Dulce Pontes: Vuelve la embajadora de la música portuguesa

El Mercurio

La cantante presentará su nuevo disco el 28 de noviembre en el Nescafé de la Artes.  

Por Raimundo Flores 

Ha sido un año agitado para Dulce Pontes. Además de haber publicado su último disco, la cantante portuguesa también ha sido parte de la gira que celebra los 60 años de carrera de Ennio Morricone, músico con quien mantiene una estrecha relación desde que ambos colaboraran en la banda sonora de "Sostiene Pereira" (1995). "Es un honor estar con él. Amo su música, él es de mis mayores ejemplos y tenemos una relación de amistad muy fuerte, así que es muy lindo", declara la cantante al teléfono desde Portugal.

Más allá de su trabajo con Morricone, lo que la trae de vuelta a Santiago, donde debutó en 2015, es su última producción, "Peregrinação", en la que canta en portugués y español, y donde reversiona a artistas como Astor Piazzolla, Mercedes Sosa y Charles Aznavour. El título del disco, "Peregrinación" en español, hace referencia a que el repertorio se hizo basado en las canciones que interpretaba en los conciertos que realizó en los últimos siete años. "Normalmente la gente primero graba el disco y luego va de gira. A mí me gusta cantar los temas antes de grabarlos. Es un riesgo, pero me encanta, aparte que me permite desarrollar la interpretación de los temas", explica.

Sobre el show, la portuguesa cuenta que en cada concierto le gusta hacer repertorios distintos dependiendo de lo que siente ese día y adelanta que su nuevo disco será la base de su presentación en Santiago. "Lo que siempre pretendo crear en los conciertos es una atmósfera de viaje y vivir las canciones intensamente en conjunto con el público", agrega.

Aunque la obra de Pontes incluye varias expresiones del folclor portugués, una de las que más destaca es el fado, uno de los géneros más antiguos de ese país y en el que la cantante es considerada una de las artistas más influyentes de las últimas décadas. "El fado es importante para mí en cuanto a expresión musical. Requiere una desnudez particular y una autenticidad a la hora de interpretarlo", declara y agrega que tiene una debilidad especial por el folclore de los demás países: "En el folclor encuentro ríos que se conectan como si hubiera una música madre antes de que todos habláramos idiomas diferentes. Hay algo muy ancestral que está presente en toda las músicas de raíz folclórica. Es fascinante".

Las entradas para el concierto están a la venta por el sistema Ticketek y en las boleterías del Teatro Nescafé de las Artes.

Viene Luciano Supervielle con su mezcla de piano clásico y electrónica

El Mercurio

Por Patricio Zenklussen Franco 

Piano clásico, bases electrónicas y tango. Pocos artistas mezclan elementos tan dispares con tanta destreza como Luciano Supervielle, músico y DJ uruguayo que actuará en Santiago el próximo martes. "Mis influencias son muy variadas", dice en entrevista telefónica, para luego entrar a enumerar: "De música clásica tengo a Debussy y Ravel, que me han marcado mucho. También está Piazzolla, y artistas de candombe uruguayo. Y si tuviera que mencionarte a mis grandes referentes, te diría que los Beastie Boys".

Su carrera ha estado marcada por la variedad. Hace años acompaña al cantautor Jorge Drexler, y su primer trabajo, "Supervielle", de 2004, es una obra seminal de ritmos rioplatenses con música electrónica.

Esta vez, el músico llegará al Nescafé de las Artes para presentar "Suite para piano y pulso velado", su última placa lanzada a mediados de 2016, en la que los elementos electrónicos adquieren roles atmosféricos y las teclas pasan a protagonizar el sonido. "Con este disco me pongo en el rol de un concertista, pero sin renunciar a mi principal influencia, que es el hip-hop", precisa.

"Habrá temas de Bajofondo", adelanta Supervielle sobre la agrupación de tango electrónico que fundó con su compatriota Juan Campodónico y con el compositor argentino Gustavo Santaolalla. La banda es un ícono de la música del Río de la Plata, sumando colaboraciones con Gustavo Cerati, Santullo y Adriana Varela, y ganando en 2013 un Grammy a Mejor Álbum Instrumental, por "Presente".

Bajofondo se encuentra en un hiato que los ha mantenido fuera de los escenarios por un tiempo, pero su vuelta al país ya está programada para la siguiente edición nacional de Lollapalooza, en marzo próximo. "Para la gira de conciertos del próximo año estaremos haciendo un show completo. Es divino volver a Chile", cuenta Supervielle, quien asegura que tienen proyectos, incluyendo un lanzamiento para 2018.

Anna Netrebko: "Mi voz y mi cuerpo han cambiado"

El Mercurio

La gran soprano ruso-austríaca, que cantará en Chile en agosto de 2018, dice estar en su mejor momento vocal y personal, y se autodefine fría mental y emocionalmente: "Me he ganado poder elegir y ser independiente". 

Por Juan Antonio Muñoz H.

Anna Netrebko vendrá a Chile en el pináculo de su fama. Hoy es la gran diva de la ópera; una que domina lo que significa estar sobre un escenario, crear un personaje -el propio y los que interpreta- y cantar. Esto último lo hace ahora, además, con un material vocal diferente. Muy diferente. Dice que "mi voz se multiplicó por tres, no siempre sucede pero a mí me ocurrió". Y no solo creció, sino que aumentó en colores, en densidad. "Hoy soy dueña de mi voz; creo que estoy en mi mejor momento".
"Mi cuerpo también ha ido cambiando. Mi estructura es otra. Para las partes más dramáticas hay que tener otra resistencia y una fuerza mayor en el diafragma", asegura. Eso le ha permitido hacer algunas cosas nuevas y también la ha obligado a dejar otras: ya la suya no es voz para papeles líricos como Juliette (Gounod) o Susanna (Mozart), pero sí puede permitirse cantar exigentes personajes de Verdi como Leonora ("El trovador") y el titular de "Aida", arriesgarse con la mortal Lady Macbeth -un rol que le fascina: "Su maldad me atrae de una manera excitante"- e incursionar en Wagner -después de su éxito como Elsa de "Lohengrin" en Dresden, ya está apuntando al Festival de Bayreuth- y con los veristas: acaba de ser aclamada como "Adriana Lecouvreur" (Cilea), en Viena, y se apronta para "Tosca" (Puccini), que cantará en Nueva York y que todavía no la convence sino por el hecho de que podrá lucir trajes fastuosos y joyas magníficas.

Sus miles de fans quisieran verla en "Norma" (Bellini), rol de roles, pero ella lo ha desestimado: "No me gusta la música, no me gusta el personaje. No es interesante para mí".
Se define "fría como el hielo". Y lo subraya: "Fría, fría. Mental y emocionalmente. Puedo ser simpática, acogedora y divertida, pero soy fría". Piensa que el mundo de la ópera lo exige y que si se tiene un temperamento muy apasionado lo más probable es que se sucumba al medio. "He visto a muchas cantantes desaparecer después de pocos años de carrera". Ella no está para eso. "Soy una guerrera y me he ganado poder elegir y ser independiente".

También impugna esos cuentos de que el director Valeri Gérgiev la descubriera limpiando pisos en el Teatro Mariinski. "Es cierto que yo limpiaba, pero él se fijo en mí después de que yo ganara un concurso", explica y cuenta que muchas veces la gente no entiende sus ironías y publica sus frases como titulares, como si ella hubiera estado hablando en serio. "Ahora me cuido un poco más para no tener que andar desmintiendo".

En Chile actuará el jueves 2 de agosto de 2018 junto a su marido, el tenor Yusif Eyvazov, con quien abrirá en diciembre la temporada 2018-2019 de la Scala de Milán, con "Andrea Chénier" (Giordano).

Quilapayún, Jorge Yáñez y Luis Merino obtienen el Premio a la Música Nacional Presidente de la República 2017

Ministerio de Cultura

El Consejo Nacional de la Cultura y las Artes cada año otorga el galardón más relevante de la música local, que premia en las categorías música popular, folklórica y docta. Los destacados en estas tres variantes obtienen un reconocimiento en dinero de 270 UTM.

Luego de una extensa sesión, esta tarde el Consejo de la Música, del Consejo Nacional de la Cultura y las Artes, anunció los nuevos ganadores del Premio a la Música Nacional Presidente de la República 2017, el galardón más importante para la música local.

El grupo Quilapayún, que está cumpliendo 53 años de carrera, obtuvo el máximo reconocimiento en la categoría música popular debido a su larga y destacada trayectoria, Jorge Yáñez fue distinguido en música de raíz folklórica y Luis Merino, en música docta.

El Ministro de Cultura, Ernesto Ottone Ramírez, expresó: “Ha sido un inmenso honor anunciar a los tres ganadores de este año, porque sin duda todos poseen una vasta trayectoria, y nos sentimos orgullosos porque representan distintas visiones de la música chilena. Quilapayún es un grupo que sigue vigente, asociado a himnos a la libertad y a las necesidades más relevantes de la sociedad chilena. Hablar de Jorge Yáñez, es hablar de nuestra identidad cultural, y así como expresó el Consejo de la Música, es impresionante que antes no haya surgido su nombre. Respecto al maestro Luis Merino, es uno de los recopiladores más relevantes a nivel internacional, un aporte invaluable para la memoria de los compositores nacionales”.

A estas distinciones se suman las menciones que obtuvieron KLI Records, en Edición musical y Álvaro Gallegos, en producción fonográfica.

El acta de votación destaca que este reconocimiento es otorgado “en respuesta al mérito de excelencia, creatividad, destacada labor y por su aporte trascendente al repertorio de la música nacional”.

Cada uno de los distinguidos en las tres categorías principales recibirá un diploma firmado por la Presidenta de la República y la suma única de 270 UTM.

En su versión 2016 el premio fue entregado a la cantante Cecilia Pantoja, conocida como Cecilia la Incomparable, en el género popular; a Nano Acevedo en música de raíz folklórica y a Luis Alberto Latorre en el apartado de la música docta. Además, el sello Quemasucabeza fue premiado en la categoría Producción Fonográfica y La Vitrola fue reconocida en la categoría Edición Músical.

En el pasado, nombres como Verónica Villarroel, Luis Advis, Jorge González de Los Prisioneros, Tommy Rey, Patricio Manns, Tito Fernández han sido distinguidos por este galardón.

Sobre los ganadores

Quilapayún fue fundado por Julio Carrasco, Julio Numhauser y Eduardo Carrasco. Su estilo incorporó elementos enraizados en la música chilena y latinoamericana. Luego de trabajar con Ángel Parra, se integra Víctor Jara como director artístico.

Durante la Unidad Popular, la elección de incluir en sus temáticas las preocupaciones sociales los catapultan a un primer plano, convirtiéndose en la voz principal del proceso socialista chileno. En agosto de 1973, Quilapayún emprende una gira a Europa, sin saber que la ruptura de la democracia los dejaría en el exilio por largos años.

En Francia inician una gira mundial en solidaridad con la causa chilena. En 1974 graban el “El Pueblo Unido”, cuya canción homónima se convertirá en un himno de lucha para los pueblos del mundo.

Jorge Yañez Reyes es uno de los artistas fundamentales del folklore nacional, con más de 54 años de trayectoria, a lo largo de la cual ha destacado como actor, payador, cantor popular, poeta y guitarrero.

Durante su carrera ha formado agrupaciones con niños en riesgo social en la comuna de La Pintana, donde ha implementado talleres de folklore y teatro.

Luis Merino Montero
Musicólogo, Licenciado en Ciencias y Artes Musicales con Mención Musicología por la Universidad de Chile, Magíster en Musicología por la Universidad de California Santa Bárbara y Doctor en Musicología por la Universidad de California. Es autor de dos libros, varios capítulos de publicaciones y más de cien artículos en medios académicos.
Ha recopilado un corpus inmenso tanto de obras musicales como de información relacionada con sus compositores, intérpretes, oyentes y, en términos más amplios, su contexto socio-cultural. Sin duda, sus mayores contribuciones se relacionan con los compositores activos en Chile desde los inicios de la república hasta el presente.

Charles Manson, el músico frustrado que acabó con las 'buenas vibraciones' de los 60

El Mundo

Por Darío Prieto

Charles Manson acabó con la inocencia y las 'buenas vibraciones' de los 60. El asesinato de Sharon Tate y otras cuatro personas, el 9 de agosto de 1969, simbolizó el dramático final de la década. El instigador de aquellos asesinatos, que acaba de fallecer después de casi medio siglo en prisión, es una figura crucial para entender qué hizo que el flower power, el LSD y la marihuana diesen paso a la devastación, la heroína y la cocaína.

Mucho se ha especulado sobre qué habría pasado si aquel sonado que soñaba con convertirse en músico hubiese conseguido materializar sus aspiraciones. Dos figuras fueron fueron fundamentales en este aspecto. De un lado, Dennis Wilson, batería y hermano de en medio de los Beach Boys. Fue él quien acogió a Manson y su familia en su residencia de Los Ángeles, donde formaron una comuna famosa entre lo más cool de California. La amistad entre Wilson y Manson llevó a que el primero grabase para los Beach Boys un par de canciones del segundo, aunque la cuestión de los derechos de autor provocó el distanciamiento entre ambos.

Wilson fue también quien introdujo a Manson en los círculos musicales californianos de la época. Ahí, el líder de la comuna entró en contacto con la segunda figura de esta historia: Terry Melcher. El hijo de Doris Day era uno de los productores más importantes de la época, responsable del aspecto sonoro de discos de The Byrds, los propios Beach Boys y Paul Revere & The Raiders. Con el cantante de estos últimos, Mark Lindsay, alquiló en Cielo Drive una casa en la que también vivía su novia, Candice Bergen. Allí recibió a Manson para estudiar la posibilidad de grabarle un disco y hacer un documental sobre su comuna.

La falta de acuerdo y el trastorno mental de Manson hicieron que Melcher y Wilson le abandonasen. El músico frustrado, obsesionado con el 'Disco blanco' de los Beatles (publicado en 1968, un año antes de los asesinatos), comenzó entonces a barruntar una delirante teoría que denominó 'Helter Skelter', como uno de los temas de dicho álbum, y que incluían guerras raciales en las que él soñaba ser un elemento catalizador. Melcher, Bergen y Lindsay dejaron la casa en Cielo Drive, que alquiló el director de cine Roman Polanski y su mujer, la actriz Sharon Tate, que estaba embarazada cuando los miembros de la 'familia' Manson se personaron allí. Casi 50 años después, no se sabe a ciencia cierta si Manson se equivocó mandando a sus fieles a aquella casa para que asesinasen a Melcher o si era consciente de la mudanza y su intención era atemorizar al productor por su desaire.

Tras los asesinatos, la atención mediática en torno a Manson hizo que el productor Phil Kaufman, mánager de Gram Parsons, publicase una colección de canciones que el demente había grabado entre 1967 y 1968. Lie: The love and terror cult es un disco de aires folk y demencia que, haciendo honor al nombre, se convirtió en un álbum de culto. Con el paso de los años, músicos como Guns'n Roses y Marilyn Manson (que tomó su nombre artístico de él) materializaron un culto en torno a su locura. El propio Charles, con su esvástica tatuada en la frente siguió grabando canciones desde su celda, cada vez más hundido en su desvarío.

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El asesino Charles Manson muere a los 83 años

El País

Por J. M. AHRENS

Murió la muerte. El inescrutable y maligno Charles Manson, falleció este domingo en el hospital Mercy de Bakersfield (California) por causas naturales. Tenía 83 años y un pasado que nunca dejó de intimidar al presente. Entre julio y agosto de 1969, Manson y sus acólitos, bautizados como La Familia, se sumergieron en una espiral sangre, sexo y rock que acabó en nueve asesinatos, entre ellos el de la actriz Sharon Tate, embarazada de ocho meses. Fueron crímenes colectivos, orgias satánicas, aberraciones apocalípticas que asestaron una cuchillada feroz al mundo hippy. Tras años de amor y paz, Manson y lo suyos mostraron a una sociedad convulsa por la Guerra de Vietnam la cara oculta de la realidad. El viaje alucinatorio podía conducir al infierno, Con Manson, una época tocó a su fin.

Los motivos de que laten detrás de los crímenes pertenecen al lado oscuro. Más allá de la locura y la psicopatía, Manson se comportó como un líder sectario que decidió hacer realidad sus incomprensibles y violentas soflamas. No se trataba de un discurso elaborado ni masivo. Su ideario unía a Hitler con los Beatles, las luchas raciales con la cienciología, el LSD con el fin del mundo. Un pastiche marginal que reflejaba mejor que nada sus orígenes desestructurados. Su infancia rota.

Nacido el 12 de noviembre de 1934, fue el hijo de una prostituta adolescente y alcohólica. Jamás conoció a su padre y el apellido lo heredó de un efímero esposo de su progenitora. Tampoco tuvo un hogar. Fue un niño que saltó de casa en casa hasta que a los 12 años empezó a recorrer los reformatorios. Ahí emergieron los primeros indicios de su abismal carácter. Llegó a violar a un compañero de acogida, y se volvió un ladrón habitual. Detenido una y otra vez, en las prisiones halló su hogar. Cuando se instaló en 1967 en San Francisco, había pasado la mitad de su vida en correccionales. Fue en la ciudad de la luz donde salió a flote su lado místico. Al tiempo que intentaba ganarse la vida como cantante (aún se conservan grabaciones suyas), se rodeó de un puñado de seguidores alucinados, restos de serie de clase media, que prestaban oídos a sus apocalípticos discursos. Con ellos, se lanzaría a la barbarie.

Los coqueteos musicales de Manson le acercaron a la epidermis de la floreciente industria musical de la época. Incluso vivió una temporada en casa de Dennins Wilson, de los Beach Boys. Pero ninguno de sus proyectos musicales funcionó. En cambio, su secta cada día se compactaba más y más a su alrededor. Para materializar sus sueños, se fue con ellos a un rancho en el Valle de la Muerte. Ahí acabó de perfilar su visión apocalíptica del universo y cuando consideró llegado el momento envió a sus acólitos a matar. Su objetivo declarado era desatar una revolución racial. Posiblemente, su único deseo era satisfacer su sed de sangre.

El 8 de agosto de 1969, cuatro integrantes de la Familia acudieron a casa de un productor de Hollywood, Terry Melcher, que Manson había conocido años antes. Pasada la medianoche, la tropa irrumpió en la vivienda y dio rienda suelta a sus instintos asesinos.

Lo que siguió es materia de pesadilla. Mucho se ha escrito, filmado e interpretado sobre lo que ahí ocurrió. En un vertiginoso aquelarre, la secta torturó, apuñaló, disparó y colgó a sus víctimas. Tate recibió 16 puñaladas. Tenía 26 años e iba a dar a luz en dos semanas. Su cadáver apareció atado con una soga al del peluquero Jay Sebring.

No hubo piedad. Aún peor. Los asesinos mostraron una enorme felicidad al cumplir su misión. Tanta que cuando acabaron de matar pintaron con sangre la palabra "cerdo" en la puerta de la casa.

Paro el horror aún tenía vida por delante. A la noche siguiente del asesinato de Tate, el propio Manson salió de su guarida y con media docena de seguidores seleccionó al azar un casa de Los Ángeles. Escogieron la del adinerado Leno LaBianca y su esposa. Una vez atados, Manson se marchó, y sus acólitos procedieron a matarlos a puñaladas. En la paredes volvieron a invocar sus demonios: “Muerte a los cerdos”. “Helter Skelter”.

La falta de vinculación entre los asesinos y sus víctimas confundieron en principio a la policía. Durante meses hubo todo tipo de especulaciones hasta que un seguidor, detenido por otro homicidio, no pudo evitar jactarse en prisión.

Manson fue primero condenado a pena de muerte en 1971, pero le fue conmutada al año siguiente por cadena perpetua cuando el Tribunal Supremo abolió temporalmente la pena capital. Desde entonces permanecía entre rejas y las autoridades rechazaron en varias ocasiones concederle la libertad condicional. Tenía una esvástica tatuada en la frente, que se grabó en la frente durante su juicio.

Durante su estancia en prisión, Charles Manson amenazó y asaltó al personal de la cárcel y fue acusado de estar en posesión de armas y teléfonos. Pasaba sus días jugando al ajedrez en el patio, leyendo la Biblia, defendiendo el ecologismo y recibiendo visitas. A fines de 2014, pidió autorización para casarse con una mujer de 26 años, Afton Elaine Burton, sin que se le diera curso. En 2012, el gurú psicópata interpuso su última demanda para obtener su libertad anticipada, que le fue rechazada. Debería esperar a 2027 para hacer una nueva petición.

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Entrevista realizada por la Revista Rolling Stones el año 2013

Gonzalo González: La voz del hombre del sonido

La Tercera

En el medio musical su nombre simboliza calidad, y está entre los nominados al Grammy Latino junto a Mon Laferte.

Cuando un disco chileno lleva el nombre de Gonzalo González (47), se sabe de antemano: la calidad del audio será espectacular. Con 27 años de trayectoria este ingeniero de sonido y productor ha trabajado con algunos de los consagrados de la escena musical chilena -Los Tres, Los Bunkers, Manuel García en un largo etcétera-, y ahora postula al Grammy latino gracias a la nominación de Mon Laferte en Grabación del año por Amárrame, el exitoso single junto a Juanes, y Álbum del año por La Trenza donde “Chalo” González está a cargo del mastering. Si el productor de un álbum es como el director técnico de un equipo y el ingeniero ejecuta la consola durante la grabación ¿qué hace exactamente el encargado del mastering? González lo resume como el acabado final de la obra. “Revisas la ecualización, los niveles, que la coloración sea competitiva a nivel global. Chequeas con Spotify, Youtube y otros cedés. Es una tarea técnica de alta complejidad y responsabilidad. Es un arte medio oculto. Nadie sabe muy bien qué hacemos”.

“Chalo” llegó a Mon Laferte a través del ingeniero mexicano Eduardo del Águila con quien había trabajado para Los Bunkers. Le pidieron el mastering de Amárrame sin compromiso. Si gustaba le pasarían el álbum. A la semana siguiente le enviaron el disco completo. Según el ingeniero el éxito extraordinario de la cantante chilena en México es consecuencia de un espacio vacante. “Ella vio una expresión popular rockera AM que estaba huérfana en Latinoamérica. Es una mezcla entre Los Ángeles Negros y Lucho Gatica. Además compone muy buenas canciones, una combinación de linaje poético y escritura sufrida”.

Sin trampas

Desde hace un par de años González es jurado del Grammy latino y está al tanto de las suspicacias que generan los premios por el eventual lobby. Reconoce haber sospechado del gramófono dorado antes de participar en las votaciones. Ahora lo descarta. “Se cómo funciona. Cualquier socio votante puede proponer al Grammy su disco. Yo he propuesto títulos en los que he trabajado. Es un proceso completamente transparente y no tiene ningún secreto. No hay estructura de lobby armada. Al contrario. Si la academia te pilla te pueden expulsar y perjudica al nominado”.

Para “Chalo” los cambios tecnológicos son lo más complejo de la profesión. Formado en los 90, los tiempos y los procesos de trabajo eran más pausados por las limitantes técnicas. Hoy la expectativa en el negocio es alta en relación al tiempo invertido y al ingeniero esa ecuación no le convence. “Creo que la buena música y la producción no son amigas del estrés. Necesita un tiempo contemplativo y de análisis. Es frecuente que rechace discos por lo apurados que están, así no puedo garantizar un producto de calidad. Todo el mundo espera resultados a muy corto plazo. No se ve con claridad la obra en si, y se enfatiza qué va a pasar más que su significado como una pieza de arte”.

Escaso margen para el ensayo y el error entonces.

Los mass media han influido mucho en la juventud respecto de los plazos y es una trampa peligrosa. Prefiero los procesos largos, Congreso, Inti Illimani, Los Jaivas, Los Tres, Chancho en Piedra, tantos otros, artistas con mayoría de edad después de 15, 20 años de trabajo. No creo que tenga mucho que ver con un asunto de plata sino con la inmediatez de Internet, Twitter, Instagram, Facebook, la sensación de que todo tiene que pasar rápido. Los grandes artistas no se apuran.

“Chalo”, que ha trabajado con figuras del Nuevo pop chileno como Fernando Milagros, Gepe, Astro y Dënver, cree que es probable que esta generación traiga de vuelta a las grandes compañías a Chile para retomar los fichajes. “Están haciendo una especie de export de música chilena no tradicional que está funcionando. No es un negocio para volverse loco pero es frecuente. Estos artistas van a España, Argentina, Colombia y suenan en las radios también. Me consta que en México las bandas chilenas son prestigiosas. A nivel económico no vemos grandes hitos porque todavía en Centro y Norteamérica el reino de las multinacionales aún domina. Ahora, ese fenómeno está bajando hacia Chile. Sony music contrató a Javiera Mena.

Universal desde México tiene a Mon Laferte como prioridad iberoamericana. Se que hay otros artistas chilenos en conversaciones con multinacionales y firmando contratos en EE.UU. y en México. Ha costado porque somos bastante caudillistas y tampoco hacemos una música tan comercial, pero falta poco para que se vuelvan a instalar acá las grandes compañías”.
Soñar no cuesta. Si “Chalo” González pudiera elegir qué artistas grabar, iría derecho con LCD Soundsystem y Radiohead. “También me encantaría hacer un disco nuevo de Los Tres que tuviera la excelencia de antes. Y me gusta Natalia Lafourcade. La encuentro increíble”.

Si pudiera regrabar algún disco para que suene mejor, ¿cuál sería?

(Ríe) Me encantaría regrabar La Voz de los 80. A pesar de que me gusta como suena, creo que me he acostumbrado a cómo suena más que gustarme realmente. Regrabaría muchos discos en los cuales he participado, pero no los voy a decir.

La Cumbre del Rock Chileno dio a conocer sus primeros confirmados

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Uno de los encuentros más convocantes de la música nacional, La Cumbre del Rock Chileno, cuya quinta versión se realizará el próximo 27 de enero de 2018, puso este mediodía a disposición del público las entradas de su primera pre-venta (hasta el 24 de noviembre) a través de Ticketek, con un valor general de $16.000 y VIP de $40.000.

Para esta nueva versión en Club Hípico, la organización dispondrá de zonas de descanso, food trucks, juegos infantiles y una feria de emprendedores (tatuajes, libros, discos, merchandising de las bandas, presencia de ONG, etc).

La idea es ampliar y recrear un espacio más amable para el desplazamiento de los asistentes, que podrán disfrutar de una jornada que se extenderá por 10 horas. Además, en este nuevo formato, serán 4 los escenarios distribuidos en distintos puntos del Club Hípico, que albergarán presentaciones más extensas y algunas en paralelo.

Con los datos antes expuestos, se dieron a conocer los primeros confirmados para la versión 2018 de La Cumbre: Los Jaivas (homenajeados en esta oportunidad, con paso en las ediciones 2007 y 2009), el regreso de la internacional Ana Tijoux (que debutó como solista en La Cumbre 2007), Joe Vasconcellos uno de los protagonistas más aplaudidos de la edición pasada en el Estadio Nacional, el grupo Electrodomésticos liderado por Carlos Cabezas y, por primera vez, Alain Johannes Trío. El cartel oficial se publicará el 6 de diciembre.

La inminente edición 2018 del evento estará dedicada a Los Jaivas, banda fuente del rock nacional que será reconocida con el premio “Icono del Rock”, el mismo que antes recibieron Jorge González (Los Prisioneros) y Álvaro Henríquez (Los Tres).

LA CUMBRE DEL ROCK CHILENO 5
Sábado 27 enero 2018
Club Hípico
Venta de entradas Ticketek
Preventa 1 hasta 24 de noviembre
$16.000 general
$40.000 VIP

Exbaterista de la Sonora Palacios acusa a miembros de la banda por acoso sexual

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Continúan las acusaciones contra la Sonora Palacios, la banda chilena que esta semana despidió a su mánager y un asistente técnico luego que una usuaria de Facebook denunciara acoso sexual callejero de parte de ambos colaboradores del grupo.

La acusación fue publicada a través de Facebook, misma vía en que cinco horas más tarde, a través de un comunicado, la agrupación informara la desvinculación de los dos trabajadores. “Con esto esperamos dar una señal clara, sobre los valores que nos inspiran y nos colocamos en relación de los tiempos que corren sobre la no aceptación del acoso callejero cualquiera sea la índole”, publicaron a raíz de la noticia.

Sin embargo, una nueva denuncia relativa a acoso sexual recae otra vez sobre la mítica banda de cumbia.

Ahora, la denunciante fue María de los Angeles Ibarra, antigua baterista del grupo durante 2014, quien relató en su perfil en Facebook episodios de acoso ejercidos por el mismo mánager cuestionado, además de Marty Palacios (hijo) y sus hijos Marvyn y Eddi.

“Me parece grotesco cómo la Sonora Palacios se desmarca de la situación, cuando en realidad este tipo de conductas están absolutamente validadas dentro de la orquesta”, se lee en el post de la baterista.

“Yo misma fui acosada sexualmente por este mánager cuando trabajaba con ellos (2014), denuncié el hecho a los jefes y no hicieron nada, sólo porque no se hizo público y además amenazaron con despedirme si seguía “haciendo problemas” por este tipo de cosas”, denunció

“Y ese no fue el único episodio de acoso, ni tampoco fue la única persona que me acosó. También me acosaron Marty Palacios (hijo) y sus hijos Marvyn y Eddi. En otra oportunidad hubo un episodio de violencia en mi contra, por parte de Marty Palacios Caro (padre), estando en evidente estado de ebriedad y dejándome moretones en los brazos”, contó.

“Cada vez que me quejaba de estas cosas, decían que no volverían a pasar, que se harían cargo y nada de eso ocurrió. Terminé renunciando, cansada del machismo y el acoso”, finalizó en su post

El diario electrónico El Mostrador, a través de su sitio web Braga, contactó a Marty Palacios, quien desmintió rotundamente la afirmación.

“Niego tajantemente las acusaciones que ella hace. Estoy muy sorprendido y afectado porque estas acusaciones son delicadas e involucran a nuestra familia(…). Ella se fue de la sonora cuando encontró trabajo en el proyecto de las Taconeras. Incluso trabajó en paralelo un tiempo. Ahora nuestra abogada está indagando en la situación, así que no me quiero extender más”, apuntó Palacios.

Mon Laferte consagra su mejor año triunfando en el Grammy Latino

El Mercurio

La solista chilena se transformó en la primera cantante nacional en conseguir un gramófono. Anoche se impuso en la categoría de Mejor Canción Alternativa por "Amárrame". Luis Fonsi fue el gran ganador de la jornada con su "Despacito".

Por José Vásquez

Lo recibió con risas, pero también con mucha emoción. Anoche, Mon Laferte tomó el primer Grammy Latino de su carrera, y no pudo evitar sincerarse frente al público: "¿Se vale llorar, verdad?", preguntó, antes de agradecer a su equipo y a Juanes, con quien grabó "Amárrame", el tema con el que triunfó en la categoría de Mejor Canción Alternativa.

Ayer, la cantante llegó al MGM Grand Garden Arena de Las Vegas con la ilusión de hacer historia en unos premios particularmente esquivos con los artistas nacionales, donde solo La Ley y Beto Cuevas, en calidad de solista, han logrado vencer dentro de la competencia. Mon Laferte, con cinco nominaciones, volvió a Estados Unidos para comenzar a revertir este derrotero, y anoche, antes del inicio de la ceremonia televisada, se adjudicaba su primer gramófono.

Con una carrera que recién explotó en 2016, la voz de "Tu falta de querer" se transformó en la primera cantante femenina nacional en ganar en la premiación más importante de la música latina, que concentra sus preferencias en los ritmos urbanos y donde los artistas de Colombia y Puerto Rico, los mercados más fértiles en este estilo, dominan este evento.

Los anteriores triunfos de artistas nacionales fueron para La Ley, que ganó el Mejor Álbum Vocal Rock, Dúo o Grupo, en 2002, por su "MTV Unplugged", y en 2004 en la misma categoría por su disco "Libertad"; y Beto Cuevas, en calidad de solista, logrando el Mejor Álbum de Pop/Rock en 2013 por "Transformación". Don Francisco (Premio del Consejo Directivo) y Myriam Hernández (Premio de la Presidencia) han recibido distinciones honoríficas.

Los próximos pasos de la artista anotan dos conciertos en España: el 18 de noviembre, en Madrid, y tres días más tarde en Barcelona. Un mercado apetecido por la cantante, que apunta a seguir extendiendo sus fronteras.

Luego, en diciembre, regresará a Chile para cumplir con una nueva gira nacional que tendrá como punto central su debut en el Movistar Arena el lunes 18. El próximo año también será su primera participación en el festival Lollapalooza de Santiago y Buenos Aires.

Fonsi y el éxito del año

Mon Laferte, que en las encuestas de la transmisión de TNT se imponía por paliza en las preferencias del público, también competía en las tres principales categorías del Grammy Latino: Grabación del Año, Álbum del Año y Canción del Año, donde la lucha era dura, pues disputaba gramófonos con Luis Fonsi y su éxito mundial "Despacito", la canción latina más popular de la historia del streaming; el taquillero álbum de Shakira "El Dorado"; Juanes, con quien grabó a dúo su hit "Amárrame", y con Maluma, uno de los símbolos de la música urbana.

Fonsi, que llegó a la ceremonia con cuatro nominaciones, las consiguió todas, imponiendo su "Despacito" en las apetecidas categorías de Grabación del Año y Canción del Año. El Álbum del Año, finalmente, fue para Rubén Blades.

Otros ganadores dentro de las 47 categorías que se premiaron ayer fueron Shakira en Mejor Álbum Vocal Pop Contemporáneo; Juanes en Mejor Álbum Pop/Rock y Mejor Ingeniería de Grabación para un Álbum; Natalia Lafourcade en Mejor Álbum Folclórico y Mejor Video Musical Versión Larga, y Residente en Mejor Álbum de Música Urbana y Mejor Canción Urbana. Nuevamente, este año, y como un hecho curioso, en Mejor Canción de Rock hubo un empate entre "La noche", de Andrés Calamaro, y "Déjala rodar", del grupo Diamante Eléctrico.

Listado Completo de Ganadores:

1. GRABACIÓN DEL AÑO
Despacito
Luis Fonsi Featuring Daddy Yankee
Mauricio Rengifo & Andrés Torres, record producers; Mauricio Rengifo, Luis Saldarriaga & Andrés Torres, recording engineers; Jaycen Joshua, mixer; Dave Kutch, mastering engineer
Sello Discográfico: Universal Music Latino

2. ÁLBUM DEL AÑO
Salsa Big Band
Rubén Blades Con Roberto Delgado & Orquesta
Roberto Delgado, album producer; Pablo Governatori & Ignacio Molino, album recording engineers; Roberto Delgado, Pablo Governatori & Ignacio Molino, album mixers; Daniel Ovie, album mastering engineer
Sello Discográfico: Rubén Blades Productions

3. CANCIÓN DEL AÑO
Despacito
Daddy Yankee, Erika Ender & Luis Fonsi, songwriters (Luis Fonsi Featuring Daddy Yankee)
Sello Discográfico: Universal Music Latino

4. MEJOR NUEVO ARTISTA
Vicente García

5. MEJOR ÁLBUM VOCAL POP CONTEMPORÁNEO
El Dorado
Shakira
Sello Discográfico: Sony Music Latin

6. MEJOR ÁLBUM VOCAL POP TRADICIONAL
Salón, Lágrimas y Deseo
Lila Downs
Sello Discográfico: Sony Music Entertainment México

7. MEJOR FUSIÓN/INTERPRETACIÓN URBANA
Despacito (Remix)
Luis Fonsi & Daddy Yankee Featuring Justin Bieber
Sello Discográfico: Universal Music Latin Entertainment

8. MEJOR ÁLBUM DE MÚSICA URBANA
Residente
Residente
Sello Discográfico: Sony Music Latin

9. MEJOR CANCIÓN URBANA
Somos Anormales
Rafael Arcaute, Igor Koshkendey & Residente, songwriters (Residente)
Corte de: Residente
Sello Discográfico: Sony Music Latin

10. MEJOR ÁLBUM DE ROCK
La Gran Oscilación
Diamante Eléctrico
Sello Discográfico: Mercado Negro/Criteria Entertainment

11. MEJOR ÁLBUM POP/ROCK
Mis Planes Son Amarte
Juanes
Sello Discográfico: Universal Music Latino

12. MEJOR CANCIÓN DE ROCK
Déjala Rodar
Juan Galeano, songwriter (Diamante Eléctrico)
Corte de: La Gran Oscilación
Sello Discográfico: Mercado Negro/Criteria Entertainment

13. MEJOR ALBUM DE MÚSICA ALTERNATIVA
Jei Beibi
Café Tacvba
Sello Discográfico: Cafe Tacvba

14. MEJOR CANCIÓN ALTERNATIVA
Amárrame
Mon Laferte, songwriter (Mon Laferte Featuring Juanes)
Corte de: La Trenza
Sello Discográfico: Universal Music Group/Discos Valiente

15. MEJOR ÁLBUM DE SALSA
Salsa Big Band
Rubén Blades Con Roberto Delgado & Orquesta
Sello Discográfico: Rubén Blades Productions

16. MEJOR ÁLBUM DE CUMBIA/VALLENATO
Ni Un Paso Atrás
Jorge Celedón y Sergio Luis Rodríguez
Sello Discográfico: Independiente

17. MEJOR ALBUM TROPICAL CONTEMPORÁNEO
Bidimensional
Guaco
Sello Discográfico: Producciones Guaqueros C.A.

18. MEJOR ÁLBUM TROPICAL TRADICIONAL
To Beny Moré With Love
Jon Secada Featuring The Charlie Sepúlveda Big Band
Sello Discográfico: BMG/ Peermusic

19. MEJOR ÁLBUM DE FUSIÓN TROPICAL
Olga Tañón Y Punto.
Olga Tañón
Sello Discográfico: Mia Musa Music/ Sony Music Latin

20. MEJOR CANCIÓN TROPICAL
Bachata En Kingston
Vicente García, songwriter (Vicente García)
Corte de: A La Mar
Sello Discográfico: Sony Music

21. MEJOR ÁLBUM CANTAUTOR
A La Mar
Vicente García
Sello Discográfico: Sony Music

22. MEJOR ÁLBUM DE MÚSICA RANCHERA/MARIACHI
Las Caras Lindas
Flor De Toloache
Sello Discográfico: Chulo Records

23. MEJOR ÁLBUM DE MÚSICA BANDA
Ayer y Hoy
Banda El Recodo De Cruz Lizárraga
Sello Discográfico: Fonovisa/Universal

24. MEJOR ÁLBUM DE MÚSICA TEJANA
Debido al bajo número de inscripciones, esta categoría no fue premiada este año.

25. MEJOR ÁLBUM DE MÚSICA NORTEÑA
Piénsalo
Los Palominos
Sello Discográfico: M Music & Entertainment Group, LLC / Freddie Records

26. MEJOR CANCIÓN REGIONAL MEXICANA
Siempre Es Así
Juan Treviño, songwriter (Juan Treviño Featuring AJ Castillo)
Corte de: Fragmentos
Sello Discográfico: Penfo Music

27. MEJOR ÁLBUM INSTRUMENTAL
Spain Forever
Michel Camilo & Tomatito
Sello Discográfico: Universal Music Spain S.L.

28. MEJOR ÁLBUM FOLCLÓRICO
Musas (Un Homenaje Al Folclore Latinoamericano En Manos De Los Macorinos, Vol. 1)
Natalia Lafourcade
Sello Discográfico: Sony Music Entertainment México, S.A. De C.V.

29. MEJOR ÁLBUM DE TANGO
Solo Buenos Aires
Fernando Otero
Sello Discográfico: Rycy Productions, Inc.

30. MEJOR ÁLBUM DE MÚSICA FLAMENCA
Memoria De Los Sentidos
Vicente Amigo
Sello Discográfico: Legacy Recordings /Sony Music Entertainment

31. MEJOR ÁLBUM DE JAZZ LATINO/JAZZ
Dance Of Time
Eliane Elias
Sello Discográfico: Concord Jazz

32. MEJOR ÁLBUM CRISTIANO (EN ESPAÑOL)
Momentos
Alex Campos
Sello Discográfico: Sony Music Entertainment México, S.A. De C.V

33. MEJOR ÁLBUM CRISTIANO (EN PORTUGUÉS)
Acenda A Sua Luz
Aline Barros
Sello Discográfico: MK Music

34. MEJOR ÁLBUM DE POP CONTEMPORÁNEO EN LENGUA PORTUGUESA
Troco Likes Ao Vivo: Um Filme De Tiago Iorc
Tiago Iorc
Sello Discográfico: Som Livre

35. MEJOR ÁLBUM DE ROCK O MÚSICA ALTERNATIVA EN LENGUA PORTUGUESA
Jardim - Pomar
Nando Reis
Sello Discográfico: Relicario

36. MEJOR ÁLBUM DE SAMBA/PAGODE
+ Misturado
Mart'nália
Sello Discográfico: Biscoito Fino

37. MEJOR ÁLBUM MÚSICA POPULAR BRASILEÑA
Dos Navegantes
Edu Lobo, Romero Lubambo, Mauro Senise
Sello Discográfico: Biscoito Fino

38. MEJOR ÁLBUM DE MÚSICA SERTANEJA
Daniel
Daniel
Sello Discográfico: Universal Music

39. MEJOR ÁLBUM DE MÚSICA DE RAÍCES BRASILEÑAS
Ao Vivo - Melodias Do Sertão
Bruna Viola
Sello Discográfico: Universal Music

40. MEJOR CANCIÓN EN LENGUA PORTUGUESA
Trevo (Tu)
Ana Caetano & Tiago Iorc, songwriters (AnaVitória Featuring Tiago Iorc)
Corte de: AnaVitória
Sello Discográfico: Universal Music

41. MEJOR ÁLBUM DE MÚSICA LATINA PARA NIÑOS
Marc Anthony For Babies
Varios Artistas
Marc Anthony, Carlos Escalona Cruz & Miguel Ignacio Mendoza, producers
Sello Discográfico: Magnus Music, LLC

42. MEJOR ÁLBUM DE MÚSICA CLÁSICA
Música De Compositores Costarricenses Vol. 2
Eddie Mora, Directing The Orquesta Sinfónica Nacional De Costa Rica; Winnie Camila Berg, solista; Carlos Chaves, album producer
Sello Discográfico: Independiente

43. MEJOR OBRA/COMPOSICIÓN CLÁSICA CONTEMPORÁNEA
Sonata Del Decamerón Negro
Leo Brouwer, composer (Mabel Millán)
Corte de: Gran Recital
Sello Discográfico: ADLib MusicMx

44. MEJOR DISEÑO DE EMPAQUE
El Orisha De La Rosa
Carlos Dussán, Juliana Jaramillo, Juan Felipe Martínez & Claudio Roncoli, art directors (Magín Díaz)
Sello Discográfico: Chaco World Music / Noname

45. MEJOR INGENIERÍA DE GRABACIÓN PARA UN ÁLBUM
Mis Planes Son Amarte
Josh Gudwin, mixer; Tom Coyne, mastering engineer (Juanes)
Sello Discográfico: Universal Music Latino

46. PRODUCTOR DEL AÑO
Eduardo Cabra
• A La Mar (Vicente García) (A)
• La Fortuna (Diana Fuentes Featuring Tommy Torres) (S)
• La Lucha (La Vida Bohème) (A)
• Sofá (Silvina Moreno) (A)
• Somos (Swing Original Monks) (A)

47. MEJOR VIDEO MUSICAL VERSIÓN CORTA
Despacito
Luis Fonsi Featuring Daddy Yankee
Carlos R. Perez, video director; Joanna Egozcue & Roxy Quiñones, video producers
Sello Discográfico: Universal Music Latino

48. MEJOR VIDEO MUSICAL VERSIÓN LARGA
Musas, El Documental
Natalia Lafourcade
Bruno Bancalari, video director; Juan Pablo López Fonseca, video producer
Sello Discográfico: Sony Music Entertainment México, S.A. De C.V.

Ozzy Osbourne ya tiene escenario de despedida

El Mercurio

La Pista Atlética del Estadio Nacional recibirá la última gira mundial del artista. 

Por Patricio Zenklussen Franco

Ozzy Osbourne, legendario vocalista del heavy metal , ya tiene definido el último escenario chileno al que subirá en su carrera: la Pista Atlética del Estadio Nacional. El cantante visitará el país el próximo 8 de mayo con su gira de despedida, bautizada "Farewell World Tour", en la que también actuará en Argentina, Brasil y México.

Para la ocasión, la voz detrás de clásicos del género como "Crazy Train", "Paranoid" y "War Pigs" contará con la compañía de su viejo colaborador Zakk Wylde, fundador de la agrupación Black Label Society y guitarrista líder en siete de sus discos lanzados entre 1988 y 2007.

La última visita del "Príncipe de las tinieblas" a tierras nacionales fue en noviembre del año pasado, cuando se presentó en el Estadio Nacional junto a Black Sabbath, en lo que fue el adiós a los escenarios del grupo encabezado por Tony Iommi.

Osbourne, que cumple 69 años el próximo mes, ya había hablado de dejar los espectáculos en vivo: "La gente siempre me pregunta cuándo me voy a retirar. Ésta será mi última gira mundial, pero no descarto hacer algunos shows de vez en cuando". De todas maneras, el compromiso no será breve, y se estima que los shows se extiendan hasta 2019. Por el momento, el artista ya tiene fechas confirmadas hasta julio por toda Europa, y se esperan conciertos para Estados Unidos.

"Todo ese cariño por 'La Negra Ester' se debiera reflejar en apoyo"

El Mercurio

La actriz Rosa Ramírez habla de la elegida como la mejor obra de teatro por cinco candidatos presidenciales al responder cuestionario de "El Mercurio". 

Por Eduardo Miranda

Fue el nombre que más se repitió en toda la encuesta. Los candidatos presidenciales revelaron sus preferencias artísticas en un cuestionario que les hizo "El Mercurio" y cuyos resultados fueron publicados ayer. Y pese a la diversidad de opciones en materia musical, televisiva y cinematográfica, fue el área de teatro la que obtuvo una respuesta con una clara mayoría: "La Negra Ester".

El montaje de la compañía Gran Circo Teatro fue mencionado como mejor obra teatral por cinco aspirantes a La Moneda: Carolina Goic, Sebastián Piñera, Alejandro Guillier, Beatriz Sánchez y Alejandro Navarro destacaron la pieza que debutó en 1988, bajo la dirección del fallecido Andrés Pérez.

"Claramente es una obra muy reconocida, ha sido uno de los grandes aportes al mundo de la cultura", dice la actriz Rosa Ramírez, quien ha protagonizado la pieza desde sus primeros días. "Todo ese cariño por 'La Negra Ester' se debiera reflejar en apoyo económico. Me gustaría que los candidatos entendieran que proyectos como este alimentan el espíritu de un país. Que se hicieran cargo del mundo cultural con respeto y responsabilidad".

La actriz está hoy a la cabeza de la compañía que tiene su centro de operaciones en la calle República. "Cuando Andrés Pérez estaba vivo tuvo que pedir mucha ayuda, y la falta de reciprocidad fue importante. Hoy nos damos cuenta de que la situación no ha cambiado", dice. Y agrega: "Yo estoy apoyando al candidato Eduardo Artés y me extraña que no haya respondido la encuesta o no nos haya mencionado. Es algo que hablaré con él".

Por estos días, la compañía está preparando la celebración de los 30 años de su obra cumbre. "Nos gustaría hacer una gira nacional con 'La Negra'. Continuar mostrando esta obra que es un legado para el país", señala Ramírez. "Así como hay candidatos que nos mencionan y nos tienen tan presentes, de esa misma manera iremos a golpear las puertas de cada uno para pedirles apoyo cuando lo necesitemos", adelanta la actriz.

Rosa Ramírez dice que ha pedido financiamiento, pero no lo ha obtenido: "Si fuera amiga del ministro (Ernesto) Ottone seguramente obtendría ayuda. Eso me da rabia y pena". Y enfatiza: "El teatro ya es popular entre la gente que nos da su cariño. A los que dicen que están preocupados por el país, a esos me gustaría verlos en el teatro".

Cónclave de big bands : Tres días con seis orquestas

El Mercurio

Hasta el domingo el Primer Encuentro Big Band y Ensambles se realiza en el Anfiteatro Caja Los Andes.  

Por IÑIGO DÍAZ 

"No solo la música sinfónica de la Fundación de Orquestas Juveniles e Infantiles debería recibir un apoyo estatal. También están las orquestas de jazz, las bandas de bronces, los elencos de folclor", reflexiona Gerhard Mornhinweg, trompetista y educador, hoy director del Liceo Almirante Riveros, donde funciona la Conchalí Big Band, el proyecto que él fundó en 1994.

La orquesta de niños y adolescentes tocó ayer en La Moneda y este fin de semana será un protagonista del Primer Encuentro Big Band y Ensambles, que reunirá a unos 150 cultores de la música en bloque. Las actividades son gratuitas, desde hoy y hasta el domingo, con charlas y conciertos que se realizan en el Anfiteatro Caja Los Andes (Alonso de Ovalle 1465).

Son seis agrupaciones. Además de la Conchalí Big Band estarán la Mapocho Orquesta, que tiene sus exalumnos, las big bands de la Universidad de Chile y de Carabineros, además de la nueva orquesta la Rim Bam Bum y la talquina Golden Big Band, dirigida por Alejandro Cantillana.

En 2014, para la celebración de sus 20 años de vida, la Conchalí Big Band actuó en el Teatro Municipal y publicó el disco "XXI", una serie de obras escritas por Emilio Bascuñán para la orquesta. El mismo compositor replica el ejercicio en el reciente disco "Viaje al interior", con un catálogo nuevo dedicado a la Mapocho Orquesta.

"Este primer encuentro tendrá talleres dictados por músicos especialistas y están abiertos al público, entre ellos, el director estadounidense Carl Hammond y los músicos Claudio Rubio, Cristián Orellana y Alfredo Tauber", anticipa el saxofonista Andrés Pérez, organizador del encuentro.

"Ver como cada vez hay más músicos tocando en estas orquestas me alegra. Era el sueño que tenía cuando comenzamos con el proyecto", señala Mornhinweg sobre la agrupación conchalina, que no solo ha lanzado a importantes solistas de jazz, sino educado en la música a más de 400 niños. "Para nosotros el éxito es formar a estudiantes que aprendan a aprender y que sean personas felices", cierra.

Arjona vuelve a ratificar su reinado en el Movistar Arena

El Mercurio

El guatemalteco es el artista que más veces se ha presentado en el recinto del Parque O'Higgins. Al final de esta gira habrá congregado ahí a cerca de 280 mil personas en 26 conciertos. 

Por JOSÉ VÁSQUEZ

En números, Ricardo Arjona es imbatible en el Movistar Arena, espacio al que vuelve para ratificar su soberanía. El cantante guatemalteco inicia este domingo una serie de cinco presentaciones con las que afianzará su liderazgo en la taquilla de un lugar que este año cobijó espectáculos como el Cirque Du Soleil inspirado en Soda Stereo, el que en 21 funciones congregó a 126 mil personas.

La voz de "Historia de taxi" se despedirá de Santiago el jueves 23 de noviembre luego de haber completado 26 conciertos -sin contar uno privado realizado para una empresa en 2012- en el recinto ubicado al interior del Parque O'Higgins. Una historia que comenzó en 2006 con cuatro funciones y que seis años más tarde alcanzó su peak con siete, lo que le valió el reconocimiento Artista Récord del lugar. En total, el cantautor durante todo este tiempo habrá congregado a más de 280 mil personas.

"Nadie ha hecho más shows que él en los 11 años de historia que tenemos", dice Mauricio Contreras, director de comunicaciones de Movistar Arena, quien agrega: "No es un artista que repite sus contenidos, siempre vuelve con un espectáculo completamente renovado y eso el público lo valora", dice para entender el éxito de un cantautor que ha llevado su música por Chile desde el Festival de Viña del Mar al Teatro Municipal de Santiago.

Llega el circo

Esta vez Arjona vuelve al país con la gira de su álbum "Circo Soledad", lanzado en abril y donde en vivo recrea precisamente un particular circo inspirado en el imaginario del músico.

El artista llegaría el sábado a la capital en un vuelo privado desde Mendoza, última escala antes de Santiago, y lo hará acompañado de un equipo de 55 personas, entre ellos personal de producción y acróbatas que darán vida a la experiencia circense apoyada por 300 metros cuadrados de pantallas LED, que se transforman en los protagonistas de su escenografía.

El montaje del show del guatemalteco está compuesto por 38 toneladas, donde solo la pantalla central pesa 9 toneladas. Este circo comenzará sus funciones este domingo 19 de noviembre después del cierre de las mesas electorales de la elección presidencial en Chile.

Sonora Palacios desliga a dos miembros por caso de acoso

El Mercurio

La madrugada del miércoles, Camila Quezada, a través de su Facebook, acusó a dos miembros de la Sonora Palacios de acoso callejero. En la publicación, que acompañó de un video y fotografías de los implicados, afirmó que la siguieron en un automóvil -propiedad del líder, Marty Palacios- y realizaron comentarios sexuales machistas. Horas después, la Sonora confirmó la desvinculación de Mario Zúñiga, mánager de la banda, y de uno de sus asistentes. "Con esto esperamos dar una señal clara, sobre los valores que nos inspiran y nos colocamos en relación de los tiempos que corren sobre la no aceptación del acoso callejero, cualquiera sea la índole", dijeron.

Candidatos presidenciales revelan sus preferencias artísticas

El Mercurio

"El Mercurio" envió un cuestionario a los aspirantes a La Moneda, para conocer sus gustos en el ámbito del cine, teatro, televisión y música popular. Todos respondieron, con excepción de Eduardo Artés. 

Para ver mejor, dele click a la imagen

Radiografía cultural de las candidaturas presidenciales

El Mercurio

El Observatorio de Políticas Culturales publica hoy su análisis comparativo de las propuestas de los ocho presidenciables. Hay novedades y sorpresas.  

Por Romina de la Sotta Donoso 

En una nueva entrega de su programa "Candidatos con Cultura", el Observatorio de Políticas Culturales (OPC) da a conocer un completo análisis comparativo de las propuestas culturales de los ocho candidatos a la Presidencia.

Bárbara Negrón, directora del OPC, revela la metodología: "Les pedimos sus programas a todas las candidaturas, y la gran mayoría nos fue avisando cuando lo iban completando en su sitio web. En el caso de José Antonio Kast, ocupamos lo que publicó en Servel, que era lo más completo que existía de él".

Aclara que "hay grandes diferencias entre los programas, y los más completos son, sin duda, los de Alejandro Guillier y Beatriz Sánchez, porque son los únicos que abordan de forma integral el conjunto de los temas culturales y consideran el patrimonio, la creación, la educación artística y las industrias".

"Algo importante es que cinco candidatos, incluido Sebastián Piñera, coinciden en el énfasis en la educación artística, algo que impacta en la calidad de los artistas, en la cantidad de los públicos y en la calidad de la educación. Es muy relevante que aparezca este nuevo énfasis y que sea de consenso", detalla.

También hay una gran ausencia: "Excepto Sánchez, nadie más abordó la situación de los artistas, que siempre había estado presente".

Negrón destaca la novedosa aparición de dos temas: el Derecho a la Cultura en la Constitución -lo proponen dos candidatos- y el IVA al libro. "El impuesto al libro era intocable, pero esa tendencia se rompió porque hay tres candidatos que proponen eliminarlo o reducirlo", apunta.

La tabla comparativa de los programas culturales se organizan por ámbitos como Institucionalidad cultural y Derechos culturales; Fomento a la creación, Financiamiento de la Cultura; Educación Artística, Libro y Lectura, Patrimonio Cultural, Industrias creativas y Consumo cultural, Infraestructura Cultural y Acceso, y fue publicado ayer en Observatoriopoliticasculturales.cl.

Negrón señala que también detectaron errores: "Por ejemplo, Marco Enríquez-Ominami propone una biblioteca en cada comuna de 50 mil habitantes, pero ese es un tema superado; sólo tres comunas del país no tienen biblioteca. También llama la atención que Piñera proponga un Vale Cultura, pues durante la administración de Luciano Cruz-Coke se estudió la factibilidad de implementarlo en Chile y los estudios indicaron que no era factible aplicarlo en nuestro país".

Los protagonistas de la nueva guerra matinal de las radios

El Mercurio

Daniel "Huevo" Fuenzalida, con su programa "Central Radioactiva", es el actual líder de la franja que va entre las 9 y las 12 de la mañana. Supera al "Pelao" Rodrigo González, de Radio Carolina, entre los hombres y mujeres de 25 a 44 años.  

Por Patricia Cerda F. 

La mañana es un bloque fundamental no solo para el tren programático de la TV. Las radios también intentan captar a las audiencias desde tempranas horas, y este año se ha vivido una renovada competencia en la franja con el debut de "Vente pa' acá", el programa que José Miguel Viñuela conduce en Radio Candela y que ya se ubica en los primeros lugares del ranking en ese horario.

Pero la gran sorpresa del cuatrimestre comprendido entre los meses de junio y septiembre fue el cambio de liderazgo en el bloque. Radio Carolina, históricamente en el primer puesto con el espacio de "Pelao" Rodrigo González "Sacando la vuelta", pasó a la segunda posición dejando como nuevo líder a Daniel "Huevo" Fuenzalida, de Radio Activa, con su programa "Central Radioactiva".

Según datos de la encuesta Ipsos, el programa de Fuenzalida se queda con el 6,3% de la audiencia del horario, en el grupo de hombres y mujeres de entre 25 y 44 años de los estratos socioeconómicos C2, C3 y D. Esto quiere decir que el programa es escuchado por 96.350 de personas solo en el Gran Santiago. "Sacando la vuelta", en tanto, queda en el segundo lugar, con 5,8% de la audiencia del segmento mencionado (88.665 personas) y "Vente pa'acá" ocupa el tercer lugar con el 3,3% de la audiencia (49.980).

Fuenzalida comenta que el rating tanto en radio como en la televisión es zigzagueante, pero no esconde su emoción porque tras ocho años consecutivos al aire su programa esté en el top one .

"Hemos ido haciendo un trabajo consolidado durante todo este tiempo. Creo que lo que la gente valora es que este programa es muy espontáneo y que cualquier cosa puede pasar", dice. Y sobre la competencia agrega: "No quiero dármelas de ganador, porque todo puede cambiar, pero me parece que tanto el 'Pelao' Rodrigo como Viñuela están mucho más ceñidos que nosotros a una pauta".

Según comenta, el público que lo sigue son los adultos jóvenes. Un segmento que califica como completamente ochentero y transversal. "Nos escuchan tanto hombres como mujeres, te diría que el porcentaje es 52% de hombres y 48% de mujeres. Es gente que me vio en el 'Extra jóvenes', en 'Lunáticos' y que se siente identificado y comparte con nosotros, conmigo y con DJ Juakolee, los gustos musicales", sostiene.

El animador también se refiere a lo fundamental que es la radio como medio de compañía para el público. "Siempre se habla de la competencia matinal de la televisión, pero nosotros en la radio también tenemos un porcentaje importante de público que nos escucha y nos reconoce como una gran compañía en el horario".

Festival Beethoven: 18 horas de música del genio

El Mercurio

Alejandra Urrutia y la Orquesta de Cámara de Chile , más instrumentistas de varias generaciones, rinden un original tributo al alemán este jueves (ayer) y viernes (hoy). 

Por Romina de la Sotta Donoso

El Festival Beethoven, que se ofrecerá este jueves y viernes en el Teatro Municipal de Ñuñoa (Irarrázaval 1564, gratis), es una idea novedosa que efectivamente podría atraer a nuevas audiencias.
Aprovechando el enorme catálogo de Beethoven, quien escribió para todos los formatos instrumentales y vocales, produciendo obras fundamentales de cada uno de esos repertorios, este festival se propone dar cuenta justamente de la vastedad de su legado, con ejemplos de cada género y período creativo.

Así, el público masivo que solamente conoce el inicio de la Quinta Sinfonía o el "Himno de la Alegría" de la Novena, podrá adentrarse en la riqueza del universo beethoveniano.

"Esa es la idea de estas 18 horas de música: mostrar la obra de Beethoven en su totalidad. Será muy atractivo para el público masivo, porque podrán escuchar la Sinfonía N°1 y la 'Fantasía Coral', pero también lo será para los más entendidos, que podrán ir viendo la evolución de su obra; ver, por ejemplo, cómo un Cuarteto de cuerdas opus 18 es tan distinto de un opus 59, 'Razumovsky'. La verdad es que el repertorio de cámara de Beethoven es excepcional, especialmente si uno piensa en sus Sonatas para piano, sus Cuartetos de cuerdas y sus Tríos para piano, violín y chelo", comenta Alejandra Urrutia, directora titular de la Orquesta de Cámara de Chile, quien diseñó este proyecto y estrenó esta fórmula hace un año en Santa Fe, pero con Mozart.

"La gente podrá darse cuenta de qué es lo que sucede con el proceso composicional de Beethoven", agrega. Por ejemplo, Urrutia y la Orquesta de Cámara de Chile abrirán el festival mañana, a las 19:45 horas, con el Septimino y la Sinfonía N°1 de Beethoven, que corresponden al opus 20 y al opus 21, respectivamente; es decir, fueron compuestas una después de la otra.

La primera jornada se extenderá hasta las 24 horas. El festival continuará el viernes, con una maratónica propuesta: habrá conciertos, de manera continua, desde las 8:00 hasta las 21:30 horas.
Para diseñar la programación, Urrutia hizo una convocatoria abierta. "La respuesta fue excepcional: llegaron 30 propuestas", dice.

Por ejemplo, la virtuosa pianista Liza Chung y el conjunto coral "Ensamble Libre", que dirige Paula Elgueta, se sumarán a la orquesta en la "Fantasía Coral". También participarán dúos con bastante trayectoria, como el Ansaldi & Conn, el Allendes-Castro, y el Santos & Berthold.

También participarán jóvenes talentos, como el flautista Manuel Astudillo, de la Sinfónica Nacional Juvenil, y la joven chelista de Contulmo Javiera Cienfuegos. La propia Alejandra Urrutia retomará el violín para integrarse en un trío. Lo mismo harán otros dos jóvenes directores: Eduardo Browne retomará el violín y Sebastián Caamaño el piano, para conformar con el chelista Daniel Carrasco el "Trío Val".

"Si hay alguien que cambió la historia de la música, fue Beethoven. Su música es muy potente, y tiene un mensaje muy humanitario, que es la señal que queremos enviar a la comunidad con estos dos días de música", cierra Urrutia.

El detalle de la programación está en Cultura.gob.cl, y a las 20 horas de hoy la Orquesta de Cámara dará un adelanto del festival en la parroquia "La Transfiguración del Señor" de Las Condes.

Mon Laferte gana en los premios MTV de Europa

El Mercurio

La cantante chilena recibió el galardón de "Mejor Artista Latinoamericana Zona Norte" en los MTV Europe Music Awards. La categoría en la que ganó se explica por el hecho de haber desarrollado la última parte de su carrera en México. También fueron premiados artistas como Eminem, Ed Sheeran, Shawn Mendes y Camila Cabello

Mon Laferte se encuentra actualmente en Las Vegas, donde el jueves se realizará la ceremonia de entrega de los Grammy Latinos y en los que está compitiendo en cinco categorías, que incluyen "Mejor Álbum del Año", "Mejor Canción del Año" y "Mejor Álbum de Música Alternativa". Además, la cantante hará una presentación en la ceremonia, donde también habrá shows de artistas que ya están confirmados para el próximo Festival de Viña del Mar, como Carlos Vives, CNCO y Ha*Ash.

Stgo. a Mil vuelve a ampliar su programación con un menú musical

El Mercurio

El festival teatral tendrá una nueva versión de su segmento "Tocatas mil" e incluirá conciertos de Fernando Milagros, Chinoy y el DJ Kid Koala. 

Por Eduardo Miranda

La edición 25 del festival Stgo. a Mil ya comienza a tomar forma. Quedan 50 días para que comience uno de los certámenes más importantes de las tablas locales y esta vez la programación escénica ya tiene confirmada la presencia de 81 espectáculos chilenos y extranjeros.

Pero habrá más, porque el festival, que tendrá funciones entre los días 3 y 21 de enero, sumará, al menos, una docena de presentaciones. Todas ellas son musicales y son parte del segmento "Tocatas mil", que ampliará la oferta. "La clave está en la diversidad: en tratar de abarcar la mayor cantidad de sonidos, de propuestas artísticas, de visiones de mundo y de públicos", dice Carmen Romero, la directora general de Stgo. a Mil. Y continúa: "Es armar un mapa de lo que está pasando musicalmente en el país".

La séptima versión de "Tocatas mil" estará enfocada en las presentaciones de artistas que en su trabajo unen el teatro con la música. El compositor Fernando Milagros, quien también ha realizado un amplio trabajo como diseñador escénico, es uno de los convocados a esta próxima versión. También se sumará Daniel Muñoz y Los Marujos, Chinoy y la banda González y Los Asistentes, que se presentará en compañía del escritor Raúl Zurita.

"No solo se trata de provocar una simbiosis entre la música y el teatro. Por lo mismo, les agregamos una dificultad a las propuestas de estos artistas: deben integrar alguna performance teatral o puesta en escena especial en sus conciertos", agrega Romero.

En la programación de "Tocatas mil" también se incluirá una presentación del DJ canadiense Kid Koala, quien en enero de este año ya presentó su apuesta teatral "Nufonia must fall". El listado de artistas también incluye a la chilena Paz Court y la producción está en conversaciones con los cubanos de Sintesis, que se dedican al jazz.

Hay apuestas que están más ligadas al teatro y que también se incluirán en la programación: la directora Manuela Infante con su proyecto musical Bahía Inútil, que incluye a los actores Jorge Arecheta y Daniel Marabolí, entre otros. También estará País Violento, el proyecto que une a los hermanos Diego y Damián Noguera. Así como las apuestas musicales de las compañías Tryo Teatro Banda y Teatro de Ocasión.

Programación

Stgo. a Mil comenzará el 3 de enero y se extenderá hasta el domingo 21 de ese mes. "Tocatas mil" sumará una docena de espectáculos musicales.

Fundación Beethoven anuncia una variada temporada 2018

El Mercurio

Virtuosos como Natalie Clein y Sergio Tiempo se suman al retorno del Emerson String Quartet y el Trío Guarneri. Una sorpresa la dará la Sinfónica de Jerusalén, junto con la Orquesta de Cámara del Concertgebouw.  

Por Romina de la Sotta Donoso 

"Al diseñar la temporada 2018 nos preocupamos bastante de los programas, para que, además de calidad interpretativa, haya también joyas del repertorio. Privilegiamos la variedad, teniendo cuidado de no toparnos con lo que harán las otras temporadas, de modo que el público no tenga que repetirse el plato", comenta Andrés Rodríguez Spoerer, director de la Fundación Beethoven.

"Con variedad queremos decir que existan obras 'oreja'; es decir, de dominio de todo público, pero también otras con un valor musical específico, respetando el espíritu de nuestra fundación y su misión. Por eso se presentarán, por ejemplo, dos de los últimos Cuartetos de cuerda de Beethoven, que en Chile no se hacen mucho, pero son muy importantes", detalla Rodríguez.

Se refiere al retorno del Emerson String Quartet, uno de los mejores del mundo. En septiembre, interpretarán los Cuartetos de cuerdas en Do Sostenido Menor, Op. 131, y en Si Bemol Mayor, Op. 130, de Beethoven. Tras escuchar el Op. 131, Schubert declaró: "Después de esto, ¿qué queda por escribir?", y volver a oírlo fue su último deseo, cinco días antes de morir. Hoy nadie duda de que estos Cuartetos están entre las más grandes composiciones de la historia.

La próxima temporada "Fernando Rosas" se realizará en el Teatro Municipal de Las Condes y, según Rodrigo Velasco, presidente de la Fundación Beethoven, en ella "se conjugan intérpretes consagrados como el Emerson Quartet y el Trío Guarneri, con jóvenes talentos como Ishay Shaer".

Justamente el Trío Guarneri de Praga, uno de los preferidos del público y de la crítica, volverá en octubre, para un interesante recorrido lleno de lirismo: Mendelssohn, Brahms y Suk.

Ese mismo mes retornará el pianista israelí Ishay Shaer, tras su recital del año pasado, donde el crítico Jaime Donoso destacó "la finura y transparencia de su toucher " y su técnica sin igual. Ahora abordará a Brahms y Debussy, y la última obra para piano que compuso Beethoven, la Sonata N° 32, Op. 111.

Desde Israel llegará también una de las mayores novedades del año: la Sinfónica de Jerusalén actuará en agosto. "Tocarán el Concierto para violín y la Sinfonía N° 1 de Brahms, que es un repertorio que la gente conoce muy bien. Esto tendrá un tinte distinto porque nos saldremos un poco del esquema de cámara", adelanta Rodríguez. Y Velasco agrega que es "un gran esfuerzo conjunto en el contexto de la conmemoración de los 70 años del Estado de Israel".

Grandes talentos

El concierto inaugural de la temporada, en mayo, reunirá a dos virtuosos de fama mundial: la chelista Natalie Clein y el pianista Sergio Tiempo. Juntos tocarán las Sonatas para chelo de Debussy y de Rachmaninov y, por separado, la británica abordará un solo de Kodaly, y el venezolano, "10 piezas de Romeo y Julieta", de Prokofiev.

Para julio se apostó por un dúo de piano de dos hermanas estadounidenses: Christina y Michele Naughton, y sus prometedoras versiones de Mozart, Chopin, Debussy y Bernstein.

Asimismo, programaron tres orquestas de cuerdas. La Orquesta de Cámara del Concertgebouw está formada por músicos de la respetada Royal Concertgebouw Orchestra (RCO) y es heredera de sus 129 años de tradición. En agosto, y con el concertino de la RCO, Liviu Prunaru, tocarán el Concierto para violín de Mendelssohn, además de la Serenata Op. 22 de Dvorak y piezas de Saint-Saëns y Suk.

El mismo mes, la Orquesta de Cámara de la Filarmónica Checa -depositarios de un legado sonoro de 121 años de trayectoria- ofrecerá su máxima especialidad: Dvorak, Janacek y Stamitz, además de la "Simple Symphony", de Britten.

La tercera orquesta de cuerdas es la Hofkapelle Weimar, que en junio exhibirá su premiada versatilidad con su director, el chelista Peter Hörr. Tocarán desde Carl Philipp Emanuel Bach hasta Mahler, pasando por Rossini y Beethoven.

El cierre de la temporada será con los Interpreti Veneziani, y los barrocos Vivaldi y Corelli, más una pieza romántica de Paganini y una obra de juventud de Mendelssohn.

La música clásica en el siglo XXI y sus desafíos mirado desde Chile

El Mercurio

Seis destacados directores chilenos evalúan el estado actual de la música de conciertos. ¿Hay renovación de las audiencias? ¿La industria discográfica sigue a la baja tras la irrupción de lo digital? ¿Qué pasa con las salas especializadas en nuestro país y en el mundo? ¿Hay incentivos a la programación de músicos locales? Estas son algunas de las inquietudes que intentan responder.  

Por Maureen Lennon Zaninovic 

"La Philharmonie de París, que es un milagro absoluto para los músicos. El Disney Hall de Los Angeles, las nuevas salas de Florida y Katowice. En todo tipo de lugares se han levantado salas de conciertos con una maravillosa acústica, en las que uno puede escuchar la música simplemente como es. Y a veces se convierten en íconos para la comunidad", señaló en una entrevista reciente el célebre director británico Simon Rattle, cabeza musical de la London Symphony.

En la última década, las grandes capitales han invertido en el levantamiento de escenarios especializados para la difusión de sus orquestas. En Buenos Aires (Argentina), sin ir más lejos, se inauguró en 2015 La Ballena Azul: una impresionante sala sinfónica con capacidad para 1.950 espectadores. Juan Pablo Izquierdo, recientemente designado director emérito de la Orquesta Filarmónica de Santiago, celebra este tipo de construcciones y que Rattle apoye la concreción de una nueva sala para la London Symphony. "Sin duda que será un escenario estupendo y que también podrá acoger a otras agrupaciones europeas de gran prestigio", explica.

Al referirse a la realidad local endurece el tono. Al premio nacional de Música 2012 le duele la ausencia de salas de conciertos especializadas en nuestro país. "Es ignorancia de los gestores y punto", señala, y agrega que en su momento intentó influir en el destino de la próxima gran sala del Centro Gabriela Mistral (GAM) y no fue escuchado. "Originalmente iba a ser la casa principal de la Sinfónica Nacional de Chile, pero se descartó esa opción. La respuesta que me dieron es que tenían que crear un gran teatro con acústica artificial, porque debía ser multiuso, debía servir tanto para la música como para el teatro, lo que no me parece. Si quieres ver una obra de teatro en una sala de 1.800 butacas tendrías que usar binoculares. Las salas de teatro son más pequeñas, porque buscan el contacto directo con el espectador". El director chileno remata: "Me temo que esa sala se va a convertir en un segundo Municipal de Las Condes, con una acústica muy poco apropiada para la música sinfónica".

Maximiano Valdés, director titular de la Orquesta Sinfónica de Puerto Rico y del Festival Casals, advierte que si bien el caso de San Juan, desde el punto de vista del número de habitantes, no es en absoluto comparable con una ciudad como Santiago, "aún así, en la isla tenemos tres salas de conciertos relativamente nuevas. La última, donde yo trabajo, se terminó hace cinco años. Es una sala para 1.200 espectadores, construida para nuestra orquesta y con los mejores recursos tecnológicos. De modo que cuando los países quieren y los gobiernos toman conciencia, los teatros se construyen, y eso ayuda a que la gente escuche música en las mejores condiciones posibles y a sumar nuevas audiencias", dice Valdés.

El músico chileno añade a Artes y Letras que le tocó presenciar la expansión de los auditorios de concierto en España, fenómeno que coincidió con un período de descentralización administrativa y política de ese país. "Las comunidades autónomas se independizaron muchísimo respecto de la capital y cada alcalde se tomó como un reto personal construir una sala de conciertos. El auge de la música clásica en España se debió fundamentalmente a eso, a que una nueva sala generó un entusiasmo y una curiosidad en la ciudad. Para los intérpretes, además, fue fundamental contar con una acústica especializada y que impulsara el sonido de cada una de estas agrupaciones. En Chile eso no ha sido posible, empezando por la Sinfónica, que toca en una sala negativa para su trabajo: un cine reconvertido en sala de conciertos, y el Municipal, que es conocido como un teatro de ópera. Hoy no contamos con un espacio que pueda ayudar a que una orquesta sinfónica eleve su nivel artístico y se transforme en un emblema, como lo son las agrupaciones de Berlín o de Londres".

Rodolfo Fischer, director chileno radicado en Suiza y quien desde hace siete años enseña dirección en la Musikakademie de Basilea, comparte este análisis. A su juicio, si las autoridades políticas han determinado que la construcción de una sala no puede ser para uso exclusivo sinfónico, "es una manera de pensar lineal, en que lo importante es inaugurar un edificio abierto a la mayor cantidad de público posible. Estamos ante el famoso multiuso, que termina por destruir cualquier perfil interesante". Fischer agrega que una verdadera sala de conciertos genera beneficios tangenciales, "transformándose en un ícono arquitectónico de dicha ciudad. Es un polo que atrae a las personas a sentir esa acústica tan especial y a vivir una experiencia sensorial única. Es cosa de ver a las grandes urbes, como París, Hamburgo, Los Angeles, y tantos otros ejemplos de extraordinarios escenarios construidos recientemente a nivel mundial".

Lejos de Venezuela

Nicolas Rauss, director titular de la Orquesta Clásica de la Universidad de Santiago, sentencia que "no puede ser posible que una persona, para escuchar con un muy buen sonido a una agrupación sinfónica en Chile, tenga que viajar hasta el Teatro del Lago de Frutillar. Nosotros tenemos la suerte de contar, según los expertos, con una de las mejores acústicas de Santiago, pero muchas veces el público -por lejanía- no llega hasta nuestra aula magna. Por eso estamos trabajando en cautivar a los vecinos del sector poniente, que son muy entusiastas".

Paolo Bortolameolli, director asistente de la Filarmónica de Los Angeles (agrupación cuya batuta titular es Gustavo Dudamel), no cree que el problema de fondo sea la carencia de salas. "Hablar de impulso de la música clásica supone un tema más bien cultural: cambiar la forma en que vemos el arte", dice y enumera otras razones: "Dejar de considerarlo un complemento en el área de recreación y esparcimiento, y acogerlo definitivamente como columna vertebral del desarrollo de una sociedad. De ver en las mallas curriculares de los colegios al arte no solo como esas horas de ramos para subir el promedio o 'sacar la vuelta'. Llegar a ese grado de conciencia de que cuando alguien lee estas líneas el primer pensamiento no es 'qué utópico, qué romántico. Sino, claro que sí'". Bortolameolli sentencia: "Años se ha dedicado la neurociencia a investigar los efectos de la música en el desarrollo del cerebro humano. Lo digo a modo de ejemplo, para los escépticos que necesitan argumentos más duros".

Maximiano Valdés complementa que hay que mirar el fenómeno desde el punto de vista de quién está estudiando música en Chile. "Hay que ver el nivel de los conservatorios, quién está saliendo de ellos. Yo me pregunto si hoy contamos con un nivel de pianistas jóvenes que estén triunfando en el exterior, como lo fue Alfredo Perl. ¿Chile está generando músicos internacionales como los que produce Venezuela? No. Es una realidad que en las grandes orquestas del mundo abundan músicos venezolanos". Valdés agrega que una sociedad como la venezolana no tiene problemas de público. "Las salas de conciertos están llenas y uno se pregunta por qué, pues porque hay un movimiento de base musical. La música sinfónica en Chile está en crisis, porque no hay una cultura musical de base".

Rauss comparte este diagnóstico y añade que parte del problema es que la música en nuestro país "ha dejado de ser parte de las familias. No se escucha música clásica al interior de ellas. No es una vivencia doméstica. En el campo de la educación hay mucho que hacer. Cuando dirigía en Santa Fe (Argentina) y también ahora en la Universidad de Santiago, propuse que en los momentos de ocio de los estudiantes, estos escuchen -antes de comenzar una clase- un minuto de música clásica. Si eso también se pudiera implementar en los colegios, ya sería un avance".

Pocos compositores locales

Simon Rattle, en la entrevista concedida al Times de Londres, señaló que una de sus decisiones fue incluir en los conciertos una nueva obra de una joven compositora británica Helen Grime. "Gran Bretaña tiene, probablemente, el conjunto de compositores más talentosos menores de 60 años que se encuentra en cualquier parte del mundo, y será entretenido para mí explorar este tesoro oculto, más de lo que lo pude hacer en Berlín", sentenció.

Valdés considera que, sin duda, en nuestro país, salvo excepciones, estamos al debe en esa materia: "En España, donde me tocó dirigir por muchos años, mi primera preocupación fue comprobar la relación entre la orquesta y el país. La orquesta tiene que ser la institución que represente la música local". El titular de la Sinfónica de Puerto Rico manifiesta que "hay que tener un equilibrio en las programaciones, de manera de dar las obras que todos queremos escuchar, pero al mismo tiempo, ser capaces de guiar al público en la comprensión de nuevos repertorios".

Bortolameolli dice que "un teatro no es un museo. Insisto en esto. Proteger y dar cabida a los artistas locales es parte de una sana y correcta filosofía cultural. Tanto para intérpretes como para creadores, la colaboración permanente con sus escenarios es indispensable para entender la trascendencia e impacto que debe tener un teatro. Encargar obras a compositores, pero además, fomentar su audición con entusiastas charlas o ensayos abiertos, tener concursos para solistas jóvenes, crear un vínculo directo entre el mundo de las orquestas juveniles y su paso a la vida profesional, fomentar la presencia de intérpretes locales, crear programas de residencia para grupos de cámara, etc., son algunas formas, entre muchas otras, de encarar los desafíos que representa el cómo relacionarnos desde el arte con el siglo XXI".

El director titular de la Orquesta Clásica de la Universidad de Santiago comenta a Artes y Letras que es cierto que "algunas veces en nuestro país, a diferencia de otras ciudades extranjeras, cuesta llenar las salas de conciertos. Pero para mí, no es una alarma. En las democracias, muchas veces el número de votos es más relevante que la calidad. Hay piezas que yo he programado y que sé que no son de gusto masivo. En mis programas no hay obras de Tchaikovsky o de Verdi, no porque no me gusten, sino porque quiero una diversidad. Por eso escojo piezas de compositores chilenos y otras más desconocidas de músicos universales. A veces tengo menos de la mitad de la sala llena, pero para mí es reconfortante saber que la gente que llegó es tremendamente valiosa, que no sigue a un artista como Plácido Domingo solo por su nombre, que fue famoso, pero ya no tiene la calidad de antaño".

Valdés añade que el márketing y el desconocimiento de algunos melómanos sigue jugando en contra, a la hora de programar. "Pasa en Puerto Rico y en las grandes capitales europeas también. Cuesta introducir figuras nuevas. En el Festival Casals he traído a músicos importantes que quizás no son tan conocidos por los portorriqueños y ha habido público que me reclama que cómo es posible que acá no venga tal músico. ¡Pero si prácticamente ya no está en carrera!".

"Un teatro no es un museo. Insisto en esto. Proteger y dar cabida a los artistas locales es parte de una sana y correcta filosofía cultural".

 Los tiempos de YouTube y Spotify

Otro tema clave ha sido la industria discográfica. A nivel mundial, desde hace un buen tiempo, los grandes sellos han desaparecido o restringen el número de sus grabaciones en vivo o en estudio. "Yo he tenido la suerte de grabar con mis orquestas bajo Naxos", advierte Maximiano Valdés y añade que "cada vez es más difícil que se registren los ciclos completos de las sinfonías de Brahms, por un lado, por una razón económica, pero también porque hoy no se compran discos materiales, se descargan".

Pedro-Pablo Prudencio, director residente de la Orquesta Filarmónica de Santiago, añade que estamos haciendo música en un mundo donde lo que reina es YouTube, Spotify o iTunes. "Claro que afecta la asistencia a las salas, pero siempre digo que ir a un concierto en vivo es algo muy distinto a escucharlo en una grabación perfecta, en un equipo de audio de primera línea. Es como ver una puesta de sol retocada con photoshop ". Prudencio también entrega un diagnóstico de la realidad de las orquestas actuales. "Los ensayos son cada vez más acotados y eso hace que las exigencias sean más altas. Hoy, el ritmo es matador. Muchas veces no hay tiempo para preparar, para madurar una pieza. Cada músico debe llegar con su obra preparada, hay un par de ensayos más para asentar el repertorio y listo".

Rodolfo Fischer comenta que hoy, para una orquesta internacional, el desafío radica en mantenerse "siempre vigente a través de las giras y (en menor medida, en la actualidad) las grabaciones. Para las instituciones sinfónicas de tipo regional, además de tocar bien, se requiere afirmar su identidad en un contexto local, mucha creatividad para poder seguir desarrollándose y tener una estampa importante dentro de la comunidad".

Bortolameolli lanza algunas inquietudes en torno al público del siglo XXI: "El arte necesita tiempo, necesita reflexión y esa reflexión surge de la contemplación. Pero la definición de contemplación pareciera ser una paradoja del ritmo con el que vivimos, que más bien nos empuja a ser una audiencia ansiosa, impaciente e incluso, dispersa".

El director asistente de la Orquesta Filarmónica de Los Angeles remata a Artes y Letras que, "desde esa perspectiva, ir a un concierto resulta más bien una experiencia decimonónica. Anacrónica. Que no representa al ciudadano ya acostumbrado a ni siquiera esperar una semana para el capítulo de su serie favorita cuando tiene a Netflix que le entrega ya desde el estreno, la temporada terminada. ¿Como podría esa misma persona aceptar un formato estático donde el patrón siempre es el mismo (obertura, solista, sinfonía), donde no hay opción a elegir o cuando la duración a veces de una obra sobrepasa el promedio actual de concentración?".

El desafío está abierto.