domingo, julio 10, 2022

Yaritza Véliz: Una soprano chilena en el campo inglés

 

Sehoon Moon (Rodolfo), Yaritza Véliz (Mimì) and Christopher Lemmings (la muerte) en “La Bohème” (Puccini) en el Festival de Glyndebourne (Lewes, Reino Unido). Tristram Kenton

El Mercurio


David Gallagher

Glyndebourne es un festival de ópera que se celebra en el verano inglés. Partió en una casa de campo de la familia Christie en 1934: una casa situada en el idílico condado de Sussex, entre verdes colinas en que pastorean las plácidas ovejas de la campiña inglesa. Hoy las óperas se dan en un teatro moderno, con interiores de madera que generan una memorable acústica. El propietario actual, Gus Christie, es nieto del fundador.


Glyndebourne siempre se especializó en reclutar a directores de teatro innovadores. Es raro allí ver una producción que no sea conceptualmente desafiante. Su otra especialidad es la de escoger a cantantes jóvenes que todavía no son famosos pero que tienen enorme potencial.


En 1964, un Luciano Pavarotti, de solo 29 nueves años, cantó allí el papel de Idamante, en el Idomeneo de Mozart. Según él, en Glyndebourne le enseñaron a cantar pianissimos. Su voz fue bien acogida en esos días por los críticos, pero algunos opinaron que le faltaba oficio como actor, que no se le veía cómodo en el escenario. Desde luego Pavarotti fue mejorando cada año hasta que en 1972, a los 37, se convirtió en una magna celebridad, cuando conquistó Nueva York en La hija del regimiento.


He pensado en ese primer Pavarotti estos días, al ir a Glyndebourne a ver a la soprano chilena Yaritza Véliz cantando Mimi en La Bohème. Es una producción nueva del joven régisseur Floris Visser. Toda la acción se desarrolla en un callejón que se va angostando y que desemboca en un oscuro vacío. Apenas hay muebles: Mimi muere en el suelo. Vissier logra que uno sienta que está viendo la ópera por primera vez.


Yaritza ha sido contratada para cantar como Mimi nada menos que 15 veces, hasta fines de julio. Cada vez es ovacionada por el público. Gus Christie habla de “la maravillosa Yaritza”. Y la crítica ha sido notablemente elogiosa. Habla Richard Morrison en el Times “de una actuación de gigantesca potencia vocal y visual, de esas que anuncian el nacimiento de una estrella”. Dice Benjamin Poore de Opera Wire que “es una artista con notable control y destreza en toda la amplitud de su voz, usando pianissimi de veta fina, y gestos delicadamente esculpidos, para encauzar vastas olas de emoción.” Dice Kevin W Ng en Backtrack “no puedo imaginarme una Mimi más perfecta, su vulnerabilidad expresada a través de un uso muy juicioso de portamentos que recordaban a las más grandes Mimis del pasado. Su voz tiene plenitud lírica. Pasión ardiente, pero con frescura juvenil. Sus arias fueron preciosamente esculpidas, radiantes, con sus tintes de melancolía.”


Y así muchos más.


¿Será una exageración decir que Yaritza recuerda las grandes Mimis del pasado? No. Yo no he visto mejor Mimi. Su actuación en Glyndebourne me recordó algunas memorables actuaciones de sopranos en otras óperas. Una Elektra de Hildegaard Behrens en Nueva York. Cristina Gallardo-Domas en el Municpal como Violeta, o como Butterfly en la producción de Anthony Minghella en Nueva York. Renée Fleming en Don Giovanni.


No son muchas más.


Éramos en Glyndebourne un grupo de amigos que de alguna manera habíamos seguido la carrera de Yaritza por mucho tiempo. Belinda y Heather, que la habían descubierto cuando tenía solo 12 años y que le habían ayudado desde entonces, sobre todo a que fuera la primera latinoamericana en entrar al programa de Jóvenes Artistas en la Royal Opera House de Londres, en 2018. Sarita, mi señora, y yo que desde le embajada de Chile en Londres quisimos que Yaritza por lo menos supiera que estábamos allí, por cualquier cosa.


Nos encontramos con ella y los demás cantantes en Glyndebourne después de la función. Nos impresionó lo mucho que la querían sus colegas. Todos sabían que ella era la estrella de la jornada, pero ninguno le tenía celos. Lo que no sorprende porque ella es una mujer sana, transparente, auténtica: nadie podría no quererla. Por eso mismo es tan chocante la muerte de Mimi en el escenario.


Volvamos a Pavarotti. Sería una injusta presión a Yaritza sugerir que ella podría terminar como una versión femenina de él. Pero ella, a la misma edad que tenía él en 1964, ha despertado muchos más elogios que él en ese momento, por la amplitud y expresividad y belleza de su voz. Además, ella sí que no se siente incómoda en el escenario: al contrario, se desenvuelve con singular aplomo, abriéndose camino con maestría por esa línea delgada que hay en esta ópera entre el amor y la muerte, la juventud y el abismo. Un amenazante abismo que Visser acentúa a cada rato, sobre todo que tiene a un señor alto y flaco, vestido de un tétrico negro, que ronda siempre por el escenario, aun en las escenas más alegres, para recordarnos que él—la muerte—triunfará. Pero esa tensión entre alegría e inminente catástrofe que nos brinda Visser no habría funcionado sin la gran actuación de Yaritza, sin sus sutiles y expresivos vaivenes entre esos dos polos.


Algunos dirán que la comparación con Pavarotti es gratuita. Repito, no cabe presionar a Yaritza. Contentemos nos con celebrar lo que ya ha logrado y que una nueva estrella chilena recorra el mundo. Una que afortunadamente podremos ver como Violeta en el Municipal a fines de agosto.

sábado, julio 09, 2022

Muere el insigne guitarrista de jazz Panchito Cabrera


 El Mercurio

El impulsor de la música manouche en Chile tenía 92 años.


Producto de una neumonía, Francisco Cabrera Sánchez, más conocido en los círculos musicales de siete décadas como Panchito Cabrera, murió ayer a los 92 años. Como músico se inició en 1947 tocando en orquestas típicas, características y de baile, pero su gran impronta quedó marcada como solista de jazz y la figura que llegó a ser como el máximo nombre del jazzmanouche, que él recogió escuchando en la radio en Antofagasta al célebre Django Reinhardt. Su aproximación musical y su parecido hasta físico con el guitarrista gitano lo encumbraron a ese estatus en Chile. Panchito Cabrera integró conjuntos como los Merry Makers, los Chevaliers y el Santiago Hot Club, e influenció a una serie de elencos de jazz gitano.



viernes, julio 08, 2022

Músicos solitarios y las voces que surgieron desde el aislamiento

 El Mercurio


“En solitario” se titula la saga de composiciones que diversos protagonistas del jazz actual crearon como otro testimonio de los tiempos pandémicos y sus restricciones.

IÑIGO DÍAZ


Cada miércoles por la noche Óscar Pizarro se instala en el piano vertical de Naima, el nuevo club de jazz ubicado en el subterráneo de la casona que también es sede de Tromba Pomodoro, en el barrio Santa Isabel. Allí efectúa un número solista y solitario sustentado en el repertorio standard jazzístico de todos los tiempos. En medio de ese ajetreo, Pizarro también está presentando “Sendero alto”, casi ocho minutos de música en la misma lógica del piano solo aunque en otra frecuencia: se trata de una composición propia, destinada a integrar un álbum colectivo del sello Vértigo titulado “En solitario”, del que ya se están conociendo diversas experiencias.


“Este proyecto considera a varios nombres del jazz actual. Surgió en la pandemia, entre esa intensa actividad que hubo durante las cuarentenas, cuando todos subían material a redes y organizaban lives streaming. Pero creo que no se estaba viendo entonces la verdadera identidad de cada uno. ‘En solitario' fue como decir ‘paremos un minuto, mostremos un discurso y una declaración'”, dice el curador del proyecto, Alejandro Sánchez.


De este modo, “En solitario” presenta composiciones creadas especialmente para esta muestra, que estrena una pieza cada tres semanas por vías digitales. En total son 15 nombres y 15 creaciones. Ya están publicadas las obras de Óscar Pizarro, del guitarrista Sebastián del Hoyo, del trombonista Alfredo Tauber, el contrabajista Maximiliano Flynn y el baterista Cristóbal Massis. En especial, estos dos últimos casos llaman la atención: ni el contrabajo ni menos la batería son instrumentos solistas, sino formalmente para el acompañamiento.


“En el encierro aprendí a acompañarme a mí mismo y eso está representado en la música que compuse, con tres baterías que se van superponiendo. Hay una parte solística próxima al jazz libre que contrasta con los otros segmentos de batería y con el canto rítmico de la India konnakol, que también estudié en ese tiempo”, explica Massis sobre “Brindis de invocación”.


“Me tiré un piscinazo con esta composición, que se creó en dos momentos muy vertiginosos. Quise complementar los roles de lo rítmico, lo melódico y lo armónico en una obra. Yo nunca había escrito una música para contrabajo solo, sino algunos arreglos para el ensamble de contrabajos de Sergio Espinosa”, añade, por su lado, Flynn acerca de la dinámica “Humus lombrisol”.


“En solitario” presentará otras obras de músicos como el guitarrista Daniel Miranda, el trompetista Juan Pablo Salvo, el baterista Juan Pablo Jaramillo, el contrabajista Pablo Vidal o el pianista Joaquín Fuentes, una serie que finalizará este semestre en un disco, siempre acompañada por los retratos de los músicos realizados por la diseñadora y pintora Abril Bustamante.

miércoles, julio 06, 2022

El riesgo de una catástrofe en la basílica de madera de Andacollo

Unas 150 mil personas, entre bailarines, peregrinos y visitantes, se reúnen en Andacollo en sus dos fiestas anuales. Desde 2019 que no se han podido realizar. ALEJANDRO PIZARRO UBILLA


 El Mercurio


Original del arquitecto italiano Eusebio Chelli, comenzó a construirse en 1873, pero nunca ha sido sometida a una conservación científica. La experiencia con el incendio de San Francisco de Ancud ha alineado a la comunidad en la urgencia por una prevención.

IÑIGO DÍAZ


Es difícil imaginar las dimensiones del fenómeno si uno no está ahí para testimoniarlo. En Andacollo, localidad frente a las costas de Tongoy y Guanaqueros, a unos 65 kilómetros hacia el interior de Coquimbo, viven 12 mil personas. Pero en ocasión de las festividades marianas en su santuario consagrado a la Virgen del Rosario, esa población flotante se multiplica por doce.


“Se congregan más de 150 mil personas durante la fiesta chica, en octubre, y la fiesta grande, que coincide con la Navidad. Estamos hablando de 140 grupos de bailes religiosos, que reúnen a cinco mil miembros y sus familias, además de todos los peregrinos que llegan desde la región y el país”, dice el párroco de Andacollo, el padre claretiano polaco Adam Bartyzol.


La concentración de devotos en lugares como Andacollo se repite en otras festividades: La Tirana, Lo Vásquez, San Sebastián de Yumbel y Caguach, en Chiloé. “Pero tanto esta fiesta chilota como las de Andacollo reúnen un elemento más que considerar: se realizan en templos de madera. Existe un alto riesgo de incendio si no se protegen debidamente”, señala el bombero experto en patrimonio Damián Farías.


Como encargado de Emergencias de la Fundación ProCultura, Farías fue parte de un plan de prevención de incendios para las 16 iglesias chilotas con denominación de Patrimonio de la Humanidad por la Unesco.


“Este plan es absolutamente replicable en la gran basílica de Andacollo, que estamos observando ahora”, añade Farías. Un informe realizado por la Superintendencia de Electricidad y Combustibles en septiembre de 2019 activó las alertas en el norte: el Santuario de Andacollo —formado por el templo mayor, la parroquia, la casa y el liceo parroquial— se encuentra en alto grado de vulnerabilidad.


Nunca desde que se inauguró su construcción en 1893, como proyecto del arquitecto italiano Eusebio Chelli (autor de abundantes iglesias, entre ellas la Recoleta Dominica, de 140 años), la basílica ha sido sometida a un estudio de conservación científico, con fondos y recursos humanos destinados. “Solo se han realizado arreglos informales, por voluntad de uno y otro, la comunidad, la misma parroquia. Este es un requerimiento a nivel país, que debería tomarse públicamente considerando su estatus de Monumento Histórico”, señala el arquitecto Raúl Irarrázabal, en un primer diagnóstico, como parte de ProCultura.


Cero posibilidad


Según advierte, el riesgo principal lo representa la falta de mantención en los sistemas eléctricos, que datan de hace unos 40 años. Testigo del día a día en la basílica, el párroco añade: “Son condiciones bastante malas. Se requiere urgente el cambio de esa instalación”. También se considera una escasa conservación de la materialidad pese a su solidez estructural, y el ataque de xilófagos en las maderas.


Pero a ello debe sumarse lo principal: el gran flujo de personas que visitan Andacollo en las citadas festividades. “En el interior caben 10 mil personas de pie”, asegura el padre Bartyzol, respecto de la planta en el templo mayor, unos 2.200 m2. “Un peligro aquí es el tema de las velas. Antes, los peregrinos las dejaban allí, pero ahora se construyó una gruta en el exterior, donde se depositan esos miles y miles de velas. Hoy está prohibido ingresar al templo portando las velas”, indica.


“Por su condición de santuario, Andacollo no es una iglesia común en Chile. Y sus atributos arquitectónicos son sobresalientes: es la más grande construida en madera, más que la Catedral de Castro. Su estructura en pino Oregón y un volumen en la nave central llega hasta los 25 metros de altura, inusual para un edificio en madera”, apunta Irarrázabal.


Un levantamiento realizado por la Facultad de Arquitectura y Urbanismo de la U. de Chile en 2009 es la base para los estudios actuales allí. La basílica tiene una cúpula octogonal que se empina por los 45 metros de altura y un frontis coronado por dos torres de 53 metros. Su nave central tiene forma de bóveda de cañón corrido, y otras dos laterales compuestas por una sucesión de arcos. En el transepto se emplazan dos capillas laterales.


El objetivo de los representantes religiosos, la comunidad andacollina y los consultores que están participando en el proyecto es advertir a las autoridades sobre una urgencia. Un diagnóstico crítico —dicen— puede tomar dos años. Y un proyecto de restauración y conservación, otros dos. “Entretanto, el riesgo sigue latente. De ocurrir una tragedia, esta es una iglesia en la que no habría ninguna posibilidad de reconstruirla”, sentencia el arquitecto.


Andacollo es el segundo santuario mariano más antiguo de América Latina, después de Guadalupe de México. “Y la imagen de la Virgen que se conserva aquí llegó desde los talleres de talla de Lima en 1676, 142 años antes que la Virgen del Carmen. Debería ser la Patrona de Chile”, dimensiona el párroco Adam Bartyzol.

La nave central de la basílica , con más de 2.000 m2, conserva valiosa ornamentación en madera e imágenes religiosas. RAÚL IRARRÁZABAL


Tres años después reabre la emblemática Sala Isidora Zegers

 El Mercurio


Con el concierto de guitarra de Iván Avendaño y Daniel Poblete se cierra el paréntesis de silencio en Compañía 1264. El programa, gratuito, se extiende hasta noviembre.

IÑIGO DÍAZ

Con la misma forma curvada que tiene el edificio de la Facultad de Artes de la U. de Chile, en Compañía 1264, la Sala Isidora Zegers recibirá por fin a 240 personas de una sola vez, el cien por ciento de su aforo. Hacía tres años que este escenario clave en el circuito musical capitalino se encontraba cerrado debido a los impedimentos del estallido de octubre y la pandemia.


Hoy, a las 18:30, reabre con pase de movilidad para el inicio de la Temporada de Conciertos del Departamento de Música de la U. de Chile, que son gratuitos y que además se podrán ver online por la cuenta de YouTube de la propia Sala Zegers. Tres cámaras robotizadas transmitirán el programa “La guitarra a través de los siglos”, de Iván Avendaño (25) y Daniel Poblete (28).


“Cada uno interpretará tres obras, del Barroco, el período Clásico Romántico y el siglo XX. Es una mirada amplia de la guitarra clásica, desde Bach y Silvius Leopold Weiss hasta compositores como el mexicano Manuel María Ponce y el cubano Leo Brouwer, que es fundamental en la guitarra actual y está vigente”, comenta Avendaño.


Tan vigente está Brouwer, de 83 años, que uno de los conciertos tendrá al guitarrista Nicolás Acevedo con el estreno de una obra que el cubano le dedicó. “Hoja de álbum” se escuchará el 24 de agosto, en el lanzamiento del disco del músico chileno. La Temporada de Conciertos se extiende por cada miércoles hasta mediados de noviembre.


“El Día del Patrimonio celebramos en la sala los cien años de la primera transmisión radial. Tocamos la música que se escuchó ese 20 de agosto de 1922”, dice Fernanda Vera, subdirectora del departamento. “La Temporada de Conciertos da una continuidad presencial, con música diversa pensada desde la comunidad universitaria como mediación para quienes viven en el centro”, agrega.


El programa considera más momentos de guitarra clásica, con el dúo de Luis Orlandini y Romilio Orellana (20 de julio), junto con otras duplas: Josué Flores y Juan Ahumada (13) y Jorge Sepúlveda y Martín Sanhueza (27). También se abre a otras propuestas, con solistas como la pianista de la U. Católica Rosa Vergara y su concierto “Danzas, pasiones y nostalgias americanas” (3 de agosto), y de ensambles como el Quinteto sin Nombre (19 de octubre); el Dúo Alcoconcuerda (7 de septiembre), o el Dúo Martí-Leone (21 de septiembre) y su programa de compositores y compositoras chilenas en una rigurosa paridad de género.


A ellos se une el programa del Gema, el famoso Gabinete de Electroacústica para la Música de Arte (31 de agosto) o el Ensamble Tarab (en el simbólico 12 de octubre), una orquesta de cámara que investiga y proyecta la música del mundo árabe. La Sala Isidora Zegers vuelve al ruedo con toda su historia. Bautizada en los años 60 como La Reforma, allí por ejemplo tuvo lugar un concierto de improvisación libre de Los Jaivas en mayo de 1970, cuando aún no se llamaban Los Jaivas. De hecho ese día se bautizaron como tales, rociando un afiche con cerveza y zapateando encima.

martes, julio 05, 2022

Centro Cultural La Moneda enfrenta cambios profundos

 El Mercurio


Fue removida la directora, Beatriz Bustos; se renovó la dirección de la Cineteca, y cambió el directorio. “Esto no es una reestructuración”, dice Pablo Brugnoli, director interino.

Roberto Careaga C.


No es un terremoto, pero casi. En las últimas semanas, el Centro Cultural La Moneda (CCLM) ha entrado en un proceso de cambios de buena parte de autoridades que adelanta modificaciones en su trabajo. La más importante es que la directora de la institución, Beatriz Bustos, fue removida de su cargo después de cuatro años y ahora se inició un proceso de concurso público para buscar a su reemplazante. La decisión vino de la mano de un cambio en el directorio, que dejó de ser encabezado por el pintor Gonzalo Cienfuegos y ahora lo preside la periodista Antonella Estévez.


Paralelamente, ayer se confirmó que la Cineteca Nacional de Chile, que opera al alero del CCLM, también tendrá un cambio en su dirección: después de siete años a la cabeza del archivo, a la investigadora Mónica Villarroel se le pidió la renuncia para “hacer un cambio simbólico” —como comentó ella misma en un mensaje de redes sociales— y en su reemplazo fue nombrado el periodista Marcelo Morales, creador de CineChile.cl, una enciclopedia del cine nacional y que ya había sido parte del equipo de la Cineteca.


“Esta no es una restructuración”, advierte Pablo Brugnoli, quien asumió como director interino del CCLM y que, entre otras cosas, estará a cargo de seguir el concurso para buscar a un nuevo director. Parte del equipo de la institución desde la administración de Alejandra Serrano (2007-2018), cuenta que su labor es velar por los trabajadores del centro y también por su prestigio. “Aquí no se viene a partir desde cero, hay un idioma que se construyó en todos estos años. Lo que sí es que hay que hacer acentos, los tiempos nos demandan énfasis. Estamos viviendo un momento histórico de transformación política, social y cultural del país. Y este Centro Cultural tiene que ser parte de esa discusión y aportar desde la cultura a un relato de reencuentro. Es importante que seamos un espacio donde se encuentren miradas divergentes”, sostiene.


En parte, esos lineamentos habían sido trabajados por Beatriz Bustos, que señaló que el directorio le solicitó que dejara el cargo el viernes 24 de junio. “Estoy muy conforme con lo que pude desplegar, reconociendo que fueron tiempos difíciles. Creo que fuimos el centro cultural que menos días cerró durante la pandemia. Logramos activarnos y tomamos una decisión arriesgada con una muestra como la de Paul Klee. Por otro lado, también dejo una agenda programática que refleja asuntos curatoriales, que impulsa el medio ambiente, la cohesión social, la interculturalidad y el patrimonio visto desde el presente. Tengo la convicción de que estos lineamentos son muy necesarios para el Chile de hoy”, asegura.


Directorio nuevo


Inaugurado en 2006 y ubicado estratégicamente a las puertas del Palacio de La Moneda, el CCLM ha hecho de su sello una suma de patrimonio histórico y arte contemporáneo: se han mostrado desde Obras Públicas, el trabajo plástico de Nicanor Parra, hasta una exposición sobre la antigua China y los Soldados de Terracota, pasando por muestras de Picasso, Andy Warhol, J.M.W Turner, y Paul Klee, aún abierta. Para Bustos, lo que viene es una incógnita: “Desconozco la idea que tienen para el futuro Mi deseo es que siga siendo un espacio de encuentro”, sostiene.


Exdirectora del festival FemCine y conductora de programas en la radio Universidad de Chile, Antonella Estévez fue designada por la ministra de las Culturas, Julieta Brodsky, como presidenta del directorio del CCLM, que también fue renovado: en marzo renunciaron el galerista Pedro Montes y el coleccionista Jorge Larraín Matte, y luego dejaron sus funciones el artista Gonzalo Sánchez, el arquitecto Federico Sánchez, la gestora cultural Drina Rendic y Gonzalo Cienfuegos. Siguen en el directorio el subdirector de Museos Nacionales, Alan Trampe, y el productor de cine Abdullah Ommidvar. Y se integran el director subrogante de la Dirac, Erwan Varas; el arquitecto Eduardo Feuerhake, la académica Constanza Symmes, el filósofo Sergio Rojas, la gestora cultural Denise Elphick y el músico Oscar Núñez.


Por su parte, Marcelo Morales llega a la Cineteca siguiendo los pasos de los investigadores Ignacio Aliaga y Mónica Villarroel. “Tomo el legado de dos grandes personas que admiro mucho. Pondré (en el cargo) toda mi dedicación e ideas de lo importante que es resguardar y difundir el cine chileno. Soy un convencido de lo vital que es conocer nuestras imágenes sin prejuicios, de criticarlas, disfrutarlas, de dejarnos llevar por ellas y de pensar con ellas también en el presente, en lo que hoy nos rodea, en lo que fuimos y somos”.

domingo, julio 03, 2022

Con “La Bohème” el Municipal de Santiago busca recuperar su sitial en la ópera

El Mercurio

Haces tres años fue la última temporada lírica del escenario de Agustinas. Una espera que terminará este sábado, cuando este histórico teatro abra el 2022 con este popular clásico de Puccini en versión de concierto. “Esta es una temporada todavía con la marca de la pandemia”, adelanta la directora general Carmen Gloria Larenas.
Maureen Lennon Zaninovic

Asumió su cargo como directora general del Municipal de Santiago en noviembre de 2019, en momentos bastante complejos para el país, tras el estallido del 18 de octubre. Luego, como sabemos, vino la pandemia y Carmen Gloria Larenas debió enfrentar otro escollo muy desafiante para el teatro, ante la imposibilidad de recibir ingresos por la venta de entradas de espectáculos presenciales.

Aunque hacia fines del año pasado este histórico escenario de Agustinas empezó poco a poco a volver a recibir público y de hecho, programó la ópera “Don Giovanni” de Mozart en versión de concierto, desde 2019 que no ofrece una temporada de ópera (ese año lírico cerró con “Fausto” de Gounod). Afortunadamente para los operáticos la espera llegó a su fin. Este sábado se presentará “La Bohème” de Puccini: el primero de tres títulos que se montarán en 2022. La oferta también suma “La Traviata” (agosto) de Verdi y terminará en noviembre con “Manon” de Massenet (solo esta última incluirá puesta en escena, las dos primeras serán en versión de concierto).

“Esta sería mi primera temporada de ópera”, advierte Carmen Gloria Larenas en su oficina del Municipal de Santiago, en el mismo despacho que ocuparon sus antecesores Frédéric Chambert y Andrés Rodríguez Pérez. Agrega que el año pasado “tuvimos una incursión con ‘Don Giovanni' para ir ajustando la máquina y poder volver con este género. Esta es una temporada todavía con la marca de la pandemia, pero lo positivo es que se abre un camino de futuro retorno a la normalidad a la que nuestro público ha estado acostumbrado históricamente”, dice esta exbailarina del Ballet de Santiago y quien fuera, hasta el 2019, directora artística del Teatro del Lago. Carmen Gloria Larenas comenta que escogieron “La Bohème” para abrir porque es una obra muy querida por los melómanos. “Pensamos en las dos primeras óperas de concierto que fueran propuestas que llamaran a venir a nuevos espectadores, tomando en cuenta, además, que desde que volvimos a la presencialidad un 52 por ciento de los asistentes corresponde a un público que nunca antes nos había visitado. Nos parece muy importante poner sobre el escenario una propuesta que sea reconocible para muchas personas”, explica la directora general del Municipal de Santiago. Y también se explaya en torno al concepto de concierto. “No hay escenografía o vestuario. Es la voz de la manera más despojada. La música está totalmente expuesta, sin distracciones de ningún tipo”, apunta, y añade que cada vez más teatros internacionales programan óperas de conciertos porque significa abaratar costos y ampliar la oferta. “Es una herramienta a la que vamos a seguir recurriendo para enriquecer nuestro contenido”, sentencia la profesional.

Mario Córdova, crítico de música de Las Últimas Noticias, no está de acuerdo con este formato. “Somos uno de los pocos teatros a nivel mundial que no hemos retomado la ópera como un espectáculo integral. La ópera no es un concierto, sino una propuesta donde confluyen el canto y la puesta en escena. Sin una de esas partes queda coja”, dice. Por su parte, el profesor Claudio Cabezas, abonado desde hace más de tres décadas, entrega matices: “Es cierto que en otros escenarios las temporadas líricas están funcionando con cierta regularidad, pero eso no significa que los problemas hayan desaparecido. Importantes coliseos como el Covent Garden de Londres y el Liceo de Barcelona han sufrido la cancelación de Jonas Kaufmann y Javier Camarena, respectivamente, por covid-19. Esto debiera ser una señal de que la prudencia en la recuperación de nuestras temporadas es una medida acertada”, apunta Cabezas.

Limitaciones de aforo

Desde el inicio de la emergencia sanitaria, este histórico teatro optó por una programación en línea, a través de la plataforma Municipal Delivery. “No nos cabe ninguna duda de que la raíz de ese 52 por ciento de público nuevo es probablemente por el trabajo digital que hicimos en los últimos meses. Gracias a ello hay audiencias que se han sentido atraídas por ver un espectáculo de ballet, de ópera o de conciertos. Esa fue una razón que tomamos al definir esta temporada lírica”, expresa Carmen Gloria Larenas.

—¿Por qué programaron solo tres títulos?

“Fuimos cautos porque las limitaciones de aforo existen y porque la pandemia significó un cambio para todo el sector cultural y, en nuestro caso, tenemos que retomar gradualmente nuestra actividad, para que sea un camino sustentable en el tiempo y que nos permita hacer incluso más de lo que hacíamos antes de esta coyuntura. Eso es algo paulatino”.

—¿Siguen funcionando con 50 por ciento de aforo?

“A partir de este mes, con ‘La Bohème' y según las nuevas disposiciones del Ministerio de Salud, vamos a subir a un 75% de aforo (las propuestas que no incluyen canto en vivo —a diferencia de la ópera y los musicales— sí pueden funcionar sin restricciones de público). Vamos a mantener la diversidad de precios y ubicaciones y respetaremos las localidades de los abonados. No vamos a cambiarlos de nuevo. Con este aumento llegaríamos a 904 butacas (la capacidad total es de 1.466). Eso sería lo máximo a lo que podríamos aspirar. Lamentablemente siguen existiendo limitaciones para los espectáculos que incluyen canto en vivo y coros, pero hoy subir de 500 a 904 localidades para nosotros es una gran ayuda.

Junto con ello, por lo menos en esta primera etapa y desde fines del año pasado, también seguimos con 200 butacas menos, ya que sacamos algunas para instalar a la orquesta en ese espacio y no ocupar foso y así evitar contagios. Hacia fin de año, esta realidad debería estar normalizada. En noviembre, con ‘Manon', deberíamos sumar más aforo porque la Filarmónica regresará al foso. Estamos trabajando en mejoras en el foso: no estamos hablando de uno nuevo o retráctil, porque eso implica una intervención mayor, pero conversamos con los músicos y los sindicatos para regresar. ¡Esa es una muy buena noticia!”.

—¿Algunos han reclamado que, dadas las limitaciones de público, quedan muy pocas entradas a la venta?

“Hay que considerar que los abonados renovaron con anticipación sus ubicaciones, además de todas las personas que compraron tickets sueltos antes de la pandemia y que mantuvieron su dinero en la tarjeta virtual y, con justa razón, quieren el acceso que pagaron. Nuestra prioridad ha sido ubicarlos a todos ellos y, por supuesto, como el aforo ya está reducido, la disponibilidad de entradas para la venta es menor. Con el anuncio del 75 por ciento, va a aumentar un poquito más la disponibilidad de compra”.

—¿Van a reponer los precios diferenciados para estudiantes y público joven?

“Hemos detectado que no es lo mismo tener una política de descuento para un grupo que quizás sí puede pagar su entrada, en contraposición a otras organizaciones o habitantes de otras comunas que sí tienen más dificultades económicas. Más que hacer un plan parejo para todos, estamos trabajando con municipios, con organizaciones, con colegios profesionales para que los descuentos sean más eficientes. También estamos pensando en comunas que aportan al teatro, como Providencia, Las Condes y Vitacura, y otras que no dan, pero sí tienen interés”.

—Desde el 2019 que el teatro no contrata a artistas internacionales en su temporada de ópera…

“Efectivamente, pero ahora con ‘La Bohème' eso cambió. Tenemos dos elencos espectaculares y lo que más me motiva —y hemos trabajado muy duramente en poder avanzar en esto— es derribar esta división entre elenco internacional y nacional. Eso segmenta equivocadamente, porque ambos elencos tienen que ser atractivos, en ambos puedes descubrir cosas o tener talento joven. Lo que más me enorgullece en este inicio de temporada es que como equipo y junto a nuestro director de casting Alex Fernández, encontramos voces en ascenso que lo más probable es que próximamente sean estrellas y logramos traerlas antes de que sea más difícil hacerlo. Es muy significativo tener al peruano Iván Ayón-Rivas (Rodolfo), ganador del Concurso Operalia 2021; a la mexicana Yunuet Laguna (Mimí), quien salió del Lindemann Young Artist Development Program del Metropolitan Opera House de Nueva York, o al venezolano Jorge Puerta, quien tiene una voz increíble. Todos ellos mezclados con voces chilenas, algunas más consagradas y otras del Ibáñez Atkinson Young Artist Program. Tienen harto nervio los dos repartos”.

—Hay operáticos que elogian que el Teatro Colón de Buenos Aires ya lleva dos años ofreciendo óperas completas y el Municipal decidió ofrecer dos títulos de concierto…

“Entiendo la frustración y entiendo que quieran compararnos con el Teatro Colón porque somos vecinos. Me encantaría tener un presupuesto mucho más amplio y generoso, pero también creo que la ópera de concierto es un acto muy acorde a la época y a los tiempos de la pandemia, con todos los desafíos económicos que ello conlleva. Hay que asumir lo que nosotros somos y cuidar nuestra historia de teatro ópera. Por eso hablo de los cantantes jóvenes, porque es evidente que no podemos traer a una Netrebko o a la Sonya Yoncheva, pero sí podemos apostar por descubrir a voces del futuro”.


Tres protagonistas adelantan el inicio de la temporada 2022

Yunuet Laguna es la primera soprano mexicana que consiguió ingresar al prestigioso Lindemann Young Artist Development Program del Metropolitan Opera House de Nueva York. “Soy muy afortunada de haber formado parte de este programa y en una generación donde solo aceptaron a cuatro cantantes de todo el mundo”, señala la artista en el Municipal de Santiago. Laguna, quien dará vida desde este sábado a Mimí, añade que “aún no lo puedo creer. En Chile estoy haciendo mi debut en Latinoamérica y me siento muy cobijada por el teatro. Estoy muy ansiosa de conocer al público chileno. Hermoso compartir en un elenco con voces increíbles y todos somos jóvenes”. Sobre la visión de su personaje, comenta que para ella “no es la mujer vulnerable, frágil, sino más bien una chica muy inteligente, que sabe su situación, pero que sabe también que no puede hacer mucho. En medio de todo, encuentra el amor, comienza a vivir la emoción del amor; pero también se enfrenta a la cruda realidad de que la vida no es para siempre”, cierra la soprano mexicana.

Fabiola Matte tiene a su cargo la dirección dramática y adelanta que ha sido un desafío involucrarse en este proyecto. “Yo generalmente trabajo con puestas en escena, pero esta producción se enfoca en las relaciones, en lo más sencillo de la actuación. Mi objetivo es que lo que se cante tenga un lugar y un motivo. Ha sido bien bonito porque es como volver a las bases de la actuación, donde te despojas de todo y quienes hablan son los personajes”. Matte agrega que “La Bohème” es una ópera “muy descriptiva: con la vela, con la llave y todo el cotidiano y ha sido un trabajo precioso de crear, donde los cantantes hacen pequeños juegos, interactúan y viven lo que cantan”, concluye.

Roberto Rizzi Brignoli, director titular de la Orquesta Filarmónica de Santiago, alternará la conducción musical con Pedro-Pablo Prudencio. El músico italiano explica que “es increíble, porque se trata de una obra juvenil de Puccini y ahí comprendemos su genio. Tres años antes irrumpió con un gran éxito como lo fue ‘Manon Lescaut' y luego nos sorprendió con esta creación bohemia de gran madurez y nivel. No hay que olvidar que se trata de una música de detalle. Es la música de las cosas pequeñas. La música de Puccini es un canto de conversación, es un canto minimalista conectado con la palabra justa y con un color particular”. El director titular de la Filarmónica de Santiago continúa y afirma que Puccini fue “capaz de tocar directamente los corazones de las personas a través de un discurso melódico y armónico y también por la orquestación. Parece que es fácil, como una canzonetta italiana, pero hay un trabajo impresionante de leitmotiv y de pequeñas cosas que se interrelacionan. Estoy seguro de que quien escuche por primera vez ‘La Bohème' va a amar la ópera”.

Los desafíos que enfrenta este escenario

Esta semana “El Mercurio” reveló un clima de tensión en el Ballet de Santiago a raíz, entre otros problemas, de la salida de dos maestros históricos de esta compañía clásica dirigida por Luis Ortigoza: Marcela Goicoechea y Eduardo Yedro. Junto con ello, hace alrededor de un mes dejó su cargo Leonardo Pozo, gerente del teatro. “Estamos en proceso de selección para la nueva persona que ocupe este puesto de la Gerencia General. Es un proceso donde llevamos tres semanas y estamos trabajando con una consultora externa. Hemos entrevistado a muchos candidatos y la persona escogida debe estar nombrada de aquí a dos semanas”, adelanta Carmen Gloria Larenas. El directorio del Municipal de Santiago, cuya presidenta es la alcaldesa Irací Hassler, también cuenta con tres bajas importantes. El gestor cultural Alfredo Saint-Jean confirma a Artes y Letras que desde hace meses dejó la vicepresidencia del directorio, sin revelar las causas. También, por incompatibilidad con sus nuevos proyectos laborales, ya no están Faride Zerán, quien es la nueva presidenta del Consejo Nacional de Televisión, y Máximo Pacheco, actual presidente del directorio de Codelco. Esta instancia estaría operando con tres profesionales: el empresario Juan Manuel Santa Cruz; el director de la Fundación Cultural de Providencia, Jorge Andrés González Granic, y la antropóloga Carla Pinochet Cobos, en representación del Ministerio de las Culturas. “Nombrar los tres cargos vacantes es una decisión que le compete solo a la alcaldesa”, cierra Larenas.

Programarse

“La Bohème”
Dirección musical: Roberto Rizzi Brignoli/Pedro-Pablo Prudencio
Dirección dramática: Fabiola Matte
Mimí: Yunuet Laguna/Alexandra Razskazoff
Rodolfo: Iván Ayón-Rivas/ Jorge Puerta
Desde el 9 al 23 de julio. Más información en Municipal.cl

El presente de Billy Idol en la previa a su primer concierto en Chile

El Mercurio

El icónico músico británico se presentará en el Teatro Caupolicán el 4 de septiembre.
Raimundo Flores S.

El desarrollo de la industria de conciertos en Chile ha hecho que, poco a poco, la lista de emblemas musicales del siglo pasado que nunca han tocado en el país haya disminuido significativamente. Sin embargo, aún hay algunas deudas pendientes con el público local, como el caso de Billy Idol, quien finalmente saldrá de esa lista el próximo 4 de septiembre, cuando se presente en el Teatro Caupolicán.

El músico británico es un ícono de los años 80, aunque su recorrido haya comenzado antes como guitarrista de la banda Chelsea y luego como líder de Generation X, grupo que dejó a fines de los 70 para comenzar su carrera solista, donde patentaría éxitos como “Eyes Without a Face” y “Rebel Yell”.

Desde los 90 su producción discográfica se hizo algo más esporádica, pero precisamente su debut en Chile se da en medio de una de sus etapas más activas del último tiempo. El año pasado, Idol lanzó un EP llamado “The Roadside”. En este se reunió con Steve Stevens, uno de sus aliados históricos, y Butch Walker, productor que recientemente ha trabajado con grupos como Green Day y Weezer.

Junto a ellos pasó algunos de los meses más crudos de la pandemia escribiendo las cuatro nuevas canciones que conforman este trabajo, donde Idol reaparece con su tradicional energía rockera, aunque también a ratos más introspectivo.

En “Bitter Taste”, el single promocional del EP, Idol aborda el grave accidente que sufrió andando en moto en 1990. El percance casi lo hizo perder una pierna, pero también fue el hito que lo hizo decidir dejar las drogas. “En esa canción reflexiono sobre si el accidente fue algo terrible o algo realmente bueno. En ese momento hice un balance de todo y comencé a darme cuenta de que tenía que controlarme en términos de mi adicción”, contó a la revista Louder Sound.

De todos modos, su regreso discográfico no se quedó solo en ese EP. En noviembre también publicó una reedición remezclada y remasterizada de “Happy Holidays”, álbum publicado originalmente en 2006, en el que reversionó clásicos navideños.

Además, en 2020 Idol fue parte del último disco de Miley Cyrus, donde hicieron un dueto en la canción “Night Crawling”. Ahora, junto con la gira mundial que está realizando, anunció que se encuentra filmando un documental sobre su vida, que será dirigido por Jonas Akerlund, quien ha hecho videos para Madonna, Lady Gaga, Beyoncé, Ozzy Osbourne, U2, Metallica, Taylor Swift y Coldplay, entre otros.

sábado, julio 02, 2022

Gratis, 6 y 7 de julio: La Orquesta Clásica y el Coro Sinfónico Usach darán conciertos

El Mercurio

En el marco del aniversario 173 de la Universidad de Santiago y bajo la dirección general de David del Pino, ambos elencos interpretarán la Novena Sinfonía de Beethoven. Para la agrupación vocal —dirigida por Andrés Bahamondes— será la primera presentación presencial luego de casi tres años de pausa debido a la pandemia. Participarán como solistas la soprano Patricia Cifuentes, la mezzosoprano María José Uribarri, el tenor Felipe Gutiérrez y el barítono Pedro Alarcón. Los conciertos se realizarán este miércoles y jueves en el Teatro Aula Magna Usach, a las 19:30 horas. Gratuito y con previa inscripción en Extension.usach.cl.

jueves, junio 30, 2022

Exposición rescata audios históricos registrados por Martin Gusinde

 

Con un grupo de yámanas, Martin Gusinde y Wilhelm Koppers, también sacerdote y antropólogo, en 1923. Archivo Museo Histórico Nacional


El Mercurio


La Corporación Cultural Las Condes abre este sábado una muestra que reúne grabaciones de cantos yámana, selk'nam y kawésqar de hace un siglo.

María Soledad Ramírez R.


Cuando el sacerdote de la Congregación del Verbo Divino Martin Gusinde realizó su tercer viaje a Tierra del Fuego, iniciado en diciembre de 1921, llevó consigo no solo su cámara fotográfica, sino también un fonógrafo de cilindros de cera —que hubiese querido llevar desde su primer viaje, en 1918, pero que por falta de medios no pudo— para grabar las voces de los pueblos que estimaba no iban a sobrevivir mucho más tiempo, por su dramática caída demográfica. Otro tanto hizo en su cuarta visita, en 1923; su instinto de científico e investigador sabía que ese material sería importante.


Esos registros de cantos y palabras de selk'nam, yámanas y kawéskar los envió directamente al Berliner Phonogramm-Archiv del Museo Etnológico de Berlín, para que los musicólogos y etnógrafos los pudieran estudiar. Ahí se conservan hasta hoy unas 60 grabaciones, seis de las cuales se podrán escuchar en Santiago en la muestra que este sábado abre en el Centro Cultural Las Condes, organizada con el apoyo de la Fundación Gusinde, hasta el 31 de julio, “Voz fueguina. 100 años de silencio”.


Los registros sonoros son de los tres pueblos y se escucharán en una de las salas destinadas a la exposición. También habrá 25 fotografías tomadas por el sacerdote, que conserva el archivo del Museo Histórico Nacional. Y habrá cuatro antiguos aparatos de reproducción musical, facilitados por el Museo de Ciencia y Tecnología (Mucytec), que no siendo los originales, se asimilan a estos. Los artefactos son dos fonógrafos, uno Edison Standard Phonograph y otro marca Pathé, y dos cilindros de cera de Edison Gold Moulded Record.


“Después de 100 años, estos registros vuelven a estar con nosotros”, señala Mary Anne Le May, directora ejecutiva de la Fundación Gusinde, quien rescata la posibilidad de dar acceso a este material al público.


Dos textos complementan esta exposición, a los que se podrá acceder a todo su contenido por un código QR. Pero en sala habrá un adelanto. Uno de ellos pertenece a la magíster en musicología Fernanda Vera, en el que explica las razones para grabar este material. “Los registros sonoros de Martin Gusinde tuvieron como meta servir a los fines de la demarcación étnica. No eran de uso personal. Por eso los remitió a los musicólogos especializados del Phonogramm-Archiv de Berlín. Ayudó así a incrementar el reservorio de las expresiones musicales consideradas hacia 1921 ‘exóticas y primitivas'. Su labor fue clave pues sirvió para su clasificación, estudio y preservación. Las grabaciones reproducen expresiones musicales evanescentes de miembros del pueblo selk'nam que se encontraban en Punta Remolino, ya que Gusinde no grabó algo ‘ensayado'. Al contrario, usando la tecnología portátil de la época, registró expresiones musicales tan cotidianas como espontáneas”, señala Vera.


El antropólogo de la U. de Chile Daniel Quiroz cuenta la historia de estas grabaciones. “Por el propio Gusinde sabemos que utilizó el fonógrafo en el tercero y en el cuarto viaje. En el informe del primer viaje dice que ‘debido a la escasez de recursos [...] no pude obtener tampoco un fonógrafo con los accesorios indispensables para fijar el lenguaje y los cantos de aquellos indios'; sin embargo, en el tercer viaje logró registrar ‘unos veinticinco cantos completamente desconocidos hasta la fecha y una serie de palabras yaganes con sonidos fonéticos que no existen en nuestro alfabeto'”. Quiroz relata que en el cuarto viaje son más de 20 los registros, entre cantos y series de palabras.


El antropólogo también da cuenta de que Gusinde dejó una cantidad desconocida de cilindros de cera en el Museo de Etnología y Antropología de Chile, antecesor del actual Museo Nacional de Historia Natural, pero hoy están destruidos. La historia cuenta que en 1971 fueron enviados a Berlín para su registro en cintas magnetofónicas y en el viaje de regreso a Chile fueron mal embaladas, lo que provocó su pérdida. Aun así, el contenido de estos cilindros chilenos está en Alemania.

Conciertos conmemorativos: Cuarenta años de canto y música con Napalé

 

Ernesto Pérez, al centro de la imagen, es el único integrante original del ensamble surgido en el contexto del Canto Nuevo. CÉSAR GONZÁLEZ / DESENFOQUE


Nacidos en 1982 en una parroquia de Ñuñoa, anuncian celebraciones en el Kahuín de Peñalolén y el Teatro Novedades de Yungay.

IÑIGO DÍAZ


Se sabe que un colihue es muy delgado y muy fácil de quebrar, pero también se sabe que si se juntan varios, entonces son difíciles de doblar. La canción que nos enseña que la unión hace la fuerza pertenece a Julio Numhauser, uno de los fundadores de Quilapayún, y sus muchas versiones arregladas por Napalé la hicieron uno de sus más poderosos arietes en los primeros tiempos.


“Cantamos ‘Los colihues', de Amerindios, innumerables veces y de distintas maneras, pero nunca había tenido la opción de grabarla. Lo hicimos por primera vez hace muy poco y la presentaremos en el Teatro Municipal de La Pintana en agosto”, anticipa Ernesto Pérez, uno de los seis muchachos que en 1982 fundaron el conjunto Napalé. Hoy es el único integrante original activo en un septeto que ha ampliado su horizonte de influencias musicales, sonoridades y creación.


Napalé es un proyecto surgido en dictadura como parte de la resistencia joven desde las universidades. Pero una vez llegada la democracia la hoja de ruta siguió adelante. “Nosotros no solo hacíamos canción urgente, sino que desde siempre tuvimos propósitos artísticos prioritarios que nos encaminaron en los nuevos tiempos”, señala Pérez. El primer gesto estético de esos tiempos fue su manifiesto musical: el encuentro de los mundos de la música clásica, representada por el chelo, el oboe, la guitarra clásica y las partituras de Rodrigo Pérez, el gran compositor de su historia, y el mundo de la música folclórica, con las zampoñas, las quenas y el trabajo de taller del que surgió un repertorio histórico.


Hoy exhibe influencias no solo del Altiplano, sino de todo el cordón andino americano, incluida la música caribeña, y a 40 años de ese primer ensayo efectuado por muchachos barbudos en la Parroquia Santa Bernardita de El Aguilucho, y luego de su primera peña en la Parroquia Universitaria, el actual Napalé está celebrando su edad durante todo 2022 con una serie de conciertos. Ya han actuado en lugares como el Teatro El Cachafaz, la plaza Libertad de Prensa del barrio Concha y Toro y la Casa de la Cultura Anahuac, en el cerro San Cristóbal. Para agosto preparan un nuevo concierto en el Kahuín de Peñalolén y otros espacios urbanos hasta rematar en el Teatro Novedades de Yungay, donde el ensamble culminará las celebraciones del cuarentenario.

Por paro: Museos nacionales siguen cerrados

 El Mercurio


Las asociaciones nacionales de trabajadores del Servicio del Patrimonio Cultural, que dependen del Ministerio de las Culturas, decidieron mantener la paralización de sus actividades, a la espera de recibir una respuesta a las peticiones que les hicieron llegar a las autoridades de la cartera. Según se lee en un comunicado, la idea es “exigir una respuesta adecuada y oportuna” a sus demandas. En lo concreto, eso significa que continúan cerrados los museos, archivos y bibliotecas públicas a lo largo de todo el país. Desde el 21 de junio, los funcionarios de estas reparticiones culturales se mantienen en paro.

viernes, junio 24, 2022

Cierran por paro museos nacionales

 

Con esta gráfica aparece el Museo Nacional de Bellas Artes en Instagram. Instagram MNBA


El Mercurio

Las actividades se han visto interrumpidas por la paralización de funcionarios del Servicio Nacional del Patrimonio Cultural.

María Soledad Ramírez R.


Las vacaciones de invierno de los escolares se inician en una semana más y una forma de entretener a los niños es participar de actividades culturales. Por ahora, estos panoramas están en veremos, ya que los museos, bibliotecas y archivos dependientes del Ministerio de las Culturas se encuentran cerrados por el paro de funcionarios del Servicio Nacional del Patrimonio Cultural (SNP), que empezó esta semana.


La medida de presión tomada por la Asociación de Nacional de Trabajadores y Trabajadoras del SNP, Anatrap, apoyada por los miembros de la AnfuPatrimonio, también de funcionarios de esta repartición, se debe a una serie de situaciones que no se han resuelto desde que se creó el ministerio.


El SNP es el heredero de la antigua Dirección de Bibliotecas, Archivos y Museos (Dibam) y, por lo tanto, la Anatrap como la AnfuPatrimonio reúnen a funcionarios de aquel entonces.


El miércoles hubo una reunión entre la directiva de la Anatrap y la ministra Julieta Brodsky para poner sobre la mesa los puntos que exige el sindicato. Ayer el encuentro se repitió, ahora con la autoridad presentando sus alcances. La reunión duró cerca de una hora y media y, posteriormente, la ministra envió una carta a Anatrap, que tituló de “compromiso ministerial”, con las medidas que podrían tomar para resolver los puntos en conflicto, que abarcan temas de carrera funcionaria, presupuesto del servicio, nombramientos de cargos, entre otros.


“Se vio interés en resolver los temas”, contó a “El Mercurio” Margarita Hormazábal, presidenta subrogante de Anatrap, sobre la reunión con Brodsky. Explicó que luego de recibir la misiva, se llamó a asamblea a nivel regional para discutir la carta, y hoy se realizará una asamblea nacional para decidir qué acciones tomar a continuación. No descartó que el paro continúe, porque las molestias son varias.


Entre otros puntos, Hormazábal señaló que se les comentó a las nuevas autoridades, en cuanto tomaron el cargo, de sus problemáticas y al no ver avances, decidieron ir a paro. También exigen que se haga el concurso público para el cargo de director del SNP.


Desde el Ministerio de las Culturas señalaron que “entregaron un documento formal el jueves 23 a las dirigencias, en el que se comprometen a abordar con la mayor celeridad posible las demandas expresadas, ya que se consideran válidas. Este documento está siendo analizado por la organización”.


Turnos éticos


En la página web del ministerio y del SNP no hay información sobre la paralización de actividades. Pero en las cuentas de redes sociales de los museos nacionales —Bellas Artes, Histórico y de Historia Natural— y de los regionales —como el de Antofagasta, O'Higginiano o de Magallanes, por ejemplo— se explican los cierres y qué hacer en caso de tener alguna visita reservada. Otro tanto sucede con la Biblioteca y el Archivo Nacional y las bibliotecas y archivos regionales.


Este cierre vuelve a interrumpir la apertura de estos espacios culturales, que han tenido que batallar desde 2020 con las restricciones de aforo o cierres por cuarentena.


Según indican desde el M. N. de Bellas Artes, están trabajando con turnos éticos para cumplir con las reservas de visitas que estaban agendadas, sobre todo de colegios y de grupos de regiones. La llegada de un gran público para el pasado Día del Patrimonio fue un espaldarazo al museo, lo que demuestra que las personas desean retornar a los espacios culturales.

Ensamble Alameda Memoria: La historia de la pionera Eloísa Díaz en una partitura animada

El Mercurio

Hoy, en la Facultad de Medicina de la U. de Chile, se estrena “Eloísa Díaz: ciencia urgente”, obra en doce partes, de Felipe Sandoval.
IÑIGO DÍAZ

La lucha de Eloísa Díaz (1866-1950) en su tiempo es la lucha que conocemos bien en nuestros tiempos, pero multiplicada por X, Y y Z. “Debió ejercer su rol en un contexto de adversidad marcado por una sociedad muy conservadora en el siglo XIX”, dice el compositor Felipe Sandoval.

Es autor de “Eloísa Díaz: ciencia urgente”, una obra que aborda la historia de la primera médica de Chile y Latinoamérica, escrita para ensamble instrumental y voces. Se estrena hoy a las 18:00 horas, simbólicamente, en el Aula Magna de la Facultad de Medicina de la U. de Chile, y cuenta con un elemento más en su propuesta.

“Se trata de una obra musical y visual, como mediometraje con las animaciones de Paz Donoso, que acompañan la narración”, adelanta Sandoval respecto de los episodios visuales que incluye Donoso, en un período que va desde que Eloísa Díaz ingresa a la Universidad de Chile, en el siglo antepasado, y los años de enfermedades masivas y letales como la viruela, la tuberculosis, el cólera, hasta la aprobación de la Ley de Instrucción Primaria en 1920, de la que ella fue ferviente defensora.

“Esa ley fue un triunfo para Eloísa, aunque un triunfo parcial porque fue modificada y no incluyó un elemento importante que ella promovió: el subsidio estatal de alimentación escolar, uno de los grandes temas de su gestión”, explica el compositor.

Desde 2017, Sandoval dirige Alameda Memoria, un ensamble formado por músicos de diversas procedencias y de sonoridades amplias: chelo, saxofón, flauta traversa, trompeta, trombón, tuba, acordeón, guitarra, bajo, batería. Han trabajado en obras conceptuales de divulgación histórica en el formato de la cantata, que se hizo tan popular en 1970 con Luis Advis.

Alameda Memoria ha estrenado obras de este tipo como la “Cantata por Clotario Blest” (2018) y “Menéndez: auge y caída del rey de la Patagonia” (2020). Con “Eloísa Díaz: ciencia urgente”, que se publicará en julio como álbum, se completa una primera trilogía de trabajos en este campo.

“Con esta obra nos acercamos más al teatro musical que a la cantata y eso nos permite llegar a un público mayor. Tenemos pretensiones de masividad para contar una historia que ocurrió en Chile”, apunta Sandoval sobre el relato en doce partes que está hilvanado por doce canciones en las voces de diez intérpretes.

Pink Floyd busca US$ 500 millones por su catálogo, incluido “The Wall”

El grupo de rock británico lanzó algunos de los discos más populares de la historia, incluidos “Dark Side of the Moon” y “The Wall”.


El Mercurio


La banda sigue la ruta de otros músicos, como Bob Dylan, quien vendió sus creaciones en una suma cercana a los US$ 450 millones.

Lucas Shaw Bloomberg

Los miembros de la banda de rock Pink Floyd buscan al menos US$ 500 millones en un acuerdo por su catálogo de música, según personas familiarizadas con las conversaciones, la que sería una de las ventas más grandes en la historia de la música.


El grupo conocido por éxitos como “Money” y “Comfortably Numb” está vendiendo su catálogo de grabaciones y composición de canciones, así como el poder de crear merchandising basado en la banda, dijeron las personas, que pidieron no ser identificadas porque las conversaciones son confidenciales. Patrick McKenna, quien representa a la banda en el proceso, no respondió a un correo electrónico en busca de comentarios.


McKenna ha reducido la lista de compradores potenciales a cuatro, dijeron las personas. Los nombres incluyen a Warner Music Group Corp., Sony Music Entertainment y BMG. Sony y Warner ya distribuyen parte de la música de Pink Floyd.


La banda de rock británica lanzó algunos de los discos más populares de la historia, incluidos “Dark Side of the Moon” y “The Wall”, dos álbumes que definieron la música en la década de 1970. El grupo ha vendido 75 millones de discos en Estados Unidos, la décima mayor cantidad de cualquier artista, según la Recording Industry Association of America.


Muchos músicos famosos han sacado provecho de un mercado efervescente de catálogos de canciones en los últimos años, aprovechando el interés de las compañías musicales y las firmas financieras. Bob Dylan vendió sus grabaciones a Sony Music en un acuerdo estimado en más de US$ 150 millones, y su catálogo de canciones a Universal Music en un acuerdo de entre US$ 200 millones y US$ 300 millones.


Lograr que todos los miembros de Pink Floyd estén de acuerdo en algo ha sido un desafío durante décadas. La banda se formó en 1965 bajo la dirección del entonces vocalista Syd Barrett, que se fue tres años después. El cantante y bajista Roger Waters dejó la banda en 1985 y luego demandó a sus compañeros de banda por el uso del nombre. Waters y el resto del equipo se han peleado a lo largo de los años cuando la banda, dirigida por el guitarrista David Gilmour, siguió publicando discos.

Yorka da el salto definitivo al pop con su disco “Chao”

Las hermanas Daniela y Yorka Pastenes aprovecharon la pandemia para enfocarse en este disco. Agencia Rebeldes



El Mercurio

El dúo nacional, recientemente ganador del Premio Pulsar a Mejor Canción del Año, estrenó ayer su cuarto álbum.
Raimundo Flores S.


Cada despedida puede acarrear nuevos comienzos y en el caso de Yorka esa idea se materializa literalmente. “Chao” es el título de su nuevo álbum, disponible desde ayer en todas las plataformas de streaming, y también el inicio de una nueva etapa para el dúo conformado por las hermanas Pastenes.

El nombre del trabajo viene dado por la idea de la despedida como tópico común en la mayoría de las canciones. “En los últimos dos o tres años, con mi hermana hemos tenido que decir adiós muchas veces. Desde la muerte de nuestro papá, cambiarnos de casa, romper relaciones amorosas o salir de Chile algunos meses. Siento que fueron muchas despedidas”, cuenta Yorka, quien forma el proyecto junto a su hermana Daniela.

En particular, la despedida a su padre luego de su fallecimiento se materializó en la canción “Viento”, que cantan junto a Gepe y la colombiana Lido Pimienta. El tema ganó recientemente el Premio Pulsar a Canción del Año, derrotando a creaciones de Francisca Valenzuela, Marcianeke, Princesa Alba y Camila Moreno.

Sobre el premio, Yorka dice: “Tenemos muchos sentimientos encontrados. El primero es una cosa más personal y emocional, que es que la canción que le escribimos a nuestro papá que falleció fue nuestro primer premio y que de alguna manera es como titularse y que tu papá esté ahí dándote un abrazo. Nos emocionó mucho que esa canción haya sido nuestro primer reconocimiento público. Por otro lado, hace mucho tiempo que queríamos tener un reconocimiento para sentir que uno está haciendo bien el trabajo. Llevamos mucho tiempo trabajando y no iban a cambiar mucho las cosas si ganábamos o no, pero ganárselo siento que fue un shot de energía”.

Con ese espíritu renovado, el dúo se apronta para comenzar la difusión de “Chao”. Si bien las primeras canciones de este trabajo comenzaron a surgir en 2019, la pandemia fue una etapa decisiva para que se pudiera materializar. “La verdad es que veníamos en un ritmo bastante acelerado y cuando se paralizó el mundo como que pudimos sentarnos y ponernos a trabajar solamente en este disco”, valora Daniela Pastenes.

En ese proceso tuvieron como aliado —primero virtualmente y luego de forma presencial— al reputado productor Cristián Heyne, quien aparece en los créditos de éxitos de Gepe, Javiera Mena o Álex Anwandter, entre muchos otros. Junto a él, Yorka cuajó su trabajo más pop hasta la fecha, signo de las nuevas pretensiones artísticas del dúo.

“Somos grandes admiradoras de la música chilena y de la música radial. Cristián es una persona que está detrás de grandes canciones y grandes artistas y la verdad es que siempre fue un sueño trabajar con él. Todos los discos anteriores fueron más indies y ya queríamos plasmar en este disco lo que es la melodía y lo que es el pop en sí. Cristián sacó a flote todo el pop que tenía en sus venas y estamos muy conformes”, explica Daniela.

El crecimiento de Yorka también se nutrió el año pasado de una estancia de cuatro meses en México, lugar al que regresarán para presentar “Chao”, ejercicio que esperan replicar en otro países de la región dentro de su plan de internacionalización. En Santiago, el álbum será lanzado en vivo con un show en el Teatro La Cúpula, que se realizará el próximo 5 de noviembre.

jueves, junio 23, 2022

Cristina Gallardo-Domâs realiza clases magistrales

 

La intérprete chilena considera que es importante ayudar a los talentos nacionales a encontrar su estilo. Está en el país desarrollando diversas actividades pedagógicas. Héctor Aravena

El Mercurio


Galardonada con el Premio a la Música Nacional Presidente de la República , la elogiada cantante dará hoy una clase en el Instituto Cultural de Providencia.

Maureen Lennon Zaninovic


En abril, como parte de las actividades de su flamante fundación, Cristina Gallardo-Domâs (1967) participó, en el Teatro Oriente, en la proyección de la ópera “La Bohème”, de Puccini, que ella misma protagonizó en un montaje del legendario cineasta italiano Franco Zeffirelli. En una nueva visita a nuestro país, esta exalumna de la Escuela Moderna de Música (se formó con Ahlke Scheffelt) y de la prestigiosa Juilliard School, en Estados Unidos, se encuentra realizando una serie de clases magistrales para jóvenes talentos.


Ayer fue el turno de la Fundación de Orquestas Juveniles e Infantiles y hoy, a las 11:00 horas, protagonizará otra master class en el Instituto Cultural de Providencia para un grupo de becados de la Fundación Ibáñez-Atkinson. El sábado, en tanto, tendrá actividades pedagógicas en la Biblioteca de Talca.


“Vamos a preparar el repertorio que los cantantes me propongan, analizando si son capaces de abordar un determinado papel, porque un rol no es un reflejo de una aria, y también pensando si los participantes se están preparando para un concurso o para una audición para un teatro, ya sea para una obra sacra, ópera o zarzuela”, comenta la galardonada, en 2021, con el Premio a la Música Nacional Presidente de la República, en la categoría Música Docta. Cristina Gallardo-Domâs, quien, entre otros hitos, abrió la temporada 2006-2007 del Metropolitan Opera House de Nueva York con “Madama Butterfly”, añade que también tendrá actividades en la Región del Maule “porque uno de los objetivos que persigue mi fundación es aportar a la descentralización y ayudar en el camino profesional de jóvenes que están iniciándose en el mundo del canto lírico”.


Para la actividad de hoy, los becados estarán acompañados por Jorge Hevia, destacado pianista repetidor y coach vocal del Municipal de Santiago. “Viene llegando de Alemania, donde participó en las audiciones de cantantes chilenos en Europa. Él tiene un bagaje indiscutible y quiso colaborar desinteresadamente con la Fundación Gallardo-Domâs para esta clase de Providencia”, cuenta la soprano. La artista considera que estas primeras actividades formativas en Chile son fundamentales porque “la caridad empieza por casa” y, también, porque es importante ayudar a los talentos a buscar un norte concreto. “Quizás muchos aspiran a cantar ‘Di quella pira', de ‘El Trovador', de Verdi, pero hay que poner en la balanza si están dadas las condiciones. Hoy, además, el aspecto físico cuenta más que el talento vocal. Muchos directores de escena se están enfocando sobre todo en la parte visual. Puede que tengamos a una serie de figuras atractivas, pero que a corto o mediano plazo se pueden quemar vocalmente”, cierra.

Presidente Gabriel Boric inauguró año académico en Instituto de Chile

El Mercurio

En su alocución recordó que para estar acá tuvo que desdecir a un asesor “millennial” que había desechado la invitación cursada por el Instituto. En representación del organismo usó la palabra su presidente, Joaquín Fermandois.
María Soledad Ramírez y Maureen Lennon

Con la solemnidad que suele albergar el Instituto de Chile en sus ceremonias, ayer el organismo que busca “promover en un nivel superior el cultivo, el progreso y la difusión de las letras, las ciencias y las artes” en el país inauguró su año académico, con las restricciones aún necesarias por el covid-19, mascarillas de por medio.

El invitado principal era el actual mandatario, Gabriel Boric, quien en su discurso reconoció que cuando llegó la invitación a la ceremonia alguien de su generación —“que de seguro llaman ‘millennial”— decidió que esto del Instituto de Chile no iba. “Por circunstancias de la vida, me llegó la noticia de que la habíamos rechazado y dije cómo es posible. Justamente, hay que valorar las palabras, ese espacio, como decía Bello, que es uno de los pocos lugares donde las verdades se tocan. No sé si estoy a la altura de eso, pero por lo menos el gesto de estar acá es importante”, dijo el Presidente, con su manera llana de contar sus anécdotas.

El mandatario estaba frente a un selecto grupo de invitados, por los aforos, que incluía al expresidente Ricardo Lagos —a quien elogió en varias oportunidades—, además de miembros de las academias que conforman el Instituto de Chile: de la Lengua, de la Historia, de Ciencias, de Ciencias Sociales, Políticas y Morales, de Medicina y de Bellas Artes.

Joaquín Fermandois, presidente de la Academia Chilena de la Historia, preside hasta 2025 esta entidad. El historiador inició los discursos y presentó dos temas que a su juicio ameritan la atención de las academias y del Gobierno. La primera de sus inquietudes es sobre la discusión que se dio en 2019 sobre la eliminación de la obligatoriedad de la enseñanza de la historia en la educación media. “Considero que de esta manera el problema estaba pésimamente mal planteado, en lo que intervinieron moros y cristianos. Porque las humanidades y las ciencias exactas son como dos cuerpos de la misma alma. Lo que hay en Chile, asumiendo completamente lo que se dice hace tantísimo tiempo, es una deficiencia en la calidad, en el hacer bien hecho de las pequeñas tareas diarias”.

El segundo punto fue sobre la deriva de la cultura de masas en la representación de la polis, cada vez más degradada. “En particular, hemos sido víctimas de hace muchos años de su avance progresivo, que en algún momento se enseñoreó de los espacios de vida cívica. En nuestro país ha sido acompañado por el crecimiento de una marea parlanchina, a la que no encuentro otro nombre que llamarla coprolalia, que apriori me parece más intensa que en otros países hispanoamericanos. Todo esto en nuestro mundo no se trata necesariamente de un signo de marcha ineluctable al abismo, sino uno de los tantos desafíos que surgen y surgirán”.

Diálogo intergeneracional

Luego le tocó el turno al mandatario. Destacó la interpretación de “Gracias a la vida” a cargo de la soprano Carolina Muñoz, que había ocurrido minutos antes en la ceremonia. “Pensaba en los versos ‘así yo distingo dicha de quebranto' y se me vinieron a la cabeza unas palabras que de seguro Adriana Valdés conoce bien: ‘Nada tiene que ver el dolor con el dolor / Nada tiene que ver la desesperación con la desesperación / Las palabras que usamos para designar esas cosas están viciadas / No hay nombres en la zona muda', dijo Enrique Lihn tres meses antes de su muerte en un libro que gracias a ti conocemos”.

También le confesó a Joaquín Fermandois que no quiso hacerle un desaire, porque había leído su obra cuando estudiante, “en particular ‘La revolución inconclusa', que creo que toda persona de izquierda debiera leer, algo que lamentablemente no se usa mucho. Poder conocer su visión es muy importante”.

El presidente no leyó su discurso, que reconoció que estaba muy largo, sino que fue revisándolo e improvisando. Fue tocando varios temas, como que solicitó, “con el mayor de los respetos, que la juventud se integre de manera más activa a este Instituto. Si hay algo que he aprendido en este último tiempo es que los diálogos intergeneracionales le hacen muy bien a la patria”. También tuvo momentos más políticos, reconociendo aportes de los últimos 30 años y abogando por la nueva Constitución.

miércoles, junio 22, 2022

Ministerio de las Culturas se enfrenta a una paralización

 El Mercurio


Hoy tendrá lugar un nuevo acercamiento entre la Anatrap, que reúne a los profesionales movilizados, y el Servicio del Patrimonio.

La Asociación Nacional de Trabajadores del Patrimonio, Anatrap, que reúne a profesionales pertenecientes al Ministerio de las Culturas, anunció esta semana la paralización de sus actividades como parte de una movilización que busca mejoras laborales. Dicha organización indica que los problemas se arrastran desde la creación del Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio en 2018, y son diversos: desde las dificultades en la descentralización de la cartera hasta la incertidumbre por la renovación de trabajadores a honorarios.


Desde el Ministerio de las Culturas ayer indicaron que se estaba elaborando una respuesta a las asociaciones involucradas en el conflicto. “Nos comprometemos al diálogo con las y los trabajadores, entendiendo que sus demandas son válidas y que debemos resolverlas con urgencia”, dijeron fuentes ministeriales a “El Mercurio”.


De este modo, para hoy en la tarde quedó programada una nueva reunión entre representantes del Servicio Nacional del Patrimonio y dirigentes de Anatrap con miras a acercar los términos y resolver el conflicto.


Según informó esta semana la plataforma web de Radio U. de Chile, el 15 de junio Anatrap había enviado una carta a la ministra Julieta Brodsky en la que se detallaban las situaciones que afectaban a los trabajadores. Luego se realizó una reunión, infructuosa, con personeros del Servicio Nacional del Patrimonio.


“Estamos entrampados, lo que se traduce en la precarización de trabajadores y trabajadoras, falta de personal, recarga laboral, incumplimientos a las normativas. Esto último, debido a que tampoco se ha podido concluir con la descentralización a través de la implementación de las direcciones regionales. Hemos sufrido recortes presupuestarios, lo que ha impactado enormemente en la capacidad que tenemos para poder cumplir con las demandas ciudadanas”, dijo la dirigenta de Anatrap, Margarita Hormazábal.


En el ministerio indican que comparte las demandas laborales, como la nivelación de remuneraciones que estaban comprometidas desde el gobierno pasado.

Mika Eichenholz dirige concierto aniversario de la UC

 El Mercurio


Mañana el maestro sueco abordará piezas de Mozart, Bernstein y Urrutia Blondel. El músico también comenta su complejo paso por la Orquesta Universidad de Concepción.

Maureen Lennon Zaninovic


El director sueco Mika Eichenholz (1960) es una batuta de reconocimiento internacional que cuenta, además, con una extensa discografía editada por sellos de prestigio como EMI y Naxos.


Junto con ello, ha construido a lo largo de las últimas décadas un estrecho vínculo con la comunidad musical chilena. Entre otros hitos, ha sido invitado en varias oportunidades a conducir la Orquesta Sinfónica Nacional de Chile y la Orquesta de Cámara de Chile que depende del Ministerio de las Culturas; y también ha sido director titular de la Sinfónica Universidad de Concepción. Uno de sus sellos en nuestro país ha sido impulsar un repertorio exigente, con énfasis en estrenos de música chilena.


En un paso más allá de esta colaboración artística —invitado por el Instituto de Música UC—, Mika Eichenholz se prepara para debutar en el Concierto del Día del Sagrado Corazón, en el marco de la celebración del aniversario 134 de la Universidad Católica.


La presentación se realizará mañana (19:00 horas, gratis), en el Salón Fresno del Centro de Extensión (Alameda 390), con un aforo de 300 personas, y también habrá transmisión en directo por streaming en www.musica.uc.cl. Ese día conducirá a la Orquesta de Cámara UC y a dos agrupaciones vocales que participarán en esta cita: el Coro de Cámara UC y el Coro de Estudiantes UC.


El programa reúne música del siglo XX y piezas del Clasicismo: “Pastoral de Alhué”, del compositor chileno Jorge Urrutia Blondel, “Chichester Psalms”, de Leonard Bernstein, y “Vísperas solemnes del confesor“, de Mozart. Los solistas serán el contratenor José Muñoz, la soprano Andrea Aguilar, la contralto Javiera Lara Barrios, el tenor Gonzalo Quinchahual y el bajo Patricio Sabaté.


“Ha sido una experiencia muy luminosa dirigir por primera vez en la Universidad Católica. Además voy a realizar masterclasses de dirección (hoy y el jueves, en las mañanas). Es una hermosa oportunidad para conducir a nuevos amigos en Santiago y para enseñar”, señala a través de un contacto telefónico Mika Eichenholz.


Añade que cuando le pidieron que se hiciera de este programa inmediatamente aceptó, “porque estamos ante una combinación que me parece muy acertada”, expresa. El director sueco considera que Bernstein y Mozart son dos genios distintos, porque vivieron en épocas históricamente diferentes, pero hay mucho en común entre ambos, partiendo por el movimiento de sus composiciones. “La obra de Bernstein tiene textos en hebreo, pero su música es dancística. Es una maravilla. Ojalá el público goce esa atmósfera de danza. ‘Chichester Psalms' es una obra maestra de música religiosa, en un estilo más moderno y con un solo para contratenor”.


Sobre la pieza de Urrutia Blondel, añade que fue compuesta para una orquesta de cámara. “Es una pieza pequeña, pero preciosa. Creo que se logró un balance en todas las piezas que tocaremos”, dice.


Problemas con Concepción


Hace unas semanas, distintos medios del Biobío publicaron que, a raíz de la pandemia, la labor de Mika Eichenholz se vio interrumpida como director titular de la Orquesta Sinfónica de la Universidad de Concepción. Con el mejoramiento de la situación sanitaria, hace unos días el maestro sueco arribó a Chile, de acuerdo a lo pactado con la Corporación Cultural de la U. de Concepción (Corcudec), la que —en un principio— se habría comprometido en una extensión de su contrato por cinco semanas y así cumplir con el programa del año 2022.


Pero, finalmente, este acuerdo de palabra no se concretó. “Es una pena. No sabemos lo que va a pasar, pero soy optimista del futuro. Llevo 25 años de idas y venidas a Concepción. Me he hecho muchos amigos y no pierdo las esperanzas de que voy a volver a esa ciudad”, concluye.

Muestra reúne creaciones del taller de vestuario del Teatro Municipal

El Mercurio

Montada en el Palacio Cousiño y curada por el diseñador nacional Pablo Núñez, la exhibición cuenta con piezas confeccionadas a partir de 1983.
CATALINA IDE GUZMÁN

Con el objetivo de visibilizar el trabajo artístico y visual detrás de grandes producciones del Teatro Municipal de Santiago, y difundir un saber que constituye parte de su historia y quehacer, nace la muestra “Vestuario y Patrimonio”, que reúne un conjunto de piezas confeccionadas en sus talleres de vestuario y caracterización.

Pablo Núñez, diseñador escénico, jefe del área de vestuario del teatro y curador de la exhibición, explica que “la idea es acercar al público los trajes de las producciones, que tienen un montón de detalles, como adornos, bordados y aplicaciones, los cuales no se aprecian totalmente desde la platea en un espectáculo, por ejemplo, pero sí a un metro de distancia”.

Núñez asumió su cargo en el Municipal en 2021, pero desde 1983 ha realizado trabajos de vestuario y escenografía, participando en cerca de 50 montajes. Varias de sus confecciones son parte de la muestra, junto a las de otros diseñadores, como Hugo de Ana, Germán Droguetti, Luca Dall'Alpi y Simona Morresi.

Los ballets “La Cenicienta”, “Coppelia”, “Cascanueces” y “La bella durmiente” y las óperas “Manon Lescaut”, “Don Giovanni” y “Las bodas de Fígaro” son algunas de las obras a las que pertenecen las piezas, las cuales fueron confeccionadas con telas escasas en la actualidad y que poseen bordados a mano, encajes, tules y pedrerías traídas del extranjero.

“Está el traje de Julieta del primer acto de la ópera ‘Romeo y Julieta', que fue la primera producción que Hugo de Ana hizo aquí. Este fue confeccionado con una gasa bordada con hilo de plata y en los costados tiene un tul que está trabajado con la técnica ‘panal de abeja', que consiste en hacer pequeños cuadrados y en cada unión poner una perla. Debe llevar unas mil pegadas a mano”, explica Núñez, haciendo referencia a una de las 28 piezas en exhibición.

La muestra fue montada en el Centro Cultural de Osorno en el mes de abril, como parte de la itinerancia que está desarrollando el teatro en regiones. Actualmente se exhibe en el Museo Palacio Cousiño —en coordinación con la Municipalidad de Santiago—, dialogando con los distintos salones del inmueble. Estará disponible hasta el 23 de julio, de manera gratuita y con previa inscripción al teléfono 223867449.

martes, junio 21, 2022

Álbum conceptual imagina una migración a otro planeta

El Mercurio

La Hipocresía Mató al Gato lanzó recientemente su disco debut y homónimo, donde narran las vivencias de un personaje en un mundo apocalíptico.

Raimundo Flores S.


En marzo de 2020, los músicos Tomás Cordero y Nicolás Roa decidieron instalarse en una casa en San Francisco de Mostazal, Región de O'Higgins, para pasar lo que ellos pensaron que serían unos pocos días de cuarentena. La estadía se extendió por más de dos meses y medio y todo ese tiempo juntos terminó materializándose en un nuevo proyecto musical —bautizado como La Hipocresía Mató al Gato— y en su primer álbum homónimo.


El disco, ya disponible en todas las plataformas de streaming, no es solo la compilación de las primeras canciones del dúo, sino que también es una obra conceptual que narra una historia de ciencia ficción inspirada en lo que pasaba en el mundo por esos días. El puntapié inicial de la historia se da cuando el protagonista recibe un llamado del Ministerio de Viviendas Intergalácticas que le comunica que fue elegido para habitar un nuevo planeta hasta el fin de sus días.


“La premisa que tuvimos fue hacer un disco hilado con una continuidad musical y, al mismo tiempo, escribimos una historia que habla de un futuro distópico en el que la Tierra se hace inhabitable y ocurre una migración hacia un mundo nuevo. Entonces habla de la crítica política de lo que ocurre dentro de eso e igualmente hay una historia que cuenta lo que vive y siente el personaje principal sobre esto. Es un rollo político y emocional que une todo”, explica Tomás Cordero.


El músico recalca que la idea inicial cuando viajaron a Mostazal estaba lejos del resultado final. “Fue muy desde el juego. No teníamos ninguna intención en un principio de hacer esto de una manera profesional, simplemente queríamos hacerlo para nosotros y pasarlo bien. Nos permitimos hacer lo que quisimos. Estábamos desde nuestros niños internos haciendo esto y nos ayudó mucho pensar que no estábamos haciendo algo tan serio. No estábamos pensando en hacer una súper banda que sea un hit, sino en hacer algo para nosotros, para pasarlo bien y para pasar el rato durante la pandemia”, dice.


El álbum, que explora desde el pop a géneros como el rap, el folk y la música negra, fue estrenado en vivo recientemente el la Sala SCD de Plaza Egaña con una propuesta escénica que completa la experiencia sonora.


“Nuestro objetivo principal es llevar esto al show en vivo, haciendo un proyecto interdisciplinario. Juntarnos con actores y bailarines e intentar montar esto casi como si fuera un Cirque du Soleil, pero enfocado en la música. Si tuviéramos el financiamiento, haríamos una película, aunque por ahora tenemos más a mano hacer conciertos de manera teatral”, señala Cordero.


En la misma línea, la agrupación adelanta que planea realizar otro concierto antes de finales de año en la Sala Ceina, con su propuesta aún más desarrollada.


Asimismo, tienen planes para grabar próximamente su segundo álbum en Buenos Aires, en los reconocidos estudios Romaphonic, que hace años pertenecieron a Fito Páez bajo el nombre de Circo Beat.

lunes, junio 20, 2022

Fernando Ubiergo prepara su primer disco con canciones inéditas en casi 20 años

 

El nuevo álbum de Ubiergo, que llevará por título “2037”, tendrá entre 10 y 11 canciones y será lanzado a fines de este año o comienzos del próximo.


El Mercurio

El cantautor acaba de publicar un adelanto de ese trabajo, “Farah”, una canción que habla sobre la crisis migratoria.

Raimundo Flores S.


“Lo que nadie escribió, aquello que la historia nunca presintió”. Para hablar de su más reciente lanzamiento, Fernando Ubiergo (69) cita su composición más célebre. En palabras del cantautor nacional, su nuevo single, “Farah”, se trata precisamente de eso, de poner los ojos donde el relato oficial a veces es ciego.


La canción, ya disponible en todas las plataformas de streaming, cuenta la historia de una madre y su hijo que intentan cruzar el Mediterráneo en medio de una tormenta. “Sabemos que hoy día hay más de 100 millones de refugiados, nunca en la historia de la humanidad hubo tantos refugiados. Ni hablar de la cantidad de desplazados. Pero es muy distinta la apreciación que tenemos cuando recibimos un dato así que cuando uno conoce el rostro, el nombre y la historia de alguien involucrado por esta situación. Nos golpea de un modo distinto”, explica sobre su nuevo tema.


El cantautor hace el símil con la fotografía que se viralizó mundialmente en 2015 de Aylan Kurdi, el niño sirio que fue encontrado ahogado en las costas de Turquía y que materializó crudamente la magnitud de la crisis migratoria que se extiende hasta la actualidad. Además, plantea que aquel conflicto ha sido especialmente importante para él, ya que dos de sus hijos trabajaron en el Alto Comisionado de las Naciones Unidas para los Refugiados, lo que lo ayudó a entender y sensibilizarse aún más al respecto.


Tiempos de cambios


“Farah” es además el primer single de “2037”, el nuevo disco de Ubiergo que debería llegar a fines de año o a comienzos del próximo y que, tal como este adelanto, busca ser “una especie de álbum de fotografías de nuestro tiempo”. “Este grupo de canciones está instalado en una época y un tiempo que yo personalmente, que ya soy un veterano detrás de la guitarra, creo que es un tiempo profundamente asombroso, que nos duele. Los cambios que estamos viviendo como especie humana son cambios tectónicos. Es casi imposible de imaginar que uno los podría vivir en una sola vida”, señala.


“2037” será el primer álbum de estudio de Ubiergo en casi dos décadas, considerando que su último disco con canciones inéditas fue “La sombra del águila”, publicado en 2003.


“Lo que hicimos durante estos veinte años fue tocar mucho, un promedio de entre 50 y 60 shows anuales antes de la pandemia. ¿Por qué pasó tanto tiempo? La verdad es que ni yo lo sé, pero tengo claro que hace mucho rato que mi tiempo musical y artístico no tiene nada que ver con el calendario, simplemente voy a seguir escribiendo y componiendo toda la vida mientras pueda hacerlo”, afirma.


El álbum incluirá 10 u 11 canciones, a las que a mitad de 2023 se sumará otro disco que está preparando, del que no entrega mayores detalles, salvo el adelanto de que será un trabajo “temático”.


“No es que nos falten canciones para tocar. Esto tiene que ver con una necesidad propia. Estoy vivo, estoy tocando y también estoy escribiendo”, expresa el cantautor.

Neil Diamond reaparece cantando “Sweet Caroline”

El Mercurio

El músico estadounidense de 81 años, alejado de la vida pública desde 2018, cuando diera a conocer que padecía de párkinson, realizó la noche del sábado una sorpresiva aparición en el estadio de los Red Sox de Boston para interpretar su clásico tema, en la octava entrada del juego de béisbol de los locales contra St. Louis Cardinals. El celebrado momento, instaurado ya como una tradición en ese recinto, coincide con el estreno en esa ciudad del musical inspirado en el artista, “A beautiful noise”, el que próximamente llegará a Broadway. En la foto, Diamond acompañado de Will Swenson, quien protagoniza ese show.

domingo, junio 19, 2022

Carlos Isamitt, pionero en el rescate del universo mapuche

 

Carlos Isamitt realizaba sus expediciones al sur a la usanza de los años 40: con sombrero, chaqueta y corbata de humita. ARCHIVO CARLOS ISAMITT


El Mercurio

Los viajes que el compositor e investigador efectuó a reducciones durante los años 30 y 40 se han organizado por primera vez en una nueva publicación con sus escritos académicos. La figura de Isamitt, el autor del gran canto “Friso araucano” y de otras obras de corte indigenista, ha permanecido invisibilizada. Pero el descubrimiento de su gran archivo está dando luces del que parece ser más un renacentista perdido en el tiempo y el espacio.

IÑIGO DÍAZ


Zarparon desde Puerto Montt en un vaporcito que navegó tres días por el Mar Interior hacia el archipiélago de Chiloé. Una medianoche, esa familia, los padres y sus dos hijos pequeños, desembarcaron en Queilen, cuando esta localidad no era más que un punto no señalado en el mapa.


“Nos vinieron a buscar seis remeros huilliches en una chalupa. Y navegamos otras seis horas hasta llegar a la reducción que sería nuestro hogar durante mucho tiempo”, rememora Dionis Isamitt Danitz, de 78 años, sobre esa experiencia fundamental que vivió siendo niño junto a su padre, el compositor e investigador Carlos Isamitt (1885-1974).


El de 1949 sería uno de los viajes que Isamitt realizó a los territorios mapuches, parte de un ciclo de expediciones sistemáticas que se habían iniciado en 1931 a La Araucanía, a lugares como Toltén, Padre Las Casas, Boroa, Puerto Saavedra o Nueva Imperial. Tenían como propósito conocer la vida, la cultura, la cosmovisión y las prácticas de los pueblos originarios del sur. Por estos periplos y también por las composiciones inspiradas en el mundo mapuche, a Isamitt se le ha considerado como el primer indigenista de la música chilena.


“Existen obras importantes de Carlos Isamitt sobre textos en mapudungun: “Friso araucano” (1931), para voces femenina y masculina acompañada de orquesta, y las “Evocaciones huilliches” (1945), para voz y piano”, refiere el musicólogo Luis Merino.


El académico lo sitúa en el mapa de la composición chilena de fines de la década de 1910 y el transcurso de la década de 1920, junto a María Luisa Sepúlveda, Domingo Santa Cruz Wilson y Jorge Urrutia Blondel. “Fue un dedicado investigador de la cultura y música mapuche, que convivió con este pueblo aprendiendo su lengua y sus costumbres. Creo que aún no se ha reconocido debidamente su valor en nuestra sociedad”, agrega.

Su partitura de puño y letra para “Danza ritual” (1951) ARCHIVO CARLOS ISAMITT

Escritos académicos


Dionis Isamitt, de cinco años, vivió seis meses en la reducción de Coihuín de Compu, cerca de Quellón. “Nos instalamos en sus casas, que estaban entre medio del bosque. Nos metíamos a la selva con los niños huilliches, íbamos a cazar aves y a recolectar cauchao, montábamos caballos, cruzábamos los canales en bote. Fuimos hermanos de sangre con ellos hasta siempre”, describe Dionis.


Entre tanto, en el día a día, libreta en mano, Carlos Isamitt iba descubriendo el universo huilliche desde las fuentes primarias. De paso, también proyectando ese conocimiento a la reflexión académica y la divulgación. Sus escritos sobre esa experiencia de vida en el antiguo Wallmapu están organizados ahora en el libro “Carlos Isamitt y sus investigaciones en las comunidades araucanas”, una recopilación de material perteneciente al período 1932-49, que se encontraba disgregado en documentos, publicaciones académicas y revistas. Fue editado por el musicólogo y profesor de la U. Metropolitana de Ciencias de la Educación Freddy Chávez y se lanzará este viernes en el Salón de Honor de la misma universidad, en el marco del Día de los Pueblos Indígenas.


“Lo que hizo Carlos Isamitt en su tiempo es un hallazgo histórico que no conocíamos y que estamos develando ahora. Lo que él tiene guardado es un tesoro que les pertenece a los mapuches. Hoy se les está devolviendo, tal como él lo vivió, lo presenció y lo pudo recibir con toda esa sensibilidad de una defensa política que alcanza a nuestros tiempos”, señala Freddy Chávez.


Desde hace una década, el musicólogo ha trabajado en el archivo de Isamitt, un enorme acopio de material custodiado por la familia y que se encuentra en pleno proceso de sistematización. Allí figuran unas 200 partituras de puño y letra ya catalogadas, cientos de escritos a caligráfica pluma sobre música, literatura, artes plásticas, antropología, filosofía y crítica, junto con más de mil cuadros y telas realizados por él y su esposa, la pintora Beatriz Danitz.

Isamitt fue, además, un prolífico pintor. Dirigió la Escuela y el Museo de Bellas Artes entre 1927 y 1928. ARCHIVO CARLOS ISAMITT


Todo el ser humano


“Le interesaba la totalidad de temas que tuvieran que ver con el ser humano. Era una persona muy austera y positiva, casi un asceta. Desde que amanecía hasta la noche estaba creando, pintando, escribiendo y leyendo. No había tiempo que perder. Yo pienso que es casi imposible que alguien en una sola vida hubiera hecho tantas cosas. Mi padre era como un renacentista”, dice hoy Dionis Isamitt, en cuya casa se resguarda el gran archivo que le perteneció.


Desde ese mismo fondo se han gestionado varios proyectos con miras a relevar la figura y la obra de Isamitt: libros como “Cuentos araucanos: recolectados y traducidos del mapuche” (2017) y “Los 30 cantos araucanos” (2019), y discos como “Cuartetos de cuerdas, quintetos de cuerdas y piano” (2015), “Dúos para violín y piano” (2017) o “Cuatro piezas incidentales para la obra de teatro El gato con botas” (2020). Junto con esta nueva publicación de textos sobre sus viajes a La Araucanía, se publica otro álbum con su música: “Piezas para piano Vol. I”, interpretadas por Luis Velasco. Y en septiembre se lanzará la grabación de su “Cantata épica el grito de la sangre”, con el Solístico de Santiago dirigido por Paolo Bortolameolli.


“En su tiempo no existía el concepto de etnomusicología. Él se entendía a sí mismo como investigador musical, aunque abarcaba mucho más que los cantos y la organología de los instrumentos musicales mapuches. Entonces su modelo de investigación fue muy distinto al que vino después con los recopiladores de folclor, que ‘iban a buscar canciones y traerlas'”, reflexiona Freddy Chávez.


La finalidad de Isamitt era recopilar cantos, cuentos y tradiciones —el todo de los mapuches—, “para mostrarlos al mundo civilizado occidental como una igualdad de mundos. “De ahí la idea del ‘Friso araucano'. Él observaba la cultura mapuche como cualquier otra cultura. Esa comparación entre griegos antiguos y originarios chilenos a través del friso generó mucha discusión en su tiempo. Pero él decía que toda creación es también un acto político”, señala Chávez.


Carlos Isamitt, en una conferencia dictada en Temuco ya en 1933, manifestó: “A nuestro lado hay un pueblo que posee maravillas propias que pueden codearse con las de cualquiera otra del mundo. No lo explotemos más, no lo denigremos más con nuestros falsos y conocidos conceptos. Ayudemos a liberarlos de tantos rapaces sin humanidad que los acosan cada día en forma ignominiosa”.