El Mercurio
La estadounidense es una de las estrellas de la próxima temporada de CorpArtes. También debutarán las artes escénicas y llegará una muestra de Anish Kapoor. Destaca, además, la visita de Simon Rattle.
Carlos Carrasco Peguero
Con la frase "El arte es un camino valiente hacia la paz", Joyce DiDonato introduce su último trabajo discográfico. El mismo que la hizo ganadora del Gramaphone al mejor recital 2017, espectáculo que la traerá de regreso a Chile con "In War & Peace: Harmony through Music", el 25 de octubre del próximo año.
Junto al concierto sinfónico del exdirector de la Filarmónica de Berlín Simon Rattle y a las esculturas contemporáneas de Anish Kapoor, la mezzosoprano estadounidense completa el programa 2019 de la Fundación CorpArtes.
El próximo miércoles 17 se darán a conocer los detalles del centenar de actividades alrededor de esta programación. "El número de funciones es casi el doble de lo logrado históricamente. La apuesta es por ampliar en cantidad, pero mantener la excelencia", asegura la directora general de la fundación, Francisca Florenzano.
Por eso la presencia de DiDonato resulta lógica en la temporada de "Grandes Conciertos Internacionales". Destacada constantemente como una de las cantantes más versátiles de la ópera actual, su voz incluso ha sido bautizada por la revista Times como "oro de 24 quilates". Una que le permite un perfecto desempeño entre lo barroco, el bel canto y la música contemporánea.
En 2012 y 2014 se presentó en el Teatro Municipal y fue parte del programa CorpArtes en 2016. Su éxito en Chile está más que probado. "Siempre fue una opción invitarla otra vez, porque le fue muy bien anteriormente. Y lo que trae es algo distinto a lo que estamos acostumbrados. Es un recital con mucho dramatismo en escena".
Un espectáculo dirigido por Ralf Pleger que, junto al vestuario de Vivienne Westwood, el acompañamiento de un bailarín y el extravagante maquillaje, le otorga un dramático barroquismo en escena a la presentación de la mezzosoprano .
Artes escénicas
El próximo año CorpArtes también incluirá, por primera vez, una "Temporada de Artes Escénicas". "Son siete espectáculos de teatro y danza, provenientes de diversos países. Hace tiempo que estábamos buscando la manera de expandirnos en estas disciplinas", indica Florenzano.
En enero vendrá la compañía inglesa "1927 Studios", que mezcla proyección de cine, actores y tocan la vida de barrios marginales.
La compañía chilena Teatrocinema también hará estreno de "El sueño de Mó", su primera obra dirigida a niños.
Los otros artistas fuertes del programa de CorpArtes son el miembro de la Royal Academy of Arts de Londres y ganador del Premio Turner 1991, el escultor Anish Kapoor. "Ausencia" será su primera exposición en el país con instalaciones y esculturas actuales, entre abril y septiembre, en el centro cultural de Rosario Norte.
El director de orquesta Simon Rattle, uno de los más grandes de Europa, también debutará en Chile, con la realización de dos conciertos a finales de mayo. Viene acompañado de la Sinfónica de Londres que, con 114 años de prestigiosa reputación, interpretarán el concierto para orquesta de Béla Bartók y la Sinfonía N° 5 de Gustav Mahler.
Además, según Florenzano, se encuentran en conversaciones para conectarlo con las orquestas juveniles de Chile, como hicieron este año con Gustavo Dudamel. "Estamos haciendo lo posible para crear un espacio en que Rattle pueda compartir con estos jóvenes. Nuestra misión no solo es traer a grandes directores, sino también que su impacto en el país sea lo más extenso posible", afirma.
sábado, octubre 13, 2018
viernes, octubre 12, 2018
Yuja Wang: "Cada vez que entro al escenario es un acto de transformación"
El Mercurio
La pianista china que cautiva con su virtuosismo y apabullante presencia física se refiere a su debut este domingo en el Municipal de Santiago.
Maureen Lennon Zaninovic
Por estos días, China está en el tapete de la noticia no solo por una guerra comercial con Estados Unidos, sino que también por sus talentosos pianistas. Lang Lang (1982) y Yuja Wang (1987) son dos exitosos ejemplos de un virtuosismo que se conjuga con un auténtico fenómeno de masas. Es sabido que Wang, nacida en Beijing, estudió en el conservatorio de esa ciudad, pero a los 12 continuó su formación en Occidente, primero en Canadá y después en los Estados Unidos (se graduó en el célebre Instituto de Música Curtis de Filadelfia).
Junto a una importante discografía bajo el sello Deutsche Grammophon, la artista china cuenta con una impactante agenda de presentaciones con las orquestas más prestigiosas del mundo, entre otras, la Filarmónica de Londres. "Mi vida es un iPad", señaló en un reciente documental, haciendo referencia a su intenso ritmo laboral, con muchos viajes en avión, por lo que su tableta electrónica se ha convertido en un segundo hogar.
Su presencia física tampoco suele pasar desapercibida. Hace algunos días, en el Teatro Colón de Buenos Aires, sorprendió a la audiencia con un vestido largo, de brillos azules y formas de dragón. En la segunda parte del concierto, cambió el largo por una diminuta falda roja. "Las sopranos suelen cambiarse de ropa entre la primera y la segunda mitad de un recital, pero difícilmente una pianista. Wang lo hace, es parte de su show, y con esto no se quiere rebajar la calidad de su actuación. Yuja Wang es una intérprete deslumbrante, y lo que hizo en la segunda mitad del programa con la Sonata N° 6 de Prokofiev fue sencillamente magistral, enérgico y sutil por partes iguales", escribió Federico Monjeau, crítico del diario Clarín.
"No pienso ni en el estilo ni en la interpretación: solo pienso en sentirme creativa y confiada. Cada vez que entro al escenario es un acto de transformación", señala a este diario la propia artista en una entrevista -vía correo electrónico- a días de su debut en el Municipal de Santiago. En el marco de los espectáculos extraordinarios, Yuja Wang tocará este domingo, a las 19:00 horas, un programa que incluirá -entre otras piezas- la Sonata para piano N° 3 de Chopin y la Sonata para piano N° 6 de Prokofiev.
"Chopin es uno de mis compositores favoritos. Me encanta. Lo toco desde los 6 años. Él fue la razón por la que decidí tocar el piano: su música realmente me conmueve. Incluí también a Prokofiev, por la energía y rebeldía que respiran sus obras. Lo que me apasiona de ambos compositores es que si bien son innovadores, al mismo tiempo son extremadamente clásicos. Este repertorio tiene que ver con mis músicos predilectos, pero también con la posibilidad de mostrar lo que más me gusta en mi debut en Latinoamérica. En Chile, además, cerraré mi gira latinoamericana y para mí eso tiene una connotación especial", añade.
Aunque el Municipal anunció en su página web el programa que ofrecerá en el teatro de Agustinas, es sabido que a Yuja Wang le gustan las sorpresas y puede acabar -como lo hizo en una presentación reciente en el Carnegie Hall de Nueva York- con una apoteosis de siete bises."Es algo que no se planea. Es algo que surge de manera espontánea", advierte.
Al preguntarle por el boom de pianistas asiáticos, admite que "efectivamente hay mucha competencia en China. Yo la viví en carne propia, pero también para mí el piano -además del aspecto artístico- ha sido una maravillosa herramienta de autoconocimiento y una manera de acercarme a la sabiduría y paz de nuestros antepasados. Tuve la suerte, además, de crecer en un ambiente muy musical: mi papá tocaba jazz y mi mamá era más cercana a los ritmos tradicionales. Crecí escuchando a Chopin, a Tchaikovsky y a Rachmaninoff".
La pianista china que cautiva con su virtuosismo y apabullante presencia física se refiere a su debut este domingo en el Municipal de Santiago.
Maureen Lennon Zaninovic
Por estos días, China está en el tapete de la noticia no solo por una guerra comercial con Estados Unidos, sino que también por sus talentosos pianistas. Lang Lang (1982) y Yuja Wang (1987) son dos exitosos ejemplos de un virtuosismo que se conjuga con un auténtico fenómeno de masas. Es sabido que Wang, nacida en Beijing, estudió en el conservatorio de esa ciudad, pero a los 12 continuó su formación en Occidente, primero en Canadá y después en los Estados Unidos (se graduó en el célebre Instituto de Música Curtis de Filadelfia).
Junto a una importante discografía bajo el sello Deutsche Grammophon, la artista china cuenta con una impactante agenda de presentaciones con las orquestas más prestigiosas del mundo, entre otras, la Filarmónica de Londres. "Mi vida es un iPad", señaló en un reciente documental, haciendo referencia a su intenso ritmo laboral, con muchos viajes en avión, por lo que su tableta electrónica se ha convertido en un segundo hogar.
Su presencia física tampoco suele pasar desapercibida. Hace algunos días, en el Teatro Colón de Buenos Aires, sorprendió a la audiencia con un vestido largo, de brillos azules y formas de dragón. En la segunda parte del concierto, cambió el largo por una diminuta falda roja. "Las sopranos suelen cambiarse de ropa entre la primera y la segunda mitad de un recital, pero difícilmente una pianista. Wang lo hace, es parte de su show, y con esto no se quiere rebajar la calidad de su actuación. Yuja Wang es una intérprete deslumbrante, y lo que hizo en la segunda mitad del programa con la Sonata N° 6 de Prokofiev fue sencillamente magistral, enérgico y sutil por partes iguales", escribió Federico Monjeau, crítico del diario Clarín.
"No pienso ni en el estilo ni en la interpretación: solo pienso en sentirme creativa y confiada. Cada vez que entro al escenario es un acto de transformación", señala a este diario la propia artista en una entrevista -vía correo electrónico- a días de su debut en el Municipal de Santiago. En el marco de los espectáculos extraordinarios, Yuja Wang tocará este domingo, a las 19:00 horas, un programa que incluirá -entre otras piezas- la Sonata para piano N° 3 de Chopin y la Sonata para piano N° 6 de Prokofiev.
"Chopin es uno de mis compositores favoritos. Me encanta. Lo toco desde los 6 años. Él fue la razón por la que decidí tocar el piano: su música realmente me conmueve. Incluí también a Prokofiev, por la energía y rebeldía que respiran sus obras. Lo que me apasiona de ambos compositores es que si bien son innovadores, al mismo tiempo son extremadamente clásicos. Este repertorio tiene que ver con mis músicos predilectos, pero también con la posibilidad de mostrar lo que más me gusta en mi debut en Latinoamérica. En Chile, además, cerraré mi gira latinoamericana y para mí eso tiene una connotación especial", añade.
Aunque el Municipal anunció en su página web el programa que ofrecerá en el teatro de Agustinas, es sabido que a Yuja Wang le gustan las sorpresas y puede acabar -como lo hizo en una presentación reciente en el Carnegie Hall de Nueva York- con una apoteosis de siete bises."Es algo que no se planea. Es algo que surge de manera espontánea", advierte.
Al preguntarle por el boom de pianistas asiáticos, admite que "efectivamente hay mucha competencia en China. Yo la viví en carne propia, pero también para mí el piano -además del aspecto artístico- ha sido una maravillosa herramienta de autoconocimiento y una manera de acercarme a la sabiduría y paz de nuestros antepasados. Tuve la suerte, además, de crecer en un ambiente muy musical: mi papá tocaba jazz y mi mamá era más cercana a los ritmos tradicionales. Crecí escuchando a Chopin, a Tchaikovsky y a Rachmaninoff".
Camila Cabello: "La música es nuestra forma de rebelión y protesta"
El Mercurio
A días de su show en el Movistar Arena, la cantante habló con "El Mercurio" sobre ser una estrella latina en el Estados Unidos de Donald Trump y los riesgos y recompensas que ha tenido su carrera solista
Raimundo Flores S.
Al cierre de su presentación en la última edición de Lollapalooza, Camila Cabello les dijo a sus seguidores que volvería pronto. Siete meses después, la cantante cumplirá su promesa con el concierto que realizará el próximo jueves 18 de octubre en el Movistar Arena y que representa el regreso a Chile de una de las estrellas pop de más rápido ascenso global en los últimos años.
"Mi parte favorita ha sido desarrollar mi visión artística y estar trabajando a tiempo completo en hacer canciones que representen quién soy en este momento de mi vida", comenta Cabello en conversación telefónica desde México con "El Mercurio", acerca del camino que comenzó hace menos de dos años cuando se retiró del grupo que la llevó a la fama, Fifth Harmony.
La arriesgada decisión que tomó Cabello fue respaldada rápidamente por el éxito de su sencillo "Havana" -que incluso llegó al primer lugar del Hot 100 de Billboard- y de su disco debut, "Camila", que la ha tenido como protagonista en las principales premiaciones de lo que va del año. Esta semana, por ejemplo, obtuvo cuatro premios en los American Music Awards, siendo la artista más galardonada junto a Taylor Swift.
"Obviamente, cuando haces algo por primera vez te da un poco de miedo, pero lo que te da miedo y lo que te pone nervioso es lo que te hace crecer. Creo que es más peligroso estar en un lugar donde te sientes cómodo, pero no creces", reflexiona Cabello sobre su aventura solista.
Hija de madre cubana y padre mexicano, la cantante llegó a vivir a Estados Unidos desde La Habana cuando tenía siete años, por lo que a pesar de cantar en inglés, se siente parte del auge que ha experimentado la música latina a nivel mundial. "Todos los latinos sabemos que tenemos un sabor especial y una pasión que finalmente el mundo está descubriendo", señala la intérprete, quien adelanta sus planes de hacer un disco en español: "Me encantaría, porque yo siempre estoy escuchando música latina y crecí con ella: Maná, Alejandro Sanz, Juan Luis Guerra, Luis Miguel, Shakira, Camila, Sin Bandera".
-¿Cómo ve la irrupción de lo latino en Estados Unidos con un Presidente como Donald Trump y su posición frente a la inmigración?
"Es la señal más clara de que la música rompe todas las barreras. No importa el lenguaje o el estilo de música, es solo un sentimiento que alcanza a la gente. También creo que la música es nuestra forma de rebelión y de protesta. Lo irónico es que en este tiempo hay tanto odio y tantos presidentes en contra de los inmigrantes y que la música latina está explotando en Estados Unidos. Es irónico, pero también es un claro mensaje de que somos solo gente".
Gira latina
Camila Cabello comenzó anoche su gira por América Latina en Porto Alegre, Brasil, a la que le siguen conciertos en Uberlândia, Sao Paulo, Curitiba, Buenos Aires, Santiago y San Juan. Denise Rosenthal será la encargada de abrir su show en la capital.
A días de su show en el Movistar Arena, la cantante habló con "El Mercurio" sobre ser una estrella latina en el Estados Unidos de Donald Trump y los riesgos y recompensas que ha tenido su carrera solista
Raimundo Flores S.
Al cierre de su presentación en la última edición de Lollapalooza, Camila Cabello les dijo a sus seguidores que volvería pronto. Siete meses después, la cantante cumplirá su promesa con el concierto que realizará el próximo jueves 18 de octubre en el Movistar Arena y que representa el regreso a Chile de una de las estrellas pop de más rápido ascenso global en los últimos años.
"Mi parte favorita ha sido desarrollar mi visión artística y estar trabajando a tiempo completo en hacer canciones que representen quién soy en este momento de mi vida", comenta Cabello en conversación telefónica desde México con "El Mercurio", acerca del camino que comenzó hace menos de dos años cuando se retiró del grupo que la llevó a la fama, Fifth Harmony.
La arriesgada decisión que tomó Cabello fue respaldada rápidamente por el éxito de su sencillo "Havana" -que incluso llegó al primer lugar del Hot 100 de Billboard- y de su disco debut, "Camila", que la ha tenido como protagonista en las principales premiaciones de lo que va del año. Esta semana, por ejemplo, obtuvo cuatro premios en los American Music Awards, siendo la artista más galardonada junto a Taylor Swift.
"Obviamente, cuando haces algo por primera vez te da un poco de miedo, pero lo que te da miedo y lo que te pone nervioso es lo que te hace crecer. Creo que es más peligroso estar en un lugar donde te sientes cómodo, pero no creces", reflexiona Cabello sobre su aventura solista.
Hija de madre cubana y padre mexicano, la cantante llegó a vivir a Estados Unidos desde La Habana cuando tenía siete años, por lo que a pesar de cantar en inglés, se siente parte del auge que ha experimentado la música latina a nivel mundial. "Todos los latinos sabemos que tenemos un sabor especial y una pasión que finalmente el mundo está descubriendo", señala la intérprete, quien adelanta sus planes de hacer un disco en español: "Me encantaría, porque yo siempre estoy escuchando música latina y crecí con ella: Maná, Alejandro Sanz, Juan Luis Guerra, Luis Miguel, Shakira, Camila, Sin Bandera".
-¿Cómo ve la irrupción de lo latino en Estados Unidos con un Presidente como Donald Trump y su posición frente a la inmigración?
"Es la señal más clara de que la música rompe todas las barreras. No importa el lenguaje o el estilo de música, es solo un sentimiento que alcanza a la gente. También creo que la música es nuestra forma de rebelión y de protesta. Lo irónico es que en este tiempo hay tanto odio y tantos presidentes en contra de los inmigrantes y que la música latina está explotando en Estados Unidos. Es irónico, pero también es un claro mensaje de que somos solo gente".
Gira latina
Camila Cabello comenzó anoche su gira por América Latina en Porto Alegre, Brasil, a la que le siguen conciertos en Uberlândia, Sao Paulo, Curitiba, Buenos Aires, Santiago y San Juan. Denise Rosenthal será la encargada de abrir su show en la capital.
jueves, octubre 11, 2018
Volantín compañía de folclor infantil lanza nuevo disco "Bello Barrio"
Comunicado de prensa
La compañía lleva a las tablas su segunda producción Bello barrio, que trata la inclusión de los pueblos originarios e inmigrantes latinos en la comunidad, mezcalndo danzas, cuentacuentos, música de su autoría, teatro y poesía.
El concierto teatral se estrena el sábado 13 de octubre en len el teatro El Zócalo de la Universidad de las Américas
El 5 y 6 de octubre se presentan en el FESTICRIN de Atacama con taller y Concierto para niños
El próximo sábado 13 de octubre la compañía Volantín presenta en vivo su segundo disco Bello Barrio en el teatro EL Zócalo de la Universidad de las Américas.
Las nueve alegres canciones cuentan la historia de los habitantes del cité "Bello Barrio", un lugar habitado por animales provenientes de distintos lugares de Chile y América Latina, que desde sus similitudes y diferencias aprenden a convivir y solucionar sus problemas en conjunto. Este álbum invita a los niños y niñas bailar, jugar y conocer la cultura de los pueblos originarios e inmigrantes de Chile. Puedes ver un adelanto en el videoclip de “Olivia la mona” donde se aprecia además la gran conjunción de ritmos latinoamericanos como el son y el espíritu lúdico de los integrantes de Volantín.
Bello barrio recibió el apoyo del Fondo de Fomento de la Música Nacional tanto para su grabación, como para que la compañía el Volantín realizará actividades formativas y conciertos en varias regiones del país. El año pasado la banda además participó en en el XII Encuentro de la Canción Infantil Latinoamericana y Caribeña en Argentina.
Volantín es una compañía de artes escénicas para la infancia, que busca contribuir a la preservación del patrimonio cultural desde la creación artística. A través de sus espectáculos que mezclan danzas, cuentacuentos, música, teatro y poesía buscan generar experiencias lúdicas de acercamiento a la tradición, desde el lenguaje y temáticas propias de los niños y niñas.
Compañía Volantín estrena “Bello Barrio”
Sábado 13 de octubre, 17:00 horas.
Teatro EL Zócalo (Universidad de las Américas, Antonio Varas 840, Providencia
Preventa: 3.000 (niños y niñas); 5.000 (adultos) a través de contacto@vuelavolantin.cl
Puerta: 4.000 (niños y niñas); 6.000 (adultos)
Pedro Villagra lanzan nuevo disco
Comunicado de prensa
La banda liderada por Pedro Villagra (Santiago del Nuevo Extremo, Inti-Illimani) estrenará su octavo disco el 17 de octubre en la Maestra Vida con la participación de la cantante argentina Beatriz Pichi Malen y el bachatero Vicente Cifuentes
Desde el origen del mundo y la civilización hasta los diversos fenómenos que ocurren en la naturaleza hablan las canciones de “Fáciles de piel”, con una lírica sutil y sobre una base instrumental de mambos, melodías y grooves bailables.
Para Pedro Villagra, saxofonista y líder de La Pedroband, “el disco Fáciles de piel habla y canta de la relación de los opuestos y nuestra vinculación temporal e inevitable. En este disco cantamos y bailamos la urgencia del encuentro!”
El disco fue grabado por Víctor Sáez en Estudio Yeti y fue producido en colaboración con el ingeniero Pluto Abarca (Congreso, álbum del año, Pulsar 2018) y el pianista Antoine Alvear, radicado en Nueva York.
Es el octavo álbum de La Pedroband y será lanzado el 12 de octubre en las plataformas digitales Spotify, Deezer, Apple Music, Amazon, Itunes, Claro Música, etc:
El arte de la portada fue realizado por el pintor chileno Santiago Ascui.
La Pedroband es una banda de fusión y latin jazz integrada por Daniela Conejero, Analí Muñoz, Ariel Pino, Oscar Arce, Franco Inostroza, Marcelo Córdova, Italo Aguilera, Mauro López y Pedro Villagra.
El estreno en vivo de “Fáciles de piel” que tendrá como artistas invitados a la destacada cantante argentina Beatriz Pichi Malen y a Vicente Cifuentes (Premio Pulsar 2018) se realizará el miércoles 17 de octubre a las 23:00 hrs. en el club Maestra Vida, ubicado en:
Pio Nono 380, Barrio Bellavista, Recoleta.
Miércoles 17 de octubre
LA PEDROBAND en vivo y en pleno!
Club Maestra Vida
Lanzamiento nuevo album
FÁCILES DE PIEL
artistas invitados: Beatriz Pichi Malen – Vicente Cifuentes
Pio Nono 380, Barrio Bellavista
23:00 hrs.
$3.000 gral
227775325 +569 42787787
Rama Estrena su nuevo disco “Manifiesto” y lanza nuevo video
Comunicado de prensa
Llegó el día. El grupo chileno Rama tiene nuevo disco y ya se puede escuchar en todas las plataformas de streaming. “Manifiesto” llega precedido por el estreno de los singles ‘Directo al sol’, ‘Manifiesto’ y ‘Cobardes’, y de este último hoy también se estrena su videoclip. El álbum se lanzará en vivo el sábado 27 de octubre con un concierto en Club Chocolate. Las entradas están a la venta a través de Passline.
“Manifiesto” es la voluntad de Rama. Es nuestra entrega absoluta al arte y la música. Todo lo que está ahí es muy visceral, muy real y muestra la historia de una banda que tiene veinte años de camino. Siento que es un disco muy arriesgado porque no pretende insertarse en una corriente actual. Este disco es una manifestación de amor puro”, confiesa el vocalista Sebastián Cáceres.
El nuevo disco de Rama se grabó en Estudios del Sur y fue producido por Pepe Lastarria. “Por las condiciones que ofrece el estudio fue grabado al estilo “live sesión”, todos tocando al mismo tiempo. Por eso el álbum tiene ese sonido “en vivo”, detalla Cáceres. “Nuestra principal influencia fue la libertad de no estar atado a ningún concepto predeterminado, lo cual dio pie a la experimentación. La propia música y el ejercicio de escribir fue dándole la forma y el espíritu al álbum”, resume el cantante.
El arribo del nuevo disco de Rama coincide con el estreno de su nuevo video, para la canción ‘Cobardes’. El registro fue filmado en la zona de San Félix, -ubicada en la precordillera de la cuarta región-, y fue dirigido por David Calderón, quien trabaja hace varios años con Rama. “El video no sigue un guión, pero quisimos abordar el concepto del ritual. Muestra un viaje de Rama por el desierto, el que este cruzado por imágenes como el fuego y la muerte”, relata el guitarrista Daniel Campos.
Con dos décadas de trayectoria, Rama es uno de los mayores referentes del rock hecho en nuestro país. Durante ese tiempo se han presentado en eventos de alta convocatoria como Lollapalooza Chile, Rockout, Santiago Gets Louder, Festival Fluvial, y la Cumbre del Rock Chileno. El lanzamiento de ‘Manifiesto’ se llevará a cabo el sábado 27 de octubre a las 20:00 horas en Club Chocolate (Ernesto Pinto Lagarrigue 192, barrio Bellavista). Las entradas están a la venta a través de Passline.
Maria Creuza: "Las elecciones en Brasil reflejaron un castigo a Lula y a nosotros mismos"
El Mercurio
La matriarca del bossa nova se refiere a cómo han repercutido los comicios del pasado domingo en su país. "Estamos afligidos por el futuro", señala la cantante brasileña.
JOSÉ VÁSQUEZ
El tema le resulta ineludible en un clima político y social polarizado. Maria Creuza, la matriarca del bossa nova, quien se presenta hoy en el Teatro Teletón, habla de lo que acaba de ocurrir el domingo en Brasil con resignación.
"Siento que las elecciones en mi país reflejaron un castigo a Lula (Da Silva) y, al mismo tiempo, un castigo horrible también para nosotros mismos. Estamos todos en el mismo barco del sufrimiento y ahora tenemos esa gran duda de ir a una segunda vuelta y no saber qué es lo que pasará. A lo mejor ocurre una sorpresa, pero lo veo difícil", señala la cantante nacida en Esplanada, municipio del estado de Bahía, ahora al teléfono desde Buenos Aires.
Los comicios brasileños dieron como resultado un triunfo claro de Jair Bolsonaro, candidato ultraderechista de polémicas declaraciones machistas y racistas, que incluso han concitado el rechazo internacional de artistas como Madonna y Dua Lipa. Una aprobación en todo caso que no le alcanzó para lograr la Presidencia, que deberá disputar en un balotaje con Fernando Haddad, del Partido de los Trabajadores, el conglomerado de Lula, el exmandatario encarcelado por corrupción.
"Estamos todos muy preocupados y afligidos sobre el futuro de un país tan grande y tan rico. El brasileño tiene muchas dudas sobre qué camino va a seguir; a lo mejor quiere provocar un cambio drástico y olvidarse del partido que lo decepcionó completamente. Es una gran paradoja", proyecta Creuza sobre lo que ocurrirá el próximo 28 de octubre, cuando sus compatriotas vuelvan a las urnas.
Tributo a De Moraes
La intérprete de "Voce abusou" vuelve a la capital para homenajear nuevamente a su padrino musical, el fallecido compositor brasileño Vinicius de Moraes, autor, entre otros temas, de la "Garota de Ipanema". "Toda mi vida le cantaré a Vinicius por ese legado extraordinario que nos dejó. Esto no será nada menos que un tributo al bossa nova, que es también un retrato de Brasil y un referente para tantas generaciones", dice.
Maria Creuza se refiere también a un todavía frustrado disco de duetos, un proyecto que por diversos motivos -problemas familiares y de salud, comenta- tuvo que postergar. "Ahora estoy metida otra vez en esa idea que entró otra vez en la lista de deseos que espero concretar el próximo año", dice la artista que además se presentará mañana en el Teatro Regional de Rancagua y el sábado en el Aula Magna de la Universidad Federico Santa María de Valparaíso.
Hoy en el Teatro Teletón La intérprete se presentará esta noche en el Teatro Teletón, con un homenaje a Vinicius de Moraes.
La matriarca del bossa nova se refiere a cómo han repercutido los comicios del pasado domingo en su país. "Estamos afligidos por el futuro", señala la cantante brasileña.
JOSÉ VÁSQUEZ
El tema le resulta ineludible en un clima político y social polarizado. Maria Creuza, la matriarca del bossa nova, quien se presenta hoy en el Teatro Teletón, habla de lo que acaba de ocurrir el domingo en Brasil con resignación.
"Siento que las elecciones en mi país reflejaron un castigo a Lula (Da Silva) y, al mismo tiempo, un castigo horrible también para nosotros mismos. Estamos todos en el mismo barco del sufrimiento y ahora tenemos esa gran duda de ir a una segunda vuelta y no saber qué es lo que pasará. A lo mejor ocurre una sorpresa, pero lo veo difícil", señala la cantante nacida en Esplanada, municipio del estado de Bahía, ahora al teléfono desde Buenos Aires.
Los comicios brasileños dieron como resultado un triunfo claro de Jair Bolsonaro, candidato ultraderechista de polémicas declaraciones machistas y racistas, que incluso han concitado el rechazo internacional de artistas como Madonna y Dua Lipa. Una aprobación en todo caso que no le alcanzó para lograr la Presidencia, que deberá disputar en un balotaje con Fernando Haddad, del Partido de los Trabajadores, el conglomerado de Lula, el exmandatario encarcelado por corrupción.
"Estamos todos muy preocupados y afligidos sobre el futuro de un país tan grande y tan rico. El brasileño tiene muchas dudas sobre qué camino va a seguir; a lo mejor quiere provocar un cambio drástico y olvidarse del partido que lo decepcionó completamente. Es una gran paradoja", proyecta Creuza sobre lo que ocurrirá el próximo 28 de octubre, cuando sus compatriotas vuelvan a las urnas.
Tributo a De Moraes
La intérprete de "Voce abusou" vuelve a la capital para homenajear nuevamente a su padrino musical, el fallecido compositor brasileño Vinicius de Moraes, autor, entre otros temas, de la "Garota de Ipanema". "Toda mi vida le cantaré a Vinicius por ese legado extraordinario que nos dejó. Esto no será nada menos que un tributo al bossa nova, que es también un retrato de Brasil y un referente para tantas generaciones", dice.
Maria Creuza se refiere también a un todavía frustrado disco de duetos, un proyecto que por diversos motivos -problemas familiares y de salud, comenta- tuvo que postergar. "Ahora estoy metida otra vez en esa idea que entró otra vez en la lista de deseos que espero concretar el próximo año", dice la artista que además se presentará mañana en el Teatro Regional de Rancagua y el sábado en el Aula Magna de la Universidad Federico Santa María de Valparaíso.
Hoy en el Teatro Teletón La intérprete se presentará esta noche en el Teatro Teletón, con un homenaje a Vinicius de Moraes.
Museo Histórico Nacional sigue sin encontrar director
El Mercurio
El Servicio Nacional del Patrimonio Cultural declaró esta semana desierto el concurso para el cargo de director del Museo Histórico Nacional (MHN).
Una veintena de postulantes pertenecientes a oficinas del servicio público fueron rechazados, de modo que el Ministerio de las Culturas anunció que llamará próximamente a un nuevo concurso, esta vez abierto, en el que podrán postular extranjeros nacionalizados. La dirección del MHN permanece con subrogancia desde el despido de Pablo Andrade.
El Servicio Nacional del Patrimonio Cultural declaró esta semana desierto el concurso para el cargo de director del Museo Histórico Nacional (MHN).
Una veintena de postulantes pertenecientes a oficinas del servicio público fueron rechazados, de modo que el Ministerio de las Culturas anunció que llamará próximamente a un nuevo concurso, esta vez abierto, en el que podrán postular extranjeros nacionalizados. La dirección del MHN permanece con subrogancia desde el despido de Pablo Andrade.
miércoles, octubre 10, 2018
Ana Tijoux, cantautora chilena: “Hoy hay más acceso a educarse, pero nunca ha habido canciones pop tan misóginas”
La Tercera
La artista habla con La Tercera de su compleja relación con las redes sociales, de cómo los festivales han dado más espacio a las mujeres, del momento en que estuvo cerca de ir a Viña y del premio Ícono del Rock que recibirá en La Cumbre de 2019. Además, sugiere un giro en su carrera: su nuevo disco se inclinará hacia los sintetizadores.
Por Claudio Vergara
Dos fotos. Una de marzo de 2015 y otra de casi un año antes, mayo de 2014. Sólo eso es lo que hoy se encuentra en el Instagram de Ana Tijoux (41), sin actualización alguna en torno a una de las agendas más activas e inquietas de la música local. “Borré todas mis fotos de Instagram. Estoy en esa lucha interna. Me chateé de verme, dije ‘qué agotadora esa niña’”.
¿Qué fue lo que más le aburrió?
No me acuerdo, pero creo que la necesidad de vaciar un poco. No es nada muy rebelde, un día dije “ya, chao”. También quería ver qué pasaba si salía de ahí. Y también el tiempo es muy restringido, me cuestionaba si a la hora de que me saliera de las redes en verdad iba a tener más tiempo para mí. Y no, para nada. Uno está atrapado, tengo mis propias contradicciones, también pongo una foto y busco el filtro. A veces paso mucho tiempo mirando la vida y la historia de gente que no me importa, eso es lo peor. Es una adicción, de seguro las redes sociales están creando nuevas patologías en la raza humana.
La relación entre Tijoux y las redes digitales es puro tira y afloja: aunque usa Twitter, hoy su gran tema es cómo sobrevivir en una plataforma subordinada a la inmediatez, la exposición y las opiniones lapidarias.
“Leo poco lo que dicen de mí, pero sí leí cuando hice un video con mi hija sobre la ley de aborto y las tres causales, y los comentarios eran impresionantes, por lo bajo era que tenía que dar mi hija en adopción, que cerrara las piernas. Pero me dio risa, me sentí como en la Edad Media, en la plaza pública. He pensado caleta en dejar Twitter. Todo está hecho para no pensar, para alienar. Supuestamente estamos en una era donde hay más acceso a educarse, pero nunca ha habido canciones pop tan misóginas como ahora. Estamos en un retroceso, en un 2018 que hablas de modernidad, pero ser negro todavía es tema. ¿Cuánto hemos avanzado como sociedad? Todavía hay barcos de inmigrantes que se ahogan porque hay gente de quinta categoría. Es un racismo intrínseco. ¿En qué se diferencia de la era de la esclavitud?”.
En su discurso, parte de esa reflexión la vincula a la masiva llegada de inmigrantes al país: “Esta ola de gente que llega han realzado lo más lindo y lo más feo de Chile. Hay chilenos muy solidarios, pero también está lo retrógrado, el miedo al otro, que es el mismo racismo de otras partes del mundo”.
¿Le sigue gustando vivir acá? ¿Nunca pensó en radicarse fuera?
Me dan ganas de irme afuera un rato, no lo había pensado, pero ahora me están dando ganas. Pero un año, dos años. Me dan ganas de mirar un poquito al otro lado de la Cordillera. Pero no me he pegado el salto, porque están mis papás acá, mi gente. Con todas las contradicciones de este Chile, hay un montón de cosas que amo profundamente.
Y es posible que ese amor se fortalezca en 2019, cuando La Cumbre, el evento de música chilena más masivo del país y que se hará el 12 de enero en el Club Hípico, le entregue el premio Ícono del Rock, tal como ya lo hizo con Jorge González, Álvaro Henríquez y Los Jaivas. “Estoy muy agradecida, fue inesperado. Creo que todos estamos a la altura, todos los músicos y colegas. Es un gran honor”.
El cartel de La Cumbre será paritario. ¿Le parece que otros festivales deberían hacer lo mismo?
¡Qué bueno, por fin! Me parece muy sano, porque hay muchas colegas que merecen mostrar su trabajo. Sería muy bello que llegara el minuto en que algo así se normalizara, en que no fuera tema ni fuera llamativo.
¿Cómo ve el trato a las mujeres en los grandes festivales chilenos?
Hay de todo, sería muy mentiroso de mi parte hacerte una caricatura. Te encuentras siempre con productores machistas y con otros bacanes. No te voy a mentir, si igual hay un machismo intrínseco y general en la vida y en la música. Si uno (en estos festivales) se pone a exigir cosas, uno es la complicada; hay un prejuicio, si una es mina y pone una condición clara, si sabe lo que quiere, es como: “Ay, es complicado trabajar con esta loca”. Alguna gente sigue funcionando con las definiciones de ‘la histérica’, ‘la bruja’, la no sé cuánto. Pero hay de todo.
A propósito de festivales, ¿la han invitado alguna vez a Viña?
Hace muchos años me invitaron y estaba en conversaciones, pero me ofrecieron algo nada que ver. Me habían ofrecido para la apertura y era como disfrazarme arriba del escenario. Todos los festivales son importantes, mientras no me pidan hacer cosas que no soy. Yo encantada voy. Pero no me hagan hacer esa cosa de la alfombra roja, estaría muy incómoda (se ríe). Yo quiero ir a tocar ahí. Si me invitan para ser yo y no ser otra persona, yo feliz.
Es casi imposible profetizar una fecha para el debut de Tijoux en la Quinta Vergara. Pero ella misma establece plazos para algo mucho más concreto: su nuevo álbum, el sucesor de Vengo (2014), con salida estimada para mayo. Y también fija definiciones: serán canciones inclinadas hacia los sintetizadores. “Lo que más quiero es que salga en mayo, espero cumplir con mi autodictadura (se ríe). Es un álbum súper honesto con lo que me está pasando, quizás todo lo que hemos hablado. Viene con hartos sintetizadores, aunque odio la palabra electrónica, porque es tan amplia. Pero es un poco cómo me siento en este minuto y cómo me siento musicalmente. Nunca he hecho un disco parecido al otro”.
¿Y qué momentos de su vida reflejarían los sintetizadores?
Qué buena pregunta. Llamo a mi psicólogo y te cuento (se ríe). Creo que es el disco más estético que he hecho, lo encuentro muy interesante en términos incluso políticos. Me cuesta definir cómo se traspasa eso a la música, pero lo veo como un álbum muy elegante, actual, más moderno, pero con cuestionamientos y contradicciones. Y mis propias contradicciones. Hoy me estoy cuestionando muchas cosas conmigo, por lo que el disco está bien hacia adentro.
La artista habla con La Tercera de su compleja relación con las redes sociales, de cómo los festivales han dado más espacio a las mujeres, del momento en que estuvo cerca de ir a Viña y del premio Ícono del Rock que recibirá en La Cumbre de 2019. Además, sugiere un giro en su carrera: su nuevo disco se inclinará hacia los sintetizadores.
Por Claudio Vergara
Dos fotos. Una de marzo de 2015 y otra de casi un año antes, mayo de 2014. Sólo eso es lo que hoy se encuentra en el Instagram de Ana Tijoux (41), sin actualización alguna en torno a una de las agendas más activas e inquietas de la música local. “Borré todas mis fotos de Instagram. Estoy en esa lucha interna. Me chateé de verme, dije ‘qué agotadora esa niña’”.
¿Qué fue lo que más le aburrió?
No me acuerdo, pero creo que la necesidad de vaciar un poco. No es nada muy rebelde, un día dije “ya, chao”. También quería ver qué pasaba si salía de ahí. Y también el tiempo es muy restringido, me cuestionaba si a la hora de que me saliera de las redes en verdad iba a tener más tiempo para mí. Y no, para nada. Uno está atrapado, tengo mis propias contradicciones, también pongo una foto y busco el filtro. A veces paso mucho tiempo mirando la vida y la historia de gente que no me importa, eso es lo peor. Es una adicción, de seguro las redes sociales están creando nuevas patologías en la raza humana.
La relación entre Tijoux y las redes digitales es puro tira y afloja: aunque usa Twitter, hoy su gran tema es cómo sobrevivir en una plataforma subordinada a la inmediatez, la exposición y las opiniones lapidarias.
“Leo poco lo que dicen de mí, pero sí leí cuando hice un video con mi hija sobre la ley de aborto y las tres causales, y los comentarios eran impresionantes, por lo bajo era que tenía que dar mi hija en adopción, que cerrara las piernas. Pero me dio risa, me sentí como en la Edad Media, en la plaza pública. He pensado caleta en dejar Twitter. Todo está hecho para no pensar, para alienar. Supuestamente estamos en una era donde hay más acceso a educarse, pero nunca ha habido canciones pop tan misóginas como ahora. Estamos en un retroceso, en un 2018 que hablas de modernidad, pero ser negro todavía es tema. ¿Cuánto hemos avanzado como sociedad? Todavía hay barcos de inmigrantes que se ahogan porque hay gente de quinta categoría. Es un racismo intrínseco. ¿En qué se diferencia de la era de la esclavitud?”.
En su discurso, parte de esa reflexión la vincula a la masiva llegada de inmigrantes al país: “Esta ola de gente que llega han realzado lo más lindo y lo más feo de Chile. Hay chilenos muy solidarios, pero también está lo retrógrado, el miedo al otro, que es el mismo racismo de otras partes del mundo”.
¿Le sigue gustando vivir acá? ¿Nunca pensó en radicarse fuera?
Me dan ganas de irme afuera un rato, no lo había pensado, pero ahora me están dando ganas. Pero un año, dos años. Me dan ganas de mirar un poquito al otro lado de la Cordillera. Pero no me he pegado el salto, porque están mis papás acá, mi gente. Con todas las contradicciones de este Chile, hay un montón de cosas que amo profundamente.
Y es posible que ese amor se fortalezca en 2019, cuando La Cumbre, el evento de música chilena más masivo del país y que se hará el 12 de enero en el Club Hípico, le entregue el premio Ícono del Rock, tal como ya lo hizo con Jorge González, Álvaro Henríquez y Los Jaivas. “Estoy muy agradecida, fue inesperado. Creo que todos estamos a la altura, todos los músicos y colegas. Es un gran honor”.
El cartel de La Cumbre será paritario. ¿Le parece que otros festivales deberían hacer lo mismo?
¡Qué bueno, por fin! Me parece muy sano, porque hay muchas colegas que merecen mostrar su trabajo. Sería muy bello que llegara el minuto en que algo así se normalizara, en que no fuera tema ni fuera llamativo.
¿Cómo ve el trato a las mujeres en los grandes festivales chilenos?
Hay de todo, sería muy mentiroso de mi parte hacerte una caricatura. Te encuentras siempre con productores machistas y con otros bacanes. No te voy a mentir, si igual hay un machismo intrínseco y general en la vida y en la música. Si uno (en estos festivales) se pone a exigir cosas, uno es la complicada; hay un prejuicio, si una es mina y pone una condición clara, si sabe lo que quiere, es como: “Ay, es complicado trabajar con esta loca”. Alguna gente sigue funcionando con las definiciones de ‘la histérica’, ‘la bruja’, la no sé cuánto. Pero hay de todo.
A propósito de festivales, ¿la han invitado alguna vez a Viña?
Hace muchos años me invitaron y estaba en conversaciones, pero me ofrecieron algo nada que ver. Me habían ofrecido para la apertura y era como disfrazarme arriba del escenario. Todos los festivales son importantes, mientras no me pidan hacer cosas que no soy. Yo encantada voy. Pero no me hagan hacer esa cosa de la alfombra roja, estaría muy incómoda (se ríe). Yo quiero ir a tocar ahí. Si me invitan para ser yo y no ser otra persona, yo feliz.
Es casi imposible profetizar una fecha para el debut de Tijoux en la Quinta Vergara. Pero ella misma establece plazos para algo mucho más concreto: su nuevo álbum, el sucesor de Vengo (2014), con salida estimada para mayo. Y también fija definiciones: serán canciones inclinadas hacia los sintetizadores. “Lo que más quiero es que salga en mayo, espero cumplir con mi autodictadura (se ríe). Es un álbum súper honesto con lo que me está pasando, quizás todo lo que hemos hablado. Viene con hartos sintetizadores, aunque odio la palabra electrónica, porque es tan amplia. Pero es un poco cómo me siento en este minuto y cómo me siento musicalmente. Nunca he hecho un disco parecido al otro”.
¿Y qué momentos de su vida reflejarían los sintetizadores?
Qué buena pregunta. Llamo a mi psicólogo y te cuento (se ríe). Creo que es el disco más estético que he hecho, lo encuentro muy interesante en términos incluso políticos. Me cuesta definir cómo se traspasa eso a la música, pero lo veo como un álbum muy elegante, actual, más moderno, pero con cuestionamientos y contradicciones. Y mis propias contradicciones. Hoy me estoy cuestionando muchas cosas conmigo, por lo que el disco está bien hacia adentro.
La música de Fernando Milagros llegó a popular serie estadounidense
El Mercurio
"Aurora", incluida en su álbum "Milagros", apareció en el último capítulo de "Mayans MC", spin-off de "Sons of anarchy". El cantautor, además, ya prepara su nuevo disco.
José Vásquez
Todo fue sorpresivo y de desarrollo rápido. Fernando Milagros cuenta que un día abrió la casilla de correos de su página web y se encontró con la petición para que "Aurora", uno de los temas de su último disco "Milagros" (2017), apareciera en "Mayans MC", la nueva serie de FX que nació como un spin-off de la popular "Sons of anarchy".
"Hubo cero lobby , llegaron directamente a mí. Yo supongo que escucharon la canción a través de Spotify y les gustó. Así de simple", dice el músico sobre la propuesta que recibió hace menos de dos meses y que se convirtió en trato casi inmediatamente.
"Aurora" apareció al final del quinto episodio del drama de pandillas de motoqueros, emitido en Estados Unidos el pasado 2 de octubre, en el punto cúlmine del capítulo, "donde uno de los protagonistas tiene una escena de amor con su novia", cuenta Milagros, quien agrega que la primera temporada de esta serie ya se transformó en la más vista en el año en FX.
De hecho, tan bien le ha ido a "Mayans MC", que la cadena estadounidense ya confirmó su segunda temporada. La historia debería llegar al país próximamente.
"Es bien loca esa canción, ha viajado harto sin tener ningún plan. A veces uno piensa mucho los discos y cuáles van a ser los sencillos, y de pronto, un tema que ni siquiera lo era empieza a viajar para todos lados", dice el cantautor sobre la composición que tuvo un videoclip grabado en la Antártica y que ahora musicaliza la escena de una serie que transcurre en una polvorienta California.
En concierto
El presente de Fernando Milagros anota para hoy uno de los espectáculos más importantes de su carrera. El cantautor se presentará esta noche en el Teatro Oriente con un show en el que confluirán sus dos vetas: la de músico y la de diseñador teatral. "Hace rato venía planeando esto y esta vez se me juntó todo. Tendré una puesta en escena muy atmosférica, en el sentido de que no solo se trate de un concierto, sino que también de un viaje de sensaciones apoyado con visuales", adelanta el músico.
La idea de la voz de "Reina japonesa" es replicar este montaje en regiones, y para hoy anuncia como una de sus sorpresas a Camila Moreno, como invitada. "Ella ya lleva un rato alejada de los escenarios (en mayo se retiró indefinidamente con un último show ) y la convencí para que cantara conmigo".
En el show , cuenta Milagros, estrenará dos canciones que van a estar presentes en su próximo álbum, que grabará durante diciembre en el estudio Romaphonic de Buenos Aires, ex Circo Beat de Fito Páez. Un trabajo que espera lanzar durante 2019.
Hoy en el Teatro Oriente
Fernando Milagros se presentará hoy en el recinto de Providencia en un show que tendrá invitados como Camila Moreno.
"Aurora", incluida en su álbum "Milagros", apareció en el último capítulo de "Mayans MC", spin-off de "Sons of anarchy". El cantautor, además, ya prepara su nuevo disco.
José Vásquez
Todo fue sorpresivo y de desarrollo rápido. Fernando Milagros cuenta que un día abrió la casilla de correos de su página web y se encontró con la petición para que "Aurora", uno de los temas de su último disco "Milagros" (2017), apareciera en "Mayans MC", la nueva serie de FX que nació como un spin-off de la popular "Sons of anarchy".
"Hubo cero lobby , llegaron directamente a mí. Yo supongo que escucharon la canción a través de Spotify y les gustó. Así de simple", dice el músico sobre la propuesta que recibió hace menos de dos meses y que se convirtió en trato casi inmediatamente.
"Aurora" apareció al final del quinto episodio del drama de pandillas de motoqueros, emitido en Estados Unidos el pasado 2 de octubre, en el punto cúlmine del capítulo, "donde uno de los protagonistas tiene una escena de amor con su novia", cuenta Milagros, quien agrega que la primera temporada de esta serie ya se transformó en la más vista en el año en FX.
De hecho, tan bien le ha ido a "Mayans MC", que la cadena estadounidense ya confirmó su segunda temporada. La historia debería llegar al país próximamente.
"Es bien loca esa canción, ha viajado harto sin tener ningún plan. A veces uno piensa mucho los discos y cuáles van a ser los sencillos, y de pronto, un tema que ni siquiera lo era empieza a viajar para todos lados", dice el cantautor sobre la composición que tuvo un videoclip grabado en la Antártica y que ahora musicaliza la escena de una serie que transcurre en una polvorienta California.
En concierto
El presente de Fernando Milagros anota para hoy uno de los espectáculos más importantes de su carrera. El cantautor se presentará esta noche en el Teatro Oriente con un show en el que confluirán sus dos vetas: la de músico y la de diseñador teatral. "Hace rato venía planeando esto y esta vez se me juntó todo. Tendré una puesta en escena muy atmosférica, en el sentido de que no solo se trate de un concierto, sino que también de un viaje de sensaciones apoyado con visuales", adelanta el músico.
La idea de la voz de "Reina japonesa" es replicar este montaje en regiones, y para hoy anuncia como una de sus sorpresas a Camila Moreno, como invitada. "Ella ya lleva un rato alejada de los escenarios (en mayo se retiró indefinidamente con un último show ) y la convencí para que cantara conmigo".
En el show , cuenta Milagros, estrenará dos canciones que van a estar presentes en su próximo álbum, que grabará durante diciembre en el estudio Romaphonic de Buenos Aires, ex Circo Beat de Fito Páez. Un trabajo que espera lanzar durante 2019.
Hoy en el Teatro Oriente
Fernando Milagros se presentará hoy en el recinto de Providencia en un show que tendrá invitados como Camila Moreno.
Franz Ferdinand fue una fiesta de guitarras bailables en el Caupolicán
El Mercurio
La banda presentó anoche "Always ascending", con una nueva formación tras la partida de su guitarrista fundador, Nick McCarthy.
J.V.
La fiesta siguió sin Nick McCarthy. Franz Ferdinand no bajó la guardia y aunque su guitarrista fundador abandonó la banda hace dos años, el conjunto liderado por Alex Kapranos continuó, grabando un álbum como "Always ascending", lanzado en febrero pasado, en el que demostraron una vigencia apoyada en un puñado de buenas canciones que en vivo se electrifican con un espíritu pistero.
Anoche, en un Teatro Caupolicán al tope de su capacidad, dieron una efectiva muestra de eso, presentando varios de los títulos de ese trabajo. Canciones como la homónima "Always ascending", que llegó para el bis, o "Glimpse of love", que abrió el show, se ajustan sin problemas dentro de su repertorio más clásico, apoyados en los dos ejecutores nuevos que se sumaron en reemplazo de McCarthy: Julian Corrie y Dino Bardot en teclados y guitarra, respectivamente, con los que vinieron por primera vez a Santiago.
El resto del repertorio estuvo centrado en sus éxitos, con los que refrescaron el rock de guitarras bailables en el siglo 21: "Do you want to", "The dark of the matineé" y "Take me out" pasaron como jugando un pimpón entre el presente y el pasado de una banda que todavía amplifica juventud a través de sus monitores para una audiencia que en su gran mayoría, al interior del recinto de San Diego, ya había superado las tres décadas.
La banda presentó anoche "Always ascending", con una nueva formación tras la partida de su guitarrista fundador, Nick McCarthy.
J.V.
La fiesta siguió sin Nick McCarthy. Franz Ferdinand no bajó la guardia y aunque su guitarrista fundador abandonó la banda hace dos años, el conjunto liderado por Alex Kapranos continuó, grabando un álbum como "Always ascending", lanzado en febrero pasado, en el que demostraron una vigencia apoyada en un puñado de buenas canciones que en vivo se electrifican con un espíritu pistero.
Anoche, en un Teatro Caupolicán al tope de su capacidad, dieron una efectiva muestra de eso, presentando varios de los títulos de ese trabajo. Canciones como la homónima "Always ascending", que llegó para el bis, o "Glimpse of love", que abrió el show, se ajustan sin problemas dentro de su repertorio más clásico, apoyados en los dos ejecutores nuevos que se sumaron en reemplazo de McCarthy: Julian Corrie y Dino Bardot en teclados y guitarra, respectivamente, con los que vinieron por primera vez a Santiago.
El resto del repertorio estuvo centrado en sus éxitos, con los que refrescaron el rock de guitarras bailables en el siglo 21: "Do you want to", "The dark of the matineé" y "Take me out" pasaron como jugando un pimpón entre el presente y el pasado de una banda que todavía amplifica juventud a través de sus monitores para una audiencia que en su gran mayoría, al interior del recinto de San Diego, ya había superado las tres décadas.
Myriam Hernández agotó entradas en gira por EE.UU.
El Mercurio
La cantante finalizó este fin de semana su gira por ese país agotando entradas en sus presentaciones en New Jersey y Nueva York. De aquí a fin de año tiene conciertos agendados en Chile, Perú, Argentina, Italia y España.
La cantante finalizó este fin de semana su gira por ese país agotando entradas en sus presentaciones en New Jersey y Nueva York. De aquí a fin de año tiene conciertos agendados en Chile, Perú, Argentina, Italia y España.
martes, octubre 09, 2018
Leo Maslíah en Chile
Comunicado de prensa
El polémico escritor y músico uruguayo -reconocido como un artista de culto por sus genialidades llenas de ironía y humor- llega a Chile para celebrar sus 40 años de carrera.
El inclasificable Leo Maslíah se presenta en Chile para repasar canciones y músicas generadas a lo largo de sus 40 años de actividad, junto a versiones propias de clásicos de otros autores populares e impopulares.
Luego de festejar 40 años de trayectoria en el prestigioso Teatro Solís de Uruguay, Leo Maslíah presenta su disco “Leo Maslíah 40 años” editado por el “Club del Disco (AR) que recorre trabajos de los últimos años entre los cuales se cuentan canciones propias y versiones (Disponible en todas las plataformas digitales)
Con clara formación en música académica, el cantante, humorista, compositor, escritor y pianista uruguayo desplegará diferentes momentos de sus más de cuarenta trabajos discográficos, alternando composiciones propias con versiones poco usuales de hitos de otros autores, populares o clásicos, uruguayos o transnacionales, y con monólogos incluidos en su más reciente libro (“Literatura con vallas” 52 cuentos, un tratado, un test y un alegato).
Nacido en Montevideo, Uruguay, en 1954, Leo Maslíah estudió piano con Bertha Chadicov y Wilser Rossi, armonía con Nydia Pereyra Lisaso, órgano con Manuel Salsamendi y composición con Coriún Aharonián y Graciela Paraskevaídis al tiempo que tuvo su debut musical en 1974 como solista de órgano interpretando un concierto de Haendel. A partir de 1978 desarrolló una intensa actividad como autor e intérprete de música popular en América y Europa.
Con su composición electroacústica "Llanto", en 1981, el artista integró la programación del festival anual de la Sociedad Internacional de Música Contemporánea (SIMC) realizado en Bruselas, Bélgica. Las orquestas uruguayas han interpretado varias de sus obras sinfónicas y en 2003 se estrenó su ópera Maldoror, basada en el libro de Lautréamont, en el Teatro Colón de Buenos Aires, con el tenor Gustavo López Manzitti en el papel principal.
En 1998 Leo Maslíah recibió el Premio Morosoli por su trayectoria en la música popular uruguaya, en 2008 el premio Gardel (Argentina) al mejor álbum de música instrumental por “Árboles”, en 2012 el premio anual de música (Uruguay) en la categoría jazz/fusión/latina y en 2000 y 2013 el premio nacional de literatura en el rubro “comedia”.
Leo Masliah en Chile
Celebra 40 años de carrera
Fechas: Viernes 12 y Sábado 13 de Octubre
Lugar: Sala Master Radio Universidad de Chile
Dirección: MigueL Claro 509/ Providencia/ Metro Manuel Montt
Horarios: 20:30 horas
Entradas por Eventrid
Preventa 1: $10.000 Agotada
Preventa 2: $12:000 Hasta agotar Stock
General: $ 15:000
Cartelera de Octubre del Cemtro Cultural de San Joaquín
Comunicado de prensa
La música, el teatro, la danza y el cine documental se toman los escenarios del Centro Cultural San Joaquín durante octubre haciendo honor a su rol como agente multicultural, consciente de la importancia que juega el arte en el desarrollo social. Como ya es recurrente, un sello en su programación apuesta por el arte experimental.
Uno de los eventos de contenidos de alto estándar que se ha instalado en el Centro Cultural San Joaquín, desde hace algunos años, es el Foro de las Artes de la Universidad de Chile, que busca generar un espacio inédito para la presentación y discusión de procesos y resultados de creación artística desarrollados en años recientes. La actividad involucra a actores relevantes del mundo del arte y la cultura. Este año la encargada de inaugurar este espacio será la cantante y compositora Milena Viertel el viernes 18 de octubre, quien con su disco “Violeta de Chile“ manifiesta una propuesta sonora en torno a Violeta Parra, y le rinde un especial homenaje mezclando jazz, rock y folk.
El disco cuenta con la colaboración de músicos de oficio y prestigio internacional como Sergio Tilo Gonzalez, baterista chileno y fundador de Congreso; Ron Carter, contrabajista legendario del jazz estadounidense; y a violonchelista norteamericana, Jennifer Vicent, y desde ahí Milena Viertel reinstala la mirada crítica de sus inquietudes sociales pero contextualizadas a las problemáticas del Chile de hoy, visibilizando su aporte creativo en un contexto musical global.
Al igual que Milena Viertel, la obra Paloma Ausente de la Compañía Teatral La Patogallina es una propuesta que se sumerge en todas las dimensiones de Violeta Parra, rescatando su espíritu y legado. El encuentro será el martes 30 y miércoles 31 de octubre en Función Escolar para Colegios de San Joaquín.
Para quienes disfrutan de la música y la danza experimental podrán ver la presentación de la maestra japonesa Makiko Tominaga el sábado 13 de octubre, quien desarrolla una técnica pura y minimalista, con una puesta en escena que se basa siempre en el cuerpo y su estado de suspensión. Trabaja con personas discapacitadas en el desarrollo del movimiento y la expresión, además de realizar diversos talleres para mujeres y para público general. Practica meditación hace 10 años, aplicándola en el movimiento. Desarrolla su trabajo principalmente como solista, colaborando también con artistas visuales y músicos.
Por otra parte, el Grupo de Cámara BOECIO y jóvenes del Taller de Comics del Centro Cultural San Joaquín se unen para crear la obra “Vivaldi recargado “Las 4 Estaciones“. Con el objetivo de unir el comics con la música clásica, buscan en nuevas generaciones el gusto y sentido por la música de los grandes creadores clásicos.
Siguiendo con la música, este año se presenta en San Joaquín el VI Encuentro de Charangos y otras hierbas el Viernes 26 y sábado 27 octubre. Participan destacados charanguistas del país, junto a la orquesta de cámara del compositor Pablo López y el Dúo Sankara.
El cine documental también es parte de la cartelera del Centro Cultural de San Joaquín, y el 16 de octubre por primera vez se se exhibirá el documental “Unfinished Plan. El camino de Alain Johannes” de Rodolfo Gárate -Documental Ganador del Festival In-Edit Nescafé 2016- retrata la historia de un músico grunge nacido en Chile y que tras la muerte de su pareja se devuelve al país al que no había vuelto en 45 años. Un viaje en donde el músico debe superar el dolor para seguir tocando.
A esta obra documental se suma a la cartelera de cine “Robar a Rodin” de Cristóbal Valenzuela el miércoles 17 de octubre. Un documental entretenido de ver, que mezcla la intriga policial con la comedia de equivocaciones. Que puede ser visto como una crítica al sistema del arte, a sus pretensiones y precariedad, o como un interesante retrato de un joven y complejo artista que provoca la ausencia –en este caso de esa obra de Rodin- Ambas películas serán exhibidas en la Sala Multimedia del Centro Cultural San Joaquín.
Una cartelera gratuita y para disfrutar en familia. Las invitaciones se pueden retirar en Coñimo 286, San Joaquín, de lunes a viernes de 10.00 a 19.00 hrs.
Festival Internacional Butoh Chile 2018
Presentación de la maestra japonesa Makiko Tominaga
Sábado 13 de octubre 20:00 hrs.
Centro Cultural de San Joaquín
“Unfinished plan. El camino de Alain Johannes” de Rodolfo Gárate
Martes 16 de octubre 19:30 hrs.
Sala Multimedia Centro Cultural San Joaquín
“Robar a Rodin” de Cristóbal Valenzuela
Miércoles 17 de octubre 19:30 hrs.
Sala Multimedia Centro Cultural San Joaquín
Vivaldi recargado “Las 4 Estaciones“
Miércoles 17, lunes 22 y miércoles 24 de octubre a las 19:30 hrs.
Centro Cultural San Joaquín
“Violeta de Chile” Concierto de Milena Viertel
Inauguración oficial del Foro de las Artes de la Universidad de Chile
Jueves 18 de octubre 19:30 hrs.
Centro Cultural San Joaquín
Foro de las Artes de la Universidad de Chile
Viernes 19 y sábado 20 de octubre 19:30 hrs.
Centro Cultural San Joaquín
VI Encuentro de Charangos y otras hierbas
Viernes 26 y sábado 27 octubre 19:30 hrs.
Paloma Ausente
Cia. Colectivo Teatral La Patogallina
Martes 30 y miércoles 31 de octubre 11:00 hrs.
Función Escolar para Colegios de San Joaquín
Música Coral: Dulce Travesura
Coros Colegio Ciudad de Frankfort, San Joaquín
Miércoles 31 de octubre 19:00 hrs.
La Música independiente presenta sus premios: Índigo
Comunicado de prensa
IMICHILE y los principales medios digitales relacionados con la música, invitan a los músicos y sellos nacionales independientes a participar de la primera versión de ÍNDIGO.
Hasta el 20 de octubre estarán abiertas las postulaciones a los premios de la Música Independiente de Chile, ÍNDIGO. La iniciativa, que celebrará su primera edición el 26 de noviembre de este año, tiene como objetivo fomentar la creación, diversidad y calidad artística de las producciones independientes nacionales, y promover la profesionalización de la industria, acercando la música y el proceso de producción al público.
La invitación es a artistas nacionales independientes con grabaciones musicales originales publicadas entre el 1 de julio de 2017 y 1 de julio 2018 o productores fonográficos independientes, para que postulen a una o más de las 8 categorías disponibles, dependiendo de las bases.
Las categorías de ÍNDIGO 2018 son:
Álbum Independiente del año
Canción Independiente del año
Mejor Artista Independiente
Mejor Artista Revelación
Mejor Show en Vivo
Premio Merlin al mejor sello discográfico
Mejor arte y diseño
Premio Altafonte a la Creatividad Digital
REVISA LAS BASES POSTULA ACÁ
Tras el cierre de las convocatoria, se realizará una Votación Popular, abierta a todo público, para seleccionar a los 6 nominados de cada categoría que pasarán a la siguiente etapa. Los nominados elegidos por el público, pasarán a ser evaluados por jurados expertos en cada área que determinarán los 8 ganadores.
La premiación será el 26 de noviembre de este año y será transmitida en vivo por chv.cl.
Premios ÍNDIGO son organizados en conjunto entre la Asociación Gremial Industria Musical Independiente de Chile, IMICHILE, y los principales medios digitales relacionados con la música, chv.cl, Súbela Radio, Rockaxis, Potq, Parlante, elDesconcierto.cl, Zancada y Humo Negro, y cuentan con el apoyo de Merlin, agencia que representa globalmente los derechos digitales del sector independiente.
IMICHILE y los principales medios digitales relacionados con la música, invitan a los músicos y sellos nacionales independientes a participar de la primera versión de ÍNDIGO.
Hasta el 20 de octubre estarán abiertas las postulaciones a los premios de la Música Independiente de Chile, ÍNDIGO. La iniciativa, que celebrará su primera edición el 26 de noviembre de este año, tiene como objetivo fomentar la creación, diversidad y calidad artística de las producciones independientes nacionales, y promover la profesionalización de la industria, acercando la música y el proceso de producción al público.
La invitación es a artistas nacionales independientes con grabaciones musicales originales publicadas entre el 1 de julio de 2017 y 1 de julio 2018 o productores fonográficos independientes, para que postulen a una o más de las 8 categorías disponibles, dependiendo de las bases.
Las categorías de ÍNDIGO 2018 son:
Álbum Independiente del año
Canción Independiente del año
Mejor Artista Independiente
Mejor Artista Revelación
Mejor Show en Vivo
Premio Merlin al mejor sello discográfico
Mejor arte y diseño
Premio Altafonte a la Creatividad Digital
REVISA LAS BASES POSTULA ACÁ
Tras el cierre de las convocatoria, se realizará una Votación Popular, abierta a todo público, para seleccionar a los 6 nominados de cada categoría que pasarán a la siguiente etapa. Los nominados elegidos por el público, pasarán a ser evaluados por jurados expertos en cada área que determinarán los 8 ganadores.
La premiación será el 26 de noviembre de este año y será transmitida en vivo por chv.cl.
Premios ÍNDIGO son organizados en conjunto entre la Asociación Gremial Industria Musical Independiente de Chile, IMICHILE, y los principales medios digitales relacionados con la música, chv.cl, Súbela Radio, Rockaxis, Potq, Parlante, elDesconcierto.cl, Zancada y Humo Negro, y cuentan con el apoyo de Merlin, agencia que representa globalmente los derechos digitales del sector independiente.
KALFU adelanta en vivo parte de su próximo disco
El Mercurio
Luego de estrenar el documental Trawun=ReUnión, en la última versión del Festival In Edit, y de sumarse al catálogo de Egun Producciones, Kalfu comienza a despedir el año con un adelanto de su próximo disco.
El concierto será en la SCD Egaña y estará marcado por la visita de Beatriz Pichi Malen.
Un 2018 con tanto trabajo y novedades, como ha ocurrido este año con Kalfu, solo puede vaticinar un cierre de año con la cosecha de su siembra.
Kalfu se constituyó como familia musical en 2011. Desde entonces han materializado su obra en dos discos y un documental que narra el proceso creativo de uno de ellos. La Cantata Mapudungún y Trawun=ReUnión (homónimo del segundo disco y el documental) son el resultado del ensamble entre poesía contemporánea, mapudungún y la fusión de ritmos latinos. El resultado de esta combinación es el que les ha permitido abrir un particular espacio en la escena actual de la música chilena.
El camino que han transitado en estos siete años no ha dudado en brindarles compañía, nombres como Elicura Chihuailaf, Manuel García, Tata Barahona, Francisca Valenzuela, Joe Vasconcellos, Nano Stern, y los Hermanos Larrea (en diseño y fotografía), son algunos de los que aparecen cuando se habla sobre el aporte musical del grupo de San Antonio.
Este 12 de octubre se presentarán en vivo, a las 21:00 hrs, en la Sala de la SCD Egaña (Av. Larraín 586, Ñuñoa) para mostrar parte de lo ya conocido y adelantarnos otra del material que vendrá en el próximo disco -que hasta el momento no tiene fecha de lanzamiento, pero sí sabemos que contará con nuevas colaboraciones-.
Esa noche también los acompañará la cantante argentina de orígen mapuche, Beatriz Pichi Malen, quien interpreta su propia musicalización del poema “Ponte de Pie”, de Elicura Chiuailaf, en su colaboración en Trawun=ReUnión.
KALFU
Sala SCD Plaza Egaña
12 de octubre
21 horas
Av. Larraín 586, Ñuñoa
ENTRADAS POR SISTEMA EVENTRID >>
KALFU
Banda de fusión latinoamericana fundada por el profesor de música y compositor Jaime Herrera Andaúr, quien integró a sus hijos músicos para trabajar junto al poeta Elicura Chihuailaf en distintas obras.
Nace el 2011 y se ha presentado en diversos escenarios proponiendo un puente entre la chilenidad y los pueblos originarios.
Su primer disco LA CANTATA MAPUDUNGUN es una creación musical del director de Kalfu, basada en la traducción de poetas chilenos del siglo XX al mapudungun.
El segundo disco TRAWVN/ RE-UNIÓN, ha convocado a distintos artistas en torno a la poesía de Elicura, contiene poemas musicalizados, arreglados, grabados e interpretados por KALFU con la colaboración compositiva de los músicos Manuel García, Joe Vasconcellos, Francisca Valenzuela, Nano Stern, Pablo Diaulo Herrera, Manuel Huerta, Andrés Godoy, Tata Barahona, Luis Enrique Galdames, Juanito Ayala, Jaime Herrera y la participación de Pancho Sazo, Beatriz Pichimalen, Miguel Angel Pellao, Efren Viera y Murga “La Antiburga”. El sonido del disco fue trabajado por el ingeniero en sonido Alfonso Pérez y grabado en el estudio Madre Selva.
Luego de estrenar el documental Trawun=ReUnión, en la última versión del Festival In Edit, y de sumarse al catálogo de Egun Producciones, Kalfu comienza a despedir el año con un adelanto de su próximo disco.
El concierto será en la SCD Egaña y estará marcado por la visita de Beatriz Pichi Malen.
Un 2018 con tanto trabajo y novedades, como ha ocurrido este año con Kalfu, solo puede vaticinar un cierre de año con la cosecha de su siembra.
Kalfu se constituyó como familia musical en 2011. Desde entonces han materializado su obra en dos discos y un documental que narra el proceso creativo de uno de ellos. La Cantata Mapudungún y Trawun=ReUnión (homónimo del segundo disco y el documental) son el resultado del ensamble entre poesía contemporánea, mapudungún y la fusión de ritmos latinos. El resultado de esta combinación es el que les ha permitido abrir un particular espacio en la escena actual de la música chilena.
El camino que han transitado en estos siete años no ha dudado en brindarles compañía, nombres como Elicura Chihuailaf, Manuel García, Tata Barahona, Francisca Valenzuela, Joe Vasconcellos, Nano Stern, y los Hermanos Larrea (en diseño y fotografía), son algunos de los que aparecen cuando se habla sobre el aporte musical del grupo de San Antonio.
Este 12 de octubre se presentarán en vivo, a las 21:00 hrs, en la Sala de la SCD Egaña (Av. Larraín 586, Ñuñoa) para mostrar parte de lo ya conocido y adelantarnos otra del material que vendrá en el próximo disco -que hasta el momento no tiene fecha de lanzamiento, pero sí sabemos que contará con nuevas colaboraciones-.
Esa noche también los acompañará la cantante argentina de orígen mapuche, Beatriz Pichi Malen, quien interpreta su propia musicalización del poema “Ponte de Pie”, de Elicura Chiuailaf, en su colaboración en Trawun=ReUnión.
KALFU
Sala SCD Plaza Egaña
12 de octubre
21 horas
Av. Larraín 586, Ñuñoa
ENTRADAS POR SISTEMA EVENTRID >>
KALFU
Banda de fusión latinoamericana fundada por el profesor de música y compositor Jaime Herrera Andaúr, quien integró a sus hijos músicos para trabajar junto al poeta Elicura Chihuailaf en distintas obras.
Nace el 2011 y se ha presentado en diversos escenarios proponiendo un puente entre la chilenidad y los pueblos originarios.
Su primer disco LA CANTATA MAPUDUNGUN es una creación musical del director de Kalfu, basada en la traducción de poetas chilenos del siglo XX al mapudungun.
El segundo disco TRAWVN/ RE-UNIÓN, ha convocado a distintos artistas en torno a la poesía de Elicura, contiene poemas musicalizados, arreglados, grabados e interpretados por KALFU con la colaboración compositiva de los músicos Manuel García, Joe Vasconcellos, Francisca Valenzuela, Nano Stern, Pablo Diaulo Herrera, Manuel Huerta, Andrés Godoy, Tata Barahona, Luis Enrique Galdames, Juanito Ayala, Jaime Herrera y la participación de Pancho Sazo, Beatriz Pichimalen, Miguel Angel Pellao, Efren Viera y Murga “La Antiburga”. El sonido del disco fue trabajado por el ingeniero en sonido Alfonso Pérez y grabado en el estudio Madre Selva.
Encuentro de charangos y otras hierbas llega a sexta versión con presencia orquestal
Intérpretes de cuerdas de la Orquesta Juvenil de Pudahuel, dirigidos por Jorge Luis Cornejo, acompañarán el 26 y 27 de octubre en el Centro Cultural de San Joaquín a Sankara, Quique Cruz, Camilo Gómez, Freddy Torrealba y a la obra “Rapsodiandina”, de Pablo Ariel López.
Dos días de música, cuatro artistas consagrados como ejes de ambas jornadas, el acompañamiento de una orquesta de cuerdas y el estreno de “Rapsodiandina” de Pablo Ariel López son las principales características del Sexto Encuentro de Charango y Otras Hierbas, que se realizará el 26 y 27 de octubre en el Centro Cultural de San Joaquín, ubicado en Coñimo 286.
La actividad, organizada por el dúo Sankara con Ceccotti Producciones, tendrá como protagonistas a Freddy Torrealba, Camilo Gómez, Quique Cruz y los propios Sankara junto a una orquesta de cuerdas formada por músicos que son parte de la Orquesta Juvenil de Pudahuel, que dirige Jorge Luis Cornejo. Según explica Fernanda Mosqueda, integrante del conjunto organizador, “cada charanguista se presentará en su formato habitual pero además ha escogido algunos de sus ‘caballitos de batalla’ para acompañarse de la orquesta y nosotros les hemos sugerido otras piezas para que tengan ese formato”.
“Elegimos a estos músicos porque cada uno tiene un estilo muy particular, inconfundible, y eso permite que en este cruce con los instrumentos de cuerdas se pueda notar igualmente su impronta en los arreglos que hizo Pablo Ariel López”; agrega.
López, justamente, es el autor del número final de ambas jornadas: la obra “Rapsodiandina”, que consta de cinco partes (cuatro instrumentales y una cantada) y que recorre algunos ritmos latinoamericanos. “La idea nació a partir del ‘Andino a cinco pares’, de Héctor Soto, que estrenamos el año pasado y que tuvo los arreglos de Pablo. Ahí le nació la inquietud de explorar más con el cruce entre las cuerdas, el charango solista y los instrumentos populares y decidimos intentarlo este año”, explica Mosqueda.
Si bien en la música chilena de raíz folklórica hay más experiencias bien dispares con el formato “sinfónico”, Mosqueda confía en que esta vez los resultados serán distintos. “La diferencia está en que Pablo estudió composición y tiene formación docta, pero es esencialmente un músico popular. Toca sintetizadores, teclados y ha participado en muchos grupos y proyectos de esta índole, por lo que ya tiene un lenguaje asumido y una personalidad para cruzar ambos mundos, como hemos notado en los primeros ensayos”, indica. La obra, pensada para instrumentos populares y orquesta de cuerdas, será interpretada por los integrantes de Merkén (Mosqueda, López, Felipe Valdés, José Antonio Luna, Felipe Martínez) junto al percusionista Ricardo Herrera y los músicos de la Orquesta Juvenil de Pudahuel.
Sobre la elección de los integrantes de la orquesta, la charanguista explica que fueron recomendados por Ricardo Herrera y que fue fundamental, esta vez, tener un elenco que ya contaba con un sonido propio y una propuesta más avanzada, a diferencia de otras veces en que el equipo organizador tenía que conformar un ensamble nuevo para cada encuentro. “Ahora además necesitamos un director con tareas más específicas de este rol, ya que otras veces Felipe (Valdés, integrante de Sankara y Merkén) cumplió ese rol cuando hicimos otras obras, pero ahora el rol de Jorge Luis Cornejo ha sido muy importante”, sentencia.
Las dos jornadas del Encuentro, que cuenta con el auspicio del Fondo de la Música y está acogido a la Ley de Donaciones Culturales, serán a las 20 horas y tendrán entrada liberada. En ambos días, además, habrá una expo de luthieres en el hall del Centro Cultural de San Joaquín.
SEXTO ENCUENTRO DE CHARANGO Y OTRAS HIERBAS
26 Y 27 DE OCTUBRE, 20 HORAS
CENTRO CULTURAL DE SAN JOAQUÍN, COÑIMO 286
ENTRADA LIBERADA
Estrenan cantata Allende en Festival de Música Contemporánea de Valparaíso
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| Gustavo Becerra |
Por Álvaro Gallegos
Era agosto de 1970, y en el segundo Festival de la Nueva Canción Chilena se produjo un hito que marcaría la creación musical nacional por venir. En ese escenario se estrenó Santa María de Iquique, obra que su autor, el compositor Luis Advis, denominó “cantata popular”. Fue la consumación total del flirteo que se venía dando desde un poco antes, entre los artistas del movimiento que renovó la música de raíz folkórica, y los compositores de la tradición escrita.
El impacto de “la cantata”, como la conocen muchos, fue tal, que abrió toda una línea de creación explorada por compositores chilenos hasta hoy. Después vinieron más obras emblemáticas, como Canto para una semilla, del propio Advis, y La Fragua de Sergio Ortega; otras inconclusas, entre ellas Cantata del Carbón de Cirilo Vila, y algunas que simplemente quedaron inéditas.
Entre estas últimas, una que dejará ese estatus ahora. Justo 40 años después de ser compuesta, la cantata “Allende”, concebida para el conjunto Quilapayún, tendrá su estreno absoluto este martes 9 de octubre en el Parque Cultural de Valparaíso, como parte del Festival de Música Contemporánea Darwin Vargas, que organiza el Instituto de Música de la PUCV. El texto es de Eduardo Carrasco (1940), líder del mencionado grupo chileno, y la música es de Gustavo Becerra (1925-2010), una de las figuras claves de la composición en Chile, y quien fuera profesor de Advis.
Un documento histórico
Dos grupos de la V Región, Su-Venir y Tinku, serán los encargados de mostrar por primera vez al público esta obra que ensalza a la figura del ex presidente, bajo la dirección de Félix Cárdenas, quien es además el curador del festival porteño. “Quisimos rescatar este documento histórico”, explica Cárdenas, “primero por tratarse de uno de los compositores más importantes de nuestra historia, como es Becerra, y segundo, porque al ser el lenguaje de la Nueva Canción nos permite enganchar con nuevos públicos para nuestro festival”.
Desde Francia, Eduardo Carrasco lamenta no estar presente para el estreno y relata el origen de la obra: “Gustavo había escrito varias cosas para nosotros, como la canción “Memento”, la fuga vocal “Revolución” y la cantata “Américas”. Un día se me ocurre presentarle este texto en homenaje a Allende, y a él le encantó, notando de inmediato su potencial como libreto para una nueva cantata”.
“Hizo una primera versión, y le sugerí algunos cambios”, prosigue Carrasco. “Le pedí que recompusiera la canción final para que quedara más grandiosa, más dramática”, dice y añade que este cierre es “un himno de esperanza que va subiendo de las notas más bajas, hasta las más altas que podíamos dar”.
El proyecto se truncó por un tema económico. “Llegamos a armarla entera, pero no encontramos financiamiento ni para presentarla en público, ni grabarla en disco”, se lamenta Carrasco, por lo que encuentra que “es fantástico que no se pierda, y la gente pueda finalmente conocerla, ya que es contundente, y refleja la evolución de Quilapayún como el único grupo de la Nueva Canción que ha experimentado en formas más elaboradas”.
El texto dista de ser explícito y panfletario, dice Félix Cárdenas. “Es alegórico, muy poético, pero tiene ingredientes de relato histórico”, apunta. Carrasco lo describe como “un relato a través de un diálogo entre personajes simbólicos, denominados El Amor y Una Voz, donde se narra y se comenta la muerte de Allende”.
En lo musical, Cárdenas advierte que “en muchos aspectos es similar a la cantata “Santa María”, pero con momentos bastante experimentales, usando armonías modales, a ratos eludiendo tonalidades, e incluso hay una parte electroacústica”. Carrasco lo explica así: “Para Gustavo había ningún límite creativo, él combinaba todo tipo de recursos”.
Otro rescate patrimonial
Hace treinta años falleció prematuramente Darwin Vargas (1925-1988), funcionario bancario devenido en compositor, que logró cierto reconocimiento en los años sesenta, con obras premiadas en los Festivales de Música Chilena de la Universidad de Chile. Probablemente nunca imaginó que, a contar de 2003, su nombre adornaría uno de los más originales y consolidados encuentros de música contemporánea del país.
Conjuntos y solistas chilenos, además de invitados internacionales, presentarán estrenos de compositores chilenos, además de obras de autores referenciales como Toru Takemitsu, Frank Zappa, Alban Berg y Sofia Gubaidulina. “Este año buscamos fortalecer la línea histórica, y por eso se incluyen, además de Becerra, a Alfonso Letelier y José Vicente Asuar”, explica Cárdenas.
Precisamente de Asuar será Luis Alberto Latorre el encargo de interpretar sus Invenciones para piano el jueves 11. Más conocido por impulsar la electrónica en este país, sus obras puramente instrumentales están siendo revalorizadas. Latorre opina que “es importante mostrar esta otra faceta de un compositor genial”. Y describe las piezas como “un trabajo de joyería en el material rítmico”, a la vez que “es una elaboración musical increíble, que tiene algo de Hindemith”.
Los conciertos son gratuitos y se llevan a cabo a las 19 horas en el Parque Cultural de Valparaíso (lunes 8 y martes 9), CENTEX (miércoles 10), y Cine Arte Viña del Mar (jueves 11 y viernes 12). Habrá además conferencias, talleres y mesas redondas. El detalle de la programación en www.imuspucv.cl.
Silvio Rodríguez ahora conquistó Santiago
El Mercurio
El cantautor cubano realizó anoche el primero de sus tres conciertos en el Movistar Arena, parte de una serie de presentaciones en la capital donde agotó todas sus entradas. La gira nacional de la voz de "Ojalá" ya pasó por Concepción y finalizará el domingo en la Quinta Vergara, en Viña del Mar.
El cantautor cubano realizó anoche el primero de sus tres conciertos en el Movistar Arena, parte de una serie de presentaciones en la capital donde agotó todas sus entradas. La gira nacional de la voz de "Ojalá" ya pasó por Concepción y finalizará el domingo en la Quinta Vergara, en Viña del Mar.
lunes, octubre 08, 2018
Cecilia festejó sus 50 años de carrera con breve aparición
El Mercurio
A dos días de ser dada de alta de una condición respiratoria y en contra de la indicación de su médico, la figura de La Nueva Ola tuvo una breve, pero aplaudida aparición en el espectáculo de homenaje a su trayectoria. El tributo, realizado anoche en el Teatro Caupolicán, vio a "La Incomparable" -que tenía cerca un tubo de oxígeno, en caso de necesitarlo- interpretando sus éxitos "Baño de mar a medianoche" y "Un compromiso".
A dos días de ser dada de alta de una condición respiratoria y en contra de la indicación de su médico, la figura de La Nueva Ola tuvo una breve, pero aplaudida aparición en el espectáculo de homenaje a su trayectoria. El tributo, realizado anoche en el Teatro Caupolicán, vio a "La Incomparable" -que tenía cerca un tubo de oxígeno, en caso de necesitarlo- interpretando sus éxitos "Baño de mar a medianoche" y "Un compromiso".
Las guitarras en español dominaron en el debut de Cosquín Rock
El Mercurio
Con 17 versiones en Argentina, el festival arribó por primera vez a Chile en el Movistar Arena. En la jornada del sábado 6 destacó el regreso de Ska-p después de cuatro años sin presentarse en vivo y los recitales repletos de Chancho en Piedra y Los Auténticos Decadentes (en la foto). Anoche, el cierre estaría a cargo de Molotov y los raperos Cypress Hill, la apuesta anglo de esta edición.
Con 17 versiones en Argentina, el festival arribó por primera vez a Chile en el Movistar Arena. En la jornada del sábado 6 destacó el regreso de Ska-p después de cuatro años sin presentarse en vivo y los recitales repletos de Chancho en Piedra y Los Auténticos Decadentes (en la foto). Anoche, el cierre estaría a cargo de Molotov y los raperos Cypress Hill, la apuesta anglo de esta edición.
La ruta de la nostalgia: Colecciones de música y cine que se esconden en el centro de Santiago
El Mercurio
Son miles los discos originales, cintas de celuloide y afiches de época en dos locales que existen en los barrios Lastarria y Bellas Artes.
JAVIERA GARAY A.
Sady Osorio, dueño de una tienda de vinilos y objetos vintage de películas en calle Monjitas, recuerda cuando hace más de 20 años la actriz Julie Andrews le firmó un programa de "Victor-Victoria", luego de ver el musical en Broadway y esperarla a la salida del teatro por varias horas.
Ese autógrafo es solo uno de sus miles de tesoros, que se suma a los afiches, fotos, revistas, vinilos y películas, todos originales y de época, que hace cuatro años empezó a vender en su local Music and Memories.
"Llevo cincuenta años coleccionando estas cosas. Partí a los 10. No tenía idea que iban a valer algo. Me empezó a gustar todo esto desde que vi 'La novicia rebelde'", dice Osorio, quien no niega su afición por los musicales y el cine.
En los años 90, estuvo a cargo de la producción musical de "Martes 13", y después, de programas como "Viva el Lunes", "Bravo Bravísimo" y "Vértigo".
En 2010 dejó esas labores. "Me fui porque cambió todo. Lo que yo sabía a nadie le interesaba y también perdí interés en lo que se estaba haciendo", admite.
El tiempo libre y material acumulado en sus días de productor impulsaron, según cuenta, la idea de vender parte de su colección.
Osorio ofrece cosas difíciles de encontrar, como una serie de discos de 45 RPM (vinilos miniatura con un solo single), con carátulas pintadas y de música chilena. Entre otros ítems de su tienda, hay un vinilo sellado de Elvis Presley y uno de 45 RPM de la periodista creadora de la revista Ritmo, Pilar Larraín, que pocos saben que partió su carrera como cantante y compositora.
Varias son las figuras que han llegado hasta su tienda, como la actriz y cantante Carmen Barros, la actriz argentina Erica Rivas ("Relatos Salvajes"), la coreógrafa de Broadway Baayork Lee, el músico Claudio Narea (Los Prisioneros), y la cantante y comediante Gloria Benavides.
"La gente que nació comprando por internet no sabe la satisfacción que uno siente al hurguetear en un boliche como este. Hay algunos que entra aquí por casualidad y quedan paralogizados. Lo que a mí me motivó a poner este local fue justamente esa minoría que anhela descubrir, tocar", explica Osorio.
Volver a ser niños
En calle Mac Iver hay otra tienda que apunta a la nostalgia: Westcoast Motion Pictures.
Pósters de películas, esqueletos plásticos y un tren colgante decoran su interior. "Esta es una tienda donde los adultos vuelven a ser niños y los jóvenes conocen de qué les hablábamos los adultos", dice Mario del Villar, su dueño.
Consta de dos pisos, donde hay cinco mil títulos de cine, 400 vinilos originales; los únicos proyectores, repuestos y películas de celuloide de 8x8 a la venta en Chile, afiches de cine, cómics, juguetes y trenes que funcionan.
El recorrido empieza en el primer nivel y avanza hacia el subterráneo. Allí, un proyector exhibe un fragmento de "The good, the bad and the ugly", un western original en inglés. Del Villar proyecta clásicos del cine a sus clientes antes de invitarlos a revisar tres salas con pósters de películas, vinilos, cómics y juguetes que recordarán la infancia de aquellos nacidos entre 1960 y 1990.
"Hace por lo menos 30 años, mucho antes de que se pusiera de moda 'El Precio de la Historia', teníamos esta tienda. Viajamos una vez al año con mi señora a Estados Unidos, arrendamos una camioneta grande y salimos a recorrer pequeñas ciudades buscando cosas", dice.
Del Villar buscaba en ese tiempo, también, traer a Chile películas de vaqueros, cine clásico e independiente. "Trajimos las primeras seriales que se daban por episodio los domingos en los cines de barrio y fue un boom , nadie se imaginaba que llegarían esas cosas. Las tradujimos, las subtitulamos y fue así como creamos Westcoast Motion Pictures", relata.
Tuvo 12 sucursales, en distintas comunas de Santiago, en las cuales arrendaba películas. "Hasta la llegada de las grandes cadenas", comenta resignado.
Así, el negocio se tornó más hacia los objetos de colección y se instaló en su actual ubicación.
Son miles los discos originales, cintas de celuloide y afiches de época en dos locales que existen en los barrios Lastarria y Bellas Artes.
JAVIERA GARAY A.
Sady Osorio, dueño de una tienda de vinilos y objetos vintage de películas en calle Monjitas, recuerda cuando hace más de 20 años la actriz Julie Andrews le firmó un programa de "Victor-Victoria", luego de ver el musical en Broadway y esperarla a la salida del teatro por varias horas.
Ese autógrafo es solo uno de sus miles de tesoros, que se suma a los afiches, fotos, revistas, vinilos y películas, todos originales y de época, que hace cuatro años empezó a vender en su local Music and Memories.
"Llevo cincuenta años coleccionando estas cosas. Partí a los 10. No tenía idea que iban a valer algo. Me empezó a gustar todo esto desde que vi 'La novicia rebelde'", dice Osorio, quien no niega su afición por los musicales y el cine.
En los años 90, estuvo a cargo de la producción musical de "Martes 13", y después, de programas como "Viva el Lunes", "Bravo Bravísimo" y "Vértigo".
En 2010 dejó esas labores. "Me fui porque cambió todo. Lo que yo sabía a nadie le interesaba y también perdí interés en lo que se estaba haciendo", admite.
El tiempo libre y material acumulado en sus días de productor impulsaron, según cuenta, la idea de vender parte de su colección.
Osorio ofrece cosas difíciles de encontrar, como una serie de discos de 45 RPM (vinilos miniatura con un solo single), con carátulas pintadas y de música chilena. Entre otros ítems de su tienda, hay un vinilo sellado de Elvis Presley y uno de 45 RPM de la periodista creadora de la revista Ritmo, Pilar Larraín, que pocos saben que partió su carrera como cantante y compositora.
Varias son las figuras que han llegado hasta su tienda, como la actriz y cantante Carmen Barros, la actriz argentina Erica Rivas ("Relatos Salvajes"), la coreógrafa de Broadway Baayork Lee, el músico Claudio Narea (Los Prisioneros), y la cantante y comediante Gloria Benavides.
"La gente que nació comprando por internet no sabe la satisfacción que uno siente al hurguetear en un boliche como este. Hay algunos que entra aquí por casualidad y quedan paralogizados. Lo que a mí me motivó a poner este local fue justamente esa minoría que anhela descubrir, tocar", explica Osorio.
Volver a ser niños
En calle Mac Iver hay otra tienda que apunta a la nostalgia: Westcoast Motion Pictures.
Pósters de películas, esqueletos plásticos y un tren colgante decoran su interior. "Esta es una tienda donde los adultos vuelven a ser niños y los jóvenes conocen de qué les hablábamos los adultos", dice Mario del Villar, su dueño.
Consta de dos pisos, donde hay cinco mil títulos de cine, 400 vinilos originales; los únicos proyectores, repuestos y películas de celuloide de 8x8 a la venta en Chile, afiches de cine, cómics, juguetes y trenes que funcionan.
El recorrido empieza en el primer nivel y avanza hacia el subterráneo. Allí, un proyector exhibe un fragmento de "The good, the bad and the ugly", un western original en inglés. Del Villar proyecta clásicos del cine a sus clientes antes de invitarlos a revisar tres salas con pósters de películas, vinilos, cómics y juguetes que recordarán la infancia de aquellos nacidos entre 1960 y 1990.
"Hace por lo menos 30 años, mucho antes de que se pusiera de moda 'El Precio de la Historia', teníamos esta tienda. Viajamos una vez al año con mi señora a Estados Unidos, arrendamos una camioneta grande y salimos a recorrer pequeñas ciudades buscando cosas", dice.
Del Villar buscaba en ese tiempo, también, traer a Chile películas de vaqueros, cine clásico e independiente. "Trajimos las primeras seriales que se daban por episodio los domingos en los cines de barrio y fue un boom , nadie se imaginaba que llegarían esas cosas. Las tradujimos, las subtitulamos y fue así como creamos Westcoast Motion Pictures", relata.
Tuvo 12 sucursales, en distintas comunas de Santiago, en las cuales arrendaba películas. "Hasta la llegada de las grandes cadenas", comenta resignado.
Así, el negocio se tornó más hacia los objetos de colección y se instaló en su actual ubicación.
domingo, octubre 07, 2018
Víctor Alarcón: Adiós a un jubiloso y apasionado del canto coral
El Mercurio
Destacados coralistas, docentes, amigos y compañeros de trabajo valoran el aporte de este músico nacido en Punta Arenas. "Siempre nos decía que el coro es un canto a lo divino, a la alegría de vivir. Ese positivismo es su gran legado", señala Andrés Rodríguez, exdirector del Municipal de Santiago.
Maureen Lennon Zaninovic
Si hubiera una palabra que pudiera resumir la semana que acaba de concluir, sería masividad. Cientos de personas llegaron hasta la Casa Central de la Universidad Católica para participar en el velatorio y el funeral de Víctor Alarcón (1958-2018). El músico magallánico -fallecido trágicamente en un accidente automovilístico-fue recordado de manera emotiva por sus cercanos, por su esposa (la soprano Andrea Aguilar), por su hija Victoria y por un impresionante número de coristas.
"Su velatorio fue una experiencia conmovedora. Éramos tantos que casi no entramos. ¡No cabíamos en la capilla de la Casa Central de la UC! Estábamos muy afectados, pero también alegres, porque Víctor nos compartió de manera gozosa su amor y su placer por la música", rememora a "Artes y Letras" Frédéric Chambert, director del Municipal de Santiago.
Justamente, como director musical del Programa Crecer Cantando, Víctor Alarcón dejó una huella imborrable en el teatro de Agustinas y en los miles de estudiantes que -gracias a esta instancia impulsada por el escenario- han descubierto la pasión y los beneficios del mundo coral. Es sabido que en 1984 la Corporación Cultural de Santiago dio inicio a este innovador proyecto que buscaba entregar una formación integral a los escolares a través del contacto, el conocimiento y la afición por la buena música.
"Partimos con el profesor y director de coros Eduardo Vila, en la línea de generar un servicio social a la comunidad estudiantil. Víctor Alarcón se integró en un primer momento como monitor y a lo largo de los años pudimos concretar varias iniciativas valiosas, como un diplomado de dirección coral, con el apoyo de la antigua Fundación Andes. Trajimos a Santiago a 70 directores de todas las regiones para capacitarse", rememora Wendy Raby, exdirectora de Crecer Cantando. Añade que "en su funeral, se me acercó un director de Arica que había participado en una de esas capacitaciones y que viajó especialmente a despedirlo. Eso demuestra su mística, el entusiasmo que imprimió en cada una de las personas que compartieron con él, su espiritualidad y generosidad inmensas".
Andrés Rodríguez, exdirector del Municipal de Santiago, complementa que el programa Crecer Cantando "es un hito inédito en Latinoamérica y desde prácticamente sus inicios, Víctor Alarcón fue un pilar irremplazable. Al igual que Mario Baeza, una de las más grandes figuras del canto coral del siglo XX, fue un convencido de los beneficios de un canto compartido que ofrece una paz y una riqueza espiritual únicas". El profesional agrega que más allá de su labor en Crecer Cantando y en la UC, "me quedo con su personalidad llena de riqueza: positivo y alegre. Nunca una mala cara. Siempre nos decía que el coro es un canto a lo divino, a la alegría de vivir. Ese positivismo es su gran legado", remata Rodríguez.
Felipe Ramos, actual coordinador ejecutivo de Crecer Cantando, complementa que "tenía una convicción profunda de que niños y jóvenes podían acceder a un mundo mejor, a través del canto coral. El objetivo de este programa no es ser una máquina productora de cantantes de óperas, sino de formar a personas integrales".
De la Patagonia al norte
A sus tempranos quince años, Víctor Alarcón ingresó, en su Punta Arenas natal, a Patagonia 4: uno de los grupos que consolidaron el movimiento de la música folclórica en el sur de nuestro país. "Participamos en varios festivales, viajamos a Argentina varias veces, grabamos tres long plays y nos presentamos en el Festival Cosquín. ¡Eso con apenas 18 o 19 años!", rememora uno de los fundadores de Patagonia 4, Jorge Sharp, quien viajó especialmente de Magallanes a despedirlo y, además, es director del Coro del Club Croata de Punta Arenas. "Acá nos reencontramos con los otros integrantes: Héctor Sepúlveda, Miguel Soto y Francisco Cresp, y le cantamos, porque fuimos grandes amigos. Ahora hay que mantener vivo su legado, su gran 'alforja' de proyectos, como él solía definirla".
En 1975 entró a estudiar canto al Conservatorio de la Universidad de Chile y comenzó a desempeñarse como solista de oratorios. En 1985, ya como académico de la Universidad Católica, formó el Coro de Estudiantes del Instituto de Música de ese plantel. "'Vicho, como le decíamos afectuosamente, fue uno de esos maestros que te cambian la vida", comenta Patricia Chandía, quien integró el elenco de "Violeta, huésped eterna del abril florido", en homenaje al natalicio de Violeta Parra.
Hanns Stein, reconocido académico de la Facultad de Artes de la U. de Chile, revela que "en tiempos de dictadura le di clases particulares al 'Vicho' y aunque pudo desarrollar una carrera solista, optó por dirigir coros y fue muy querido. Me impactó su sabiduría, buscando no dañar la voz de los jóvenes".
El martes, en la misa que se celebró en el Salón Fresno del Centro de Extensión, el rector de la Universidad Católica, Ignacio Sánchez, señaló a los numerosos asistentes que "estamos despidiendo a un grande, a un imprescindible. Cuando asumí mi segundo período como rector, Víctor me propuso la música de la ceremonia y me acuerdo de un concepto musical imborrable: la puerta se abre por dentro. Fui, además, médico de este patagón, grande, gordo, bonachón, ojos brillantes, ojos de niño, creativo, profundo y espiritual, enamorado de la música. Como rector, estoy aquí para despedirte y también para manifestar mi más completo apoyo a tu proyecto, para que cumplamos tu sueño de las 209 cantatas de Bach".
Afortunadamente, el reconocido director coral y profesor del Instituto de Música UC (IMUC) alcanzó a ver los inicios de uno de sus proyectos más ambiciosos: convertir a Santiago en la primera capital latinoamericana donde se interprete la integral de las cantatas de Johann Sebastian Bach (1685-1750). "Para mí, este es un sueño de toda la vida. La gente que me conoce sabe que vengo hablando de esto hace 30 años", señaló el propio Alarcón en una entrevista concedida a este diario. Esta maratónica tarea se convertiría en un broche de oro a sus más de tres décadas de enseñanza y proyección de la música coral que venía realizando a través de los diversos elencos que encabezó, entre otros, el Coro Bellas Artes, Crecer Cantando y el ensamble Concerto Vocale.
Karina Fischer, directora del IMUC, añade "que habíamos conversado hace apenas algunos días cómo la Universidad Católica se podía involucrar en esta integral. Estamos muy golpeados con la noticia de su muerte, pero también fue una alegría enorme escuchar el apoyo del rector y haremos todo lo posible para terminar su gran sueño con Bach".
Andrés Rodríguez Spoerer, gerente de música de la Fundación Ibáñez Atkinson y uno de los impulsores del portal Red Coral (que busca difundir y aglutinar esta práctica a lo largo de todo el país), concluye que Víctor Alarcón fue uno de los últimos exponentes de la tradición que tuvo su época dorada a partir de fines de los 50, "donde la música sucedía principalmente en las universidades, en la UC, en la U. Chile y en la de Concepción. Para mí, Víctor fue a los coros lo que Fernando Rosas fue para las orquestas. Se nos fue un líder generoso y un articulador fundamental". Rodríguez Spoerer considera que es muy revelador el gesto técnico de su batuta. "Invitaba a cantar. Uno como coralista, al tenerlo al frente, sentía una libertad única que no te entregaba otro director. Una libertad, sin improvisaciones, y con una sonrisa de oreja a oreja".
La soprano Miryam Singer, directora de Arte y Cultura de la UC, comparte esa mirada y añade que "hizo cantar hasta las piedras. Él se consideraba un posibilitador, siempre con un actitud contenedora y acogedora, sacaba lo mejor de cada uno".
Maestro de la concordia
"Cantar en coro, es una manifestación de concordia. Concordia es acuerdo, armonía, y en su raíz está la palabra "corazón" ( cor , cordis ). Un director de coro busca la concordia para expresar la forma contenida en una partitura y si es un contrapunto complejo, se ha dicho, acertadamente, que es similar a los hilos entretejidos de una alfombra: cada hilo es válido en sí mismo, pero, misteriosamente se engarzan en un todo armónico. Para un director de coro, los hilos son los que están escritos en la hoja, pero también son las personas y sus voces. Mover todo ello, armoniosamente, es un acto de la más profunda humanidad. Así movía los hilos Víctor Alarcón, con rigor técnico, pero plenamente consciente de que su trabajo último era aunar a personas de muy diferentes idiosincrasias, pero con una meta común. Y ahí quedaba en evidencia, además de su rigor interpretativo, su profunda bonhomía, su bondad, su corazón.
De Buxtehude a Wolfgang Rimm, de Monteverdi a Arvo Pärt, de Bach a Schoenberg y Penderecki, no menguaba en sus empresas y contagiaba a todo el mundo de sus propuestas, audaces, arrojadas. Nada le parecía imposible y con irresistible optimismo arrastraba a sus colaboradores en sus visiones que parecían utópicas y que después se convertían en flagrantes realidades. No contento con eso, se sentía con la misión de entregar, donde fuera acogido, su experiencia y sabiduría, en permanente itinerancia. Por ello, son tantos los huérfanos que hoy, estupefactos, lloran su partida.
Algunos dicen que la muerte es una graduación. Víctor se graduó y, con su diploma bajo el brazo, partió en un nuevo inicio, hacia una dimensión transfigurada, a encontrarse con los grandes de la música a quienes dedicó cada minuto de su vida".
Destacados coralistas, docentes, amigos y compañeros de trabajo valoran el aporte de este músico nacido en Punta Arenas. "Siempre nos decía que el coro es un canto a lo divino, a la alegría de vivir. Ese positivismo es su gran legado", señala Andrés Rodríguez, exdirector del Municipal de Santiago.
Maureen Lennon Zaninovic
Si hubiera una palabra que pudiera resumir la semana que acaba de concluir, sería masividad. Cientos de personas llegaron hasta la Casa Central de la Universidad Católica para participar en el velatorio y el funeral de Víctor Alarcón (1958-2018). El músico magallánico -fallecido trágicamente en un accidente automovilístico-fue recordado de manera emotiva por sus cercanos, por su esposa (la soprano Andrea Aguilar), por su hija Victoria y por un impresionante número de coristas.
"Su velatorio fue una experiencia conmovedora. Éramos tantos que casi no entramos. ¡No cabíamos en la capilla de la Casa Central de la UC! Estábamos muy afectados, pero también alegres, porque Víctor nos compartió de manera gozosa su amor y su placer por la música", rememora a "Artes y Letras" Frédéric Chambert, director del Municipal de Santiago.
Justamente, como director musical del Programa Crecer Cantando, Víctor Alarcón dejó una huella imborrable en el teatro de Agustinas y en los miles de estudiantes que -gracias a esta instancia impulsada por el escenario- han descubierto la pasión y los beneficios del mundo coral. Es sabido que en 1984 la Corporación Cultural de Santiago dio inicio a este innovador proyecto que buscaba entregar una formación integral a los escolares a través del contacto, el conocimiento y la afición por la buena música.
"Partimos con el profesor y director de coros Eduardo Vila, en la línea de generar un servicio social a la comunidad estudiantil. Víctor Alarcón se integró en un primer momento como monitor y a lo largo de los años pudimos concretar varias iniciativas valiosas, como un diplomado de dirección coral, con el apoyo de la antigua Fundación Andes. Trajimos a Santiago a 70 directores de todas las regiones para capacitarse", rememora Wendy Raby, exdirectora de Crecer Cantando. Añade que "en su funeral, se me acercó un director de Arica que había participado en una de esas capacitaciones y que viajó especialmente a despedirlo. Eso demuestra su mística, el entusiasmo que imprimió en cada una de las personas que compartieron con él, su espiritualidad y generosidad inmensas".
Andrés Rodríguez, exdirector del Municipal de Santiago, complementa que el programa Crecer Cantando "es un hito inédito en Latinoamérica y desde prácticamente sus inicios, Víctor Alarcón fue un pilar irremplazable. Al igual que Mario Baeza, una de las más grandes figuras del canto coral del siglo XX, fue un convencido de los beneficios de un canto compartido que ofrece una paz y una riqueza espiritual únicas". El profesional agrega que más allá de su labor en Crecer Cantando y en la UC, "me quedo con su personalidad llena de riqueza: positivo y alegre. Nunca una mala cara. Siempre nos decía que el coro es un canto a lo divino, a la alegría de vivir. Ese positivismo es su gran legado", remata Rodríguez.
Felipe Ramos, actual coordinador ejecutivo de Crecer Cantando, complementa que "tenía una convicción profunda de que niños y jóvenes podían acceder a un mundo mejor, a través del canto coral. El objetivo de este programa no es ser una máquina productora de cantantes de óperas, sino de formar a personas integrales".
De la Patagonia al norte
A sus tempranos quince años, Víctor Alarcón ingresó, en su Punta Arenas natal, a Patagonia 4: uno de los grupos que consolidaron el movimiento de la música folclórica en el sur de nuestro país. "Participamos en varios festivales, viajamos a Argentina varias veces, grabamos tres long plays y nos presentamos en el Festival Cosquín. ¡Eso con apenas 18 o 19 años!", rememora uno de los fundadores de Patagonia 4, Jorge Sharp, quien viajó especialmente de Magallanes a despedirlo y, además, es director del Coro del Club Croata de Punta Arenas. "Acá nos reencontramos con los otros integrantes: Héctor Sepúlveda, Miguel Soto y Francisco Cresp, y le cantamos, porque fuimos grandes amigos. Ahora hay que mantener vivo su legado, su gran 'alforja' de proyectos, como él solía definirla".
En 1975 entró a estudiar canto al Conservatorio de la Universidad de Chile y comenzó a desempeñarse como solista de oratorios. En 1985, ya como académico de la Universidad Católica, formó el Coro de Estudiantes del Instituto de Música de ese plantel. "'Vicho, como le decíamos afectuosamente, fue uno de esos maestros que te cambian la vida", comenta Patricia Chandía, quien integró el elenco de "Violeta, huésped eterna del abril florido", en homenaje al natalicio de Violeta Parra.
Hanns Stein, reconocido académico de la Facultad de Artes de la U. de Chile, revela que "en tiempos de dictadura le di clases particulares al 'Vicho' y aunque pudo desarrollar una carrera solista, optó por dirigir coros y fue muy querido. Me impactó su sabiduría, buscando no dañar la voz de los jóvenes".
El martes, en la misa que se celebró en el Salón Fresno del Centro de Extensión, el rector de la Universidad Católica, Ignacio Sánchez, señaló a los numerosos asistentes que "estamos despidiendo a un grande, a un imprescindible. Cuando asumí mi segundo período como rector, Víctor me propuso la música de la ceremonia y me acuerdo de un concepto musical imborrable: la puerta se abre por dentro. Fui, además, médico de este patagón, grande, gordo, bonachón, ojos brillantes, ojos de niño, creativo, profundo y espiritual, enamorado de la música. Como rector, estoy aquí para despedirte y también para manifestar mi más completo apoyo a tu proyecto, para que cumplamos tu sueño de las 209 cantatas de Bach".
Afortunadamente, el reconocido director coral y profesor del Instituto de Música UC (IMUC) alcanzó a ver los inicios de uno de sus proyectos más ambiciosos: convertir a Santiago en la primera capital latinoamericana donde se interprete la integral de las cantatas de Johann Sebastian Bach (1685-1750). "Para mí, este es un sueño de toda la vida. La gente que me conoce sabe que vengo hablando de esto hace 30 años", señaló el propio Alarcón en una entrevista concedida a este diario. Esta maratónica tarea se convertiría en un broche de oro a sus más de tres décadas de enseñanza y proyección de la música coral que venía realizando a través de los diversos elencos que encabezó, entre otros, el Coro Bellas Artes, Crecer Cantando y el ensamble Concerto Vocale.
Karina Fischer, directora del IMUC, añade "que habíamos conversado hace apenas algunos días cómo la Universidad Católica se podía involucrar en esta integral. Estamos muy golpeados con la noticia de su muerte, pero también fue una alegría enorme escuchar el apoyo del rector y haremos todo lo posible para terminar su gran sueño con Bach".
Andrés Rodríguez Spoerer, gerente de música de la Fundación Ibáñez Atkinson y uno de los impulsores del portal Red Coral (que busca difundir y aglutinar esta práctica a lo largo de todo el país), concluye que Víctor Alarcón fue uno de los últimos exponentes de la tradición que tuvo su época dorada a partir de fines de los 50, "donde la música sucedía principalmente en las universidades, en la UC, en la U. Chile y en la de Concepción. Para mí, Víctor fue a los coros lo que Fernando Rosas fue para las orquestas. Se nos fue un líder generoso y un articulador fundamental". Rodríguez Spoerer considera que es muy revelador el gesto técnico de su batuta. "Invitaba a cantar. Uno como coralista, al tenerlo al frente, sentía una libertad única que no te entregaba otro director. Una libertad, sin improvisaciones, y con una sonrisa de oreja a oreja".
La soprano Miryam Singer, directora de Arte y Cultura de la UC, comparte esa mirada y añade que "hizo cantar hasta las piedras. Él se consideraba un posibilitador, siempre con un actitud contenedora y acogedora, sacaba lo mejor de cada uno".
Maestro de la concordia
"Cantar en coro, es una manifestación de concordia. Concordia es acuerdo, armonía, y en su raíz está la palabra "corazón" ( cor , cordis ). Un director de coro busca la concordia para expresar la forma contenida en una partitura y si es un contrapunto complejo, se ha dicho, acertadamente, que es similar a los hilos entretejidos de una alfombra: cada hilo es válido en sí mismo, pero, misteriosamente se engarzan en un todo armónico. Para un director de coro, los hilos son los que están escritos en la hoja, pero también son las personas y sus voces. Mover todo ello, armoniosamente, es un acto de la más profunda humanidad. Así movía los hilos Víctor Alarcón, con rigor técnico, pero plenamente consciente de que su trabajo último era aunar a personas de muy diferentes idiosincrasias, pero con una meta común. Y ahí quedaba en evidencia, además de su rigor interpretativo, su profunda bonhomía, su bondad, su corazón.
De Buxtehude a Wolfgang Rimm, de Monteverdi a Arvo Pärt, de Bach a Schoenberg y Penderecki, no menguaba en sus empresas y contagiaba a todo el mundo de sus propuestas, audaces, arrojadas. Nada le parecía imposible y con irresistible optimismo arrastraba a sus colaboradores en sus visiones que parecían utópicas y que después se convertían en flagrantes realidades. No contento con eso, se sentía con la misión de entregar, donde fuera acogido, su experiencia y sabiduría, en permanente itinerancia. Por ello, son tantos los huérfanos que hoy, estupefactos, lloran su partida.
Algunos dicen que la muerte es una graduación. Víctor se graduó y, con su diploma bajo el brazo, partió en un nuevo inicio, hacia una dimensión transfigurada, a encontrarse con los grandes de la música a quienes dedicó cada minuto de su vida".
Aleste se reúne a 25 años de "Hay un límite"
El Mercurio
En el aniversario de su canción más emblemática, el grupo prepara un trabajo que incluirá reversiones y canciones inéditas.
Raimundo Flores S.
Los integrantes de Aleste se definen antes que nada como un grupo de amigos y a pesar de que el destino los ha llevado por caminos separados, ahora que están reunidos queda claro que la conexión permanece intacta.
Alfredo Alonso, Rodrigo Espinoza, Lito Zerené y Ricardo Vianco comparten bromas y recuerdos reunidos en un estudio de grabación en Providencia, mientras explican las razones de su regreso. "Hoy somos papás, tenemos nuestros hijos y ellos han tenido que escuchar nuestras anécdotas en los almuerzos de los días domingos 287 veces y llega un minuto en que quizás es bueno que ellos vivan un poco lo que hicieron sus papás", dice Alonso, con pasado como rostro televisivo y hoy director de entretenimiento de T4F+Bizarro, pero que antes de todo eso fue líder y guitarrista del grupo.
En un principio, la banda se reuniría para grabar algunas de sus antiguas canciones, pero sobre la marcha también fueron surgiendo composiciones nuevas. "Las nuevas empezaron a salir después de este proceso en el que hubo reuniones donde volvió a pasar lo mismo que pasó hace 25 años, que fue juntarse, hacer clic y hacer magia", explica Espinoza, vocalista de la banda, quien actualmente es uno de los colaboradores más cercanos de la cantante Yuri, con la que está casado desde 1995.
En cuanto a las reversiones, entre las que se incluyen "Hay un límite" y otros sencillos de los dos discos que publicó la banda en los 90, Zerené aclara que "la esencia es la misma". "Las grabamos como son las originales, pero tocadas hoy día y sonando hoy día", explica el baterista. Alonso lo complementa riendo: "No hay ninguna colaboración con reguetoneros".
La vuelta de la banda a los estudios también ha implicado para algunos de sus integrantes retomar una pasión que habían dejado de lado. "Fui el que más me aleje de la música. Yo hace 15 años que no me colgaba un bajo. Y es un desafío porque tengo que cumplir, cumplirles a mis amigos y cumplirme a mí", dice Vianco, mientras Espinoza aclara que a pesar del tiempo, la banda retomó rápidamente el ritmo de sus inicios: "Es increíble cómo el engranaje volvió a funcionar después de tantos años".
Además de la grabación del nuevo material, el grupo no niega que les gustaría volver a compartir sobre un escenario y cuentan que han filmado todo este proceso, con lo que tendrían material para montar un proyecto audiovisual. Aunque, por ahora, prefieren ir paso a paso.
"A esta edad uno se toma todo con más calma. No estamos con esas ansias de cuando estábamos empezando, que queríamos que pasara todo al tiro. Ahora estamos enfocados en la grabación y en que quede lo mejor posible. Y de ahí las otras cosas se van a ir dando de a poco", dice Zerené.
En el aniversario de su canción más emblemática, el grupo prepara un trabajo que incluirá reversiones y canciones inéditas.
Raimundo Flores S.
Los integrantes de Aleste se definen antes que nada como un grupo de amigos y a pesar de que el destino los ha llevado por caminos separados, ahora que están reunidos queda claro que la conexión permanece intacta.
Alfredo Alonso, Rodrigo Espinoza, Lito Zerené y Ricardo Vianco comparten bromas y recuerdos reunidos en un estudio de grabación en Providencia, mientras explican las razones de su regreso. "Hoy somos papás, tenemos nuestros hijos y ellos han tenido que escuchar nuestras anécdotas en los almuerzos de los días domingos 287 veces y llega un minuto en que quizás es bueno que ellos vivan un poco lo que hicieron sus papás", dice Alonso, con pasado como rostro televisivo y hoy director de entretenimiento de T4F+Bizarro, pero que antes de todo eso fue líder y guitarrista del grupo.
En un principio, la banda se reuniría para grabar algunas de sus antiguas canciones, pero sobre la marcha también fueron surgiendo composiciones nuevas. "Las nuevas empezaron a salir después de este proceso en el que hubo reuniones donde volvió a pasar lo mismo que pasó hace 25 años, que fue juntarse, hacer clic y hacer magia", explica Espinoza, vocalista de la banda, quien actualmente es uno de los colaboradores más cercanos de la cantante Yuri, con la que está casado desde 1995.
En cuanto a las reversiones, entre las que se incluyen "Hay un límite" y otros sencillos de los dos discos que publicó la banda en los 90, Zerené aclara que "la esencia es la misma". "Las grabamos como son las originales, pero tocadas hoy día y sonando hoy día", explica el baterista. Alonso lo complementa riendo: "No hay ninguna colaboración con reguetoneros".
La vuelta de la banda a los estudios también ha implicado para algunos de sus integrantes retomar una pasión que habían dejado de lado. "Fui el que más me aleje de la música. Yo hace 15 años que no me colgaba un bajo. Y es un desafío porque tengo que cumplir, cumplirles a mis amigos y cumplirme a mí", dice Vianco, mientras Espinoza aclara que a pesar del tiempo, la banda retomó rápidamente el ritmo de sus inicios: "Es increíble cómo el engranaje volvió a funcionar después de tantos años".
Además de la grabación del nuevo material, el grupo no niega que les gustaría volver a compartir sobre un escenario y cuentan que han filmado todo este proceso, con lo que tendrían material para montar un proyecto audiovisual. Aunque, por ahora, prefieren ir paso a paso.
"A esta edad uno se toma todo con más calma. No estamos con esas ansias de cuando estábamos empezando, que queríamos que pasara todo al tiro. Ahora estamos enfocados en la grabación y en que quede lo mejor posible. Y de ahí las otras cosas se van a ir dando de a poco", dice Zerené.
"Nace una estrella": Cuatro inolvidables heroínas frente a frente
El Mercurio
Este jueves 11 llega a Chile el tercer remake de la clásica historia que debutó en 1937 con Janet Gaynor en el rol principal. En el nuevo filme la aplaudida protagonista es Lady Gaga. Entre ambas interpretaciones, en todo caso, otras dos versiones también dejaron profundas huellas en el público; la de Judy Garland, para la cinta de 1954; y la de Barbra Streisand, de 1976.
Fernando Zavala
Judy Garland, glamour a toda prueba
Con George Cukor al mando, "Nace una estrella" se convirtió en un musical. Y no dejó de serlo en sus versiones subsiguientes. James Mason era Norman Maine y Judy Garland -que con este rol volvió al cine luego de un alejamiento de cuatro años- se anotó uno de sus roles más importantes como Esther, que luego obtendría el nombre artístico de Vicky Lester. Esta Esther, en todo caso, no es una ingenua soñadora que llega a Hollywood a probar fortuna, como la de Janet Gaynor. Esta heroína ya trabaja en el medio, pero sigue siendo una figura anónima.
Acá, la famosa escena de la "humillación" es similar a la del filme de 1937, con Vicki Lester con su Oscar en la mano y Norman Maine borracho, propinando una accidental bofetada en pleno momento de la premiación.
La cinta, en todo caso, es una superproducción de la época, con casi tres horas de duración, cuidada producción, sofisticado vestuario y canciones inolvidables, como "The man that got away".
Lady Gaga, a la altura de sus ilustres predecesoras
Recientemente, Barbra Streisand le dio su bendición a la cuarta versión de la historia que ella protagonizó en 1976. Y alabó el trabajo de Lady Gaga, en su debut en una ficción en cine. Un sello de calidad nada de despreciable, porque la cantante de 32 años asumía un gran desafío al protagonizar esta película. Pero la crítica ha sido unánime: su interpretación está a la altura de sus predecesoras y logra darle un sello propio y una vulnerabilidad que la acerca más, en todo caso, a la Esther de Gaynor que a la de Streisand.
Acá, en el filme que debuta en Chile este jueves 11, Lady Gaga se llama Ally, una aspirante a cantante que trabaja de mesera y que canta en un club de travestis hasta donde llega buscando alcohol Jackson Maine (Bradley Cooper, protagonista y director), famoso cantante pero en franca decadencia debido a sus adicciones.
Lo que sigue se acerca casi con obediencia estricta a la historia clásica, aunque acá también opta por ambientar la historia en el mundo de la música y no del Hollywood de las primeras dos cintas; además, la escena de la "humillación" eleva la tensión. En realidad, todos aquellos momentos dolorosos, Cooper los hace aún más difíciles. Gaga, en efecto, deslumbra por su total honestidad ante la cámara. Y la química junto al actor-director es a prueba de balas.
La temporada de premios aún está a varios meses de distancia, pero los expertos ya apuestan a que la cinta seguirá la suerte de las antecesoras y obtendrá múltiples nominaciones al Oscar. La candidatura de su "nueva estrella" se da por segura.
Janet Gaynor, la estrella original
La primera ganadora del Oscar a Mejor Actriz de la historia (en 1929), Janet Gaynor, es también la primera actriz en interpretar a Esther Blodgett, una joven con sueños de convertirse en una estrella de Hollywood, bajo la dirección de William Wellman y con Fredric March como Norman Maine, el actor ya consagrado, alcohólico y con una personalidad autodestructiva que se enamora de ella. Él también la ayuda a saltar a la fama, y en el ascenso llega a opacarlo, algo que le pasará la cuenta a la relación llegando a un trágico desenlace.
En el filme -que ganó un Oscar por su guion y recibió otro especial por su fotografía en color-, la heroína de Gaynor era la máxima expresión de la época: ingenua, soñadora, romántica, sufrida y leal. Esta era una película sobre Hollywood, pero no en clave musical, la única de las cuatro versiones en no tocar esa tecla. Es, además, la más corta de todas, con una duración de 111 minutos.
La fuerza de Barbra Streisand
La versión de 1976, dirigida por Frank Pierson (guionista ganador del Oscar por "Tarde de perros") y con Barbra Streisand como Esther Hoffman (el nombre cambió en parte) es la más diferente de las cuatro existentes. De partida, fiel a la personalidad de Streisand, a esas alturas una figura más que consagrada, la heroína no es ingenua, sino una mujer segura de sí misma y de su talento, aunque las circunstancias no le permiten alcanzar la fama, hasta que conoce a John Norman Howard (otro cambio de nombre), interpretado por Kris Kristofferson. La banda sonora en clave rockera -la cinta ya no habla sobre actores, sino acerca de cantantes- también es inolvidable, especialmente por la balada ganadora del Oscar "Evergreen".
Este jueves 11 llega a Chile el tercer remake de la clásica historia que debutó en 1937 con Janet Gaynor en el rol principal. En el nuevo filme la aplaudida protagonista es Lady Gaga. Entre ambas interpretaciones, en todo caso, otras dos versiones también dejaron profundas huellas en el público; la de Judy Garland, para la cinta de 1954; y la de Barbra Streisand, de 1976.
Fernando Zavala
Judy Garland, glamour a toda prueba
Con George Cukor al mando, "Nace una estrella" se convirtió en un musical. Y no dejó de serlo en sus versiones subsiguientes. James Mason era Norman Maine y Judy Garland -que con este rol volvió al cine luego de un alejamiento de cuatro años- se anotó uno de sus roles más importantes como Esther, que luego obtendría el nombre artístico de Vicky Lester. Esta Esther, en todo caso, no es una ingenua soñadora que llega a Hollywood a probar fortuna, como la de Janet Gaynor. Esta heroína ya trabaja en el medio, pero sigue siendo una figura anónima.
Acá, la famosa escena de la "humillación" es similar a la del filme de 1937, con Vicki Lester con su Oscar en la mano y Norman Maine borracho, propinando una accidental bofetada en pleno momento de la premiación.
La cinta, en todo caso, es una superproducción de la época, con casi tres horas de duración, cuidada producción, sofisticado vestuario y canciones inolvidables, como "The man that got away".
Lady Gaga, a la altura de sus ilustres predecesoras
Recientemente, Barbra Streisand le dio su bendición a la cuarta versión de la historia que ella protagonizó en 1976. Y alabó el trabajo de Lady Gaga, en su debut en una ficción en cine. Un sello de calidad nada de despreciable, porque la cantante de 32 años asumía un gran desafío al protagonizar esta película. Pero la crítica ha sido unánime: su interpretación está a la altura de sus predecesoras y logra darle un sello propio y una vulnerabilidad que la acerca más, en todo caso, a la Esther de Gaynor que a la de Streisand.
Acá, en el filme que debuta en Chile este jueves 11, Lady Gaga se llama Ally, una aspirante a cantante que trabaja de mesera y que canta en un club de travestis hasta donde llega buscando alcohol Jackson Maine (Bradley Cooper, protagonista y director), famoso cantante pero en franca decadencia debido a sus adicciones.
Lo que sigue se acerca casi con obediencia estricta a la historia clásica, aunque acá también opta por ambientar la historia en el mundo de la música y no del Hollywood de las primeras dos cintas; además, la escena de la "humillación" eleva la tensión. En realidad, todos aquellos momentos dolorosos, Cooper los hace aún más difíciles. Gaga, en efecto, deslumbra por su total honestidad ante la cámara. Y la química junto al actor-director es a prueba de balas.
La temporada de premios aún está a varios meses de distancia, pero los expertos ya apuestan a que la cinta seguirá la suerte de las antecesoras y obtendrá múltiples nominaciones al Oscar. La candidatura de su "nueva estrella" se da por segura.
Janet Gaynor, la estrella original
La primera ganadora del Oscar a Mejor Actriz de la historia (en 1929), Janet Gaynor, es también la primera actriz en interpretar a Esther Blodgett, una joven con sueños de convertirse en una estrella de Hollywood, bajo la dirección de William Wellman y con Fredric March como Norman Maine, el actor ya consagrado, alcohólico y con una personalidad autodestructiva que se enamora de ella. Él también la ayuda a saltar a la fama, y en el ascenso llega a opacarlo, algo que le pasará la cuenta a la relación llegando a un trágico desenlace.
En el filme -que ganó un Oscar por su guion y recibió otro especial por su fotografía en color-, la heroína de Gaynor era la máxima expresión de la época: ingenua, soñadora, romántica, sufrida y leal. Esta era una película sobre Hollywood, pero no en clave musical, la única de las cuatro versiones en no tocar esa tecla. Es, además, la más corta de todas, con una duración de 111 minutos.
La fuerza de Barbra Streisand
La versión de 1976, dirigida por Frank Pierson (guionista ganador del Oscar por "Tarde de perros") y con Barbra Streisand como Esther Hoffman (el nombre cambió en parte) es la más diferente de las cuatro existentes. De partida, fiel a la personalidad de Streisand, a esas alturas una figura más que consagrada, la heroína no es ingenua, sino una mujer segura de sí misma y de su talento, aunque las circunstancias no le permiten alcanzar la fama, hasta que conoce a John Norman Howard (otro cambio de nombre), interpretado por Kris Kristofferson. La banda sonora en clave rockera -la cinta ya no habla sobre actores, sino acerca de cantantes- también es inolvidable, especialmente por la balada ganadora del Oscar "Evergreen".
Aznavour fue despedido con honores
El Mercurio
En su natal París y con un multitudinario funeral de Estado, fue homenajeado el ícono de la canción popular de su país, fallecido el pasado lunes. El Presidente Emmanuel Macron encabezó la ceremonia del pasado viernes 5 junto a su par armenio, Armen Sarkissian (ambos en la foto). Y al tributo final de ayer -su cuerpo descansará en el mausoleo familiar- asistieron varias personalidades del mundo artístico galo como los actores Jean-Paul Belmondo y Charles Gerard, y los cantantes Mireille Mathieu y Enrico Macias.
En su natal París y con un multitudinario funeral de Estado, fue homenajeado el ícono de la canción popular de su país, fallecido el pasado lunes. El Presidente Emmanuel Macron encabezó la ceremonia del pasado viernes 5 junto a su par armenio, Armen Sarkissian (ambos en la foto). Y al tributo final de ayer -su cuerpo descansará en el mausoleo familiar- asistieron varias personalidades del mundo artístico galo como los actores Jean-Paul Belmondo y Charles Gerard, y los cantantes Mireille Mathieu y Enrico Macias.
Paul McCartney confunde bandera chilena con tejana
En medio de su presentación en el festival Austin City Limits -con epicentro en la capital del estado de Texas- el ex integrante de los Beatles ondeó por error una bandera chilena como homenaje a sus anfitriones. La equivocación se dio gracias a que ambos estandartes son bastante similares, compartiendo colores y el motivo estrellado.
Muere Montserrat Caballé, una de las más grandes sopranos del siglo XX
El Mercurio
La cantante española tenía 85 años y estaba hospitalizada en Barcelona.
"La Superba", como era conocida en el mundo de la ópera, acumuló 50 años de destacada trayectoria, en los que encarnó fácilmente 90 roles. Premio Príncipe de Asturias 1991, Caballé fue tempranamente situada a la altura de otras grandes voces líricas, como Maria Callas y Joan Sutherland.
Daniela Silva Astorga
Aunque a inicios de los años 60, la joven Montserrat Caballé (1933) ya se había subido a distintos escenarios europeos para cantar en "La serva padrona" (Pergolesi), "La Bohème" (Puccini) y "Arabella" (Strauss), fue una emergencia lo que terminó catapultando su carrera, cuando, en 1965, debió reemplazar a la indispuesta mezzosoprano estadounidense Marilyn Horne, en "Lucrezia Borgia" (Donizetti). Entonces, el público del Carnegie Hall no escatimó en aplausos y The New York Times clasificó su voz como una prodigiosa combinación de las legendarias Maria Callas y Renata Tebaldi.
Desde ahí en adelante, el canto de Caballé -conocida por su dedicación al belcantismo- se proyectó en los más importantes teatros del mundo (y ella hizo su casa el Liceo de Barcelona), a través de unos 90 roles y un amplísimo repertorio, que, entre otras óperas, contempló "Cossì fan tutte" (Mozart), "Norma" (Bellini) -rol por el que se la consideró la mejor soprano después de Callas-, "Tristán e Isolda" (Wagner), y "Madama Butterfly", "Tosca" y "Turandot" (Puccini). Además trabajó siempre con las mejores orquestas y directores -como Herbert von Karajan, Leonard Bernstein, Claudio Abbado, Riccardo Muti-, y compartió con cantantes de la talla de Carlo Bergonzi, Alfredo Kraus, José Carreras y Plácido Domingo.
Las suyas fueron, en total, más de 4.000 presentaciones durante 50 años de carrera -se retiró en 2014-. Una trayectoria que la dejó posicionada como una de las voces líricas más importantes del siglo XX, y un legado que ahora resuena fuertemente en todo el mundo: Caballé murió ayer en la madrugada, a los 85 años, y será despedida mañana en el recinto funerario Les Corts.
Hace casi un mes había ingresado al hospital Sant Pau de Barcelona, por problemas a la vesícula. Pero en los últimos años ya se había visto complicada por una operación de hernia epigástrica, y en 2012 sufrió un derrame cerebral. Mientras que otra dificultad reciente fue la condena a seis meses de cárcel que recibió en 2015, tras defraudar por medio millón de euros a Hacienda. Pero al final, en vez de cumplir la condena, pagó una multa de 250.000 euros.
"Con Montserrat Caballé se extingue un período de oro del canto. Ella fue una de las voces más importantes del llamado rinascimento donizettiano . Una voz que parecía invencible, con un fiato prodigioso y una habilidad sobrenatural para los pianísimos. Voz hermosa, además, y de una expresividad entrañable en especial a la hora de describir la melancolía; por eso hacía tan bien Bellini. El fraseo de Donizetti está de duelo y parece una luz que languidece: hoy ya no se encuentra. Tampoco se deben olvidar sus notables aportes en el repertorio alemán, como su Salomé y su Mariscala, ambas de Richard Strauss", afirmó Juan Antonio Muñoz, crítico de ópera de "El Mercurio", al enterarse de la muerte de la cantante, que se presentó una sola vez en Santiago.
Fue en 1998 cuando, ya mayor, dio un recital en el Centro de Eventos San Carlos de Apoquindo, junto a su hija, también soprano, Montserrat Martí.
En la misma línea de vital importancia ubica a Caballé el director del Municipal de Santiago, Frédéric Chambert: "Fue una de las más grandes cantantes del siglo XX, con un repertorio que si bien se inició con el bel canto, luego se tornó extraordinariamente amplio. No hay gran rol pucciano, verdiano o del bel canto que ella no haya cantado al máximo brillo. Era una enorme trabajadora, con una capacidad de cuestionar constantemente sus interpretaciones, apoyándose siempre en una técnica fenomenal. Todo el mundo la admiró".
Voz prodigiosa y abierta
Montserrat Caballé nació el 12 de abril de 1933 en Barcelona, en el seno de una familia de orígenes humildes, y recibió el gusto por la música de su madre, quien tocaba el piano. A los 14 años, tomó sus primeras clases de canto, pero, dadas las estrecheces de su núcleo, debió siempre trabajar en simultáneo. El golpe de gracia lo recibió cuando sus mecenas la enviaron a Italia. Era 1956. En Nápoles, la española interpretó "La vida breve" (Manuel de Falla) y el director de la Ópera de Basilea quedó tan maravillado que le ofreció un contrato por tres años. Lo primero que allí interpretó fue "La Bohème", y ya en 1958, Caballé actuó en la Scala de Milán ("Parsifal", Wagner).
"No me considero una leyenda de la ópera, ni tampoco la última diva, como a veces escriben los periodistas. Cada época tiene sus divos, y en mi caso lo único que he hecho es hacer bien mi trabajo, lo mejor posible, al más alto nivel", comentó alguna vez Caballé, quien grabó más de 80 obras, y también llevó todo su profesionalismo y rigurosidad a la música popular, como cuando trabajó con el cantante Freddie Mercury -vocalista de Queen-, en 1988. Ambos se hicieron amigos, y juntos interpretaron y popularizaron el tema "Barcelona", que más adelante se usó en los Juegos Olímpicos de 1992.
"Semejante longevidad y variedad se explica por una técnica superlativa con la que Caballé supo llevar al máximo aprovechamiento sus dones naturales. Su voz recorría con soltura 2,3 octavas, desde el grave Si bemol 3 hasta el sobreagudo Mi bemol 6, y no meramente rozados, sino en plenitud. Su 'marca' quizá más personal, y la que el público siempre esperaba, era el despliegue de sus legendarios agudos en pianissimo , que podía sostener flotando durante 20 o más segundos, manteniéndolos audibles en un contexto de concertados y coro. Su manejo del fiato , su messa di voce , su fraseo, perdurarán como un modelo no fácilmente superable", concluye Francisco José Folch, integrante del directorio del Municipal de Santiago.
La afectuosa despedida de sus pares
Plácido Domingo
Tenor español
"Su voz era única, no se podía comparar con nadie, con un timbre único. Tenía una capacidad para unir frases, una detrás de la otra, que decías: 'Montserrat, ¿cuándo vas a respirar? (...). Con gran tristeza tomamos una noticia así, la muerte de una gran cantante española, catalana, de gran calidad humana", le comentó ayer el cantante al diario
El País de España.
José Carreras
Tenor español
"De todas las sopranos que he escuchado en vivo, no he escuchado nunca a ninguna cantar como Montserrat Caballé".
Annalisa Stroppa
Mezzosoprano italiana
"Estoy cantando en Madrid 'Fausto', y aquí todo el mundo está muy triste. En mi corazón le dedicaré la función de esta noche (ayer). Caballé fue una artista suprema y una de sus grandes enseñanzas es que la voz es la protagonista verdadera de la ópera. Con su voz, Montserrat nos mostró la verdadera esencia de este arte, regalándonos verdad y emoción".
Sylvia Sass
Soprano húngara
"Fue una mujer extraordinaria, con un gran corazón y con una voz sobrenatural. Esos sonidos que emergían de ella parecían venir del cielo. Aprecié fuertemente su Salomé, un rol que ella grabó y que no era habitual dentro de su repertorio, y también su notable 'Manon Lescaut' (Puccini). Pero cómo vamos a olvidar su entrega en Donizetti, en Bellini, y esos filados interminables con los que estremecía al público".
La cantante española tenía 85 años y estaba hospitalizada en Barcelona.
"La Superba", como era conocida en el mundo de la ópera, acumuló 50 años de destacada trayectoria, en los que encarnó fácilmente 90 roles. Premio Príncipe de Asturias 1991, Caballé fue tempranamente situada a la altura de otras grandes voces líricas, como Maria Callas y Joan Sutherland.
Daniela Silva Astorga
Aunque a inicios de los años 60, la joven Montserrat Caballé (1933) ya se había subido a distintos escenarios europeos para cantar en "La serva padrona" (Pergolesi), "La Bohème" (Puccini) y "Arabella" (Strauss), fue una emergencia lo que terminó catapultando su carrera, cuando, en 1965, debió reemplazar a la indispuesta mezzosoprano estadounidense Marilyn Horne, en "Lucrezia Borgia" (Donizetti). Entonces, el público del Carnegie Hall no escatimó en aplausos y The New York Times clasificó su voz como una prodigiosa combinación de las legendarias Maria Callas y Renata Tebaldi.
Desde ahí en adelante, el canto de Caballé -conocida por su dedicación al belcantismo- se proyectó en los más importantes teatros del mundo (y ella hizo su casa el Liceo de Barcelona), a través de unos 90 roles y un amplísimo repertorio, que, entre otras óperas, contempló "Cossì fan tutte" (Mozart), "Norma" (Bellini) -rol por el que se la consideró la mejor soprano después de Callas-, "Tristán e Isolda" (Wagner), y "Madama Butterfly", "Tosca" y "Turandot" (Puccini). Además trabajó siempre con las mejores orquestas y directores -como Herbert von Karajan, Leonard Bernstein, Claudio Abbado, Riccardo Muti-, y compartió con cantantes de la talla de Carlo Bergonzi, Alfredo Kraus, José Carreras y Plácido Domingo.
Las suyas fueron, en total, más de 4.000 presentaciones durante 50 años de carrera -se retiró en 2014-. Una trayectoria que la dejó posicionada como una de las voces líricas más importantes del siglo XX, y un legado que ahora resuena fuertemente en todo el mundo: Caballé murió ayer en la madrugada, a los 85 años, y será despedida mañana en el recinto funerario Les Corts.
Hace casi un mes había ingresado al hospital Sant Pau de Barcelona, por problemas a la vesícula. Pero en los últimos años ya se había visto complicada por una operación de hernia epigástrica, y en 2012 sufrió un derrame cerebral. Mientras que otra dificultad reciente fue la condena a seis meses de cárcel que recibió en 2015, tras defraudar por medio millón de euros a Hacienda. Pero al final, en vez de cumplir la condena, pagó una multa de 250.000 euros.
"Con Montserrat Caballé se extingue un período de oro del canto. Ella fue una de las voces más importantes del llamado rinascimento donizettiano . Una voz que parecía invencible, con un fiato prodigioso y una habilidad sobrenatural para los pianísimos. Voz hermosa, además, y de una expresividad entrañable en especial a la hora de describir la melancolía; por eso hacía tan bien Bellini. El fraseo de Donizetti está de duelo y parece una luz que languidece: hoy ya no se encuentra. Tampoco se deben olvidar sus notables aportes en el repertorio alemán, como su Salomé y su Mariscala, ambas de Richard Strauss", afirmó Juan Antonio Muñoz, crítico de ópera de "El Mercurio", al enterarse de la muerte de la cantante, que se presentó una sola vez en Santiago.
Fue en 1998 cuando, ya mayor, dio un recital en el Centro de Eventos San Carlos de Apoquindo, junto a su hija, también soprano, Montserrat Martí.
En la misma línea de vital importancia ubica a Caballé el director del Municipal de Santiago, Frédéric Chambert: "Fue una de las más grandes cantantes del siglo XX, con un repertorio que si bien se inició con el bel canto, luego se tornó extraordinariamente amplio. No hay gran rol pucciano, verdiano o del bel canto que ella no haya cantado al máximo brillo. Era una enorme trabajadora, con una capacidad de cuestionar constantemente sus interpretaciones, apoyándose siempre en una técnica fenomenal. Todo el mundo la admiró".
Voz prodigiosa y abierta
Montserrat Caballé nació el 12 de abril de 1933 en Barcelona, en el seno de una familia de orígenes humildes, y recibió el gusto por la música de su madre, quien tocaba el piano. A los 14 años, tomó sus primeras clases de canto, pero, dadas las estrecheces de su núcleo, debió siempre trabajar en simultáneo. El golpe de gracia lo recibió cuando sus mecenas la enviaron a Italia. Era 1956. En Nápoles, la española interpretó "La vida breve" (Manuel de Falla) y el director de la Ópera de Basilea quedó tan maravillado que le ofreció un contrato por tres años. Lo primero que allí interpretó fue "La Bohème", y ya en 1958, Caballé actuó en la Scala de Milán ("Parsifal", Wagner).
"No me considero una leyenda de la ópera, ni tampoco la última diva, como a veces escriben los periodistas. Cada época tiene sus divos, y en mi caso lo único que he hecho es hacer bien mi trabajo, lo mejor posible, al más alto nivel", comentó alguna vez Caballé, quien grabó más de 80 obras, y también llevó todo su profesionalismo y rigurosidad a la música popular, como cuando trabajó con el cantante Freddie Mercury -vocalista de Queen-, en 1988. Ambos se hicieron amigos, y juntos interpretaron y popularizaron el tema "Barcelona", que más adelante se usó en los Juegos Olímpicos de 1992.
"Semejante longevidad y variedad se explica por una técnica superlativa con la que Caballé supo llevar al máximo aprovechamiento sus dones naturales. Su voz recorría con soltura 2,3 octavas, desde el grave Si bemol 3 hasta el sobreagudo Mi bemol 6, y no meramente rozados, sino en plenitud. Su 'marca' quizá más personal, y la que el público siempre esperaba, era el despliegue de sus legendarios agudos en pianissimo , que podía sostener flotando durante 20 o más segundos, manteniéndolos audibles en un contexto de concertados y coro. Su manejo del fiato , su messa di voce , su fraseo, perdurarán como un modelo no fácilmente superable", concluye Francisco José Folch, integrante del directorio del Municipal de Santiago.
La afectuosa despedida de sus pares
Plácido Domingo
Tenor español
"Su voz era única, no se podía comparar con nadie, con un timbre único. Tenía una capacidad para unir frases, una detrás de la otra, que decías: 'Montserrat, ¿cuándo vas a respirar? (...). Con gran tristeza tomamos una noticia así, la muerte de una gran cantante española, catalana, de gran calidad humana", le comentó ayer el cantante al diario
El País de España.
José Carreras
Tenor español
"De todas las sopranos que he escuchado en vivo, no he escuchado nunca a ninguna cantar como Montserrat Caballé".
Annalisa Stroppa
Mezzosoprano italiana
"Estoy cantando en Madrid 'Fausto', y aquí todo el mundo está muy triste. En mi corazón le dedicaré la función de esta noche (ayer). Caballé fue una artista suprema y una de sus grandes enseñanzas es que la voz es la protagonista verdadera de la ópera. Con su voz, Montserrat nos mostró la verdadera esencia de este arte, regalándonos verdad y emoción".
Sylvia Sass
Soprano húngara
"Fue una mujer extraordinaria, con un gran corazón y con una voz sobrenatural. Esos sonidos que emergían de ella parecían venir del cielo. Aprecié fuertemente su Salomé, un rol que ella grabó y que no era habitual dentro de su repertorio, y también su notable 'Manon Lescaut' (Puccini). Pero cómo vamos a olvidar su entrega en Donizetti, en Bellini, y esos filados interminables con los que estremecía al público".
Los musicales arrasan en la cartelera de Madrid
El Mercurio
A los tres que actualmente se presentan con éxito, se anuncia el estreno de otros nueve de aquí a fin de año, que se sumarán a una numerosa oferta de obras de otros géneros.
MARIO VALLE
MADRID Junto con el inicio del otoño, comienza en esta ciudad una nueva temporada teatral. Madrid no es Nueva York y su Gran Vía tampoco es Broadway. Pero, poco a poco, comienzan a asimilarse. Tanto por los teatros que se han rescatado en esa arteria y se han destinado a las artes escénicas como por los grandes carteles que se ven en calles y buses promocionando distintas obras, principalmente musicales.
Si bien es cierto que Nueva York, Londres y Buenos Aires son las principales plazas teatrales en la actualidad, esta capital no se queda atrás, y en esta nueva temporada que se inicia hay una oferta de más de un centenar de piezas que van desde los clásicos a las comedias, pasando por los dramas y los espectáculos de humor. Sin embargo, llama la atención la cantidad de musicales que se presentan y que se anuncian para las próximas semanas.
Soberano indiscutible de la cartelera madrileña es desde hace ya siete años "El rey león", la misma producción estrenada en Broadway en 1997 creada por Julie Taymor y con música de Elton John y Tim Rice. Con la dirección de David Serrano, aquí se presenta en el Teatro Lope de Vega, en plena Gran Vía, que debió adecuarse para dar cabida a este complejo y costoso montaje que relata la historia de Simba en la selva africana tras la muerte de su padre.
Ha sido representado en 18 países y España es el primero de habla hispana en que se realiza. Cuenta con 50 actores en escena y una vistosa escenografía y vestuario. El elenco es multicultural y hay actores de México, Brasil, Sudáfrica, Cuba, Francia, República Dominicana, Italia, Nigeria, Corea del Sur y, obviamente, de España. El protagonista es el actor y bailarín brasileño Tiago Barbosa. La gran afluencia de espectadores hace prever que aún permanecerá por varias temporadas.
En la senda de comprar derechos de éxitos de Broadway y Londres, está el maravilloso montaje de "Billy Elliot", que nada tiene que envidiar a sus originales. El Nuevo Teatro Alcalá cobija desde hace ya dos años este montaje sobre el niño que, en medio de las protestas mineras en Inglaterra en los años 80, intenta cumplir su sueño de ser bailarín de ballet. Esta obra ha sido destacada por su cuidada escenografía, vestuario y actuación, en especial de los menores que interpretan a Billy, que son ocho y que se van alternando en las funciones.
Y convertido en un fenómeno local es el musical "La llamada" de Javier Ambrosi y Javier Calvo, que ya lleva cinco años a tablero vuelto y que ha sido visto por más de 500 mil espectadores. Ha dado origen a una película y a representaciones en otros países. De hecho, esta semana se estrenó la versión chilena. Trata de las vivencias de dos adolescentes que asisten a un campamento de verano dirigido por unas religiosas.
Pero se anuncian más. Anoche debutó "Anastasia", que fue estrenado en Broadway en 2017, inspirado en la película animada de Fox y en la cinta que en 1956 protagonizó Ingrid Bergman. Cuenta la leyenda de la hija menor del zar de Rusia Nicolás II, quien murió asesinado junto a su familia en 1918 tras el triunfo de la revolución. Ella habría escapado de ese trágico fin consiguiendo huir a París, donde encuentra su verdadera identidad. Dirigido por Darko Tresnjak con libreto del guionista Terrence McNally, Madrid es la primera ciudad europea en que se estrena. La protagonista es Jana Gómez, quien recientemente participó en el musical "Casi normales".
Coincidiendo con el centenario del nacimiento del músico Leonard Bernstein, comenzó esta semana su obra "West Side story", que en 1961 llegó al cine y luego a las tablas. Esta pieza, una versión de Romeo y Julieta ambientada en los suburbios de Nueva York de los años 50, es protagonizada por Talía del Val y Javier Ariano.
Otros musicales, basados en exitosas películas, también se presentarán: "Dirty dancing", que luego de una exitosa temporada en esta ciudad y otras de España vuelve a la cartelera, y se estrenarán "El joven Frankenstein" y "El Molino Rojo".
Hechos en España
Y ante el éxito de "La llamada" hay nuevas producciones musicales de factura local. Grandes expectativas hay con el próximo estreno de "El médico", un costoso montaje basado en el best seller del escritor estadounidense Noah Gordon. Publicado en 1986, ha logrado vender más de 10 millones de libros en 30 países. Se trata de un estreno mundial dirigido por José Luis Sixto, con música de Iván Macías y textos de Félix Amador. El elenco de 30 actores lo encabeza Adrián Salzedo, quien antes protagonizó "La bella y la bestia" y "Aladino". Es la historia de un joven aprendiz de cirujano en la Inglaterra del siglo XI, que tiene el don de predecir la muerte, y que decide viajar a Persia para convertirse en médico. Se ha anunciado que tendrá un gran despliegue de escenografía y tecnología.
Una gigantesca carpa abovedada se instaló en un terreno de 7 mil metros cuadrados en el centro de eventos Ifema de Madrid para la representación de "33, el musical". Original de Toño Marín, relatará la vida de Jesucristo con variados cuadros musicales y un numeroso elenco.
Y el éxito de la literatura infantil y juvenil de España de los últimos años, "Los futbolísimos" de Roberto Santiago, también llegará a los escenarios como un musical tras una versión cinematográfica. Relata las historias y aventuras de un grupo de niños.
Desde Buenos Aires y luego de una exitosa temporada de tres años en el Teatro Maipo se presentará "Sueño de una noche de verano", dirigida por Carla Calabrese y basado en el clásico de William Shakespeare. Este montaje, en clave rock, cuenta con una escenografía de material ecológico.
Elencos con conocidas figuras del cine, la TV y la música
Esta nueva temporada teatral cuenta con la participación de actores que son conocidos por su participación en cine y TV.
Tras desarrollar una exitosa carrera como cantante de más de 30 años, Lolita Flores apostó por la actuación. La hija de "la Faraona" (Lola Flores) ganó un Goya en 2002 por la película "Rencor". Luego derivó al teatro, con montajes como "Sofocos", "Prefiero que seamos amigos" y su aplaudido monólogo "La Plaza Diamante", que presentó en Santiago el año pasado. Ahora participa en "Fedra", texto de Paco Becerra, inspirado en la tragedia de Eurípides. Su interpretación de una mujer atormentada por una pasión que no puede reprimir -su amor por el hijo de su esposo, el rey, y que no es correspondido-, le ha valido elogios de la crítica. Está muy bien secundada por un elenco que integran Juan Fernández, Críspulo Cabezas, Eneko Sagardoy y Tina Sainz. Después de Madrid girará por varias otras ciudades.
El actor de filmes como "La mala educación" y "Eva", y de las series "Bajo sospecha" y "Gran Hotel", Lluís Homar presenta "Tierra baja", obra clásica de la dramaturgia catalana, de Ángel Guimará. Homar asume en solitario todos los roles del montaje.
Dos intérpretes de larga y reconocida trayectoria como José Sacristán y Concha Velasco, también están esta temporada. El primero es parte "El pan y la sal", sobre la polémica que surgió con la investigación del juez Baltazar Garzón de los crímenes del franquismo, tras las denuncia de familiares de desaparecidos en 2006, mientras que Velasco protagoniza la hilarante comedia "El funeral", donde interpreta a una actriz que muere, pero reaparece en su velorio para despedirse a lo grande.
Igualmente, se puede ver al comediante Santiago Segura ("Torrente") en "El sentido del humor" y a Fele Martínez ("Tesis", "Hable con ella") en la comedia "Todas las mujeres", mientras que Jorge Sanz ("Belle epoque", "La niña de tus ojos") estrenará a fines de año la adaptación de la novela de Agatha Christie "Muerte en el Nilo".
Y para comienzos de 2019 se anunció el regreso a los escenarios de Carmen Maura ("Mujeres al borde de un ataque de nervios", "Volver"), quien protagonizará "La golondrina", obra sobre el terrorismo y la libertad sexual.
Otros títulos
Esta contundente cartelera cuenta además con clásicos como "Jane Eyre", de Charlotte Brontë; "Un enemigo del pueblo", de Henrik Ibsen; Otelo", de William Shakespeare, y "Yerma", de Federico García Lorca; dramas contemporáneos como "El curioso incidente del perro de medianoche", de Mark Haddon y "Cinco horas con Mario", de Miguel Delibes, y las comedias "Taxi", de Ray Cooney; "Orgasmos", de Dan Israely; "La ternura", inspirada en el universo de Shakespeare, y "Perfectos desconocidos", basada en la película italiana de Paolo Genovese, que también tuvo una taquillera versión cinematográfica en España dirigida por Álex de la Iglesia.
A los tres que actualmente se presentan con éxito, se anuncia el estreno de otros nueve de aquí a fin de año, que se sumarán a una numerosa oferta de obras de otros géneros.
MARIO VALLE
MADRID Junto con el inicio del otoño, comienza en esta ciudad una nueva temporada teatral. Madrid no es Nueva York y su Gran Vía tampoco es Broadway. Pero, poco a poco, comienzan a asimilarse. Tanto por los teatros que se han rescatado en esa arteria y se han destinado a las artes escénicas como por los grandes carteles que se ven en calles y buses promocionando distintas obras, principalmente musicales.
Si bien es cierto que Nueva York, Londres y Buenos Aires son las principales plazas teatrales en la actualidad, esta capital no se queda atrás, y en esta nueva temporada que se inicia hay una oferta de más de un centenar de piezas que van desde los clásicos a las comedias, pasando por los dramas y los espectáculos de humor. Sin embargo, llama la atención la cantidad de musicales que se presentan y que se anuncian para las próximas semanas.
Soberano indiscutible de la cartelera madrileña es desde hace ya siete años "El rey león", la misma producción estrenada en Broadway en 1997 creada por Julie Taymor y con música de Elton John y Tim Rice. Con la dirección de David Serrano, aquí se presenta en el Teatro Lope de Vega, en plena Gran Vía, que debió adecuarse para dar cabida a este complejo y costoso montaje que relata la historia de Simba en la selva africana tras la muerte de su padre.
Ha sido representado en 18 países y España es el primero de habla hispana en que se realiza. Cuenta con 50 actores en escena y una vistosa escenografía y vestuario. El elenco es multicultural y hay actores de México, Brasil, Sudáfrica, Cuba, Francia, República Dominicana, Italia, Nigeria, Corea del Sur y, obviamente, de España. El protagonista es el actor y bailarín brasileño Tiago Barbosa. La gran afluencia de espectadores hace prever que aún permanecerá por varias temporadas.
En la senda de comprar derechos de éxitos de Broadway y Londres, está el maravilloso montaje de "Billy Elliot", que nada tiene que envidiar a sus originales. El Nuevo Teatro Alcalá cobija desde hace ya dos años este montaje sobre el niño que, en medio de las protestas mineras en Inglaterra en los años 80, intenta cumplir su sueño de ser bailarín de ballet. Esta obra ha sido destacada por su cuidada escenografía, vestuario y actuación, en especial de los menores que interpretan a Billy, que son ocho y que se van alternando en las funciones.
Y convertido en un fenómeno local es el musical "La llamada" de Javier Ambrosi y Javier Calvo, que ya lleva cinco años a tablero vuelto y que ha sido visto por más de 500 mil espectadores. Ha dado origen a una película y a representaciones en otros países. De hecho, esta semana se estrenó la versión chilena. Trata de las vivencias de dos adolescentes que asisten a un campamento de verano dirigido por unas religiosas.
Pero se anuncian más. Anoche debutó "Anastasia", que fue estrenado en Broadway en 2017, inspirado en la película animada de Fox y en la cinta que en 1956 protagonizó Ingrid Bergman. Cuenta la leyenda de la hija menor del zar de Rusia Nicolás II, quien murió asesinado junto a su familia en 1918 tras el triunfo de la revolución. Ella habría escapado de ese trágico fin consiguiendo huir a París, donde encuentra su verdadera identidad. Dirigido por Darko Tresnjak con libreto del guionista Terrence McNally, Madrid es la primera ciudad europea en que se estrena. La protagonista es Jana Gómez, quien recientemente participó en el musical "Casi normales".
Coincidiendo con el centenario del nacimiento del músico Leonard Bernstein, comenzó esta semana su obra "West Side story", que en 1961 llegó al cine y luego a las tablas. Esta pieza, una versión de Romeo y Julieta ambientada en los suburbios de Nueva York de los años 50, es protagonizada por Talía del Val y Javier Ariano.
Otros musicales, basados en exitosas películas, también se presentarán: "Dirty dancing", que luego de una exitosa temporada en esta ciudad y otras de España vuelve a la cartelera, y se estrenarán "El joven Frankenstein" y "El Molino Rojo".
Hechos en España
Y ante el éxito de "La llamada" hay nuevas producciones musicales de factura local. Grandes expectativas hay con el próximo estreno de "El médico", un costoso montaje basado en el best seller del escritor estadounidense Noah Gordon. Publicado en 1986, ha logrado vender más de 10 millones de libros en 30 países. Se trata de un estreno mundial dirigido por José Luis Sixto, con música de Iván Macías y textos de Félix Amador. El elenco de 30 actores lo encabeza Adrián Salzedo, quien antes protagonizó "La bella y la bestia" y "Aladino". Es la historia de un joven aprendiz de cirujano en la Inglaterra del siglo XI, que tiene el don de predecir la muerte, y que decide viajar a Persia para convertirse en médico. Se ha anunciado que tendrá un gran despliegue de escenografía y tecnología.
Una gigantesca carpa abovedada se instaló en un terreno de 7 mil metros cuadrados en el centro de eventos Ifema de Madrid para la representación de "33, el musical". Original de Toño Marín, relatará la vida de Jesucristo con variados cuadros musicales y un numeroso elenco.
Y el éxito de la literatura infantil y juvenil de España de los últimos años, "Los futbolísimos" de Roberto Santiago, también llegará a los escenarios como un musical tras una versión cinematográfica. Relata las historias y aventuras de un grupo de niños.
Desde Buenos Aires y luego de una exitosa temporada de tres años en el Teatro Maipo se presentará "Sueño de una noche de verano", dirigida por Carla Calabrese y basado en el clásico de William Shakespeare. Este montaje, en clave rock, cuenta con una escenografía de material ecológico.
Elencos con conocidas figuras del cine, la TV y la música
Esta nueva temporada teatral cuenta con la participación de actores que son conocidos por su participación en cine y TV.
Tras desarrollar una exitosa carrera como cantante de más de 30 años, Lolita Flores apostó por la actuación. La hija de "la Faraona" (Lola Flores) ganó un Goya en 2002 por la película "Rencor". Luego derivó al teatro, con montajes como "Sofocos", "Prefiero que seamos amigos" y su aplaudido monólogo "La Plaza Diamante", que presentó en Santiago el año pasado. Ahora participa en "Fedra", texto de Paco Becerra, inspirado en la tragedia de Eurípides. Su interpretación de una mujer atormentada por una pasión que no puede reprimir -su amor por el hijo de su esposo, el rey, y que no es correspondido-, le ha valido elogios de la crítica. Está muy bien secundada por un elenco que integran Juan Fernández, Críspulo Cabezas, Eneko Sagardoy y Tina Sainz. Después de Madrid girará por varias otras ciudades.
El actor de filmes como "La mala educación" y "Eva", y de las series "Bajo sospecha" y "Gran Hotel", Lluís Homar presenta "Tierra baja", obra clásica de la dramaturgia catalana, de Ángel Guimará. Homar asume en solitario todos los roles del montaje.
Dos intérpretes de larga y reconocida trayectoria como José Sacristán y Concha Velasco, también están esta temporada. El primero es parte "El pan y la sal", sobre la polémica que surgió con la investigación del juez Baltazar Garzón de los crímenes del franquismo, tras las denuncia de familiares de desaparecidos en 2006, mientras que Velasco protagoniza la hilarante comedia "El funeral", donde interpreta a una actriz que muere, pero reaparece en su velorio para despedirse a lo grande.
Igualmente, se puede ver al comediante Santiago Segura ("Torrente") en "El sentido del humor" y a Fele Martínez ("Tesis", "Hable con ella") en la comedia "Todas las mujeres", mientras que Jorge Sanz ("Belle epoque", "La niña de tus ojos") estrenará a fines de año la adaptación de la novela de Agatha Christie "Muerte en el Nilo".
Y para comienzos de 2019 se anunció el regreso a los escenarios de Carmen Maura ("Mujeres al borde de un ataque de nervios", "Volver"), quien protagonizará "La golondrina", obra sobre el terrorismo y la libertad sexual.
Otros títulos
Esta contundente cartelera cuenta además con clásicos como "Jane Eyre", de Charlotte Brontë; "Un enemigo del pueblo", de Henrik Ibsen; Otelo", de William Shakespeare, y "Yerma", de Federico García Lorca; dramas contemporáneos como "El curioso incidente del perro de medianoche", de Mark Haddon y "Cinco horas con Mario", de Miguel Delibes, y las comedias "Taxi", de Ray Cooney; "Orgasmos", de Dan Israely; "La ternura", inspirada en el universo de Shakespeare, y "Perfectos desconocidos", basada en la película italiana de Paolo Genovese, que también tuvo una taquillera versión cinematográfica en España dirigida por Álex de la Iglesia.
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