El Mercurio
El cantante habla de su vuelta al romanticismo, del pop coreano y de cómo se sentiría en un festival que lo reuniera con Raphael y Paul Anka.
Por José Vásquez
Explica riendo que necesita varios días de adaptación. Salvatore Adamo (74) responde al teléfono desde su casa en Bruselas y cuenta que llega mañana a la capital, cuatro días antes de su primera actuación, para una gira que lo llevará a recorrer el país con presentaciones entre La Serena y Punta Arenas. "Es que necesito ajustarme al huso horario", dice antes de este nuevo regreso, a 51 años de su debut en estas tierras.
La voz de "Es mi vida", aunque nunca ha dejado el romanticismo, remarca en este viaje su retorno al enamoramiento luego de grabar, en su anterior obra, canciones en las que abordó el terrorismo en Europa con una canción dedicada al atentado al semanario francés Charlie Hebdo. "Si vous saviez", lanzado en febrero pasado, refleja al Adamo más clásico, con temas orquestados, pero siempre en una sintonía pop.
"Este disco empieza con 'Je te chanterai la chanson' ('Te cantaré la canción'), con la que le explico al público que, sabiendo todo lo que pasa en el mundo, elegí cantar canciones más ligeras, de evasión, de amor, y no temas que hablen de violencia", dice el artista, defendiendo su opción: "Yo no vivo en una nube, pero esta vez preferí que la gente pueda evadirse de una realidad que a veces puede ser gris y triste".
-Con tantas malas noticias a diario, eso hoy podría escucharse como una utopía.
"Con este mundo tan desesperanzado en el que vivimos, eso es muy cierto, pero alguien debe dar el primer paso. Yo no vivo en un mundo perfecto, pero espero que mis hijos y mis nietos puedan tener una vida mejor. Pusimos un pie en la Luna, pero en la Tierra todavía hay una barbarie, lo que es una paradoja".
Psy y un Desert Trip muy distinto
Adamo debutó en Chile hace 51 años, y repasa una carrera de recorrido mundial. "He ido, por ejemplo, 38 veces a Japón y he grabado en demasiadas lenguas: turco, armenio, coreano", cuenta, por lo que no lo toma por sorpresa el protagonismo que el K-Pop está consiguiendo en los principales ránkings del orbe.
"Ya lo había notado con el 'Gangnam style' -el éxito de Psy-, pero ahora hay una producción con un color muy norteamericano, un éxito nacional que de pronto se volvió planetario; es una muy buena manera también de conocer esas culturas", dice, señalando que sigue atento a la actualidad de la industria. "Me gusta mucho Ed Sheeran y Matt Simons", comenta, aunque también mira en retrospectiva.
En octubre de 2016, el Festival Desert Trip, en Estados Unidos, juntó a las glorias rockeras con más de 50 años de trayectoria, desde Paul McCartney a los Rolling Stones, una idea atractiva y que lo seduce en un hipotético paralelo romántico, si es que surgiera la propuesta. "Sería un bello encuentro, un evento que reuniera a Raphael y Paul Anka conmigo. El público estaría feliz de vernos juntos. Sería algo único".
-Si eso sucediera, ¿qué nombre le pondría a esa reunión?
"'La fuerza de los sesenta'... o no, mejor: '¡Los abuelitos jóvenes!'", dice, y se larga a reír.
Mayo de gira
Adamo se presentará el 11 en Gran Arena Monticello, el 13 en Punta Arenas, el 16 en La Serena, el 18 en Valparaíso y el 20, en Santiago, en el Teatro Caupolicán.
domingo, mayo 06, 2018
The Kooks: "Los vamos a sacudir con canciones nuevas"
El Mercurio
Por Bárbara Castro
En un escenario en que el rock ha perdido su popularidad de antaño frente a los sonidos urbanos y electrónicos, la jugada de The Kooks es ir contra la corriente. Este año, el fin de la gira promocional del álbum "The best of... so far" (2017), que recopila los mejores éxitos de los ingleses -y que los trae a Chile el 8 de mayo en el Teatro Teletón-, pretende marcar el fin de una era, celebrando poco más de una década de carrera.
Un hito que podría pasar inadvertido con los planes de la banda de estrenar en simultáneo nuevo material en vivo durante este mes. Lo anterior, en preparación del lanzamiento de su próximo trabajo en el segundo semestre, que promete un giro a sus influencias tempranas en el rock pop más clásico.
El bajista del conjunto inglés, Peter Denton, admite en entrevista con "El Mercurio" que el rock hoy no está de moda. De todas maneras, terminó siendo esa máxima la que condujo el trabajo del cuarteto en su nuevo material. "Nos quisimos alejar lo más posible de lo que está pasando musicalmente. Decidimos volver a lo básico, a lo clásico. Las canciones tienen sonidos estruendosos. Es más pesado de lo que hemos hecho antes", señala al teléfono desde Londres.
Adelantando la tercera visita del grupo al país, Denton se apresura en contar que el público chileno será el primero en escuchar en vivo los nuevos temas del grupo. "Aunque no hay presión y se trata de un tour de éxitos, con canciones que sabemos que la gente conoce, también queremos recordarles que seguimos vivos, los vamos a sacudir con canciones nuevas", dice.
La relación con el país no se queda allí. En 2012, Alexis Núñez, hijo de padres chilenos, se integró a la banda como baterista. "Aunque ahora no tendremos mucho tiempo para recorrer Santiago, nosotros siempre tenemos algo chileno en nuestra banda. ¡Nuestro baterista!".
A diferencia del resto del grupo, el bajista asegura que su compañero hará el esfuerzo de extender en lo posible su estadía. "Estoy seguro de que va a aprovechar de visitar algunos primos lejanos y conectarse con sus orígenes", asegura.
Por Bárbara Castro
En un escenario en que el rock ha perdido su popularidad de antaño frente a los sonidos urbanos y electrónicos, la jugada de The Kooks es ir contra la corriente. Este año, el fin de la gira promocional del álbum "The best of... so far" (2017), que recopila los mejores éxitos de los ingleses -y que los trae a Chile el 8 de mayo en el Teatro Teletón-, pretende marcar el fin de una era, celebrando poco más de una década de carrera.
Un hito que podría pasar inadvertido con los planes de la banda de estrenar en simultáneo nuevo material en vivo durante este mes. Lo anterior, en preparación del lanzamiento de su próximo trabajo en el segundo semestre, que promete un giro a sus influencias tempranas en el rock pop más clásico.
El bajista del conjunto inglés, Peter Denton, admite en entrevista con "El Mercurio" que el rock hoy no está de moda. De todas maneras, terminó siendo esa máxima la que condujo el trabajo del cuarteto en su nuevo material. "Nos quisimos alejar lo más posible de lo que está pasando musicalmente. Decidimos volver a lo básico, a lo clásico. Las canciones tienen sonidos estruendosos. Es más pesado de lo que hemos hecho antes", señala al teléfono desde Londres.
Adelantando la tercera visita del grupo al país, Denton se apresura en contar que el público chileno será el primero en escuchar en vivo los nuevos temas del grupo. "Aunque no hay presión y se trata de un tour de éxitos, con canciones que sabemos que la gente conoce, también queremos recordarles que seguimos vivos, los vamos a sacudir con canciones nuevas", dice.
La relación con el país no se queda allí. En 2012, Alexis Núñez, hijo de padres chilenos, se integró a la banda como baterista. "Aunque ahora no tendremos mucho tiempo para recorrer Santiago, nosotros siempre tenemos algo chileno en nuestra banda. ¡Nuestro baterista!".
A diferencia del resto del grupo, el bajista asegura que su compañero hará el esfuerzo de extender en lo posible su estadía. "Estoy seguro de que va a aprovechar de visitar algunos primos lejanos y conectarse con sus orígenes", asegura.
Orquesta Sinfónica de Londres viene a Chile el próximo año
El Mercurio
Una de las agrupaciones musicales más importantes del mundo realizará su primera gira por Latinoamérica.
Por María Soledad Ramírez R.
Expectación ha causado la noticia que ayer reveló el propio director titular de la Orquesta Sinfónica de Londres (LSO, sus siglas en inglés), Sir Simon Rattle: la famosa agrupación musical londinense, con más de 100 años de existencia, dará un concierto en Santiago, en mayo de 2019. Esto, en el marco de su primera gira por Latinoamérica, que también abarcará Buenos Aires, Bogotá y Lima.
Nuestro continente es uno de los pocos lugares en el mundo donde la Sinfónica de Londres no ha estado nunca. Han aducido razones de seguridad para no concretar una visita a esta región del mundo. Fundada en 1904, desde 1906 que la LSO ha realizado giras musicales fuera de Inglaterra.
Desde la oficina de prensa de la agrupación se confirmó la visita a Chile: "La Orquesta Sinfónica de Londres está muy emocionada de recorrer Sudamérica por primera vez, en mayo de 2019. Todavía no podemos confirmar fechas exactas o lugares, pero puedo confirmar que la Orquesta visitará Chile con el director musical, Sir Simon Rattle, como parte del tour". Las apuestas en Santiago son que la orquesta podría presentarse en el Municipal de Santiago o en CorpArtes. Y fuentes informales comentan a "El Mercurio" que tocarían la segunda Sinfonía de Mahler.
Simon Rattle señaló: "Compartir la cultura y experiencia de estos destacados músicos con la audiencia de Sudamérica por primera vez es emocionante, abriendo una nueva relación para el futuro".
En estos días, la LSO se está presentando en Nueva York, en su residencia número 17 en el Lincoln Center, con un programa dedicado a las tres sinfonías tardías de Gustav Mahler. Continuará su gira a Holanda, Alemania, China, Tailandia y España en los próximos meses. En la temporada 2018-2019, la orquesta dará 60 conciertos internacionales y visitará 44 ciudades en 19 países.
De acuerdo a la prestigiosa revista Gramophone, la LSO está dentro de las cinco mejores orquestas del mundo. Su lista de directores es envidiable: Sir Simons Rattle asumió en septiembre del año pasado como director musical, y venía de dirigir la Filarmónica de Berlín, otra de las cinco grandes. Como director emérito está Andre Previn, y otras dos batutas gigantes que la han dirigido son Claudio Abbado y Sir Colin Davis, solo por nombrar algunas.
Su historia incluso se relaciona con el Titanic: la orquesta iba a viajar en el trasantlántico en 1912 a su primera gira a Estados Unidos. Pero el Titanic cambio su fecha de navegación, lo que obligó a la LSO a utilizar otra ruta.
Una de las agrupaciones musicales más importantes del mundo realizará su primera gira por Latinoamérica.
Por María Soledad Ramírez R.
Expectación ha causado la noticia que ayer reveló el propio director titular de la Orquesta Sinfónica de Londres (LSO, sus siglas en inglés), Sir Simon Rattle: la famosa agrupación musical londinense, con más de 100 años de existencia, dará un concierto en Santiago, en mayo de 2019. Esto, en el marco de su primera gira por Latinoamérica, que también abarcará Buenos Aires, Bogotá y Lima.
Nuestro continente es uno de los pocos lugares en el mundo donde la Sinfónica de Londres no ha estado nunca. Han aducido razones de seguridad para no concretar una visita a esta región del mundo. Fundada en 1904, desde 1906 que la LSO ha realizado giras musicales fuera de Inglaterra.
Desde la oficina de prensa de la agrupación se confirmó la visita a Chile: "La Orquesta Sinfónica de Londres está muy emocionada de recorrer Sudamérica por primera vez, en mayo de 2019. Todavía no podemos confirmar fechas exactas o lugares, pero puedo confirmar que la Orquesta visitará Chile con el director musical, Sir Simon Rattle, como parte del tour". Las apuestas en Santiago son que la orquesta podría presentarse en el Municipal de Santiago o en CorpArtes. Y fuentes informales comentan a "El Mercurio" que tocarían la segunda Sinfonía de Mahler.
Simon Rattle señaló: "Compartir la cultura y experiencia de estos destacados músicos con la audiencia de Sudamérica por primera vez es emocionante, abriendo una nueva relación para el futuro".
En estos días, la LSO se está presentando en Nueva York, en su residencia número 17 en el Lincoln Center, con un programa dedicado a las tres sinfonías tardías de Gustav Mahler. Continuará su gira a Holanda, Alemania, China, Tailandia y España en los próximos meses. En la temporada 2018-2019, la orquesta dará 60 conciertos internacionales y visitará 44 ciudades en 19 países.
De acuerdo a la prestigiosa revista Gramophone, la LSO está dentro de las cinco mejores orquestas del mundo. Su lista de directores es envidiable: Sir Simons Rattle asumió en septiembre del año pasado como director musical, y venía de dirigir la Filarmónica de Berlín, otra de las cinco grandes. Como director emérito está Andre Previn, y otras dos batutas gigantes que la han dirigido son Claudio Abbado y Sir Colin Davis, solo por nombrar algunas.
Su historia incluso se relaciona con el Titanic: la orquesta iba a viajar en el trasantlántico en 1912 a su primera gira a Estados Unidos. Pero el Titanic cambio su fecha de navegación, lo que obligó a la LSO a utilizar otra ruta.
Claudio Gómez, director del Museo Nacional de Historia Natural, MNHN: "Pedimos la misma generosidad que el Estado ha tenido con otros espacios culturales"
El Mercurio
Es el museo estatal más antiguo y visitado de Chile (más de 600 mil personas en 2017) y acaba de reabrir sus puertas tras un mes de reacondicionamiento. "Es hora de que se realice una inversión significativa en este lugar, por nuestro éxito de público y la labor social y científica que cumplimos", señala su director.
Por ELENA IRARRÁZABAL SÁNCHEZ
Ya no solo el esqueleto de la ballena Greta -varada en 1889 en Valparaíso y transportada en tren a la Estación Central- recibe a los visitantes en el gran salón central del edificio diseñado por Paul Lathoud en la Quinta Normal.
Una llamativa muestra de huesos fósiles y réplicas de esqueletos de 11 dinosaurios sudamericanos atrae a gran cantidad de niños y adultos. Entre ellos, el Chilesaurus diegosuarezi , el ejemplar que vivió hace 148 millones de años en Aysén y cuyas primeras piezas fueron descubiertas por un niño de siete años. El Chilesaurus -un peculiar terápodo herbívoro- ha abierto inéditos rumbos de investigación para los paleontólogos del MNHN.
Aunque, paradójicamente, uno de los grandes desafíos de su director, Claudio Gómez -antropólogo de la U. de Chile, con un master en administración pública en Pittsburgh- es evitar que el museo se convierta en un dinosaurio viejo y fuera de época. Gómez lleva más de una década a cargo de la institución y durante su gestión la asistencia ha pasado de los 200 mil visitantes anuales a más de 600 mil. También dirigió la completa renovación de la museografía del primer piso, dañado tras el terremoto de 2010, haciendo malabares con el millón de dólares con que contó para todo el proyecto.
"En las pasantías que he realizado en museos de Washington, me di cuenta de que ellos poseen grandes edificios y colecciones, pero en su museografía recurren a soluciones que no son caras y son atractivas para el público, como las estaciones de trabajo, que les muestran a los visitantes el trabajo 'tras bambalinas' en el museo, en laboratorios o espacios restringidos, como el taller de taxidermia".
Muñoz relata que tras el terremoto "remodelamos el primer piso, el que se reinauguró en mayo de 2012 con una nueva muestra: Chile biogeográfico 2.0. Ese año hubo más de 800 mil visitantes, incluidas las itinerancias, y ese nivel de público produce un desgaste. Por eso ahora cerramos un mes para repintar todo el primer piso, arreglar el piso, cambiar elementos desactualizados en materia estética y de contenidos. No podemos cerrarlo por partes, ya que el segundo piso está restringido al público ya que tiene compromiso estructural; solo se realizan allí actividades restringidas".
- ¿Por qué aún no se abre al público el segundo piso?
"Es sabido que el Estado dejó de invertir en su infraestructura cultural hace tiempo. Por alguna razón, que corresponde a una visión o diagnóstico de los años 90, el Estado decidió hacer una red de centros culturales paralelos, pero con financiamiento estatal, como el MIM, el Centro La Moneda, el GAM y el Museo de la Memoria. Fue en ellos donde se invirtió con estándares internacionales".
- ¿Concuerda con ese gasto?
"Una vez me preguntaron si encontraba excesivo que se gastaran 25 millones de dólares en el Museo de la Memoria. Yo dije que no, pues un museo en el mundo vale eso y qué bueno que se haya gastado en ese museo. Lo que me gustaría es que la misma generosidad que el Estado ha tenido con esta red cultural paralela se aplique en nuestro museo y ojalá en otros como el Histórico y el Bellas Artes".
- Siguen siendo los parientes pobres -casi indigentes- en materia presupuestaria.
"Este año el presupuesto es muy bajo, cien millones de pesos menos que el año pasado. Nuestro presupuesto no ha crecido desde 2016, pero este año nos dieron menos plata para el programa de proyectos patrimoniales, con el cual desarrollamos gran parte de la oferta de servicios al público y también nos permiten financiar la gestión y cuidado de las colecciones patrimoniales. Y eso que hemos demostrado ser un museo relevante para la sociedad, el más visitado de Chile y muy querido por la gente".
Los grandes hits
- ¿Es partidario de la gratuidad de los museos?
"Tengo la convicción de que los museos estatales deben ser gratis. Creo que la gratuidad ha tenido un impacto, aunque aún no se note en la estadística. Se ha eliminado una barrera simbólica y a nosotros no nos complica si la gente entra a nuestro museo solo al baño. Los museos son espacios seguros, las personas por alguna razón buscan un refugio, que puede ser físico, intelectual, para matar el tiempo o para sacar a los niños chicos un domingo. Además, lo que recaudábamos por entrada era menos que el costo de gestión de la recaudación".
- ¿Cómo es el visitante de su museo?
"El grueso de nuestro público es de clase media-media. Y tenemos visitantes que van desde el ABC1 hasta el D. Este es un museo de vocación popular y lo digo con todo orgullo, porque el parque de la Quinta Normal es un destino muy masivo. Llegan familias que vienen del parque, otras más acomodadas, algunas que vienen de visitar a sus parientes en el hospital San Juan de Dios. Esos grupos coexisten y tienen la misma oportunidad de conocer el museo".
"De martes a viernes está lleno de escolares, que representan cerca de 25 o 30 por ciento del público. En los últimos años hemos comenzado a recibir turistas de regiones y extranjeros: brasileños, argentinos, japoneses, europeos. Seguimos sus comentarios en Google Review y Trip Advisor".
- ¿Cuáles son los highlights ?
"Los dinosaurios son un gran hit, las estaciones de trabajo también y las vitrinas con megafauna en peligro de extinción. La gente busca mucho al Niño del Plomo, tenemos una réplica, pero nos gustaría tener la infraestructura para mostrarlo en forma apropiada en algunas ocasiones. La sala 16 ha dado muy buenos resultados. Hay papás que se sientan con sus hijos durante mucho rato para ver la gran proyección".
"Toda la literatura museológica coincide en que no importa cuánta interactividad, cuánta realidad virtual, cuánta tecnología exista. La experiencia sigue siendo entre la persona y el objeto o lo que ocurre con el objeto. Un museo debe emocionar, evocar y entablar un diálogo con el visitante. Es lo que buscamos a través de nuestros mediadores, educadores, curadores".
La alterada nobleza del edificio
Desde 1876, algunas de las más importantes colecciones vinculadas al patrimonio natural y cultural de Chile se resguardan en el edificio de la Quinta Normal. Allí están las colecciones botánicas de los naturalistas del siglo XIX, las piezas mapuches que recolectó Gay en 1830, los restos de mastodontes de la laguna de Tagua Tagua. También el Niño del Plomo y los fósiles del Chilesaurio.
El MNHN, además de museo, funciona como depósito y centro de investigación en seis áreas distintas -botánica, antropología, entomología, zoología de vertebrados, de invertebrados y paleontología- con investigadores que deben realizar publicaciones en revistas científicas. Estas actividades han implicado ampliaciones, entrepisos y construcciones no muy armónicas.
"Como nos dijo el arquitecto Teodoro Fernández, se fue girando a costa de la nobleza del edificio. Fernández nos ayudó en el master plan para el museo. Y eso tiene dos etapas: construir en Cerrillos un depósito externo para las colecciones y para parte de nuestro equipo y dedicar el edificio del museo a su función pública".
- Para cumplir esos objetivos, ¿le parece positiva la nueva institucionalidad cultural?
"Así es. Dentro del Ministerio de Educación, la Dibam representaba, digamos, cerca del 0,5 del presupuesto global, por lo que constituíamos el 0,5 de las preocupaciones del ministro. Tener un ministro de las Culturas en toda regla, que haya integrado y represente toda la institucionalidad cultural, me parece excelente. Por supuesto, faltan algunos aspectos, hay que avanzar en los reglamentos y sin duda, modificar la ley de monumentos nacionales".
"Uno de los asuntos menos felices vinculados al nuevo ministerio es que no se relevaron las necesidades de personal de varias instituciones. Hoy en el museo tenemos asignada la misma cantidad de personal que en 1980, habiendo crecido en un 200 por ciento la atención de público desde 2007. Eso fue un profundo error".
Cerrillos: hangares para la ciencia
En 1934 se inauguró el Aeródromo Los Cerrillos, que contaba con hangares elaborados en Estados Unidos por la firma Jones and Laughlin, los que se armaban como mecano. Estos grandes hangares -parte de nuestro patrimonio aeronáutico- fueron cedidos por el Serviu al MNHN para ser reciclados y convertidos en laboratorios y depósitos de las colecciones del museo, que abarcan desde tablillas con escritura Rongo Rongo de Isla de Pascua hasta muestras recogidas por Gay y Philippi. También se contempla un espacio de exhibiciones.
Para el proyecto se convocó a un concurso internacional con el apoyo del Colegio de Arquitectos. Ganadora resultó la oficina Jarpa Spicheger Arquitectura, que propuso conservar en plenitud la estructura de los hangares y comunicarlos a través de una serie de patios y pasarelas transparentes. Todo esta etapa se financió con platas aportadas por el Metro de Santiago, en compensación ambiental por las 2.500 cajas con material arqueológico que ha sacado de las excavaciones de sus líneas 3 y 6, las que debe almacenar el MNHN.
El desarrollo del proyecto se realizará entre el 2018 y 2019, para comenzar a construir el año 2020, si se cuenta con los fondos necesarios para esta primera etapa, que se estiman en alrededor de 25 millones de dólares. Según el master plan formulado en 2012, la etapa 2 contempla la restauración del edificio histórico con una infraestructura y equipamiento acorde a los tiempos. "El objetivo es llegar al bicentenario de la institución, el 2030, con un museo de clase mundial", explica Claudio Gómez.
Es el museo estatal más antiguo y visitado de Chile (más de 600 mil personas en 2017) y acaba de reabrir sus puertas tras un mes de reacondicionamiento. "Es hora de que se realice una inversión significativa en este lugar, por nuestro éxito de público y la labor social y científica que cumplimos", señala su director.
Por ELENA IRARRÁZABAL SÁNCHEZ
Ya no solo el esqueleto de la ballena Greta -varada en 1889 en Valparaíso y transportada en tren a la Estación Central- recibe a los visitantes en el gran salón central del edificio diseñado por Paul Lathoud en la Quinta Normal.
Una llamativa muestra de huesos fósiles y réplicas de esqueletos de 11 dinosaurios sudamericanos atrae a gran cantidad de niños y adultos. Entre ellos, el Chilesaurus diegosuarezi , el ejemplar que vivió hace 148 millones de años en Aysén y cuyas primeras piezas fueron descubiertas por un niño de siete años. El Chilesaurus -un peculiar terápodo herbívoro- ha abierto inéditos rumbos de investigación para los paleontólogos del MNHN.
Aunque, paradójicamente, uno de los grandes desafíos de su director, Claudio Gómez -antropólogo de la U. de Chile, con un master en administración pública en Pittsburgh- es evitar que el museo se convierta en un dinosaurio viejo y fuera de época. Gómez lleva más de una década a cargo de la institución y durante su gestión la asistencia ha pasado de los 200 mil visitantes anuales a más de 600 mil. También dirigió la completa renovación de la museografía del primer piso, dañado tras el terremoto de 2010, haciendo malabares con el millón de dólares con que contó para todo el proyecto.
"En las pasantías que he realizado en museos de Washington, me di cuenta de que ellos poseen grandes edificios y colecciones, pero en su museografía recurren a soluciones que no son caras y son atractivas para el público, como las estaciones de trabajo, que les muestran a los visitantes el trabajo 'tras bambalinas' en el museo, en laboratorios o espacios restringidos, como el taller de taxidermia".
Muñoz relata que tras el terremoto "remodelamos el primer piso, el que se reinauguró en mayo de 2012 con una nueva muestra: Chile biogeográfico 2.0. Ese año hubo más de 800 mil visitantes, incluidas las itinerancias, y ese nivel de público produce un desgaste. Por eso ahora cerramos un mes para repintar todo el primer piso, arreglar el piso, cambiar elementos desactualizados en materia estética y de contenidos. No podemos cerrarlo por partes, ya que el segundo piso está restringido al público ya que tiene compromiso estructural; solo se realizan allí actividades restringidas".
- ¿Por qué aún no se abre al público el segundo piso?
"Es sabido que el Estado dejó de invertir en su infraestructura cultural hace tiempo. Por alguna razón, que corresponde a una visión o diagnóstico de los años 90, el Estado decidió hacer una red de centros culturales paralelos, pero con financiamiento estatal, como el MIM, el Centro La Moneda, el GAM y el Museo de la Memoria. Fue en ellos donde se invirtió con estándares internacionales".
- ¿Concuerda con ese gasto?
"Una vez me preguntaron si encontraba excesivo que se gastaran 25 millones de dólares en el Museo de la Memoria. Yo dije que no, pues un museo en el mundo vale eso y qué bueno que se haya gastado en ese museo. Lo que me gustaría es que la misma generosidad que el Estado ha tenido con esta red cultural paralela se aplique en nuestro museo y ojalá en otros como el Histórico y el Bellas Artes".
- Siguen siendo los parientes pobres -casi indigentes- en materia presupuestaria.
"Este año el presupuesto es muy bajo, cien millones de pesos menos que el año pasado. Nuestro presupuesto no ha crecido desde 2016, pero este año nos dieron menos plata para el programa de proyectos patrimoniales, con el cual desarrollamos gran parte de la oferta de servicios al público y también nos permiten financiar la gestión y cuidado de las colecciones patrimoniales. Y eso que hemos demostrado ser un museo relevante para la sociedad, el más visitado de Chile y muy querido por la gente".
Los grandes hits
- ¿Es partidario de la gratuidad de los museos?
"Tengo la convicción de que los museos estatales deben ser gratis. Creo que la gratuidad ha tenido un impacto, aunque aún no se note en la estadística. Se ha eliminado una barrera simbólica y a nosotros no nos complica si la gente entra a nuestro museo solo al baño. Los museos son espacios seguros, las personas por alguna razón buscan un refugio, que puede ser físico, intelectual, para matar el tiempo o para sacar a los niños chicos un domingo. Además, lo que recaudábamos por entrada era menos que el costo de gestión de la recaudación".
- ¿Cómo es el visitante de su museo?
"El grueso de nuestro público es de clase media-media. Y tenemos visitantes que van desde el ABC1 hasta el D. Este es un museo de vocación popular y lo digo con todo orgullo, porque el parque de la Quinta Normal es un destino muy masivo. Llegan familias que vienen del parque, otras más acomodadas, algunas que vienen de visitar a sus parientes en el hospital San Juan de Dios. Esos grupos coexisten y tienen la misma oportunidad de conocer el museo".
"De martes a viernes está lleno de escolares, que representan cerca de 25 o 30 por ciento del público. En los últimos años hemos comenzado a recibir turistas de regiones y extranjeros: brasileños, argentinos, japoneses, europeos. Seguimos sus comentarios en Google Review y Trip Advisor".
- ¿Cuáles son los highlights ?
"Los dinosaurios son un gran hit, las estaciones de trabajo también y las vitrinas con megafauna en peligro de extinción. La gente busca mucho al Niño del Plomo, tenemos una réplica, pero nos gustaría tener la infraestructura para mostrarlo en forma apropiada en algunas ocasiones. La sala 16 ha dado muy buenos resultados. Hay papás que se sientan con sus hijos durante mucho rato para ver la gran proyección".
"Toda la literatura museológica coincide en que no importa cuánta interactividad, cuánta realidad virtual, cuánta tecnología exista. La experiencia sigue siendo entre la persona y el objeto o lo que ocurre con el objeto. Un museo debe emocionar, evocar y entablar un diálogo con el visitante. Es lo que buscamos a través de nuestros mediadores, educadores, curadores".
La alterada nobleza del edificio
Desde 1876, algunas de las más importantes colecciones vinculadas al patrimonio natural y cultural de Chile se resguardan en el edificio de la Quinta Normal. Allí están las colecciones botánicas de los naturalistas del siglo XIX, las piezas mapuches que recolectó Gay en 1830, los restos de mastodontes de la laguna de Tagua Tagua. También el Niño del Plomo y los fósiles del Chilesaurio.
El MNHN, además de museo, funciona como depósito y centro de investigación en seis áreas distintas -botánica, antropología, entomología, zoología de vertebrados, de invertebrados y paleontología- con investigadores que deben realizar publicaciones en revistas científicas. Estas actividades han implicado ampliaciones, entrepisos y construcciones no muy armónicas.
"Como nos dijo el arquitecto Teodoro Fernández, se fue girando a costa de la nobleza del edificio. Fernández nos ayudó en el master plan para el museo. Y eso tiene dos etapas: construir en Cerrillos un depósito externo para las colecciones y para parte de nuestro equipo y dedicar el edificio del museo a su función pública".
- Para cumplir esos objetivos, ¿le parece positiva la nueva institucionalidad cultural?
"Así es. Dentro del Ministerio de Educación, la Dibam representaba, digamos, cerca del 0,5 del presupuesto global, por lo que constituíamos el 0,5 de las preocupaciones del ministro. Tener un ministro de las Culturas en toda regla, que haya integrado y represente toda la institucionalidad cultural, me parece excelente. Por supuesto, faltan algunos aspectos, hay que avanzar en los reglamentos y sin duda, modificar la ley de monumentos nacionales".
"Uno de los asuntos menos felices vinculados al nuevo ministerio es que no se relevaron las necesidades de personal de varias instituciones. Hoy en el museo tenemos asignada la misma cantidad de personal que en 1980, habiendo crecido en un 200 por ciento la atención de público desde 2007. Eso fue un profundo error".
Cerrillos: hangares para la ciencia
En 1934 se inauguró el Aeródromo Los Cerrillos, que contaba con hangares elaborados en Estados Unidos por la firma Jones and Laughlin, los que se armaban como mecano. Estos grandes hangares -parte de nuestro patrimonio aeronáutico- fueron cedidos por el Serviu al MNHN para ser reciclados y convertidos en laboratorios y depósitos de las colecciones del museo, que abarcan desde tablillas con escritura Rongo Rongo de Isla de Pascua hasta muestras recogidas por Gay y Philippi. También se contempla un espacio de exhibiciones.
Para el proyecto se convocó a un concurso internacional con el apoyo del Colegio de Arquitectos. Ganadora resultó la oficina Jarpa Spicheger Arquitectura, que propuso conservar en plenitud la estructura de los hangares y comunicarlos a través de una serie de patios y pasarelas transparentes. Todo esta etapa se financió con platas aportadas por el Metro de Santiago, en compensación ambiental por las 2.500 cajas con material arqueológico que ha sacado de las excavaciones de sus líneas 3 y 6, las que debe almacenar el MNHN.
El desarrollo del proyecto se realizará entre el 2018 y 2019, para comenzar a construir el año 2020, si se cuenta con los fondos necesarios para esta primera etapa, que se estiman en alrededor de 25 millones de dólares. Según el master plan formulado en 2012, la etapa 2 contempla la restauración del edificio histórico con una infraestructura y equipamiento acorde a los tiempos. "El objetivo es llegar al bicentenario de la institución, el 2030, con un museo de clase mundial", explica Claudio Gómez.
Claudio Narea en Show Acústico
La Nación
El ex guitarrista de Los Prisioneros se presentará este sábado en el Museo Violeta Parra con un concierto íntimo y gratuito para sus seguidores. ¡Ojo! que los cupos son limitados.
por Giselle Saure
Un repaso por los diferentes momentos de su carrera, desde su reconocida participación como miembro fundador de “Los Prisioneros” hasta su trabajo en la banda “Profetas y Frenéticos”, es lo que promete para este sábado Claudio Narea.
El músico y parte fundamental del rock chileno ofrecerá un concierto gratuito en la Sala Antar del Museo Violeta Parra a las 16:00 horas y lo novedoso de su show es que lo hará en formato acústico.
Para esta ocasión y como tantas otras, el guitarrista y cantante estará acompañado por los músicos Diógenes Matus y Ricardo Carrasco, quienes lo apoyarán en la ejecución de sus producciones solistas: “Claudio Narea”, “El largo camino al éxito” y “La vida es circular”.
“El recital de este sábado es distinto en varios sentidos. Voy a tocar la guitarra acústica, vamos a ocupar una batería de jazz y un bajo acústico. La gente que conoce las canciones va a encontrarlas distintas, será otro el sonido de la banda”, adelanta el artista.
De esta manera, Narea se suma a una larga lista de artistas que han visto en el escenario del espacio cultural que recuera a la arista y artesana, un lugar simbólico donde mostrar su trabajo y reconocer el legado de Violeta Parra.
Sobre la importancia de presentarse en “la casa de Violeta”, Narea explica que “soy un gran fanático de Violeta Parra, y tener la posibilidad de tocar ahí es algo importante en mi carrera. Además, me encantaría incorporar, a futuro, algunas de sus canciones a mi repertorio, siempre aprendiendo de su trabajo musical, que es lo que más me llega”.
El museo que resguarda la obra de la chilena se ha posicionado como una potente vitrina para artistas nacionales y latinoamericanos, desplegando una atractiva programación que incluye recitales, obras de teatro, presentación de libros, documentales, charlas y talleres.
COORDENADAS
Concierto: Claudio Narea en vivo (formato acústico)
Cuándo: sábado 12 de mayo, a las 16:00 horas
Dónde: Sala Antar, Museo Violeta Parra, Av. Vicuña Mackenna 37, Santiago.
Entrada: Gratuita previa inscripción aquí. Fono: (56 2) 2 355 46 00
El ex guitarrista de Los Prisioneros se presentará este sábado en el Museo Violeta Parra con un concierto íntimo y gratuito para sus seguidores. ¡Ojo! que los cupos son limitados.
por Giselle Saure
Un repaso por los diferentes momentos de su carrera, desde su reconocida participación como miembro fundador de “Los Prisioneros” hasta su trabajo en la banda “Profetas y Frenéticos”, es lo que promete para este sábado Claudio Narea.
El músico y parte fundamental del rock chileno ofrecerá un concierto gratuito en la Sala Antar del Museo Violeta Parra a las 16:00 horas y lo novedoso de su show es que lo hará en formato acústico.
Para esta ocasión y como tantas otras, el guitarrista y cantante estará acompañado por los músicos Diógenes Matus y Ricardo Carrasco, quienes lo apoyarán en la ejecución de sus producciones solistas: “Claudio Narea”, “El largo camino al éxito” y “La vida es circular”.
“El recital de este sábado es distinto en varios sentidos. Voy a tocar la guitarra acústica, vamos a ocupar una batería de jazz y un bajo acústico. La gente que conoce las canciones va a encontrarlas distintas, será otro el sonido de la banda”, adelanta el artista.
De esta manera, Narea se suma a una larga lista de artistas que han visto en el escenario del espacio cultural que recuera a la arista y artesana, un lugar simbólico donde mostrar su trabajo y reconocer el legado de Violeta Parra.
Sobre la importancia de presentarse en “la casa de Violeta”, Narea explica que “soy un gran fanático de Violeta Parra, y tener la posibilidad de tocar ahí es algo importante en mi carrera. Además, me encantaría incorporar, a futuro, algunas de sus canciones a mi repertorio, siempre aprendiendo de su trabajo musical, que es lo que más me llega”.
El museo que resguarda la obra de la chilena se ha posicionado como una potente vitrina para artistas nacionales y latinoamericanos, desplegando una atractiva programación que incluye recitales, obras de teatro, presentación de libros, documentales, charlas y talleres.
COORDENADAS
Concierto: Claudio Narea en vivo (formato acústico)
Cuándo: sábado 12 de mayo, a las 16:00 horas
Dónde: Sala Antar, Museo Violeta Parra, Av. Vicuña Mackenna 37, Santiago.
Entrada: Gratuita previa inscripción aquí. Fono: (56 2) 2 355 46 00
sábado, mayo 05, 2018
Los caminos del verso improvisado llegan hasta Matucana 100
El Mercurio
En la búsqueda de una profesionalización del espectáculo, Manuel Sánchez, Cecilia Astorga, Hugo González y Fabiola González se instalan en este centro de la cultura capitalino.
Por Iñigo Díaz
Fue en una ramada de San Vicente de Tagua Tagua, según la leyenda, donde se encontraron el Mulato Taguada con Javier de la Rosa para llevar a cabo el mítico enfrentamiento de verso improvisado que duraría más de tres días y finalizaría con uno de los contrincantes quitándose la vida.
"Históricamente, la paya ha tenido como escenario ese tipo de espacios, un descampado cualquiera, el patio trasero de un expendio, el alero de una casa de campo, fondas y ramadas. El traslado a un escenario formal recién comienza a darse en los años 80, con Pedro Yáñez", dice Manuel Sánchez, poeta y guitarronero, uno de los cultores que serán parte de un espectáculo en un contexto distinto.
Mañana en Matucana 100 (18:00) se realizará el Primer Encuentro de Payadores. En una carpa para 250 espectadores se reunirán tres cultores de la generación intermedia del canto a lo poeta, iniciados en los 90: el propio Sánchez, criado en Lo Barnechea; la rancagüina Cecilia Astorga, y el sancarlino Hugo González. A ellos se suma la hoy casablanquina Fabiola González, como nombre de una nueva oleada de payadores.
"Llevar la paya a un escenario profesional, con todas las condiciones de amplificación e iluminación, y con una propuesta para públicos distintos es un paso más en la divulgación de este arte. Por muchos años hemos actuado en escenarios que parecen más que nada un pesebre, con fardos de paja y una rueda de carreta. Eso es apenas una postal de campo", dice Sánchez.
"Ha sido un proceso esperado para nosotros. Es la primera vez que estaré en Matucana 100. Hago mis presentaciones habituales en colegios. Hace poco estuve en La Sebastiana y antes en el Encuentro de Putaendo. La paya es tanto de campo como de ciudad", dice Cecilia Astorga, proveniente de un reconocido linaje de poetas y cantores.
En el encuentro entre improvisadores de la décima (estrofas de diez líneas con versos en octosílabo) se mostrará además la diversidad de formas de la paya (ver recuadro), que solo existe en esta parte del mundo, según indican los especialistas.
"Somos parte de un arte que está vivo. No estamos modernizando nada, simplemente estamos viviendo, y de esa manera ocurren las cosas", dice Astorga, quien viene de participar en dos discos sobre Violeta Parra, "Herencia rebelde" y "Ramillito de violetas". "Lo más importante es el respeto y la humildad. Los payadores somos como somos", cierra.
El Ritual y sus formas.
Brindis: Declamación vaso en mano de versos escritos. Pero la autoría se va diluyendo a medidas que se van utilizando los brindis.
Décima de presentación: Cada cultor muestra sus credenciales en diez versos.
Relance: Juego rápido de coplas tradicionales, es decir, estrofas de cuatro líneas. Son picarescas y jocosas; por las suegras, los curas, la vida, la muerte.
Pie forzado: El público propone una frase en octosílabo, que el cultor debe ocupar obligatoriamente en la última línea de la décima.
Banquillo: Cada poeta es sometido a las preguntas del tribunal de payadores. Su inventiva y picardía lo hará salir o no airoso.
Contrapunto en décimas: Clásico enfrentamiento cara a cara entre dos payadores.
Concesión: Con otro pie forzado, la paya finaliza cuando el payador se agota, repite la rima, trastabilla o queda en blanco. El último es el vencedor.
Personificación: Contrapunto en cuartetas en el que los payadores representan a personajes o elementos contrarios y toman sus propiedades. Ejemplo: Carrera frente a O'Higgins.
Cueca improvisada: La rueda de payadores finaliza con una cueca creada en el momento, cuyo tema también propone la audiencia.
En la búsqueda de una profesionalización del espectáculo, Manuel Sánchez, Cecilia Astorga, Hugo González y Fabiola González se instalan en este centro de la cultura capitalino.
Por Iñigo Díaz
Fue en una ramada de San Vicente de Tagua Tagua, según la leyenda, donde se encontraron el Mulato Taguada con Javier de la Rosa para llevar a cabo el mítico enfrentamiento de verso improvisado que duraría más de tres días y finalizaría con uno de los contrincantes quitándose la vida.
"Históricamente, la paya ha tenido como escenario ese tipo de espacios, un descampado cualquiera, el patio trasero de un expendio, el alero de una casa de campo, fondas y ramadas. El traslado a un escenario formal recién comienza a darse en los años 80, con Pedro Yáñez", dice Manuel Sánchez, poeta y guitarronero, uno de los cultores que serán parte de un espectáculo en un contexto distinto.
Mañana en Matucana 100 (18:00) se realizará el Primer Encuentro de Payadores. En una carpa para 250 espectadores se reunirán tres cultores de la generación intermedia del canto a lo poeta, iniciados en los 90: el propio Sánchez, criado en Lo Barnechea; la rancagüina Cecilia Astorga, y el sancarlino Hugo González. A ellos se suma la hoy casablanquina Fabiola González, como nombre de una nueva oleada de payadores.
"Llevar la paya a un escenario profesional, con todas las condiciones de amplificación e iluminación, y con una propuesta para públicos distintos es un paso más en la divulgación de este arte. Por muchos años hemos actuado en escenarios que parecen más que nada un pesebre, con fardos de paja y una rueda de carreta. Eso es apenas una postal de campo", dice Sánchez.
"Ha sido un proceso esperado para nosotros. Es la primera vez que estaré en Matucana 100. Hago mis presentaciones habituales en colegios. Hace poco estuve en La Sebastiana y antes en el Encuentro de Putaendo. La paya es tanto de campo como de ciudad", dice Cecilia Astorga, proveniente de un reconocido linaje de poetas y cantores.
En el encuentro entre improvisadores de la décima (estrofas de diez líneas con versos en octosílabo) se mostrará además la diversidad de formas de la paya (ver recuadro), que solo existe en esta parte del mundo, según indican los especialistas.
"Somos parte de un arte que está vivo. No estamos modernizando nada, simplemente estamos viviendo, y de esa manera ocurren las cosas", dice Astorga, quien viene de participar en dos discos sobre Violeta Parra, "Herencia rebelde" y "Ramillito de violetas". "Lo más importante es el respeto y la humildad. Los payadores somos como somos", cierra.
El Ritual y sus formas.
Brindis: Declamación vaso en mano de versos escritos. Pero la autoría se va diluyendo a medidas que se van utilizando los brindis.
Décima de presentación: Cada cultor muestra sus credenciales en diez versos.
Relance: Juego rápido de coplas tradicionales, es decir, estrofas de cuatro líneas. Son picarescas y jocosas; por las suegras, los curas, la vida, la muerte.
Pie forzado: El público propone una frase en octosílabo, que el cultor debe ocupar obligatoriamente en la última línea de la décima.
Banquillo: Cada poeta es sometido a las preguntas del tribunal de payadores. Su inventiva y picardía lo hará salir o no airoso.
Contrapunto en décimas: Clásico enfrentamiento cara a cara entre dos payadores.
Concesión: Con otro pie forzado, la paya finaliza cuando el payador se agota, repite la rima, trastabilla o queda en blanco. El último es el vencedor.
Personificación: Contrapunto en cuartetas en el que los payadores representan a personajes o elementos contrarios y toman sus propiedades. Ejemplo: Carrera frente a O'Higgins.
Cueca improvisada: La rueda de payadores finaliza con una cueca creada en el momento, cuyo tema también propone la audiencia.
Manuel García lanza en streaming su nuevo sencillo “Quiero Algo Más”
La canción fue producida por Manú Jalil, director musical de Mon Laferte, y mezclada en México, mientras que la masterización la realizó Manoj Kumar en India.
“Quiero algo más” es el estreno que a partir de hoy, viernes 04 de mayo, presenta Manuel García a través de las distintas plataformas digitales. En él queda retratado el imaginario poético de las tradiciones populares y el sonido de la nueva búsqueda musical del cantautor, el que contó con el trabajo de su banda estable, compuesta por Diego Álvarez (bajo y coros), Rodrigo Godoy (guitarra eléctrica y coros) y Luis Faúndez (batería y coros).
El tema fue registrado en marzo en Estudios del Sur, con el ingeniero Guido Nisenson; producido por Manú Jalil (Mon Laferte), quien terminó la mezcla en México, y masterizado por Manoj Kumar en India.
Según describe el propio García “es una muestra del resultado de un proceso en el que llevo inmerso los últimos años, viajando a otros países, encontrándome con otras culturas, con músicos de todo tipo, con personas que no siempre están ligadas a la música y otras que trabajan en otras disciplinas artísticas. Es inevitable ir nutriéndose de todas esas miradas, de sus palabras, sus dichos, algunas tradiciones y de las músicas y los ritmos de los países que visitas”.
García da cuenta de estas reflexiones en la letra de “Quiero algo más”, inspirada en la Guitarra Animita. La describe como una metáfora visual que representa la expresión popular de la tradición de las animitas. “Esas pequeñas capillas que en Chile se ponen en modo de ofrenda, en el lugar donde se ha interrumpido el curso de algunas vidas. Ese pequeño templo simbólico donde encontramos un punto de conexión y comunicación con los nuestros”, explica.
Esa motivación y admiración la transformó en un rezo popular dirigido al alma de Gonzalo Canales, hermano de guitarra fallecido hace poco, esperando encontrar en él algún milagro que interceda por su padre –que se encuentra delicado de salud-, por sus compañeros, por Chile.
“Con este trabajo estoy tratando de imaginar tradiciones urbanas inspiradas en la poesía de la cultura popular, para que la gente crea en sí misma, en su propia belleza. Que sientan que esa belleza es capaz de transformar la realidad y hacer que la vida sea más digna para todos”, concluyó.
Escúchelo acá.
“Cómo te explico” es lo último de Combo Chabela junto a Juanito Ayala
Comunicado de prensa
Con una mezcla de ritmos urbanos y una letra directa por la defensa del medioambiente, Combo Chabela presenta el segundo corte promocional del álbum “El canto de todos los pueblos”, canción que cuenta con la participación especial de Juanito Ayala.
De un alto contenido social es “Cómo te explico”, tema que la banda valdiviana Combo Chabela publicó en todas las plataformas digitales de música. El single vendrá incluido en el próximo disco de la banda.
Los adelantos muestran un trabajo mucho más diverso que su antecesor placa, “Welcome Tu Cumbia” (2014), pues incorpora otros ritmos como el ska, reggae, arreglos folclóricos, rock, jazz guachaca, cumbia y rap.
“El canto de todos los pueblos” reunirá 10 canciones compuestas por el vocalista de Combo Chabela, Freddy Góngora, varias de las cuales ya fueron mostradas en vivo, sobre todo en instancias junto a otros nombres locales como La Rata Bluesera, Camilo Eque, Newton Jones, etc.
Incluido en el próximo disco de la banda, “Cómo te explico” es un manifiesto contra las empresas extractivistas, extranjeras y nacionales, que destruyen la naturaleza indiscriminadamente, convirtiendo incluso a comunidades en todo el país en zonas de sacrificio.
“Eso está pasando a diario en nuestro país y continente, los medios callan y la gente no tiene idea. Las autoridades son cómplices y miran con indiferencia cómo se mueren las personas en Huasco, Tocopilla, Mejillones, Coronel, etc. Ante eso no podemos ser ajenos y queremos que suene en todas partes. La canción tiene “lucha y fiesta”, lo que nos representa plenamente”, comentó Góngora.
Sobre la colaboración con Juanito Ayala, la agrupación valdiviana rescató el valor del cantante para decir las cosas directamente. “Nos parece que Juanito es la voz y el discurso de la cumbia chilena. Desde los tiempos de Juanafé lo hemos seguido y respetado”, comenta la voz de Combo Chabela.
Juan Ayala, a su vez, señaló que fue una bonita sorpresa recibir esta invitación. Además, recordó que durante la gira de verano que hicieron juntos, aprovechó de quedarse algunos días extra en Valdivia. “La idea era dejar un registro de la colaboración no solamente en audio, sino que en formato de video. Espero que puedan venir pronto a tocar a Santiago para hacer algo juntos”, declara.
Con las intenciones de seguir presentando su nuevo trabajo, Combo Chabela confía en que las letras y la voz sean el hilo conductor del proyecto. “El canto de todos los pueblos” buscará hacer eco de las luchas que levantan desposeídos e indignados en todo el mundo. “Creemos que la música y el canto son parte de todas las naciones, por ende, es el canto el elemento principal de esta creación”, concluyó Freddy.
Con una mezcla de ritmos urbanos y una letra directa por la defensa del medioambiente, Combo Chabela presenta el segundo corte promocional del álbum “El canto de todos los pueblos”, canción que cuenta con la participación especial de Juanito Ayala.
De un alto contenido social es “Cómo te explico”, tema que la banda valdiviana Combo Chabela publicó en todas las plataformas digitales de música. El single vendrá incluido en el próximo disco de la banda.
Los adelantos muestran un trabajo mucho más diverso que su antecesor placa, “Welcome Tu Cumbia” (2014), pues incorpora otros ritmos como el ska, reggae, arreglos folclóricos, rock, jazz guachaca, cumbia y rap.
“El canto de todos los pueblos” reunirá 10 canciones compuestas por el vocalista de Combo Chabela, Freddy Góngora, varias de las cuales ya fueron mostradas en vivo, sobre todo en instancias junto a otros nombres locales como La Rata Bluesera, Camilo Eque, Newton Jones, etc.
Incluido en el próximo disco de la banda, “Cómo te explico” es un manifiesto contra las empresas extractivistas, extranjeras y nacionales, que destruyen la naturaleza indiscriminadamente, convirtiendo incluso a comunidades en todo el país en zonas de sacrificio.
“Eso está pasando a diario en nuestro país y continente, los medios callan y la gente no tiene idea. Las autoridades son cómplices y miran con indiferencia cómo se mueren las personas en Huasco, Tocopilla, Mejillones, Coronel, etc. Ante eso no podemos ser ajenos y queremos que suene en todas partes. La canción tiene “lucha y fiesta”, lo que nos representa plenamente”, comentó Góngora.
Sobre la colaboración con Juanito Ayala, la agrupación valdiviana rescató el valor del cantante para decir las cosas directamente. “Nos parece que Juanito es la voz y el discurso de la cumbia chilena. Desde los tiempos de Juanafé lo hemos seguido y respetado”, comenta la voz de Combo Chabela.
Juan Ayala, a su vez, señaló que fue una bonita sorpresa recibir esta invitación. Además, recordó que durante la gira de verano que hicieron juntos, aprovechó de quedarse algunos días extra en Valdivia. “La idea era dejar un registro de la colaboración no solamente en audio, sino que en formato de video. Espero que puedan venir pronto a tocar a Santiago para hacer algo juntos”, declara.
Con las intenciones de seguir presentando su nuevo trabajo, Combo Chabela confía en que las letras y la voz sean el hilo conductor del proyecto. “El canto de todos los pueblos” buscará hacer eco de las luchas que levantan desposeídos e indignados en todo el mundo. “Creemos que la música y el canto son parte de todas las naciones, por ende, es el canto el elemento principal de esta creación”, concluyó Freddy.
Noche Romántica con el grupo “La Flor del Recuerdo”
Comunicado de prensa
Sábado 12 de mayo, 20:30 hrs.
El Otoño es romance en La Reina y para celebrarlo contaremos con la visita
de un grupo que recrea de forma magistral los mejores boleros de todos los
tiempos, en formato acústico y con cuidadosos arreglos musicales.
Una velada romántica ofrecerá el grupo nacional “La Flor del Recuerdo”,
integrado en su mayoría por músicos de la Orquestra Sinfónica de Chile, este
sábado 12 de mayo a las 20:30 hrs. en la sala de nuestra institución, Santa
Rita N° 1153 esquina Echenique.
Nacida a mediados del año 2012, “La Flor del Recuerdo” es una agrupación
musical que desarrolla el bolero, en un formato acústico y con cuidadosos
arreglos musicales y vocales. Su repertorio se basa en éxitos
internacionalmente populares.
Lugar: TEATRO CENTRO CULTURAL DE LA REINA "VICENTE BIANCHI"
Dirección: SANTA RITA Nº 1153 ESQUINA ECHEÑIQUE
Fecha: Sábado 12 de mayo de 2018
Horario: 20:30 hrs.
Informaciones: 22277 6214
info@culturalareina.cl
Entrada General: $6.000
Estudiantes y tercera edad: $5000.-
Pago efectivo o cheque
Sábado 12 de mayo, 20:30 hrs.
El Otoño es romance en La Reina y para celebrarlo contaremos con la visita
de un grupo que recrea de forma magistral los mejores boleros de todos los
tiempos, en formato acústico y con cuidadosos arreglos musicales.
Una velada romántica ofrecerá el grupo nacional “La Flor del Recuerdo”,
integrado en su mayoría por músicos de la Orquestra Sinfónica de Chile, este
sábado 12 de mayo a las 20:30 hrs. en la sala de nuestra institución, Santa
Rita N° 1153 esquina Echenique.
Nacida a mediados del año 2012, “La Flor del Recuerdo” es una agrupación
musical que desarrolla el bolero, en un formato acústico y con cuidadosos
arreglos musicales y vocales. Su repertorio se basa en éxitos
internacionalmente populares.
Lugar: TEATRO CENTRO CULTURAL DE LA REINA "VICENTE BIANCHI"
Dirección: SANTA RITA Nº 1153 ESQUINA ECHEÑIQUE
Fecha: Sábado 12 de mayo de 2018
Horario: 20:30 hrs.
Informaciones: 22277 6214
info@culturalareina.cl
Entrada General: $6.000
Estudiantes y tercera edad: $5000.-
Pago efectivo o cheque
Jorge Maronna: “Sospecho que no es posible saber todas las razones de perdurabilidad de Les Luthiers”
La Tercera
El grupo argentino tuvo un agitado 2017: cumplió 50 años, ganó el Premio Princesa de Asturias y sufrió la salida de un miembro histórico. Uno de sus creadores habla de aquello y se refiere al show del jueves en el Movistar Arena.
Por Rodrigo González
Antes de Les Luthiers, se llamaban I Musicisti. Es decir, Los Músicos, al estilo del famoso conjunto italiano barroco I Musici. Vino una crisis, algunos integrantes se fueron con sus partituras e ideas a otras partes, pero ya en esa época, en mayo de 1967, Jorge Maronna (1948) era de la formación original. Venía de estudiar Medicina, una carrera formal al igual que el resto de sus compañeros, con quienes a fines de ese año decidieron rebautizar el conjunto como Les Luthiers. Medio siglo más tarde, el grupo emblema del humor argentino de etiqueta, sigue en pie. Han resistidos muertes de miembros clásicos y deserciones, pero Les Luthiers mantiene un nivel de público cautivo envidiable.
Chile, por ejemplo, es un caso: para el concierto que darán el próximo jueves 10 de mayo casi se han agotado las entradas. El grupo estará a las 21 horas en el Movistar Arena, con el show Gran reserva que sucede a Viejos hazmerreíres, presentado acá en 2015, el mismo año de la muerte de Daniel Rabinovich (1943-2015), integrante fundador.
Creadores y defensores de un tipo de humor refinado y con referencias culturales, Les Luthiers son también virtuosos musicales. Hasta la fecha han creado 50 instrumentos informales (entre ellos el contrachitarrone de gamba, el bolarmonio o el lirodoro o lira de asiento) y son absolutos contemporáneos de otro sexteto referencial formado en la universidad, pero al otro lado del mapa: Monty Python.
A cinco días de su espectáculo Gran reserva en Chile, Jorge Maronna da detalles de la presentación: “Es una antología muy divertida, variada y musical, en la que incluimos piezas de los 80, como Entreteniciencia familiar, Buscando a Helmut Bösengeist, Música y costumbres de Makanoa, pero también más recientes, como La balada del séptimo regimiento o Rhapsody in balls”.
– ¿Cómo enfrentaron la muerte de Daniel Rabinovich y el retiro el año pasado de Carlos Núñez Cortés, otro integrante fundador?
– La muerte del querido Daniel, amigo íntimo de toda la vida, actor amado por el público, fue un golpe durísimo para todos nosotros y, sumado al dolor por la pérdida, nos generó dudas acerca del futuro de nuestra carrera. Pero durante su larga enfermedad (que nunca fue hecha pública) y bajo la aprobación del mismo Daniel, sus papeles ya habían sido cubiertos por los eficaces Tato Turano y Martín O’Connor, que aportaron al grupo calidad artística y entusiasmo nuevo. La salida de Núñez Cortés, anunciada con anticipación, fue decidida por el propio Carlitos, que es reemplazado por Tomás Mayer-Wolf.
– ¿Qué significó ganar en 2017 el Premio Princesa de Asturias de Comunicación y Humanidades?
– Pensábamos modestamente que nunca lo recibiríamos. Vivimos momentos emocionantes, como un divertido homenaje de los profesores de la Universidad de Oviedo o la visita a una escuela primaria, en la que los chicos nos recibieron con instrumentos caseros y juegos de palabras de su invención.
– Cumplieron 50 años, ¿cómo se explican su longevidad?
– Sospecho que no es posible conocer todas las razones de nuestra perdurabilidad. Por nuestra parte, siempre trabajamos con precisión la escritura y la interpretación de los espectáculos; el público sabe que ofrecemos un show cuidado con esmero, un humor refinado y una puesta en escena ajustada y pulida. En cuanto a la permanencia, Les Luthiers tiene dos importantes virtudes: una gran capacidad de adaptación y una tenacidad que hace que, en los momentos difíciles, siempre encontremos fuerzas para continuar. Pero me parece que eso no es suficiente para explicar la aceptación que tenemos desde nuestros principios. En fin, somos tremendamente afortunados.
– ¿Cómo observa la evolución del humor desde fines de los 60 hasta hoy, con la cultura de las redes sociales y el stand up ?
– Aunque me considero bastante prehistórico por no frecuentar las redes sociales, tengo la impresión de que el humor que se consume en estos tiempos se está volviendo cada vez más zafio, fácil y barato.
El grupo argentino tuvo un agitado 2017: cumplió 50 años, ganó el Premio Princesa de Asturias y sufrió la salida de un miembro histórico. Uno de sus creadores habla de aquello y se refiere al show del jueves en el Movistar Arena.
Por Rodrigo González
Antes de Les Luthiers, se llamaban I Musicisti. Es decir, Los Músicos, al estilo del famoso conjunto italiano barroco I Musici. Vino una crisis, algunos integrantes se fueron con sus partituras e ideas a otras partes, pero ya en esa época, en mayo de 1967, Jorge Maronna (1948) era de la formación original. Venía de estudiar Medicina, una carrera formal al igual que el resto de sus compañeros, con quienes a fines de ese año decidieron rebautizar el conjunto como Les Luthiers. Medio siglo más tarde, el grupo emblema del humor argentino de etiqueta, sigue en pie. Han resistidos muertes de miembros clásicos y deserciones, pero Les Luthiers mantiene un nivel de público cautivo envidiable.
Chile, por ejemplo, es un caso: para el concierto que darán el próximo jueves 10 de mayo casi se han agotado las entradas. El grupo estará a las 21 horas en el Movistar Arena, con el show Gran reserva que sucede a Viejos hazmerreíres, presentado acá en 2015, el mismo año de la muerte de Daniel Rabinovich (1943-2015), integrante fundador.
Creadores y defensores de un tipo de humor refinado y con referencias culturales, Les Luthiers son también virtuosos musicales. Hasta la fecha han creado 50 instrumentos informales (entre ellos el contrachitarrone de gamba, el bolarmonio o el lirodoro o lira de asiento) y son absolutos contemporáneos de otro sexteto referencial formado en la universidad, pero al otro lado del mapa: Monty Python.
A cinco días de su espectáculo Gran reserva en Chile, Jorge Maronna da detalles de la presentación: “Es una antología muy divertida, variada y musical, en la que incluimos piezas de los 80, como Entreteniciencia familiar, Buscando a Helmut Bösengeist, Música y costumbres de Makanoa, pero también más recientes, como La balada del séptimo regimiento o Rhapsody in balls”.
– ¿Cómo enfrentaron la muerte de Daniel Rabinovich y el retiro el año pasado de Carlos Núñez Cortés, otro integrante fundador?
– La muerte del querido Daniel, amigo íntimo de toda la vida, actor amado por el público, fue un golpe durísimo para todos nosotros y, sumado al dolor por la pérdida, nos generó dudas acerca del futuro de nuestra carrera. Pero durante su larga enfermedad (que nunca fue hecha pública) y bajo la aprobación del mismo Daniel, sus papeles ya habían sido cubiertos por los eficaces Tato Turano y Martín O’Connor, que aportaron al grupo calidad artística y entusiasmo nuevo. La salida de Núñez Cortés, anunciada con anticipación, fue decidida por el propio Carlitos, que es reemplazado por Tomás Mayer-Wolf.
– ¿Qué significó ganar en 2017 el Premio Princesa de Asturias de Comunicación y Humanidades?
– Pensábamos modestamente que nunca lo recibiríamos. Vivimos momentos emocionantes, como un divertido homenaje de los profesores de la Universidad de Oviedo o la visita a una escuela primaria, en la que los chicos nos recibieron con instrumentos caseros y juegos de palabras de su invención.
– Cumplieron 50 años, ¿cómo se explican su longevidad?
– Sospecho que no es posible conocer todas las razones de nuestra perdurabilidad. Por nuestra parte, siempre trabajamos con precisión la escritura y la interpretación de los espectáculos; el público sabe que ofrecemos un show cuidado con esmero, un humor refinado y una puesta en escena ajustada y pulida. En cuanto a la permanencia, Les Luthiers tiene dos importantes virtudes: una gran capacidad de adaptación y una tenacidad que hace que, en los momentos difíciles, siempre encontremos fuerzas para continuar. Pero me parece que eso no es suficiente para explicar la aceptación que tenemos desde nuestros principios. En fin, somos tremendamente afortunados.
– ¿Cómo observa la evolución del humor desde fines de los 60 hasta hoy, con la cultura de las redes sociales y el stand up ?
– Aunque me considero bastante prehistórico por no frecuentar las redes sociales, tengo la impresión de que el humor que se consume en estos tiempos se está volviendo cada vez más zafio, fácil y barato.
Charly García juega a la sorpresa
La Tercera
El argentino agotó en 15 minutos 3.200 ubicaciones de un concierto anunciado solo días antes. En el Teatro Gran Rex, de Buenos Aires, sus incondicionales lo escucharon este lunes con fervor adolescente y completaron con sus voces los volúmenes que el argentino ya no alcanza. Un paseo por el reino de Charly.
Por Victor Cofré
No tiene la misma voz de antes, pero preserva las huellas de su voz. No tiene la misma movilidad, pero el desparpajo sigue intacto. No produce los éxitos del pasado, pero su elogiado último álbum encabeza las nominaciones a los premios Gardel, que se entregan a fin de mes. Charly García, a sus 66 años, ya no se muestra como antes, pero sorprende de cuando en vez. Hace una semana, la leyenda mayor del rock argentino convocó a sus fanáticos a un sorpresivo show en el señero teatro Gran Rex. La venta, física y online, tardó 15 minutos en agotar las 3.200 localidades. El telón se levantó a las 20:50 horas del último día de abril y Charly, sentado en una esquina del escenario, comenzó su canto: “Acabo de llegar/ no soy un extraño/ conozco esta ciudad/ no es como en los diarios”.
Fueron casi cien minutos y 22 canciones. Charly no se levantó de su sofá negro; sentado durante todo el show, aún sufre las secuelas de una fractura de cadera. Después de “No soy un extraño”, otros dos éxitos del pasado: “Instituciones”, la única de su época de Sui Generis que incorporó al setlist, y “Cerca de la revolución”, que levantó a todo el Gran Rex, que en realidad nunca estuvo sentado. “Decían que estaba acabado, que no podía componer más”, dijo tras la explosión de sus tres primeras canciones y antes de entonar “La máquina de ser feliz”, una pieza de Random, su último trabajo, de comienzos de 2017.
Charly no se subía a un escenario desde febrero, cuando en otro recital sorpresa inauguró el formato actual, denominado La Torre de Tesla, en el Teatro Coliseo, para 1.600 personas. El año pasado hizo una sola presentación, en marzo y -también de improviso- tocó quince canciones en un teatro de 385 butacas. Al Gran Rex, en calle Corrientes, a metros del Obelisco, no volvía desde hace siete años, cuando festejó sus seis décadas de vida con nueve presentaciones que luego editó en tres registros de audio y video.
Todo ello -la ausencia, el morbo de su condición, el recuerdo de su grandeza- alimentó el fervor de los incondicionales que llegaron al Rex este lunes.
La Torre de Tesla es un homenaje a Nikola Tesla, un inventor que imaginó a principios del siglo pasado la transmisión eléctrica inalámbrica. Charly escribió en el folletín oficial del concierto que su Tesla era una analogía de la utopía. Por eso al centro del escenario dispuso de una torre que ilustró esa analogía. Y a sus costados, una banda de cinco acompañantes con delantales blancos: Rosario Ortega en la voz, Fabián Quinteros en los teclados, y los chilenos Toño Silva, en batería, Carlos González, en bajo, y Kiuge Hayashida, en guitarra. El trío de los chilenos que lo acompaña desde hace ya varios años.
Charly no está acabado e intentó demostrarlo el lunes, con una puesta en escena sencilla y eficaz. En el aniversario número 20 de la edición argentina de la revista Rolling Stone, de abril, anticipaba que quería volver a escena. “Tengo muchas ganas de tocar, pero bueno, con esto de la cadera… Lector, ¡me rompieron la cadera! Y no me la curaron. Apenas esté bien voy a tocar”, le soltó a los periodistas de la revista. Y tocó este lunes, apoyado sobre todo por Rosario Ortega, que elevaba la voz cuando Charly ya no alcanzaba algunos tonos; o su timbre desaparecía bajo el sonido de la música. El mismo respaldo provino de una audiencia intergeneracional que entonó casi todo lo que se pudo entonar esa noche y que entre sus asistentes contó a Ricardo Mollo, el guitarrista de Sumo y Divididos que generó, con su sola presencia, la primera ovación de la platea, minutos antes del show.
El repertorio incluyó cuatro canciones de Random; tres de un perdido disco de hace más de una década, Kill Gil; y tres también de dos emblemas de los años ochenta: Clics modernos y Piano bar. El primer segmento incluyó clásicos como “Rezo por vos”, “Yendo de la cama al living”, “Promesas sobre el bidet” y terminó en jolgorio con “Demoliendo hoteles”. El telón se cerró y Charly descansó seis minutos. Nadie lo vio ponerse de pie. Cuando el escenario volvió a iluminarse, ya estaba en el mismo lugar del inicio: sentado frente al teclado, entonando “Los dinosaurios”. Vino la primera rechifla, pero no para él: en la pantalla, los dinosaurios eran ilustrados por videos de los militares que encabezaron la dictadura militar trasandina. El recurso fue empleado durante todo el concierto y reflejó el gusto del propio argentino por el cine, con escenas de Psicosis y Toro salvaje, entre otras. También por recuerdos gráficos de sus propios desaguisados, incluyendo el video del increíble y preciso salto desde un noveno piso a una piscina en un hotel mendocino, en marzo de 2000.
En la segunda tanda, cinco canciones, un invitado -Billy Bond, otro pionero del rock argentino- y dos hit para el cierre: “Fanky” y, fuera de programación, “Nos siguen pegando abajo”. Telón nuevamente y ahora sí Charly ya no volvió. La fanaticada no aflojó, gritó contra Mauricio Macri -algo que se va haciendo hábito en eventos masivos en Argentina; el domingo ocurrió lo mismo en un recital de Fito Páez en el Luna Park- y en un emocionante rito estrenado en shows anteriores, cantó al aire y de corrido tres piezas del repertorio de Charly. Un Charly que prepara un nuevo disco y que está volviendo de a poco. Y por sorpresa.
El argentino agotó en 15 minutos 3.200 ubicaciones de un concierto anunciado solo días antes. En el Teatro Gran Rex, de Buenos Aires, sus incondicionales lo escucharon este lunes con fervor adolescente y completaron con sus voces los volúmenes que el argentino ya no alcanza. Un paseo por el reino de Charly.
Por Victor Cofré
No tiene la misma voz de antes, pero preserva las huellas de su voz. No tiene la misma movilidad, pero el desparpajo sigue intacto. No produce los éxitos del pasado, pero su elogiado último álbum encabeza las nominaciones a los premios Gardel, que se entregan a fin de mes. Charly García, a sus 66 años, ya no se muestra como antes, pero sorprende de cuando en vez. Hace una semana, la leyenda mayor del rock argentino convocó a sus fanáticos a un sorpresivo show en el señero teatro Gran Rex. La venta, física y online, tardó 15 minutos en agotar las 3.200 localidades. El telón se levantó a las 20:50 horas del último día de abril y Charly, sentado en una esquina del escenario, comenzó su canto: “Acabo de llegar/ no soy un extraño/ conozco esta ciudad/ no es como en los diarios”.
Fueron casi cien minutos y 22 canciones. Charly no se levantó de su sofá negro; sentado durante todo el show, aún sufre las secuelas de una fractura de cadera. Después de “No soy un extraño”, otros dos éxitos del pasado: “Instituciones”, la única de su época de Sui Generis que incorporó al setlist, y “Cerca de la revolución”, que levantó a todo el Gran Rex, que en realidad nunca estuvo sentado. “Decían que estaba acabado, que no podía componer más”, dijo tras la explosión de sus tres primeras canciones y antes de entonar “La máquina de ser feliz”, una pieza de Random, su último trabajo, de comienzos de 2017.
Charly no se subía a un escenario desde febrero, cuando en otro recital sorpresa inauguró el formato actual, denominado La Torre de Tesla, en el Teatro Coliseo, para 1.600 personas. El año pasado hizo una sola presentación, en marzo y -también de improviso- tocó quince canciones en un teatro de 385 butacas. Al Gran Rex, en calle Corrientes, a metros del Obelisco, no volvía desde hace siete años, cuando festejó sus seis décadas de vida con nueve presentaciones que luego editó en tres registros de audio y video.
Todo ello -la ausencia, el morbo de su condición, el recuerdo de su grandeza- alimentó el fervor de los incondicionales que llegaron al Rex este lunes.
La Torre de Tesla es un homenaje a Nikola Tesla, un inventor que imaginó a principios del siglo pasado la transmisión eléctrica inalámbrica. Charly escribió en el folletín oficial del concierto que su Tesla era una analogía de la utopía. Por eso al centro del escenario dispuso de una torre que ilustró esa analogía. Y a sus costados, una banda de cinco acompañantes con delantales blancos: Rosario Ortega en la voz, Fabián Quinteros en los teclados, y los chilenos Toño Silva, en batería, Carlos González, en bajo, y Kiuge Hayashida, en guitarra. El trío de los chilenos que lo acompaña desde hace ya varios años.
Charly no está acabado e intentó demostrarlo el lunes, con una puesta en escena sencilla y eficaz. En el aniversario número 20 de la edición argentina de la revista Rolling Stone, de abril, anticipaba que quería volver a escena. “Tengo muchas ganas de tocar, pero bueno, con esto de la cadera… Lector, ¡me rompieron la cadera! Y no me la curaron. Apenas esté bien voy a tocar”, le soltó a los periodistas de la revista. Y tocó este lunes, apoyado sobre todo por Rosario Ortega, que elevaba la voz cuando Charly ya no alcanzaba algunos tonos; o su timbre desaparecía bajo el sonido de la música. El mismo respaldo provino de una audiencia intergeneracional que entonó casi todo lo que se pudo entonar esa noche y que entre sus asistentes contó a Ricardo Mollo, el guitarrista de Sumo y Divididos que generó, con su sola presencia, la primera ovación de la platea, minutos antes del show.
El repertorio incluyó cuatro canciones de Random; tres de un perdido disco de hace más de una década, Kill Gil; y tres también de dos emblemas de los años ochenta: Clics modernos y Piano bar. El primer segmento incluyó clásicos como “Rezo por vos”, “Yendo de la cama al living”, “Promesas sobre el bidet” y terminó en jolgorio con “Demoliendo hoteles”. El telón se cerró y Charly descansó seis minutos. Nadie lo vio ponerse de pie. Cuando el escenario volvió a iluminarse, ya estaba en el mismo lugar del inicio: sentado frente al teclado, entonando “Los dinosaurios”. Vino la primera rechifla, pero no para él: en la pantalla, los dinosaurios eran ilustrados por videos de los militares que encabezaron la dictadura militar trasandina. El recurso fue empleado durante todo el concierto y reflejó el gusto del propio argentino por el cine, con escenas de Psicosis y Toro salvaje, entre otras. También por recuerdos gráficos de sus propios desaguisados, incluyendo el video del increíble y preciso salto desde un noveno piso a una piscina en un hotel mendocino, en marzo de 2000.
En la segunda tanda, cinco canciones, un invitado -Billy Bond, otro pionero del rock argentino- y dos hit para el cierre: “Fanky” y, fuera de programación, “Nos siguen pegando abajo”. Telón nuevamente y ahora sí Charly ya no volvió. La fanaticada no aflojó, gritó contra Mauricio Macri -algo que se va haciendo hábito en eventos masivos en Argentina; el domingo ocurrió lo mismo en un recital de Fito Páez en el Luna Park- y en un emocionante rito estrenado en shows anteriores, cantó al aire y de corrido tres piezas del repertorio de Charly. Un Charly que prepara un nuevo disco y que está volviendo de a poco. Y por sorpresa.
Nuevo musical chileno revive las últimas horas de John Lennon
La Tercera
El actor Gabriel Urzúa interpretará al artista en el musical John, el último día de Lennon, dirigido por Natalia Grez y Pepa San Martín. Los tres hablan con La Tercera del montaje que estrenarán en junio.
Por Matías de la Maza
Gabriel Urzúa sabe lo que es meterse en la cabeza de John Lennon. El actor ya había interpretado al ex Beatle en el musical teatral Paul & John (2013), centrado en la relación del músico con su histórico compañero en los Beatles, Paul McCartney. Cinco años después, Urzúa -quien también ha dado vida a David Bowie en las tablas- volverá a interpretar a la voz de “Imagine”, en el nuevo musical de Cultura Capital, la compañía que ha liderado el revival del género en el teatro nacional (Cerati, nada personal, 80s el musical, Mercury, la leyenda).
Así, John, el último día de Lennon, se estrenará el 7 de junio en el Teatro Nescafé de las Artes, con funciones de jueves a domingo durante todo ese mes. Un musical -o como en Cultura Capital suelen decir, “concierto teatral”- que como dice el nombre, partirá desde el último día de vida del legendario músico, el 8 de diciembre de 1980, cuando es asesinado en Nueva York.
“Creo que fue hace un año más o menos que comenzó a gestarse esta idea de hacer Lennon, junto a nuestro productor, Francisco Olavarría. Yo diría que me convocó a mí primero, porque ya habíamos trabajado juntos en muchas ocasiones, incluyendo en la que se podría decir que es la precuela de esta obra, Paul & John”, explica Urzúa, agregando; “Ambos como fanáticos de Lennon nos propusimos hacer esta adaptación, esta vez en su faceta en solitario, enfocada en sus últimos días”.
A través de canciones como “Imagine”, “God”, “Mind games”, “Instant karma” y también el clásico de los Beatles “Come together”, entre otras, la historia muestra a un Lennon en sus últimas horas, siendo visitado por un amigo, Dave (Guilherme Sepulveda). Pero ese último día es el punto de partida para un viaje personal e íntimo del británico, en donde al darse cuenta que va a ser asesinado, rememora sus relaciones con algunas de las figuras más importantes de su vida: su madre, Julia (Carmen Gloria Bresky), su ex mujer, Cinthia (Adriana Stuven) y, por su puesto, su gran amor, Yoko Ono (Tamara Ferreira).
“Nosotros nos planteamos como punto de partida el viaje de la bala. Cómo sería ese momento en que un ser humano percibe que se acabará su vida, cómo será ese segundo de conciencia. Entonces él percibe distintos grados de realidad. Por un lado se encuentra con Yoko Ono, que tiene su relación muy humana y de piel, y por el otro su madre y su ex mujer, que las necesita para responderse ciertas cosas y cerrar ciertos temas”, explica Natalia Grez, co-directora del musical. “Hay otro personaje que interpreta Guilherme Sepúlveda, que de cierta forma es su conciencia, a ratos presentándose como amigo pero también como enemigo, y va mutando a lo largo de la obra. Él es que lo va empujando a una revelación”, agrega.
“En esta última etapa mostramos a un Lennon muy esperanzado, muy empoderado y además con energías para el futuro, pero siempre tiene esta idea de que algo va a pasar, que algo fuerte podría ocurrir”, dice Urzúa, continuando: “como siempre en estos proyectos, la dificultad era muy grande, pero también genial y desafiante. Esto es una versión más íntima de Lennon, por sobre una biografía propiamente tal. Creo que he podido trabajar desde la intimidad más pura. Yo tengo la sensación como en otros casos de lo que ha hecho con Cultura Capital, tenemos una experiencia que sorprende a los fanáticos. Me parece que verán algo estimulante al encontrarse con esta parte más personal de la historia de John Lennon, la conexión de su vida y la música”.
Del cine a las tablas
Grez, con una amplia experiencia dirigiendo musicales para Cultura Capital, no es la única mujer a cargo del regreso de Lennon a las tablas nacionales. La obra es co-dirigida junto a María José “Pepa” San Martín, la cineasta detrás de la premiada película Rara, que no sólo debuta en el género, sino que, como ella misma describe, en el teatro de forma profesional. “El teatro es algo que siempre me había llamado la atención. Había trabajado en mis inicios en obras de teatro, pero de una forma no profesional. La experiencia de tratar con los actores desde otro lugar creo que es algo enriquecedor”, dice la realizadora.
San Martín eso sí cuenta que habría dudado más de atreverse con un proyecto así si es que hubiera sido en solitario. “La Natalia me dio seguridad. Me he subido harto a su espalda, porque aquí el trabajo se vive desde otro lugar”, explica. “La dirección es a veces un lugar súper solitario. Creo que esto ha generado una mirada muy complementaria. Ella viene del mundo del cine y de las emociones humanas más desnudas, por decirlo así. Entonces creo que ese recorrido lo ha traído aquí. La visión del teatro es más general, yo me imagino desde el principio cómo será el todo”, explica Grez, quien bromea, “ahora espero que la Pepa me invite a co-dirigir una película”.
“Me gusta mucho el punto de vista que ambas le otorgan. Además por el filtro que te pueden dar dos directoras mujeres. Se complementan muy bien, porque por un lado la Nati trabaja el plano general y la Pepa lo más particular, entonces ha sido genial”, dice Urzúa.
A pesar de que el musical explora, en su mayoría, la relación de Lennon con sus mujeres, sus directoras son cautas ante la posibilidad de catalogar esta visión del ex Beatle como “desde lo femenino”. “Más que analizarlo desde lo femenino, buscamos un Lennon emocional, humanizado, tridimensional. Pero quiero alejarme de eso de que lo emocional es lo ‘femenino’. Hay emocionalidad tanto masculina como femenina. Muchos conocemos a los artistas desde una faceta más plástica. Esto es más personal, y para encontrar esa sensibilidad, había que enfrentarlo a las personas que más marcaron su vida”, dice San Martín.
Ambas realizadoras tienen además una visión sobre los casos de acoso y abuso sexual que han golpeado a la televisión y el mundo del entretenimiento la última semana. “Ojalá que lo tomemos como una búsqueda de calma para todos. Estos son espacios súper sensibles y súper humanos, y gente se ha confundido en los límites. Hay que entender que hay protocolos que no se pueden pasar, y no hay que ampararse en que esto se normalizó alguna vez. A mí me gusta que se haya corrido este velo”, dice Grez, con San Martín complementando: “Más que caigan las personas, creo que es importante que hablen las instituciones. Creo que son las instituciones las que tienen que decir cuál es el foco con el que podemos avanzar en esto, y me gustaría escuchar lo que tienen que decir”.
Las entradas para John, el último día de Lennon, se pueden adquirir en las boleterías del Teatro Nescafé de las Artes, o a través del sistema Ticketek.
El actor Gabriel Urzúa interpretará al artista en el musical John, el último día de Lennon, dirigido por Natalia Grez y Pepa San Martín. Los tres hablan con La Tercera del montaje que estrenarán en junio.
Por Matías de la Maza
Gabriel Urzúa sabe lo que es meterse en la cabeza de John Lennon. El actor ya había interpretado al ex Beatle en el musical teatral Paul & John (2013), centrado en la relación del músico con su histórico compañero en los Beatles, Paul McCartney. Cinco años después, Urzúa -quien también ha dado vida a David Bowie en las tablas- volverá a interpretar a la voz de “Imagine”, en el nuevo musical de Cultura Capital, la compañía que ha liderado el revival del género en el teatro nacional (Cerati, nada personal, 80s el musical, Mercury, la leyenda).
Así, John, el último día de Lennon, se estrenará el 7 de junio en el Teatro Nescafé de las Artes, con funciones de jueves a domingo durante todo ese mes. Un musical -o como en Cultura Capital suelen decir, “concierto teatral”- que como dice el nombre, partirá desde el último día de vida del legendario músico, el 8 de diciembre de 1980, cuando es asesinado en Nueva York.
“Creo que fue hace un año más o menos que comenzó a gestarse esta idea de hacer Lennon, junto a nuestro productor, Francisco Olavarría. Yo diría que me convocó a mí primero, porque ya habíamos trabajado juntos en muchas ocasiones, incluyendo en la que se podría decir que es la precuela de esta obra, Paul & John”, explica Urzúa, agregando; “Ambos como fanáticos de Lennon nos propusimos hacer esta adaptación, esta vez en su faceta en solitario, enfocada en sus últimos días”.
A través de canciones como “Imagine”, “God”, “Mind games”, “Instant karma” y también el clásico de los Beatles “Come together”, entre otras, la historia muestra a un Lennon en sus últimas horas, siendo visitado por un amigo, Dave (Guilherme Sepulveda). Pero ese último día es el punto de partida para un viaje personal e íntimo del británico, en donde al darse cuenta que va a ser asesinado, rememora sus relaciones con algunas de las figuras más importantes de su vida: su madre, Julia (Carmen Gloria Bresky), su ex mujer, Cinthia (Adriana Stuven) y, por su puesto, su gran amor, Yoko Ono (Tamara Ferreira).
“Nosotros nos planteamos como punto de partida el viaje de la bala. Cómo sería ese momento en que un ser humano percibe que se acabará su vida, cómo será ese segundo de conciencia. Entonces él percibe distintos grados de realidad. Por un lado se encuentra con Yoko Ono, que tiene su relación muy humana y de piel, y por el otro su madre y su ex mujer, que las necesita para responderse ciertas cosas y cerrar ciertos temas”, explica Natalia Grez, co-directora del musical. “Hay otro personaje que interpreta Guilherme Sepúlveda, que de cierta forma es su conciencia, a ratos presentándose como amigo pero también como enemigo, y va mutando a lo largo de la obra. Él es que lo va empujando a una revelación”, agrega.
“En esta última etapa mostramos a un Lennon muy esperanzado, muy empoderado y además con energías para el futuro, pero siempre tiene esta idea de que algo va a pasar, que algo fuerte podría ocurrir”, dice Urzúa, continuando: “como siempre en estos proyectos, la dificultad era muy grande, pero también genial y desafiante. Esto es una versión más íntima de Lennon, por sobre una biografía propiamente tal. Creo que he podido trabajar desde la intimidad más pura. Yo tengo la sensación como en otros casos de lo que ha hecho con Cultura Capital, tenemos una experiencia que sorprende a los fanáticos. Me parece que verán algo estimulante al encontrarse con esta parte más personal de la historia de John Lennon, la conexión de su vida y la música”.
Del cine a las tablas
Grez, con una amplia experiencia dirigiendo musicales para Cultura Capital, no es la única mujer a cargo del regreso de Lennon a las tablas nacionales. La obra es co-dirigida junto a María José “Pepa” San Martín, la cineasta detrás de la premiada película Rara, que no sólo debuta en el género, sino que, como ella misma describe, en el teatro de forma profesional. “El teatro es algo que siempre me había llamado la atención. Había trabajado en mis inicios en obras de teatro, pero de una forma no profesional. La experiencia de tratar con los actores desde otro lugar creo que es algo enriquecedor”, dice la realizadora.
San Martín eso sí cuenta que habría dudado más de atreverse con un proyecto así si es que hubiera sido en solitario. “La Natalia me dio seguridad. Me he subido harto a su espalda, porque aquí el trabajo se vive desde otro lugar”, explica. “La dirección es a veces un lugar súper solitario. Creo que esto ha generado una mirada muy complementaria. Ella viene del mundo del cine y de las emociones humanas más desnudas, por decirlo así. Entonces creo que ese recorrido lo ha traído aquí. La visión del teatro es más general, yo me imagino desde el principio cómo será el todo”, explica Grez, quien bromea, “ahora espero que la Pepa me invite a co-dirigir una película”.
“Me gusta mucho el punto de vista que ambas le otorgan. Además por el filtro que te pueden dar dos directoras mujeres. Se complementan muy bien, porque por un lado la Nati trabaja el plano general y la Pepa lo más particular, entonces ha sido genial”, dice Urzúa.
A pesar de que el musical explora, en su mayoría, la relación de Lennon con sus mujeres, sus directoras son cautas ante la posibilidad de catalogar esta visión del ex Beatle como “desde lo femenino”. “Más que analizarlo desde lo femenino, buscamos un Lennon emocional, humanizado, tridimensional. Pero quiero alejarme de eso de que lo emocional es lo ‘femenino’. Hay emocionalidad tanto masculina como femenina. Muchos conocemos a los artistas desde una faceta más plástica. Esto es más personal, y para encontrar esa sensibilidad, había que enfrentarlo a las personas que más marcaron su vida”, dice San Martín.
Ambas realizadoras tienen además una visión sobre los casos de acoso y abuso sexual que han golpeado a la televisión y el mundo del entretenimiento la última semana. “Ojalá que lo tomemos como una búsqueda de calma para todos. Estos son espacios súper sensibles y súper humanos, y gente se ha confundido en los límites. Hay que entender que hay protocolos que no se pueden pasar, y no hay que ampararse en que esto se normalizó alguna vez. A mí me gusta que se haya corrido este velo”, dice Grez, con San Martín complementando: “Más que caigan las personas, creo que es importante que hablen las instituciones. Creo que son las instituciones las que tienen que decir cuál es el foco con el que podemos avanzar en esto, y me gustaría escuchar lo que tienen que decir”.
Las entradas para John, el último día de Lennon, se pueden adquirir en las boleterías del Teatro Nescafé de las Artes, o a través del sistema Ticketek.
Música Pop: ¿Existe la receta para fabricar un hit mundial?
El Mercurio
En su libro "La fábrica de canciones", el escritor norteamericano John Seabrook recuerda a los grandes creadores en serie que ha tenido la música popular y se adentra en sus técnicas, tesis que los especialistas comparten, pero a la vez rebaten.
Por Sebastián Cerda
Cuenta John Seabrook, cronista del New Yorker, que el momento clave lo vivió en esa instancia privilegiada de exposición radial que representa un trayecto en automóvil, sobre todo cuando quien viaja en el asiento del copiloto es un hijo adolescente.
Entregado sin remedio al zapping de un menor en pleno período de vulnerabilidad ante los rankings , el norteamericano no pudo más que entregar sus oídos a la oferta disponible, y entonces reparó por primera vez en que todo aquello que escuchaba convergía en una característica común. "Las canciones del coche no eran conmovedoras baladas de cantautor, sino productos industriales destinados a centros comerciales, estadios, aeropuertos, casinos, gimnasios y el espectáculo de intermedio del Super Bowl", notó.
Imbuido en el ejercicio, el escritor comenzó a reconocer que ciertos principios, e incluso ciertas estructuras, se repetían de un tema a otro, en ciclos que más temprano que tarde terminaban por llevar de vuelta a sus oídos el mismo hit de hacía un rato. "Me armo de paciencia para escucharlo otra vez, pero cuando empieza, me siento extrañamente entusiasmado", dice.
No es casual: "La melodía y el ritmo están deliciosamente entrelazados, las bases producen vibraciones placenteras en el esternón, y los hooks aportan el equivalente espiritual de lo que los fabricantes de snacks llaman el punto de placer".
Todo ese proceso, su historia y sus protagonistas son los que Seabrook decidió estampar en el libro "La fábrica de canciones", que desde hace unos meses se encuentra disponible en librerías chilenas (Reservoir Books, $16.000), y que tal como sugiere su título se adentra en las factorías de éxitos en la música pop.
Porque, según el autor, hoy en día "los éxitos de radio vuelven a ser manufacturados por compositores profesionales", y él se encarga de identificarlos y de revelar parte de sus modus operandi . Como el mítico Denniz PoP, quien estuvo tras obras de Ace of Base, Dr. Alban, Backstreet Boys y Britney Spears, entre muchos otros, o su discípulo Max Martin, quien ha trabajado en casi todas las escenas juveniles desde los 90 hasta hoy.
Según Carlos Figueroa, director musical reconocido por su rol en el Festival de Viña del Mar y otros proyectos, ese tipo de producción en serie es absolutamente posible. "Esto hay que enmarcarlo dentro de un contexto sociocultural", dice, dando cuenta de la importancia que cada momento tiene en la estandarización de los gustos.
Incluso cuenta que a él mismo le tocó vivir a escala local esta manera de operar, durante su trabajo como sesionista a inicios de los 90: "En esa época se marcó un quiebre, y el pop empezó a tener patrones. Se veía lo que funcionaba y se decidía seguir haciéndolo, suponiendo que volvería a funcionar. Muchos productores nos entregaban una maqueta hecha, nos decían 'basémonos en este disco', y nos encargaban tocar de esa manera. Y funcionaba. La idea siempre es evocar sensaciones que te permitan acercarte a esa música".
La predestinación de un hit
Pero una cosa son las intenciones y otra son los resultados. Juan Andrés Ossandón cree que estos últimos tienen una cuota impredecible, y que son fruto de cierta sintonía entre compositor y audiencia, antes que de meter una lista de ingredientes a una licuadora.
"Creo que es profundamente barsa plantearse de antemano la posibilidad de hacer un hit. Efectivamente, hay personas que están más conectadas con lo que la gente quiere, más sintonizados con una especie de sentido común. Pero yo quiero creer que lo que hacen es algo genuino", dice.
En Chile, Ossandón sabe de números uno. Su firma está detrás de éxitos tan difundidos como "Hay un límite" (Aleste), "Mañana" (Myriam Hernández) y "Mi loco amor de verano" (Andrés de León), entre otros. Sin embargo, asegura que al momento de trabajar en esas canciones no estaba en su cabeza la posición que ocuparían en los rankings .
"Más bien me gusta conectarme con historias que terminen provocando cosas, y que algo de verdad puedan tener. Para mí la música pasa por ahí: Qué es lo que alguien que canta tiene que decir, y cómo una persona con cierta sensibilidad lo ayuda a canalizar eso, a conectarse más fácilmente con el público".
Gustavo "Guz" Pinochet también sabe de éxitos. Su nombre figura tras numerosos proyectos del siglo XXI, aunque sin dudas el más relevante de ellos fue Kudai, para quienes firmó singles como "Sin despertar", "Escapar", "Ya nada queda" y "Déjame gritar".
Desde su perspectiva, es posible componer con el objetivo claro de sonar en las radios o formar parte de una escena bullente, aunque de ahí a que la apuesta resulte exista un largo trecho. "Cada compositor es diferente en sus propósitos, y dependiendo del momento, las circunstancias o los requisitos de la producción, puede componer para fluir o buscando un efecto determinado. Y a veces se puede dar", afirma.
El factor magia
Si alguien decide enfrascarse en la tarea de componer un hit, hay ciertas cosas que debería tener en cuenta, aunque para John Seabrook existe una estructura primordial que se antepone a cualquier otra: el hook , término cuya traducción literal es gancho o anzuelo.
Este segmento, de acuerdo con "La fábrica de canciones", correspondería a "una frase corta cantada, que atrapa el ritmo con garras melódicas y se eleva hacia las alturas. Las canciones están plagadas de hooks , elaborados con meticulosidad para activar en el cerebro el placer de la melodía, el ritmo y la repetición".
"Los hits siempre tienen un hook corto, un golpe fuerte de estribillo con una frase que se te queda pegada", concuerda Pinochet, mientras que Ossandón matiza especificando que estos ganchos, antes que una técnica aplicable sin más, son "un gran intangible que la canción tiene o no tiene. No son como una corchea o un compás, sino algo intuitivo".
Para este compositor, en cambio, un lugar más preponderante vendrían a ocuparlo "las letras, que lo que digas pegue en un lugar sensible a la mayoría de la gente", junto con "el groove , el ritmo", arena que en este momento está monopolizada por la música dance y urbana.
Pero más allá de todo eso, asegura Guz, está algo que él llama simplemente "magia". Ahí radica "lo bonito de la música: que a pesar de que puedas seguir ciertos tips, hay una cosa misteriosa, que no sabemos cuál es, que hace que una canción pueda ser un hit. A veces lo buscas y no resulta, y otras veces te resulta sin haberlo buscado. Hay cosas comunes que las canciones pueden tener, puede haber un hook muy pegadizo, pero también es cierto que no por tenerlo será un hit. Tiene que estar esa magia, de lo contrario esto sería simplemente una fórmula y cualquiera podría hacer éxitos".
Y quienes lo logran, sabemos, son solo unos pocos.
El paradigma "Despacito"
Si de hits se trata, la temporada 2017 dejó para la historia un caso paradigmático: "Despacito", la omnipresente canción que igualó el récord histórico del Billboard (16 semanas en el número uno), pulverizó los registros de YouTube (suma más de cinco mil millones de reproducciones) y fue reinterpretada en infinidad de idiomas y estilos. Según Juan Andrés Ossandón, se trata "una muy buena canción, bien armada, bien construida, sólida, con códigos románticos enchapados en reggaetón", algo con lo que concuerda Carlos Figueroa, quien la define como "un reggaetón más melódico, con una letra coqueta, pero que no alcanza a ser subida de tono". Gustavo Pinochet, en tanto, especifica que "tiene varias cosas llamativas"; entre ellas, una estructura rupturista y poco tradicional, con dos coros y un arreglo que cambia constantemente, lo que permite "que uno se vaya manteniendo entretenido". Pero lo más importante de todo, asegura, "es que tiene magia".
Un ejemplo local
En 2015, Chile se alistaba para recibir en sus canchas la disputa por la Copa América, torneo que contó con un himno firmado por Noche de Brujas. Según decía el grupo entonces, la canción "Al sur del mundo" fue hecha tras un acabado estudio de hits mundialeros como los de Ricky Martin y Shakira, lo que dio como resultado una pieza carnavalesca, que arrancaba con un sonoro "la la la", y que incluía desde fraseos de inspiración reggaetonera hasta sonidos propios de la EDM. "Es una mezcla de lo que está sonando, el pop latino de Pitbull, una percusión muy latina" y un coro "bien pegote", explicaba Héctor "Kanela" Muñoz. "En una sola pasada, la canción ya te enganchó", prometía. El tema contó con la amplificación natural dada por el torneo, pero lo cierto es que una vez terminada la ceremonia final, su impacto se extinguió.
En su libro "La fábrica de canciones", el escritor norteamericano John Seabrook recuerda a los grandes creadores en serie que ha tenido la música popular y se adentra en sus técnicas, tesis que los especialistas comparten, pero a la vez rebaten.
Por Sebastián Cerda
Cuenta John Seabrook, cronista del New Yorker, que el momento clave lo vivió en esa instancia privilegiada de exposición radial que representa un trayecto en automóvil, sobre todo cuando quien viaja en el asiento del copiloto es un hijo adolescente.
Entregado sin remedio al zapping de un menor en pleno período de vulnerabilidad ante los rankings , el norteamericano no pudo más que entregar sus oídos a la oferta disponible, y entonces reparó por primera vez en que todo aquello que escuchaba convergía en una característica común. "Las canciones del coche no eran conmovedoras baladas de cantautor, sino productos industriales destinados a centros comerciales, estadios, aeropuertos, casinos, gimnasios y el espectáculo de intermedio del Super Bowl", notó.
Imbuido en el ejercicio, el escritor comenzó a reconocer que ciertos principios, e incluso ciertas estructuras, se repetían de un tema a otro, en ciclos que más temprano que tarde terminaban por llevar de vuelta a sus oídos el mismo hit de hacía un rato. "Me armo de paciencia para escucharlo otra vez, pero cuando empieza, me siento extrañamente entusiasmado", dice.
No es casual: "La melodía y el ritmo están deliciosamente entrelazados, las bases producen vibraciones placenteras en el esternón, y los hooks aportan el equivalente espiritual de lo que los fabricantes de snacks llaman el punto de placer".
Todo ese proceso, su historia y sus protagonistas son los que Seabrook decidió estampar en el libro "La fábrica de canciones", que desde hace unos meses se encuentra disponible en librerías chilenas (Reservoir Books, $16.000), y que tal como sugiere su título se adentra en las factorías de éxitos en la música pop.
Porque, según el autor, hoy en día "los éxitos de radio vuelven a ser manufacturados por compositores profesionales", y él se encarga de identificarlos y de revelar parte de sus modus operandi . Como el mítico Denniz PoP, quien estuvo tras obras de Ace of Base, Dr. Alban, Backstreet Boys y Britney Spears, entre muchos otros, o su discípulo Max Martin, quien ha trabajado en casi todas las escenas juveniles desde los 90 hasta hoy.
Según Carlos Figueroa, director musical reconocido por su rol en el Festival de Viña del Mar y otros proyectos, ese tipo de producción en serie es absolutamente posible. "Esto hay que enmarcarlo dentro de un contexto sociocultural", dice, dando cuenta de la importancia que cada momento tiene en la estandarización de los gustos.
Incluso cuenta que a él mismo le tocó vivir a escala local esta manera de operar, durante su trabajo como sesionista a inicios de los 90: "En esa época se marcó un quiebre, y el pop empezó a tener patrones. Se veía lo que funcionaba y se decidía seguir haciéndolo, suponiendo que volvería a funcionar. Muchos productores nos entregaban una maqueta hecha, nos decían 'basémonos en este disco', y nos encargaban tocar de esa manera. Y funcionaba. La idea siempre es evocar sensaciones que te permitan acercarte a esa música".
La predestinación de un hit
Pero una cosa son las intenciones y otra son los resultados. Juan Andrés Ossandón cree que estos últimos tienen una cuota impredecible, y que son fruto de cierta sintonía entre compositor y audiencia, antes que de meter una lista de ingredientes a una licuadora.
"Creo que es profundamente barsa plantearse de antemano la posibilidad de hacer un hit. Efectivamente, hay personas que están más conectadas con lo que la gente quiere, más sintonizados con una especie de sentido común. Pero yo quiero creer que lo que hacen es algo genuino", dice.
En Chile, Ossandón sabe de números uno. Su firma está detrás de éxitos tan difundidos como "Hay un límite" (Aleste), "Mañana" (Myriam Hernández) y "Mi loco amor de verano" (Andrés de León), entre otros. Sin embargo, asegura que al momento de trabajar en esas canciones no estaba en su cabeza la posición que ocuparían en los rankings .
"Más bien me gusta conectarme con historias que terminen provocando cosas, y que algo de verdad puedan tener. Para mí la música pasa por ahí: Qué es lo que alguien que canta tiene que decir, y cómo una persona con cierta sensibilidad lo ayuda a canalizar eso, a conectarse más fácilmente con el público".
Gustavo "Guz" Pinochet también sabe de éxitos. Su nombre figura tras numerosos proyectos del siglo XXI, aunque sin dudas el más relevante de ellos fue Kudai, para quienes firmó singles como "Sin despertar", "Escapar", "Ya nada queda" y "Déjame gritar".
Desde su perspectiva, es posible componer con el objetivo claro de sonar en las radios o formar parte de una escena bullente, aunque de ahí a que la apuesta resulte exista un largo trecho. "Cada compositor es diferente en sus propósitos, y dependiendo del momento, las circunstancias o los requisitos de la producción, puede componer para fluir o buscando un efecto determinado. Y a veces se puede dar", afirma.
El factor magia
Si alguien decide enfrascarse en la tarea de componer un hit, hay ciertas cosas que debería tener en cuenta, aunque para John Seabrook existe una estructura primordial que se antepone a cualquier otra: el hook , término cuya traducción literal es gancho o anzuelo.
Este segmento, de acuerdo con "La fábrica de canciones", correspondería a "una frase corta cantada, que atrapa el ritmo con garras melódicas y se eleva hacia las alturas. Las canciones están plagadas de hooks , elaborados con meticulosidad para activar en el cerebro el placer de la melodía, el ritmo y la repetición".
"Los hits siempre tienen un hook corto, un golpe fuerte de estribillo con una frase que se te queda pegada", concuerda Pinochet, mientras que Ossandón matiza especificando que estos ganchos, antes que una técnica aplicable sin más, son "un gran intangible que la canción tiene o no tiene. No son como una corchea o un compás, sino algo intuitivo".
Para este compositor, en cambio, un lugar más preponderante vendrían a ocuparlo "las letras, que lo que digas pegue en un lugar sensible a la mayoría de la gente", junto con "el groove , el ritmo", arena que en este momento está monopolizada por la música dance y urbana.
Pero más allá de todo eso, asegura Guz, está algo que él llama simplemente "magia". Ahí radica "lo bonito de la música: que a pesar de que puedas seguir ciertos tips, hay una cosa misteriosa, que no sabemos cuál es, que hace que una canción pueda ser un hit. A veces lo buscas y no resulta, y otras veces te resulta sin haberlo buscado. Hay cosas comunes que las canciones pueden tener, puede haber un hook muy pegadizo, pero también es cierto que no por tenerlo será un hit. Tiene que estar esa magia, de lo contrario esto sería simplemente una fórmula y cualquiera podría hacer éxitos".
Y quienes lo logran, sabemos, son solo unos pocos.
El paradigma "Despacito"
Si de hits se trata, la temporada 2017 dejó para la historia un caso paradigmático: "Despacito", la omnipresente canción que igualó el récord histórico del Billboard (16 semanas en el número uno), pulverizó los registros de YouTube (suma más de cinco mil millones de reproducciones) y fue reinterpretada en infinidad de idiomas y estilos. Según Juan Andrés Ossandón, se trata "una muy buena canción, bien armada, bien construida, sólida, con códigos románticos enchapados en reggaetón", algo con lo que concuerda Carlos Figueroa, quien la define como "un reggaetón más melódico, con una letra coqueta, pero que no alcanza a ser subida de tono". Gustavo Pinochet, en tanto, especifica que "tiene varias cosas llamativas"; entre ellas, una estructura rupturista y poco tradicional, con dos coros y un arreglo que cambia constantemente, lo que permite "que uno se vaya manteniendo entretenido". Pero lo más importante de todo, asegura, "es que tiene magia".
Un ejemplo local
En 2015, Chile se alistaba para recibir en sus canchas la disputa por la Copa América, torneo que contó con un himno firmado por Noche de Brujas. Según decía el grupo entonces, la canción "Al sur del mundo" fue hecha tras un acabado estudio de hits mundialeros como los de Ricky Martin y Shakira, lo que dio como resultado una pieza carnavalesca, que arrancaba con un sonoro "la la la", y que incluía desde fraseos de inspiración reggaetonera hasta sonidos propios de la EDM. "Es una mezcla de lo que está sonando, el pop latino de Pitbull, una percusión muy latina" y un coro "bien pegote", explicaba Héctor "Kanela" Muñoz. "En una sola pasada, la canción ya te enganchó", prometía. El tema contó con la amplificación natural dada por el torneo, pero lo cierto es que una vez terminada la ceremonia final, su impacto se extinguió.
¿Qué monstruo tiene adentro el Otello de Jonas Kaufmann?
El Mercurio
Por Juan Antonio Muñoz H.
El "Otello" (Verdi) de Jonas Kaufmann -que Sony lanza en DVD y Blu-ray el viernes 11 de mayo- no se parece a ningún otro. En su estreno en Londres en junio de 2017, algunos dijeron que se parecía al de Jon Vickers y otros, al de Ramón Vinay. No es así. También hubo quienes opinaron que Kaufmann no era Otello, mientras otros lo declararon "el Otello de la nueva era". Muchos gritaron hasta quedar afónicos al término de las representaciones y otros se sintieron decepcionados. El hecho es que, ya para aplaudir, ya para discrepar, todos querían ver el Moro de Venecia del gran tenor alemán. Las reacciones fueron diversas, pero se constató algo que sucede pocas veces en la ópera: Kaufmann fue capaz de hacer del personaje algo propio, que no se parece a nada conocido y que, por lo mismo, se vuelve incomparable.
Su Otello es, primero, mucho más un amante y un hombre fácilmente manipulable que un héroe guerrero feroz. Tal condición de general triunfante comienza y termina con su "Esultate!", pues desde entonces Jonas Kaufmann -que retoma el rol en vivo en noviembre de este año, en Múnich- desarrolla un personaje dubitativo hasta la debilidad, incómodo en el ejercicio del mando político y nada a gusto entre la soldadesca. Se diría que proyecta al moro como un sujeto que teme incluso no cumplir sexualmente con su mujer, una idea que termina por hacer más comprensible su furia asesina posterior, con el matrimonio ya consumado.
La famosa "gloria de Otello" es un triunfo externo que no tiene correlato con lo que el moro cree o siente de sí mismo, un menoscabo quizás social o de origen -¿racial?- que le tiene quebrada la mente y el alma. No tanto así los celos, en cambio. A eso se suma esa insistencia tan rara de que Desdémona lo ama a él por sus desventuras y que él la ama a ella por su piedad: en efecto, curiosos principios (shakesperianos) para basar una relación amorosa.
La tormenta con que parte la ópera es una extrapolación de aquello que vive el Otello de Kaufmann puertas adentro. El éxito bélico, popular, no le alcanza a su moro para aniquilar el monstruo que tiene adentro y que no lo deja vivir. Es sintomática -y brillante- la idea del director de escena Keith Warner cuando hace emerger a Otello desde el fondo de la tierra para proclamar su victoria justo en el momento en que aparece desde arriba la figura de Desdémona, inalcanzable: es a ella a quien él canta su victoria y no al pueblo. Le está diciendo "Yo puedo hacerlo", en suma.
El dúo con Desdémona del primer acto fue magistral en la voz oscura de Kaufmann, incluido el La en pianissimo en "Verene splende". Su actuación fue un continuo avance, con cumbres en la insistencia contumaz por la búsqueda del pañuelo; en el monólogo "Dio! mi potevi scagliar", un prodigio de fraseo y construcción durante el cual la autoridad aristocrática del moro, acentuada por la magnífica presencia física del tenor, se ve penetrada por una creciente e incontrolable rabia, y en la escena del asesinato y el posterior suicidio, donde la riqueza de su media voz y su entrega se tradujeron en un estado de emoción que raptó a toda la sala de Covent Garden.
Penetración psicológica y moro sin betún
Estuvo bien la soprano María Agresta, cuya voz ha crecido y que al parecer aún no puede controlar del todo su volumen vocal para abordar las líneas más íntimas. Su Desdémona es inocente, pero no frágil. Lamentablemente, Ludovic Tézier canceló su debut como Yago, porque habría sido un complemento perfecto para el complejo diseño del Otello de Kaufmann; se contó con el barítono italiano Marco Vratogna, que es un cantante eficiente de voz ingrata, que no alcanza a exponer las mil caras de este demonio que dice estar constituido por el mal.
Keith Warner -que tuvo la buena idea de no teñir con betún al protagonista- pensó el escenario como una suerte de tenebrosa caja negra que, en cierta medida, "encarna" la oscuridad de la mente del protagonista, con la luz entrando apenas a través de pequeñas ventanas y colándose por murallas de arabescos metálicos. Con virtual austeridad, Warner elaboró un cuadro de gran penetración psicológica, acentuando los claroscuros y un mundo de sombras donde predominan el negro, el rojo y el azul crepúsculo; el cielo del dúo de amor del primer acto tiene una nueva oportunidad expresiva en la bata de noche que lleva Otello en la escena del asesinato (sugerente idea, hay que decirlo).
Con recuerdos de las imágenes del cine de Murnau y referencias al teatro expresionista y al mundo mental del "Othello" de Orson Welles, la puesta utiliza el blanco solo para Desdémona y para la corte veneciana en el tercer acto. La misma que hace su entrada en el momento más inapropiado, aplastando con su opulencia antropológica y estatuaria -de gobierno, de clase- lo poco que ya quedaba del vitoreado moro. Se produce entonces una suerte de golpe de luz que enceguece a Otello de manera terminal.
Se contó con la presencia en el podio del maestro Antonio Pappano. Desde su tormenta inicial hasta los acordes morendo de los últimos compases, la orquesta permitió escuchar las mil capas de esta obra maestra y cientos de detalles en general inadvertidos -como esos contrabajos en solitario durante el último acto- que dan cuenta de un espeso bullir de almas que caminan hacia la condena de manera inevitable.
Álvaro Henríquez evoluciona favorablemente
Ayer se dio a conocer que el estado de salud del líder de Los Tres ha evolucionado de manera positiva tras el trasplante de hígado al que fue sometido el martes pasado. El cantante se mantiene en la Unidad de Cuidados Intensivos de la Clínica Las Condes, pero ya fue desconectado del ventilador mecánico que lo ayudaba a respirar, aunque sigue inconsciente.
Tres temporadas en una: parte la música en la U. San Sebastián
El Mercurio
Este año habrá de todo : invitados internacionales, música barroca con la Orquesta Nuevo Mundo y relecturas de Gershwin y de Fernando Milagros con el Ensamble MusicActual.
Por Romina de la Sotta Donoso
La temporada de la Universidad San Sebastián (USS) vuelve a exhibir un carácter singular, pues reunirá tres ciclos diversos a lo largo del año. En uno habrá intérpretes extranjeros, y los otros dos se dedicarán a la música barroca y al crossover, respectivamente.
En total, serán 11 conciertos gratuitos, a las 19 horas, en el auditorio de la USS, en Bellavista 77. "Como además nos planteamos construir nuevas audiencias, siempre duran una hora", explica Sebastián Errázuriz, director musical de la USS.
El Sexteto Mayor del Tango, que lidera Horacio Romo, abrirá el ciclo internacional mañana. "Recorrerán los grandes hits del tango, con una formación muy tradicional que tiene dos bandoneones, dos violines, piano y contrabajo", apunta Errázuriz.
Los otros dos recitales del ciclo los darán intérpretes rusos: la pianista Eleonora Karpukhova, ganadora del concurso "Dr. Luis Sigall" 2002; el virtuoso violinista Denis Kolobov, que vive hace 20 años en Chile, y el chelista Pavel Gomziakov.
En paralelo, los dos conjuntos residentes de la USS protagonizarán los otros dos ciclos.
Cuatro conciertos dará la Orquesta Barroca Nuevo Mundo, partiendo el 12 de mayo con el emblemático Réquiem de Tomás Luis de Victoria. Más adelante abordarán el Barroco italiano, y también dos Conciertos Brandenburgueses de Bach y la "Música del agua", de Haendel, con la dirección del concertino Raúl Orellana.
"Esta orquesta está muy consolidada gracias a su interpretación históricamente informada, y será un aporte la combinación que harán de piezas desconocidas y famosas", dice Errázuriz.
Tercer ciclo
El conjunto propio de Errázuriz, el Ensamble MusicActual, estará a cargo de otros cuatro conciertos. Integrado por cuarteto de cuerdas, cuarteto de maderas y una sección rítmica de big band -dos percusionistas, contrabajo y guitarra- lo integran 12 músicos. "El año pasado encontramos al guitarrista y al contrabajista que necesitábamos, que pueden pasar de la partitura clásica y de la ópera al rock y al bolero. Logramos la sonoridad que buscábamos, que permite hacer la síntesis entre el mundo popular y el clásico", cuenta Errázuriz.
El 9 de junio ofrecerán arreglos de canciones chilenas "inmortales", desde Francisco Flores del Campo hasta Joe Vasconcellos, pasando por Buddy Richard y Congreso, con tres voces muy distintas: Soledad del Río y Verónica Soffia, del pop, y el tenor Gonzalo Cuadra, cotizado intérprete de música antigua. "El aporte que él hace es enorme en este estilo; hace una entrega de gran color, y además le devuelve a la música popular la figura del crooner , que eran cantantes muy buenos, capaces de hacer todas las notas y no solo la mitad", ríe Errázuriz.
Los otros tres programas serán estrenos. En agosto trabajarán con arreglos de los catálogos de Natalia Contesse y Nicole Bunout. "Dos cantautoras vocalmente consistentes, una que tiene más experiencia y viene del folclor, y la otra emergente y del jazz", apunta Errázuriz.
En octubre estrenarán los arreglos del compositor Sebastián Vergara sobre la obra de Fernando Milagros, quien según Errázuriz, "hizo un trabajo muy bartokiano, recabando música folclórica en terreno para luego madurarla y producir una fusión que tiene estética propia y un sonido muy andino, pero no de zampoña y huayno".
Igualmente celebrarán los 120 años de George Gershwin, con arreglos instrumentales que le encargaron a Felipe Riveros. "Gershwin saltó de la balada a la ópera, los musicales y la rapsodia sinfónica. Cruzó los mundos y produjo el sonido propio de la música norteamericana", apunta Errázuriz.
Programación en Uss.cl.
Este año habrá de todo : invitados internacionales, música barroca con la Orquesta Nuevo Mundo y relecturas de Gershwin y de Fernando Milagros con el Ensamble MusicActual.
Por Romina de la Sotta Donoso
La temporada de la Universidad San Sebastián (USS) vuelve a exhibir un carácter singular, pues reunirá tres ciclos diversos a lo largo del año. En uno habrá intérpretes extranjeros, y los otros dos se dedicarán a la música barroca y al crossover, respectivamente.
En total, serán 11 conciertos gratuitos, a las 19 horas, en el auditorio de la USS, en Bellavista 77. "Como además nos planteamos construir nuevas audiencias, siempre duran una hora", explica Sebastián Errázuriz, director musical de la USS.
El Sexteto Mayor del Tango, que lidera Horacio Romo, abrirá el ciclo internacional mañana. "Recorrerán los grandes hits del tango, con una formación muy tradicional que tiene dos bandoneones, dos violines, piano y contrabajo", apunta Errázuriz.
Los otros dos recitales del ciclo los darán intérpretes rusos: la pianista Eleonora Karpukhova, ganadora del concurso "Dr. Luis Sigall" 2002; el virtuoso violinista Denis Kolobov, que vive hace 20 años en Chile, y el chelista Pavel Gomziakov.
En paralelo, los dos conjuntos residentes de la USS protagonizarán los otros dos ciclos.
Cuatro conciertos dará la Orquesta Barroca Nuevo Mundo, partiendo el 12 de mayo con el emblemático Réquiem de Tomás Luis de Victoria. Más adelante abordarán el Barroco italiano, y también dos Conciertos Brandenburgueses de Bach y la "Música del agua", de Haendel, con la dirección del concertino Raúl Orellana.
"Esta orquesta está muy consolidada gracias a su interpretación históricamente informada, y será un aporte la combinación que harán de piezas desconocidas y famosas", dice Errázuriz.
Tercer ciclo
El conjunto propio de Errázuriz, el Ensamble MusicActual, estará a cargo de otros cuatro conciertos. Integrado por cuarteto de cuerdas, cuarteto de maderas y una sección rítmica de big band -dos percusionistas, contrabajo y guitarra- lo integran 12 músicos. "El año pasado encontramos al guitarrista y al contrabajista que necesitábamos, que pueden pasar de la partitura clásica y de la ópera al rock y al bolero. Logramos la sonoridad que buscábamos, que permite hacer la síntesis entre el mundo popular y el clásico", cuenta Errázuriz.
El 9 de junio ofrecerán arreglos de canciones chilenas "inmortales", desde Francisco Flores del Campo hasta Joe Vasconcellos, pasando por Buddy Richard y Congreso, con tres voces muy distintas: Soledad del Río y Verónica Soffia, del pop, y el tenor Gonzalo Cuadra, cotizado intérprete de música antigua. "El aporte que él hace es enorme en este estilo; hace una entrega de gran color, y además le devuelve a la música popular la figura del crooner , que eran cantantes muy buenos, capaces de hacer todas las notas y no solo la mitad", ríe Errázuriz.
Los otros tres programas serán estrenos. En agosto trabajarán con arreglos de los catálogos de Natalia Contesse y Nicole Bunout. "Dos cantautoras vocalmente consistentes, una que tiene más experiencia y viene del folclor, y la otra emergente y del jazz", apunta Errázuriz.
En octubre estrenarán los arreglos del compositor Sebastián Vergara sobre la obra de Fernando Milagros, quien según Errázuriz, "hizo un trabajo muy bartokiano, recabando música folclórica en terreno para luego madurarla y producir una fusión que tiene estética propia y un sonido muy andino, pero no de zampoña y huayno".
Igualmente celebrarán los 120 años de George Gershwin, con arreglos instrumentales que le encargaron a Felipe Riveros. "Gershwin saltó de la balada a la ópera, los musicales y la rapsodia sinfónica. Cruzó los mundos y produjo el sonido propio de la música norteamericana", apunta Errázuriz.
Programación en Uss.cl.
viernes, mayo 04, 2018
Los Amigos Invisibles: "En Venezuela, durante mucho tiempo recibimos inmigrantes"
El Mercurio
La banda habla de la gran colonia de compatriotas que vive en Chile. Hoy los artistas de ese país se toman la cartelera local con música, teatro y humor.
Por José Vásquez
José Rafael Torres, el bajista de Los Amigos Invisibles, hace memoria histórica y termina la frase con una ironía demasiado ajustada al presente: "En Venezuela, durante mucho tiempo recibimos inmigrantes de toda Sudamérica, y ahora estamos cobrándoles el recibo", cuenta al teléfono desde Ciudad de México, donde reside, antes de un nuevo viaje a la capital.
El músico vendrá con su banda para una presentación inédita junto a sus compatriotas de Desorden Público, el próximo 2 de junio, en La Cúpula Multiespacio, una fecha que se promociona como "una fiesta venezolana", que suma al DJ Rui y una barra de bebidas y comidas típicas de su país.
"Sé que en Chile hay una diáspora venezolana bien grande de gente que llega allá a diario buscando un mejor futuro, porque hoy en nuestro país no hay opción para eso", cuenta Torres, quien, consultado por las nuevas políticas chilenas para obtener una visa de residencia, dice: "Entiendo los contextos y que cuando mucha gente de un país se comienza a ir a otro se van a poner más duros. Me parece lamentable, pero, al mismo tiempo, inevitable, aunque sea de la idea de que la inmigración es un proceso humano ancestral que existe desde el inicio de los tiempos".
En cartelera
En 2017 se otorgaron 73 mil visas para inmigrantes provenientes de Venezuela, una cifra en aumento y que los ubica como la nación que más ha crecido en Chile en el último año, junto con los haitianos, y donde la mayoría (el 43,5%) son jóvenes de entre 15 y 29 años, según datos del Departamento de Extranjería y Migración del Ministerio del Interior.
Esta nueva realidad social ha tenido una repercusión importante en la cartelera de espectáculos no solo en el apartado musical, sino que también en el teatro y el humor. Mañana hay panoramas por partida doble: mientras en el Club Chocolate debutará en suelo nacional el dúo SanLuis, en el Teatro Teletón habrá una función de la obra "Orgasmos", protagonizada por Norkys Batista.
Ricardo Montaner regresará el 21 de julio al Movistar Arena y el 30 y 31 de agosto llegará el stand up de George Harris, quien ya agotó la primera de sus dos presentaciones en La Cúpula Multiespacio.
La banda habla de la gran colonia de compatriotas que vive en Chile. Hoy los artistas de ese país se toman la cartelera local con música, teatro y humor.
Por José Vásquez
José Rafael Torres, el bajista de Los Amigos Invisibles, hace memoria histórica y termina la frase con una ironía demasiado ajustada al presente: "En Venezuela, durante mucho tiempo recibimos inmigrantes de toda Sudamérica, y ahora estamos cobrándoles el recibo", cuenta al teléfono desde Ciudad de México, donde reside, antes de un nuevo viaje a la capital.
El músico vendrá con su banda para una presentación inédita junto a sus compatriotas de Desorden Público, el próximo 2 de junio, en La Cúpula Multiespacio, una fecha que se promociona como "una fiesta venezolana", que suma al DJ Rui y una barra de bebidas y comidas típicas de su país.
"Sé que en Chile hay una diáspora venezolana bien grande de gente que llega allá a diario buscando un mejor futuro, porque hoy en nuestro país no hay opción para eso", cuenta Torres, quien, consultado por las nuevas políticas chilenas para obtener una visa de residencia, dice: "Entiendo los contextos y que cuando mucha gente de un país se comienza a ir a otro se van a poner más duros. Me parece lamentable, pero, al mismo tiempo, inevitable, aunque sea de la idea de que la inmigración es un proceso humano ancestral que existe desde el inicio de los tiempos".
En cartelera
En 2017 se otorgaron 73 mil visas para inmigrantes provenientes de Venezuela, una cifra en aumento y que los ubica como la nación que más ha crecido en Chile en el último año, junto con los haitianos, y donde la mayoría (el 43,5%) son jóvenes de entre 15 y 29 años, según datos del Departamento de Extranjería y Migración del Ministerio del Interior.
Esta nueva realidad social ha tenido una repercusión importante en la cartelera de espectáculos no solo en el apartado musical, sino que también en el teatro y el humor. Mañana hay panoramas por partida doble: mientras en el Club Chocolate debutará en suelo nacional el dúo SanLuis, en el Teatro Teletón habrá una función de la obra "Orgasmos", protagonizada por Norkys Batista.
Ricardo Montaner regresará el 21 de julio al Movistar Arena y el 30 y 31 de agosto llegará el stand up de George Harris, quien ya agotó la primera de sus dos presentaciones en La Cúpula Multiespacio.
Familiares y músicos despidieron a Max Berrú
En el cementerio Parque del Recuerdo se realizaron ayer los funerales del fundador de Inti-Illimani, quien falleció el martes pasado por un cáncer a la médula ósea. En la ocasión, integrantes del grupo efectuaron un tributo musical a Berrú.
Primeros resultados de Spotify tras aterrizar en Wall Street decepcionan
El Mercurio
Hasta un 8% llegaron a caer las acciones de Spotify este jueves luego de su primera entrega de resultados como empresa cotizada.
La firma más popular de streaming de música informó a sus inversionistas que durante los tres primeros meses del año los ingresos de la compañía alcanzaron los US$ 1.368 millones, mientras que el número de usuarios y suscriptores pagados del servicio llegarían a 170 millones y 75 millones, respectivamente.
Sin embargo, la inquietud de los analistas no está en estos números, sino que en los correspondientes al periodo entre abril y junio, dado que la compañía de origen sueco estimó los ingresos entre 1.320 millones y 1.560 millones de dólares, cifras que no dejaron conformes a los inversionistas, haciendo que finalmente los títulos de la firma cayeran 5,66% en la jornada, cerrando en US$ 160.
Hasta un 8% llegaron a caer las acciones de Spotify este jueves luego de su primera entrega de resultados como empresa cotizada.
La firma más popular de streaming de música informó a sus inversionistas que durante los tres primeros meses del año los ingresos de la compañía alcanzaron los US$ 1.368 millones, mientras que el número de usuarios y suscriptores pagados del servicio llegarían a 170 millones y 75 millones, respectivamente.
Sin embargo, la inquietud de los analistas no está en estos números, sino que en los correspondientes al periodo entre abril y junio, dado que la compañía de origen sueco estimó los ingresos entre 1.320 millones y 1.560 millones de dólares, cifras que no dejaron conformes a los inversionistas, haciendo que finalmente los títulos de la firma cayeran 5,66% en la jornada, cerrando en US$ 160.
jueves, mayo 03, 2018
Lanzarán disco de Jorge González con covers de temas anglo
El Mercurio
Incluirá grabaciones que el ex líder de Los Prisioneros hizo hace un tiempo versionando a Depeche Mode, Madonna y Bee Gees. Además, publicará un libro de cuentos y una producción de música electrónica.
Por Raimundo Flores s.
El accidente cerebrovascular que sufrió en 2015 cambió para siempre la carrera de Jorge González. Aun así, ya retirado de los escenarios y con la imposibilidad de tocar varios instrumentos con normalidad, el cantante se las arregla para conservar su vigencia en la música chilena a punta de la publicación de material de archivo y también de trabajos inéditos que ha estado desarrollando en el último tiempo.
Para fines de mes está previsto el lanzamiento de "Manchitas", disco de música electrónica que grabó entre enero y febrero pasados. Definido por sus cercanos como un disco de "ambient y chill out", este trabajo será el reflejo de las nuevas fórmulas que ha buscado González para seguir creando música después del accidente y también marca su reencuentro con la electrónica, género en el que incursionó en varios trabajos desde la década de los 90.
Luego, el próximo mes, se publicaría el primer libro de cuentos de González, formado por 27 historias que tendrán en común que todas tendrán a gatos como protagonistas. "La forma de escribir de Jorge es la forma de hablar que tiene. No existe una narrativa distinta al momento de escribir, es como la forma que tiene Jorge para desarrollar y escribir una canción", adelanta su hermano Marco, quien también participó en el texto como autor de las fotos que lo ilustrarán.
Después de la publicación de "Manchitas" y del libro, se editará un disco doble que tiene el título tentativo de "Berlín" y que recopilará diversos covers que grabó González en la etapa en que vivió en la capital alemana, entre 2011 y 2015. La lista de canciones estará conformada, entre otras, por "Sister of night", de Depeche Mode; "Jesus to a child", de George Michael; "Take a bow", de Madonna; "Telephone line", de Electric Light Orchestra; "Easy", de Lionel Richie, y "Reaching out" y "To love somebody", de Bee Gees.
Pese a que hay varias de estas versiones ya disponibles en internet a través de videos caseros que el mismo González grabó y compartió por esos años, este trabajo tendrá una selección más completa y de mejor calidad de sonido que los registros que circulan hoy en la web. La mayoría de las versiones, tal como gran parte de la música que grabó en esa época, tiene a la voz del ex Los Prisioneros acompañada solo de su guitarra.
La influencia de Berlín
"Berlín es su lado más cercano a sí mismo, su tranquilidad. Su vida allá era la de un ciudadano común y corriente, pero con toda esa genialidad de hacer y crear todo el tiempo. Jorge estaba en un estado de bastante creatividad y de reposo como ser humano", dice su hermano.
Estas publicaciones, como varias de las que ha hecho González en el último tiempo, han sido impulsadas por su círculo familiar más cercano que ha desarrollado de manera independiente la mayoría de los proyectos que han visto la luz desde el quiebre de su estado de salud. "Queremos que todo el material que Jorge hizo alguna vez no quede en un baúl, sino que se publique, y se publique con ese respeto y calidad que se merece", comenta Marco González.
El disco doble vendrá acompañado de una edición en DVD de un breve documental (disponible desde 2012 en YouTube), que muestra la vida del cantante en Berlín, a través de entrevistas que registró el director Maximiliano Mellado.
Álvaro Henríquez permanece en estado crítico y Los Tres inician receso indefinido
La Tercera
El músico se recupera de un trasplante de hígado y seguirá conectado a ventilación mecánica al menos hasta mañana. Su complejo estado de salud congeló los planes discográficos del grupo, mientras sus compañeros se enfocan en proyectos paralelos.
Por Andrés del Real y Cecilia Yáñez
“El paciente permanece en cuidados intensivos, conectado a ventilación mecánica por al menos 48 horas más”. Con esas palabras, Erwin Buckel, jefe de Trasplantes de Clínica Las Condes, informó ayer sobre el estado de salud de Álvaro Henríquez, a quien el martes se le implantó un nuevo hígado en dicho recinto hospitalario.
La cirugía, que se extendió por ocho horas y en la que participaron 15 profesionales, es el más reciente capítulo del complejo trance que el líder de Los Tres enfrenta desde mediados del año pasado, cuando los problemas hepáticos que arrastra desde hace varios años comenzaron a volverse más serios. De acuerdo a lo comentado por los especialistas, lo anterior derivó en un daño hepático crónico, producto de una adicción al alcohol de larga data, lo que en los últimos meses lo tuvo al borde de la muerte.
“Por las pocas horas de post-operatorio que lleva, está en una condición bastante crítica, conectado a ventilación mecánica. Esperamos que en las próximas horas se vaya estabilizando”, comentó el equipo médico que atiende al artista, cuya salud estaba muy deteriorada al momento de afrontar la cirugía. “Llegó en condiciones extremadamente graves a su trasplante. Con un deterioro muy importante de su hígado, acompañado del impacto que produce este deterioro en otros órganos como pulmón, riñón y otros”, detallaron.
Desde el entorno del músico comentan que sus problemas al hígado comenzaron a manifestarse aproximadamente en 2010, cuando un médico le advirtió que debía bajar el consumo de alcohol para no sufrir consecuencias más serias. Pese a esto, Henríquez habría desatendido las alertas, manteniendo su estilo de vida habitual. Esto, hasta fines de agosto del año pasado, cuando llegó hasta el recinto de Las Condes para atenderse con el hepatólogo Javier Brahm. Entonces ya conocía acerca del daño de su hígado y estaba en abstinencia.
“Desde el primer día le dijimos que su situación era extremadamente compleja y que lo más probable era que requiriera de un trasplante. Cumplió con todo el período de abstinencia que requiere y el psiquiatra que es parte del equipo de trasplante lo apoyó y certificó que esa condición se cumpliera”, detalló Brahm.
A fines de noviembre se iniciaron los trámites para poner a Henríquez en la lista de espera, pero sólo en marzo se pudo concretar su ingreso. Desde entonces, estuvo seis veces hospitalizado, por períodos de días o semanas, por complicaciones propias de su enfermedad y con controles semanales con el equipo médico. En el intertanto, la situación del cantante se mantuvo bajo estricto hermetismo, aunque sus primeras señales públicas aparecieron el 19 de enero pasado, cuando durante un recital con Los Tres en un festival de Talagante se vio al vocalista visiblemente errático y con dificultades para desplazarse. Tras esto, el conjunto siguió su gira en Calle Larga, donde Henríquez actuó sentado, en la que es la última actuación de la banda a la fecha.
Por ese entonces, el círculo del penquista salió a aclarar -ante las críticas en redes sociales- que éste se encontraba en tratamiento con medicamentos producto de sus problemas hepáticos, pero el equipo médico que lo asiste no descarta que algo haya tenido que el cuadro de encefalopatía que ha padecido por periodos -una pérdida de la función cerebral producto de que el hígado ya no es capaz de eliminar las toxinas de la sangre- y que altera su estado de conciencia.
Junto con esto, el jefe de Trasplantes de la clínica aclaró que el músico cumplió con todos los requisitos que impone el sistema de trasplantes de nuestro país y al momento de la donación era el paciente compatible con el órgano que estaba más grave en la lista de espera. “La asignación del órgano no la hace él, ni su familia, ni nosotros, sino el Instituto de Salud Pública y el organismo controlador del Ministerio de Salud. Se trata de un proceso transparente, súper riguroso que pasa por una comisión nacional de trasplante hepático”, indicó.
Planes congelados
Desde el entorno del cantante coinciden en que, hasta el show en Talagante, nadie de su equipo había dimensionado la gravedad de los problemas de salud que éste enfrentaba. Pocos días antes del impasse en dicho festival se produjo la partida del equipo de Claudia Schlegel, la mánager de Los Tres durante los últimos 15 años, por diferencias personales. Para muchos, la ausencia de la ex representante durante ese tramo de la gira incidió en que se le permitiera al vocalista salir a escena, algo que Schlegel no hubiese autorizado.
En los últimos meses, el principal sostén del músico ha sido su familia, en especial su hermano Gonzalo y su madre. En tanto, su pareja, con la que convive en Ñuñoa, se encargó de apoyarlo durante todos estos meses y de asesorarlo en sus desplazamientos y en tareas domésticas que su estado de salud no le permitían cumplir.
Si bien en el círculo cercano del artista hay confianza en su recuperación, también existe incertidumbre con respecto al futuro de Los Tres. De hecho, comentan que el estatus actual del conjunto es el de un “receso indefinido”, cuya fecha de vencimiento, según las visiones más optimistas, no ocurriría antes de fin de año. “Si Álvaro se lo propone va a salir de esto, de eso estamos seguros, aunque no sabemos todavía si después de esto va a quedar impecable o si podrá actuar con la frecuencia con la que lo hacía”, comenta un cercano al autor de Un amor violento.
En paralelo, sus actuales compañeros de banda han debido enfocarse en sus otros proyectos musicales o incluso en nuevos emprendimientos, entendiendo que su principal fuente de trabajo estará paralizada por al menos los próximos seis meses. Así, Roberto “Titae” Lindl, bajista y el otro integrante histórico del grupo, se habría enfocado durante este tiempo en su proyecto Titae & Kataix, mientras que el baterista Boris Ramírez tendría entre sus planes profesionales emigrar a México.
Por su parte, tanto el guitarrista Sebastián Cabib como el multiinstrumentista Cuti Aste -colaborador histórico del conjunto que se reincorporó en la última gira-, se sumaron a la banda de músicos que se presenta en los espectáculos en vivo de la webserie Mi perro Chocolo. Cabib, además, se ha centrado en su otro grupo, La Bandita del Domingo.
Todo esto, además, retrasará aún más la salida del ya demorado Por allanga, título del próximo trabajo de estudio del grupo y sucesor de Por acanga (2015), el último material de estudio de Los Tres. Cercanos a la agrupación cuentan que la grabación de este este nuevo álbum ya estaba avanzada, y que incluso se alcanzó a registrar un tema junto a Ana Tijoux, pero que el estado actual de Henríquez hace difícil que el disco vea la luz este año.
Intervención de Álvaro Henríquez: especialistas coinciden en que sobrevida de trasplantados de hígado es alta
Respecto de la posibilidad de rechazo del órgano, el médico tratante de Henríquez dijo que esta situación es algo que no ocurre con mucha frecuencia en este tipo de trasplantes.
La inmensa mayoría de las personas que se trasplantan logran volver a sus actividades y solo un pequeño grupo queda con ciertas limitaciones, adelantó Javier Brahm, médico tratante de Henríquez. Respecto de la posibilidad de rechazo del órgano, el hepatólogo dijo que esta situación es algo que no ocurre con mucha frecuencia en este tipo de trasplantes.
Francisco Barrera, gastroenterólogo de la Red Salud UC Christus indicó que el tratamiento con inmunosupresores que se indican a los pacientes trasplantados de hígado son para toda la vida y son los mismos que utilizan pacientes trasplantados de riñón o pulmón pero en dosis más bajas por las características de este órgano que es un poco más tolerante.
La sobrevida de estos pacientes es buena, según Barrera. En Chile, al igual que en los países más desarrollados, a los cinco años el 80% de los pacientes vive y es habitual que pacientes con 10 o más años post trasplante lleven una vida normal.
De los cuidados post trasplantes, el especialista de la UC señaló que además de los inmunosupresores, estos pacientes deben cuidar su dieta consumiendo solo alimentos cocidos los primeros meses para luego ir incorporando otro tipo de alimentos pero siempre manteniendo un peso adecuado y controlando sus niveles de colesterol y glicemia ya que tienen un riesgo mayor de enfermedad cardiovascular y diabetes producto de los medicamentos. La actividad física no solo es posible después de al menos seis meses tras la cirugía, sino que además recomendable. El alcohol, está absolutamente prohibido.
El músico se recupera de un trasplante de hígado y seguirá conectado a ventilación mecánica al menos hasta mañana. Su complejo estado de salud congeló los planes discográficos del grupo, mientras sus compañeros se enfocan en proyectos paralelos.
Por Andrés del Real y Cecilia Yáñez
“El paciente permanece en cuidados intensivos, conectado a ventilación mecánica por al menos 48 horas más”. Con esas palabras, Erwin Buckel, jefe de Trasplantes de Clínica Las Condes, informó ayer sobre el estado de salud de Álvaro Henríquez, a quien el martes se le implantó un nuevo hígado en dicho recinto hospitalario.
La cirugía, que se extendió por ocho horas y en la que participaron 15 profesionales, es el más reciente capítulo del complejo trance que el líder de Los Tres enfrenta desde mediados del año pasado, cuando los problemas hepáticos que arrastra desde hace varios años comenzaron a volverse más serios. De acuerdo a lo comentado por los especialistas, lo anterior derivó en un daño hepático crónico, producto de una adicción al alcohol de larga data, lo que en los últimos meses lo tuvo al borde de la muerte.
“Por las pocas horas de post-operatorio que lleva, está en una condición bastante crítica, conectado a ventilación mecánica. Esperamos que en las próximas horas se vaya estabilizando”, comentó el equipo médico que atiende al artista, cuya salud estaba muy deteriorada al momento de afrontar la cirugía. “Llegó en condiciones extremadamente graves a su trasplante. Con un deterioro muy importante de su hígado, acompañado del impacto que produce este deterioro en otros órganos como pulmón, riñón y otros”, detallaron.
Desde el entorno del músico comentan que sus problemas al hígado comenzaron a manifestarse aproximadamente en 2010, cuando un médico le advirtió que debía bajar el consumo de alcohol para no sufrir consecuencias más serias. Pese a esto, Henríquez habría desatendido las alertas, manteniendo su estilo de vida habitual. Esto, hasta fines de agosto del año pasado, cuando llegó hasta el recinto de Las Condes para atenderse con el hepatólogo Javier Brahm. Entonces ya conocía acerca del daño de su hígado y estaba en abstinencia.
“Desde el primer día le dijimos que su situación era extremadamente compleja y que lo más probable era que requiriera de un trasplante. Cumplió con todo el período de abstinencia que requiere y el psiquiatra que es parte del equipo de trasplante lo apoyó y certificó que esa condición se cumpliera”, detalló Brahm.
A fines de noviembre se iniciaron los trámites para poner a Henríquez en la lista de espera, pero sólo en marzo se pudo concretar su ingreso. Desde entonces, estuvo seis veces hospitalizado, por períodos de días o semanas, por complicaciones propias de su enfermedad y con controles semanales con el equipo médico. En el intertanto, la situación del cantante se mantuvo bajo estricto hermetismo, aunque sus primeras señales públicas aparecieron el 19 de enero pasado, cuando durante un recital con Los Tres en un festival de Talagante se vio al vocalista visiblemente errático y con dificultades para desplazarse. Tras esto, el conjunto siguió su gira en Calle Larga, donde Henríquez actuó sentado, en la que es la última actuación de la banda a la fecha.
Por ese entonces, el círculo del penquista salió a aclarar -ante las críticas en redes sociales- que éste se encontraba en tratamiento con medicamentos producto de sus problemas hepáticos, pero el equipo médico que lo asiste no descarta que algo haya tenido que el cuadro de encefalopatía que ha padecido por periodos -una pérdida de la función cerebral producto de que el hígado ya no es capaz de eliminar las toxinas de la sangre- y que altera su estado de conciencia.
Junto con esto, el jefe de Trasplantes de la clínica aclaró que el músico cumplió con todos los requisitos que impone el sistema de trasplantes de nuestro país y al momento de la donación era el paciente compatible con el órgano que estaba más grave en la lista de espera. “La asignación del órgano no la hace él, ni su familia, ni nosotros, sino el Instituto de Salud Pública y el organismo controlador del Ministerio de Salud. Se trata de un proceso transparente, súper riguroso que pasa por una comisión nacional de trasplante hepático”, indicó.
Planes congelados
Desde el entorno del cantante coinciden en que, hasta el show en Talagante, nadie de su equipo había dimensionado la gravedad de los problemas de salud que éste enfrentaba. Pocos días antes del impasse en dicho festival se produjo la partida del equipo de Claudia Schlegel, la mánager de Los Tres durante los últimos 15 años, por diferencias personales. Para muchos, la ausencia de la ex representante durante ese tramo de la gira incidió en que se le permitiera al vocalista salir a escena, algo que Schlegel no hubiese autorizado.
En los últimos meses, el principal sostén del músico ha sido su familia, en especial su hermano Gonzalo y su madre. En tanto, su pareja, con la que convive en Ñuñoa, se encargó de apoyarlo durante todos estos meses y de asesorarlo en sus desplazamientos y en tareas domésticas que su estado de salud no le permitían cumplir.
Si bien en el círculo cercano del artista hay confianza en su recuperación, también existe incertidumbre con respecto al futuro de Los Tres. De hecho, comentan que el estatus actual del conjunto es el de un “receso indefinido”, cuya fecha de vencimiento, según las visiones más optimistas, no ocurriría antes de fin de año. “Si Álvaro se lo propone va a salir de esto, de eso estamos seguros, aunque no sabemos todavía si después de esto va a quedar impecable o si podrá actuar con la frecuencia con la que lo hacía”, comenta un cercano al autor de Un amor violento.
En paralelo, sus actuales compañeros de banda han debido enfocarse en sus otros proyectos musicales o incluso en nuevos emprendimientos, entendiendo que su principal fuente de trabajo estará paralizada por al menos los próximos seis meses. Así, Roberto “Titae” Lindl, bajista y el otro integrante histórico del grupo, se habría enfocado durante este tiempo en su proyecto Titae & Kataix, mientras que el baterista Boris Ramírez tendría entre sus planes profesionales emigrar a México.
Por su parte, tanto el guitarrista Sebastián Cabib como el multiinstrumentista Cuti Aste -colaborador histórico del conjunto que se reincorporó en la última gira-, se sumaron a la banda de músicos que se presenta en los espectáculos en vivo de la webserie Mi perro Chocolo. Cabib, además, se ha centrado en su otro grupo, La Bandita del Domingo.
Todo esto, además, retrasará aún más la salida del ya demorado Por allanga, título del próximo trabajo de estudio del grupo y sucesor de Por acanga (2015), el último material de estudio de Los Tres. Cercanos a la agrupación cuentan que la grabación de este este nuevo álbum ya estaba avanzada, y que incluso se alcanzó a registrar un tema junto a Ana Tijoux, pero que el estado actual de Henríquez hace difícil que el disco vea la luz este año.
Intervención de Álvaro Henríquez: especialistas coinciden en que sobrevida de trasplantados de hígado es alta
Respecto de la posibilidad de rechazo del órgano, el médico tratante de Henríquez dijo que esta situación es algo que no ocurre con mucha frecuencia en este tipo de trasplantes.
La inmensa mayoría de las personas que se trasplantan logran volver a sus actividades y solo un pequeño grupo queda con ciertas limitaciones, adelantó Javier Brahm, médico tratante de Henríquez. Respecto de la posibilidad de rechazo del órgano, el hepatólogo dijo que esta situación es algo que no ocurre con mucha frecuencia en este tipo de trasplantes.
Francisco Barrera, gastroenterólogo de la Red Salud UC Christus indicó que el tratamiento con inmunosupresores que se indican a los pacientes trasplantados de hígado son para toda la vida y son los mismos que utilizan pacientes trasplantados de riñón o pulmón pero en dosis más bajas por las características de este órgano que es un poco más tolerante.
La sobrevida de estos pacientes es buena, según Barrera. En Chile, al igual que en los países más desarrollados, a los cinco años el 80% de los pacientes vive y es habitual que pacientes con 10 o más años post trasplante lleven una vida normal.
De los cuidados post trasplantes, el especialista de la UC señaló que además de los inmunosupresores, estos pacientes deben cuidar su dieta consumiendo solo alimentos cocidos los primeros meses para luego ir incorporando otro tipo de alimentos pero siempre manteniendo un peso adecuado y controlando sus niveles de colesterol y glicemia ya que tienen un riesgo mayor de enfermedad cardiovascular y diabetes producto de los medicamentos. La actividad física no solo es posible después de al menos seis meses tras la cirugía, sino que además recomendable. El alcohol, está absolutamente prohibido.
miércoles, mayo 02, 2018
Álvaro Henríquez fue sometido a un trasplante de hígado.
Emol
El cantante se encuentra internado en la Clínica Las Condes, en donde se realizó la intervención que duró cerca de ocho horas.
Por Carla Fernández
El vocalista de la agrupación Los Tres, Álvaro Henríquez, se sometió la jornada de ayer a un trasplante de hígado de urgencia, procedimiento que se llevó a cabo en la Clínica Las Condes.
La información fue dada a conocer este miércoles por el diario La Cuarta, que además consignó que los problemas hepáticos del músico, de 48 años, se agravaron en los últimos tres meses, por lo que pasó a estar en lista de espera para un órgano.
Según confirmaron fuentes de la Clínica Las Condes a Emol, la operación comenzó cerca de las 13:00 horas y se extendió por casi ocho horas. El doctor a cargo del procedimiento fue el cirujano Erwin Buckel.
Por el momento, no se han dado mayores detalles sobre actual estado de salud de Henríquez, pero se espera que mañana -cerca del mediodía- su familia y el doctor a cargo de la operación realicen un punto de prensa para entregar más antecedentes al respecto.
A comienzos de 2018, el líder de Los Tres se vio envuelto en una polémica tras su presentación en el Festival de Verano de Talagante, en donde se le acusó de realizar un espectáculo "impresentable" e incluso se especuló que estaba bajo los efectos del alcohol.
Después, en la Fiesta Costumbrista Trilla a Yegua Suelta de la localidad de Calle Larga, se le pudo ver más animado. Sin embargo, debió terminar su actuación sentado en una silla, lo que evidenció su complejo estado de salud.
Posteriormente, Henríquez debió cancelar sus presentaciones -que incluían la Cumbre del Rock Chileno y un viaje a México- para enfocarse en su recuperación.
Adiós a Max Berrú: el ecuatoriano que dedicó su vida a cantarle a Chile
La Tercera
El fundador y miembro emblemático de Inti-Illimani murió ayer a los 75 años. Sus cercanos destacan su permanente buen humor y su compromiso social.
Por Matías de la Maza
“Este grupo es una de las cosas más importantes a las que he contribuido en mi vida. Me siento querido y me siento feliz. Y si me toca morir, me muero feliz”, decía Max Berrú sobre Inti-Illimani a La Tercera en septiembre pasado. La entrevista ocurría un mes después de un diagnóstico de mielanoma múltiple, un tipo de cáncer de médula ósea.
En un período que terminaría siendo el último de su vida, Berrú se mostraba tranquilo y satisfecho por una carrera que dejó como principal legado la formación de uno de los conjuntos más relevantes e influyentes de la música popular chilena. Y aunque se retiró de Inti Illimani en 1997, nunca dejó de manifestar su orgullo con el grupo, y posterior dolor cuando el conjunto se quebró y dividió en dos facciones en 2004: la de Horacio Salinas y la de Jorge Coulon. “Creo que se ensució el legado del grupo y me dio mucha pena cuando me enteré de eso, sobre todo por los valores éticos y morales que transmitíamos. Fue una decepción”, aseguraba en esa entrevista de septiembre.
Finalmente, la enfermedad terminó quitándole la vida hoy, a los 75 años, apagándose de forma definitiva una de las voces más importantes de la canción latinoamericana.
A pesar de ser ecuatoriano, Berrú dedicó su vida a cantarle al pueblo chileno, y a través de este a todo el continente. El músico llegó a Valparaíso en 1962, como parte de la delegación de fútbol de su país que participaba del Mundial de Chile. Terminó echando raíces en Chile, donde como estudiante de la entonces Universidad Técnica del Estado conocería a Coulon y Horacio Durán, con quienes formaría Inti-Illimani junto a Salinas. El trasfondo cultural de Berrú sería fundamental en el sonido del grupo, mezclando el folclor chileno con sonidos de toda Latinoamérica.
Su compromiso con las causas sociales lo transformarían en una voz activa en los años de la Unidad Popular, donde trabó además amistad con Víctor Jara, y lo llevarían al exilio por 15 años tras el inicio de la dictadura militar en 1973. A pesar de ser extranjero, Berrú vivió su vida personal y profesional como un chileno más.
“Fue un personaje del realismo mágico. Yo escuché las historias que García Márquez escribiría después en Cien años de soledad de la boca de Max, antes que saliera el libro. El Max era único. Uno podría decir que es la personalidad de los ecuatorianos, pero él era especial”, dice un muy emocionado Jorge Coulon. Su ex compañero y amigo estuvo con Berrú en sus últimos días, visitándolo en su casa la semana pasada. “Uno lo veía muy deteriorado, pero seguía siendo el Max de siempre, haciendo planes. Quería viajar ahora en mayo a Valparaíso. Pero él estaba muy tranquilo, muy sereno. Decía que ya había hecho todo lo que tenía que hacer”, dice. Berrú seguía pensando en tocar en vivo con su grupo Los Insobornables, además de hacer un libro sobre su vida, trabajo que según Coulon, queda inconcluso, ya que “sólo él tenía la documentación necesaria para hacerlo”.
“Era un hermoso ser humano. Era muy difícil encontrarlo enojado, al contrario, era muy conciliador. Disfrutaba mucho su trabajo y por eso mismo se mantuvo al margen de los conflictos de Inti-Illimani, porque los quería a todos. Por él, ese quiebre jamás habría pasado”, dice Roberto Márquez, de Illapu. Si bien Berrú no tomó nunca un bando en el quiebre de su ex grupo, si fue crítico con uno de sus antiguos compañeros: “Para mí el principal culpable es Horacio Salinas. Él quiso hacer todo (…) No es fácil convivir con alguien que hace una selección de las amistades. Yo lo encuentro arribista”, decía a La Tercera. Salinas no contestó las llamadas de este medio.
Sus colegas también destacan la labor del fallecido músico en las luchas sociales. “Uno siempre lo encontraba en los lugares en los que había que ser solidario; sea de los detenidos desaparecidos, de derechos humanos. Era un hombre inmenso. Es una pérdida tremenda, porque se va un hueón grande en el día mundial de los trabajadores. Y ese pueblo y esos trabajadores a los que les cantó toda su vida no lo olvidarán”, dice Amaro Labra, líder de Sol y Lluvia, y diputado PC.
“Yo he sido un hombre de bien, un hombre bueno y solidario. He sido preocupado por los demás y eso hace que a uno lo quieran” decía Berrú en la entrevista de septiembre. Los que hoy lo recuerdan parecen darle la razón.
El adiós a un músico de la mitad del mundo que hizo de Chile su hogar
La vida del fundador de Inti Illimani fue prolífica: nació en Ecuador y vivió hasta sus últimos días participando en lo que más le gustaba, las presentaciones musicales.
Por Sebastián Rivas
La culpa fue de Pelé. Era 1962 y Max Berrú, un futbolero empedernido, recorría en barco la ruta entre su Ecuador natal y Chile para presenciar de cerca la magia de “O Rei”. La vida es misteriosa: Berrú no tenía cómo saber que el mejor jugador de la historia terminaría fuera del Mundial por una lesión. Y tampoco que su vida estaría atada para siempre al país al que llegó como espectador.
Berrú, que partió este martes a los 74 años de edad, ingresaría a estudiar a la Universidad Técnica del Estado, un polo artístico de la época. Se hizo muy amigo de Víctor Jara, del que siempre recordaba, entre bromas, que era “malo para la pelota”. Y de un grupo de jóvenes que se dedicaba a la música como afán principal. El ecuatoriano sería el más viejo de los jóvenes fundadores de la agrupación a la que darían origen esas reuniones: Inti Illimani.
Si la vida de Berrú hasta entonces había sido una vorágine, los años siguientes serían vertiginosos. Convertidos en un símbolo de los años de la Unidad Popular, Inti Illimani recorrerían Chile apoyando el proyecto de Salvador Allende, y luego deberían volar a Italia para exiliarse tras el Golpe de Estado, y aunque era ecuatoriano y podía volver a su país, el decidió seguir en la ruta con el conjunto. En la dictadura de Augusto Pinochet, su música se convertiría en un símbolo de resistencia. Y Berrú volvería a su país adoptivo junto al grupo recién 15 años después.
Así como fue el fundador con mayor edad, Berrú también se anticipó al tumultuoso quiebre de Inti Illimani. Eligió partir antes de que el quiebre entre los grupos de Horacio Salinas y Jorge Coulon se concretara. Su idea, decía, era que Inti Illimani se convirtiera en una corporación cultural, para proteger su legado histórico.
Pero tras su partida siguió siendo protagonista de la escena cultural chilena. Abrió un restaurante, La Mitad del Mundo -recordando a su jamás negado país natal, Ecuador-, donde la música era un elemento central. Y siguió tocando junto a una banda cuyo nombre era toda una declaración de principios: Los Insobornables.
El año pasado le detectaron un mieloma múltiple, un agresivo cáncer a la médula ósea cuyo tratamiento es complejo. Fiel a su personalidad, Berrú decía en septiembre pasado, entrevistado por Culto, que “he vivido con normalidad y tranquilidad una experiencia que para mucha gente puede ser tremenda”. Y con esa tranquilidad vivió su enfermedad, sin dejar que le arrebataba lo que más quería: sus presentaciones musicales, en las que participó hasta muy poco antes de su muerte.
También en esa entrevista, Berrú hablaba de cariño. De todo lo bueno que había recibido por su participación en Inti Illimani. Y dejaba una frase que hoy, en el momento de su adiós, cobra especial relevancia: “Me siento querido y me siento feliz. Y si me toca morir, me muero feliz”.
Velatorio
Sus restos están siendo velados en el centro cultural Casa Michoacán, ubicado en la ex residencia de Delia del Carril, en calle Lynch Norte 246, La Reina
Luz Eliana prepara show de jazz y pop
El Mercurio
La intérprete chilena se presentará este viernes en el Club de Jazz de Santiago.
Por R. F. S.
Son más de 55 años de carrera musical los que suma Luz Eliana. Durante ese tiempo, la cantante ha desarrollado con igual éxito dos frentes distintos: su lado más pop, ligado a la Nueva Ola, y su faceta como intérprete de jazz, habiendo compartido con orquestas clásicas nacionales como las de Valentín Trujillo, Juan Azúa, Horacio Saavedra y Toly Ramírez.
La intérprete unirá esos dos mundos en el concierto "Del pop al jazz... y más", que prepara para el viernes 4 en el Club de Jazz de Santiago.
"Este es un reencuentro con mis amigos, la gente a la que le gusta la música negra", adelanta. "Esto es jazz, pero no puedo olvidar a los que van a llegar y me van a pedir 'Aunque sé' o 'En mi mundo'. Entonces, vamos a hacer jazz, pero le vamos a dar un toque con unos dos o tres temas de mis grandes éxitos, aunque tratados de una forma muy especial".
La cantante piensa incluir homenajes a figuras como Louis Armstrong, con la interpretación de "Hello Dolly", y Ella Fitzgerald, con canciones como "How high the moon" y "Summertime". También tiene previsto hacer un tributo a Violeta Parra en clave jazz. "Lo vamos a presentar de una manera muy linda y con mucho respeto para recordar a nuestra amada Violeta", dice.
Comenta sobre el presente de la industria musical, asegurando sentirse "invadida por el reguetón", aunque también valora voces actuales como la de Camila Gallardo y se confiesa fanática de Quique Neira. "Sería fantástico que saliera más gente que pudiera tener un repertorio tan amplio como el que Dios me ha dado a mí", reflexiona.
Luz Eliana comenzará su presentación a las 22:00 horas y estará acompañada en el escenario por el New Jazz Trío, integrado por Jaime Pinto en el piano, Sebastián Moya en el contrabajo y Óscar Carrasco en la batería.
La intérprete chilena se presentará este viernes en el Club de Jazz de Santiago.
Por R. F. S.
Son más de 55 años de carrera musical los que suma Luz Eliana. Durante ese tiempo, la cantante ha desarrollado con igual éxito dos frentes distintos: su lado más pop, ligado a la Nueva Ola, y su faceta como intérprete de jazz, habiendo compartido con orquestas clásicas nacionales como las de Valentín Trujillo, Juan Azúa, Horacio Saavedra y Toly Ramírez.
La intérprete unirá esos dos mundos en el concierto "Del pop al jazz... y más", que prepara para el viernes 4 en el Club de Jazz de Santiago.
"Este es un reencuentro con mis amigos, la gente a la que le gusta la música negra", adelanta. "Esto es jazz, pero no puedo olvidar a los que van a llegar y me van a pedir 'Aunque sé' o 'En mi mundo'. Entonces, vamos a hacer jazz, pero le vamos a dar un toque con unos dos o tres temas de mis grandes éxitos, aunque tratados de una forma muy especial".
La cantante piensa incluir homenajes a figuras como Louis Armstrong, con la interpretación de "Hello Dolly", y Ella Fitzgerald, con canciones como "How high the moon" y "Summertime". También tiene previsto hacer un tributo a Violeta Parra en clave jazz. "Lo vamos a presentar de una manera muy linda y con mucho respeto para recordar a nuestra amada Violeta", dice.
Comenta sobre el presente de la industria musical, asegurando sentirse "invadida por el reguetón", aunque también valora voces actuales como la de Camila Gallardo y se confiesa fanática de Quique Neira. "Sería fantástico que saliera más gente que pudiera tener un repertorio tan amplio como el que Dios me ha dado a mí", reflexiona.
Luz Eliana comenzará su presentación a las 22:00 horas y estará acompañada en el escenario por el New Jazz Trío, integrado por Jaime Pinto en el piano, Sebastián Moya en el contrabajo y Óscar Carrasco en la batería.
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