El Mercurio
El director del Municipal destaca los hitos del ciclo 2019 con una fuerte presencia de creadores nacionales, solistas y la adaptación de una ópera de Wagner para niños.
Maureen Lennon Zaninovic
Le gusta hablar de ciclos y de momentos oscilantes. El director del Municipal, Frédéric Chambert, a pocos meses de que finalice la temporada 2018, considera que este año "estuvo marcado por la creación y una estética bastante moderna, y -sin duda- un hito importante fue la presentación de la ópera chilena 'El Cristo de Elqui', de Miguel Farías. En 2019 tendremos una temporada más distinta".
El profesional francés añade que "me atrevería a afirmar que será uno de los años más clásicos que me ha tocado programar como director de este escenario", y agrega que diseñaron "una temporada clásica, pero también curiosa y atrevida, sin perder el foco de uno de los deberes que me he propuesto en el Municipal: mostrar una diversidad de mundos estéticos".
Adelanta que decidió romper con "la maldición" asociada a "La fuerza del destino" y la programó, después de 60 años de ausencia, para abrir oficialmente el año lírico, el 15 de abril.
"No es concebible que Chile se quede con la superstición de 'La Forza...' dejándonos sin el placer de poder verla. Es una ópera compleja, tiene cuatro actos y su historia es muy intensa. Es una especie de fresco sobre un fondo de guerras. Aquí está el Verdi político, el Verdi comprometido con la sociedad y con el mundo. Es un gran título para partir".
Chambert valora también las presentaciones de "El caballero de la rosa", de Richard Strauss (desde el 12 de junio), y que fue calificada por su compositor "como una comedia para la música en tres actos. Es un título exquisito, cómico y elegante. No se suele montar tanto porque es una producción que incluye muchos papeles. ¡Es casi una locura presentar esta obra con dos elencos, como sí lo haremos en el Municipal! Por eso tiene tanto sentido coproducir este 'Caballero...' con los teatros Mayor y Colón de Bogotá: se reducen bastante los costos y se abren mayores posibilidades de circulación por Sudamérica".
Sobre las presentaciones de "Rodelinda", de Haendel (a partir del 24 de agosto), dice que "en 2010 este teatro estrenó 'Alcina' y fue un hito. Siguiendo la línea de las elogiadas producciones que ofreció el Teatro Regional de Rancagua y sumándonos al rotundo éxito del concierto que protagonizó en 2017, en el Municipal, el contratenor francés Philippe Jaroussky, queremos seguir dándole visibilidad y profundizar la huella del repertorio barroco".
El 5 de octubre llegará una nueva producción de "La italiana en Argel", de Rossini, y como lo explica el profesional francés, "he tenido la oportunidad de ver las magníficas óperas del Teatro Regional del Maule, entre otras un extraordinario 'Otelo', con régie del chileno Rodrigo Navarrete. A este último le pedí que se hiciera cargo de este montaje del compositor italiano. Rodrigo había participado en algunas producciones del Pequeño Municipal, pero ya es tiempo de que se estrene en nuestra temporada. La última versión de 'La italiana...' fue de Emilio Sagi y dejó la vara alta, pero la escenografía de Ramón López estoy seguro que sorprenderá con una propuesta clásico-moderna, entretenida, pero también bastante profunda".
La temporada 2019 concluirá en noviembre con una nueva producción de "Fausto", de Gounod. "Siempre cuando se programa, los melómanos preguntan qué versión se presentará. Es sabido que en una de las funciones, en 1863, el barítono que encarnaba a Valentín se negó a actuar si no le incluían un aria para que se luciera en escena y Gounod le agregó 'Avant de quitter ces lieux'. En el Municipal haremos una mezcla de versiones, incluyendo esta gran aria", adelanta Chambert. Sobre la régie de André Heller-Lopes dice que privilegiará "una estética neogótica, estilizada, muy elegante y ágil".
Fuera de temporada, desde el 15 al 17 de enero (a las 20:00 horas), el teatro de Agustinas programó tres galas líricas ("Ópera Mía"), "con las mejores voces nacionales que en los últimos años han protagonizado los principales títulos de este escenario como Patricia Cifuentes, Evelyn Ramírez, Paulina González, Francisco Huerta, Patricio Sabaté y Sergio Gallardo. La idea es darse un gusto con un repertorio muy atractivo, fundamentalmente francés e italiano, con un fuerte protagonismo de Verdi. Es una nueva modalidad que queremos explorar", advierte Chambert.
El Ballet de Santiago apuesta por la creación
Con respecto al Ballet de Santiago, el director del Municipal valora que "fuera de abono y en el mes de enero decidimos reponer 'La Cenicienta', de Marcia Haydée. Además -como parte de Santiago a Mil- nos sumaremos a este festival con funciones familiares de este título".
El 11 de septiembre tendrá lugar uno de los principales atractivos de la temporada 2019 de esta compañía: el estreno de "La casa de los espíritus". Basada en la novela de Isabel Allende, se anuncia como una creación del coreógrafo Eduardo Yedro, quien además integra el equipo artístico del Ballet de Santiago. Como señala el director del Municipal, si este año el sello de creación e innovación del teatro estuvo en la ópera y en particular en el estreno de "El Cristo de Elqui", "en 2019 será el turno del ballet con mayores espacios para la innovación. 'La casa de los espíritus' será nuestra propuesta para la Gala del 18 de septiembre y esperamos que al estreno venga la propia Isabel Allende".
Como ya se anunció, para la temporada de la Orquesta Filarmónica de Santiago convocaron a destacados directores chilenos, entre otros a Juan Pablo Izquierdo, Pedro-Pablo Prudencio y Rodolfo Fischer. "Para mí es un ciclo de conciertos golosos, singular y con una presencia inédita de solistas -tanto nacionales como internacionales- como Roberto Díaz (viola), quien ejecutará el gran concierto del compositor puertorriqueño Roberto Sierra, bajo la dirección de Maximiano Valdés". Frédéric Chambert confirma la realización del segundo concurso de composición y la programación de numerosas obras locales. "Juan Pablo Izquierdo dirigirá un homenaje a Béla Bartók, y dentro de este ciclo conducirá 'Elegía', de Cirilo Vila. Miguel Farías va a componer un 'Nocturno', que abrirá un concierto liderado por Paolo Bortolameolli, y cuyo plato fuerte será la Séptima Sinfonía de Mahler; mientras que Konstantin Chudovsky abordará 'Tres aires chilenos', de Enrique Soro", señala.
El director titular de la Filarmónica de Santiago protagonizará el 2 y 3 de mayo uno de los hitos de la temporada de conciertos 2019: el estreno en nuestro país de "Gurre-Lieder", de Arnold Schönberg. "Es una obra sumamente tonal. Es una pieza casi romántica, gigante, para coros y solistas. Muy expresiva. Su forma orquestal es absolutamente desmedida. Es una pieza, a mi juicio, magistral, de muchos matices", comenta Frédéric Chambert.
Pedro-Pablo Prudencio, director residente de la Filarmónica, dirigirá el 22 y 23 de octubre -como parte de la conmemoración de los 70 años del fallecimiento del músico alemán- otro de los ciclos imprescindibles del año: "Las alegres travesuras de Till Eulenspiegel" y "Sinfonía Alpina", de Richard Strauss.
"El oro del Rin" para niños
En 2019 se mantienen los ciclos de guitarra, de piano joven, que organiza la Fundación Chopin, los Conciertos de Mediodía y los Domingos Musicales. El Ciclo Grandes Pianistas tendrá varios solistas de gran atractivo, como Bruno Gelber y Filipppo Gamba. "También debutará en la Sala Arrau un ciclo de música improvisada impulsado por un pianista chileno, Diego Errázuriz, y que contempla la actuación de artistas diversos como Tomás Gubbins y Martin Joseph", adelanta Chambert.
El Pequeño Municipal espera sorprender con el estreno de "El oro del Rin" (junio). "Para nosotros es un gran evento hacer una adaptación de una ópera de Wagner para los niños. Estamos ante una leyenda magnífica, con gigantes, tesoros, oro y dioses. Queremos quebrar la distancia con Wagner y llevarlo a las familias. La dirección musical será de Pedro-Pablo Prudencio", concluye el director del Municipal de Santiago.
sábado, octubre 06, 2018
Nick Cave tuvo su noche de redención en el Caupolicán
El Mercurio
José Vásquez
Aunque la escena ya se ha repetido en todo el mundo, Nick Cave se esfuerza por hacerla única. Concierto a concierto, el músico australiano se pierde arrodillado entre los brazos de la multitud. La entrega es teatral, pero va en serio. Las luces son bajas en el Teatro Caupolicán y le dan el ambiente propicio a un Cave cavernario que interpreta el paradigma del héroe negro, que se desplaza por el escenario animando a la catarsis colectiva mientras recibe flores y regalos de la gente que repletó el lugar.
El líder de los Bad Seeds volvió casi exactos 22 años después al mismo recinto de la calle San Diego, donde debutó en el país con un bochornoso espectáculo en el que terminó escupido por los fanáticos de Cypress Hill. Un episodio de otra época que redime desde el comienzo, mirando a los ojos a su audiencia y con canciones envueltas en un mantra inquietante, que por momentos libera gutural y sacude con bailes de saltitos chamánicos.
Nick Cave repasa desde el inicio su última obra, "Skeleton tree", un álbum que ya sacudía la angustia previa al drama. Un disco que había comenzado a grabar antes de la trágica muerte de su hijo Arthur, quien cayó por un acantilado hace tres años en Inglaterra y que de alguna manera tiñó de desolación el trabajo que lo trajo de regreso.
"Jesus alone" pasa como una dolorosa plegaria que estremece cuando llega al estribillo con su "with my voice I'm calling you" ("con mi voz te estoy llamando"), enredándose con el público, en una imagen en la que pareciera cicatrizar sus heridas abrazado a la gente.
Luego, y subiendo la intensidad, llega "Do you love me?", con la que comienza a despachar los clásicos que siguen con la poderosa "From her to eternity", la sobrecogedora "Into my arms" -con un Cave al piano- o una "Tupelo", donde sube al escenario a dos fans a bailar con él, en una postal más de un show que se iba a extender por dos horas para una noche, por sobre todo, visceral.
José Vásquez
Aunque la escena ya se ha repetido en todo el mundo, Nick Cave se esfuerza por hacerla única. Concierto a concierto, el músico australiano se pierde arrodillado entre los brazos de la multitud. La entrega es teatral, pero va en serio. Las luces son bajas en el Teatro Caupolicán y le dan el ambiente propicio a un Cave cavernario que interpreta el paradigma del héroe negro, que se desplaza por el escenario animando a la catarsis colectiva mientras recibe flores y regalos de la gente que repletó el lugar.
El líder de los Bad Seeds volvió casi exactos 22 años después al mismo recinto de la calle San Diego, donde debutó en el país con un bochornoso espectáculo en el que terminó escupido por los fanáticos de Cypress Hill. Un episodio de otra época que redime desde el comienzo, mirando a los ojos a su audiencia y con canciones envueltas en un mantra inquietante, que por momentos libera gutural y sacude con bailes de saltitos chamánicos.
Nick Cave repasa desde el inicio su última obra, "Skeleton tree", un álbum que ya sacudía la angustia previa al drama. Un disco que había comenzado a grabar antes de la trágica muerte de su hijo Arthur, quien cayó por un acantilado hace tres años en Inglaterra y que de alguna manera tiñó de desolación el trabajo que lo trajo de regreso.
"Jesus alone" pasa como una dolorosa plegaria que estremece cuando llega al estribillo con su "with my voice I'm calling you" ("con mi voz te estoy llamando"), enredándose con el público, en una imagen en la que pareciera cicatrizar sus heridas abrazado a la gente.
Luego, y subiendo la intensidad, llega "Do you love me?", con la que comienza a despachar los clásicos que siguen con la poderosa "From her to eternity", la sobrecogedora "Into my arms" -con un Cave al piano- o una "Tupelo", donde sube al escenario a dos fans a bailar con él, en una postal más de un show que se iba a extender por dos horas para una noche, por sobre todo, visceral.
Shakira entra al debate: "Es un problema pensar que la sensualidad puede estorbar el ser feminista"
El Mercurio
La colombiana defiende su manera de representar la causa feminista, en momentos en que retoma una gira que debió bajar por completo hace casi un año, cuando le detectaron una afección a las cuerdas vocales. "Fue devastador", dice la artista a "El Mercurio". A fines de este mes estará de regreso en Chile.
Por Sebastián Cerda
A fines de 2017, la situación fue en escalada. Primero, la suspensión de todo un tramo de una gira; luego, un tour completo cancelado. Y todo a causa de un diagnóstico lapidario: un problema de salud que la obligaría a dejar de usar su voz durante meses. ¿Puede imaginarse un escenario peor para una intérprete, más cuando se trata de una artista de talla mundial?
Eso es lo que vivió Shakira a partir de noviembre del año pasado, cuando un día antes de arrancar en Alemania con "El Dorado World Tour" comunicó que el tramo europeo del recorrido sería reprogramado, para luego avisar que toda la gira quedaba en stand by a causa de una hemorragia en las cuerdas vocales que le impedía cantar.
Para entonces, una próxima visita a Chile ya había sido anunciada por la propia artista, aunque sin precisar coordenadas. Ese plan también debió ser postergado. La colombiana, con un disco recién lanzado y varios singles escalando en las radios del mundo, se sumía así en uno de sus períodos más dramáticos.
"La posibilidad de perder mi voz, o tener que considerar que quizás no la iba a recuperar del todo, era inconcebible para mí. Los días de la cancelación fueron surreales; en una carrera de más de 20 años jamás me había fallado la voz. Sufría no solo por mí, sino que también por los fans, que venían con tanta ilusión, que habían viajado incluso desde otros países, y me pesaba desilusionarlos. Sinceramente, fue una pesadilla", cuenta la cantante.
La colombiana precisa a "El Mercurio" que aquellos días se volverían aún más duros después, ya que la prescripción médica le indicó no solo dejar el canto, sino que también limitar el habla. "Eso es algo muy difícil cuando eres madre. Tener que explicar a tus hijos que no puedes hablar, que no puedes leerles un cuento antes de dormir, me hizo sufrir; además de la espera de ver si las cuerdas eran capaces de sanar por sí solas o si tendría que operarme. Fue una etapa de mucha incertidumbre y pasé mucho tiempo encerrada en casa, así que también había aislamiento. Después de semanas de ensayos y de la emoción de estar en vísperas de una gira, de la que estaba tan orgullosa, fue devastador".
Pero, afortunadamente, Shakira logró salir de ese trance, que incluyó un paso por el quirófano en enero. Cuatro meses más tarde pudo anunciar su regreso a los escenarios. Hoy intenta mirar la experiencia tratando de sacar algo en limpio. "Creo que no ha sido en vano, porque ahora me siento más agradecida que nunca por mi voz, por poder seguir creando, y me ha renovado las ganas de cantar", dice.
En Chile, su presentación se concretará a fines de este mes, el próximo martes 30, en un recinto que ya conoce bien: el Estadio Nacional. Allí anota aforos prácticamente completos en 2003, 2006 y 2011, período en el que también ha pasado por recintos como Movistar Arena y la Pista Atlética, transformándose en una de las figuras más convocantes entre las que pisan suelo local.
Pero si en esas ocasiones llegó con giras aceitadas por el rodaje, esta vez lo hará con un tour que maduró también gracias a la misma enfermedad que la alejó de los escenarios. "Inevitablemente, al tomar una pausa, tuve que aprovechar para mejorar el show", cuenta, aunque lo principal que al respecto le dejó ese trance es su actual disposición sobre el escenario.
"¡Ahora lo disfruto como si fuera la primera vez! Mis fans han sido tan pacientes y me han recibido con tanto amor... Me siento muy llena. Lo único que quiero es estar a la altura, porque estoy muy agradecida. Me ha dado mucha libertad, disfrutar el momento con ellos y conectarme con cada una de las caras que veo desde el escenario. ¡Y las recuerdo por años!".
Feminismo sensual
"Trabajamos casi dos meses solo en los arreglos de la música y me encantan las versiones nuevas que hemos hecho de algunas de mis primeras canciones", comenta la colombiana al hablar de su trabajo reciente, aunque tratándose de ella está claro que lo musical está lejos de ser el único tema que la ronda.
Siempre ligada a causas benéficas y a iniciativas como la Fundación Pies Descalzos, que ella misma encabeza, hoy también ha incluido entre sus preocupaciones a movimientos como MeToo y la ola feminista, de la que se siente parte. Ello, pese a que formas como las que ella despliega a la hora de encarar la sensualidad y el erotismo suelen ser resistidas por el feminismo tradicional.
Shakira se alza ante ello:
"En mi opinión, la sensualidad y ser feminista no son conflictivos. Justo el mero hecho de pensar que la sensualidad puede estorbar el ser feminista es uno de los problemas que todavía prevalecen en el mundo. Yo tengo una estima para lo fuertes que somos las mujeres: de hecho, me rodeo con mujeres fuertes y creo que uno de nuestros mayores talentos es poder manejar muchas cosas a la vez con naturalidad. Eso siempre ha sido así, solo que nunca le dimos el aprecio que se merecía".
Pero si en ese ámbito Shakira puede asumir posiciones de avanzada, donde a todas luces lleva la bandera es en la conquista que la música latina ha logrado en el mundo, con figuras como J Balvin, Nicky Jam, Luis Fonsi, Daddy Yankee, Enrique Iglesias y Maluma sonando en continentes antes tan ajenos como Europa y Asia. La colombiana, por su lado, se ha mantenido en lo mismo desde principios de siglo.
"Cuando estaba intentando entrar en el mercado anglo, había muchas más barreras, y la única forma de hacerlo parecía ser aprender inglés y conquistar ese público, lo cual también implicaba buscar nuevos sonidos. No me arrepiento de haber aprendido inglés ni de explorar todos esos caminos, porque me abrieron el mundo, pero siento orgullo de que ahora una canción en español, sin tener una versión en inglés, pueda llegar a ser número uno en Estados Unidos", dice.
Las explicaciones que encuentra para ello también la enorgullecen:
"Lo que me gusta es que ahora nuestro éxito no tiene que ser 'a pesar de' ser latino, sino que el ser latino nos aporta una cultura que por fin se está empezando a apreciar. Ahora, lo que antes era ajeno, es intrigante y especial".
La colombiana siempre ha sido una de las figuras más convocantes entre las que pisan suelo local.
Shakira se presentará el martes 30 de octubre, en un recinto que ya conoce bien: el Estadio Nacional.
La auspiciosa sociedad con Maluma
Lo que comenzó como una alianza más entre una estrella latina y una figura de la música urbana, de la mano de "Chantaje", terminó transformándose en una de las más sólidas alianzas de la música actual en español. Dos años después del lanzamiento de ese hit planetario, Shakira y su compatriota Maluma ya suman tres canciones en conjunto. La segunda fue "Trap", que figura en el último disco de la colombiana, "El Dorado", y que supuso el ingreso de la artista al género que da nombre a la pieza. La última, en tanto, fue lanzada recién a fines de julio, y en estos días llegó a la cima de diversos rankings del continente. Con aires de reggae, "Clandestino" logró ser número uno en las listas Latin Airplay, Latin Pop y Latin Rhythm de Billboard y, seguro, no será la última vez que ambos artistas colombianos vuelvan a encontrarse en un estudio.
La colombiana defiende su manera de representar la causa feminista, en momentos en que retoma una gira que debió bajar por completo hace casi un año, cuando le detectaron una afección a las cuerdas vocales. "Fue devastador", dice la artista a "El Mercurio". A fines de este mes estará de regreso en Chile.
Por Sebastián Cerda
A fines de 2017, la situación fue en escalada. Primero, la suspensión de todo un tramo de una gira; luego, un tour completo cancelado. Y todo a causa de un diagnóstico lapidario: un problema de salud que la obligaría a dejar de usar su voz durante meses. ¿Puede imaginarse un escenario peor para una intérprete, más cuando se trata de una artista de talla mundial?
Eso es lo que vivió Shakira a partir de noviembre del año pasado, cuando un día antes de arrancar en Alemania con "El Dorado World Tour" comunicó que el tramo europeo del recorrido sería reprogramado, para luego avisar que toda la gira quedaba en stand by a causa de una hemorragia en las cuerdas vocales que le impedía cantar.
Para entonces, una próxima visita a Chile ya había sido anunciada por la propia artista, aunque sin precisar coordenadas. Ese plan también debió ser postergado. La colombiana, con un disco recién lanzado y varios singles escalando en las radios del mundo, se sumía así en uno de sus períodos más dramáticos.
"La posibilidad de perder mi voz, o tener que considerar que quizás no la iba a recuperar del todo, era inconcebible para mí. Los días de la cancelación fueron surreales; en una carrera de más de 20 años jamás me había fallado la voz. Sufría no solo por mí, sino que también por los fans, que venían con tanta ilusión, que habían viajado incluso desde otros países, y me pesaba desilusionarlos. Sinceramente, fue una pesadilla", cuenta la cantante.
La colombiana precisa a "El Mercurio" que aquellos días se volverían aún más duros después, ya que la prescripción médica le indicó no solo dejar el canto, sino que también limitar el habla. "Eso es algo muy difícil cuando eres madre. Tener que explicar a tus hijos que no puedes hablar, que no puedes leerles un cuento antes de dormir, me hizo sufrir; además de la espera de ver si las cuerdas eran capaces de sanar por sí solas o si tendría que operarme. Fue una etapa de mucha incertidumbre y pasé mucho tiempo encerrada en casa, así que también había aislamiento. Después de semanas de ensayos y de la emoción de estar en vísperas de una gira, de la que estaba tan orgullosa, fue devastador".
Pero, afortunadamente, Shakira logró salir de ese trance, que incluyó un paso por el quirófano en enero. Cuatro meses más tarde pudo anunciar su regreso a los escenarios. Hoy intenta mirar la experiencia tratando de sacar algo en limpio. "Creo que no ha sido en vano, porque ahora me siento más agradecida que nunca por mi voz, por poder seguir creando, y me ha renovado las ganas de cantar", dice.
En Chile, su presentación se concretará a fines de este mes, el próximo martes 30, en un recinto que ya conoce bien: el Estadio Nacional. Allí anota aforos prácticamente completos en 2003, 2006 y 2011, período en el que también ha pasado por recintos como Movistar Arena y la Pista Atlética, transformándose en una de las figuras más convocantes entre las que pisan suelo local.
Pero si en esas ocasiones llegó con giras aceitadas por el rodaje, esta vez lo hará con un tour que maduró también gracias a la misma enfermedad que la alejó de los escenarios. "Inevitablemente, al tomar una pausa, tuve que aprovechar para mejorar el show", cuenta, aunque lo principal que al respecto le dejó ese trance es su actual disposición sobre el escenario.
"¡Ahora lo disfruto como si fuera la primera vez! Mis fans han sido tan pacientes y me han recibido con tanto amor... Me siento muy llena. Lo único que quiero es estar a la altura, porque estoy muy agradecida. Me ha dado mucha libertad, disfrutar el momento con ellos y conectarme con cada una de las caras que veo desde el escenario. ¡Y las recuerdo por años!".
Feminismo sensual
"Trabajamos casi dos meses solo en los arreglos de la música y me encantan las versiones nuevas que hemos hecho de algunas de mis primeras canciones", comenta la colombiana al hablar de su trabajo reciente, aunque tratándose de ella está claro que lo musical está lejos de ser el único tema que la ronda.
Siempre ligada a causas benéficas y a iniciativas como la Fundación Pies Descalzos, que ella misma encabeza, hoy también ha incluido entre sus preocupaciones a movimientos como MeToo y la ola feminista, de la que se siente parte. Ello, pese a que formas como las que ella despliega a la hora de encarar la sensualidad y el erotismo suelen ser resistidas por el feminismo tradicional.
Shakira se alza ante ello:
"En mi opinión, la sensualidad y ser feminista no son conflictivos. Justo el mero hecho de pensar que la sensualidad puede estorbar el ser feminista es uno de los problemas que todavía prevalecen en el mundo. Yo tengo una estima para lo fuertes que somos las mujeres: de hecho, me rodeo con mujeres fuertes y creo que uno de nuestros mayores talentos es poder manejar muchas cosas a la vez con naturalidad. Eso siempre ha sido así, solo que nunca le dimos el aprecio que se merecía".
Pero si en ese ámbito Shakira puede asumir posiciones de avanzada, donde a todas luces lleva la bandera es en la conquista que la música latina ha logrado en el mundo, con figuras como J Balvin, Nicky Jam, Luis Fonsi, Daddy Yankee, Enrique Iglesias y Maluma sonando en continentes antes tan ajenos como Europa y Asia. La colombiana, por su lado, se ha mantenido en lo mismo desde principios de siglo.
"Cuando estaba intentando entrar en el mercado anglo, había muchas más barreras, y la única forma de hacerlo parecía ser aprender inglés y conquistar ese público, lo cual también implicaba buscar nuevos sonidos. No me arrepiento de haber aprendido inglés ni de explorar todos esos caminos, porque me abrieron el mundo, pero siento orgullo de que ahora una canción en español, sin tener una versión en inglés, pueda llegar a ser número uno en Estados Unidos", dice.
Las explicaciones que encuentra para ello también la enorgullecen:
"Lo que me gusta es que ahora nuestro éxito no tiene que ser 'a pesar de' ser latino, sino que el ser latino nos aporta una cultura que por fin se está empezando a apreciar. Ahora, lo que antes era ajeno, es intrigante y especial".
La colombiana siempre ha sido una de las figuras más convocantes entre las que pisan suelo local.
Shakira se presentará el martes 30 de octubre, en un recinto que ya conoce bien: el Estadio Nacional.
La auspiciosa sociedad con Maluma
Lo que comenzó como una alianza más entre una estrella latina y una figura de la música urbana, de la mano de "Chantaje", terminó transformándose en una de las más sólidas alianzas de la música actual en español. Dos años después del lanzamiento de ese hit planetario, Shakira y su compatriota Maluma ya suman tres canciones en conjunto. La segunda fue "Trap", que figura en el último disco de la colombiana, "El Dorado", y que supuso el ingreso de la artista al género que da nombre a la pieza. La última, en tanto, fue lanzada recién a fines de julio, y en estos días llegó a la cima de diversos rankings del continente. Con aires de reggae, "Clandestino" logró ser número uno en las listas Latin Airplay, Latin Pop y Latin Rhythm de Billboard y, seguro, no será la última vez que ambos artistas colombianos vuelvan a encontrarse en un estudio.
viernes, octubre 05, 2018
Los clásicos y éxitos populares llegan a La Cumbre con Buddy Richard y Los Vásquez
El Mercurio
Ambos nombres se suman a un certamen que en su próxima edición tendrá nuevamente un cartel paritario, al que se agregan cantantes como Javiera Mena.
José Vásquez
Los Vásquez son el conjunto chileno más popular de la última década, pero su participación, por decisión propia, en los festivales más mediáticos del país y en la televisión, es prácticamente inexistente.
La banda compuesta por los hermanos Ítalo y Enzo Vásquez ha triunfado con un proyecto que ha generado múltiples número uno radiales y ventas de discos -su álbum debut, "Contigo pop y cebolla", superó las 100 mil unidades vendidas, y "De sur a norte", su segundo título, logró 50 mil- que solo lograron los artistas nacionales más taquilleros antes de la caída en desgracia del formato compacto.
Un triunfo con un modelo independiente con el que se desplazaron con un éxito rotundo por una carretera alternativa que pavimentaron ellos mismos. Una vía en la que se sentían cómodos y por la que desechaban cualquier invitación que los moviera de ahí, descartando de plano, por ejemplo, el Festival de Viña del Mar. Pero esa situación ahora comienza a cambiar.
El conjunto nacido en Coyhaique será uno de los platos fuertes de la próxima edición de La Cumbre -ya sin el apellido "rock"-, el festival con artistas locales más grande y multitudinario del país, que realizará su sexta versión el próximo 12 de enero en el Club Hípico de Santiago.
Su show en este evento capitalino es otro paso más en la apertura que muestra la banda, que también volverá al Movistar Arena el próximo 14 de diciembre. Un evento, en esta ocasión, producido por T4F+Bizarro, la productora a cargo de la parte artística de Viña del Mar, una cercanía que ahora podría allanar su aterrizaje en la Quinta Vergara para ser parte del evento que representa la principal vitrina artística de Chile y una caja de resonancia internacional, que ahora sí querrían utilizar en pos de darle un impulso mayor a su carrera en el extranjero.
En cuanto a popularidad, Los Vásquez aparecen como el número ganador de un evento como La Cumbre, que este año reservó los clásicos para Buddy Richard. La voz de "Tu cariño se me va" tendrá un lugar destacado, en condición similar a la que recibió este año Cecilia. El cantante, uno de los ídolos de la Nueva Ola, demostró el pasado domingo en el Teatro Caupolicán que aún se encuentra fuerte para enfrentar a públicos masivos.
La Cumbre desde su última versión de enero pasado leyó la temperatura de las demandas sociales y tomó como desafío intentar lograr lo que más se acercara a un cartel de artistas paritario, objetivo que en su próxima edición es una de sus bases. Si este año la presencia femenina bordeó el 35 por ciento, para 2019 quieren que esa cifra llegue al 50 por ciento. Es por esto que el evento ahora anuncia a Javiera Mena, quien sigue promocionando su último álbum, "Espejo"; Rubio, proyecto de Francisca Straube y Evelyn Cornejo, quienes se suman a Francisca Valenzuela, Ana Tijoux, Javiera y Los Imposibles, Colombina Parra, Pascuala Ilabaca y Denise Rosenthal, entre otras.
Dentro del contingente masculino destaca el regreso de Álvaro Henríquez a los shows masivos junto a Los Tres, luego de su trasplante de hígado; el grupo Congreso, que celebra sus cinco décadas de carrera; Mauricio Redolés, Chancho en Piedra y el metal de Criminal.
Día de la Música se celebró con más de 50 shows
En total fueron más de 50 presentaciones las que conmemoraron ayer el Día de la Música. El 4 de octubre se estableció por decreto, ya que también es la fecha en la que se celebra el natalicio de Violeta Parra. El rock de Aguaturbia en la sala SCD de Bellavista (en la foto) y el de Electrodomésticos en el GAM fueron parte de esta serie de presentaciones en la capital, donde también destacaron en regiones las actuaciones de Camila Gallardo (Iquique) o Congreso (Valparaíso).
La ministra de las Culturas, Consuelo Valdés, aprovechó la instancia para anunciar el postergado concierto gratuito que realizarán Los Jaivas para celebrar sus 55 años de carrera en el Movistar Arena: el show se realizará este 17 de octubre y las entradas se entregarán hoy y mañana en el mismo ministerio y el GAM, entre otras sedes.
Ambos nombres se suman a un certamen que en su próxima edición tendrá nuevamente un cartel paritario, al que se agregan cantantes como Javiera Mena.
José Vásquez
Los Vásquez son el conjunto chileno más popular de la última década, pero su participación, por decisión propia, en los festivales más mediáticos del país y en la televisión, es prácticamente inexistente.
La banda compuesta por los hermanos Ítalo y Enzo Vásquez ha triunfado con un proyecto que ha generado múltiples número uno radiales y ventas de discos -su álbum debut, "Contigo pop y cebolla", superó las 100 mil unidades vendidas, y "De sur a norte", su segundo título, logró 50 mil- que solo lograron los artistas nacionales más taquilleros antes de la caída en desgracia del formato compacto.
Un triunfo con un modelo independiente con el que se desplazaron con un éxito rotundo por una carretera alternativa que pavimentaron ellos mismos. Una vía en la que se sentían cómodos y por la que desechaban cualquier invitación que los moviera de ahí, descartando de plano, por ejemplo, el Festival de Viña del Mar. Pero esa situación ahora comienza a cambiar.
El conjunto nacido en Coyhaique será uno de los platos fuertes de la próxima edición de La Cumbre -ya sin el apellido "rock"-, el festival con artistas locales más grande y multitudinario del país, que realizará su sexta versión el próximo 12 de enero en el Club Hípico de Santiago.
Su show en este evento capitalino es otro paso más en la apertura que muestra la banda, que también volverá al Movistar Arena el próximo 14 de diciembre. Un evento, en esta ocasión, producido por T4F+Bizarro, la productora a cargo de la parte artística de Viña del Mar, una cercanía que ahora podría allanar su aterrizaje en la Quinta Vergara para ser parte del evento que representa la principal vitrina artística de Chile y una caja de resonancia internacional, que ahora sí querrían utilizar en pos de darle un impulso mayor a su carrera en el extranjero.
En cuanto a popularidad, Los Vásquez aparecen como el número ganador de un evento como La Cumbre, que este año reservó los clásicos para Buddy Richard. La voz de "Tu cariño se me va" tendrá un lugar destacado, en condición similar a la que recibió este año Cecilia. El cantante, uno de los ídolos de la Nueva Ola, demostró el pasado domingo en el Teatro Caupolicán que aún se encuentra fuerte para enfrentar a públicos masivos.
La Cumbre desde su última versión de enero pasado leyó la temperatura de las demandas sociales y tomó como desafío intentar lograr lo que más se acercara a un cartel de artistas paritario, objetivo que en su próxima edición es una de sus bases. Si este año la presencia femenina bordeó el 35 por ciento, para 2019 quieren que esa cifra llegue al 50 por ciento. Es por esto que el evento ahora anuncia a Javiera Mena, quien sigue promocionando su último álbum, "Espejo"; Rubio, proyecto de Francisca Straube y Evelyn Cornejo, quienes se suman a Francisca Valenzuela, Ana Tijoux, Javiera y Los Imposibles, Colombina Parra, Pascuala Ilabaca y Denise Rosenthal, entre otras.
Dentro del contingente masculino destaca el regreso de Álvaro Henríquez a los shows masivos junto a Los Tres, luego de su trasplante de hígado; el grupo Congreso, que celebra sus cinco décadas de carrera; Mauricio Redolés, Chancho en Piedra y el metal de Criminal.
Día de la Música se celebró con más de 50 shows
En total fueron más de 50 presentaciones las que conmemoraron ayer el Día de la Música. El 4 de octubre se estableció por decreto, ya que también es la fecha en la que se celebra el natalicio de Violeta Parra. El rock de Aguaturbia en la sala SCD de Bellavista (en la foto) y el de Electrodomésticos en el GAM fueron parte de esta serie de presentaciones en la capital, donde también destacaron en regiones las actuaciones de Camila Gallardo (Iquique) o Congreso (Valparaíso).
La ministra de las Culturas, Consuelo Valdés, aprovechó la instancia para anunciar el postergado concierto gratuito que realizarán Los Jaivas para celebrar sus 55 años de carrera en el Movistar Arena: el show se realizará este 17 de octubre y las entradas se entregarán hoy y mañana en el mismo ministerio y el GAM, entre otras sedes.
El esperado regreso de Taller Dejao
El Mercurio
El dúo que formaron Gepe y Javier Cruz hasta 2004 se reúne mañana para una única presentación en el Festival Neutral.
Raimundo Flores S.
Tan esperada como breve será la vuelta de Taller Dejao a los escenarios. El grupo que formaron Gepe y Javier Cruz entre 1999 y 2004 encabeza el cartel del Festival Neutral, que se realizará mañana en Matucana 100, en lo que será la única presentación que harán en esta reunión y donde repasarán las canciones del único disco que publicaron, "El brillo que tiene es lo humano que le queda".
Mientras Gepe inició su carrera solista luego de la separación del grupo, Javier Cruz vivió una realidad distinta: hace seis años vive en Brasil y no ha vuelto a participar en proyectos musicales.
"Nunca pensé en hacer algo que eventualmente iba a ser revisitado", dice Cruz, quien destaca el espíritu del grupo en sus inicios: "Había un enfoque ingenuo de la música en términos de hacer algo y de tocar algo que pudiera sonar bien, desprejuiciado y mucho más libre. Y eso te da un campo creativo bastante amplio".
Gepe, en tanto, desglosa la importancia del grupo en su carrera posterior. "Creo que fue el germen de lo que hice después. Sobre todo en los primeros años de Gepe que era todo súper intuitivo y eso lo hacíamos harto con Taller Dejao", dice el cantante, quien entrega sus razones para este regreso. "Siento que hay momentos en la vida de las personas en los que es bonito hacer algo en perspectiva, mirar qué hiciste hace casi veinte años".
Taller Dejao se presentará desde las 22:00 horas de este sábado en la explanada de Matucana 100.
El dúo que formaron Gepe y Javier Cruz hasta 2004 se reúne mañana para una única presentación en el Festival Neutral.
Raimundo Flores S.
Tan esperada como breve será la vuelta de Taller Dejao a los escenarios. El grupo que formaron Gepe y Javier Cruz entre 1999 y 2004 encabeza el cartel del Festival Neutral, que se realizará mañana en Matucana 100, en lo que será la única presentación que harán en esta reunión y donde repasarán las canciones del único disco que publicaron, "El brillo que tiene es lo humano que le queda".
Mientras Gepe inició su carrera solista luego de la separación del grupo, Javier Cruz vivió una realidad distinta: hace seis años vive en Brasil y no ha vuelto a participar en proyectos musicales.
"Nunca pensé en hacer algo que eventualmente iba a ser revisitado", dice Cruz, quien destaca el espíritu del grupo en sus inicios: "Había un enfoque ingenuo de la música en términos de hacer algo y de tocar algo que pudiera sonar bien, desprejuiciado y mucho más libre. Y eso te da un campo creativo bastante amplio".
Gepe, en tanto, desglosa la importancia del grupo en su carrera posterior. "Creo que fue el germen de lo que hice después. Sobre todo en los primeros años de Gepe que era todo súper intuitivo y eso lo hacíamos harto con Taller Dejao", dice el cantante, quien entrega sus razones para este regreso. "Siento que hay momentos en la vida de las personas en los que es bonito hacer algo en perspectiva, mirar qué hiciste hace casi veinte años".
Taller Dejao se presentará desde las 22:00 horas de este sábado en la explanada de Matucana 100.
Municipal de Santiago anuncia 2019 con gran presencia local y esperados regresos
El Mercurio
En la próxima temporada actuarán varios artistas nacionales que residen en el exterior, entre otros, el violista Roberto Díaz, el barítono Javier Arrey, los tenores Giancarlo Monsalve y Juan Pablo Dupré y el director Paolo Bortolameolli.
Maureen Lennon Zaninovic
Es sabido que el teatro es un mundo lleno de supersticiones donde algunas obras ni se nombran, porque supuestamente traen mala suerte. En la ópera si hay una obra que lleva el estigma de la maldición es "La fuerza del destino" (1862), de Verdi.
El Municipal de Santiago decidió conjurar las desgracias asociadas a "La forza..." -incendios de teatros y muertes, la más célebre la del barítono Leonard Warren en el Metropolitan de Nueva York al terminar de cantar el aria del tercer acto "Morir, tremenda cosa"- y la programó como uno de los títulos imperdibles (la última vez que se presentó en el Municipal fue en 1959). El 15 de abril esta ópera abrirá la temporada lírica 2019 con régie de Stefano Vizioli (en 2004 montó en el teatro "Rigoletto", de Verdi) y dirección musical de Konstantin Chudovsky. El tenor chileno radicado en Alemania Giancarlo Monsalve asumirá el papel de don Álvaro en el elenco internacional.
Ayer, en una inédita conferencia que se transmitió por streaming , Frédéric Chambert, director del Municipal de Santiago, reveló las principales novedades que ofrecerá el próximo año el teatro de Agustinas. El profesional francés añadió que en junio se programó "El caballero de la rosa", de Richard Strauss (en 2019 se conmemorarán los 70 años del fallecimiento del músico alemán). Se trata de una coproducción entre el Municipal de Santiago y los teatros Mayor y Colón de Bogotá. La régie fue comisionada al profesional argentino Alejandro Chacón, Maximiano Valdés dirigirá la orquesta y la soprano Paulina González encarnará a la mariscala en el elenco estelar. En julio el teatro cerrará con "Così fan tutte", de Mozart, la trilogía Da Ponte ( régie de Pierre Constant, dirección musical de Attilio Cremonesi y en el elenco internacional la chilena Paulina González dará vida a Fiordiligi y Andrea Aguilar protagonizará el estelar). En agosto tendrá lugar una coproducción con la Ópera de Lille (Francia): "Rodelinda", de Haendel. La Filarmónica de Santiago será dirigida por un experto en ese repertorio: el alemán Philipp Ahmann, la soprano española Sabina Puértolas encarnará a la protagonista y el barítono chileno Javier Arrey -con una destacada presencia en el Metropolitan Opera House de Nueva York- asumirá el papel de Garibaldo.
En octubre se programó una nueva producción de "La italiana en Argel", de Rossini. Este título marcará el debut en la temporada como régisseur del artista chileno Rodrigo Navarrete. Ramón López diseñará la escenografía y en el elenco internacional estará la soprano Patricia Cifuentes (Elvira). En el estelar, en tanto, la mezzosoprano Evelyn Ramírez será Isabella. La temporada 2019 cerrará en noviembre con un nuevo montaje de "Fausto", de Gounod (una coproducción con el Festival Amazonas de Manaus en Brasil). En el elenco internacional la chilena Paulina González asumirá el papel de Margarita y el tenor nacional radicado en Italia, Juan Pablo Dupré, dará vida al Fausto estelar.
Isabel Allende llega al Ballet de Santiago
En cuanto al Ballet de Santiago, que dirige Marcia Haydée, se anunció que la temporada abrirá en marzo con una reposición: "Raymonda", de Luis Ortigoza. El ciclo de cinco títulos ("Cascanueces" se programó por primera vez fuera de abono) continúa en mayo con "Eugenio Oneguin", de Cranko; el Sexto Festival de Coreógrafos (agosto), con un homenaje a Stravinsky, y un estreno que promete convertirse en uno de los puntos altos del 2019: "La casa de los espíritus" (septiembre). Se trata de una obra inspirada en la novela homónima de Isabel Allende. Eduardo Yedro es el coreógrafo y la música es una creación de José Luis Domínguez (la misma dupla de "El zorro"). El abono también contempla en noviembre "La Sylphide".
En los conciertos de la Filarmónica de Santiago sobresalen el regreso de varios directores chilenos, entre otros Maximiano Valdés, Rodolfo Fischer, Juan Pablo Izquierdo, Pedro-Pablo Prudencio y Paolo Bortolameolli. Este último estrenará "Nocturno", del compositor Miguel Farías, quien este año marcó un hito en el Municipal con la ópera "El Cristo de Elqui". También se confirmó la realización del segundo concurso de composición.
Dentro de los espectáculos extraordinarios, Frédéric Chambert anunció en mayo el debut en nuestro país de la gran soprano vasca Ainhoa Arteta con un homenaje a Federico García Lorca. En junio, Roberto Díaz, considerado el mayor virtuoso chileno de la viola, se presentará con un trío del Curtis Institute of Music. En agosto regresará -también en formato trío- el afamado violinista Pinchas Zukerman y desde Buenos Aires llegará a este escenario el Quinteto Astor Piazzolla.
El Ciclo Grandes Pianistas tendrá, entre otras fechas, un recital del pianista chileno Danor Quinteros, radicado en Austria.
Más información de todas las fechas y títulos en Municipal.cl
En la próxima temporada actuarán varios artistas nacionales que residen en el exterior, entre otros, el violista Roberto Díaz, el barítono Javier Arrey, los tenores Giancarlo Monsalve y Juan Pablo Dupré y el director Paolo Bortolameolli.
Maureen Lennon Zaninovic
Es sabido que el teatro es un mundo lleno de supersticiones donde algunas obras ni se nombran, porque supuestamente traen mala suerte. En la ópera si hay una obra que lleva el estigma de la maldición es "La fuerza del destino" (1862), de Verdi.
El Municipal de Santiago decidió conjurar las desgracias asociadas a "La forza..." -incendios de teatros y muertes, la más célebre la del barítono Leonard Warren en el Metropolitan de Nueva York al terminar de cantar el aria del tercer acto "Morir, tremenda cosa"- y la programó como uno de los títulos imperdibles (la última vez que se presentó en el Municipal fue en 1959). El 15 de abril esta ópera abrirá la temporada lírica 2019 con régie de Stefano Vizioli (en 2004 montó en el teatro "Rigoletto", de Verdi) y dirección musical de Konstantin Chudovsky. El tenor chileno radicado en Alemania Giancarlo Monsalve asumirá el papel de don Álvaro en el elenco internacional.
Ayer, en una inédita conferencia que se transmitió por streaming , Frédéric Chambert, director del Municipal de Santiago, reveló las principales novedades que ofrecerá el próximo año el teatro de Agustinas. El profesional francés añadió que en junio se programó "El caballero de la rosa", de Richard Strauss (en 2019 se conmemorarán los 70 años del fallecimiento del músico alemán). Se trata de una coproducción entre el Municipal de Santiago y los teatros Mayor y Colón de Bogotá. La régie fue comisionada al profesional argentino Alejandro Chacón, Maximiano Valdés dirigirá la orquesta y la soprano Paulina González encarnará a la mariscala en el elenco estelar. En julio el teatro cerrará con "Così fan tutte", de Mozart, la trilogía Da Ponte ( régie de Pierre Constant, dirección musical de Attilio Cremonesi y en el elenco internacional la chilena Paulina González dará vida a Fiordiligi y Andrea Aguilar protagonizará el estelar). En agosto tendrá lugar una coproducción con la Ópera de Lille (Francia): "Rodelinda", de Haendel. La Filarmónica de Santiago será dirigida por un experto en ese repertorio: el alemán Philipp Ahmann, la soprano española Sabina Puértolas encarnará a la protagonista y el barítono chileno Javier Arrey -con una destacada presencia en el Metropolitan Opera House de Nueva York- asumirá el papel de Garibaldo.
En octubre se programó una nueva producción de "La italiana en Argel", de Rossini. Este título marcará el debut en la temporada como régisseur del artista chileno Rodrigo Navarrete. Ramón López diseñará la escenografía y en el elenco internacional estará la soprano Patricia Cifuentes (Elvira). En el estelar, en tanto, la mezzosoprano Evelyn Ramírez será Isabella. La temporada 2019 cerrará en noviembre con un nuevo montaje de "Fausto", de Gounod (una coproducción con el Festival Amazonas de Manaus en Brasil). En el elenco internacional la chilena Paulina González asumirá el papel de Margarita y el tenor nacional radicado en Italia, Juan Pablo Dupré, dará vida al Fausto estelar.
Isabel Allende llega al Ballet de Santiago
En cuanto al Ballet de Santiago, que dirige Marcia Haydée, se anunció que la temporada abrirá en marzo con una reposición: "Raymonda", de Luis Ortigoza. El ciclo de cinco títulos ("Cascanueces" se programó por primera vez fuera de abono) continúa en mayo con "Eugenio Oneguin", de Cranko; el Sexto Festival de Coreógrafos (agosto), con un homenaje a Stravinsky, y un estreno que promete convertirse en uno de los puntos altos del 2019: "La casa de los espíritus" (septiembre). Se trata de una obra inspirada en la novela homónima de Isabel Allende. Eduardo Yedro es el coreógrafo y la música es una creación de José Luis Domínguez (la misma dupla de "El zorro"). El abono también contempla en noviembre "La Sylphide".
En los conciertos de la Filarmónica de Santiago sobresalen el regreso de varios directores chilenos, entre otros Maximiano Valdés, Rodolfo Fischer, Juan Pablo Izquierdo, Pedro-Pablo Prudencio y Paolo Bortolameolli. Este último estrenará "Nocturno", del compositor Miguel Farías, quien este año marcó un hito en el Municipal con la ópera "El Cristo de Elqui". También se confirmó la realización del segundo concurso de composición.
Dentro de los espectáculos extraordinarios, Frédéric Chambert anunció en mayo el debut en nuestro país de la gran soprano vasca Ainhoa Arteta con un homenaje a Federico García Lorca. En junio, Roberto Díaz, considerado el mayor virtuoso chileno de la viola, se presentará con un trío del Curtis Institute of Music. En agosto regresará -también en formato trío- el afamado violinista Pinchas Zukerman y desde Buenos Aires llegará a este escenario el Quinteto Astor Piazzolla.
El Ciclo Grandes Pianistas tendrá, entre otras fechas, un recital del pianista chileno Danor Quinteros, radicado en Austria.
Más información de todas las fechas y títulos en Municipal.cl
Concierto de "Rojo" apuntará a la interacción con el público
El Mercurio
El evento, que se efectuará mañana en Gran Arena Monticello, tendrá una competencia en vivo que emulará las realizadas durante el programa.
MARTÍN CIFUENTES F.
Lo primero, afirma Gonzalo Cordero, productor ejecutivo del espacio televisivo, será silencio y un blackout total. "La voz de (Jaime) Davagnino irrumpirá con un '¡Llegó el momento!', que retumbará en todo el lugar", dice, imitando la ya tan reconocida voz en off . Mañana, a eso de las 21:30 horas, en Gran Arena Monticello, se realizará el primer concierto del reformado "Rojo", programa buscatalentos de la señal pública, que no solo significa su retorno a los grandes eventos, sino que también intentará interactuar directamente con el público.
Álvaro Escobar, Jaime Davagnino y diez de los participantes de la temporada pasada protagonizarán su primera competencia afuera del canal. El inicio será con sus historias, cómo llegaron y se mantuvieron en el espacio. El foco, eso sí, estará en el baile y el canto. Parte del show será llevar elementos del programa a la presentación. "Será una competencia que se vive y resuelve ahí mismo", comenta el ejecutivo. Además de los enfrentamientos, se mostrarán sobre el escenario tres mixes del programa.
En algún momento, el equipo de producción pensó en una aplicación para poder interactuar con el público durante el show, pero implicaba implementar un sistema especial. "Por el hecho de haber una competencia, siempre habrá dos lados por quién aplaudir o gritar", explicita Cordero, y destaca que desde el público elegirán a cerca de diez personas para que puedan subir al escenario y estar junto a los participantes, que también tendrán la chance de estar en un backstage .
El concierto, el único por el momento, contará con una banda en vivo de diez músicos y con un escenario en el que primarán las pantallas. "Podríamos llevar el show a regiones, existen las ganas, pero primero estamos trabajando para este evento", dice Cordero, sobre el espectáculo de 90 minutos de duración y que hasta ayer llevaba vendidas más del 70% de las entradas.
La segunda temporada del programa, que comenzó hace dos semanas, promedia a la fecha 10 puntos de rating , quedando en segundo lugar en su horario.
El evento, que se efectuará mañana en Gran Arena Monticello, tendrá una competencia en vivo que emulará las realizadas durante el programa.
MARTÍN CIFUENTES F.
Lo primero, afirma Gonzalo Cordero, productor ejecutivo del espacio televisivo, será silencio y un blackout total. "La voz de (Jaime) Davagnino irrumpirá con un '¡Llegó el momento!', que retumbará en todo el lugar", dice, imitando la ya tan reconocida voz en off . Mañana, a eso de las 21:30 horas, en Gran Arena Monticello, se realizará el primer concierto del reformado "Rojo", programa buscatalentos de la señal pública, que no solo significa su retorno a los grandes eventos, sino que también intentará interactuar directamente con el público.
Álvaro Escobar, Jaime Davagnino y diez de los participantes de la temporada pasada protagonizarán su primera competencia afuera del canal. El inicio será con sus historias, cómo llegaron y se mantuvieron en el espacio. El foco, eso sí, estará en el baile y el canto. Parte del show será llevar elementos del programa a la presentación. "Será una competencia que se vive y resuelve ahí mismo", comenta el ejecutivo. Además de los enfrentamientos, se mostrarán sobre el escenario tres mixes del programa.
En algún momento, el equipo de producción pensó en una aplicación para poder interactuar con el público durante el show, pero implicaba implementar un sistema especial. "Por el hecho de haber una competencia, siempre habrá dos lados por quién aplaudir o gritar", explicita Cordero, y destaca que desde el público elegirán a cerca de diez personas para que puedan subir al escenario y estar junto a los participantes, que también tendrán la chance de estar en un backstage .
El concierto, el único por el momento, contará con una banda en vivo de diez músicos y con un escenario en el que primarán las pantallas. "Podríamos llevar el show a regiones, existen las ganas, pero primero estamos trabajando para este evento", dice Cordero, sobre el espectáculo de 90 minutos de duración y que hasta ayer llevaba vendidas más del 70% de las entradas.
La segunda temporada del programa, que comenzó hace dos semanas, promedia a la fecha 10 puntos de rating , quedando en segundo lugar en su horario.
jueves, octubre 04, 2018
Los 101 años de Violeta Parra: su museo estrena hoy tres obras inéditas
El Mercurio
Se trata de una arpillera, un papel maché y un óleo. Son creaciones donadas por el suizo Freddy Bauche, el esposo de Marie-Magdeleine Brumagne, quien fue amiga de la autora de "Gracias a la vida" y en 1965 hizo un documental sobre ella.
Daniela Silva Astorga
Mientras avanzaron sus tiempos de residencia con Gilbert Favre en Ginebra -entre 1962 y 1965-, Violeta Parra (1917-1967) ofreció conciertos en teatros o estudios de televisión, grabó sus composiciones revolucionarias y campesinas, publicó su libro "Poésie populaire des Andes" y confeccionó, sin cansancio, las arpilleras, óleos y esculturas de alambre, que en 1964 expuso en el pabellón Marsan del Museo del Louvre, en París. Pero en esos tiempos, la artista también construyó valiosas amistades, como la que tuvo con Marie-Magdeleine Brumagne, la periodista y crítica de arte que, en 1965, la entrevistó para su -hoy histórico- documental "Bordadora chilena", de la televisión suiza.
"La relación de ambas fue muy importante. Violeta tenía hartos amigos, pero también enemigos. Y Brumagne era su gran amiga: ella la conoció a cabalidad, la quiso y admiró mucho, y también la ayudó, porque en Ginebra las cosas no eran fáciles. Había que darse a conocer como creadora, tener un taller, mantenerse...", cuenta Milena Rojas, nieta de la autora de "Gracias a la vida", y jefa de colección y patrimonio del Museo Violeta Parra. Y debido a ese vínculo, la periodista recibió, de parte de Parra, una arpillera, un papel maché y una pintura al óleo. Tres obras que por más de cinco décadas permanecieron en el departamento que Brumagne tuvo con su marido, Freddy Bauche, en Lausana, hasta que él las cedió al Museo Violeta Parra.
La donación se concretó en 2017 gracias a la gestión del chileno-suizo Francisco González, fundador del colectivo Artísticamente, y las obras arribaron a Santiago en marzo de este año. Pero recién ahora el público del museo las podrá apreciar: hoy se inaugura, con las tres piezas, la exposición "El día de tu cumpleaños". Y será una celebración triple, por los 101 años de la multifacética artista, los tres años del museo y el Día de la Música Chilena. Por eso, la institución programó para hoy, a partir de las 13:00 horas, cueca con Las Mononas y los Trukeros, un taller de bordado y sillas musicales para jugar (los horarios en Museovioletaparra.cl).
"Esta importante donación refuerza nuestro sentido", afirma Cecilia García-Huidobro, directora del Museo Violeta Parra. Y luego profundiza: "Al resguardar el legado de la vida y obra de Violeta, nosotros no estamos estáticos. Queremos que la colección que conservamos crezca, y por eso permanentemente buscamos por el mundo y Chile más obras suyas. Apenas nos enteramos de algo, pesquisamos. Sabemos que no podremos tenerlo todo, pero sí queremos, al menos, componer un registro acabado de su trabajo, de lo que hizo, porque aún falta mucho conocimiento. Lo bueno es que la existencia de una institución como esta, que perdurará en el tiempo, anima a donar".
Otro aspecto destacable del obsequio de Freddy Bauche es que dos de las tres obras fueron expuestas en el Louvre, y que las tres -una ronda de niños en papel maché, una pintura de una escena festiva y la arpillera "La Brujita"- estaban en perfectas condiciones de conservación e incluso contaban todavía con sus marcos originales. "Solo fue necesario realizar una limpieza básica y preventiva, a cargo de la conservadora Ana Elisa Anselmo", cuenta García-Huidobro. Y Milena Rojas adelanta una novedad: "Esta nueva arpillera será montada en una especie de tótem. Lo que permitirá verla por el anverso y el reverso; algo que es muy especial, porque, en general, en las obras textiles de Violeta el reverso está tapado por una tela. Entonces, acá se podrá apreciar todo el precioso trabajo que realizó la artista".
Otras valiosas donaciones
El Museo Violeta Parra, que en estos tres años de historia han visitado más de 246 mil personas, ha recibido -además del regalo de Bauche- otras seis obras en donación. Se trata de un cartón pintado y dos óleos sobre tela ("Justice du monde" y un Cristo crucificado), que próximamente también serán exhibidos al público. Hoy están en proceso de restauración.
Se trata de una arpillera, un papel maché y un óleo. Son creaciones donadas por el suizo Freddy Bauche, el esposo de Marie-Magdeleine Brumagne, quien fue amiga de la autora de "Gracias a la vida" y en 1965 hizo un documental sobre ella.
Daniela Silva Astorga
Mientras avanzaron sus tiempos de residencia con Gilbert Favre en Ginebra -entre 1962 y 1965-, Violeta Parra (1917-1967) ofreció conciertos en teatros o estudios de televisión, grabó sus composiciones revolucionarias y campesinas, publicó su libro "Poésie populaire des Andes" y confeccionó, sin cansancio, las arpilleras, óleos y esculturas de alambre, que en 1964 expuso en el pabellón Marsan del Museo del Louvre, en París. Pero en esos tiempos, la artista también construyó valiosas amistades, como la que tuvo con Marie-Magdeleine Brumagne, la periodista y crítica de arte que, en 1965, la entrevistó para su -hoy histórico- documental "Bordadora chilena", de la televisión suiza.
"La relación de ambas fue muy importante. Violeta tenía hartos amigos, pero también enemigos. Y Brumagne era su gran amiga: ella la conoció a cabalidad, la quiso y admiró mucho, y también la ayudó, porque en Ginebra las cosas no eran fáciles. Había que darse a conocer como creadora, tener un taller, mantenerse...", cuenta Milena Rojas, nieta de la autora de "Gracias a la vida", y jefa de colección y patrimonio del Museo Violeta Parra. Y debido a ese vínculo, la periodista recibió, de parte de Parra, una arpillera, un papel maché y una pintura al óleo. Tres obras que por más de cinco décadas permanecieron en el departamento que Brumagne tuvo con su marido, Freddy Bauche, en Lausana, hasta que él las cedió al Museo Violeta Parra.
La donación se concretó en 2017 gracias a la gestión del chileno-suizo Francisco González, fundador del colectivo Artísticamente, y las obras arribaron a Santiago en marzo de este año. Pero recién ahora el público del museo las podrá apreciar: hoy se inaugura, con las tres piezas, la exposición "El día de tu cumpleaños". Y será una celebración triple, por los 101 años de la multifacética artista, los tres años del museo y el Día de la Música Chilena. Por eso, la institución programó para hoy, a partir de las 13:00 horas, cueca con Las Mononas y los Trukeros, un taller de bordado y sillas musicales para jugar (los horarios en Museovioletaparra.cl).
"Esta importante donación refuerza nuestro sentido", afirma Cecilia García-Huidobro, directora del Museo Violeta Parra. Y luego profundiza: "Al resguardar el legado de la vida y obra de Violeta, nosotros no estamos estáticos. Queremos que la colección que conservamos crezca, y por eso permanentemente buscamos por el mundo y Chile más obras suyas. Apenas nos enteramos de algo, pesquisamos. Sabemos que no podremos tenerlo todo, pero sí queremos, al menos, componer un registro acabado de su trabajo, de lo que hizo, porque aún falta mucho conocimiento. Lo bueno es que la existencia de una institución como esta, que perdurará en el tiempo, anima a donar".
Otro aspecto destacable del obsequio de Freddy Bauche es que dos de las tres obras fueron expuestas en el Louvre, y que las tres -una ronda de niños en papel maché, una pintura de una escena festiva y la arpillera "La Brujita"- estaban en perfectas condiciones de conservación e incluso contaban todavía con sus marcos originales. "Solo fue necesario realizar una limpieza básica y preventiva, a cargo de la conservadora Ana Elisa Anselmo", cuenta García-Huidobro. Y Milena Rojas adelanta una novedad: "Esta nueva arpillera será montada en una especie de tótem. Lo que permitirá verla por el anverso y el reverso; algo que es muy especial, porque, en general, en las obras textiles de Violeta el reverso está tapado por una tela. Entonces, acá se podrá apreciar todo el precioso trabajo que realizó la artista".
Otras valiosas donaciones
El Museo Violeta Parra, que en estos tres años de historia han visitado más de 246 mil personas, ha recibido -además del regalo de Bauche- otras seis obras en donación. Se trata de un cartón pintado y dos óleos sobre tela ("Justice du monde" y un Cristo crucificado), que próximamente también serán exhibidos al público. Hoy están en proceso de restauración.
Ciclo "Jóvenes Solistas" de la UC: Roberto Kuhn, la noble guitarra
El Mercurio
Jaime Donoso Arellano
Que la guitarra clásica en Chile tenga un nivel reconocido internacionalmente, ya no es novedad. Desde la cátedra de ilustres maestros-intérpretes como Luis López, Ernesto Quezada, Eulogio Dávalos, Oscar Ohlsen, Luis Orlandini, y varios otros, se ha esparcido hacia Chile y el mundo una pléyade de jóvenes guitarristas que han obtenido los más altos galardones en el extranjero, constituyéndose en el grupo de músicos que mayores glorias le ha dado a nuestro país.
Roberto Kuhn es uno de esos grandes talentos. Formado en la Universidad Católica y en el Conservatorio de Glasgow, Escocia, país donde reside actualmente, ofreció el sábado un hermoso recital en el Aula Magna del Centro de Extensión UC, en el Ciclo "Jóvenes Solistas" del Instituto de Música de esa universidad. Si se pudiera resumir el recital, se diría que hubo técnica intachable, finura y elegancia en la expresión, muy cuidado manejo del sonido y dinámica, búsqueda exhaustiva de los colores del instrumento y un novedoso aporte al repertorio.
El concierto comenzó con un grupo de piezas escocesas para laúd, en arreglo para guitarra del escocés Matthew McAllister. Todas exhiben el melodismo céltico, de "ambiente pentáfono", plenas de giros de inconfundible raigambre y que parecieron revelar la identificación del intérprete con la música tradicional del país que lo ha acogido. Las "Miniaturas balcánicas", del serbio Dusan Bogdanovic (1955), fueron ejecutadas con maestría, revelando con claridad los atractivos giros melódicos "orientalistas" y las fascinantes rítmicas irregulares. Siguieron dos obras de Piazzolla (1921-1992): "Invierno porteño", en arreglo del brasileño Sergio Assad, que fue vertida con nostalgia y arrabalera intimidad, y el tango "Triunfal", en arreglo del argentino Víctor Villadangos, en una impactante versión llena de nervio.
Del compositor galés Stephen Goss (1964) se escucharon sus "Cantigas de Santiago", obra basada en melodías medievales vinculadas a la peregrinación del camino de Santiago. Goss utiliza recursos como dejar que arpegios y acordes vibren sin apagar las cuerdas, lo que provoca un halo reverberante de sonoridades catedralicias. El programa culminó con dos excelentes arreglos de Kuhn para obras de Albéniz: el "Capricho catalán", inmejorablemente interpretado, y "Asturias". Esta última obra fue originalmente escrita para piano, pero teniendo como claro referente la sonoridad y recursos de la guitarra, por lo que el arreglo resultó absolutamente apropiado.
Merecidas ovaciones premiaron el brillante desempeño del solista.
Jaime Donoso Arellano
Que la guitarra clásica en Chile tenga un nivel reconocido internacionalmente, ya no es novedad. Desde la cátedra de ilustres maestros-intérpretes como Luis López, Ernesto Quezada, Eulogio Dávalos, Oscar Ohlsen, Luis Orlandini, y varios otros, se ha esparcido hacia Chile y el mundo una pléyade de jóvenes guitarristas que han obtenido los más altos galardones en el extranjero, constituyéndose en el grupo de músicos que mayores glorias le ha dado a nuestro país.
Roberto Kuhn es uno de esos grandes talentos. Formado en la Universidad Católica y en el Conservatorio de Glasgow, Escocia, país donde reside actualmente, ofreció el sábado un hermoso recital en el Aula Magna del Centro de Extensión UC, en el Ciclo "Jóvenes Solistas" del Instituto de Música de esa universidad. Si se pudiera resumir el recital, se diría que hubo técnica intachable, finura y elegancia en la expresión, muy cuidado manejo del sonido y dinámica, búsqueda exhaustiva de los colores del instrumento y un novedoso aporte al repertorio.
El concierto comenzó con un grupo de piezas escocesas para laúd, en arreglo para guitarra del escocés Matthew McAllister. Todas exhiben el melodismo céltico, de "ambiente pentáfono", plenas de giros de inconfundible raigambre y que parecieron revelar la identificación del intérprete con la música tradicional del país que lo ha acogido. Las "Miniaturas balcánicas", del serbio Dusan Bogdanovic (1955), fueron ejecutadas con maestría, revelando con claridad los atractivos giros melódicos "orientalistas" y las fascinantes rítmicas irregulares. Siguieron dos obras de Piazzolla (1921-1992): "Invierno porteño", en arreglo del brasileño Sergio Assad, que fue vertida con nostalgia y arrabalera intimidad, y el tango "Triunfal", en arreglo del argentino Víctor Villadangos, en una impactante versión llena de nervio.
Del compositor galés Stephen Goss (1964) se escucharon sus "Cantigas de Santiago", obra basada en melodías medievales vinculadas a la peregrinación del camino de Santiago. Goss utiliza recursos como dejar que arpegios y acordes vibren sin apagar las cuerdas, lo que provoca un halo reverberante de sonoridades catedralicias. El programa culminó con dos excelentes arreglos de Kuhn para obras de Albéniz: el "Capricho catalán", inmejorablemente interpretado, y "Asturias". Esta última obra fue originalmente escrita para piano, pero teniendo como claro referente la sonoridad y recursos de la guitarra, por lo que el arreglo resultó absolutamente apropiado.
Merecidas ovaciones premiaron el brillante desempeño del solista.
The Chainsmokers llegan a saldar su deuda con Chile
El Mercurio
Raimundo Flores S.
Eran una de las grandes cartas para la versión chilena de Lollapalooza 2017, pero a pocas semanas de que se realizara el festival, anunciaron que no se presentarían. Más de un año y medio después, el dúo de DJ's hará hoy su esperado debut en Santiago con un concierto en el Movistar Arena.
"No estamos seguros de si alguna vez podremos pagar la deuda que tenemos, pero lo intentaremos", declaran a "El Mercurio" sobre su fallida primera actuación en el país.
Durante este año el grupo -ganador del Grammy a Mejor Grabación Dance en 2017- ha publicado una serie de sencillos que siguen la senda de su disco debut "Memories... Do not open" con canciones hechas para la pista de baile.
"Hacer que suene nuevo, fresco y emocionante. Ese es el mayor desafío hoy en día", dicen con respecto a su próximo material, que, según adelantan, tendrá pop, baladas y hip hop.
La llegada de The Chainsmokers se da en el contexto de la celebración de los 15 años del Festival Creamfields en Chile. El concierto de los neoyorkinos será la antesala de una nueva edición del certamen, que se realizará el próximo 17 de noviembre en el Club Hípico.
"Es increíblemente especial que nuestra música alcance a tantos alrededor del mundo. Sabemos que eso no está garantizado y para nosotros es importante interactuar con nuestros fans cada vez que podemos. Después de todo, ellos son nuestra inspiración", señala el dúo y remata con una promesa para los seguidores que asistan al show: "Van a quedar sordos y con una sonrisa en la cara".
Raimundo Flores S.
Eran una de las grandes cartas para la versión chilena de Lollapalooza 2017, pero a pocas semanas de que se realizara el festival, anunciaron que no se presentarían. Más de un año y medio después, el dúo de DJ's hará hoy su esperado debut en Santiago con un concierto en el Movistar Arena.
"No estamos seguros de si alguna vez podremos pagar la deuda que tenemos, pero lo intentaremos", declaran a "El Mercurio" sobre su fallida primera actuación en el país.
Durante este año el grupo -ganador del Grammy a Mejor Grabación Dance en 2017- ha publicado una serie de sencillos que siguen la senda de su disco debut "Memories... Do not open" con canciones hechas para la pista de baile.
"Hacer que suene nuevo, fresco y emocionante. Ese es el mayor desafío hoy en día", dicen con respecto a su próximo material, que, según adelantan, tendrá pop, baladas y hip hop.
La llegada de The Chainsmokers se da en el contexto de la celebración de los 15 años del Festival Creamfields en Chile. El concierto de los neoyorkinos será la antesala de una nueva edición del certamen, que se realizará el próximo 17 de noviembre en el Club Hípico.
"Es increíblemente especial que nuestra música alcance a tantos alrededor del mundo. Sabemos que eso no está garantizado y para nosotros es importante interactuar con nuestros fans cada vez que podemos. Después de todo, ellos son nuestra inspiración", señala el dúo y remata con una promesa para los seguidores que asistan al show: "Van a quedar sordos y con una sonrisa en la cara".
miércoles, octubre 03, 2018
Desde el 27 de enero al 5 de febrero: Grandes apuestas para las Semanas Musicales de Frutillar 2019
El Mercurio
Se destacan el retorno de David del Pino, el debut de la Orquesta de Cámara de Valdivia y Luis Alberto Latorre como solista en el Concierto de Shostakovich.
Romina de la Sotta Donoso
Prometedoras se ven las Semanas Musicales de Frutillar 2019, pues se anuncian grandes retornos y atractivos debuts en este festival que se realizará entre el 27 de enero y el 5 de febrero.
Como un acto de justicia vuelve una de las batutas más recordadas en Frutillar, y que se hizo presente, año tras año, entre 1998 y 2007, con su orquesta de entonces, la Sinfónica, pero que aún no ha dirigido en el Teatro del Lago.
"Por segundo año tendremos la participación de la Orquesta de Cámara de Chile, que vendrá con David del Pino, un director que no ha estado en Frutillar hace muchos años y que echamos de menos", dice Harriet Eeles, presidenta de la Corporación Cultural Semanas Musicales de Frutillar.
El director peruano conducirá a la agrupación en dos conciertos. Abordarán a dos clásicos, con la Sinfonía N° 39 de Mozart y la Séptima de Beethoven, y acompañarán al cantante que gane el Concurso "Dr. Luis Sigall".
Otro hito será el debut de la Orquesta de Cámara de Valdivia, que dirige Emmanuele Baldini, y que repetirá su exitoso programa "Otra visión de Bach", centrado en el arreglo del brasileño Caio Facó para las Variaciones Goldberg BWV 988. "Fuimos a ese concierto y nos encantó esa mirada, tan novedosa y actual, de Bach. Queremos tener más orquestas chilenas en nuestra programación y mostrar que hay grandes músicos en todo el país", comenta Eeles.
Como siempre, la inauguración estará a cargo de Rodrigo De Negri y la Banda Sinfónica de la Fach, que se consagrarán a Tchaikovsky un día y a la música de películas el siguiente.
En cambio, la Orquesta Sinfónica Nacional Juvenil solo tendrá un concierto esta vez. Será con su titular, Maximiano Valdés, y con repertorio romántico.
La Orquesta Sinfónica Nacional de Chile invitó al director Rodolfo Saglimbeni para sus tres conciertos, y apostarán doble por Shostakovich, con la Sinfonía N° 10 y su Concierto para piano, con Luis Alberto Latorre como solista. En la clausura se les sumará el Coro Sinfónico en el oratorio "La Creación", de Haydn.
Uno de los puntos altos de los conciertos de mediodía lo dará Léon Berben, uno de los mejores clavecinistas del mundo. Igualmente prometen dos pianistas: la premiada Junghwa Lee (Corea) y el ganador del próximo concurso "José Jacinto Cuevas", de México. Se destacan también la Agrupación Fammusic, con Lorena y Marcelo González (violines) y Verónica González (chelo), y el Coro de la U. Silva Henríquez.
Mención aparte merece el aplaudido Cuarteto Surkos que, además de actuar en el Teatro del Lago, protagonizará el primer concierto de extensión que el festival hace en el extranjero: actuarán en Bariloche.
"Es un sueño que tenía Flora Inostroza, siempre hemos querido hacer lazos con Argentina. Este año llegaremos más lejos que nunca", apunta Eeles.
Los 18 conciertos de extensión son gratuitos -se financian vía Ley de Donaciones- y se extenderán por primera vez a Viña del Mar. Los conversatorios tendrán entrada liberada y los conducirá Nicolas Rauss.
Además, en 2019 renacerán los conciertos nocturnos, con la música antigua del Ensamble Villanueva, de La Serena, y la Orquesta Binacional de Tango. El jazz y el folclor se harán presentes fuera de programa, con la Big Band de la Fach y Trío Ladies, y los Huasos de Algarrobal (24 y 25 de enero, respectivamente).
La composición chilena, en tanto, sigue siendo escasa. Sólo tres de las cinco orquestas tocarán una obra nacional: "Nguillahue", de Rafael Díaz; "Obertura Festiva", de Juan Orrego-Salas, y "Preludio Sinfónico", de René Amengual.
Se destacan el retorno de David del Pino, el debut de la Orquesta de Cámara de Valdivia y Luis Alberto Latorre como solista en el Concierto de Shostakovich.
Romina de la Sotta Donoso
Prometedoras se ven las Semanas Musicales de Frutillar 2019, pues se anuncian grandes retornos y atractivos debuts en este festival que se realizará entre el 27 de enero y el 5 de febrero.
Como un acto de justicia vuelve una de las batutas más recordadas en Frutillar, y que se hizo presente, año tras año, entre 1998 y 2007, con su orquesta de entonces, la Sinfónica, pero que aún no ha dirigido en el Teatro del Lago.
"Por segundo año tendremos la participación de la Orquesta de Cámara de Chile, que vendrá con David del Pino, un director que no ha estado en Frutillar hace muchos años y que echamos de menos", dice Harriet Eeles, presidenta de la Corporación Cultural Semanas Musicales de Frutillar.
El director peruano conducirá a la agrupación en dos conciertos. Abordarán a dos clásicos, con la Sinfonía N° 39 de Mozart y la Séptima de Beethoven, y acompañarán al cantante que gane el Concurso "Dr. Luis Sigall".
Otro hito será el debut de la Orquesta de Cámara de Valdivia, que dirige Emmanuele Baldini, y que repetirá su exitoso programa "Otra visión de Bach", centrado en el arreglo del brasileño Caio Facó para las Variaciones Goldberg BWV 988. "Fuimos a ese concierto y nos encantó esa mirada, tan novedosa y actual, de Bach. Queremos tener más orquestas chilenas en nuestra programación y mostrar que hay grandes músicos en todo el país", comenta Eeles.
Como siempre, la inauguración estará a cargo de Rodrigo De Negri y la Banda Sinfónica de la Fach, que se consagrarán a Tchaikovsky un día y a la música de películas el siguiente.
En cambio, la Orquesta Sinfónica Nacional Juvenil solo tendrá un concierto esta vez. Será con su titular, Maximiano Valdés, y con repertorio romántico.
La Orquesta Sinfónica Nacional de Chile invitó al director Rodolfo Saglimbeni para sus tres conciertos, y apostarán doble por Shostakovich, con la Sinfonía N° 10 y su Concierto para piano, con Luis Alberto Latorre como solista. En la clausura se les sumará el Coro Sinfónico en el oratorio "La Creación", de Haydn.
Uno de los puntos altos de los conciertos de mediodía lo dará Léon Berben, uno de los mejores clavecinistas del mundo. Igualmente prometen dos pianistas: la premiada Junghwa Lee (Corea) y el ganador del próximo concurso "José Jacinto Cuevas", de México. Se destacan también la Agrupación Fammusic, con Lorena y Marcelo González (violines) y Verónica González (chelo), y el Coro de la U. Silva Henríquez.
Mención aparte merece el aplaudido Cuarteto Surkos que, además de actuar en el Teatro del Lago, protagonizará el primer concierto de extensión que el festival hace en el extranjero: actuarán en Bariloche.
"Es un sueño que tenía Flora Inostroza, siempre hemos querido hacer lazos con Argentina. Este año llegaremos más lejos que nunca", apunta Eeles.
Los 18 conciertos de extensión son gratuitos -se financian vía Ley de Donaciones- y se extenderán por primera vez a Viña del Mar. Los conversatorios tendrán entrada liberada y los conducirá Nicolas Rauss.
Además, en 2019 renacerán los conciertos nocturnos, con la música antigua del Ensamble Villanueva, de La Serena, y la Orquesta Binacional de Tango. El jazz y el folclor se harán presentes fuera de programa, con la Big Band de la Fach y Trío Ladies, y los Huasos de Algarrobal (24 y 25 de enero, respectivamente).
La composición chilena, en tanto, sigue siendo escasa. Sólo tres de las cinco orquestas tocarán una obra nacional: "Nguillahue", de Rafael Díaz; "Obertura Festiva", de Juan Orrego-Salas, y "Preludio Sinfónico", de René Amengual.
Festival Lampa Rock 2018 mantendrá preventas hasta el 10 de octubre
Comunicado de prensa
Con la incorporación de la banda “Voodoo Zombie”, el festival que se realizará en la comuna de Lampa este 27 de octubre y que ha sido descrito por sus organizadores como un festival de ROCK CHILENO fiel al género, cierra su cartel con 14 bandas originales en diferentes estilos rockeros.
Las preventas populares ($3.000 + cargo) estarán sólo disponibles hasta el 10 de octubre a través del sistema Eventrid, luego los valores subirán paulatinamente llegando hasta los $10.000 en última instancia.
No pierdan la oportunidad de ver a bandas consagradas y emergentes compartiendo escenario, con nombres como: Devil Presley, Fiskales Ad Hok, Saken, Bar Infierno, Chivo Viejo, El Leyton & Los Cerrucos, KeRuede, Voodoo Zombie, Nunca Seremos Dichosos, Revenga, Signos, Sin Muerte, Tierra Gris y Hexagram.
Invitamos a todos los amigos del rock chileno a participar de esta gran fiesta que hoy comienza a escribir otra parte de su historia, manteniendo el espíritu de apoyo y compromiso con las bandas emergentes de Lampa y Chile.
Produce: Atenea
Invita: Cerveza Lampa
Colabora: Rockaxis / I-Rock / Rockerio.cl
Venta de entradas: Sistema Eventrid
Teaser Oficial:
https://www.youtube.com/watch?v=NMbbF5KOoq4&feature=youtu.be
¿Cuándo? Sábado 27 de octubre a partir de las 12:00 hrs. (Las puertas abrirán a las 11:00 hrs.)
¿Dónde? Camino Noviciado Norte. Parcela Los Aromos. Lote E-2. Lampa https://goo.gl/GKdb6V
¿Valores? Primera Preventa $3.000 a través de sistema Eventrid.
¿Venta de Comida y bebidas? Sí.
¿Movilización?: Pública hasta las 21:00 hrs y también del festival con ticket en mano. (Se publicarán los horarios y recorridos).
¿Estacionamientos?: Privados dentro del mismo recinto.
*Evento apto para todo público, prohibido el ingreso de alimentos y bebidas alcohólicas.
Con la incorporación de la banda “Voodoo Zombie”, el festival que se realizará en la comuna de Lampa este 27 de octubre y que ha sido descrito por sus organizadores como un festival de ROCK CHILENO fiel al género, cierra su cartel con 14 bandas originales en diferentes estilos rockeros.
Las preventas populares ($3.000 + cargo) estarán sólo disponibles hasta el 10 de octubre a través del sistema Eventrid, luego los valores subirán paulatinamente llegando hasta los $10.000 en última instancia.
No pierdan la oportunidad de ver a bandas consagradas y emergentes compartiendo escenario, con nombres como: Devil Presley, Fiskales Ad Hok, Saken, Bar Infierno, Chivo Viejo, El Leyton & Los Cerrucos, KeRuede, Voodoo Zombie, Nunca Seremos Dichosos, Revenga, Signos, Sin Muerte, Tierra Gris y Hexagram.
Invitamos a todos los amigos del rock chileno a participar de esta gran fiesta que hoy comienza a escribir otra parte de su historia, manteniendo el espíritu de apoyo y compromiso con las bandas emergentes de Lampa y Chile.
Produce: Atenea
Invita: Cerveza Lampa
Colabora: Rockaxis / I-Rock / Rockerio.cl
Venta de entradas: Sistema Eventrid
Teaser Oficial:
https://www.youtube.com/watch?v=NMbbF5KOoq4&feature=youtu.be
¿Cuándo? Sábado 27 de octubre a partir de las 12:00 hrs. (Las puertas abrirán a las 11:00 hrs.)
¿Dónde? Camino Noviciado Norte. Parcela Los Aromos. Lote E-2. Lampa https://goo.gl/GKdb6V
¿Valores? Primera Preventa $3.000 a través de sistema Eventrid.
¿Venta de Comida y bebidas? Sí.
¿Movilización?: Pública hasta las 21:00 hrs y también del festival con ticket en mano. (Se publicarán los horarios y recorridos).
¿Estacionamientos?: Privados dentro del mismo recinto.
*Evento apto para todo público, prohibido el ingreso de alimentos y bebidas alcohólicas.
En Órbita se prepara para el aterrizaje de su tercera edición
Comunicado de prensa
Este 21 y 22 de Noviembre arranca la primera edición del festival en la ciudad peruana de Lima, mientras que en Santiago se dividirá en tres jornadas: 22, 23 y 24 de Noviembre
Desde su primera edición, En Órbita se ha caracterizado por buscar desmarcarse del resto de los festivales generando un evento que impulsa tanto la curiosidad como el conocimiento de lo que emerge en torno a la escena musical.
Un nuevo espacio se le otorgó a la ciencia el 2017 al usar como venue el icónico Planetario de Santiago, además de colaborar con el MIT Media Lab. en lo que fue la primera edición del festival en Nueva York en julio de este año.
De esta forma, se instaura la búsqueda de un diálogo entre ciencia, palabras, sonidos y diferentes culturas. Esta es la razón principal por la cual en esta tercera versión del festival En Órbita quisimos ahondar un poco más en temáticas que generan un cruce entre lo teórico y lo tangible. Los pueblos originarios y la forma en que la astronomía se cuela en nuestra rutina diaria son algunos de ellos.
Pronto anunciaremos el programa completo de nuestro ciclo de charlas y exhibiciones que tendrán lugar en el Museo Precolombino.
13 de Noviembre- Jonathan Wilson en Bar Loreto
La primera fecha a agendar es el 13 de Noviembre.
Celebraremos nuestro tercer aniversario junto al héroe de la guitarra y productor multifacético Jonathan Wilson, responsable de los discos de Father John Misty y pieza clave en el álbum de regreso y gira de Roger Waters.
Jonathan vuelve con su propia obra maestra: “Rare Birds”, tercer álbum solista bajo el sello Bella Union, ofreciendo un show íntimo en Bar Loreto a solo días de su presentación junto a Roger Waters, dando el pie inicial a lo que será la tercera edición del Festival En Órbita en Santiago.
22 y 23 de Noviembre- Museo Precolombino
Nos tomamos el Museo Precolombino para hablar de culturas milenarias y su relación con el espacio, la composición musical para películas, la curatoría con contenido, entre otras temáticas a abordar.
Agradecemos la colaboración del Museo Precolombino y el observatorio Alma, el British Council y Conadi, en un afán por destacar a las instituciones que nos han apoyado y facilitado la exposición de estos contenidos
¡Estén atentos al anuncio del programa completo con los destacados invitados que tenemos este año!
23 de Noviembre – Bar Loreto Onaciú
Durante toda la noche podrán pasearse por los míticos clubes Bar Loreto y Onaciú para presenciar nuestra destacada selección de bandas nacionales e internacionales. Noche de showcases, amistades, y sorpresas con nuevos talentos.
24 de Noviembre – Cúpula, se suma al lineup Jose Maza y Juan Wauters
Al ya anunciado lineup conformado por destacados artistas tales como Oh Sees, Föllakzoid, Suuns además de la reciente incorporación de dos bandas de la escena indie koreana, sumamos dos sorpresas:
Para darle inicio al día completo de shows, tendremos el honor de tener al destacado astrónomo y Premio Nacional de ciencias exactas – un verdadero rock star de la astronomía –, José Maza, presentando su última charla acerca de la vida en Marte, y como somos acérrimos fans de David Bowie (¿recuerdan el año pasado cuando proyectamos el video de Space Oddity sobre la cúpula de planetario?), para rendirle un nuevo tributo al destacado artista, el nombre oficial de la charla queda así:
Jose Maza presentando: “Life on Mars”
En nuestro propio lenguaje de En Órbita, técnicamente queremos saber cómo sería nuestra vida si nuestro hogar fuese Marte. Estamos seguros de que a Bowie le hubiese encantado poder escuchar a Don José, y qué linda manera de responder a esa romántica pregunta que titulaba una de nuestras canciones favoritas
Don José, ¿is there life on Mars?
La segunda nueva adición es el cantautor uruguayo radicado en Nueva York, Juan Wauters. Parte del sello “Captured Tracks” y apadrinado desde hace ya bastante tiempo por Mac DeMarco (este año volvió a acompañarlo abriendo su última gira en E.E.U.U), Juan vendrá a presentar un show cargado de comicidad y temática social, con canciones que llegan al alma y hablan con claridad, además de la elocuencia y fluidez de sus narraciones personales, las cuales se han convertido en el sello del artísta.
Sobre En Órbita
En Órbita es una innovadora experiencia artística y musical que tiene por objetivo principal crear una conversación entre la música, el arte y las ciencias.
El festival cuenta ya con dos exitosas ediciones realizadas en Santiago, durante 2016 y 2017 y una en Nueva York el pasado Julio del 2018.
En estas oportunidades, se lograron congregar tanto a nuevas promesas musicales como también a influyentes bandas y músicos, entre los que se destacan The Sonics, Os Mutantes, Los Mirlos, Cigarettes After Sex, Lee Ranaldo, Damo Suzuki, Dead Meadow, Holy Wave y Radio Moscú.
En cuanto a las charlas y los encuentros, la curatoría ha sido siempre multidisciplinar, y entre algunos de los nombres que han estado compartiendo su experiencia se cuenta a: Ian Svenonius, escritor y miembro de la banda The Make-Up; Martin Atkins, del SEA Institute, la mayor institución educativa sobre medios creativos; Jason Mayall, periodista y programador musical del Fuji Rock Fest; Sean Bohrman, fundador de Burger Records; y Sergio Dias, cofundador y guitarrista de Os Mutantes; entre otros.
Line Up Festival En Órbita 2018
Thee Oh Sees
Liderados por el carismático John Dwyer, Thee Oh Sees (o simplemente Oh Sees) se presentan por primera vez en nuestro país ante una frustrada venida el 2015 como acto inaugurativo, precisamente, de la primera versión del Festival En Órbita.
Con una frenética mezcla entre garage, punk y psicodelia, los californianos vienen a presentar su contundente repertorio de más de 12 álbumes de estudio, demostrando por qué son reconocidos como una de las bandas más importantes del rock alternativo estadounidense del último tiempo.
Suuns
Como uno de los representantes más fieles de la escena indie rock canadiense, Suuns aterriza por primera vez a nuestro país de la mano de su último disco, Felt, lanzado en marzo de este año. Fusionando las etéreas melodías del indie rock característicos del norte de América en conjunto con acentos disonantes al más puro estilo drone, Suuns se presenta como una de las cartas más atractivas a presenciar de la fecha.
Yonatan Gat
Con una soberbia mezcla entre cantos folklóricos, percusiones carnavalescas, y una guitarra infundida con el espíritu más oscuro del blues, Yonatan Gat, músico proveniente de Israel, pero radicado en New York, representa por lejos la carta más intrigante y fascinante del festival. No sólo reconocido por sus amplias virtudes en la guitarra sino también por sus múltiples colaboraciones – que lo han llevado incluso a trabajar con músicos nativo-americanos y africanos –, Gat es fiel candidato a ser la gran sorpresa del festival.
NST & The Soul Sauce Meets Kim Yul Hee
Como otro ejemplo más del impresionante florecimiento cultural que ha surgido en Sur Corea los últimos años, el octeto oriundo de Seoul viene a interpretar lo más entusiasta del recientemente denominado Korean Reggae. Una mezcla entre roots reggae, funk y soul, NST & The Soul Sauce Meets Kim Yul Hee adornarán la tercera versión del festival con letras optimistas y mensajes cargados de la paz que infunde la tradición budista oriental.
We Are Wolves
Con una acérrima potencia inventiva, trazando un sonido que extrae la efervescencia rockera de The White Stripes en conjunto con elementos de corte más electrónico ligados al dance punk, los canadienses We Are Wolves vienen a presentar lo mejor de su repertorio compuest por 5 álbumes de estudio, el más reciente de ellos titulado Wrong, lanzado el 2016.
Dead Buttons
Nuevamente proveniente de Sur Corea, pero esta vez con un estilo diametralmente opuesto, el dúo Dead Buttons viene a presentar una mezcla entre rock & roll clásico y el garage más sucio que atraviesa sus dos álbumes de estudio: Some Kind of Youth y rabbit. Si vibraste con bandas de la talla de The Black Keys, de ninguna manera perderás el tiempo asistiendo a su show.
Juan Wauters
Eminente guitarrista uruguayo radicado en New York, Juan Wauters destaca por sus múltiples giras abriendo los shows de Mac Demarco, de quien es muy amigo. Con un toque musical que raya entre lo irónico y lo personal, Wauters es definitivamente una excelente carta a presenciar este festival.
Deep Sea Arcade
Directo desde Sydney, Australia, Deep Sea Arcade nos trae una mezcla entre psicodelia e indie pop con melodías dulces y riffs para mantenernos hipnotizados en canciones sucintas que no superan los tres minutos. Perfecto si quieres pasar un agradable momento escuchando música liviana y agradable
Alexander Biggs
También oriundo de Australia, pero esta vez de la ciudad de Melbourne, Alexander Biggs encarna a la perfección el espíritu alternativo y más reservado de esa ciudad, con una exposición de emotivas piezas acústicas interconectadas con absorbentes bases de batería electrónica.
“Muchas gracias a toda la gente y medios que nos han apoyado este tiempo para seguir orbitando con ustedes!
Amor, creatividad y energía para todos!”
Carmen Barahona- directora de En Órbita
INFORMACIÓN DE ENTRADAS:
SISTEMA EVENTRID
El día viernes 5 de Octubre estarán disponibles para la venta las entradas para Jonathan Wilson en Bar Loreto
Los que tengan su entrada para En Órbita, general 14 de Noviembre o abono 3 días comprados, pueden obtener un 20% de descuento sumando la OC de su entrada como código promocional
Fiesta de Apertura 13 de Noviembre en Bar Loreto , Jonathan Wilson $10.000 , 20% de descuento con la entrada del festival .
Festival :
1.- General 24 de Noviembre: $28.000
2.- General 22, 23 y 24 de Noviembre: $35.000
3.- General, 22 y 23 Museo Precolombino: $7.000
4.- General 23 de Noviembre, showcases Bar Loreto y Onaciú $7.000
(con su pulsera pueden ingresar libremente a ambos clubes)
Este 21 y 22 de Noviembre arranca la primera edición del festival en la ciudad peruana de Lima, mientras que en Santiago se dividirá en tres jornadas: 22, 23 y 24 de Noviembre
Desde su primera edición, En Órbita se ha caracterizado por buscar desmarcarse del resto de los festivales generando un evento que impulsa tanto la curiosidad como el conocimiento de lo que emerge en torno a la escena musical.
Un nuevo espacio se le otorgó a la ciencia el 2017 al usar como venue el icónico Planetario de Santiago, además de colaborar con el MIT Media Lab. en lo que fue la primera edición del festival en Nueva York en julio de este año.
De esta forma, se instaura la búsqueda de un diálogo entre ciencia, palabras, sonidos y diferentes culturas. Esta es la razón principal por la cual en esta tercera versión del festival En Órbita quisimos ahondar un poco más en temáticas que generan un cruce entre lo teórico y lo tangible. Los pueblos originarios y la forma en que la astronomía se cuela en nuestra rutina diaria son algunos de ellos.
Pronto anunciaremos el programa completo de nuestro ciclo de charlas y exhibiciones que tendrán lugar en el Museo Precolombino.
13 de Noviembre- Jonathan Wilson en Bar Loreto
La primera fecha a agendar es el 13 de Noviembre.
Celebraremos nuestro tercer aniversario junto al héroe de la guitarra y productor multifacético Jonathan Wilson, responsable de los discos de Father John Misty y pieza clave en el álbum de regreso y gira de Roger Waters.
Jonathan vuelve con su propia obra maestra: “Rare Birds”, tercer álbum solista bajo el sello Bella Union, ofreciendo un show íntimo en Bar Loreto a solo días de su presentación junto a Roger Waters, dando el pie inicial a lo que será la tercera edición del Festival En Órbita en Santiago.
22 y 23 de Noviembre- Museo Precolombino
Nos tomamos el Museo Precolombino para hablar de culturas milenarias y su relación con el espacio, la composición musical para películas, la curatoría con contenido, entre otras temáticas a abordar.
Agradecemos la colaboración del Museo Precolombino y el observatorio Alma, el British Council y Conadi, en un afán por destacar a las instituciones que nos han apoyado y facilitado la exposición de estos contenidos
¡Estén atentos al anuncio del programa completo con los destacados invitados que tenemos este año!
23 de Noviembre – Bar Loreto Onaciú
Durante toda la noche podrán pasearse por los míticos clubes Bar Loreto y Onaciú para presenciar nuestra destacada selección de bandas nacionales e internacionales. Noche de showcases, amistades, y sorpresas con nuevos talentos.
24 de Noviembre – Cúpula, se suma al lineup Jose Maza y Juan Wauters
Al ya anunciado lineup conformado por destacados artistas tales como Oh Sees, Föllakzoid, Suuns además de la reciente incorporación de dos bandas de la escena indie koreana, sumamos dos sorpresas:
Para darle inicio al día completo de shows, tendremos el honor de tener al destacado astrónomo y Premio Nacional de ciencias exactas – un verdadero rock star de la astronomía –, José Maza, presentando su última charla acerca de la vida en Marte, y como somos acérrimos fans de David Bowie (¿recuerdan el año pasado cuando proyectamos el video de Space Oddity sobre la cúpula de planetario?), para rendirle un nuevo tributo al destacado artista, el nombre oficial de la charla queda así:
Jose Maza presentando: “Life on Mars”
En nuestro propio lenguaje de En Órbita, técnicamente queremos saber cómo sería nuestra vida si nuestro hogar fuese Marte. Estamos seguros de que a Bowie le hubiese encantado poder escuchar a Don José, y qué linda manera de responder a esa romántica pregunta que titulaba una de nuestras canciones favoritas
Don José, ¿is there life on Mars?
La segunda nueva adición es el cantautor uruguayo radicado en Nueva York, Juan Wauters. Parte del sello “Captured Tracks” y apadrinado desde hace ya bastante tiempo por Mac DeMarco (este año volvió a acompañarlo abriendo su última gira en E.E.U.U), Juan vendrá a presentar un show cargado de comicidad y temática social, con canciones que llegan al alma y hablan con claridad, además de la elocuencia y fluidez de sus narraciones personales, las cuales se han convertido en el sello del artísta.
Sobre En Órbita
En Órbita es una innovadora experiencia artística y musical que tiene por objetivo principal crear una conversación entre la música, el arte y las ciencias.
El festival cuenta ya con dos exitosas ediciones realizadas en Santiago, durante 2016 y 2017 y una en Nueva York el pasado Julio del 2018.
En estas oportunidades, se lograron congregar tanto a nuevas promesas musicales como también a influyentes bandas y músicos, entre los que se destacan The Sonics, Os Mutantes, Los Mirlos, Cigarettes After Sex, Lee Ranaldo, Damo Suzuki, Dead Meadow, Holy Wave y Radio Moscú.
En cuanto a las charlas y los encuentros, la curatoría ha sido siempre multidisciplinar, y entre algunos de los nombres que han estado compartiendo su experiencia se cuenta a: Ian Svenonius, escritor y miembro de la banda The Make-Up; Martin Atkins, del SEA Institute, la mayor institución educativa sobre medios creativos; Jason Mayall, periodista y programador musical del Fuji Rock Fest; Sean Bohrman, fundador de Burger Records; y Sergio Dias, cofundador y guitarrista de Os Mutantes; entre otros.
Line Up Festival En Órbita 2018
Thee Oh Sees
Liderados por el carismático John Dwyer, Thee Oh Sees (o simplemente Oh Sees) se presentan por primera vez en nuestro país ante una frustrada venida el 2015 como acto inaugurativo, precisamente, de la primera versión del Festival En Órbita.
Con una frenética mezcla entre garage, punk y psicodelia, los californianos vienen a presentar su contundente repertorio de más de 12 álbumes de estudio, demostrando por qué son reconocidos como una de las bandas más importantes del rock alternativo estadounidense del último tiempo.
Suuns
Como uno de los representantes más fieles de la escena indie rock canadiense, Suuns aterriza por primera vez a nuestro país de la mano de su último disco, Felt, lanzado en marzo de este año. Fusionando las etéreas melodías del indie rock característicos del norte de América en conjunto con acentos disonantes al más puro estilo drone, Suuns se presenta como una de las cartas más atractivas a presenciar de la fecha.
Yonatan Gat
Con una soberbia mezcla entre cantos folklóricos, percusiones carnavalescas, y una guitarra infundida con el espíritu más oscuro del blues, Yonatan Gat, músico proveniente de Israel, pero radicado en New York, representa por lejos la carta más intrigante y fascinante del festival. No sólo reconocido por sus amplias virtudes en la guitarra sino también por sus múltiples colaboraciones – que lo han llevado incluso a trabajar con músicos nativo-americanos y africanos –, Gat es fiel candidato a ser la gran sorpresa del festival.
NST & The Soul Sauce Meets Kim Yul Hee
Como otro ejemplo más del impresionante florecimiento cultural que ha surgido en Sur Corea los últimos años, el octeto oriundo de Seoul viene a interpretar lo más entusiasta del recientemente denominado Korean Reggae. Una mezcla entre roots reggae, funk y soul, NST & The Soul Sauce Meets Kim Yul Hee adornarán la tercera versión del festival con letras optimistas y mensajes cargados de la paz que infunde la tradición budista oriental.
We Are Wolves
Con una acérrima potencia inventiva, trazando un sonido que extrae la efervescencia rockera de The White Stripes en conjunto con elementos de corte más electrónico ligados al dance punk, los canadienses We Are Wolves vienen a presentar lo mejor de su repertorio compuest por 5 álbumes de estudio, el más reciente de ellos titulado Wrong, lanzado el 2016.
Dead Buttons
Nuevamente proveniente de Sur Corea, pero esta vez con un estilo diametralmente opuesto, el dúo Dead Buttons viene a presentar una mezcla entre rock & roll clásico y el garage más sucio que atraviesa sus dos álbumes de estudio: Some Kind of Youth y rabbit. Si vibraste con bandas de la talla de The Black Keys, de ninguna manera perderás el tiempo asistiendo a su show.
Juan Wauters
Eminente guitarrista uruguayo radicado en New York, Juan Wauters destaca por sus múltiples giras abriendo los shows de Mac Demarco, de quien es muy amigo. Con un toque musical que raya entre lo irónico y lo personal, Wauters es definitivamente una excelente carta a presenciar este festival.
Deep Sea Arcade
Directo desde Sydney, Australia, Deep Sea Arcade nos trae una mezcla entre psicodelia e indie pop con melodías dulces y riffs para mantenernos hipnotizados en canciones sucintas que no superan los tres minutos. Perfecto si quieres pasar un agradable momento escuchando música liviana y agradable
Alexander Biggs
También oriundo de Australia, pero esta vez de la ciudad de Melbourne, Alexander Biggs encarna a la perfección el espíritu alternativo y más reservado de esa ciudad, con una exposición de emotivas piezas acústicas interconectadas con absorbentes bases de batería electrónica.
“Muchas gracias a toda la gente y medios que nos han apoyado este tiempo para seguir orbitando con ustedes!
Amor, creatividad y energía para todos!”
Carmen Barahona- directora de En Órbita
INFORMACIÓN DE ENTRADAS:
SISTEMA EVENTRID
El día viernes 5 de Octubre estarán disponibles para la venta las entradas para Jonathan Wilson en Bar Loreto
Los que tengan su entrada para En Órbita, general 14 de Noviembre o abono 3 días comprados, pueden obtener un 20% de descuento sumando la OC de su entrada como código promocional
Fiesta de Apertura 13 de Noviembre en Bar Loreto , Jonathan Wilson $10.000 , 20% de descuento con la entrada del festival .
Festival :
1.- General 24 de Noviembre: $28.000
2.- General 22, 23 y 24 de Noviembre: $35.000
3.- General, 22 y 23 Museo Precolombino: $7.000
4.- General 23 de Noviembre, showcases Bar Loreto y Onaciú $7.000
(con su pulsera pueden ingresar libremente a ambos clubes)
Jazz Motion 2018, el festival que llenará de música las noches santiaguinas
39 destacados artistas chilenos se presentarán durante cinco noches en Thelonious Lugar de Jazz.
Entre el martes 27 de noviembre y el sábado 1 de diciembre se realizará el primer Festival Jazz Motion 2018, un evento compuesto de 10 conciertos de importantes artistas de la escena local en un solo lugar: Thelonious, Lugar de Jazz, ubicado en Bombero Núñez 336 - Barrio Bellavista.
JazzMotion es un Festival de jazz organizado por el sello y productor fonográfico Vértigo, en colaboración con Thelonious, Lugar de Jazz. En sus tres años de vida, Vértigo se ha convertido en un relevante propulsor del jazz chileno, superando en tan solo dos años la barrera del millón y medio de streams y las 350 descargas.
En la ocasión se presentarán Raimundo Barría, Daniel Miranda, Juan Pablo Salvo, Lautaro Mac-Adoo, Agustín Moya, Jasper Huysentruyt, Ítalo Aguilera, Sebastián Prado, Marcelo Maldonado y Claudio Rubio, y la programación es la siguiente:
27 de noviembre
21 hrs. Raimundo Barría
23 hrs. Daniel Miranda
28 de noviembre
21 hrs. Juan Pablo Salvo
23 hrs. Lautaro Mac-Adoo
29 de noviembre
21 hrs. Agustín Moya
23 hrs. Jasper Huysentruyt
30 de noviembre
21 hrs. Ítalo Aguilera
23 hrs. Sebastián Prado
1 de diciembre
21 hrs. Marcelo Maldonado
23 hrs. Claudio Rubio
El evento cuenta con el auspicio de Projazz y PortalDisc; y el patrocinio de IMI Chile.
Pre-venta pronto disponible en EVENTRID. Las entradas en pre-venta incluyen todas un LP de regalo y cada compra participará en un sorteo especial.
Mapocho Orquesta lanza en vivo su nuevo disco
Comunicado de prensa
El concierto de lanzamiento del tercer disco “Mapocho vivo” será el jueves 4 de octubre en el Aula Magna de la Universidad de Santiago con invitados especiales y entrada liberada.
Este nuevo trabajo está inspirado en la experiencia de Mapocho Orquesta en llevar el jazz a las audiencias fuera del circuito oficial.
En un concierto para todo público este jueves 4 de octubre Orquesta Mapocho presentará en vivo su flamante tercer disco de principio a fin, pero sin dejar afuera el repertorio de sus discos anteriores. Además, Invitarán al escenario a otros músicos que participaron en la grabación transformando este concierto en una verdadera celebración en torno al jazz. Para esta ocasión los asistentes podrán encontrar toda la discografía de Orquesta Mapocho a la venta.
Grabado en vivo en Estudio del Sur y la sala de La Makinita, “Mapocho vivo” está dividido en dos partes. La primera viene del impulso de un joven músico chileno residente en los Estados Unidos, Fernando Allendes, quien compuso obras especialmente para que fueran interpretadas por la banda. La segunda, en tanto, viene de las creaciones de amigos e integrantes de la orquesta, como Jonathan Gatica, Felipe Riveros y Ed Neidhardt, sumado a una canción perteneciente al destacado saxofonista norteamericano Wayne Shorter.
El álbum recoge sus experiencias enriquecedoras de lo que significó llevar el jazz fuera del circuito oficial a un público nuevo, recorriendo regiones de Chile y barrios de los márgenes a través de conciertos educacionales.
“Estamos convencidos de que el jazz, como herramienta de comunicación y genuino canal de expresión, eleva la creatividad colectiva y así se ha convertido en el folklore del mundo. De la misma manera que el poder del agua, este lenguaje musical también ha sido capaz de transformarse en todo aquello que lo contenga”, ha comentado la Mapocho Orquesta.
La banda se formó en 2014 y rápidamente se hizo un camino propio al compartir su arte con una audiencia transversal. Uno de sus hitos más importantes fue el haberse llevado, en 2017, el premio Pulsar como Mejor Artista Jazz, por su segundo disco Cicatriz.
Mira todos los detalles del concierto a continuación:
Lanzamiento álbum Mapocho vivo
Jueves 4 de Octubre, 19:30
Aula Magna de la Universidad de Santiago. (Av. Ecuador 3659, Estación Central)
Entrada Liberada
El concierto de lanzamiento del tercer disco “Mapocho vivo” será el jueves 4 de octubre en el Aula Magna de la Universidad de Santiago con invitados especiales y entrada liberada.
Este nuevo trabajo está inspirado en la experiencia de Mapocho Orquesta en llevar el jazz a las audiencias fuera del circuito oficial.
En un concierto para todo público este jueves 4 de octubre Orquesta Mapocho presentará en vivo su flamante tercer disco de principio a fin, pero sin dejar afuera el repertorio de sus discos anteriores. Además, Invitarán al escenario a otros músicos que participaron en la grabación transformando este concierto en una verdadera celebración en torno al jazz. Para esta ocasión los asistentes podrán encontrar toda la discografía de Orquesta Mapocho a la venta.
Grabado en vivo en Estudio del Sur y la sala de La Makinita, “Mapocho vivo” está dividido en dos partes. La primera viene del impulso de un joven músico chileno residente en los Estados Unidos, Fernando Allendes, quien compuso obras especialmente para que fueran interpretadas por la banda. La segunda, en tanto, viene de las creaciones de amigos e integrantes de la orquesta, como Jonathan Gatica, Felipe Riveros y Ed Neidhardt, sumado a una canción perteneciente al destacado saxofonista norteamericano Wayne Shorter.
El álbum recoge sus experiencias enriquecedoras de lo que significó llevar el jazz fuera del circuito oficial a un público nuevo, recorriendo regiones de Chile y barrios de los márgenes a través de conciertos educacionales.
“Estamos convencidos de que el jazz, como herramienta de comunicación y genuino canal de expresión, eleva la creatividad colectiva y así se ha convertido en el folklore del mundo. De la misma manera que el poder del agua, este lenguaje musical también ha sido capaz de transformarse en todo aquello que lo contenga”, ha comentado la Mapocho Orquesta.
La banda se formó en 2014 y rápidamente se hizo un camino propio al compartir su arte con una audiencia transversal. Uno de sus hitos más importantes fue el haberse llevado, en 2017, el premio Pulsar como Mejor Artista Jazz, por su segundo disco Cicatriz.
Mira todos los detalles del concierto a continuación:
Lanzamiento álbum Mapocho vivo
Jueves 4 de Octubre, 19:30
Aula Magna de la Universidad de Santiago. (Av. Ecuador 3659, Estación Central)
Entrada Liberada
martes, octubre 02, 2018
Aznavour inmortal
La Tercera
Después de llenar tres shows en París en enero de 2017, la gran estrella de la música francesa se dio el tiempo de hablar de Chile, país en el que, en 1962, filmó una película. En esta entrevista publicada originalmente por Qué Pasa, Charles Aznavour recordó los días en que vivió en Arica y Santiago, conversó sobre sus 84 años de carrera y contó de la vez en que rechazó protagonizar el filme más famoso de Godard.
Por Evelyn Erlij
París, Palais des Sports. Charles Aznavour —camisa y terno negros, pelo color plata, 1 metro 60 de estatura— para en seco a sus músicos sobre el escenario. Cuatro mil personas son testigos de un capricho que parece perfectamente orquestado.
—No tengo ganas de cantar esa. Partamos con un fa mayor y un ritmo de vals lento —ordena, y lanza un gesto a los instrumentistas que lo acompañan. El público se ríe. Comienza a sonar “Plus bleu que tes yeux” (1954), uno de los siete éxitos que escribió para Edith Piaf, el gorrión de París que lo cobijó bajo su ala cuando nadie creía en él.
—No me gusta la rutina. Esa idea me vino arriba del escenario: no tenía ganas de cantar una canción y no la canté.
—¿No fue actuado?
—No, para nada. Pero desde ahora será actuado, porque encontré buena la idea. Mientras cantaba, lo pensé: lo haré la próxima vez. Todo lo he encontrado así, arriba del escenario. Yves Montand, como muchos artistas, trabajaba frente al espejo. Yo nunca me miré en el espejo, todo lo probé en el escenario. Incluso las canciones que nunca funcionaron.
La confesión la hace dos días después del concierto, el primero de tres que dio en París a fines de diciembre y que son parte de una gira que el 11 de marzo lo tendrá presentándose en el Teatro Caupolicán, en Santiago. Aznavour —hijo de un barítono y una actriz, ambos de origen armenio— está sentado en su oficina de la editorial Raoul Breton, creada por el legendario editor de música que lo descubrió a él, a Gilbert Bécaud y a Charles Trenet, padre de los chansonniers franceses. Está vestido con una camisa amarilla y una chaqueta a cuadrillé verde y mostaza, como un galán a la moda de los años 60.
—Todo se me ha ocurrido en el escenario —repite—. Incluso la idea del pañuelo.
La performance de la que habla ocurre casi al final de sus shows: en cuanto toma un trapo blanco entre las manos, una horda de fanáticos se acerca al borde del escenario para grabar con sus teléfonos. El gesto anticipa “La bohème” (1965), su éxito más grande: suenan las primeras notas de piano y mientras el más legendario de los cantantes franceses vivos recita la letra como si se le desgarrara el alma, las lágrimas del público empiezan a caer. Llega la última estrofa y, con ella, el golpe dramático: Aznavour lanza el pañuelo a la multitud y, para envidia de los fans seniors, cae en manos de un veinteañero.
—Una vez vi a un hombre que le tiraba el pañuelo de las manos a una niña. Ella se cayó y él siguió tirando. Felizmente había guardaespaldas —cuenta el artista, que en 2017 cumplirá 84 años de carrera. La primera vez que subió a un escenario tenía 9 años.
—¿Cómo explica la locura que provocan sus conciertos?
—Para alguien al que le habían predicho que no haría nada, que no era bueno, que no tendría éxito y que no estaba hecho para ser una estrella, no está tan mal —dice, y sonríe. Lo más extraño de hablar con él es que parece ser la persona más amable y corriente, cuando en realidad se tiene en frente a un gigante: a los 180 millones de discos vendidos, los 60 álbumes publicados y los más de 60 filmes en los que ha actuado, se suma la lista de artistas ilustres que han cantado sus canciones —Edith Piaf, Ray Charles, Bing Crosby, Fred Astaire, Bob Dylan— y de reconocimientos que ha recibido, como una estrella en el paseo de la fama de Hollywood.
En este concierto de París, también habrá honores: recibirá cuatro ramos de flores y una ovación de pie de 15 minutos. Nada mal, dice, para alguien que en mayo cumplirá 93 años.
*
Después de dos encuentros con periodistas brasileros, Charles Aznavour cree que las entrevistas del día están terminadas: se saca los audífonos —el oído es el único sentido que la vejez le ha mermado— y sale de su oficina.
—Te vienen a ver de Chile —le dice uno de sus productores.
—¡Chile! —exclama, se pone de vuelta los audífonos y dice—: Chile es un país que quise mucho hace mucho tiempo. Fui por primera vez para hacer una película. Trabajamos en una mina, en La Disputada, y el trabajo de los indígenas era durísimo. Les pagaban un dólar por día por una labor enorme. Dos trabajadores me regalaron vasos de cobre y una foto en la que aparecíamos juntos. Lo pasé muy bien —recuerda, sentado otra vez en su oficina.
Aznavour habla de la visita que hizo en 1962 para rodar La rata de América, una cinta de Jean-Gabriel Albicocco, protagonizado por él y Marie Laforêt, filmada en La Disputada y en Arica, poco después del Mundial del 62. La cinta, que estaba perdida y fue encontrada en los estudios Gaumont de París, fue exhibida en 2008 en el Festival de Cine Arica Nativa.
—Nos quedamos entre dos y tres semanas en Chile. Hacía mucho frío, pero tengo muy buenos recuerdos. Hasta vi un desfile de militares en Santiago —cuenta, sobre la parada militar de septiembre de 1962, en la que conoció las fondas del Parque O’Higgins.
—Después de eso, estuvo otras tres veces en Chile para cantar: en 1993, 2008 y 2013.
—Sí, pero la más importante fue la primera. Porque no estuve ahí, viví ahí, y la diferencia es enorme. Viví la misma vida que los chilenos, comí lo mismo que ellos.
—¿Por qué cree que la música francesa ya no tiene el éxito que tenía en esa época?
—Porque en ese entonces los artistas hacíamos el esfuerzo de aprender algo de cada país. Había muchos cantantes franceses que cantaban en español, como yo. Hoy no aprenden nada. Si algún consejo tengo que dar, les digo: aprendan alguna canción en español, en italiano o en ruso, si quieren tener éxito afuera. Los artistas no son muy motivados en este sentido. Yo no duermo jamás sin leer y sin aprender algo durante una hora.
—Ha dicho que la esencia de la música francesa son las letras, pero hoy los músicos franceses más famosos del mundo (Daft Punk, Air) son grupos de electrónica.
—La música electrónica para mí no es música. Lo lamento, no digo que sea mala, es la música de una época y es amada por mucha gente, jóvenes y viejos. Pero para mí, la música sirve para otra cosa, para poner una letra en ella, para escribir una ópera. Aunque es una disciplina más y hay que respetarla.
*
Aznavour entra tímido al escenario, pero le bastan unos minutos para sacudirse de encima los 92 años: baila, se saca la chaqueta, luce unos suspensores color rojo furioso y hace chistes. En medio de las casi dos horas de show, en las que se escuchan éxitos como “Te espero” (1963), “Venecia sin ti” (1964) , “Emmenez-moi” (1967) y “She” (1974, que tuvo un cover de Elvis Costello que apareció en la película Notting Hill ), advierte: “Que sepan los que vienen por primera vez que no estoy ronco. Nací con la voz rota. Al principio, los críticos se burlaron mucho. ¡Qué no dijeron! Ahora todos están muertos, y yo, yo estoy aquí”, proclama orgulloso, frente a un público que lo aplaude a rabiar.
—La gente no viene a escuchar lo bonita que es mi voz, que suena como un terremoto —dice dos días después—. Vienen por las letras. No soy un enfermo de cantar. Soy un enfermo de la escritura. Las letras son lo más fuerte.
—Pero también lo vienen a ver a usted: casi no quedan cantantes que actúan las canciones como si estuvieran contando su propia vida.
—Es que los cantantes de hoy no son actores. Fui actor, hice cine y teatro. En Estados Unidos hay actores que cantan y actúan; y aunque no actúan las canciones como yo, sí serían capaces de hacerlo. Los que lo hacen son todos amigos míos: Liza Minnelli, Shirley MacLaine. Shirley me dijo un día: “Contigo, somos los últimos tres”.
Es cosa de verlo cantar “Comme ils disent” (1972) —para muchos, la primera canción gay—, en la que habla de un travesti que vive con su madre y se desnuda por las noches en un club: delicado, con una mano en el hombro, y el otro brazo rodeando su cintura, Aznavour encarna a un hombre que dice con orgullo: “Soy un homo, como dicen”.
—¿Cuál fue la reacción de la época cuando creó esa canción?
—No fue un shock, porque ya había escrito “Après l’amour” (1965) (sobre lo que siente un hombre después de hacer el amor), que fue prohibida por ser una amenaza a las buenas costumbres, pero que después pasaron en la radio porque los italianos cruzaban la frontera para comprar el disco. También había hecho “Donne tes seize ans” (sobre un romance con una chica de 16 años), “Tu t’laisses aller” (sobre el odio de un hombre a una mujer). ¡Ya los había curado de espanto! No olvidemos: los homosexuales no están solos, tienen a sus madres, a sus hermanas, a las mujeres que hubieran querido tenerlos de amantes. Las mamás adoran esta canción. Es el himno nacional de los gays.
—Después de actuar en Disparen sobre el pianista (1960), de François Truffaut, muchos le vaticinaron un futuro actoral prometedor. ¿Por qué eligió la música?
—Me encanta el cine, todos los días veo una película. Pero el cine me obliga a dejar todo para aprender los diálogos. En el cine, además, no domino la situación. Me gusta estar cómodo y en la música lo estoy, sé cuando muevo la silla o mi micrófono. No necesito a nadie. En el cine, sí. Tuve la suerte de que me trajeran papeles que eran perfectos para mí. Porque sólo acepté lo que sentía que me correspondía. Lo hablé hace poco con Jean-Paul Belmondo: la primera persona a la que le presentaron el guión fue a mí.
—¿El guión de qué?
—De Sin aliento —dice, sobre el filme legendario de Jean-Luc Godard, de 1960.
—¿En serio?
—Sí. Truffaut (que era el guionista) me lo propuso, no el director. Y le dije: “No es para mí, porque no tengo la desenvoltura”. Y finalmente el director… ¿cómo se llama?
—Godard.
—Sí, Godard me fue a ver, hablamos y me di cuenta muy rápido de que no le gustaba la idea de que fuera yo. Se sintió muy liberado cuando le dije que el papel no era para mí. Lo hubiera hecho muy mal, porque la belleza del trabajo de Belmondo, esa especie de soltura que tiene, hizo la película tanto como el director —dice. Años más tarde, Godard usó una de sus canciones, “Tu t’laisses aller”, en una escena memorable de otro filme que hizo con Belmondo, Una mujer es una mujer (1961)—. Después, cuando me trajeron el guión de El tambor de hojalata (de Volker Schlöndorff, ganadora de Cannes en 1979), elegí el papel más corto, porque sentí que era para mí. Pronto podría aparecer en una película que escribí.
—¿Escribió un guión?
—Sí, he escrito tres. Para uno necesito siete u ocho mujeres y un hombre y medio: el medio soy yo. Mi sueño es que Almodóvar sea el director.
—Bob Dylan, que hizo un cover suyo (“The Times We’ve Known”), dijo que uno de los shows en vivo que más lo han impactado es uno suyo. ¿Qué piensa de su Nobel?
—Estoy feliz por él, me parece totalmente normal, porque es un gran autor.
—Mario Vargas Llosa dijo que el premio fue “la frivolización de la cultura”.
—¿Y por qué la cultura no puede ser frívola? Aquí se dijo en una época que la canción era un arte primario, y respondí que un arte tan popular no puede ser primario. Si no está de acuerdo, no escuche música. Yo me considero un escritor de la canción y no un autor; busco la palabra justa, la coma en el buen lugar. Soy muy exigente conmigo mismo. Sólo así se puede tener éxito. Sobre todo cuando se ha sido tan menospreciado como yo.
Pero eso no explica del todo la locura y la emoción que aún desata a los 92 años:
—Canto temas que tocan a la gente, canto sus vidas cotidianas. Escribí sobre el divorcio, sobre mujeres que engordan; he cantado todo lo que he podido, aunque a veces no sea muy agradable. Soy un autor particular. En términos de libertad, no hay otros artistas como yo —afirma, y calla unos segundos para crear suspenso, tal como lo haría un buen actor.
—Sí —sentencia—. Por ahora no hay más artistas como yo.
Murió Charles Aznavour, la eterna voz romántica de la canción francesa
El Mercurio
El último gigante de la chanson tenía 94 años y estaba en plena actividad artística sin entregar luces de abandonar los escenarios. En su extensa carrera vendió más de 100 millones de discos y compuso más de 800 temas.
Por JOSÉ VÁSQUEZ
Su hábitat natural era el escenario, un lugar que, pese a su longeva edad, no planeaba abandonar todavía. A sus 94 años, Charles Aznavour sentía la responsabilidad de cumplir con su público, pese a algunas complicaciones físicas que había tenido en el último tiempo y que lo obligaron a suspender presentaciones.
Dolencias como un lumbago o la fractura en un brazo, en mayo pasado, habían determinado que reagendara recitales en Japón, fechas con las que cumplió el 17 y 19 de septiembre último y que se transformaron, sin saberlo entonces, en sus conciertos de despedida.
El último gigante de la chanson francesa seguía apostando al futuro, con una serie de recitales calendarizados a partir del próximo 26 de octubre en Bélgica, para luego en noviembre girar por su natal Francia. Compromisos que daban cuenta de su inagotable deseo por desarrollar su arte, un pacto que solo la muerte iba a doblegar, poniendo fin a la carrera más trascendente de la música gala en el siglo XX, con una historia que lo trepó a un olimpo de la canción que compartió con Edith Piaf, su gran aliada a mediados del siglo pasado.
Aznavour falleció ayer en la madrugada en su hogar, en la montañosa zona de Alpilles, al sur de Francia, dejando registros monumentales: vendió más de 100 millones de discos, grabó cerca de 1.400 temas y compuso más de 800 canciones. Además de una nutrida participación en el cine, donde incluso filmó una película en Chile -ver nota relacionada-.
Éxito maduro
Su estatura artística era indirectamente proporcional a la física. Aznavour apenas sobrepasaba el metro y 70 centímetros, pero sobre el escenario sus dimensiones se agigantaban.
Siempre absolutamente dueño de la situación, comandaba a su conjunto de músicos para seguirlo por los caminos que él elegía, interpretando temas enormes como "La bohème", "De quererte así" o "Venecia sin ti", tres de sus mayores éxitos que siempre alcanzaban una perfecta intimidad. Aunque el recinto donde cantara tuviera miles de espectadores, su motivación era que el público pensara que lo hacía de forma exclusiva para cada uno de ellos, planteaba.
De ascendencia armenia -su verdadero nombre era Shahnourh Varinag Aznavourián-, Aznavour nació en París el 22 de mayo de 1924, proveniente de una familia de inmigrantes que estaba de paso por la capital gala, donde se establecieron.
Aunque desde muy pequeño se interesó por el espectáculo, sus comienzos fueron complicados. Antes de los 10 años ya estaba cantando y actuando, pero el éxito tardaría en llegar. Abandonó el colegio de forma temprana, a esa misma edad, y se educó en la calle, un punto de encuentro que lo unió rápidamente a Edith Piaf, con quien compartía una historia de vida similar. A la llamada "El Gorrión de París" la conoció en el momento cuando Europa se reconstruía tras el término de la Segunda Guerra Mundial. Ella lo vio actuar junto a Pierre Roche y le pidió que la acompañara a una gira por Estados Unidos y Canadá, iniciando una fructífera relación.
Aznavour comenzó a escribir temas para ella, desarrollando una carrera de compositor de la que más tarde también se beneficiaría una gran cantidad de artistas como Gilbert Bécaud, Serge Gainsbourg y uno de sus ídolos, Maurice Chevalier.
El éxito llegó de forma tardía para el artista, quien con más de tres décadas recién veía cómo comenzaba a despegar su carrera como cantante, la que lo llevó a presentarse en los principales escenarios del mundo, recorriendo más de 80 países con su música y actuando junto a estrellas como la misma Edith Piaf, Frank Sinatra, Dean Martin, Liza Minnelli, Plácido Domingo y Julio Iglesias.
Ídolo rupturista
Charles Aznavour se definía a sí mismo como un hombre "política y poéticamente incorrecto". De un romanticismo nostálgico y como un agudo cronista criado en las aceras de manera autodidacta, algunas de sus composiciones fueron realmente rupturistas en una época en que los cantautores se limitaban a no romper los esquemas. "Me gusta escribir lo que los demás no escriben", dijo hace tres años al diario El País de España.
El compositor publicó en 1972 "Comme ils disent", de temática homosexual y en cuya letra hablaba de la solitaria vida de un travesti que vivía con su madre. Su interpretación de ese tema impactaba en cada uno de sus conciertos al representar el desdoblamiento del personaje.
También en otros temas abordó el genocidio judío -"J'ai connu"- y el armenio -"Pour toi Armenie"-, con los que apoyó la reconstrucción de ese país luego del devastador terremoto de 1988. En 2004 se lo nombró Héroe Nacional de esa nación y cinco años más tarde se lo designó como embajador de Armenia en Suiza.
En 2005 una encuesta de la revista Time lo eligió como el "Entretenedor del Siglo", superando a figuras como Elvis Presley y Frank Sinatra. Y el 24 de agosto de 2017 recibió su Estrella de la Fama en Hollywood por su contribución musical.
A Chile vino en cinco ocasiones, en 1962 -para filmar "La rata de América"-, y a ofrecer sus shows en 1993, 2008, 2013 y en marzo del año pasado, con un aplaudido concierto en el Teatro Caupolicán, donde con gran dignidad demostró que pese a su edad, en directo, aún era una figura imperdible de una época en extinción.
Última visita
El 11 de marzo de 2017 fue la última vez que Aznavour actuó en el país. Esa vez dijo a "El Mercurio" estar "feliz por seguir recorriendo el mundo". Alabó el rap y a artistas franceses actuales como Zaz y Stromae. Agregó que deseaba grabar con Barbra Streisand, Lady Gaga, Robbie Williams y Shakira.
Más allá de la música, fue un actor por derecho propio con una larga y celebrada carrera
En paralelo a su ascenso como cantante, Charles Aznavour comenzó lo que sería una larga y celebrada carrera en el cine de más de 80 títulos. Durante gran parte de la década de los 40 y 50, sus apariciones serían más bien secundarias, como el cantante de fondo en alguna escena. Su entrada formal en la interpretación no llegaría hasta 1959, cuando participó en la película "La tête contre les murs", y que le valió un premio de la Academia francesa.
Cuando comenzaba en el cine, su faceta de actor lo trajo a Chile mucho antes de que causara sensación como cantante. En 1962 estuvo en Santiago y Arica, filmando la olvidada cinta "Le rat d'Amérique" ("La rata de América", conocida en Hispanoamérica como "Alborada"), del director Jean-Gabriel Albicocco.
La cinta -coprotagonizada por Marie Laforêt y Franco Fabrizi y que compitió en el Festival de Cannes de 1963- contaba la historia de una pareja que viaja a Paraguay y que comienza a ser perseguida al ser acusada de un crimen. En nuestro país, la cinta también se rodó en el campamento minero de la Disputada de Las Condes. También se grabaron escenas en Bolivia, Paraguay y Perú. Perdida durante varios años, a fines de la década pasada se encontró una copia en los estudios Gaumont de París y fue exhibida en 2008 en un festival de cine ariqueño.
En todo caso, lo que vino después fue bastante más memorable. Le siguió una filmografía extensa y contundente, que incluyó trabajos a las órdenes de cineastas de la talla de François Truffaut ("Disparen sobre el pianista" (1960) y Claude Chabrol ("Folies bourgeoises", de 1975, y "Le fantome du Chapelier", de 1983). También tuvo un rol secundario en la cinta alemana "El tambor de hojalata" (1979), ganadora del Oscar a Mejor Película Extranjera.
Además, tuvo acercamientos con Hollywood en cintas como "Sky riders"(1976), donde actuó junto a James Coburn y Susannah York, y, en especial, en la adaptación de la novela de Agatha Christie "Eran diez indiecitos" (1974), donde integró un ilustre elenco que incluyó a Richard Attenborough, Oliver Reed, Elke Sommer y la voz de Orson Welles.
Como actor siguió activo hasta el final. Dejó filmada "Une revanche à prendre", del director Kader Ayd, y entre sus títulos más recientes estaban "Le comedien" (1997), "Les momes"(1999) y "Ennemis publics" (2005).
De su última etapa, su filme más relevante es sin duda la canadiense "Ararat" (2002), de Atom Egoyan, que hablaba sobre el genocidio armenio.
El mundo lo llora"Profundamente francés, apegado visceralmente a sus raíces armenias, reconocido en todo el mundo, Charles Aznavour ha acompañado las alegrías y tristezas de tres generaciones. Sus obras maestras, su timbre y su singular resplandor le sobrevivirán mucho tiempo".
EMMANUEL MACRON
Presidente de Francia.
"Se acaba de ir un grande entre los grandes, Charles Aznavour. Tuve el gran honor de grabar con él en París su histórica 'Boheme' para mi disco '50 años después'. ¡Jamás te olvidaré maestro!".
RAPHAEL
Cantante español.
"Charles nunca nos dejará, ha ido más allá del cielo para buscar otras estrellas, tantos amigos con los que vivir su bohemia y prolongar su juventud".
NANA MOUSKOURI
Cantante griega.
"Me considero afortunado de haber cantado y grabado con él y de haberme inspirado durante tantos años. Puede que se haya ido, pero lo que nos deja es eterno".
STING
Músico británico.
"Siempre serás formidable. Respeto y condolencias a su familia".
CELINE DION
Cantante canadiense.
"Verlo en el escenario era una clase maestra de elegancia, romance y sutileza".
ANDREA TESSA
Cantante chilena.
Mon Laferte grabará canción junto a Gwen Stefani
El Mercurio
La cantante chilena colaborará junto a la ex integrante de No Doubt en una nueva versión del clásico"Feliz Navidad". Según informó Billboard, el tema aparecerá en una reedición del disco navideño "You make it feel like Christmas", que Stefani lanzó el año pasado. Este álbum, incluirá otras cuatro canciones -"Santa Claus is coming to town", "Winter wonderland", "Cheer for the elves" y "Secret Santa"- y será lanzado el próximo 26 de octubre.
La cantante chilena colaborará junto a la ex integrante de No Doubt en una nueva versión del clásico"Feliz Navidad". Según informó Billboard, el tema aparecerá en una reedición del disco navideño "You make it feel like Christmas", que Stefani lanzó el año pasado. Este álbum, incluirá otras cuatro canciones -"Santa Claus is coming to town", "Winter wonderland", "Cheer for the elves" y "Secret Santa"- y será lanzado el próximo 26 de octubre.
lunes, octubre 01, 2018
Conmoción por sorpresiva muerte del director de coros Víctor Alarcón
El Mercurio
Este año había iniciado la epopeya de interpretar las 209 cantatas de Bach. A poco de cumplir 61 años, el último gran nombre de la música coral en Chile falleció en un accidente, la noche del sábado, lo que supone una de las mayores pérdidas para la música hoy.
Iñigo Díaz
"Lo bonito del canto coral es su interdependencia: tus logros dependen del otro. El director es el conductor entre quien canta y la obra, tiene que ser fiel a la partitura pero también decir algo nuevo, propio. En ese sentido, la interpretación es la creación", diría una vez Víctor Alarcón. Es el hombre que dedicó una vida a explorar los rumbos de la voz, el canto y la música coral, con la que estaba, filosófica, política y hasta biológicamente comprometido, dicen quienes lo conocieron desde que llegó desde Punta Arenas como un veinteañero en los años 70.
La noche del sábado, Víctor Alarcón murió como consecuencia de un accidente automovilístico ocurrido en la comuna de Ñuñoa, después de dejar a su hija Victoria en la casa de una amiga. Fue llevado de urgencia al Hospital de la Universidad Católica, donde no fue posible reanimarlo. Sus restos están siendo velados desde ayer por la tarde en la capilla de la Casa Central de la UC, en cuyo Instituto de Música (IMUC) Alarcón era académico desde 1993. Mañana se realizará una misa en el Salón Fresno del Centro de Extensión y sus funerales se efectuarán en el cementerio Parque del Recuerdo, en una ceremonia privada.
Víctor Alarcón iba a cumplir 61 años en noviembre y sus múltiples proyectos seguían a plena marcha. Hacía apenas tres días había manifestado al crítico de ópera Mario Córdova el entusiasmo que le provocaba haber logrado financiamiento para continuar en 2019 con el proyecto que él mismo definió como "el sueño de toda mi vida": llevar al escenario las 209 cantatas de Bach que sobreviven.
"Alcanzó a presentar unas doce cantatas en esos conciertos los domingos en las iglesias Luterana y Presbiteriana. Estaba muy contento de que su mujer, la soprano Andrea Aguilar, hubiera interpretado la Cantata 51, una de las más complejas de Bach", dice Mario Córdova, quien sitúa a Alarcón como el último gran eslabón en la cadena de la música coral en Chile, después de Mario Baeza, Waldo Aránguiz, Guido Minoletti, Marco Dusi y Hugo Villarroel padre e hijo. "Alarcón representa un hito en la historia. Aún más: él agregó la dirección orquestal, lo que a diferencia de esos predecesores le permitió ampliar el espectro, incursionando en repertorios mucho más amplios y arriesgados, música antigua, barroca y contemporánea. Mostró mucha música que nunca se había escuchado", dice el crítico.
Réquiem en memoria
La integral de las cantatas era un plan mayor en la órbita de Víctor Alarcón, ideado a seis años: una auténtica rúbrica a las tres décadas de enseñanza y proyección de la música coral que venía realizando a través de los diversos elencos que encabezó, como el Coro de Estudiantes de la U. Católica, formado en 1985 o el Coro Bellas Artes, en los 90.
"Vicho", como se le conoció en los círculos musicales, impulsó también ensambles como el Concerto Vocale, su propio conjunto vocal e instrumental, y desde luego fue clave en la labor formativa como la que asumió en 1991 en el programa Crecer Cantando, del Teatro Municipal de Santiago. Hoy tiene unos 230 coros en el país y un elenco titular que él dirigía.
"A mí me gusta transitar en la cornisa del fraseo libre, propio del momento. La explosión sonora, llena de color, contrastes y, en ocasiones, voluptuosa", diría el músico, que este mes iba a iniciar los ensayos del Réquiem de Mozart con el Coro Crecer Cantando junto a la Orquesta Sinfónica Nacional Juvenil bajo la dirección de Juan Pablo Izquierdo, con tres presentaciones, incluida una en la Catedral de Santiago.
Alejandra Kantor, directora de la FOJI, señaló que "el proyecto seguirá adelante como una manera de recordar la memoria de este motor del movimiento coral en Chile".
En el adiós
Fréderic Chambert Director del Municipal
"Su fallecimiento es una pérdida inmensa para el país, para los jóvenes y para la red que construyó con Crecer Cantando. Ahora, con toda solemnidad, lo que le debemos todos a Alarcón es mantener en alto el amor que supo compartir en el canto coral. Nos dejó esta obligación moral, una meta y un horizonte".
Karina Fischer Directora del IMUC
"Es un irreemplazable, por su manera de ver la música, sus proyectos y por cómo hizo disfrutar a los que trabajamos con él, alumnos y compañeros. Hizo cantar a toda la universidad".
Miryam Singer Cantante y régisseur
"Inundó de canto coral este país. A todo se entregaba con un entusiasmo desbordante. ¡Hacía cantar hasta las piedras! Su pérdida enluta al país entero".
Jaime Donoso Crítico de música
"Víctor Alarcón es equiparable a Mario Baeza y Fernando Rosas, en cuanto a convocar a multitudes unidas por la música y el canto coral. Creo que nunca ha habido un director coral chileno que se atreviera a tanto".
Tito Fernández y denuncia por abuso sexual: "Lo niego todo"
El Mercurio
El cantautor responde a la querella presentada por una mujer que lo acusa de violación. La delación tiene el patrocinio del Servicio Nacional de la Mujer y Equidad de Género.
Raimundo Flores S.
Cuatro agresiones sexuales fueron denunciadas en una querella interpuesta el 27 de agosto en el 7° Juzgado de Garantía de Santiago contra Humberto Baeza Fernández, conocido en el mundo artístico y musical como Tito Fernández "El Temucano".
La acción fue realizada por una mujer -de la cual se desconoce su identidad- y cuenta con el patrocinio del Servicio Nacional de la Mujer y Equidad de Género, entidad dependiente del Ministerio de la Mujer.
Según informó el diario La Tercera, las agresiones habrían ocurrido en el contexto del Centro Integral de Estudios Metafísicos (CEIM), grupo de búsqueda espiritual que fue fundado por Fernández hace casi tres décadas, y del cual la mujer participaba desde 2009, cuando tenía 33 años. Un año después, la denunciante habría sido abusada sexualmente luego de que él dijera que había sido elegida para prestarle "servicios de carácter sagrado" a Fernández, a quien se le denominaba "maestro".
Semanas después habría ocurrido un nuevo episodio, donde la mujer fue citada a una reunión en un motel, donde habría sido amenazada con un cuchillo y donde se le habría obligado a jurar que participaría de otros encuentros sexuales.
Consultado por "El Mercurio", Fernández dijo ayer que no se referiría a las acusaciones hasta ponerse de acuerdo con su abogado respecto de los pasos a seguir, aunque se dio espacio para desmentir las denuncias: "Lo niego todo, eso (la acusación) no es así y nunca fue así", enfatizó.
Sobre si tiene alguna noción de quién sería la denunciante, respondió: "No tengo la menor idea, como no existió eso, no se me ocurre. Yo conozco muy poco a las personas que participan ahí. Yo voy solo a leer mi libro y punto".
De la misma manera, Fernández dijo no haber recibido aún ninguna citación formal por parte de los tribunales de justicia. Anoche, el artista se presentó en el Teatro Caupolicán -ver nota relacionada-.
El cantautor responde a la querella presentada por una mujer que lo acusa de violación. La delación tiene el patrocinio del Servicio Nacional de la Mujer y Equidad de Género.
Raimundo Flores S.
Cuatro agresiones sexuales fueron denunciadas en una querella interpuesta el 27 de agosto en el 7° Juzgado de Garantía de Santiago contra Humberto Baeza Fernández, conocido en el mundo artístico y musical como Tito Fernández "El Temucano".
La acción fue realizada por una mujer -de la cual se desconoce su identidad- y cuenta con el patrocinio del Servicio Nacional de la Mujer y Equidad de Género, entidad dependiente del Ministerio de la Mujer.
Según informó el diario La Tercera, las agresiones habrían ocurrido en el contexto del Centro Integral de Estudios Metafísicos (CEIM), grupo de búsqueda espiritual que fue fundado por Fernández hace casi tres décadas, y del cual la mujer participaba desde 2009, cuando tenía 33 años. Un año después, la denunciante habría sido abusada sexualmente luego de que él dijera que había sido elegida para prestarle "servicios de carácter sagrado" a Fernández, a quien se le denominaba "maestro".
Semanas después habría ocurrido un nuevo episodio, donde la mujer fue citada a una reunión en un motel, donde habría sido amenazada con un cuchillo y donde se le habría obligado a jurar que participaría de otros encuentros sexuales.
Consultado por "El Mercurio", Fernández dijo ayer que no se referiría a las acusaciones hasta ponerse de acuerdo con su abogado respecto de los pasos a seguir, aunque se dio espacio para desmentir las denuncias: "Lo niego todo, eso (la acusación) no es así y nunca fue así", enfatizó.
Sobre si tiene alguna noción de quién sería la denunciante, respondió: "No tengo la menor idea, como no existió eso, no se me ocurre. Yo conozco muy poco a las personas que participan ahí. Yo voy solo a leer mi libro y punto".
De la misma manera, Fernández dijo no haber recibido aún ninguna citación formal por parte de los tribunales de justicia. Anoche, el artista se presentó en el Teatro Caupolicán -ver nota relacionada-.
Palmenia Pizarro se despidió del Caupolicán en nostálgica noche
El Mercurio
Anoche, en el Teatro Caupolicán, la cuota sentimental del encuentro la puso Palmenia Pizarro, quien durante su presentación oficializó una noticia que ya había anticipado: "Esta será la última vez que me presentaré en este escenario", dijo seguida de un rotundo aplauso del público.
Ayer, con un teatro prácticamente lleno se llevó a cabo el concierto que hace algunos meses habían anunciado Buddy Richard y la cantante.
La jornada comenzó con una presentación de Rodolfo Navech, quien mostró un repertorio basado en clásicos románticos de la música en español, para luego dar paso a Buddy Richard, quien demostró que aún conserva parte de la voz que lo llevó a ser uno de los protagonistas de La Nueva Ola, época que el mismo quiso homenajear durante su presentación. Éxitos como "Cielo", "Tu cariño se me va" y "Si me vas a abandonar" despertaron también la entusiasta reacción del público, con un aplauso que se extendió durante todo su show, de casi una hora, en el que interpretó una docena de canciones.
En el evento también participó "El Temucano", quien no se refirió en el escenario -ni tampoco el público se manifestó- a las acusaciones de abuso dadas a conocer hoy -ver nota relacionada-.
Anoche, en el Teatro Caupolicán, la cuota sentimental del encuentro la puso Palmenia Pizarro, quien durante su presentación oficializó una noticia que ya había anticipado: "Esta será la última vez que me presentaré en este escenario", dijo seguida de un rotundo aplauso del público.
Ayer, con un teatro prácticamente lleno se llevó a cabo el concierto que hace algunos meses habían anunciado Buddy Richard y la cantante.
La jornada comenzó con una presentación de Rodolfo Navech, quien mostró un repertorio basado en clásicos románticos de la música en español, para luego dar paso a Buddy Richard, quien demostró que aún conserva parte de la voz que lo llevó a ser uno de los protagonistas de La Nueva Ola, época que el mismo quiso homenajear durante su presentación. Éxitos como "Cielo", "Tu cariño se me va" y "Si me vas a abandonar" despertaron también la entusiasta reacción del público, con un aplauso que se extendió durante todo su show, de casi una hora, en el que interpretó una docena de canciones.
En el evento también participó "El Temucano", quien no se refirió en el escenario -ni tampoco el público se manifestó- a las acusaciones de abuso dadas a conocer hoy -ver nota relacionada-.
Javiera Mena, DrefQuila y Gepe se suman a Pulsar
El Mercurio
La feria musical se desarrollará entre el 23 y el 25 de noviembre en la Estación Mapocho.
José Vásquez
El cartel del evento suma nuevos nombres para engrosar su lista. La Feria Pulsar, que este año se desarrollará como es tradicional en la Estación Mapocho, entre el 23 y el 25 de noviembre, agrega a su parrilla de artistas a Javiera Mena, Gepe y DrefQuila, todos nombres que llegarán a presentar sus novedades al encuentro musical, que suma expositores y más de 100 estands con sellos discográficos y diversos actores de la industria.
La voz de "Espada" lanzó el sábado pasado su último álbum, "Espejo", en el Teatro Caupolicán, un concierto que marcó su reencuentro con sus fans nacionales, una breve escala local antes de volver a España, donde ha estado girando durante este año, para presentarse en diversas ciudades de ese país. A Chile volverá en noviembre para ser parte de Fauna Primavera y esta edición de Pulsar.
Gepe, por su parte, estará presentando también su más reciente obra, "Folclore imaginario", un título que nació a partir de temas recopilados por Margot Loyola, además de temas propios para un disco que transita entre las tonadas y los boleros, traducidos esencialmente como música latinoamericana.
Y DrefQuila, la ascendente figura de la música urbana nacional y reciente fichaje del sello Warner Music, grabará próximamente su nuevo álbum en Nueva York, con el que quiere dar su salto definitivo a la masividad.
También serán parte de esta novena edición del certamen organizado por la SCD, el grupo Congreso, que está celebrando sus 50 años de carrera; Lucybell, Electrodomésticos, Mamma Soul, Ases Falsos, Denise Rosenthal y Augusto y Consuelo Schuster, entre otros.
La feria musical se desarrollará entre el 23 y el 25 de noviembre en la Estación Mapocho.
José Vásquez
El cartel del evento suma nuevos nombres para engrosar su lista. La Feria Pulsar, que este año se desarrollará como es tradicional en la Estación Mapocho, entre el 23 y el 25 de noviembre, agrega a su parrilla de artistas a Javiera Mena, Gepe y DrefQuila, todos nombres que llegarán a presentar sus novedades al encuentro musical, que suma expositores y más de 100 estands con sellos discográficos y diversos actores de la industria.
La voz de "Espada" lanzó el sábado pasado su último álbum, "Espejo", en el Teatro Caupolicán, un concierto que marcó su reencuentro con sus fans nacionales, una breve escala local antes de volver a España, donde ha estado girando durante este año, para presentarse en diversas ciudades de ese país. A Chile volverá en noviembre para ser parte de Fauna Primavera y esta edición de Pulsar.
Gepe, por su parte, estará presentando también su más reciente obra, "Folclore imaginario", un título que nació a partir de temas recopilados por Margot Loyola, además de temas propios para un disco que transita entre las tonadas y los boleros, traducidos esencialmente como música latinoamericana.
Y DrefQuila, la ascendente figura de la música urbana nacional y reciente fichaje del sello Warner Music, grabará próximamente su nuevo álbum en Nueva York, con el que quiere dar su salto definitivo a la masividad.
También serán parte de esta novena edición del certamen organizado por la SCD, el grupo Congreso, que está celebrando sus 50 años de carrera; Lucybell, Electrodomésticos, Mamma Soul, Ases Falsos, Denise Rosenthal y Augusto y Consuelo Schuster, entre otros.
Helmuth Reichel debuta con la Sinfónica Nacional Juvenil
El Mercurio
A los 35 años, es una de las batutas chilenas más prometedoras.
Vive en Alemania y viaja cada año a Chile. Mañana dirigirá la Cuarta de Tchaikovsky y "Tonada para orquesta", de Jorge Peña Hen. En noviembre va a La Serena.
Romina de la Sotta Donoso
Helmuth Reichel Silva (1983) es el único director chileno que ha sido finalista en el concurso Besançon, en 2015. Tras estudiar violín en Chile, se radicó en Alemania hace 16 años, donde se formó como director.
En los últimos dos años ha debutado con la Orquesta Usach, la Sinfónica de Chile y la Orquesta de Cámara de Chile. Y las orquestas suelen volver a invitarlo. "Ese es el regalo más valioso que a uno pueden darle, porque en esta profesión uno tiene que tomar decisiones y hacer las cosas de la forma que estima correcta. Si la orquesta está de acuerdo con eso y quiere seguir trabajando con uno, es un enorme voto de confianza, que agradezco sinceramente", comenta Reichel, quien llegó a Chile el domingo 23.
Lo invitó la Fundación de Orquestas Juveniles e Infantiles (FOJI) para que conduzca, por primera vez, a la Orquesta Sinfónica Nacional Juvenil (OSNJ). El debut será mañana, en el Teatro Municipal de Ñuñoa (Irarrázaval 1564, 19:30 horas, gratis), y repetirán el concierto el miércoles en el Teatro Regional del Maule, después de que la Juvenil del Maule, que dirige Leonardo Carvajal, toque piezas de Verdi y Tchaikovsky.
"La Sinfónica Nacional Juvenil tiene un nivel instrumental altísimo, son músicos fantásticos a nivel individual. Lo que puedo transmitirles son elementos para evolucionar como grupo; por ejemplo, recordarles que para hacer un trabajo en equipo tienen que escucharse el uno al otro. Lo hice y el resultado cambió inmediatamente. Con eso te das cuenta del potencial que tienen. Sin embargo, todo eso no es más que un asunto de forma de trabajo; la exigencia musical es la misma que si fuera una orquesta profesional, ya que el objetivo artístico que queremos alcanzar es el más alto posible", asegura.
Abrirán el concierto con "Tonada para orquesta", de Jorge Peña Hen, el pionero que creó la primera sinfónica infantil de toda Latinoamérica, en 1964, como homenaje al cumplirse 45 años desde que fue ejecutado por la Caravana de la Muerte. "Es una obra muy breve y muy bonita. Es simbólico que la OSNJ interprete a este compositor que hizo tanto por las orquestas juveniles y que es parte de la historia musical chilena", dice Reichel.
También tocarán la Sinfonía N° 4 de Tchaikovsky, que la OSNJ abordó en mayo con Gustavo Dudamel. "Es su sinfonía más complicada de interpretar, porque Tchaikovsky nos da muy poca información concreta en su partitura en cuanto a la dinámica y el fraseo. Además, creo que el primer movimiento es muy personal y trágico, porque hace alusión a su homosexualidad, que en esa época podía implicar hasta una pena de muerte. Hay un vals que transmite mucho de su frustración y sufrimiento", agrega.
El cierre será con el Concierto para violín de Bruch, con la actuación solista de Jarec Rivera, ganador de un concurso FOJI. "Ese Concierto lo tocamos con la Sinfónica Nacional Juvenil, acompañando a Freddy Varela como solista. Yo estaba en los segundos violines, y fue justamente en el ex Teatro California", recuerda.
Han pasado 20 años. "La Sinfónica Nacional Juvenil ha crecido mucho, sería bueno a futuro darle una sala de conciertos. Sería un buen momento ahora que se ha desarrollado tanto la FOJI, gracias, por ejemplo, al trabajo que está haciendo Rodolfo Fischer formando a los instructores", dice.
Reichel volverá en noviembre, para conducir por tercera vez a la Sinfónica U. de La Serena, en el XV Festival de Música Contemporánea MusicAhora. "Para mí es importante hacer música chilena, y tocaremos una obra muy interesante de Alejandro Guarello y el Concierto para violín de Gustavo Becerra-Schmidt, con Alberto Dourthé de solista. Será un honor porque él fue mi profesor de violín en la Universidad de Chile", adelanta.
A los 35 años, es una de las batutas chilenas más prometedoras.
Vive en Alemania y viaja cada año a Chile. Mañana dirigirá la Cuarta de Tchaikovsky y "Tonada para orquesta", de Jorge Peña Hen. En noviembre va a La Serena.
Romina de la Sotta Donoso
Helmuth Reichel Silva (1983) es el único director chileno que ha sido finalista en el concurso Besançon, en 2015. Tras estudiar violín en Chile, se radicó en Alemania hace 16 años, donde se formó como director.
En los últimos dos años ha debutado con la Orquesta Usach, la Sinfónica de Chile y la Orquesta de Cámara de Chile. Y las orquestas suelen volver a invitarlo. "Ese es el regalo más valioso que a uno pueden darle, porque en esta profesión uno tiene que tomar decisiones y hacer las cosas de la forma que estima correcta. Si la orquesta está de acuerdo con eso y quiere seguir trabajando con uno, es un enorme voto de confianza, que agradezco sinceramente", comenta Reichel, quien llegó a Chile el domingo 23.
Lo invitó la Fundación de Orquestas Juveniles e Infantiles (FOJI) para que conduzca, por primera vez, a la Orquesta Sinfónica Nacional Juvenil (OSNJ). El debut será mañana, en el Teatro Municipal de Ñuñoa (Irarrázaval 1564, 19:30 horas, gratis), y repetirán el concierto el miércoles en el Teatro Regional del Maule, después de que la Juvenil del Maule, que dirige Leonardo Carvajal, toque piezas de Verdi y Tchaikovsky.
"La Sinfónica Nacional Juvenil tiene un nivel instrumental altísimo, son músicos fantásticos a nivel individual. Lo que puedo transmitirles son elementos para evolucionar como grupo; por ejemplo, recordarles que para hacer un trabajo en equipo tienen que escucharse el uno al otro. Lo hice y el resultado cambió inmediatamente. Con eso te das cuenta del potencial que tienen. Sin embargo, todo eso no es más que un asunto de forma de trabajo; la exigencia musical es la misma que si fuera una orquesta profesional, ya que el objetivo artístico que queremos alcanzar es el más alto posible", asegura.
Abrirán el concierto con "Tonada para orquesta", de Jorge Peña Hen, el pionero que creó la primera sinfónica infantil de toda Latinoamérica, en 1964, como homenaje al cumplirse 45 años desde que fue ejecutado por la Caravana de la Muerte. "Es una obra muy breve y muy bonita. Es simbólico que la OSNJ interprete a este compositor que hizo tanto por las orquestas juveniles y que es parte de la historia musical chilena", dice Reichel.
También tocarán la Sinfonía N° 4 de Tchaikovsky, que la OSNJ abordó en mayo con Gustavo Dudamel. "Es su sinfonía más complicada de interpretar, porque Tchaikovsky nos da muy poca información concreta en su partitura en cuanto a la dinámica y el fraseo. Además, creo que el primer movimiento es muy personal y trágico, porque hace alusión a su homosexualidad, que en esa época podía implicar hasta una pena de muerte. Hay un vals que transmite mucho de su frustración y sufrimiento", agrega.
El cierre será con el Concierto para violín de Bruch, con la actuación solista de Jarec Rivera, ganador de un concurso FOJI. "Ese Concierto lo tocamos con la Sinfónica Nacional Juvenil, acompañando a Freddy Varela como solista. Yo estaba en los segundos violines, y fue justamente en el ex Teatro California", recuerda.
Han pasado 20 años. "La Sinfónica Nacional Juvenil ha crecido mucho, sería bueno a futuro darle una sala de conciertos. Sería un buen momento ahora que se ha desarrollado tanto la FOJI, gracias, por ejemplo, al trabajo que está haciendo Rodolfo Fischer formando a los instructores", dice.
Reichel volverá en noviembre, para conducir por tercera vez a la Sinfónica U. de La Serena, en el XV Festival de Música Contemporánea MusicAhora. "Para mí es importante hacer música chilena, y tocaremos una obra muy interesante de Alejandro Guarello y el Concierto para violín de Gustavo Becerra-Schmidt, con Alberto Dourthé de solista. Será un honor porque él fue mi profesor de violín en la Universidad de Chile", adelanta.
Juan Diego Flórez en el Movistar Arena: El canto que une a los pueblos
El Mercurio
Juan Antonio Muñoz H.
El peruano Juan Diego Flórez es un tenor solicitado por los más importantes escenarios de ópera del planeta, pero esta vez su arte tuvo una extensión a otro plano: descontados técnica y virtuosismo, su canto fue capaz de comunicar los grandes anhelos de la humanidad. Desde la necesaria alegría por la fiesta y el amor hasta el dolor por la guerra y el alejamiento de la patria encontraron un sitio en su voz; así, la música disolvió, al menos por un momento, las fronteras físicas y el egoísmo que suele instalarse entre los pueblos.
No fue solo un concierto, sino que también una experiencia múltiple, culta y popular, emocionalmente rica, y la constatación de que la música une las almas y es el mejor catalizador de la paz.
Con su canto de pasmosa facilidad, Flórez recorrió un repertorio amplísimo, olvidando esta vez por completo a Rossini, compositor sobre el que ha basado su carrera. El tenor, que está en una etapa de transición, viajando desde el repertorio para un lírico-ligero al de un lírico con visos de spinto , inició el recital con el recitativo y aria "È servato a questo acciaro", de "Capuletos y Montescos" (Bellini); luciendo "histrionismo cantábile", demostró que su voz ha ganado en espesor, manteniendo la fluidez de la emisión y el brillo de sus fáciles e interminables agudos, como también su prodigiosa capacidad para las coloraturas y ese noble fraseo que es imprescindible en páginas como "Una furtiva lagrima" (Donizetti). Estuvo muy bien en dos de las arias del Duque de Mantua de "Rigoletto" (Verdi), "Questa o quella" y "La donna è mobile", y triunfó, ya en las tierras del lirismo más concentrado, en "De'miei bollenti spiriti", de "La Traviata" (Verdi), y en "Che gelida manina", de "La Bohème" (Puccini).
La segunda parte trajo su aproximación más reciente al repertorio romántico francés, donde todavía tiene que ahondar en términos interpretativos y cuidar sfumature y nuances , ineludibles en "Fausto" (Gounod) y "Werther" (Massenet). Eso, aunque con su voz siempre consiga resultados sorprendentes, que encandilan a los que recién entran en el mundo de la lírica.
Luego vino la gran fiesta, que partió con una delicada versión de "La flor de la canela", de Chabuca Granda, con la audiencia en estado de éxtasis, seguida de "Yo vendo unos ojos negros" y un "Medley caribeño" donde "Piel canela", "Mucho corazón" y "Guantanamera" arrebataron la noche con un intérprete a sus anchas, jugando con la voz, los ritmos y la expresividad. Finalizó el programa con "Nessun dorma" (Puccini), aria que, a pesar del impacto de sus agudos, no es para él.
Pero no terminó ahí. Chilenos y peruanos, que repletaron el Movistar Arena para este recital gratuito debido al Banco Santander, lloraron y rieron en esta noche inolvidable en la que miles de teléfonos celulares prendidos, a modo de antorchas, celebraron la entrañable versión de Flórez para "Solo le pido a Dios", del cantautor argentino León Gieco.
A un aplaudidísimo y coreado "Si vas para Chile", Juan Diego Flórez, incansable y guitarra en mano, equilibrando bien la emisión lírica con aquella de cauce más popular, sumó páginas como "Volver", "José Antonio" y "Cucurrucucú, paloma", donde exhibió un fiato imposible de igualar, culminando con una apabullante "Granada".
Lo acompañó la Orquesta Ciudad de Santiago, de poca experiencia y sonido muy desigual, a tientas en partituras difíciles. El director Hugo Carrió hizo lo que pudo, consiguiendo mejores resultados en la zarzuela "Las bodas de Luis Alonso" (Gerónimo Giménez) y en el rítmico "Danzón" (Márquez), pero las oberturas de "Don Pasquale" (Donizetti) y "Nabucco" (Verdi), como también el preludio de "La Traviata" (Verdi) y el "Intermezzo" de "Cavalleria Rusticana" (Mascagni), no estuvieron a la altura.
Juan Antonio Muñoz H.
El peruano Juan Diego Flórez es un tenor solicitado por los más importantes escenarios de ópera del planeta, pero esta vez su arte tuvo una extensión a otro plano: descontados técnica y virtuosismo, su canto fue capaz de comunicar los grandes anhelos de la humanidad. Desde la necesaria alegría por la fiesta y el amor hasta el dolor por la guerra y el alejamiento de la patria encontraron un sitio en su voz; así, la música disolvió, al menos por un momento, las fronteras físicas y el egoísmo que suele instalarse entre los pueblos.
No fue solo un concierto, sino que también una experiencia múltiple, culta y popular, emocionalmente rica, y la constatación de que la música une las almas y es el mejor catalizador de la paz.
Con su canto de pasmosa facilidad, Flórez recorrió un repertorio amplísimo, olvidando esta vez por completo a Rossini, compositor sobre el que ha basado su carrera. El tenor, que está en una etapa de transición, viajando desde el repertorio para un lírico-ligero al de un lírico con visos de spinto , inició el recital con el recitativo y aria "È servato a questo acciaro", de "Capuletos y Montescos" (Bellini); luciendo "histrionismo cantábile", demostró que su voz ha ganado en espesor, manteniendo la fluidez de la emisión y el brillo de sus fáciles e interminables agudos, como también su prodigiosa capacidad para las coloraturas y ese noble fraseo que es imprescindible en páginas como "Una furtiva lagrima" (Donizetti). Estuvo muy bien en dos de las arias del Duque de Mantua de "Rigoletto" (Verdi), "Questa o quella" y "La donna è mobile", y triunfó, ya en las tierras del lirismo más concentrado, en "De'miei bollenti spiriti", de "La Traviata" (Verdi), y en "Che gelida manina", de "La Bohème" (Puccini).
La segunda parte trajo su aproximación más reciente al repertorio romántico francés, donde todavía tiene que ahondar en términos interpretativos y cuidar sfumature y nuances , ineludibles en "Fausto" (Gounod) y "Werther" (Massenet). Eso, aunque con su voz siempre consiga resultados sorprendentes, que encandilan a los que recién entran en el mundo de la lírica.
Luego vino la gran fiesta, que partió con una delicada versión de "La flor de la canela", de Chabuca Granda, con la audiencia en estado de éxtasis, seguida de "Yo vendo unos ojos negros" y un "Medley caribeño" donde "Piel canela", "Mucho corazón" y "Guantanamera" arrebataron la noche con un intérprete a sus anchas, jugando con la voz, los ritmos y la expresividad. Finalizó el programa con "Nessun dorma" (Puccini), aria que, a pesar del impacto de sus agudos, no es para él.
Pero no terminó ahí. Chilenos y peruanos, que repletaron el Movistar Arena para este recital gratuito debido al Banco Santander, lloraron y rieron en esta noche inolvidable en la que miles de teléfonos celulares prendidos, a modo de antorchas, celebraron la entrañable versión de Flórez para "Solo le pido a Dios", del cantautor argentino León Gieco.
A un aplaudidísimo y coreado "Si vas para Chile", Juan Diego Flórez, incansable y guitarra en mano, equilibrando bien la emisión lírica con aquella de cauce más popular, sumó páginas como "Volver", "José Antonio" y "Cucurrucucú, paloma", donde exhibió un fiato imposible de igualar, culminando con una apabullante "Granada".
Lo acompañó la Orquesta Ciudad de Santiago, de poca experiencia y sonido muy desigual, a tientas en partituras difíciles. El director Hugo Carrió hizo lo que pudo, consiguiendo mejores resultados en la zarzuela "Las bodas de Luis Alonso" (Gerónimo Giménez) y en el rítmico "Danzón" (Márquez), pero las oberturas de "Don Pasquale" (Donizetti) y "Nabucco" (Verdi), como también el preludio de "La Traviata" (Verdi) y el "Intermezzo" de "Cavalleria Rusticana" (Mascagni), no estuvieron a la altura.
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