El Mercurio
Este 19 de agosto, día en que el fallecido ídolo argentino hubiera cumplido 75 años, su compañía, Sony Music, estrenará el tema “No te vayas todavía”, una grabación que no había sido publicada y que llega a 10 años de la muerte del popular “Gitano”.
sábado, agosto 15, 2020
Gloria Simonetti dará esta noche un recital online
El Mercurio
Hoy, a las 20:00 horas, la cantante nacional ofrecerá un concierto virtual, que grabará desde un estudio. En la ocasión repasará los principales hitos de su carrera musical de más de 50 años. En su presentación será acompañada por el maestro Tito Francia. Las entradas, en passline.com.
Hoy, a las 20:00 horas, la cantante nacional ofrecerá un concierto virtual, que grabará desde un estudio. En la ocasión repasará los principales hitos de su carrera musical de más de 50 años. En su presentación será acompañada por el maestro Tito Francia. Las entradas, en passline.com.
El sonido en la palabra: sello discográfico une música y poesía
El Mercurio
Raúl Zurita, Cecilia Vicuña, Carlos Cociña, una orquesta de poetas y un homenaje a la poesía surrealista chilena forman parte del primer material de Discos PM.
IÑIGO DÍAZ
En un lento desplazamiento entre la audiencia que asistió al Centro Cultural de España, Cecilia Vicuña entonó un canto de características polifónicas, fonético y sonoro, a lo largo de unos diez minutos, hasta encontrarse con el músico José Pérez de Arce. Ese gesto poético titulado “Abra ritual” fue parte del festival de poesía y música PM que se realizó en 2016, y su registro ahora integra las primeras publicaciones del sello Discos PM.
En rigor, un netlabel (publica música a nivel digital), Discos PM está presentando material de diversas características, como diversa ha sido la experiencia en esos mismos festivales, donde nació el sello.
“Allí hay espacio para proyectos de escenas marcadamente musicales, como el grupo Cómo Asesinar a Felipes, o la presentación de poetas junto a DJs, como Felipe Cussen con Richi Tunacola o Héctor Hernández con Fat Pablo. También hay trabajos performáticos, danza y poesía o instalación sonora”, explica Federico Eisner, uno de los impulsores del festival y del sello, junto con el músico Gonzalo Henríquez y el poeta Martín Gubbins.
Desde su posición en la poesía experimental, Gubbins cumple un rol principal en Discos PM. Por ejemplo, la Orquesta de Poetas, una agrupación de poetas-músicos con diez años de vida y tres álbumes, interviene un poema suyo, “La lluvia”, mientras Gubbins, en una ubicación secundaria, contribuye con ruidos vocales. “La ruidística, su especialidad”, dice Eisner, integrante de la orquesta.
Ese trabajo se titula “Todos instrumentos” y es uno de los primeros dos álbumes publicados en una colección dedicada al LP. Incluye participaciones de Elvira Hernández recitando su “Casería celeste austral” y Carlos Cociña, con una versión no cantada del “Rin del angelito”. Además, la orquesta realiza allí un homenaje a poetas surrealistas chilenos: Ludwig Zeller, Humberto Díaz-Casanueva y Rosamel del Valle.
“El sonido no coincide con la imagen”, de la cantautora Marcela Parra, es otro nuevo álbum de la serie. Tuvo una aplaudida recepción. “Hay un trabajo de construcción poética muy profundo en ella. Marcela es muy poeta; no es una cantautora que tiene interés por la palabra”, orienta Eisner. En tanto, la colección que reúne intervenciones del Festival PM suma nuevos momentos con Cecilia Vicuña, en “Nuevos diseños eróticos para muebles”, junto con dos registros de Raúl Zurita con la banda de rock González y los Asistentes: “Margaritas en el mar” y “Verás”.
Discos PM hará en octubre una nueva entrega, con una colección dedicada a las reediciones de discos, como la música del Coro Fonético y nuevas capturas del festival, con Pía Sommer y Florencia Smiths. Material disponible en DiscosPM.cl.
Raúl Zurita, Cecilia Vicuña, Carlos Cociña, una orquesta de poetas y un homenaje a la poesía surrealista chilena forman parte del primer material de Discos PM.
IÑIGO DÍAZ
En un lento desplazamiento entre la audiencia que asistió al Centro Cultural de España, Cecilia Vicuña entonó un canto de características polifónicas, fonético y sonoro, a lo largo de unos diez minutos, hasta encontrarse con el músico José Pérez de Arce. Ese gesto poético titulado “Abra ritual” fue parte del festival de poesía y música PM que se realizó en 2016, y su registro ahora integra las primeras publicaciones del sello Discos PM.
En rigor, un netlabel (publica música a nivel digital), Discos PM está presentando material de diversas características, como diversa ha sido la experiencia en esos mismos festivales, donde nació el sello.
“Allí hay espacio para proyectos de escenas marcadamente musicales, como el grupo Cómo Asesinar a Felipes, o la presentación de poetas junto a DJs, como Felipe Cussen con Richi Tunacola o Héctor Hernández con Fat Pablo. También hay trabajos performáticos, danza y poesía o instalación sonora”, explica Federico Eisner, uno de los impulsores del festival y del sello, junto con el músico Gonzalo Henríquez y el poeta Martín Gubbins.
Desde su posición en la poesía experimental, Gubbins cumple un rol principal en Discos PM. Por ejemplo, la Orquesta de Poetas, una agrupación de poetas-músicos con diez años de vida y tres álbumes, interviene un poema suyo, “La lluvia”, mientras Gubbins, en una ubicación secundaria, contribuye con ruidos vocales. “La ruidística, su especialidad”, dice Eisner, integrante de la orquesta.
Ese trabajo se titula “Todos instrumentos” y es uno de los primeros dos álbumes publicados en una colección dedicada al LP. Incluye participaciones de Elvira Hernández recitando su “Casería celeste austral” y Carlos Cociña, con una versión no cantada del “Rin del angelito”. Además, la orquesta realiza allí un homenaje a poetas surrealistas chilenos: Ludwig Zeller, Humberto Díaz-Casanueva y Rosamel del Valle.
“El sonido no coincide con la imagen”, de la cantautora Marcela Parra, es otro nuevo álbum de la serie. Tuvo una aplaudida recepción. “Hay un trabajo de construcción poética muy profundo en ella. Marcela es muy poeta; no es una cantautora que tiene interés por la palabra”, orienta Eisner. En tanto, la colección que reúne intervenciones del Festival PM suma nuevos momentos con Cecilia Vicuña, en “Nuevos diseños eróticos para muebles”, junto con dos registros de Raúl Zurita con la banda de rock González y los Asistentes: “Margaritas en el mar” y “Verás”.
Discos PM hará en octubre una nueva entrega, con una colección dedicada a las reediciones de discos, como la música del Coro Fonético y nuevas capturas del festival, con Pía Sommer y Florencia Smiths. Material disponible en DiscosPM.cl.
Joyce DiDonato: “Nunca he conocido un momento más importante que este para ser artista”
El Mercurio
La mezzosoprano estadounidense se presentó la semana pasada en España luego de estar confinada en ese país. Acá habla sobre el regreso a los teatros, pero vacíos.
Fernando Díaz de Quijano El Cultural / Derechos Exclusivos
Con la salida de España del rey emérito, puede que el adjetivo campechano quede exento de connotaciones juancarlistas y vuelva a usarse para describir a otros personajes. Merecería el calificativo, por ejemplo, Joyce DiDonato, una diva de ópera que se comporta como tal encima del escenario, pero no fuera. Nacida en una pequeña ciudad de Kansas, quizá sus raíces en ese medio oeste agricultor estadounidense tengan mucho que ver con su carácter. A su paso por los escenarios más prestigiosos del mundo, además de su portentosa voz, quedan resonando su simpatía, su entusiasmo y su compromiso social y político.
Hace una semana dio dos conciertos en España y señaló que quería comenzarlos con la obra maestra de Mahler, “Ich bin der welt abhanden gekommen” (“He abandonado el mundo”), que habla de alejarse de un mundo lleno de tumulto y entregarse a una vida de amor y canto. “Es la única forma que sé de regresar al escenario en este momento, reconocer dónde estamos y señalar un camino a seguir”, explica.
Desde 2015, DiDonato vive en Barcelona, su base en Europa, y el confinamiento debido a la pandemia la pilló en esa ciudad. Dado que la cultura no paró en ese período, cree que esta ha demostrado ser esencial para la sociedad. “Estoy convencida de ello. Como yo, mucha gente ha sido consciente del poder transformador de la música y del arte, que nos enseñan muchísimo sobre nosotros mismos y sobre nuestra humanidad común. Además, nunca debemos subestimar su poder para ofrecer consuelo en tiempos de tristeza”.
Otro tema de estos días ha sido la lucha contra distintas formas de injusticia, especialmente la racial, después del caso de George Floyd. DiDonato señala que “la fuerza emocional de la música puede saltarse el intelecto y nuestro lado más racional, y llegar directamente a nuestros corazones para llamarnos a un comportamiento más humano. Nunca he conocido un momento más importante que este para ser artista”.
—¿Cómo participa el público de lo que se está creando encima del escenario?
“El público es siempre un participante activo en la energía de un concierto o una representación de ópera. Puedo sentir cuándo están conmigo, cuándo han dejado de respirar, cuándo se sienten inquietos o cuándo están listos para explotar en una ovación. Esa energía que recibo del público alimenta mi actuación y podemos crear colectivamente una velada inolvidable”.
—Cuando está cantando en el escenario y mira al vacío, parece estar contemplando algo en la distancia. ¿Qué imagina para alcanzar ese grado de concentración?
“Cuando estoy interpretando un aria en la que hablo con otro personaje, debo imaginar con detalle su presencia y sus reacciones mientras miro a la oscuridad. Eso me permite responder primero con mi imaginación, y luego con mi voz y mi fraseo. Si se trata de un monólogo, no visualizo otra cosa que una gran introspección. Por debajo de la música mantengo un diálogo con el subtexto encarnando siempre a mi personaje”.
La mezzosoprano estadounidense se presentó la semana pasada en España luego de estar confinada en ese país. Acá habla sobre el regreso a los teatros, pero vacíos.
Fernando Díaz de Quijano El Cultural / Derechos Exclusivos
Con la salida de España del rey emérito, puede que el adjetivo campechano quede exento de connotaciones juancarlistas y vuelva a usarse para describir a otros personajes. Merecería el calificativo, por ejemplo, Joyce DiDonato, una diva de ópera que se comporta como tal encima del escenario, pero no fuera. Nacida en una pequeña ciudad de Kansas, quizá sus raíces en ese medio oeste agricultor estadounidense tengan mucho que ver con su carácter. A su paso por los escenarios más prestigiosos del mundo, además de su portentosa voz, quedan resonando su simpatía, su entusiasmo y su compromiso social y político.
Hace una semana dio dos conciertos en España y señaló que quería comenzarlos con la obra maestra de Mahler, “Ich bin der welt abhanden gekommen” (“He abandonado el mundo”), que habla de alejarse de un mundo lleno de tumulto y entregarse a una vida de amor y canto. “Es la única forma que sé de regresar al escenario en este momento, reconocer dónde estamos y señalar un camino a seguir”, explica.
Desde 2015, DiDonato vive en Barcelona, su base en Europa, y el confinamiento debido a la pandemia la pilló en esa ciudad. Dado que la cultura no paró en ese período, cree que esta ha demostrado ser esencial para la sociedad. “Estoy convencida de ello. Como yo, mucha gente ha sido consciente del poder transformador de la música y del arte, que nos enseñan muchísimo sobre nosotros mismos y sobre nuestra humanidad común. Además, nunca debemos subestimar su poder para ofrecer consuelo en tiempos de tristeza”.
Otro tema de estos días ha sido la lucha contra distintas formas de injusticia, especialmente la racial, después del caso de George Floyd. DiDonato señala que “la fuerza emocional de la música puede saltarse el intelecto y nuestro lado más racional, y llegar directamente a nuestros corazones para llamarnos a un comportamiento más humano. Nunca he conocido un momento más importante que este para ser artista”.
—¿Cómo participa el público de lo que se está creando encima del escenario?
“El público es siempre un participante activo en la energía de un concierto o una representación de ópera. Puedo sentir cuándo están conmigo, cuándo han dejado de respirar, cuándo se sienten inquietos o cuándo están listos para explotar en una ovación. Esa energía que recibo del público alimenta mi actuación y podemos crear colectivamente una velada inolvidable”.
—Cuando está cantando en el escenario y mira al vacío, parece estar contemplando algo en la distancia. ¿Qué imagina para alcanzar ese grado de concentración?
“Cuando estoy interpretando un aria en la que hablo con otro personaje, debo imaginar con detalle su presencia y sus reacciones mientras miro a la oscuridad. Eso me permite responder primero con mi imaginación, y luego con mi voz y mi fraseo. Si se trata de un monólogo, no visualizo otra cosa que una gran introspección. Por debajo de la música mantengo un diálogo con el subtexto encarnando siempre a mi personaje”.
Museos y centros culturales: La reapertura se ve lejana
El Mercurio
Una mayoría mantendrá puertas cerradas, a pesar del desconfinamiento gradual. Igual diseñan protocolos y sopesan riesgos. Los presupuestos pesan.
Daniela Silva Astorga
Aunque la pandemia solo brinda interrogantes, museos y centros culturales se alistan hace un par de meses para una eventual reapertura. Cruzan protocolos extranjeros con sus posibilidades y presupuestos, para una proyección que todavía se ve lejana, en un país con 2.000 nuevos casos al día. Mientras algunos decidieron no retomar la oferta presencial hasta 2021, otros miran expectantes al fin de año. Y en los próximos días las carteras de Salud y Cultura anunciarán su plan maestro.
“Nosotros no reabriremos antes del próximo año”, afirma Francisco Brugnoli, director del Museo de Arte Contemporáneo (MAC). Como la mayoría, están cerrados desde marzo. Pero mantienen intensa interacción virtual con sus públicos, lo que lleva a reflexionar sobre la necesidad de retomar funciones en pandemia: hay museos que en pleno confinamiento duplicaron la convocatoria gracias a la web. Otros la septuplicaron: el Precolombino pasó de 63 mil visitas (abril-julio 2019) a más de 475 mil, en el mismo lapso de 2020.
“Ahora existen dos Mavi. Uno es el digital; otro, el físico. Como atraen a personas diferentes, pensamos en un modelo híbrido para el futuro. Ofrecer visitas presenciales si se puede, pero con cita previa y grupos chicos, y conservar el museo virtual. No podemos perder a sus espectadores: interactúan mucho”, dice María Irene Alcalde, directora del Museo de Artes Visuales.
Con esa dualidad, en el Mavi planean retomar funciones a fin de año. “Quizás en octubre podremos montar una exposición y llevar visitantes de acuerdo con lo que indique la autoridad sanitaria”, suma Alcalde. La convención internacional es, además de sanitizar y tener aforo reducido, trazar recorridos unidireccionales, velar por el distanciamiento social, vender entradas en la web y controlar temperatura al ingreso. La mascarilla es obligatoria. Así reabrió el Museo del Prado, y con un 70% de su inmueble clausurado. Se desconoce si seguirá igual: en España, el rebrote marca 2.987 contagios diarios. En Nueva York, en tanto, ayer se aprobó que los museos funcionen desde el lunes 24.
Beatriz Bustos, directora del Centro Cultural La Moneda, ve viable recuperar la actividad apenas exista autorización. “Es muy necesario abrir —dice—. Si se activan recintos comerciales, no veo impedimento para que lo haga uno cultural de estas condiciones. Gozar del arte es relevante y nosotros tenemos un hall semejante a una plaza pública, salas amplias de exposición y una cineteca, que quedará como lo último en operar”. El aforo será reducido; la ticketera, virtual —con reserva para una hora—, y el uso de mascarillas, ineludible. “Tenemos capacidad y recursos para implementar todos los resguardos”, agrega la directora.
Brugnoli, en cambio, está preocupado por los recursos monetarios y humanos. Dice que la U. de Chile —de la que depende el MAC— tiene otras urgencias, por lo que escasean los fondos. “¿Cuánta gente podría entrar al museo con el personal que tenemos? Muy poca”, apunta por la obligación de vigilar el cumplimiento de las nuevas normas.
El levantamiento de la cuarentena en Santiago no apura al GAM. También postergará la reapertura hasta diciembre, si no existe rebrote, y, cuando sus funcionarios puedan volver al edificio, el acento será enriquecer la programación virtual. “Nuestro hincapié está en la seguridad de trabajadores, artistas y públicos”, comenta Felipe Mella.
Digital y físico
En la misma comuna, el Precolombino está cerrado desde marzo y no cambiará de estado antes de 2021. “No tenemos apuro. Si abriéramos este año, tendríamos diez veces más gastos por requerir mayor higienización, seguridad y climatización. Y estamos seguros de que, al inicio, no iría nadie. Recibíamos 60 mil escolares al año. Ahora no, y tampoco visitantes extranjeros”, reafirma el director Carlos Aldunate.
Igual ya alistan un protocolo que involucrará una etapa inicial de ajuste: un mes y medio para acondicionar la exposición y el edificio a los nuevos estándares. A Aldunate le inquietan los costos porque desde octubre registran un déficit de 40% en su presupuesto. A ese porcentaje, que equivale al ingreso por entradas, se suma el recorte que el ministerio anunció para 2021. “Bajará un 10%, 15% o 20%. En el peor caso, habrá que mantener el museo cerrado, sin público”, sostiene.
Más cercanos a encontrarse con visitantes están en el Museo de la Solidaridad Salvador Allende. Planean un retorno gradual y, además de medidas sanitarias y público reducido, piensan fijar horarios especiales para grupos de riesgo. “Cuando existan condiciones, retomaremos el montaje de la exposición ‘Rojo', con cien obras de la colección. Pero tanto la reapertura, como las actividades asociadas a la muestra, tendrán una estrategia mixta, digital y presencial”, precisa la directora Claudia Zaldívar. Lo virtual llegó para quedarse.
Una mayoría mantendrá puertas cerradas, a pesar del desconfinamiento gradual. Igual diseñan protocolos y sopesan riesgos. Los presupuestos pesan.
Daniela Silva Astorga
Aunque la pandemia solo brinda interrogantes, museos y centros culturales se alistan hace un par de meses para una eventual reapertura. Cruzan protocolos extranjeros con sus posibilidades y presupuestos, para una proyección que todavía se ve lejana, en un país con 2.000 nuevos casos al día. Mientras algunos decidieron no retomar la oferta presencial hasta 2021, otros miran expectantes al fin de año. Y en los próximos días las carteras de Salud y Cultura anunciarán su plan maestro.
“Nosotros no reabriremos antes del próximo año”, afirma Francisco Brugnoli, director del Museo de Arte Contemporáneo (MAC). Como la mayoría, están cerrados desde marzo. Pero mantienen intensa interacción virtual con sus públicos, lo que lleva a reflexionar sobre la necesidad de retomar funciones en pandemia: hay museos que en pleno confinamiento duplicaron la convocatoria gracias a la web. Otros la septuplicaron: el Precolombino pasó de 63 mil visitas (abril-julio 2019) a más de 475 mil, en el mismo lapso de 2020.
“Ahora existen dos Mavi. Uno es el digital; otro, el físico. Como atraen a personas diferentes, pensamos en un modelo híbrido para el futuro. Ofrecer visitas presenciales si se puede, pero con cita previa y grupos chicos, y conservar el museo virtual. No podemos perder a sus espectadores: interactúan mucho”, dice María Irene Alcalde, directora del Museo de Artes Visuales.
Con esa dualidad, en el Mavi planean retomar funciones a fin de año. “Quizás en octubre podremos montar una exposición y llevar visitantes de acuerdo con lo que indique la autoridad sanitaria”, suma Alcalde. La convención internacional es, además de sanitizar y tener aforo reducido, trazar recorridos unidireccionales, velar por el distanciamiento social, vender entradas en la web y controlar temperatura al ingreso. La mascarilla es obligatoria. Así reabrió el Museo del Prado, y con un 70% de su inmueble clausurado. Se desconoce si seguirá igual: en España, el rebrote marca 2.987 contagios diarios. En Nueva York, en tanto, ayer se aprobó que los museos funcionen desde el lunes 24.
Beatriz Bustos, directora del Centro Cultural La Moneda, ve viable recuperar la actividad apenas exista autorización. “Es muy necesario abrir —dice—. Si se activan recintos comerciales, no veo impedimento para que lo haga uno cultural de estas condiciones. Gozar del arte es relevante y nosotros tenemos un hall semejante a una plaza pública, salas amplias de exposición y una cineteca, que quedará como lo último en operar”. El aforo será reducido; la ticketera, virtual —con reserva para una hora—, y el uso de mascarillas, ineludible. “Tenemos capacidad y recursos para implementar todos los resguardos”, agrega la directora.
Brugnoli, en cambio, está preocupado por los recursos monetarios y humanos. Dice que la U. de Chile —de la que depende el MAC— tiene otras urgencias, por lo que escasean los fondos. “¿Cuánta gente podría entrar al museo con el personal que tenemos? Muy poca”, apunta por la obligación de vigilar el cumplimiento de las nuevas normas.
El levantamiento de la cuarentena en Santiago no apura al GAM. También postergará la reapertura hasta diciembre, si no existe rebrote, y, cuando sus funcionarios puedan volver al edificio, el acento será enriquecer la programación virtual. “Nuestro hincapié está en la seguridad de trabajadores, artistas y públicos”, comenta Felipe Mella.
Digital y físico
En la misma comuna, el Precolombino está cerrado desde marzo y no cambiará de estado antes de 2021. “No tenemos apuro. Si abriéramos este año, tendríamos diez veces más gastos por requerir mayor higienización, seguridad y climatización. Y estamos seguros de que, al inicio, no iría nadie. Recibíamos 60 mil escolares al año. Ahora no, y tampoco visitantes extranjeros”, reafirma el director Carlos Aldunate.
Igual ya alistan un protocolo que involucrará una etapa inicial de ajuste: un mes y medio para acondicionar la exposición y el edificio a los nuevos estándares. A Aldunate le inquietan los costos porque desde octubre registran un déficit de 40% en su presupuesto. A ese porcentaje, que equivale al ingreso por entradas, se suma el recorte que el ministerio anunció para 2021. “Bajará un 10%, 15% o 20%. En el peor caso, habrá que mantener el museo cerrado, sin público”, sostiene.
Más cercanos a encontrarse con visitantes están en el Museo de la Solidaridad Salvador Allende. Planean un retorno gradual y, además de medidas sanitarias y público reducido, piensan fijar horarios especiales para grupos de riesgo. “Cuando existan condiciones, retomaremos el montaje de la exposición ‘Rojo', con cien obras de la colección. Pero tanto la reapertura, como las actividades asociadas a la muestra, tendrán una estrategia mixta, digital y presencial”, precisa la directora Claudia Zaldívar. Lo virtual llegó para quedarse.
viernes, agosto 14, 2020
Los Jaivas lanzan invitación virtual para su próximo cumpleaños
El Mercurio
La banda celebra mañana 57 años con una serie de actividades durante la tarde a través de su página web.
José Vásquez
La fiesta aparece como potencialmente multitudinaria, aunque por las restricciones propias de la pandemia no se pueda realizar de manera presencial. Los Jaivas cumplen mañana 57 años y los celebrarán con su gente, mudando todo el evento al streaming, que incluye una serie de actividades con sus integrantes y “sorpresas musicales”, anticipa Mario Mutis, para una jornada que se anuncia extendida durante la tarde y a la que se accederá a través de la página web de la banda.
“Todo este tiempo en que no hemos podido tocar no ha sido de vacaciones, hemos estado trabajando muchísimo”, cuenta el músico de Los Jaivas que lista la serie de actividades en que como conjunto han estado involucrados, desde su alianza con School of Rock, promoviendo una beca, hasta el proceso de reedición de sus obras más clásicas, como sus primeros álbumes “El volantín” (1971) y “La ventana” (1973).
“Los remasterizamos con la tecnología del siglo XXI y su sonido mejoró absolutamente, se rescataron instrumentos que no se escuchaban antes”, dice el histórico bajista del conjunto, que cuenta que el proyecto sumará nuevos álbumes próximamente. “Recuperamos másters de algunos discos que permanecen inéditos en Chile”, señala Mutis, acerca de grabaciones en vivo hechas en el extranjero y que engrosarían la lista en unos cinco o seis títulos más.
Pero el trabajo de la banda en las últimas semanas se enfocó en su cumpleaños, que se celebra cada 15 de agosto, cuando se recuerda al primer concierto que realizaron como grupo en 1963. El hito, incluso, se transformó en ley, una iniciativa que el 14 de octubre pasado promulgó esta fecha como el Día del Rock Chileno, aunque este año no tendrá ninguna actividad oficial.
“Hace poco nos enteramos que ya se había publicado la ley en el Diario Oficial. Nadie nos avisó de eso”, dice Mutis frente a esta desconexión con la política. “En todo caso, la gente hace 15 años más o menos viene celebrando esta fecha de esa forma, sin que existiera la necesidad de una ley”, plantea el músico.
“Este no va a ser el cumpleaños que pensamos con un gran concierto por razones obvias, pero vamos a juntarnos de manera virtual el sábado para conversar, mostrar algunas cosas y celebrar”, comunica Mutis, quien adelanta que han estado grabando de manera telemática, temas que presentarán mañana. “No ha sido un proceso fácil. La Juanita (Parra) llevó su batería a un estudio con todos los cuidados sanitarios, yo lo hice desde mi casa y grabamos algunas cosas que vamos a presentar el sábado, algunas primicias para suplir esa reunión social que son los conciertos y que esperamos poder acercarnos a esa emoción que producen, ahora vía online”, agrega.
Selección en Spotify
La compañía de streaming Spotify le pidió a la banda que elaborara una playlist especial para este sábado con los clásicos del rock chileno, actividad a la que accedió con una curatoría donde “está la primera rockera nacional que es la Violeta (Parra). Desde ahí comienza todo”, destaca Mario Mutis.
La banda celebra mañana 57 años con una serie de actividades durante la tarde a través de su página web.
José Vásquez
La fiesta aparece como potencialmente multitudinaria, aunque por las restricciones propias de la pandemia no se pueda realizar de manera presencial. Los Jaivas cumplen mañana 57 años y los celebrarán con su gente, mudando todo el evento al streaming, que incluye una serie de actividades con sus integrantes y “sorpresas musicales”, anticipa Mario Mutis, para una jornada que se anuncia extendida durante la tarde y a la que se accederá a través de la página web de la banda.
“Todo este tiempo en que no hemos podido tocar no ha sido de vacaciones, hemos estado trabajando muchísimo”, cuenta el músico de Los Jaivas que lista la serie de actividades en que como conjunto han estado involucrados, desde su alianza con School of Rock, promoviendo una beca, hasta el proceso de reedición de sus obras más clásicas, como sus primeros álbumes “El volantín” (1971) y “La ventana” (1973).
“Los remasterizamos con la tecnología del siglo XXI y su sonido mejoró absolutamente, se rescataron instrumentos que no se escuchaban antes”, dice el histórico bajista del conjunto, que cuenta que el proyecto sumará nuevos álbumes próximamente. “Recuperamos másters de algunos discos que permanecen inéditos en Chile”, señala Mutis, acerca de grabaciones en vivo hechas en el extranjero y que engrosarían la lista en unos cinco o seis títulos más.
Pero el trabajo de la banda en las últimas semanas se enfocó en su cumpleaños, que se celebra cada 15 de agosto, cuando se recuerda al primer concierto que realizaron como grupo en 1963. El hito, incluso, se transformó en ley, una iniciativa que el 14 de octubre pasado promulgó esta fecha como el Día del Rock Chileno, aunque este año no tendrá ninguna actividad oficial.
“Hace poco nos enteramos que ya se había publicado la ley en el Diario Oficial. Nadie nos avisó de eso”, dice Mutis frente a esta desconexión con la política. “En todo caso, la gente hace 15 años más o menos viene celebrando esta fecha de esa forma, sin que existiera la necesidad de una ley”, plantea el músico.
“Este no va a ser el cumpleaños que pensamos con un gran concierto por razones obvias, pero vamos a juntarnos de manera virtual el sábado para conversar, mostrar algunas cosas y celebrar”, comunica Mutis, quien adelanta que han estado grabando de manera telemática, temas que presentarán mañana. “No ha sido un proceso fácil. La Juanita (Parra) llevó su batería a un estudio con todos los cuidados sanitarios, yo lo hice desde mi casa y grabamos algunas cosas que vamos a presentar el sábado, algunas primicias para suplir esa reunión social que son los conciertos y que esperamos poder acercarnos a esa emoción que producen, ahora vía online”, agrega.
Selección en Spotify
La compañía de streaming Spotify le pidió a la banda que elaborara una playlist especial para este sábado con los clásicos del rock chileno, actividad a la que accedió con una curatoría donde “está la primera rockera nacional que es la Violeta (Parra). Desde ahí comienza todo”, destaca Mario Mutis.
A los 95 años: Fallece el destacado violinista Carlos Dourthé Abbé
El Mercurio
Legendario concertino de las orquestas Filarmónica de Santiago y Sinfónica Nacional de Chile, y formador de numerosas generaciones de instrumentistas a través de su cátedra en la Facultad de Artes de la U. de Chile, ayer se conoció el deceso del violinista Carlos Dourthé Abbé (95). “Fue un padre que nos marcó en nuestra carrera musical”, comenta Alberto Dourthé, concertino de la Orquesta Sinfónica, uno de sus tres hijos. Los otros dos son Antonio (ingeniero y violinista) y Carlos Ramón (cellista y director). El funeral del patriarca del clan Dourthé será hoy en el Cementerio Metropolitano.
Legendario concertino de las orquestas Filarmónica de Santiago y Sinfónica Nacional de Chile, y formador de numerosas generaciones de instrumentistas a través de su cátedra en la Facultad de Artes de la U. de Chile, ayer se conoció el deceso del violinista Carlos Dourthé Abbé (95). “Fue un padre que nos marcó en nuestra carrera musical”, comenta Alberto Dourthé, concertino de la Orquesta Sinfónica, uno de sus tres hijos. Los otros dos son Antonio (ingeniero y violinista) y Carlos Ramón (cellista y director). El funeral del patriarca del clan Dourthé será hoy en el Cementerio Metropolitano.
jueves, agosto 13, 2020
Falleció el cantante Trini López por covid-19
El Mercurio
Por complicaciones derivadas del coronavirus murió a los 83 años, en Palm Springs, California, el intérprete y guitarrista estadounidense. Hijo de inmigrantes mexicanos fue conocido por sus éxitos “If I had a Hammer”, “Lemon Tree” y “La bamba”, entre otros. En sus inicios fue apoyado por Frank Sinatra. También incursionó en el cine, siendo parte del elenco de “Doce del patíbulo” (1967). En 1972 López vino a Chile para filmar en Quintay y Santiago la película “Antonio”, que dirigió Claudio Guzmán y que protagonizó junto a Larry Hagman. Recientemente se terminó el rodaje de un documental sobre su vida.
Por complicaciones derivadas del coronavirus murió a los 83 años, en Palm Springs, California, el intérprete y guitarrista estadounidense. Hijo de inmigrantes mexicanos fue conocido por sus éxitos “If I had a Hammer”, “Lemon Tree” y “La bamba”, entre otros. En sus inicios fue apoyado por Frank Sinatra. También incursionó en el cine, siendo parte del elenco de “Doce del patíbulo” (1967). En 1972 López vino a Chile para filmar en Quintay y Santiago la película “Antonio”, que dirigió Claudio Guzmán y que protagonizó junto a Larry Hagman. Recientemente se terminó el rodaje de un documental sobre su vida.
miércoles, agosto 12, 2020
Ministerio entrega $2 mil millones a espacios culturales
El Mercurio
Teatros, galerías y librerías ganaron fondos para enfrentar la crisis desatada por la pandemia.
R. C.
Se entrega todos los años, pero esta vez el fondo de Apoyo a Espacios Culturales tuvo un especial sentido de emergencia ante la paralización a la que ha obligado la pandemia. Ayer, el Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio anunció la lista de ganadores del concurso, que distribuirá 2 mil millones de pesos a centros culturales, teatros, cines, librerías y 122 espacios en todo el país. Con un tope de $18 millones, serán beneficiados el centro cultural Perrera Arte, la librería Metales Pesados, el Teatro Camilo Henríquez y el Cine Normandie, entre otros.
Los fondos de este año tienen un objetivo muy específico: asegurar la continuidad de los espacios que debieron suspender sus actividades y tuvieron una merma en sus ingresos a raíz de las cuarentenas por el covid-19. El anuncio llega a una semana del quiebre de la mesa de diálogo que desde abril mantenía el ministerio con la Coordinadora Intersectorial Cultura en Emergencia —que reúne a alrededor de 50 organizaciones y gremios— para buscar soluciones a la crisis.
Diversidad de espacios
Entre los rubros más visiblemente golpeados está el de las librerías, y el apoyo del ministerio llegará hasta 19 tiendas: además de Metales Pesados, el beneficio lo recibirán Lolita, la Librería del GAM, Trayecto, Catalonia, Bros, Entrepáginas (de Magallanes) y Tierra Culta (Atacama), entre otras. En un área similar, también llegarán fondos a editoriales como Ekaré Sur o Universitaria, para desarrollar proyectos de fortalecimiento.
El Centro de Estudios de la UC concluyó en una investigación que las actividades artísticas y de entretenimiento han registrado una tasa de cesantía de un 44,5%. Así, estos fondos del ministerio llegarán también a espacios dedicados a la plástica, como la Fundación Cultural Nemesio Antúnez, las galerías AFA, Cima, Animal, Artespacio y Aninat. A la vez, recibirán este apoyo organizaciones especializadas en artes escénicas, como el Centro Cultural Nave, el Teatro San Martín de Rancagua, la Sala Insomnia-Teatro Condell y el Teatro El Cachafaz, entre otros de diversas regiones.
“Los resultados de esta convocatoria apuntan a una diversidad cultural, pero también territorial. Los espacios beneficiados ponen en valor y dan cabida a creadores de distintas disciplinas y a lo largo de todo Chile. Este financiamiento permitirá la continuidad de espacios fundamentales en el ecosistema”, explicó Consuelo Valdés, ministra de las Culturas.
Teatros, galerías y librerías ganaron fondos para enfrentar la crisis desatada por la pandemia.
R. C.
Se entrega todos los años, pero esta vez el fondo de Apoyo a Espacios Culturales tuvo un especial sentido de emergencia ante la paralización a la que ha obligado la pandemia. Ayer, el Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio anunció la lista de ganadores del concurso, que distribuirá 2 mil millones de pesos a centros culturales, teatros, cines, librerías y 122 espacios en todo el país. Con un tope de $18 millones, serán beneficiados el centro cultural Perrera Arte, la librería Metales Pesados, el Teatro Camilo Henríquez y el Cine Normandie, entre otros.
Los fondos de este año tienen un objetivo muy específico: asegurar la continuidad de los espacios que debieron suspender sus actividades y tuvieron una merma en sus ingresos a raíz de las cuarentenas por el covid-19. El anuncio llega a una semana del quiebre de la mesa de diálogo que desde abril mantenía el ministerio con la Coordinadora Intersectorial Cultura en Emergencia —que reúne a alrededor de 50 organizaciones y gremios— para buscar soluciones a la crisis.
Diversidad de espacios
Entre los rubros más visiblemente golpeados está el de las librerías, y el apoyo del ministerio llegará hasta 19 tiendas: además de Metales Pesados, el beneficio lo recibirán Lolita, la Librería del GAM, Trayecto, Catalonia, Bros, Entrepáginas (de Magallanes) y Tierra Culta (Atacama), entre otras. En un área similar, también llegarán fondos a editoriales como Ekaré Sur o Universitaria, para desarrollar proyectos de fortalecimiento.
El Centro de Estudios de la UC concluyó en una investigación que las actividades artísticas y de entretenimiento han registrado una tasa de cesantía de un 44,5%. Así, estos fondos del ministerio llegarán también a espacios dedicados a la plástica, como la Fundación Cultural Nemesio Antúnez, las galerías AFA, Cima, Animal, Artespacio y Aninat. A la vez, recibirán este apoyo organizaciones especializadas en artes escénicas, como el Centro Cultural Nave, el Teatro San Martín de Rancagua, la Sala Insomnia-Teatro Condell y el Teatro El Cachafaz, entre otros de diversas regiones.
“Los resultados de esta convocatoria apuntan a una diversidad cultural, pero también territorial. Los espacios beneficiados ponen en valor y dan cabida a creadores de distintas disciplinas y a lo largo de todo Chile. Este financiamiento permitirá la continuidad de espacios fundamentales en el ecosistema”, explicó Consuelo Valdés, ministra de las Culturas.
Hoy, ciclo de pianistas: Haydn y Brahms en línea a través de Ceac TV
El Mercurio
Hoy, a las 19:40 horas, el Ceac de la U. de Chile transmitirá, en Ceactv.cl, el concierto que dio el pianista chileno Gustavo Miranda-Bernales en 2017, en el que interpretó la Sonata N° 39 de Franz Joseph Haydn, además de piezas de Antonio Soler, Gabriel Fauré, Enrique Soro e Isaac Albéniz. La segunda parte está dedicada a Johannes Brahms, con la Balada N° 2 en Re mayor, seguida de la Sonata en Do mayor.
Hoy, a las 19:40 horas, el Ceac de la U. de Chile transmitirá, en Ceactv.cl, el concierto que dio el pianista chileno Gustavo Miranda-Bernales en 2017, en el que interpretó la Sonata N° 39 de Franz Joseph Haydn, además de piezas de Antonio Soler, Gabriel Fauré, Enrique Soro e Isaac Albéniz. La segunda parte está dedicada a Johannes Brahms, con la Balada N° 2 en Re mayor, seguida de la Sonata en Do mayor.
martes, agosto 11, 2020
Mujeres equilibran la balanza en el Premio Nacional de Música
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| Nora López en el rol de Leonora, de “El trovador”. Es reconocida como una especialista verdiana. |
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| Chabelita Fuentes ha sido por más de seis décadas una figura del canto centrino. |
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| Isabel Parra , depositaria de una tradición y activa creadora, presenta su tercera postulación al premio. |
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| Cecilia la Incomparable aparece como la primera candidata de la música pop |
El Mercurio
Siete nombres del canto lírico , la música orquestal, el folclor e incluso la música pop aparecen como candidatas a un galardón rodeado de controversias, que en 75 años solo ha premiado a tres de ellas.
IÑIGO DÍAZ
“Chile ha tenido errores en su análisis sobre la estética de la música. Los programadores de radio, los organizadores de conciertos, la crítica musical y el periodismo han invisibilizado la riqueza musical que traen las mujeres en su obra”, dice Mariel Villagra, compositora, cantante y fundadora de La Matria, colectivo que definió su apoyo a la candidatura al Premio Nacional de Música de la tomecina Cecilia Pantoja Levi (1943), más conocida como Cecilia La Incomparable.
Fue la primera postulación de una mujer a un galardón que hasta hace tres semanas solo reunía candidaturas masculinas. Un artículo publicado por “El Mercurio” que daba cuenta de estos pormenores, desató un intenso debate en redes sociales acerca de la invisibilidad de las candidaturas femeninas. No es un problema actual: en 75 años, solo lo han obtenido Margot Loyola (1994), la pianista Elvira Savi (1998) y la cantante lírica Carmen Luisa Letelier (2010).
El Premio Nacional de Música cerró ayer sus postulaciones. Y se han organizado candidaturas de al menos siete mujeres. Cecilia es una de ellas, y no solo la primera que salió al ruedo en agosto, sino una reconocible figura de un ámbito de la música que ha sido completamente desplazado de las postulaciones: el pop.
“Por temas de un absurdo clasismo se ha incomprendido el aporte musical que se descubre en la música popular. Cecilia merece un reconocimiento de este nivel por su trayectoria, su obra artística, su rebeldía y la manera en que ha llegado a la fibra de la gente. Para nosotros es ‘la voz' que nos representa en esta época. Y sigue activa, a pesar de su salud”, dice Mariel Villagra, quien en pleno estallido social lanzó “Sacar los tambores”, donde canta junto a Cecilia.
Como en 2016 y 2018, Isabel Parra (1939) vuelve a aparecer como candidata, nuevamente apoyada por el Museo Violeta Parra. “Isabel Parra es heredera y artesana del canto popular aprendido de la fuente original, que es Violeta Parra. Ha creado sus propias canciones, textos y música, siendo un referente ineludible no solo en Chile, sino que a nivel global”, dicen desde el museo. En ese ámbito ligado al folclor chileno aparece Isabel “Chabelita” Fuentes (1931), apoyada por la Agrupación Musical Las Primas.
“Es una intérprete de tonada desde los años 50 con el conjunto Las Morenitas, además de tocar el arpa y la guitarra. Sembró una semilla que fue germinando en generaciones posteriores de cantoras que la reconocen como una referencia directa”, dice Milena Viertel, de la Coordinadora por la Visibilización de la Mujer en el Arte en Chile (Covima Chile), creada como resultado del eco y debate que generó ese mismo artículo de prensa del 17 de julio.
Esta organización también apoya a la directora orquestal y formadora de orquestas juveniles Mireya Alegría (1939), que cuenta con respaldo adicional de la Asociación Nacional del Folklore en Chile (Anfolchi), el Taller Calahuala y del pianista Valentín Trujillo. “Fue la primera mujer chilena que dirigió la Orquesta Filarmónica (del Teatro Municipal), en 1972, y creó muchas orquestas juveniles en distintas comunas”, dice Viertel.
Nora López y Lucía Gana son dos nuevas candidatas vinculadas al canto lírico. Apoyada por la Sociedad de Escritores Latinoamericanos y Europeos, el Ducato di Abbiate-Grasso y el Marchesato di Arluno, López alcanzó una gran valía como cantante verdiana en Italia, donde se abrió paso en la época de las grandes estrellas líricas. Gana, en tanto, con una amplia experiencia en Francia, destacó en roles operáticos y sobre todo en la formación de voces y la docencia.
También en la formación y creación de coros aparece la candidatura de Ruth Godoy, apoyada por la Asociación Latinoamericana de Canto Coral Chile y Extensión de la UMCE, universidad en la que desde 1994 dirige el Coro Madrigalista. Nacida en Freirina en 1931, ha sido pionera en este campo.
“Ella se abrió paso en un ámbito totalmente hermético. La dirección de coros era una actividad reservada a los hombres”, dice la soprano Jenny Muñoz, quien impulsó esta candidatura. “En 1955 solo había tres directoras de coros en Chile: Sylvia Soublette, Mirta Espinoza y Ruth Godoy. Y ella es la única sobreviviente, la maestra que sigue adelante”, cierra.
Julieta Venegas “La historia de las mujeres no está bien contada”
El Mercurio
Desde su confinamiento en Buenos Aires, la cantante habla sobre el privilegio de poder recluirse, adelanta el que será su primer concierto vía streaming y destaca la importancia de que las mujeres cuenten su propia historia. “Me han hecho mansplaining , y mucho”, dice.
Por Nicolás Lazo Jerez. Fotografías: Yvonne Venegas.
En la voz de Julieta Venegas todavía no hay ningún rastro de acento argentino. Aunque la cantante y compositora mexicana está radicada en Buenos Aires desde hace tres años, su forma de hablar —rápida y enérgica— es la de siempre.
—No se me pega y, si intento imitarlo, me sale fatal —dice riendo desde su casa en esa ciudad, donde vive con su hija Simona, de 10 años—. Creo que me sale mejor el chileno.
Cuando se desató la emergencia sanitaria, que ha tenido a la capital argentina en un largo confinamiento, el encierro que Julieta buscaba antes para desplegar su proceso creativo se volvió, de repente, una obligación.
—Una cosa es elegirlo y la otra es que se trate de algo impuesto. Últimamente pienso mucho en eso. Por ejemplo, no tenía ganas de viajar tanto pero, ahora que no puedo, no sé si me gusta mucho la idea. Elegir las cosas es diferente a no poder hacerlas.
En ese contexto, cuenta, su ánimo ha pasado por distintos estados.
—Siento que he vivido varias cuarentenas. He tenido momentos muy positivos, reflexivos; y tengo otros momentos muy para adentro. Pero lo que sí creo es que nos toca rescatar algo de esto para nuestra vida.
—¿Qué ventaja podría dejarnos esta nueva vida más simple, casi ascética?
—Un freno a todo el mundo nos viene bien. Pero es muy complejo, porque no todos están viviendo la misma cuarentena. Hay gente que no tiene la posibilidad de quedarse quieta y decir: “Voy a reflexionar, voy a leer”. No, tienen que pensar cómo poner comida en el plato todos los días. No puedo tampoco ponerme demasiado filosófica. Me preocupa el colectivo. Lo bueno es que están surgiendo muchas campañas de donación. Ahora en México lanzamos una para ayudar a los técnicos de los shows.
—La reflexión en este momento parece un lujo, ¿o no?
—Totalmente. Más bien, tenemos que empatizar un montón. Por un lado, sí creo que nuestras vidas estaban guiadas por una aceleración que, a veces, ni siquiera nos dejaba disfrutar nada. (…) Pero, por otro lado, yo no puedo decir que ahora todo está tranquilo. Hay que mirar alrededor.
Su traslado desde México, en 2017, se produjo durante otra crisis, una de carácter personal que consistió en un profundo replanteamiento de su ritmo de trabajo.
—Recurrí a la composición de otra manera a como lo había hecho en los últimos años. Y fue lindo reencontrarme con la escritura de canciones desde otro lugar, como alguien que se reconstruye con lentitud.
Con la llegada de la pandemia, dice, ese método nuevo se convirtió en una especie de terapia artística, la que combina con un ejercicio diario que considera fundamental: la lectura. El entusiasmo se apodera de ella cuando repasa sus hallazgos literarios más significativos del último tiempo, como las crónicas de la periodista española Guiomar Rovira, las novelas del argentino Pablo Katchadjian y la poesía de Raúl Zurita, a quien descubrió durante la cuarentena. Su pareja, Pablo Braun, dueño de la librería y editorial Eterna Cadencia, la provee de novedades.
—Para mí, la lectura es toda forma de entretenimiento. Si no tengo unas horas al día para hacerlo, me siento rara.
Factor humano
Dada su afición por la literatura, no es extraño que Julieta Venegas haya elegido una librería bonaerense —aún por confirmarse— para el concierto que dará vía streaming el sábado 22 de agosto, a las 20 horas de Chile.
—Siempre decimos que la tecnología es fría; lo opuesto a la creatividad, al amor —manifiesta—. Pero esto es lo que tenemos. Es un medio para conectarnos.
La reinvención que la cantante ha experimentado en los años recientes estuvo marcada por su acercamiento al teatro, lo que la llevó a actuar en la aplaudida obra “La enamorada”, del dramaturgo y director de cine argentino Santiago Loza. Habituada al escenario, Julieta confiesa que no deja de sorprenderla “el hecho de remover cosas en las personas sin que puedan controlarlo”.
—Ese es un texto para presentar en lugares muy chicos, donde escuchaba a la gente riendo y después llorando. Y eso es muy bonito.
—Su concierto, en cambio, no tendrá ese factor presencial.
—Puede que yo no me sienta tan cómoda, puede que la gente lo sienta de otra manera, pero vamos a descubrir cómo es. Hay algo ahí que vuelve a lo humano, que vuelve al “aquí estamos”. Eso es lo que me emociona de este show.
Su comodidad, probablemente, está garantizada: ese día tocará, al igual que en su casa, rodeada de libros. Ella plantea que la relación entre canciones y literatura forma parte de su identidad, algo de lo que dio cuenta en la Filba 2019, cuando pronunció la conferencia “Ser bilingüe: entre la poesía y la música”.
—¿Cuál de las dos expresiones es su lengua nativa?
—Me cuesta mucho trabajo separarlas. Siento que me hice lectora al mismo tiempo que me hice compositora. No sé cómo me hubiera hecho compositora de canciones si no me hubiera hecho lectora empedernida. Cuando me vine a vivir a Argentina, dije que me iba a sentar a escribir, a ver qué pasaba. Y no, ni siquiera me da por eso si no tengo el elemento musical. Necesito escribir canciones. Es mi manera, mi instrumento.
Mansplaining
Uno de los versos de su canción “Mujeres”, estrenada este año e interpretada junto a una banda filarmónica de Oaxaca, contiene un mensaje sobre la importancia de que las mujeres se representen a sí mismas: “No intentes contar esta historia / mi presente, mi pasado”.
—¿Le ha pasado que los hombres traten de hablar por usted?
—Sí, me han hecho mansplaining, y mucho. Soy una mujer de mi generación. Y ya ni siquiera es una cosa intencional. Eso es lo lindo de los últimos dos o tres años. Nos estamos sentando a decir: “Esto que siempre yo había dado por hecho no está bueno”.
Respecto a la idea de testimonio femenino que aborda la canción, ella profundiza:
—La historia de las mujeres no está bien contada. Si te fijas, muchas figuras femeninas están siendo desenterradas en la música, en la literatura, en todos lados. Hacerlo es resaltarlas de otra manera, porque todo el mundo nos ha mostrado a las mujeres de una manera muy patriarcal.
—¿Hay alguna escritora chilena que llame particularmente su atención?
—Me parece un gran momento para revisar la figura de Gabriela Mistral. Es una figura muy interesante, una mujer muy rompedora, y ahora está bueno volver a encontrarse con ella. Violeta Parra, ni se diga. Son figuras muy fuertes que, a lo mejor, en su momento eran convertidas en otra cosa.
Y agrega:
—En este momento, el tema del feminismo aún es incómodo para mucha gente. Pero nos toca hacer esto. Estaría genial que los hombres también lo hagan. Muchos sí se están dando cuenta. Otros, por la cantidad de violencia contra las mujeres que hay, evidentemente no. Están muy comidos por esa imagen patriarcal, pero yo creo que es un gran momento para regenerar ideas e historias.
Una de esas historias que le interesan es la de las mujeres de Chiapas, México, que durante las últimas décadas han transformado su manera de ver el mundo gracias al influjo del movimiento zapatista, y que cuestionan las estructuras de género y el sistema económico.
—Por desgracia, ante cualquier crítica contra el capitalismo (la reacción) es que eres comunista, eres del otro bando.
—¿Se ha sentido presa de esa lógica polarizada?
—Me gustaría que alguien con conocimientos de economía se siente y proponga una tercera opción. Debe haber más imaginación política, y sí podemos hacer una crítica. (…) Los países no se crean solamente con políticos. ¿Cómo llegamos a este mundo que tenemos? Hay que volver a pensar cómo guiar nuestra realidad.
—¿Qué opinión le merece la gestión del Presidente López Obrador?
—De las opciones que teníamos cuando fue elegido, era el más prometedor. México es un país de mucha desigualdad y está bien atender la corrupción, pero hay cosas que no termino de entender. Su manera de tratar el tema de las mujeres me parece fuertísimo, porque pareciera que está negando la realidad. (…) Dice que no hay más violencia hacia ellas en la pandemia, cuando estás viendo que creció el porcentaje. O dice: “La pandemia aquí no está llegando”, y estás viendo la cantidad de muertos. Tenemos que darle tiempo, pero no diría que todo está perfectamente. No sé cómo responder sin parecer que me estoy posicionando desde un lugar fijo.
Los invisibles
“He visto con mucha preocupación lo que pasa en Estados Unidos”, comenta Julieta Venegas sobre los casos de abuso policial que originaron protestas masivas contra el racismo en ese país. Pero advierte:
—Miremos también nuestros países. Tenemos mucho racismo en México, en Chile y en todos los lugares donde conviven distintas culturas. Toda la población indígena, todo lo que es moreno, es invisibilizado. Esa cuestión de la blancura como superioridad es algo que tenemos muy adentro. Si estas personas no son vistas, muchos piensan que no existen. Es importante verlas: que estén, que hablen.
—¿Se siente con la responsabilidad de manifestar una posición ante estos temas?
—No quisiera convertirme en una “opina todo”. Pero sí puedo decir que esto es tremendo. A Chile lo siento muy cercano. Cada vez que pasa algo ahí, me afecta; quiero entenderlo, quiero saber lo que está pasando. La invisibilidad genera racismo, y el pueblo mapuche es invisible para mucha gente. Lo mismo digo para México: las diferentes comunidades indígenas son invisibles, y hay que comenzar a pelear porque no lo sean.
—A México cada día lo asociamos más a la violencia del narcotráfico.
—Lo vivo con una gran tristeza, con mucho dolor y con un montón de miedo. Aunque no esté viviendo ahí, es mi país. Vivo todo como en carne propia. Y con los años, parece que (el problema) crece cada vez más. ¿Cómo es posibe que hayamos llegado a este punto? Quiero pensar que habrá una solución, pero no sabría decir cuál.
Por estos días, la cantante alterna los ensayos para su próximo concierto virtual, la composición de canciones nuevas y el apoyo a su hija en los trabajos escolares.
—Es muy chistoso, porque (en cuarentena) siempre piensas que tienes todo el tiempo libre. Y no, siento que se va todo muy rápido.
Sin embargo, también se da el espacio para otras actividades, para las cuales la comunicación telemática ha sido indispensable: los domingos se reúne virtualmente con su familia de Tijuana y los miércoles lo hace con sus amigas mientras se toma un mezcal. Además, se inscribió en un taller de yoga y en otro de poesía.
—En noviembre cumplirá 50 años. ¿Tienen algún significado para usted los números redondos?
—Hay que romper la invisibilidad de las mujeres después de los 50, porque eso también existe. Yo quiero sacar un disco, quiero estar de gira, generar una visibilidad linda. Antes siempre pensaba qué iba a pasar (musicalmente) a esa edad, y me decía que iba a estar muy mayor. Y lo estoy pasando muy bien. No en el sentido frívolo; me siento súper asentada en esta edad y contenta de cumplirla.
Julieta Venegas tiene ganas de festejar esta etapa.
—Yo nunca celebro mi cumple. Siempre decía que hiciéramos algo chiquito con la gente más cercana, con mi hija, con mi pareja. Pero ahora sí quería hacer una fiesta, bailar con mis amigas. No sé si lo pueda hacer. Capaz que lo haga por Zoom.
Desde su confinamiento en Buenos Aires, la cantante habla sobre el privilegio de poder recluirse, adelanta el que será su primer concierto vía streaming y destaca la importancia de que las mujeres cuenten su propia historia. “Me han hecho mansplaining , y mucho”, dice.
Por Nicolás Lazo Jerez. Fotografías: Yvonne Venegas.
En la voz de Julieta Venegas todavía no hay ningún rastro de acento argentino. Aunque la cantante y compositora mexicana está radicada en Buenos Aires desde hace tres años, su forma de hablar —rápida y enérgica— es la de siempre.
—No se me pega y, si intento imitarlo, me sale fatal —dice riendo desde su casa en esa ciudad, donde vive con su hija Simona, de 10 años—. Creo que me sale mejor el chileno.
Cuando se desató la emergencia sanitaria, que ha tenido a la capital argentina en un largo confinamiento, el encierro que Julieta buscaba antes para desplegar su proceso creativo se volvió, de repente, una obligación.
—Una cosa es elegirlo y la otra es que se trate de algo impuesto. Últimamente pienso mucho en eso. Por ejemplo, no tenía ganas de viajar tanto pero, ahora que no puedo, no sé si me gusta mucho la idea. Elegir las cosas es diferente a no poder hacerlas.
En ese contexto, cuenta, su ánimo ha pasado por distintos estados.
—Siento que he vivido varias cuarentenas. He tenido momentos muy positivos, reflexivos; y tengo otros momentos muy para adentro. Pero lo que sí creo es que nos toca rescatar algo de esto para nuestra vida.
—¿Qué ventaja podría dejarnos esta nueva vida más simple, casi ascética?
—Un freno a todo el mundo nos viene bien. Pero es muy complejo, porque no todos están viviendo la misma cuarentena. Hay gente que no tiene la posibilidad de quedarse quieta y decir: “Voy a reflexionar, voy a leer”. No, tienen que pensar cómo poner comida en el plato todos los días. No puedo tampoco ponerme demasiado filosófica. Me preocupa el colectivo. Lo bueno es que están surgiendo muchas campañas de donación. Ahora en México lanzamos una para ayudar a los técnicos de los shows.
—La reflexión en este momento parece un lujo, ¿o no?
—Totalmente. Más bien, tenemos que empatizar un montón. Por un lado, sí creo que nuestras vidas estaban guiadas por una aceleración que, a veces, ni siquiera nos dejaba disfrutar nada. (…) Pero, por otro lado, yo no puedo decir que ahora todo está tranquilo. Hay que mirar alrededor.
Su traslado desde México, en 2017, se produjo durante otra crisis, una de carácter personal que consistió en un profundo replanteamiento de su ritmo de trabajo.
—Recurrí a la composición de otra manera a como lo había hecho en los últimos años. Y fue lindo reencontrarme con la escritura de canciones desde otro lugar, como alguien que se reconstruye con lentitud.
Con la llegada de la pandemia, dice, ese método nuevo se convirtió en una especie de terapia artística, la que combina con un ejercicio diario que considera fundamental: la lectura. El entusiasmo se apodera de ella cuando repasa sus hallazgos literarios más significativos del último tiempo, como las crónicas de la periodista española Guiomar Rovira, las novelas del argentino Pablo Katchadjian y la poesía de Raúl Zurita, a quien descubrió durante la cuarentena. Su pareja, Pablo Braun, dueño de la librería y editorial Eterna Cadencia, la provee de novedades.
—Para mí, la lectura es toda forma de entretenimiento. Si no tengo unas horas al día para hacerlo, me siento rara.
Factor humano
Dada su afición por la literatura, no es extraño que Julieta Venegas haya elegido una librería bonaerense —aún por confirmarse— para el concierto que dará vía streaming el sábado 22 de agosto, a las 20 horas de Chile.
—Siempre decimos que la tecnología es fría; lo opuesto a la creatividad, al amor —manifiesta—. Pero esto es lo que tenemos. Es un medio para conectarnos.
La reinvención que la cantante ha experimentado en los años recientes estuvo marcada por su acercamiento al teatro, lo que la llevó a actuar en la aplaudida obra “La enamorada”, del dramaturgo y director de cine argentino Santiago Loza. Habituada al escenario, Julieta confiesa que no deja de sorprenderla “el hecho de remover cosas en las personas sin que puedan controlarlo”.
—Ese es un texto para presentar en lugares muy chicos, donde escuchaba a la gente riendo y después llorando. Y eso es muy bonito.
—Su concierto, en cambio, no tendrá ese factor presencial.
—Puede que yo no me sienta tan cómoda, puede que la gente lo sienta de otra manera, pero vamos a descubrir cómo es. Hay algo ahí que vuelve a lo humano, que vuelve al “aquí estamos”. Eso es lo que me emociona de este show.
Su comodidad, probablemente, está garantizada: ese día tocará, al igual que en su casa, rodeada de libros. Ella plantea que la relación entre canciones y literatura forma parte de su identidad, algo de lo que dio cuenta en la Filba 2019, cuando pronunció la conferencia “Ser bilingüe: entre la poesía y la música”.
—¿Cuál de las dos expresiones es su lengua nativa?
—Me cuesta mucho trabajo separarlas. Siento que me hice lectora al mismo tiempo que me hice compositora. No sé cómo me hubiera hecho compositora de canciones si no me hubiera hecho lectora empedernida. Cuando me vine a vivir a Argentina, dije que me iba a sentar a escribir, a ver qué pasaba. Y no, ni siquiera me da por eso si no tengo el elemento musical. Necesito escribir canciones. Es mi manera, mi instrumento.
Mansplaining
Uno de los versos de su canción “Mujeres”, estrenada este año e interpretada junto a una banda filarmónica de Oaxaca, contiene un mensaje sobre la importancia de que las mujeres se representen a sí mismas: “No intentes contar esta historia / mi presente, mi pasado”.
—¿Le ha pasado que los hombres traten de hablar por usted?
—Sí, me han hecho mansplaining, y mucho. Soy una mujer de mi generación. Y ya ni siquiera es una cosa intencional. Eso es lo lindo de los últimos dos o tres años. Nos estamos sentando a decir: “Esto que siempre yo había dado por hecho no está bueno”.
Respecto a la idea de testimonio femenino que aborda la canción, ella profundiza:
—La historia de las mujeres no está bien contada. Si te fijas, muchas figuras femeninas están siendo desenterradas en la música, en la literatura, en todos lados. Hacerlo es resaltarlas de otra manera, porque todo el mundo nos ha mostrado a las mujeres de una manera muy patriarcal.
—¿Hay alguna escritora chilena que llame particularmente su atención?
—Me parece un gran momento para revisar la figura de Gabriela Mistral. Es una figura muy interesante, una mujer muy rompedora, y ahora está bueno volver a encontrarse con ella. Violeta Parra, ni se diga. Son figuras muy fuertes que, a lo mejor, en su momento eran convertidas en otra cosa.
Y agrega:
—En este momento, el tema del feminismo aún es incómodo para mucha gente. Pero nos toca hacer esto. Estaría genial que los hombres también lo hagan. Muchos sí se están dando cuenta. Otros, por la cantidad de violencia contra las mujeres que hay, evidentemente no. Están muy comidos por esa imagen patriarcal, pero yo creo que es un gran momento para regenerar ideas e historias.
Una de esas historias que le interesan es la de las mujeres de Chiapas, México, que durante las últimas décadas han transformado su manera de ver el mundo gracias al influjo del movimiento zapatista, y que cuestionan las estructuras de género y el sistema económico.
—Por desgracia, ante cualquier crítica contra el capitalismo (la reacción) es que eres comunista, eres del otro bando.
—¿Se ha sentido presa de esa lógica polarizada?
—Me gustaría que alguien con conocimientos de economía se siente y proponga una tercera opción. Debe haber más imaginación política, y sí podemos hacer una crítica. (…) Los países no se crean solamente con políticos. ¿Cómo llegamos a este mundo que tenemos? Hay que volver a pensar cómo guiar nuestra realidad.
—¿Qué opinión le merece la gestión del Presidente López Obrador?
—De las opciones que teníamos cuando fue elegido, era el más prometedor. México es un país de mucha desigualdad y está bien atender la corrupción, pero hay cosas que no termino de entender. Su manera de tratar el tema de las mujeres me parece fuertísimo, porque pareciera que está negando la realidad. (…) Dice que no hay más violencia hacia ellas en la pandemia, cuando estás viendo que creció el porcentaje. O dice: “La pandemia aquí no está llegando”, y estás viendo la cantidad de muertos. Tenemos que darle tiempo, pero no diría que todo está perfectamente. No sé cómo responder sin parecer que me estoy posicionando desde un lugar fijo.
Los invisibles
“He visto con mucha preocupación lo que pasa en Estados Unidos”, comenta Julieta Venegas sobre los casos de abuso policial que originaron protestas masivas contra el racismo en ese país. Pero advierte:
—Miremos también nuestros países. Tenemos mucho racismo en México, en Chile y en todos los lugares donde conviven distintas culturas. Toda la población indígena, todo lo que es moreno, es invisibilizado. Esa cuestión de la blancura como superioridad es algo que tenemos muy adentro. Si estas personas no son vistas, muchos piensan que no existen. Es importante verlas: que estén, que hablen.
—¿Se siente con la responsabilidad de manifestar una posición ante estos temas?
—No quisiera convertirme en una “opina todo”. Pero sí puedo decir que esto es tremendo. A Chile lo siento muy cercano. Cada vez que pasa algo ahí, me afecta; quiero entenderlo, quiero saber lo que está pasando. La invisibilidad genera racismo, y el pueblo mapuche es invisible para mucha gente. Lo mismo digo para México: las diferentes comunidades indígenas son invisibles, y hay que comenzar a pelear porque no lo sean.
—A México cada día lo asociamos más a la violencia del narcotráfico.
—Lo vivo con una gran tristeza, con mucho dolor y con un montón de miedo. Aunque no esté viviendo ahí, es mi país. Vivo todo como en carne propia. Y con los años, parece que (el problema) crece cada vez más. ¿Cómo es posibe que hayamos llegado a este punto? Quiero pensar que habrá una solución, pero no sabría decir cuál.
Por estos días, la cantante alterna los ensayos para su próximo concierto virtual, la composición de canciones nuevas y el apoyo a su hija en los trabajos escolares.
—Es muy chistoso, porque (en cuarentena) siempre piensas que tienes todo el tiempo libre. Y no, siento que se va todo muy rápido.
Sin embargo, también se da el espacio para otras actividades, para las cuales la comunicación telemática ha sido indispensable: los domingos se reúne virtualmente con su familia de Tijuana y los miércoles lo hace con sus amigas mientras se toma un mezcal. Además, se inscribió en un taller de yoga y en otro de poesía.
—En noviembre cumplirá 50 años. ¿Tienen algún significado para usted los números redondos?
—Hay que romper la invisibilidad de las mujeres después de los 50, porque eso también existe. Yo quiero sacar un disco, quiero estar de gira, generar una visibilidad linda. Antes siempre pensaba qué iba a pasar (musicalmente) a esa edad, y me decía que iba a estar muy mayor. Y lo estoy pasando muy bien. No en el sentido frívolo; me siento súper asentada en esta edad y contenta de cumplirla.
Julieta Venegas tiene ganas de festejar esta etapa.
—Yo nunca celebro mi cumple. Siempre decía que hiciéramos algo chiquito con la gente más cercana, con mi hija, con mi pareja. Pero ahora sí quería hacer una fiesta, bailar con mis amigas. No sé si lo pueda hacer. Capaz que lo haga por Zoom.
Salas de teatro se alistan para cumplir protocolo de reapertura
El Mercurio
El documento elaborado por el Ministerio de las Culturas incluye las directrices y requerimientos que deben considerar para reiniciar sus funciones cuando se pueda.
BÁRBARA CASTRO
Trabajado en conjunto con representantes del gremio artístico y validado por el Ministerio de Salud, la semana pasada el Ministerio de las Culturas presentó un protocolo de manejo y prevención del covid-19 para cines independientes, teatros y lugares análogos, como carpas circenses y espacios cerrados donde se realizan recitales musicales.
El documento exige la reducción del número de butacas disponibles, con un metro de distancia entre cada ubicación, promover la venta de entradas por canales digitales y programar funciones en horarios escalonados para evitar aglomeraciones. En el caso de los espectáculos, solo podrán asistir a los ensayos el personal imprescindible y las presentaciones se harán con distanciamiento sobre el escenario, mientras que los camarines se utilizarán de forma excepcional.
La implementación de estas directrices será progresiva y coincidirá con las comunas que entran o salgan de las cinco etapas contempladas en el plan “Paso a paso”, anunciado por el Gobierno. En el caso de los espacios dedicados a las artes escénicas, la reactivación de la actividad presencial comenzará en la fase cuatro, cuando se autoriza su funcionamiento con hasta el 25% de su aforo, con prohibición de venta y consumo de alimentos y bebestibles. La quinta fase permitirá que los teatros y espacios afines utilicen hasta el 75% de su aforo, y se podrá vender y consumir alimentos.
Evaluación y adaptación
En la capital, gestores de espacios teatrales anticipan que la disminución del aforo se traducirá en una baja en la recaudación, pero reconocen la urgencia de reiniciar el rubro.
Cristóbal Gumucio, director de Matucana 100, centro cultural que recibe financiamiento estatal, puntualiza la necesidad de retornar a lo presencial. “Es difícil que vaya a ser sustentable, porque ya con aforo completo es complejo, pero nuestro objetivo como giro público es reactivar la escena y en la medida en que podamos volver, vamos a volver”.
Juan Pablo Sáez, director del Teatro San Ginés, de carácter privado, coincide. “Las restricciones no son lo ideal, pero hay que cuidar un bien superior que es la salud de las personas, pero un aforo parcial es mejor a estar cerrado, aunque claro, hay compañías y artistas que no podremos tener, porque no dan los números si no se presentan a sala llena”, advierte el también actor.
En el caso de Matucana 100, complementarán la puesta en marcha del protocolo realizando más espectáculos en su explanada al aire libre, permitirán que compañías realicen registros audiovisuales de sus obras sin público y reforzarán los canales digitales. “Es un buen protocolo, en general, pero cada espacio debe ajustarlo a su realidad”, dice Gumucio.
El Teatro San Ginés trasladará a su azotea algunos espectáculos y espera aumentar los días y horarios de funciones. El recinto ya instaló una cabina sanitaria al ingreso de una de sus salas, en línea con las recomendaciones planteadas. “Con la sumatoria de shows esperamos llegar a las cifras para sostener la operación, afortunadamente tenemos escenarios amplios que nos permiten modificar las pautas de movimiento para que ninguna presentación tenga que cambiar demasiado y no se queden fuera”, dice Sáez.
Gabriela Aguilera, directora artística Teatro UC, dice que están evaluando el protocolo. “Tenemos que integrar realidad, infraestructura, viabilidad, protocolos internos y capacidad de producir los eventos artísticos dentro de estas condiciones. Es un proceso muy complejo y tenemos que dar pasos muy seguros para resguardar la salud de los trabajadores, equipos artísticos y público”, señala.
Según plantea, el protocolo es general “y nuestras decisiones, como las de cada uno de los recintos culturales, tienen que regirse por las propias capacidades para proteger la salud de las personas”.
El documento elaborado por el Ministerio de las Culturas incluye las directrices y requerimientos que deben considerar para reiniciar sus funciones cuando se pueda.
BÁRBARA CASTRO
Trabajado en conjunto con representantes del gremio artístico y validado por el Ministerio de Salud, la semana pasada el Ministerio de las Culturas presentó un protocolo de manejo y prevención del covid-19 para cines independientes, teatros y lugares análogos, como carpas circenses y espacios cerrados donde se realizan recitales musicales.
El documento exige la reducción del número de butacas disponibles, con un metro de distancia entre cada ubicación, promover la venta de entradas por canales digitales y programar funciones en horarios escalonados para evitar aglomeraciones. En el caso de los espectáculos, solo podrán asistir a los ensayos el personal imprescindible y las presentaciones se harán con distanciamiento sobre el escenario, mientras que los camarines se utilizarán de forma excepcional.
La implementación de estas directrices será progresiva y coincidirá con las comunas que entran o salgan de las cinco etapas contempladas en el plan “Paso a paso”, anunciado por el Gobierno. En el caso de los espacios dedicados a las artes escénicas, la reactivación de la actividad presencial comenzará en la fase cuatro, cuando se autoriza su funcionamiento con hasta el 25% de su aforo, con prohibición de venta y consumo de alimentos y bebestibles. La quinta fase permitirá que los teatros y espacios afines utilicen hasta el 75% de su aforo, y se podrá vender y consumir alimentos.
Evaluación y adaptación
En la capital, gestores de espacios teatrales anticipan que la disminución del aforo se traducirá en una baja en la recaudación, pero reconocen la urgencia de reiniciar el rubro.
Cristóbal Gumucio, director de Matucana 100, centro cultural que recibe financiamiento estatal, puntualiza la necesidad de retornar a lo presencial. “Es difícil que vaya a ser sustentable, porque ya con aforo completo es complejo, pero nuestro objetivo como giro público es reactivar la escena y en la medida en que podamos volver, vamos a volver”.
Juan Pablo Sáez, director del Teatro San Ginés, de carácter privado, coincide. “Las restricciones no son lo ideal, pero hay que cuidar un bien superior que es la salud de las personas, pero un aforo parcial es mejor a estar cerrado, aunque claro, hay compañías y artistas que no podremos tener, porque no dan los números si no se presentan a sala llena”, advierte el también actor.
En el caso de Matucana 100, complementarán la puesta en marcha del protocolo realizando más espectáculos en su explanada al aire libre, permitirán que compañías realicen registros audiovisuales de sus obras sin público y reforzarán los canales digitales. “Es un buen protocolo, en general, pero cada espacio debe ajustarlo a su realidad”, dice Gumucio.
El Teatro San Ginés trasladará a su azotea algunos espectáculos y espera aumentar los días y horarios de funciones. El recinto ya instaló una cabina sanitaria al ingreso de una de sus salas, en línea con las recomendaciones planteadas. “Con la sumatoria de shows esperamos llegar a las cifras para sostener la operación, afortunadamente tenemos escenarios amplios que nos permiten modificar las pautas de movimiento para que ninguna presentación tenga que cambiar demasiado y no se queden fuera”, dice Sáez.
Gabriela Aguilera, directora artística Teatro UC, dice que están evaluando el protocolo. “Tenemos que integrar realidad, infraestructura, viabilidad, protocolos internos y capacidad de producir los eventos artísticos dentro de estas condiciones. Es un proceso muy complejo y tenemos que dar pasos muy seguros para resguardar la salud de los trabajadores, equipos artísticos y público”, señala.
Según plantea, el protocolo es general “y nuestras decisiones, como las de cada uno de los recintos culturales, tienen que regirse por las propias capacidades para proteger la salud de las personas”.
lunes, agosto 10, 2020
La travesía de una arpillera: Chile recupera obra de Violeta Parra
El Mercurio
Estuvo en un sótano durante décadas, después de exhibirse en el Museo del Louvre. Ahora, “La rebelión de los campesinos” se suma a la colección del Museo Violeta Parra gracias a la gestión inicial de Ruth Valentini.
Daniela Silva Astorga
Abandonó su taller en Ginebra para instalarse en Saint-Prex (o Basuges, como se llamaba antes). Comenzaban los años 60 y en ese pueblo, a orillas del lago Léman, Violeta Parra (1917-1967) tenía donde continuar su periplo por Europa: la residencia de su amigo Charles-Henri Favrod (1927-2017). El periodista, escritor, fotógrafo y activista por la descolonización de Argelia le ofreció una habitación en la parte más alta de su castillo. Ahí trabajó sin cansancio ni distracciones en su obra plástica. Tejió, bordó e hizo cabezas con papel maché. También cantó canciones de cuna para los hijos de la familia hasta que, nueve meses después, decidió partir.
Enero de 2020. Ruth Valentini —viuda de Ángel Parra, hijo de Violeta— se refugia del frío parisino en su casa de Providencia cuando recibe un correo de su amigo Michel Bühler. El músico le cuenta su última conversación con Xavier Veuthey, conocido suyo, y el relato se torna crucial cuando menciona a Charles-Henri Favrod. “Me dice que Veuthey veía la sucesión testamentaria, y que estaba programada una subasta de todos los bienes del castillo de Saint-Prex. Muebles, cuadros, fotos, documentos y una arpillera de Violeta Parra. Escuché esto y rápidamente me puse en contacto con él”, recuerda Valentini, al teléfono desde Francia.
Era una de las arpilleras más relevantes de Parra: “La rebelión de los campesinos”. La expuso en el Museo del Louvre (1964), y conversó sobre ella con la periodista Madeleine Brumagne durante el registro del documental “Violeta Parra, bordadora chilena”, rodado por la Televisión Suiza. Y esa fue una de las últimas apariciones públicas del bordado. Después, su rastro se perdió: estuvo durante 60 años en el sótano del castillo de Saint-Prex.
“No podía irse a venta —afirma Valentini—. Le insistí a Xavier Veuthey que debía sacarla inmediatamente de la subasta. Me parecía evidente que la arpillera debía ser patrimonio del Museo Violeta Parra. Le pedí que los herederos la donaran. Se negaron. Su argumento era que existían coleccionistas suizos dispuestos a comprarla”. Días después, el encargado de la sucesión invitó a hacer una oferta.
Todavía en Santiago, Valentini fue al Museo Violeta Parra y, en medio de los vestigios del incendio, le reveló el hallazgo a Cecilia García-Huidobro, directora de la institución. “Su ánimo se transformó: pasó de la desesperanza a una increíble alegría. Me contó que hace años buscaba esa arpillera y desde entonces se hizo cargo de la gestión”, rememora Valentini.
Tras 150 días de trámites, la obra viajó a Santiago hace un mes. Valentini siguió en la misión hasta que Veuthey entregó la pieza, adquirida por la Fundación Museo Violeta Parra, al embajador de Chile en Suiza, Manuel Francisco Gormaz.
“Ahora esta arpillera les pertenece a todos los chilenos. Era muy importante recuperarla. Sabíamos de ella porque se exhibió en el Louvre, sin conocer su paradero”, comenta Cecilia García-Huidobro. La directora del museo cuenta, además, que este gasto fue posible gracias a los ahorros que han hecho al estar cerrados, debido a los incendios que sufrieron durante el estallido y la pandemia. Y los fondos vienen de la asignación del Ministerio de las Culturas.
“Este hallazgo nos da mucho ánimo para seguir adelante. Significa que estamos vivos”, afirma la presidenta del directorio de la fundación, Carmen Luisa Letelier. “Que aparezcan obras que se creían perdidas en Europa es muy impresionante, porque demuestra el poder de atracción que ejerció Violeta Parra en todas partes. Estamos muy contentos. Siempre los museos deben tratar de aumentar su patrimonio y más en este caso, pues es único y no tan abundante”, añade. Hasta ahora, la Fundación Museo Violeta Parra había comprado un retrato del historiador Leopoldo Castedo, que la artista hizo con pintura. Pero su colección ha crecido además por donaciones. Una de las más relevantes es la de Madeleine Brumagne. Cedió una arpillera, una pintura y un papel maché.
El proyecto es exhibir “La rebelión de los campesinos” apenas sea factible. Mientras el museo no se reconstruya —“estamos en el trámite con los seguros”, recuerda Letelier—, se usará otro espacio cultural. “Este fue un proyecto país. Es una maravilla que la obra esté ya en Chile y que sea patrimonio de todos”, cierra García-Huidobro.
El pianista Sebastián Castro: La perfección del trío de jazz en una saga discográfica
El Mercurio
Después de dos años en Alemania , el curicano se definió como cultor del piano trío. “Far away”, “Mixture” y “Dadinirt” completan la trilogía.
IÑIGO DÍAZ
El chileno Sebastián Castro cerró su paso por Múnich con un categórico promedio 1 en los tres exámenes del máster de piano jazzístico que cursó allí: en Alemania, la escala de puntuación es inversa y la peor nota es el 5. “Todavía hay gente acá que se sorprende cuando digo que me saqué puros unos”, bromea.
Castro (1988) es un nombre destacado de la generación de jazzistas de los años 10. No solo apareció como sideman en cuartetos y quintetos, sino que abrió el espacio para sus propios proyectos. “Toqué con mi trío en la radio Valentín Letelier de Valparaíso y me vine a Santiago a recoger las maletas, porque me iba a Alemania”, recuerda sobre la única ocasión en que presentó en vivo “Forastero” (2018).
“Su título representaba lo que iba a ocurrir, cuando dejamos atrás Chile con mi mujer, que es flautista clásica, para buscar una vida allá”, refiere. Los resultados fueron favorables al punto que, hoy, Castro se encuentra presentando una saga de tres álbumes.
“Far away”, “Mixture” y “Dadinirt” son discos cuyo hilo conductor es ese paso por Alemania, pero fundamentalmente unidos por la narrativa que representa el trío contemporáneo de jazz. “El piano es el instrumento de Alemania. Existe toda una cultura del piano allá. Cada familia tiene uno y hasta los que no son músicos lo tocan. El que menos sabe, toca corales de Bach o sonatinas de Mozart”, dice Castro. “Eso me llevó a sentir su efecto sonoro en el cuerpo, porque las vibraciones pasan por ti. En Chile yo di conciertos en pianos, pero practicaba en teclados”, dice.
Cada disco de la trilogía está relacionado con uno de aquellos exámenes en que Castro obtuvo un 1. “Far away” se grabó con músicos de renombre en Múnich, el eslovaco Peter Cudek (contrabajo) y el austríaco Christian Lettner (batería). “Yo había compuesto música que me conectaba con Latinoamérica, pero salió algo muy distinto. Escribí un huayno que ellos no podían descifrar. Naturalmente se dio otra cosa, que terminó siendo mejor”, dice.
Si a esos músicos Castro los descubrió en la noche en los clubes, quienes lo acompañaron en “Mixture” fueron jóvenes compañeros de sus clases diurnas. Allí se rodea por el mongolés Munguntovch Tsolmonbayar (contrabajo) y el chino Zhitong Xu (batería). Su último trabajo, “Dadinirt”, está en etapa final. Toca con los chilenos Milton Russell (contrabajo) y Juan Pablo Jaramillo (batería), sus compañeros de una afiatada sección rítmica en varios proyectos de jazz local.
“Debido a la pandemia no se ha terminado aún, pero esta fue la música que toqué en mi concierto final para el máster en Alemania, que fue a distancia. Lo similar es que me saqué un 1; lo nuevo es que toqué a piano solo. Por primera vez estoy explorando esa faceta de improvisación abstracta en solitario. Y eso es un mundo nuevo”, cierra.
Después de dos años en Alemania , el curicano se definió como cultor del piano trío. “Far away”, “Mixture” y “Dadinirt” completan la trilogía.
IÑIGO DÍAZ
El chileno Sebastián Castro cerró su paso por Múnich con un categórico promedio 1 en los tres exámenes del máster de piano jazzístico que cursó allí: en Alemania, la escala de puntuación es inversa y la peor nota es el 5. “Todavía hay gente acá que se sorprende cuando digo que me saqué puros unos”, bromea.
Castro (1988) es un nombre destacado de la generación de jazzistas de los años 10. No solo apareció como sideman en cuartetos y quintetos, sino que abrió el espacio para sus propios proyectos. “Toqué con mi trío en la radio Valentín Letelier de Valparaíso y me vine a Santiago a recoger las maletas, porque me iba a Alemania”, recuerda sobre la única ocasión en que presentó en vivo “Forastero” (2018).
“Su título representaba lo que iba a ocurrir, cuando dejamos atrás Chile con mi mujer, que es flautista clásica, para buscar una vida allá”, refiere. Los resultados fueron favorables al punto que, hoy, Castro se encuentra presentando una saga de tres álbumes.
“Far away”, “Mixture” y “Dadinirt” son discos cuyo hilo conductor es ese paso por Alemania, pero fundamentalmente unidos por la narrativa que representa el trío contemporáneo de jazz. “El piano es el instrumento de Alemania. Existe toda una cultura del piano allá. Cada familia tiene uno y hasta los que no son músicos lo tocan. El que menos sabe, toca corales de Bach o sonatinas de Mozart”, dice Castro. “Eso me llevó a sentir su efecto sonoro en el cuerpo, porque las vibraciones pasan por ti. En Chile yo di conciertos en pianos, pero practicaba en teclados”, dice.
Cada disco de la trilogía está relacionado con uno de aquellos exámenes en que Castro obtuvo un 1. “Far away” se grabó con músicos de renombre en Múnich, el eslovaco Peter Cudek (contrabajo) y el austríaco Christian Lettner (batería). “Yo había compuesto música que me conectaba con Latinoamérica, pero salió algo muy distinto. Escribí un huayno que ellos no podían descifrar. Naturalmente se dio otra cosa, que terminó siendo mejor”, dice.
Si a esos músicos Castro los descubrió en la noche en los clubes, quienes lo acompañaron en “Mixture” fueron jóvenes compañeros de sus clases diurnas. Allí se rodea por el mongolés Munguntovch Tsolmonbayar (contrabajo) y el chino Zhitong Xu (batería). Su último trabajo, “Dadinirt”, está en etapa final. Toca con los chilenos Milton Russell (contrabajo) y Juan Pablo Jaramillo (batería), sus compañeros de una afiatada sección rítmica en varios proyectos de jazz local.
“Debido a la pandemia no se ha terminado aún, pero esta fue la música que toqué en mi concierto final para el máster en Alemania, que fue a distancia. Lo similar es que me saqué un 1; lo nuevo es que toqué a piano solo. Por primera vez estoy explorando esa faceta de improvisación abstracta en solitario. Y eso es un mundo nuevo”, cierra.
Primera grabación mundial: Bernard Herrmann, el compositor de Hitchcock, puso en música a Walt Whitman
El Mercurio
Compuesto en 1944 , el radiodrama con música sobre el poeta de “Hojas de hierba” fue reestrenado en la Catedral de Washington y en octubre sale bajo el sello Naxos.
Juan Antonio Muñoz H.
“Soy el poeta del Cuerpo y soy el poeta del Alma”, escribió Walt Whitman (1819-1892), definido como el máximo cantor del Yo, del cuerpo humano, del sexo, de la fraternidad universal y de la igualdad democrática, y también como un “profanador insigne de todas las convenciones y formas de lenguaje”. El mismo que en “Hojas de hierba”, exaltando la música, escribió: “Me colma un tenor, vasto y nuevo como la creación. Me exalta el caudal de su voz (…). La orquesta me hace describir órbitas más vastas que las de Urano, me arranca ardores cuya existencia yo ni siquiera sospechaba”.
El gran poeta estadounidense del siglo XIX también es en sí mismo música y drama. Y gracias al sello Naxos podremos conocer cómo fue que lo llevó a la música el compositor Bernard Herrmann (1911-1975).
A Herrmann se deben las bandas sonoras de películas como “Psicosis”, “Vértigo”, “El hombre que sabía demasiado”, “Ciudadano Kane”, “Fahrenheit 451” y “Taxi Driver”, entre muchas otras. También fue un músico de otras aguas, como atestiguan su cantata “Moby Dick” (1938) y su notable y poco representada ópera “Cumbres borrascosas” (1943/1951, que se puede escuchar en YouTube, en una versión de Montpellier de 2010), aparte de sus contribuciones al repertorio sinfónico y de cámara.
También fue un pionero en el ámbito de la música radiofónica, y durante los años 30 y 40 trabajó intensamente junto a Orson Welles en una serie de partituras para programas radiofónicos creados por este, como la famosa adaptación que Welles realizó de “La guerra de los mundos”, de Herbert George Wells, que marcó un hito en la historia de la radiodifusión.
Whitman y la guerra
En 1944, con EE.UU. ya completamente involucrado en la Segunda Guerra Mundial, Herrmann compuso la música para un radiodrama dedicado a la principal figura poética estadounidense, Walt Whitman. Titulado simplemente “Whitman”, tiene un texto del escritor, ensayista, guionista y productor Norman Corwin, y se emitió en 1944 con el objetivo de inspirar el apoyo nacional a la participación norteamericana en el conflicto bélico. La obra fue rescatada en 2019 por el director español Ángel Gil-Ordóñez, quien la presentó en la Catedral de Washington en el marco del bicentenario del nacimiento de Whitman.
Es el mismo Gil-Ordóñez quien está al frente del disco que, en octubre próximo, lanzará el sello Naxos, en interpretación del PostClassical Ensemble y con el elenco responsable del reestreno en Washington. Joe Horowitz, director ejecutivo del conjunto PostClassical Ensemble, dice que la música de Herrmann hizo que las grandes películas fueran aún mejores. “Cualquiera que conozca estas películas sabe que en ellas la música es crucial”, subraya, y agrega que una obra como “Whitman” está todavía pendiente de ser conocida: “Es una partitura notable. Herrmann fue el compositor supremo de un género que ahora está olvidado: los dramas de radio. Es impresionante cómo conecta las palabras de ‘Hojas de hierba' con su inquietante música. Creo que, junto con Aaron Copland, es uno de los compositores más destacados de su generación”.
El álbum de Naxos se completa con otras dos piezas de concierto de Herrmann: el quinteto para clarinete “Souvenirs de voyage” y la Suite de “Psicosis” para orquesta de cuerdas.
Conocido por las películas donde intervino, pero muy escasamente por su producción para la sala de conciertos, en 1933 conoció a Orson Welles, con quien trabajó en “La guerra de los mundos” y luego en “El Príncipe Feliz”, y en la película “Ciudadano Kane” (1941). Herrmann obtuvo su único premio de la Academia por la música de “El hombre que vendió su alma” (“The Devil and Daniel Webster”, 1941), dirigida por William Dieterle.
En 1955 conoció a Alfred Hitchcock y comenzó a trabajar con él. Partió con “¿Quién mató a Harry?” hasta alcanzar la plenitud innovadora en cintas como “Vértigo”, “Intriga internacional” y, en especial, “Psicosis”: la famosa secuencia de los violines en la escena del asesinato en la ducha. Colaboró luego, en Europa, en proyectos de François Truffaut.
Herrmann falleció de un infarto al miocardio en su habitación en un hotel de Los Angeles, pocas horas después de terminar la grabación de la partitura de “Taxi Driver”, de Scorsese.
Campaña solidaria: Llaman a donar computadores para niños de la FOJI
El Mercurio
“Dona música, dona tu computador” reza el lema de la campaña impulsada por la Fundación Cultural de Providencia que busca recolectar notebooks y tablets para los niños de la FOJI, quienes podrán utilizarlos como herramienta de trabajo y comunicación a distancia en el contexto de la pandemia.
“Dona música, dona tu computador” reza el lema de la campaña impulsada por la Fundación Cultural de Providencia que busca recolectar notebooks y tablets para los niños de la FOJI, quienes podrán utilizarlos como herramienta de trabajo y comunicación a distancia en el contexto de la pandemia.
Cami estuvo en el cierre del Cosquín Rock Virtual
El Mercurio
La cantante chilena integró el cartel de la inédita versión del festival trasandino que se realizó durante el pasado sábado y domingo vía streaming. El evento congregó a más de 70 artistas de América y España y ayer en la tarde tuvo a Cami, con un sólido set de media hora, que fue grabado durante la semana en un estudio de TVN acompañada de su banda, en el que interpretó canciones como “La entrevista”, “Un poco más de frío”, “La despedida”, “Funeral” y “Aquí estoy”. Promediando su show, dedicó su actuación a la familia de Antonia Barra, la joven que se suicidó en el sur tras ser violada y dijo que en Chile “hay impunidad para los violadores”.
La cantante chilena integró el cartel de la inédita versión del festival trasandino que se realizó durante el pasado sábado y domingo vía streaming. El evento congregó a más de 70 artistas de América y España y ayer en la tarde tuvo a Cami, con un sólido set de media hora, que fue grabado durante la semana en un estudio de TVN acompañada de su banda, en el que interpretó canciones como “La entrevista”, “Un poco más de frío”, “La despedida”, “Funeral” y “Aquí estoy”. Promediando su show, dedicó su actuación a la familia de Antonia Barra, la joven que se suicidó en el sur tras ser violada y dijo que en Chile “hay impunidad para los violadores”.
domingo, agosto 09, 2020
Cosquín Rock inició su inédita edición virtual con presencia chilena
El Mercurio
El festival argentino dio la partida, con tropezones en su transmisión, a 50 horas de música con un cartel de 74 bandas y solistas que culmina hoy. Ayer, Los Tres representaron a los grupos locales; esta tarde será el turno de Cami.
José Vásquez
La industria musical saltó ayer, pero con complicaciones, su mayor valla virtual a la fecha, en cuanto a los grandes espectáculos en vivo. El Cosquín Rock trasandino se mudó al streaming con una edición especial en tiempos de pandemia y la apuesta fue en grande: la promesa de más de 50 horas de música a cargo de 74 bandas y solistas de América y España, varios de ellos tocando en directo, con sets que promediaron los 30 minutos, para un festival que se inició ayer en la tarde y que culminará esta noche, desde México con Molotov.
El plan era ambicioso y su desarrollo, todavía con características de proyecto piloto por las circunstancias en que se realizó, aprobó pese a los numerosos reparos propios de su puesta en marcha experimental, donde los usuarios manifestaron en redes sociales y en el chat del evento dificultades para el ingreso a los shows y con la transmisión, además de la lentitud y las fallas que ofrecía la plataforma al realizar el zapping en línea a través de cuatro escenarios que funcionaron casi todo el tiempo de manera simultánea, con sedes en el Luna Park, La Trastienda, el Teatro Vorterix y el Teatro Roxy Alternativo.
Los recintos, recurrentes para la música en vivo de Buenos Aires, fueron alternando shows en directo, sin público, con la proyección de presentaciones grabadas desde el extranjero, como lo hicieron los chilenos del cartel, que registraron durante la semana, en un estudio de TVN, sus actuaciones. Ayer en la tarde se emitió la realizada por Los Tres y hoy será el turno de Cami.
La banda de Álvaro Henríquez comenzó con “Camino” una presentación que se centró principalmente en los éxitos de su repertorio como “Hojas de té”, “La torre de Babel”, “Un amor violento”, “He barrido el sol” y “La espada y la pared”, que fueron tocadas sin pausas en un set compacto, pero con la falta de emoción lógica ante la ausencia obligada del público.
José Palazzo, el creador hace 20 años del festival cordobés que este año debió suspender sus ediciones satélites en Estados Unidos, España, Colombia y Uruguay, contó a “El Mercurio”, en la previa, que este proyecto era una respuesta al presente de la crisis que atraviesa una industria impedida de funcionar como acostumbra y cuya normalidad no volvería antes de mediados del 2021.
Con una inversión superior a los US$ 800 mil y con entradas que tenían un costo de US$ 10 por jornada, el plan de Palazzo es instaurar esta modalidad para que en el futuro conviva la asistencia a conciertos y festivales de manera física y virtual. Y aunque la experiencia no se puede igualar, el productor buscó acercar la oferta con este Cosquín inédito que tuvo un buen sonido en la transmisión, entregó la opción de elegir distintos ángulos de cámara ––que también fallaron en algunas presentaciones–– para seguir los shows y tuvo chats interactivos con trivias de los artistas. Además, pagando un extra se podía acceder a pruebas de sonido y meet and greets virtuales.
El resultado que entrega esta primera jornada es que la plataforma todavía puede seguir creciendo, pero debe mejorar los problemas que presentó. Palazzo contaba antes del inicio que esperaba vender alrededor de 60 mil entradas y proyectaba que con eso serían más de 200 mil personas las que verían una transmisión que en tiempos de crisis le dio trabajo durante este fin de semana a más de dos mil personas entre artistas, técnicos y productores.
El cartel
El festival ofreció diversidad desde el inicio con el hardcore melódico de los peruanos Inyectores y el pop de autor de Sol Alac, la uruguaya Julieta Rada o el combo cubano que transita por el funk y el reggae y la conga, Toques del Río, que desde La Habana grabaron su participación.
El punk callejero de 2 Minutos y el metal alternativo de A.N.I.M.A.L. ––presentación que acaparó una gran cantidad de reclamos por los problemas en su emisión–– también estuvieron ayer antes de las presentaciones de una íntima y solitaria Julieta Venegas y un Vicentico con banda completa, que llegaban como las figuras más destacadas de la primera jornada, tocando en un vacío Luna Park.
El vocalista de Los Fabulosos Cadillacs incluso ironizó con la situación. “Buenas noches... ¡Buenas noches, dije!”, señaló en tono de broma ante la ausencia de respuesta de un público inexistente en el lugar. Aunque en el chat del evento los conectados sí le respondieron el saludo.
El festival argentino dio la partida, con tropezones en su transmisión, a 50 horas de música con un cartel de 74 bandas y solistas que culmina hoy. Ayer, Los Tres representaron a los grupos locales; esta tarde será el turno de Cami.
José Vásquez
La industria musical saltó ayer, pero con complicaciones, su mayor valla virtual a la fecha, en cuanto a los grandes espectáculos en vivo. El Cosquín Rock trasandino se mudó al streaming con una edición especial en tiempos de pandemia y la apuesta fue en grande: la promesa de más de 50 horas de música a cargo de 74 bandas y solistas de América y España, varios de ellos tocando en directo, con sets que promediaron los 30 minutos, para un festival que se inició ayer en la tarde y que culminará esta noche, desde México con Molotov.
El plan era ambicioso y su desarrollo, todavía con características de proyecto piloto por las circunstancias en que se realizó, aprobó pese a los numerosos reparos propios de su puesta en marcha experimental, donde los usuarios manifestaron en redes sociales y en el chat del evento dificultades para el ingreso a los shows y con la transmisión, además de la lentitud y las fallas que ofrecía la plataforma al realizar el zapping en línea a través de cuatro escenarios que funcionaron casi todo el tiempo de manera simultánea, con sedes en el Luna Park, La Trastienda, el Teatro Vorterix y el Teatro Roxy Alternativo.
Los recintos, recurrentes para la música en vivo de Buenos Aires, fueron alternando shows en directo, sin público, con la proyección de presentaciones grabadas desde el extranjero, como lo hicieron los chilenos del cartel, que registraron durante la semana, en un estudio de TVN, sus actuaciones. Ayer en la tarde se emitió la realizada por Los Tres y hoy será el turno de Cami.
La banda de Álvaro Henríquez comenzó con “Camino” una presentación que se centró principalmente en los éxitos de su repertorio como “Hojas de té”, “La torre de Babel”, “Un amor violento”, “He barrido el sol” y “La espada y la pared”, que fueron tocadas sin pausas en un set compacto, pero con la falta de emoción lógica ante la ausencia obligada del público.
José Palazzo, el creador hace 20 años del festival cordobés que este año debió suspender sus ediciones satélites en Estados Unidos, España, Colombia y Uruguay, contó a “El Mercurio”, en la previa, que este proyecto era una respuesta al presente de la crisis que atraviesa una industria impedida de funcionar como acostumbra y cuya normalidad no volvería antes de mediados del 2021.
Con una inversión superior a los US$ 800 mil y con entradas que tenían un costo de US$ 10 por jornada, el plan de Palazzo es instaurar esta modalidad para que en el futuro conviva la asistencia a conciertos y festivales de manera física y virtual. Y aunque la experiencia no se puede igualar, el productor buscó acercar la oferta con este Cosquín inédito que tuvo un buen sonido en la transmisión, entregó la opción de elegir distintos ángulos de cámara ––que también fallaron en algunas presentaciones–– para seguir los shows y tuvo chats interactivos con trivias de los artistas. Además, pagando un extra se podía acceder a pruebas de sonido y meet and greets virtuales.
El resultado que entrega esta primera jornada es que la plataforma todavía puede seguir creciendo, pero debe mejorar los problemas que presentó. Palazzo contaba antes del inicio que esperaba vender alrededor de 60 mil entradas y proyectaba que con eso serían más de 200 mil personas las que verían una transmisión que en tiempos de crisis le dio trabajo durante este fin de semana a más de dos mil personas entre artistas, técnicos y productores.
El cartel
El festival ofreció diversidad desde el inicio con el hardcore melódico de los peruanos Inyectores y el pop de autor de Sol Alac, la uruguaya Julieta Rada o el combo cubano que transita por el funk y el reggae y la conga, Toques del Río, que desde La Habana grabaron su participación.
El punk callejero de 2 Minutos y el metal alternativo de A.N.I.M.A.L. ––presentación que acaparó una gran cantidad de reclamos por los problemas en su emisión–– también estuvieron ayer antes de las presentaciones de una íntima y solitaria Julieta Venegas y un Vicentico con banda completa, que llegaban como las figuras más destacadas de la primera jornada, tocando en un vacío Luna Park.
El vocalista de Los Fabulosos Cadillacs incluso ironizó con la situación. “Buenas noches... ¡Buenas noches, dije!”, señaló en tono de broma ante la ausencia de respuesta de un público inexistente en el lugar. Aunque en el chat del evento los conectados sí le respondieron el saludo.
sábado, agosto 08, 2020
David Fricke: “No pienso en el rock como algo viejo, no miro la edad de lo que escucho”
El Mercurio
El histórico editor de la revista Rolling Stone estará este miércoles en la cita online de “Encuentros El Mercurio” contando sus experiencias.
José Vásquez
Las historias sobran en la bitácora de David Fricke (68). El histórico periodista y editor senior de la revista Rolling Stone, donde trabajó hasta el año pasado, estuvo en Chile en 2017 para hablar de las cinco décadas del rock, y entonces aprovechó su semana en el país para recorrer Santiago y Valparaíso, donde alucinó visitando la casa de Pablo Neruda.
“Ver su máquina de escribir era como estar frente a un objeto sagrado, como sostener la guitarra del gran hombre del blues Elmore James… lo que hice una vez”, dice recordando una anécdota que da cuenta de cómo uno de los testigos privilegiados de los fenómenos culturales en el siglo XX aborda la intimidad del mundo artístico que explora.
En ese viaje, cuenta el escritor que el equipaje de regreso a Estados Unidos fue mucho más pesado, cargado con una serie de colecciones de discos compactos y vinilos de Los Jaivas, Congreso, Víctor Jara, Violeta Parra y Los Prisioneros.
“Desde entonces he comprado mucha música chilena tanto en línea como a coleccionistas, como una caja con los tres primeros álbumes de Los Blops”, señala desde Nueva York.
La leyenda del periodismo musical norteamericano vuelve ahora a “Encuentros El Mercurio” para contar sus experiencias y hablar del impacto del rock en la sociedad actual inmersa en una pandemia, una cita que por esta razón será vía streaming el próximo miércoles, a las 18:30 horas.
Fricke señala que ha seguido trabajando durante esta crisis sanitaria desde su hogar para la radio Sirius XM y la revista británica Mojo, donde hoy publica sus textos.
El escritor, quien mantiene el look delgado y de melena larga, como si fuera una versión intelectual de Los Ramones, dice extrañar los conciertos, aunque por suerte, afirma, el último que vio fue un goce. “El 10 de marzo, en el Madison Square Garden vi la reunión de The Allman Brothers Band, que fueron tres horas de blues clásico incandescente. Pude escribir sobre eso para Mojo y luego se desató el infierno”, recuerda.
–¿Cómo ha vivido este tiempo sin ir a conciertos?
“Con la enorme incertidumbre de no saber cuándo volveré a ver música en vivo. Los discos son importantes, pero la música tiene que ser experimentada para que realmente continúe. No sé qué pasará con la industria de los conciertos, pero la gente va a necesitar música, los músicos deberán tocarla y yo voy a estar ahí cuando eso suceda”.
–El rock hoy no lidera los rankings, pero sí tiene las giras más vistas. ¿No es contradictorio?
“Es que hacer un gran disco de pop o un video no significa que inmediatamente puedes subirte a un escenario. Hacer crecer tu audiencia en YouTube no es lo mismo que esclavizarte en clubes y furgonetas sin ganar nada para aprender tu oficio y construir tu arte. (Bruce) Springsteen, por ejemplo, no solo presenta un gran espectáculo, él hace una experiencia total, igual que una iglesia con sus fieles. Y eso ya lo hacía en los clubes cuando lo vi el 75… Y no fue la experiencia lo que cambió, solo fue el tamaño de las habitaciones.
Este es un período de incertidumbre dramática y muchos de los modelos económicos de la experiencia musical están en una transición volátil. Por eso no me preocupa tanto lo que ocurra con los conciertos masivos como lo que vaya a pasar con los clubes pequeños y los lugares independientes, que son el elemento vital de la actuación. No hay show de estadio que valga la pena ver que no haya pasado por la prueba de fuego de clubes y bares. Hoy, muchos de los clubes que conozco puede que no vayan a sobrevivir y otros tomarán su lugar. Está en la naturaleza humana: selección natural y un nuevo comenzar”.
–Teme que por la incertidumbre actual no volvamos a ver a Bob Dylan, los Stones o Elton John?
“He tenido la suerte de verlos a todos, y en sus diferentes fases. Es inevitable que llegará el momento en que se tendrán que retirar. Eso es un hecho. Que lo hagan antes debido a la edad, el riesgo en el que estamos hoy o el negocio cambiante que dejará esto, no va a cancelar todo lo que han logrado”.
–¿El rock se hizo viejo?
“No pienso en el rock como algo viejo, lo que importa es lo que la música hace por ti al momento en que la oyes. No miro la edad de lo que escucho; por ejemplo, me encanta la nueva banda irlandesa Fontaines D.C., tanto como sigo escuchando a Hendrix, Los Ramones y los Allman. Y cuando me preguntan si ‘¿el rock está vivo? Yo respondo, ¡claro, en mi casa todo el tiempo!, junto con el jazz, el blues, el country, el folk y muchos otros sonidos que van más allá del género”.
El histórico editor de la revista Rolling Stone estará este miércoles en la cita online de “Encuentros El Mercurio” contando sus experiencias.
José Vásquez
Las historias sobran en la bitácora de David Fricke (68). El histórico periodista y editor senior de la revista Rolling Stone, donde trabajó hasta el año pasado, estuvo en Chile en 2017 para hablar de las cinco décadas del rock, y entonces aprovechó su semana en el país para recorrer Santiago y Valparaíso, donde alucinó visitando la casa de Pablo Neruda.
“Ver su máquina de escribir era como estar frente a un objeto sagrado, como sostener la guitarra del gran hombre del blues Elmore James… lo que hice una vez”, dice recordando una anécdota que da cuenta de cómo uno de los testigos privilegiados de los fenómenos culturales en el siglo XX aborda la intimidad del mundo artístico que explora.
En ese viaje, cuenta el escritor que el equipaje de regreso a Estados Unidos fue mucho más pesado, cargado con una serie de colecciones de discos compactos y vinilos de Los Jaivas, Congreso, Víctor Jara, Violeta Parra y Los Prisioneros.
“Desde entonces he comprado mucha música chilena tanto en línea como a coleccionistas, como una caja con los tres primeros álbumes de Los Blops”, señala desde Nueva York.
La leyenda del periodismo musical norteamericano vuelve ahora a “Encuentros El Mercurio” para contar sus experiencias y hablar del impacto del rock en la sociedad actual inmersa en una pandemia, una cita que por esta razón será vía streaming el próximo miércoles, a las 18:30 horas.
Fricke señala que ha seguido trabajando durante esta crisis sanitaria desde su hogar para la radio Sirius XM y la revista británica Mojo, donde hoy publica sus textos.
El escritor, quien mantiene el look delgado y de melena larga, como si fuera una versión intelectual de Los Ramones, dice extrañar los conciertos, aunque por suerte, afirma, el último que vio fue un goce. “El 10 de marzo, en el Madison Square Garden vi la reunión de The Allman Brothers Band, que fueron tres horas de blues clásico incandescente. Pude escribir sobre eso para Mojo y luego se desató el infierno”, recuerda.
–¿Cómo ha vivido este tiempo sin ir a conciertos?
“Con la enorme incertidumbre de no saber cuándo volveré a ver música en vivo. Los discos son importantes, pero la música tiene que ser experimentada para que realmente continúe. No sé qué pasará con la industria de los conciertos, pero la gente va a necesitar música, los músicos deberán tocarla y yo voy a estar ahí cuando eso suceda”.
–El rock hoy no lidera los rankings, pero sí tiene las giras más vistas. ¿No es contradictorio?
“Es que hacer un gran disco de pop o un video no significa que inmediatamente puedes subirte a un escenario. Hacer crecer tu audiencia en YouTube no es lo mismo que esclavizarte en clubes y furgonetas sin ganar nada para aprender tu oficio y construir tu arte. (Bruce) Springsteen, por ejemplo, no solo presenta un gran espectáculo, él hace una experiencia total, igual que una iglesia con sus fieles. Y eso ya lo hacía en los clubes cuando lo vi el 75… Y no fue la experiencia lo que cambió, solo fue el tamaño de las habitaciones.
Este es un período de incertidumbre dramática y muchos de los modelos económicos de la experiencia musical están en una transición volátil. Por eso no me preocupa tanto lo que ocurra con los conciertos masivos como lo que vaya a pasar con los clubes pequeños y los lugares independientes, que son el elemento vital de la actuación. No hay show de estadio que valga la pena ver que no haya pasado por la prueba de fuego de clubes y bares. Hoy, muchos de los clubes que conozco puede que no vayan a sobrevivir y otros tomarán su lugar. Está en la naturaleza humana: selección natural y un nuevo comenzar”.
–Teme que por la incertidumbre actual no volvamos a ver a Bob Dylan, los Stones o Elton John?
“He tenido la suerte de verlos a todos, y en sus diferentes fases. Es inevitable que llegará el momento en que se tendrán que retirar. Eso es un hecho. Que lo hagan antes debido a la edad, el riesgo en el que estamos hoy o el negocio cambiante que dejará esto, no va a cancelar todo lo que han logrado”.
–¿El rock se hizo viejo?
“No pienso en el rock como algo viejo, lo que importa es lo que la música hace por ti al momento en que la oyes. No miro la edad de lo que escucho; por ejemplo, me encanta la nueva banda irlandesa Fontaines D.C., tanto como sigo escuchando a Hendrix, Los Ramones y los Allman. Y cuando me preguntan si ‘¿el rock está vivo? Yo respondo, ¡claro, en mi casa todo el tiempo!, junto con el jazz, el blues, el country, el folk y muchos otros sonidos que van más allá del género”.
viernes, agosto 07, 2020
Lanza Internacional estrena el eslabón musical que da inicio a su nuevo ciclo
El Mercurio
El trío chileno-mexicano, liderado por los hermanos Mauricio y Francisco Durán, presenta hoy “Cordel”, el primer sencillo de un disco que ahora se abrirá al rock clásico y la psicodelia.
José Vásquez
La historia de Lanza Internacional continúa en sintonía con su primer disco homónimo del 2017, pero sus tres integrantes cuentan a “El Mercurio” que el relato pronto se expandirá a otros registros.
Hoy el trío chileno-mexicano compuesto por los hermanos Mauricio y Francisco Durán (Los Bunkers, Pillanes) y Ricardo Nájera (Instituto Mexicano del Sonido, Mexrrissey) estrena “Cordel”, el primer sencillo de su próximo disco, una apuesta que transita entre el post punk y el new wave, con el que iniciaron transmisiones hace tres años.
“La canción, aunque fue grabada en octubre pasado, tiene cierta reflexión con todo lo que estamos viviendo, los ciclos o las rutinas que se repiten”, explica Francisco, y Mauricio complementa señalando que el video “refleja esta sensación de estar dando vueltas como un carrusel, lo que al final se acopla muy bien a la sensación musical”.
“‘Cordel' es un buen eslabón entre el trabajo realizado en el primer disco y lo que van a escuchar a partir de ahora, y que abre la paleta de estilos a algo más variado y ecléctico”, plantea Francisco sobre una fórmula que amplía el rango musical y que Ricardo Nájera anticipa a un viraje al “rock clásico, a las baladas rock, canciones más experimentales y sonidos más psicodélicos”, señala el baterista.
El músico mexicano cree que es precisamente esta apertura lo que define la identidad del grupo: “La excelente oportunidad para los tres de hacer lo que nos gusta sin ninguna limitación. La ventaja de esta banda es esa, que va a reflejar lo que somos en cada momento, más que un estilo en particular”.
El disco, adelantan, incluirá colaboraciones y tendrá entre 10 y 11 temas, los que planean ir revelando de manera mensual antes de realizar un lanzamiento que hoy, producto de la pandemia no tiene plazos fijos. “Podría ser a fin año o dentro del primer trimestre de 2021”, señala Mauricio sobre un proceso que se inició en octubre del año pasado y del que hoy se encuentran afinando los últimos detalles de su producción, en medio de la pandemia.
“Pareciera ser que estamos metidos en una especie de desierto o una época de sequía, por así decirlo, pero pese a la situación adversa que vivimos, creo que hay que enfrentarla al revés, ser más luminosos y aportar para que todo se vea más florido que seco, y siento que este disco tiene ese espíritu”, plantea Mauricio.
Reencuentro Bunker
En diciembre pasado, los hermanos Durán se reunieron de manera sorpresiva con sus compañeros de Los Bunkers para apoyar los movimientos sociales, tocando en plena Plaza Italia y luego en la Universidad de Concepción.
“Puede haber muchas razones por las que una banda se vuelva a juntar y que lo hayamos hecho puntualmente para esto nos dejó a todos un buen sabor de boca”, dice Mauricio, quien le baja el perfil a la posibilidad de otro eventual próximo reencuentro. “No es un tema para ninguno de nosotros, cualquier cosa que dijera ahora sobre eso sería una especulación y una mentira”, agrega.
El trío chileno-mexicano, liderado por los hermanos Mauricio y Francisco Durán, presenta hoy “Cordel”, el primer sencillo de un disco que ahora se abrirá al rock clásico y la psicodelia.
José Vásquez
La historia de Lanza Internacional continúa en sintonía con su primer disco homónimo del 2017, pero sus tres integrantes cuentan a “El Mercurio” que el relato pronto se expandirá a otros registros.
Hoy el trío chileno-mexicano compuesto por los hermanos Mauricio y Francisco Durán (Los Bunkers, Pillanes) y Ricardo Nájera (Instituto Mexicano del Sonido, Mexrrissey) estrena “Cordel”, el primer sencillo de su próximo disco, una apuesta que transita entre el post punk y el new wave, con el que iniciaron transmisiones hace tres años.
“La canción, aunque fue grabada en octubre pasado, tiene cierta reflexión con todo lo que estamos viviendo, los ciclos o las rutinas que se repiten”, explica Francisco, y Mauricio complementa señalando que el video “refleja esta sensación de estar dando vueltas como un carrusel, lo que al final se acopla muy bien a la sensación musical”.
“‘Cordel' es un buen eslabón entre el trabajo realizado en el primer disco y lo que van a escuchar a partir de ahora, y que abre la paleta de estilos a algo más variado y ecléctico”, plantea Francisco sobre una fórmula que amplía el rango musical y que Ricardo Nájera anticipa a un viraje al “rock clásico, a las baladas rock, canciones más experimentales y sonidos más psicodélicos”, señala el baterista.
El músico mexicano cree que es precisamente esta apertura lo que define la identidad del grupo: “La excelente oportunidad para los tres de hacer lo que nos gusta sin ninguna limitación. La ventaja de esta banda es esa, que va a reflejar lo que somos en cada momento, más que un estilo en particular”.
El disco, adelantan, incluirá colaboraciones y tendrá entre 10 y 11 temas, los que planean ir revelando de manera mensual antes de realizar un lanzamiento que hoy, producto de la pandemia no tiene plazos fijos. “Podría ser a fin año o dentro del primer trimestre de 2021”, señala Mauricio sobre un proceso que se inició en octubre del año pasado y del que hoy se encuentran afinando los últimos detalles de su producción, en medio de la pandemia.
“Pareciera ser que estamos metidos en una especie de desierto o una época de sequía, por así decirlo, pero pese a la situación adversa que vivimos, creo que hay que enfrentarla al revés, ser más luminosos y aportar para que todo se vea más florido que seco, y siento que este disco tiene ese espíritu”, plantea Mauricio.
Reencuentro Bunker
En diciembre pasado, los hermanos Durán se reunieron de manera sorpresiva con sus compañeros de Los Bunkers para apoyar los movimientos sociales, tocando en plena Plaza Italia y luego en la Universidad de Concepción.
“Puede haber muchas razones por las que una banda se vuelva a juntar y que lo hayamos hecho puntualmente para esto nos dejó a todos un buen sabor de boca”, dice Mauricio, quien le baja el perfil a la posibilidad de otro eventual próximo reencuentro. “No es un tema para ninguno de nosotros, cualquier cosa que dijera ahora sobre eso sería una especulación y una mentira”, agrega.
Corte deja en libertad al cantautor Tito Fernández
El Mercurio
En un fallo dividido, la Cuarta Sala de la Corte de Apelaciones de Santiago revocó ayer la prisión preventiva que se había decretado para el músico conocido como El Temucano, tras ser formalizado por los delitos de violación y abuso sexual. El voto de mayoría señaló que no hay antecedentes de la existencia de delitos ni participación en los hechos que se le imputan. La medida cautelar impuesta el pasado 29 de julio llevó a que el cantautor de 77 años fuera trasladado desde Puerto Varas, donde residía, al Centro de Detención Santiago 1. De todas formas, la investigación de la Fiscalía Centro Norte seguirá su curso, para lo cual tiene un plazo de 90 días.
En un fallo dividido, la Cuarta Sala de la Corte de Apelaciones de Santiago revocó ayer la prisión preventiva que se había decretado para el músico conocido como El Temucano, tras ser formalizado por los delitos de violación y abuso sexual. El voto de mayoría señaló que no hay antecedentes de la existencia de delitos ni participación en los hechos que se le imputan. La medida cautelar impuesta el pasado 29 de julio llevó a que el cantautor de 77 años fuera trasladado desde Puerto Varas, donde residía, al Centro de Detención Santiago 1. De todas formas, la investigación de la Fiscalía Centro Norte seguirá su curso, para lo cual tiene un plazo de 90 días.
Conciertos gratuitos a distancia en cuatro países: Las Sesiones de Jazz de Las Condes a pantalla dividida
El Mercurio
Santiago, Concepción, Nueva York, Chicago, Los Angeles, São Paulo y Río de Janeiro son ciudades desde donde un gran contingente de músicos estará tocando mañana y el 15 de agosto en plataformas online .
IÑIGO DÍAZ
Se autodefinen como “trío endémico de la Comunidad Ecológica de Peñalolén”, donde viven los músicos Moro González (guitarra), Julián Romero (contrabajo) y el célebre Cristián Cuturrufo (trompeta). Su versión de “Equinox”, de John Coltrane, fue grabada en video desde el mítico vagón de tren que allí los vecinos conocen como Expreso Imaginario.
“La hicimos totalmente ‘a leña', o sea sin nada de posproducción. Lo que se escucha y lo que se ve es lo que es”, dice Cuturrufo, organizador de las Sesiones Internacionales de Jazz de Las Condes, que comenzaron en 2004 y han alternado distintos escenarios: la Plaza Perú, el Parque Araucano, el Parque Alberto Hurtado y el Teatro Municipal de Las Condes.
Por primera vez, y dada la contingencia sanitaria, se realizan en el formato que cada día resulta más natural en la vida cotidiana: a distancia y a pantalla dividida. “Es una forma de comunicación que nos va a acompañar por mucho tiempo”, dice Cuturrufo, cuya intervención musical con el “trío endémico” es parte del programa de estas nuevas sesiones jazzísticas. Comienzan mañana, a las 20:00 horas, a través de las plataformas CulturallasCondes.cl y el canal de YouTube de la propia Corporación Cultural de Las Condes. El acceso es gratuito.
El formato es simple y directo: son siete sesiones desde siete ciudades del mundo. Cada set considera un solo número, para luego dar paso al siguiente invitado a la pantalla.
En Chile, la música viene de Santiago con el trío del guitarrista JM Carrasco y el quinteto del pianista Mauricio Ruz, uno de los mayores cultores del latin jazz local. Y también viene desde Concepción, donde la Big Band Concepción Jazz, dirigida por el saxofonista Ignacio González, presentará una dinámica sesión en línea con primeros, segundos y terceros planos para todo su joven contingente.
Pero a estas Sesiones de Jazz de Las Condes, además, llega música desde Nueva York, con el saxofonista tenor Rob Haight, un solista que vivió durante años en Chile, y el dúo de la cantante Gabrielle Stravelli y el contrabajista Pat O'Leary. También habrá acción desde Chicago, con el trío de la cantante soul Tia Carroll, otra figura que ya ha actuado en Chile en versiones anteriores del festival, tal como la brasileña Fabiana Cozza, quien ahora cantará desde São Paulo, combinando ideas con el contrabajista Fi Maróstica, ubicado en Río de Janeiro.
Las sesiones jazzísticas continuarán el próximo sábado 15 de agosto, con otro contingente de músicos, entre quienes destacan el cantante de blues Lorenzo Thompson, desde la californiana Los Angeles; el saxofonista tenor Cristián Mendoza, un músico chileno que tocará un contundente hard bop desde Ciudad de México, y la cantante capitalina Rossana Saavedra, junto a su actual trío, que incluye al pianista y organista Edgardo Parraguez.
Santiago, Concepción, Nueva York, Chicago, Los Angeles, São Paulo y Río de Janeiro son ciudades desde donde un gran contingente de músicos estará tocando mañana y el 15 de agosto en plataformas online .
IÑIGO DÍAZ
Se autodefinen como “trío endémico de la Comunidad Ecológica de Peñalolén”, donde viven los músicos Moro González (guitarra), Julián Romero (contrabajo) y el célebre Cristián Cuturrufo (trompeta). Su versión de “Equinox”, de John Coltrane, fue grabada en video desde el mítico vagón de tren que allí los vecinos conocen como Expreso Imaginario.
“La hicimos totalmente ‘a leña', o sea sin nada de posproducción. Lo que se escucha y lo que se ve es lo que es”, dice Cuturrufo, organizador de las Sesiones Internacionales de Jazz de Las Condes, que comenzaron en 2004 y han alternado distintos escenarios: la Plaza Perú, el Parque Araucano, el Parque Alberto Hurtado y el Teatro Municipal de Las Condes.
Por primera vez, y dada la contingencia sanitaria, se realizan en el formato que cada día resulta más natural en la vida cotidiana: a distancia y a pantalla dividida. “Es una forma de comunicación que nos va a acompañar por mucho tiempo”, dice Cuturrufo, cuya intervención musical con el “trío endémico” es parte del programa de estas nuevas sesiones jazzísticas. Comienzan mañana, a las 20:00 horas, a través de las plataformas CulturallasCondes.cl y el canal de YouTube de la propia Corporación Cultural de Las Condes. El acceso es gratuito.
El formato es simple y directo: son siete sesiones desde siete ciudades del mundo. Cada set considera un solo número, para luego dar paso al siguiente invitado a la pantalla.
En Chile, la música viene de Santiago con el trío del guitarrista JM Carrasco y el quinteto del pianista Mauricio Ruz, uno de los mayores cultores del latin jazz local. Y también viene desde Concepción, donde la Big Band Concepción Jazz, dirigida por el saxofonista Ignacio González, presentará una dinámica sesión en línea con primeros, segundos y terceros planos para todo su joven contingente.
Pero a estas Sesiones de Jazz de Las Condes, además, llega música desde Nueva York, con el saxofonista tenor Rob Haight, un solista que vivió durante años en Chile, y el dúo de la cantante Gabrielle Stravelli y el contrabajista Pat O'Leary. También habrá acción desde Chicago, con el trío de la cantante soul Tia Carroll, otra figura que ya ha actuado en Chile en versiones anteriores del festival, tal como la brasileña Fabiana Cozza, quien ahora cantará desde São Paulo, combinando ideas con el contrabajista Fi Maróstica, ubicado en Río de Janeiro.
Las sesiones jazzísticas continuarán el próximo sábado 15 de agosto, con otro contingente de músicos, entre quienes destacan el cantante de blues Lorenzo Thompson, desde la californiana Los Angeles; el saxofonista tenor Cristián Mendoza, un músico chileno que tocará un contundente hard bop desde Ciudad de México, y la cantante capitalina Rossana Saavedra, junto a su actual trío, que incluye al pianista y organista Edgardo Parraguez.
Plácido Domingo reafirma su inocencia frente a las acusaciones
El Mercurio
“He cambiado, ya no tengo miedo. Cuando supe que tenía el coronavirus me prometí a mí mismo que si salía vivo lucharía para limpiar mi nombre”, dijo ayer Plácido Domingo, en una entrevista publicada por el diario italiano La Repubblica. Domingo, de 79 años, anunció en marzo desde Acapulco (México) que dio positivo para covid-19 y luego fue hospitalizado. El año pasado, el tenor fue acusado por la prensa de Estados Unidos de acosar sexualmente a unas 20 mujeres. Estas acusaciones “desestabilizaron a mi familia y a mí mismo” y “me hicieron más daño que el virus”, afirmó.
“He cambiado, ya no tengo miedo. Cuando supe que tenía el coronavirus me prometí a mí mismo que si salía vivo lucharía para limpiar mi nombre”, dijo ayer Plácido Domingo, en una entrevista publicada por el diario italiano La Repubblica. Domingo, de 79 años, anunció en marzo desde Acapulco (México) que dio positivo para covid-19 y luego fue hospitalizado. El año pasado, el tenor fue acusado por la prensa de Estados Unidos de acosar sexualmente a unas 20 mujeres. Estas acusaciones “desestabilizaron a mi familia y a mí mismo” y “me hicieron más daño que el virus”, afirmó.
jueves, agosto 06, 2020
Las claves del Cosquín Rock Virtual, el mayor festival de música surgido en pandemia
El Mercurio
El evento, que se realizará este sábado y domingo, tendrá a más de 60 artistas en cuatro escenarios simultáneos y proyectan que será visto por más de 200 mil personas.
José Vásquez
José Palazzo, el ideólogo del proyecto, responde a “El Mercurio” en medio de la adrenalina de su puesta en marcha. El productor de Córdoba, ciudad donde hace 20 años nació el Festival Cosquín Rock, recorre el teatro Luna Park de Buenos Aires chequeando el sonido de uno de los recintos que albergarán la edición virtual del evento que se perfila como el mayor encuentro de estas características surgido en tiempos de pandemia.
Este sábado y domingo más de 60 artistas se conectarán desde diversas sedes a lo largo del continente y España con shows que mezclarán sets en directo y presentaciones grabadas especialmente para este fin de semana, de manera de ir alternando cuatro escenarios simultáneos en el zapping musical vía streaming.
“Hemos armado una gran locura y que ojalá sea la punta de lanza para que muchos otros se sumen a la vuelta de la música en vivo, aunque sea a través de un dispositivo”, dice Palazzo, quien explica que aunque trabajaban para llevar todos los espectáculos en directo, algunos artistas no lo podrán hacer producto de la pandemia.
“Lula (Bertoldi), de Eruca Sativa, está embarazada y por los rebrotes se hacía complicado que saliera de su casa, o integrantes de Las Pelotas que viven en las Sierras de Córdoba y que con el cierre de las fronteras no pudieron viajar. Por eso grabarán lo suyo. En este gran esfuerzo habrá 13 países representados musicalmente y con acceso al festival desde todas partes del mundo. Esto es lo más grande que se ha hecho hasta ahora”, destaca el productor.
Palazzo asegura que este Cosquín Rock virtual tendrá una oferta de 50 horas de música considerando todas las presentaciones, donde destacan artistas como Vicentico, León Gieco, Julieta Venegas, Molotov, Ratones Paranoicos, Attaque 77 y los chilenos Cami y Los Tres, quienes grabaron sus actuaciones desde un estudio de TVN.
“Calculamos que en este Cosquín, considerando músicos, técnicos, productores y camarógrafos, estarán trabajando unas dos mil personas, lo que es un gran empuje para una industria frenada por este covid-19”, dice el cordobés.
El festival se iba a realizar este año en Nueva York, Málaga, Tijuana, Colombia, Uruguay y Paraguay y todo eso se tuvo que reagendar para 2021. Palazzo cuenta que frente a la adversidad y la incertidumbre, apostó por este proyecto.
El productor señala que “están pisando las 35 mil entradas vendidas”, que por día tienen un valor de US$ 10, y que espera llegar a un número mucho mayor. “Vamos a cerrar con más de 60 mil, lo que para nuestras expectativas de un streaming es muy bueno. Con esto calculamos que cada boleto dará la posibilidad de verlo a unas cuatro personas, por lo que llegaremos a 200 o 240 mil espectadores”, plantea el trasandino, quien es consciente de que esta etapa experimental no cubre los costos, por lo que asume el proyecto para su desarrollo en el futuro.
“Esta edición va a superar los US$ 800 mil y es imposible cubrirlos con las entradas a esos precios. Nosotros lo pensamos como un elemento de difusión para recuperar en el largo plazo. Estoy convencido de que esto es momentáneo, con los músicos en un escenario y la gente en sus casas, pero también creo que el streaming va a seguir formando parte del proyecto como un complemento”, sostiene el productor, abriendo la posibilidad de que el formato conviva en el futuro con los shows presenciales que se produzcan alrededor del mundo.
“Por ejemplo, al Festival de Córdoba van siempre muchos chilenos, pero ahora otros podrán ver el show comprando su ticket pero sin viajar”, proyecta Palazzo.
Las entradas y el cartel completo de artistas se pueden encontrar en Cosquinrock.net.
Andrea Tessa vuelve con el programa de entrevistas “Quédate en la música”
El Mercurio
Mañana, a las 21:30 horas, la cantante y animadora debutará en RecTV en una conversación íntima con Paloma San Basilio.
Patricia Cerda F.
Dos años han pasado desde que Andrea Tessa debutó en la señal de cable de Canal 13, su casa televisiva en los años 80 y 90, y ya suma cuatro programas. El último, un espacio de entrevistas llamado “Quédate en la música”, que verá la luz mañana, a las 21:30 horas, en RecTV. Ahí la cantante y animadora invitará principalmente a artistas internacionales a una conversación íntima, donde hablarán sobre cómo han vivido la pandemia estas figuras y sus próximos proyectos musicales.
La española Paloma San Basilio es la primera invitada de Tessa, quien realiza las entrevistas desde el living de su departamento. La cantante comenta que Carlos Lara, de la productora Swing Management, la invitó a sumarse al proyecto. “Me comentó que la idea era poder conversar desde mi hogar con artistas que están ligados a Chile musicalmente hablando y a los que todos les tenemos mucho cariño”, comenta.
Dice que han encontrado una muy buena disposición para hablar y mostrar parte de su intimidad de parte de figuras como Paul Anka, Ana Torroja, Beto Cuevas, Franco Simone, Luis Fonsi y que también Miguel Bosé tendrá una participación especial, entre varios otros.
“Este es un programa íntimo, donde apelamos más que nada a la parte familiar y a que los artistas nos cuenten cómo han vivido esta difícil situación de enfermedad y encierro”, señala Tessa.
Según agrega, muchos de los invitados que entrevistará son conocidos para ella. “Paloma San Basilio fue jurado en el Festival de Viña de 1979, donde yo debuté en la competencia. Después me tocó la suerte de toparme con ella en muchos estelares. También está Ana Torroja, a la que conocí cuando yo animaba ‘Más Música' y ella vino con Mecano”.
Es justo esa cercanía que tiene con algunos artistas, y su condición de cantante, la que cree que puede diferenciar su programa de otros que han tocado teclas similares como “Con amigos en casa”, el espacio de Cristián de la Fuente y Angélica Castro, que ya confirmó su segunda temporada en TV+, y que también tuvo entre sus invitados a Fonsi y Cuevas, o las entrevistas que hace Alfredo Lamadrid en “Cada día mejor” de La Red.
“Cuando la entrevista la hace una persona del rubro, que también está viviendo los mismos problemas, hay otro tipo de conversación. Con algunos incluso terminamos cantando”, destaca.
Mañana, a las 21:30 horas, la cantante y animadora debutará en RecTV en una conversación íntima con Paloma San Basilio.
Patricia Cerda F.
Dos años han pasado desde que Andrea Tessa debutó en la señal de cable de Canal 13, su casa televisiva en los años 80 y 90, y ya suma cuatro programas. El último, un espacio de entrevistas llamado “Quédate en la música”, que verá la luz mañana, a las 21:30 horas, en RecTV. Ahí la cantante y animadora invitará principalmente a artistas internacionales a una conversación íntima, donde hablarán sobre cómo han vivido la pandemia estas figuras y sus próximos proyectos musicales.
La española Paloma San Basilio es la primera invitada de Tessa, quien realiza las entrevistas desde el living de su departamento. La cantante comenta que Carlos Lara, de la productora Swing Management, la invitó a sumarse al proyecto. “Me comentó que la idea era poder conversar desde mi hogar con artistas que están ligados a Chile musicalmente hablando y a los que todos les tenemos mucho cariño”, comenta.
Dice que han encontrado una muy buena disposición para hablar y mostrar parte de su intimidad de parte de figuras como Paul Anka, Ana Torroja, Beto Cuevas, Franco Simone, Luis Fonsi y que también Miguel Bosé tendrá una participación especial, entre varios otros.
“Este es un programa íntimo, donde apelamos más que nada a la parte familiar y a que los artistas nos cuenten cómo han vivido esta difícil situación de enfermedad y encierro”, señala Tessa.
Según agrega, muchos de los invitados que entrevistará son conocidos para ella. “Paloma San Basilio fue jurado en el Festival de Viña de 1979, donde yo debuté en la competencia. Después me tocó la suerte de toparme con ella en muchos estelares. También está Ana Torroja, a la que conocí cuando yo animaba ‘Más Música' y ella vino con Mecano”.
Es justo esa cercanía que tiene con algunos artistas, y su condición de cantante, la que cree que puede diferenciar su programa de otros que han tocado teclas similares como “Con amigos en casa”, el espacio de Cristián de la Fuente y Angélica Castro, que ya confirmó su segunda temporada en TV+, y que también tuvo entre sus invitados a Fonsi y Cuevas, o las entrevistas que hace Alfredo Lamadrid en “Cada día mejor” de La Red.
“Cuando la entrevista la hace una persona del rubro, que también está viviendo los mismos problemas, hay otro tipo de conversación. Con algunos incluso terminamos cantando”, destaca.
Postulan a Cecilia al Premio Nacional de Artes Musicales
El Mercurio
El colectivo feminista La Matria Fest inició en redes sociales una campaña de recolección de firmas para postular a la cantante a esta distinción. Según se indica, Cecilia es un referente de la música popular chilena y un símbolo de independencia y empoderamiento para las mujeres. El plazo vence el próximo 10 de agosto y el premio se dirime a fines de año. Desde su creación en 1992, solo lo han obtenido tres mujeres: Margot Loyola (1994), Elvira Savi (1998) y Carmen Luisa Letelier (2010).
El colectivo feminista La Matria Fest inició en redes sociales una campaña de recolección de firmas para postular a la cantante a esta distinción. Según se indica, Cecilia es un referente de la música popular chilena y un símbolo de independencia y empoderamiento para las mujeres. El plazo vence el próximo 10 de agosto y el premio se dirime a fines de año. Desde su creación en 1992, solo lo han obtenido tres mujeres: Margot Loyola (1994), Elvira Savi (1998) y Carmen Luisa Letelier (2010).
250 años de su nacimiento: Página de la U. Andrés Bello invita a conocer más de Beethoven en su aniversario
El Mercurio
En un esfuerzo por reunir en un solo lugar la obra y vida del genio musical de Bonn, el sitio ofrece una línea de tiempo, comentarios a sus obras y material para niños, entre otros.
María Soledad Ramírez R.
Cuando se cumplan 250 años del nacimiento de Ludwig van Beethoven, el próximo 16 de diciembre, quizás el mundo ya tendrá más controlado el covid-19, la pandemia que ha impedido que uno de los músicos más importantes del mundo sea celebrado como corresponde: tocando sus composiciones.
Por ahora, sin certeza de que se realice algún concierto, la solución ha estado en navegar por internet. En este espacio virtual es donde la U. Andrés Bello ofrece un sitio de indudable valor educativo. Se trata de “Beethoven 2020” (cultura.unab.cl/beethoven) con un menú variado para saber más de este famoso músico. “Quisimos celebrarlo de forma online”, señala Felipe Karadima, director de extensión cultural de la UNAB, “y lo que nos propusimos fue llegar a gente de distintas edades y de diferentes niveles de conocimiento del músico”.
Estuvieron casi tres meses preparando “Beethoven 2020” y lo subieron este lunes a la web. El sitio ya tiene cerca de 1.500 visitas.
Lo primero que uno se encuentra es una línea de tiempo que va describiendo los hitos más relevantes de su vida, como, por ejemplo, que a los 11 años publicó su primera composición, y a los 24 se enamoró, pero sin fortuna. Un video de la decana de Educación y Ciencias Sociales de la universidad, Gabriela Huidobro, pone el contexto histórico.
Luego, se analiza parte de su obra, a través de comentarios grabados por músicos. Santiago Meza, director de la Camerata Universidad Andrés Bello, explica, por ejemplo, la obertura Egmont, Op. 84, a la vez que la sitúa históricamente. Meza tiene cuatro videos, pero hay cinco más con músicos del The Curtis Institute of Music, importante institución estadounidense de enseñanza musical, hablados en inglés.
En otros apartados hay vínculos a conciertos con orquestas como la Filarmónica de Berlín o la West Eastern Divan, y una selección de tres documentales y una película sobre el músico o sus composiciones. También existen videos con testimonios de músicos nacionales. Pedro Pablo Prudencio, Mahani Teave y Luis Alberto Latorre son algunos de los invitados, quienes hablan sobre algún tema específico de Beethoven.
Hay material para niños y un concurso que invita a los menores a dibujar con la temática del cumpleaños del músico. En solo dos días ya se habían recibido unos 20 dibujos. Existen dos categorías, de cinco a ocho años y de nueve a 12, y los premios son una tablet, para el primer lugar; set de lápices de colores, y un libro de mandalas para colorear, para el segundo y tercer lugar, respectivamente.
Para músicos, hay una invitación a inscribirse en un curso de The Curtis Institute of Music, que la universidad ha conseguido gratis. Se centra en las 32 sonatas de Beethoven y consiste en sesiones en las que un intérprete comentará cada una de ellas, su ejecución y sentido.
En un esfuerzo por reunir en un solo lugar la obra y vida del genio musical de Bonn, el sitio ofrece una línea de tiempo, comentarios a sus obras y material para niños, entre otros.
María Soledad Ramírez R.
Cuando se cumplan 250 años del nacimiento de Ludwig van Beethoven, el próximo 16 de diciembre, quizás el mundo ya tendrá más controlado el covid-19, la pandemia que ha impedido que uno de los músicos más importantes del mundo sea celebrado como corresponde: tocando sus composiciones.
Por ahora, sin certeza de que se realice algún concierto, la solución ha estado en navegar por internet. En este espacio virtual es donde la U. Andrés Bello ofrece un sitio de indudable valor educativo. Se trata de “Beethoven 2020” (cultura.unab.cl/beethoven) con un menú variado para saber más de este famoso músico. “Quisimos celebrarlo de forma online”, señala Felipe Karadima, director de extensión cultural de la UNAB, “y lo que nos propusimos fue llegar a gente de distintas edades y de diferentes niveles de conocimiento del músico”.
Estuvieron casi tres meses preparando “Beethoven 2020” y lo subieron este lunes a la web. El sitio ya tiene cerca de 1.500 visitas.
Lo primero que uno se encuentra es una línea de tiempo que va describiendo los hitos más relevantes de su vida, como, por ejemplo, que a los 11 años publicó su primera composición, y a los 24 se enamoró, pero sin fortuna. Un video de la decana de Educación y Ciencias Sociales de la universidad, Gabriela Huidobro, pone el contexto histórico.
Luego, se analiza parte de su obra, a través de comentarios grabados por músicos. Santiago Meza, director de la Camerata Universidad Andrés Bello, explica, por ejemplo, la obertura Egmont, Op. 84, a la vez que la sitúa históricamente. Meza tiene cuatro videos, pero hay cinco más con músicos del The Curtis Institute of Music, importante institución estadounidense de enseñanza musical, hablados en inglés.
En otros apartados hay vínculos a conciertos con orquestas como la Filarmónica de Berlín o la West Eastern Divan, y una selección de tres documentales y una película sobre el músico o sus composiciones. También existen videos con testimonios de músicos nacionales. Pedro Pablo Prudencio, Mahani Teave y Luis Alberto Latorre son algunos de los invitados, quienes hablan sobre algún tema específico de Beethoven.
Hay material para niños y un concurso que invita a los menores a dibujar con la temática del cumpleaños del músico. En solo dos días ya se habían recibido unos 20 dibujos. Existen dos categorías, de cinco a ocho años y de nueve a 12, y los premios son una tablet, para el primer lugar; set de lápices de colores, y un libro de mandalas para colorear, para el segundo y tercer lugar, respectivamente.
Para músicos, hay una invitación a inscribirse en un curso de The Curtis Institute of Music, que la universidad ha conseguido gratis. Se centra en las 32 sonatas de Beethoven y consiste en sesiones en las que un intérprete comentará cada una de ellas, su ejecución y sentido.
Durante agosto: Italia ofrece lo mejor de sus festivales culturales
El Mercurio
“Estate all'italiana Festival” presenta los mejores espectáculos de la cartelera 2020 de los festivales italianos que promueven las embajadas del país europeo. Todos los eventos están disponibles gratuitamente en streaming y ondemand, previa inscripción en el sitio Italiafestival.tv. Entre los espectáculos de este mes está la transmisión de “El contrato de matrimonio”, de Giacomo Rossini, en el marco del Rossini Opera Festival (8 de agosto, 14:30 horas de Chile) y el festival Umbría Jazz, que reúne a los mejores músicos italianos (10 de agosto, a las 13:30 horas de Chile).
“Estate all'italiana Festival” presenta los mejores espectáculos de la cartelera 2020 de los festivales italianos que promueven las embajadas del país europeo. Todos los eventos están disponibles gratuitamente en streaming y ondemand, previa inscripción en el sitio Italiafestival.tv. Entre los espectáculos de este mes está la transmisión de “El contrato de matrimonio”, de Giacomo Rossini, en el marco del Rossini Opera Festival (8 de agosto, 14:30 horas de Chile) y el festival Umbría Jazz, que reúne a los mejores músicos italianos (10 de agosto, a las 13:30 horas de Chile).
Denise Rosenthal estrena "Gira", adelanto de su próximo disco
El Mercurio
La nueva canción de la cantante y compositora chilena, habla de temas como la resiliencia y fortaleza en tiempos difíciles
El videoclip estuvo bajo la dirección de la reconocida fotógrafa Javiera Eyzaguirre.
Además por agosto será la artista Radar Al Sur de Spotify Latam y de Claro Música, campañas que la tendrá con una mayor vitrina internacional
Sin duda este 2020 para la cantante y compositora chilena Denise Rosenthal, ha sido un año fructífero en la creación de nuevas canciones que ha ido desvelando desde febrero. Durante la cuarentena, se ha convertido también en una productora de contenidos a través de sus redes, además de entregar reversiones en video de sus anteriores hits, y la triada compuesta por “Amor de Madre”, “Solo Hay Una Vida” y “No Olvidar”.
Hoy nos presenta “Gira”, otro adelanto de lo que será su próximo disco. Una letra que habla de cómo levantarse con la frente en alto en estos tiempos complejos que vivimos, nuestra resiliencia y celebrar esa fortaleza, desde el positivismo para enfrentar el día a día. Sobre esto Denise señala: "La escribí pensando en la capacidad que tenemos los seres humanos de salir adelante como sea, de ir construyendo nuestra realidad, comprendiendo los ciclos y abrazando las desilusiones y vicisitudes. Está llena de sonidos, de búsquedas entretenidas y su resultado me tiene muy orgullosa”.
El videoclip estuvo a cargo de la reconocida fotógrafa Javiera Eyzaguirre: “Este trabajo audiovisual se hizo con mucho tiempo. Quería hacerlo con ella porque es una directora muy sensible, y además le encantó el proyecto. Generalmente llevo una idea bien construida con referentes visuales, y complementamos con sus propuestas para nutrir aun más el contenido”, añade Rosenthal.
“Gira” llega en el momento donde su carrera se encuentra en pleno desarrollo internacional, realizando colaboraciones con Mala Rodríguez, y recientemente con Juan Solo (México), James Vickery (Inglaterra), Fuel Fandango (España), La Moral Distraída y Los Vásquez, próximamente junto a Danna Paola y Lola Indigo.
Además Denise Rosenthal, es la artista RADAR AL SUR de Spotify Latam por todo Agosto. Esto implica un apoyo integral, destacándola en todas las plataformas de la aplicación, impactando a auditores en todos los países del Cono Sur y más. Por otro lado, Denise también será la artista del mes en CLARO MUSICA, con una intensa campaña que incluye acciones en los distintos territorios como México, Colombia y Ecuador.
martes, agosto 04, 2020
Nuevo disco de Paz Court también llegará a las tablas como un montaje
El Mercurio
La cantautora radicada en México habla de “La fuerza”, álbum que tendrá una versión teatral.
José Vásquez
Era un viejo anhelo que decantó, cuenta Paz Court, una vez que desembarcó en Ciudad de México en septiembre pasado. La cantautora se radicó en Norteamérica y desde entonces, pese al freno obligado por la pandemia, su creación artística solo ha ido en expansión.
La ex Jazzimodo lanzará este 25 de septiembre su nuevo álbum solista, “La fuerza”, un trabajo que ahora apunta a dos frentes, con el complemento teatral que proyecta con su salto a las tablas.
Para eso, la intérprete se puso en contacto con la directora chilena radicada en México Camila Aguirre y por el momento anticipa que será un trabajo “vinculado al teatro experimental” y que unirá disciplinas como la danza, la música y la multimedia. “Seré yo la única intérprete contando la historia a través de los nueve temas del disco”, señala.
En su carrera, Paz Court ya había trabajado en el teatro, con una participación en el montaje musical “Los viudos de Marilyn”, que tuvo una temporada en el GAM en 2014 reviviendo el glamour de los años 40 y 50. “Ahora voy a repetir la experiencia, pero con mi propia música, y mi idea es llevar mi mundo audiovisual a la experiencia en vivo”, cuenta la cantante, quien planea estrenar esta obra en septiembre de 2021 en la capital, además de realizar otra temporada en México.
Pop de raíz
Lo nuevo de la cantautora tendrá colaboraciones con Natisú, con quien acaba de lanzar el sencillo “Un día planté una rosa”, además de Ángel Parra, Fernando Milagros y el cantautor mexicano El David Aguilar.
“El otro día hablaba justamente con Natisú sobre cómo los artistas estamos sintonizando, aunque no sea con canciones que hablan del aquí y el ahora, con el reflejo de leer los momentos sociales y traspasarlos a la música”, dice Court respecto de un disco que a través de un pop de raíz, abarca temáticas que transitan “por momentos oscuros y difíciles para abrazarlos y transformarlos”, según señala.
“Todas las canciones surgieron del género folclórico, que cruzamos con la electrónica y el pop contemporáneo. Hay reminiscencias de Violeta Parra y Chavela Vargas, pero teñido y mezclado con mis otras influencias como Björk y Radiohead”, explica la cantante.
La cantautora radicada en México habla de “La fuerza”, álbum que tendrá una versión teatral.
José Vásquez
Era un viejo anhelo que decantó, cuenta Paz Court, una vez que desembarcó en Ciudad de México en septiembre pasado. La cantautora se radicó en Norteamérica y desde entonces, pese al freno obligado por la pandemia, su creación artística solo ha ido en expansión.
La ex Jazzimodo lanzará este 25 de septiembre su nuevo álbum solista, “La fuerza”, un trabajo que ahora apunta a dos frentes, con el complemento teatral que proyecta con su salto a las tablas.
Para eso, la intérprete se puso en contacto con la directora chilena radicada en México Camila Aguirre y por el momento anticipa que será un trabajo “vinculado al teatro experimental” y que unirá disciplinas como la danza, la música y la multimedia. “Seré yo la única intérprete contando la historia a través de los nueve temas del disco”, señala.
En su carrera, Paz Court ya había trabajado en el teatro, con una participación en el montaje musical “Los viudos de Marilyn”, que tuvo una temporada en el GAM en 2014 reviviendo el glamour de los años 40 y 50. “Ahora voy a repetir la experiencia, pero con mi propia música, y mi idea es llevar mi mundo audiovisual a la experiencia en vivo”, cuenta la cantante, quien planea estrenar esta obra en septiembre de 2021 en la capital, además de realizar otra temporada en México.
Pop de raíz
Lo nuevo de la cantautora tendrá colaboraciones con Natisú, con quien acaba de lanzar el sencillo “Un día planté una rosa”, además de Ángel Parra, Fernando Milagros y el cantautor mexicano El David Aguilar.
“El otro día hablaba justamente con Natisú sobre cómo los artistas estamos sintonizando, aunque no sea con canciones que hablan del aquí y el ahora, con el reflejo de leer los momentos sociales y traspasarlos a la música”, dice Court respecto de un disco que a través de un pop de raíz, abarca temáticas que transitan “por momentos oscuros y difíciles para abrazarlos y transformarlos”, según señala.
“Todas las canciones surgieron del género folclórico, que cruzamos con la electrónica y el pop contemporáneo. Hay reminiscencias de Violeta Parra y Chavela Vargas, pero teñido y mezclado con mis otras influencias como Björk y Radiohead”, explica la cantante.
jueves, julio 30, 2020
Surge denuncia de abuso sexual de menores contra Daniel Viglietti, célebre cantautor uruguayo
Bío Bío
Controversia causa en el continente la denuncia de una de las sobrinas del difunto compositor uruguayo Daniel Viglietti, eminencia del canto popular, a quien acusó de abuso sexual de menores mediante un testimonio compartido en redes sociales.
De acuerdo a su relato, el hecho habría ocurrido en 1966 cuando el autor tenía 27 años, siendo perpetuado contra otra integrante de su familia, “cuando esta tenía 10 años”.
“Ni mis padres, hermanos ni yo, hemos sido jamás cómplices de tal aberración. Por esa razón no teníamos contacto con él”, recalcó Lucía Viglietti, sobrina de Daniel, a raíz de una publicación en Facebook del periodista Nelson Díaz, quien dio a conocer los hechos el fin de semana.
“Que no se pueda defender no quita que desgraciadamente es verdad”, agregó Lucía, ante la molestia y críticas de los seguidores del autor.
La versión de Díaz y Viglietti había sido esbozada en 2017 por el hermano del acusado, Cédar Viglietti: “Muchos uruguayos se sorprenderían de un secreto que ha protegido a un abusador en mi familia. Lamentablemente todos lo ocultan para salvar el apellido (hasta la víctima lo hace) y si lo denuncio me acusarían de mentiroso”, aseguró aquella vez, también en redes sociales.
El caso ha causado conmoción y debate en Uruguay, donde Viglietti forma parte del panteón musical no sólo de su país, sino de Latinoamérica.
Como compositor y guitarrista, fue una voz emblemática de la canción de protesta en el continente durante las décadas del 60 y 70. En dicha labor, coincidió con Violeta Parra y otros referentes del folclor de la época. En 2017, a los 78 años, falleció durante una intervención quirúrgica.
Declaraciones de los hermanos
Mediante una carta al diario El País de Uruguay, Silvia Viglietti, hermana del músico, rechazó a las declaraciones de su sobrina ya que tácitamente la indicaba como cómplice de los abusos: “La acusación que se ha difundido, que me tiene como protagonista y aluden a mi familia, no se corresponde con la realidad”, contó. “Dicho esto, pido que se guarde respeto por mi persona y mi familia. Es lo único que voy a expresar al respecto”, aseguró en la breve misiva.
El hermano del cantautor, Cédar Viglietti hizo una publicación en facebook que dice lo sgte: " Alborotado el avispero por una afirmación de mi hija Lucía Viglietti Forner y alimentada la morbosidad con mil opiniones de personas ignorantes de la historia de mi familia, solamente digo que siempre ‒como lo he hecho‒ condenaré al violador y preservaré a la víctima. Ya fue dicho lo que tenía que ser dicho."
Ninguno de los hermanos ha mencionado hasta el momento que el cantautor sea inocente, pero tampoco han surgido mas denuncias similares a la fecha.
Dictan prisión preventiva contra Tito Fernández por casos de violación
Por José Vásquez
Tito Fernández estará en prisión preventiva durante los 90 días que dure la investigación. Ayer en la mañana, el 7º Juzgado de Garantía de Santiago decretó vía telemática esta medida contra Humberto Baeza Fernández, el popular cantautor conocido como El Temucano, quien fue formalizado por tres delitos de abuso sexual reiterado y tres de violación propia, por los que ahora arriesga, de ser hallado culpable, una pena de hasta 15 años de cárcel.
Los hechos imputados habrían ocurrido entre 2010 y 2016 y corresponden a una serie de denuncias que fueron reveladas por una investigación de The Clinic en 2018, que dio a conocer las historias de tres mujeres que relataron cómo se vieron expuestas frente a un hombre al que tenían como su maestro espiritual y que aprovechándose de su posición, habría realizado estos abusos.
El reportaje daba cuenta de una especie de secta, denominada “Tallis”, que era liderada por el músico a través de reuniones en el Centro Integral de Estudios Metafísicos. En ese contexto, el folclorista se contactaba luego con las mujeres para invitarlas a citas, en las que se habrían cometido los delitos. Tras la audiencia, la fiscal Mariela Cid dijo que el cantautor se aprovechaba de la vulnerabilidad emocional de las víctimas.
Ayer, Fernández, de 77 años, fue trasladado por efectivos de la PDI desde Puerto Varas, donde estaba viviendo, para su reclusión a Santiago. En los últimos meses su salud se había resentido y las actuaciones, desde que se conocieron las acusaciones, bajaron ostensiblemente, realizando apenas cuatro en ese período. Antes de su show en septiembre del año pasado, en el Teatro Caupolicán junto a Jorge Yáñez y Pedro Messone, le señaló a “El Mercurio”: “No tengo miedo a que me funen, porque eso nunca me ha sucedido”, dijo e insistió en su inocencia.
“31 minutos”: Especial en TV Educa y show vía streaming
“Cuarentena 31” será emitido por el canal infantil. Además, el noticiario de títeres superó en YouTube a “Plaza Sésamo”, con un millón de suscriptores.
Patricia Cerda F.
Álvaro Díaz, uno de los creadores de “31 minutos”, el show de noticias protagonizado por títeres que ahora goza de fama internacional, reconoce que el rostro informativo Tulio Triviño y el notero Juan Carlos Bodoque siempre se han disputado fama y minutos de pantalla. Por eso no fue fácil decidir quién sería el protagonista de “Cuarentena 31”, la serie que realizaron en conjunto con Unicef, y que busca representar los temas que les interesan a los niños en pandemia.
“Al final decidimos que el protagonista sería Bodoque, que es más fiable con la información que entrega”, dice Díaz riendo, quien también hace la voz del conejo reportero. También explica que Bodoque, quien realiza “La nota verde” en el programa, “tiene la gracia de que aborda temas reales. Eso facilita mucho el acceso a los temas”.
“Cuarentena 31” habla de asuntos como qué pasa con el colegio o el miedo a la pandemia. “Nosotros, por ejemplo, hablamos de distancia física, aunque también de la necesidad de que los niños mantengan el contacto social y la comunicación con su familia y amigos”, señala el realizador.
Hasta ahora, TV Educa había emitido solo capítulos repetidos de “31 minutos”, pero en los próximos días “Cuarentena 31” se sumará a la parrilla, lo que tiene contentos a los creadores, ya que es una forma mantener el vínculo con el público de la televisión abierta.
Sin embargo, el fenómeno “31 minutos” no para y es mucho más amplio. La cuarta temporada ya es un éxito en Netflix y, según Díaz, les ha ayudado a llegar a nuevos públicos. “Nosotros hace muchos años subimos nuestro material a YouTube. Eso nos permitió que nos hayan conocido en Colombia o México. Y Netflix vino a darnos una nueva oleada de público”. De hecho, en medios internacionales se destaca que el canal de YouTube de “31 minutos”, que cuenta con un millón de suscriptores, superó a la señal de “Plaza Sésamo”, que tiene 848 mil.
Otro negocio es la música y sus presentaciones en vivo. El próximo paso será adaptar el show con que han estado girando vía streaming: “El tema del covid ha generado un entusiasmo de distintos actores, que nos han convencido para adaptar lo que tenemos en formato de streaming . Yo creo que de aquí a un año está muy difícil para armar giras, así que sumarse al streaming es lo más viable”, plantea Díaz.
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