El Mercurio
La figura del trap local y el intérprete más nominado de los Premios Pulsar comienza una nueva etapa con el lanzamiento de “Más”, primer sencillo de un nuevo álbum que saldrá en agosto.
José Vásquez
Al comienzo, cuenta Gianluca (23), vino la pausa. La pandemia canceló toda posibilidad de seguir desarrollando una carrera en directo que, en una analogía económica, cotizaba fuertemente al alza.
Para la voz de “Sismo”, 2019 fue un año de expansión internacional, donde su trabajo alcanzó el respaldo y logró repercusión gracias a las positivas críticas que tuvo su disco debut “Yin Yang”, uno de los mejores álbumes latinos de la temporada, según la revista Rolling Stone.
Su primer largaduración salió en octubre del año pasado y tuvo un lanzamiento que agotó entradas en el Teatro Teletón el 7 marzo, un envión auspicioso, pero que solo unos días después, el coronavirus terminaría frenando y adelantando el cierre de una exitosa etapa que, en el breve lapso, lo tuvo girando por España, México, Estados Unidos y Canadá.
“Si el lanzamiento hubiera sido una semana después, peligraba su realización”, señala Gianluca, quien por un lado siente alivio de no haber quedado con ese concierto pendiente, su mayor producción a la fecha, porque, cuenta, “es el mejor show que he dado hasta ahora”.
“Por una parte, tuve que dejar de lado un plan con varias fechas fuera que tenía planificadas con mucha anticipación. Viajes en los que también quería reunirme con algunos productores, pero dentro de todo, siento que esta pausa me vino bien, en el sentido creativo de abrirme a hacer más cosas”, plantea el músico que puso en marcha, durante la cuarentena, el trabajo para grabar un mixtape con 11 nuevos temas.
Esta noche, a las 20:00 horas, la figura del trap local estrenará “Más”, la primera muestra de “G-Love 2”, que lanzará el próximo 12 de agosto. “Volví con mucha energía de la gira que hice a fines del año pasado y me puse a trabajar en nuevas canciones, que ahora en el confinamiento concreté”, dice Gianluca, quien anticipa diferencias con su último álbum, ya que presenta “una estética diferente, más cruda y más directa”, además de “un sonido más bailable, influenciado por el funk carioca”.
El músico adelanta que habrá colaboraciones internacionales en el disco, además de figuras locales, como Young Cister.
Protagonista en los Premios Pulsar
Gianluca señala que no se ha generado demasiadas expectativas frente a la próxima entrega virtual de los Premios Pulsar, de este 15 de julio, a la que llega como el más nominado, apareciendo su nombre en cinco categorías.
“Espero ganar los premios, como todos los que participan, pero en general trato de no darles tanta importancia”, sostiene el joven cantante que de todas formas valora esta ceremonia. “Es la instancia que tenemos de celebrarnos y siento que es una acción cultural donde deberíamos valorar más lo nuestro”, señala sobre el principal encuentro de la música nacional.
jueves, julio 09, 2020
Vida de Mercedes Sosa será llevada a una miniserie
El Mercurio
Los nietos de la intérprete argentina, fallecida en 2009 a los 74 años, dieron su autorización para que la productora Cinema 7 Films haga una miniserie sobre la vida y obra de la artista. La producción, que tendrá 13 capítulos y material inédito, aún no ha definido el elenco ni la plataforma por la que se emitirá. Los dos nietos de Sosa se hicieron cargo de esta decisión, ya que Fabián, el único hijo de la artista, murió el año pasado.
Festivales de cine forman una alianza debido a la pandemia
Los certámenes de Venecia, Toronto, Telluride y Nueva York anunciaron ayer un trabajo colaborativo y no de competencia entre ellos, a raíz de la crisis en la industria por la pandemia. En un comunicado conjunto, sus directivos dijeron estar compartiendo ideas e información. “Estamos ofreciendo nuestros festivales como plataforma para el mejor cine que podamos encontrar”, señalaron.
Los nietos de la intérprete argentina, fallecida en 2009 a los 74 años, dieron su autorización para que la productora Cinema 7 Films haga una miniserie sobre la vida y obra de la artista. La producción, que tendrá 13 capítulos y material inédito, aún no ha definido el elenco ni la plataforma por la que se emitirá. Los dos nietos de Sosa se hicieron cargo de esta decisión, ya que Fabián, el único hijo de la artista, murió el año pasado.
Festivales de cine forman una alianza debido a la pandemia
Los certámenes de Venecia, Toronto, Telluride y Nueva York anunciaron ayer un trabajo colaborativo y no de competencia entre ellos, a raíz de la crisis en la industria por la pandemia. En un comunicado conjunto, sus directivos dijeron estar compartiendo ideas e información. “Estamos ofreciendo nuestros festivales como plataforma para el mejor cine que podamos encontrar”, señalaron.
miércoles, julio 08, 2020
Ringo Starr celebró sus 80 años cantando virtualmente con sus amigos
El Mercurio
El encuentro también fue solidario y mezcló videos de archivo, recordando una reunión con Paul McCartney con grabaciones realizadas especialmente para esta ocasión.
Por JOSÉ VÁSQUEZ
De cierta forma, contó Ringo Starr, en la previa a la celebración de sus 80 años, que pese a su nuevo cumpleaños, su espíritu todavía seguiría siendo el de un muchacho de 79.
El popular baterista había planificado un festejo en grande para estas ocho décadas, con un espectáculo al aire libre a un costado del emblemático edificio de Capitol Records ––el de planta circular–– ubicado en pleno Hollywood, pero la pandemia lo obligó a moderar sus aspiraciones. Por eso, aseguró, que la gran fiesta llegará recién el próximo año.
Pese a ello, aunque haya sido un encuentro a menor escala, un exbeatle siempre generará interés.
Anoche Ringo emitió a través de su página de YouTube el “Ringo's Big Birthday Show”, que mezcló videos de archivo, como al inicio, con el recuerdo de una versión en vivo de “I don't come easy” ––con agradecimientos al fallecido George Harrison, con quien la registró a comienzos de los 70–– y otras grabaciones especialmente hechas para esta transmisión como el clásico del “Abbey Road” “Come Together”, con Sheila E., o una sencilla “All You Need Is Love”, a cargo de Sheryl Crowe.
Un cartel estelar en el que también participaron Joe Walsh, Ben Harper tocando vía remota junto a Dave Grohl, Gary Clark Jr. y dejando para el final otra reunión sacada de la videografía del archivo con su viejo socio, Paul McCartney, para una rockera interpretación de “Helter Skelter”.
La transmisión entregó además una inédita reunión de estrellas como el actor y músico Jeff Bridges y los cantantes Elvis Costello y Willie Nelson, para una nueva versión del tema de Ringo Starr, lanzado en 2017, “Give More Love”.
El evento también tuvo una finalidad solidaria, entregando apoyo a diversas organizaciones, entre ellas Black Lives Matter y Musicares, brindando la opción a quienes siguieron la emisión de realizar donaciones a través de la página web del artista.
Paz y amor en California
Ringo Starr contó a la revista Rolling Stone que esta pandemia la ha vivido confinado en su hogar de Los Angeles, donde ha estado encerrado las últimas 11 semanas, tiempo en el que, aparte de tocar recién últimamente, ha aprovechado para pintar, disfrutar del sol californiano y llevar una vida saludable, lejos de los excesos de décadas pasadas.
El claustro obligado lo remontó en una vuelta cíclica a su niñez, cuando primero a los seis y luego a los 13 años vivió largos períodos hospitalizado por una peritonitis y una tuberculosis, respectivamente, recordó con la revista.
“La primera vez estuve un año en el hospital”, dijo el músico, prácticamente el mismo tiempo que estuvo la segunda vez, cuando surgió su interés por ser baterista. “Cuando me mejoré fui directo a las tiendas de música de Liverpool a ver baterías”, contó sobre una etapa que fortaleció su carácter, que derivó en un tipo siempre positivo adscrito a un lema que repite como mantra, el de “paz y amor”, como si aún estuviera envuelto en la década del 60.
Un ánimo vital que se ve reflejado en la forma en la que enfrenta su llegada a los 80 años. “‘¿80? Hombre, solo tengo 24”, le dijo a la publicación estadounidense y se largó a reír. Aunque luego lo abordó de forma más seria. “Es algo bueno y malo, porque 80 es como llegar muy lejos”, reflexionó, para luego recordar que “los 70 fueron fáciles y lo pasamos muy bien en el Radio Music Hall de Nueva York, donde Paul (McCartney) me sorprendió y tocó conmigo”, repasó, cuando su colega de Los Beatles irrumpió en el escenario para interpretar el tema ad hoc a la ocasión, “Birthday”.
En el ejercicio matemático de la edad, Ringo Starr situó a los 40 años como el instante clave en la vida de un hombre. “Creo que esa fue la edad más difícil. Pasar los 40 es como la maldita canción ‘Life begins at 40' (la vida comienza a los 40). Y este (cumpleaños) será lo que será. Voy a seguir diciendo que tengo 79, porque espero poder celebrar el próximo año”, se mentalizó con fuerza el músico.
Escritos sobre el arte chileno del siglo XX echan raíces en Houston
El Mercurio
El International Center for the Arts of the Americas reúne en su web los resultados de una investigación a cargo de Sebastián Valenzuela-Valdivia.
Daniela Silva Astorga
Hace una semana, 40 textos sobre arte chileno, de autores como Guillermo Machuca, Eugenia Brito, Adriana Valdés y Ronald Kay, entraron al sitio web del International Center for the Arts of the Americas (ICAA), que depende del Museum of Fine Arts de Houston. Y durante 2020 habrá más documentos históricos —de artistas, teóricos y críticos— en línea. Hasta ahora, nuestro país estaba afuera del conjunto, el más grande dedicado al arte latinoamericano, que reúne más de diez mil fuentes de Argentina, Brasil, Colombia, Cuba, Perú y Venezuela, entre otras naciones, además de comunidades latinas de Estados Unidos.
Proyecto titánico
La curadora Mari Carmen Ramírez dirige el ICAA (Icaa.mfah.org). Pero en este hito está involucrado también Juan Yarur, quien apoyó la pesquisa y composición del capítulo chileno con la Fundación AMA, que preside. Desde Santiago, el historiador Sebastián Valenzuela-Valdivia lleva dos años de investigación, y en el proceso ha tomado contacto con Luz Muñoz, también chilena, pero instalada en Houston.
“Este proyecto es titánico. El ICAA busca representar un continente completo, a través de una mirada latinoamericana. El fin es posicionar aquello a nivel internacional, porque, finalmente, los discursos que circulan en Estados Unidos y Europa son vistos como historia universal. Al inscribir estos textos, circulan los discursos, pero también las obras de arte a las que se refieren”, explica Valenzuela-Valdivia, quien es director de la plataforma Écfrasis y trabajó en el Centro de Documentación de las Artes Visuales chileno, cuando estaba en el Centro Cultural La Moneda. Ahora está en el Centro de Cerrillos. “El Cedoc es uno de los acervos más relevantes a nivel latinoamericano”, suma.
Sobre Chile, en el ICAA es posible revisar, entre otros, una entrevista de la poeta Soledad Fariña a Juan Downey; un texto de Víctor Hugo Codocedo sobre la pintura de Gonzalo Díaz, y otro de Pablo Oyarzún sobre las instalaciones de Virginia Errázuriz. Todo se complementa con un resumen y notas críticas.
“La investigación apuntó a visiones variopintas —afirma Valenzuela-Valdivia—, con foco en el siglo XX. Por eso, hay textos desde Waldemar Sommer hasta Nelly Richard. Se busca abarcar la mayor cantidad de discursos, sin casarse con una postura ideológica, política o artística”.
El International Center for the Arts of the Americas reúne en su web los resultados de una investigación a cargo de Sebastián Valenzuela-Valdivia.
Daniela Silva Astorga
Hace una semana, 40 textos sobre arte chileno, de autores como Guillermo Machuca, Eugenia Brito, Adriana Valdés y Ronald Kay, entraron al sitio web del International Center for the Arts of the Americas (ICAA), que depende del Museum of Fine Arts de Houston. Y durante 2020 habrá más documentos históricos —de artistas, teóricos y críticos— en línea. Hasta ahora, nuestro país estaba afuera del conjunto, el más grande dedicado al arte latinoamericano, que reúne más de diez mil fuentes de Argentina, Brasil, Colombia, Cuba, Perú y Venezuela, entre otras naciones, además de comunidades latinas de Estados Unidos.
Proyecto titánico
La curadora Mari Carmen Ramírez dirige el ICAA (Icaa.mfah.org). Pero en este hito está involucrado también Juan Yarur, quien apoyó la pesquisa y composición del capítulo chileno con la Fundación AMA, que preside. Desde Santiago, el historiador Sebastián Valenzuela-Valdivia lleva dos años de investigación, y en el proceso ha tomado contacto con Luz Muñoz, también chilena, pero instalada en Houston.
“Este proyecto es titánico. El ICAA busca representar un continente completo, a través de una mirada latinoamericana. El fin es posicionar aquello a nivel internacional, porque, finalmente, los discursos que circulan en Estados Unidos y Europa son vistos como historia universal. Al inscribir estos textos, circulan los discursos, pero también las obras de arte a las que se refieren”, explica Valenzuela-Valdivia, quien es director de la plataforma Écfrasis y trabajó en el Centro de Documentación de las Artes Visuales chileno, cuando estaba en el Centro Cultural La Moneda. Ahora está en el Centro de Cerrillos. “El Cedoc es uno de los acervos más relevantes a nivel latinoamericano”, suma.
Sobre Chile, en el ICAA es posible revisar, entre otros, una entrevista de la poeta Soledad Fariña a Juan Downey; un texto de Víctor Hugo Codocedo sobre la pintura de Gonzalo Díaz, y otro de Pablo Oyarzún sobre las instalaciones de Virginia Errázuriz. Todo se complementa con un resumen y notas críticas.
“La investigación apuntó a visiones variopintas —afirma Valenzuela-Valdivia—, con foco en el siglo XX. Por eso, hay textos desde Waldemar Sommer hasta Nelly Richard. Se busca abarcar la mayor cantidad de discursos, sin casarse con una postura ideológica, política o artística”.
martes, julio 07, 2020
Murió Ennio Morricone: El cine pierde a uno de sus músicos más prolíficos y fundamentales
El Mercurio
Autor de más de 500 bandas sonoras para el cine y la TV, el responsable de inolvidables melodías de cintas como “La misión”, “El bueno, el malo y el feo” y “Cinema Paradiso” falleció ayer a los 91 años luego de complicaciones debido a una caída que puso fin a una carrera en plena vigencia.
Por FERNANDO ZAVALA
“Yo, Ennio Morricone, he muerto”. Así comenzaba una carta que el compositor escribió, poco antes de su deceso, la mañana de ayer en un hospital de Roma. “Lo anuncio así a todos los amigos que siempre me fueron cercanos y también a esos un poco lejanos que despido con gran afecto”, continuaba el texto que fue leído a las afueras del establecimiento por su abogado y amigo, Giorgio Assumma. Aunque tenía 91 años, el emblemático autor de inolvidables bandas sonoras estaba en plena actividad. Pero una caída en su casa, en la que se fracturó el fémur, lo llevó a estar hospitalizado durante 10 días en los que su estado de salud se deterioró rápidamente. Junto a él estaban sus cuatro hijos, amigos como el director Giuseppe Tornatore (“Cinema Paradiso”) y su esposa, Maria Travia, a quien en su carta dedicó “su adiós más poderoso”. “A ella le renuevo el extraordinario amor que nos une y a quien lamento abandonar”.
Así, llegó a su fin la vida y la carrera de uno de los compositores fundamentales de la historia del cine. Sin duda, era uno de los más prolíficos, con más de 500 bandas sonoras en cine y televisión. Partió haciendo historia al musicalizar las películas de su amigo y compañero de colegio Sergio Leone, para quien compuso siete bandas sonoras, entre ellas las de emblemáticos “spaghetti western”, pero a Morricone nunca le gustó el nombre con que se bautizó ese subgénero, tampoco que lo asociaran solo con esos filmes. En su carrera de más de seis décadas, compuso música para todos los géneros y para variados directores. Entre ellos, Bernardo Bertolucci (“1900”), John Boorman (“El exorcista II”), Edouard Molinaro (“La jaula de las locas”), John Carpenter (“La cosa”), Pedro Almodóvar (“Átame”), Franco Zeffirelli (“Hamlet”), Wolfgang Petersen (“En la línea de fuego”) y Mike Nichols (“Lobo”).
Nunca compuso para su también amigo Clint Eastwood, algo de lo que se arrepentía, y se dice que estuvo a punto de trabajar con Stanley Kubrick en “La naranja mecánica” (1971). En entrevista con “El Mercurio” contó: “Ya estaba de acuerdo con Kubrick, pero él, por cortesía, llamó a Leone, como si yo hubiera tenido exclusividad con él. Y Leone le dijo que en ese momento yo estaba trabajando en una película suya. Kubrick después de eso no me llamó más”.
Postuló al Oscar seis veces, pero lo ganó recién en la última, por “Los 8 más odiados” (2015), de Quentin Tarantino, cineasta que mucho antes de colaborar con él lo citaba como una inspiración. En 2007 recibió una estatuilla honorífica y en 1987 corría como favorito a Mejor Banda Sonora por “La misión”, pero fue derrotado por la cinta “Cerca de la medianoche” (1986), que incluía material no original y que motivó un cambio en las reglas de la Academia para esa categoría. También recibió dos Globos de Oro, un Grammy y hace poco fue anunciado como ganador del premio Princesa de Asturias junto a su colega John Williams. La ceremonia de premiación, que habitualmente se realizaba en octubre en Oviedo, España, estaba en duda por la pandemia y su fecha aún no es confirmada.
Nació en Roma en noviembre de 1928, su padre era trompetista y este instrumento fue el primero que aprendió. Ya a los seis años comenzó a componer. Estudió en el Conservatorio de Santa Cecilia y muy joven empezó a escribir música para radioteatros. En 1954, tras graduarse, fue “escritor fantasma” de varias bandas sonoras (que eran firmadas por otros músicos) y hacía arreglos para orquestas de la RAI. En esa época trabajó con artistas como Mario Lanza, Paul Anka y Charles Aznavour.
Su primer crédito en el cine lo tuvo en 1961 con “Il federale”, de Luciano Salce, con quien había colaborado en teatro. El éxito llegó cuando Leone lo llamó para componer la música de su primer western, “Por un puñado de dólares”, en el que director y compositor figuraban en los créditos como Bob Robertson y Dan Savio, respectivamente. Era una estrategia para convocar al público italiano que en esa época ya estaba cansado de producciones locales del género.
Hasta el año pasado, Morricone seguía activo, componiendo para cine y TV. Según el sitio Imdb.com, dejó un proyecto pendiente, una adaptación animada de “El fantasma de Canterville”, de Oscar Wilde. En paralelo, para este año se contempla el estreno de un documental sobre el músico, dirigido por Tornatore, con quien colaboró en una decena de títulos.
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Opinión
Un ícono del Siglo XX
Aníbal Vidal Compositor de bandas sonoras
Para la cultura popular, Ennio Morricone es sinónimo de westerns y vaqueros, pero la verdad es que esa etiqueta no le hace justicia a una carrera que se desarrolló de múltiples formas.
Se inició como trompetista y luego arreglista, hasta llegar a ser director de orquesta. Hizo obras para el teatro y la televisión, pero lo que realizó en cine terminó siendo su faceta más reconocida. Ahí, muchas veces su trabajo tuvo tal calidad, que podía transformar cualquier película en un éxito de taquilla. Él supo desenvolverse en todos los géneros cinematográficos y siempre tuvo la destreza para mantener su propia voz como creador.
Junto a John Williams, son los últimos grandes compositores de una era en la que todavía no se introducían masivamente los sonidos digitalizados, una era donde aún el oficio del compositor para cine era escribir, lápiz en mano, la partitura para las orquestas sinfónicas, una época que fue quedando atrás gradualmente con la llegada de la tecnología.
En ese sentido, su legado es ser un ícono de un tiempo donde la música era ciento por ciento acústica y que se traspasó en la cultura popular con adeptos tan disímiles como Metallica, que desde 1984 abre sus conciertos con “The Ecstasy of Gold”, U2, Radiohead, Muse y hasta Jay-Z. Su música destacó por la inclusión de instrumentos inusuales para una orquesta, en busca de combinaciones tímbricas genuinas y que le dieron identidad a sus bandas sonoras más exitosas como el uso del arpa de boca (trompe) o la armónica en la “Trilogía del Dólar", la saga de películas de Sergio Leone.
Con él se despide una era del cine Italiano y mundial y, por supuesto, que fue una influencia para mi trabajo. Recientemente compuse el tema principal de la serie “Helga y Flora”, inspirado en el sonido de guitarras eléctricas empleado en su música western, para un resultado que a mí me gusta llamar ahora como un “western patagónico”.
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Tres historias tras sus visitas a Chile
Por JOSÉ VÁSQUEZ
2008: El caos y la devoción
Augusto Giusti, entonces gerente de marketing de Celfín Capital, cuenta que las tratativas para que viniera por primera vez fueron directamente con su mánager. El plan era traer a Ennio Morricone para celebrar los 20 años de la empresa y desde entonces, “la tarea fue titánica”, según señala.
“Él quería venir con la orquesta con la que tocaba habitualmente y eso multiplicaba los costos por cinco”, dice Giusti y recuerda que cuando todo ya tomó forma, con el centenar de artistas de la Sinfónica de Roma comprometidos, “comenzó a crecer la bola de nieve y quedó la escoba, porque todo el mundo quería ir al concierto”.
Las entradas para las dos presentaciones en el Parque Bicentenario de Vitacura fueron gratuitas, pero para conseguir un boleto, la demanda superó con creces la oferta. “Me tocó estar en la repartición de entradas en la Estación Mapocho, llegamos dos horas antes y ya la fila era gigante. Terminamos de entregarlas, la fila seguía siendo enorme y se generó un caos que solo se pudo controlar con carabineros”, relata.
Sobre los shows, el ejecutivo dice que la entrada pedía una vestimenta formal, porque Morricone no quería ver a gente con zapatillas. “Esa medida no fue muy bien recibida por las personas más acomodadas. En cambio, la gente más sencilla sí lo tomó bien y llegaron muy elegantes. Muchos estaban felices y dijeron que lo hicieron por respeto a Morricone”.
2011: Un rock star
El productor Alfredo Alonso recuerda que sabían del furor que causó la visita tres años antes de Morricone al país, pero no tenían un parámetro para medirlo ahora con venta de entradas. Lo que terminó siendo un gran éxito otra vez.
En esa ocasión fueron dos shows en el Movistar Arena, dispuesto a la mitad de su capacidad para favorecer la experiencia del artista y el público, en cuanto a la amplificación acústica y la cercanía.
“Me tocó compartir con él en una comida y contó que le llamó mucho la atención la reacción del público, que estaba en silencio cuando tocaba una pieza y mostraba su algarabía cada vez que terminaba. Él decía que parecía un concierto de rock”, cuenta Alonso, quien estuvo con él también cuando se le entregó un premio Apes honorífico. “Él accedió feliz, lo sintió como un reconocimiento importante”, plantea.
2013: El incidente con Patton
Fue durante un encuentro previo a su actuación que Ennio Morricone le preguntó a Mike Patton si lo iría a ver al otro día a su show. Jorge Hurtado, uno de los productores de la última venida del italiano al país, señala que en ese momento todos quedaron un poco descolocados con la pregunta, porque el concierto en el Estadio Bicentenario de La Florida era una cita doble, pero no le dieron mayor importancia, hasta que al otro día la situación desató una crisis.
El compositor de “El bueno, el malo y el feo” no sabía que la voz de Faith No More iba a abrir su espectáculo con su proyecto de clásicos italianos ––con citas incluidas al mismo Morricone— Mondo Cane. Su negativa entonces fue rotunda, el músico no permitía que nadie tocara antes que él.
La descoordinación con su equipo solo tenía una solución: que el cantante estadounidense, reconocido fan del italiano, modificara la programación y tocara después de él. “En algún momento la gente de Patton dijo que con el cambio de condiciones optarían por cancelar el show”, recuerda Hurtado y agrega: “Fuimos a hablar con él a su hotel y luego de una reunión, Patton dijo: ‘Es Ennio Morricone, él puede hacer lo que quiera'”, recuerda el productor, ya tranquilo con el fin del problema.
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Cinco bandas sonoras inolvidables y esenciales
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| “El bueno, el malo y el feo” (1966), de Sergio Leone, con la que saltó a la fama. |
 |
| “La misión” (1986) es su banda sonora más exitosa en términos de ventas. |
 |
| “Cinema Paradiso” (1988), de Giuseppe Tornatore, con quien hizo doce filmes. |
 |
| “Los Intocables” (1987), de Brian De Palma, uno de sus aciertos hollywoodenses. |
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| “Los 8 más odiados” (2015) le valió un adeudado Oscar competitivo. |
Los Cumaná celebran 50 años de forma virtual
Comunicado de prensa
Legendario grupo precursor de la cumbia coquimbana grabó su primer LP, "Ritmo Caliente", hace medio siglo en la RCA.
Este 20 de julio se cumplen 50 años de la primera grabación del conjunto de música tropical Los
Cumaná. Oriundos de Coquimbo, Luis Tirado Picarte (piano, dirección), Héctor “Tito” Rojas (voz
principal y tumbadora), Eduardo “Mico” Poblete (bajo) y Juan García (timbaletas) destacaron por la
calidad de los arreglos musicales, la armonización de las voces y su repertorio compuesto
principalmente por composiciones originales de autores locales. Su primer LP, Ritmo Caliente, es
prueba de eso, con 7 canciones escritas por autores de Coquimbo: Juan Sabando (compositor de los
himnos de Club de Deportes La Serena y Coquimbo Unido), Hernán Gallardo Pavéz (creador de “Un
año más”) y Luis Tirado (pianista y director del conjunto).
En junio de 1970, con un demo grabado en Radio Occidente de La Serena con el técnico Alejandro
González Débia, Luis Tirado emprende rumbo a Santiago a mostrarle la grabación a Roberto Inglez,
gerente de RCA Victor. Sorprendido por su estilo, calidad y sobre todo por el hecho de que fueran
solo cuatro músicos, Ingléz le pidió a Tirado grabar un Long Play. El grupo tuvo 10 días para armar y
montar los temas y viajar a Santiago a grabar. Fue así como el 19 de julio viajó todo el conjunto a
Santiago, y, con Carlos Gallardo (conocido como “El mafafa”) en el güiro y el ingeniero Eduardo
Mateos, grabaron 12 canciones. De este LP se editó posteriormente el sencillo con “¡Quien!” y
“Canción norteña”, ambas composiciones de la dupla Tirado-Gallardo.
Por distintas razones, este grupo ha sido poco reconocido en Chile, por lo cual se hace necesario
rememorar y celebrar su primer disco, poniendo en valor su historia, influencia y aporte al
repertorio de la música tropical chilena.
Después de una rápida e intensa carrera por el norte de Chile, con giras a Perú, Estados Unidos y
Bélgica, cambios de integrantes y nuevas grabaciones, el grupo entró en un receso intermitente. En
2017, con la realización del documental “Canción Norteña: Los Cumaná de Coquimbo” los cuatro
integrantes originales se reencontraron y volvieron a los escenarios.
Durante todo el mes de julio se compartirán online una serie de materiales visuales y audiovisuales
que permitirán el acercamiento a la historia del conjunto y a su primer disco: cómo fue el proceso de
formación del grupo, la creación y montaje de los temas, su grabación, además de algunos datos
menos conocidos. Los integrantes del conjunto, gestores de Coquimbo, músicos tropicales,
admiradores del conjunto, y los realizadores del documental, participarán en esta celebración digital.
Todos los materiales se compartirán a través del FanPage de Canción Norteña: Los Cumaná de
Coquimbo: https://www.facebook.com/cancionnortena
Tertulias electrónicas a distancia: la hora de los otros compositores
 |
| Uwe Schmidt y Kamila Govorcin protagonizan el inicio de AME. |
Desde este sábado y hasta octubre, un ciclo de conversación y reflexión en torno al músico, la obra y sus procesos creativos se toma las pantallas.
IÑIGIO DÍAZ
La forma más rápida de equivocarse respecto de la música electrónica es la de pensar que todos sus cultores “son DJs”. “La pista de baile es una variante funcional y muy descriptiva de la cultura de la electrónica, pero no es la única. Aquí proponemos una creación para la escucha, como si se tratara de una música de cámara, un piano clásico o un cuarteto de cuerdas”, enfatiza Claudio Pérez, también conocido como el músico Usted No!
Es uno de los organizadores de AME, un ciclo de actividades alrededor de esta creatividad. Significa Apreciación de Música Electrónica y desde 2015 presenta series de conciertos en la Corporación Cultural de Las Condes. En el contexto de cuarentena cambió su formato a las sesiones a distancia y también su enfoque: ante la sobresaturación de música por vías virtuales, AME tendrá una nueva versión con ocho conversatorios, auténticas “tertulias electrónicas” con importantes exponentes de estas escenas.
Este sábado las sesiones a pantalla dividida se inician al mediodía en CulturalLasCondes.cl con dos exponentes de la primera línea: el alemán Uwe Schmidt, uno de los más respetados y multifacéticos compositores electrónicos desde mediados de los años 90 en Chile, junto al danés Lars Graugaard, un autor e investigador de la que se puede entender como “electrónica abstracta”. Junto con Pérez, viene de presentar el álbum “Unsettled states”. “Antes que el dispositivo electrónico como instrumento está la música que nace desde un autor que a la vez es el intérprete. Muchas veces la composición se realiza en tiempo real”, orienta Pérez. AME seguirá con este ciclo a ritmo quincenal, y el 25 de julio tendrá frente a frente a figuras como Alisú y Kamila Govorcin, vinculadas a sellos como Modismo y Panal, respectivamente.
El ciclo a distancia de AME considera una amplia gama narrativa, desde la electroacústica académica, representada en el compositor José Miguel Candela, a los cruces de música y poesía con Felipe Cussen y Gonzalo Henríquez. En todo el espectro que se sitúa entre esos bordes habrá exponentes del ambient o la electrónica experimental de beats, con nombres como F600, Bruxista, Mika Martini —fundador del sello Pueblo Nuevo—, el visualista Marco Martínez, Ce Pams, Polwor y Danieto.
sábado, julio 04, 2020
Fernando García a los 90: “Nunca podría dejar de componer”
El Mercurio
El compositor y musicólogo ha escrito unas 25 obras durante la cuarentena. Nacido el 4 de julio, hoy celebra con mesura desde Pirque.
IÑIGO DÍAZ
“Maestro” o incluso “maestrísimo” son apelativos que utiliza Fernando García para referirse a su interlocutor, un gesto de educación que a la vez sorprende. Habitualmente, en esas conversaciones el único maestro es Fernando García, reconocido así desde luego por sus discípulos, pero también por académicos y pares.
La enciclopedia de música chilena MusicaPopular.cl le dedica su portada con la leyenda “Los 90 años del maestro”, enfatizando su nuevo estatus, su rol como compositor, musicólogo y educador, de puente hacia las audiencias y su responsabilidad republicana, que lo han llevado a obtener el Premio Nacional de Música en 2002 y la investidura de Figura Fundamental de la Música Chilena en 2013.
Nacido el 4 de julio, hoy cumple 90 años, y pasa el confinamiento en Pirque, con su hijo Leonardo y sus nietos. “No sé cuántos tengo”, bromea, pero contabiliza con exactitud las obras que ha escrito en esa parcela durante la cuarentena. “Son 25, para todos los formatos, cuartetos de cuerdas y de vientos, tríos, dúos y música para todo tipo de solistas. No he hecho nada para percusiones, pero las he incluido ahí como una cosa secundaria. Tampoco me he metido con la orquesta, porque es un proceso largo y lento. No podría nunca dejar de componer”, decreta, lamentándose de paso por la escasez de papel de pentagrama.
Su hijo baterista, Alejandro, le envía cuadernos de composición desde Nueva York, y su hijo Leonardo acude regularmente a recoger ese material al famoso departamento de Miraflores y Esmeralda, aquel de fachada curva y antejardín, donde vivió su familia durante décadas, y Fernando García habitó hasta marzo.
Hace unos cinco años dejó de hacer clases en la Facultad de Artes de la U. de Chile. En cambio, acudía a pie y diariamente a la Academia Chilena de Bellas Artes, donde ocupa el sillón número 4. Para saludar los 90 años de García, una treintena de estos académicos realizará una reunión vía Zoom con él, y luego se estrenará en YouTube un pequeño documental narrado por Andrés Maupoint, que recorre su vida y obra como uno de los jóvenes compositores de los años 50 que abrieron ventanas a las nuevas corrientes creativas en Chile y los que consolidaron un discurso musical en los 60.
Álbum de Manuel García y Pedro Aznar es nominado a los Gardel
El Mercurio
El disco “Abrazo de hermanos”, el trabajo colaborativo realizado entre el cantautor chileno y el argentino, lanzado en mayo de 2019, recibió una nominación a los Premios Gardel transandinos en la categoría de Mejor Álbum Conceptual. Además, compite como Álbum del Año en los Premios Pulsar.
viernes, julio 03, 2020
Tres conductores tendrá la inédita emisión de los Premios Pulsar
Por José Vásquez
Pese a la adversidad de la pandemia, la música chilena igual tendrá su jornada estelar el próximo 15 de julio. La sexta edición de los Premios Pulsar se realizará a través del streaming para destacar a los mejores creadores del último año, con Gianluca y Cami liderando las nominaciones, con cinco y cuatro, respectivamente.
“Hoy es importante reconocer a nuestra música, que siempre está presente en los momentos difíciles”, dice Rodrigo Osorio, primer vicepresidente de la SCD, quien explica que esta vez la cita no se abordará como una ceremonia, sino como “un programa de premiación”.
“Será como un acto de resiliencia, en reflejo no solo de la música, sino de los mismos premios y de todos nosotros”, señala el líder de Sinergia, quien agrega que “en nuestro caso, dejamos atrás el glamour, pero conservamos la convicción en torno a la importancia de reconocer y valorar la música”.
La transmisión se realizará a través del sitio Premiospulsar.cl y de la radio online Súbela, y tendrá en la conducción a las actrices y comediantes Javiera Contador y Natalia Valdebenito, y al periodista de Chilevisión Humberto Sichel. “Espacios como este son importantes para que visibilicemos a todo el sector”, dice Contador.
El trío de animadores será el enlace desde un escenario acondicionado en la emisora, con una serie de artistas que presentarán desde sus casas las diversas categorías, como Francisca Valenzuela y Beto Cuevas, desde Los Angeles, Estados Unidos, o Javiera Mena, desde Madrid, donde se encuentra actualmente. A ellos se sumarán Valentín Trujillo, Ana Tijoux, Camila Moreno y el comediante Fabrizio Copano, entre otros.
Pese a la adversidad de la pandemia, la música chilena igual tendrá su jornada estelar el próximo 15 de julio. La sexta edición de los Premios Pulsar se realizará a través del streaming para destacar a los mejores creadores del último año, con Gianluca y Cami liderando las nominaciones, con cinco y cuatro, respectivamente.
“Hoy es importante reconocer a nuestra música, que siempre está presente en los momentos difíciles”, dice Rodrigo Osorio, primer vicepresidente de la SCD, quien explica que esta vez la cita no se abordará como una ceremonia, sino como “un programa de premiación”.
“Será como un acto de resiliencia, en reflejo no solo de la música, sino de los mismos premios y de todos nosotros”, señala el líder de Sinergia, quien agrega que “en nuestro caso, dejamos atrás el glamour, pero conservamos la convicción en torno a la importancia de reconocer y valorar la música”.
La transmisión se realizará a través del sitio Premiospulsar.cl y de la radio online Súbela, y tendrá en la conducción a las actrices y comediantes Javiera Contador y Natalia Valdebenito, y al periodista de Chilevisión Humberto Sichel. “Espacios como este son importantes para que visibilicemos a todo el sector”, dice Contador.
El trío de animadores será el enlace desde un escenario acondicionado en la emisora, con una serie de artistas que presentarán desde sus casas las diversas categorías, como Francisca Valenzuela y Beto Cuevas, desde Los Angeles, Estados Unidos, o Javiera Mena, desde Madrid, donde se encuentra actualmente. A ellos se sumarán Valentín Trujillo, Ana Tijoux, Camila Moreno y el comediante Fabrizio Copano, entre otros.
Un tótem cultural: la isla Mocha de borde a borde
El Mercurio
Mitos, relatos, cuentos, leyendas , geografías y vida de colonos se reúnen en esta investigación encabezada por el antropólogo Iván Pérez Muñoz, que el Ministerio de las Culturas lanza hoy.
IÑIGO DÍAZ
El dibujante Gonzalo Martínez y el guionista Francisco Ortega ganaron en 2013 el premio Marta Brunet por la novela gráfica “Mocha Dick”, en la que recogían la leyenda de la ballena blanca que inspiró la universal “Moby Dick” de Melville. Su nombre, como la bautizaron los mapuche lafkenche, proviene de esa comarca oceánica en Arauco por donde transitaba año a año “la madre de todas las ballenas”.
Y es una historia grande que rodea el entorno de la isla Mocha, allí frente de Tirúa. Pero no es la única, ni mucho menos. Un amplio reporte de mitos y leyendas concernientes a este territorio que proceden de tiempos ancestrales se expone en el libro “Isla Mocha”, una investigación realizada por el antropólogo del Biobío Iván Pérez Muñoz.
Su elaboración involucró a otros especialistas y a colonos informantes, que fueron en busca de un relato íntegro para la isla: desde las leyendas originarias hasta testimonios contemporáneos, su historiografía, su geografía y su vida allí con los actuales habitantes en torno a las economías de la pesca, la agricultura y el turismo de interés.
“La isla Mocha es un tótem cultural”, analoga Iván Pérez Muñoz. “La relación con el mar y la navegación es siempre principal. Uno de los mitos mayores es el ritual del paso final de la vida, es decir, de la muerte a otra vida. La jueza divina Trempülkawe es quien permite o no ese tránsito de las almas a la isla. Para los lafkenche, Mocha es una escalera al paraíso Wenumapu. Pero si Trempülkawe no permitía el paso, hacía naufragar el wampo (canoa) donde trasladaba el alma”, agrega.
Encargado por el Ministerio de las Culturas, “Isla Mocha. Selección de mitos, relatos, cuentos y leyendas” se lanza hoy al mediodía, en una transmisión vía Zoom a través de la cuenta Facebook Live del ministerio. Provisoriamente se encontrará en formato digital, a la espera de su impresión cuando finalice la emergencia.
“El libro ya está en la Biblioteca Pública Digital. Pone en valor la cultura de un territorio insular poco explorado y cuya riqueza reside en esos relatos, leyendas y testimonios que se recogen. Es un ejemplo de la descentralización en la producción de contenidos culturales y su acceso”, apunta la ministra de las Culturas, Consuelo Valdés.
Otros mitos recogidos por la investigación son el Killchenmayeo, espacio donde moran por un año las almas desencarnadas, y el bosque encantado de la isla con su arrayán colorado de 600 años. “No podemos ocultar la historia, porque ella no comienza con nosotros”, dice Pérez Muñoz para recordar la expulsión de los lafkenche de la isla en 1690, acusados por los españoles de colaborar con los corsarios ingleses.
Esa historia considera el largo siglo y medio que Mocha permaneció deshabitada hasta que empresarios se instalaron allí y luego que el Estado tomó control legal en 1929, lo que posibilitó la llegada de los primeros colonos. Hoy existen 680, de tres generaciones, y entre ellos el nombre del lobero Ricardo Hoppe aparece como el más antiguo. Su relato encabeza la gran diversidad de testimonios que reúne el libro.
Iván Pérez concluye: “En Mocha los hombres extr
jueves, julio 02, 2020
Raphael reagenda sus shows en Chile para 2021
El Mercurio
El ídolo español tenía planificadas dos presentaciones en el país en septiembre próximo, las que ayer fueron postergadas por la pandemia para el próximo año. La voz de “Yo soy aquel” venía con su gira “RESinphónico”, conciertos que ahora se realizarán el 28 de mayo en el Gran Arena Monticello y, al día siguiente, en el Movistar Arena.
El ídolo español tenía planificadas dos presentaciones en el país en septiembre próximo, las que ayer fueron postergadas por la pandemia para el próximo año. La voz de “Yo soy aquel” venía con su gira “RESinphónico”, conciertos que ahora se realizarán el 28 de mayo en el Gran Arena Monticello y, al día siguiente, en el Movistar Arena.
Bienvenido a “Fortnite”: disfrute el concierto
El Mercurio
Travis Scott y otros artistas aprovechan los videojuegos como enormes espacios de entretención virtual; Jauz, Griz y otros se unirán al festival de música dance “Minecraft” este mes.
SARAH E. NEEDLEMAN
Josh Julien-Richards ha estado hibernando en casa durante meses durante la pandemia, pero eso no impidió que el adolescente asistiera a un concierto de Travis Scott en abril. Vio el show del rapero dentro del videojuego “Fortnite”, junto con más de otros 12 millones de personas.
“Fue una alternativa realmente buena a la vida real”, dijo Josh, quien vive en un suburbio de Toronto y acaba de terminar el 10º año. “Puede socializar con sus amigos y conocer a otras personas”.
Puesto que las salas de conciertos y los cines están cerrados, los videojuegos están llenando el vacío que estos dejan al hacer las veces de recintos de entretenimiento virtual. “Roblox”, una plataforma que ofrece millones de juegos, hace poco organizó un concierto a beneficio con actuaciones de megaestrellas, como Lady Gaga y Paul McCartney. “Fortnite” exhibió una sinopsis debut de la próxima película del director/escritor Christopher Nolan, “Tenet”, y mostró videoclips de la nueva aplicación de streaming Quibi.
“Fortnite” también agregó el mes pasado un espacio solo para socializar, y lo lanzó con una fiesta donde actuaron los músicos electrónicos Deadmau5, Steve Aoki y Dillon Francis.
Y hay más. El DJ y compositor Diplo presentó su álbum más reciente a través de una actuación en vivo en “Fortnite” con los artistas Young Thug y Noah Cyrus. Además, por primera vez, el videojuego exhibe largometrajes: tres trabajos anteriores también de Nolan. Los usuarios podrán ver solo uno de ellos, dependiendo del país en que vivan. Este verano (en el hemisferio norte), Roblox planea presentar cortos de películas y entrevistas a los actores. Un festival de música dance de cuatro días empieza el 9 de julio en “Minecraft”, con Jauz, Griz y varios cientos de otros artistas.
Experimentar un concierto o película en un videojuego es diferente que hacerlo a través de una aplicación como YouTube o un producto de co-streaming, tal como Netflix Party. En los juegos, los usuarios se ven entre ellos en la forma de autorrepresentaciones animadas, que se conocen como avatares y que se pueden personalizar en innumerables formas. Los participantes pueden tener voz o conversaciones de texto, moverse casi a cualquier parte dentro del lugar y hacer que sus avatares bailen.
“Tiene el control total de lo que hace su personaje”, indicó Sam King, de 18 años, quien ha asistido a dos conciertos en “Fortnite”. Puede subir al escenario”. A este joven que pronto va entrar al primer año de universidad también le gusta que durante un espectáculo tenga chat de voz con sus amigos; y sin tener que gritar. “Puede tener esa línea clara de comunicación”, agregó King, quien vive en Littleton, Colorado.
El juego competitivo, por lo general, queda en suspenso durante los conciertos y otros eventos incorporados en el juego. Algunos organizadores —los que pueden ser el creador del juego, una tercera parte o ambos— cobran una tarifa por la entrada mientras que otros no. Las actuaciones musicales se pueden grabar de antemano para minimizar los riesgos, tales como los retrasos de internet, dependiendo de la complejidad de los espectáculos.
Entrada incluye hasta camping virtual
El próximo festival “Minecraft”, llamado Rave Family Block Fest, ofrece una experiencia VIP por US$ 15, que incluye una entrada previa a un terreno de camping virtual, más una posibilidad de ganar una actuación privada de un artista principal a través de una aplicación de video en vivo. La entrada general es de US$ 10 y los artistas tendrán sus propios escenarios virtuales hechos por ellos mismos o por fans.
“Es todo un ecosistema”, comentó Jackie McGuire, cuya compañía productora de eventos Rave Family LLC está dirigiendo el show independiente de Microsoft, el dueño de “Minecraft”. “Se va a manejar como un típico festival de música, solo que más grande”.
Se han estado realizando conciertos en juegos durante años, pero no atrajeron a un público masivo sino hasta principios de 2019 cuando el músico electrónico Marshmello hizo una presentación de 10 minutos, gratis en “Fortnite”. Aparecieron más de 10 millones de personas, de acuerdo al creador del juego, Epic Games Inc. En ese momento indicó que “Fortnite” —un juego de supervivencia en un tiroteo— tenía más de 250 millones de jugadores; en mayo, esa cifra superaba los 350 millones.
Los profesionales de la industria de la entretención dicen que la pandemia está acelerando el interés en los eventos dentro de los juegos entre los consumidores y artistas. Y esperan que la tendencia continúe después de que se vuelvan a abrir los recintos del mundo real.
“Va a pasar algún tiempo antes de que las personas vuelvan a tener confianza” y se sientan cómodas dentro de esos espacios de nuevo, observó Karol Severin, analista jefe de juegos en MIDiA Research en Londres.
Ventajas para artistas
Larisa Dorthey Noyes, una mamá que permanece en casa de West Jordan, Utah, es una fan por esta razón. Aunque echa de menos la energía de la multitud que sentía cuando veía a las bandas de rock My Chemical Romance y 3 Doors Down hace algunos años, la joven de 25 años dijo que los conciertos en los juegos son una opción más segura en estos momentos. “Puedo hacerlo estando en mi sala de estar”, manifestó. “Puedo estar en ropa interior si quiero y a nadie le va a importar”.
Hay ventajas para los artistas también. Los juegos pueden dar cabida a más personas en sus eventos que los estadios más grandes que existan.
Travis Scott y otros artistas aprovechan los videojuegos como enormes espacios de entretención virtual; Jauz, Griz y otros se unirán al festival de música dance “Minecraft” este mes.
SARAH E. NEEDLEMAN
Josh Julien-Richards ha estado hibernando en casa durante meses durante la pandemia, pero eso no impidió que el adolescente asistiera a un concierto de Travis Scott en abril. Vio el show del rapero dentro del videojuego “Fortnite”, junto con más de otros 12 millones de personas.
“Fue una alternativa realmente buena a la vida real”, dijo Josh, quien vive en un suburbio de Toronto y acaba de terminar el 10º año. “Puede socializar con sus amigos y conocer a otras personas”.
Puesto que las salas de conciertos y los cines están cerrados, los videojuegos están llenando el vacío que estos dejan al hacer las veces de recintos de entretenimiento virtual. “Roblox”, una plataforma que ofrece millones de juegos, hace poco organizó un concierto a beneficio con actuaciones de megaestrellas, como Lady Gaga y Paul McCartney. “Fortnite” exhibió una sinopsis debut de la próxima película del director/escritor Christopher Nolan, “Tenet”, y mostró videoclips de la nueva aplicación de streaming Quibi.
“Fortnite” también agregó el mes pasado un espacio solo para socializar, y lo lanzó con una fiesta donde actuaron los músicos electrónicos Deadmau5, Steve Aoki y Dillon Francis.
Y hay más. El DJ y compositor Diplo presentó su álbum más reciente a través de una actuación en vivo en “Fortnite” con los artistas Young Thug y Noah Cyrus. Además, por primera vez, el videojuego exhibe largometrajes: tres trabajos anteriores también de Nolan. Los usuarios podrán ver solo uno de ellos, dependiendo del país en que vivan. Este verano (en el hemisferio norte), Roblox planea presentar cortos de películas y entrevistas a los actores. Un festival de música dance de cuatro días empieza el 9 de julio en “Minecraft”, con Jauz, Griz y varios cientos de otros artistas.
Experimentar un concierto o película en un videojuego es diferente que hacerlo a través de una aplicación como YouTube o un producto de co-streaming, tal como Netflix Party. En los juegos, los usuarios se ven entre ellos en la forma de autorrepresentaciones animadas, que se conocen como avatares y que se pueden personalizar en innumerables formas. Los participantes pueden tener voz o conversaciones de texto, moverse casi a cualquier parte dentro del lugar y hacer que sus avatares bailen.
“Tiene el control total de lo que hace su personaje”, indicó Sam King, de 18 años, quien ha asistido a dos conciertos en “Fortnite”. Puede subir al escenario”. A este joven que pronto va entrar al primer año de universidad también le gusta que durante un espectáculo tenga chat de voz con sus amigos; y sin tener que gritar. “Puede tener esa línea clara de comunicación”, agregó King, quien vive en Littleton, Colorado.
El juego competitivo, por lo general, queda en suspenso durante los conciertos y otros eventos incorporados en el juego. Algunos organizadores —los que pueden ser el creador del juego, una tercera parte o ambos— cobran una tarifa por la entrada mientras que otros no. Las actuaciones musicales se pueden grabar de antemano para minimizar los riesgos, tales como los retrasos de internet, dependiendo de la complejidad de los espectáculos.
Entrada incluye hasta camping virtual
El próximo festival “Minecraft”, llamado Rave Family Block Fest, ofrece una experiencia VIP por US$ 15, que incluye una entrada previa a un terreno de camping virtual, más una posibilidad de ganar una actuación privada de un artista principal a través de una aplicación de video en vivo. La entrada general es de US$ 10 y los artistas tendrán sus propios escenarios virtuales hechos por ellos mismos o por fans.
“Es todo un ecosistema”, comentó Jackie McGuire, cuya compañía productora de eventos Rave Family LLC está dirigiendo el show independiente de Microsoft, el dueño de “Minecraft”. “Se va a manejar como un típico festival de música, solo que más grande”.
Se han estado realizando conciertos en juegos durante años, pero no atrajeron a un público masivo sino hasta principios de 2019 cuando el músico electrónico Marshmello hizo una presentación de 10 minutos, gratis en “Fortnite”. Aparecieron más de 10 millones de personas, de acuerdo al creador del juego, Epic Games Inc. En ese momento indicó que “Fortnite” —un juego de supervivencia en un tiroteo— tenía más de 250 millones de jugadores; en mayo, esa cifra superaba los 350 millones.
Los profesionales de la industria de la entretención dicen que la pandemia está acelerando el interés en los eventos dentro de los juegos entre los consumidores y artistas. Y esperan que la tendencia continúe después de que se vuelvan a abrir los recintos del mundo real.
“Va a pasar algún tiempo antes de que las personas vuelvan a tener confianza” y se sientan cómodas dentro de esos espacios de nuevo, observó Karol Severin, analista jefe de juegos en MIDiA Research en Londres.
Ventajas para artistas
Larisa Dorthey Noyes, una mamá que permanece en casa de West Jordan, Utah, es una fan por esta razón. Aunque echa de menos la energía de la multitud que sentía cuando veía a las bandas de rock My Chemical Romance y 3 Doors Down hace algunos años, la joven de 25 años dijo que los conciertos en los juegos son una opción más segura en estos momentos. “Puedo hacerlo estando en mi sala de estar”, manifestó. “Puedo estar en ropa interior si quiero y a nadie le va a importar”.
Hay ventajas para los artistas también. Los juegos pueden dar cabida a más personas en sus eventos que los estadios más grandes que existan.
Felipe Mella: “El GAM es más que la segunda etapa”
El Mercurio
Cerrado desde marzo debido a la pandemia, el Centro Gabriela Mistral se prepara para cumplir 10 años con varias iniciativas digitales. Su director habla de los proyectos y el plan de austeridad.
Maureen Lennon Zaninovic
Después del 18 de octubre, el Centro Gabriela Mistral afrontó intentos de incendio, grafitis furiosos y mucha efervescencia. Luego vino la pandemia y, como todos los espacios culturales del país, el GAM tuvo que cerrar sus puertas a público y reinventarse en lo digital.
“Han sido meses súper difíciles. Cancelamos proyectos emblemáticos que teníamos programados para celebrar nuestros 10 años, en septiembre”, señala su director, Felipe Mella, en una entrevista por Zoom, la misma plataforma con la que —hace algunas semanas— estrenaron la obra “Mentes salvajes”, de Marcus Lindeen, y dirección de Víctor Carrasco. “Ya llevamos más de seis mil espectadores con esta producción propia y con entrada pagada. Nos sentimos muy satisfechos, porque dimos un salto importante hacia las nuevas tecnologías”, afirma el directivo, quien no esconde su desazón por los efectos del covid-19 y los desafíos económicos. “Estamos en un plan de ahorro y austeridad”, comenta, y advierte que un 70 por ciento del financiamiento del GAM proviene del Ministerio de las Culturas y el 30 por ciento restante corresponde a aportes de privados, arriendo de salas, tiendas y café. “En esta crisis, además, tuvimos que subvencionar espacios, sin cobrar arriendo, para que, una vez que pase el coronavirus, sus arrendatarios no se vayan del GAM. ¿Qué marca va a querer abrir una tienda en la llamada Zona Cero? Imposible”, reclama.
Pero en todo este tiempo no se han quedado de brazos cruzados. Acaban de presentar los resultados de un estudio sobre consumo cultural en línea (ver recuadro) y, como parte de la celebración de los 10 años, en septiembre publicarán un libro que repasará la historia del edificio “y el significado social que ha tenido, su diálogo con la ciudadanía y los distintos hitos de la década”, explica Mella. En él trabajaron la periodista Gabriela García y la diseñadora María José Bunster. “Como queremos dar una señal de austeridad, lo vamos a lanzar de manera digital”, agrega el director, quien confirma, además, que mañana al mediodía y por Facebook Live, comenzará un nuevo ciclo de conversaciones “Alameda Abierta”, en conjunto con la Municipalidad de Renca. En esta cita gratuita están confirmados Mauricio Celedón, fundador de la compañía Teatro del Silencio, junto a Ángeles Donoso y César Barros, académicos residentes en Estados Unidos.
Pensando en los más pequeños acaban de lanzar una escuela de invierno. Y en los próximos días realizarán una convocatoria en línea para coreógrafos y estrenarán dos nuevas propuestas por Zoom, a cargo de Nona Fernández y Los Contadores Auditores. A esto se suman una nueva imagen corporativa y una renovada página web. “En el segundo semestre también vamos a presentar una colección de libros de dramaturgia, vinculada a determinadas celebraciones, como el cumpleaños de Violeta Parra o el fallecimiento de Juan Radrigán. Los focos serán las comunidades y el territorio”, dice Mella.
—¿Qué va a pasar con la segunda etapa (gran sala)?
“Las cosas pasan por algo y lo hablé con Andrés Rodríguez, expresidente de nuestro directorio. Con la difícil situación económica por la que estamos pasando, habría sido inviable seguir y, además, siempre he dicho que el GAM es mucho más que la segunda etapa. En todo caso, el Ministerio de Obras Públicas está redactando las bases para un nuevo llamado a licitación, y si no pasa en este Gobierno, confío en que será en el próximo. Espero que no la dejen botada”.
Cerrado desde marzo debido a la pandemia, el Centro Gabriela Mistral se prepara para cumplir 10 años con varias iniciativas digitales. Su director habla de los proyectos y el plan de austeridad.
Maureen Lennon Zaninovic
Después del 18 de octubre, el Centro Gabriela Mistral afrontó intentos de incendio, grafitis furiosos y mucha efervescencia. Luego vino la pandemia y, como todos los espacios culturales del país, el GAM tuvo que cerrar sus puertas a público y reinventarse en lo digital.
“Han sido meses súper difíciles. Cancelamos proyectos emblemáticos que teníamos programados para celebrar nuestros 10 años, en septiembre”, señala su director, Felipe Mella, en una entrevista por Zoom, la misma plataforma con la que —hace algunas semanas— estrenaron la obra “Mentes salvajes”, de Marcus Lindeen, y dirección de Víctor Carrasco. “Ya llevamos más de seis mil espectadores con esta producción propia y con entrada pagada. Nos sentimos muy satisfechos, porque dimos un salto importante hacia las nuevas tecnologías”, afirma el directivo, quien no esconde su desazón por los efectos del covid-19 y los desafíos económicos. “Estamos en un plan de ahorro y austeridad”, comenta, y advierte que un 70 por ciento del financiamiento del GAM proviene del Ministerio de las Culturas y el 30 por ciento restante corresponde a aportes de privados, arriendo de salas, tiendas y café. “En esta crisis, además, tuvimos que subvencionar espacios, sin cobrar arriendo, para que, una vez que pase el coronavirus, sus arrendatarios no se vayan del GAM. ¿Qué marca va a querer abrir una tienda en la llamada Zona Cero? Imposible”, reclama.
Pero en todo este tiempo no se han quedado de brazos cruzados. Acaban de presentar los resultados de un estudio sobre consumo cultural en línea (ver recuadro) y, como parte de la celebración de los 10 años, en septiembre publicarán un libro que repasará la historia del edificio “y el significado social que ha tenido, su diálogo con la ciudadanía y los distintos hitos de la década”, explica Mella. En él trabajaron la periodista Gabriela García y la diseñadora María José Bunster. “Como queremos dar una señal de austeridad, lo vamos a lanzar de manera digital”, agrega el director, quien confirma, además, que mañana al mediodía y por Facebook Live, comenzará un nuevo ciclo de conversaciones “Alameda Abierta”, en conjunto con la Municipalidad de Renca. En esta cita gratuita están confirmados Mauricio Celedón, fundador de la compañía Teatro del Silencio, junto a Ángeles Donoso y César Barros, académicos residentes en Estados Unidos.
Pensando en los más pequeños acaban de lanzar una escuela de invierno. Y en los próximos días realizarán una convocatoria en línea para coreógrafos y estrenarán dos nuevas propuestas por Zoom, a cargo de Nona Fernández y Los Contadores Auditores. A esto se suman una nueva imagen corporativa y una renovada página web. “En el segundo semestre también vamos a presentar una colección de libros de dramaturgia, vinculada a determinadas celebraciones, como el cumpleaños de Violeta Parra o el fallecimiento de Juan Radrigán. Los focos serán las comunidades y el territorio”, dice Mella.
—¿Qué va a pasar con la segunda etapa (gran sala)?
“Las cosas pasan por algo y lo hablé con Andrés Rodríguez, expresidente de nuestro directorio. Con la difícil situación económica por la que estamos pasando, habría sido inviable seguir y, además, siempre he dicho que el GAM es mucho más que la segunda etapa. En todo caso, el Ministerio de Obras Públicas está redactando las bases para un nuevo llamado a licitación, y si no pasa en este Gobierno, confío en que será en el próximo. Espero que no la dejen botada”.
miércoles, julio 01, 2020
Cantando Aprendo a Hablar se reinventa con un show internacional
El Mercurio
El éxito infantil realizará por streaming un espectáculo para Perú, que venderá tickets a distintos países de Latinoamérica.
José Vásquez
La propuesta llegó sorpresivamente desde Lima. Una productora peruana se contactó con las creadoras del éxito local Cantando Aprendo a Hablar para realizar un show virtual el próximo domingo 12 de julio, con la posibilidad de llegar a una serie de países de Latinoamérica, donde el proyecto tiene una gran cantidad de seguidores entre padres y niños.
En 1989, Aída Pohlhammer, Myriam Pinto y Pamela Cotorás, fonoaudiólogas de profesión, se embarcaron en el plan de ayudar, a través de la música, al desarrollo del lenguaje infantil, una idea que tres décadas después logró un espacio en la televisión abierta, una nominación al Grammy Latino, pasó por Lollapalooza y es un fenómeno en YouTube, con más de 2 mil millones de visualizaciones de sus videos.
“El 70 por ciento de las reproducciones viene desde fuera de Chile”, señala Cotorás, quien cuenta que recibió la invitación de Perú, un país conocido para el grupo, al que habían llevado en un par de ocasiones su colorido espectáculo en vivo antes de la pandemia. “Sentimos que esta propuesta marca un hito importante, ya que hay mucha gente interesada en nuestro trabajo”, dice la creadora, que ante la adversidad del confinamiento, ahora apunta al mercado internacional con este show titulado “La fiesta sigue en casa”.
La planificación inicial del año ya se archivó y sobre la marcha, plantea la fonoaudióloga, se va escribiendo una nueva ruta. “En octubre pasado, todo se paralizó con la crisis social. Habíamos empezado a retomar las actuaciones en marzo, con muchas funciones, pero llegó la pandemia y como todos, entramos un poco en pánico”, señala Cotorás.
Pero el proyecto se adaptó a la contingencia, primero en abril con la propuesta del Teatro Municipal de Las Condes de realizar un espectáculo vía Zoom, el que colapsó la plataforma por la gran cantidad de visitas y con el que entendieron que había un interés por verlos también en este formato. “Ese fue grabado, pero luego todos han sido en vivo. Ya hemos hecho otros tres con venta de entradas y ahora nos embarcamos en esta aventura que es mucho más grande”, señala la creadora que asume que esta será la forma en la que trabajarán este 2020. “Veo muy complejo volver a los shows presenciales en el corto plazo”, plantea.
En las presentaciones se ha abierto un espacio interactivo entre el público y los personajes, y Cotorás dice que ha sido emocionante recibir los testimonios de los padres. “Ha resultado una experiencia bien enriquecedora, porque de verdad sientes que haces algo que aporta alegría en esta cuarentena”, expresa y agrega que cada presentación es nueva, con un guion diferente, que incorpora los distintos personajes, que se conectan desde sus casas a la función, como el Conejo Barrigón o el Lobito Caulimón.
“La fiesta sigue en casa” se presentará a las 11:30 hora local, el domingo 12, y se pueden conseguir las entradas para verlos desde Chile a través del sitio peruano Teleticket.
El éxito infantil realizará por streaming un espectáculo para Perú, que venderá tickets a distintos países de Latinoamérica.
José Vásquez
La propuesta llegó sorpresivamente desde Lima. Una productora peruana se contactó con las creadoras del éxito local Cantando Aprendo a Hablar para realizar un show virtual el próximo domingo 12 de julio, con la posibilidad de llegar a una serie de países de Latinoamérica, donde el proyecto tiene una gran cantidad de seguidores entre padres y niños.
En 1989, Aída Pohlhammer, Myriam Pinto y Pamela Cotorás, fonoaudiólogas de profesión, se embarcaron en el plan de ayudar, a través de la música, al desarrollo del lenguaje infantil, una idea que tres décadas después logró un espacio en la televisión abierta, una nominación al Grammy Latino, pasó por Lollapalooza y es un fenómeno en YouTube, con más de 2 mil millones de visualizaciones de sus videos.
“El 70 por ciento de las reproducciones viene desde fuera de Chile”, señala Cotorás, quien cuenta que recibió la invitación de Perú, un país conocido para el grupo, al que habían llevado en un par de ocasiones su colorido espectáculo en vivo antes de la pandemia. “Sentimos que esta propuesta marca un hito importante, ya que hay mucha gente interesada en nuestro trabajo”, dice la creadora, que ante la adversidad del confinamiento, ahora apunta al mercado internacional con este show titulado “La fiesta sigue en casa”.
La planificación inicial del año ya se archivó y sobre la marcha, plantea la fonoaudióloga, se va escribiendo una nueva ruta. “En octubre pasado, todo se paralizó con la crisis social. Habíamos empezado a retomar las actuaciones en marzo, con muchas funciones, pero llegó la pandemia y como todos, entramos un poco en pánico”, señala Cotorás.
Pero el proyecto se adaptó a la contingencia, primero en abril con la propuesta del Teatro Municipal de Las Condes de realizar un espectáculo vía Zoom, el que colapsó la plataforma por la gran cantidad de visitas y con el que entendieron que había un interés por verlos también en este formato. “Ese fue grabado, pero luego todos han sido en vivo. Ya hemos hecho otros tres con venta de entradas y ahora nos embarcamos en esta aventura que es mucho más grande”, señala la creadora que asume que esta será la forma en la que trabajarán este 2020. “Veo muy complejo volver a los shows presenciales en el corto plazo”, plantea.
En las presentaciones se ha abierto un espacio interactivo entre el público y los personajes, y Cotorás dice que ha sido emocionante recibir los testimonios de los padres. “Ha resultado una experiencia bien enriquecedora, porque de verdad sientes que haces algo que aporta alegría en esta cuarentena”, expresa y agrega que cada presentación es nueva, con un guion diferente, que incorpora los distintos personajes, que se conectan desde sus casas a la función, como el Conejo Barrigón o el Lobito Caulimón.
“La fiesta sigue en casa” se presentará a las 11:30 hora local, el domingo 12, y se pueden conseguir las entradas para verlos desde Chile a través del sitio peruano Teleticket.
Ringo celebrará sus 80 años cantando con amigos
El Mercurio
El popular baterista de Los Beatles festejará las ocho décadas el próximo martes 7 de julio y ayer anunció que lo hará con un show vía streaming titulado “Ringo's Big Birthday Show”, en el que estará junto a una serie de artistas, como su excompañero de banda Paul McCartney, además de Sheryl Crowe, Ben Harper, Gary Clark Jr., Joe Walsh y Sheila E. El evento se realizará a las 20:00 horas de Chile y se podrá ver a través del canal de YouTube del músico.
Teatro del Lago se abre al público como aula virtual
El Mercurio
Hoy se inician las doce sesiones de apreciación sobre música clásica, ópera, jazz y canción popular.
IÑIGO DÍAZ
Es un músico chileno que ha incursionado en los mismos cuatro campos que están en el programa de “Sesiones Teatro del Lago”, un ciclo de conferencias a distancia y abiertas al público, impulsadas por la Fundación Teatro del Lago. Sebastián Errázuriz abrirá hoy (19:00) la serie de charlas de aproximación y apreciación musical desde la propia Frutillar, donde vive.
“El teatro está entregando contenidos para que el público pueda acceder a diversas temáticas de la música, con un objetivo final: el mejor disfrute de la música para cuando volvamos a la actividad presencial en los teatros”, dice Errázuriz, cuya intervención en línea se titula “¿Cómo piensa un compositor?”.
Errázuriz es compositor docto, autor de la ópera “Viento blanco”, exdirector del Ensamble MusicActual, que durante años hizo un cruce entre la música docta y el pop, y guitarrista de jazz en sus inicios. Ello le permite comunicarse con el público desde la experiencia en las cuatro áreas de este ciclo de doce sesiones que termina el 15 de agosto: música clásica, ópera, jazz y música popular.
“Todos los compositores piensan distinto y todos comienzan su creación desde diversos lugares. Pero al mismo tiempo todos manejan los parámetros del sonido, que vamos a conocer en esta hora de conversación: altura, duración, intensidad y timbre”, señala. En pantallas adicionales estará acompañado por los músicos del Ensamble Teatro del Lago, Nicolás Faunes (flauta), Cristina Naranjo (piano) y Pablo Silva (chelo), encargados de llevar al sonido esos conceptos centrales.
“Sesiones Teatro del Lago” sigue cada semana, siempre con músicos de apoyo. Este sábado, la soprano Magdalena Amenábar (también vicerrectora de Comunicaciones de la PUC) recorrerá los caminos de la voz desde la Edad Media hasta el Barroco, mientras que expertos como Jaime Donoso, Pedro Pablo Prudencio, Gonzalo Saavedra y Juan Antonio Muñoz, abordarán otros ángulos, aspectos y períodos de la música clásica y de la ópera.
Pero el programa es abierto y también hay espacio para conocer acerca de jazz, con el guitarrista Federico Dannemann, y de música popular, con la periodista e investigadora Marisol García, que desarrollará la idea de cantautoría y “metacanción”. Información en TeatrodelLago.cl
sábado, junio 20, 2020
Isabel Parra: "“No queremos reconstruir el museo”"
El Mercurio
En febrero de este año, el Museo Violeta Parra, ubicado a pasos de la Plaza Baquedano, fue atacado e incendiado en tres ocasiones en medio del estallido social. Isabel Parra, hija mayor de Violeta, habla de su desolación por la violencia, de los años de trabajo recolectando la obra de su madre, de la controversia con los herederos de Nicanor Parra y de su discrepancia sobre cómo estaba siendo manejado el museo en el último tiempo: “Se fue convirtiendo en un museo fome”.
Por Antonia Domeyko
Cuando Isabel Parra se levanta por las mañanas durante estos días de cuarentena, lo primero que ve son los cuadros de su madre que tiene colgados en los muros de su departamento en Providencia.
—Veo un mono de la Violeta Parra ahí, bailando cueca en el living. Voy a la otra pieza y tengo otros monos más chicos, maravillosos. A mí me da mucha energía eso, ¿sabes? Me contenta en los momentos más desolados. Miro un cuadro de mi mamá y siento que ella está. Hay muchos monos que se parecen a nosotros, porque éramos sus modelos; también están los perritos, los quiltros que ella cuidaba en La Reina. Esos son mis tesoros. Es una cosa muy fuerte, muy linda. Es mi compañía.
Isabel Parra vive sola. Pero durante el confinamiento ha tenido cerca a su hija Milena Rojas, que vive en otro departamento en el mismo edificio, y a su mascota, un perro salchicha. También mantiene contacto telefónico con su hija Tita. Pero lo que más la acompaña, a sus 80 años, son las canciones, dice. En estos meses se ha dedicado a escribir y componer, reflexionando sobre la pandemia y el “estallido social truncando”, para el nuevo disco que está grabando junto a Manuel Meriño, que se suma a la veintena de álbumes que ha lanzado durante su extensa carrera.
Sin embargo, añade, lo que acapara la mayoría de sus pensamientos hoy es el Museo Violeta Parra. Este proyecto, que albergaba y exhibía una gran colección de la obra de la artista, que Isabel y su hermano Ángel habían recopilado por décadas, está cerrado desde octubre, luego de que detonara el estallido social. Unos meses después, en febrero de este año, en medio de las manifestaciones, fue incendiado y atacado tres veces consecutivas en un mismo mes. Las reiteradas llamas devoraron la infraestructura casi por completo.
—Lo que más me preocupa ahora es el destino de lo que fue el Museo Violeta Parra, del ex Museo Violeta Parra.
—¿Por qué exmuseo?
—Después de los incendios, en la última reunión de directorio, salí con esa idea. Para mí se acabó el museo. No existe.
El trabajo de juntar y recopilar la obra de Violeta Parra, dice Isabel, ha sido una labor que ella ha realizado continuamente a lo largo de su vida.
—La Viola era muy itinerante, hacía sus trabajos, y se iba de viaje, dejaba cosas aquí, cosas allá, y me tocaba a mí, siempre me tocó, ir detrás de las cosas, ordenarlas y guardarlas. Ella me decía de repente “qué bueno tener una secretaria”. Me parecía una frescura esa cuestión, porque yo no era su secretaria. Yo la ayudaba porque ella era mi mamá, porque yo la quería y porque había que ayudarla, simplemente. La palabra secretaria no me caía muy bien. Pero de cierta manera había que hacerse cargo.
Recuerda especialmente los años en que su madre trabajaba en el proyecto de un centro cultural en una carpa instalada en un terreno baldío cedido por el alcalde de La Reina.
—Le costó tanto a mi pobre madre hacer ese proyecto, que era un proyecto loco, descabellado. Cuando la cosa funcionaba, entre comillas, ella se iba a Bolivia, y dejaba todo ahí. Eran muchos cachos todo eso, porque mi hermano y yo éramos grandes ya, y teníamos una vida, pero así y todo estábamos siempre ahí junto a ella.
Tras la muerte de Violeta Parra, en 1967, Isabel, que entonces tenía 27 años, se quedó con varias de las obras de su madre, que más tarde guardó en su propia casa en Ñuñoa. Unos años después, luego del golpe militar, Isabel y Ángel partieron al exilio y se instalaron finalmente en París.
—Si nosotros teníamos que trasladarnos, nos trasladábamos con ese patrimonio. Pasaron las cosas más increíbles que yo te pueda contar para sacar en plena dictadura, hacia un destino de exiliados, parte importante de la obra visual de la Violeta Parra —relata.
Desde París, al igual que su madre, visitaba diferentes países cantando sus canciones, y en el camino buscaba obras que Violeta Parra había dejado en sus viajes por Europa. Recuerda que en una presentación en Ginebra, al llegar al camarín, se encontró con un mensaje en un papelito que decía en francés: “Yo tengo cuadros de Violeta Parra”.
—La Violeta había dejado también montones de pinturas en el taller de Ginebra, pensando que volvería a buscarlas. Y aparece este suizo milagrosamente para decir: “Tengo los cuadros de la Violeta”. Después, este señor nos los entregó. Tenía prácticamente todos los óleos que se han exhibido. Todo fue así, son años de trabajo, de espera, de energía, de andar preguntando, tocando puertas a personas que uno no conoce, que te dieron un dato.
De a poco, su departamento en París se comenzó a llenar de obras de su madre.
—Yo iba a la cocina a pelar papas y tropezaba con un cuadro de mi mamá. No era uno, eran cinco, 10 cuadros, además de los que tenía colgados (…). Tenía mi casa invadida de obras de la Viola. En el edificio había una bodeguita comunitaria con los otros propietarios, y yo la tenía llena de Violeta Parra con arpilleras, papel maché, cartas, manuscritos, etc. Estaba exiliada sin saber qué iba a pasar con todo esto.
En 1987, Isabel Parra regresó a Chile. Una de las razones, entre muchas otras, dice, era volver a hacer algo con el legado de su madre. Cuatro años después, en 1991, creó junto a su hermano Ángel la Fundación Violeta Parra.
—Creamos la fundación para proteger la obra. Nosotros lo vimos como una gran manera de protección, porque cualquiera cae en la tentación de querer vender.
—¿No han vendido alguna?
—Las hemos cuidado como si fueran hijos de nosotros. Jamás hemos vendido, creo que ni un monito ni un dibujo.
Tras la creación de la Fundación, en la mente de Isabel estaba el objetivo final de crear un museo.
—Me demoré cerca de 20 años en convencer a los gobiernos democráticos de lo importante que era tener un Museo Violeta Parra. De andar enseñándole a los chilenos quién era Violeta. Fue arduo. El nombre de la Violeta es muy querido y muy amado en todas partes del mundo. Chile es el país número uno para desconocer y estar ciego de las cosas que ocurren a los grandes artistas chilenos. Y a mí me tocó la pega chica, de andar cargoseando con la Violeta Parra.
En octubre de 2015 se inauguró el museo, construido con fondos del Estado y hoy financiado por el Ministerio de Cultura. Isabel y Ángel Parra donaron las obras al Estado chileno para la colección. Ella, como parte de la Fundación Violeta Parra, es la vicepresidenta del directorio del museo.
Aún Isabel sigue recibiendo contactos de personas que tienen cuadros y obras de su madre, y, dice, el museo ha comprado también algunas piezas que han ido apareciendo. Pero, asegura, hay parte del trabajo de Violeta Parra que está en la casa de su tío, el poeta Nicanor Parra, fallecido en enero de 2018.
—En su casa de La Reina se acumularon montones de arpilleras, de cuadros, que están ahí hasta el día de hoy. Quienes tienen la palabra son los hijos del tío. Ya todos están grandotes, no son los cabros chicos, tendrían que pronunciarse, y devolver lo que no les pertenece. Frente a la gran herencia que tienen, que se ha publicitado en todos los medios, estamos todos con la boca abierta de la mansa fortuna que hay ahí. Entonces, con mayor razón que devuelvan esos cuadros. Si bien tienen un valor económico, supongo, muy elevado, deberían volver a sus dueños. Y espero que ocurra.
Hace poco más de un mes se hizo público en varios medios un informe elaborado por el abogado interventor de la herencia de Nicanor Parra que indicaba que el patrimonio corresponde a $3.400 millones, además de cinco inmuebles, y que hoy está en medio de una disputa legal entre los hijos herederos.
—Usted presentó una carta formal pidiendo los cuadros, habló también de tomar posibles acciones legales.
—Acciones legales he tomado tantas veces en mi vida, que no me voy a meter en esa cuestión a esta altura. Yo apelo a la cordura, a la generosidad, a la comprensión y, en definitiva, apelo a no quedarse con lo ajeno. Así de simple. Yo tengo confianza en que en la medida en que se desenrolle el enredo que tienen los hermanos, que este patrimonio de cuadros de la Violeta Parra no pase a ser parte de la fortuna, bastante grandota, que se van a repartir.
—Se decía que Nicanor Parra le había comprado esos cuadros a Violeta.
—Es que hay todo tipo de cuentos. Hubo una historia de que “pobre Violeta que no tenía plata”. Esa es una falsedad total y absoluta. Los hermanos, el Nicanor con la Viola, siempre tenían historias de plata. La Viola, siendo una mujer pobre, le prestaba plata al hermano. Hasta yo me acuerdo en un momento que el tío Roberto llegó a mi casa y me dice que a Nicanor le estaban ofreciendo una casa muy barata en Isla Negra, pero que necesitaba unos dineros. Yo tenía mis ahorros y le presté, y el tío vino después y me pagó. Se prestaban plata los hermanos. Ellos tenían sus transacciones económicas privadas.
—¿Ha mantenido contacto con sus primos, los hijos de Nicanor Parra?
—Fui en una época muy amiga de la Catalina, era mi prima más querida. Ahora está en Nueva York, pero no escribe, no sé lo que pasa. Después de todos estos enredos mediáticos que han ocurrido con la familia Parra de ese lado, me imagino que es por eso. No tengo idea. Pero yo he conversado con la Colombina sobre este tema. Yo tengo su número y le he mandado recado, pero no me pesca, hasta el día de hoy.
Al lado del río/ donde se encontraba el corazón vivo de Violeta Parra/ queda el humo negro/ quemada la historia/ y el corazón vivo de Violeta Parra.
Es la estrofa final de una de las canciones que Isabel ha estado escribiendo en el último tiempo. Es de febrero de este año, cuando ocurrió el incendio del museo. Dice que cuando comenzó el estallido social tuvo sentimientos encontrados.
—Lo que me pareció muy dramático fueron los actos violentos. Todo lo que signifique destruir, quemar, romper, a mí me parece de una violencia que no soy capaz de justificar. No me gusta esa forma, para nada. Yo estoy desolada de constatar lo que ha ocurrido, pero al mismo tiempo estaba contenta con el estallido, por supuesto. Cuándo la gente iba a mostrar esta desigualdad chilena, esta injusticia, esta sociedad que vive a expensas de la explotación de otros, un país que desprecia las minorías, un país donde los hombres matan a sus mujeres, y la lista es muy larga. La gente aquí no tiene qué comer. Entonces, por supuesto que encuentro razonable que haya una explosión de reclamo. Cómo no.
Con el comienzo de las manifestaciones en Plaza Baquedano, en Vicuña Mackenna, a una cuadra de la plaza, el Museo Violeta Parra tomó la decisión de cerrar sus puertas. Y hasta hoy, ocho meses después, no ha vuelto a abrir.
—Se clausuró. Yo no estaba de acuerdo. El Museo Violeta Parra no tuvo ningún compromiso social durante esta revolución. No se proyectó el espíritu social de la Violeta, jamás.
—¿Cómo hubiese querido que fuera?
—Bueno, yo nunca pretendí ser la directora del Museo Violeta Parra, no tengo nada que ver con eso. No soy funcionaria pública y no ando buscando esa pega. Soy una mujer artista, que hace música (…). Como a mí no me tocó, las cosas que nosotros inventamos nunca se pudieron concretar, ideas que planteábamos. Yo creo que hay personas que podrían hacerlo mejor, que podrían tener otra visión. Por ejemplo, el centro cultural del GAM se la jugó a muerte con el estallido social y organizó miles de cosas. Claro, ellos tienen una gran infraestructura, pero el Museo Violeta Parra se cerró.
La noche del viernes 7 de febrero, Isabel Parra se enteró por la televisión de que el museo se quemaba en medio de una protesta. La infraestructura, que este 2020 cumplía cinco años desde su inauguración, se caía a pedazos. Las obras, por suerte dice Isabel, las habían retirado al inicio del estallido para resguardarlas.
—Cuando lo vi en la televisión, partimos con la Milena (su hija) de inmediato para allá. No hay nada peor que un incendio; esas llamaradas incendiarias, es como una guerra, como sentirse estropeada, humillada. Quemar un lugar de encuentro, un lugar creativo, que costó tanto hacerlo.
—Antes de que esto ocurriera, ¿usted pensó que podría llegar a pasar algo así al museo que representa a Violeta Parra?
—Viendo el desastre en el transcurso de los días, era como para pensar que se podía empezar a romper; rompieron vidrios, pero siempre con una esperanza estúpida de que no iban a tocar el Museo de Violeta Parra. La ingenuidad perfecta. Eso era lo que yo sentía.
Hoy hay una investigación en curso, pero Isabel dice que aún no ha tenido información de quiénes habrían originando el incendio. Al día siguiente del ataque, Carabineros hizo una declaración en la que indicaba que algunos testigos habían visto un grupo de encapuchados iniciar el fuego.
—Al lado del museo había un sitio baldío, que era como de guerra, ahí pasaban las fuerzas del orden, los encapuchados y los locos que quemaron el museo; qué Dios sabrá quiénes son. No ha llegado ningún resultado de la investigación.
El 28 de febrero hubo un segundo incendio en el museo. Y al otro día, la infraestructura volvió a arder por tercera vez.
—Yo estoy confiada en que esta revolución, que quedó trunca, continúe. Tiene que continuar, pero de otra manera. Yo me opongo a los actos violentos.
Como todos los centros culturales, abrir las puertas al público no es una posibilidad hoy debido a la pandemia. Y en el caso del Museo Violeta Parra, esa opción, con la infraestructura destruida, es aún más lejana.
—Nosotros, como Fundación Violeta Parra, no queremos reconstruir el museo, considerando en el estado catastrófico en que se encuentra la economía chilena. Construir ese museo fue carísimo, mantenerlo es carísimo. Es bueno que la gente sepa que los Parra no han recibido nunca un peso por entregar esa obra y que los dineros que entrega el Consejo de la Cultura es para mantener a los funcionarios y para hacer las actividades que tiene que hacer un museo.
—¿Cuál sería, entonces, para usted el futuro del museo?
—No vamos a reconstruir ese museo por miles de razones. Ese museo fue destruido. La intención que nosotros tenemos como fundación es seguir mostrando la creación de la Violeta, pero de otra manera. De una manera más simple, menos cara, más en contacto con la gente, en una casa, que no tenga que tener 25 personas que hagan aseo. La sencillez de la Violeta es la que tenemos que poner frente a un nuevo proyecto. La gente tiene que saber cómo era la Violeta Parra. ¡Por Dios! Si la Violeta se fue a vivir a una carpucha de tierra. Yo no te digo que vamos a hacer la carpa, porque yo odio la carpa, pero tenemos que hacer un proyecto cariñoso, amable con las personas, entretenido, creativo.
—Cuando fue el incendio, usted dio declaraciones en las que mencionaba que no coincidía en cómo se estaba manejando el museo. ¿Sigue pensando eso?
—Reafirmo lo que digo. Yo creo que hay personas que no están preparadas para dirigir un Museo Violeta Parra. Creo que mi hermano y yo nos equivocamos profundamente en confiar en esta persona, en creer en ella. No creo que sea fácil dirigir un museo, pero este es un museo bien dirigido en lo administrativo y en lo técnico, y eso a mí me importa un rábano. Está lleno de gente que puede hacer eso, pero hay muy poca gente creativa que inventa cosas, que se deleita creando. Eso no lo tenemos y no lo tuvo nunca el museo.
—¿A qué se refiere?
—Mientras el museo existió, creo que ocurrieron cosas buenas, como que se bailaba cueca el primer sábado de cada mes, era una cuestión maravillosa (…). Pero fue muy difícil, porque hacer un museo Violeta Parra vivo es muy complicado. El museo se fue convirtiendo en un museo fome, sin divisar a la Violeta en sus múltiples facetas. Nunca hubo una programación profunda. Nunca hubo estudios sobre la Violeta Parra, nunca salió a las regiones, nunca tuvo proyección con museos del mundo. Se quedó ahí en la calle Vicuña Mackenna con unos talleres. Mejor ni hablo de eso, porque me deprimo.
—…
—Hacer talleres de cómo se hace el terremoto, qué se toma para el 18, es para morirse. Te pongo ese ejemplo que es dramático. La Violeta, además, era contra el alcohol, y hacer talleres así en un país de alcohólicos como el nuestro… Ese tipo de cosas puede ser un detalle risible, pero en el fondo es una mierda... o talleres de sopaipillas. Yo adoro las sopaipillas, pero haber luchado todo lo que te conté para terminar haciendo sopaipillas. Por favor, tenemos que cortarla.
—La directora del museo, Cecilia García-Huidobro, dijo que las decisiones se han tomado en el directorio, al cual usted no había asistido en el último tiempo.
—Lo que pasa es que esas reuniones de directorio son un chiste, porque ahí llega el pastel cocinado, y la Fundación Violeta Parra no tiene mayoría en el directorio. Los pasteles vienen cocinados a las reuniones y no creo que solamente en este directorio, yo creo que todos los directorios funcionan así.
Hoy, el museo funciona en formato digital, ofreciendo actividades en línea. Pero Isabel piensa en otra cosa y mira hacia atrás:
—Después de todo ese esfuerzo, de todo lo que pasó, de tanto patalear y pelear, viene el estallido social con las consecuencias que conocemos. Entonces, en realidad, si uno se pone a sacar la cuenta de lo que ha sido esta historia, quedamos en punto cero.
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| Isabel Parra dice que la intención es seguir mostrando la creación de la Violeta, pero “de una manera más simple, menos cara, más en contacto con la gente”. En la foto, ella junto a su madre. ZIG ZAG |
jueves, junio 04, 2020
miércoles, junio 03, 2020
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miércoles, mayo 27, 2020
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lunes, mayo 18, 2020
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jueves, febrero 13, 2020
Tango de la "Fernández Fierro" regresa a Chile con nuevo disco
MARTES 31 DE MARZO
TEATRO MUNICIPAL DE ÑUÑOA – 21 HORAS
VENTA DE ENTRADAS POR EVENTRID >>
Después de cuatro años de ausencia regresa a nuestro país “lo más rockero del tango y lo más tanguero del rock” de Argentina, lo que se ha ganado por definición la Fernández Fierro.
La agrupación porteña que ha roto todos los esquemas del tango desde el año 2001, se encuentra en la promoción de su nuevo disco “Ahora y Siempre” ganador del Premio Gardel a Mejor Disco Orquestal de Tango del año 2019. El álbum lo componen nueve temas de autoría propia y de compositores de la nueva generación del tango.
La que fue conocida como “Orquesta Típica” Fernández Fierro este año trae además a su nueva vocalista, Natalia Lagos. La cantante y pianista de trayectoria blues declara haberse hecho tanguera con esta orquesta y se ha lanzado la vorágine del grupo.
La Fernandez Fierro se presentará el martes 31 de marzo en el Teatro Municipal de Ñuñoa, ubicado en Irarrázaval 1564 (Metro: Monseñor Eyzaguirre), a partir de las 21 horas.
Sobre Fernández Fierro
Nacida en 2001, Fernández Fierro es una orquesta de doce músicos más cantora que ha revolucionado la escena del tango con su violenta sonoridad y puesta en escena, así como por el inédito proyecto colectivo que llevan adelante: el grupo se organiza en forma cooperativa, mantiene una radio on-line (RadioCAFF) edita sus discos de manera independiente y administra su propio club: el Club Atlético Fernández Fierro (CAFF), espacio ineludible de la escena musical independiente, donde brinda sus potentes shows regularmente.
Sus trabajos discográficos se inician en el 2002 con Envasado en Origen y le siguen Destrucción Masiva (2003), Vivo en Europa (2005), el DVD Tango Antipánico (2005) y Mucha mierda (2006), elegido por el diario La Nación como uno de los diez mejores discos editados en ese año y su tema "Las Luces del Estadio/Buenos Aires Hora Cero" como uno de los cien mejores temas del año 2006 por la edición argentina de la revista Rolling Stone. Asimismo, ese mismo año, Mucha mierda fue nominado para los Premios Gardel como Mejor Album Orquesta de Tango. En 2009 editan Putos, su cuarto disco de estudio, que fue elogiado unánimemente por la prensa y elegido por la edición argentina de la Rolling Stone como uno de los cinco mejores cds de tango de ese año. En 2013 presentaron con unánimes elogios y numerosos conciertos su sexto disco, TICS. Y ahora se encuentran en la promoción de su último disco “Ahora y siempre” (2018) que ya recibió el Premio Gardel a Mejor Disco Orquestal de Tango el año 2019.
Coordenadas de venta
Las entradas ya se encuentran disponibles a través de Eventrid, y sin cargo en House Tattoo Rock (Portal Lyon).
jueves, febrero 06, 2020
Ruta del Canto Libre recordará a seis pilares de la música chilena en el Cementerio General
Comunicado de prensa
Este sábado 8 de febrero se hará una “guitarreada abierta” que reconocerá la obra de Violeta Parra, Víctor Jara, Sergio Ortega, Rolando Alarcón, Eduardo Gato Alquinta y Roberto Parra pasando por cada una de sus tumbas.
Bajo el concepto de “guitarreada abierta” se realizará este sábado 8 de febrero la primera “Ruta del Canto Libre” en el Cementerio General, que reconocerá e interpretará la obra de seis grandes creadores de la música chilena.
La jornada, organizada por el colectivo El Natre en colaboración con distintos cantores/as y seguidores de la Nueva Canción Chilena, nació como una manera de saludar a Rolando Alarcón y Violeta Parra, que fallecieron un 4 y 5 de febrero de 1973 y 1967, respectivamente. Luego del acto de desagravio a la tumba de Víctor Jara se decidió ampliar el homenaje a él, Roberto Parra, Sergio Ortega y Eduardo Gato Alquinta, cuyas tumbas también están en el Cementerio General.
“Sabemos que hay muchos más autores/as y cantantes que están allá, pero decidimos partir con estos seis porque conocíamos sus lugares de descanso y para poder iniciar con pilares representativos una actividad que esperamos que tenga muchas más versiones”, explica Cristian González, uno de los gestores de la iniciativa y también creador de la romería por Nelson Schwenke, que se realiza desde 2015.
A las 10:30 horas, los participantes se reunirán en la tumba de Violeta Parra y, luego de la lectura de una décima introductoria a cada figura hecha por destacados artistas nacionales (Eduardo Peralta, Pedro Yáñez, Hugo González, Fabiola González y Jorge Yáñez entre otros), se interpretarán colectivamente tres canciones. En medio de los temas habrá oportunidad también para que algunos asistentes hagan un saludo con un tema de cada una de las figuras homenajeadas.
“El pueblo unido”, “El derecho de vivir en paz”, “Si somos americanos”, “Volver a los 17”, “El chute Alberto” y “Todos juntos” serán algunos de los himnos que se cantarán colectivamente en la actividad, que espera tener nuevas versiones en otros momentos del año.
RUTA DEL CANTO LIBRE
SÁBADO 8 DE FEBRERO
10.30 HORAS
TUMBA DE VIOLETA PARRA, CEMENTERIO GENERAL
(casi frente al Memorial de los Derechos Humanos)
Evento facebook con las canciones
https://www.facebook.com/events/203045220877008/
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