El Mercurio
Las redes sociales y los servicios de música y películas aprenden a diario de los usuarios y eligen según sus intereses. Pero si estos consumen siempre de lo mismo, que es lo que el sistema ofrece, ¿es posible que el horizonte de cada persona se vea reducido únicamente a lo que los algoritmos le sugieren?
Por Lorena Guzmán H.
Desea ver una película y Netflix le recomienda una, mientras que al día siguiente Spotify le sugiere una lista basada en sus preferencias previstas. Facebook, por su parte, destaca en su muro noticias de un mundo que abarca solo lo que se ajusta a lo que a usted y a sus amigos les interesa.
La vida facilitada, o tal vez no.
Todas esas sugerencias son hechas por los algoritmos de predicción, los que determinan lo que cada usuario prefiere y lo que no. El problema es que si ellos son los únicos encargados de ofrecer contenido según los gustos personales, de a poco la diversidad de cosas a las que estará expuesto disminuirá. ¿Los algoritmos terminarán definiendo nuestro mundo? Sí y no.
Un número más
Cada vez que se pone play a una película, el algoritmo registra esa información. Con ello construye el historial de preferencias de una persona, el primer insumo para proponer la siguiente película. Luego, y con esos datos, el algoritmo agrupa a todos quienes tienen un comportamiento similar, como por ejemplo, los que prefieren los filmes del universo Marvel. Pero si, además, a una de esas personas le gusta la serie "La casa de papel", también será parte de otro subgrupo o nodo. Así, el algoritmo identifica un perfil -a partir de las preferencias que lo hacen parte de distintos nodos- y genera las sugerencias, explica Werner Creixell, profesor de ingeniería telemática de la Universidad Técnica Federico Santa María.
"Cada nueva elección queda registrada y el algoritmo la usa para ajustar las recomendaciones", explica Martín Gutiérrez, académico de la Escuela de Informática y Telecomunicaciones de la Universidad Diego Portales. Durante los últimos 5 o 10 años, todo ese proceso ha significado una cantidad de información acumulada tal, que el trabajo de los algoritmos se ha complejizado enormemente, agrega.
De esta forma, hoy el algoritmo toma sus decisiones de recomendación en base a lo que aprende de las elecciones, en su conjunto, de todas las personas, agrega Jorge Pérez, investigador del Instituto Milenio en Fundamentos de los Datos y académico de Computación de la Universidad de Chile.
"Cómo el algoritmo toma la decisión de recomendar determinada película es una caja negra, tanto para la empresa como para nosotros", agrega. Como el modelo va aprendiendo por sí mismo, es muy difícil entrar en ese proceso.
Ya sea por esto o por cómo se ha planteado el negocio de las compañías que usan los algoritmos de predicción, hay quienes aseguran que dejar el poder de elección solo a esta herramienta podría restringir el horizonte de información y entretención a la que una persona está expuesta. En otras palabras, todo lo que no se ajusta al perfil que se le ha asignado -por sus elecciones previas- queda fuera.
"Esto reduce de forma bastante importante la posibilidad de hallazgos afortunados o de serendipia", opina Werner Creixell. Antes, al ojear una revista la persona leía solo lo que le interesaba, pero para llegar a ello tenía que pasar por todos los artículos. Así, estaba expuesta a cosas que potencialmente podrían llamar su atención, pero con los algoritmos esas oportunidades prácticamente han desaparecido.
Espacio para el "error"
Dicho lo anterior, hay que considerar que los algoritmos tienen cierta "holgura" en lo que proponen, agrega el experto. Por ello, por ejemplo, a veces aparece una película que no se ajusta a nuestros gustos o un músico que nunca ha estado en nuestra lista de canciones. "Esto tiene que ver con un concepto más amplio de Inteligencia Artificial; al generalizar (ajustar los perfiles) con mayor cantidad de información, es más posible que las recomendaciones no concuerden con tanta precisión", explica.
Considerando todo lo anterior, la solución podría estar en dos algoritmos corriendo en paralelo. Uno que efectivamente haga propuestas ajustadas al perfil y otro que recomiende cosas totalmente nuevas para la persona. "No es una solución fácil, pero se podría hacer", dice Martín Gutiérrez.
En este contexto, el caso de Facebook es aún más crítico, opina Werner Creixell. "La riqueza de los datos es enormemente superior -noticias, fotos, contactos, preferencias, entre otros-, por lo que las sugerencias son mucho más finas", dice. El problema es cuando esa cantidad de información, sumada a algunas prácticas no tan transparentes, permiten que el conocimiento sobre la personas sobrepase incluso lo que ella misma accedió a entregar.
Otro tanto pasa con Google, donde la riqueza del resultado de las búsquedas varía enormemente, dependiendo del idioma. Una prueba es buscar lo mismo en español y en inglés. Es altamente probable que la segunda búsqueda sea mucho más prolífica.
Acá la regulación es vital, coinciden los especialistas, y es algo que todavía ningún país tiene del todo resuelto. Facebook y Cambridge Analytics es el mejor ejemplo de ello.
El lado luminoso
Por otro lado, no todo es necesariamente negativo, opina Creixell. "Se tiende a ver el lado más oscuro, pero también existe uno luminoso, donde el uso de algoritmos puede ayudar a entender el comportamiento de la ciudad, por ejemplo, y a salvar vidas en evacuaciones", dice.
También hay otra forma de ver el fenómeno, dice Jorge Pérez. "Es una ilusión el que esta sea la única forma de comunicarnos o de entretenernos", opina. Hacer búsquedas en otros buscadores o en modo incógnito, ver películas en internet o consumir noticias de sitios distintos pueden reemplazar los canales más conocidos y abrirnos el horizonte.
sábado, mayo 12, 2018
Dos leyendas del puerto en Charlton Park
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| NAVARRO Y JM EN LA QUINTA DE LOS NÚÑEZ DE VALPARAÍSO, DONDE TOCAN CASI TODAS LAS SEMANAS. FOTO: MARCELO BENÍTEZ |
La Tercera
JM y Juanín Navarro, íconos de la bohemia de Valparaíso, representarán al país en el mayor festival de world music, Womad UK, la cita de Peter Gabriel donde los anunciaron como los “Buena Vista Social Club chilenos”.
Por Andrés del Real
Juan Navarro tiene 80 años y tres bypass en el cuerpo, un pasado de tres décadas como oficial de Carabineros y un cuaderno que acarrea a todas partes en el que conserva las letras de más de 300 boleros y valses peruanos, los mismos que ha tocado con su guitarra por diversos bares y quintas de recreo de Valparaíso desde que era adolescente, y que hoy interpreta para un público y unos compañeros de grupo que podrían ser sus nietos.
“Los jóvenes te buscan porque quieren saber cómo tocar tal bolero, o qué notas le hacen a tal canción, y me gusta compartir pero no sé enseñar, porque aprendí mirando. Tú tienes que mirar qué estoy haciendo, porque a veces no me sé las notas”, explica Navarro, conocido popularmente como “Juanín”, quien a fines de julio viajará al más importante festival de world music del planeta, acompañado de su guitarra, su cuaderno y su compañero de andanzas de toda la vida: su primo Luis Alberto Gómez, alias “JM”.
Con más de medio siglo en la bohemia porteña, y redescubiertos por nuevas generaciones gracias al resurgimiento popular del bolero y al fenómeno impulsado por grupos como Bloque Depresivo -con quienes han compartido escenario varias veces-, Navarro y Gómez serán los representantes chilenos en la versión 2018 de Womad UK, la edición madre del festival de música del mundo creado en 1982 por Peter Gabriel, y que desde 2015 se celebra también en Recoleta. Rebautizados desde septiembre como Los Crack del Puerto, conjunto que lideran junto a siete destacados músicos jóvenes de su ciudad, la dupla llevará al Charlton Park de Inglaterra un repertorio que dominan como pocos.
“Caímos en esto justo cuando la cuestión se puso de moda otra vez”, sintetiza Gómez, de 73 años, quien hace menos de doce meses dejó su puesto en la feria de avenida Argentina, donde durante medio siglo vendió ajos, para dedicarse a tiempo completo a la música. “Ahora de donde me conviden voy, estando bien de salud. Porque hay días en que no me siento bien y prefiero recuperarme para el siguiente pitutito”, añade el cantante, admirador de Ramón Aguilera y el boliviano Raúl Shaw Moreno, antes de lucir su vozarrón con una improvisada versión de El tísico, un clásico “cebolla” popularizado por Lucho Barrios, en cuya letra el narrador pide “no me beses, que estoy muy enfermo”.
Si bien cada uno acumula más de seis décadas de canto popular, recién a comienzos de este siglo “JM” y “Juanín” formalizaron su oficio. “Yo partí en la música a los 16, tocando en centros de madres y unidades vecinales. Estuvimos en ese rumbo muchos años y sin ganar nunca un peso”, cuenta Navarro, quien en 2005 se integró a La Isla de la Fantasía, colectivo de experimentados cultores de música popular porteña por el que también pasaron los recientemente fallecidos Luis “Flaco” Morales y Elías Zamora. Éste último, antes de su muerte en marzo, alcanzó a tocar junto a Los Crack del Puerto.
Con este nuevo conjunto grabaron esta semana, en los prestigiosos Estudios del Sur, el primer álbum de Los Crack del Puerto. Un compilado de clásicos populares y “canciones con contenido amoroso y social”, según precisa el guitarrista, “porque si no tienes ganas de cantar lo que dice la canción, no la puedes cantar”. En el disco, aún sin fecha de estreno, también participa Aldo “Macha” Asenjo, líder de Bloque Depresivo y Chico Trujillo, uno de los principales responsables de esta segunda vida musical de los primos porteños.
La comparación parece inevitable: ayer, al anunciar su cartel para este año -en el que figuran Omar Souleyman y los estadounidenses Thievery Corporation-, Womad UK presentó a “JM” y “Juanín” como “los Buena Vista Social Club chilenos”, para luego señalar que “tras dedicar toda su vida a deleitar a su barrio, ahora el resto del mundo también quiere escucharlos”.
“Es un orgullo para el Festival Womad poner una vez más música chilena en la primera línea de la world music. Por primera vez, se transporta lo más profundo de la cueca porteña hasta uno de los escenarios más prestigiosos del mundo. Esta operación es quizás sólo comparable con la internacionalización que hizo el Tío Roberto Parra en la década de los noventa con la Negra Ester”, expresó GiorgioVaras, director de Womad Chile.
viernes, mayo 11, 2018
Músicos chilenos de concierto en el mundo - Reporte Abril 2018
Por Felipe Elgueta para SIMUC
Abril estuvo marcado por los viajes y giras internacionales de artistas residentes en Chile. Tal es el caso del ensamble Tricahue y Eugenia Rodríguez, que llevaron la música latinoamericana a Asia, y de Cristián Alvear, que emprendió una larga gira europea. Por su parte, José Luis Urquieta y dos ensambles de música barroca marcaron presencia nacional en nuestro “vecindario” sudamericano. Esta internacionalización de la labor de los músicos residentes en Chile es una tendencia creciente que aún no cuenta con todo el apoyo necesario.
José Luis Urquieta en las Jornadas de Música Contemporánea de Colombia
El oboísta serenense tuvo una importante participación en las jornadas del Círculo Colombiano de Música Contemporánea (CCMC). El 22 de abril dio un recital para oboe solo que incluyó el estreno de una obra de su propia autoría y una pieza de la colombiana Melissa Vargas. Luego participó en un conversatorio y estuvo a cargo de un taller para oboístas, el cual culminó en un recital con obras de compositoras y compositores actuales de Latinoamérica. Además, ofreció una conferencia acerca de las técnicas de oboe usadas en la creación contemporánea, abarcando desde la segunda mitad del siglo XX hasta algunos recursos desarrollados por el propio Urquieta junto a los compositores con quienes ha colaborado.
Tras estas jornadas, el oboísta continuará su incansable labor de promoción de la música contemporánea con el lanzamiento en Santiago (24 de mayo) del segundo disco de su serie Nuevos aires chilenos para oboe, el cual está dedicado a obras para oboe y ensamble. A continuación, emprenderá una gira europea junto al pianista y compositor Luis Saglie, luego se trasladará a Ecuador para el segundo festival Música Ocupa (“Música Clásica en Espacios Inusuales”) y posteriormente partirá con el también oboísta Leonardo Cuevas a China y Japón.
Es inspirador ver cómo José Luis Urquieta ha logrado desarrollar una carrera internacional sin dejar de residir en Chile y asumiendo el compromiso de promover a las y los creadores nacionales y latinoamericanos. Para ello, cuenta con apoyos de la Asociación Cultural Mismar, de la cual es director artístico, y de la fábrica de oboes francesa Rigoutat, a la cual representa como artista. Sin embargo, para presentarse en el extranjero, muchos estudiantes y trabajadores del arte musical se ven obligados a recurrir a instancias estatales que, muchas veces, requieren de engorrosos papeleos, rechazan propuestas sin ofrecer la necesaria retroalimentación o, simplemente, dejan a sus beneficiarios en suspenso por razones absurdas, tal como le sucedió recientemente al especialista en jazz Miguel Vera Cifras, quien logró salvar la situación gracias a la presión mediática.
Los artistas en nuestro mundo globalizado necesitan acceso expedito a fondos que les permitan realizar viajes y giras internacionales. Este año se han hecho repetitivas las situaciones que demuestran cuán creciente y urgente es esta necesidad. De los tres ensambles chilenos anunciados en el programa original del Festival de Chiquitos, solamente dos obtuvieron el financiamiento para viajar; el conjunto Femme Vocal viralizó un video en que le cantaba a Farkas pidiendo dinero para viajar a un concurso en Francia; en otro video, estudiantes avanzados que fueron aceptados en un festival de verano en EE. UU. también pedían ayuda, y ahora una orquesta entera (Universitaria de La Serena) está haciendo campaña para poder asistir a un festival en Colombia. Como país, no podemos darnos el lujo de dejar a merced de criterios burocráticos o de la caridad privada estas iniciativas de aprendizaje e intercambio cultural que, además, ofrecen tanto potencial para insertar a nuestro país de manera relevante en el mundo.
Ensambles chilenos en el Festival de Chiquitos
El gigantesco programa del XII Festival Internacional de Música Renacentista y Barroca Americana “Misiones de Chiquitos” (13-22 abr.) convocó a más de 50 mil espectadores en 152 conciertos ofrecidos por un millar de músicos de 60 grupos provenientes de 17 países. De Chile, estuvieron el Ensamble Valle del Paraíso y el Ensamble Villanueva de La Serena. Además, participó el destacado violinista barroco Raúl Orellana, quien desde hace años es concertino e instructor de la Orquesta Arakaendar de Santa Cruz, Bolivia.
Christian Senn deslumbra en Verona y lanza disco de Bach
El barítono inició abril con una aclamada actuación en Le nozze di Figaro en el Teatro Filarmónico de Verona. L’ape musicale sentenció que Senn es «EL Conde», agregando que «el aria Vedrò mentr'io sospiro, cantada a pocos metros del público suscita en la sala algo semejante a un delirio». Pocos días después, el prestigioso sello Glossa lanzó el disco compacto con el cual el cantante chileno radicado en Milán cumplió su sueño largamente acariciado de grabar Bach.
Importante representación chilena en conferencia británica
Tras una estadía en Chile, donde grabaron programas en Radio Beethoven, Carmen Troncoso y Carlos Zamora se trasladaron a la conferencia de compositores "Sound Agendas" (Universidad de Sheffield, 27-29 abr.). Carmen Troncoso presentó Recordeur I-II, pieza colaborativa creada con la ingeniera de sonido Lynette Quek, mientras que Carlos Zamora hizo una presentación acerca del uso de música precolombina en su proceso compositivo. Como moderador, estuvo Alejandro Albornoz, quien además presentó su obra La lumière artificielle, inspirada en Vicente Huidobro.
Tricahue lleva música latinoamericana a Lejano Oriente
El ensamble de percusión y saxofones ofrece conciertos en China y Japón (26 abril-10 mayo).
Eugenia Rodríguez y Violeta Parra en Cercano Oriente
La intérprete presentó las obras para guitarra de Violeta Parra en Egipto, Jordania y Palestina.
Cristián Alvear emprendió extensa gira europea
A lo largo de 7 semanas, el guitarrista dedicado a la música experimental ofrecerá casi 20 conciertos en 14 ciudades.
Gonzalo Arias gana concurso en Japón
El guitarrista obtuvo el Primer Premio en la Competencia Internacional J. S. Bach de Tokio.
Luciana Mancini en el Wigmore Hall de Londres
La mezzosoprano cantó con el ensamble O/Modərnt en tres programas alusivos a Purcell.
Rubén Olivares en la Philharmonie de Berlín
El tenor es Belfiore en “La finta gardiniera” en una producción de Baden-Baden en colaboración con la Academia Karajan.
Christine Hucke dirige “El barbero” en Kazajistán
La régisseur hizo su debut internacional en la Ópera Estatal Abay. La escenografía, vestuario e iluminación fueron de Patricio Pérez.
Paolo Bortolameolli y Teatro Cinema con LAPhil
El director acompaña a la Filarmónica de Los Ángeles a Europa tras colaborar en el montaje mahleriano de Teatro Cinema.
Jóvenes compositores amplían narrativas y sonidos del jazz
El Mercurio
La creación chilena sigue avanzando hacia distintos territorios. Allí los nuevos autores se mezclan con la música docta, la electrónica, el rock y hasta el rap.
Por IÑIGO DÍAZ
Había estado recluida a secciones de vientos, tocando el clarinete en agrupaciones de pop, fusión y cumbia. Cuando Luz Cuadros (31) viajó, en 2012, a Río de Janeiro para un adiestramiento intensivo, encontró las respuestas que buscaba como creadora. "Estudié con Itiberê Zwarg y sus métodos de composición colectiva en tiempo real. Mi música no se basa en los músicos, sino en los instrumentos que se requieren", dice para explicar los resultados de esa experiencia en Brasil, del ensamble de nueve elementos que convocó para tocar y de un disco cuyo título se antoja emblemático: "Desestructura". Es una muestra más de un ímpetu que ha llevado a músicos de jazz a torcer rumbos en la composición.
Esta ola de música actual presenta observaciones sobre el timbre, el ritmo y una narrativa de carácter orquestal, y se recoge a través de discos, partituras y hasta performáticos conciertos-obra como los que propone Luz Cuadros.
Uno de los proyectos más representativos es el Ensamble Nodo. Considerado un continuista del referencial Ensamble Quintessence, sus músicos se conocieron en un diplomado de composición y arreglos que dictaron Federico Dannemann y Claudio Rubio, músicos de Quintessence. "Después de esa experiencia nos reunimos y formamos este Ensamble Nodo, con instrumentos como saxos soprano, alto, tenor y barítono; trompeta, trombón y flauta traversa", cuenta Rodrigo Leible (29). "Somos varios compositores en Nodo. Escribir para este ensamble requiere otra lógica: darle unidad como un todo a piezas de muchas secciones y muchas direcciones estéticas según el autor", agrega el saxofonista del grupo, que este 25 de mayo volverá a mostrar su disco "Taller 1" en el ciclo de conciertos de la radio Valentín Letelier, de Valparaíso.
Más transfiguraciones
Emilio Bascuñán (35) se ha situado como compositor para orquestas de jazz y, de hecho, tanto la Conchalí Big Band como la Mapocho Orquesta han grabado discos con sus partituras. En paralelo trabaja con un octeto bajo su dirección, que tendrá novedades este año. Y si se trata de innovaciones sónicas, la música de Bascuñán se pone a la vista: "Estoy trabajando con electrónica, percusiones y contrabajo", cuenta.
Si Luz Cuadros fue clarinetista de sección, durante años se vio a Ignacio Díaz Lahsen (30) como guitarrista rítmico del grupo de jazz manouche Gypsy Trío. Nada hacía presagiar que detrás de ese ataque veloz de cuerdas hubiera un compositor como el que se expone en el reciente disco "La espera y el despertar", donde el colectivo Los Musicantes interpreta sus dinámicas partituras, para un cuerpo orquestal de vientos y sección rítmica. "Desde la escritura para ensamble de jazz se busca un diálogo constante con sonoridades del rock y la música de cámara", dice Ignacio Díaz Lahsen.
Mucho más lejos, desde el punto de vista sónico, llega el guitarrista Felipe Peña (34), con su álbum "Transfiguración". Allí escribe para el Ensamble Número Colectivo, y no tiene dificultades para pasar de obras para violín, viola y cello a momentos de jazz avant-garde , recitación poética e incluso hip-hop, con la presencia del rapero Enzo Miranda, otro que conoce bien los cruces desde y hacia el jazz, con el fabuloso quinteto Cómo Asesinar a Felipes.
La creación chilena sigue avanzando hacia distintos territorios. Allí los nuevos autores se mezclan con la música docta, la electrónica, el rock y hasta el rap.
Por IÑIGO DÍAZ
Había estado recluida a secciones de vientos, tocando el clarinete en agrupaciones de pop, fusión y cumbia. Cuando Luz Cuadros (31) viajó, en 2012, a Río de Janeiro para un adiestramiento intensivo, encontró las respuestas que buscaba como creadora. "Estudié con Itiberê Zwarg y sus métodos de composición colectiva en tiempo real. Mi música no se basa en los músicos, sino en los instrumentos que se requieren", dice para explicar los resultados de esa experiencia en Brasil, del ensamble de nueve elementos que convocó para tocar y de un disco cuyo título se antoja emblemático: "Desestructura". Es una muestra más de un ímpetu que ha llevado a músicos de jazz a torcer rumbos en la composición.
Esta ola de música actual presenta observaciones sobre el timbre, el ritmo y una narrativa de carácter orquestal, y se recoge a través de discos, partituras y hasta performáticos conciertos-obra como los que propone Luz Cuadros.
Uno de los proyectos más representativos es el Ensamble Nodo. Considerado un continuista del referencial Ensamble Quintessence, sus músicos se conocieron en un diplomado de composición y arreglos que dictaron Federico Dannemann y Claudio Rubio, músicos de Quintessence. "Después de esa experiencia nos reunimos y formamos este Ensamble Nodo, con instrumentos como saxos soprano, alto, tenor y barítono; trompeta, trombón y flauta traversa", cuenta Rodrigo Leible (29). "Somos varios compositores en Nodo. Escribir para este ensamble requiere otra lógica: darle unidad como un todo a piezas de muchas secciones y muchas direcciones estéticas según el autor", agrega el saxofonista del grupo, que este 25 de mayo volverá a mostrar su disco "Taller 1" en el ciclo de conciertos de la radio Valentín Letelier, de Valparaíso.
Más transfiguraciones
Emilio Bascuñán (35) se ha situado como compositor para orquestas de jazz y, de hecho, tanto la Conchalí Big Band como la Mapocho Orquesta han grabado discos con sus partituras. En paralelo trabaja con un octeto bajo su dirección, que tendrá novedades este año. Y si se trata de innovaciones sónicas, la música de Bascuñán se pone a la vista: "Estoy trabajando con electrónica, percusiones y contrabajo", cuenta.
Si Luz Cuadros fue clarinetista de sección, durante años se vio a Ignacio Díaz Lahsen (30) como guitarrista rítmico del grupo de jazz manouche Gypsy Trío. Nada hacía presagiar que detrás de ese ataque veloz de cuerdas hubiera un compositor como el que se expone en el reciente disco "La espera y el despertar", donde el colectivo Los Musicantes interpreta sus dinámicas partituras, para un cuerpo orquestal de vientos y sección rítmica. "Desde la escritura para ensamble de jazz se busca un diálogo constante con sonoridades del rock y la música de cámara", dice Ignacio Díaz Lahsen.
Mucho más lejos, desde el punto de vista sónico, llega el guitarrista Felipe Peña (34), con su álbum "Transfiguración". Allí escribe para el Ensamble Número Colectivo, y no tiene dificultades para pasar de obras para violín, viola y cello a momentos de jazz avant-garde , recitación poética e incluso hip-hop, con la presencia del rapero Enzo Miranda, otro que conoce bien los cruces desde y hacia el jazz, con el fabuloso quinteto Cómo Asesinar a Felipes.
Pablo Andrade: "Se generó una polémica por un error en la exposición"
El Mercurio
El antropólogo presentó su renuncia a la dirección del Museo Histórico Nacional. Sin embargo, defiende la curatoría de la controversial muestra "Hijos de la Libertad".
Por IÑIGO DÍAZ
Por segundo día consecutivo desde que se le solicitó la renuncia, el nombre de Pablo Andrade permanecía aún en los créditos del sitio web del Museo Histórico Nacional (MHN) como su director. Ayer por la mañana, el antropólogo presentó su carta de desvinculación al subsecretario del Patrimonio Cultural, Emilio de la Cerda, poniendo fin a dos años en el cargo.
Su cese de funciones fue consecuencia directa de la polémica que estalló esta semana a través de redes sociales, donde visitantes a la exposición "Hijos de la Libertad: 200 años de Independencia" -abierta desde el 5 de abril- criticaron la presencia del general Pinochet en un panel dedicado a personajes de la historia republicana. Bajo su imagen figuraba una frase acerca de la libertad atribuida a él, que generó ambigüedad al no presentarse entrecomillas como una cita.
Esa controversia llevó a la ministra de Cultura, Alejandra Pérez, a solicitar la renuncia y de paso cancelar de inmediato la exposición. Ayer, la secretaria de Estado señaló a "El Mercurio" que no había visitado la muestra, aunque sí había solicitado los contenidos una vez instalada la polémica. Además, pidió a Andrade que "aclarara lo sucedido", pero el director "no lo hizo".
"En lo personal, yo no esperaba una defensa. Entiendo el impacto político que pueda haber generado y que se me solicitara la renuncia voluntaria, pero es interesante ver si esto pasó rápido o no. En otros círculos se ha dicho que esto tiene que ver con (el robo) de la espada de Bulnes. Se han dicho millones de cosas", dice Andrade.
Tensión en las redes
El ex director, de paso, reconoce la indeterminación en la que se cayó en la presentación de la muestra, pero defiende el enfoque de la curatoría elaborada por el equipo: "Se generó una polémica por un error. No en lo conceptual, sino en cómo se trató una parte de la museografía. Debimos ser más evidentes, porque efectivamente nuestro error fue que la muestra era muy ambigua: parte de la interpretación que se hizo fue que esto era prácticamente un tributo a Pinochet, y esa nunca fue la intención", señala Andrade. Advierte que la tensión en las redes sociales ha llevado, incluso, a que algunos lo tilden de "pinochetista": "nada más alejado de eso". Además, denuncia que "se ha publicado mi dirección para ir a funarme. Por redes sociales he tenido hasta amenazas".
El equipo del Museo Histórico se encontraba este miércoles por la mañana reunido, con el fin de ejecutar una optimización de la muestra, dadas las críticas que venía recibiendo "Hijos de la Libertad" desde mediados de abril. En ese momento se encontraban, cuando Andrade recibió el llamado de la Subsecretaría del Patrimonio Cultural.
"Hay que partir de la base de que todas nuestras exposiciones son perfectibles. Siempre las evaluamos y hemos podido ir mejorando ese proceso; pero claro, aún falta mucho que trabajar en ese ámbito. Hay un tema museográfico que lo vimos y nos arriesgamos, y bueno... ya está".
-¿Qué buscaba la curatoría, específicamente?
"Conflictuar nuestra historia a partir del presente, no para generar conflicto, sino para generar una discusión (respecto de la libertad) y mostrar formas de entender la historia desde otras perspectivas. Lo que uno busca es que pase algo, que se mueva y que conmueva, que se reflexione. Más que la gente sepa fechas o se mitifiquen personajes. Todo lo contrario: queremos romper con la tradición del héroe del museo".
-Las otras dos muestras del Bicentenario están ahora en observación.
"Eso me duele, porque va a tener un corte muy fuerte. Veníamos trabajando muy bien. Me parece terrible que se corte la programación de las otras exposiciones, porque veníamos trabajando muy bien en eso".
El antropólogo presentó su renuncia a la dirección del Museo Histórico Nacional. Sin embargo, defiende la curatoría de la controversial muestra "Hijos de la Libertad".
Por IÑIGO DÍAZ
Por segundo día consecutivo desde que se le solicitó la renuncia, el nombre de Pablo Andrade permanecía aún en los créditos del sitio web del Museo Histórico Nacional (MHN) como su director. Ayer por la mañana, el antropólogo presentó su carta de desvinculación al subsecretario del Patrimonio Cultural, Emilio de la Cerda, poniendo fin a dos años en el cargo.
Su cese de funciones fue consecuencia directa de la polémica que estalló esta semana a través de redes sociales, donde visitantes a la exposición "Hijos de la Libertad: 200 años de Independencia" -abierta desde el 5 de abril- criticaron la presencia del general Pinochet en un panel dedicado a personajes de la historia republicana. Bajo su imagen figuraba una frase acerca de la libertad atribuida a él, que generó ambigüedad al no presentarse entrecomillas como una cita.
Esa controversia llevó a la ministra de Cultura, Alejandra Pérez, a solicitar la renuncia y de paso cancelar de inmediato la exposición. Ayer, la secretaria de Estado señaló a "El Mercurio" que no había visitado la muestra, aunque sí había solicitado los contenidos una vez instalada la polémica. Además, pidió a Andrade que "aclarara lo sucedido", pero el director "no lo hizo".
"En lo personal, yo no esperaba una defensa. Entiendo el impacto político que pueda haber generado y que se me solicitara la renuncia voluntaria, pero es interesante ver si esto pasó rápido o no. En otros círculos se ha dicho que esto tiene que ver con (el robo) de la espada de Bulnes. Se han dicho millones de cosas", dice Andrade.
Tensión en las redes
El ex director, de paso, reconoce la indeterminación en la que se cayó en la presentación de la muestra, pero defiende el enfoque de la curatoría elaborada por el equipo: "Se generó una polémica por un error. No en lo conceptual, sino en cómo se trató una parte de la museografía. Debimos ser más evidentes, porque efectivamente nuestro error fue que la muestra era muy ambigua: parte de la interpretación que se hizo fue que esto era prácticamente un tributo a Pinochet, y esa nunca fue la intención", señala Andrade. Advierte que la tensión en las redes sociales ha llevado, incluso, a que algunos lo tilden de "pinochetista": "nada más alejado de eso". Además, denuncia que "se ha publicado mi dirección para ir a funarme. Por redes sociales he tenido hasta amenazas".
El equipo del Museo Histórico se encontraba este miércoles por la mañana reunido, con el fin de ejecutar una optimización de la muestra, dadas las críticas que venía recibiendo "Hijos de la Libertad" desde mediados de abril. En ese momento se encontraban, cuando Andrade recibió el llamado de la Subsecretaría del Patrimonio Cultural.
"Hay que partir de la base de que todas nuestras exposiciones son perfectibles. Siempre las evaluamos y hemos podido ir mejorando ese proceso; pero claro, aún falta mucho que trabajar en ese ámbito. Hay un tema museográfico que lo vimos y nos arriesgamos, y bueno... ya está".
-¿Qué buscaba la curatoría, específicamente?
"Conflictuar nuestra historia a partir del presente, no para generar conflicto, sino para generar una discusión (respecto de la libertad) y mostrar formas de entender la historia desde otras perspectivas. Lo que uno busca es que pase algo, que se mueva y que conmueva, que se reflexione. Más que la gente sepa fechas o se mitifiquen personajes. Todo lo contrario: queremos romper con la tradición del héroe del museo".
-Las otras dos muestras del Bicentenario están ahora en observación.
"Eso me duele, porque va a tener un corte muy fuerte. Veníamos trabajando muy bien. Me parece terrible que se corte la programación de las otras exposiciones, porque veníamos trabajando muy bien en eso".
J. P. Izquierdo y la Filarmónica: Tres visiones sonoras
El Mercurio
Por Jaime Donoso A.
El miércoles, en el Teatro Municipal, la Orquesta Filarmónica de Santiago, bajo la dirección de Juan Pablo Izquierdo, interpretó un notable programa que incluyó la Passacaglia, Opus 1, de Anton Webern; tres "Meditaciones" de la "Misa" de Leonard Bernstein, y la Sinfonía "Heroica", de Beethoven.
Una Passacaglia es básicamente un conjunto de variaciones sobre una idea temática constante, obstinada, que puede ser una simple línea del bajo. Es similar a una Chacona y nadie se ha puesto de acuerdo aún sobre si son formas distintas o se trata de lo mismo. Lo importante es que, a partir de un elemento simple y permanente, el compositor, aparentemente restringido por la camisa de fuerza que se impuso, despliega su imaginación para ofrecer en cada variación algo nuevo (lo Escogido), construido sobre algo conocido (lo Dado).
En la Passacaglia, Opus 1, de Anton Webern (23 variaciones construidas sobre una secuencia ostinato de ocho notas), de 1908, y que no fue la primera obra del compositor como podría creerse, este juego se enmarca en un lenguaje al límite de la tonalidad, yuxtaponiendo pasajes de una estética posromántica con otros de un expresionismo desorbitado. Sin duda, ya puede visualizarse que las bases están echadas para el futuro estilo de Webern, condensado, aforístico, que privilegia el punto o momentum , como constelaciones preñadas de información rítmica, de alturas, de color tímbrico y volumen, por sobre discursivas melódicas. La Passacaglia es una obra maestra, válida en sí misma y como profecía. Izquierdo, transitando por territorios que le son muy afines, logró una lectura ejemplar.
La "Misa" de Bernstein, de 1971 (no confundir con la "Missa Brevis" de 1989), es un híbrido inclasificable, cuyo impacto inicial se ha diluido con el tiempo. Subtitulada como "A theatre piece for singers, players and dancers", es un intento de integrar al rito religioso católico, elementos musicales de la tradición judía, pop, jazz, rock, musical y lenguaje docto. De la obra se han extraído tres momentos, a la manera de tres meditaciones, para chelo y orquesta, que en la composición actúan como interludios y que hoy se interpretan como piezas autónomas de concierto. La excelente chelista Katharina Paslawski brindó una soberbia interpretación, técnicamente impecable y de expresión conmovedora.
Resultaría redundante comentar esa gigantesca obra que es la "Heroica", paradigma de conjugación de la más férrea arquitectura y emoción. Izquierdo, magnífico músico y director, ofreció una versión memorable, ejerciendo un control absoluto (a veces excesivo) sobre la excelente orquesta. La ovación de los auditores fue delirante.
Por Jaime Donoso A.
El miércoles, en el Teatro Municipal, la Orquesta Filarmónica de Santiago, bajo la dirección de Juan Pablo Izquierdo, interpretó un notable programa que incluyó la Passacaglia, Opus 1, de Anton Webern; tres "Meditaciones" de la "Misa" de Leonard Bernstein, y la Sinfonía "Heroica", de Beethoven.
Una Passacaglia es básicamente un conjunto de variaciones sobre una idea temática constante, obstinada, que puede ser una simple línea del bajo. Es similar a una Chacona y nadie se ha puesto de acuerdo aún sobre si son formas distintas o se trata de lo mismo. Lo importante es que, a partir de un elemento simple y permanente, el compositor, aparentemente restringido por la camisa de fuerza que se impuso, despliega su imaginación para ofrecer en cada variación algo nuevo (lo Escogido), construido sobre algo conocido (lo Dado).
En la Passacaglia, Opus 1, de Anton Webern (23 variaciones construidas sobre una secuencia ostinato de ocho notas), de 1908, y que no fue la primera obra del compositor como podría creerse, este juego se enmarca en un lenguaje al límite de la tonalidad, yuxtaponiendo pasajes de una estética posromántica con otros de un expresionismo desorbitado. Sin duda, ya puede visualizarse que las bases están echadas para el futuro estilo de Webern, condensado, aforístico, que privilegia el punto o momentum , como constelaciones preñadas de información rítmica, de alturas, de color tímbrico y volumen, por sobre discursivas melódicas. La Passacaglia es una obra maestra, válida en sí misma y como profecía. Izquierdo, transitando por territorios que le son muy afines, logró una lectura ejemplar.
La "Misa" de Bernstein, de 1971 (no confundir con la "Missa Brevis" de 1989), es un híbrido inclasificable, cuyo impacto inicial se ha diluido con el tiempo. Subtitulada como "A theatre piece for singers, players and dancers", es un intento de integrar al rito religioso católico, elementos musicales de la tradición judía, pop, jazz, rock, musical y lenguaje docto. De la obra se han extraído tres momentos, a la manera de tres meditaciones, para chelo y orquesta, que en la composición actúan como interludios y que hoy se interpretan como piezas autónomas de concierto. La excelente chelista Katharina Paslawski brindó una soberbia interpretación, técnicamente impecable y de expresión conmovedora.
Resultaría redundante comentar esa gigantesca obra que es la "Heroica", paradigma de conjugación de la más férrea arquitectura y emoción. Izquierdo, magnífico músico y director, ofreció una versión memorable, ejerciendo un control absoluto (a veces excesivo) sobre la excelente orquesta. La ovación de los auditores fue delirante.
Les Luthiers regresó e hizo reír con su "Gran reserva"
El Mercurio
Con cinco décadas de trayectoria, el grupo argentino se presentó anoche en una celebrada función en Movistar Arena.
Por Eduardo Miranda
Bastó que el inconfundible Marcos Mundstock apareciera sobre el escenario para mencionar al ficticio compositor Johann Sebastian Mastropiero para que el público del Movistar Arena, en la mitad de su capacidad, respondiera en una entusiasta y calurosa ovación.
Fue la celebrada respuesta que anoche marcó el reencuentro del sexteto argentino Les Luthiers con los espectadores locales, en la única función de su show "Gran reserva". La nueva antología , al igual que las anteriores "Viejos hazmerreíres" (2015) y "¡Chist!" (2013), reúne un repertorio con los mejores cuadros del grupo que une humor con piezas musicales y la creación de particulares instrumentos.
El show de anoche, que recopiló piezas como el bolero "Perdónala", "La balada del séptimo regimiento" y "Ya no te amo, Raúl", entre otras, arrancó carcajadas y aplausos en este reencuentro que también marcó la presentación local de la nueva formación del grupo: además de Mundstock, Jorge Maronna, Carlos López Puccio, Horacio "Tato" Turano, Martín O'Connor y Tomás Mayer Wolf.
En septiembre de 2017 abandonó el grupo Carlos Núñez Cortés, justo cuando la banda cumplió cinco décadas de trayectoria ininterrumpida y con un importante historial de premios a cuestas. De hecho, el año pasado se les concedió, en España, el premio Princesa de Asturias de Comunicación y Humanidades.
Con cinco décadas de trayectoria, el grupo argentino se presentó anoche en una celebrada función en Movistar Arena.
Por Eduardo Miranda
Bastó que el inconfundible Marcos Mundstock apareciera sobre el escenario para mencionar al ficticio compositor Johann Sebastian Mastropiero para que el público del Movistar Arena, en la mitad de su capacidad, respondiera en una entusiasta y calurosa ovación.
Fue la celebrada respuesta que anoche marcó el reencuentro del sexteto argentino Les Luthiers con los espectadores locales, en la única función de su show "Gran reserva". La nueva antología , al igual que las anteriores "Viejos hazmerreíres" (2015) y "¡Chist!" (2013), reúne un repertorio con los mejores cuadros del grupo que une humor con piezas musicales y la creación de particulares instrumentos.
El show de anoche, que recopiló piezas como el bolero "Perdónala", "La balada del séptimo regimiento" y "Ya no te amo, Raúl", entre otras, arrancó carcajadas y aplausos en este reencuentro que también marcó la presentación local de la nueva formación del grupo: además de Mundstock, Jorge Maronna, Carlos López Puccio, Horacio "Tato" Turano, Martín O'Connor y Tomás Mayer Wolf.
En septiembre de 2017 abandonó el grupo Carlos Núñez Cortés, justo cuando la banda cumplió cinco décadas de trayectoria ininterrumpida y con un importante historial de premios a cuestas. De hecho, el año pasado se les concedió, en España, el premio Princesa de Asturias de Comunicación y Humanidades.
Nicole Andreu prepara su tercer disco
El Mercurio
La cantante y bailarina, ex "Operación triunfo", trabajó con productores españoles y artistas del medio nacional.
Por Patricio Zenklussen
Quince años han pasado desde su aparición en el programa de talentos "Operación triunfo" y su relación con la música solo se ha hecho más fuerte. Hoy, Nicole Andreu se prepara para lanzar el tercer disco de su carrera, titulado con su propio nombre, como declarando que esta vez es ella misma, desde su intimidad, la que suena en la música.
"Este álbum busca fusionar todo lo que recogí en un viaje de seis años por Europa, con los estilos de música negra que más me apasionan. Algo similar a lo que había hecho en mis primeros discos, pero con una identidad más clara y una propuesta bien definida", señala Andreu.
Pero aunque el proyecto fue dirigido al detalle por ella misma, varios colaboradores se le sumaron al llevar su idea a la realidad: "Tuve la suerte de contar con la experiencia de productores como Nerko y Micky Sánchez, los dos españoles. Además, en algunas canciones me acompañan músicos chilenos, como Boomer y Naiko, de Shamanes".
El trabajo, que según Andreu "integrará mis raíces españolas y árabes, con los ritmos urbanos y afro que tanto me gustan", aún no tiene fecha de lanzamiento, pero asegura que no pasará mayo antes de que pueda ser escuchado en plataformas digitales.
La cantante y bailarina, ex "Operación triunfo", trabajó con productores españoles y artistas del medio nacional.
Por Patricio Zenklussen
Quince años han pasado desde su aparición en el programa de talentos "Operación triunfo" y su relación con la música solo se ha hecho más fuerte. Hoy, Nicole Andreu se prepara para lanzar el tercer disco de su carrera, titulado con su propio nombre, como declarando que esta vez es ella misma, desde su intimidad, la que suena en la música.
"Este álbum busca fusionar todo lo que recogí en un viaje de seis años por Europa, con los estilos de música negra que más me apasionan. Algo similar a lo que había hecho en mis primeros discos, pero con una identidad más clara y una propuesta bien definida", señala Andreu.
Pero aunque el proyecto fue dirigido al detalle por ella misma, varios colaboradores se le sumaron al llevar su idea a la realidad: "Tuve la suerte de contar con la experiencia de productores como Nerko y Micky Sánchez, los dos españoles. Además, en algunas canciones me acompañan músicos chilenos, como Boomer y Naiko, de Shamanes".
El trabajo, que según Andreu "integrará mis raíces españolas y árabes, con los ritmos urbanos y afro que tanto me gustan", aún no tiene fecha de lanzamiento, pero asegura que no pasará mayo antes de que pueda ser escuchado en plataformas digitales.
Eduardo Peralta en Temuco y Santiago
Comunicado de prensa
Eduardo Peralta en Temuco
40 Años de Trova
AULA MAGNA UC TEMUCO
Viernes 11 de mayo
20 h Entrada liberada…
………………..
Eduardo Peralta con Juan Antonio “Chicoria” Sánchez
CANCIONES DE BICHOS (y otros Seres Minúsculos)
MESON NERUDIANO
Lunes 14 de mayo
777 Lunes Brassensianos!
Eduardo ya ha cantado en la bella Aula Magna de la Universidad Católica de Temuco, una vez solo y otra a dúo con Cecilia Echenique, y esta vez la prestigiosa sala incluye en su temporada 2018 la celebración de 40 Años de Trova de Eduardo, que ya ha festejado en la IV Región (Canela), en la V (Quilpué) y en la VI (Lo Miranda), aparte obviamente de la RM (varios escenarios)…
Cantará en este concierto gratuito para el público de la Araucanía un recuento de sus temas (que el público puede sugerir por redes sociales o directamente y a viva voz la noche del recital), más de una adaptación de Brassens y otros, y también musicalizaciones de poetas chilenos (en particular tres de la IX Región, que Eduardo conoció personalmente, como Jorge Teillier, Miguel Arteche y Juvencio Valle!)
EDUARDO PERALTA
40 AÑOS DE TROVA
AULA MAGNA UC TEMUCO
Manuel Montt 56
Viernes 11 de mayo a las 20 h
Entrada Liberada
………………………………………………………….
El lunes 14 de mayo se juntan Eduardo Peralta y Chicoria Sánchez, ambos buenos guitarristas
y compositores, a cantar temas que hablan de insectos, bichos y otros seres minúsculos, tanto
de su propia inspiración como de otros autores… Así en la primera parte del concierto se podrá
oir canciones de Chicoria como El Caracol Gruñón o de Eduardo como José el Escarabajo, y de
otros artistas como Serrat (Las Moscas), María Elena Walsh (La Cigarra), Atahualpa (Zamba del
Grillo, Silvio (Mariposas), y otras que sugiera el público por redes…
En la segunda parte, ambos cantarán por separado sus creaciones, en que la guitarra tiene un
protagonismo intenso, y en que la poesía se mezcla con el humor, los juegos de palabras y una
cuidada construcción lírica, melódica y armónica…
Es probable que incluyan una versión de La Cucaracha, con coplas nuevas hechas por ambos, que
harán ácidos comentarios sobre la situación de un mundo gobernado en muchos países por más
de un personaje con cerebro del tamaño de un de insecto!!! Y de todos modos Eduardo incluirá su canción La Comarca Fabulosa, una de las 8 ganadoras del primer Concurso Vittorio Cintolesi, Canciones para los Niños y las Niñas de Hoy!
Este Lunes es cabalístico, pues Eduardo alcanza los 777 Lunes Brassensianos… El 7 es su número
ritual y de la suerte, pues entre otras cosas, todos sus nombres y apellidos tienen 7 letras!
Eduardo Peralta y Juan Antonio “Chicoria” Sánchez
CANCIONES DE BICHOS (y otros Seres Minúsculos)
777 Lunes Brassensianos!
MESON NERUDIANO
DOMINICA 35
Lunes 14 de mayo a las 21 h
Adhesión: $ 6.000 Reservas al 227371542
Eduardo Peralta en Temuco
40 Años de Trova
AULA MAGNA UC TEMUCO
Viernes 11 de mayo
20 h Entrada liberada…
………………..
Eduardo Peralta con Juan Antonio “Chicoria” Sánchez
CANCIONES DE BICHOS (y otros Seres Minúsculos)
MESON NERUDIANO
Lunes 14 de mayo
777 Lunes Brassensianos!
Eduardo ya ha cantado en la bella Aula Magna de la Universidad Católica de Temuco, una vez solo y otra a dúo con Cecilia Echenique, y esta vez la prestigiosa sala incluye en su temporada 2018 la celebración de 40 Años de Trova de Eduardo, que ya ha festejado en la IV Región (Canela), en la V (Quilpué) y en la VI (Lo Miranda), aparte obviamente de la RM (varios escenarios)…
Cantará en este concierto gratuito para el público de la Araucanía un recuento de sus temas (que el público puede sugerir por redes sociales o directamente y a viva voz la noche del recital), más de una adaptación de Brassens y otros, y también musicalizaciones de poetas chilenos (en particular tres de la IX Región, que Eduardo conoció personalmente, como Jorge Teillier, Miguel Arteche y Juvencio Valle!)
EDUARDO PERALTA
40 AÑOS DE TROVA
AULA MAGNA UC TEMUCO
Manuel Montt 56
Viernes 11 de mayo a las 20 h
Entrada Liberada
………………………………………………………….
El lunes 14 de mayo se juntan Eduardo Peralta y Chicoria Sánchez, ambos buenos guitarristas
y compositores, a cantar temas que hablan de insectos, bichos y otros seres minúsculos, tanto
de su propia inspiración como de otros autores… Así en la primera parte del concierto se podrá
oir canciones de Chicoria como El Caracol Gruñón o de Eduardo como José el Escarabajo, y de
otros artistas como Serrat (Las Moscas), María Elena Walsh (La Cigarra), Atahualpa (Zamba del
Grillo, Silvio (Mariposas), y otras que sugiera el público por redes…
En la segunda parte, ambos cantarán por separado sus creaciones, en que la guitarra tiene un
protagonismo intenso, y en que la poesía se mezcla con el humor, los juegos de palabras y una
cuidada construcción lírica, melódica y armónica…
Es probable que incluyan una versión de La Cucaracha, con coplas nuevas hechas por ambos, que
harán ácidos comentarios sobre la situación de un mundo gobernado en muchos países por más
de un personaje con cerebro del tamaño de un de insecto!!! Y de todos modos Eduardo incluirá su canción La Comarca Fabulosa, una de las 8 ganadoras del primer Concurso Vittorio Cintolesi, Canciones para los Niños y las Niñas de Hoy!
Este Lunes es cabalístico, pues Eduardo alcanza los 777 Lunes Brassensianos… El 7 es su número
ritual y de la suerte, pues entre otras cosas, todos sus nombres y apellidos tienen 7 letras!
Eduardo Peralta y Juan Antonio “Chicoria” Sánchez
CANCIONES DE BICHOS (y otros Seres Minúsculos)
777 Lunes Brassensianos!
MESON NERUDIANO
DOMINICA 35
Lunes 14 de mayo a las 21 h
Adhesión: $ 6.000 Reservas al 227371542
Combo Chabela estrena el álbum “El Canto de Todos los Pueblos”
Comunicado de prensa
Con una mezcla de ritmos urbanos y una letra cargada de crítica social y denuncia, Combo Chabela presenta el álbum “El Canto de Todos los Pueblos”, luego de liberar “Cómo te explico”, single que cuenta con la participación especial de Juanito Ayala.
En la publicación del nuevo disco de Combo Chabela, segunda producción de la banda valdiviana, fusionan diversos estilos musicales acompañados de letras sociales. “Tiene mucho de ska, reggae, algo de lambada, arreglos folclóricos, rock, jazz guachaca, cumbia y rap”, detalla el vocalista Fredy Góngora, diferenciando este nuevo trabajo de su antecesor “Welcome Tu Cumbia” (2014).
Son 10 temas que dan vida a “El Canto de Todos los Pueblos”, todas compuestas por Góngora, quien relata que varias de ellas fueron probándose durante diversas presentaciones en vivo, mientras que otras se armaron en el estudio y fueron los mismos músicos de la agrupación quienes decidieron considerarlas para el álbum.
Combo Chabela realizará durante las próximas semanas una serie de conciertos como antesala del lanzamiento oficial agendado para junio. Las fechas confirmadas hasta el momento son: viernes 18 de mayo, “La Buena Vida”, Puerto Varas; sábado 19 de mayo, “Calafate Restobar”, Castro; viernes 25 de mayo, “Plan B Bar”, Temuco (junto a Estela Gartija); viernes 26 de mayo, “La Chingana”, Temuco; viernes 1 de junio, “Onde’l Pala”, Chillán; sábado 2 de junio, “La Bodeguita de Nicanor”, Concepción; y el viernes 15 de junio en el Teatro Lord Cochrane de Valdivia, lugar escogido para el estreno oficial de “El Canto de Todos los Pueblos”.
Con la publicación de este nuevo disco, la banda espera llevar su música también fuera de las fronteras nacionales, acumulando experiencias como las que ya tuvieron en México y Argentina. “Queremos contarle al mundo que estamos haciendo música con contenido”, concluye Fredy Góngora.
Sobre la colaboración con Juanito Ayala en el single “Cómo te explico”, la agrupación valdiviana rescató el valor del cantante para decir las cosas directamente. “Nos parece que Juanito es la voz y el discurso de la cumbia chilena. Desde los tiempos de Juanafé lo hemos seguido y respetado”, comenta la voz de Combo Chabela.
Juan Ayala, a su vez, señaló que fue una bonita sorpresa recibir esta invitación. Además, recordó que durante la gira de verano que hicieron juntos, aprovechó de quedarse algunos días extra en Valdivia. “La idea era dejar un registro de la colaboración no solamente en audio, sino que en formato de video. Espero que puedan venir pronto a tocar a Santiago para hacer algo juntos”, declaró.
Holman Trío Representará a Chile en FIMPRO México y planifica concierto para su regreso
Comunicado de prensa
Una excelente noticia fue la que recibió esta semana el maestro del bajo Ernesto Holman junto a sus músico, Gustavo Cerqueiras (teclado) y Josué Villalobos (Batería): Holman Trío ha sido seleccionado para participar de la prestigiosa Feria Internacional de la Música Profesional (FIMPRO) una plataforma donde músicos y promotores hacen networking en conferencias, talleres, showcases y ruedas de negocios.
Mediante un extenso trabajo de selección precedido por el Consejo Nacional de la Cultura y las Artes CNCA, esta semana anunciaron oficialmente su participación en esta importante feria de la música de nivel internacional, que se celebrará en la ciudad de Guadalajara, México del 24 al 26 de Mayo.
Holman Trío se presentará el 24 de mayo en “C3 Rooftop”, donde brindará un Showcase con temas de su próximo disco “Árbol” que se lanzará en 2019.
Regresando de México el trío se presentará en Sala Master el viernes 1 de Junio a las 20:30 hrs con el mismo repertorio que mostrará en Fimpro, sumando composiciones de su clásicos discos, para un concierto completo.
De la mano del Sello EROICA, “Ernesto Holman Etnojazz Trío” editó su último disco “De Raíz”, una producción musical que interpreta la relación de nuestra cultura chilena con los sonidos de la tierra y el pueblo mapuche, desde el jazz. “De raíz” no sólo ha sido galardonado con el Premio Pulsar 2017, además fue considerado como “Mejor disco de Vanguardia 2016” por revista Rockaxis y lo ha llevado de gira por Corea del Sur y Canadá en 2017 representando a Chile en prestigiosos Festivales de Jazz y World Music.
HOLMAN TRÍO
Presentación: VIERNES 1 DE JUNIO 20:30 HRS
Lugar: SALA MASTER
(Av. Miguel Claro 509, Providencia.)
ENTRADAS: $4.000
VENTA EN BOLETERÍA DE LA SALA
Una excelente noticia fue la que recibió esta semana el maestro del bajo Ernesto Holman junto a sus músico, Gustavo Cerqueiras (teclado) y Josué Villalobos (Batería): Holman Trío ha sido seleccionado para participar de la prestigiosa Feria Internacional de la Música Profesional (FIMPRO) una plataforma donde músicos y promotores hacen networking en conferencias, talleres, showcases y ruedas de negocios.
Mediante un extenso trabajo de selección precedido por el Consejo Nacional de la Cultura y las Artes CNCA, esta semana anunciaron oficialmente su participación en esta importante feria de la música de nivel internacional, que se celebrará en la ciudad de Guadalajara, México del 24 al 26 de Mayo.
Holman Trío se presentará el 24 de mayo en “C3 Rooftop”, donde brindará un Showcase con temas de su próximo disco “Árbol” que se lanzará en 2019.
Regresando de México el trío se presentará en Sala Master el viernes 1 de Junio a las 20:30 hrs con el mismo repertorio que mostrará en Fimpro, sumando composiciones de su clásicos discos, para un concierto completo.
De la mano del Sello EROICA, “Ernesto Holman Etnojazz Trío” editó su último disco “De Raíz”, una producción musical que interpreta la relación de nuestra cultura chilena con los sonidos de la tierra y el pueblo mapuche, desde el jazz. “De raíz” no sólo ha sido galardonado con el Premio Pulsar 2017, además fue considerado como “Mejor disco de Vanguardia 2016” por revista Rockaxis y lo ha llevado de gira por Corea del Sur y Canadá en 2017 representando a Chile en prestigiosos Festivales de Jazz y World Music.
HOLMAN TRÍO
Presentación: VIERNES 1 DE JUNIO 20:30 HRS
Lugar: SALA MASTER
(Av. Miguel Claro 509, Providencia.)
ENTRADAS: $4.000
VENTA EN BOLETERÍA DE LA SALA
Toda la sensualidad del blues llega a Espacio Belloni con el espectáculo Bluesesque
Comunicado de prensa
El novedoso montaje presenta una mezcla de música en vivo con una selección de clásicos del género artístico denominado burlesque.
Una producción de primer nivel es la que ofrece el espectáculo Bluesesque, cuya puesta en escena mezcla la música y las artes escénicas en un show único en Chile. En este montaje, que se presentará en Espacio Belloni el 18 de mayo, el blues se entrelaza con la sensualidad femenina manifestada a través de escenas de neo burlesque, pole dance y strip dance, entre otros.
El creador del espectáculo es Felipe Toro (integrante de las agrupaciones El cruce y Sangre de Toro), quien comparte escenario con otros seis músicos que representan lo mejor de la escena del blues en el país. En el show, sorprenden con sus excelentes interpretaciones de los clásicos del género, que acompañan a la perfección a los sensuales bailes de los seis artistas corporales que completan el elenco.
Los encargados de cautivar al público con sus habilidades en la pista de baile son Natalia Dufuur (finalista del programa “Cabaret Burlesque” de TVN), Melanie Rossel y Sylvana Daza, además del campeón e instructor de pole glamour, Paul Canales y la campeona rusa de pole dance y pole exotic, Julia Snopova.
Bluesesque, un imperdible espectáculo lleno de sensualidad y buena música, se presentará el viernes 18 de mayo a las 23:00 hrs. en Espacio Belloni, ubicado en Ernesto Pinto Lagarrigue 179, Barrio Bellavista. Entradas a la venta por Atrápalo.cl y en las boleterías del teatro.
https://www.atrapalo.cl/entradas/bluesesque-en-espacio-belloni_e4814306/
El novedoso montaje presenta una mezcla de música en vivo con una selección de clásicos del género artístico denominado burlesque.
Una producción de primer nivel es la que ofrece el espectáculo Bluesesque, cuya puesta en escena mezcla la música y las artes escénicas en un show único en Chile. En este montaje, que se presentará en Espacio Belloni el 18 de mayo, el blues se entrelaza con la sensualidad femenina manifestada a través de escenas de neo burlesque, pole dance y strip dance, entre otros.
El creador del espectáculo es Felipe Toro (integrante de las agrupaciones El cruce y Sangre de Toro), quien comparte escenario con otros seis músicos que representan lo mejor de la escena del blues en el país. En el show, sorprenden con sus excelentes interpretaciones de los clásicos del género, que acompañan a la perfección a los sensuales bailes de los seis artistas corporales que completan el elenco.
Los encargados de cautivar al público con sus habilidades en la pista de baile son Natalia Dufuur (finalista del programa “Cabaret Burlesque” de TVN), Melanie Rossel y Sylvana Daza, además del campeón e instructor de pole glamour, Paul Canales y la campeona rusa de pole dance y pole exotic, Julia Snopova.
Bluesesque, un imperdible espectáculo lleno de sensualidad y buena música, se presentará el viernes 18 de mayo a las 23:00 hrs. en Espacio Belloni, ubicado en Ernesto Pinto Lagarrigue 179, Barrio Bellavista. Entradas a la venta por Atrápalo.cl y en las boleterías del teatro.
https://www.atrapalo.cl/entradas/bluesesque-en-espacio-belloni_e4814306/
jueves, mayo 10, 2018
Living Colour regresa a Chile
Comunicado de prensa
Con más de 30 años de trayectoria la banda neoyorkina liderada por Vernon Reid (guitarra), Will Calhoun (batería), Corey Glover (voz) y Doug Wimbish (bajo), llegarán a Chile el martes 15 de mayo para presentar su más reciente disco Shade, a partir de las 21:00 horas en el Teatro La Cúpula del Parque O`Higgins.
Después de nueve años, Living Colour regresa a Chile y ya se ha vendido más del 75% de la capacidad del recinto.
Esta será la cuarta visita del grupo neoyorkino, que ya estuvo en 1993 en el Estadio Chile, donde fueron teloneados por Parkinson; luego en 2001 en la Estación Mapocho junto a los Chancho en Piedra y en 2009 junto a Los Morton en el Teatro Teletón.
"Estamos muy felices de volver a Chile. Ya han pasado casi 10 años y es demasiado. Espero ver a todos nuestros fans en Santiago", señaló Corey Glover, vocalista de la agrupación.
Sobre el repertorio que mostrarán en Chile, el bajista Doug Wimbish señaló "mostraremos toda nuestra historia como grupo, esperen algo muy variado porque se viene un setlist delicioso. Ustedes saben como disfrutar a Living Colour".
Living Colour se caracteriza por un particular sonido ligado a diversos estilos como el funk, rock, metal, blues y hiphop. Junto a artistas como Faith No More, Suicidal Tendencies, Red Hot Chili Peppers, Pearl Jam, Soundgarden, Nirvana, Primus y Alice in Chains, renovaron la escena de fines de los 80s.
Fueron descubiertos por Mick Jagger, vocalista de los Rolling Stones, quien los ayudó a producir un demo y firmar un contrato discográfico. Rápidamente se transformaron en la banda revelación, ganando portadas de revistas, giras por todo el mundo e importantes premios. A mediados de 1988 graban su primer disco Vivia, con la producción de Ed Stasium y Mick Jagger, ganando el primer Grammy en la categoría "Best Hard Rock Performance", gracias a su canción "Cult of Personality" que logró un inesperado éxito.
Otro impulso importante para la banda fue telonear la primera gira de los Rolling Stones en Estados Unidos después de ocho años de ausencia, lo que fue el inicio de una serie de presentaciones en varios festivales.
Ahora vuelven a Chile con su celebrado disco Shade, el primero en ocho años y que ha sido destacado como uno de los mejores trabajos discográficos de 2017.
Valores:
Primera preventa: $ 24.000 (AGOTADAS)
Segunda preventa: $ 28.000
Día del show: $ 32.000
Shakira fija su retorno a Chile con show en el Estadio Nacional
El Mercurio
La cantante se presentará en el coliseo de Ñuñoa el 30 de octubre, el mismo lugar donde actuó en 2011.
Por JOSÉ VÁSQUEZ
Estaba próxima a iniciar su nuevo tour mundial en noviembre pasado, cuando su salud la obligó a postergar todo.
Shakira iba a salir de gira para presentar "El Dorado" (2017), el álbum que con éxitos globales como "Chantaje" junto a Maluma o "La bicicleta", con Carlos Vives, comenzó tempranamente desde 2016 a anticipar un regreso discográfico que la misma artista proyectaba ambiciosa, también, como "mi mejor show hasta la fecha".
Pero una hemorragia en sus cuerdas vocales, una complicada afección que provocó extremar los cuidados de la cantante, derrumbó todos sus planes inmediatos, aplazando finalmente el estreno del espectáculo para el próximo 3 de junio, en Hamburgo, donde se reagendó el comienzo del tour .
Ahora la intérprete colombiana, ya recuperada, planifica completar su nuevo recorrido mundial que ya fijó su postergado regreso a Chile, que ocurrirá finalmente durante el último trimestre de este año, en un escenario ya conocido para la voz de "Ciega, sordomuda": el Estadio Nacional.
Shakira volverá al coliseo de Ñuñoa, el mismo recinto donde se presentó por última vez en el país en 2011, este 30 de octubre y el detalle sobre la venta de entradas será entregado próximamente por la productora encargada de su venida.
La cantante no solo actuará en Santiago, sino que también de forma inminente se anunciará el resto de las escalas sudamericanas. Hasta ahora, solo se han oficializado sus shows por Europa y Norteamérica, donde finaliza esta etapa a comienzos de septiembre, en California.
La cantante se presentará en el coliseo de Ñuñoa el 30 de octubre, el mismo lugar donde actuó en 2011.
Por JOSÉ VÁSQUEZ
Estaba próxima a iniciar su nuevo tour mundial en noviembre pasado, cuando su salud la obligó a postergar todo.
Shakira iba a salir de gira para presentar "El Dorado" (2017), el álbum que con éxitos globales como "Chantaje" junto a Maluma o "La bicicleta", con Carlos Vives, comenzó tempranamente desde 2016 a anticipar un regreso discográfico que la misma artista proyectaba ambiciosa, también, como "mi mejor show hasta la fecha".
Pero una hemorragia en sus cuerdas vocales, una complicada afección que provocó extremar los cuidados de la cantante, derrumbó todos sus planes inmediatos, aplazando finalmente el estreno del espectáculo para el próximo 3 de junio, en Hamburgo, donde se reagendó el comienzo del tour .
Ahora la intérprete colombiana, ya recuperada, planifica completar su nuevo recorrido mundial que ya fijó su postergado regreso a Chile, que ocurrirá finalmente durante el último trimestre de este año, en un escenario ya conocido para la voz de "Ciega, sordomuda": el Estadio Nacional.
Shakira volverá al coliseo de Ñuñoa, el mismo recinto donde se presentó por última vez en el país en 2011, este 30 de octubre y el detalle sobre la venta de entradas será entregado próximamente por la productora encargada de su venida.
La cantante no solo actuará en Santiago, sino que también de forma inminente se anunciará el resto de las escalas sudamericanas. Hasta ahora, solo se han oficializado sus shows por Europa y Norteamérica, donde finaliza esta etapa a comienzos de septiembre, en California.
Nicolás Durán: "Tengo una adicción con hacer música y películas"
El Mercurio
El actor, conocido por sus interpretaciones en la cinta "Jesús" y la serie "Bala loca", prepara el lanzamiento de su primer disco, "SEXSINSANTIAGO".
Por Patricio Zenklussen Franco
Nicolás Durán (21) vive un gran momento en su carrera actoral. En 2017 ganó el Premio Caleuche a la Revelación por su participación en "Bala loca" y, más tarde, tuvo un aplaudido desempeño en la película "Jesús", dirigida por Fernando Guzzoni. El mes pasado volvió a aparecer en la pantalla grande en el filme "Dead Candi". Pero Durán no se conforma y ahora se prepara para dar su próximo paso, esta vez en la música.
"No se parece a nada en particular. Diría que es una mezcla de The Doors, Danzig, Prince, Lou Reed y Daft Punk. Cosas diferentes, pero que logré combinar en algo nuevo y propio", cuenta el actor y cantante introduciendo lo que será "SEXSINSANTIAGO", su primer disco, que lanzará el próximo domingo en plataformas digitales.
El álbum, cuyo primer sencillo "Closer" ya puede ser escuchado vía streaming , estará firmado con el nombre artístico "DaddyBlue" y seguirá un formato de distribución especial en dos etapas, "de manera similar a como eran los vinilos antes, con lados A y B".
El disco seguirá una historia narrada de forma lineal, basada en experiencias personales: "Las letras están inspiradas en una etapa muy oscura de mi vida, y el álbum suena como suena porque pude poner todo lo que yo sentí en él. Psicodelia y distorsión".
"Grabar este álbum fue la mejor manera de salir de eso. Una descarga energética. Una catarsis", comenta Durán.
Aunque su labor actoral es la que le ha traído mayor visibilidad, la relación de Durán con la música no es algo nuevo y sus inicios se remontan a la infancia, con un momento que recuerda con claridad: "Estaba parado sobre un mesón en la cocina, y al lado mío sonaba en la radio un tema de Chayanne. Ahí me puse a cantar, frente a mi abuela y mi mamá. Me escucharon y quedaron impresionadas. Ahí entendieron que sería artista".
Luego Durán daría sus primeros pasos con algunas grabaciones independientes y, en 2012, participó en el programa de talentos de TVN "Factor X".
Consultado si esta nueva etapa viene a poner pausa a su carrera frente a las cámaras, responde: "Jamás dejaría de lado las películas. Es algo que amo con toda mi alma".
"Mi idea es ir superando etapas, y aquellas cosas que fueron sueños y ahora son metas, sean cumplidas. Tengo una adicción con hacer música y películas", asegura.
Y recuerda que Andy Warhol decía que todos necesitan 15 minutos de fama. "Algunos logran quedarse más allá de eso y yo pretendo ser uno de ellos", concluye.
El actor, conocido por sus interpretaciones en la cinta "Jesús" y la serie "Bala loca", prepara el lanzamiento de su primer disco, "SEXSINSANTIAGO".
Por Patricio Zenklussen Franco
Nicolás Durán (21) vive un gran momento en su carrera actoral. En 2017 ganó el Premio Caleuche a la Revelación por su participación en "Bala loca" y, más tarde, tuvo un aplaudido desempeño en la película "Jesús", dirigida por Fernando Guzzoni. El mes pasado volvió a aparecer en la pantalla grande en el filme "Dead Candi". Pero Durán no se conforma y ahora se prepara para dar su próximo paso, esta vez en la música.
"No se parece a nada en particular. Diría que es una mezcla de The Doors, Danzig, Prince, Lou Reed y Daft Punk. Cosas diferentes, pero que logré combinar en algo nuevo y propio", cuenta el actor y cantante introduciendo lo que será "SEXSINSANTIAGO", su primer disco, que lanzará el próximo domingo en plataformas digitales.
El álbum, cuyo primer sencillo "Closer" ya puede ser escuchado vía streaming , estará firmado con el nombre artístico "DaddyBlue" y seguirá un formato de distribución especial en dos etapas, "de manera similar a como eran los vinilos antes, con lados A y B".
El disco seguirá una historia narrada de forma lineal, basada en experiencias personales: "Las letras están inspiradas en una etapa muy oscura de mi vida, y el álbum suena como suena porque pude poner todo lo que yo sentí en él. Psicodelia y distorsión".
"Grabar este álbum fue la mejor manera de salir de eso. Una descarga energética. Una catarsis", comenta Durán.
Aunque su labor actoral es la que le ha traído mayor visibilidad, la relación de Durán con la música no es algo nuevo y sus inicios se remontan a la infancia, con un momento que recuerda con claridad: "Estaba parado sobre un mesón en la cocina, y al lado mío sonaba en la radio un tema de Chayanne. Ahí me puse a cantar, frente a mi abuela y mi mamá. Me escucharon y quedaron impresionadas. Ahí entendieron que sería artista".
Luego Durán daría sus primeros pasos con algunas grabaciones independientes y, en 2012, participó en el programa de talentos de TVN "Factor X".
Consultado si esta nueva etapa viene a poner pausa a su carrera frente a las cámaras, responde: "Jamás dejaría de lado las películas. Es algo que amo con toda mi alma".
"Mi idea es ir superando etapas, y aquellas cosas que fueron sueños y ahora son metas, sean cumplidas. Tengo una adicción con hacer música y películas", asegura.
Y recuerda que Andy Warhol decía que todos necesitan 15 minutos de fama. "Algunos logran quedarse más allá de eso y yo pretendo ser uno de ellos", concluye.
19 boleros inmortales son recordados en un nuevo show musical
El Mercurio
El espectáculo debutará el próximo 14 de junio en el Teatro Municipal de Las Condes.
Por Eduardo Miranda
Miryam Singer ha desarrollado una contundente carrera como régisseur , diseñadora y productora de espectáculos. Y por estos días admite que tiene una obsesión creativa y musical: los boleros.
"Para mí no solo son canciones. Es un pensamiento triste que se canta. Es amor, desengaño, separación. Lo que provoca es llenar el corazón. Es que el bolero es como el atardecer", dice la realizadora, quien está a cargo de una nueva creación. Un espectáculo musical que reúne 19 títulos inmortales del género y que debutará el 14 de junio en el Teatro Municipal de Las Condes.
Se trata de "Noches de boleros", un concierto interpretado por los cantantes Florencia Arenas y Bryan Ávila y que tiene, además, la participación de la actriz Daniela Llorente (en la foto), quienes interpretarán 19 piezas como "Contigo aprendí", "Solamente una vez", "Contigo a la distancia" y "La hiedra".
"Es una historia donde dialogan distintos formatos", explica Singer sobre el concierto que está articulado con el apoyo de una pieza audiovisual que se proyecta en pantalla gigante: María y Benjamín, quienes componen una pareja de enamorados, deben separarse y ven pasar momentos de pasión, sacrificio y fama.
La puesta en escena incluye una orquesta en vivo de 25 músicos dirigidos por Horacio Saavedra y tendrá como artistas invitados al destacado trío de boleristas La Flor del Recuerdo. "La idea de este concierto es crear una instancia que no se da en otros teatros y con la complejidad de una orquesta numerosa", dice Saavedra.
El espectáculo debutará el próximo 14 de junio en el Teatro Municipal de Las Condes.
Por Eduardo Miranda
Miryam Singer ha desarrollado una contundente carrera como régisseur , diseñadora y productora de espectáculos. Y por estos días admite que tiene una obsesión creativa y musical: los boleros.
"Para mí no solo son canciones. Es un pensamiento triste que se canta. Es amor, desengaño, separación. Lo que provoca es llenar el corazón. Es que el bolero es como el atardecer", dice la realizadora, quien está a cargo de una nueva creación. Un espectáculo musical que reúne 19 títulos inmortales del género y que debutará el 14 de junio en el Teatro Municipal de Las Condes.
Se trata de "Noches de boleros", un concierto interpretado por los cantantes Florencia Arenas y Bryan Ávila y que tiene, además, la participación de la actriz Daniela Llorente (en la foto), quienes interpretarán 19 piezas como "Contigo aprendí", "Solamente una vez", "Contigo a la distancia" y "La hiedra".
"Es una historia donde dialogan distintos formatos", explica Singer sobre el concierto que está articulado con el apoyo de una pieza audiovisual que se proyecta en pantalla gigante: María y Benjamín, quienes componen una pareja de enamorados, deben separarse y ven pasar momentos de pasión, sacrificio y fama.
La puesta en escena incluye una orquesta en vivo de 25 músicos dirigidos por Horacio Saavedra y tendrá como artistas invitados al destacado trío de boleristas La Flor del Recuerdo. "La idea de este concierto es crear una instancia que no se da en otros teatros y con la complejidad de una orquesta numerosa", dice Saavedra.
Jonathan Nott y las claves del éxito de la Orquesta de la Suisse Romande
El Mercurio
El cantabile y la fluidez del sonido son los elementos esenciales del trabajo que hacen juntos, y lo demostrarán esta tarde cuando aborden a Debussy, Dvorák y Brahms.
Por Romina de la Sotta Donoso
Gracias a sus más de 300 discos, el sonido de la Orquesta de la Suisse Romande está grabado en la memoria de todo melómano. Un sonido que hoy podrá ser experimentado en vivo, pues la famosa OSR llega a CorpArtes, como parte de la gira sudamericana con la cual celebran cien años de vida (20 horas).
La OSR viene con Jonathan Nott (1962), quien hace un año asumió como su titular, después de haber puesto en el mapa a la Sinfónica de Bamberg y al Ensemble InterContemporain, de los que también fue titular. Especialista en Mahler y Schubert, posee una premiada discografía y un repertorio amplísimo, y ha dirigido a las mejores orquestas del mundo.
"Yo también descubrí a la Orquesta de la Suisse Romande por sus discos, y cuando conocí a sus músicos descubrí qué la hace tan especial. Lo que la define es su sentido de sonoridad y su fluidez expresiva", comenta Nott a "El Mercurio".
Para él, explica, el cantabile es uno de los dos elementos fundamentales de su trabajo. "Muchos se esfuerzan en la velocidad y en tocar todas las notas, pero olvidan que lo más importante es lo que sucede entre una nota y la siguiente, esa es la narrativa, el verdadero cantabile , y si uno logra transmitirlo, el público se conecta con lo que la música está diciendo, y vive una experiencia intensa. Si yo hago bien mi trabajo, no se pierde la tensión entre la primera y la última nota de una sinfonía", explica, y agrega que "lo otro que es esencial es la sonoridad; no debemos subestimar el poder de un sonido hermoso".
Dos preceptos que pondrá hoy en práctica, cuando presenten "Preludio a la siesta de un fauno", de Debussy, en el centenario de su muerte; el Concierto para chelo de Dvorák, con el solista francés Xavier Phillips, y la Sinfonía N° 3 de Brahms.
Cantabile esencial
Nott asegura que la obra que tocarán de Debussy cambió la historia de la música, y que posee una sensibilidad y sensualidad muy nítidas. "En la Tercera de Brahms también existen esta sensibilidad y sensualidad, pero solo podemos develarlas si logramos un sonido fluido. Están en el final de esa sinfonía, que va apagándose hasta el silencio, pero muchas veces se pierden, al igual que su cantabile , porque lo tocan de forma pesada y ruidosa. En esta sinfonía Brahms construye un mundo hermoso y frágil que es tan difícil de agarrar como el agua entre los dedos", aclara.
En diciembre, Nott volverá a Chile. Vendrá al Teatro del Lago, donde dio un concierto memorable con la Sinfónica de Bamberg en 2011. "Toda la orquesta quedó conmovida con esa experiencia, igual que yo. ¡Había tantos jóvenes en el público! Por eso decidimos traer a la Junge Deutsche Philharmonie a Frutillar", cuenta.
Ese concierto dará cuenta de los cuatro años que Nott ha dirigido a los jóvenes. "Los entusiasmo para que cuestionen todo lo que creen saber y se desafíen a sí mismos sobre cómo creen que pueden tocar. De eso se trata la dirección orquestal, de hacer que los intérpretes se sientan lo suficientemente seguros como para arriesgarlo todo e ir más allá de los límites. En la música, todo es búsqueda", cierra.
El cantabile y la fluidez del sonido son los elementos esenciales del trabajo que hacen juntos, y lo demostrarán esta tarde cuando aborden a Debussy, Dvorák y Brahms.
Por Romina de la Sotta Donoso
Gracias a sus más de 300 discos, el sonido de la Orquesta de la Suisse Romande está grabado en la memoria de todo melómano. Un sonido que hoy podrá ser experimentado en vivo, pues la famosa OSR llega a CorpArtes, como parte de la gira sudamericana con la cual celebran cien años de vida (20 horas).
La OSR viene con Jonathan Nott (1962), quien hace un año asumió como su titular, después de haber puesto en el mapa a la Sinfónica de Bamberg y al Ensemble InterContemporain, de los que también fue titular. Especialista en Mahler y Schubert, posee una premiada discografía y un repertorio amplísimo, y ha dirigido a las mejores orquestas del mundo.
"Yo también descubrí a la Orquesta de la Suisse Romande por sus discos, y cuando conocí a sus músicos descubrí qué la hace tan especial. Lo que la define es su sentido de sonoridad y su fluidez expresiva", comenta Nott a "El Mercurio".
Para él, explica, el cantabile es uno de los dos elementos fundamentales de su trabajo. "Muchos se esfuerzan en la velocidad y en tocar todas las notas, pero olvidan que lo más importante es lo que sucede entre una nota y la siguiente, esa es la narrativa, el verdadero cantabile , y si uno logra transmitirlo, el público se conecta con lo que la música está diciendo, y vive una experiencia intensa. Si yo hago bien mi trabajo, no se pierde la tensión entre la primera y la última nota de una sinfonía", explica, y agrega que "lo otro que es esencial es la sonoridad; no debemos subestimar el poder de un sonido hermoso".
Dos preceptos que pondrá hoy en práctica, cuando presenten "Preludio a la siesta de un fauno", de Debussy, en el centenario de su muerte; el Concierto para chelo de Dvorák, con el solista francés Xavier Phillips, y la Sinfonía N° 3 de Brahms.
Cantabile esencial
Nott asegura que la obra que tocarán de Debussy cambió la historia de la música, y que posee una sensibilidad y sensualidad muy nítidas. "En la Tercera de Brahms también existen esta sensibilidad y sensualidad, pero solo podemos develarlas si logramos un sonido fluido. Están en el final de esa sinfonía, que va apagándose hasta el silencio, pero muchas veces se pierden, al igual que su cantabile , porque lo tocan de forma pesada y ruidosa. En esta sinfonía Brahms construye un mundo hermoso y frágil que es tan difícil de agarrar como el agua entre los dedos", aclara.
En diciembre, Nott volverá a Chile. Vendrá al Teatro del Lago, donde dio un concierto memorable con la Sinfónica de Bamberg en 2011. "Toda la orquesta quedó conmovida con esa experiencia, igual que yo. ¡Había tantos jóvenes en el público! Por eso decidimos traer a la Junge Deutsche Philharmonie a Frutillar", cuenta.
Ese concierto dará cuenta de los cuatro años que Nott ha dirigido a los jóvenes. "Los entusiasmo para que cuestionen todo lo que creen saber y se desafíen a sí mismos sobre cómo creen que pueden tocar. De eso se trata la dirección orquestal, de hacer que los intérpretes se sientan lo suficientemente seguros como para arriesgarlo todo e ir más allá de los límites. En la música, todo es búsqueda", cierra.
Gobierno cierra muestra en Museo Histórico por considerarla "desprolija"
El Mercurio
La ministra de las Culturas, Alejandra Pérez, confirmó que las próximas dos exposiciones de la serie serán sometidas a observación. Además, anunció la subrogancia de Isabel Alvarado en el museo, tras la sorpresiva destitución del director, Pablo Andrade.
Por IÑIGO DÍAZ
La bola de nieve no fue posible de contener a través de las vías de comunicación del Museo Histórico Nacional (MHN) frente a la controversia pública instalada por la muestra "Hijos de la Libertad: 200 años de Independencia", que se inauguró allí el 5 de abril.
Si entonces un tuit fue suficiente para dar explicaciones al primero de los visitantes que el 14 de abril manifestó su molestia al ver un panel con la figura del general Pinochet junto a la de Allende y otras personalidades de la historia republicana, esta semana las redes sociales estallaron en críticas virales a la muestra y su presentación.
De este modo, tras 35 días de exhibición abierta al público, la ministra de las Culturas, Alejandra Pérez, tomó la decisión no solo de destituir al director del museo, Pablo Andrade, sino de instruir "el retiro inmediato de la muestra".
Como consecuencia directa, las próximas dos exposiciones de la trilogía del Bicentenario -dedicadas a la Igualdad y la Fraternidad- que estaban calendarizadas durante 2018, serán sometidas a evaluación. "Nos interesa que no se cometa este tipo de desprolijidades nuevamente", señaló ayer a "El Mercurio" Alejandra Pérez.
La desprolijidad a la que alude tiene que ver con una frase destacada en el panel de Pinochet, presentada en letras cursivas, sin comillas. Allí se menciona la "gesta del 11 de septiembre" y la "heroica lucha contra la dictadura marxista de los pueblos amantes de su libertad". Muchos visitantes leyeron la frase no como atribuida a Pinochet, sino como contenidos propios del museo, pues no aparecía como una cita regular.
Enfoque curatorial
En la antesala de la inauguración de la muestra, los especialistas del MHN explicaron que la curatoría de "Hijos de la Libertad..." intentaba observar la Libertad como un concepto en transformación. Se la presentaba como un "proceso de construcción inconcluso a lo largo de la historia republicana". De esta manera, la Libertad podría ser absorbida por todas las ideologías.
"Nos parece inadmisible la forma en que fue presentada la cita escogida. Ni siquiera se puso entre comillas", apunta Alejandra Pérez. "Además de los problemas de forma y fondo, fue una provocación innecesaria. En un museo público, dedicado a la difusión de la herencia histórica del país, donde gran parte de su público son niños y extranjeros, no se puede avalar o inducir a un error respecto de la educación democrática y la vocación libertaria que tenemos como país", agregó.
-¿Era ineludible destituir al director del museo?
"Es una decisión que hemos adoptado debido a esos graves errores curatoriales en los que incurre la muestra. No hemos tomado esta decisión para acallar una polémica, sino porque tenemos la convicción de que la cultura y las artes tienen un rol fundamental en el rescate de la memoria y la defensa de los derechos humanos como una forma de fortalecer nuestra identidad país.
-¿Cerrar una muestra no significa pasar por alto una curatoría museográfica preparada por especialistas?
"Creemos que en esa curatoría no se presenta a Augusto Pinochet solo como parte de nuestra historia, lo que es un hecho ineludible, sino que se avala su discurso, presentándolo en la voz del museo. La libertad de expresión no puede estar por sobre los derechos humanos".
De paso, la ministra Pérez confirmó que Isabel Alvarado, jefa del Departamento de Exhibiciones, asumió de manera interina la subrogancia de la dirección del museo desde ayer, tal como en otras ocasiones. Del mismo modo se indicó que el ministerio activará próximamente un concurso de alta dirección pública, para seleccionar al nuevo director del Museo Histórico Nacional.
La ministra de las Culturas, Alejandra Pérez, confirmó que las próximas dos exposiciones de la serie serán sometidas a observación. Además, anunció la subrogancia de Isabel Alvarado en el museo, tras la sorpresiva destitución del director, Pablo Andrade.
Por IÑIGO DÍAZ
La bola de nieve no fue posible de contener a través de las vías de comunicación del Museo Histórico Nacional (MHN) frente a la controversia pública instalada por la muestra "Hijos de la Libertad: 200 años de Independencia", que se inauguró allí el 5 de abril.
Si entonces un tuit fue suficiente para dar explicaciones al primero de los visitantes que el 14 de abril manifestó su molestia al ver un panel con la figura del general Pinochet junto a la de Allende y otras personalidades de la historia republicana, esta semana las redes sociales estallaron en críticas virales a la muestra y su presentación.
De este modo, tras 35 días de exhibición abierta al público, la ministra de las Culturas, Alejandra Pérez, tomó la decisión no solo de destituir al director del museo, Pablo Andrade, sino de instruir "el retiro inmediato de la muestra".
Como consecuencia directa, las próximas dos exposiciones de la trilogía del Bicentenario -dedicadas a la Igualdad y la Fraternidad- que estaban calendarizadas durante 2018, serán sometidas a evaluación. "Nos interesa que no se cometa este tipo de desprolijidades nuevamente", señaló ayer a "El Mercurio" Alejandra Pérez.
La desprolijidad a la que alude tiene que ver con una frase destacada en el panel de Pinochet, presentada en letras cursivas, sin comillas. Allí se menciona la "gesta del 11 de septiembre" y la "heroica lucha contra la dictadura marxista de los pueblos amantes de su libertad". Muchos visitantes leyeron la frase no como atribuida a Pinochet, sino como contenidos propios del museo, pues no aparecía como una cita regular.
Enfoque curatorial
En la antesala de la inauguración de la muestra, los especialistas del MHN explicaron que la curatoría de "Hijos de la Libertad..." intentaba observar la Libertad como un concepto en transformación. Se la presentaba como un "proceso de construcción inconcluso a lo largo de la historia republicana". De esta manera, la Libertad podría ser absorbida por todas las ideologías.
"Nos parece inadmisible la forma en que fue presentada la cita escogida. Ni siquiera se puso entre comillas", apunta Alejandra Pérez. "Además de los problemas de forma y fondo, fue una provocación innecesaria. En un museo público, dedicado a la difusión de la herencia histórica del país, donde gran parte de su público son niños y extranjeros, no se puede avalar o inducir a un error respecto de la educación democrática y la vocación libertaria que tenemos como país", agregó.
-¿Era ineludible destituir al director del museo?
"Es una decisión que hemos adoptado debido a esos graves errores curatoriales en los que incurre la muestra. No hemos tomado esta decisión para acallar una polémica, sino porque tenemos la convicción de que la cultura y las artes tienen un rol fundamental en el rescate de la memoria y la defensa de los derechos humanos como una forma de fortalecer nuestra identidad país.
-¿Cerrar una muestra no significa pasar por alto una curatoría museográfica preparada por especialistas?
"Creemos que en esa curatoría no se presenta a Augusto Pinochet solo como parte de nuestra historia, lo que es un hecho ineludible, sino que se avala su discurso, presentándolo en la voz del museo. La libertad de expresión no puede estar por sobre los derechos humanos".
De paso, la ministra Pérez confirmó que Isabel Alvarado, jefa del Departamento de Exhibiciones, asumió de manera interina la subrogancia de la dirección del museo desde ayer, tal como en otras ocasiones. Del mismo modo se indicó que el ministerio activará próximamente un concurso de alta dirección pública, para seleccionar al nuevo director del Museo Histórico Nacional.
miércoles, mayo 09, 2018
Gustavo Santaolalla: “De Jorge González admiro su integridad, su compromiso”
La Tercera
El más prestigiado productor latinoamericano, y ganador de dos Oscar, habla con Culto de un nuevo disco solista, Raconto, y de su preocupación por el presente de Jorge González y Álvaro Henríquez.+
Por Marisol García
Si el currículo acumulado fuese criterio de estelaridad, Gustavo Santaolalla debió haber estado entre los shows de cierre del último Lollapalooza en Santiago, y no en ese set colorido, vibrante pero de escasa audiencia que la banda Bajofondo tuvo la tarde del viernes 16 de marzo, con el más premiado productor latinoamericano a cargo de la guitarra entre otros seis compañeros.
“Me encantó hacerlo. Hacía mucho que no tocábamos juntos, y reunirnos ahí nos sirvió de preámbulo para un concierto que tuvimos el fin de semana pasado con sold out en el Disney Concert Hall, en Los Ángeles, y que estuvo divino”, dice el músico al teléfono con Culto desde Ciudad de México, ya con su cabeza y agenda ocupada en otros muchos derroteros, y entre los cuales la publicación de un nuevo disco -el quinto- del grupo de electrotango encuentra también su cupo.
Para Santaolalla (1951, Buenos Aires), ‘agenda’ es estar ahora fuera de casa hablando de su más reciente título, Raconto (2017), que contiene la regrabación junto a una banda de antiguas canciones suyas. Pero a la vez afinar detalles junto al cineasta Guillermo del Toro y Cirque du Soleil para el traspaso a musical del filme El laberinto del fauno, ocuparse de nuevos encargos de bandas sonoras para películas y series de televisión, afinar la música del videojuego The last of us 2, supervisar el curso de su exportadora de vinos Cielo y Tierra, sus dos editoriales de libros (Retina e Ideoma), y al fin decidir nuevos espacios para su gira Desandando el Camino (con la que, dice, quisiera estar en Chile en septiembre).
Hombre de dos premios Oscar (por los soundtracks de Babel y Secreto en la montaña), dos BAFTA y un Globo de Oro, en 2017, su nombre estuvo el año pasado al menos en los créditos de la música para el documental Eric Clapton: Life in 12 bars y la producción del nuevo disco de Café Tacuba, Jei beibi.
Pero el argentino residente en California no se apura, y prefiere hablar de una cosa a la vez: “Raconto es lo que ahora más me emociona porque ha sido como lanzar mi carrera de solista pero a los 65 años [se ríe]. Es una revisión de mi vida a través de mis canciones, desde las que compuse a los 17 y hasta ahora. Muchas de ellas nunca las había tocado en vivo, y es primera vez que en mi vida armo una banda en torno a mi música. Por eso es un disco fresco, novedoso; para la audiencia, pero también para mí”.
– El racconto narrativo al que alude el título recupera escenas de un tiempo pasado. ¿Es usted afín a ese ejercicio?
– No, no miro mucho hacia atrás. Termino un proyecto y miro adelante, al siguiente. Ni vivo ni hago mi carrera a partir de la nostalgia. Pero ahora sí tuve la necesidad de parar y ver cómo llegué acá. Me di cuenta de la atemporalidad de algunas canciones, que incluso las que escribí cuando era un chico suenan muy modernas. Mis paradigmas son los mismos: la búsqueda del ser, de dónde venimos, los misterios de la vida, y todas esas cosas que están en mis canciones desde la más tierna infancia hasta ahora.
– También el lazo con la raíz latinoamericana es evidente en toda su música.
– Claro, toda esa búsqueda de identidad. Ha sido una transición muy reconfortante. Un camino musical que en mi caso como solista no ha sido de tantos hits, pero sí muy gratificante, y que comprueba que aquello del paso del tiempo es en realidad algo muy relativo.
-La primera marca musical en ese trayecto en torno a lo latinoamericano estuvo en Arco Iris, el grupo que Santaolalla largó con 16 años junto a cuatro compañeros y que hoy se instala en las cumbres del pionero rock sudamericano. El ensamble de electricidad y raíz contenía el vuelo libertario y también la incomprensión de la ortodoxia, recuerda el músico, que en esa defensa se cruzó también con chilenos en similar disidencia: “Los únicos que entonces tirábamos aquella onda éramos Los Jaivas en Chile; el Polén, en Perú; los Wara, en Bolivia; y Arco Iris, en Argentina. Éramos de alguna manera resistidos por la ‘intelligentsia’ del rock, y formábamos una especie de cofradía en una misma búsqueda. Por eso cuando me he cruzado con Los Jaivas, antes y ahora, lo que queda es un cariño enorme”.
El lazo de cariño se extiende, asegura Santaolalla, a muchas otras bandas chilenas a las que admira hasta la inspiración: “Siempre he tenido una relación muy linda con Chile y con sus artistas. De allí me inspiro mucho. Ahí está Jorge González, un tipo al que yo adoro y que admiro profundamente. ¿Has sabido cómo es que sigue últimamente?”.
Sobre el estado de salud del cantautor chileno, el productor no necesita del resumen completo, y además revela una anécdota desconocida entre ambos: “He estado en bastante comunicación con él, pero sé que esto ha tenido diferentes etapas. ¿Sabes que cuando se hizo este festival para hermanarnos con Chile, El Abrazo [diciembre de 2010, Parque O’Higgins], yo iba a tocar con Jorge? Habíamos armado una versión acústica de “Tren al sur” que era ¡bellísima! Desafortunadamente, como artista que es, Jorge empezó a expresar su visión del show y el estado del país en el escenario y lo cortaron. Nos quedamos sin tocarla, y fue una pena”.
– Dice que admira a Jorge González. ¿En qué, exactamente?
– Su integridad. Su compromiso con su pensamiento. Él es un tipo que está totalmente comprometido con sus ideas, y eso por supuesto le ha causado bastantes problemas. Es un tipo que vive la vida ‘a full’, de una forma intensa, con todos los riesgos que eso implica. Pero sobre todo es un gran compositor; un súper referente poético y musical. Pienso yo que quizás no es totalmente apreciado como debería ser, lo digo al menos por lo que sucede en Argentina. Pero siempre el tiempo corrige todo, y no me cabe duda que eso también va a ocurrir con Jorge. Todo eso que hizo con la cumbia electrónica, ¡fue totalmente precursor! Lo hizo muchísimos años antes de todo el boom que vino después. Antes que nadie. Es un tipo visionario, de una envergadura gigante. Es un grande en serio.
Aliados ambos en 1989 en estudio para el eterno disco Corazones, Santaolalla mide la impronta de su sociedad cada vez que sale de noche por lugares juveniles de Los Angeles, “y al menos una vez va a sonar “Tren al sur” o “Estrechez de corazón, ¿eh? Hasta hoy. Ese disco es un clasicazo, totalmente atemporal”.
Es semana de promoción en México, y Santaolalla puede tener su mente en infinidad de solicitudes. No quiere colgar con Chile sin primero dejar otra marca de su atención a la música de nuestro país: “Decíme, por favor, ¿cómo es que sigue Álvaro Henríquez? Hay un músico al que yo adoro, muy influyente para mí, David Crosby, y él tuvo un trasplante de hígado hace ya más de veinte años. Y está ahí, bien, bárbaro, este año hizo dos discos. Álvaro debe ser Peter Pan al lado de todos los excesos de Crosby, y entonces yo espero y confío en que lo suyo va a estar aun mejor. Y va a seguir haciendo canciones”.
Future Islands: "El escenario es poder"
El Mercurio
Samuel Herring, el intenso líder de la banda, habla de su primera presentación en Chile el próximo sábado en el Festival Fauna Otoño.
Por Bárbara Castro
Iniciar su carrera tocando en fiestas universitarias, haciendo de un sótano o una sala de estar su escenario empujó a Future Islands a desarrollar una interpretación única, ideada para conquistar a un público indiferente. Una actuación en la que la gestualidad sentimental y los energéticos pasos de baile del vocalista Samuel Herring cobran un protagonismo que los catapultó a la fama en 2014, cuando la banda estrenó su sencillo "Seasons" en el late show de David Letterman. El video del momento se viralizó -alcanzando los dos millones y medio de visitas-, poniendo en el mapa al trío estadounidense.
Cuatro años después y con un nuevo trabajo bajo el brazo -"The far field"-, los originarios de Carolina del Norte se preparan para su debut en Chile, el próximo sábado, en la segunda versión del Festival Fauna Otoño que se realizará en Espacio Riesco.
Algo natural, sin ensayo alguno. Así define el vocalista Samuel Herring, en entrevista con "El Mercurio", su particular estilo interpretativo, seguido de una confesión. "Para mí, el escenario es poder. Eso es algo que los intérpretes innatos ya tienen dentro de sí, es un sentimiento que te golpea como un shot de adrenalina. Se trata de temer al escenario, pero aún así querer estar sobre él", asegura al teléfono desde Estocolmo.
El cantante no se resguarda a la hora de revelar los motivos que nutren aquel miedo a las tablas. "Soy un poco claustrofóbico, tal vez agorafóbico. Me da mucha ansiedad estar en una multitud. Pero cuando alguien te da un micrófono, tienes que decir algo, porque la gente te da un porcentaje de su atención, y tienes que hacer lo posible para ganarte al resto", dice, y aprovecha de regresar en el tiempo, al nacimiento del grupo como entretenimiento de fondo en fiestas universitarias. "En esos años la gente se ponía en contra tuya, preferían hablar y se aburrían. Teníamos que combatirlo, y en la actualidad todavía hay algo de eso, de nuestros inicios humildes, pero la energía siempre ha sido la misma", afirma.
Una energía, en palabras de Herring, inspirada en íconos como James Brown, Morrisey y Ian Curtis, a quienes descubrió ya entrada su juventud, luego de toparse con unos videos que mostraban al vocalista de Joy Division moviéndose desenfrenadamente sobre el escenario. "Crecí en un pueblo pequeño sin escena musical; allí no había referentes. Fue en la universidad cuando terminé viendo videoclips antiguos de Ian Curtis y su estilo loco de baile, y fue testigo de esa extraña vulnerabilidad que comparte con otros artistas", recuerda el estadounidense.
Samuel Herring, el intenso líder de la banda, habla de su primera presentación en Chile el próximo sábado en el Festival Fauna Otoño.
Por Bárbara Castro
Iniciar su carrera tocando en fiestas universitarias, haciendo de un sótano o una sala de estar su escenario empujó a Future Islands a desarrollar una interpretación única, ideada para conquistar a un público indiferente. Una actuación en la que la gestualidad sentimental y los energéticos pasos de baile del vocalista Samuel Herring cobran un protagonismo que los catapultó a la fama en 2014, cuando la banda estrenó su sencillo "Seasons" en el late show de David Letterman. El video del momento se viralizó -alcanzando los dos millones y medio de visitas-, poniendo en el mapa al trío estadounidense.
Cuatro años después y con un nuevo trabajo bajo el brazo -"The far field"-, los originarios de Carolina del Norte se preparan para su debut en Chile, el próximo sábado, en la segunda versión del Festival Fauna Otoño que se realizará en Espacio Riesco.
Algo natural, sin ensayo alguno. Así define el vocalista Samuel Herring, en entrevista con "El Mercurio", su particular estilo interpretativo, seguido de una confesión. "Para mí, el escenario es poder. Eso es algo que los intérpretes innatos ya tienen dentro de sí, es un sentimiento que te golpea como un shot de adrenalina. Se trata de temer al escenario, pero aún así querer estar sobre él", asegura al teléfono desde Estocolmo.
El cantante no se resguarda a la hora de revelar los motivos que nutren aquel miedo a las tablas. "Soy un poco claustrofóbico, tal vez agorafóbico. Me da mucha ansiedad estar en una multitud. Pero cuando alguien te da un micrófono, tienes que decir algo, porque la gente te da un porcentaje de su atención, y tienes que hacer lo posible para ganarte al resto", dice, y aprovecha de regresar en el tiempo, al nacimiento del grupo como entretenimiento de fondo en fiestas universitarias. "En esos años la gente se ponía en contra tuya, preferían hablar y se aburrían. Teníamos que combatirlo, y en la actualidad todavía hay algo de eso, de nuestros inicios humildes, pero la energía siempre ha sido la misma", afirma.
Una energía, en palabras de Herring, inspirada en íconos como James Brown, Morrisey y Ian Curtis, a quienes descubrió ya entrada su juventud, luego de toparse con unos videos que mostraban al vocalista de Joy Division moviéndose desenfrenadamente sobre el escenario. "Crecí en un pueblo pequeño sin escena musical; allí no había referentes. Fue en la universidad cuando terminé viendo videoclips antiguos de Ian Curtis y su estilo loco de baile, y fue testigo de esa extraña vulnerabilidad que comparte con otros artistas", recuerda el estadounidense.
Ozzy Osbourne se despidió de Chile rockeando los éxitos de su carrera
El Mercurio
La voz de Black Sabbath tocó anoche en un Movistar Arena repleto, donde en una hora y media repasó sus clásicos. "No puedo girar por siempre", dijo.
Por José Vásquez
De las penumbras a las llamas. Ozzy Osbourne aparece en el escenario y la locura, en sus propias palabras, comienza con "Bark at the moon". La guitarra acrobática de Zakk Wyldey las baquetas como aplanadora de Tommy Clufetos, el mismo baterista que acompañó la gira final de Black Sabbath, le dan un inicio galopante a este regreso, que se promocionó como el último, del denominado "príncipe de las tinieblas" en el universo del heavy metal.
Anoche el Movistar Arena -recinto al que se mudó el concierto desde la Pista Atlética del Estadio Nacional, donde era originalmente-, repleto con 15 mil personas, rugió devolviendo la arenga a un Ozzy que, como siempre, prometía activar "su locura" si la gente hacía lo mismo por él, mientras saltaba, aplaudía y cantaba con una milagrosa dignidad, para un tipo que en las décadas pasadas bien pudo haber sido sepultado por los excesos.
El músico británico volvió a la capital con su "No more tears 2", el título de una gira que todavía se promociona como de despedida, aunque el cantante ya ha revelado que seguirá sobre los escenarios tras este tour. Quizás, por eso mismo lo de anoche fue demasiado compacto para la altura de su leyenda y la promesa del adiós que quedó suspendida en el tiempo. "No puedo girar por siempre", dijo ayer el músico británico antes de interpretar "Road to nowhere".
Ozzy repasó varios de sus principales éxitos como solista, en un listado de temas que incluyó a "Crazy train", "No more tears" y la balada "Mama I'm coming home", además de clásicos infalibles para activar el karaoke de su ex banda, como "Fairies wear boots" y, sobre todo, una atronadora "War pigs", que se iluminó con una cruz ardiendo al fondo del escenario, dando el pase para el lucimiento de sus músicos.
Un set breve y que en la mitad de su desarrollo, se estiraba con el espectáculo personal que protagoniza Zakk Wylde y las piruetas con su guitarra, que la pone detrás de su cabeza, que también toca con los dientes y que entusiasma al público con riffs de canciones como "Perry Mason" -que interpreta solo parcialmente- y un solo muscular de batería por parte de Clufetos.
Para el final, otro himno de Black Sabbath, "Paranoid", despidió también a un Ozzy que se fue del escenario empapado de sudor y repartiendo bendiciones y declaraciones de un amor que anoche fue recíproco.
La gira continúa
El Movistar Arena de Santiago fue la primera escala sudamericana en el tour de Ozzy, quien el viernes se presentará en Argentina y luego seguirá por Brasil.
La voz de Black Sabbath tocó anoche en un Movistar Arena repleto, donde en una hora y media repasó sus clásicos. "No puedo girar por siempre", dijo.
Por José Vásquez
De las penumbras a las llamas. Ozzy Osbourne aparece en el escenario y la locura, en sus propias palabras, comienza con "Bark at the moon". La guitarra acrobática de Zakk Wyldey las baquetas como aplanadora de Tommy Clufetos, el mismo baterista que acompañó la gira final de Black Sabbath, le dan un inicio galopante a este regreso, que se promocionó como el último, del denominado "príncipe de las tinieblas" en el universo del heavy metal.
Anoche el Movistar Arena -recinto al que se mudó el concierto desde la Pista Atlética del Estadio Nacional, donde era originalmente-, repleto con 15 mil personas, rugió devolviendo la arenga a un Ozzy que, como siempre, prometía activar "su locura" si la gente hacía lo mismo por él, mientras saltaba, aplaudía y cantaba con una milagrosa dignidad, para un tipo que en las décadas pasadas bien pudo haber sido sepultado por los excesos.
El músico británico volvió a la capital con su "No more tears 2", el título de una gira que todavía se promociona como de despedida, aunque el cantante ya ha revelado que seguirá sobre los escenarios tras este tour. Quizás, por eso mismo lo de anoche fue demasiado compacto para la altura de su leyenda y la promesa del adiós que quedó suspendida en el tiempo. "No puedo girar por siempre", dijo ayer el músico británico antes de interpretar "Road to nowhere".
Ozzy repasó varios de sus principales éxitos como solista, en un listado de temas que incluyó a "Crazy train", "No more tears" y la balada "Mama I'm coming home", además de clásicos infalibles para activar el karaoke de su ex banda, como "Fairies wear boots" y, sobre todo, una atronadora "War pigs", que se iluminó con una cruz ardiendo al fondo del escenario, dando el pase para el lucimiento de sus músicos.
Un set breve y que en la mitad de su desarrollo, se estiraba con el espectáculo personal que protagoniza Zakk Wylde y las piruetas con su guitarra, que la pone detrás de su cabeza, que también toca con los dientes y que entusiasma al público con riffs de canciones como "Perry Mason" -que interpreta solo parcialmente- y un solo muscular de batería por parte de Clufetos.
Para el final, otro himno de Black Sabbath, "Paranoid", despidió también a un Ozzy que se fue del escenario empapado de sudor y repartiendo bendiciones y declaraciones de un amor que anoche fue recíproco.
La gira continúa
El Movistar Arena de Santiago fue la primera escala sudamericana en el tour de Ozzy, quien el viernes se presentará en Argentina y luego seguirá por Brasil.
Concierto antológico de la canción latinoamericana
El Mercurio
"Hemos hecho una búsqueda exhaustiva para encontrar este repertorio de la canción docta del siglo XX en América del Sur", aclara Juan Pablo González, director del Instituto de Música UAH. Las sopranos Camila Guggiana y Yeanethe Münzenmayer, y el tenor Luis Rivas, con Pablo Morales al piano, estrenarán una antología que reúne 25 canciones de Argentina, Bolivia, Brasil, Colombia, Ecuador, Paraguay, Perú, Uruguay, Venezuela y Chile. El concierto es gratuito, a las 19:30 horas de hoy, en Nueva Providencia 1995. Esta es su sexta antología, tras haber abordado, año a año, el lied alemán, la chanson francesa, y la canción inglesa, italiana y chilena.
"Hemos hecho una búsqueda exhaustiva para encontrar este repertorio de la canción docta del siglo XX en América del Sur", aclara Juan Pablo González, director del Instituto de Música UAH. Las sopranos Camila Guggiana y Yeanethe Münzenmayer, y el tenor Luis Rivas, con Pablo Morales al piano, estrenarán una antología que reúne 25 canciones de Argentina, Bolivia, Brasil, Colombia, Ecuador, Paraguay, Perú, Uruguay, Venezuela y Chile. El concierto es gratuito, a las 19:30 horas de hoy, en Nueva Providencia 1995. Esta es su sexta antología, tras haber abordado, año a año, el lied alemán, la chanson francesa, y la canción inglesa, italiana y chilena.
Alejandra Serrano deja la dirección del Centro Cultural La Moneda
El Mercurio
Alejandra Pérez, ministra de las Culturas, le solicitó dejar el cargo. La reemplazará la curadora de arte Beatriz Bustos.
Por Maureen Lennon Zaninovic
En febrero de 2007, la entonces ministra de Cultura, Paulina Urrutia, anunciaba a la asistente social Alejandra Serrano Madrid (57) como la nueva directora del Centro Cultural La Moneda (CCPLM), espacio que debía convertirse en el gran legado cultural del gobierno de Ricardo Lagos.
Ayer, en una reunión privada, Serrano se despidió formalmente de los trabajadores. También envió un correo a sus colaboradores y amigos más cercanos, donde confirmaba su alejamiento. "Quiero personalmente contarles que hoy, después de 11 años de un trabajo intenso, complejo y apasionante, dejo el Centro Cultural La Moneda. La ministra de las Culturas me ha pedido el cargo". En la misiva también dio cuenta de sus innegables logros como directora. "Con gran satisfacción y orgullo, dejo un centro cultural con más de 3.000 visitantes diarios, con las mejores y más visitadas exposiciones que se han hecho en Chile".
El viernes 4 de mayo, en el propio centro cultural, se realizó una reunión extraordinaria de directorio en la que participaron, entre otros, el abogado y artista Gonzalo Sánchez y los arquitectos Federico Sánchez y Cristián Undurraga. En la cita fue la propia Serrano la que les comunicó su salida y que si bien al interior del Ministerio de las Culturas se valoraba su exitosa labor como gestora, también se le hizo notar la cantidad de años al mando de esta institución.
"No puedo más que agradecer la labor realizada por Alejandra Serrano. Todos los números que deja son azules. Gracias a muestras como las de Picasso, Andy Warhol o los guerreros de terracota, consiguió que este centro -que partió con 100 mil visitantes- hoy sea recorrido por más de un millón de personas al año. Eso es un gran logro", comenta el arquitecto Cristián Undurraga. "Lo más importante, por el bien del futuro de este centro, es mirar para adelante y desearle lo mejor a la nueva directora", agrega Undurraga, quien ayer renunció al directorio de la institución.
A través de un comunicado de prensa, también se reveló que la sucesora de Alejandra Serrano será la curadora de arte Beatriz Bustos, directora de proyectos de arte y educación de la Fundación Mar Adentro, que hizo posible la llegada de la obra de Theo Jansen al Centro de Arte Cerrillos. La profesional, además, ha producido obras para prestigiosos encuentros, como la Bienal de Venecia, y ha estado detrás de la organización de otras exitosas muestras, como la Yayoi Kusama.
"La renovación es necesaria y hay procesos creativos que a veces requieren un nuevo impulso, otra mirada. Creemos que Beatriz Bustos es una gran curadora de arte y puede hacer este cambio. Tiene una trayectoria cultural muy valorada. Ha sido clave en la difusión de la obra de Alfredo Jaar, Bernardo Oyarzún y Christian Boltanski, entre otros artistas. Con ella, el Centro Cultural La Moneda puede seguir potenciando su capital cultural", señala Alejandra Pérez, ministra de las Culturas, quien también confirmó que el artista Gonzalo Cienfuegos asumirá, en representación suya, como presidente del directorio del Centro Cultural La Moneda.
Este último dice "que es un honor este cargo. Lo tomo con gran profesionalismo y con la convicción de que hay que mantener la excelente gestión de Alejandra Serrano".
Alejandra Pérez, ministra de las Culturas, le solicitó dejar el cargo. La reemplazará la curadora de arte Beatriz Bustos.
Por Maureen Lennon Zaninovic
En febrero de 2007, la entonces ministra de Cultura, Paulina Urrutia, anunciaba a la asistente social Alejandra Serrano Madrid (57) como la nueva directora del Centro Cultural La Moneda (CCPLM), espacio que debía convertirse en el gran legado cultural del gobierno de Ricardo Lagos.
Ayer, en una reunión privada, Serrano se despidió formalmente de los trabajadores. También envió un correo a sus colaboradores y amigos más cercanos, donde confirmaba su alejamiento. "Quiero personalmente contarles que hoy, después de 11 años de un trabajo intenso, complejo y apasionante, dejo el Centro Cultural La Moneda. La ministra de las Culturas me ha pedido el cargo". En la misiva también dio cuenta de sus innegables logros como directora. "Con gran satisfacción y orgullo, dejo un centro cultural con más de 3.000 visitantes diarios, con las mejores y más visitadas exposiciones que se han hecho en Chile".
El viernes 4 de mayo, en el propio centro cultural, se realizó una reunión extraordinaria de directorio en la que participaron, entre otros, el abogado y artista Gonzalo Sánchez y los arquitectos Federico Sánchez y Cristián Undurraga. En la cita fue la propia Serrano la que les comunicó su salida y que si bien al interior del Ministerio de las Culturas se valoraba su exitosa labor como gestora, también se le hizo notar la cantidad de años al mando de esta institución.
"No puedo más que agradecer la labor realizada por Alejandra Serrano. Todos los números que deja son azules. Gracias a muestras como las de Picasso, Andy Warhol o los guerreros de terracota, consiguió que este centro -que partió con 100 mil visitantes- hoy sea recorrido por más de un millón de personas al año. Eso es un gran logro", comenta el arquitecto Cristián Undurraga. "Lo más importante, por el bien del futuro de este centro, es mirar para adelante y desearle lo mejor a la nueva directora", agrega Undurraga, quien ayer renunció al directorio de la institución.
A través de un comunicado de prensa, también se reveló que la sucesora de Alejandra Serrano será la curadora de arte Beatriz Bustos, directora de proyectos de arte y educación de la Fundación Mar Adentro, que hizo posible la llegada de la obra de Theo Jansen al Centro de Arte Cerrillos. La profesional, además, ha producido obras para prestigiosos encuentros, como la Bienal de Venecia, y ha estado detrás de la organización de otras exitosas muestras, como la Yayoi Kusama.
"La renovación es necesaria y hay procesos creativos que a veces requieren un nuevo impulso, otra mirada. Creemos que Beatriz Bustos es una gran curadora de arte y puede hacer este cambio. Tiene una trayectoria cultural muy valorada. Ha sido clave en la difusión de la obra de Alfredo Jaar, Bernardo Oyarzún y Christian Boltanski, entre otros artistas. Con ella, el Centro Cultural La Moneda puede seguir potenciando su capital cultural", señala Alejandra Pérez, ministra de las Culturas, quien también confirmó que el artista Gonzalo Cienfuegos asumirá, en representación suya, como presidente del directorio del Centro Cultural La Moneda.
Este último dice "que es un honor este cargo. Lo tomo con gran profesionalismo y con la convicción de que hay que mantener la excelente gestión de Alejandra Serrano".
Ana María Meza regresa a los escenarios y anuncia tercer disco
Tras dictar una clase magistral en Brasil, la cantante de jazz y profesora de voces Ana María Meza vuelve al escenario mañana en el Auditorio Projazz y el viernes en la Sala Master. Dará las primeras muestras de "Girasol", concierto acústico con miras a convertirse en su tercer álbum solista.
martes, mayo 08, 2018
Álvaro Henríquez fue operado por segunda vez: cirugía es "normal" en pacientes de su tipo
Bío Bío
Por Jesenia Urzúa
A una semana de la urgente cirugía de trasplante de hígado, el cantante Álvaro Henríquez fue intervenido por segunda vez en la Clínica Las Condes.
A pesar que su estado de salud es estable y su cuerpo ha reaccionado favorablemente al trasplante, el músico debió someterse a una nueva operación, la cual fue descrita por fuentes de Radio Bío Bío como “normal en pacientes que han sido trasplantados”.
La cirugía duró cerca de tres horas en la clínica capitalina, donde Henríquez llegó el 1 de mayo en estado crítico y como “el paciente con daño hepático más grave de Chile”. Hoy cumplió 8 días internado.
El guitarrista, según confirman las mismas fuentes de La Radio, ha evolucionado de acuerdo a los planes, e incluso ha estado despierto durante su estadía. Hoy, en la clínica, recibió visitas de sus familiares.
Durante la última semana, el penquista ha sido objeto de múltiples homenajes y mensajes de apoyo en su nombre. El más reciente vino desde el equipo de fútbol del cual es hincha: Deportes Concepción, quienes lo saludaron con un lienzo de Los Tres.
Las historias detrás de Let it be
La Tercera
Hoy se cumple un nuevo aniversario del que terminó siendo el último elepé de The Beatles. Publicado en 1970, Let it be fue un disco marcado por incomodidades y deserciones. Se trabajó en dos estudios y lo mezcló un ingeniero distinto del que participó en la grabación.
Por Pablo Retamal
La historia es simple. A fines de 1968, y tras las difíciles sesiones de grabación del White album, Paul McCartney decidió proponer a sus compañeros de The Beatles una idea para revitalizar el grupo. Ensayar nuevas canciones con el fin de grabar un disco en directo y, paralelamente, filmar un documental que mostrara al público el proceso de trabajo del mismo.
Por entonces, los otros miembros del cuarteto estaban ocupados en otras labores. En noviembre de ese año, John Lennon junto a su novia Yoko Ono estaban lanzando el álbum Unfinished music no. 1:two virgins (con la famosa carátula que mostraba a la pareja desnuda), y que se adentraba en música experimental en la línea del avant-garde. Además, ambos aparecieron en la película para televisión The Rolling Stones rock and roll circus (aunque fue estrenada recién en 1996).
Por su parte, George Harrison se encontraba produciendo al cantautor Jackie Lomax para el sello Apple, casa discográfica que el conjunto de Liverpool había creado para editar sus trabajos tras la muerte de su manager Brian Epstein. Además, el guitarrista lanzó su primer elepé en solitario, Wonderwall music, donde siguió explorando con la música india.
Aún así, Paul convenció a los demás. Las sesiones de grabación del nuevo proyecto comenzaron el 2 de enero de 1969, en los estudios cinematográficos de Twickenham acomodados como sala de ensayo y con un equipo de grabación portátil para registrar lo que fuese saliendo. Título tentativo: Get back, y Michael Linsday-Hogg dirigiría las filmaciones. A cargo de la grabación estaban el productor George Martin y el ingeniero Glyn Johns, aunque ninguno de ellos completaría la producción del largaduración.
Pronto la realidad fue más fuerte. En su obra The Beatles: the biography, el periodista Bob Spitz señala que “se estaba perfilando rápidamente como un proyecto de Paul McCartney. Estaba dirigiendo a los camarógrafos, eligiendo las canciones, bloqueando los arreglos como si fueran partituras clásicas. Él trabajó frenéticamente tratando de despertar el entusiasmo. Pero la forma en que él controlaba cada aspecto no permitía que nadie más contribuyera. ‘Pusimos algunas pistas, pero nadie estaba involucrado’, dijo John”.
En el libro The Beatles anthologhy, Ringo Starr agrega que “George (Harrison) estaba componiendo más. Quería hacer las cosas a su manera. Cuando empezamos, hacía lo que John y Paul decían, porque ellos eran los compositores. Pero George estaba independizándose y no se dejaba dominar por Paul, porque al final Paul quería decirle cómo debía tocar el solo, y él dijo ‘mira, el guitarrista soy yo. El solo lo toco yo’”.
“Nos plantábamos allí (en Twickenham) a las ocho de la mañana, y a esas horas no se puede hacer música, ni a la hora que sea, en un lugar extraño con gente que te filma y luces de colores”, agrega Lennon en el mismo volumen.
De esa forma, considerando esas incomodidades y la crisis causada por la renuncia de Harrison a la banda, el 20 de enero decidieron trasladarse a los estudios de Apple, en Saville Row, para continuar grabando (con el guitarrista reincorporado). El ambiente mejoró porque el lugar era mucho más acogedor y además por la inclusión del tecladista Billy Preston. “Nos encantaba ir, y cuando no trabajábamos podíamos sentarnos alrededor de la chimenea que habíamos mandado a construir para que el sitio fuera acogedor”, señala Ringo en el Anthologhy.
Con el fin de las sesiones, incluyendo el anecdótico concierto del techo del 30 de enero de 1969, los de Liverpool le encargaron a Glyn Johns que hiciera la mezcla. Sin embargo, las fechas se fueron retrasando por dos factores: uno, esperaban el estreno del documental y dos, por la grabación y lanzamiento de Abbey Road, el cual fue el último LP de su carrera.
Al estar estancado Get back, Lennon le ofreció las cintas al productor Phil Spector, quien finalmente realizó la producción y mezcla de lo que conocemos como Let it be. El resultado no satisfizo a Paul dada la sobrecargada producción que Spector dio al elepé, lo cual era un sello característico de su sonido: “Let it be era el disco pelado que Glyn Johns había mezclado, sin añadir orquestas ni nada. Era muy, muy sencillo”, afirma en Anthologhy el autor de “Yesterday”.
En las sesiones de mezcla solo estuvo presente Ringo Starr, además asistió a una de ellas el antiguo ingeniero del grupo Geoff Emerick, quien en su libro El sonido de los Beatles relata en parte el modo de trabajo del cerbero tras el wall of sound. “Me di cuenta horrorizado de que Spector había reducido la interpretación de los Beatles a una o dos pistas para poder tener cinco o seis pistas libres para los overdubs de orquesta y coros, como si esos fueran más importantes que el grupo. En cierto momento quiso todavía más pistas. Cuando Pete (Bown, asistente) le dijo que no quedaba ninguna libre, Spector tuvo la desfachatez de borrar una de las voces de Paul (eliminándola para siempre) para liberar otra pista para uno de sus muchos overdubs de coros”.
De esta manera tomó forma Let it be, el último álbum de los Beatles, pero penúltimo en grabarse.
Nueve pianistas abordan la integral de las 32 Sonatas de Beethoven
El Mercurio
Edith Fischer, Liza Chung, Luis Alberto Latorre y Alexandros Jusakos son algunos de los tecladistas que desde mañana interpretan esta colección en orden cronológico.
Por Romina de la Sotta Donoso
Ludwig van Beethoven compuso sus 32 Sonatas para piano entre 1795 y 1822, y por lo mismo, esta colección da cuenta, en forma muy nítida, de la evolución de su lenguaje. "Las 32 Sonatas reflejan toda la vida de este compositor, sin duda, uno de los más notables que han existido y, para muchos, el más grande de todos", dice Luis Alberto Latorre, pianista de la Orquesta Sinfónica de Chile y director, además, del Ciclo de Pianistas del ex Teatro Baquedano, el cual este año se dedicará justamente a la integral para piano de Beethoven.
El ciclo parte mañana, a las 19:40 horas, en Providencia 043 ($ 8 mil general, www.ceacuchile.com). Habrá tres recitales consecutivos en mayo, y los demás serán entre septiembre y noviembre.
Las Sonatas se tocarán en el mismo orden que las escribió Beethoven. La razón es casi evidente. "Escucharlas de manera cronológica es la mejor forma de apreciar el desarrollo del lenguaje de Beethoven, sus nuevas ideas, y ver cómo se va transformando paulatinamente la forma Sonata misma, hasta que él prácticamente la 'elimina' en sus últimas Sonatas, cuando el modelo se agota", dice Latorre.
"La idea es mostrar capítulos de su vida, uno tras otro; quien vaya a todos los conciertos se va a poder ir dando cuenta de esta tremenda transformación que hay, tanto en Beethoven como en su música", explica. Y aclara que las 32 piezas son maduras y técnicamente muy difíciles.
El ciclo, por lo demás, le rendirá homenaje a Claudio Arrau. "Es imposible no relacionar la integral de la obra para piano de Beethoven con el mayor prodigio chileno del piano, quien hizo varias versiones de las 32 Sonatas y sigue siendo un referente de interpretación muy importante", aclara Latorre
Dieciocho manos
Los nueve tecladistas originalmente invitados al Ciclo de Pianistas eran chilenos y extranjeros radicados hace bastante tiempo en el país e insertos en nuestra escena local. También así fue el año pasado. "En Chile hay muchos y muy buenos pianistas, se nota una escuela importante, y eso debemos mostrarlo con espacios como este", apunta Latorre.
Sin embargo, la profesora Paulina Zamora, que estaba comprometida para la apertura, se lesionó un hombro y debió ser reemplazada por Alexander Panizza, quien ya ha trabajado con la Sinfónica como solista. El músico argentino-canadiense, además, grabó la integral para piano de Beethoven. "Fue uno de los momentos más significativos de mi carrera. Sin duda puedo afirmar que hubo un antes y un después en mi identidad artística", comenta. Panizza tocará las tres primeras Sonatas de Beethoven, es decir, las Op. 2 N° 1, N° 2 y N° 3. Todas ellas dan cuenta de la tradición clásica que aprendió Beethoven directamente de Joseph Haydn.
El próximo concierto lo dará Svetlana Kotova, con las Sonatas Op. 7 y Op. 10, N° 1, N° 2 y N° 3 (16 de mayo), mientras Felipe Browne abordará las Sonatas Op. 13, "Patética", Op. 14 N°1 y N° 2, y la Op. 22 (23 de mayo).
Los siguientes tres conciertos, entre septiembre y octubre, serán de Alexandros Jusakos, Luis Alberto Latorre y Mario Alarcón. Respectivamente, tocarán las Sonatas "Claro de luna", "La Tempestad" y "Appassionata", entre otras.
En noviembre, Danor Quinteros tocará, entre otras, la Sonata "Los Adioses", y Liza Chung abordará las tres últimas Sonatas de Beethoven, en el cierre.
La Sonata Op. 106, "Hammerklavier", una de las más famosas y complejas de todo el ciclo, será interpretada por Edith Fischer, quien en 1980 ofreció las 32 Sonatas de Beethoven en el Teatro Municipal. Y justamente en ese escenario se había hecho por última vez el ciclo completo, en 2003, pero en esa ocasión hubo un solo chileno convocado: Alfredo Perl.
Edith Fischer, Liza Chung, Luis Alberto Latorre y Alexandros Jusakos son algunos de los tecladistas que desde mañana interpretan esta colección en orden cronológico.
Por Romina de la Sotta Donoso
Ludwig van Beethoven compuso sus 32 Sonatas para piano entre 1795 y 1822, y por lo mismo, esta colección da cuenta, en forma muy nítida, de la evolución de su lenguaje. "Las 32 Sonatas reflejan toda la vida de este compositor, sin duda, uno de los más notables que han existido y, para muchos, el más grande de todos", dice Luis Alberto Latorre, pianista de la Orquesta Sinfónica de Chile y director, además, del Ciclo de Pianistas del ex Teatro Baquedano, el cual este año se dedicará justamente a la integral para piano de Beethoven.
El ciclo parte mañana, a las 19:40 horas, en Providencia 043 ($ 8 mil general, www.ceacuchile.com). Habrá tres recitales consecutivos en mayo, y los demás serán entre septiembre y noviembre.
Las Sonatas se tocarán en el mismo orden que las escribió Beethoven. La razón es casi evidente. "Escucharlas de manera cronológica es la mejor forma de apreciar el desarrollo del lenguaje de Beethoven, sus nuevas ideas, y ver cómo se va transformando paulatinamente la forma Sonata misma, hasta que él prácticamente la 'elimina' en sus últimas Sonatas, cuando el modelo se agota", dice Latorre.
"La idea es mostrar capítulos de su vida, uno tras otro; quien vaya a todos los conciertos se va a poder ir dando cuenta de esta tremenda transformación que hay, tanto en Beethoven como en su música", explica. Y aclara que las 32 piezas son maduras y técnicamente muy difíciles.
El ciclo, por lo demás, le rendirá homenaje a Claudio Arrau. "Es imposible no relacionar la integral de la obra para piano de Beethoven con el mayor prodigio chileno del piano, quien hizo varias versiones de las 32 Sonatas y sigue siendo un referente de interpretación muy importante", aclara Latorre
Dieciocho manos
Los nueve tecladistas originalmente invitados al Ciclo de Pianistas eran chilenos y extranjeros radicados hace bastante tiempo en el país e insertos en nuestra escena local. También así fue el año pasado. "En Chile hay muchos y muy buenos pianistas, se nota una escuela importante, y eso debemos mostrarlo con espacios como este", apunta Latorre.
Sin embargo, la profesora Paulina Zamora, que estaba comprometida para la apertura, se lesionó un hombro y debió ser reemplazada por Alexander Panizza, quien ya ha trabajado con la Sinfónica como solista. El músico argentino-canadiense, además, grabó la integral para piano de Beethoven. "Fue uno de los momentos más significativos de mi carrera. Sin duda puedo afirmar que hubo un antes y un después en mi identidad artística", comenta. Panizza tocará las tres primeras Sonatas de Beethoven, es decir, las Op. 2 N° 1, N° 2 y N° 3. Todas ellas dan cuenta de la tradición clásica que aprendió Beethoven directamente de Joseph Haydn.
El próximo concierto lo dará Svetlana Kotova, con las Sonatas Op. 7 y Op. 10, N° 1, N° 2 y N° 3 (16 de mayo), mientras Felipe Browne abordará las Sonatas Op. 13, "Patética", Op. 14 N°1 y N° 2, y la Op. 22 (23 de mayo).
Los siguientes tres conciertos, entre septiembre y octubre, serán de Alexandros Jusakos, Luis Alberto Latorre y Mario Alarcón. Respectivamente, tocarán las Sonatas "Claro de luna", "La Tempestad" y "Appassionata", entre otras.
En noviembre, Danor Quinteros tocará, entre otras, la Sonata "Los Adioses", y Liza Chung abordará las tres últimas Sonatas de Beethoven, en el cierre.
La Sonata Op. 106, "Hammerklavier", una de las más famosas y complejas de todo el ciclo, será interpretada por Edith Fischer, quien en 1980 ofreció las 32 Sonatas de Beethoven en el Teatro Municipal. Y justamente en ese escenario se había hecho por última vez el ciclo completo, en 2003, pero en esa ocasión hubo un solo chileno convocado: Alfredo Perl.
Dyango: "No se vende un solo disco, pero no puedo contener las ganas de crear"
El Mercurio
El cantante barcelonés, que se presentará en el Gran Arena Monticello el próximo sábado, está celebrando sus 50 años de carrera.
Por Patricio Zenklussen Franco
El catalán atiende el teléfono con tono amable y, antes de pasar a hablar de música, cumple con su ya clásico ritual de cada vez que lo llaman desde Chile: "Vi un partido de la 'U' hace unos días, contra Cruzeiro en Copa Libertadores". Y es que uno de los lazos más fuertes que tiene Dyango con el país es el que mantiene con el club Universidad de Chile, cuya hinchada adoptó una versión de su canción "Corazón mágico" como uno de sus cantos de aliento.
"El tema ya no se llama así, ahora es 'Al león yo lo llevo en el corazón'", dice entre risas antes de largarse a hablar del desempeño agridulce de la temporada del Barcelona y de sus predicciones para la selección de España en el Mundial de Rusia.
Pero Dyango, que se presentará en la Gran Arena Monticello el próximo sábado con su gira "50 años de amor", no solo ha estado dedicado al futbol, sino también a disfrutar de su familia.
Su nieto, Izan Llunas, participa en la serie biográfica "Luis Miguel", donde interpreta al pequeño Luismi, personaje al que conoció hace años y con quien mantuvo una buena relación: "He sido muy amigo suyo. Cuando era pequeño siempre estábamos juntos, porque éramos de la misma compañía y teníamos el mismo representante. Había mucha afinidad con el nene", dice el cantante.
"La noticia me hizo mucha ilusión, especialmente por poder ver que mi nieto tiene las mismas ansiedades que tuvieron su abuelo y su padre, Marcos. Lo he escuchado y tiene un don para la música y el arte", comenta con evidente orgullo.
Pero de todas las cosas, la música sigue siendo la pasión más grande para el autor de "El primer beso" y "Esa mujer". A sus 78 años, Dyango asegura que no puede dejar de cantar y componer canciones: "Es inevitable ponerse a escribir cosas nuevas. No puedo evitarlo. No se vende un solo disco, pero no puedo contener las ganas de crear".
"La edad la tengo, pero yo no quiero morir. Soy joven", señala con fuerza después, consultado por cómo se ha sentido en sus últimas presentaciones. Y es que hace algunos años, el artista se vio forzado a despedirse de los escenarios por problemas en el nervio ciático, para volver cuatro meses más tarde: "Subía al escenario y sufría. Me tenía que sentar, no podía cantar bien. Estaba con muchísimo dolor. Pero el doctor después me dijo que solo había que hacer una operación, esperar la recuperación y listo".
"Pedí perdón, porque me apresuré en decir que me retiraba. Ahora sí, nunca más lo voy a decir. Se los comunicará Dios cuando sea el momento", dice antes de lanzar una carcajada.
Por ahora, Dyango se muestra tranquilo y confiado de sus capacidades, pero tampoco se olvida de agradecer a su público el apoyo que le ha brindado a lo largo de los años. "Lo más valioso para un cantante es tener gente que le sea fiel. No puedo ni pienso defraudarles en ningún sentido de la vida", afirma.
La invitación a su próximo espectáculo en Chile tampoco tarda en llegar: "Esto será para románticos de tomo y lomo. La gente a la que le guste mucho el reggaeton y el rock and roll, que se quede en casa".
El cantante barcelonés, que se presentará en el Gran Arena Monticello el próximo sábado, está celebrando sus 50 años de carrera.
Por Patricio Zenklussen Franco
El catalán atiende el teléfono con tono amable y, antes de pasar a hablar de música, cumple con su ya clásico ritual de cada vez que lo llaman desde Chile: "Vi un partido de la 'U' hace unos días, contra Cruzeiro en Copa Libertadores". Y es que uno de los lazos más fuertes que tiene Dyango con el país es el que mantiene con el club Universidad de Chile, cuya hinchada adoptó una versión de su canción "Corazón mágico" como uno de sus cantos de aliento.
"El tema ya no se llama así, ahora es 'Al león yo lo llevo en el corazón'", dice entre risas antes de largarse a hablar del desempeño agridulce de la temporada del Barcelona y de sus predicciones para la selección de España en el Mundial de Rusia.
Pero Dyango, que se presentará en la Gran Arena Monticello el próximo sábado con su gira "50 años de amor", no solo ha estado dedicado al futbol, sino también a disfrutar de su familia.
Su nieto, Izan Llunas, participa en la serie biográfica "Luis Miguel", donde interpreta al pequeño Luismi, personaje al que conoció hace años y con quien mantuvo una buena relación: "He sido muy amigo suyo. Cuando era pequeño siempre estábamos juntos, porque éramos de la misma compañía y teníamos el mismo representante. Había mucha afinidad con el nene", dice el cantante.
"La noticia me hizo mucha ilusión, especialmente por poder ver que mi nieto tiene las mismas ansiedades que tuvieron su abuelo y su padre, Marcos. Lo he escuchado y tiene un don para la música y el arte", comenta con evidente orgullo.
Pero de todas las cosas, la música sigue siendo la pasión más grande para el autor de "El primer beso" y "Esa mujer". A sus 78 años, Dyango asegura que no puede dejar de cantar y componer canciones: "Es inevitable ponerse a escribir cosas nuevas. No puedo evitarlo. No se vende un solo disco, pero no puedo contener las ganas de crear".
"La edad la tengo, pero yo no quiero morir. Soy joven", señala con fuerza después, consultado por cómo se ha sentido en sus últimas presentaciones. Y es que hace algunos años, el artista se vio forzado a despedirse de los escenarios por problemas en el nervio ciático, para volver cuatro meses más tarde: "Subía al escenario y sufría. Me tenía que sentar, no podía cantar bien. Estaba con muchísimo dolor. Pero el doctor después me dijo que solo había que hacer una operación, esperar la recuperación y listo".
"Pedí perdón, porque me apresuré en decir que me retiraba. Ahora sí, nunca más lo voy a decir. Se los comunicará Dios cuando sea el momento", dice antes de lanzar una carcajada.
Por ahora, Dyango se muestra tranquilo y confiado de sus capacidades, pero tampoco se olvida de agradecer a su público el apoyo que le ha brindado a lo largo de los años. "Lo más valioso para un cantante es tener gente que le sea fiel. No puedo ni pienso defraudarles en ningún sentido de la vida", afirma.
La invitación a su próximo espectáculo en Chile tampoco tarda en llegar: "Esto será para románticos de tomo y lomo. La gente a la que le guste mucho el reggaeton y el rock and roll, que se quede en casa".
Mañana: Concierto solidario de Barroco Andino
El director musical y fundador del grupo, Jaime Soto León, está con problemas de salud y se hará un concierto en su ayuda, a las 19:30 horas, en el Centro de Extensión del Colegio Altamira (Calle del Acueducto 2104, Peñalolén). Adhesión: $5.000.
Ricardo Arjona tocará en el Estadio Nacional
El guatemalteco agendó una presentación en el recinto para el 28 de septiembre, además de conciertos en Antofagasta, el 26, y en Concepción el 30 de ese mes. Arjona volverá a Chile en el marco de la gira de su disco "Circo soledad", que ya mostró en 2017 con cinco shows en el Movistar Arena.
Adele celebró con una fiesta inspirada en película "Titanic"
La cantante británica se basó en una de sus películas favoritas para la celebración de sus 30 años. Ella misma compartió ayer a través de su cuenta de Instagram fotos en las que se veía caracterizada como Rose, el personaje que interpretó Kate Winslet en el filme. "Anoche fue la mejor noche de mi vida", escribió.
lunes, mayo 07, 2018
El cuarteto barroco Helios entra en la escena musical
El Mercurio
Integrado por Raúl Orellana, Esperanza Restucci, Luciano Taulis y Camilo Brandi, el conjunto estrena este miércoles una original "Gala Barroca".
Por Romina de la Sotta Donoso
Raúl Orellana es el más reconocido violinista barroco del país. Integra los ensambles Les Carillons y Terra Australis, y es concertino de la Orquesta Barroca Nuevo Mundo. Pero también dedica varios meses al año a giras internacionales, porque es el primer violín del mundialmente famoso Ensemble Artaserse, del contratenor francés Philippe Jaroussky.
Sin embargo, aún tiene energía para un nuevo proyecto musical. Y hace seis años con la soprano Esperanza Restucci, el violista da gamba Luciano Taulis y el clavecinista Camilo Brandi, fundaron Helios, cuarteto de música barroca. "Nos inspiró la idea de un sol que nos guía", dice Raúl Orellana. "Con Luciano y Camilo venimos tocando hace muchos años, entonces tenemos una complicidad muy fina; basta que nos miremos y sabemos qué queremos hacer musicalmente. Y ahora con Esperanza estamos apuntando a la calidad y a ofrecer más que un concierto", agrega.
"Estamos buscando nuevas formas de presentar la música de cámara, haciendo confluir la música, la pintura, la arquitectura, para así hacer vivir el Barroco de forma contemporánea, en un escenario del siglo XXI", explica Esperanza Restucci.
Esta cantante cuenta que después de especializase en lied alemán en Weimar, "en 2012 conocí a Raúl y Luciano, y empecé a meterme en este estilo de manera intuitiva y con clases magistrales". Antes se había dedicado a la música de raíz latinoamericana, el folclor y el pop.
El nuevo espectáculo de Helios se llama "Gala Barroca" y lo presentarán este miércoles, en el Teatro Nescafé (Manuel Montt 032, 20:30 horas, desde $6 mil).
La propuesta escénica de Liú Marino se traducirá en una atmósfera que tiene como eje central la pintura "La fiesta de Yaksha", de Guillermo Lorca. "Vamos a estrenar ese cuadro que nunca ha salido del taller, con una impresión gigante, de 5 metros por 9. El lenguaje de Guillermo está muy vinculado con el Barroco, por el concepto del claroscuro y porque ilumina de derecha a izquierda, algo que es muy rembrandtiano", asegura Restucci, y revela que el vestido que ella usará, que fue diseñado por Lupe Gajardo, se inspira también en Lorca.
Eligieron repertorio de los siglos XVII y XVIII; obras de Vivaldi, Haendel y Caldara, y sumarán dos violines, una viola y un contrabajo invitados. "Este programa se centra en Vivaldi y está dividido en obras para violín y orquesta, y arias para soprano, la mayoría de las cuales se inspiran en la mitología griega, donde es muy importante el vínculo que quiere establecer un ser terrenal con un ser superior", dice Restucci.
Orellana reconoce que no es común en la escena local que la voz de un conjunto barroco sea femenina, pero que es históricamente correcto: "Antes, las partes altas de la música la interpretaban sopranistas hombres o niños, pero la Contrarreforma, que fue el artífice del Barroco, permitió que las mujeres cantaran en la iglesia".
Y así fue, cuenta, que en las partituras del primer Barroco donde se indica "soprano" crecen las alternativas: "Puedes tocarlo en violín, cornetto o flauta dulce, pero también puede ser un niño, un castrado o una mujer, igual como donde dice 'bajo' puedes usar violonchelo, trombón o viola baja. Lo importante es que la instrumentación que elijas sea armónica y estilísticamente correcto, que no falte nada", cierra el violinista.
Integrado por Raúl Orellana, Esperanza Restucci, Luciano Taulis y Camilo Brandi, el conjunto estrena este miércoles una original "Gala Barroca".
Por Romina de la Sotta Donoso
Raúl Orellana es el más reconocido violinista barroco del país. Integra los ensambles Les Carillons y Terra Australis, y es concertino de la Orquesta Barroca Nuevo Mundo. Pero también dedica varios meses al año a giras internacionales, porque es el primer violín del mundialmente famoso Ensemble Artaserse, del contratenor francés Philippe Jaroussky.
Sin embargo, aún tiene energía para un nuevo proyecto musical. Y hace seis años con la soprano Esperanza Restucci, el violista da gamba Luciano Taulis y el clavecinista Camilo Brandi, fundaron Helios, cuarteto de música barroca. "Nos inspiró la idea de un sol que nos guía", dice Raúl Orellana. "Con Luciano y Camilo venimos tocando hace muchos años, entonces tenemos una complicidad muy fina; basta que nos miremos y sabemos qué queremos hacer musicalmente. Y ahora con Esperanza estamos apuntando a la calidad y a ofrecer más que un concierto", agrega.
"Estamos buscando nuevas formas de presentar la música de cámara, haciendo confluir la música, la pintura, la arquitectura, para así hacer vivir el Barroco de forma contemporánea, en un escenario del siglo XXI", explica Esperanza Restucci.
Esta cantante cuenta que después de especializase en lied alemán en Weimar, "en 2012 conocí a Raúl y Luciano, y empecé a meterme en este estilo de manera intuitiva y con clases magistrales". Antes se había dedicado a la música de raíz latinoamericana, el folclor y el pop.
El nuevo espectáculo de Helios se llama "Gala Barroca" y lo presentarán este miércoles, en el Teatro Nescafé (Manuel Montt 032, 20:30 horas, desde $6 mil).
La propuesta escénica de Liú Marino se traducirá en una atmósfera que tiene como eje central la pintura "La fiesta de Yaksha", de Guillermo Lorca. "Vamos a estrenar ese cuadro que nunca ha salido del taller, con una impresión gigante, de 5 metros por 9. El lenguaje de Guillermo está muy vinculado con el Barroco, por el concepto del claroscuro y porque ilumina de derecha a izquierda, algo que es muy rembrandtiano", asegura Restucci, y revela que el vestido que ella usará, que fue diseñado por Lupe Gajardo, se inspira también en Lorca.
Eligieron repertorio de los siglos XVII y XVIII; obras de Vivaldi, Haendel y Caldara, y sumarán dos violines, una viola y un contrabajo invitados. "Este programa se centra en Vivaldi y está dividido en obras para violín y orquesta, y arias para soprano, la mayoría de las cuales se inspiran en la mitología griega, donde es muy importante el vínculo que quiere establecer un ser terrenal con un ser superior", dice Restucci.
Orellana reconoce que no es común en la escena local que la voz de un conjunto barroco sea femenina, pero que es históricamente correcto: "Antes, las partes altas de la música la interpretaban sopranistas hombres o niños, pero la Contrarreforma, que fue el artífice del Barroco, permitió que las mujeres cantaran en la iglesia".
Y así fue, cuenta, que en las partituras del primer Barroco donde se indica "soprano" crecen las alternativas: "Puedes tocarlo en violín, cornetto o flauta dulce, pero también puede ser un niño, un castrado o una mujer, igual como donde dice 'bajo' puedes usar violonchelo, trombón o viola baja. Lo importante es que la instrumentación que elijas sea armónica y estilísticamente correcto, que no falte nada", cierra el violinista.
Documental sobre Liam Gallagher se estrenará en Cannes
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