domingo, agosto 18, 2013

Jorge González lanzará el primer disco en inglés de su trayectoria

La Tercera

El músico escribió los temas junto a los que integraron el álbum Libro. La idea preliminar es editar el trabajo a fin de año.

por Claudio Vergara

El propio Jorge González lo ha calificado como una suerte de ebullición creativa: en la soledad de su residencia en Berlín, flanqueado sólo por guitarras, teclados y computadores, apenas en contacto con el café que colinda con su departamento, el cantautor se encerró durante semanas para facturar más de una veintena de composiciones que remataron en su alabada última entrega, Libro (2013).

Sólo 12 de ellas integraron el álbum, mientras que el resto descansa a la espera de uno de los proyectos más inquietos que el ex Prisionero alista para esta temporada: la salida de un álbum en inglés, el primero de su carrera y que tiene como fin editarse, aparte de Chile, en algunos circuitos de Europa, lugar donde vive desde 2008 (primero en Valencia y luego en la capital alemana).

De hecho, González escribió temas en ambos idiomas y, aunque en un momento evaluó incluir creaciones anglohablantes en su reciente título, finalmente optó por sólo temas en su lengua, como una forma de recalcar el carácter íntimo y visceral que cruza Libro.

“Es un plan que venía barajando desde hace mucho tiempo”, cuenta el realizador chileno Maximilano Mellado, radicado en Berlín y uno de sus máximos aliados en la ciudad. Luego sigue: “La soledad en Alemania lo ha llevado a una libertad creativa tremenda y a experimentar con cosas distintas. Esto es una prueba de ello. Mantendrá su sonido de cantautor, quizás con algunos matices de diferencia”.

Casi como una suerte de entrenamiento, González ha incluido en su repertorio habitual de los últimos años el hit To love somebody, de los Bee Gees, mientras que en sus presentaciones alemanas -en cafés, clubes y lugares de pequeñas dimensiones- toca covers de himnos como Rock with you, de Michael Jackson.

En su actual sello, Plaza Independencia, reconocen que el disco está en marcha y estiman fecha de lanzamiento para fin de año o ya para 2014, ya que antes tienen contemplado el estreno en cuatro formatos (CD, vinilo, DVD y blu-ray) del show ofrecido en la última versión de Primavera Fauna, donde el músico revivió Corazones, de Los Prisioneros.

Gonzalo Yáñez, cantautor e instrumentista de la actual banda del hombre de No necesitamos banderas, es uno de los pocos que han escuchado el material: “Se nota que estas canciones fueron pensadas en inglés, y eso las hace diferentes a las de Libro. Las pensó así y eso repercute en el lenguaje musical, porque el inglés es el lenguaje del rock puro. Son una volada, pero a Jorge le sale muy natural, porque vivió en EE.UU. y en Berlín está obligado a ese idioma”, resume.

Casi en sincronía con su aventura en el idioma del rock, González ha figurado en otro lanzamiento con buena repercusión en la escena anglo: el álbum The Visitor, de Matías Aguayo, DJ chileno radicado en Europa desde los 70 y que se ha alzado como uno de los créditos más reputados de esa generación que encabezan Ricardo Villalobos y Luciano. En el trabajo -donde también está Juliana Gattas, de Miranda!-, González escribió tres temas, que ayudó a producir. “Es un avance en su carrera gracias a su humor, su fusión de ritmos latinos y su carácter juguetón. Un acierto”, dijo The Guardian.

Los mitológicos capítulos chilenos de la historia del rock

El Mercurio

¿Pink Floyd en el Valle de la Luna? ¿John Lennon tocando para Salvador Allende? ¿Jimi Hendrix recorriendo Chile en moto? Desmenuzamos las verdades e inventos de historias contadas por años, que tenían a este país como protagonista.

Juan Ignacio Cornejo

Luis Dimas se enojó porque Chubby Checker, el padre del twist, dijo no saber quién era él y que si se hacía llamar "El Rey del Twist", entonces le estaba robando la carrera. La verdad es que Checker (el de "The Twist" y "Let's Twist Again") no tendría por qué haber sabido del carácter de "realeza" de Dimas en el país si no es porque el chileno alguna vez dijo (o dicen que dijo) que era amigo de Elvis Presley y Frank Sinatra, y el periodismo busquilla quiso jugar con eso.

Este es solamente uno de los mitos que rodean la historia de la música popular chilena, pero no es la única. De vez en cuando nos enteramos de anécdotas o hitos de pesos pesados incluso del Primer Mundo, a quienes se les relaciona con Chile y que se nos hacen tan dignas de orgullo que se imprimen en la memoria y el traspaso oral va agigantando aquellas citas una y otra vez.

Recopilamos los mejores, los más confusos y que más veces hemos escuchado. Algunos resultaron ser ciertos, otros parte de una confusión, y uno que otro un completo invento.

Pink Floyd en el Valle de la Luna:

Quién no escuchó alguna vez que Pink Floyd estuvo "a punto" de venir a Chile y tocar en el Valle de la Luna. ¿Se los imagina fumándose un cigarro en la plaza de San Pedro de Atacama? Sí, difícil.

En la última venida de Roger Waters, por fin se le consultó por aquel rumor. El inglés miró extrañado y muy educadamente dijo "al menos mientras yo estuve en la banda, nunca se habló. Habría que preguntarle a los actuales Pink Floyd si ellos lo pensaron después".

Gabriel Parra, el mejor baterista del mundo:

En plena celebración del medio siglo de Los Jaivas, los recuerdos y tributos a Gabriel Parra están a la orden del día. El viñamarino dejó huella en nuestra música y también alcanzó notoriedad fuera de estas fronteras. La duda es cuánta notoriedad, porque la hiperbólica tradición oral dice que alguna vez Parra fue distinguido como "el mejor baterista del mundo" por una publicación británica (algunas variaciones del relato: que habría sido escogido tercero, no primero; o que el honor había llegado desde Francia/Alemania y no Gran Bretaña).

Pamela Urbina está publicando por estos días su libro Los Jaivas: 50 Años de Historia, en el cual entre muchísimos otros episodios del andar de la banda revisados junto a las versiones de prensa de la época, se menciona este supuesto honor otorgado al baterista. El texto de Urbina dice textual: "Entre el 26 de febrero y el sábado 3 de marzo de 1979 (Los Jaivas) tocaron en el consagratorio Shaftesbury Theatre de Inglaterra. (...) MusicWeek destacó en especial a Gabriel Parra: "Es un baterista de clase mundial, que sigue la línea melódica y respeta el pulso de cada tema en vez de caer en irrelevantes espasmos salvajes y fuera de tiempo, como muchos de sus contemporáneos".

Generosas alabanzas y palabras que hacen bastante justicia al talento natural de Gabriel Parra. Pero de rankings o de ser reconocido como "el mejor", no pasa nada por aquí.

El chileno de Red Hot Chile Peppers:

Desde que supimos de los Red Hot Chili Peppers que escuchamos el cuento de que en la primera formación del grupo había un chileno. No faltó el irresponsable que aseguraba que el "Chili" de su nombre era en honor a la "larga y angosta faja de tierra".

Esto no es ciento por ciento falso. Sí hay una poderosa conexión chilena en la génesis de los RHCP. Es Alain Johannes, que suele trabajar con Chris Cornell o Queens of the Stone Age, y que fue quien le enseñó a tocar bajo a Flea. Más bizarro todavía, el bajo de Johannes le había sido regalado por su tío Peter Rock. En la penúltima venida de los Chili Peppers, el ícono de la Nueva Ola fue a saludar al bajista y fue recibido con un afectuoso "Uncle Peter!". No es broma.

Santana, el plagiador:

Era 1969 y (otra vez) Los Jaivas empezaban a encontrar su sonido, en ese momento más cargado a las percusiones. "Y apareció Santana, él era mucho más famoso que nosotros, entonces nos empezaron a decir 'los Santana chilenos'", recuerda Mario Mutis. "Tiramos las tumbadoras lejos y comenzamos a incorporar elementos más andinos, para evitar comparaciones", completa.

El problema es que algunos se confundieron y creyeron que la influencia era al revés, y que era Santana quien les robaba las ideas a los viñamarinos. Por supuesto, eso era falso. Pero el capítulo se pone más turbio porque el guitarrista plagió a otros chilenos a los pocos años. La melodía de "Y volveré" de Los Ángeles Negros fue tomada nota por nota para una canción irónicamente llamada "Europa".

El viaje en moto de Jimi Hendrix por Chile:

Hay dos canciones de Jimi Hendrix que llevan el nombre de Chile: "Highway Chile", lado B de uno de sus singles de 1967, y "Voodoo Chile", con dos versiones en Electric Ladyland en 1968. Esto es motivo suficiente como para creer que el guitarrista más influyente de todos los tiempos anduvo en Chile paseando en moto a mediados de los sesenta.

Todavía hay gente que cree ciegamente que Hendrix anduvo por acá y que "Highway Chile" está inspirada en nuestras carreteras. Lo cierto es que prácticamente todos los biógrafos del moreno coinciden en que su uso de la palabra "Chile" es un error intencional al pronunciar y escribir la palabra "Child". Es más: en las ediciones originales de "Electric Ladyland" la canción número 4 es "Voodoo Chile", una jam bluesera de 15 minutos de duración, y la que cierra el disco doble es la clásica "Voodoo Child (Slight Return)". Ahí, en nuestra cara, Hendrix nos ejemplifica los gustos que se daba con el idioma.

¿Y "Highway Chile"? Según sus biografías, lo mismo. Y más allá de un par de testimonios callejeros, no hay rastros ni pruebas de que Hendrix haya pasado por Antofagasta ni Valparaíso ni Santiago, las tres ciudades más citadas en las narraciones.

John Lennon y su show para Salvador Allende:

Esto sí que es enredado. Quizás haya escuchado alguna vez que John Lennon iba a venir a Chile en 1971 para una actividad de apoyo a Salvador Allende y la UP. El que anduvo acá en 1971 fue el cantautor folk Phil Ochs. El estadounidense pasó dos meses en Chile y se dice que hizo migas con Víctor Jara y se empapó del espíritu de la Unidad Popular.

En 1974, Ochs organizó un show para generar conciencia en EE.UU., en el Madison Square Garden, en el que incluso participaron Dennis Hopper y Bob Dylan. La velada se llamó "An Evening With Salvador Allende" y fue a esta que Ochs invitó a Lennon, aunque el ex The Beatles no pudo participar. Fue la única invitación pública que el autor de "Imagine" recibió relacionada con Chile. El resto queda para esas "historias no contadas" y documentos clasificados.

Hace pocos días fuimos testigos de la canción que Desaparecidos, banda de Conor Oberst, lanzó y que se llama "Te Amo Camila Vallejos". Al menos estuvimos todos aquí para escucharla, porque quién sabe en qué va a terminar deformada dicha revisión.
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¿Y Dimas? No, no fue amigo de Elvis Presley ni Frank Sinatra. Simplemente se los encontró por separado en sus años en EE.UU. Otro mito al tacho de la basura. Ojo con las historias que le cuentan: dicen que el tiempo es muy mentiroso...

The Cardigans debutará en Chile en Primavera Fauna

El Mercurio

La banda sueca encabezará el festival que celebrará su tercera versión el próximo 23 de noviembre en Espacio Broadway.

Diego Rammsy

La próxima y tercera versión del festival musical chileno tendrá un esperado debut entre sus filas. Se trata de The Cardigans, la banda sueca que en la voz de Nina Persson popularizó canciones como "Lovefool", "Erase/Rewind" y "Mi favourite game" durante la década de los 90.

Fuentes ligadas a la industria de la producción de conciertos dieron por hecho el fichaje que traería por vez primera a los suecos al país. "No le digan a nadie, pero estamos planeando hacer más conciertos", escribió hace dos meses el bajista de la banda, Magnus Sveningsson, en la página oficial de Facebook del grupo.
La primera promoción de venta de entradas para Primavera Fauna comenzó el pasado lunes 5 de agosto, sin anunciar artista alguno, lo que esperan poder realizar durante la próxima semana de manera oficial, luego del término de la venta en verde este domingo. Otro de los contratos para el evento incluiría a los británicos de Hot Chip, que cumplirían con su tercera visita al país.

Para los suecos, el anuncio aparece un año después del último tramo de conciertos que ofrecieron en Europa (Suecia, Dinamarca, Polonia, Finlandia y Rusia) y Asia (Japón e Indonesia). Dicha gira, que finalizó en Tokyo el 19 de agosto de 2012, la hicieron bajo el título de su exitoso disco de 1998 "Gran turismo".
La banda que ha vendido más de 15 millones de discos en todo el mundo, se ha mantenido entre reuniones y recesos en los últimos años -su último trabajo de estudio, "Super extra gravity", salió en 2005-. Magnus Sveningsson ha dedicado tiempo a su banda Dun Dun y Bengt Lagerberg (baterista) y Lars Johansson (tecladista) se encuentran trabajando en el tercer disco de su banda Brothers of End. Nina, en tanto, estaría trabajando en su primer disco solista y también ha colaborado en el nuevo álbum de James Iha, ex guitarrista de Smashing Pumpkins.

En materia noticiosa, The Cardigans figuró en abril pasado en algunas publicaciones musicales del Viejo Continente por un lío de dineros que los involucraba a ellos, a su estudio de grabación y a sus compatriotas de The Hives. Todo se debió a una disputa monetaria que involucraba a Tambourine Studios, quienes administraban los fondos de ambas bandas. La firma habría realizado préstamos internos entre los dineros de los grupos, por lo que la corte ordenó a The Hives el pago de US$ 2,87 millones a The Cardigans.

La visita fallida

La banda estuvo en condición de 'confirmados' para estar en Santiago en 1999. Así fue anunciado de la boca de la misma vocalista Nina Persson un mes antes del show que nunca se llegaría a concretar en el Teatro Teletón. Los suecos venían promocionando su cuarto disco "Gran turismo", salido un año antes, y además acababan de estrenar su versión junto a Tom Jones de la canción de Talking heads "Burning down the house".

El momento parecía idóneo, pero finalmente no se concretó la llegada de The Cardigans a Chile ese año, a lo que se agregaron las cancelaciones de James Brown y Yes.
Los suecos lanzaron después dos discos más -"Long gone before daylight" (2003) y "Super extra gravity" (2005)-, antes de tomar un receso de cinco años en 2006. Recién en 2012 se reunieron para volver a los escenarios.

El dispar momento de los escenarios del jazz capitalino

El Mercurio

Mientras Thelonious celebra sus diez años, algunos locales desaparecen y otros anuncian su apertura.

IÑIGO DÍAZ

"No teníamos piano, y la batería ni siquiera llegó", recuerda Erwin Díaz, el dueño del club Thelonious de calle Bombero Núñez, de esa primera noche de agosto de 2003. Fue una jam session la que marcó el inicio de las actividades de este escenario de jazz, hoy encumbrado como el más importante de la capital, con diez conciertos por semana y convocatorias de entre 50 y 150 personas por noche.

"El primer músico que se animó a tocar en esa jam fue Roberto Dañobeitía", dice Díaz. Y no es casualidad entonces que diez años después sea el mismo guitarrista quien vaya a cerrar las semanas de celebraciones de esta década de vigencia: el 5 de septiembre, Dañobeitía lanzará allí su disco "La ironía del tiempo", con música para noneto.

La consolidación de Thelonious -que festejará con otros conciertos con nombres como el estadounidense Jerry Bergonzi, el violinista Roberto Lecaros, la saxofonista Melissa Aldana y el Ensamble Quintessence-, contrasta con una reciente pérdida entre los clubes capitalinos.

Cuatro años alcanzó a vivir el Bistrot Jazz Club, de Le Fournil, en el Patio Bellavista, escenario que se había ganado un público de un corte más adulto, que prefería la tranquilidad y elegancia de ese lugar decorado a la europea por su dueño original, el francés Jerome Reynes.

El nuevo propietario decidió cambiar completamente el giro, y el espacio que se encuentra en remodelación no solo se llamará Le Club, sino que funcionará con conciertos de micrófono abierto y música de acompañamiento viernes y sábado. "No será más un club de jazz, aunque podemos incluirlo en los conciertos de los jueves", dice Mauricio Dell, su productor.

De Ñuñoa al Parque Forestal

A pesar de la pérdida, el escenario jazzístico capitalino continúa en movimiento y renovación. A 75 días de su inauguración, el club The Jazz Corner, ubicado en el epicentro del barrio Italia, saca cuentas favorables. Es un concurrido espacio de los vecinos del sector, aunque todavía debe acomodar su programación que se advierte limitada. Funciona más bien como vitrina para jóvenes jazzistas desconocidos y, sobre todo, como el escenario donde el trompetista Cristián Cuturrufo toca todos los viernes y sábados. "Es lo que ocurría en el club El Perseguidor, donde la gente sabía que podía verme tocar cada semana", dice Cuturrufo, sobre el desaparecido espacio, cerrado en 2012.

El regreso más comentado es el del Club de Jazz, luego de la pérdida de su famosa casa de Av. Macul tras el 27-F. En la Casa Maroto, inmueble de Conservación Histórica adjunto al aún en construcción Mall Plaza Egaña, se están realizando obras para reacondicionar la planta de 300 m {+2} , que tendrá dos escenarios, para unos 200 espectadores, una tienda de libros y discos, además de salas de ensayo, talleres y auditorio en su segundo y tercer pisos. La concesión gastronómica ya está cerrada y se estima que el club entrará en funciones en octubre.

La novedad estará en el barrio Bellas Artes, donde el propio Jerome Reynes inaugurará otro club asociado a un proyecto gastronómico: "Hay algo que tengo claro: el jazz no está muy de moda, pero nunca pasa de moda. Cuando voy a otras ciudades del mundo, busco un club de jazz, y eso es lo que queremos instalar en este barrio, al que le falta uno".

El club, aún sin nombre, se ubicará en el subterráneo del Castillo Forestal, en pleno parque frente al Museo de Bellas Artes y conocido popularmente como "El castillito". Tendrá un espacio amplio, con capacidad para 70 personas y una programación centrada en la escena nacional. Reynes anunció su inauguración para marzo de 2014.

El futuro de la radio: Cómo el modelo online la está cambiando

El Mercurio

Bajos costos, accesibilidad desde cualquier lugar y libertad editorial son algunas de las ventajas que plantean las señales generadas desde la red que hoy se están abriendo camino.

 Javier Contreras.

"Tu mejor momento aún está por llegar", cantaba Freddie Mercury en "Radio Gaga", hit de 1982 del grupo Queen. Eran los días de la irrupción de MTV y el boom de los videos musicales, y el futuro de la radio estaba en riesgo. Mercury insistía en esa letra que habría románticos que no dejarían que eso ocurriera.
"Hay un romantismo vinculado a la radio que la mantendrá viva", concuerda Juan Manuel Margotta, dos décadas después. Sin embargo, este psicólogo de 28 años hace un alcance. "Es la radio del dial la que sí va hacia la muerte", dice. Su comentario no es antojadizo. Desde hace dos años lidera un proyecto llamado "Súbela" (www.subela.cl), uno de los emprendimientos pioneros de las radios online en Chile.

El auge de internet en la última década desdibujó las plataformas tradicionales de transmisión de contenidos y la radio no estuvo ajena al proceso. Prisionera de las limitantes técnicas del dial FM/AM, de pronto sus posibilidades florecieron gracias a la red. "Si sales de Santiago, pierdes la señal de una radio del dial. Además, nadie quiere más antenas cerca de sus casas. Pero eso cambió radicalmente con internet", explica Margotta.

No es casual que la mayoría de las radios tradicionales del país cuenten con un streaming de su señal en sus sitios de internet que saquen partido de ese potencial. Nadie desconoce la ventaja de ser escuchado desde cualquier punto del mundo a través de un computador.

Pero la verdadera oportunidad, cree el director de Súbela, va en otro sentido. No se trata de apostar por un simple repetidor digital de una señal análoga. El desafío está en sacar partido de las otras ventajas comparativas que ofrece internet.

Margotta dice que se embarcó en el proyecto por una razón fundamental: hacerse cargo de la falta de diversidad de contenidos de los medios tradicionales. "En general, las noticias son las mismas y las opiniones están muy filtradas", postula. Por esa razón, su propuesta es también discursiva, con espacios de conversación que alterna con programación musical. "Una mirada de gente joven que no estuviera en los medios", afirma.

Una mirada similar tiene Max Valdés, cerebro detrás de FM Box (www.fmbox.cl), radio online fundada en 2003 y la que lleva más tiempo al aire en Chile. "Lo que te permite internet es apuntar a nichos", complementa.

Fue en 2002 y con solo 12 años que Valdés descubrió que podía compartir desde la IP de su conexión la música que escuchaba en el reproductor de música de su computador. Ese fue el comienzo de una aventura que con los años se convirtió en un pequeño fenómeno: una radio online concebida por un adolescente con contenidos para adolescentes. "Las radios juveniles tradicionales tienen tipos de 30 años hablándoles a los adolescentes", fundamenta.

La clave, dicen ambos, está en la accesibilidad y bajos costos detrás de la infraestructura de una radio online. "Ya no quedan señales en el dial y comprar una saldría millones. Ante eso, una radio online es claramante mucho más conveniente como emprendimiento". Añade que provee de un feedback que no ofrece la radio tradicional: "Internet nos permite medir nuestro alcance sin encuestas de ningún tipo. Saber cuántas personas nos estan escuchando y desde dónde en cualquier momento".

Pero Márquez pone una cuota de cautela. Sostiene que en Chile falta por avanzar. "Falta experiencia en el manejo comercial, en convertir estos proyectos en negocios rentables a través de la publicidad y en que las marcas vean en ellos una oportunidad". Con todo, el proceso de recambio, reiteran, parece inevitable. Y que el mejor momento de la radio, según Freddie Mercury, aún por llegar quizás tenga que ver con ese futuro digital que hoy da sus primeros pasos en Chile.

También la SCD

La radio online de la organización difundirá música chilena en todos sus géneros y estilos.

Gran pianista venezolana debuta en Frutillar

El Mercurio

Se confirmó que se presentará en solitario el 2 de noviembre, en el marco del concierto aniversario del Teatro del Lago.

Maureen Lennon Zaninovic

La pianista venezolana Gabriela Montero (1970) debutó en Chile en 1998 junto a la Orquesta Sinfónica Simón Bolívar dirigida por Alfredo Rugeles. Abordó el Segundo Concierto para piano y orquesta de Rachmaninov, provocando el delirio del público y de los expertos:
"La extraordinaria solista Gabriela Montero", escribió el legendario crítico de "El Mercurio" Federico Heinlein.

Han pasado 15 años de esa presentación, y la artista latinoamericana es hoy toda una celebridad, al nivel de su compatriota, el director de orquesta Gustavo Dudamel. Como prueba de su estrellato se destaca un suceso para nada menor: en 2009 Montero participó en la inauguración presidencial de Barack Obama: interpretó junto al violinista Itzhak Perlman, el chelista Yo-Yo Ma y el clarinetista Anthony McGill la obra "Air and Simple Gifts", una composición del músico John Williams.

La buena noticia para sus seguidores nacionales es que tiene fecha de regreso confirmada al país. Se presentará en solitario el próximo sábado 2 de noviembre, en Frutillar, en el marco del concierto aniversario del Teatro del Lago.

El repertorio que interpretará incluye Tres Intermezzi de Brahms y Fantasía en Do Mayor Op. 17 de Schumann, además de diversas improvisaciones.

"Cada año, para nuestra gran gala, intentamos seguir innovando y creciendo con una oferta de artistas de mayor prestigio y calidad, y en este caso estamos muy orgullosos de confirmar a Gabriela Montero, que además de ser una pianista tremendamente virtuosa es una destacada improvisadora sobre temas clásicos", cuenta Carmen Gloria Larenas, gerenta de programación artística y comunicaciones del Teatro del Lago.
Nacida bajo el alero del exitoso sistema de orquestas juveniles de Venezuela, impulsado por José Antonio Abreu, Gabriela Montero es artista exclusiva del sello Emi Classics. Recientemente se ha presentado con directores de la talla de Claudio Abbado y Lorin Maazel, y junto a la destacada pianista argentina Martha Argerich.

jueves, agosto 15, 2013

Los Jaivas cuentan su historia a través de cinco hitos de su carrera

Foto:FELIPE GONZÁLEZ
El Mercurio

La banda, que hoy 15 de agosto celebra sus 50 años de vida, repasa los principales hechos que le dieron forma al principal referente del rock chileno.

José Vásquez

1 En búsqueda de un sonido propio

El 15 de agosto de 1963 se fijó en la bitácora del grupo -entonces llamado High Bass- como el inicio de su historia, cuando tocaron en el Teatro Municipal de Viña del Mar. Fue el primer concierto que dieron en público con un repertorio totalmente alejado del que sería su marca característica: la fusión del rock experimental con el folclor latinoamericano, un sonido al que tardarían seis años en llegar.

Al comienzo animaban fiestas vestidos de traje y peinados como si fuera su primer día de colegio. El pelo les fue creciendo junto con sus deseos de experimentar. Ya en 1969 de despeinaron completamente. "Empezamos a tocar de forma libre, sin problemas de tiempo, sin instrumentos fijos. Hasta el público podía incorporarse si quería; era una de las características de los conciertos de esa época", recuerda Mario Mutis. "La improvisación era instrumental, la voz era muy primitiva, y recién comienza a aparecer al final de esta etapa con textos improvisados también. Cuando grabamos 'El volantín' (1971, el primer álbum del grupo, ya como Los Jaivas), aparece una línea melódica definida y textos más estructurados. Nuestras primeras 'canciones', por llamarlo de alguna manera, vinieron luego con 'Todos juntos' y 'Mira niñita' (1973)", dice Claudio Parra sobre la génesis del sonido único de la banda.

2 El no a la música disco

El golpe de Estado en Chile coincidió con una gira a Argentina que la banda tenía programada con antelación. Era un viaje de dos semanas que se prorrogó por cuatro años. "Estando allá nos hicieron ver que para qué íbamos a volver. Además, estábamos sorprendidos de conocer Buenos Aires, la gran capital cultural de la región que nos deslumbró", cuenta Parra. Y fue un período prolífico para la banda. Se hicieron conocidos en esas tierras y grabaron tres discos ('Los sueños de América', 'El indio' y 'Canción del sur') antes de volver a emigrar por el ahora golpe de Estado argentino. El siguiente destino fue Europa. "América Latina estaba muy convulsionada", recuerda Mutis.

Pidieron ayuda a su casa discográfica (EMI) para seguir trabajando, y llegaron a Francia. Como necesitaban un productor, su sello les envió a Eddy Owens, quien llegó con la idea -y con sus canciones- de transformar a la banda en un nuevo referente de la música disco. "Quería que tocáramos esa música bailable en nuestro lenguaje musical. Grabamos dos canciones ('Bebida mágica' y 'Sueño del Inca'), porque estaba todo convenido", dice Parra. La presión de los ejecutivos de EMI se hizo presente cuando la banda debió tocar en vivo. "Nos insistieron en que presentáramos esas canciones, pero no lo hicimos, lo que nos costó la relación con ellos. Lo simpático es que una de ellas terminó siendo la canción oficial del famoso Tour de Francia de esa época", rememora Claudio Parra.

3 La dinastía Jaivas

"Son sorpresas inevitables, encuentros con el destino que hay que asumir de manera muy fuerte. Primero se nos fue Gabriel, en el 88, y Gato en 2003. Eso fue tremendo para el grupo. Nos formamos todos juntos desde niños, construimos un lenguaje musical entre todos, y de repente estar sin ellos en un escenario era absurdo. ¿Cómo estar sin Gabriel, que diseñó la batería de la banda? ¿Qué hacemos? Ahí fue fundamental el apoyo del público que nos dio la energía y las ganas para seguir", dice Mario Mutis.

"Con el tiempo entendí por qué debía ser yo quien tomara el lugar de mi padre en la batería. No solo porque era su hija, sino porque no venía con ninguna influencia musical. Ellos me podían formar de la manera más parecida a lo que querían. Crecí con ellos", cuenta Juanita Parra. Dice que al principio se convenció rápido de aceptar el desafío, pero a poco avanzar entró en pánico. "Dije, no puedo. Esto es muy fuerte para mí. Tenía 17 años, y recién estaba enfrentando la vida sin mi papá. Pasaron dos años, hasta que me sentí capacitada. Al principio solo hacía una canción, 'Corre que te pillo'. Ellos se iban al escenario, y yo tenía que esperar mi turno en el camarín. Una vez, incluso, no me atreví a hacerlo, y salí arrancando en un concierto en el Estadio Chile. Para mi primer concierto como baterista oficial del grupo, recuerdo que aparecí con una tenida muy estrafalaria que sentó precedentes: sentía que aferrándome a un montón de cuestiones externas se me facilitaría el trabajo. Finalmente, lo único que me apoyó fueron ellos, Los Jaivas, y el cariño de la gente", dice Juanita. Luego de la muerte de "Gato" Alquinta, tres de sus hijos, Aurora, Eloy y Ankatu, se integraron a la banda. Pero la tragedia no los abandonó, y en 2004 también sufrieron la muerte de Eloy. Aurora se retiró del grupo y Ankatu fue despedido este año.

4 El regreso a Chile

"Los noventa empiezan con la Juanita y el 'Hijos de la tierra' del 95. Con él parte nuestro retorno a Chile", dice Mario Mutis. La banda radicada en el extranjero iniciaba su plan de regreso, donde llegan a una nación "que estaba floreciendo con la vuelta a la democracia", dice el bajista. Ya instalados en Santiago, deciden mirar al resto del país y tocar no solo en las principales ciudades, sino que también en los lugares más recónditos. "Hemos completado shows en 271 localidades distintas", cuenta con orgullo el músico.

Además, la banda llega a la celebración de sus 50 años en plena vigencia. El año pasado totalizaron 82 conciertos. "Desde que regresamos nos encontramos con un público muy cariñoso. Sentimos que fuimos muy bien aceptados. Además, vino 'El reencuentro' (un disco triple editado en 1997 en que vuelven a grabar sus canciones con distintos músicos latinoamericanos), que fue un remezón que necesitábamos, logrando el apoyo de la gente y de nuestros hermanos músicos", dice Mutis.

5 Pensando en un próximo disco

Este es un año de aniversarios para Los Jaivas. En enero de 2013 se conmemoró la primera década sin "Gato" Alquinta, su voz característica, y ahora el 15 de agosto el hito que marcó el nacimiento de la banda. Hoy  también se celebrará "El día del rock chileno", y Los Jaivas encabezarán todo con un concierto gratuito en el frontis del Museo de Bellas Artes, donde en su interior, durante todo el mes, se exhibe una exposición con la historia de la banda. Y la celebración no terminará ahí. Porque en la próxima edición del Festival del Huaso de Olmué también se les rendirá tributo, ya que la competencia del certamen incluirá solo versiones de sus canciones.

Los Jaivas también estarán presentes en el espectáculo, ya que serán el número de cierre del festival. Por ahora el futuro discográfico de la banda es incierto. "Tenemos material nuevo, pero no está editado", dice Mario Mutis. "Hay un tema de fondo", señala Claudio Parra: "La creación siempre fue colectiva, todo era firmado por Los Jaivas. Después de la muerte de Gabriel pudimos seguir con Juanita, pero ahora sin "Gato" y sin Eduardo (Parra), que por su enfermedad no puede participar activamente de la banda; casi no se puede". "Para nosotros es complejo cuando nos preguntan cuándo vamos a sacar nuevo material. Siento que eso es como preguntarle a un velocista de 100 metros planos al que le cortaron una pierna y luego un brazo cuándo va a volver a competir", dice Mutis, que, sin embargo, se abre a otras alternativas: "Tenemos material, por ahora; lo que nos falta es el tiempo".

Claudia Acuña ingresa al financiamiento colectivo: "Estoy dando un gran salto"


El Mercurio

Fue artista de un sello como Verve y hoy está explorando las nuevas herramientas de producción. "El negocio discográfico cambió completamente en doce años", dice.

I. D.

"Tengo un cookie monster en la casa. Y encima me salió baterista", dice la cantante chilena Claudia Acuña al teléfono desde Nueva York, la ciudad en la que está próxima a completar veinte años de residencia. Su nombre es Daniel Kelley, el hijo de dos años que tiene junto a Mark Kelley, bajista que hoy toca con el grupo The Roots. Claudia Acuña bromea: "Para asuntos legales y formales, ahora me llamo Claudia Kelley".

La última vez que actuó en Chile fue en una gira en octubre de 2010, entre réplicas sísmicas y con un notorio embarazo, pero el período de crianza no le ha impedido volver a los estudios. Ya suma colaboraciones en cuatro discos, además de una serie de conciertos para tomar nota.

El más reciente ocurrió hace diez días, en el Newport Jazz Festival, famoso desde 1954, donde apareció como invitada del guitarrista David Gilmore. Pero a fines de julio, Acuña hizo dos noches en el Dizzy's Club del afamado Lincoln Center.

"Es mi escenario favorito. Voy allí todos los años y en esta oportunidad toqué con mi nueva banda. Estuvimos presentando repertorio nuevo, pero lo más importante fue el lanzamiento de mi campaña en PledgeMusic.com", explica la cantante. Se trata de una de las tantas plataformas estadounidenses dedicadas al crowdfounding , es decir, al financiamiento colectivo, modelo que involucra al público en la producción de proyectos artísticos.

Vereda independiente

Acuña tiene planes de gestionar de esta manera su quinto disco, titulado "El futuro" y producido por el pianista Ray Angry, que suma trabajos en el campo del R&B con gente como Joss Stone, Queen Latifah y D'Angelo. Será una combinación de canciones en español e inglés, y por primera vez con un repertorio escrito por la propia chilena.

"El negocio discográfico cambió completamente en los últimos doce años, con el auge del artista que se autoproduce y autogestiona, pero también con la fusión de algunos sellos y la desaparición progresiva de muchos otros. Mis primeros discos fueron editados por Verve, compañía que ya no produce más títulos. Hasta ahora no había querido meterme en el crowdfounding, pero lo hice. Y creo que di un gran salto", dice Acuña.

Su campaña va en busca de US$ 25.000, y tiene hasta el 24 de septiembre para completar la meta. Al día de hoy, recién va en el 7 por ciento del total. Y como en todo proyecto de financiamiento colectivo, quien aporte dinero tiene una retribución según los montos. Claudia Acuña ha pensado en todo: desde la entrega de una copia del disco y los agradecimientos en el folleto, hasta un paseo por el Puente de Brooklyn con una invitación a su café favorito, una cena a la chilena preparada a domicilio por ella misma, y un concierto privado con toda su banda.

Acuña completa: "Hay que tomarlo con humor. El gran contrabajista Christian McBride, uno de mis amigos, me ayudó con un video promocional, donde él dice: 'Hagan sus aportes a Claudia, porque si no lo hacen, tengo unos amigos en Chicago y Las Vegas que les harán una visita'".

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Nydia Caro: "Chile es el país que más he visitado en mi vida"

El Mercurio

La cantante puertorriqueña regresa al país por enésima vez. Ahora para presentar su tributo a Violeta Parra con tres conciertos consecutivos.

Diego Rammsy

La cantante y actriz boricua nacida en Nueva York vuelve a Chile. Lo ha hecho en innumerables ocasiones, ya sea para actuar en alguna producción local ("Don Amor", en 2008), ser jurado de un show televisivo ("Factor X", en 2011, su última visita) o cantar en vivo. "Chile es el país que más he visitado en mi vida", dice Nydia Caro al teléfono desde su casa en San Juan, Puerto Rico, donde se encuentra preparando hace tres meses los tres conciertos consecutivos que la traen a Santiago en homenaje a Violeta Parra.

"Chile ha sido para mí un segundo hogar, una especie de lugar donde he sentido y he vivido muchas cosas; es una parte de mi vida. Son cuatro décadas de ir casi todos los años", asegura la cantante de 63 años.
El 23, 24 y 25 de agosto, en el Teatro Municipal de Las Condes, Nydia presentará un concierto de casi dos horas centrado en su última producción, llamada "Claroscuro", donde tributó a Violeta Parra a lo largo de nueve canciones (ocho de Violeta y una de la chilena María Angélica Ramírez).

"'Gracias a la vida', para mí, es la canción más linda que se haya escrito en castellano", dice la cantante, quien en su anterior visita a Chile pudo conocer a Isabel Parra para contarle su proyecto, el que lanzó finalmente en diciembre de 2012 y que ya mostró en vivo en Miami, Nueva York y Puerto Rico.

Pero también su show será un tributo a Chile, por lo que además incluirá "De tu ausencia", tema de Alberto Plaza que grabó en el pasado, y la clásica "Una pena y un cariño", que popularizó el dúo chileno Sonia y Myriam, en 1959. Además, incluirá todos sus éxitos, como "Cuéntale", "Tú como estás" y "Hoy canto por cantar", para completar un espectáculo que será musicalizado por Horacio Saavedra y su orquesta.

"Es un show de mucha entrega, y tengo que prepararlo bien", dice la artista, que confiesa una ruda carga de ensayos durante los últimos meses en San Juan. "La gente a veces no se da cuenta de todo el trabajo. En realidad son tres días, seis horas, pero para preparar eso son meses de trabajo", agrega Caro, que asegura entregarse por completo en cada show en un momento vocal que considera insuperable. "En estos momentos de mi vida, canto e interpreto mejor, porque ahora sé lo que estoy cantando, no como a los 20 años".

Vuelven a Chile Los Niños Cantores de Viena

El Mercurio

"Voces de ángeles". Así se suele definir a este coro infantil nacido hace más de cinco siglos y para el que escribieron obras Mozart y Haydn. A raíz de su visita a Chile, músicos nacionales analizan las luces y sombras de esta legendaria agrupación. Además, uno de sus directores describe su régimen de estudio. A partir del 24 de agosto, el coro realizará su primera gira por distintas ciudades de Chile, invitado por la Caja de Compensación Los Andes.

Maureen Lennon Zaninovic

Desde 1936 vienen a nuestro país los Niños Cantores de Viena, y en cada oportunidad se repite más o menos la misma postal: cientos de personas cautivadas por las voces angelicales de esta antiquísima agrupación coral masculina. "Es un lujo que puedan regresar a nuestro país. Sin duda, en su género son los mejores, con una técnica y una emisión perfecta. No me los quiero perder por nada del mundo", señala Jorge Klastornick, director del Coro del Teatro Municipal de Santiago. A diferencia de sus anteriores visitas, este conjunto realizará su primera gira por nuestro país como parte de la celebración de los 60 años de la Caja de Compensación Los Andes.

"Esta es la primera vez que voy a Chile. Los chicos están llenos de ilusión y expectativas", comenta en un contacto telefónico desde Venecia el músico italiano Manolo Cagnin, director de uno de los cuatro coros que hoy integran esta reconocida agrupación coral. Agrega que en este viaje actuarán 26 niños, de entre 10 y 14 años. "Pero hay casos excepcionales, como el de Diego, un muchacho de 15 años que me rogó venir a la que será su última gira - a los 14, y por cambio de voz, los muchachos deben dejar el coro-. Su mamá es chilena, y vive en Santiago. Le dijimos que sí, y está electrizado. Será la primera vez que cantará en la tierra de sus familiares maternos".

Sobre el repertorio que ofrecerán en Chile, Manolo Cagnin promete variedad: "Una de las características de nuestro coro ha sido llevar la música clásica por todo el mundo, pero para esta gira -y eso me parece muy estimulante- incluiremos música chilena y la obra de una compositora maravillosa, como Violeta Parra. No la conocía, y tras revisar sus partituras y los arreglos de su obra que realizó el maestro Alejandro Bianchi, quedé sin habla. ¡Qué poesía! No sé si nuestros niños sean capaces de profundizar y de calar a fondo en su escritura; pero estoy seguro de que algo les llegará. Su música toca el corazón".

500 años vestidos de marineros

"Die Wiener Sängerknaben" fue fundado hace más de 500 años por Maximiliano I de Habsburgo. En 1498, el emperador decidió impulsar este coro de niños, permitiéndoles cantar durante los servicios religiosos y los banquetes de la corte. Con el paso de los años su prestigio se acrecentó, y todos los grandes compositores, como Mozart, Haydn, Schubert y Beethoven, compusieron misas que este conjunto -en una suerte de tradición- aún sigue interpretando todos los domingos en la mañana, en Viena, en la señorial Capilla Imperial.

En 1918, el término de la monarquía y los devastadores efectos de la I Guerra Mundial hicieron peligrar la existencia de la agrupación. Si embargo, el profesor de teología Joseph Schmitt decidió vender todos sus bienes y entregar su apoyo al coro. A partir de ese suceso comenzó una nueva etapa, marcada por la búsqueda del aporte del mundo privado, la intensificación de sus presentaciones en todo el mundo para poder financiarse, el traslado al hermoso palacio Augarten en Viena y la creación de tres coros más (de 24 a 26 niños cada uno).

La agrupación aparece regularmente en producciones líricas, tanto para la Ópera de Viena como en el Festival de Salzburgo, y cuenta con numerosas grabaciones, tanto de música clásica como popular. Una esplendorosa trayectoria, eso sí, que a veces se ha visto empañada por ciertas polémicas y voces disidentes. Algunos han criticado la "disciplina imperial " del sistema y la obligación de vestir exclusivamente trajecitos de marinero.

"Muchos se preguntan por qué usamos ese uniforme. La verdad es que es una tradición que fue instaurada por Maximiliano I, y así se ha mantenido a lo largo de los años. A los niños les digo que los trajes son como un símbolo de nuestra vida: somos marineros de la música, recorriendo todo el mundo", explica el director Manolo Cagnin.

Su horario de estudio

En 1956, con motivo de la celebración de los 200 años del natalicio de Mozart, se creó el Coro Amadeus de Viena bajo el lema "Dejarlos ser niños", en respuesta al estricto sistema de internado de los coristas vieneses. Peter Lang, quien fuera uno de los directores de Amadeus, dijo que consideraba "absolutamente necesario que los niños estén incorporados a una vida familiar, para que así conserven su espontaneidad".
A su vez, en 1998 renunció Agnes Grossmann, una de las directoras artísticas de este conjunto, argumentando diferencias insalvables con la dirección administrativa. Ella insistía en aligerar la carga de trabajo de los niños y pidió reducir el número de conciertos, para lo que solicitó crear un quinto coro.
Frente a estos comentarios, Manolo Cagnin responde que el horario del internado es bastante normal y con varias horas dedicadas al esparcimiento. "En la mañana tienen clases normales, como cualquier niño que va al colegio. Alrededor de las 13:00 horas almuerzan, y luego tienen una hora libre. Desde las 15:00 a las 17:00 tienen ensayo, luego recreo, cenan, y nuevamente una hora libre, donde pueden jugar fútbol o hacer lo que quieran. A las 21:00 horas deben irse a la cama".

Víctor Alarcón , director del Coro Crecer Cantando, señala que "dentro de nuestra idiosincrasia latina nos puede resultar un tanto extraño este sistema de internado. A mí, personalmente, no me parece que sea el más adecuado, porque potencia una educación que tiene que ver más con la regla que con la libertad. ¡Pero quién soy yo para juzgar una tradición que ha durado por siglos! Por algo se ha mantenido en el tiempo, y a este conjunto se lo sigue considerando el canon universal del coro de niños. No han bajado su excelencia en siglos, y eso sí que es digno de alabar".

Una sonoridad única y peculiar

A juicio de Alarcón, una de las particularidades de los Niños Cantores de Viena es que si bien solo lo integran varones, se puede definir como una agrupación de voces mixtas, ya que hay chicos que son sopranos, contraltos, tenores y bajos. "Eso gusta. Se produce una sonoridad única, un efecto muy particular, producto de lo efímero que resulta la emisión natural de esas voces. También hay un dramatismo, porque estamos ante una voz joven que con el paso a la adultez va a cambiar de manera definitiva".

Por su parte, el director Guido Minoletti confiesa que al escucharlos "tengo la impresión de que son unos niños algo reprimidos, no cantan con mucha espontaneidad, pero hay que tener en cuenta que su repertorio es muy exigente y los obliga a estar concentrados". Minoletti considera que este conjunto, sólo de voces masculinas, responde a una tradición de siglos en la Iglesia. Es sabido que en los primeros años de la cristiandad, las mujeres estuvieron impedidas de participar en los coros. Primeramente, la falta de agudos pudo ser subsanada por los castrati , pero finalmente se terminó por reclutar a niños impúberes para completar toda la gama de tonos. "Fue recién en el siglo XVIII, primero con la Iglesia Protestante, que la mujer empieza a ser admitida en los coros", aclara Minoletti, quien aplaude esta diferenciación: "Los profesores de música lo saben bien: el sonido y el timbre de una voz de niño son muy distintos a los de una niña. Personalmente, prefiero las voces masculinas, porque tienen un timbre más bonito y etéreo".

Víctor Alarcón considera, en cambio, que hoy en el siglo XXI puede resultar un tanto anacrónico que sigan existiendo coros exclusivos de niños; entre otros, el de Viena y el de Leipzig. "Es cierto que al escucharlos se produce un color muy exótico, pero personalmente me gustan más las voces de niñas y niños mezcladas. Es más natural".

Claudia Trujillo , directora del coro del Colegio The Grange -una de las agrupaciones estudiantiles corales más importantes del país- agrega que "las voces masculinas ofrecen una cantidad de armónicos muy superiores a los de las niñas. Además, los hombres se demoran un poco más en cambiar la voz que las mujeres". Trujillo considera que uno de los éxitos de los Niños Cantores de Viena reside en "sus timbres más cálidos y voces blancas. Además, se suma la actitud de los pequeños. Para ellos, lo difícil o fácil no existe. Pueden abordar cualquier repertorio, y no se complican, como los adultos".


 La vida cotidiana de los coristas

Manolo Cagnin explica qué significa ser un Niño Cantor de Viena, su formación y futuro profesional.

-¿Cómo escogen a los niños?
"Para mí no es tan importante la voz, sino la mentalidad, porque esta vida no es fácil: se requiere mucha disciplina, pero también un gozo muy especial. Un niño cantor también tiene que pasarlo bien y divertirse. Si tiene talento, pero el canto para él es un martirio, no sirve. Por otro lado, me ha tocado recibir a chicos con voces no tan espectaculares, pero con un buen trabajo y formación pueden llegar a ser espléndidos. La voz, afortunadamente, se puede moldear".

-De 10 a 14 años, ¿no es una etapa difícil?
"Tremendamente complicada, porque estamos ante la pubertad: un momento lleno de descubrimientos y preguntas Además, estar alejado de sus padres los puede afectar. Pero también en ese momento que puede ser más delicado se les abre un mundo insospechado, y ellos terminan agradeciendo esta oportunidad única. Comparo mi infancia con lo que a ellos les tocó vivir y siento una envidia sana. Tenemos niños de 14 años que ya han actuado en el Carnegie Hall de Nueva York, que han recorrido todo el mundo. Esa sí que es una experiencia de vida".

-¿Cómo es el día a día en el internado?
"Dedicamos varias horas a la formación y al estudio, pero también hay bastante espacio para el esparcimiento: el fútbol, los videojuegos, el deporte. La idea es que sean lo más normales posible; en Chile quizás visitaremos un zoológico. Los fines de semana, los niños vieneses se van a alojar con sus padres. Los que vienen de otros países no pueden hacerlo, pero constantemente son visitados por sus familiares".

-¿Cuál es el futuro de los niños una vez que dejan el coro?
"Algunos siguen dedicados a la música, ya sea como intérpretes de un instrumento o como directores de un coro u orquesta. Otros -la gran mayoría- terminan sus estudios secundarios, y luego entran a la universidad a distintas carreras: hay abogados, médicos, arquitectos. Sin duda, el haber pasado por el coro les da una disciplina, una rigurosidad y sensibilidad única e imborrable".

-¿No son todos austriacos?
"Cada vez somos más multiculturales. En mi coro, por ejemplo, hay ingleses, africanos, coreanos, turcos e irlandeses. Tengo niños de todo el mundo. Como son muy chicos, llegan a Viena, y en sólo dos o tres meses terminan hablando alemán perfecto. ¡Es increíble!".

-¿Han pensado incluir mujeres?
"(Se ríe a carcajadas). Como buen italiano, soy muy flexible y me encantan las mujeres, pero en el contexto actual veo muy difícil poder incluirlas. Las niñas, dentro de este sistema que ha sido tan exitoso, pueden ser un elemento distractor. Y, por otro lado, estamos ante una tradición de años que no se ha modificado, y no veo una razón poderosa que nos lleve hoy a modificarla. Que sea solo de niños es una suerte de dogma, un tema que no admite discusión".

Javiera Parra, Luis Jara y Los Quincheros los acompañarán en Chile

El repertorio que los Niños Cantores de Viena ofrecerá en nuestro país incluye el "Sub tuum praesidium" y el "Aleluya" de Mozart; el "Rejoice" de "El Mesías" de Händel y el "Ave María" de Tomás Luis de Victoria. También coros de famosas óperas como "Cavalleria Rusticana" de Mascagni y "Nabucco" de Verdi.

Además habrá música latinoamericana, algo de pop (Abba), polcas y valses vieneses como "El Danubio Azul"; y Javiera Parra, Luis Jara y Los Huasos Quincheros se sumarán interpretando obras junto a este antiquísimo coro. "Vamos a llevar a todo el país a los más grandes compositores chilenos, como Nicanor Molinare y 'Chito' Faró, los que se verán enriquecidos con este coro mágico", explica Benjamín Mackenna, integrante de los Quincheros. Adelanta que ejecutarán: "Yo vendo unos ojos negros", "Si vas para Chile" y "Cocorocó". A su vez, Javiera Parra ve esta posibilidad de actuar junto a los Niños Cantores de Viena "como un desafío especial. Además, el hecho de cantar acompañada de una orquesta sinfónica es otro reto muy enriquecedor, que me ha tocado abordar en pocas oportunidades". Sobre el repertorio adelanta dos clásicos de su abuela Violeta Parra: "Volver a los 17" y "Gracias a la vida":

"Creemos que en Chile se requiere más acceso a la cultura. Alineados con esa necesidad y con la convicción de que la recreación mejora la calidad de vida de las personas, quisimos llevar este espectáculo de primer nivel a diversos lugares de Chile y a precios muy bajos. La idea es reunir en un mismo montaje la música clásica, pero acercándola a los chilenos con lo mejor de nuestra cultura popular, lo que estamos seguros se concretará con éxito en esta gira", explica Nelson Rojas, gerente general de Caja Los Andes.

LA GIRA

Parte el 24 de agosto en Talca
(Teatro Regional del Maule).
Santiago (25 de agosto Teatro Municipal y 1 de septiembre en el Movistar Arena).
Antofagasta (27, Ruinas de Huanchaca).
La Serena (29, Coliseo Municipal de La Serena).
Concepción (3 de septiembre, Suractivo).
Puerto Montt (5, Arena).
Viña del Mar (7, Polideportivo).

En cada una de estas ciudades acompañarán a los Niños Cantores de Viena orquestas de la zona, como la Sinfónica de Antofagasta, la Sinfónica Juvenil de Curanilahue y la Camerata Universidad Andrés Bello.

El Mundo al Instante

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jueves, agosto 08, 2013

La Sinfónica de Chile celebra los cien años de "La Consagración de la Primavera"

El Mercurio

Zsolt Nagy conduce la revolucionaria obra de Stravinsky, mañana y el sábado. La próxima semana, abordará solo clásicos.

Romina de la Sotta Donoso

Con el ballet "La Consagración de la Primavera", Igor Stravinsky cuestionó las bases que habían estructurado la música occidental desde el Renacimiento, en términos armónicos, tonales y métricos. Cuando reemplazó los compases regulares por la libertad del pulso, cambió para siempre la concepción de ritmo.
Su revolución, además, la hizo mirando de frente a la sociedad: los famosos Ballets Rusos estrenaron esa creación en el París de 1913, el epicentro cultural de entonces.

"A la alta sociedad burguesa no le gustó nada el tema -un rito pagano donde una virgen debe bailar hasta morir- y Nijinsky era un bailarín fantástico, pero un pésimo coreógrafo. El escándalo fue grande, pero como dicen los estadounidenses, no hay publicidad mala: la gente corrió a verlo", comenta Zsolt Nagy (1957).

El director húngaro conducirá mañana y el sábado a la Orquesta Sinfónica de Chile en la famosa creación de Stravinsky. "El público del estreno quedó muy impresionado al ver a esta enorme orquesta que tocaba cosas muy rítmicas", asegura, y especifica que fue influenciada por la música africana y gamelán, llamadas entonces "primitivas". "Este pulso es poderoso porque despierta los instintos básicos que la familia, la escuela y la sociedad nos han enseñado a esconder".

Nagy asegura que "es difícil interpretarla, pero hay piezas muchísimo más difíciles. Comparada con 'Gruppen', de Stockhausen, es bien sencilla", ríe. "Para su estreno, en 1913, la ensayaron 26 veces. Sin embargo, hoy ya no es un desafío tocarla, porque el nivel técnico de los instrumentistas es mucho más alto que entonces".

El programa incluirá, con la actuación solista de Guillermo Lavado, el estreno del Concierto para flauta "Diálogo con el espacio agredido", del italiano Gabriele Manca, que vino especialmente a Chile para la ocasión, y con quien Nagy ha trabajado preparando la obra. Una fórmula propia de su compromiso con la música contemporánea, y habitual en las más de 500 piezas que ha estrenado.

La versatilidad que caracteriza la larga trayectoria del director húngaro subirá también al Teatro Universidad de Chile los días 16 y 17 de agosto, cuando conduzca a la Sinfónica en un concierto enteramente dedicado al clasicismo, con las sinfonías Nº6, "Le Matin", de Haydn; la Nº38, "Praga", de Mozart, y la Nº1 de Mendelssohn. "Las tres son muy distintas. Mozart y Mendelssohn tenían un gran respeto por Haydn, era el abuelo de la música clásica", dice Nagy.

El programa permitirá apreciar la evolución del clasicismo desde una obra temprana de Haydn, que aún tiene cierta reminiscencia barroca, hasta una obra juvenil de Mendelssohn, que aún no exhibe romanticismo alguno.

Como remate de esta visita a Chile, Nagy dirigirá el día 31 a la Orquesta Sinfónica U. de Concepción, en obras de Liszt, Joachim y Schumann, y estrenará una pieza del chileno Rodrigo Herrera.

martes, agosto 06, 2013

Del 7 al 9 de agosto: Valentín Trujillo encabeza festival de jazz en San Miguel





El Mercurio

Tres jornadas gratuitas se anuncian para esta semana en la sexta versión del Festival de Jazz de San Miguel, que se realizará en la Sala Fray Pedro Subercaseaux (Llano Subercaseaux 3519, 20:00 horas). La figura del pianista de swing Valentín Trujillo lidera un cartel que tiene a músicos como el guitarrista Federico Dannemann, el estelar vibrafonista Diego Urbano, el trombonista Héctor "Parquímetro" Briceño y el grupo Retaguardia Jazz Band.



LANZAN CANCIONERO ILUSTRADO CON LETRAS DE LOS JAIVAS

La Nación

Una serie de publicaciones conmemora los 50 años de la banda nacional. Se espera la edición de una biografía visual del grupo y un recopilatorio sobre Alturas de Machu Picchu.

Los Jaivas, la Fundación Mustakis, Ocholibros Editores y la Dibam unieron esfuerzos para dar vida a "Cancionero Ilustrado", obra con que la longeva banda nacional celebra sus 50 años de carrera. El libro recopila las letras de más de 50 temas clásicos del conjunto, sus arreglos musicales y partituras.

Las ilustraciones han sido encargadas al artista René Olivares, el creador de las carátulas icónicas de Los Jaivas. El objetivo de dejar esta marca literaria, explican en la Fundación, es aportar a la formación integral de jóvenes y niños y potenciar la música destacándola dentro del ámbito cultural y artístico.

De hecho, el material será entregado a colegios y agrupaciones musicales así como bandas y orquestas juveniles.

El lanzamiento se llevará a cabo en el Museo de Bellas Artes, donde Los Jaivas interpretarán algunas de sus letras y compartirán escenario con el grupo Antuquillem, una Orquesta Juvenil de cuerdas de la comuna de Galvarino apoyada por Fundación Mustakis, la que tocará algunas de sus obras.

"Cancionero Ilustrado" es parte de la colección de cuatro libros que conmemoran el medio siglo del grupo y que incluyen el Poemario Santiago de Eduardo Parra presentado en julio, la Biografía Visual, que relata la historia del grupo en imágenes, textos y fotos (a lanzarse en la Feria del Libro de Santiago en el mes de noviembre) y Alturas de Machu Picchu, un documento que da cuenta de la experiencia andina vivida por el grupo para musicalizar los poemas de Neruda a editarse en diciembre.

Felicia Morales: La infiltrada del pop chileno

El Mercurio

Toca el chelo y el piano desde los cinco años y tiene entrenamiento clásico, pero esta joven músico se ha hecho un nombre en el nuevo pop nacional. Es parte fundamental del sonido de Gepe y Fakuta, acompaña regularmente en presentaciones a Javiera Mena o Dënver y acaba de lanzar su proyecto propio: "Felicia EP". ¿Qué hace una interprete así, en un lugar como ése?  

Por Isabel Plant

Alex Anwandter baila. Gepe se menea. El público del Amanda, apretado, transpirado, se mueve al ritmo de la música de Alex y Daniel, la banda conjunta de estos músicos chilenos. Y en el escenario, tras el piano, ella. Felicia Morales (29), la cara infaltable, tras el piano y el chelo, en todas las presentaciones de Gepe, Anwandter, Fakuta, Javiera Mena y el resto de la pandilla de músicos jóvenes nacionales.

La escena sucedió hace unos días, pero en cada presentación de Gepe, desde un evento organizado por una marca de cerveza en un restaurante, pasando por el festival de Olmué o el próximo año en el Festival de Viña, quien nunca falta es Felicia. En unas semanas tocará en el lanzamiento del nuevo disco de Dënver. Pareciera ser un elemento omnipresente del pop nacional. Pero no solo viene de otro mundo, del clásico, del docto, sino que también se mantiene fiel a esos instrumentos.

-Yo encuentro bueno eso, porque por ejemplo Gepe se está yendo en una onda más de reggaetón andino (se ríe). Y es muy bacán que siga incluyendo el chelo en esos temas.

VIDA MÚSICA. La vida siempre fue así: hija de dos músicos que trabajan hoy de profesores haciendo clases de piano y armonía, Felicia Morales nació en Concepción, donde vivió hasta que salió del colegio. Las clases en el conservatorio -de piano y chelo- comenzaron a los 5 años.

-La mayoría de la gente que estudiaba en el conservatorio era porque sus papás estaban en la orquesta. Y era estar ahí, hacer viajes, las Semanas Musicales de Frutillar por ejemplo. Éramos todos muy chiquititos y hacíamos conciertos. Mi primer chelo era enano, todos decían que parecía violín.

Siempre tocó, pero los instrumentos fueron variando: la rebelión de adolescencia significó pasarse del chelo al bajo eléctrico, para sumergirse en una onda más grunge. ("Era súper perno andar con un chelo gigante", dice). Vinieron las bandas con amigos, ensayar y ensayar y ensayar para no tocar nunca en ningún lado que no fueran los ensayos.

-¿Y tus papás que venían de la música docta, qué opinaban del cambio de estilo?

-Aunque venían de un mundo docto, eran súper rockeros, poco comunes. Por ejemplo, mi mamá nos despertaba con Rage Against the Machine, a todo chancho, ahora me carga un poco porque me recuerda la despertada para ir al colegio. Pero yo conocí mucha música por ellos: The Smiths, David Bowie, Jimmy Hendrix, todo eso. Había harto clásico, por el conservatorio, pero en mi casa sonaba de todo.

Se vino a Santiago para estudiar en la universidad y entró a Ingeniería en Sonido. Le gustaba que fuera una carrera de música pero sin música, que hubiera cableado y perillas. Era la única mujer en un curso de hombres. Estudió mucho "porque no quería ser la única mujer y guatear". Y comenzó a conocer a gente por internet, fotolog, a bandas, amigos, un grupo donde empezaban a aparecer personajes como Gepe o Javiera Mena, que se topaban en fiestas, en cumpleaños. Eran los años 2005, 2006, Felicia conoció a la banda Les Ondes Martenot, un grupo de pop chileno que tocaba estilo Belle and Sebastian y se les unió. Para el lanzamiento del disco, en Sala Máster, Gepe fue el telonero.

-Y nos hicimos amigos, me invitaron a tocar en otros discos, y listo.

-Eres testigo y parte de esta nueva generación de pop chileno, ¿cómo crees que fue partiendo lo que vemos hoy con Gepe, Pedro Piedra, Dënver, Javiera Mena? 

-Yo creo que todos partimos tocando donde sea. En cualquier parte y nunca ganábamos ni uno. De hecho, gastábamos plata en transporte. Una vez toqué con una banda y fueron tres personas -dice-. Fue raro, como que no le tomé el peso. Con una banda teloneamos el lanzamiento del disco "Hungría" de Gepe, y creo que es de las veces que más nerviosa he estado, porque era raro, se sentía en el ambiente que estaba agarrando vuelo. Había periodistas y antes eran solo amigos.

Ya en el disco "Audiovisión" de Gepe, Felicia tocó arreglos de chelo en algunas canciones. Parte de su banda estable, le ha tocado viajar por Latinoamérica tocando con él, lo que significa también tocar para Pedro Piedra o Fernando Milagros o el que sea que también se esté presentando en México, en Uruguay, en Argentina, esa vez. Se quedan todos en los mismos hoteles, son amigos, se ayudan en el escenario.

-Es buena onda, no hay una rivalidad -dice- Me acuerdo cuando fuimos a México con Caravana, estaba Gepe, Pedro Piedra y Fernando Milagros. Y tocaban ellos y todos con todos. Fernando Milagros me pidió acompañarlo. Después venía Pedro Piedra y yo hacía los coros, después venía Gepe y al revés. Es bueno, porque hay fiato tocando, es más fácil.

EL PEQUEÑO DISCO. El departamento de Felicia Morales tiene dos gatos -uno de quince años y otro de uno-, muchos adornos que salieron del Persa, mucho cuadro, mucho cactus en la terraza, un piano, donde además de tocar da clases, una pieza que convirtió en peluquería donde ella misma corta el pelo (con el nombre "Salón Felicia"), que es su otra actividad aparte de ser música. Hay también un chelo eléctrico, nuevo, apoyado contra la pared. "Es flaco. Raro. Lo tengo aquí para mirarlo y acostumbrarme", dice ella.

Felicia Morales es la definición de "piola": tranquila, no busca robarse el escenario en las presentaciones, sino que está preocupada de cómo suena todo; piensa más en la música, en no fallar en canciones nuevas, antes de asustarse porque está parada a veces ante a veces miles de personas, en festivales como Vive Latino o Lollapalooza. No es buena para carretear, dice, después de cada tocata se va a dormir y en giras no sale nunca, para despertarse temprano, "cuando todos están zombies" y recorrer.

Ha hecho cursos de todo lo extracurricular que a uno se le pueda ocurrir, desde que era chica: cerámica, pintura, ballet, cocina, estética integral (cuando empezó a tocar con Javiera Mena y Gepe pensó que podía hacer peinados y maquillajes para sus videos). Cuatro semestres de lenguaje de señas. ¿Lenguaje de señas? "Me gusta aprender cosas", dice, levantando los hombros como diciendo, ¿y a quién no?

Si la hacen elegir entre chelo y piano, ella dice que le gustan los dos. Si la hacen elegir entre pop y clásico, ella dice que le gustan los dos.

-Igual yo noto que la gente que está en orquestas no sabe mucho de música actual chilena, son más cerrados. He tenido contacto con antiguos compañeros de orquesta y, claro, no conocen a Gepe. A mí me pasa que sé lo que está pasando en la onda clásica.

Además, Felicia Morales, la eterna acompañante y secundaria del pop chileno, ha lanzado un proyecto propio al universo: "Felicia EP", cuatro canciones, chelo y piano, que presentan básicamente lo que ella es: música clásica con una inyección de popular. Un pie en cada mundo.

-Esto lo armé hace mucho tiempo, antes de tocar con Gepe. Siempre tuve la inquietud de hacer algo sola porque siempre he tocado en bandas. Me encerré a ver qué pasaba y grabé estos temas que salieron de chelo. Lo dejé guardado mucho tiempo. Hasta que estaba ya tocando con la Fakuta y en el sello Michita Rex hicieron un compilado de canciones y decidí poner un tema. Era raro, entremedio de puro pop. La gente del sello que eran mis amigos estaban felices, lo encontraban distinto, interesante. Pero la gente que lo escuchó decía ¿qué es esto? Y eso me frenó de mostrarlo a más personas.

Felicia Morales se sintió insegura leyendo los comentarios en internet de sus canciones y volvió a guardarlas por un buen tiempo. Eso hasta que el dúo De Janeiros (Milton Mahan y Pablo Muñoz) lo escucharon, les gustó y las produjeron. Felicia volvió a grabar todo, hizo el arte del EP con bordados hechos por ella, y lo subieron hace unas semanas a internet (está en Soundcloud).

-¿Te sientes más segura de tu propia música?

-Siempre pensé que era bueno (se ríe), pero creía que no lo iban a pescar. Yo tocaba con la Javiera Mena, que son cosas súper pop, que no tiene nada que ver con esto. Le tenía fe, pero estaba tímida.

Por el momento no hay planes de más discos ni de una tocata propia-"es difícil porque es para cuarteto de chelo", explica-, sino que quería simplemente mostrar algo que había hecho. A pesar de tomarse el escenario fugazmente con estas cuatro canciones, Felicia Morales, una "piola" entre estrellas, está feliz siendo eso: la de atrás.

-¿Tienes ambición de eventualmente no ser solo "la mina detrás" de Gepe o Javiera Mena?

-Es que no he pensado en hacer mi carrera, ni calcular mucho los pasos para más adelante. Todo lo hago a medida que sale. Gepe me invita a su disco, ¡bacán! La Javiera Mena me invita a tal tocata, ¡bacán! Y voy aceptando las cosas que me gustan, con la gente que me cae bien. Y ahora se dio la oportunidad de grabar esto. Van pasando cosas y yo digo: ¡bacán!

Las descargas se enfrentan al derecho de autor, ¿el fin de una era?

El Mercurio

Es el primer paso para futuras acciones legales. Los proveedores de internet están notificando a los usuarios con una alta tasa de descargas que cometen un delito al apretar download . Sepa quiénes son los que mandan estas cartas y cómo operan en el país.

Guillermo Scott

 A comienzos de esta semana cuatro mil titulares de cuentas de internet recibieron una notificación que decía que desde esa IP (El Rut digital de cada computador), se estaban descargando de manera ilegal archivos con Derechos de Propiedad Intelectual vigentes en el país. Esta primera advertencia forma parte de una campaña por la protección de la Propiedad Intelectual que encabeza IFPI Chile, asociación gremial que agrupa y representa a los sellos discográficos en Chile y el mundo, y que vela por los derechos de autor de toda la industria musical.

La mecánica de las cartas de notificación funciona de la siguiente manera: IFPI Chile tiene contratada a una empresa de monitoreo para que detecte las IP que tengan altos índices de descargas. Una vez recogida la información, envían este listado de infractores a las ISP -los proveedores de internet- y son ellos quienes hacen llegar el comunicado o parte de cortesía a los usuarios. Las ISP mandan de forma privada la carta al titular de la cuenta, donde le notifican que está cometiendo un delito al descargar música. El proveedor de internet es el único que puede conocer la identidad del dueño de una cuenta, ya que la ley protege la privacidad del usuario. Richard Godoy, gerente de Operaciones de IFPI es claro al señalar que "desconocemos la identidad de las personas notificadas".

La campaña de IFPI tiene tres objetivos: disminuir la cantidad de descargas ilícitas de música, educar sobre los servicios legales existentes y advertir los riesgos que corren los equipos al utilizar programas como Ares o BitTorrent. Las notificaciones comenzaron a llegar en junio y han sido enviadas a los usuarios a través de los proveedores de internet que operan en Chile (Telefónica, VTR, Claro, CMET, GRD y Telefónica del Sur). Esto es posible gracias a la modificación de la Ley de Propiedad Intelectual, que en el artículo 85 Upermite a los titulares de los derechos -los sellos y la IFPI- para realizar un seguimiento de las direcciones particulares de IP.

Pero esta notificación es elaborada por AFOCHI, que es la Asociación de Productores Fonográficos de Chile, una agrupación que fue creada por IFPI Chile para hacer las denuncias en el país. Ambos organismos comparten la dirección de sus oficinas y tienen el mismo directorio.

¿Cual es la razón de esto? Comunicacionalmente es menos ruidoso que las notificaciones y futuras denuncias judiciales las haga una asociación de productores fonográficos a nivel local, a que las realice un representante legal de los sellos multinacionales. De acuerdo a Richard Godoy, "esta es una campaña de educación, si bien es cierto, cabe la posibilidad de que en el futuro alguna de estas notificaciones se pueda judicializar mediante una denuncia a la fiscalía, este no es el ánimo de la compañías ni de sus directores en esta etapa.

Claudio Ruiz es director ejecutivo de la ONG Derechos Digitales, organización dedicada a la defensa y promoción de los derechos fundamentales en el entorno digital. Él tiene una visión muy particular sobre este tema: "La única fuente relacionada con este tema, es lo que ellos dicen. Hablan de 4.500 casos, pero no conocemos ninguno. Tengo la sensación que aquí hay mucho de meterle susto a la gente, diciendo que utilizar internet es algo que raya en la ilegalidad y que hay alguien que te puede estar vigilando, idea que me parece es muy peligrosa. Generan un ambiente político, que es proclive a las demandas de la industria discográfica, que es hacer normas de derecho de autor cada vez más estrictas".

Piratería en Chile

Las descargas ilegales y la piratería fue, es y será un tema para los gobiernos de turno. Los gobiernos llevan años luchando contra esta situación. Para combatir a los infractores, el 2008 se organizo la Brigada Investigadora de Delitos de Propiedad Intelectual (Bridepi), que depende de la Jefatura Nacional de Delitos Económicos. El fin de la Bridepi es agilizar toda diligencia que tenga que ver con la Ley de Propiedad Intelectual.

La urgencia por poner un freno a la piratería y las descargas ilegales se debe a que Chile se encuentra dentro de la lista negra de países infractores. Pese a que el actual gobierno no le asigna validez a esta lista, la presencia de nuestro país es un hecho y la Alianza Internacional de Propiedad Intelectual (IIPA) avisó en febrero de este año, al Departamento de Comercio de Estados Unidos, que Chile merecía una "Vigilancia Prioritaria".

Las presiones de grupos como IIPA o IFPI han tenido bastante éxito y la presión que ejercen es fuerte: En Asia los tribunales de India, Malasia y Corea del Sur exigieron el bloqueo de sitios web como son los servicios de descarga, P2P y Torrents. En Europa, los tribunales de Austria, Bélgica, Dinamarca, Finlandia, Países Bajos, Grecia, Italia y el Reino Unidos ordenaron a las ISP que impidieran el acceso a los usuarios a los sitios infractores, como por ejemplo Pirate Bay.

Estas medidas han logrado frutos y buscan revitalizar la industria discográfica. En su Informe de Música Digital 2013, IFPI reveló que los ingresos durante el año pasado por concepto de ventas digitales legales fueron de 5,6 billones de dólares, que las descargas unitarias crecieron un 12% y que la cantidad de usuarios abonados a servicios pagados creció un 44%.

 Generación My Space

Arcade Fire es en la actualidad una de las bandas más importantes del mundo. El grupo fue parte de lo que los medios llamaron la "Generación My Space", toda la camada de bandas que a mediados de la década pasada decidió enfrentar al mercado desde la gratuidad y el carácter colaborativo de las redes sociales. La banda canadiense gestiona de manera autónoma todo lo relacionado con su negocio: Ellos mismos producen sus shows y giras, como también gestionan la venta de su música y merchandising . De igual manera cuelgan sus nuevos trabajos para descarga gratuita y han sentado las bases de un nuevo modelo de negocio para muchas bandas y sellos: Llevar la autogestión a un nivel profesional.

El modelo que defienden los sellos, la IFPI y Afochi, va en contra de la libertad de los artistas de regalar su música en plataformas como MySpace, Facebook o Soundcloud. Los softwares que monitorean a los usuarios que bajan contenido de la red -como los que operan en Chile- no pueden identificar si el archivo descargado cuenta o no con el consentimiento del dueño de los derechos. Para estos programas toda descarga es ilegal.

Los países que más piratean: Argentina, China, Costa Rica, India, Indonesia y Rusia.
90% de todo el consumo de música en el país viola los derechos de autor.
20% de los usuarios de Spotify pasan al servicio premium .
Existen alrededor de 30 servicios de suscripción diferentes en el mundo.
El mercado holandés de música digital creció un 66%, la tasa más alta de Europa.

Herbie Hancock anticipa su regreso a Chile: "No tengo idea de cómo va a sonar esta banda"

El Mercurio

El próximo 14 de agosto en el Teatro Caupolicán , el pianista dará su quinto concierto en Chile, con un cuarteto que incluye a dos notables: el baterista Vinnie Colaiuta y el percusionista Zakir Hussain.

IÑIGO DÍAZ

Pocos minutos antes de su presentación en la Estación Mapocho, con motivo de la Cumbre de las Américas de 1998, Herbie Hancock fue interceptado por una persona del público que le entregó un papel que decía "Maiden voyage", el título de una composición suya de 1965. Hancock lo leyó y se lo guardó en el bolsillo. Luego apareció en el escenario y lo primero que tocó fue una absoluta abstracción de "Maiden voyage".

La espontaneidad es una marca siempre viva en el jazz y, en este caso, de Herbie Hancock (73), el influyente pianista que este 14 de agosto dará su quinto concierto en Chile, en el Teatro Caupolicán. A quince años de ese episodio, para Hancock la incertidumbre todavía es una oportunidad de creación.
"No estoy del todo seguro de qué repertorio vamos a tocar. Probablemente incluyamos 'Cantaloupe island' o 'Watermelon man', tal vez una parte más eléctrica con 'Rock it'. No creo que toquemos cosas como 'Mawandishi'. Voy a estar en el piano acústico y también voy a tocar lo que llaman 'keytar' (popular instrumento introducido en 1980, una mezcla de teclado y guitarra: keyboard-guitar ). Será una combinación entre ambas modalidades", adelanta Hancock desde Los Angeles.

Aunque suene difícil de creer, será la primera vez que el pianista actúe en Chile con un grupo propio: en 1988 tocó a dos pianos con Chick Corea, en 1992 lo hizo con los astros del quinteto de Miles Davis, en 1998 con estudiantes del Thelonious Monk Institute y en 2000 con el saxofonista Wayne Shorter.

El cuarteto para su nueva gira se confirmó hace pocas semanas e incluye a dos músicos de importante trayectoria. El baterista Vinnie Colaiuta volverá a tocar aquí desde sus apariciones con Sting en el concierto de Amnistía Internacional de 1990 y de San Carlos de Apoquindo de 1994, pero la figura del percusionista Zakir Hussain imprimirá un elemento nuevo para un conjunto de jazz.

-Se repite la fórmula de su disco "Inventions and dimensions", de hace 50 años, donde omitió el instrumento melódico.
"Pero no fue premeditado. Nunca pensé en ello: simplemente ocurrió. Lo que sí tenía en mente era reunir a Vinnie Colaiuta y (el contrabajista) James Genus para trabajar con Zakir y el productor y músico electrónico Flying Lotus. Tenemos planes de grabar mi próximo disco con ellos. Este es un grupo que organicé para esta gira"

-¿Qué clase de sonido tendrá la banda?
"No tengo idea de cómo va a sonar. Estamos revisando mis antiguas composiciones, incluyendo a un músico como Zakir en la banda, porque esto es básicamente un piano trío más tabla. Tenemos que diseñar algo musicalmente nuevo con esta combinación de jazzistas a los que se suma esta percusión".

-Usted es embajador de Unesco y hoy se lo considera una leyenda del jazz moderno. ¿Cómo lo toma?
"Creo que lo que piense otra gente de mí no es mi responsabilidad. Yo no pienso en ello. Tengo una responsabilidad, aunque no es esa. Me siento responsable especialmente con las generaciones más jóvenes, de hacer por ellos lo que antes otros hicieron por mí: validarme, alentarme, aconsejarme. Y ahora que soy uno de los músicos viejos, es mi turno de proteger el legado de la cultura y la creatividad".

-Usted toca para grandes públicos, ¿no extraña los pequeños clubes de jazz?
"No, porque me gusta estar ciento por ciento donde estoy. Si extrañas algo, es porque algo de ti está en otro lado. Prefiero concentrarme en lo que estoy haciendo hoy. A través de muchos años creando música, he tenido la fortuna de que gran parte de las cosas que he hecho han tenido un impacto en la escena musical. Pero no he cambiado: sigo siendo la misma persona, solo que estoy más viejo".

 El factor Zakir Hussain

A los 62 años, el virtuoso del tabla nacido en Bombay y con una ascendencia vinculada con la música clásica de la India -es hijo de Ustad Alla Rakha, histórico acompañante de Ravi Shankar-, es considerado uno de los nombres clave en el traspaso de esa música devocional hacia la industria occidental. Apareció en ese campo en los años 70 en el quinteto Shakti, liderado por John McLaughlin, y también trabajó en discos de George Harrison. Entre sus grabaciones más importantes está "Tabla duet" (1988), junto a su padre.

Nuevo libro retrata la evolución de la canción social chilena entre 1960 y 1989

El Mercurio

La rigurosa obra de Marisol García abarca la música desde Violeta Parra hasta los Fiskales ad-Hok, y relata la importancia del movimiento en la historia del país.

Felipe Rodríguez

Se sabe: Violeta Parra es el primer eslabón y la más grande visionaria de la música de protesta chilena.

Pero antes de su fulgurante aparición, la canción social tuvo manifestaciones populares. La primera, según la investigadora Margot Loyola, fue "Las penas del minero" (1920), una canción que ella y Héctor Pavez registraron años más tarde, y que revela las penurias laborales de esos trabajadores. "Ya en la Colonia existían canciones de denuncia y poesías populares e incluso de apoyo a determinados políticos. Hay muchas cuecas a Balmaceda, en tributo al Presidente suicidado, y la matanza de Santa María de Iquique en 1907 motivó varios cantos indignados que se transmitían oralmente entre los mineros", cuenta Marisol García, autora del libro "Canción valiente", que relata en orden cronológico la evolución de la canción de protesta local entre 1960 y 1989.

Periodista con más de quince años de oficio en el área musical y especializada desde hace algunas temporadas en los sonidos locales a través del sitio www.mus.cl, García expone una pormenorizada indagación sobre la evolución de la "canción comprometida" que siempre se resume en las mismas palabras: rabia y abusos.

A partir del rol y el carácter irreemplazable de Violeta Parra, la canción social fue gestando en la segunda mitad de los sesenta un movimiento soberbio y en extremo lúcido llamado "La Nueva Canción Chilena". Menos popular que "La Nueva Ola", registra títulos emblemáticos en artistas como Víctor Jara, Quilapayún, Rolando Alarcón, Patricio Manns e Inti Illimani, entre otros, y que, hasta hoy, relacionan a Chile con el mundo.

"La Nueva Ola era un movimiento frívolo y extranjerizante, y La Nueva Canción no era el movimiento más popular en radios ni rankings . Pero era valorado. Factores como la convulsión social de una época, más la influencia insuperable de Violeta Parra y la disposición de todos ellos a trabajar en colaboración y una profunda conciencia de que su canto podía generar cambio social pueden explicar un momento con tantas coincidencias brillantes", explica García.

En sus páginas, las historias sabrosas abundan. ¿Ejemplos? La solidaridad de Víctor Jara con Los Blops, cuando los ejecutivos comunistas del sello DICAP querían desafectarlos por su nulo compromiso musical con Allende. El disco "El DesU.P.elote! (1973), una parodia a la Nueva Canción, coordinado por Camilo Fernández y grabado por Horario Saavedra. O las negativas de Fernando Ubiergo a las invitaciones de Augusto Pinochet. Aunque lo que más consigna García es la imposibilidad de repetir un movimiento tan diverso y talentoso como el de la Nueva Canción. "Los temas de inquietud social hoy son otros, menos diversos y más dirigidos. Pueden ir desde las minorías sexuales a asuntos medioambientales. Eso impide pensar en un movimiento hegemónico", cierra.

Los huasos de Algarrobal serán reconocidos con un Vinilo de Oro

El Mercurio

Paola Bolelli R.

Debido al éxito comercial de su disco "Grandes del folclore", el grupo formado por Eugenio Rengifo, Cristián Donoso, Rafael Rodríguez y Enrique Barros recibirá este viernes 9 la distinción del Vinilo de Oro, que entrega el sello Master Media Music. La entrega coincidirá con la celebración de los 47 años de la banda, en un recital gratuito en el Teatro Municipal de Ñuñoa a las 19:30 horas.

En el concierto organizado por la corporación cultural de la municipalidad, Los huasos de Algarrobal repasarán su historia musical de casi cinco décadas, donde habrá lugar tanto para las canciones populares como las creaciones propias del grupo. Entre las últimas destacan "El mensajero de la vida", "Que los niños vengan" y "Basilia Chamaca", esta última fue escrita en honor a la mujer trabajadora chilena y fue inspirada en una pastorcita de nueve años que murió en 1975.

Según Eugenio Rengifo, la entrega del Vinilo de Oro "es muy importante, porque significa que el folclor todavía tiene un mercado importante en Chile". El primer reconocimiento del conjunto fue en 1967, cuando se adjudicaron el cuarto lugar en el Festival de Viña del Mar. Siguieron sumando logros, como en 1983, cuando ganaron el primer Festival Mundial de Folclore realizado en Sudáfrica.

Septiembre será aún más movido: saldrá a la venta el disco "Antología Algarrobal", de sus grandes éxitos, y planean presentarse en distintas ciudades del país.

LOLLAPALOOZA CHILE: VENTA 'EARLY BIRD' PARA EL 2014


Poco a poco comienza a tomar forma la edición 2014 de Lollapalooza Chile. La productora Lotus señaló que la cuarta versión se llevará a cabo el 29 y 30 de marzo en el Parque O´Higgins.

Desde el mediodía del 12 de agosto se lanzará la venta “Early Bird” con 4 mil abonos disponibles para ambas jornadas. Al agotarse el stock, comenzará la presenta. Los dejamos con los precios, sin el cargo por servicio.

Pase 2 días general

Early Bird $ 48.000

Preventa 1 $ 65.000

Preventa 2 $ 75.000

Preventa 3 $ 90.000

Normal $105.000

Pase 2 días VIP

Preventa $175.000

Normal $210.000

 Las entradas estarán a través del sistema Puntoticket, en tiendas Ripley, Cinemark, llamando al 600 462 6000, desde celulares al (02) 927 1800, y desde el extranjeto al (562) 927 1800.

Ensemble Bartok presenta un cabaret de jazz y tangos

El Mercurio

Mañana, en la Sala Isidora Zegers interpretarán melodías de Benny Goodman y de Piazzolla, además de canciones como "I Got Rhythm" (Gershwin) y "Somewhere" (Bernstein).

ROMINA DE LA SOTTA DONOSO

"En el Ensemble Bartok hemos hecho bastante música crossover . Pero ahora los únicos veteranos somos Eduardo Salgado y yo, los demás son miembros más jóvenes. Por eso quisimos que ellos también se aventuraran a cruzar hacia otros mundos musicales desde el repertorio clásico", dice la clarinetista Valene Georges, directora artística del conjunto.

Mañana, a las 19:30 horas, en la Sala Isidora Zegers (Compañía 1264), presentarán el programa "Cabaret", un recorrido por blues, jazz y tangos.

"Andrés Pérez, joven jazzista chileno, nos escribió una obra nueva, 'Memorias', que estamos estrenando en este programa, y nos hizo especialmente clases en cosas típicas del jazz, como la improvisación", agrega.
El programa para mañana incluye la Balada de "Viajeros en el espacio" de Henry Wolking, así como "Benny's Gig" de Morton Gould, y los tangos de "Primavera Porteña" y "Adiós Nonino", de Astor Piazzolla.
Igualmente abordarán arreglos de tres canciones de George Gershwin y otras tres de Leonard Bernstein, dos fundadores del lenguaje musical estadounidense. "Son muy distintos. Gershwin creó un idioma nuevo basado en la música negra de Estados Unidos. Y Bernstein fue un genio de los musicales, y las danzas son parte de la acción dramática de sus obras", comenta la clarinetista.

"Haremos canciones muy contrastantes. Por ejemplo, de Gershwin, presentaremos 'I Got Rhythm', que es muy vivaz y rápida, y también 'Embraceable You', que es lo más romántico que hay. Y después, con Bernstein, 'I Feel Pretty', que es de un espíritu latino increíble, frente a 'Somewhere', que es casi como un himno religioso", apunta.

Sumarán tres temas de jazz que corresponden a transcripciones de solos que Benny Goodman hizo famosos en los años 40: "Son tres tipos de jazz: un stomp, un blues y un rag". Cerrarán con la canción "Cabaret", mundialmente conocida por la interpretación de Liza Minelli.

Entre los próximos proyectos del Ensemble Bartok, conjunto con 32 años de existencia y dos nominaciones al Grammy Latinoamericano, la clarinetista adelanta que en octubre participarán en el Festival de Música Contemporánea de Lima. Además, "seguimos empeñados en editar, impresa, toda la música que nos han dedicado y que solo existe en manuscritos. Por ejemplo, de Alfonso Letelier o Juan Lehmann".