viernes, noviembre 17, 2017

Bochorno con Jarre y cancelaciones: Cómo reacciona la industria de conciertos

El Mercurio

El último trimestre del año llegó con bajas en la cartelera: la no realización del Festival Rockout y del show de Laurie Anderson, y la incertidumbre que se provocó con el debut del músico electrónico en Chile, encendieron las alarmas en un gremio que advierte una sobreoferta de espectáculos.  

Por José Vásquez 

El debut de Jean-Michel Jarre en Chile estuvo marcado por la incertidumbre. El espectáculo que el músico electrónico debía dar el 14 de noviembre en el Movistar Arena pasó desde el estado de cancelado, anunciado por el propio artista, al de en búsqueda de una nueva fecha, como comunicó recién el jueves pasado la productora del evento, Fenix Entertainment Group, prácticamente una semana después de que el francés manifestara su molestia con la empresa, a la que acusó de no cumplir con lo acordado.

El bochornoso episodio finalizó el viernes, cuando Fenix confirmó la reprogramación del show para el 27 de marzo en el mismo recinto del Parque O'Higgins, dando una respuesta a las cerca de 8.500 personas que adquirieron boletos y que durante todo este tiempo pidieron explicaciones.

Aunque este fue un caso puntual, por diferencias entre un artista y una productora, la abultada cartelera de conciertos del último trimestre incidió en la cancelación de espectáculos, como el de Laurie Anderson (21 de octubre) y de Rockout (11 de noviembre), festival que sinceró su no realización por la baja venta de entradas en un fin de semana particularmente ajetreado con el desarrollo de Fauna Primavera y los shows de Green Day, Anthrax y Creamfields, agendados para hoy.

"Hay una programación más grande que la demanda, algunas personas han tenido incredulidad frente a esto, pero los ejemplos abundan y no tiene que ver solo con aquellos eventos que se postergan o no se realizan porque no llegaron a venderse. Hay decenas de eventos que se hacen en un Teatro Caupolicán con mil personas o en un Movistar Arena con dos mil", dice Jorge Ramírez, gerente general de la Asociación Gremial de Empresas Productoras de Entretenimiento y Cultura (Agepec), que reúne al 80% de las empresas del rubro.

¿Quién es Batman?

Ramírez mira el panorama actual del gremio haciendo un paralelo entre conciertos y salas de cine: "En algunas hay un par de personas con un paquete de cabritas, pero al lado están dando Batman y la función está repleta... En la música, ¿quién es Batman?, bueno, hoy es Bruno Mars", dice el empresario, ejemplificando la realidad del mercado con el cantante estadounidense que fue el fenómeno 2017, tras vender prácticamente en un día casi la totalidad de tickets para su show del 28 de noviembre en el Estadio Nacional.

El representante de la Agepec advierte que en los últimos tres años ha existido una baja en la asistencia a los conciertos, que proyecta en cerca de un millón ochocientas mil personas para esta temporada, cifra similar a la de 2016.

"Chile es un país de 17 millones de habitantes y ha llegado a tener por momentos una oferta más prolífica y abundante que Nueva York, Sao Paulo o Río de Janeiro, lo cual, desde el punto de vista demográfico y geográfico, no tiene explicación", dice Ramírez, quien manifiesta su inquietud: "Se debería ser más rigurosos al determinar las condiciones que debe tener una productora para realizar un espectáculo, manteniendo el libre mercado, por cierto. Me parece que hay demasiada permisividad frente a la realización de eventos, con muy pocas barreras de entrada", señala. Y agrega: "A veces, el anuncio de un show es para probar si funciona, y esta es una actividad donde no se prueba; el avión en esta actividad debe despegar lleno, a la mitad o con un cuarto de pasajeros, pero debe hacerlo, salvo por un problema de fuerza mayor. En este mercado hay empresas que están acostumbradas a despegar, pero hay otras que no".

La cartelera de conciertos de 2018 se comienza a poblar de nombres, y algunos empresarios, como Carlos Geniso, de DG Medios, a cargo del show de Depeche Mode del 21 marzo, el primer espectáculo de estadio de 2018, ven con optimismo el futuro. "(El próximo año) viene más fuerte, y lo más probable es que con mayor intensidad que 2017", afirma el productor.

Lollapalooza, el festival con más convocatoria en Chile, proyecta superar, también en marzo, en 80 mil personas su propio récord de 160 mil asistentes, debido a que extendieron a tres días su programación. Por ahora son señales prematuras, pero podrían anticipar un año en el que se revertiría la tendencia a la baja experimentada en la industria.


El nuevo cambio de piel de Maitén Montenegro

El Mercurio

Aunque tiene 54 años de trayectoria, la próxima temporada recién actuará por primera vez en una obra: "Historia de amor con hombre bailando". Además, dirigirá un musical escrito por Marco Antonio de la Parra.  

Por Eduardo Miranda 

La televisión fue su primera meta. Grabó un disco, hizo café concert, también espectáculos revisteriles, filmó una corta escena en el cine y bailó en shows de variedades. Pero la tele estaba en la mira: "Me dediqué a la TV porque no tiene secretos. Es más impactante y la responsabilidad que tienes con el espectador es mayor, porque estás en su entorno. Entras en su casa". La reflexión es de Maitén Montenegro, quien lleva 54 años dedicada al mundo del espectáculo y se prepara para nuevos proyectos en los escenarios.

"He cambiado de piel unas cinco veces de manera total. Cuando me fui a Estados Unidos y me dediqué a la producción televisiva; cuando volví e hice docencia. Siempre pasan cosas y esta vez estoy en un nuevo cambio", reconoce la artista, quien llegará a un montaje teatral por primera vez: "Historia de amor con hombre bailando", que en junio próximo se estrenará en CorpArtes.

Aunque es hija del recordado actor Raúl Montenegro, hasta ahora el teatro había sido un pendiente: "Le tengo distancia porque creo que son palabras mayores. Veía a mi papá y sentía que era muy sacrificado todo. Debe haber sido muy frustrante ver a la familia comprometida en algo que no siempre tenía buenos resultados".

El nuevo proyecto la tendrá en escena junto a Felipe Ríos, Emilio Edwards y bajo la dirección de Bastián Bodenhöfer, quien encabeza el proyecto que se inspira en la obra de Hernán Rivera Letelier. "No hay fecha de expiración cuando uno está en el espectáculo, así que decidí ser parte de este montaje", agrega la comediante.

Claro que no es su único proyecto para la próxima temporada: Maitén Montenegro dirigirá la obra musical "El año en que nos volvimos todos un poco locos", de Marco Antonio de la Parra. "Habla de un Chile desde el año 1995 hasta hoy. Hace un cruce generacional muy interesante", dice Montenegro y luego agrega: "Es la primera vez que dirijo un proyecto musical de largo aliento, porque me había dedicado solo a pequeñas producciones".

Llamada "la primera showoman" de la escena local, Maitén Montenegro continúa con su escuela de talentos, MDA Studio, que tras el cierre de su sede en la calle Bilbao hoy está ubicada en Arzobispo Larraín Gandarillas 108. Tiene unos 60 alumnos interesados en el mundo del espectáculo. Sin embargo, ella hace algunas críticas a la escena local: "Chile se atreve muy poco, somos demasiado formales y no hay locuritas. La poca osadía no permite que entendamos el arte de esta época. La televisión tampoco le ha dado la oportunidad a la gente nueva. Es esquiva en dar espacios".

 Grandes coreógrafos

Maitén Montenegro presentó el martes y miércoles el espectáculo "Encuentro de grandes coreógrafos", en el Teatro Oriente, en que participaron 18 compañías. Fueron más de 300 bailarines de distintas disciplinas de danza, desde el ballet al hip hop. La entrada fue gratuita. "

Viene a Chile Anna Netrebko, la gran estrella de la ópera

El Mercurio

La soprano rusa, que intervendrá en la inauguración de la próxima Copa del Mundo en Moscú, cantará en Santiago el jueves 2 de agosto de 2018, junto a su marido, el tenor Yusif Eyvazov.  

Por Juan Antonio Muñoz H. 

Se rumoreaba desde hacía tiempo, pero ahora la noticia se confirma. La soprano Anna Netrebko, idolatrada por miles de personas en el mundo, cantará en Chile el 2 de agosto próximo junto a su marido, el tenor Yusif Eyvazov, en el marco de su primera gira latinoamericana, que contempla actuaciones en Sao Paulo y Santiago.

Su visita se debe a Merci Entertainment, la misma compañía que trajo a Chile al tenor Jonas Kaufmann, en 2016. Tanto el repertorio exacto que abordará la artista -arias y dúos de ópera-, como la fecha de inicio de venta de entradas y sus valores se darán a conocer en las próximas semanas.

Anna Yúrievna Netrebko -nacida el 18 de septiembre de 1971- inició su carrera siendo algo así como conserje-cuidadora en el Teatro Mariinski de San Petersburgo; allí llamó la atención del director Valeri Guerguiev, quien se convirtió en su mentor musical. Fue bajo su guía que interpretó roles como Susanna, de "Las Bodas de Fígaro" (Mozart), siguiendo luego con los papeles principales de "La sonámbula" (Bellini) y "Lucia di Lammermoor" (Donizetti), entre otros.

Éxito con "La Traviata"

Debutó en Estados Unidos en 1995, en el papel de Ludmila de "Russlan y Ludmila" (Glinka), y pronto comenzó a ser aclamada como gran intérprete de roles rusos como Natasha, en "La guerra y la paz" (Prokofiev), y Marfa, en "La novia del zar" (Rimski-Kórsakov).

Siguió adelante bajo la guía de Claudio Abbado y de Renata Scotto, y se fue especializando en el repertorio italiano belcantista. Su éxito fulgurante comenzó en 2002 tras su debut en el Metropolitan en el papel de Natasha, en el estreno en Nueva York de "La guerra y la paz", donde sorprendió por su canto, su belleza y sus dotes extraordinarias de actriz. Lo mismo sucedió en el Festival de Salzburgo, donde encarnó a Donna Anna en "Don Giovanni" (Mozart), dirigida por Nikolaus Harnoncourt.

Siguieron plazas como Múnich y Londres, y su primer álbum con arias, que se convirtió en uno de los discos clásicos más vendidos del año, lo que se ratificó al año siguiente con su segunda placa, "Sempre Libera". Ya en 2005 llegó su consagración mundial con la famosa versión de "La Traviata" (Verdi), en Salzburgo, distribuida en DVD y televisada. Junto al tenor Rolando Villazón fue la gran pareja de la ópera en esos años.

Julieta y Lady Macbeth

En todos estos años, la voz de Anna Netrebko ha ido cambiando, adquiriendo nuevos colores y aumentando sus posibilidades dramáticas. Su material, en un comienzo, la hizo ideal para roles líricos como Julieta (Gounod y Bellini), Mimí ("La Bohème") y Elvira ("I Puritani"), pero sus nuevas sonoridades, cercanas a la tipología spinto , le han permitido abordar con éxito títulos como "Anna Bolena" (Donizetti), "El trovador" (Verdi) y "Aida" (Verdi), con la que consiguió un enorme éxito en el último Festival de Salzburgo, donde las entradas de reventa llegaron a los 1.200 euros. Incluso se ha arriesgado con partes decididamente dramáticas, como Lady Macbeth (Verdi) y "Tosca" (Puccini), que debutará el año que viene.

Actualmente, es ciudadana austríaca y está casada con el tenor Yusif Eyvazov, de Azerbaiyán, con quien abrirá en diciembre la temporada 2018-2019 de la Scala de Milán, con la ópera "Andrea Chénier" (Giordano). Tiene un hijo con el bajo uruguayo Erwin Schrott, Tiago.

Desde 2007, Netrebko es embajadora de la organización Aldeas Infantiles SOS, en Austria. En 2014, cantó el himno de Rusia en la inauguración de los Juegos Olímpicos de Invierno en Sochi, y está prevista para participar en la inauguración del Mundial de Fútbol 2018 en Rusia, por pedido expreso del Presidente Vladimir Putin.

Elina Garanca: "Me encanta hacerle cosquillas a la prima donna "

El Mercurio

Es una de las figuras más importantes de la ópera en la actualidad. Su voz y su forma de abordar los personajes y los estilos que interpreta son hoy una referencia. Desde sus inicios con Mozart y Rossini, su repertorio avanzó luego a Bellini y Donizetti, y ya ahora asume algunos de los grandes personajes que Verdi escribió para su cuerda.  

Por Juan Antonio Muñoz H. Desde París, Francia 

Es de Riga, en Letonia, de donde proviene una de las voces más requeridas de nuestro tiempo. La mezzosoprano Elina Garanca (1976) es una artista de amplio espectro cuyo repertorio se expande con la inteligencia de un guerrero estratégico. Resuelta en sus opciones, en ella coexisten belleza física y una fuerza interpretativa a través de la que nunca ofrece retratos obvios o repetidos de los roles que interpreta.

"Aunque nací en Letonia, crecí en dos mundos", cuenta, mientras toma un cappuccino en el Café Français de la Plaza de La Bastilla, a dos días de su exitoso debut como la Princesa de Éboli en la versión francesa de "Don Carlos" (Verdi). "Porque de un lado, en la ciudad, estaban mis padres, ambos músicos, y de otro mis abuelos, en el campo. Creo que eso me ayudó, porque tuve lo intelectual y también lo cotidiano. Una complementación. Siempre fui muy naif porque me protegieron mucho y no supe tanto de la crueldad de la vida".

"Para mis padres debió ser diferente, porque muchas veces era solo una sobrevivencia. Eran los años de la Unión Soviética y no había nada de nada. Sí me recuerdo que un día mi padre se levantó muy temprano y volvió más tarde envuelto con rollos de papel higiénico. Lo usamos creo que los siguientes tres o cuatro meses...".

-Su madre, Anita Garanca, fue también su primera profesora. ¿Difícil?
"Sí. Ella era mezzosoprano y cantó mucho. Siempre fue una persona de referencia porque era una gran maestra, pero esto de madre y maestra era algo muy duro para las dos, porque para ella era una responsabilidad enorme que yo fuera su hija y que debiera formarme como cantante, y también para mí, porque sentía la presión de ser siempre la mejor y de no decepcionarla".

-Leí que su mamá le dijo alguna vez que para ser cantante de ópera hay que ser la número uno...
"Creo que ella quería meterme un poco de miedo para que yo entendiera que esto es duro y que hay que trabajar mucho. Jamás pienso en eso de estar en el número uno. Yo no quiero ser la prima donna , aunque me encanta hacerle cosquillas a la prima donna . Juego con la prima donna unos cinco minutos al día".

-¿Salir adelante en esta carrera es solo cuestión de trabajo vocal?
"No. Entender cuándo decir sí y cuándo no, y por qué. Esto es complicado, porque decir sí puede ser muy bueno y muy malo, y decir que no, lo mismo. Exige saber qué hacen tus colegas, qué quiere el público, qué están pidiendo los régisseurs y cómo eso lo puedes traducir para no hacerte mal a ti mismo. Porque un idiota te puede obligar a hacer algo estúpido. Y con un director de orquesta, lo mismo".

"Cantaré Amneris el 2020"

-Usted ha interpretado algunos roles travestidos, como Octavian y Cherubino.
"El alma no tiene género. Cuando voy al escenario como hombre, no soy una chica que está actuando de chico: me convierto en un chico. Y lo cierto es que a veces me olvido, y mis compañeros de escena a veces se han olvidado también. Después de dos semanas de ensayos como Octavian, una noche soñé que iba al baño y me iba al de hombres... Cuando estoy en situación de chico, pienso en cómo me gustaría que un hombre actuara frente a mí".

-Usted dejó de cantar Rossini. ¿Qué la movió a tomar esa decisión?
"Cambios vocales. La música de Rossini nunca tuvo de verdad mi corazón. Me empecé a sentir como un tractor corriendo en la Fórmula Uno. Para cantar Rossini tenía que minimizar lo que tengo dentro. Lo mismo ha pasado con Mozart. Los personajes que vienen son personajes a los que ahora puedo justificar mejor. Por eso he comenzado con Éboli".

-¿Y luego de Éboli?
"Cuando empecé a cantar yo soñaba con hacer un día Amneris ("Aída", de Verdi), y ahora me acerco a eso más y más. Por Amneris es que soy cantante. Tengo previsto cantarla el 2020. He hecho todo el camino para subir ese Everest y me pregunto qué voy a hacer después".

-¿Hay algún papel de soprano que le interese como carácter?
"Las partes dramáticas. Abigaille ("Nabucco", de Verdi) o Tosca (Puccini), que es un rol que se ha vulgarizado mucho. La Tosca vista solo como una prima donna es muy poco para un carácter así. Pero yo no habría querido ser una soprano y morir siempre o asesinada, o loca, o después de una larga enfermedad".

-¿Cómo le va en eso de morir en escena?
"No me gusta mucho, para decir la verdad. Soy cuidadosa; no me gusta provocar las cosas aun en el escenario. Yo soy una guerrera y pienso que aun en ese último momento me voy a resistir".

-¿Le gusta estar en silencio?
"Sí. Soy una adicta al silencio. Por eso buceo; ahí abajo es como si no hubiera tiempo. En mi casa hago muchas cosas en silencio y no soy persona de mucha compañía. En nuestra casa nunca corre la música metida en el desayuno. Si necesitamos estudiar, mi marido (el director gibraltareño Karl Mark Chichon) lo hace con audífonos y yo tengo mi 'sala de gritos' en el fondo de mi casa en España (vive cerca de Málaga)".

-En la ópera, las pasiones están ultra expuestas y los cantantes interpretan pasiones. ¿Es difícil mantener el control y no darle un combo a la soprano o un beso al tenor?
"Eso del beso al tenor, lo hago siempre... (ríe). Sí que sucede. No siempre y no con todos los compañeros con los que cantas, pero hay algunas noches en que me he olvidado que estoy actuando. Esas son las funciones que después el público recuerda como algo muy particular y que son especiales para nosotros también".

-¿Cómo maneja el contacto con el público? ¿Cuesta mantener la intimidad?
"Ufff. Una razón de por qué nos fuimos de Viena es esa. La gente nos sentía parte de ellos. Como si dijeran 'te queremos mucho, eres una parte mía'. Yo digo, pues no. Yo necesito la parte mía para mí, para mi familia. Pero hay personalidades y personalidades; conozco compañeros que lo necesitan a diario. A mí me valen los aplausos, pero salir después de una ópera a hacer fotos y fotos, reconozco que me cuesta. Es como si el show no terminara nunca. Odio las selfies . Las odio. Pero es una parte de la profesión y lo hago porque lo necesito hacer".

-¿Y ese asunto de la calificación de las voces: mezzos líricas, dramáticas...?
"No es la calificación de una voz lo importante, lo importante es la personalidad. Si me dicen que soy mezzo lírica y no dramática en este momento, yo digo y qué me importa... Yo sé que puedo transmitir un repertorio determinado y lo hago a mi manera. Claramente no soy una (Elena) Obraztsova...".

-Ni una mezzo wagneriana...
"Todavía... Para eso tengo los próximos 15 años y una Kundry creo que podría hacerla bastante bien. Al final, todo está en la fuerza de la convicción, y para eso necesitas tener los cojones y decir 'yo lo hago así porque lo hago así'. Hay gente que lo apreciará y otros que no. Pero yo no estoy aquí para intentar convencer a todos. Así que si alguien dice esto se hace así, pues yo le digo 've y hazlo tú'. Hay gente que te dice lo que debes o no hacer; te puedes convertir en una máquina y empezar a vivir una vida que no es la tuya".

''No creo que ninguna niña bonita se mire al espejo y diga: ya que soy bonita, voy a ser cantante de ópera".
''La música de Verdi tiene un drama que se confirma en las palabras. Él sabe cómo construir un rol".
''Las comparaciones entre cantantes son estúpidas. Lo único que importa es que la voz pueda reconocerse y (tener) personalidad".

Las huellas de Carlos Gardel, a 100 años de su única visita a nuestro país

El Mercurio

Cruzó la cordillera en tren, permaneció seis semanas y tuvo alabadas actuaciones en Valparaíso, Viña del Mar y Santiago. En 1917 todavía era un anónimo que tocaba la guitarra e interpretaba temas del folklore argentino. Su estampa, de casi 120 kilos, contrasta enormemente con la del galán de las películas que hoy se conoce. Ese año grabó su primer tango, "Mi noche triste", y filmó su primera película, "Flor de Durazno". El mito recién comenzaba.  

Por Mario Cavalla. 

"Sí, mijito, cómo no, Carlos Gardel cantó aquí", explica con absoluta convicción un octogenario vecino del Barrio Huemul, indicando al teatro homónimo y centenario de este sector próximo al barrio Franklin. El mito persiste, no hay fotos ni registros sonoros ni nada que comprueben la presencia de Gardel en ese lugar, solo el relato oral de abuelos a padres y nietos, pero para los residentes de esta emblemática zona sur de la comuna de Santiago no hay dudas de que el Zorzal Criollo sí pisó las tablas de su imponente sala y encantó con el metal de su voz.

Eso constituye el mito, pero lo que sí es cierto es que el cantante de tangos más famoso de la historia hizo su primera y única visita a Chile hace exactos 100 años, entre fines de septiembre y la primera quincena de noviembre de 1917, cuando no cantaba tangos ni era el Gardel de las películas y los hits eternos.

Las únicas actuaciones oficiales que el cantante ofreció en tierras criollas fueron en Valparaíso, en el Teatro Colón; en Viña del Mar, en el Teatro Olimpo, y en Santiago, en el desaparecido Teatro Royal de la calle Huérfanos -aunque se estima que su primera actuación fuera de protocolo habría sido en el Teatro Comedia, en la capital-. En estas interpretaciones, Gardel cantaba a dúo con su primer socio artístico: el cantante y guitarrista uruguayo José Razzano, quien con los años se convertiría, además, en su representante.

Identidad tanguera no definida

Gardel viajó a Chile en un carro de segunda clase del tren Trasandino -inaugurado en 1910- desde Mendoza hasta la estación Mapocho, en compañía de su socio cuyo repertorio incluía canciones folklóricas, zambas y tonadas. "Ese todavía no era para nada el Gardel histórico. Era conocido en Argentina, pero todavía estaba buscando su sello y de hecho, ese año grabó su primer tango, 'Noche triste', y filmó su primera película, 'Flor de Durazno', totalmente muda", explica de entrada Enrique Espina Rawson, autor de media docena de libros sobre la vida del cantante y presidente del Centro de Estudios Gardelianos de la ciudad de Buenos Aires.

El dato lo corrobora Mauro Salazar, investigador del Centro de Estudios Históricos de la Universidad Bernardo O'Higgins y experto tangómano, quien proporciona todavía más pistas de esta legendaria visita. "Gardel era famoso en algunas regiones de Argentina con sus temas criollos, pero acá en Chile era un desconocido. A Santiago -en 1917- no llegó el Gardel cantor de tangos. Ese 1917 fue un año que influyó mucho en su carrera, porque está cerca de iniciar una transición del artista gaucho y costumbrista, cantor de tonadas y zambas, a lo que se convertirá más tarde.

De hecho, es una anécdota muy premonitoria del éxito que le aguardaba la grabación de "Mi noche triste", con letra de Pascual Contursi, ese mismo 1917, pese a que su identidad tanguera no estaba definida. Fue recién tras una gira a Francia, en 1924, junto a José Razzano, cuando se inicia su explosión tanguera. Pero a la fecha de la visita a nuestro país, la industria del tango estaba en un proceso de gestación; había contados compositores, como Celedonio Flores y Ángel Gregorio Villoldoy, mucho menos orquestas típicas, con la sola excepción de Roberto Firpo", precisa Salazar.

El look del mismo Gardel, que en ese entonces tenía 27 años, estaba lejano del galán de "El día que me quieras", como apunta Salazar: "Era más bien un tipo con algo de sobrepeso como se puede constatar en las imágenes de 'La Flor de Durazno', donde exhibía una silueta que se acercaba a los 120 kilos. Aunque en la fotografía del teatro royal su figura había mejorado ligeramente. Verse así en pantalla también influyó en la preocupación de su aspecto, donde incluiría con el paso de los años rutinas de ejercicio, el gel en el pelo y el uso de cremas faciales, por ejemplo", explica el experto.

Roxana y la destreza con los pies

Valparaíso había sido víctima del terremoto de 1906, que lo había dejado prácticamente en el suelo y, en ese contexto, de una ciudad todavía reconstruyéndose, Gardel abre su gira de actuaciones por Chile, el 29 de septiembre, con una actuación muy celebrada en el Teatro Colón de Valparaíso -inaugurado en 1909-, donde compartió escenario con la tonadillera Roxana y el músico Félix Scolatti Almeida. "Cantor eterno", "Entre colores", "Amargura", "El gato" y "La pastora" fueron algunos de los temas interpretados. Completó la maratónica función en el viejo Colón, de la calle Pedro Montt, una orquesta de 15 profesores y el guitarrista José Ricardo. Y como la irrupción del cinematógrafo ya era un suceso en esos tiempos, era curioso que las presentaciones de los cantantes fueran matizadas con pausas en las que se exhibían cortos de Charles Chaplin.

Sobre el trabajo del dúo Gardel-Razzano en el Colón, El Mercurio de Valparaíso tuvo elogiosas palabras: "Los artistas, además de cantar tonadas argentinas, sentimentales algunas y graciosas otras, son aventajados concertistas en guitarra. Al final de cada una de las que cantaron anoche recibían verdaderas manifestaciones de aplausos. El público quedó gratamente impresionado. Y como se trata de un espectáculo ameno y culto las familias acogieron con sumo agrado", relató el matutino porteño.
El positivo desempeño en el Teatro Colón precedió su actuación en el Teatro Olimpo de Viña del Mar, que era un recinto destinado a la presentación de operetas. La dupla cantó y encantó con sus canciones y Gardel cumplió con lo que rezaba el programa ese día: bailar un tango con la cantante Roxana. "Montevideo", de Roberto Firpo, fue la pieza escogida con la que Gardel demostró que, además de poseer una muy afinada garganta, era también un diestro ejecutante de un baile sensual, por esos años controvertido, que incluso había recibido la condena del Papa Pío X. "Gardel conoció el mundo de los bajos fondos, tenía picardía y recorrido en las lides del 'lado oscuro de la fuerza' como se diría hoy, probablemente", acota Salazar, sobre la destreza del Morocho del Abasto con los pies. En todo caso, el baile de tango en público podría interpretarse como un regalo del cantante que nunca más repetiría, solo en la intimidad de grupos de amigos.

 La placa de calle Huérfanos

En Santiago, entre la segunda mitad de octubre y la primera quincena de noviembre de 1917, se presentó con bastante éxito en el Teatro Royal, como lo constató la revista "ZigZag" en su comentario de espectáculos: "El dueto Gardel-Razzano se hizo acreedor al bis, en sus hermosas canciones criollas, siendo muy aplaudida una cómica del señor Gardel... en estas figuras artísticas hay mucho que aplaudir, tienen temperamento y originalidad... es de notar el esfuerzo que los artistas sin excepción gastan por complacer al público, el que manifiesta insistentemente su agrado con nutridos aplausos y pidiendo canciones fuera del programa de cada noche, deseos a que acceden amablemente los artistas solicitados. Y todo esto, sin play-back ni amplificación. Sencillamente, consumiendo el principal patrimonio del cantante, su propia voz", dijo el medio en esa oportunidad.

Una placa de mármol donada por la Embajada de Argentina -con motivo de los 50 años de la muerte de Gardel- en la entrada de la calle Huérfanos 1044 del centro santiaguino, donde antes estuvo el Teatro Royal -transformado posteriormente en el cine Miami, que desapareció a comienzos de 1960-, es el único vestigio de la presencia de Gardel en la capital, quien, en sus tiempos de ocio, mate en mano recorría, junto a Razzano, los boliches de la periferia santiaguina y sectores rurales como Las Condes, Buin y Paine, probando la chicha, el mote con huesillos, los vinos y, cómo no, seduciendo mujeres con su aplaudida labia. Esas correrías de la dupla fueron productivas para sacar versos y melodías y crear nuevas canciones para su repertorio.

Durante su trayectoria posterior de gran estrella, Chile estaría inevitablemente relacionado con la carrera de Gardel, compartiendo roles, por ejemplo, con Francisco Flores del Campo -actor y autor de "La Pérgola de las Flores"- en la película "El día que me quieras". Gardel también habría tenido la intención de grabar el tango "El Carillón de La Merced", de Santos Discépolo, pero su muerte impidió que lo concretara. Y lo que tristemente sí vincula a Gardel con otro nacional fue con motivo de su gira a Medellín, en junio de 1935, organizada por Celedonio Palacios, quien compró el boleto e instó a Gardel a subirse al fatídico avión donde ambos murieron. Cuenta la leyenda que en unas cartas fechadas pocos días antes del accidente aéreo, Palacios le dijo a su mujer que Gardel lo tenía aburrido: "Hay que zafarse de Carlitos y su compañía. En este momento que te escribo lo tengo al lado mío, dándome la lata, pues conociéndolo de cerca, es el hombre más divertido y más ingenuo que uno pueda darse cuenta", dice la cita. Pero esa, por cierto, es otra historia.

Placa en Pase Huérfanos

De Clapton a Morricone: Los documentales musicales que vienen

El Mercurio

La historia de la voz de "Layla" llega este mes al cine en EE.UU. y la del genio de las bandas sonoras se proyecta para 2018. Mañana se estrena en Santiago la caótica vida de Iggy and The Stooges.  

Por JOSÉ VÁSQUEZ

La cartelera cinematográfica sigue abundante en biografías musicales, con esperados trabajos en producción, algunos a punto de estrenar en el mercado anglo y otros que, con retrasos de un año, al fin llegan a las salas chilenas.

Este domingo y como parte de Fidocs se proyectará "Gimme Danger" (2016), la película que resume el caos y la distorsión de Iggy and The Stooges, la banda de Detroit que pavimentó el camino que explotaría con el punk en los 70.

Dirigida por Jim Jarmusch -quien retrató a Neil Young de gira con los Crazy Horse en "Years of the Horse" (1997)-, el filme aborda, a través de archivos de TV, prensa escrita y entrevistas con su líder, Iggy Pop, el golpe adrenalínico que le dieron al rock a finales de los 60 con sus provocadoras presentaciones en vivo.

"Eric Clapton: Life in 12 Bars" , que cuenta la vida de "mano lenta", tuvo su estreno en el Festival de Cine de Toronto en septiembre pasado y ahora tendrá una breve muestra por las salas de Nueva York y Los Angeles, este 24 de noviembre.

Con Lili Fini Zanuck -productora de "Conduciendo a Miss Daisy"- en la dirección, la película, que llegará a la televisión el 10 de febrero, a través de Showtime, narra la vida del músico a través de su carrera tanto como solista, como en sus pasos por bandas como The Yardbirds, Cream y Derek and The Dominos, entre otras, y también repasa su vida personal marcada por la desgracia: su difícil infancia, su lucha contra el alcohol y las drogas, y la muerte accidental de su hijo que retrató en su canción "Tears in Heaven".

El genio de las bandas sonoras, Ennio Morricone, será homenajeado en 2018 en su cumpleaños número 90 -ayer cumplió 89-, con "The Glance of Music" , documental del director Giuseppe Tornatore ("Cinema Paradiso"), con quien ha trabajado musicalizando nueve de sus películas. En el proyecto han participado artistas como Bruce Springsteen, Joan Baez y Bernardo Bertolucci, con relatos que se conectan con entrevistas al mismo Morricone. El filme podría estrenarse en el próximo Festival de Cannes.

Para fines de 2018 también se proyecta el estreno de "Bohemian Rhapsody" , la cinta biográfica de Freddie Mercury, dirigida por Bryan Singer y protagonizada por Rami Malek ("Mr. Robot") en el papel del cantante de Queen. La película se comenzó a filmar en septiembre último, recreando la recordada actuación del músico en el Live Aid de 1985 en el Estadio de Wembley.

La última grabación de George Michael

El 16 de octubre se estrenó en Inglaterra "Freedom", el documental emitido por el Channel 4 británico, que repasó la vida del artista y que estuvo grabando hasta dos días antes de su muerte, el pasado 25 de diciembre. En él participaron cantantes como Stevie Wonder y Tony Bennett.

Las luces y sombras de Chavela Vargas se proyectaron en la aplaudida "Chavela" , cinta dirigida por Catherine Gund y Daresha Kyi, que retrata el recorrido de la artista mexicana desde sus canciones, donde tenía admiradores como Pedro Almodóvar, hasta su vida personal, abordando su lesbianismo y sus excesos con la bebida. Se estrenó en Alemania, en agosto pasado.

jueves, noviembre 09, 2017

El Instituto Nacional sumará 1.160 butacas al teatro local

El Mercurio

El nuevo Centro de Extensión del establecimiento incluye seis salas en cinco niveles de construcción y se inaugurará el 15 de noviembre. Desde la Municipalidad de Santiago pretenden crear un modelo de gestión para hacerlo sustentable.  

Por Eduardo Miranda 

El eje escénico de la Alameda comienza a ampliarse. Espacios como el Teatro Nacional Chileno, el Camilo Henríquez, el Teatro Coliseo y el Centro GAM, entre otros, están ubicados a pasos de la principal avenida de Santiago y se han convertido en un importante polo cultural y de entretenimiento. Este semestre se sumará un nuevo recinto que agregará 1.160 butacas a la plaza teatral capitalina: se trata del Centro de Extensión del Instituto Nacional, un espacio que esperaba su habilitación desde hace cinco décadas y que finalmente verá la luz el 15 de noviembre.

"Es el pago de una deuda. El edificio comenzó a construirse el año 1963 y siempre estuvo contemplada la apertura de un gran teatro que se fue postergando", dice el rector Fernando Soto y luego agrega: "Era una aspiración soñada por decenas de generaciones, y contar con este espacio va a extender la formación de nuestros alumnos y la contribución que ha hecho el colegio en sus 204 años de historia".

El recinto, que por décadas fue conocido como "las catacumbas", hoy contiene un teatro con capacidad para 800 personas, en dos plateas. Además tiene un recinto de cámara para 220 personas y otras dos salas de proyecciones, para 70 personas cada una. Incluye dos espacios de exposiciones para artes plásticas y un sector de oficinas. En total son 5.780 metros cuadrados construidos y distribuidos en 5 niveles.

El colegio en conjunto con la Municipalidad de Santiago están estudiando un modelo de gestión para administrar este nuevo recinto. "La idea es que sea un centro de extensión abierto a la comunidad. Que los institutanos lo sientan propio, pero también la comunidad en general", dice el alcalde Felipe Alessandri y agrega: "Planeamos un modelo de gestión que lo haga sustentable. Pensamos en una corporación donde esté representada la comunidad escolar y también la municipalidad en su rol de sostenedor".

Las autoridades calculan que el costo de manutención mensual del nuevo centro de extensión está cercano a los $300 millones."Con este centro se busca generar y garantizar el acceso de toda la ciudadanía, espacios de debate, reflexión y educación. Un lugar desde donde incentivar la creatividad, la integración social", explica Jorge Canto, presidente de la Corporación Cultural y Educacional del Instituto Nacional, una organización conformada por ex alumnos que ha estado detrás del proyecto.

Para desarrollar el modelo de gestión, las autoridades se han asesorado por la administración del Teatro Municipal de Santiago, con quienes han sostenido diversas reuniones. Por estos días planean la inauguración, a la que ya fue invitada la Presidenta Michelle Bachelet. "La envergadura de estas obras obligan a pensar que la responsabilidad del Instituto es enorme y que asumimos con muchas ganas. También creemos que lo que se ponga sobre este escenario debe extenderse más allá del propio Instituto", concluye el rector.

Superficie y Stgo. a Mil

El teatro principal tiene una capacidad para 800 personas. El escenario tiene 14 metros de alto; 12,6 metros de boca y 10,6 de fondo. El Festival Stgo. a Mil ya agendó presentar tres obras en este nuevo recinto durante enero de 2018.

DJ chileno presentará show sinfónico en Creamfields

El Mercurio

Francisco Allendes montará este domingo un espectáculo que mezcla electrónica con instrumentos clásicos y música de cámara.  

Por Raimundo Flores 

La escena de la música electrónica en Chile ha tenido un gran crecimiento en los últimos años. Este desarrollo ha ido a la par con un aumento del público que sigue este tipo de música, el surgimiento de cada vez más artistas y la llegada de nuevas propuestas que buscan refrescar el género. Una de estas es la que trae Francisco Allendes, DJ chileno que tocará el domingo en el festival Creamfields que se realizará en el Club Hípico y que presentará "Allendes Orchestra", un show en el que fusiona música electrónica con instrumentos reales, entre los que se incluyen un cuarteto de cuerdas, un sintetizador, un piano, un saxo, un bajo y una batería.

Allendes, quien vive hace seis años en Ibiza, vuelve a los escenarios chilenos con este proyecto que fue creado especialmente para la ocasión. La idea mezcla dos anteriores propuestas instrumentales que el DJ había presentado, una más enfocada en la música clásica y otra con una base rockera. "A la gente le encanta, el instrumento tiene una magia que llama la atención, las tres veces que hemos hecho algo parecido ha sido increíble, aunque ninguna ha sido de la dimensión que va a hacer ahora", cuenta el DJ.

Sobre sus motivaciones para montar este novedoso proyecto, Allendes explica: "Una parte muy divertida de la música es tocar en grupo pero en la electrónica es complicado hacerlo. Tocar música en grupo significa improvisar, comunicarse. Esa diversión de la creación instantánea no se puede lograr siendo DJ. Además, musicalmente es más rico".

Acerca del show, que se realizará desde las 17:00 hrs en el escenario de Budweiser, Bud Lab, Allendes adelanta: "El núcleo es tech house y arriba va a haber improvisación. El pianista es más jazzero, el tecladista es mas psicodélico y el cuarteto es más clásico".

Desde que vive en Ibiza, una de las capitales mundiales de la electrónica, Allendes es DJ residente de Ushuaia, uno de los clubes más prestigiosos a nivel global. Además, en los últimos años ha tenido la posibilidad de presentarse en distintos festivales de Europa, destacando su participación en la última edición de Tomorrowland Bélgica, el festival de electrónica más grande del mundo.

Mañana y el sábado: Hermeto Pascoal saluda los diez años de jazz en San Bernardo

El Mercurio

Didier Lockwood y Kevin Turcotte también marcan el festival en el parque García de la Huerta. 

Por IÑIGO DÍAZ

"Yo sigo aquí en la lucha, esperando vivir 500 años", había dicho en 2013 el indescifrable músico brasileño Hermeto Pascoal, previo al concierto que dio con Aline Morena, su novia 42 años menor, en el Teatro Nescafé de las Artes. Rumbo a los 500 años de edad, un Hermeto de 81 vuelve a Chile como protagonista del San Bernardo Jazz Fest, que se realiza mañana y el sábado en jornadas gratuitas en el parque García de la Huerta de la comuna.

Es la décima versión del encuentro, que en este período de acción se ha convertido en el segundo festival santiaguino de jazz, detrás del de Providencia, en el Parque de las Esculturas en enero. Principalmente por sus invitados: Branford Marsalis, Dave Holland, Ravi Coltrane o Pat Martino. También por la experiencia que ha significado abrir ese parque patrimonial al público del polo sur capitalino: cinco mil personas asisten cada día a sus tres conciertos.

Pascoal cerrará la primera jornada junto a su sexteto de fusiones inauditas, aunque en la banda no figura Aline Morena. "Hermeto toca sintetizador, flauta baja y acordeón de la música nordestina. También sopla una tetera y percute otros trastos", señala el músico Nelson Laplagne, curador del festival. "Él está muy activo, pues editó dos discos este año, uno con su big band y 'No mundo dos sons', el que viene a mostrar", agrega.

Los conciertos de mañana incluyen al grupo argentino de tango y fusiones con jazz y música de cámara Altertango, junto a la cantante Francesca Ancarola. También tendrá su hora el histórico saxofonista alto Patricio Ramírez, quien celebra seis décadas de música desde que comenzó a tocar en el Club de Jazz en 1957. Ramírez, quien fuera solista del Nahuel Jazz Quartet en los años 60, se encuentra grabando dos álbumes para el sello Decibelio Records.

El sábado, el cellista Nelson Arriagada presenta a su nuevo septeto, para finalizar el festival con dos nombres internacionales que encabezan homenajes: el trompetista canadiense Kevin Turcotte recupera el repertorio de Chet Baker, mientras el famoso violinista francés Didier Lockwood desenchufa su instrumento para tocar en trío a la manera manouche y celebrar al legendario Stephane Grappelli, su descubridor.

Dos grandes apuestas por la música chilena

El Mercurio

Nicolas Rauss se atreve a hacer Wagner con la Sinfónica Nacional Juvenil y la Estudiantil Metropolitana, desde hoy. Y el próximo miércoles estrena el Concierto para piano de Aliocha Solovera con la Orquesta Usach.  

Por Romina de la Sotta Donoso 

Nicolas Rauss protagoniza dos hitos de la música chilena. Esta semana mostrará al público la madurez interpretativa que han alcanzado la Orquesta Sinfónica Nacional Juvenil (OSNJ) y la Orquesta Sinfónica Estudiantil Metropolitana (OSEM), y cuán lejos pueden llegar en términos de repertorio.

Y la próxima semana estrenará con la Orquesta Usach el Concierto para piano de Aliocha Solovera, uno de los más respetados, influyentes y talentosos compositores chilenos.
En ambos casos, además, trabajará con virtuosos solistas nacionales.

Desde hoy y hasta el domingo, Rauss dirigirá a 109 instrumentistas menores de 23 años. "Estos jóvenes parecen no tener límites; puedes tomar cualquier pasaje de una partitura y profundizar en su entendimiento sicológico, musical y artístico sin límite alguno, es un proceso infinito y fascinante", asegura.

Podrán demostrarlo ahora que abordarán a uno de los grandes: Wagner. Tocarán selecciones de la ópera "Los maestros cantores de Núremberg" y también los "Wesendonck Lieder", con la soprano Paulina González como solista. Ella dice que "estas canciones tratan las dudas existenciales del ser humano, y su mayor exigencia es de sentido musical; cómo traducir esa profundidad en una interpretación honesta. Wagner es un compositor que una siempre codicia, porque es música preciosa".

La OSNJ y la OSEM, además, estrenarán "Díptico", obra de Fernando García en homenaje a Fernando Rosas, a diez años de su muerte, y cerrarán con "Los pinos de Roma" de Respighi.
Serán cuatro funciones, tres gratuitas: hoy en el Teatro Municipal de Ñuñoa, mañana en el Centro Cultural de Lo Prado y el domingo en Corpartes. La única pagada es el sábado en la U. Santa María, en Valparaíso (Foji.cl).

Escritura perfecta

El próximo concierto de Rauss y la Orquesta Usach será el miércoles 15, en el Aula Magna Usach (Ecuador 3659, 19 horas, gratis), y también el ensayo del martes será abierto (16 horas). El programa tendrá las tres especialidades del conjunto: un emblema del clasicismo, una pieza del siglo XX y una obra chilena nueva.

Se les sumará, como solista, el virtuoso pianista Luis Alberto Latorre en dos de ellas. Primero, Kammermusik N° 2, Op. 36, N° 1, de Hindemith. Y luego, el estreno absoluto del Concierto para piano que Rauss y Latorre le comisionaron a Aliocha Solovera, una de las grandes voces de la composición chilena actual.

"Dejé el título de Concierto para piano, una denominación un poco tradicional, porque, pese a que está en un solo movimiento y no en tres, la relación que hay entre el piano y la orquesta es bastante apegada a la tradición concertante, hay diálogos, momentos en que la orquesta acompaña al piano, una cadenza e interludios orquestales. También he buscado un equilibrio formal y cierta transparencia orquestal propios del período clásico", comenta Solovera.

Rauss destaca la "escritura perfecta" de Solovera y que la pieza exuda "cierta sensualidad del sonido". "Es una obra intimista y poética, construida con pequeñas impresiones de sonidos que se van hilvanando".

El cierre será con la Sinfonía N° 60, "Il distratto", de Haydn, un emblema del clasicismo, máxima especialidad estilística de la Orquesta Usach. "Es excepcional en el universo de 15 mil sinfonías que existen en el mundo. Tiene 6 movimientos y cambia de cara a cada vuelta de página, saltando de una imponente majestuosidad a la más atormentada pasión, pasando por momentos de humor, fanfarrias amenazantes y melodías de lamento", enfatiza Rauss.

Podcasts locales son una alternativa en el streaming

El Mercurio

Distintas aplicaciones móviles están incluyendo producciones nacionales y Spotify trabaja en contenidos especiales para Latinoamérica.  

Por Martín Cifuentes Fuentes 

El podcast , la distribución y difusión de programas de audio a través de redes e internet, volvió a reactivarse. Ahora, la fiebre de las producciones realizadas especialmente para descarga o escuchar en línea ha tomado fuerza en el territorio nacional y Latinoamérica. Hace dos semanas, Claro Música agregó una plataforma para este tipo de contenidos y, desde la popular aplicación Spotify, confirman que están en pleno desarrollo de los propios.

En 2016 la serie de audio descargable "Serial", inspirada en el caso real del asesinato en Estados Unidos de una estudiante surcoreana en 1999, masificó el formato. La producción se convirtió en la que más rápido consiguió 5 millones de descargas en iTunes y la primera temporada superó los 80 millones en total. Con esa base, a fines del año pasado Amazon anunció una serie para la televisión sobre "Lore", otro hit de este estilo.

"Hay temáticas que son universales y, por eso, gustan y son atractivas", dice Nancy Castillo, directora y creadora de "Relato nacional", que hace dos semanas debutó en Claro Música y que incluye relatos reales de chilenos comunes y corrientes. Según la periodista, entre los contenidos que destacan y llaman a la audiencia están lo policial, el crimen y el sexo, entre otros. Particularmente, resalta la temática científica en Estados Unidos.

La realizadora destaca que parte del fenómeno se debe a que, con las nuevas tecnologías y plataformas, es más fácil generar contenidos y ponerlos en línea. "Esto no es algo que se pueda escuchar al instante, como en una radio, porque necesitas posproducción", afirma Castillo, quien realizó la primera temporada de su programa con crowdfunding (financiamiento colectivo). "A pesar de eso, hay algunos proveedores de entretención, como las radios, que están convirtiendo sus programas en podcasts , porque entendieron que hay un concepto parecido a Netflix", complementa la periodista, que pretende lanzar la segunda temporada de "Relato..." antes del próximo mes.

Entre las radios que transformaron sus programas del día a día en contenido descargable está Agricultura. "La gente quiere determinar qué escuchar y cuándo hacerlo", afirma Luis Langlois, gerente general de la emisora.

Actualmente, la radio se concentra solo en potenciar sus programas, pero no descartan realizar espacios especialmente para la descarga. Según el ejecutivo, empezaron con esta modalidad hace cinco años, pero recién "comenzó a despegar en los últimos dos". "La ventaja de esto es que puedes escuchar y estar haciendo otra cosa. Además, está el tema de la imaginación y compañía. Por eso los podcasts van en aumento", afirma Langlois.

En el caso de "Sinopsis", proyecto apoyado por el Consejo Nacional de la Cultura y las Artes, son cápsulas con entrevista a guionistas del mundo audiovisual, entre ellos Julio Rojas ("En la Cama"), Diego Ayala ("Sin Filtro"), Valeria Hofmann ("Prueba de Actitud"), Mateo Iribarren ("Tony Manero") y Daniel Castro ("31 Minutos"), entre otros.

"Es un formato que puede ayudar mucho a la sociedad actual e inventamos 'Sinopsis' para ayudar a que el formato llegue a Chile", dice el realizador Antonio Luco, que tuvo la idea luego de vivir un tiempo fuera del país. "Scriptnotes", "Here's the scene" (con Alec Baldwin), "Fresh air" o "2 dope queen" son algunos de los podcasts que Luco destaca. A nivel local, resalta el proyecto de "Las raras podcast ", con historias del Chile actual. "La gracia de esto es que uno puede encontrar ciertos contenidos con los que ya estás sintonizado y elegir", afirma.

Aplicaciones como IVoox o Stitcher son algunas de las más tradicionales, aunque también está Podium Cast, que contiene audios en español. Plataformas como Spotify, que antes tenía solo "canales" en inglés, de contenido europeo o de Estados Unidos, está trabajando en programas para Latinoamérica, pero por estrategia comercial afirman que aún no entregarán información.

sábado, noviembre 04, 2017

Muere María Martha Serra Lima, la poderosa voz del bolero argentino

El Mercurio

En mayo se había presentado por última vez en Chile. Tenía 72 años y según le contó entonces a "El Mercurio", no estaba en sus planes abandonar los escenarios. "Mientras no me falte la voz, seguiré cantando", dijo.  

Por Patricio Zenklussen Franco 

Estuvo internada durante un mes en Miami - la ciudad donde residía-, cuando durante una compleja operación a la columna realizada a fines de septiembre, los médicos descubrieron un cáncer al páncreas. María Martha Serra Lima, la voz ronca y poderosa del bolero trasandino, falleció el jueves a los 72 años por la fulminante enfermedad.

En los últimos años, el sobrepeso que sufrió durante toda su trayectoria comenzó a pasarle la cuenta. Para movilizarse utilizaba un bastón y desde hacía un tiempo que en el escenario actuaba sentada.
Sin embargo, las cuestiones físicas nunca fueron un impedimento artístico para Serra Lima: "Mientras no me falte la voz, seguiré cantando", contó a "El Mercurio" previo a su última actuación en Santiago, del 31 de mayo en el Teatro Nescafé de las Artes.

Gloria Simonetti asegura que la cantante representa el triunfo del talento por sobre la imagen: "Fue una mujer que tuvo que luchar contra prejuicios surgidos de su problema de peso, algo complejo en un mundo tan hedonista, rápido y banal como en el que vivimos. A pesar de esto, ella logró salir adelante en base a talento y hacer que la gente recordara su identidad".

La voz de "Soy como toda mujer" grabó más de cincuenta discos, muchos de ellos certificados de oro y platino. Vivió su auge artístico durante los años 80, con su versión de "A mi manera" como máximo éxito. Durante la siguiente década también obtuvo buenos resultados, especialmente en sus colaboraciones con el Trío Los Panchos.

Su timbre grave y melodioso se convirtió en su principal característica. "Fue una mujer que impuso un estilo que era muy personal. Uno podía distinguirla dentro de muchas cantantes", dice Patricia Maldonado sobre ella.

Uno de los momentos más memorables de Serra Lima en suelo chileno fue en 1985, cuando participó del Festival de Viña del Mar como artista y jurado de la Competencia Internacional. Andrea Tessa, que ejerció el mismo rol en el certamen junto a ella, la recuerda como una persona "encantadora y muy terrenal". "La admiré siempre. Su calidad vocal se distinguía a la primera nota", cuenta. Antonio Vodanovic, animador del evento en esa época, la describe como "una artista que pese a toda su trayectoria seguía siendo tremendamente humilde".

Ayer en Argentina, las figuras del espectáculo la recordaron en las redes sociales. El dúo Pimpinela, Valeria Lynch, Anamá Ferreyra, Luciana Salazar, José María Listorti e Iliana Calabró fueron algunos de los que dedicaron palabras a la artista. Moria Casán escribió a través de Twitter: "Honor haber compartido el escenario con una persona y compañera maravillosa". El coreógrafo y director Flavio Mendoza -que trabajó con la cantante en la obra teatral "El gran Burlesque"- compartió una fotografía de ella y su madre junto a la frase: "Hoy otro ángel se fue al cielo".

Al mar caribeño
El representante de Serra Lima informó que sus restos serán cremados y lanzados al océano.

Cheap Trick trae sus clásicos de vuelta a Chile

El Mercurio

El Solid Rock tuvo un cambio obligado en su alineación. El festival de viejas glorias, que se realizará el 8 de diciembre, en el Movistar Arena, debió lamentar ayer la baja de Lynyrd Skynyrd, banda que canceló su participación porque Johnny Van Zant, el vocalista del conjunto, estará dedicado en los próximos meses a acompañar el tratamiento de su hija, aquejada de una agresiva enfermedad, según informaron a través de un comunicado.

Los dueños de éxitos como "Free Bird" y "Sweet Home Alabama" serán reemplazados por Cheap Trick en la gira latinoamericana del espectáculo, que incluye también conciertos en Brasil y Argentina. El resto del cartel del evento se mantiene igual, con Deep Purple y Tesla.

Robin Zander, la voz de "Surrender", señaló en el mismo comunicado que lamentaba las circunstancias en las que se unían al tour , pero que estaban entusiasmados con regresar a Sudamérica.

Cheap Trick ya había actuado en Chile en 1990, cuando se presentaron en el Festival de Viña del Mar.

jueves, noviembre 02, 2017

Sonora Palacios celebra 55 años y planea gira sinfónica

El Mercurio

La agrupación, iniciadora de la cumbia chilena, lanzará su nuevo álbum en diciembre y prepara un long play de grandes éxitos.  

Por Martín Cifuentes Fuentes 

Al éxito mundial de "Despacito" no tardaron en sumársele nuevas versiones, incluso locales. Entre ellas estuvo la de la Sonora Palacios, que personalizó la sonada canción de Luis Fonsi y Daddy Yankee. Es parte de un período activo para la agrupación, que celebrará en diciembre sus 55 años de trayectoria con un nuevo álbum, una gira sinfónica y un vinilo con grandes éxitos que planean lanzar en marzo.

"Estoy acostumbrado a esto ya", dice Marty Palacios, director y fundador de la agrupación. "Es toda una vida y ya soy un hombre de la noche". Trompeta de la banda, está sentado en el restaurante "El Rincón de la Sonora Palacios", en San Bernardo. "Este era uno de nuestros sueños, porque acá tenemos un lugar donde la gente puede encontrarnos. Es como se hacía antiguamente con las bandas en la 'Taberna Capri' o en 'El Pollo Dorado'", explica.

Su versión de "Despacito" fue, prácticamente, un encargo. "El sello nos la pidió y la hicimos en una semana. En cuanto a interpretación es un poco plana, así que tuvimos que pensarla bien. No quedé muy conforme", revela el músico.

Esta reversión se sumará a otros cuatro temas inéditos en el nuevo álbum, que además incluirá un mix de presentaciones en TV - playbacks que han grabado para programas a los que han asistido- y canciones navideñas.

El líder de la Sonora Palacios, reconocida por "La mafafa" o "La peineta", aclara que quieren concretar la presentación sinfónica que están organizando desde hace unos meses. "Lo han hecho otros artistas, pero para nosotros sería lo máximo. Haremos los temas principales y los arreglaremos para eso", cuenta sobre las presentaciones que planean hacer en diversas ciudades de Chile.

Cumbia reciente

Este iniciador de la música tropical en Chile asegura sentirse orgulloso de ser una influencia para las nuevas agrupaciones. "Se nos acercan y nos dicen que sus papás tenían nuestros long play en la casa. Pero no me gusta la presentación de algunos, porque como llegas es como suenas... Y si llegas desordenado, es lo que eres, ¿Qué les cuesta una camisita? El público se merece el respeto. Eso se ha perdido", afirma Palacios.

Por su banda han pasado tres generaciones de músicos. Marty es uno de los originales. "Ya tengo mis años, pero qué mejor que mi hijo para seguir. Qué mejor que mi mismo apellido. Llegará el momento en que no pueda seguir, pero el grupo seguirá otros 50 años, porque mi hijo, nieto y bisnieto ya están en la música. Mi nieta igual. Esto no se acaba", dice.


Rettig regresa con "Aida" al Municipal

El Mercurio

Desde el 4 de noviembre conducirá a la Filarmónica de Santiago (elenco internacional) en esta popular ópera de Verdi, con régie de Hugo de Ana. 

Por Maureen Lennon Zaninovic

En 1984 fue la última vez que dirigió una ópera en el Municipal de Santiago. El director chileno Francisco Rettig condujo a la Filarmónica en "Tosca", de Puccini. "Mira las coincidencias, porque 33 años después vuelvo a este escenario nuevamente con De Ana", señala en un camerino del teatro de Agustinas.

Rettig, una de las batutas nacionales con mayor proyección internacional, es parte del equipo de una superproducción: "Aida", de Verdi, que llegará al coliseo capitalino a partir del 4 de noviembre en una puesta en escena a cargo del régisseur argentino. Se trata de una versión revisada y actualizada de una de las óperas más populares del compositor de Busseto y que Hugo de Ana estrenó con gran éxito en el Teatro Real de Madrid, en 1998. "Aida", además, cerrará la temporada lírica 2017.

"Este reencuentro con De Ana me ha permitido confirmar el gran artista renacentista que él es. Es un creador extraordinario. Su conocimiento musical es impresionante, lo mismo que su exquisito gusto escenográfico. De lo que ya he podido ver, su puesta en escena es visualmente impactante. La tecnología que emplea, la multimedia hace que la escena alcance una tercera dimensión. Me he tocado participar en otras producciones de esta ópera de Verdi pero, sin duda, esta ha sido la más espectacular", advierte el director.

Formado en Alemania y con una reconocida trayectoria, actualmente el músico chileno es batuta titular de las orquestas Filarmónica de Medellín (Colombia) y Clásica del Maule. Cuenta con una intensa agenda de presentaciones por toda Latinoamérica y en 2016 -entre otros hitos- condujo la ópera "Fidelio", de Beethoven, en el Teatro Colón de Buenos Aires. Con todos esos pergaminos, no deja de sorprender su ausencia, en los últimos años, de los principales escenarios de nuestro país.

Sobre su alejamiento por más de tres décadas del coliseo de Agustinas, Rettig prefiere no ahondar demasiado en lo que pasó. Fue Frédéric Chambert, actual director del Municipal de Santiago, quien lo llamó a Medellín para integrarse a las temporadas de óperas y conciertos. Ya tuvo un apronte en marzo de este año con la Cuarta Sinfonía de Bruckner.

"Me encontré con una muy buena y flexible Orquesta Filarmónica de Santiago, con pocos músicos antiguos y varios nuevos. Hoy es una orquesta multirracial. Al primer oboe Jorge Pinzón ya lo dirigí en Colombia, que es como mi segundo país", señala. Rettig solo tiene halagos para Medellín, hoy su principal sede artística, junto a Buenos Aires (Argentina). "Pasó de ser una de las ciudades más violentas del mundo, en la década de los 80, a ser una de las más innovadoras. Botero donó sus esculturas y está el aporte de nuestros músicos", dice.

Francisco Rettig considera que "Aida" es una de las cumbres de la lírica italiana. "Acá hay temas melódicos identificados con los personajes y eso es un aporte. La orquesta comenta la acción dramática. Hay varios ejemplos de ello, como el terceto del primer acto, cuando aparece Amonasro o en la escena del Nilo, donde la orquesta revive el sonido del agua".

De la Marcha Triunfal advierte que "es un pasaje importante y de gran despliegue. Pero cuidado, 'Aida' tiene otros pasajes más íntimos y que son igualmente valiosos, como la salida de los esclavos prisioneros".
El elenco internacional lo conforman, entre otros, Cellia Costea (Aida), Alfred Kim (Radamés) y Vitaliy Bilyy (Amonasro).

Margarete Joswig en su regreso al canto: "¿Realmente piensan que la ópera debe mantener las apariencias?"

El Mercurio

Por Juan Antonio Muñoz H.

Después de algún tiempo fuera de los escenarios, ha regresado de lleno al canto la mezzosoprano alemana Margarete Joswig, una artista fina y sensible, dueña de un material vocal de gran interés, quien desarrolló su carrera en Saarbrücken y Stuttgart, donde interpretó música muy variada, desde Bach a Wagner. Aunque ya el año 2016 tuvo su reingreso en el rol de la Madre de "Hansel y Gretel" (Humperdinck) y alguna función de "La Walkyria" (Wagner) en la piel de Fricka, esta temporada ya se encuentra en plena actividad, con recitales de Lieder y producciones operáticas.

El proceso de retomar el canto lo inició en 2014: "Cuando decidí volver, un nombre surgió de inmediato: Margreet Honig. La conocí hace años en Munich en la boda de unos amigos y ella me invitó a ir a Amsterdam a tomar clases de canto, pero nunca fui. Luego, en 2014, participé en una clase magistral suya y desde entonces estuvimos seguras de que juntas podíamos hacer muchas cosas. Desde entonces, la visito en Amsterdam para trabajar técnica y repertorio. Ella me puso de nuevo, vocalmente, en mis pies y también en lo personal".

El martes 3 de octubre, Margarete ofreció, en Bad Urach, en el sur de Baden-Wurtemberg, un recital con Lieder de Robert y Clara Schumann: "Desde que era una niña, cantaba y amaba las canciones de Robert Schumann. Fue muchos años después que supe que su esposa era una compositora también. Para mí hay mucho de Clara en la música y las canciones de Robert, y viceversa. Me encanta la idea de que trataron de ayudarse mutuamente", dice.

-En "El ocaso de los dioses" (Wagner), usted acaba de cantar Waltraute, en Wiesbaden. ¿Cómo es "su" Waltraute? ¿Qué dificultades presenta?
"Para mí, Waltraute es un poco Brünnhilde (se refiere a la protagonista femenina de la "Tetralogía" de Wagner). La parte es muy exigente debido a su amplio registro. Siempre he tenido notas graves muy buenas y ahora puedo usarlas, lo que es muy divertido. La conversación que ella tiene con Brünhilde es muy intensa y es un gran desafío mostrar lo profundamente conmovidas que están de encontrarse después de tanto tiempo. Pero el mundo ha cambiado y no hay vuelta atrás. No es solo una disputa respecto del anillo; es también una lucha entre el pasado y el futuro".

-¿Qué desafíos representa "Wildschütz" (El cazador del bosque). Es una ópera cómica de Albert Lortzing poco conocida fuera de Alemania y usted cantará el rol de la Condesa en Munich en 2018.
"Bueno, en Alemania no hay un Rossini, así que vamos con lo que tenemos. Por supuesto, todas esas historias de la llamada Deutsche Spieloper son anticuadas y un poco extrañas, pero creo que la puesta en escena y los cantantes pueden hacer mucho para traer diversión".

-¿Qué piensa respecto del lugar que el teatro toma hoy al interior de la ópera? ¿Vivimos en el reinado de los régisseurs ?
"Esta es una pregunta muy difícil. Creo que existe la necesidad de desarrollar un enfoque diferente en las puestas en escena de óperas. Todavía estamos en este proceso y tal vez nunca terminará. Antiguo o moderno, para mí la calidad del producto es lo más importante. ¡Ser un régisseur en estos días debe ser muy difícil! Hay tantos colegas brillantes del pasado y los suelen comparar con ellos... Sentirse libre y ser creativo en estas circunstancias cuesta mucho. Tal vez eso mismo lleva a una presión por inventar algo que nunca antes se vio en un escenario y que podría ser provocativo. Pero sea como fuere la provocación, buena o mala, no es nada respecto de lo que les sucede a los hombres en la vida real, así que a veces me pregunto ¿por qué la audiencia parece estar tan sorprendida? En un mundo sin tabúes, ¿realmente piensan que la ópera debe mantener las apariencias?".

Carlos Cabezas: "Me cuesta creer que vayamos a decaer"

El Mercurio

El 3 de noviembre, con el lanzamiento de "Ex la humanidad", Electrodomésticos coronará el lustro más activo de su carrera, que el músico planea seguir extendiendo.  

Por Magdalena Bordalí 

De pronto, todas las ideas confluyeron en música. Carlos Cabezas, el líder de Electrodomésticos, cuenta que los últimos cinco años de la banda han sido "de un frenesí productivo", que se desencadenó tras el lanzamiento de "Se caiga el cielo" en 2013.

Desde entonces, la actividad del conjunto no se ha detenido: al año siguiente vino un EP, "El calor" y "Lost demos", que reunió material grabado antes de 1992. Además, este año editaron "Público", un disco en vivo con sus presentaciones en el Teatro Municipal, que reforzó el momento discográfico más activo en la historia del grupo.

"Se caiga el cielo" había llegado después de nueve años sin entrar al estudio y este viernes estrenarán su segundo material en menos de doce meses. "Las cosas están sucediendo así y me cuesta creer que vayamos a decaer, porque ya es parte de nuestras vidas", dice Cabezas. "Tocar es algo que te hace sentir vivo, además, ahora está mucho más clara la estética sonora del grupo", agrega. Electrodomésticos revelará a través de plataformas de streaming "Ex la humanidad", su nuevo trabajo compuesto por ocho canciones.

Según la voz de "Yo la quería", los nuevos temas "hablan de las reflexiones sociales en las que estamos metidos todos. Se cuestiona dónde va la humanidad y se hace preguntas acerca de la tecnología". Un trabajo que podría ser abordado como conceptual, pero que el cantante no quiere definir como una búsqueda tan gráfica. "Las composiciones reflejan experiencias de vida. Le tengo terror a estar describiendo la música, porque se le quita poesía o alcance. Si lo aterrizamos a un concepto, eso le quita el vuelo", recalca.

En "Ex la humanidad" el grupo trabajó con Héctor Castillo, productor que en su currículum cuenta trabajos con artistas tan variados como David Bowie, Gustavo Cerati y Miguel Bosé. También con el ingeniero en sonido Pablo Stipicic, quien le dio el sello nacional al disco.

En el futuro, Electrodomésticos tiene planes de tocar en vivo con más regularidad, aunque aún no definen dónde será el show de lanzamiento del disco, programado para los primeros meses de 2018. "Queremos hacer algo distinto, esperamos que haga suficiente ruido como para tocar en regiones y también fuera del país", dice Cabezas, quien añade que quiere extender esta racha compositiva con nuevos registros en el corto plazo.

Ernesto Holman celebra 20 años dedicado a la música mapuche

El Mercurio

Hoy en el T. Nescafé de las Artes.
La primera vez que tocó un ritmo de esta raíz fue en 1981, con el grupo Congreso, y hoy toda su vida gira en torno a esta música. 

Por IÑIGO DÍAZ

Ernesto Holman vivía en El Arrayán, a los pies del cerro Pochoco, cuando tuvo la primera de sus epifanías, según rememora a 20 años de ese acontecimiento. "Un chamán mexicano que había venido a Chile me sugirió hacer una vigilia, a las 3 de la mañana. Me paré en medio de la madrugada fuera de mi casa. Unos 15 minutos después, un arrebato impresionante me conectó con un estado que nunca había experimentado. Empecé a sentir tambores por todos lados, una cosa potentísima", recuerda el bajista, ex músico de Congreso en los años 80 y un pionero en las vanguardias musicales de la fusión en esa época.

Tiempo después, cuando ya llevaba semanas investigando esos ritmos con su instrumento de seis cuerdas, tuvo más visiones, ahora de mucha más nitidez. "Eran 12 mapuches frente a mí. Los vi como te veo a ti. Yo sé que muchos pueden pensar que es una sugestión o alucinación, pero yo no uso drogas ni nada. Todas las veces estuve completamente claro", dice.

Ernesto Holman experimentó así un giro absoluto que lo impulsó a trabajar en la música de inspiración mapuche -"los latidos de la tierra", como la llama- y también a vincularse con ese pueblo originario. Desde entonces es integrante de la comunidad Kallfulikan de La Florida, donde es pifilkero. Esa experiencia lo lleva ahora a un gran concierto que dará en el Teatro Nescafé de las Artes, para celebrar su nueva vida, iniciada hace 20 años.

Holman lidera nuevamente a su etnojazz trío, formado por Gustavo Cerqueiras (piano) y Josué Villalobos (batería), músicos con quienes ha desarrollado estas transformaciones de música y sonoridades contemporáneas, basada en los ritmos de choike purrún mapuche y, desde luego, la cueca. "El ritmo es la tierra. La cueca la toma prestada. Es el pulso del 6/8, presente en todo el hemisferio sur", explica.

Holman ha grabado en trío los discos "Reversiones" (2010) y "De raíz" (2016), que le significó el premio Pulsar en la categoría Fusión. Pero antes, Holman se había sumergido en la investigación de la música mapuche, representada en trabajos como "Ñamco" (2003), "Al vuelo del Ñamco" (2005) y "Mari tripantu" (2008), donde incorporó instrumentos como trutruka, trompe y kadkawillas.

Músicos de los ochenta lo acompañarán también en el escenario. El baterista Sergio "Tilo" González y los cantantes Pancho Sazo y Joe Vasconcellos, además del bajista Jorge Campos, su sucesor en Congreso. La celebración es en grande.



Muere el cantautor uruguayo Daniel Viglietti

El Mercurio

Producto de complicaciones originadas durante una operación quirúrgica, falleció el pasado lunes a los 78 años el cantante uruguayo Daniel Viglietti. Con una trayectoria de más de 50 años en la música popular de su país, Viglietti destacó por su fuerte compromiso con las causas sociales. El autor de canciones como "A desalambrar" y "Gurusito" se mantenía activo musicalmente, habiéndose presentado en Chile el pasado 16 de octubre en el Teatro Nescafé de las Artes.

La Tercera

Desde su juventud fue un artista con fuertes convicciones ideológicas de izquierda. Detenido en 1972 y liberado un año después, tras un reclamo liderado por figuras como Jean Paul Sartre, François Mitterrand, Julio Cortázar y Oscar Niemeyer. Se exilió en Argentina y Francia durante la dictadura uruguaya (1973-1985), y volvió a su país luego del retorno de la democracia.

El músico y compositor uruguayo Daniel Viglietti, un ícono cultural de la resistencia a las dictaduras en Uruguay y América Latina, falleció este lunes en Montevideo a los 78 años mientras era intervenido quirúrgicamente.

Viglietti, nacido en una familia de músicos, fue desde su juventud un artista con fuertes convicciones ideológicas de izquierda, convirtiéndose en referente del llamado canto de protesta durante la década de 1960.

Fue detenido en 1972 y liberado un año después, tras un reclamo internacional liderado por figuras como Jean Paul Sartre, François Mitterrand, Julio Cortázar y Oscar Niemeyer. Se exilió en Argentina y Francia durante la dictadura uruguaya (1973-1985), y volvió a su país luego del retorno de la democracia.

“A desalambrar”  es considerado uno de sus temas más emblemático y trascendió las fronteras de Uruguay. Junto a otros artistas uruguayos como Alfredo Zitarrosa, Los Olimareños y José Carbajal (“El Sabalero”), marcó una época en la canción de protesta de su país y la región.

“Creo que cada uno en su estilo estábamos haciendo cosas, y sin darnos cuenta, era un trabajo coral. Nos han clasificado como solistas, pero después la vida nos ha demostrado que cantábamos a coro sin saberlo”, dijo Viglietti en el 2015 en una entrevista con el diario uruguayo “La Diaria”.

Viglietti también imprimió su huella en múltiples colaboraciones con otros artistas, entre ellos el poeta uruguayo Mario Benedetti, interpretando “A dos voces”, un compendio de canciones y poesías de ambos.

En lenguaje simple, Viglietti dotó de letra, música y voz temas de alto contenido reivindicativo como “Canción para mi América”, interpretada y popularizada por la argentina Mercedes Sosa y más recientemente por el cantante de Café Tacuba, Rubén Albarrán.

Muere Daniel Lencina, trompetista mayor y más popular de Chile

El Mercurio

Radicado en Chile desde 1974 y con la nacionalidad adquirida en 2013, el famoso músico estaba retirado de la actividad por una grave enfermedad pulmonar. Falleció el pasado martes, víctima de un paro cardiorrespiratorio. 

Por IÑIGO DÍAZ

Se hacían llamar Hot Blowers, un conjunto de jazz rioplatense que se encontraba recorriendo ciudades de Chile con un espectáculo musical. Esa noche de 1962 se presentaron en el Hotel Antofagasta, justo cuando Giovanni Cultrera pasaba una temporada en el norte como pianista residente. "Me llamó la atención inmediatamente: un muchacho que tocaba la trompeta, era uruguayo, pequeño y muy simpático. Lo llamaban Bachicha", dice el músico. "Fue la primera vez que vi a Daniel Lencina", agrega. Lencina y Cultrera fueron compañeros de música por más de 40 años.

Después de esa gira, el trompetista fue y volvió de Uruguay en muchas ocasiones. En 1972 participó en el primer concierto de jazz celebrado en el Teatro Municipal y en 1974 se estableció en Chile para siempre, lo que le valió recibir la nacionalidad por gracia en 2013. En la madrugada de ayer, por un paro cardíaco, Daniel Lencina murió en su casa a los 79 años, acompañado de su esposa por 25 años, Marilia Boussac. El músico deja siete hijos. "Buen viaje, tú y tu trompeta. Se ha ido el hombre más generoso que conocí nunca", afirmó Marilia Boussac.

Los restos de Lencina están siendo velados en la Iglesia Anglicana (Nuestra Señora del Rosario 565), y hoy, a las 16:00 horas, serán llevados al cementerio Parque del Recuerdo, donde una procesión de músicos y jazzistas, a la usanza de los desfiles fúnebres de Nueva Orleans, lo despedirá.

El año pasado, el músico se retiró definitivamente de la actividad, aquejado de fibrosis pulmonar. Un enfisema detectado hace años deterioró su salud. Llegó a tener apenas el 20 % de capacidad en sus órganos respiratorios, lo que para un trompetista resultaba terminal. Sus amigos músicos -Valentín Trujillo, Andrea Tessa, Miguel Zabaleta, Alejandro Espinosa, Gloria Simonetti, Cristián Cuturrufo- fueron en su ayuda con conciertos a beneficio, para solventar los altos costos de su tratamiento. "Nos queda su obra, a través de la cual podremos escuchar su música y así tenerlo entre nosotros con sus frases geniales de su trompeta. Seguiremos escuchando jazz junto a Daniel Lencina", señala Cultrera.

Empujando el carro

"Yo me considero una personalidad. Soy muy bueno en lo que hago, aunque a nadie le guste lo que haga", decía Lencina, nacido en 1938 en Fray Bentos, Uruguay. Mientras se desempeñaba como trompetista de jazz, en los años 70 comenzó a trabajar en estudios de grabación, a incursionar en el mundo del jingle y a trabajar en televisión. Su primer programa fue "Tiempo de swing", y luego vinieron "El teléfono musical" y "Acompáñeme". Su presencia en "Sábados gigantes" lo puso en el living de las casas chilenas hasta 1993. Esa relación no terminaría bien. Hasta ahora se mantenía vigente la disputa legal por la propiedad intelectual de la composición "Gigante show", el tema característico de "Sábados gigantes", que Lencina inscribió como propio en 1984, pero del que por años no había recibido beneficios.

Fuera de la industria televisiva, era un activo músico. Su frase habitual era "sigamos empujando el carro", una manera de adherirse a proyectos de distintos alcances. Tocó en grupos de jazz como Koalición (1977), La Máquina del Swing (1984) y Coda (1987), y ya desde sus primeros años en Chile lideró un cuarteto de jazz, con el que tocó hasta entrada esta década. Su último proyecto fue un dúo de trompeta y piano junto a Valentín Trujillo. "Yo entro a un teatro, miro a la gente y ya sé lo que tengo que tocar", decía Lencina, quien no acostumbraba a ensayar con su conjunto: simplemente tocaba con su trompeta torcida, a la manera de Dizzy Gillespie, uno de sus ídolos.

"Fuimos amigos y compañeros de música por casi medio siglo. Con esa pachorra uruguaya Daniel presentaba el concierto como 'música a la carta': pidan lo que quieran. Y la verdad es que nunca nos pillaron. Él tenía unos 300 temas, tradicionales y de jazz, en la memoria. Yo aportaba con unos dos más. Musicalmente vino a remover el ambiente de la música en Chile cuando apareció. Y en el escenario no había otro igual: era brillante como trompetista y único como entretenedor", señala Valentín Trujillo.

 Influencia en el jazz nacional

Alejandro Espinosa, baterista
"El jazz chileno tiene un antes y un después de Lencina, porque con él el ambiente mejoró. Era un tipo que al escuchar su primera nota, derrochaba jazz y tenía una energía que se traspasaba a los músicos y los públicos. Además de músico, era un entretenedor nato".

Cristián Cuturrufo, trompetista
"Fue mi referente en la trompeta. Cuando llegué a Santiago desde Coquimbo, en 1990, me quedé en su casa, y era como estar con un ídolo a un metro. Todos nos arrimamos a ese buen árbol, porque, honestamente, creo que el jazz chileno no sería lo que es hoy sin Daniel Lencina".

Frutillar ingresó a la Red de Ciudades Creativas de la Unesco

El Mercurio

Junto con otras 64 urbes de 44 países -como Milán, Manchester, Estambul y Dubái-, Frutillar fue incorporada a la Red de Ciudades Creativas de la Unesco, un grupo constituido en 2004 con el fin de potenciar estrategias marcadas por la innovación y la creatividad, y así alcanzar un desarrollo urbano más sostenible e inclusivo.
La decisión se debe a la gran actividad musical de esta localidad del lago Llanquihue, que es sede de las históricas Semanas Musicales y del Teatro del Lago, mientras que otras ciudades fueron reconocidas por sus contribuciones creativas en los frentes de la artesanía, el diseño, las artes digitales, el cine, la gastronomía y la literatura.
La presidenta de la Corporación Semanas Musicales de Frutillar, Harriet Eeles, manifestó que "como Corporación Cultural, nos sentimos muy orgullosos de que nuestra larga trayectoria de más de 50 años haya podido aportar a este reconocimiento de parte de la Unesco". Por su lado, Nicola Schiess, presidenta del Teatro del Lago, señaló que "es un logro para Frutillar y también para Chile. Un reconocimiento a la trayectoria musical que ha inspirado el crecimiento de esta ciudad".

El Teatro del Lago amplía su Gala Aniversario

El Mercurio

Como parte de la celebración de sus siete años de vida, desde hoy y hasta el domingo el escenario frutillarino realizará su festival anual.  

Por Maureen Lennon Zaninovic 

Con un inédito festival de cuatro días, el Teatro del Lago conmemorará su séptimo aniversario con una celebración que sumará galas, conciertos de extensión en iglesias, teatro en las calles y recorridos e intervenciones artísticas, justo cuando la ciudad de Frutillar ha sido elegida Ciudad Creativa por la Unesco. "Nos transformamos en festival, porque queremos celebrar junto a la comunidad", señala Carmen Gloria Larenas, directora artística de este coliseo. Rememora que la gala anual solía caer en un día sábado de noviembre e incluía como complemento una cena junto a los directores y artistas de este escenario. "Pero había mucha gente que no podía acceder a la celebración, por eso optamos por ampliar la oferta y sumar cuatro jornadas, vincularnos más con el público de Frutillar, de la Región de Los Lagos y de Santiago. La idea es ofrecer una oferta artística de calidad, como ha sido nuestro sello, pero también revelar el trabajo formativo que hemos venido realizando", dice Larenas.

El festival, que se extenderá entre hoy y el domingo, tendrá entre sus grandes invitados a Steven Fischer, destacado director del coro Keystone State Boychoir, uno de los más importantes de Estados Unidos. Fischer dirigirá, mañana a las 19:00 horas, a casi 80 niños y jóvenes de la Escuela de las Artes de Teatro del Lago y del programa Puedes Cantar! en la gala educativa "Encuentra tu voz". La presentación tendrá, además, el apoyo en diseño e iluminación de Clifton Taylor, iluminador de Broadway y de importantes escenarios internacionales de ópera y ballet.

Otro de los espectáculos que marcarán la celebración será el concierto "The Kreisler Story", protagonizado por el violinista alemán Daniel Röhn y la pianista ucraniana Milana Chernyavska. Se trata de una obra que revivirá la edad dorada del violín (sábado, a las 12:00 horas, y domingo, a las 17:00).

Nuevas voces

El punto culminante de este festival tendrá lugar este sábado, a las 19:00 horas, en el Espacio Tronador. La Gala Aniversario "Voces del Mundo" contempla la actuación de promesas de la lírica mundial como el tenor Long Long, el barítono Johannes Kammler, las sopranos Michelle Bradley y Léa Trommenschlager, la mezzosoprano Emily D'Angelo y los bajos-barítonos Damien Pass y el chileno Matías Moncada. Todos ellos estarán acompañados por el pianista francés Alphonse Cemin y la pianista rusa Valeria Polunina.

"Queremos refrendar nuestro compromiso hacia los artistas jóvenes. Muchos de estos cantantes líricos están recién partiendo su carrera y los traeremos a Frutillar porque hoy forman parte de programas internacionales a cargo prestigiados escenarios", comenta Larenas.

El bajo-barítono Matías Moncada -becado por la Corporación Amigos del Municipal de Santiago y por la Fundación Ibáñez Atkinson- adelanta que interpretará arias y canciones de Pedro Humberto Allende. "Soy el único chileno representante. Me parece increíble, pero también siento nervios. Todavía no caigo de la impresión", señala.

La soprano Michelle Bradley integra el Programa de Jóvenes Talentos del Metropolitan Opera House de Nueva York. "Voy a cantar el aria de Donna Anna, en 'Don Giovanni', de Mozart. Este será una suerte de anticipo de mi debut en el Municipal de Santiago, en 2018, con este mismo papel", dice.
Las calles de Frutillar y las iglesias de Puerto Octay y Los Bajos también recibirán recorridos escénicos gratuitos, conversaciones musicales y presentaciones del teatro en miniatura Lambe Lambe de la Compañía El Perro Bufo. Más información en www.teatrodellago.cl.