Rosenthal con giro hacia el soul, el R&B y la world music, tras debutar en el pop chicloso con Fiesta (2013).
Por Marcelo Contreras
Todo el personal incluyendo roadies, son mujeres. En el escenario los instrumentos lucen engalanados con guirnaldas de flores, y parte de la audiencia mayoritariamente femenina y veinteañera, lleva cintillos ad hoc.
La banda tiene pocas presentaciones en el cuerpo. Durante el concierto esa condición asomó sólo una vez, la partida en falso de Cabello de ángel, una de las nuevas. En el resto de la cita, el sexteto fue el soporte preciso para un montaje ambicioso que funciona como orgulloso resumen de cuanto ha sido la breve carrera musical de Denise, reforzado por sus condiciones escénicas y un pleno sentido del espectáculo, que además reacciona a la coyuntura de género. La artista de 28 años canta, baila e irradia su insoslayable belleza con la propiedad ganada en más de una década de trayectoria mediática.
A diferencia de otras figuras del pop femenino que sepultan sus primeros discos -Alanis Morissette olvidó para siempre sus inicios en el dance-, el show de Denise es un repaso biográfico que no rehuye de sus canciones en spanglish o títulos como Princesa y Si tú me quieres, agrupadas en un medley. El público chilló y suspiró ante esos guiños a su historial, sin embargo la reacción mayor y el acento del número radica obviamente en el nuevo material. Cambio de piel funciona mucho mejor en vivo que en el disco, que trastabilla en retratar la fuerza que las piezas ganan en directo. La primera beneficiada es la propia Denise porque su voz cobra mucha más presencia, como también denota estudio para superar el pasado pop y meterse en un terreno de acrobacia como requieren los géneros que ahora abraza.
El inicio tuvo tintes ceremoniales: la sala con luces bajas mientras la artista de cabellera trenzada y multicolor se movía coreográficamente junto a su grupo cantando a capella “Rododendro”. En “Luna”, Denise se puso tras el teclado introduciendo el corte con un discurso sobre el autoconocimiento y el amor. El público respondió cantando cada línea. Denise bailó sensual en “Amor con amor”, un corte soul que incluyó a Nicole ZC rapeando, aunque su intervención nunca se escuchó con claridad. Dos bailarinas ingresaron enérgicas para “Nuestro sueño se hizo realidad”, parte del primer medley donde invitó al público a subir el escenario. Entre medio se sumaron tambores, bronces, y el ambiente se volvió carnavalesco. Más tarde hubo aires de musical de Broadway en “Can’t stop”, donde además Denise sostuvo un breve duelo vocal con la tecladista, ambas luciéndose.
El show era una montaña rusa que luego ofrecería un remanso cuando Denise hizo un dúo acústico con su pareja Camilo Zicavo de Moral Distraída, otro momento que hizo chillar a la audiencia con sus aires de teleserie juvenil en vivo y en directo. Cantaron, equivocaron la letra, sobre la marcha hicieron chistes del error, y la pareja salió jugando mientras las pedían “el beso” a gritos.
Hacia el final Denise Rosenthal dio un giro épico con canciones como “Niñita de mar” e “Isidora”, esta última dedicada a una amiga que murió atropellada. La energía retornó al turno de “Lucha en equilibrio” con globos inundando la sala, y el público de pie hasta el bis con “Cambio de piel” y “Encadená”. El teatro terminó convertido en una fiesta tras un paseo por distintas curvas emotivas y rítmicas.
Justo antes del remate Denise Rosenthal recibió doble disco de platino, discursos del sello y el público gritando “se lo merece”. El momento tenía algo de televisivo, la cuna de esta figura que pese a su juventud tiene largo carrete. Esa experiencia confluye en un show sólido con posibilidades de expandirse hacia otros mercados.
Morrissey se presentará en diciembre en Santiago
La Tercera
El cantante ya acordó que volverá al país con show en el Movistar Arena.
Por Claudio Vergara
En el caso de Morrissey, por la boca nunca muere el pez: siempre tiene guardado un puñado de municiones para recuperar alguna dosis de protagonismo. En las entrevistas, el cantante ha dicho en el último tiempo que el movimiento Me Too, que entre otras demandas reclama por el acoso en Hollywood, está empujado por actrices que en su momento no hablaron para proteger su carrera. También ha reprochado la multiculturalidad intrínseca de las naciones europeas y ha dicho que hoy el mainstream apuesta sus fichas en artistas pop que no tienen nada que decir.
En lo musical, se ha mostrado tremendamente activo en el lustro más reciente, con dos entregas (World peace is none of your business, de 2014, y Low in high school, de 2017) que lo exhiben como un cronista que observa y retrata el despeñadero hacia donde se encamina la humanidad.
Y en los escenarios, pese a los múltiples problemas de salud que ha enfrentado en esta década, tampoco se ha frenado: su agenda en vivo siempre es un itinerario geográfico que alcanza hasta las latitudes más diversas. Chile es un caso casi paradigmático. En los últimos seis años, ha ofrecido cuatro conciertos de amplio alcance, sin olvidar el tour de siete fechas -por ciudades como Rancagua, Puerto Montt y Concepción- que debió cancelar en 2013 por asuntos de salud.
Ahora ese hábito se alista para abrir otro episodio. El inglés pasará por la región a fin de año y ya acordó que su fecha para Santiago será el sábado 15 de diciembre, según cuentan fuentes ligadas a la industria de la música en vivo en el país. El sitio escogido será el Movistar Arena, por donde ya pasó en su último aterrizaje, en 2015, además de debutar en el festival Fauna Primavera que se hizo en Espacio Broadway. Hoy se ajustan detalles para el anuncio del espectáculo, el que debería poner a la venta sus boletos en las próximas semanas.
Todo como parte de la gira Low In high school, inaugurada en octubre de 2017 en Inglaterra y que ya ha tenido un apronte hablado en español. El pasado 17 de marzo recaló en el festival Vive Latino, de Ciudad de México, uno de los más estelares y multitudinarios del continente, donde interpretó un promedio de 18 composiciones. Lo de siempre: una selección de su último título, algunos pasajes de su siempre atractiva carrera en solitario y clásicos a bordo de The Smiths (“How soon is now?”) y otros cuando daba sus primeros pasos fuera de su banda madre (“Suedehead”, “Everyday is like Sunda”y, “The last of the famous international playboys”).
La robusta comunidad de fanáticos de Morrissey en el país sabe con lo que se encontrará cuando aparezca bajo los focos. Y los administradores del recinto que lo albergue, también: en caso de acordarse de modo definitivo el Movistar Arena, el lugar no podrá comercializar alimentos con carne -como hot dogs y hamburguesas-, básicamente por el credo vegano del cantautor, tal como pasó cuando hace tres años pasó por el mismo reducto.
El cantante ya acordó que volverá al país con show en el Movistar Arena.
Por Claudio Vergara
En el caso de Morrissey, por la boca nunca muere el pez: siempre tiene guardado un puñado de municiones para recuperar alguna dosis de protagonismo. En las entrevistas, el cantante ha dicho en el último tiempo que el movimiento Me Too, que entre otras demandas reclama por el acoso en Hollywood, está empujado por actrices que en su momento no hablaron para proteger su carrera. También ha reprochado la multiculturalidad intrínseca de las naciones europeas y ha dicho que hoy el mainstream apuesta sus fichas en artistas pop que no tienen nada que decir.
En lo musical, se ha mostrado tremendamente activo en el lustro más reciente, con dos entregas (World peace is none of your business, de 2014, y Low in high school, de 2017) que lo exhiben como un cronista que observa y retrata el despeñadero hacia donde se encamina la humanidad.
Y en los escenarios, pese a los múltiples problemas de salud que ha enfrentado en esta década, tampoco se ha frenado: su agenda en vivo siempre es un itinerario geográfico que alcanza hasta las latitudes más diversas. Chile es un caso casi paradigmático. En los últimos seis años, ha ofrecido cuatro conciertos de amplio alcance, sin olvidar el tour de siete fechas -por ciudades como Rancagua, Puerto Montt y Concepción- que debió cancelar en 2013 por asuntos de salud.
Ahora ese hábito se alista para abrir otro episodio. El inglés pasará por la región a fin de año y ya acordó que su fecha para Santiago será el sábado 15 de diciembre, según cuentan fuentes ligadas a la industria de la música en vivo en el país. El sitio escogido será el Movistar Arena, por donde ya pasó en su último aterrizaje, en 2015, además de debutar en el festival Fauna Primavera que se hizo en Espacio Broadway. Hoy se ajustan detalles para el anuncio del espectáculo, el que debería poner a la venta sus boletos en las próximas semanas.
Todo como parte de la gira Low In high school, inaugurada en octubre de 2017 en Inglaterra y que ya ha tenido un apronte hablado en español. El pasado 17 de marzo recaló en el festival Vive Latino, de Ciudad de México, uno de los más estelares y multitudinarios del continente, donde interpretó un promedio de 18 composiciones. Lo de siempre: una selección de su último título, algunos pasajes de su siempre atractiva carrera en solitario y clásicos a bordo de The Smiths (“How soon is now?”) y otros cuando daba sus primeros pasos fuera de su banda madre (“Suedehead”, “Everyday is like Sunda”y, “The last of the famous international playboys”).
La robusta comunidad de fanáticos de Morrissey en el país sabe con lo que se encontrará cuando aparezca bajo los focos. Y los administradores del recinto que lo albergue, también: en caso de acordarse de modo definitivo el Movistar Arena, el lugar no podrá comercializar alimentos con carne -como hot dogs y hamburguesas-, básicamente por el credo vegano del cantautor, tal como pasó cuando hace tres años pasó por el mismo reducto.
La carrera de las productoras de shows por el Festival de Viña
La Tercera
T4F+Bizarro, DG Medios y Lotus -mentores de Lollapalooza- presentaron sus planes para adjudicarse los fichajes de la cita.
Por Andrés del Real
La idea nació del Presidente Ejecutivo de Turner Chile, Jorge Carey, y puso fin a una tradición histórica del Festival de Viña. Este año, en la que a la postre sería la última edición del certamen a cargo de Chilevisión, los organizadores del evento decidieron externalizar por primera vez la contratación de artistas para su parrilla y dejar este ítem en manos de una sola productora. Un modelo que ahora, con la cita a cargo de TVN y Canal 13 por los próximos cuatro años, volverá a ser utilizado, con tres compañías locales postulando para esta tarea.
Según fuentes vinculadas a las negociaciones, el equipo a cargo del Festival ya escuchó las ofertas de T4F+Bizarro, DG Medios y Lotus, las tres mayores productoras de eventos musicales en el país. Por estos días los responsables de la cita analizan cada propuesta y se espera que a más tardar en la segunda semana de junio resuelvan cuál será la escogida.
La elección no sólo será determinante para el modelo de negocios que se implementará y el presupuesto para el fichaje de artistas, sino también para proyectar la línea artística que tendrá el primer Festival a cargo de la nueva alianza entre TVN y Canal 13. Porque si bien la firma escogida deberá de todas formas comprar artistas a otras productoras -como ocurrió este año con T4F+Bizarro, que contrató al 80% de la parrilla-, cada una de éstas trae aparejada una curatoría distinta.
T4F+Bizarro se especializa en figuras latinas, el grueso de la parrilla de cada versión del Festival, mientras que la expertise de DG Medios y Lotus está en los shows de pop y rock anglo. Ésta última organiza desde 2011 la versión local del festival Lollapalooza, aunque paulatinamente se ha ido abriendo a conciertos hispanoamericanos. Por su lado, DG ha traído este año a Radiohead, Phil Collins y es responsable de la nueva visita de Roger Waters.
En todas las reuniones que se han sostenido con las productoras han participado representantes de ambos canales, entre ellos Pablo Morales y José Antonio Edwards, productores ejecutivos para el Festival de Canal 13 y TVN, respectivamente. También Catalina Yudín -ex productora ejecutiva del certamen en CHV y hoy en la señal pública- y Alfredo Alonso, desde el año pasado productor artístico del evento y director de T4F+Bizarro.
Si bien por ahora sólo se han deslizado nombres de forma preliminar, ya hay algunos artistas que han estado sobre la mesa como opciones para la parrilla 2019. Entre ellos, tres que habrán pasado este año por la cartelera local: Pablo Alborán, Ricardo Arjona y el reggaetonero J Balvin (estos dos últimos, vienen al país en el segundo semestre). También corren con ventaja Sebastián Yatra y Juanes.
En cuanto a chilenos, la cita pretende volver a la carga por Mon Laferte -pese a que la cantautora habría manifestado a su círculo su rechazo a la idea en lo inmediato-, mientras que para el jurado la principal carta es Camila Gallardo, quien declinó la oferta este año para aceptar una vez editado su primer disco.
T4F+Bizarro, DG Medios y Lotus -mentores de Lollapalooza- presentaron sus planes para adjudicarse los fichajes de la cita.
Por Andrés del Real
La idea nació del Presidente Ejecutivo de Turner Chile, Jorge Carey, y puso fin a una tradición histórica del Festival de Viña. Este año, en la que a la postre sería la última edición del certamen a cargo de Chilevisión, los organizadores del evento decidieron externalizar por primera vez la contratación de artistas para su parrilla y dejar este ítem en manos de una sola productora. Un modelo que ahora, con la cita a cargo de TVN y Canal 13 por los próximos cuatro años, volverá a ser utilizado, con tres compañías locales postulando para esta tarea.
Según fuentes vinculadas a las negociaciones, el equipo a cargo del Festival ya escuchó las ofertas de T4F+Bizarro, DG Medios y Lotus, las tres mayores productoras de eventos musicales en el país. Por estos días los responsables de la cita analizan cada propuesta y se espera que a más tardar en la segunda semana de junio resuelvan cuál será la escogida.
La elección no sólo será determinante para el modelo de negocios que se implementará y el presupuesto para el fichaje de artistas, sino también para proyectar la línea artística que tendrá el primer Festival a cargo de la nueva alianza entre TVN y Canal 13. Porque si bien la firma escogida deberá de todas formas comprar artistas a otras productoras -como ocurrió este año con T4F+Bizarro, que contrató al 80% de la parrilla-, cada una de éstas trae aparejada una curatoría distinta.
T4F+Bizarro se especializa en figuras latinas, el grueso de la parrilla de cada versión del Festival, mientras que la expertise de DG Medios y Lotus está en los shows de pop y rock anglo. Ésta última organiza desde 2011 la versión local del festival Lollapalooza, aunque paulatinamente se ha ido abriendo a conciertos hispanoamericanos. Por su lado, DG ha traído este año a Radiohead, Phil Collins y es responsable de la nueva visita de Roger Waters.
En todas las reuniones que se han sostenido con las productoras han participado representantes de ambos canales, entre ellos Pablo Morales y José Antonio Edwards, productores ejecutivos para el Festival de Canal 13 y TVN, respectivamente. También Catalina Yudín -ex productora ejecutiva del certamen en CHV y hoy en la señal pública- y Alfredo Alonso, desde el año pasado productor artístico del evento y director de T4F+Bizarro.
Si bien por ahora sólo se han deslizado nombres de forma preliminar, ya hay algunos artistas que han estado sobre la mesa como opciones para la parrilla 2019. Entre ellos, tres que habrán pasado este año por la cartelera local: Pablo Alborán, Ricardo Arjona y el reggaetonero J Balvin (estos dos últimos, vienen al país en el segundo semestre). También corren con ventaja Sebastián Yatra y Juanes.
En cuanto a chilenos, la cita pretende volver a la carga por Mon Laferte -pese a que la cantautora habría manifestado a su círculo su rechazo a la idea en lo inmediato-, mientras que para el jurado la principal carta es Camila Gallardo, quien declinó la oferta este año para aceptar una vez editado su primer disco.
La vida del hijo Prodigo de Nicanor Parra
El Mercurio
Juan de Dios Parra, apodado Barraco, regresó a Santiago hace tres meses, tras la muerte de su padre. Desde entonces vive en una pieza en San Miguel donde hace clases de guitarra y prepara un nuevo disco. Aquí habla de su arrepentimiento por haber vendido los cuadernos del antipoeta y de su relación con él. También dice que en México sobrevivió cantando en calles y micros.
por Carla Mandiola g.
fotos Sergio López
-Una vez tuve un sueño súper bonito en que mi papá estaba en México y yo le contaba que me sabía todas las palabras mexicanas que él no conocía. Le preguntaba qué tenía puesto; me respondía una chaqueta. Le decía que no, que era una chamarra. Y se reía. Pero antes de que él muriera, tuve muchas pesadillas.
Soñaba que me lo llevaba en brazos. Ahora sueño casi todos los días con mi papá. En uno, la Colombina me decía, ya, te quedaste afuera de la herencia, y con mi papá súper serio al lado, firmaban un documento que decía que yo no recibiría nada.
Los tibios rayos del sol de invierno entran por el ventanal del departamento donde vive Juan de Dios Parra Tuca, apodado Barraco por su padre Nicanor. La luz rebota en las paredes blancas del pequeño living en San Miguel
No hay sillas ni mesas. No hay adornos ni cuadros, ni espejos en las paredes. Apenas un sillón de cuero negro y una batería eléctrica de un amigo. La cocina es americana, abierta, y la loza sucia se amontona en el lavaplatos. La única comida visible es una mantequilla, una lata de jurel abierta y un botellón con vino hasta la mitad.
Juan de Dios tiene 46 años, es el último hijo de Nicanor Parra y camina del living a la cocina con sus pantalones pitillos, que llegan hasta sobre sus tobillos. Se pone la capucha de su polerón negro y se la vuelve a sacar. Se sienta en un piso y se levanta nervioso para ver si la tetera ya hirvió, aunque todavía no suena. Este no es su departamento. Aquí vive en una pieza que le pasó un amigo. Lo hace desde febrero, cuando regresó de México un mes después de la muerte de su papá.
En el living, Barraco da clases de guitarra a sus únicos dos alumnos, que lo contactaron después de que publicó un aviso en su Facebook. Quiere pegar afiches en la calle para tener más alumnos y se entusiasma cuando cuenta que pronto se irá de aquí y se traladará al Barrio Brasil, al departamento donde vivió su madre, Nury Tuca, la última esposa del antipoeta, fallecida en agosto de 2014.
Pero lo que entusiasma aún más a Barraco es el próximo disco que quiere sacar en junio o julio, calcula. Hará un dúo con Kiuge Hayashida, el guitarrista chileno de los últimos discos de Charly García, a quien conoció a través de Cristián Araya, un amigo en común que los ayudará en la grabación.
-A Juan de Dios lo considero más que un músico, es un artista, un poeta y tiene un estilo para tocar guitarra único -dice Kiuge, quien lo visita en el departamento-. Esta mezcla que vamos a hacer me interesa bastante, porque él tiene una forma de tocar muy de raíz y trajo mucho desde México.
Ya grabaron la primera canción, que se llama "Cristales". Barraco cuenta que se demoró poco en componerla y que la hizo pensando en Nicanor Parra. Se sienta en el sillón, toma su guitarra eléctrica burdeo y comienza a cantar:
Se va tu luz, terminó ya/ Van cayendo los cristales/ En mis ojos tú te puedes ver -A mí los músicos chilenos me tenían un poco cansado -sigue Barraco, sentado en su cocina-. En un momento yo no quería tocar con nadie, prefería estar solo. De repente llegaban unos muy engrupidos y egocéntricos o estaban conmigo solo porque soy Parra, como falsos hippies.
"Ahora tengo que lograr muchas cosas, mucha música. En el último tiempo yo no le pedía plata a mi papá, él me daba, nomás. Me preguntaba si necesitaba; yo le decía que sí. Me acuerdo de la vez en que me dijo: '¿Usted sigue con eso de la guitarra?'. Sí, le respondí. 'Si con eso no se saca nada'. Eso me dio más fuerza para seguir".
Juan de Dios recuerda que Nury, su madre, era hija de un español, que era "media cuica" y que se enamoró de su papá después de leer una de sus entrevistas. En ese tiempo, ella iba a La Peña de los Parra con sus compañeros de curso de la universidad para escuchar a Ángel e Isabel Parra. Un día, cuenta Barraco, ella se acercó al antipoeta, quien era 33 años mayor, y rápidamente comenzaron una relación.
Tiempo después nació Colombina, la quinta hija de Nicanor Parra. Y un año más tarde llegó Juan de Dios, quien pesó casi 5 kilos al nacer. Los cuatro se fueron a vivir a Nueva York, donde Parra hizo clases hasta que lo echaron y volvieron a Santiago.-Nunca supe muy bien porqué me decía Barraco, Barraquito, pero me imagino que era una manera de decirme chanchito. Mi papá era dulce, encantador, pero cuando crecí, me tenía de maestro. Se lo agradezco, porque aprendí desde chico a cambiarle la rueda a los autos, cambiar el aceite, barrer el techo, cortar los árboles, destapar las fosas, quemar basura. Él daba las indicaciones.
Nicanor y Nury se separaron cuando Juan de Dios tenía 6 años. Él, Colombina y su padre se fueron a vivir a la casa en La Reina. Barraco recuerda que Nicanor no iba a las reuniones del colegio ni le preguntaba ni a él ni a su hermana por sus notas. -Siempre vivíamos con él. Siempre tenía una nana, un jardinero. Nunca faltó nada, pero era medio austero, medio cagado para comprar cosas. Mi mamá siempre buena onda, nos iba a ver todas las semanas, o nosotros íbamos a verla.
Juan de Dios dice que siempre quería impresionar a su papá y comenzó a estudiar guitarra, porque sabía que tenía habilidades musicales. -A los 17 yo estudiaba una pieza de Bach y se la iba a tocar en la mañana. Le golpeaba la puerta de la pieza, le decía que necesitaba un poco de plata, y le interpretaba los medios conciertos para que me pasara unas lucas. Me las daba, pero si no le gustaba, no. Yo tenía que tocar bien para sorprenderlo.
A los 20 ya hacía clases de guitarra eléctrica a personas mayores que él. Barraco Parra fue parte de la banda Los Trompos, que no fue conocida, pero lanzaron un disco y estuvieron 15 años tocando. También estuvo por más de una década con la banda de la Negra Ester y dice que tocó con Nicole y en el grupo Javiera y Los Imposibles.
-También tengo discos solistas y no he grabado toda la música que he interpretado del tío Roberto (Parra). Me sé todas las cuecas, todo, todo, todo y me va bien cuando las toco. Tuve clases con Robert Fripp, el guitarrista de King Crimson; de ahí saqué mucha información de cómo tocar, la respiración, las manos, la meditación en la mañana.
Durante su paso por La Negra Ester, escrita por Roberto Parra, Juan de Dios conoció a la actriz María José Núñez. Después de tres años le pidió pololeo, 15 días más tarde le pidió matrimonio y seis meses después de casarse -en el Registro Civil de La Reina- nació su primera hija: Josefa Cristalina. -Cuando nació, la Jose trabajaba y yo estaba todo el día con mi hija, le cambiaba los pañales, le daba la leche. Me preocupaba de que fuera una guagua feliz. Me gustaba mucho ese rol, me lo tomé muy en serio, dejé de tocar, dejé todo. Igual tocaba, pero mucho menos. Yo quería tener una guagua que no llorara nunca, pero fue imposible. Pensaba que las guaguas no tenían porqué llorar, pero igual lo hacen.Vivió con Josefa Cristalina hasta que cumplió 6 años, cuando Barraco y María José Núñez se separaron.
-¿Te dolió dejar de ver a tu hija?
-Pero es que yo lo elegí, yo me separé, yo me fui de la casa. Por eso ella es como es, porque los primeros años son los más importantes. Le va bien en el colegio y a veces lo cuento y me dicen, "ay, qué tanto que tu hija se saque sietes en el Nido de Águilas", pero no es menor; a ver, ¿quién hace eso? Aún nos vemos. Almorzamos. Me pidió que le enseñe a tocar guitarra. Ella no tiene traumas, porque yo me encargué de que no tuviera traumas. Nosotros estamos todos llenos de traumas, por eso nos va mal.
-¿Crees que Nicanor Parra fue un buen padre?
-Fue bueno, aunque se equivocaba. Pero eso no justifica lo que yo hice, lo de los cuadernos. En diciembre de 2017, la familia Parra encabezada por Tololo -sobrino de Barraco- comenzó la campaña de búsqueda de los cuadernos desaparecidos del antipoeta. En dos semanas recuperaron 20, que estaban en manos de coleccionistas y en galerías de arte. Barraco asumió públicamente que había vendido algunos. Dice que la primera vez que alguien le ofreció comprarle un cuaderno de su papá fue en 2008. No le gusta hablar de cifras, pero cuenta que no fue mucha la plata que ganó. -Mi idea era recuperarlos, por eso no cobré tan caro. Fue un empeño. -¿Te sentías culpable haciéndolo?-Sí, me sentía culpable. Trataba de no venderlos, pero lo hacía porque quería seguir estudiando guitarra, quería seguir sobreviviendo y tenía la posibilidad de hacerlo. Sabía que estaba mal, pero pensaba que en algún momento podía recuperarlos. Nadie sabía, yo iba a las librerías a venderlos. Después, en 2012, todos sabían. No era ambición, porque si no hubiera vendido los cuadernos más caros, me hubiera tomado el tiempo de venderlos en millones, de cotizar. Lo mío era vivir el aquí y el presente.
-¿Nunca pensaste en trabajar en vez de vender las cosas de tu papá?
-Trabajé, pero nunca alcanzaba. Trabajé en la construcción, sacando escombros de camiones.
-Pero si te sentías mal vendiendo los cuadernos, ¿por qué no paraste?
-Era una mezcla, porque además era algo psicológico. Sabía que no estaba bien lo que estaba haciendo, pero también tenía mis broncas.
"Las últimas veces que vi a mi papá, había acentuado su ironía. Ya no me lo bancaba tanto. Él no pescaba mucho los temas de los otros, pero era maravilloso, porque él tenía temas más interesantes. Conversaba con él y siempre me escuchaba, pero poco a poco empezó con el chiste de responder a todo con un '¿qué?', para molestarte. Estaba lúcido, no es que haya perdido el juicio como los viejitos. Tenía plena conciencia de quién era él, quiénes eran sus hijos. Quería llegar a los 114 años". -Se dijo que en el último tiempo tu papá no estaba lúcido.
-Él sí estaba en sus cabales, pero desde los 95 años empezó a molestar con eso del ¿qué?, de hacerse el sordo. Más joven, molestaba preguntando, "y usted, ¿quién es?". Los que dicen que no estaba lúcido es porque no lo conocen. En el testamento su firma se ve como más tiritona, pero es lógico a su edad."Mi viejo era neurótico, veía un cigarro en una foto y le daba alergia. Nunca soportó a la gente que fumaba. Además, tenías que decir cosas prácticas, que sirvan. No había que decir pelotudeces. Desde chico me entrenó para eso, con palabras que no se pueden decir".
-¿Por ejemplo?
-Bebida. Había que decir refresco. Le cargaban un montón de cosas. Empezar una conversación con él era muy difícil, pero después se soltaba y te aburrías.
-¿Qué te dejó de herencia?
-Las tasaciones no están listas aún. Pero estoy de acuerdo con el testamento y me parece equitativo. Mi papá lo hizo para proteger su patrimonio.
En 2016, Barraco pasó casi todo el año en la casa de La Reina de su papá, viviendo solo y casi sin salir. Ahí apareció Mauricio Jofré, un amigo guitarrista, y comenzaron a juntarse para tocar.
-Dejé de participar en los proyectos que tenía de antes, no quería ver a nadie. Quería estar solo. En los momentos difíciles, la guitarra me salvó más que nunca. Tengo una base, estudié música cuando joven, me sé los tonos, las escalas, las armonías. Tengo esa base y pensaba que había llegado más o menos a un nivel, pero con el Mauro empecé a cachar figuras, porque él tocaba y yo hacía punteos. Comencé a estudiar de nuevo. Él hizo unas letras medio flamenco, medio españolas. Después teníamos varias canciones, seis o siete. Él se fue a vivir a mi casa en La Reina, me acompañaba, salía a hacer sus pegas, volvía y tocábamos guitarra.
Entonces, una amiga chilena que vivía en México escuchó tocar a Barraco y a Mauricio Jofré, le gustó y les ofreció actuar allá. Según Juan de Dios, ella se consiguió los pasajes y las tocatas. En mayo de 2017, Barraco se fue de Chile.
La idea, dice, era quedarse durante dos meses, pero cumplió el plazo y Juan de Dios no quiso volver a Chile. Su compañero sí regresó, y Barraco se quedó solo. Sobrevivió tocando en bares, en plazas y en micros. Interpretaba canciones de Charly García y Gustavo Cerati. También cuecas, y entremedio, hacía punteos de guitarra.
-Allá me gustaba mucho cantar en la calle. Acá me da lata, pero no porque me reconozcan o por la vergüenza, si no porque no tiene gracia. -¿No te molestaba que tu familia tuviera recursos, mientras tú tocabas para sobrevivir?-No, porque siempre me acostumbré a vivir así. Mi papá cuidaba sus lucas y ahí están. Él decía que las cuidaba para que cuando se muriera nos pasara la plata.
Barraco recuerda que, cantando, hacía en promedio alrededor de 200 pesos mexicanos al día (unos 6.000 pesos chilenos). Tras cada presentación, pedía plata al público con una copa, a la que le puso una luz de bicicleta para llamar más la atención. Cantaba hasta juntar lo necesario para pagar el arriendo de una pieza y viajar a otro pueblo. Así, tocó en Querétaro, Ciudad de México, Oaxaca y Zipolite, una playa nudista a 834 kilómetros del DF. Hasta allá llegó en el Año Nuevo de 2017. La recuerda como su mejor época, porque "los turistas se fascinaban con mi manera de tocar". Su plan era quedarse en México por al menos dos años.
-El 23 de enero pasado le hice clases de guitarra a un tipo que me preguntó cuánto tiempo me iba a quedar ahí. Le dije que mucho tiempo, así que no se preocupara porque iba a aprender a tocar. Y esa fue la única clase que le hice al pobre.
Ese mismo día se enteró de que su papá había fallecido a los 103 años. Actuó como siempre en varios restoranes, pero esta vez eligió una tradicional canción mexicana: El mundo se va a acabar /Si un día me has de querer / Te debes apresurar
No viajó a Santiago al otro día ni al siguiente. Tardó casi un mes. No tenía el dinero para pagar el pasaje de vuelta a Chile. Una amiga se lo regaló.
Dice que lo primero que hizo al regresar fue ir a buscar los cuadernos que él vendió.-La guitarra me salvó más que nunca en los momentos difíciles, como cuando tuve que ir a recuperarlos. Yo sé dónde están y los voy a rescatar.
La tristeza esperanzadora de Charlotte Gainsbourg
El Mercurio
Después de vivir una experiencia desoladora por la muerte de su hermana, la actriz francesa dio vida a "Rest", su quinto trabajo discográfico, considerado el mejor de su catálogo. Aquí habla del proceso creativo, la colaboración de Paul McCartney y sus planes para mantener viva la memoria de su padre.
Por Bárbara Alcantara
Susurros heredados de una de las familias mas cool de Francia, un nucleo liderado por el mismísimo Serge Gainsbourg, ícono indiscutido de la llamada "chanson francesa" y un osado provocador lírico que además impactó a la sociedad gala con su irónica sugerencia. Su madre, la actriz y también cantante, Jane Birkin, fue una it girl de los sesenta, pionera en tendencias de moda y estética junto con estar eternamente ligada al mundo de la música. La única hija de ambos, Charlotte Gainsbourg, publicó a fines del año pasado su quinto disco, el cual, según la crítica especializada, vendría a ser el mejor de su discografía. La mujer que debutó en el cine y la música a los trece años no tiene una gran figura que la avale musicalmente, atrás quedaron sus colaboradores habituales Beck Hansen y Jarvis Cocker. Hoy, la artista de cuarenta y seis años se atrevió a escribir diez de las once canciones de un disco testimonial que está marcado por la muerte.
Kate Barry, su hermana mayor - hija de Birkin y del compositor inglés John Barry - murió trágicamente el 2013 tras caer desde la ventana de un departamento en París. Como consecuencia, la musa de Lars Von Trier se mudó junto a su familia a New York, "me fui de París porque no podía seguir respirando ese aire, quedarme en ese sitio sin ella se volvió insoportable, dice al teléfono desde la gran manzana. Posteriormente agrega que "en ese momento no me importaba si era esta ciudad u otra. Solo quería sentirme mejor", señala a El Mercurio.
Una de las terapias durante el luto fue dedicarse a su familia, al cine - su filmografía cuenta con mas de cincuenta películas- y a medida que sanaba crecían sus inquietudes musicales. Fue ahí que empezó a escribir y se contactó con el productor SebastiAn, un DJ francés conocido por sus remixes de canciones de Daft Punk, Bloc Party y los Bestie Boys. "Lo llamé y le dije que necesitaba que el álbum se grabará en New York; el vino y el rompecabezas se armó perfectamente". Después reconoce, "aquí fui capaz de dejar ir todos mis miedos respecto de no ser un artista compelta y eso es porque en esta ciudad todos son artistas, es algo muy poderoso", dice con un dulce tono de voz en un inglés británico afrancesado.
Acento imperceptible en las canciones del nuevo disco, compuestas justamente en inglés y francés, cuyos sonidos mutan desde el pop de sintetizadores, al funk y la canción francesa: "Esa era la idea, quería que fuera algo Old School", admite y continúa, "el primer impulso fue llevarme por poderosos sonidos que tenia en mi cabeza desde que era una niña, por lo que creo que SebastiAn respondió muy bien al generar la energía dramática que tienen algunas canciones"
¿Cómo lograste que dichas canciones, que hablan de situaciones tristes, suenen bailables?
"Cuando comencé a escribir sobre la pena y el luto, la única forma de situarlos en una canción, para mí, era la dirección opuesta musicalmente. De esta forma pude ser abierta sobre mis sentimientos y mi tristeza. Por ejemplo, en la última del disco ("Les Oxalis") habló sobre un trayecto en un cementerio y si la escuchas, es una canción completamente disco.
Dupla con Paul McCartney
Si bien Charlotte fue la compositora de casi la totalidad de "Rest", hay un canción firmada por Paul McCartney, "Songbird in a cage", en la que además de ceder sus derechos, el ex Beatle tocó el piano, la batería y la guitarra.
"Esa fue la primer colaboración del disco, yo le había hecho saber a mi compañía disquera que me gustaría trabajar con él, pero no sabía si él respondería, y lo hizo", cuenta, y reanuda su relato con mayores detalles sobre la primera vez que se juntaron, "almorzamos juntos y lo que recuerdo es que fue muy dulce y casual, yo estaba muy nerviosa y al mismo tiempo quería demostrar que no lo estaba. Cada vez que nos juntamos o hablamos por teléfono, siempre estuve pretendiendo estar relajada pero nunca lo estuve", reconoce entre risas.
Las colaboraciones también incluyeron al Daft Punk, Guy-Manuel de Homen-Cristo, quién participó en un par de canciones al igual que Owen Pallet en los arreglos finales, afamado violista conocido por sus trabajos con Arcade Fire y The Last Shadow Puppets.
Después de vivir una experiencia desoladora por la muerte de su hermana, la actriz francesa dio vida a "Rest", su quinto trabajo discográfico, considerado el mejor de su catálogo. Aquí habla del proceso creativo, la colaboración de Paul McCartney y sus planes para mantener viva la memoria de su padre.
Por Bárbara Alcantara
Susurros heredados de una de las familias mas cool de Francia, un nucleo liderado por el mismísimo Serge Gainsbourg, ícono indiscutido de la llamada "chanson francesa" y un osado provocador lírico que además impactó a la sociedad gala con su irónica sugerencia. Su madre, la actriz y también cantante, Jane Birkin, fue una it girl de los sesenta, pionera en tendencias de moda y estética junto con estar eternamente ligada al mundo de la música. La única hija de ambos, Charlotte Gainsbourg, publicó a fines del año pasado su quinto disco, el cual, según la crítica especializada, vendría a ser el mejor de su discografía. La mujer que debutó en el cine y la música a los trece años no tiene una gran figura que la avale musicalmente, atrás quedaron sus colaboradores habituales Beck Hansen y Jarvis Cocker. Hoy, la artista de cuarenta y seis años se atrevió a escribir diez de las once canciones de un disco testimonial que está marcado por la muerte.
Kate Barry, su hermana mayor - hija de Birkin y del compositor inglés John Barry - murió trágicamente el 2013 tras caer desde la ventana de un departamento en París. Como consecuencia, la musa de Lars Von Trier se mudó junto a su familia a New York, "me fui de París porque no podía seguir respirando ese aire, quedarme en ese sitio sin ella se volvió insoportable, dice al teléfono desde la gran manzana. Posteriormente agrega que "en ese momento no me importaba si era esta ciudad u otra. Solo quería sentirme mejor", señala a El Mercurio.
Una de las terapias durante el luto fue dedicarse a su familia, al cine - su filmografía cuenta con mas de cincuenta películas- y a medida que sanaba crecían sus inquietudes musicales. Fue ahí que empezó a escribir y se contactó con el productor SebastiAn, un DJ francés conocido por sus remixes de canciones de Daft Punk, Bloc Party y los Bestie Boys. "Lo llamé y le dije que necesitaba que el álbum se grabará en New York; el vino y el rompecabezas se armó perfectamente". Después reconoce, "aquí fui capaz de dejar ir todos mis miedos respecto de no ser un artista compelta y eso es porque en esta ciudad todos son artistas, es algo muy poderoso", dice con un dulce tono de voz en un inglés británico afrancesado.
Acento imperceptible en las canciones del nuevo disco, compuestas justamente en inglés y francés, cuyos sonidos mutan desde el pop de sintetizadores, al funk y la canción francesa: "Esa era la idea, quería que fuera algo Old School", admite y continúa, "el primer impulso fue llevarme por poderosos sonidos que tenia en mi cabeza desde que era una niña, por lo que creo que SebastiAn respondió muy bien al generar la energía dramática que tienen algunas canciones"
¿Cómo lograste que dichas canciones, que hablan de situaciones tristes, suenen bailables?
"Cuando comencé a escribir sobre la pena y el luto, la única forma de situarlos en una canción, para mí, era la dirección opuesta musicalmente. De esta forma pude ser abierta sobre mis sentimientos y mi tristeza. Por ejemplo, en la última del disco ("Les Oxalis") habló sobre un trayecto en un cementerio y si la escuchas, es una canción completamente disco.
Dupla con Paul McCartney
Si bien Charlotte fue la compositora de casi la totalidad de "Rest", hay un canción firmada por Paul McCartney, "Songbird in a cage", en la que además de ceder sus derechos, el ex Beatle tocó el piano, la batería y la guitarra.
"Esa fue la primer colaboración del disco, yo le había hecho saber a mi compañía disquera que me gustaría trabajar con él, pero no sabía si él respondería, y lo hizo", cuenta, y reanuda su relato con mayores detalles sobre la primera vez que se juntaron, "almorzamos juntos y lo que recuerdo es que fue muy dulce y casual, yo estaba muy nerviosa y al mismo tiempo quería demostrar que no lo estaba. Cada vez que nos juntamos o hablamos por teléfono, siempre estuve pretendiendo estar relajada pero nunca lo estuve", reconoce entre risas.
Las colaboraciones también incluyeron al Daft Punk, Guy-Manuel de Homen-Cristo, quién participó en un par de canciones al igual que Owen Pallet en los arreglos finales, afamado violista conocido por sus trabajos con Arcade Fire y The Last Shadow Puppets.
Camila Moreno despidió los escenarios en el Caupolicán
El Mercurio
La cantante inició un receso indefinido de los escenarios luego de hacer anoche su debut en el recinto de la calle San Diego, que acogió a casi 3.500 personas. Moreno repasó canciones de toda su trayectoria en un concierto que duró cerca de dos horas, en el que buscó constantemente la interacción con el público y que incluyó una intérprete de lenguaje de señas sobre el escenario. Además cantó junto a invitados especiales como Javier Barría, Manuel García, Ana Tijoux y el argentino Lisandro Aristimuño.
La cantante inició un receso indefinido de los escenarios luego de hacer anoche su debut en el recinto de la calle San Diego, que acogió a casi 3.500 personas. Moreno repasó canciones de toda su trayectoria en un concierto que duró cerca de dos horas, en el que buscó constantemente la interacción con el público y que incluyó una intérprete de lenguaje de señas sobre el escenario. Además cantó junto a invitados especiales como Javier Barría, Manuel García, Ana Tijoux y el argentino Lisandro Aristimuño.
Harry Styles causó euforia en su regreso a Chile para su debut en solitario
El Mercurio
El ex integrante de One Direction ya se había presentado junto a la boyband en dos ocasiones en Santiago en 2014.
Por Bárbara Castro
El sonido evoluciona, pero el fanatismo se mantiene intacto. A poco más de un año del lanzamiento de su debut como solista, luego del receso de su banda One Direction a finales de 2015, y a cuatro de las dos presentaciones de la boyband en el Estadio Nacional, Harry Styles volvió a pisar suelo chileno. Esta vez con una propuesta con la que pretendía distanciarse de la imagen de figura pop juvenil, transitando hacia el rock y lo alternativo.
Las fanáticas parecen ser las mismas. La antesala de la cita de anoche en el Movistar Arena estuvo marcada por la rápida venta de entradas, seguidoras apostadas en el aeropuerto y un centenar de ellas agolpadas a las afueras del Hotel Ritz Carlton.
El calentamiento estuvo a cargo de Leon Bridges, figura ascendente del rhythm and blues y el invitado especial escogido para el tramo sudamericano de la gira. Con una propuesta irreverente y llena de baile, contenida a ratos por momentos acústicos, el norteamericano llegó a presentar su segundo álbum de estudio, "Good thing".
A continuación llegó el turno del británico para desplegar en vivo la totalidad de su álbum homónimo. El arranque vino de la mano de su repertorio más rockero con "Only angel". Siempre con guitarra en mano, el complemento llegó con la presentación de dos temas inéditos y versionados de Ariana Grande y Fleetwood Mac. La entrega total por parte de la fanaticada se tradujo en intervenciones con luces, carteles y gritos ensordecedores.
Sin renegar de sus orígenes, Styles se permitió tres canciones de su época en One Direction. El público cantó al unísono "What makes you beautiful", el sencillo con el que la banda saltó a la fama. Un momento solo superado con "Sign of the times", tema que en 2017 sirvió de carta de presentación de una promisoria carrera solista.
El ex integrante de One Direction ya se había presentado junto a la boyband en dos ocasiones en Santiago en 2014.
Por Bárbara Castro
El sonido evoluciona, pero el fanatismo se mantiene intacto. A poco más de un año del lanzamiento de su debut como solista, luego del receso de su banda One Direction a finales de 2015, y a cuatro de las dos presentaciones de la boyband en el Estadio Nacional, Harry Styles volvió a pisar suelo chileno. Esta vez con una propuesta con la que pretendía distanciarse de la imagen de figura pop juvenil, transitando hacia el rock y lo alternativo.
Las fanáticas parecen ser las mismas. La antesala de la cita de anoche en el Movistar Arena estuvo marcada por la rápida venta de entradas, seguidoras apostadas en el aeropuerto y un centenar de ellas agolpadas a las afueras del Hotel Ritz Carlton.
El calentamiento estuvo a cargo de Leon Bridges, figura ascendente del rhythm and blues y el invitado especial escogido para el tramo sudamericano de la gira. Con una propuesta irreverente y llena de baile, contenida a ratos por momentos acústicos, el norteamericano llegó a presentar su segundo álbum de estudio, "Good thing".
A continuación llegó el turno del británico para desplegar en vivo la totalidad de su álbum homónimo. El arranque vino de la mano de su repertorio más rockero con "Only angel". Siempre con guitarra en mano, el complemento llegó con la presentación de dos temas inéditos y versionados de Ariana Grande y Fleetwood Mac. La entrega total por parte de la fanaticada se tradujo en intervenciones con luces, carteles y gritos ensordecedores.
Sin renegar de sus orígenes, Styles se permitió tres canciones de su época en One Direction. El público cantó al unísono "What makes you beautiful", el sencillo con el que la banda saltó a la fama. Un momento solo superado con "Sign of the times", tema que en 2017 sirvió de carta de presentación de una promisoria carrera solista.
Malucha Pinto y Carmen Prieto traen a la UC Temuco: “Me desordeno amor”.
Comunicado de prensa
Espectáculo reúne música, poesía y teatro
La propuesta artística, estará en el Aula Magna de la UC Temuco, el próximo sábado 9 de junio, a las 20 horas. La entrada es liberada.
Malucha Pinto y Carmen Prieto potencian el teatro y la música, en este viaje delirante por los misterios femeninos. Estas reconocidas artistas chilenas, deciden juntar sus talentos al servicio de un espectáculo íntimo y original en el que se sumergen en el fino universo femenino del amor con libertad. Valientes, se atreven a desnudar la delicada relación con el hombre viajando por todas las emociones: el romanticismo, los celos, el deseo, la entrega, la ira, el amor que goza, el amor que sufre, y la libertad.
Carmen Prieto y Malucha Pinto, se unen en una provocadora y valiente instancia, que fusiona el teatro, la música y la poesía haciendo un recorrido profundo por la experiencia amorosa femenina, donde el placer, el erotismo, el deleite infinito del cuerpo y la emoción primigenia son las protagonistas.
“Invitamos desde ya a la comunidad regional, dice Carlos Morales, Coordinador del Programa Artístico Aula Magna, a disfrutar de un espectáculo original, íntimo y desafiante, en el que Malucha y Carmen, se sumergen en el delicado universo femenino del erotismo y el amor con un arrojo encomiable”.
Con la poesía erótica de Malucha Pinto que habla de lo que se calla y la voz incomparable de Carmen Prieto, en una selección de boleros y salsas que no dejan a nadie indiferente, ellas invitan a este viaje íntimo para ser disfrutado a tajo abierto: “Me desordeno amor”, un recorrido insolente y provocador por los sentidos.
En este nuevo y original estreno estas mujeres desafían al espectador o espectadora a sumergirse en las fragancias, en las texturas femeninas.
LAS INVITACIONES SE PÚEDEN RETIRAR EN EL AULA MAGNA DEL CAMPUS SAN FRANCISCO A PARTIR DEL LUNES 28 DE MAYO.
A las 19:40 horas, en el Teatro U. de Chile: La Sinfónica e invitados abordan al Beethoven "imperial"
El Mercurio
Dos músicos que han sido aplaudidos por la crítica y el público en nuestro país, actúan hoy con la orquesta. Con el pianista Ishay Shaer como solista, Alexander Micklethwate conducirá el Concierto "Emperador" de Beethoven. "Es una obra noble, de carácter triunfal, brillante y heroico", destaca el director. "Es la primera vez en la historia que un solista ya no está solo para exhibir su técnica o el dominio del estilo, sino que encarna al héroe", agrega el pianista. Se sumará el Coro Sinfónico con la "Cantata a la muerte del emperador José II".
Dos músicos que han sido aplaudidos por la crítica y el público en nuestro país, actúan hoy con la orquesta. Con el pianista Ishay Shaer como solista, Alexander Micklethwate conducirá el Concierto "Emperador" de Beethoven. "Es una obra noble, de carácter triunfal, brillante y heroico", destaca el director. "Es la primera vez en la historia que un solista ya no está solo para exhibir su técnica o el dominio del estilo, sino que encarna al héroe", agrega el pianista. Se sumará el Coro Sinfónico con la "Cantata a la muerte del emperador José II".
Estrenos y atracciones para el doble Día del Patrimonio
El Mercurio
Por primera vez desde que se instauró en 1999 con unos pocos espacios para visitar, la cita considera dos días consecutivos. Aquí, una vitrina de actividades que tendrán lugar en Santiago.
Por IÑIGO DÍAZ
Palacio Eguiguren: dulce patria
Diseñado en 1918 por el eminente arquitecto Alberto Cruz Montt para el eje urbano de Dieciocho, el Palacio Eguiguren es un testigo de la época del esplendor financiero. Con su arquitectura ornamental de líneas clásicas y simétricas, se impone en la esquina de dicha calle y Alonso de Ovalle. Hoy es una sede de Duoc UC y su remodelación, realizada en 2002, mantuvo prácticamente intacta la totalidad de sus aspectos históricos. Las visitas guiadas por estudiantes, caracterizados como miembros de la sociedad de hace un siglo, culminarán con un momento glorioso: la degustación de dulces nacionales preparados por alumnos de la carrera de Gastronomía: chocolate caliente, leche asada, leche nevada, calzones rotos, salsa de manjar, alfajores, roscas y polvorones.
Banco de Chile: el dinero no lo es todo
Construido entre 1921 y 1926, la grandiosa Casa Matriz del Banco de Chile (Paseo Ahumada 251), de más de 5.500 m {+2} , cuatro pisos y dos subterráneos, será un estreno absoluto en el Día del Patrimonio. Su autor fue el arquitecto Alberto Siegel, quien estará "en persona" mañana allí para guiar a los visitantes en sus recorridos por el primer piso del edificio, junto a otros actores que caracterizarán personajes que contarán la historia de 125 años del banco. No se podrá ingresar a las bóvedas, ver dinero, ni mucho menos tocarlo, pero la visita incluye acceso a espacios como el fabuloso hall de ingreso, con sus mármoles, baldosas británicas y pilares, y las icónicas cajas principales junto al reloj, traído de Inglaterra.
Instituto Psiquiátrico: rincones con historia
Con nombres como la Casa de Orates o Manicomio, el actual Instituto Psiquiátrico Dr. José Horwitz Barak (La Paz 821) abre por primera vez sus puertas al público este domingo. Un recorrido a cargo de Santiago a Pata llevará a las oficinas y patios del complejo, pero pondrá acento en su histórica Lavandería, con maquinarias que aún operan, y el Teatro Grez (en la foto), de 1897. Con capacidad para 170 personas, cuenta con 12 murales de 1904, que, se cree, fueron pintados por Pedro Lira.
Ex Manufacturas Sumar: homenaje a los trabajadores
Las tres plantas de la instalación que comenzó a construirse en 1957 en San Joaquín llegaron a emplear más de 3 mil personas. La fábrica de hilados y géneros de algodón Manufacturas Sumar -creada por Salomón Sumar en 1946- fue clave en la producción textil en Chile. Alrededor del edificio se fundaron, además, grandes emplazamientos obreros, cuyos vestigios testimoniales son sus antiguos trabajadores, muchos de los cuales serán homenajeados en el espacio que hoy es la Fábrica Patio Outlet (Carlos Valdovinos 200). Además se exhibirá una muestra fotográfica en gran formato con escenas de más de 60 años de trabajo en las instalaciones Sumar. La colección formará el Archivo Fotográfico Manufacturas Sumar.
Museo de Química y Farmacia: más experimentos
Sometido a una larga recuperación durante todo 2017, el Museo de Química y Farmacia Profesor César Leyton Caravagno (Merced 50) se une por primera vez al Día del Patrimonio en su nuevo formato, con renovados espacios y sorprendentes colecciones. Entre sus piezas se aprecian un microscopio de 1890, un butirómetro de Gerber, y todo tipo de morteros, destiladores, balanzas, oblearios y pastilleros, junto con una publicación en alemán de "Kränter Buch", de Adam Lanicerus, que data de 1580, y "Palestra Farmacéutica Chimico-Galenica", de Félix Palacios, de 1723.
Renca la lleva: los álbumes familiares
El patrimonio en Renca no es material, en este caso, sino transversal, pues involucra a los ciudadanos de una populosa comuna periférica. Una selección de las más de 600 fotografías familiares que la Fundación ProCultura recopiló allí serán expuestas hoy y mañana en la Plaza Mayor. En el archivo fotográfico, que además se convertirá en un libro, se evidencian antiguas prácticas renquinas, como los picnics en los cerros Renca, Colorado y Puntilla Lo Ruiz; el uso de los carros de sangre, o el Cuasimodo más antiguo de Chile y muchas escenas de calles, barrios y grupos familiares.
Casa Central de la U. de Chile: Así es la oficina del rector
Después del Presidente de la República, la personalidad más importante reconocida por el país fue por mucho tiempo el rector de la Universidad de Chile. Por primera vez, las puertas de su despacho serán abiertas al público hoy y mañana, y allí se podrá admirar la elegancia de ese espacio en la Casa Central (Alameda 1058), hito republicano construido entre 1863 y 1871, y declarado Monumento Nacional en 1974. El gabinete cuenta con muebles nobles, cortinajes, lámparas de lágrimas y una pinacoteca que incluye el histórico retrato de Andrés Bello realizado en 1844 por Monvoisin. Las visitas a este palacio amarillo en plena Alameda céntrica consideran además recorridos por el Salón de Honor, el Patio Andrés Bello, la Sala Amanda Labarca y la Sala Museo Gabriela Mistral.
Barrio Arte: un territorio bien ganado
La red hilvanada por el Centro Cultural GAM , el Museo de Bellas Artes , el MAC Parque Forestal y el Museo Mavi se estrena en sociedad en el Día del Patrimonio, con el concepto de "Barrio Arte". Hoy y mañana, cada espacio cultural ofrecerá una serie de actividades, entre las que figuran encuentros con artistas, muestras, talleres para niños y recorridos guiados por los especialistas de Cultura Mapocho. Hoy se pone foco en el eje de calle Lastarria, con la iglesia de la Veracruz, el Biógrafo, la Casa taller de Kulczewski (en la foto), el Centro Cultural Casa O y el mural comunitario de calle Villavicencio. Mañana las acciones ocurren por las inmediaciones del Parque Forestal, con la Posada del Corregidor, el Barrio Esmeralda y los murales de Inti Castro, Mono González y Francisco Maturana.
Talleres: todos para uno
Una red de actividades también se conecta con las visitas a diversos sitios este fin de semana. Los talleres son protagónicos en lugares como la Iglesia de San Francisco (Alameda 816), que además de sus visitas guiadas por monjes, obras de teatro y conciertos, presenta un taller de restauración para niños. Lo mismo en el Museo de la Educación (Chacabuco 365), que tendrá un taller de elaboración y creación de arpilleras y otro dedicado a las estudiantes mujeres, acerca del trabajo femenino con maquinarias de la educación técnica. El Museo de la Solidaridad (República 475) tiene un taller de arte postal y conservación de obras en papel, mientras que el Planetario Usach (Alameda 3349) presenta su "taller de luz", una clase con sorprendentes experimentos.
Clásicos impostergables: todo lo demás
El Día del Patrimonio es el momento del año para conocer el exclusivo Club de la Unión , otro edificio del arquitecto Alberto Cruz Montt. Si usted quiere ingresar, llegue temprano o ármese de paciencia. Cerca de ahí, se ubica la Bolsa de Comercio (en la foto), también altamente concurrida. El Teatro Municipal repite su formato exitoso de recorridos por su foyer, palcos y sala principal, y sin duda el mayor atractivo familiar es la posibilidad de fotografiarse con atuendos de diversas óperas. En el Museo Violeta Parra habrá una muestra de danzas coloniales y cuecas chinganeras, mientras que los tres museos más grandes de la ciudad -Bellas Artes, Histórico Nacional e Historia Natural- vuelven abrir, como cada día del año, sus exposiciones.
Onemi: su terremoto y otro más
En un país de erupciones, aluviones, incendios, inundaciones, terremotos y tsunamis , la Oficina Nacional de Emergencia del Ministerio del Interior (Onemi) sigue siendo un organismo con más trabajo que pausas y descanso. Mañana, entre las 10:00 y las 13:00 horas, se podrá visitar sus instalaciones en Beauchef 1671, conocer sus salas y sus instrumentos tecnológicos. Pero además, si usted tiene agallas suficientes, también podrá revivir su terremoto favorito montando al Simulador Sísmico Móvil. La plataforma instalada en un camión que recorre el país fue donada por el gobierno de Japón y permite experimentar sismos de gran escala, sin demasiado terror ni riesgos.
Por primera vez desde que se instauró en 1999 con unos pocos espacios para visitar, la cita considera dos días consecutivos. Aquí, una vitrina de actividades que tendrán lugar en Santiago.
Por IÑIGO DÍAZ
Palacio Eguiguren: dulce patria
Diseñado en 1918 por el eminente arquitecto Alberto Cruz Montt para el eje urbano de Dieciocho, el Palacio Eguiguren es un testigo de la época del esplendor financiero. Con su arquitectura ornamental de líneas clásicas y simétricas, se impone en la esquina de dicha calle y Alonso de Ovalle. Hoy es una sede de Duoc UC y su remodelación, realizada en 2002, mantuvo prácticamente intacta la totalidad de sus aspectos históricos. Las visitas guiadas por estudiantes, caracterizados como miembros de la sociedad de hace un siglo, culminarán con un momento glorioso: la degustación de dulces nacionales preparados por alumnos de la carrera de Gastronomía: chocolate caliente, leche asada, leche nevada, calzones rotos, salsa de manjar, alfajores, roscas y polvorones.
Banco de Chile: el dinero no lo es todo
Construido entre 1921 y 1926, la grandiosa Casa Matriz del Banco de Chile (Paseo Ahumada 251), de más de 5.500 m {+2} , cuatro pisos y dos subterráneos, será un estreno absoluto en el Día del Patrimonio. Su autor fue el arquitecto Alberto Siegel, quien estará "en persona" mañana allí para guiar a los visitantes en sus recorridos por el primer piso del edificio, junto a otros actores que caracterizarán personajes que contarán la historia de 125 años del banco. No se podrá ingresar a las bóvedas, ver dinero, ni mucho menos tocarlo, pero la visita incluye acceso a espacios como el fabuloso hall de ingreso, con sus mármoles, baldosas británicas y pilares, y las icónicas cajas principales junto al reloj, traído de Inglaterra.
Instituto Psiquiátrico: rincones con historia
Con nombres como la Casa de Orates o Manicomio, el actual Instituto Psiquiátrico Dr. José Horwitz Barak (La Paz 821) abre por primera vez sus puertas al público este domingo. Un recorrido a cargo de Santiago a Pata llevará a las oficinas y patios del complejo, pero pondrá acento en su histórica Lavandería, con maquinarias que aún operan, y el Teatro Grez (en la foto), de 1897. Con capacidad para 170 personas, cuenta con 12 murales de 1904, que, se cree, fueron pintados por Pedro Lira.
Ex Manufacturas Sumar: homenaje a los trabajadores
Las tres plantas de la instalación que comenzó a construirse en 1957 en San Joaquín llegaron a emplear más de 3 mil personas. La fábrica de hilados y géneros de algodón Manufacturas Sumar -creada por Salomón Sumar en 1946- fue clave en la producción textil en Chile. Alrededor del edificio se fundaron, además, grandes emplazamientos obreros, cuyos vestigios testimoniales son sus antiguos trabajadores, muchos de los cuales serán homenajeados en el espacio que hoy es la Fábrica Patio Outlet (Carlos Valdovinos 200). Además se exhibirá una muestra fotográfica en gran formato con escenas de más de 60 años de trabajo en las instalaciones Sumar. La colección formará el Archivo Fotográfico Manufacturas Sumar.
Museo de Química y Farmacia: más experimentos
Sometido a una larga recuperación durante todo 2017, el Museo de Química y Farmacia Profesor César Leyton Caravagno (Merced 50) se une por primera vez al Día del Patrimonio en su nuevo formato, con renovados espacios y sorprendentes colecciones. Entre sus piezas se aprecian un microscopio de 1890, un butirómetro de Gerber, y todo tipo de morteros, destiladores, balanzas, oblearios y pastilleros, junto con una publicación en alemán de "Kränter Buch", de Adam Lanicerus, que data de 1580, y "Palestra Farmacéutica Chimico-Galenica", de Félix Palacios, de 1723.
Renca la lleva: los álbumes familiares
El patrimonio en Renca no es material, en este caso, sino transversal, pues involucra a los ciudadanos de una populosa comuna periférica. Una selección de las más de 600 fotografías familiares que la Fundación ProCultura recopiló allí serán expuestas hoy y mañana en la Plaza Mayor. En el archivo fotográfico, que además se convertirá en un libro, se evidencian antiguas prácticas renquinas, como los picnics en los cerros Renca, Colorado y Puntilla Lo Ruiz; el uso de los carros de sangre, o el Cuasimodo más antiguo de Chile y muchas escenas de calles, barrios y grupos familiares.
Casa Central de la U. de Chile: Así es la oficina del rector
Después del Presidente de la República, la personalidad más importante reconocida por el país fue por mucho tiempo el rector de la Universidad de Chile. Por primera vez, las puertas de su despacho serán abiertas al público hoy y mañana, y allí se podrá admirar la elegancia de ese espacio en la Casa Central (Alameda 1058), hito republicano construido entre 1863 y 1871, y declarado Monumento Nacional en 1974. El gabinete cuenta con muebles nobles, cortinajes, lámparas de lágrimas y una pinacoteca que incluye el histórico retrato de Andrés Bello realizado en 1844 por Monvoisin. Las visitas a este palacio amarillo en plena Alameda céntrica consideran además recorridos por el Salón de Honor, el Patio Andrés Bello, la Sala Amanda Labarca y la Sala Museo Gabriela Mistral.
Barrio Arte: un territorio bien ganado
La red hilvanada por el Centro Cultural GAM , el Museo de Bellas Artes , el MAC Parque Forestal y el Museo Mavi se estrena en sociedad en el Día del Patrimonio, con el concepto de "Barrio Arte". Hoy y mañana, cada espacio cultural ofrecerá una serie de actividades, entre las que figuran encuentros con artistas, muestras, talleres para niños y recorridos guiados por los especialistas de Cultura Mapocho. Hoy se pone foco en el eje de calle Lastarria, con la iglesia de la Veracruz, el Biógrafo, la Casa taller de Kulczewski (en la foto), el Centro Cultural Casa O y el mural comunitario de calle Villavicencio. Mañana las acciones ocurren por las inmediaciones del Parque Forestal, con la Posada del Corregidor, el Barrio Esmeralda y los murales de Inti Castro, Mono González y Francisco Maturana.
Talleres: todos para uno
Una red de actividades también se conecta con las visitas a diversos sitios este fin de semana. Los talleres son protagónicos en lugares como la Iglesia de San Francisco (Alameda 816), que además de sus visitas guiadas por monjes, obras de teatro y conciertos, presenta un taller de restauración para niños. Lo mismo en el Museo de la Educación (Chacabuco 365), que tendrá un taller de elaboración y creación de arpilleras y otro dedicado a las estudiantes mujeres, acerca del trabajo femenino con maquinarias de la educación técnica. El Museo de la Solidaridad (República 475) tiene un taller de arte postal y conservación de obras en papel, mientras que el Planetario Usach (Alameda 3349) presenta su "taller de luz", una clase con sorprendentes experimentos.
Clásicos impostergables: todo lo demás
El Día del Patrimonio es el momento del año para conocer el exclusivo Club de la Unión , otro edificio del arquitecto Alberto Cruz Montt. Si usted quiere ingresar, llegue temprano o ármese de paciencia. Cerca de ahí, se ubica la Bolsa de Comercio (en la foto), también altamente concurrida. El Teatro Municipal repite su formato exitoso de recorridos por su foyer, palcos y sala principal, y sin duda el mayor atractivo familiar es la posibilidad de fotografiarse con atuendos de diversas óperas. En el Museo Violeta Parra habrá una muestra de danzas coloniales y cuecas chinganeras, mientras que los tres museos más grandes de la ciudad -Bellas Artes, Histórico Nacional e Historia Natural- vuelven abrir, como cada día del año, sus exposiciones.
Onemi: su terremoto y otro más
En un país de erupciones, aluviones, incendios, inundaciones, terremotos y tsunamis , la Oficina Nacional de Emergencia del Ministerio del Interior (Onemi) sigue siendo un organismo con más trabajo que pausas y descanso. Mañana, entre las 10:00 y las 13:00 horas, se podrá visitar sus instalaciones en Beauchef 1671, conocer sus salas y sus instrumentos tecnológicos. Pero además, si usted tiene agallas suficientes, también podrá revivir su terremoto favorito montando al Simulador Sísmico Móvil. La plataforma instalada en un camión que recorre el país fue donada por el gobierno de Japón y permite experimentar sismos de gran escala, sin demasiado terror ni riesgos.
viernes, mayo 25, 2018
Los nuevos talentos del jazz
El Mercurio
Un joven que con sólo 19 años ya toca la trompeta en once agrupaciones; otro, prodigio del trombón, que integra la banda de Ana Tijoux; o una chica que se enamoró del jazz cuando veía teleseries brasileñas. Aquí, las historias detrás de estas cinco nuevas caras que sorprenden en la escena nacional.
Por Javiera Catalán Soto y Michelle Martínez Collipal
LA INFLUENCIA DEL BOSSA NOVA
Natalia Corvetto (32)
La inquietud por el jazz de Natalia Corvetto (32) venía desde mucho antes de que escuchara a la cantante chilena Francesca Ancarola cuando estaba en el colegio. Se remontaba a cuando veía teleseries brasileñas y se deleitaba con el bossa nova que usaban como banda sonora. Pero fue la voz de Ancarola la que gatilló en ella el deseo de dedicarse a la música, en vez de seguir su primera opción: el teatro.
En la universidad pudo explorar y explotar su lado más jazzista, y a través de clases con destacados músicos como Moncho Romero y Arlette Jequier la -hasta ese momento- intérprete autodidacta, se insertó de lleno en el mundo del jazz y formó su primer cuarteto.
Desde ahí Natalia Corvetto comenzó a experimentar con nuevos ritmos y estilos, que resultan en su primer disco, "El vuelo", que será lanzado el 7 de junio, y que se mueve entre el pop, los ritmos afrolatinos y la esencia de toda su música: el jazz.
-Yo creo que lo mío es bien pop dentro del jazz, pero en el mundo más pop o comercial mi música es súper alternativa -dice sobre su primera placa que cuenta con ocho canciones originales, que van desde el groove con toques de fusión latinoamericana hasta el blues.
-El jazz fusión es un panorama que está en expansión. La gente joven está buscando la experimentación con sonidos internacionales, y también local con instrumentos acústicos, y ritmos latinoamericanos -dice el experto en jazz, Álvaro Menanteau, sobre la generación de músicos de Natalia Corvetto.
Ella, que además es guitarrista y pianista, espera convertirse en una cantante de latin jazz, ritmo que en su recorrido por Latinoamérica se ha nutrido de otros sonidos como el bolero y el propio bossa nova.
-Siento que hay tanto repertorio en español que tengo el deber de recopilar canciones y poder interpretarlas -dice Corvetto sobre su futuro en la música, orientada hacia un perfil más latino y en español.
EL BAJISTA QUE PASÓ DEL ROCK AL JAZZ
Matías Martinoli (32)
Con la idea de "hacer a un lado" a quien hacía los bajos con una guitarra acústica en la banda de sus amigos, Matías Martinoli (32) se compró un bajo.
-Voy a desplazarlo con mi bajo -se dijo.
En ese momento, a sus 16 años, conoció el instrumento que lo acompañaría hasta hoy, y con el que en marzo pasado lanzó su primer disco, "Verde 61", con su banda Matías Martinoli cuarteto.
Pero a los 16, Martinoli aún no se decidía por el jazz, lo de él era el rock progresivo y experimental que -dice- lo influencian hasta ahora en sus composiciones. Y no fue hasta que entró a la Escuela Moderna de Música que se interesó por el jazz y sus variantes. Ahí exploró el jazz fusión, inspirado siempre por músicos de todos los estilos y géneros, desde Luis Alberto Spinetta hasta la banda de rock progresivo King Crimson.
Pero dice que su agrupación favorita es La Marraqueta, banda chilena de jazz fusión formada por uno de sus grandes referentes en el jazz nacional, Pablo Lecaros, con quien estudió. Incluso reconoce que su propia banda repite el formato de La Marraqueta, utilizando los mismos instrumentos, en su caso, con guitarra a cargo de Fernando Raín, el piano y teclados de Diego Ortiz, y en la batería, Gustavo Díaz.
-La exigencia que tienen por ser más jóvenes es muy alta, pero ellos logran insertarse en la escena del jazz con proyectos propios y con muy buenas herramientas -dice Erwin Díaz, dueño del bar Thelonious, lugar de jazz, sobre la agrupación Matías Martinoli cuarteto.
Por ahora sigue componiendo y tocando en festivales y escenarios para difundir su música.
-En Concepción fue increíble la recepción del disco. Todos los locales llenos, un ambiente realmente inédito para nosotros como santiaguinos -dice sobre su más reciente gira por el país. Ahora su proyecto es internacionalizar su carrera.
-Esa es la misión, expandir esto, si se abre la posibilidad.
SU HOMENAJE A LA NOUVELLE CHANSON
Geraldine Thenoux (32)
Formada en piano clásico siendo niña, y como periodista siendo adulta, Geraldine Thenoux (32) decidió abandonar lo tradicional y la profesión para dedicarse a la música popular, que es lo que realmente le apasiona. Desde pequeña escuchó los vinilos de la nueva canción francesa, de Los Jaivas y también de jazz en inglés de su padre, y se sintió atraída por la música.
Mientras estudiaba periodismo -para cumplir con las expectativas de su familia, reconoce- en paralelo tomaba clases en la escuela Projazz. Fueron esas lecciones de canto las que la acercaron definitivamente al jazz y a la música a la que hoy se dedica. Desde ahí en adelante se ha perfeccionado con maestras como Arlette Jequier y la cantante bahameña Debbie Cameron, con quien pasó un tiempo en Dinamarca.
Actualmente tiene su propia agrupación llamada Geraldine Thenoux Trío, donde hace homenaje a la Nouvelle Chanson y al jazz más tradicional.
-Geraldine destaca, entre otras intérpretes, al cantar en francés, ya que ese idioma es muy atractivo para el oído chileno -dice el poeta y dueño de Thelonious, lugar de jazz, Erwin Díaz, quien la ha visto actuar más de una vez en su local.
Ella dice que respeta mucho la música compuesta por terceros.
-En el mundo del jazz uno tiene que interpretar muy bien lo que es del pasado, lo que fue compuesto por otros -comenta.
Pero además de ese proyecto, que ella denomina como "íntimo", Geraldine es la voz de Golosa La Orquesta, banda que toca ritmos como el bolero, jazz fusión y jazz manouche o gitano.
-Golosa es una fusión de folk, rock, jazz, blues, swing, tango, milonga, rumba. Es para pasarlo bien; entonces, lo creativo se da y puedo experimentar más con mis propias composiciones -dice Geraldine Thenoux, quien se divide entre su proyecto más íntimo -orientado a lo acústico- y la música bailable de Golosa la Orquesta.
En 2017 lanzó su primer disco con Geraldine Thenoux Trío, en vivo en el bar Thelonious. Y el 5 de mayo recién pasado, junto a Golosa La Orquesta, lanzó "Sobre la ciudad", una placa que los llevará de gira por Europa durante el segundo semestre, y donde también presentará su proyecto solista, recorriendo festivales en Dinamarca, Hungría, Eslovenia e Italia.
EL TROMBONISTA DE ANA TIJOUX
Alfredo Tauber (23)
Alfredo Tauber (23) había terminado su segundo año de educación media en el Internado Nacional Barros Arana cuando decidió que solo quería hacer música. Desde los 12 años había tenido que dividirse entre sus quehaceres escolares y su pasión por el trombón. Fue tanto el talento que sus profesores vieron en él, que uno de ellos le consiguió clases con el trombonista Marcelo Maldonado, ex alumno de la Conchalí Big Band, una orquesta juvenil/proyecto educativo creado por el músico Gerhard Mornhinweg en 1994.
Tauber recuerda que antes de las clases de Maldonado había sido autodidacta, y si bien sus inicios estuvieron en el ska, comenzó a interesarse por el jazz luego de que su maestro lo llevara a la Conchalí Big Band en 2012. Ahí terminó de convencerse de que tenía que salirse del colegio, y con solo 16 años dejó de estudiar para dedicarse por completo a la música (luego volvería con 19 años a terminar su enseñanza media rindiendo exámenes libres).
-A mi mamá la criticaron mucho. Le decían incluso que lo que estaba haciendo era ilegal, al dejar que me retirara del colegio. Lo más difícil fue lidiar con el prejuicio que hay entorno a los músicos, pero a mí en verdad nunca me importaron las críticas -cuenta el joven, quien por estos días se presenta en bares como el Thelonious y toca trombón en la banda de la cantante nacional Ana Tijoux.
Tauber también tiene proyectos propios: actualmente crea música con la agrupación Mapocho Orquesta, formada por ex alumnos de la Conchalí Big Band, y dirigidos por el saxofonista Andrés Perez, quien recuerda haber quedado impresionado cuando escuchó a Tauber por primera vez, en una prueba de sonido en 2014.
-Él es un fenómeno del trombón, es muy talentoso y versátil. Inmediatamente lo invité a trabajar conmigo -dice.
Además, Tauber compone en su otra agrupación, la banda de ska Mercurio Paradise, con quienes lanzó una pieza en 2016.
-Me encanta tocar jazz, pero lo veo más como una herramienta que me puede abrir muchas puertas a otros géneros, porque soy un improvisador, y trato siempre de hacer un aporte desde mi interpretación, a partir de lo que aprendí del jazz.
EL "SHOCK" DE LA TROMPETA
Juan Pablo Salvo (19)
La primera vez que Juan Pablo Salvo tocó una trompeta tenía solo cuatro años. Hoy, a sus 19, dice que no recuerda muy bien dónde pasó, solo se ve a sí mismo en un pasacalles, acompañado de su hermana, quien iba tocando los platillos, y un amigo de ella que tocaba la trompeta. En un momento se la entregaron a él para que la hiciera sonar, lo hizo, y desde ahí no quiso soltarla más.
-Quedé un poco "choqueado" con el sonido de la trompeta, sentí que tenía que aprender a tocarla bien -confiesa el joven.
Dicho y hecho, a los 13 entró a la Escuela de Música Enrique Soro, en la comuna de Quilicura, lugar donde vive actualmente. Dos años más tarde ingresó a la Conchalí Big Band y se empapó de los sonidos del jazz. Comenzó transcribiendo y tocando partituras de músicos como Miles Davis y Chet Baker, desarrolló su técnica en la trompeta hasta lograr hacer sus primeros solos.
-Es bueno que empiecen estas nuevas camadas de trompetistas que vayan ofreciendo nuevas perspectivas sonoras que enriquezcan la escena -dice el saxofonista Andrés Perez respecto al trabajo del joven, que pudo escuchar durante 2017, cuando con solo 18 años, Juan Pablo Salvo se convirtió en el primer músico de su generación en iniciar un proyecto como líder, y lanzar un disco de composiciones propias llamado "Mensaje", junto a su agrupación Juan Pablo Salvo Quinteto.
-Me sirvió para madurar esto de liderar a un grupo de personas y además tener claro cómo quería que se hicieran las composiciones, para que sonaran igual a como yo las escuchaba dentro de mi cabeza- cuenta el trompetista, quien por estos días toca en 11 agrupaciones de la escena jazzera nacional (contando su propio proyecto), entre las que se incluyen: De Perilla, Julián Romero Cuarteto, Ensamble Nodo, Cristóbal Piña Sexteto y Conchalí Big Band, con quienes partirá a una gira a Alemania en junio.
Seis conciertos en el epicentro de Providencia: Una intensa noche de jazz y blues en el Teatro Oriente
El Mercurio
Cristián Cuturrufo, Parquímetro Briceño y Christian Gálvez, entre otros músicos, saludan hoy los cinco años del club The Jazz Corner.
Por Iñigo Díaz
Ha sido una batalla sin respiro entre estos dos músicos, enconados rivales en las tribunas de los estadios de fútbol. El clásico que juegan Coquimbo Unido y Deportes La Serena los representa en sus propios colores, pero cuando se encuentran en un escenario la dupla se calibra en un solo objetivo.
El trompetista coquimbano Cristián Cuturrufo y el trombonista serenense Héctor Briceño, más conocido como "Parquímetro", volverán a reunirse hoy en una extensa jornada en el Teatro Oriente (20:30 horas, de $12.000 a $25.000).
Será una seguidilla de seis conciertos con las estrellas del club The Jazz Corner, para celebrar los cinco primeros años de vida de este espacio emplazado en el barrio Italia.
"Desde 2013 nos centramos en las variedades musicales, no solo jazz puro, también blues, bossa nova y fusión. Este concierto será como mostrar esa paleta de colores que tenemos en un espacio para 90 personas, ahora en un teatro para 900", dice Álvaro Gómez, curador del programa y dueño del club.
Son los nombres habituales que acuden al local en la esquina de Santa Isabel y Avenida Italia. El trío del pianista Edgardo Parraguez acompañará a tres jóvenes cantantes, mientras que La Bix Band hará un concierto de dixieland y los músicos Kiuge Hayashida y Carlos Catoni pondrán la cuota de blues eléctrico.
Los momentos principales serán los animados por Cuturrufo y Parquímetro, en un auténtico choque de trenes. Su propuesta es la de un jazz chilenísimo, que se nutre de insumos del bop, el blues y la cumbia, que ambos solistas contribuyeron a formar desde los 90, y que queda bien representado en su disco "Swing nacional" (2007).
Para finalizar, el virtuoso del bajo eléctrico Christian Gálvez volverá a reducir casi al máximo los formatos después de tocar con orquestas sinfónicas y con su septeto de fusión, ahora presentando a su nuevo trío, junto con Nelson Arriagada (bajo) y Juan Pablo Durán (batería), el único grupo donde dos bajistas no se estorban.
Cristián Cuturrufo, Parquímetro Briceño y Christian Gálvez, entre otros músicos, saludan hoy los cinco años del club The Jazz Corner.
Por Iñigo Díaz
Ha sido una batalla sin respiro entre estos dos músicos, enconados rivales en las tribunas de los estadios de fútbol. El clásico que juegan Coquimbo Unido y Deportes La Serena los representa en sus propios colores, pero cuando se encuentran en un escenario la dupla se calibra en un solo objetivo.
El trompetista coquimbano Cristián Cuturrufo y el trombonista serenense Héctor Briceño, más conocido como "Parquímetro", volverán a reunirse hoy en una extensa jornada en el Teatro Oriente (20:30 horas, de $12.000 a $25.000).
Será una seguidilla de seis conciertos con las estrellas del club The Jazz Corner, para celebrar los cinco primeros años de vida de este espacio emplazado en el barrio Italia.
"Desde 2013 nos centramos en las variedades musicales, no solo jazz puro, también blues, bossa nova y fusión. Este concierto será como mostrar esa paleta de colores que tenemos en un espacio para 90 personas, ahora en un teatro para 900", dice Álvaro Gómez, curador del programa y dueño del club.
Son los nombres habituales que acuden al local en la esquina de Santa Isabel y Avenida Italia. El trío del pianista Edgardo Parraguez acompañará a tres jóvenes cantantes, mientras que La Bix Band hará un concierto de dixieland y los músicos Kiuge Hayashida y Carlos Catoni pondrán la cuota de blues eléctrico.
Los momentos principales serán los animados por Cuturrufo y Parquímetro, en un auténtico choque de trenes. Su propuesta es la de un jazz chilenísimo, que se nutre de insumos del bop, el blues y la cumbia, que ambos solistas contribuyeron a formar desde los 90, y que queda bien representado en su disco "Swing nacional" (2007).
Para finalizar, el virtuoso del bajo eléctrico Christian Gálvez volverá a reducir casi al máximo los formatos después de tocar con orquestas sinfónicas y con su septeto de fusión, ahora presentando a su nuevo trío, junto con Nelson Arriagada (bajo) y Juan Pablo Durán (batería), el único grupo donde dos bajistas no se estorban.
Ishay Shaer, pianista: “Arrau tocaba con la cabeza y el corazón”
La Tercera
El músico israelí interpreta hoy y mañana el Concierto para piano y orquesta N° 5 de Beethoven, Emperador, con la Orquesta Sinfónica de Chile.
Por Andrés Gómez Bravo
La sordera crecía progresivamente. Del mismo modo que Beethoven alcanzaba su madurez como músico, perdía el principal de sus sentidos. Cuando terminó de componer el Concierto para piano y orquesta N°5, en 1811, sus capacidades auditivas estaban severamente disminuidas. Después de un desastroso intento por estrenarlo él mismo como solista, se despidió de las presentaciones públicas y confió el estreno en Viena a su discípulo Carl Czerny.
Dedicado al archiduque Rudolf, su mentor, y compuesto mientras Viena era invadida por Napoleón, el quinto es el último de sus conciertos para piano y el más sinfónico de todos: es conocido como Emperador -título que le habría sido adosado por el editor de Beethoven- por su carácter grandioso y triunfal.
Con altas probabilidades uno de los mejores conciertos para piano y orquesta de la historia, el Emperador resonará hoy y mañana en el Teatro de la Universidad de Chile con el solista israelí Ishay Shaer y la Orquesta Sinfónica de Chile, dirigida por el conductor alemán Alexander Mickelthwate. El programa contempla además la Cantata sobre la muerte del Emperador José II, a cargo de la Camerata Vocal.
Nacido en 1983, Shaer es uno de los pianistas jóvenes más destacados de su país. En 2006 ganó el concurso internacional de Newport en el Reino Unido y en 2008 fue premiado en el concurso Beethoven en Bonn. Desde entonces se ha presentado con prestigiosas agrupaciones, como la Filarmónica de Varsovia, la Sinfónica de la BBC en Gales y la Filarmónica de Israel.
“La música de Beethoven ha sido parte de mi vida desde temprano. Al principio me atrajo más la música de Bach, especialmente la polifónica, pero con el tiempo aprendí a apreciar la arquitectura de Beethoven, el contenido emocional de su música y su mensaje humano”, dice.
En su opinión, el N° 5 “es el primer concierto en la historia en el que el solista realmente desempeña el papel de un héroe. También es conocido por las cadenzas del primer movimiento, incluso en la introducción. A diferencia de los conciertos anteriores, en el N° 5 todas están escritas en la partitura, así que no se le permite al solista cambiar ni una nota”.
Estructurado en tres movimientos (Allegro, Adagio un poco mosso y Rondó: allegro), el concierto transita desde un inicio fuerte y enérgico a una hermosa y reflexiva melodía de cuerdas y piano, para concluir con un cierre victorioso entre solista y orquesta.
Aun con su carácter sinfónico, la pieza encierra altas exigencias para el piano: “Como en gran parte de su obra -dice Ishay Shaer-, a Beethoven no le importaba mucho si la parte estaba escrita de manera natural o conveniente para el instrumento, así que uno de los desafíos es superar eso y encontrar una manera en que se sienta natural. Además, el rango dinámico y emocional exigido por esta obra es amplio, y las transiciones entre la dulzura y la determinación son a menudo agudas, lo que exige una implicación emocional total”.
Uno de los grandes intérpretes de Beethoven fue el chileno Claudio Arrau, de quien Shaer se declara abierto admirador: “Arrau es uno de mis pianistas favoritos de todos los tiempos. Siempre tocaba con la cabeza y el corazón. Sus dedos eran casi irrelevantes”.
El músico israelí interpreta hoy y mañana el Concierto para piano y orquesta N° 5 de Beethoven, Emperador, con la Orquesta Sinfónica de Chile.
Por Andrés Gómez Bravo
La sordera crecía progresivamente. Del mismo modo que Beethoven alcanzaba su madurez como músico, perdía el principal de sus sentidos. Cuando terminó de componer el Concierto para piano y orquesta N°5, en 1811, sus capacidades auditivas estaban severamente disminuidas. Después de un desastroso intento por estrenarlo él mismo como solista, se despidió de las presentaciones públicas y confió el estreno en Viena a su discípulo Carl Czerny.
Dedicado al archiduque Rudolf, su mentor, y compuesto mientras Viena era invadida por Napoleón, el quinto es el último de sus conciertos para piano y el más sinfónico de todos: es conocido como Emperador -título que le habría sido adosado por el editor de Beethoven- por su carácter grandioso y triunfal.
Con altas probabilidades uno de los mejores conciertos para piano y orquesta de la historia, el Emperador resonará hoy y mañana en el Teatro de la Universidad de Chile con el solista israelí Ishay Shaer y la Orquesta Sinfónica de Chile, dirigida por el conductor alemán Alexander Mickelthwate. El programa contempla además la Cantata sobre la muerte del Emperador José II, a cargo de la Camerata Vocal.
Nacido en 1983, Shaer es uno de los pianistas jóvenes más destacados de su país. En 2006 ganó el concurso internacional de Newport en el Reino Unido y en 2008 fue premiado en el concurso Beethoven en Bonn. Desde entonces se ha presentado con prestigiosas agrupaciones, como la Filarmónica de Varsovia, la Sinfónica de la BBC en Gales y la Filarmónica de Israel.
“La música de Beethoven ha sido parte de mi vida desde temprano. Al principio me atrajo más la música de Bach, especialmente la polifónica, pero con el tiempo aprendí a apreciar la arquitectura de Beethoven, el contenido emocional de su música y su mensaje humano”, dice.
En su opinión, el N° 5 “es el primer concierto en la historia en el que el solista realmente desempeña el papel de un héroe. También es conocido por las cadenzas del primer movimiento, incluso en la introducción. A diferencia de los conciertos anteriores, en el N° 5 todas están escritas en la partitura, así que no se le permite al solista cambiar ni una nota”.
Estructurado en tres movimientos (Allegro, Adagio un poco mosso y Rondó: allegro), el concierto transita desde un inicio fuerte y enérgico a una hermosa y reflexiva melodía de cuerdas y piano, para concluir con un cierre victorioso entre solista y orquesta.
Aun con su carácter sinfónico, la pieza encierra altas exigencias para el piano: “Como en gran parte de su obra -dice Ishay Shaer-, a Beethoven no le importaba mucho si la parte estaba escrita de manera natural o conveniente para el instrumento, así que uno de los desafíos es superar eso y encontrar una manera en que se sienta natural. Además, el rango dinámico y emocional exigido por esta obra es amplio, y las transiciones entre la dulzura y la determinación son a menudo agudas, lo que exige una implicación emocional total”.
Uno de los grandes intérpretes de Beethoven fue el chileno Claudio Arrau, de quien Shaer se declara abierto admirador: “Arrau es uno de mis pianistas favoritos de todos los tiempos. Siempre tocaba con la cabeza y el corazón. Sus dedos eran casi irrelevantes”.
Henríquez recibe alta médica: “Está bien de ánimo
La Tercera
Gonzalo Henríquez, hermano del líder de Los Tres, habla de la larga recuperación que espera al músico.
Por Claudio Vergara
Alvaro Henríquez ya está en casa. Ayer en la mañana, el músico fue dado de alta de la Clínica Las Condes, luego del trasplante de hígado que recibió el 1 de mayo, como consecuencia de un daño hepático que lo tuvo en estado de extrema gravedad. Según un comunicado de la entidad, el cantante salió del lugar “en muy buenas condiciones”, aunque debe continuar con una serie de controles periódicos a cargo del equipo tratante.
Su hermano, el también músico y poeta Gonzalo Henríquez, dice: “Seguirá en observación y en un proceso extenso de recuperación. Hoy tiene restricción de todo. Ahora entra en una etapa muy larga. Pero está muy bien de ánimo”.
Según Francisco Barrera, gastroenterólogo de la Red Salud UC Christus, antes de seis meses los pacientes en estas condiciones no vuelven a trabajar. Además, hay un control intenso en las primeras semanas para evitar que el nuevo órgano genere rechazo. “De a poco debe recuperar la alimentación, levantarse y hacer actividades dentro de la casa. No debe salir mucho de ahí, para evitar infecciones o estar en contacto con gente resfriada. Además debe ser muy estricto con los fármacos. La vida normal se retoma al año post trasplante”, dice el especialista. En el texto, la clínica también aclara que en esta fase pueden aparecer complicaciones derivadas de un procedimiento médico tan importante.
Gonzalo Henríquez, hermano del líder de Los Tres, habla de la larga recuperación que espera al músico.
Por Claudio Vergara
Alvaro Henríquez ya está en casa. Ayer en la mañana, el músico fue dado de alta de la Clínica Las Condes, luego del trasplante de hígado que recibió el 1 de mayo, como consecuencia de un daño hepático que lo tuvo en estado de extrema gravedad. Según un comunicado de la entidad, el cantante salió del lugar “en muy buenas condiciones”, aunque debe continuar con una serie de controles periódicos a cargo del equipo tratante.
Su hermano, el también músico y poeta Gonzalo Henríquez, dice: “Seguirá en observación y en un proceso extenso de recuperación. Hoy tiene restricción de todo. Ahora entra en una etapa muy larga. Pero está muy bien de ánimo”.
Según Francisco Barrera, gastroenterólogo de la Red Salud UC Christus, antes de seis meses los pacientes en estas condiciones no vuelven a trabajar. Además, hay un control intenso en las primeras semanas para evitar que el nuevo órgano genere rechazo. “De a poco debe recuperar la alimentación, levantarse y hacer actividades dentro de la casa. No debe salir mucho de ahí, para evitar infecciones o estar en contacto con gente resfriada. Además debe ser muy estricto con los fármacos. La vida normal se retoma al año post trasplante”, dice el especialista. En el texto, la clínica también aclara que en esta fase pueden aparecer complicaciones derivadas de un procedimiento médico tan importante.
jueves, mayo 24, 2018
Tea Time presenta querella contra expareja y Corte la declara “inadmisible”
La Tercera
Para mostrar su inocencia en el caso de violencia intrafamiliar, el músico se querelló por obstrucción a la justicia y violación de morada. La justicia lo rechazó.
Por Claudio Vergara
Camilo Castaldi, el exintegrante de Los Tetas conocido como Tea Time, intentó hace poco más de un mes un giro en el proceso judicial que enfrenta desde el 2 de julio del año pasado, cuando fue formalizado por el delito de lesiones menos graves en el contexto de violencia intrafamiliar, acción presentada por su expareja, la estudiante Valentina Henríquez.
El 5 de abril, sus abogados interpusieron una querella criminal contra la propia joven, contra su madre y contra el conserje del edificio de calle Catedral que ambos compartían, por los delitos de obstrucción a la justicia y violación de morada. En el documento, los representantes del músico declaran que aportaron una serie de antecedentes a la investigación que sugerirían, según ellos, la inocencia del artista, como un CD con distintos diálogos entre la pareja. En ellos, quedaría de manifiesto la existencia de autoagresiones por parte de Henríquez, una conducta agresiva y el estrecho vínculo que habría mantenido con el conserje, considerado testigo clave de la relación entre el cantante y la universitaria, lo que lo inhabilitaría para entregar declaraciones en torno al caso.
Por ejemplo, en la querella hay supuestos diálogos en los que la joven habría tomado una botella para golpearse ella misma. En el texto, Castaldi le dice “agarraste una botella de whisky”, a lo que ella responde: “¡para pegarme a mí! ¡Porque tú queriai que yo me matara!”.
En otra supuesta conversación, Henríquez le dice ante sus constantes llegadas tarde al departamento: “Siempre voy a ser violenta cuando me faltís el respeto y llegar en la noche es una falta de respeto”. Castaldi responde: “Y falta el respeto, tirar la olla pa afuera del edificio”. Luego su conviviente replica: “Pero, ¿quién lo hizo primero? ¿Quién llegó tarde primero? Tú”.
En otro supuesto diálogo, Henríquez aludiría a su lazo con el conserje al asegurarle al ex Los Tetas que “él me cuenta todo. Por algo somos amigos”. Después agrega: “Bueno, pero cuando tú estabai conmigo yo le pregunté, en la fecha en que estaba contigo, ¿ha venido una hueona? Sí, me dijo, en las mañanas una vez vino. No, como dos veces unas hueonas negras vinieron para acá”. El músico le dice: “Yo no discrimino mi amor”. Su ex pareja finaliza: “No, po, si claramente te gustan las prostitutas negras”.
Los cuatro abogados que representan a Castaldi también intentaron establecer a través de esta ofensiva judicial -mostrando, entre otros elementos, conversaciones de Whatsapp- que era falso que ambos mantuvieran hasta mediados del año pasado una relación de convivencia, ya que ello habría tenido una serie de efectos en la detención y formalización del aludido. También exponen que el 2 de junio de 2017, la estudiante habría abierto el departamento con una tarjeta, lo que constituiría el delito de violación de morada.
Por otro lado, el texto presenta declaraciones de la madre de la joven, Teresa Albornoz Navarrete, quien en julio de 2017 contó ante la Fiscalía: “Valentina ya había congelado sus estudios porque la convivencia con una persona drogadicta como Camilo era insostenible. Incluso yo hablé con él cuando la iba a matricular, planteándole si es que iba a ser posible que la apoyara o que si no se volviera al depto. de Quinta Normal para que pudiera estudiar, y él me rogó que no, que la dejara con él, porque no podía vivir sin ella, ni dormir, y que ella le hacía bien, ese fue su discurso. No alcanzó ni a entrar a la universidad y tuvo que congelar”.
Sin embargo, el 7 de abril el Séptimo Juzgado de Garantía de Santiago, donde se lleva el caso, rechazó todo lo expuesto por el hombre de “Corazón de sandía” y declaró inadmisible la querella. “Siendo así las cosas, no existe ningún antecedente objetivo en los hechos imputados que permitan sustentar de forma mínima o plausible la existencia del tipo penal de obstrucción a la investigación y violación de morada, desde el momento en que todos los antecedentes fundantes de ambos delitos están directamente relacionados con una investigación en curso, siendo únicamente valoraciones o interpretaciones subjetivas respecto del contexto del delito”, establece el texto. Además, agrega que “el querellante estaría tratando de judicializar la actuación de los testigos y de las víctimas, quienes no habrían hecho otra cosa que ‘ejercer sus derechos’”.
Tres días después, los representantes del intérprete presentaron un recurso de reposición contra esta determinación, con el objetivo de que la querella inicial sea reconsiderada. Pero el 17 de mayo, la Corte de Apelaciones la declaró nuevamente inadmisible. Uno de los abogados del compositor, el abogado Marcos Contreras, declinó entregar declaraciones.
Robbie Williams vuelve a Chile para demostrar su vigencia en el pop
La Tercera
A doce años de su último paso por el país, el británico llega el 5 de noviembre con The Heavy Entertainment Show Tour al Movistar Arena. Un show de alto vuelo e iconografía pugilística que se ríe de sus batallas personales.
Por Andrés del Real
The Heavy Entertainment Show, tal como su nombre lo indica, es un espectáculo de alto entretenimiento. El más reciente disco de Robbie Williams y la gira mundial homónima se edifican bajo el mismo concepto: en su regreso al pop, el popular cantante británico se presenta como un tipo único en su especie, una mezcla entre gladiador y crooner con sentido del humor, un tipo que viene ya de vuelta, y que tras tantas idas y vueltas ya no tiene nada que perder ni que esconder.
Con ese tour, que inició en Inglaterra en junio pasado, el solista regresará a Chile a fines de este año, luego que la productora Lotus cerrara el desembarco del Heavy Entertainment Show Tour en Santiago. El propio Williams lo adelantó en su sitio web oficial la semana pasada y ahora su regreso tiene coordenadas definitivas: será el próximo 5 de noviembre en el Movistar Arena, en la primera presentación en vivo del ex Take That en el país desde su recordada actuación en el Estadio Nacional, en 2006.
Desde entonces, mucha agua ha pasado debajo del puente, tanto en la industria musical como en la carrera del cantante, en su momento el más vendedor de Reino Unido y uno de los solistas más exitosos del último siglo, con más de 75 millones de álbumes comercializados en el mundo a la fecha. Tras su breve regreso a Take That ente 2010 y 2012 , y el lanzamiento de un nuevo álbum de covers y composiciones originales en clave swing (Swing both ways, de 2013), Williams, hoy de 43 años, casado y con dos hijos, entra de lleno en la adultez personal y profesional con una producción que le saca partido a sus principales atributos artísticos: su versatilidad estilística y su inagotable capacidad para reírse de sí mismo.
Ese último aspecto está presente en prácticamente todos los pasajes de su nuevo show, que estrenó hace un año en una Manchester aún convulsionada por los ataques terroristas. Ante la tragedia y el miedo imperante, el intérprete de “Rudebox” contraataca con un show de que apela a la espectacularidad, plagado de el sarcasmo y sin una pizca de auto indulgencia. De hecho, cada fecha del tour comienza con el llamado “Himno de Robbie”, en el que un coro enumera por los amplificadores los diversos aciertos y tropiezos que registra la carrera del británico en las últimas tres décadas, sobre todo sus reconocidas adicciones y temporadas en rehabilitación.
Rodeado de sus músicos, coristas y una docena de bailarines, además de un aparatoso montaje escénico con iconografía pugilística -tal como en el sencillo que da nombre a su undécimo LP-, el hombre de Stoke-on-Trent aparece en escena con bata de boxeador para comenzar a recorrer sus diversas etapas: desde los himnos de su inicio en solitario, “Angels y “Millennium”, como también los que firmó junto a Take That y otros de su apogeo en el pop, como Feel y Rock DJ.
Tras recorrer diversos estadios techados y arenas de Europa durante el semestre pasado, y de un recorrido por Oceanía a comienzos de este año, el tour llegará a Sudamérica en noviembre, con fechas ya anunciadas en Paraguay, encabezando el cartel del Personal Fest de Asunción (8 de noviembre), y en Argentina, dos días después, en la versión bonaerense del mismo evento.
La vida por el éxito
Con críticas elogiosas y un listado de colaboradores de alto nivel, entre quienes se cuenta a los cantautores Rufus Wainwright y Ed Sheeran y el productor Benny Blanco, The Heavy Entertainment Show ha sido la mayor apuesta de Robbie Williams en los últimos años por volver al sitial que ocupó a comienzos de este siglo, cuando se erigió como uno de los solistas masculinos más populares del planeta.
Es, en todo caso, un retorno en sus términos, alimentando el personaje que ha construido a lo largo de su carrera y llevándolo al extremo, a punta de himnos en los que se burla de las propias miserias y las de las estrellas del pop en general. “Vendería a sus hijos por tener un éxito en Bélgica / y Dios sabe qué haría por conseguir un número uno”, reza el coro en el single que titula el álbum, en cuyo videoclip personifica a un boxeador golpeado por la vida pero aún dispuesto a seguir peleando.
Y no son pocos los demonios que Williams ha debido enfrentar durante su carrera, tal como él mismo ha expuesto en sus dos biografías oficiales y en reveladoras entrevistas. En una de éstas últimas, concedida al diario británico The Sun, el cantante confesó en marzo pasado tener “una enfermedad que quiere matarme y está en mi cabeza”, refiriéndose a los problemas de ansiedad y pánico escénico que lo han afectado por años. Incluso, en su presente gira, debió suspender dos shows en Rusia por dolores de cabeza y problemas para respirar, según contó entonces.
Una serie de fantasmas que se arrastran desde sus días en Take That y que se han traducido en distintas adicciones, problemas de autoestima por su sobrepeso y un desbalance hormonal conocido como andropausia.
“Cada vez que entro en el estudio siento esa presión de: ‘Vuelves, estás grabando un álbum, más vale que sea un éxito, estás gordo, tus ojos están caídos’”, reveló el año pasado el artista, que a sus 43 años vuelve por una segunda vida en la primera línea del pop.
A doce años de su último paso por el país, el británico llega el 5 de noviembre con The Heavy Entertainment Show Tour al Movistar Arena. Un show de alto vuelo e iconografía pugilística que se ríe de sus batallas personales.
Por Andrés del Real
The Heavy Entertainment Show, tal como su nombre lo indica, es un espectáculo de alto entretenimiento. El más reciente disco de Robbie Williams y la gira mundial homónima se edifican bajo el mismo concepto: en su regreso al pop, el popular cantante británico se presenta como un tipo único en su especie, una mezcla entre gladiador y crooner con sentido del humor, un tipo que viene ya de vuelta, y que tras tantas idas y vueltas ya no tiene nada que perder ni que esconder.
Con ese tour, que inició en Inglaterra en junio pasado, el solista regresará a Chile a fines de este año, luego que la productora Lotus cerrara el desembarco del Heavy Entertainment Show Tour en Santiago. El propio Williams lo adelantó en su sitio web oficial la semana pasada y ahora su regreso tiene coordenadas definitivas: será el próximo 5 de noviembre en el Movistar Arena, en la primera presentación en vivo del ex Take That en el país desde su recordada actuación en el Estadio Nacional, en 2006.
Desde entonces, mucha agua ha pasado debajo del puente, tanto en la industria musical como en la carrera del cantante, en su momento el más vendedor de Reino Unido y uno de los solistas más exitosos del último siglo, con más de 75 millones de álbumes comercializados en el mundo a la fecha. Tras su breve regreso a Take That ente 2010 y 2012 , y el lanzamiento de un nuevo álbum de covers y composiciones originales en clave swing (Swing both ways, de 2013), Williams, hoy de 43 años, casado y con dos hijos, entra de lleno en la adultez personal y profesional con una producción que le saca partido a sus principales atributos artísticos: su versatilidad estilística y su inagotable capacidad para reírse de sí mismo.
Ese último aspecto está presente en prácticamente todos los pasajes de su nuevo show, que estrenó hace un año en una Manchester aún convulsionada por los ataques terroristas. Ante la tragedia y el miedo imperante, el intérprete de “Rudebox” contraataca con un show de que apela a la espectacularidad, plagado de el sarcasmo y sin una pizca de auto indulgencia. De hecho, cada fecha del tour comienza con el llamado “Himno de Robbie”, en el que un coro enumera por los amplificadores los diversos aciertos y tropiezos que registra la carrera del británico en las últimas tres décadas, sobre todo sus reconocidas adicciones y temporadas en rehabilitación.
Rodeado de sus músicos, coristas y una docena de bailarines, además de un aparatoso montaje escénico con iconografía pugilística -tal como en el sencillo que da nombre a su undécimo LP-, el hombre de Stoke-on-Trent aparece en escena con bata de boxeador para comenzar a recorrer sus diversas etapas: desde los himnos de su inicio en solitario, “Angels y “Millennium”, como también los que firmó junto a Take That y otros de su apogeo en el pop, como Feel y Rock DJ.
Tras recorrer diversos estadios techados y arenas de Europa durante el semestre pasado, y de un recorrido por Oceanía a comienzos de este año, el tour llegará a Sudamérica en noviembre, con fechas ya anunciadas en Paraguay, encabezando el cartel del Personal Fest de Asunción (8 de noviembre), y en Argentina, dos días después, en la versión bonaerense del mismo evento.
La vida por el éxito
Con críticas elogiosas y un listado de colaboradores de alto nivel, entre quienes se cuenta a los cantautores Rufus Wainwright y Ed Sheeran y el productor Benny Blanco, The Heavy Entertainment Show ha sido la mayor apuesta de Robbie Williams en los últimos años por volver al sitial que ocupó a comienzos de este siglo, cuando se erigió como uno de los solistas masculinos más populares del planeta.
Es, en todo caso, un retorno en sus términos, alimentando el personaje que ha construido a lo largo de su carrera y llevándolo al extremo, a punta de himnos en los que se burla de las propias miserias y las de las estrellas del pop en general. “Vendería a sus hijos por tener un éxito en Bélgica / y Dios sabe qué haría por conseguir un número uno”, reza el coro en el single que titula el álbum, en cuyo videoclip personifica a un boxeador golpeado por la vida pero aún dispuesto a seguir peleando.
Y no son pocos los demonios que Williams ha debido enfrentar durante su carrera, tal como él mismo ha expuesto en sus dos biografías oficiales y en reveladoras entrevistas. En una de éstas últimas, concedida al diario británico The Sun, el cantante confesó en marzo pasado tener “una enfermedad que quiere matarme y está en mi cabeza”, refiriéndose a los problemas de ansiedad y pánico escénico que lo han afectado por años. Incluso, en su presente gira, debió suspender dos shows en Rusia por dolores de cabeza y problemas para respirar, según contó entonces.
Una serie de fantasmas que se arrastran desde sus días en Take That y que se han traducido en distintas adicciones, problemas de autoestima por su sobrepeso y un desbalance hormonal conocido como andropausia.
“Cada vez que entro en el estudio siento esa presión de: ‘Vuelves, estás grabando un álbum, más vale que sea un éxito, estás gordo, tus ojos están caídos’”, reveló el año pasado el artista, que a sus 43 años vuelve por una segunda vida en la primera línea del pop.
Lisandro Aristimuño: "Mis maestros siempre serán Spinetta, Fito, Charly y Cerati"
El Mercurio
El cantante, uno de los representantes más fuertes de la actual generación de músicos argentinos, regresa a Chile para presentar su último disco.
Por RAIMUNDO FLORES S.
"Ni siquiera al día de hoy, que hice un Luna Park, pasan temas míos en la radio. Y eso me llena de orgullo. Creo que es mejor que haya otro camino donde poder mostrar un tipo de música que sea más sincera y verdadera". Así reflexiona Lisandro Aristimuño al teléfono desde Buenos Aires. El cantante se refiere a la independencia y autogestión que han caracterizado su carrera y que, lejos de compañías multinacionales, ha logrado hacerse un nombre en la escena musical latinoamericana y un número habitual en la abultada agenda de conciertos chilena de los últimos años.
Este sábado, Aristimuño vuelve al Teatro Cariola luego de suspender una presentación que tenía agendada en noviembre pasado. El trabajo que lo trae de vuelta a Chile es "Constelaciones", su sexto disco de estudio que lo tuvo girando por México, Uruguay y Argentina, donde incluso hizo su debut en el emblemático Luna Park de Buenos Aires. "Fue algo muy fuerte para mí, sobre todo viniendo de la independencia y la autogestión; llegar a ese lugar fue algo muy valioso. El concierto se agotó, fue increíble", recuerda el cantante, quien volverá a presentarse en el histórico recinto porteño en agosto.
En el Teatro Cariola, el trasandino interpretará su última producción de manera íntegra, además de repasar parte de su repertorio que consideró que tenía una relación conceptual con las canciones de "Constelaciones". Este último trabajo muestra la continua evolución del sonido de Aristimuño, que todavía conserva su raíz folk, aunque reemplaza la faceta electrónica preponderante en "Mundo anfibio" (2012) por su lado más rockero.
Precisamente es el componente folclórico de la música de Aristimuño el que más guarda relación con Chile. El cantante, que creció en Viedma, ciudad ubicada en la Patagonia argentina, confiesa que en su casa su familia solía escuchar a artistas como Inti Illimani y Violeta Parra y que hoy admira a Fernando Milagros y Camila Moreno. De hecho, antes de su presentación del sábado, Aristimuño acompañará mañana a Moreno en el concierto de despedida que dará la cantante en el Teatro Caupolicán. "La música que está produciendo esta nueva camada de músicos chilenos me parece reinteresante; es muy novedosa y moderna", dice Aristimuño.
Respecto de su relación con los grandes referentes del rock argentino, afirma que siente más como una bendición que una carga el tomar la posta de ellos. "Mis maestros siempre van a ser Spinetta, Fito, Charly y Cerati. Me dejaron mucho y siempre tuve una recepción muy buena de esa gente. Agradezco tener la bendición de ellos", señala.
Después de su show en el Teatro Cariola, Aristimuño tendrá algunas presentaciones en Argentina y comenzará una gira por España, que lo llevará a ciudades como Sevilla, Madrid y Barcelona.
Por partida doble
El cantante también estará presente mañana en el concierto que dará Camila Moreno en el Teatro Caupolicán, que marcará el retiro indefinido de la intérprete nacional de los escenarios
El cantante, uno de los representantes más fuertes de la actual generación de músicos argentinos, regresa a Chile para presentar su último disco.
Por RAIMUNDO FLORES S.
"Ni siquiera al día de hoy, que hice un Luna Park, pasan temas míos en la radio. Y eso me llena de orgullo. Creo que es mejor que haya otro camino donde poder mostrar un tipo de música que sea más sincera y verdadera". Así reflexiona Lisandro Aristimuño al teléfono desde Buenos Aires. El cantante se refiere a la independencia y autogestión que han caracterizado su carrera y que, lejos de compañías multinacionales, ha logrado hacerse un nombre en la escena musical latinoamericana y un número habitual en la abultada agenda de conciertos chilena de los últimos años.
Este sábado, Aristimuño vuelve al Teatro Cariola luego de suspender una presentación que tenía agendada en noviembre pasado. El trabajo que lo trae de vuelta a Chile es "Constelaciones", su sexto disco de estudio que lo tuvo girando por México, Uruguay y Argentina, donde incluso hizo su debut en el emblemático Luna Park de Buenos Aires. "Fue algo muy fuerte para mí, sobre todo viniendo de la independencia y la autogestión; llegar a ese lugar fue algo muy valioso. El concierto se agotó, fue increíble", recuerda el cantante, quien volverá a presentarse en el histórico recinto porteño en agosto.
En el Teatro Cariola, el trasandino interpretará su última producción de manera íntegra, además de repasar parte de su repertorio que consideró que tenía una relación conceptual con las canciones de "Constelaciones". Este último trabajo muestra la continua evolución del sonido de Aristimuño, que todavía conserva su raíz folk, aunque reemplaza la faceta electrónica preponderante en "Mundo anfibio" (2012) por su lado más rockero.
Precisamente es el componente folclórico de la música de Aristimuño el que más guarda relación con Chile. El cantante, que creció en Viedma, ciudad ubicada en la Patagonia argentina, confiesa que en su casa su familia solía escuchar a artistas como Inti Illimani y Violeta Parra y que hoy admira a Fernando Milagros y Camila Moreno. De hecho, antes de su presentación del sábado, Aristimuño acompañará mañana a Moreno en el concierto de despedida que dará la cantante en el Teatro Caupolicán. "La música que está produciendo esta nueva camada de músicos chilenos me parece reinteresante; es muy novedosa y moderna", dice Aristimuño.
Respecto de su relación con los grandes referentes del rock argentino, afirma que siente más como una bendición que una carga el tomar la posta de ellos. "Mis maestros siempre van a ser Spinetta, Fito, Charly y Cerati. Me dejaron mucho y siempre tuve una recepción muy buena de esa gente. Agradezco tener la bendición de ellos", señala.
Después de su show en el Teatro Cariola, Aristimuño tendrá algunas presentaciones en Argentina y comenzará una gira por España, que lo llevará a ciudades como Sevilla, Madrid y Barcelona.
Por partida doble
El cantante también estará presente mañana en el concierto que dará Camila Moreno en el Teatro Caupolicán, que marcará el retiro indefinido de la intérprete nacional de los escenarios
Jaime Herrera, Director de grupo Kalfu “Elicura me ha permitido desarrollar plenamente inquietudes musicales y de compromiso con la vida”
Comunicado de prensa
El director de Kalfu, Jaime Herrera, reúne a sus hijos y amigos formando una sola familia musical; inspirado por la obra del poeta mapuche Elicura Chihuailaf, aquí nos relata pasajes importantes de su vida, su formación como músico y su búsqueda artística.
Trawun=ReUnión, el disco, es la musicalización que varios destacados músicos nacionales realizaron a partir de una colección de poemas del escritor mapuche Elicura Chihuailaf. Sin embargo, nada de esto hubiese sido posible sin la relación que antes construyeron Elicura y Jaime Herrera, director de la banda.
Jaime Herrera vive en San Antonio, la misma ciudad que lo vio nacer, crecer y forjar su carrera musical desde la infancia, junto a su familia. Su influencia más directa fue su madre, Lucía Andaur, profesora, pianista y soprano. Siendo todavía muy joven, con 18 años de edad y su primer sueldo en mano, Lucía compró un piano vertical alemán que acompañaría a la familia Herrera hasta el día de hoy. La inevitable necesidad musical de Jaime se vio reforzada desde niño, en el atento compromiso de la familia por proporcionarle a él y sus tres hermanos, todos los instrumentos adquiribles de acuerdo a su condición económica. “Fue así como ingresamos en el maravilloso mundo de la música latinoamericana, en tiempos en que conseguir un charango o una zampoña era subversivo”, recuerda Jaime.
En 1981 y ya convertido en un joven, Jaime ingresó a la Universidad Federico Santa María de Concepción para estudiar Construcción Civil. Pero el espíritu inquieto de Jaime, nuevamente lo llevó a repensar su futuro: una vez instalado en la universidad, se enteró que en La Academia Metropolitana de Ciencias Pedagógicas, en Santiago, estaba su anhelado sueño de convertirse en profesor igual que su madre.
Con tal de cumplir sus sueños y transformar su futuro profesional, Jaime se dedicó todo ese año a cantar en las micros entre San Antonio y Cartagena hasta juntar el dinero necesario para vivir en Santiago.
“Ingresé a estudiar en el Campus de Macul, fueron cinco años maravillosos, llenos de música y aprendizaje que me condujeron inevitablemente a Europa, donde gire por casi cinco años”, cuenta un evocador Jaime. Durante ese período no sólo adquirió su primer teclado profesional, un Korg M1, también formó su propia familia y se convirtió en el padre de Catalina, Pablo y Nicolás.
Una vez de vuelta en Chile y evaluando la posibilidad de vivir de la música, Jaime formó la orquesta bailable “La Clave” y el grupo de cámara de música clásica con instrumentos folclóricos, VIVACE. No obstante, su acuciante vocación docente lo llevó a encontrar un fructífero camino en la ciudad de Melipilla, donde se radicó junto a su compañera de vida y ejerció como profesor entre 1998 y 2012. Fue ahí donde creó la primera orquesta sinfónica juvenil, trabajó con un coro de 350 jóvenes y fusionó sus dos más grandes pasiones. La producción musical con este número importante de adolescentes le permitió el montaje de obras musicales a gran escala, donde además de la orquesta, involucró un coro con figuras como Patricio Manns, Roberto Marquez, Francisca Valenzuela, Los Jaivas, Shlomit Baytelman y Héctor Noguera, entre otros. Como resultado, el año 2006 fue reconocido con el Premio Municipal de Arte, en la comuna de San Antonio.
Aún llena de satisfacciones, la vida de Jaime no ha estado exenta del dolor. Durante el transcurso de esos poderosos años, y de manera consecutiva, mueren su hermano mayor, su padre, su madre y sus dos hermanos menores. Fue esa intensidad la que convocó a sus tres hijos a la gestación del Grupo Kalfu (azul, en mapudungún), y que trajo como consecuencia el inevitable y mágico encuentro con la poesía de Elicura Chihuailaf.
Durante el año 2012 Kalfu grabó y estrenó su primer disco: La Cantata Mapudungun, una creación basada en la traducción de poetas chilenos del siglo XX al mapudungún que realizó Elicura. “La relación amorosa creciente durante estos ocho años con el Poeta me ha permitido desarrollar plenamente las inquietudes musicales y de compromiso con la vida”, explica Jaime.
Sobre el escenario de Matucana 100, tras su teclado, en compañía de su familia sanguínea y su familia musical, el 08 de abril de 2017 Jaime y Kalfu estrenaron Trawun=ReUnión. Sin querer, o quizás muy intencionalmente, los ínfimos vestigios del hombre que alguna vez quiso ser constructor, se abrieron paso para levantar este puente imborrable, entre la chilenidad y nuestras milenarias raíces indígenas.
Este mismo trabajo tuvo un registro audiovisual realizado por Germán Liñeros y nos cuenta cómo fue el proceso de grabación del último disco de la banda Kalfu. Este material se transformó en una obra documental y fue presentada en la Sala de Fundación Providencia como uno de los siete documentales nacionales estrenados en el festival Internacional de cine y documental musical, In-Edit Chile, en abril de este año.
..:: PRÓXIMA FECHA “KALFU” ::..
Café Concert
Colegio Artístico Sol del Illimani (Cautín 8480, La Florida)
31 de mayo
18.00 hrs.
Adhesión $ 4.000.-
Bandas Invitadas: Inti Illimani, Villa Cariño, La Samba China Chola y Kalfu.
Multi-instrumentista nacional Jony Calleja se prepara para lanzar su último disco “Tamboril”
Comunicado de prensa
..: Jueves 31 de mayo // 20.30h // Sala Master U. de Chile :..
Si bien casi el 90% del disco lo grabó solo, en algunos singles lo acompañaron amigos y colegas músicos como Federico Faure (bajista de Congreso) y Jaime Beltrán (guitarra de María Colores).
El multi-instrumentista Esteban Espinosa es quien desata sus composiciones musicales bajo la placa de Jony Calleja. Con una larga trayectoria en diversas bandas, (Fruto Prohibido, Matorral y Bocallave) además de sesionista de eventos y discos de artistas nacionales como Claudio Narea, Viena o Alamedas, Calleja ha encaminado su obra musical hacia una experiencia personal que ha dado frutos y ya se prepara para lanzar su tercer disco: “Tamboril”, bajo el sello discográfico "Tímpano Solar Records", el cual ya se ha destacado por trabajar con bandas nacionales que buscan proyección internacional. Otros discos de Jony Calleja son Crónicas urbanas en formato pop (2013) y Siete y cuarto (2015).
“Tamboril es un disco que representa un lado más natural, ese que tiene que ver con el caminar por el canto de un lago, o perderse en la soledad de un bosque nativo, levantar la voz por algún efecto negativo o indefenso, pero siempre dentro de un contexto natural y medioambiental, desde lo rítmico y musical. A diferencia de los otros dos discos que son muy urbanos”, señala el músico Jony Calleja.
El disco cuenta con sonidos que van desde la cueca, chacarera, bossa, joropo, salsa, pero que no están interpretados de una manera explícita, “eso es lo interesante, porque no deja de ser un disco de música pop con un sonido de guitarra acústica como protagonista, mezclada con diversos instrumentos, que invita a reflexionar y a mirar el vaso más lleno que vacío, especial para recargar las emociones”, remata el músico.
A modo de adelanto de este nuevo larga duración, Jony Calleja nos presenta el segundo single del disco “Encuentro cercano” que además cuenta con un colorido videoclip que nos entrega una experiencia extrasensorial, haciéndonos jugar con nuestra imaginación. Esta canción fue compuesta en el año 2003 y se mantuvo en "abducción" por mucho tiempo antes de salir a la luz. Aquí el cantautor relata un encuentro con un OVNI en los cielos del sur de Chile, en una lírica imaginativa y delirante. El cantautor también fue destacado por Spotify en la playlist "Novedades Viernes Sudamérica", una de las más importantes para promover lanzamientos de esta plataforma. Lo puedes escuchar aquí >>
El disco Tamboril se presentará en vivo con un concierto en la Sala Master el próximo jueves 31 de mayo donde llegará con un show dotado de una renovada rítmica y sonoridad, en un formato banda especial para este concierto, más una escenografía de vanguardia y visuales a cargo de la destacada VJ Gabriela Lazcano.
Las entradas para el concierto de lanzamiento se pueden encontrar a través del sistema Eventrid o sin recargos escribiendo al mail Jonycalleja@gmail.com.
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