El Mercurio
Premio nacional de Arte 1998.Fue una reconocida impulsora de la música chilena para piano y para canto y piano. Desde 2010 su salud se había deteriorado.
I.D. / M.L.
La niña de cinco años Elvira Savi tuvo que tocar el piano de pie, porque su estatura no le alcanzaba para llegar a los pedales del instrumento. Esa tarde de 1925, ante un asombrado público, interpretó la Sonatina en Fa mayor de Beethoven. Y ese concierto quedó registrado como el punto de partida de una larga carrera musical, primero como concertista y luego como profesora y académica de la Universidad de Chile, en donde trabajó más de 60 años.
Ayer por la tarde, a los 93 años, Elvira Savi falleció. Su salud se había deteriorado desde junio de 2010, cuando sufrió un accidente vascular encefálico. Desde entonces permanecía al cuidado de su familia. Sus restos están siendo velados en la iglesia Jesús Nazareno (Manuel Montt 797), y hoy a las 14:00 horas se celebrará una misa para su último adiós, en el Parque del Recuerdo.
"Siento una gran admiración hacia ella como persona, como artista y como difusora de la música chilena. Sus versiones de las obras de Alfonso Leng son realmente magistrales, y llevaron a este compositor a la categoría de músico universal", dice Miguel Letelier, premio nacional de Música 2008.
Diez años antes, la propia Elvira Savi había obtenido el Premio Nacional, y en 1983 se convirtió en la primera mujer en integrar la Academia Chilena de Bellas Artes como miembro de número.
"Es una pérdida irreparable, en primer lugar, por su valor como solista, pero también gracias a toda su valiosa labor que realizó en el ámbito del lied y la música de cámara. Aprovechó todos los medios de comunicación masiva, la radio y la TV, y estrenó una cantidad impresionante de música chilena", dice el musicólogo Luis Merino.
En efecto, una de sus más reconocidas y destacadas labores musicales fue la difusión de la obra de los compositores chilenos. El sello SVR enlista una importante serie de grabaciones de autores como Carlos Botto, Carlos Riesco, Federico Heinlein y Domingo Santa Cruz, entre otros.
En 1989, por ejemplo, realizó una retrospectiva para piano, ejecutando 60 obras, y en 1992 participó en la investigación, recopilación y difusión de un repertorio de 90 obras para canto y piano, también de nombres nacionales. Allí trabajó con la soprano Patricia Vásquez.
"Tuve una relación muy cercana con Elvira por 20 años. El último concierto de su vida, porque ella se retiró voluntariamente en 2005, lo dimos juntas en el Salón de Honor de la UMCE", recuerda la académica.
domingo, noviembre 17, 2013
La rápida partida de la Biblioteca Pública Digital
El Mercurio
La plataforma que permite descargar gratis cuatro mil títulos ya superó las 15 mil visitas.
Romina de la Sotta Donoso
"Cuando comenzamos con este proyecto, hace tres años, las experiencias de bibliotecas públicas digitales que había eran en ciudades como Nueva York, Chicago y Singapur. Pero ninguna a nivel nacional. Y podías encontrar un libro digital de Isabel Allende, Vargas Llosa o Bolaño, pero sólo en inglés. Recién hace dos años algunas editoriales empezaron a hacer una apuesta fuerte en español", dice Gonzalo Oyarzún, subdirector de Bibliotecas Públicas de la Dibam.
Ahora, y tras una inversión de casi $ 66 millones, debutó la Biblioteca Pública Digital (BPD). Ya cuenta con cuatro mil títulos, y desde su marcha blanca, en septiembre, han superado las 15 mil visitas.
"Este no es un proyecto de tecnología, sino de acceso. Sin importar dónde vivas, puedes leer los últimos libros que se están publicando, y encontrarte con ese autor que siempre te ha gustado. Se requiere una conexión a internet sólo por el momento en que se efectúa el préstamo. Y ese libro que bajas, lo tienes en tu dispositivo por 15 días, renovable por una semana", agrega.
Los volúmenes se pueden leer en computador, tabletas, readers y teléfonos inteligentes.
"Partimos con una diversidad muy grande, con bastantes textos tipo universitario y con mucha literatura. Están Dostoievsky, Unamuno, Kafka y Poe. Y desde el Marqués de Sade, Gioconda Belli, Rosa Montero y Poli Délano, hasta César Vallejo y José Martí", detalla.
El 20% de todos los títulos son chilenos. "Queremos que los autores locales se acerquen para darles visibilidad a nivel nacional. Nosotros digitalizamos su libro, y ellos se quedan con un formato digital que pueden comercializar", anuncia.
La plataforma fue desarrollada según los requerimientos del Sistema Nacional de Bibliotecas Públicas, según explica su coordinadora, Florencia García: "Implementamos muchos mecanismos tecnológicos e informáticos para que la plataforma nos diera la mayor autonomía posible en cuanto a los parámetros de circulación y préstamo que necesitamos".
Anuncia que los dos millones de usuarios inscritos en las bibliotecas públicas de la Dibam ya tienen acceso al sistema: "Basta con que el usuario vaya a cualquiera de las 450 bibliotecas Dibam y pida su clave. Este es un proyecto país, nacional y democrático. El programa de lectura digital -Adobe o Bluefire- se puede bajar gratis en www.bpdigital.cl, y la descarga de un libro demora, máximo, 30 segundos".
Los cinco más prestados
1."Todos los cuentos"
Gabriel García Márquez
2. "Ficciones detrás del espejo"
Lilia Hernández Vergara
3. "Tres lotos en un mar de fuego"
Camila Reimers
4. "Metodología de la enseñanza de la Historia"
Fabián Rodrigo Araya Palacios
5. "Baba"
Armando Uribe
La plataforma que permite descargar gratis cuatro mil títulos ya superó las 15 mil visitas.
Romina de la Sotta Donoso
"Cuando comenzamos con este proyecto, hace tres años, las experiencias de bibliotecas públicas digitales que había eran en ciudades como Nueva York, Chicago y Singapur. Pero ninguna a nivel nacional. Y podías encontrar un libro digital de Isabel Allende, Vargas Llosa o Bolaño, pero sólo en inglés. Recién hace dos años algunas editoriales empezaron a hacer una apuesta fuerte en español", dice Gonzalo Oyarzún, subdirector de Bibliotecas Públicas de la Dibam.
Ahora, y tras una inversión de casi $ 66 millones, debutó la Biblioteca Pública Digital (BPD). Ya cuenta con cuatro mil títulos, y desde su marcha blanca, en septiembre, han superado las 15 mil visitas.
"Este no es un proyecto de tecnología, sino de acceso. Sin importar dónde vivas, puedes leer los últimos libros que se están publicando, y encontrarte con ese autor que siempre te ha gustado. Se requiere una conexión a internet sólo por el momento en que se efectúa el préstamo. Y ese libro que bajas, lo tienes en tu dispositivo por 15 días, renovable por una semana", agrega.
Los volúmenes se pueden leer en computador, tabletas, readers y teléfonos inteligentes.
"Partimos con una diversidad muy grande, con bastantes textos tipo universitario y con mucha literatura. Están Dostoievsky, Unamuno, Kafka y Poe. Y desde el Marqués de Sade, Gioconda Belli, Rosa Montero y Poli Délano, hasta César Vallejo y José Martí", detalla.
El 20% de todos los títulos son chilenos. "Queremos que los autores locales se acerquen para darles visibilidad a nivel nacional. Nosotros digitalizamos su libro, y ellos se quedan con un formato digital que pueden comercializar", anuncia.
La plataforma fue desarrollada según los requerimientos del Sistema Nacional de Bibliotecas Públicas, según explica su coordinadora, Florencia García: "Implementamos muchos mecanismos tecnológicos e informáticos para que la plataforma nos diera la mayor autonomía posible en cuanto a los parámetros de circulación y préstamo que necesitamos".
Anuncia que los dos millones de usuarios inscritos en las bibliotecas públicas de la Dibam ya tienen acceso al sistema: "Basta con que el usuario vaya a cualquiera de las 450 bibliotecas Dibam y pida su clave. Este es un proyecto país, nacional y democrático. El programa de lectura digital -Adobe o Bluefire- se puede bajar gratis en www.bpdigital.cl, y la descarga de un libro demora, máximo, 30 segundos".
Los cinco más prestados
1."Todos los cuentos"
Gabriel García Márquez
2. "Ficciones detrás del espejo"
Lilia Hernández Vergara
3. "Tres lotos en un mar de fuego"
Camila Reimers
4. "Metodología de la enseñanza de la Historia"
Fabián Rodrigo Araya Palacios
5. "Baba"
Armando Uribe
Músicos que saltan de género: del rock a las orquestas y del pop a la ópera
Mike Patton, Freddie Mercury y James Brown son algunos de los artistas que han cruzado el umbral a lo clásico, con dispares resultados.
Andrés Panes
La inminente colaboración de Mike Patton con Ennio Morricone durante el concierto que darán juntos en Chile el 24 de noviembre basa su atractivo en el contraste entre ambos músicos. El líder de Faith No More, aunque se ha desviado en varias ocasiones de las sonoridades duras, siempre será visto como un vigoroso rockero, y por eso es tan llamativo que se una al prestigioso compositor y director de orquesta italiano, cuyo material versionó a bordo del proyecto Mondo Cane.
Freddie Mercury, otro vocalista elogiado por sus cualidades operáticas, también sentía una poderosa atracción por saber qué había más allá de su nave madre. Soñaba grabar con una cantante de ópera, y en 1988 concretó el anhelo editando el disco "Barcelona" a dúo con Montserrat Caballé. Fue su último lanzamiento en vida, aunque la prensa lo consideró en su momento demasiado clásico para los fanáticos de Queen y muy simplista para los seguidores de la soprano.
Igual de insatisfactorias han sido las colaboraciones de Los Tres Tenores con figuras del pop. Combinados, los artistas que grabaron o cantaron en vivo con Plácido Domingo, José Carreras y Luciano Pavarotti superan la treintena. Charles Aznavour, Dionne Warwick y Tony Bennet figuran en una lista de aliados célebres que nunca pudieron dar en el tono adecuado. Anfitriones e invitados basaron sus participaciones en la misma fórmula: resaltar el contraste de estilos. En algunos casos, con el de James Brown con Domingo ("It's a man's man's man's world") como ejemplo icónico, la mezcla podía resultar desastrosa.
Lo mejor de aquel ramillete, por su búsqueda de consenso, es el single que dejó Passengers, el supergrupo de U2 con Brian Eno, junto al fallecido Pavarotti. La canción, llamada "Miss Sarajevo", es la favorita de Bono. Fuera de su zona de confort, los implicados sortearon el desafío autoimpuesto con resultados disparejos, pero de mayor valía que una simple contraposición. He ahí la diferencia entre "S&M", el registro en vivo en el que la Orquesta Sinfónica de San Francisco se convierte en empleada de Metallica, y verdaderos intentos de saltar al otro lado.
A esa segunda categoría pertenecen el "Concerto for group and orchestra" manejado por Malcolm Arnold y escrito por Jon Lord, de Deep Purple. También la obra conceptual basada en "Viaje al centro de la tierra", de Julio Verne, que firmó Rick Wakeman, de Yes, acompañado por la Orquesta Sinfónica de Londres y el Coro de Cámara de Inglaterra. O "Radio rewrite", flamante composición del pionero minimalista Steve Reich basada en dos canciones de Radiohead, un grupo cuyo guitarrista, Jonny Greenwood, ha grabado bandas sonoras con los geniales Krzysztof Penderecki y Pierre Boulez.
sábado, noviembre 09, 2013
Benito Cerati "Siempre me sentí como un alien, muy diferente al resto"
Acaba de presentar su álbum debut. Al primero que se lo mostró fue a su padre, en coma hace más de tres años. Aquí habla de él, del tiempo que pasaron juntos y de cómo enfrenta el tema de la muerte.
Estela Cabezas, desde Buenos Aires
Se parece mucho a su padre: 1.86 de estatura -tres centímetros más que él-, ojos verdes, pelo negro, nariz alargada y fina. Paso firme. Igual de estiloso.
Mil veces le han dicho a Benito cuánto se parece a Gustavo Cerati, ex líder de Soda Stereo.
Benito siempre lo ha recibido como un halago.
-Él está presente en todo. Me dio tanto, que creo que todo lo que soy, mi música, todo es parte de él -dice.
Porque desde que era niño y soñaba con convertirse en músico y tener su propia banda, hasta ahora ?a punto de cumplir los 20 años?, cuando acaba de presentar Trip tour, su disco debut, la imagen de su padre lo ha estado acompañando.
Incluso hoy, que Gustavo Cerati se encuentra en un largo y profundo sueño y que no le puede responder.
-Es jodido, porque estás todos los días esperando a ver qué pasa, no es que se termina, no es que sufrís un tiempito y después te hacés la idea. Todos los días puede pasar algo y uno espera y espera. Pero nada, aprendí a convivir con eso, para mí también es un estado de vida. Es vida. Mi familia suele ser mucho más positiva, dicen "va a despertar". Pero yo creo que tiene que pasar lo que tiene que pasar. Creo que la vida te lleva solo. Si pasó esto, fue por algo, no estoy esperando que suceda lo imposible o lo que deseo. Sí, deseo cosas, todo el mundo desea cosas, pero creo que la realidad va más allá. Lo que tenga que pasar, que pase. Aunque obviamente uno siempre espera lo mejor.
Es mediodía de un martes de fines de octubre. Sentado en un café en Palermo Hollywood, vestido de negro entero, cansado por el concierto que dio la noche anterior con su grupo, Zero Kill, Benito Cerati habla de la nueva etapa que comienza y que lo tiene saliendo de un pequeño infierno. Aunque ha explicado que no es solo por lo que le ocurrió a su padre, quien en mayo de 2010 sufrió un accidente cardiovascular que lo tiene actualmente postrado y en estado de coma, este disco -17 canciones escritas y musicalizadas por él, que alternan conceptos como luz, oscuridad, cordura, paranoia y tranquilidad- es un buen reflejo de lo que le ha tocado vivir en los últimos años.
-Escribí las canciones, en su mayoría, entre los 14 y los 16 años. En esa época yo era bastante tranquilo. En un punto, muy sumiso. Con el tiempo aprendí a ser yo, pero lo sufrí mucho. Tenía muy poca autoestima, como que me decían una cosa mala y yo sentía que era el fin del mundo, ¿viste? Me duró mucho tiempo y tuve que hacer mucho para salir de ahí. Y creo que el disco, básicamente, fue lo que me salvó, fue plasmar todo ahí y sacarse el peso -dice mientras come un sándwich y toma un jugo en un café, a pocas cuadras de la sede de Sony Music, el sello que hoy lo alberga.
-Estoy convencido de que todo eso que todo que me ha tocado vivir va a traer cosas positivas. Creo que el sufrimiento genera fortaleza para próximos desafíos -dice.
Benito Cerati nunca ha tenido una vida tan normal. Desde que estaba en la barriga de su mamá, la modelo chilena Cecilia Amenábar, y apareció en el videoclip de "Te llevo para que me lleves" -que incluye los latidos de su corazón al final de la canción- hasta hoy, que genera más atención mediática que la de un simple debutante solo por llevar el apellido Cerati, su vida ha sido distinta.
-Recuerdo que mis cumpleaños eran diferente. Generalmente yo hacía un show con maquinitas y todo. Tenía siete años y mis amigos lo mismo, entonces mientras yo cantaba, la mayoría estaba atrás, jugando a la pelota. Había algunos que miraban, eran más que todo chicas.
Nunca jugó fútbol, no le gustaba, y tampoco era bueno para lo físico. Eso lo hizo, por períodos, víctima de bullying.
-Tenía mis amigos, pero también había otros que estaban celosos, que no les gustaba mi posición. No era muy bueno en los deportes, así que los pibes no me entendían. Es duro para un chico cuando no conecta con eso.
Tampoco encajaba en lo musical. Escuchaba la música de sus papás: Primal Scream, Velvet Underground.
-Iba al colegio con esa música y decía "mirá esta canción" y me la tiraban por la cabeza. Siempre me sentí como un alien, muy diferente al resto. Era más sensible y por ahí descolocaba a algunos. Me costó, esa parte nunca la supe manejar bien.
Gustavo Cerati y Cecilia Amenábar se separaron cuando Benito tenía siete años. Él y su hermana Lisa (dos años menor) se quedaron viviendo con su mamá en Buenos Aires.
-Pero a mí me gustaba mucho pasar tiempo con mi papá, era como la hora mágica de la semana. Con él podía expresar mi arte fluidamente, sentía que los dos conectábamos.
No tiene recuerdos de la separación.
-Yo estaba en otra, me fui en un globito para arriba. Ahora que lo pienso, creo que para mí siempre fueron como separados. Tengo una relación distinta con cada uno, con uno soy una persona y con el otro, otra.
Con su padre tenía más cosas en común, dice, mientras que con su mamá la relación era más conflictiva, más de madre e hijo.
Su adolescencia fue de rebeldía. Dice que su familia era más conservadora de lo que él hubiera querido.
?Sobre todo del lado de mi mamá que son más arquetipo, con reglas, más tradicionales. En cambio con la de acá es más relajado, "bueno, cuidáte, hacé lo que querás, pero cuidáte", me dicen.
En busca de esa independencia es que desde hace un año dejó la casa materna.
-Vivo con mi tía en este momento, por una necesidad de despegarme y buscar mi lugar propio. No me fui a vivir solo porque siento que en algunas cosas no estoy preparado todavía, quiero primero estar con un apoyo un poco más mínimo, pero apoyo igual. Que no sea un padre, pero que tampoco sea nadie.
Benito Cerati cumplirá 20 años el 26 de noviembre y dice que desde siempre supo que iba a ser músico. Era algo tan natural como ese teclado que tocaba a los cinco años, o los discos inconclusos que tiene apilados en su computador y que fue llenando viaje a viaje.
-¿Nunca sentiste temor de que te compararan con tu papá?
-No, porque con mi papá yo nunca me comparé, para mí fue como un complemento.
-¿Tenías esa imagen de que tu papá era un genio de la música?
-Cuando sos chico obviamente nadie es tan groso como tus padres. En este caso yo escuchaba mucho "nadie es tan groso como tu papá". Pero creo que tenemos una misma meta, digamos, en cuanto a la música, la disfrutamos lo mismo y creo que... escuchábamos siempre la misma música, tenemos las mismas influencias, pero creo que yo voy por otro lado.
-¿Qué los diferencia?
-Yo experimento muchísimo, no me preocupan tanto las reglas estereotipadas, ahí él se tenía que preocupar de cómo lo escuchaban, porque tenía más fans acumulados. Yo soy más "lo que sale, sale", así se va construyendo algo y lo dejo ser, no estoy tan presionado.
-¿Sientes el peso de ser un Cerati?
-No, para nada. Para mí es un apellido nuevo. Como que mi Cerati es un Cerati nuevo. Solo son las mismas letras.
-Pero las expectativas que hay sobre ti son mayores, por ser hijo de quien eres.
-Por eso te digo: no soy mi apellido, soy mi nombre. Pero no me gusta mi nombre. Cuando era chico decía que tenía otro nombre, tenía un complejo, lo tengo todavía. Era como llamarme Adolf. Benito tiene todo un contexto histórico, por Mussolini. Por suerte que existen los pseudónimos. El mío es Beni.
"Es que no me pueden retar si me dicen 'Benito', siempre es lindo, siempre es un diminutivo. Yo tengo la teoría de que me vieron de un centímetro y era una cosita chiquitita y "¡ay que lindo!, lo vamos a llamar como un perro, Benito", y así quedó, jamás pensaron que iba a crecer -dice en broma.
Su debut en un escenario profesional fue en 2011 vestido con un traje de su padre. Fue en la presentación de Pacific!, una banda sueca de la que Gustavo Cerati era fanático.
-Mi papá y Leonora, que era su novia, me pusieron ese disco y yo lo escuchaba y sabía que era bueno, quedé maravillado. Repetíamos todos los temas, nos encantaban. Era el disco del año.
En septiembre de 2012 debutó en Chile con su anterior banda, Blanck Tiger. Lo hizo en el Bar Loreto, en Bellavista. Las críticas fueron desfavorables.
-Sí, yo no entendía por qué pasaba esto. Ahora me veo atrás y entiendo: no estaba preparado, no estaba listo para viajar a Chile. Una de las críticas decía que todos esperaban que tocara un tema de Soda Stereo, pero, ¿por qué? Si quieren escuchar un tema de Soda Stereo lo siento mucho, no lo van a encontrar. Antes era "bueno, lo voy a intentar", ahora digo "no vengas. Para eso hay bandas tributo". Quizás en algún momento, cuando quiera rendirle un homenaje, pero tiene que salir de mí.
A mediados de octubre se presentó en el Personal Fest en Buenos Aires, en un programa que tenía como cabeza de cartel a Aerosmith, Jane's Adiction y Muse. Él estaba en la lista de debutantes.
El estreno no estuvo mal. La revista Rolling Stone lo destacó entre lo mejor del festival.
-¿Y por qué se atrasó tanto tu disco?
-Porque yo no estaba listo, necesitaba madurar un montón de cosas, mi voz, los gallitos, la desafinación, el cuerpo. Por eso se tomó su tiempo, y en un momento paré todo y volví más tarde y regrabé las voces, yo podría haber grabado porque mi voz está mejor y me afianzo cada vez más, pero en un momento dije "basta". Y me lancé.
Benito entró este año a estudiar Antropología en la Universidad de Buenos Aires. Dice que no sabe cómo se dio, que simplemente necesitaba crecer, conocer cosas nuevas, salir de ese mundo protegido, de colegio particular, en el que siempre había estado.
-Sentía que estaba muy encerrado, viviendo en una burbujita, y quería romper con eso y expandirme.
Empezar a caminar, empezar a hacer cosas, dejar de estar tan resguardado y la universidad fue un "¡pum!" para arriba, un empuje. En pocos meses me transformó, me hizo otra persona, impagable el poder compartir con gente de diferentes lugares. Creo que es una de las mejores cosas que me ha pasado en la vida.
Está en el ciclo básico que dura un año. Tiene clases todos los días de la semana en la tarde y hasta hoy ha aprobado todo.
-¿Por qué no preferiste estudiar música?
-Siento que lo que más me hace volar en la música son mis propias reglas. Tengo noción de lo que va y lo que no, eso ya es suficiente. Tengo noción del ritmo, de la disonancia, de qué notas son lindas, qué notas son feas, creo que eso es lo que hace falta porque cuando estudias música te meten que tiene que ser así y tiene que ser así. Para mí no, para mí podés poner unas aspiradoras y si suena bien da lo mismo, ¿qué importa si no es una nota?
En la UBA nadie le ha preguntado si es hijo de Gustavo Cerati, no sabe si es por desconocimiento o porque no les importa. Ser un hijo de vecino más, es algo que lo ha marcado fuerte.
-Las personas a las que más cercano me siento hoy, son de ahí. Del colegio tengo amigos, pero...
-Ahí no te sientes tan bicho raro.
-¡Sí! Es un cambio muy fuerte en mi vida. Creo que por estar en un colegio privado me perdí muchas cosas, te quita mucha calle. Creo en la educación pública, porque es una experiencia grosa para la vida.
-¿Qué influencias de tu papá hay en ti?
-Muchas cosas. A veces me encuentro diciendo lo mismo que ha dicho mi papá. Creo que les pasa a todos los hijos. Hay cosas que no quiero y que a uno le quedan porque sí, y hay cosas en las que agradezco pensar igual.
En los últimos discos de Gustavo Cerati, Benito participó en las composiciones: aparece como coautor de "Adiós", del disco Ahí vamos y en "Fuerza Natural", "Desastre", "Rapto" y "Sal", del disco Fuerza Natural.
-¿Cómo fue componer juntos?
-Hay mucha sintonía. En el sentido musical absorbí un montón de él. Hay cosas que por ahí, como que a él le gustaba The Police y a mí todavía no me enganchaba tanto, o Queen.
-¿Discutían de música?
-Generalmente me mostraba cosas y yo quedaba maravillado. El traía discos de sus viajes y yo quedaba fascinado.
-¿Ese era el tiempo que pasaban juntos?
-Sí, era una buena relación. Después, bueno, las vacaciones. Pero en cuanto a composición, era pura sintonía, era "pongamos esto acá" y yo decía "sí, estaba pensando lo mismo".
-¿Tu papá era divertido?
-Híper, nos reíamos todo el tiempo.
El último trabajo que hicieron juntos fue un disco tributo a Michael Jackson.
-Hice 12 canciones de él, obviamente con mi voz, y mi papá me ayudó mucho con los falsetes. Él producía todo, mezclaba todo, armaba los sonidos, grabó guitarras, todo en el disco.
Gustavo Cerati se llevó con él el disco tributo a Michael Jackson a la gira en Venezuela, donde el 15 de mayo de 2010 sufrió el accidente cardiovascular.
-Él se había llevado el disco de Michael para terminarlo y bueno, no se pudo concretar por lo que paso. Después de la gira se iba a meter con los auriculares y empezar a mezclar ese disco. Como no se pudo concretar, después lo hice yo. Me intriga saber a qué llegó. Bueno, ya se podrá en algún momento.
-Para Trip tour, el disco que acabas de lanzar, ¿te hizo falta él?
-No, no. Él está presente en todo. A veces me encuentro copiando técnicas de él o cosas que me quedan remembrando de canciones de él y quiero aplicarlas a las mías. De repente escucho una canción y digo "¿me prestas esto?".
Gustavo Cerati fue uno de los primeros que escucharon Trip tour. Benito se lo fue a mostrar a penas lo tuvo terminado, en una sesión que incluyó a buena parte de su familia.
-¿Cómo has logrado establecer esa relación que te permite ir a mostrarle tus trabajos si él no responde?
-Sí, es otra forma de comunicarse con él y me parece normal. No me contesta siempre, pero yo hablo. Es algo que uno tiene que aprender a afrontar. Por ahí, aceptar que las cosas son porque son y que si tienen que ser así, tienen que ser así. En un punto hay que madurar, no puedes pensar que todo va a ser utópicamente como vos querés, porque la vida no es así.
-¿Qué relación tienes tú con la muerte?
-A veces, cuando estoy quedándome dormido y empiezo a pensar "en algún momento voy a estar en un cajón encerrado y no voy a poder abrir los ojos nunca más", mi reacción es "¡nooo!". Ahora ya casi no me pasa, pero cuando era chico le tenía terror, era como "se va a terminar todo, fin". Porque no soy muy creyente, no soy de ir al cielo, para mí el cuerpo es un organismo que se pudre y se descompone.
Agradezco mucho a la gente que manda vírgenes y cartitas (a su padre) porque es positivo, es energía positiva. Pero me cuesta creer que un rezo va a salvar a alguien, no termino de captarlo.
-¿Cómo ha sido enfrentar la enfermedad de tu padre?
-A veces pienso que si hubiese pasado algo terrible, si se hubiera incendiado, no sé si lo hubiera superado. Para mí ha sido algo gradual. Primero era "la semana que viene va a estar mejor", después "no, al año", ahora es "no se sabe". Entonces fui entrando de a poquito en lo que pasó. Aprendí a desligarme de mi padre también. Yo era muy de seguir atrás de papá todo el tiempo. Y cuando mi papá se puso así, sentí que me faltaba un sostén y pasé un año entero en cama, con una especie de depresión. Pero después lo superé y todo eso quedó plasmado en el disco. Uno se da cuenta con las letras también.
"Total. Está bueno, creo que va a ser positivo en mi futuro, sirve de experiencia y para lidiar con las cosas en el futuro, me tocó tener que vivir estas cosas temprano, a otros les toca después o antes. O nunca. He visto a muchas personas que tienen problemas parecidos. Y creo que lo mejor es rodearte de gente que te entienda y que te apoye, porque de esa manera puedes afrontar. A esa gente hay que aferrarse en estos momentos".
-¿Sientes que encontraste esto en la nueva vida que estás viviendo?
-Es totalmente otra cosa y me siento yo, por primera vez en mi vida. Ya no hay una barrera alrededor mío.
-¿Estás menos protegido hoy?
-Sí. Por eso te digo, con el disco fue "¡pum!", abrir las puertas y por ahí obnubilarme un poco, pero cuando sales a la luz después de tanta oscuridad, primero no ves nada, pero de a poquito se va esclareciendo y ves un paisaje hermoso. Así estoy ahora, quiero pasarlo bien, hacer un tour. Quiero disfrutar.
Cine y música popular lideran en consumo de espectáculos
Según el "Informe anual de cultura y tiempo libre 2012", que hoy publica el INE, los espectadores a recitales aumentaron un 14,1%, mientras que el público que llegó a salas de cine creció un 16,2% sobre las cifras de 2011.
Equipos de Espectáculos y Cultura
El año pasado se alzó como un escenario próspero para los espectáculos en la escena local. Disciplinas como la música, el cine, el teatro y otras artes escénicas aumentaron su producción y también lograron captar la atención del público. Según el "Informe anual de cultura y tiempo libre 2012" que realiza el Instituto Nacional de Estadística -y que se da a conocer hoy-, un total de 6.504.760 espectadores fueron a shows pagados y gratuitos (sin contabilizar el cine). El crecimiento es de 6,6% respecto de 2011, que alcanzó un público total de 6.099.952.
Entre las áreas favoritas de los espectadores están los conciertos de música popular, que tuvo 2.903.419 espectadores, y el teatro, con 1.116.125 asistentes en la temporada pasada. Efectivamente, son las tablas las que producen la mayor tajada de funciones: el 38,2% de un total de 18.907, y que incluye teatro infantil, conciertos y circo, entre otros.
Los recitales de música popular siguen concentrando la mayor cantidad de asistentes entre los espectáculos en vivo; si en 2010 y 2011 se realizaron un promedio de 2.900 eventos cada año, en 2012 se aumentó a 3.310 conciertos. Esta crecida implica una cantidad de 1.895.386 asistentes, cifra que por sí sola equivale a más de la mitad del público total que asistió a espectáculos pagados en 2012 (3.225.409). Los más destacados fueron Roger Waters, quien congregó a casi 100 mil personas con su doble velada en el Estadio Nacional, y Ricardo Arjona, que abultó las cifras llenando seis veces el Movistar Arena.
Otro rubro que demostró un sorprendente crecimiento es la venta de discos en sus diferentes formatos. Casi un millón de unidades más de material discográfico se vendieron en 2012 en relación a los dos años anteriores. Dos hitos de venta marcaron los fenómenos juveniles de Justin Bieber y One Direction, quienes despacharon en Chile más de 30 mil copias con cada uno de sus lanzamientos -"Believe" y "Take me home", respectivamente-.
El próspero mundo audiovisual
Según el informe, en 2012 el número de espectadores de cine creció un 16,2% respecto del año anterior, con más de 20 millones de entradas vendidas. Más impresionante aún es que la asistencia del cine chileno creció un 173,5% en comparación con 2011, pasando a tener una participación de un 5,3% a un 12,4% en el total. Tal aumento tiene que ver con un factor que tiene nombre y apellido: Stefan Kramer.
La primera película del imitador, vista por 2.086.614 espectadores, no solo se convirtió en la cinta chilena más taquillera de la historia, sino que también ocupó la cima de la taquilla general, superando al mismísimo Hollywood. De hecho, antes de que "Stefan vs. Kramer" se estrenara, la película más vista fue, por cerca de tres meses, "La era del hielo 4".
A mucha distancia se ubicaron filmes nacionales como "Qué pena tu familia" y la nominada al Oscar "No". Este año, la taquilla local no ha arrojado un fenómeno similar. De hecho, el fin de semana pasado, la debutante comedia "El derechazo" fue vista solo por 52.280 personas. "El ciudadano Kramer", la nueva película del imitador, tiene fecha de estreno para el 5 de diciembre.
En televisión abierta se ha mantenido una tendencia desde 2009: la programación local ha experimentado una baja respecto de la extranjera. Si en 2009 los espacios de producción propia representaban un 61,2% del total de la parrilla programática de las señales de libre recepción, en 2012 esa cifra bajó a 59,5%. El 40,5% de la oferta restante, correspondió a programación extranjera, principalmente películas, teleseries, series y miniseries.
De las 32.593 horas de programación local que emitieron los canales el año pasado, los misceláneos ocuparon el 16,7% de la programación, seguidos por los informativos (16,3%); las series y miniseries (16,3%); los programas de conversación (13,4%), y las telenovelas (10,3%), entre otros. Espacios de concursos como "Vértigo", "Apuesto por ti" y "Talento chileno" ocuparon más de 9 mil horas de pantalla y la conversación comenzó a imponerse (con más de 7 mil horas) con programas como "Mentiras Verdaderas" (La Red).
El lúdico John Cage, en palabras
Llega a librerías el tercer volumen de la última entrevista que dio uno de los artistas más influyentes del siglo XX.
Romina de la Sotta Donoso
El compositor chileno Sebastián Jatz (1980) sigue explorando la senda abierta por John Cage (1912-1992), uno de los artistas más influyentes del siglo XX, un pionero que introdujo el azar en la música y que cambió los paradigmas en otras disciplinas.
"La obra literaria, musical y visual de Cage son distintas facetas del mismo intelecto", aclara Jatz, responsable de la primera y única traducción al español de la última entrevista que dio el estadounidense. Ahora lanza el tercer volumen, referido a la literatura: "Words. John Cage en conversación con Joan Rettalack" (Ediciones Metales Pesados, 152 páginas, $ 14.600).
El volumen incluye uno de los diez libros de Cage, "Art is Either a Complaint or do Something Else". En él, hace un juego con declaraciones de Jaspers Johns: construye mesósticos. Lo explica Jatz: "Escribe una palabra en sentido vertical y luego, líneas horizontales que pueden coincidir con cualquier letra de esa palabra vertical. Es un juego que se lo enseñó su alumno Jackson Maclow, quien se convertiría en el mayor poeta experimental de Estados Unidos".
"Es una manera de convivir con la obra o pensamiento de otro autor: someterlo a procedimientos azarosos y observar un resultado inaudito, transformando algo en otra cosa", agrega.
Retallack se lo pregunta directamente a Cage en la entrevista: ¿hay alguna pieza que cambió su forma de ver el mundo? Cage no lo duda. "La primera que recuerdo fue muy fuerte. Estaba en una galería mirando las pinturas blancas tempranas de los años 40 de Mark Tobey", dice. Al salir, observó el pavimento: "Y no pude ver la diferencia entre éste y el trabajo de Tobey".
Aunque entonces era muy pobre, quería comprar una de esas pinturas, y lo hizo: "Le pagué cinco dólares por semana por casi dos años. Y sin embargo aprendí de Tobey mismo, y luego de su pintura, que cada lugar al que miras es la misma cosa. No necesitas realmente el Tobey (risas)".
Ahí, apunta Jatz, hay un principio fundamental del pensamiento de Cage: la obra es parte de la realidad. Y por eso Cage habla también sobre cómo este mismo fenómeno se da en el sonido y en el movimiento. Cómo, tras conocer una creación impresionante, nuestra percepción cambia, y vemos las cosas como nunca antes: "La obra de arte, como dijo Duchamp, termina en el observador. Yo creo que es verdad".
Adaptarse o desaparecer: las nuevas costumbres de la golpeada industria discográfica
El Mercurio
Después de llorar por sus pérdidas, los grandes vendedores de música tratan de seguirle la corriente al pulso de la audiencia, e intentan recuperarse cambiando la forma en que promocionan sus productos.
Andrés Panes
20 jóvenes, de 17 años cada uno, participaron en un focus group realizado en las oficinas del sello EMI. A la salida de la sala de conferencias, una mesa llena de discos compactos los esperaba, a modo de agasajo: podían sacar gratis sus favoritos. Pero ninguno quiso llevarse un CD. Moby desclasifica la anécdota en el documental "Presspauseplay", interesante informe sobre la proliferación de contenidos artísticos en internet.
El desenlace de la historia: EMI dejó de existir, sus acciones fueron compradas por Universal y el grupo de los cuatro sellos grandes (integrado además por Warner y Sony) se redujo a tres.
La crisis de la industria discográfica es una noticia en desarrollo. Se analiza desde que Napster surgió en 1999, y con más fuerza luego de que Steve Jobs adaptara ese esquema para fundar iTunes, hace una década. A diario son abordados los efectos que causa el descalabro, aunque todavía es imposible medir con exactitud sus consecuencias. Económicamente, ha sido un desastre: de ganar cerca de 11 billones de dólares en 2003, justo antes de que la burbuja explotara, el negocio tuvo que saborear su decadencia conformándose con poco más de 7 billones el año pasado.
La época dorada fue muy distinta. En los 50 y 60, con magistral habilidad, los ejecutivos de las grandes compañías hicieron un gran trabajo, desde sus oficinas y amparados en toda la maquinaria propagandística imaginable, convenciendo al mundo de que disco y música eran sinónimos. El dinero, para ellos, siempre estuvo en el soporte físico. Pero ese modelo los llevó a abusar del bolsillo de sus clientes: pasaron de un formato a otro con demasiada rapidez. Terminaron causando frustración: un comprador de vinilos apenas alcanzaba a cambiarse al casete cuando ya debía actualizar, desde cero, su colección a CD.
No había paciencia ni bolsillo que aguantara porque, además, la regulación de precios flaqueaba. Cualquier chileno nacido en los 80 recordará que el exagerado costo de un casete nuevo, que bordeaba los 5 o 6 mil pesos. Al final, los sellos pagaron por donde pecaron. Prefirieron succionar hasta la última gota de sangre del grunge, a mediados de los 90, antes que prestarle atención a un simpático nuevo invento llamado MP3. Su grave falta de visión al no querer desarrollar un formato que a priori consideraron de baja rentabilidad, fue la que terminó hundiéndolos.
Métodos de sobrevivencia
Los actuales distribuidores de discos, después de asumir que administran un sistema arcaico que necesita reformas, han intentado ponerse al día en las costumbres de la audiencia y sus hábitos de consumo. Aunque, de paso, han hecho saber de su actual desgracia recurriendo a una vieja técnica: mezclar conceptos. No hacen distinción entre mercado (donde radica el problema) y arte (más sano que nunca y en plena multiplicación). Según ellos, falaces, ambos viven un infierno.
Pero esta crisis -recordemos que su nombre lo dice- solo es industrial. La música, que existe desde que hay humanos, jamás corrió peligro. Lo que cambió fue la manera en que las personas interactúan hoy en día con ella, sobre todo con las canciones. Los discos importan cada vez menos en el negocio: volvimos a la época de los singles en vinilo de 45 RPM, con la diferencia de que ahora son digitales, cortesía de Jobs y su política de "cada tema vale 99 centavos y puede constituir un ítem aparte del disco que lo contiene".
La revalorización de los sencillos como unidad de medida musical hace que el trabajo promocional gire en torno a ellos. Los exitosos discos "Unapologetic" de Rihanna, "Born this way" de Lady Gaga y "21" de Adele produjeron cinco cada uno. Incluso de "4", considerado un fracaso comercial para los estándares de Beyoncé, se extrajeron siete. El detalle está en que no todos cumplen iguales funciones: existen los singles promocionales (adelantos de futuros lanzamientos, a veces ofrecidos para libre descarga) y los singles oficiales (destinados a la venta y, por ende, a los rankings ).
Su elección varía de acuerdo al territorio: se lanzan baladas para el hemisferio en invierno y temas bailables para el otro lado del globo. A veces, la táctica responde a la presión popular. En el verano de 2012, las radios brasileñas empezaron a tocar "Did I let you know", un animado tema de Red Hot Chili Peppers, y Warner decidió convertirlo en un sencillo oficial exclusivo para ese país.
Llamar la atención es la premisa básica
Vivimos un momento en que los sellos corren como perros tras el hueso que parezca tener más restos de carne. Si un disco funciona y cumple su ciclo, de seguro aparecerá su reedición con temas extra en un año o menos. Así "Born to die", de Lana del Rey, se recicla en "Born to die: the paradise edition", o "Pink Friday: roman reloaded", de Nicki Minaj, gana el subtítulo "The re-up". ¿Qué ofrecen? Más canciones y más minutos de música. En definitiva, más singles .
Las plataformas digitales importan más que nunca, especialmente YouTube. Su empresa matriz, Google, anunció una serie de medidas para aprovechar su posicionamiento casi involuntario: sin especializarse en música, el sitio se transformó en la primera fuente de nuevas canciones para la juventud estadounidense. Desde este año, las visualizaciones de sus videos influyen en el Hot 100, la principal lista de canciones de Billboard. Otro avance sustantivo: hace una semana fueron celebrados los primeros YouTube Music Awards, con Eminem y Arcade Fire entre los invitados.
El terreno de los videos es vital en la promoción. No solo se conserva la costumbre de filmar, si es considerado necesario, distintas versiones para Estados Unidos y otra para Europa. También hemos presenciado en esta década el ascenso del "lyric video": un clip de bajo presupuesto en que la letra del tema, dispuesta en alguna tipografía distintiva, es protagonista. Aparecen al mismo tiempo que la canción para ayudar a que el hiperestimulado público se la aprenda y no olvide que pronto habrá un video mejor elaborado.
Como la primera impresión es más decisiva que nunca, porque basta un clic para desechar en segundos un contenido, Lady Gaga ya perfeccionó el arte del "lyric video". Estrenó "Aura" en un adelanto de la película "Machete kills", dirigida por Robert Rodríguez. Llamar la atención es la premisa. Antes de que un disco esté en la calle, cuatro o cinco de sus canciones rondan por la red junto a fotos de su intérprete, la portada del álbum, las letras y cualquier otro tipo de información que pueda irse entregando a cuentagotas para mantener encendido el interés. Llega a ser ridículo: las noticias musicales en 2013 tienen títulos como "Miley Cyrus revela el nombre de su próximo disco" y a la semana siguiente dicen "Miley da a conocer la carátula".
Es un juego de golpes publicitarios que buscan respuesta. Para marcar presencia en redes sociales, Mariah Carey agrega un hashtag al nombre de su single ("#Beautiful") igual que Robin Thicke en el video para "Blurred lines". David Bowie vuelve sin previo aviso, conmocionando con su música, pero también con su genialidad promocional. Kanye West y Arcade Fire anuncian sus trabajos mediante márketing de guerrilla en distintas ciudades del mundo, usando spray , afiches y proyecciones. Jay Z distribuye la preventa de su último disco entre los clientes de una marca de celulares. Hay que ser creativo y tener olfato mercantil para figurar.
En la era de Twitter y Facebook, los lanzamientos son tratados como un evento social. A mayores expectativas, mejor para la industria. Los meses previos a la salida de un disco, llenos de promesas e ilusiones, concitan igual o mayor fascinación que el disco en sí porque, una vez que la fiesta pasó, nadie desea quedarse a limpiar. O, en este caso, analizar la música en profundidad. La norma indica que los invitados querrán irse a dormir, para sacudirse la resaca y pensar qué harán la noche siguiente.
Después de llorar por sus pérdidas, los grandes vendedores de música tratan de seguirle la corriente al pulso de la audiencia, e intentan recuperarse cambiando la forma en que promocionan sus productos.
Andrés Panes
20 jóvenes, de 17 años cada uno, participaron en un focus group realizado en las oficinas del sello EMI. A la salida de la sala de conferencias, una mesa llena de discos compactos los esperaba, a modo de agasajo: podían sacar gratis sus favoritos. Pero ninguno quiso llevarse un CD. Moby desclasifica la anécdota en el documental "Presspauseplay", interesante informe sobre la proliferación de contenidos artísticos en internet.
El desenlace de la historia: EMI dejó de existir, sus acciones fueron compradas por Universal y el grupo de los cuatro sellos grandes (integrado además por Warner y Sony) se redujo a tres.
La crisis de la industria discográfica es una noticia en desarrollo. Se analiza desde que Napster surgió en 1999, y con más fuerza luego de que Steve Jobs adaptara ese esquema para fundar iTunes, hace una década. A diario son abordados los efectos que causa el descalabro, aunque todavía es imposible medir con exactitud sus consecuencias. Económicamente, ha sido un desastre: de ganar cerca de 11 billones de dólares en 2003, justo antes de que la burbuja explotara, el negocio tuvo que saborear su decadencia conformándose con poco más de 7 billones el año pasado.
La época dorada fue muy distinta. En los 50 y 60, con magistral habilidad, los ejecutivos de las grandes compañías hicieron un gran trabajo, desde sus oficinas y amparados en toda la maquinaria propagandística imaginable, convenciendo al mundo de que disco y música eran sinónimos. El dinero, para ellos, siempre estuvo en el soporte físico. Pero ese modelo los llevó a abusar del bolsillo de sus clientes: pasaron de un formato a otro con demasiada rapidez. Terminaron causando frustración: un comprador de vinilos apenas alcanzaba a cambiarse al casete cuando ya debía actualizar, desde cero, su colección a CD.
No había paciencia ni bolsillo que aguantara porque, además, la regulación de precios flaqueaba. Cualquier chileno nacido en los 80 recordará que el exagerado costo de un casete nuevo, que bordeaba los 5 o 6 mil pesos. Al final, los sellos pagaron por donde pecaron. Prefirieron succionar hasta la última gota de sangre del grunge, a mediados de los 90, antes que prestarle atención a un simpático nuevo invento llamado MP3. Su grave falta de visión al no querer desarrollar un formato que a priori consideraron de baja rentabilidad, fue la que terminó hundiéndolos.
Métodos de sobrevivencia
Los actuales distribuidores de discos, después de asumir que administran un sistema arcaico que necesita reformas, han intentado ponerse al día en las costumbres de la audiencia y sus hábitos de consumo. Aunque, de paso, han hecho saber de su actual desgracia recurriendo a una vieja técnica: mezclar conceptos. No hacen distinción entre mercado (donde radica el problema) y arte (más sano que nunca y en plena multiplicación). Según ellos, falaces, ambos viven un infierno.
Pero esta crisis -recordemos que su nombre lo dice- solo es industrial. La música, que existe desde que hay humanos, jamás corrió peligro. Lo que cambió fue la manera en que las personas interactúan hoy en día con ella, sobre todo con las canciones. Los discos importan cada vez menos en el negocio: volvimos a la época de los singles en vinilo de 45 RPM, con la diferencia de que ahora son digitales, cortesía de Jobs y su política de "cada tema vale 99 centavos y puede constituir un ítem aparte del disco que lo contiene".
La revalorización de los sencillos como unidad de medida musical hace que el trabajo promocional gire en torno a ellos. Los exitosos discos "Unapologetic" de Rihanna, "Born this way" de Lady Gaga y "21" de Adele produjeron cinco cada uno. Incluso de "4", considerado un fracaso comercial para los estándares de Beyoncé, se extrajeron siete. El detalle está en que no todos cumplen iguales funciones: existen los singles promocionales (adelantos de futuros lanzamientos, a veces ofrecidos para libre descarga) y los singles oficiales (destinados a la venta y, por ende, a los rankings ).
Su elección varía de acuerdo al territorio: se lanzan baladas para el hemisferio en invierno y temas bailables para el otro lado del globo. A veces, la táctica responde a la presión popular. En el verano de 2012, las radios brasileñas empezaron a tocar "Did I let you know", un animado tema de Red Hot Chili Peppers, y Warner decidió convertirlo en un sencillo oficial exclusivo para ese país.
Llamar la atención es la premisa básica
Vivimos un momento en que los sellos corren como perros tras el hueso que parezca tener más restos de carne. Si un disco funciona y cumple su ciclo, de seguro aparecerá su reedición con temas extra en un año o menos. Así "Born to die", de Lana del Rey, se recicla en "Born to die: the paradise edition", o "Pink Friday: roman reloaded", de Nicki Minaj, gana el subtítulo "The re-up". ¿Qué ofrecen? Más canciones y más minutos de música. En definitiva, más singles .
Las plataformas digitales importan más que nunca, especialmente YouTube. Su empresa matriz, Google, anunció una serie de medidas para aprovechar su posicionamiento casi involuntario: sin especializarse en música, el sitio se transformó en la primera fuente de nuevas canciones para la juventud estadounidense. Desde este año, las visualizaciones de sus videos influyen en el Hot 100, la principal lista de canciones de Billboard. Otro avance sustantivo: hace una semana fueron celebrados los primeros YouTube Music Awards, con Eminem y Arcade Fire entre los invitados.
El terreno de los videos es vital en la promoción. No solo se conserva la costumbre de filmar, si es considerado necesario, distintas versiones para Estados Unidos y otra para Europa. También hemos presenciado en esta década el ascenso del "lyric video": un clip de bajo presupuesto en que la letra del tema, dispuesta en alguna tipografía distintiva, es protagonista. Aparecen al mismo tiempo que la canción para ayudar a que el hiperestimulado público se la aprenda y no olvide que pronto habrá un video mejor elaborado.
Como la primera impresión es más decisiva que nunca, porque basta un clic para desechar en segundos un contenido, Lady Gaga ya perfeccionó el arte del "lyric video". Estrenó "Aura" en un adelanto de la película "Machete kills", dirigida por Robert Rodríguez. Llamar la atención es la premisa. Antes de que un disco esté en la calle, cuatro o cinco de sus canciones rondan por la red junto a fotos de su intérprete, la portada del álbum, las letras y cualquier otro tipo de información que pueda irse entregando a cuentagotas para mantener encendido el interés. Llega a ser ridículo: las noticias musicales en 2013 tienen títulos como "Miley Cyrus revela el nombre de su próximo disco" y a la semana siguiente dicen "Miley da a conocer la carátula".
Es un juego de golpes publicitarios que buscan respuesta. Para marcar presencia en redes sociales, Mariah Carey agrega un hashtag al nombre de su single ("#Beautiful") igual que Robin Thicke en el video para "Blurred lines". David Bowie vuelve sin previo aviso, conmocionando con su música, pero también con su genialidad promocional. Kanye West y Arcade Fire anuncian sus trabajos mediante márketing de guerrilla en distintas ciudades del mundo, usando spray , afiches y proyecciones. Jay Z distribuye la preventa de su último disco entre los clientes de una marca de celulares. Hay que ser creativo y tener olfato mercantil para figurar.
En la era de Twitter y Facebook, los lanzamientos son tratados como un evento social. A mayores expectativas, mejor para la industria. Los meses previos a la salida de un disco, llenos de promesas e ilusiones, concitan igual o mayor fascinación que el disco en sí porque, una vez que la fiesta pasó, nadie desea quedarse a limpiar. O, en este caso, analizar la música en profundidad. La norma indica que los invitados querrán irse a dormir, para sacudirse la resaca y pensar qué harán la noche siguiente.
Los nuevos caminos de los sellos de música clásica
No es novedad que, para las grandes disqueras, la música clásica ya no es un mercado apetecible. Hoy está en manos de sellos especializados e independientes, que recurren a distintas estrategias para mantener al público cautivo y sobrevivir en un mercado cada vez más difícil para los discos compactos. Catálogos novedosos, precios atractivos e innovaciones tecnológicas son algunas de las apuestas de las disqueras. Aunque el futuro, para los expertos, está en el streaming .
Camila Ortiz Miranda
Hubo un tiempo en que las grandes compañías disqueras dominaban el mercado musical. Desde música popular a clásica, los sellos contaban con nutridísimos catálogos y amplias redes de distribución. Pero la masificación de internet, los embates de la piratería y el significativo declive en las ventas de CD golpearon a la industria de una forma que nadie habría imaginado en los 90. De estar en la cima pasaron a vivir una seria crisis que los obligó a reinventarse para mantener algo de su antigua gloria.
Para esto decidieron enfocarse en lo que vende: las grandes figuras de la música pop, cediendo espacios en otros géneros. Eso fue lo que pasó con la música clásica, un campo donde los grandes sellos se retiraron casi por completo, solo reeditando, de vez en cuando, uno que otro producto de sus catálogos.
El abandono en el que quedó la industria disquera de música clásica dejó un espacio para los sellos más pequeños o especializados, dedicados exclusivamente a la música clásica y, en algunos casos, a unos pocos estilos dentro de ella (como música de cámara o nuevos compositores). De esta forma, sellos como Naxos -el líder indiscutido, a estas alturas-, Kairos en Austria, Wergo en Alemania o Alia Vox en España, entre otros, comenzaron a ocupar, con diversos grados de éxito, el espacio dejado por Warner, Sony y Universal. Y otros sellos, como la tradicional Deutsche Grammophon (disquera de más de un siglo de antigüedad que se fusionó con el grupo Universal en 1998) y Decca, redujeron considerablemente la edición de nuevos discos, privilegiando a los artistas más reconocidos (como Luciano Pavarotti) y los crossover , es decir, artistas líricos interpretando canciones populares y viceversa.
"Yo diría que, desde los años 90 en adelante, sellos con una historia tremenda empezaron a vender sus divisiones de música clásica para enfocarse en otros géneros o en lo que resultara más rentable", señala Santiago Vera Rivera, académico y dueño del sello nacional SVR, a través del cual edita y distribuye trabajos de artistas clásicos nacionales y latinoamericanos.
Y lo que en algún momento se vio como una crisis significó una buena oportunidad para el emprendimiento de sellos más pequeños, e incluso para que los mismos artistas comenzaran a autoeditar sus discos, como es el caso de la Sinfónica de Londres, la de Chicago y la London Sinfonietta.
Vanessa Moss, vicepresidenta de operaciones de la Orquesta Sinfónica de Chicago -y quien supervisa al sello de la orquesta, CSO Resounds-, explica que la motivación por emprender su propio camino se debe a que, "en primer lugar, las compañías disqueras estaban grabando cada vez menos en Estados Unidos, y aún menos a las orquestas locales. Y, por otra parte, existe un deseo permanente por editar y comercializar nuestros discos, ya que esta es la principal manera a través de la cual gente de todas partes del mundo puede escuchar y conocer la calidad de nuestra orquesta", señala Moss. Y agrega: "Al mismo tiempo, aunque contar con los recursos técnicos y los equipos adecuados es fundamental, no es un mercado al que sea difícil entrar, por lo que creo que, sobre todo para las orquestas, es definitivamente posible tomar este camino y con una inversión relativamente modesta".
Distintas formas para mantenerse vigentes
Si las grandes disqueras dejaron de lado el mercado de la música clásica fue por una razón, y muy simple: a pesar de que exista una gran cantidad de artistas talentosos a los que grabar y un grupo fijo de compradores de discos de música clásica, lo cierto es que sigue tratándose de un mercado bastante reducido. Por lo mismo, quienes se aventuren en este negocio deben preocuparse, además de producir contenidos de calidad, de ofrecer un trabajo novedoso y de mantenerse al tanto de las tendencias de la industria.
"Claramente la música clásica nunca ha sido un éxito, excepto casos contados. Es por eso que los sellos pequeños apuestan a menos volúmenes de venta en beneficio de la variedad y novedad. Exploran repertorios no conocidos, rescatan otros y estrenan nueva música", señala José Oplustil, productor musical y programador de Radio Beethoven.
De similar opinión es Santiago Vera Rivera, quien suma más de 26 años de experiencia con su sello SVR. "Se trata de un mercado complejo, en el que es difícil ganar plata. SVR, por ejemplo, es un sello familiar. Yo no vivo de él, sería imposible hacerlo, por lo que en ese sentido es un alivio que no tenga un sentido comercial, sino que es un esfuerzo por dar a conocer la música docta local", señala.
Para Vanessa Moss, si bien la autoedición tiene múltiples ventajas, las ganancias económicas no son una de ellas. "Aunque indudablemente tenemos algunos álbumes que han demostrado rentabilidad, nosotros vemos esto como una inversión para la organización y el prestigio de la orquesta, como una forma de llegar a distintos públicos. Y si bien vemos que existe un mercado para nosotros, en realidad los beneficios de tener nuestro propio sello van más por el tema de la libertad para decidir los repertorios, equipos y plazos que por el lado económico", explica.
Quizás la más notable excepción sea Naxos, sello multinacional que desde 1987 se dedica a la producción y distribución de discos de música clásica y del mundo. Creada sin grandes ambiciones, con el tiempo se ha convertido en una de las principales casas disqueras de música clásica, con sedes en Asia, Europa y Norteamérica. Gracias a un modelo que comenzó vendiendo discos baratos -de no más de 4 dólares, es decir, unos dos mil pesos- y de artistas desconocidos cuando nadie más lo hacía, hoy proveen servicios de producción, edición y distribución de cedés alrededor de todo el mundo. Además, cuentan con una fuerte presencia virtual, con una radio y un catálogo de MP3 online , un servicio de suscripciones (Naxos Music Library, a través de la cual se puede acceder a más de 90.000 álbumes por un pago que va desde los 20 dólares mensuales) y hasta aplicaciones para celulares.
"Hoy ya no es posible sobrevivir solo a través de la venta de CD", señala Klaus Heymann, fundador y director de Naxos. "Afortunadamente, tenemos todas estas otras fuentes de ingresos que nos hacen una empresa rentable todavía, como iTunes, Pandora, nuestra Naxos Music Library o la distribución de otros sellos... pero si solo nos dedicáramos a la producción de discos, no podríamos continuar", explica.
El futuro se llama streaming
De todas formas, salvo el caso de Naxos, la venta de discos físicos sigue siendo la mayor fuente de ingresos para la mayoría de los sellos, aunque experimenta un lento pero sostenido declive en los últimos años. La piratería ha sido sindicada como una de las mayores culpables, pero, en realidad, un problema mucho más serio es la distribución y el poco espacio que las tiendas están dándole al género.
"Aunque un artista pueda financiar la grabación de su álbum, ya sea de forma independiente o gracias a algún fondo estatal, se encuentra con que después no tiene cómo venderlo: somos pocos los que nos dedicamos a la distribución y en las tiendas de discos hay cada vez menos espacio para la música clásica", señala Vera Rivera.
En Chile, por ejemplo, son pocas alternativas para la compra de discos de música clásica, destacando un puñado de tiendas como TodoClásico (ubicada en el Pueblo del Inglés, y con fuerte en las últimas novedades) y las preferidas por los melómanos, Kind of Blue (Merced 323) y Sonidos (Portal Lyon).
Una tecnología que prometía cambiar radicalmente la forma de vender discos y, de paso, solucionar el problema de la distribución, era el MP3. Pero este, aun cuando tiene la ventaja de llegar a todo el mundo saltándose la intervención de los distribuidores y las tiendas, no ha logrado solucionar el problema y, por el contrario, está desapareciendo. "Las descargas, si bien son más rentables ya que implican menos costos de producción, y además permiten que personas desde cualquier parte del mundo puedan acceder a ellas, ya no están creciendo. Desde hace algún tiempo que están estancadas, y eso se debe a que hay tantas maneras de escuchar música hoy en día que ya no hay que comprarla. Está Spotify, iRadio, Pandora, o el mismo YouTube -que aunque se supone que es un servicio de video, la mayoría de quienes entran a él lo hacen para escuchar música-, a través de los cuales se puede escuchar cualquier obra sin tener que descargarla y gratis, además", señala Heymann.
Un fenómeno similar es el que ha observado Vanessa Moss, de la Sinfónica de Chicago. "No manejamos datos exactos, pero en el último tiempo hemos visto que el streaming (es decir, la reproducción online de contenidos) ha tenido un crecimiento impresionante. Y aunque el 85% de nuestras ventas corresponde todavía a discos compactos, nos parece que hay un grupo importante de consumidores que están prefiriendo el streaming ", señala.
Un camino similar han tomado otras orquestas y óperas alrededor del mundo, como la Filarmónica de Berlín y el Met de Nueva York, que ya han empezado a ofrecer sus conciertos y audios a través de servicios online de primer nivel que -por un pago que va desde los 13 dólares mensuales hacia arriba- permite acceder a un contenido de excelente calidad desde la comodidad del hogar.
Una idea que también han adoptado las disqueras como Naxos, la que se ha convertido en una de las líderes del fenómeno gracias a su Naxos Music Library. "Después de iTunes, somos el segundo servicio de música online de mayor éxito. Es ahí donde estamos enfocando nuestros esfuerzos y también desde donde estamos obteniendo los mayores ingresos", ilustra su fundador, Klaus Heymann.
Klaus Heymann, fundador de Naxos, relata la historia y apuestas de su sello
La historia de Naxos comienza en Hong Kong, en 1987, cuando el empresario alemán Klaus Heymann decidió lanzar un sello de música clásica que fuera barato. Pero se tropezó con una gran dificultad para encontrar a alguien que estuviera dispuesto a distribuir un sello económico, por lo que comenzó su propia red de distribución que lo llevaría a convertirse en una de las multinacionales más grandes del mercado.
-¿Cómo ha cambiado la industria durante estos 26 años?
"Cuando empezamos, en 1987, partimos como un sello económico ya que no teníamos artistas famosos en nuestros catálogos que pudiéramos vender a precios más altos. Obviamente, cuando partimos éramos exclusivamente un negocio físico, que vendía sólo CD. Ahora, 26 años después, la parte física es cada vez menor, mientras que la mayor parte de los ingresos los genera internet.
-Ustedes fueron pioneros.
"Partimos en 1996, cuando subimos la totalidad de los catálogos de Naxos y Marco Polo (subdivisión de Naxos). Fuimos los primeros en hacerlo y en realidad era una herramienta de márketing, ya que, como en ese entonces era gratis, quería que la gente pudiera escuchar nuestros discos online para que luego los compraran en su formato físico. Mucho después, en 2002, comenzamos con nuestra biblioteca musical, que era un servicio pagado, un año antes que Apple lanzara iTunes".
-Usted ha dicho que ya no es rentable producir nuevos discos. ¿Por qué lo siguen haciendo?
"Es una buena pregunta. En el fondo queremos llenar los vacíos de nuestro catálogo, para lo cual buscamos piezas que no hayan sido grabadas antes o que ahora, con la nueva tecnología de la que disponemos, podamos mejorar. Antiguamente solo grabábamos cada pieza una sola vez, pero parte de nuestro material ya tiene 26 años, y ahora que tenemos acceso a mejores orquestas hemos empezado a regrabar parte de nuestro catálogo. Además, muchos de nuestros artistas tienen exclusividad con Naxos, por lo que tenemos que mantenerlos ocupados".
-Y hay un mercado para esto.
"Existe un mercado limitado, pero en realidad ya no generamos ingresos a través de estas nuevas producciones. Somos una empresa exitosa gracias a lo que generan obras antiguas de nuestro gran catálogo de discos físicos y la distribución de otros sellos (hoy distribuimos incluso a Warner Classics, Virgin y Sony), además de lo que producen nuestros servicios online , pero ya no ganamos plata editando nuevo material.
-Usted sostiene que en internet está el futuro, pero a la vez es muy crítico de servicios de streaming gratuitos ¿Por qué?
"Hay una gran diferencia entre los servicios de streaming gratuitos y los pagados. Por ejemplo, nuestra Naxos Music Library es muy exitosa, pero se trata de un servicio muy especializado de música clásica, más que nada dirigido a colegios y universidades y que es bastante más caro que la versión pagada de Spotify, por ejemplo. El gran problema es que la gente siente que ya no tiene que pagar por la música, ya que hay tantas formas de obtenerla gratuitamente. Entonces, ¿cómo podemos generar ingresos si es que el consumidor ya no paga? Por supuesto que todos estos proveedores gratuitos sí nos pagan a nosotros, pero son modelos de negocios que tienen que empezar a cobrar, o cobrar más caro, o si no están destinados al fracaso. Esta cultura de lo gratuito está dañando a la industria musical".
-¿Comparte la opinión de que quien escucha música en MP3 u online es menos serio que el coleccionista, que prefiere comprar el disco físico?
"Creo que tanto el coleccionista como el principiante escuchan online por curiosidad y para descubrir nuevas obras. Yo, por ejemplo, la mayor parte de lo que escucho lo hago a través de internet porque es mucho más fácil. La Naxos Music Library tiene más de 90 mil álbumes disponibles, así que si yo o mi esposa (la violinista japonesa Takako Nishizaki) buscamos algo, siempre lo hacemos a través de internet, ya que obviamente no tenemos 90 mil discos en la casa. Ahora bien, por supuesto que el sonido del MP3 no es tan bueno como el del CD, pero actualmente existen otros formatos como flac u otras alternativas en alta resolución que suenan igual de bien".
Compilados, los líderes indiscutidos
Quienes conocen la industria disquera distinguen dos tipos de compradores. Están los melómanos u oyentes expertos, aquellos que buscan un catálogo novedoso que incluya rarezas, piezas difíciles de encontrar o nuevos compositores e intérpretes. Se trata de coleccionistas que conocen muy bien el ambiente y que exigen ciertos estándares de calidad.
Pero también están los oyentes casuales, un grupo no menor de aficionados a la música clásica que buscan expandir sus conocimientos. Ellos son los que agotan los álbumes compilados del tipo "Lo mejor de Mozart o "Beethoven para meditar", los que, no por casualidad, constituyen las obras más vendidas en música clásica.
En iTunes, 9 de los 10 álbumes más exitosos corresponden a compilados de ópera o grandes compositores, mientras que en Naxos se observa un fenómeno similar. "Además de los de compositores de música contemporánea como Philip Glass o John Adams, nuestros discos más vendidos corresponden a compilados como 'Las 50 mejores obras de música clásica', el que por lo demás es el único disco de música clásica en el top 20 de Japón. Este tipo de obras se vende particularmente bien online , y están orientadas no al coleccionista, sino que al principiante. El experto más bien busca nuevo material o las cosas que le faltan para completar su colección", explica Klaus Heymann, de Naxos.
Internet y formatos probados dejaron sin pantalla a los programas de música en la televisión
El Mercurio
Con un reducido número de espacios en el cable y ningún referente en las señales abiertas, la música dejó atrás sus años de gloria en la TV.
Cristopher Ahumada L.
La tendencia se da hace ya bastantes años. No existen programas musicales en la pantalla abierta y poco a poco también han comenzado a extinguirse de las señales de cable. Los espacios que gozaron de alto interés y éxito de audiencia en décadas pasadas, hoy ya no forman parte de la programación televisiva. Internet, las redes sociales y la escasa decisión de innovar en televisión son parte de los factores que podrían explicar este proceso.
Solo algunos canales de cable, de propietarios nacionales, mantienen su apuesta por la música en su pantalla. Es el caso de Vía X con "Bis", Zona Latina con "En vivo y en concierto" y ARTV con "Grandes conciertos", todos pertenecen a la misma cadena (TVI). Eso sí, la mayoría ha evolucionado hacia bloques musicales donde solo se transmiten conciertos, videoclips o presentaciones de artistas y no cuentan con un conductor o rostro representativo.
Desde Coldplay a Marc Anthony y desde Metallica a Beethoven son parte del menú de estos espacios . "Bis", por ejemplo, agrupa en cada capítulo a artistas de un mismo estilo y muestra sus masivas presentaciones. Algo similar es lo que hace "En vivo y en concierto" de Zona Latina. ARTV, en tanto, fiel a su estilo, es la vitrina de maestros de la música clásica como Mozart, Haydn y Pavarotti.
Las mencionadas señales suelen realizar también especiales musicales y contar con otros espacios como el conducido por Alfredo Lewin "Red hot chilean people" (Vía X)-que recientemente terminó su actual temporada-, donde músicos nacionales hacen presentaciones acústicas en el estudio.
Con apenas tres programas en pantalla, es un hecho que la música ha ido perdiendo cada vez más protagonismo en la TV. Así lo refleja también un reciente estudio de Anatel donde hasta 2012 la oferta de contenidos en la televisión abierta se dividía principalmente entre ficción (30%), magazine (21%), prensa (18%) y entretención prime (9%). En ninguno de ellos se incluía a programas relacionados con la música. De hecho, en espacios magazinescos solo se integraban matinales, farándula, servicios y apuestas juveniles, donde el objetivo era la competencia.
Jorge Aedo, uno de los rostros emblemáticos de los programas musicales de la década de los 90 con "Sábado taquilla" (TVN), cree que actualmente sería imposible contar con los espacios de antaño. "La realidad era completamente distinta, y hoy el concepto de televisión es mucho más rápido. El programa que yo hacía duraba dos horas y se transmitían videos completos. Pensar en algo así ahora sería imposible; tendría cero sintonía", dice.
Otra de las razones que establece Aedo es el acceso a internet. En los tiempos de "Sábado taquilla" aún no existía MTV, ni menos sitios como YouTube. Ahora, en cambio, acceder a videos o información de un artista es mucho más fácil gracias a estas plataformas. "Ya no es necesario un intermediario, es el mismo usuario el que busca los contenidos".
Por su parte, Sergio "Pirincho" Cárcamo, uno de los pioners de la era de programas musicales en Chile con "Midnight special" (UCV-TV), atribuye la actual falta de estos proyectos al estancamiento de la televisión. "Material hay mucho y en gran abundancia, pero la televisión está trabajando a base de programas probados y no se atreve a cambiar, compiten con las mismas fórmulas y nadie innova", dice el conductor y locutor radial.
También advierte que la facilidad del acceso a la música marca un cambio radical. "Es muy difícil mostrar algo diferente, porque acceder a la música hoy es mucho más sencillo. Pero no se trata solo de mostrar videoclips, la diferencia está en cómo se presentan y en la forma de entregar ese material. En este momento, sería bastante innovador contar con un programa de música en televisión", enfatiza Cárcamo.
Jorge Aedo también coincide en que falta una reformulación de estos espacios: "Solo habría que reinventar el modo de ponerlos en pantalla, porque hace falta darles cabida a los nuevos talentos, a los jóvenes y a los artistas consagrados en la televisión".
Los históricos
"Midnight special" UCV-TV (1974 - 1978) Conducido por Sergio "Pirincho" Cárcamo.
"Magnetoscopio musical" TVN (1981 - 1988) Conducido por Rodolfo Roth.
"Más música" Canal 13 (1984 - 1998) Conducido por Andrea Tessa.
"Chilenazo" Canal Universidad de Chile (1980 - 1988) Conducido por Jorge Rencoret.
"Sábado Taquilla" TVN (1989 - 1994) Conducido por Jorge Aedo.
"Top 30" La Red (1993 - 1996) Conducido por Rafael Araneda.
"Dínamo" Rock & Pop (1996 - 1999) Conducido por Sergio Lagos.
Con un reducido número de espacios en el cable y ningún referente en las señales abiertas, la música dejó atrás sus años de gloria en la TV.
Cristopher Ahumada L.
La tendencia se da hace ya bastantes años. No existen programas musicales en la pantalla abierta y poco a poco también han comenzado a extinguirse de las señales de cable. Los espacios que gozaron de alto interés y éxito de audiencia en décadas pasadas, hoy ya no forman parte de la programación televisiva. Internet, las redes sociales y la escasa decisión de innovar en televisión son parte de los factores que podrían explicar este proceso.
Solo algunos canales de cable, de propietarios nacionales, mantienen su apuesta por la música en su pantalla. Es el caso de Vía X con "Bis", Zona Latina con "En vivo y en concierto" y ARTV con "Grandes conciertos", todos pertenecen a la misma cadena (TVI). Eso sí, la mayoría ha evolucionado hacia bloques musicales donde solo se transmiten conciertos, videoclips o presentaciones de artistas y no cuentan con un conductor o rostro representativo.
Desde Coldplay a Marc Anthony y desde Metallica a Beethoven son parte del menú de estos espacios . "Bis", por ejemplo, agrupa en cada capítulo a artistas de un mismo estilo y muestra sus masivas presentaciones. Algo similar es lo que hace "En vivo y en concierto" de Zona Latina. ARTV, en tanto, fiel a su estilo, es la vitrina de maestros de la música clásica como Mozart, Haydn y Pavarotti.
Las mencionadas señales suelen realizar también especiales musicales y contar con otros espacios como el conducido por Alfredo Lewin "Red hot chilean people" (Vía X)-que recientemente terminó su actual temporada-, donde músicos nacionales hacen presentaciones acústicas en el estudio.
Con apenas tres programas en pantalla, es un hecho que la música ha ido perdiendo cada vez más protagonismo en la TV. Así lo refleja también un reciente estudio de Anatel donde hasta 2012 la oferta de contenidos en la televisión abierta se dividía principalmente entre ficción (30%), magazine (21%), prensa (18%) y entretención prime (9%). En ninguno de ellos se incluía a programas relacionados con la música. De hecho, en espacios magazinescos solo se integraban matinales, farándula, servicios y apuestas juveniles, donde el objetivo era la competencia.
Jorge Aedo, uno de los rostros emblemáticos de los programas musicales de la década de los 90 con "Sábado taquilla" (TVN), cree que actualmente sería imposible contar con los espacios de antaño. "La realidad era completamente distinta, y hoy el concepto de televisión es mucho más rápido. El programa que yo hacía duraba dos horas y se transmitían videos completos. Pensar en algo así ahora sería imposible; tendría cero sintonía", dice.
Otra de las razones que establece Aedo es el acceso a internet. En los tiempos de "Sábado taquilla" aún no existía MTV, ni menos sitios como YouTube. Ahora, en cambio, acceder a videos o información de un artista es mucho más fácil gracias a estas plataformas. "Ya no es necesario un intermediario, es el mismo usuario el que busca los contenidos".
Por su parte, Sergio "Pirincho" Cárcamo, uno de los pioners de la era de programas musicales en Chile con "Midnight special" (UCV-TV), atribuye la actual falta de estos proyectos al estancamiento de la televisión. "Material hay mucho y en gran abundancia, pero la televisión está trabajando a base de programas probados y no se atreve a cambiar, compiten con las mismas fórmulas y nadie innova", dice el conductor y locutor radial.
También advierte que la facilidad del acceso a la música marca un cambio radical. "Es muy difícil mostrar algo diferente, porque acceder a la música hoy es mucho más sencillo. Pero no se trata solo de mostrar videoclips, la diferencia está en cómo se presentan y en la forma de entregar ese material. En este momento, sería bastante innovador contar con un programa de música en televisión", enfatiza Cárcamo.
Jorge Aedo también coincide en que falta una reformulación de estos espacios: "Solo habría que reinventar el modo de ponerlos en pantalla, porque hace falta darles cabida a los nuevos talentos, a los jóvenes y a los artistas consagrados en la televisión".
Los históricos
"Midnight special" UCV-TV (1974 - 1978) Conducido por Sergio "Pirincho" Cárcamo.
"Magnetoscopio musical" TVN (1981 - 1988) Conducido por Rodolfo Roth.
"Más música" Canal 13 (1984 - 1998) Conducido por Andrea Tessa.
"Chilenazo" Canal Universidad de Chile (1980 - 1988) Conducido por Jorge Rencoret.
"Sábado Taquilla" TVN (1989 - 1994) Conducido por Jorge Aedo.
"Top 30" La Red (1993 - 1996) Conducido por Rafael Araneda.
"Dínamo" Rock & Pop (1996 - 1999) Conducido por Sergio Lagos.
Los tesoros recopilados por Violeta Parra vuelven a ver la luz
Radio U de Chile
"Cantos folklóricos chilenos", libro publicado por primera vez en 1959, tiene una nueva edición con prólogo de Gastón Soublette y fotografías inéditas. Se presenta este domingo en la Feria del Libro de Santiago.
En 1954, Violeta Parra irrumpió sin previo aviso en la oficina de Gastón Soublette, quien entonces trabajaba como jefe de programación de Radio Chilena. Su visita tenía dos motivos: quería mostrar su repertorio a través de la emisora, lo que se concretó en varios espacios radiales, y pedir al musicólogo que transcribiera en partituras los múltiples cantos que había recopilado.
Durante varias jornadas, ambos se instalaron en la casa que Violeta Parra arrendaba en calle Madrigal: ella cantaba y él convertía esas melodías en notación musical.
Años más tarde, ese trabajo se tradujo en Cantos folklóricos chilenos, libro editado en 1959 por Zig Zag y 20 años después por Nascimento, que no solo reproduce versos completos y melodías recopiladas por la folclorista durante sus viajes por diferentes zonas del país, sino que también los diálogos que sostenía con los antiguos cultores.
Este domingo, en la Feria del Libro de Santiago, se presentará una nueva edición del libro, publicada por Ceibo Ediciones, con un nuevo prólogo de Gastón Soublette y fotografías de Sergio Larraín y Sergio Bravo, algunas de ellas inéditas. Algunas de las instantáneas muestran a Violeta Parra tocando el guitarrón en Radio Chilena, en medio de un camino sureño, rodeada por animales, y sentada entre cantores populares de Isla Negra, por ejemplo.
Isabel Parra, hija de la artista y presidenta de la Fundación Violeta Parra, considera que “hay que contar la historia desde el comienzo, pensando en que la mayoría de la gente no tiene idea de este libro. Dicen que Violeta Parra es folclorista, pero no conocen el proceso y el significado de serlo: salir a los lugares y convivir con los cantores. El trabajo que ella hizo es una preciosura, tiene mucho esfuerzo y sacrificio, con resultados fantásticos. Esas canciones que ella recopiló son nuestra música chilena”.
Isabel Parra, que ha grabado algunas de las canciones registradas en el libro, dice que al interpretarlas “siento que pertenezco a ellas, que tienen que ver conmigo, aun cuando a mí me gusta música de todo el mundo, viví en el extranjero y todo eso. Y si viene de una fuente que es entregada por mi propia mamá, imagínate, me siento chilena”.
“La chilenidad, la empanada, el arrollado, la banderita no me hacen ni pío, pero este trabajo de la Violeta sí y también algunos grupos chilenos que recopilaron canciones y nos mostraron lo que somos. Somos una majamama, porque esta poesía que cantamos viene de España, pero los viejos de acá la adaptaron a una forma de hablar de ellos y eso es una cosa que va evolucionando”, añade.
Gastón Soublette, en tanto, destaca que el trabajo de recopilación que hizo Violeta Parra en el campo fue también la fuente de todas las creaciones que compuso más tarde: “Sus composiciones surgen de ahí, pero no quiero decir que son una imitación. Hubo una época en que ella componía tonadas al estilo tradicional. Por ejemplo, ‘La jardinera’ es una típica tonada y ya forma parte del folclor, pero ‘Gracias a la vida’ o ‘Verso por desengaño’ están inspiradas en lo más antiguo del folclor latinoamericano, o sea, en el canto a lo poeta”, explica.
De acuerdo al estudioso, “Violeta era como una síntesis de toda la cultura tradicional chilena, no era solo una cantautora o intérprete del folclor. Era mucho más que eso. Yo la he definido como el alma nacional encarnada en una mujer”.
La reedición de Cantos folklóricos chilenos será presentada a las 15.30 horas de este domingo en la Feria del Libro de Santiago, con la presencia de Isabel Parra y su hija Tita Parra, quienes interpretarán algunas de las canciones incluidas en el libro.
Encuentre aquí una invitación para asistir al lanzamiento de Cantos folklóricos chilenos.
"Cantos folklóricos chilenos", libro publicado por primera vez en 1959, tiene una nueva edición con prólogo de Gastón Soublette y fotografías inéditas. Se presenta este domingo en la Feria del Libro de Santiago.
En 1954, Violeta Parra irrumpió sin previo aviso en la oficina de Gastón Soublette, quien entonces trabajaba como jefe de programación de Radio Chilena. Su visita tenía dos motivos: quería mostrar su repertorio a través de la emisora, lo que se concretó en varios espacios radiales, y pedir al musicólogo que transcribiera en partituras los múltiples cantos que había recopilado.
Durante varias jornadas, ambos se instalaron en la casa que Violeta Parra arrendaba en calle Madrigal: ella cantaba y él convertía esas melodías en notación musical.
Años más tarde, ese trabajo se tradujo en Cantos folklóricos chilenos, libro editado en 1959 por Zig Zag y 20 años después por Nascimento, que no solo reproduce versos completos y melodías recopiladas por la folclorista durante sus viajes por diferentes zonas del país, sino que también los diálogos que sostenía con los antiguos cultores.
Este domingo, en la Feria del Libro de Santiago, se presentará una nueva edición del libro, publicada por Ceibo Ediciones, con un nuevo prólogo de Gastón Soublette y fotografías de Sergio Larraín y Sergio Bravo, algunas de ellas inéditas. Algunas de las instantáneas muestran a Violeta Parra tocando el guitarrón en Radio Chilena, en medio de un camino sureño, rodeada por animales, y sentada entre cantores populares de Isla Negra, por ejemplo.
Isabel Parra, hija de la artista y presidenta de la Fundación Violeta Parra, considera que “hay que contar la historia desde el comienzo, pensando en que la mayoría de la gente no tiene idea de este libro. Dicen que Violeta Parra es folclorista, pero no conocen el proceso y el significado de serlo: salir a los lugares y convivir con los cantores. El trabajo que ella hizo es una preciosura, tiene mucho esfuerzo y sacrificio, con resultados fantásticos. Esas canciones que ella recopiló son nuestra música chilena”.
Isabel Parra, que ha grabado algunas de las canciones registradas en el libro, dice que al interpretarlas “siento que pertenezco a ellas, que tienen que ver conmigo, aun cuando a mí me gusta música de todo el mundo, viví en el extranjero y todo eso. Y si viene de una fuente que es entregada por mi propia mamá, imagínate, me siento chilena”.
“La chilenidad, la empanada, el arrollado, la banderita no me hacen ni pío, pero este trabajo de la Violeta sí y también algunos grupos chilenos que recopilaron canciones y nos mostraron lo que somos. Somos una majamama, porque esta poesía que cantamos viene de España, pero los viejos de acá la adaptaron a una forma de hablar de ellos y eso es una cosa que va evolucionando”, añade.
Gastón Soublette, en tanto, destaca que el trabajo de recopilación que hizo Violeta Parra en el campo fue también la fuente de todas las creaciones que compuso más tarde: “Sus composiciones surgen de ahí, pero no quiero decir que son una imitación. Hubo una época en que ella componía tonadas al estilo tradicional. Por ejemplo, ‘La jardinera’ es una típica tonada y ya forma parte del folclor, pero ‘Gracias a la vida’ o ‘Verso por desengaño’ están inspiradas en lo más antiguo del folclor latinoamericano, o sea, en el canto a lo poeta”, explica.
De acuerdo al estudioso, “Violeta era como una síntesis de toda la cultura tradicional chilena, no era solo una cantautora o intérprete del folclor. Era mucho más que eso. Yo la he definido como el alma nacional encarnada en una mujer”.
La reedición de Cantos folklóricos chilenos será presentada a las 15.30 horas de este domingo en la Feria del Libro de Santiago, con la presencia de Isabel Parra y su hija Tita Parra, quienes interpretarán algunas de las canciones incluidas en el libro.
Encuentre aquí una invitación para asistir al lanzamiento de Cantos folklóricos chilenos.
Concierto de Piano del destacado Pianista Argentino Valentín Surif.
Comunicado de prensa
Jueves 14 de Noviembre (a las 19:30 hrs.)
Universidad Central
Centro de Extensión Hugo Gálvez Gajardo
Aula Magna Fundadores
Lord Cochrane 418 (a un costado del Parque Almagro)
Entrada liberada.
Jueves 14 de Noviembre (a las 19:30 hrs.)
Universidad Central
Centro de Extensión Hugo Gálvez Gajardo
Aula Magna Fundadores
Lord Cochrane 418 (a un costado del Parque Almagro)
Entrada liberada.
Festival Coral Facultad de Derecho Universidad de Chile
Comunicado de prensa
El Coro Lex, de la Facultad de derecho de la Universidad de Chile, y su Directora sra. Angela Largo Urbina, tienen el agrado de invitarlos muy cordialmente al "Festival Coral Facultad de Derecho Universidad de Chile" que ser realizará el lunes 18 de Noviembre a las 19:30 hrs., en el Aula Magna de la Facultad de Derecho de la Universidad de Chile.
Participarán los coros Magnificat (Facultad de Artes), Schola Cantorum (Facultad de Medicina), Coro CEFA (Centro de Estudiantes de la Facultad de Artes) y Coro Lex (Facultad de Derecho), todos de la Universidad de Chile. Entrada Liberada.
Solicitamos puedan ayudarnos en la difusión de este evento.
¡Muchas gracias y espero que puedan acompañarnos ese día!
Angela Largo Urbina
Directora Coro Lex
Facultad de Derecho Universidad de Chile
El Coro Lex, de la Facultad de derecho de la Universidad de Chile, y su Directora sra. Angela Largo Urbina, tienen el agrado de invitarlos muy cordialmente al "Festival Coral Facultad de Derecho Universidad de Chile" que ser realizará el lunes 18 de Noviembre a las 19:30 hrs., en el Aula Magna de la Facultad de Derecho de la Universidad de Chile.
Participarán los coros Magnificat (Facultad de Artes), Schola Cantorum (Facultad de Medicina), Coro CEFA (Centro de Estudiantes de la Facultad de Artes) y Coro Lex (Facultad de Derecho), todos de la Universidad de Chile. Entrada Liberada.
Solicitamos puedan ayudarnos en la difusión de este evento.
¡Muchas gracias y espero que puedan acompañarnos ese día!
Angela Largo Urbina
Directora Coro Lex
Facultad de Derecho Universidad de Chile
FemmeVocal debuta en Taller Siglo XX con 3 presentaciones del “Concierto en Llave de Femme”
Comunicado de prensa
La agrupación vocal femenina, FemmeVocal, presentará “Concierto en Llave de Femme”, un íntimo y cercano encuentro los días domingo 10 de noviembre a las 19:00 horas y miércoles 13 y 20 del mismo mes a las 20:00 horas, en el espacio cultural Taller Siglo XX Yolanda Hurtado, espacio diseñado para un encuentro entre el artista y su público.
El espectáculo, de casi una hora de duración, incluye un repertorio que permite establecer diálogos con músicas actuales y géneros populares y folclóricos desde la perspectiva vocal de conjunto. La primera etapa de la agrupación se ha inspirado en obras chilenas y latinoamericanas que van desde Violeta Parra hasta el compositor Eduardo Cáceres, incluyendo también la canción “Caníbales” de Gustavo Cerati.
Propuesta Artística
El grupo se reúne para trabajar en un modelo nuevo de organización e investigación de la expresión vocal colectiva. En la opinión de varios importantes directores de coro que han seguido de cerca este proceso de trabajo, auguran que FemmeVocal será precursora en la renovación de la experiencia coral en Chile.
La propuesta es única en lo musical y visual, ya que une elementos escénicos en un contexto de espectáculo integral en el que interactúan equipos multidisciplinarios del área de la dirección teatral, danza, vestuario, diseño escénico e iluminación.
El primer montaje de la agrupación, “Concierto en Llave de Femme”, se ha inspirado en obras chilenas y latinoamericanas populares y de raíz, interpretando a Violeta Parra, Miguel Matamoros y Eduardo Cáceres, entre otros.
El actor Sebastián Dahm, es el responsable del trabajo escénico del grupo, este ensamble vocal rompe con el tradicional esquema de los coros, con coreografías y elementos que enriquecen la interpretación musical de sus piezas.
En marzo de este año participaron en el Segundo Festival Internacional “Un Canto por la Mujer”, realizado en Puerto Ordaz, estado Bolívar. Donde tuvieron una destacadísima presentación.
Las entradas se pueden adquirir en la boletaría de Taller Siglo XX con un valor de $5.000 general, $3.000 estudiantes y tercera edad.
Coordenadas
FemmeVocal presenta “Concierto en Llave de Femme”
Integrantes: Francia Gómez (Soprano); Rocío Reyes (Soprano); Cristina Lara (Mezzosoprano); Francisca Muñoz (Contralto); Camila López (Soprano); Gabriela Gómez (Mezzosoprano), Pastora González (Soprano) y Moira Maldonado (Soprano).
Taller Siglo XX Yolanda Hurtado.
(Ernesto Pinto Lagarrigue #191, Barrio Bellavista, Recoleta, Santiago)
Presentaciones:
-Domingo 10 de noviembre a las 19:00 hrs.
-Miércoles 13 de noviembre a las 20:00 hrs.
-Miércoles 20 de noviembre a las 20:00 hrs.
Duración: cerca de 1 hora.
Entradas: $5.000 general, $3.000 estudiantes y tercera edad.
Información y reservas en: reservas@tallersiglo20.cl o al teléfono 273 55 770.
Cupos limitados.
Más información: www.tallersiglo20.cl @tallersigloxx @FemmeVocal
La agrupación vocal femenina, FemmeVocal, presentará “Concierto en Llave de Femme”, un íntimo y cercano encuentro los días domingo 10 de noviembre a las 19:00 horas y miércoles 13 y 20 del mismo mes a las 20:00 horas, en el espacio cultural Taller Siglo XX Yolanda Hurtado, espacio diseñado para un encuentro entre el artista y su público.
El espectáculo, de casi una hora de duración, incluye un repertorio que permite establecer diálogos con músicas actuales y géneros populares y folclóricos desde la perspectiva vocal de conjunto. La primera etapa de la agrupación se ha inspirado en obras chilenas y latinoamericanas que van desde Violeta Parra hasta el compositor Eduardo Cáceres, incluyendo también la canción “Caníbales” de Gustavo Cerati.
Propuesta Artística
El grupo se reúne para trabajar en un modelo nuevo de organización e investigación de la expresión vocal colectiva. En la opinión de varios importantes directores de coro que han seguido de cerca este proceso de trabajo, auguran que FemmeVocal será precursora en la renovación de la experiencia coral en Chile.
La propuesta es única en lo musical y visual, ya que une elementos escénicos en un contexto de espectáculo integral en el que interactúan equipos multidisciplinarios del área de la dirección teatral, danza, vestuario, diseño escénico e iluminación.
El primer montaje de la agrupación, “Concierto en Llave de Femme”, se ha inspirado en obras chilenas y latinoamericanas populares y de raíz, interpretando a Violeta Parra, Miguel Matamoros y Eduardo Cáceres, entre otros.
El actor Sebastián Dahm, es el responsable del trabajo escénico del grupo, este ensamble vocal rompe con el tradicional esquema de los coros, con coreografías y elementos que enriquecen la interpretación musical de sus piezas.
En marzo de este año participaron en el Segundo Festival Internacional “Un Canto por la Mujer”, realizado en Puerto Ordaz, estado Bolívar. Donde tuvieron una destacadísima presentación.
Las entradas se pueden adquirir en la boletaría de Taller Siglo XX con un valor de $5.000 general, $3.000 estudiantes y tercera edad.
Coordenadas
FemmeVocal presenta “Concierto en Llave de Femme”
Integrantes: Francia Gómez (Soprano); Rocío Reyes (Soprano); Cristina Lara (Mezzosoprano); Francisca Muñoz (Contralto); Camila López (Soprano); Gabriela Gómez (Mezzosoprano), Pastora González (Soprano) y Moira Maldonado (Soprano).
Taller Siglo XX Yolanda Hurtado.
(Ernesto Pinto Lagarrigue #191, Barrio Bellavista, Recoleta, Santiago)
Presentaciones:
-Domingo 10 de noviembre a las 19:00 hrs.
-Miércoles 13 de noviembre a las 20:00 hrs.
-Miércoles 20 de noviembre a las 20:00 hrs.
Duración: cerca de 1 hora.
Entradas: $5.000 general, $3.000 estudiantes y tercera edad.
Información y reservas en: reservas@tallersiglo20.cl o al teléfono 273 55 770.
Cupos limitados.
Más información: www.tallersiglo20.cl @tallersigloxx @FemmeVocal
Cartelera Cultural del Goethe-Institut (Noviembre)
Ciclo Goethe en la Cineteca Nacional: Cine contemporáneo alemán
En noviembre vuelven las lecturas dramatizadas al Goethe-Institut
Últimos días: Instalación 1001 Suns de Michael Saup en la 11° Bienal de Artes Mediales
Movimiento Sur
Wollny & Halperin en el 4° Festival de Jazz.eu
Dale un vistazo a los nuevos artículos de nuestro Magazine en noviembre
Ciclo Goethe en la Cineteca Nacional: Cine contemporáneo alemán
04.-26.11.2013, 16:30 hrs.
Lugar: Microcine de la Cineteca Nacional, Centro Cultural La Moneda, Plaza de la Ciudadanía 26
Entrada liberada
Durante noviembre, la Cinemateca del Goethe-Institut hará un repaso de grandes películas contemporáneas que se han exhibido en el marco de festivales como SANFIC y que ahora arriban a nuestro archivo. La mayoría pertenecen a directores consagrados como Andreas Dresen, Chris Kraus y Christian Petzold, así como cintas premiadas de realizadores jóvenes, donde destaca especialmente “Entre nosotros” de Maren Ade, galardonada en Berlín, y “Gerhard Richter Painting” , ganadora del mejor documental del año 2012.
En noviembre vuelven las lecturas dramatizadas al Goethe-Institut
9. y 16.11.2013, 20:00hrs.
Lugar: Goethe-Institut (foyer), Av. Holanda 100, Providencia-Santiago
Entrada: $2.000
Los días sábados 9 y 16 de noviembre en el foyer del Goethe-Institut Santiago, tendrá lugar la lectura dramatizada de “Delirio” (Rausch) de Falk Richter. Bajo la dirección de Heidrun Maria Breier, los actores Macarena Teke, Gonzalo Muñoz y Néstor Cantillana profundizarán sobre el concepto de la relación amorosa y la felicidad en la sociedad moderna.
Últimos días: Instalación 1001 Suns de Michael Saup en la 11° Bienal de Artes Mediales
Hasta 16.11.2013
Lugar: Museo Nacional de Bellas Artes, Paque Forestal S/N, Santiago
Hasta el 16 de noviembre será posible ver la instalación 1001 Suns del artista alemán Michael Saup en el marco de la 11° Bienal de Artes Mediales del Museo Nacional de Bellas Artes. La obra trata temas relativos a la radioactividad, que despiertan una multitud de pensamientos y emociones polémicas en nosotros, como los peligros de las centrales nucleares, las secuelas de las bombas atómicas, la irradiación de los alimentos y la cuestión de la eliminación de los residuos nucleares, mediante tratamientos para el cáncer y otras aplicaciones médicas.
Movimiento Sur
La Academia Internacional de Danza Contemporánea que encallará en noviembre en Valparaíso
Fecha: 18.11.-01.12.2013
Lugar: Parque Cultural de Valparaíso
Bajo el nombre de Movimiento Sur se realizará durante el año 2013 la primera versión del proyecto de Academia Internacional de Danza para Latinoamérica, con principal foco en la danza contemporánea e interdisciplinariedad. El nutrido calendario de actividades de Movimiento Sur considera: talleres internacionales, laboratorios y talleres interdisciplinarios, presentación de montajes de artistas latinoamericanos y europeos, charlas abiertas y muestras en proceso.
Wollny & Halperin en el 4° Festival de Jazz.eu
Fecha: 27.11.-02.12.2013
Lugar: Distintos clubs de Jazz en Bellavista
www.festivaljazz.eu
La contribución alemana al 4° Festival de Jazz.eu es una combinación extraordinaria de piano y clavecín, tocados magistralmente por el excepcional pianista Michael Wollny de Alemania y Tamar Halderin de Israel, una de las mejores intérpretes del clavecín en el mundo. Los músicos transportan al público a un viaje musical de especial exploración.
Dale un vistazo a los nuevos artículos de nuestro Magazine en noviembre
Nuevos artículos...
http://www.goethe.de/ins/cl/sao/esindex.htm
Pedro Villagra Rinden homenaje a Palmenia Pizarro y Frida Khalo
Comunicado de prensa
El músico Pedro Villagra realizará conciertos donde homenajea a Palmenia Pizarro y Frida Khalo, el mismo que mostró en algunos escenarios mexicanos. En su reciente paso por el país azteca
Pedro Villagra retoma sus presentaciones de difusión de “Rebulú! fantasía simbiótica de música tribal” luego de una gira que lo llevó por diversos escenarios en México presentando un gran espectáculo en el que incluye homenajes a Palmenia Pizarro y Frida Khalo.
El músico forma parte de dos emblemáticas agrupaciones nacionales “Inti Illimani” y “Santiago del nuevo extremo” esta ultima cumplió 36 años en días pasados se encuentra promoviendo una nueva propuesta vocal e instrumental basada en la muestra de su séptima placa.
Este gran músico y la “Pedroband” presentan un trabajo que transita por el vals, el tango, el merengue o el baiao, ratificando su
de nominación de orquesta chilena de jazz y música popular.
Rebulu lo mas nuevo del experimentado artista incluye homenajes a mujeres íconos de la cultura latinoamericana como Palmenia Pizarro en la canción y Frida Kahlo en la pintura. En la placa plasma también incursiones en la música “sufí” en un homenaje al compositor egipcio Riyad Al Sunbati.
La mezcla y producción de audio fue realizada por el ingeniero Jorge Esteban (The Ramones, La Ley). “Palmenia es verdad”, es el primer single que esta rotando en los medios, hace meses, un homenaje a la gran artista nacional.
Pedro Villagra y la “Pedroband” estarán mostrando su música el viernes 22 de noviembre en la sala SCD del barrio Bellavista.
El músico Pedro Villagra realizará conciertos donde homenajea a Palmenia Pizarro y Frida Khalo, el mismo que mostró en algunos escenarios mexicanos. En su reciente paso por el país azteca
Pedro Villagra retoma sus presentaciones de difusión de “Rebulú! fantasía simbiótica de música tribal” luego de una gira que lo llevó por diversos escenarios en México presentando un gran espectáculo en el que incluye homenajes a Palmenia Pizarro y Frida Khalo.
El músico forma parte de dos emblemáticas agrupaciones nacionales “Inti Illimani” y “Santiago del nuevo extremo” esta ultima cumplió 36 años en días pasados se encuentra promoviendo una nueva propuesta vocal e instrumental basada en la muestra de su séptima placa.
Este gran músico y la “Pedroband” presentan un trabajo que transita por el vals, el tango, el merengue o el baiao, ratificando su
de nominación de orquesta chilena de jazz y música popular.
Rebulu lo mas nuevo del experimentado artista incluye homenajes a mujeres íconos de la cultura latinoamericana como Palmenia Pizarro en la canción y Frida Kahlo en la pintura. En la placa plasma también incursiones en la música “sufí” en un homenaje al compositor egipcio Riyad Al Sunbati.
La mezcla y producción de audio fue realizada por el ingeniero Jorge Esteban (The Ramones, La Ley). “Palmenia es verdad”, es el primer single que esta rotando en los medios, hace meses, un homenaje a la gran artista nacional.
Pedro Villagra y la “Pedroband” estarán mostrando su música el viernes 22 de noviembre en la sala SCD del barrio Bellavista.
domingo, noviembre 03, 2013
Rucitama lanza niña de Lota
Comunicado de prensa
El video cuenta con la participación del artista visual lotino Eduardo Cruces.
Con la canción niña de Lota, musicalización del poema de Manuel Mazorca, Rucitama entrega el primer adelanto de su primer disco larga duración.
Son imágenes de Eduardo Cruces recorriendo e interactuando con Lota las que conforman este video, registrado el 7 de Septiembre del 2012, semanas antes de que el artista visual partiera a Suecia. El registro de audio fue realizado en el estudio Ulerenke, a cargo de Rodrigo Pereira, y cuenta con la participación de la flautista Carolina Álvarez como músico invitada.
Niña de Lota es el primer corte del disco Vivo echándote de menos, con fecha de lanzamiento entre los límites del 2013 y el 2014 y puede verse a continuación
El video cuenta con la participación del artista visual lotino Eduardo Cruces.
Con la canción niña de Lota, musicalización del poema de Manuel Mazorca, Rucitama entrega el primer adelanto de su primer disco larga duración.
Son imágenes de Eduardo Cruces recorriendo e interactuando con Lota las que conforman este video, registrado el 7 de Septiembre del 2012, semanas antes de que el artista visual partiera a Suecia. El registro de audio fue realizado en el estudio Ulerenke, a cargo de Rodrigo Pereira, y cuenta con la participación de la flautista Carolina Álvarez como músico invitada.
Niña de Lota es el primer corte del disco Vivo echándote de menos, con fecha de lanzamiento entre los límites del 2013 y el 2014 y puede verse a continuación
sábado, noviembre 02, 2013
La reinvención de Lucho Gatica
A sus 85 años, la figura más popular de la historia de la música chilena vuelve por partida doble. El 12 de este mes se publica su disco de duetos, "Historia de un amor" -donde comparte créditos junto a Michael Bublé, Miguel Bosé y Nelly Furtado, entre otros- y hace algunas semanas se editó su biografía no autorizada, "El rey Lucho cantaba boleros", la que en esta entrevista califica de "infame" y dice que espera demandar al autor. Aquí, Gatica recuerda un encuentro junto a Ringo Starr, cuando Sammy Davis Jr. le dijo que era uno de los mejores cantantes que había escuchado en su vida, y asegura que no le tiene miedo a la muerte. "Me da lo mismo", señala.
Felipe Rodríguez
Ubicar a Lucho Gatica es, por estos días, una misión que fácilmente se puede transformar en un lío. En su casa de Ciudad de México practican el hermetismo. Durante varias tardes ratifican su ausencia y dan diversos paraderos: Miami, Los Angeles y Nueva York. La empleada de su hogar es sintética. "Sé que está en Estados Unidos, pero no sé dónde ni tengo algún teléfono y en casa estoy sola. Debería volver en un mes", asegura. La presencia, casi fantasmal de un nieto, resuelve el puzzle. Gatica, el más grande e históricamente popular de los músicos chilenos en el exterior, está en Los Angeles finalizando el plan promocional de su disco de duetos, "Historia de un amor", donde recrea sus boleros más emblemáticos junto a artistas de primer orden: Michael Bublé, Miguel Bosé, Beto Cuevas y Laura Pausini, entre otros.
A sus 85 años, el rancagüino mantiene su sencillez. Es de una raza distinta: jamás exhibe modos imperiales. Hace unos años, durante una visita de María Bethania a Chile, Gatica llegó al hotel donde se hospedaba a saludarla. No quiso robarle protagonismo. Cuando la conferencia de prensa de la brasileña finalizó, se acercó para presentarse. Bethania lo abrazó y le dijo que, para ella y su hermano Caetano Veloso, sus canciones fueron parte esencial de su infancia.
El cantante tiene cientos de esas historias. Y las recuerda para entrar en confianza. A raíz del nuevo disco de Paul McCartney, "New", dice: "Escuché algunas de sus canciones y me alegra que siga haciendo música. Ese tipo es un genio. Los Beatles fueron una gran banda, imborrable. Hace un tiempo viajé en el mismo vuelo desde Los Angeles a México junto a Ringo Starr. A las once de la mañana se estaba tomando un cuba libre. Me dijo que tomara un trago, pero preferí vino. Era muy temprano para tomar algo tan fuerte", recuerda. Y agrega con humor: "¿Sabes cómo le llaman al cuba libre ahora? 'Mentirita'. Desde que están los hermanos Castro en el poder, Cuba nunca más fue libre. Es un hermoso país donde tuve mucho éxito, pero nunca más volví ni tengo ganas de ir. Si Cuba vuelve a ser libre, iré".
El bolerista ha vuelto a una rutina que describe como "fascinante": tener reuniones, planear promoción y cantar. Repite que tiene poco tiempo, que va camino a juntarse con el productor Humberto Gatica, su sobrino, y con Beto Cuevas, quien, además, hizo el dibujo de la carátula de su disco que se publica el 12 de noviembre en Sudamérica, Norteamérica y España.
De pronto, se le cae el celular. "¿Dónde está el maldito celular?", se escucha a lo lejos. Tras unos segundos, su asistente lo encuentra y se lo entrega. Don Lucho dice que está feliz de que artistas consolidados participen en el proyecto. Y no piensa jubilarse ni tampoco le tiene miedo a la muerte. "Sé que me quedan pocos años de vida, pero la muerte me da lo mismo. Llegará cuando tenga que llegar. La vida ha sido demasiado generosa conmigo. Siempre lo he pasado bien: me casé tres veces, viví muy tranquilo, con todos mis hijos nos queremos mucho, me dediqué a lo que me gustaba. Sería un malagradecido si me quejara.
Cuando venga la muerte, la esperaré con alegría. Lo único que me queda es aprovechar cada minuto como si fuera el último", añade.
-Usted fue el cantante chileno más reconocido en el mundo. ¿Se siente querido por su país?
"Chile es mi país y lo adoro más que a nada. A mí me pasó lo mismo que a Elías Figueroa: varias veces me ofrecieron nacionalizarme y me negué. Soy chileno hasta la muerte y me pude dar el gusto de conocer a chilenos grandísimos como Gabriela Mistral, una mujer que cambió la educación en México, y a Pablo Neruda, que me regaló unas ediciones especiales de sus libros y que me los robaron en mi casa de Santiago. Debe ser de las veces que sentí más impotencia en mi vida. Estuve a punto de llorar".
-Las ediciones del festival de Viña de 1992 y 2002 fueron adversas para usted. ¿Le traen malos recuerdos?
"No, la juventud es así y hay que quererla como es. Cada uno tiene su forma de pensar y no puedes pretender cambiarles la vida ni sus gustos. Soy muy feliz. Bueno, mijo, ha sido un agrado y le mando un gran abrazo".
-Me gustaría hablar más con usted...
"Llámeme el fin de semana y seguimos conversando. Adiós".
DE BIOGRAFÍAS, O'HIGGINS, PRIETO Y BUBLÉ.
Localizar a Luis Gatica este último fin de semana fue imposible. Que tenía una fiesta familiar. Que estaba en una reunión. "Llámeme mañana", decía él.
Pasaba que el cantante estaba finiquitando los últimos detalles del lanzamiento de su disco. "Discúlpeme, ha sido un día de locos", se excusa. Rumbo al aeropuerto, para viajar a Miami, dice estar apenado por la derrota del equipo de su ciudad, O'Higgins, que pelea el título.
"Lamentablemente, perdimos. Pero todavía nos quedan varias fechas para seguir en la lucha. Siempre me preocupo de cómo le va a O'Higgins y trato de ver sus partidos. Aunque también me gustan otros equipos: Colo Colo y Real Madrid", indica.
Sus pulsaciones giran cuando hablamos de un tema que le resulta incómodo: la publicación, hace algunas semanas en Chile, de su biografía "El rey Lucho cantaba boleros", del periodista Pablo Márquez. Su tono afable y distinguido muta en cólera y, por momentos, grita de impotencia. "Ese señor escribió ese libro a la mala. Es un tipo que ni siquiera conozco. Nunca le di bola. A fin de año espero ir a Chile y lo voy a demandar porque no tiene permiso para hacer lo que hizo".
-El libro, por lo general, habla bien de usted. Aunque repara en la pérdida de su voz a una temprana edad...
"Esa es otra infamia. Puedo hacer lo que me dé la gana con mi voz. ¿Tú crees que hubiesen publicado un disco de una persona de 85 años si no cantara? ¿O que artistas como Bublé se hubiesen prestado para cantar con alguien que no tiene voz? Todavía puedo cantarle a la gente. Estuve tocando en Río de Janeiro hace un par de meses, en la época en que estuvo el Papa, y no tuve ningún problema. Me siento bien. Me indigna esta situación. Me gustaría publicar un libro con mi vida, pero hecho por personas que sepan escribir. No por cualquiera".
-¿Leyó el libro?
"No. Ni me interesa. Es un robo. Lo que me molesta es que supe que habla un sobrino mío -Domingo Zúñiga Gatica- y que ayudó para este libro. Jamás lo autoricé. Lo que hizo fue aprovecharse de la familia. Incluso, llamé a mi hermana para decirle que estaba muy molesto".
-Se habla de una supuesta competencia que usted tuvo con Antonio Prieto...
"Esa es otra mentira más. Nunca tuve un problema con Antonio. Es más, cuando él vivió en México nos juntábamos todos los fines de semana a comer un asado en mi casa. Compartíamos en familia, con sus niños. Es una estupidez que diga que no nos llevamos bien".
Entonces Lucho Gatica calla unos segundos y reaparece con otro tema: la felicidad de contar en su álbum con músicos reconocidos. Revivir temas como "No me platiques", "La barca" y "Perfidia", entre otros, lo llena de orgullo. Pese a que agradece la participación de todos sus colegas -Lucero, Luis Fonsi, Nelly Furtado, Olga Tañón, etc.-, hace especial reverencia ante Michael Bublé -con quien interpreta "Quizás quizás"-, y a quien considera un crooneren su estilo.
"Te voy a contar la verdad: Bublé no me conocía. Un día, Humberto (Gatica) me dice 'sería bueno incluir a Bublé en el disco' y llama a su manager. Se contactó con Bublé y le dijo que no me conocía. Allí, su manager le entregó páginas mías en Facebook y Twitter y cuando escuchó mis canciones, se sumó de inmediato. Grabamos por separado, pero es una satisfacción enorme trabajar con él, porque representa la música que hacíamos en mi época de juventud", dice.
-Usted se relacionó con Elvis Presley, Frank Sinatra, Dean Martin, Nat "King" Cole. ¿Siente nostalgia por esos años?
"No realmente. Lo único que siento es que varios de esos amigos han desaparecido. Recuerdo a mi compadre Sammy Davis Jr., una vez que estábamos en Nueva York, y me dijo 'eres uno de los mejores cantantes que he escuchado en mi vida'. Eso no se olvida. O la vez que Frank (Sinatra) me invitó a cantar con él en Las Vegas y me dijo 'tenemos un poder único'. O que te llamen 'el rey del bolero' y que te reconozcan en Brasil o España. Eso es único".
"Historia de un amor"Lucho Gatica
En una época en que el romanticismo en español pasa una de sus horas más bajas, con solistas extraídos de academias televisivas y dueños de una escasa empatía masiva, "Historia de un amor", el álbum de duetos que celebra los 70 años de vida artística de Lucho Gatica es, sobre todo, un homenaje a una de las mayores voces de la música del corazón.
Por reparto, el rancagüino aplasta. Cede protagonismo a Michael Bublé y Laura Pausini en "Quizás quizás" y el tema homónimo respectivamente, bajo el alero de guitarras prístinas y elegantes arreglos de cuerdas. Se acerca a la tradición más clásica del bolero junto a Nelly Furtado en "Bésame mucho" y a Lucero en "Perfidia" y se muestra en primer plano, dirigiendo la canción, en "Sabor a mí" con Miguel Bosé. Para el olvido: las participaciones de Ricardo Montaner -"Contigo en la distancia"- y de Il Volo -"El reloj-, un trío que se incluye por descarte más que por categoría. Son versiones frías, sin alma. Su pecado mayor es que suena demasiado estructurado, como banda de casino. En todo caso, desde la perspectiva del reciclaje, cumple: cada tema suscita un flashback romántico. Como reza el título del disco.
Felipe Rodríguez.
El último bolero de Lucho Gatica
Lucho Gatica no le tiene miedo a la muerte porque, como él mismo dice, ha hecho todo lo que tenía hacer en este mundo, entre otras cosas casarse tres veces, ser padre de siete hijos y publicar más de un millar de discos, pero a sus 85 años aún busca un bolero con el que despedirse para siempre.
Será una canción amarga, “es lo más probable”, reconoce en una entrevista con Efe en Los Ángeles, porque son ésas, las que se escriben desde el dolor y la nostalgia, las que en su opinión dejan un mejor sabor de boca.
“Ojalá encuentre una canción para decir ‘ésta es mi última canción’, la que uno canta cuando se muere”, aseguró el chileno que a lo largo de cinco décadas inmortalizó temas como “Reloj”, “La barca” e “Historia de un amor”, título que da nombre a su nuevo proyecto, un álbum de duetos que sale a la venta el 12 de noviembre.
Su voz aterciopelada de sosegada cadencia se ha emparejado con las de Laura Pausini, Beto Cuevas, Nelly Furtado, Michael Bublé, Il Volo, Luis Fonsi, Pepe Aguilar, Lucero, Miguel Bosé, Olga Tañón y Ricardo Montaner para presentar al público del siglo XXI el legado musical de quien fue bautizado como “rey del bolero”.
“Hoy hay menos romanticismo, eso sí lo puedo garantizar, pero tenemos que aceptar que la juventud tiene otros ritmos, otra forma de interpretar. Yo lo respeto porque creo que cada artista tiene su época. A mí me tocó una maravillosa”, comentó Gatica.
El elepé (LP) recopila once temas que marcaron su carrera como “Historia de un amor”, “No me platiques”, “Bésame mucho”, “Sabor a mí” y “Quizás, quizás”, en el que le acompaña Bublé e intercala español e inglés. No faltan, por supuesto, “Reloj” y “La barca” porque admite que nunca pudo terminar un concierto sin antes entonar esas dos melodías.
Gatica, muy lúcido, se entretiene narrando las anécdotas detrás de cada canción, como cuando se marchó de improviso de Barcelona para viajar a México a grabar “Sabor a mí” después de que le tararearan la letra por teléfono, o cuando le llevó la contraria a su representante, que no quería que hiciera suya “La barca”.
“Dijo que era muy corriente”, recuerda él con su sonrisa perenne.
“Le digo, ésas son las que me gustan, las corrientes porque van directas al pueblo”, cuenta Gatica que se considera bendecido con un don para dar con composiciones que conectan con su público, aunque no siempre acertara.
“‘No niegues que me quisiste’, ésa fue mi favorita siempre y no fue un éxito”, indica el artista con alma de galán al que nunca le faltaron las palabras para enamorar a una mujer. “Por eso me casé tres veces”, asegura.
“Una frase que siempre llevo conmigo: “Si pudiera expresarte cómo es de inmenso en el fondo de mi corazón mi amor por ti…”, relata, casi susurrando, como si estuviera desvelando un secreto.
Luis Enrique, como le llamaron sus padres al nacer en 1928 en Santiago de Chile, reconoce que ha “amado mucho” y se ha sentido muy querido. A estas alturas considera que ha tenido una vida plena, como dice en “My Way” su contemporáneo Frank Sinatra, con quien aparece en una de las fotos incluidas en su nuevo disco.
“Yo no le tengo miedo a la muerte, soy muy feliz”, apunta mientras que, parafraseando una carta que le escribió una vez su “gran amigo” Atahualpa Yupanqui, deja claro que le siguen quedando boleros en la garganta: “Aún soy joven, tengo menos de 100 años y una guitarra y un corazón”
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