Gonzalo Cepeda Vergara
Cultura
El Mercurio
Hasta el domingo 31 de marzo, el espacio cultural que reúne la vida y obra de la artista chilena, ofrece un completo programa gratuito.
La exhibición de la arpillera "Fresia y Caupolicán" (1965), de Violeta Parra, además de conciertos, seminarios, homenajes, documentales, danza y trabajo colectivo son algunas de las actividades que durante este mes tiene preparado el museo que recuerda a la multifacética artista chilena, en el marco del Mes de la Mujer.
La arpillera es central porque no se había visto anteriormente. "Muestra la escena de Fresia, cuando Caupolicán es apresado y le arroja el niño a los pies. Es grande, es bien impactante. Esta obra es parte de la donación de Isabel y Ángel Parra al Estado de Chile, que dio pie al Museo Violeta Parra", señala su directora, Cecilia García-Huidobro. "Estaba en el depósito del museo, ya que poseemos un espacio limitado y no era posible exhibirla", explica.
Mañana, jornada en la que se conmemora el Día Internacional de la Mujer, el Museo Violeta Parra presentará "Homenaje a la Mujer Campesina", un recital conversatorio a cargo de la premio nacional de Folclor, investigadora y directora del Archivo de Cultura Tradicional de Concepción, Patricia Chavarría, junto a las cantoras Gloria Toro y Trigal Gallegos.
"Hemos preparado un programa muy diverso, que muestra la riqueza cultural y la riqueza femenina que hay en Chile. Por eso tenemos este homenaje que va a preparar Patricia Chavarría, maestra del folclor. Violeta Parra es una de las pocas mujeres que tienen un museo en el mundo, así que para nosotros es importante conmemorar este mes", manifiesta García-Huidobro.
Escenario para todas
El sábado la explanada del museo invita al "Sarao en Casa de Violeta", en el que habrá un micrófono abierto para que mujeres artistas de distintas disciplinas muestren su trabajo. En otra actividad, el público podrá participar en la creación de una gran arpillera colectiva, que reflejará los derechos de las mujeres; y para finalizar la jornada, habrá una coreografía colectiva.
El miércoles 27, en una nueva sesión del Ciclo Pupila de Águila, donde diversos fotógrafos reflexionan sobre la identidad chilena, Ximena Riffo presentará su obra gráfica. Y el domingo 31, este mes especial terminará con una función del Ciclo de Teatro de Títeres dirigida, actuada y escrita por Andrea Gaete.
En otro aspecto de la temática femenina, el museo será, por primera vez, una de las sedes del Festival de Cine Mujeres Femcine, lo que se suma a la variada cartelera de cine documental que el museo ofrece durante el año.
"Lo que queremos es compartir el patrimonio, el legado de Violeta Parra que nos ha sido encomendado, destacar que no solamente son sus obras, sino que también es el contacto con la gente. Queremos inspirar, estimular y también encontrar nuevos caminos para repensar o reinterpretar la obra de Violeta", concluye Cecilia García-Huidobro.
Todas las actividades son gratuitas y la programación está en Museovioletaparra.cl.
jueves, marzo 07, 2019
Ziggy Marley: "Chile también tiene lugar en la rebelión"
R. F. S.
Espectáculos
El Mercurio
El hijo de Bob Marley viene al festival Lollapalooza para presentar el álbum más político de su carrera.
"Somos su mayor amenaza, la plaga de la conciencia", canta Ziggy Marley en "Rebellion Rises", la canción que le da título a su último disco y que de cierta manera refleja el actual momento del jamaicano.
A pesar de que los temas sociales han estado presentes en sus casi 35 años de carrera, su último trabajo probablemente es el que los aborda de manera más extensa y directa.
"Los líderes del planeta Tierra no están haciendo el trabajo que la gente necesita que hagan, porque aún hay sufrimiento, aún hay guerras. El problema con los liderazgos es que tienen que beneficiar a todos los humanos, no solo a una religión, a una raza, a una clase o a un país. Ellos no están haciendo su trabajo. Lo podemos hacer mucho mejor que esto, como humanidad, y la culpa es de los líderes", explica el músico en conversación telefónica con "El Mercurio".
Su respuesta es similar al ser consultado por el estado actual del reggae , un género del cual, gracias a su apellido y a su amplia discografía, se ha convertido en uno de sus principales exponentes. "Los líderes en la industria musical prefieren mantener a la gente en prisiones mentales en vez de hacer crecer su conciencia. Ellos prefieren mantener a la gente ciega, porque hay más beneficio en mantener esta música bajo el suelo", señala, mientras dispara contra lo que domina ahora en las listas de popularidad: "Es una forma de entretenimiento sin ninguna sustancia. Todo suena igual para mí".
A pesar del contexto de la industria musical, Marley hace hincapié en que en la actualidad, géneros como el reggae son más importantes que nunca. "Este mensaje no está en ningún otro lugar. Este mensaje no lo enseña ni la religión ni los políticos, entonces esta música es lo más importante en la Tierra".
El autor de "Love Is My Religion" estará en uno de los escenarios principales del Lollapalooza el próximo 30 de marzo, a las 15:30 horas, además de un sideshow que realizará el 1 de abril en el Club Amanda. En ambos, dice, imperará el espíritu de su último trabajo "La gente de Chile también tiene lugar en la rebelión, así que nos centraremos en eso, pero también escucharán cosas de otros trabajos y algunas canciones de mi padre", adelanta Marley.
Precisamente, el legado de su padre es algo que ha estado presente a lo largo de su carrera. Hoy trabaja en la producción de una película sobre su vida que, según puntualiza, "tiene la idea de levantar a la humanidad igual que su música", aunque asegura que "aún no hay mucho que contar" sobre los avances del filme.
Espectáculos
El Mercurio
El hijo de Bob Marley viene al festival Lollapalooza para presentar el álbum más político de su carrera.
"Somos su mayor amenaza, la plaga de la conciencia", canta Ziggy Marley en "Rebellion Rises", la canción que le da título a su último disco y que de cierta manera refleja el actual momento del jamaicano.
A pesar de que los temas sociales han estado presentes en sus casi 35 años de carrera, su último trabajo probablemente es el que los aborda de manera más extensa y directa.
"Los líderes del planeta Tierra no están haciendo el trabajo que la gente necesita que hagan, porque aún hay sufrimiento, aún hay guerras. El problema con los liderazgos es que tienen que beneficiar a todos los humanos, no solo a una religión, a una raza, a una clase o a un país. Ellos no están haciendo su trabajo. Lo podemos hacer mucho mejor que esto, como humanidad, y la culpa es de los líderes", explica el músico en conversación telefónica con "El Mercurio".
Su respuesta es similar al ser consultado por el estado actual del reggae , un género del cual, gracias a su apellido y a su amplia discografía, se ha convertido en uno de sus principales exponentes. "Los líderes en la industria musical prefieren mantener a la gente en prisiones mentales en vez de hacer crecer su conciencia. Ellos prefieren mantener a la gente ciega, porque hay más beneficio en mantener esta música bajo el suelo", señala, mientras dispara contra lo que domina ahora en las listas de popularidad: "Es una forma de entretenimiento sin ninguna sustancia. Todo suena igual para mí".
A pesar del contexto de la industria musical, Marley hace hincapié en que en la actualidad, géneros como el reggae son más importantes que nunca. "Este mensaje no está en ningún otro lugar. Este mensaje no lo enseña ni la religión ni los políticos, entonces esta música es lo más importante en la Tierra".
El autor de "Love Is My Religion" estará en uno de los escenarios principales del Lollapalooza el próximo 30 de marzo, a las 15:30 horas, además de un sideshow que realizará el 1 de abril en el Club Amanda. En ambos, dice, imperará el espíritu de su último trabajo "La gente de Chile también tiene lugar en la rebelión, así que nos centraremos en eso, pero también escucharán cosas de otros trabajos y algunas canciones de mi padre", adelanta Marley.
Precisamente, el legado de su padre es algo que ha estado presente a lo largo de su carrera. Hoy trabaja en la producción de una película sobre su vida que, según puntualiza, "tiene la idea de levantar a la humanidad igual que su música", aunque asegura que "aún no hay mucho que contar" sobre los avances del filme.
Llega la serie que hundió al cantante R. Kelly
Raimundo Flores S.
Espectáculos
El Mercurio
Mañana, el canal Lifetime estrena "Sobreviví a R. Kelly", la producción que hizo reflotar las acusaciones de abuso sexual en contra del intérprete.
El pasado 22 de febrero R. Kelly fue acusado de 10 cargos de abuso sexual, arribando a la justicia un caso que llevaba varias semanas en la opinión pública gracias a la emisión de "Sobreviví a R. Kelly" a principios de enero último.
La serie documental, que se estrena este viernes a través del canal Lifetime a las 21:20 horas, recopiló más de 50 testimonios de personas que ahondan en denuncias de abuso físico, psicológico y sexual -los que a veces involucraban a menores de edad- contra el cantante. Además, reveló la existencia de una especie de "culto sexual", donde Kelly tenía total control de las vidas de una serie de mujeres que vivían con él.
"El proyecto partió cuando los movimientos #MeToo y Time's Up! habían explotado e internamente estaba pensando en cómo podíamos hablarle a nuestra audiencia de esto. Decidimos hacer este documental porque pensamos que podíamos hacer algo poderoso y que quedara después de que se terminara, y que ahora estemos hablando de eso quiere decir que lo logramos", explica a "El Mercurio" Brie Miranda Bryant, productora ejecutiva de la serie.
"Hay tantas mujeres lidiando con situaciones similares a las que yo pasé que sentí que era mi deber como mujer y como madre", agrega por su parte Asante McGee, una de las denunciantes que entregan su testimonio en la serie. McGee comenzó una relación con Kelly en 2014 y acusa al cantante de haberla forzado a tener relaciones sexuales grupales y de no permitirle visitar a su hijo.
"Cuando estaba saliendo con él yo veía lo que todo el mundo veía, un chico dulce y amable. Pero cuando me fui a vivir a su casa pude ver lo que él era verdaderamente como persona, un demonio", afirma. "Fui testigo de lo jóvenes que eran las otras chicas que vivían en su casa conmigo. Si yo como una mujer adulta sabía que no me merecía eso, sentí que ellas tampoco", agrega.
McGee asegura que está feliz por las consecuencias judiciales que ha tenido la emisión de la serie, pero Bryant aclara que la intención final iba más allá de eso. "Cuando estábamos haciendo el documental nuestro propósito era crear una plataforma para que las mujeres pudieran contar su verdad, y haber hecho eso nos tiene muy agradecidos", sostiene.
Las consecuencias de la serie han ido más allá de lo judicial. Durante las últimas semanas distintos músicos que habían trabajado con Kelly han condenado las acciones del cantante e incluso algunos, como Lady Gaga, han borrado de las plataformas de streaming las canciones en las que habían colaborado.
Kelly interpretó uno de los himnos oficiales del Mundial de Fútbol de Sudáfrica de 2010.
La cadena estadounidense CBS emitió ayer la primera entrevista televisada al cantante luego que se estrenara la serie.
Kelly se mostró muy afectado por las denuncias, llorando en cámara e insistiendo en su inocencia. "He sido asesinado. He sido enterrado vivo", acusó.
"Les di 30 años de mi maldita carrera y ustedes me tratan de matar. Esto no es acerca de la música. Estoy tratando de tener una relación con mis hijos y no puedo. Ustedes no quieren creer la verdad", dijo visiblemente alterado, mientras un asistente suyo interrumpía la entrevista para tranquilizarlo.
Horas después de la entrevista, el cantante fue arrestado por no pagar más de US$ 161 mil adeudados de pensión a su segunda exesposa, Andrea Kelly.
Dónde verla
La serie se transmitirá en su totalidad a través del canal Lifetime, entre mañana y el domingo, a las 21:20 horas.
Espectáculos
El Mercurio
Mañana, el canal Lifetime estrena "Sobreviví a R. Kelly", la producción que hizo reflotar las acusaciones de abuso sexual en contra del intérprete.
El pasado 22 de febrero R. Kelly fue acusado de 10 cargos de abuso sexual, arribando a la justicia un caso que llevaba varias semanas en la opinión pública gracias a la emisión de "Sobreviví a R. Kelly" a principios de enero último.
La serie documental, que se estrena este viernes a través del canal Lifetime a las 21:20 horas, recopiló más de 50 testimonios de personas que ahondan en denuncias de abuso físico, psicológico y sexual -los que a veces involucraban a menores de edad- contra el cantante. Además, reveló la existencia de una especie de "culto sexual", donde Kelly tenía total control de las vidas de una serie de mujeres que vivían con él.
"El proyecto partió cuando los movimientos #MeToo y Time's Up! habían explotado e internamente estaba pensando en cómo podíamos hablarle a nuestra audiencia de esto. Decidimos hacer este documental porque pensamos que podíamos hacer algo poderoso y que quedara después de que se terminara, y que ahora estemos hablando de eso quiere decir que lo logramos", explica a "El Mercurio" Brie Miranda Bryant, productora ejecutiva de la serie.
"Hay tantas mujeres lidiando con situaciones similares a las que yo pasé que sentí que era mi deber como mujer y como madre", agrega por su parte Asante McGee, una de las denunciantes que entregan su testimonio en la serie. McGee comenzó una relación con Kelly en 2014 y acusa al cantante de haberla forzado a tener relaciones sexuales grupales y de no permitirle visitar a su hijo.
"Cuando estaba saliendo con él yo veía lo que todo el mundo veía, un chico dulce y amable. Pero cuando me fui a vivir a su casa pude ver lo que él era verdaderamente como persona, un demonio", afirma. "Fui testigo de lo jóvenes que eran las otras chicas que vivían en su casa conmigo. Si yo como una mujer adulta sabía que no me merecía eso, sentí que ellas tampoco", agrega.
McGee asegura que está feliz por las consecuencias judiciales que ha tenido la emisión de la serie, pero Bryant aclara que la intención final iba más allá de eso. "Cuando estábamos haciendo el documental nuestro propósito era crear una plataforma para que las mujeres pudieran contar su verdad, y haber hecho eso nos tiene muy agradecidos", sostiene.
Las consecuencias de la serie han ido más allá de lo judicial. Durante las últimas semanas distintos músicos que habían trabajado con Kelly han condenado las acciones del cantante e incluso algunos, como Lady Gaga, han borrado de las plataformas de streaming las canciones en las que habían colaborado.
Kelly interpretó uno de los himnos oficiales del Mundial de Fútbol de Sudáfrica de 2010.
La cadena estadounidense CBS emitió ayer la primera entrevista televisada al cantante luego que se estrenara la serie.
Kelly se mostró muy afectado por las denuncias, llorando en cámara e insistiendo en su inocencia. "He sido asesinado. He sido enterrado vivo", acusó.
"Les di 30 años de mi maldita carrera y ustedes me tratan de matar. Esto no es acerca de la música. Estoy tratando de tener una relación con mis hijos y no puedo. Ustedes no quieren creer la verdad", dijo visiblemente alterado, mientras un asistente suyo interrumpía la entrevista para tranquilizarlo.
Horas después de la entrevista, el cantante fue arrestado por no pagar más de US$ 161 mil adeudados de pensión a su segunda exesposa, Andrea Kelly.
Dónde verla
La serie se transmitirá en su totalidad a través del canal Lifetime, entre mañana y el domingo, a las 21:20 horas.
Cami se presenta mañana en Vitacura
El Mercurio
La cantante y jurado del recién finalizado Festival de Viña del Mar encabezará mañana un concierto en el Parque Bicentenario de Vitacura, que comenzará a las 19:00 horas y que contará con la presencia de otros grupos como Soy Irracional y Seiscuerdas.
La cantante y jurado del recién finalizado Festival de Viña del Mar encabezará mañana un concierto en el Parque Bicentenario de Vitacura, que comenzará a las 19:00 horas y que contará con la presencia de otros grupos como Soy Irracional y Seiscuerdas.
miércoles, marzo 06, 2019
Desaparición de un piano revela problemas en la administración del Teatro Municipal de Ñuñoa
María Soledad Ramírez R.
Cultura
El Mercurio
Un convenio con una productora para gestionar el espacio resultó ser un mal negocio, con aristas impensadas.
Fechas canceladas de conciertos, entre ellos tres de Roberto Bravo, la desaparición de un piano que usaría este y la entrega de cheques sin fondo más el incumplimiento de cláusulas de convenios son los hechos que se reúnen en torno al Teatro Municipal de Ñuñoa, ex-California, en estos dos primeros meses de 2019.
El teatro está en comodato a la Corporación Cultural de Ñuñoa por su dueños, la Asociación de Funcionarios del Banco de Chile. Una nueva renegociación del comodato puso a la corporación en una situación compleja en términos financieros: anualmente, por concepto de arriendo y mantención, deben gastar $120 millones.
Esa habría sido la razón para buscar una empresa que se hiciera cargo del teatro, según relata la directora gerente de la Corporación Cultural de Ñuñoa, Verónica Farfán. "Teníamos que hacer gestión", señala y agrega que la empresa les presentó un programa "que nos convenía".
Fue así que a fines de noviembre de 2018 se celebró un convenio entre la corporación y la productora Cinco y Medios, representada por Cristián Inostroza, para que esta asumiera la gestión cultural, artística y comercial del teatro durante 2019.
A fecha de hoy, tal convenio se ha revocado, por el incumplimiento del proyecto presentado por la productora y de las cláusulas financieras, confirma Ludwig Bornand, director del departamento de Asesoría Jurídica de la Municipalidad de Ñuñoa.
Esta situación la confirma Verónica Farfán, quien señala que Cinco y Medios realizó un trabajo insatisfactorio, que trajo problemas a la corporación, que es la cara visible de teatro. "Somos responsables de esos problemas, por cierto, porque nosotros les arrendamos", señala Farfán.
Pero tanto ella como Bornand se desligan de una de las aristas del problema generado por la productora. Se trata del piano que el artista y dueño de la empresa Casa Chopin Pianos, Juan Estay, le vendió a Cristián Inostroza, por $26 millones más IVA, pagados en cinco cheques.
Estay acusa que los cheques no tienen fondos y que el piano ya no está en el teatro, como comprobó este fin de semana. "Pasé por casualidad al teatro para ver en qué estaba el tema del piano y me encontré con la sorpresa de que ya no estaba. Le pregunté al conserje y me dijo que se lo habían llevado", relata. Logró hablar con Inostroza, quien le propuso devolvérselo, pero él, a sugerencia de sus abogados, no aceptó. Y cuenta que fue a la municipalidad para recibir alguna respuesta, donde se reunió con el alcalde, Andrés Zarhi, pero "no se está haciendo cargo del tema". El abogado Bornand niega que el alcalde estuviera presente en esa reunión, pero sí él. Afirma que ellos no tienen que ver con este asunto, ya que la compra de un piano no era parte del convenio firmado con la productora.
"Ya hice la denuncia a Carabineros con todos los documentos", señala Estay, quien también quiere que la corporación se haga cargo de este robo, como él lo llama.
Afectados también quedaron los artistas que iban a participar de los conciertos este verano. Roberto Bravo cuenta que tenía tres programados y que lo fueron corriendo de fecha, hasta ya no saber nada y enterarse de lo del piano. "El hecho es que tú no puedes robar un piano a plena luz del día", señala, apoyando a Estay en su reclamo.
Orquesta de Cámara
Otra arista implicaba a la Orquesta de Cámara de Chile, que lleva 26 años vinculada al teatro. Es acá donde realizan sus ensayos, de lunes a viernes, y su temporada de conciertos.
El convenio con la productora los había dejado sin dos días de ensayo, lo que suponía cambiarse a otro lugar. Pero el fin del convenio ha aquietado las aguas, ya que nada cambiará con respecto a sus ensayos y conciertos y el Ministerio de las Culturas pagará a la Corporación Cultural de Ñuñoa $30 millones anuales, lo que cubrirá una parte del gasto que hoy enfrenta el Teatro Municipal de Ñuñoa.
Cultura
El Mercurio
Un convenio con una productora para gestionar el espacio resultó ser un mal negocio, con aristas impensadas.
Fechas canceladas de conciertos, entre ellos tres de Roberto Bravo, la desaparición de un piano que usaría este y la entrega de cheques sin fondo más el incumplimiento de cláusulas de convenios son los hechos que se reúnen en torno al Teatro Municipal de Ñuñoa, ex-California, en estos dos primeros meses de 2019.
El teatro está en comodato a la Corporación Cultural de Ñuñoa por su dueños, la Asociación de Funcionarios del Banco de Chile. Una nueva renegociación del comodato puso a la corporación en una situación compleja en términos financieros: anualmente, por concepto de arriendo y mantención, deben gastar $120 millones.
Esa habría sido la razón para buscar una empresa que se hiciera cargo del teatro, según relata la directora gerente de la Corporación Cultural de Ñuñoa, Verónica Farfán. "Teníamos que hacer gestión", señala y agrega que la empresa les presentó un programa "que nos convenía".
Fue así que a fines de noviembre de 2018 se celebró un convenio entre la corporación y la productora Cinco y Medios, representada por Cristián Inostroza, para que esta asumiera la gestión cultural, artística y comercial del teatro durante 2019.
A fecha de hoy, tal convenio se ha revocado, por el incumplimiento del proyecto presentado por la productora y de las cláusulas financieras, confirma Ludwig Bornand, director del departamento de Asesoría Jurídica de la Municipalidad de Ñuñoa.
Esta situación la confirma Verónica Farfán, quien señala que Cinco y Medios realizó un trabajo insatisfactorio, que trajo problemas a la corporación, que es la cara visible de teatro. "Somos responsables de esos problemas, por cierto, porque nosotros les arrendamos", señala Farfán.
Pero tanto ella como Bornand se desligan de una de las aristas del problema generado por la productora. Se trata del piano que el artista y dueño de la empresa Casa Chopin Pianos, Juan Estay, le vendió a Cristián Inostroza, por $26 millones más IVA, pagados en cinco cheques.
Estay acusa que los cheques no tienen fondos y que el piano ya no está en el teatro, como comprobó este fin de semana. "Pasé por casualidad al teatro para ver en qué estaba el tema del piano y me encontré con la sorpresa de que ya no estaba. Le pregunté al conserje y me dijo que se lo habían llevado", relata. Logró hablar con Inostroza, quien le propuso devolvérselo, pero él, a sugerencia de sus abogados, no aceptó. Y cuenta que fue a la municipalidad para recibir alguna respuesta, donde se reunió con el alcalde, Andrés Zarhi, pero "no se está haciendo cargo del tema". El abogado Bornand niega que el alcalde estuviera presente en esa reunión, pero sí él. Afirma que ellos no tienen que ver con este asunto, ya que la compra de un piano no era parte del convenio firmado con la productora.
"Ya hice la denuncia a Carabineros con todos los documentos", señala Estay, quien también quiere que la corporación se haga cargo de este robo, como él lo llama.
Afectados también quedaron los artistas que iban a participar de los conciertos este verano. Roberto Bravo cuenta que tenía tres programados y que lo fueron corriendo de fecha, hasta ya no saber nada y enterarse de lo del piano. "El hecho es que tú no puedes robar un piano a plena luz del día", señala, apoyando a Estay en su reclamo.
Orquesta de Cámara
Otra arista implicaba a la Orquesta de Cámara de Chile, que lleva 26 años vinculada al teatro. Es acá donde realizan sus ensayos, de lunes a viernes, y su temporada de conciertos.
El convenio con la productora los había dejado sin dos días de ensayo, lo que suponía cambiarse a otro lugar. Pero el fin del convenio ha aquietado las aguas, ya que nada cambiará con respecto a sus ensayos y conciertos y el Ministerio de las Culturas pagará a la Corporación Cultural de Ñuñoa $30 millones anuales, lo que cubrirá una parte del gasto que hoy enfrenta el Teatro Municipal de Ñuñoa.
Mujeres acordeonistas se reúnen en Ñuñoa
Cultura
El Mercurio
Samanta Aliste, Karin Blum , Dominga Corral y Natalia Soto son jóvenes intérpretes del acordeón, que este sábado estarán en la academia ClasesDeAcordeon.cl (Licenciado de las Peñas 5153, Ñuñoa). Desde las 18:00 horas ofrecerán un concierto dedicado al Día de la Mujer, con intervenciones de música varieté , enfocada al acordeón solista. La cita es parte de la temporada de conciertos de acordeón que se realiza allí durante el año. Gratis, con cupos limitados.
El Mercurio
Samanta Aliste, Karin Blum , Dominga Corral y Natalia Soto son jóvenes intérpretes del acordeón, que este sábado estarán en la academia ClasesDeAcordeon.cl (Licenciado de las Peñas 5153, Ñuñoa). Desde las 18:00 horas ofrecerán un concierto dedicado al Día de la Mujer, con intervenciones de música varieté , enfocada al acordeón solista. La cita es parte de la temporada de conciertos de acordeón que se realiza allí durante el año. Gratis, con cupos limitados.
Spotify gana un millón de usuarios tras debutar en India
Economía y Negocios
El Mercurio
Menos de una semana le tomó a Spotify para alcanzar el millón de usuarios en India tras su esperado debut el miércoles de la semana pasada.
La plataforma musical de streaming no informó cuántos de estos usuarios estaban inscritos bajo la modalidad del servicio gratuito con avisos o el plan pagado, ni tampoco a cuántos planea llegar, pero se enfrenta a la competencia de Gaana y JioSaavn, los que tienen 80 millones y 250 millones de usuarios en el país, respectivamente.
A comienzos de febrero, la compañía anunció que superó la barrera de los 200 millones de usuarios a nivel mundial -esto es, los que usan la plataforma al menos una vez al mes-, de los cuales 96 millones son usuarios de pago, donde los planes familiares y para estudiantes son los más populares.
El Mercurio
Menos de una semana le tomó a Spotify para alcanzar el millón de usuarios en India tras su esperado debut el miércoles de la semana pasada.
La plataforma musical de streaming no informó cuántos de estos usuarios estaban inscritos bajo la modalidad del servicio gratuito con avisos o el plan pagado, ni tampoco a cuántos planea llegar, pero se enfrenta a la competencia de Gaana y JioSaavn, los que tienen 80 millones y 250 millones de usuarios en el país, respectivamente.
A comienzos de febrero, la compañía anunció que superó la barrera de los 200 millones de usuarios a nivel mundial -esto es, los que usan la plataforma al menos una vez al mes-, de los cuales 96 millones son usuarios de pago, donde los planes familiares y para estudiantes son los más populares.
martes, marzo 05, 2019
Keith Flint, la voz irascible de The Prodigy, muere a los 49 años
JOSÉ VÁSQUEZ
Espectáculos
El Mercurio
El artista británico fue encontrado sin vida en su hogar en Essex. Su compañero de grupo Liam Howlett señaló que se había tratado de un suicidio. El grupo planificaba volver a Sudamérica en los próximos meses.
La fiesta fue dura, no solo sobre el escenario. La performance en vivo de Keith Flint al principio de su carrera, en The Prodigy, era la representación musical del espiral de excesos que lo consumían.
Frente a la gente, la electrónica con esteroides con que atacaba el conjunto británico era un beat machacante e irascible que cuando alcanzaron la fama mundial, en 1997 con "The fat of the land" -que incluyó sus mayores éxitos como "Firestarter", "Breathe" y "Smack my bitch up"-, también significó la amplificación de sus demonios.
En el peak de su carrera, sus adicciones al alcohol y las drogas pudieron acabar bruscamente con el éxito del proyecto. Igual que una depresión, que lo terminaron distanciando del grupo que en 2004 grabó recién el sucesor de su gran golpe mundial, bajo el título de "Always outnumbered, never outgunned", donde apenas él participó de la grabación.
Entonces vino la limpieza y el retiro. Flint se fue a vivir al campo, al condado de Essex, al costado este de Inglaterra. Ahí instaló su refugio contra sus males, de los que igual se contaron recaídas. Ese fue el último espacio donde estuvo a salvo y donde el sábado se le vio incluso participando de una corrida en el parque de Chelmsford. La mañana de ayer, fue el aviso de una mujer a la policía del lugar la que dio la alerta para encontrar sin vida el cuerpo del cantante en su hogar.
Según un portavoz de la fuerza pública local, "la muerte no estaba siendo tratada como sospechosa". Más tarde fue su compañero de grupo Liam Howlett, quien señaló que se había tratado de un suicidio, aunque no hubo una versión oficial del deceso.
"...No me puedo creer que esté diciendo esto, pero nuestro hermano Keith se quitó la vida este fin de semana. Estoy conmocionado, jodidamente rabioso, confuso y con el corazón destrozado", comunicó Howlett a través de las redes sociales.
Flint, quien había iniciado su carrera como bailarín, antes de tomar el micrófono en The Prodigy, estaba activo con el proyecto. En noviembre pasado el conjunto grabó su último álbum, "No tourists", con el que actualmente se encontraban de gira. Su último show lo realizaron a comienzos de febrero en Nueva Zelandia y en abril próximo habían agendado su regreso a Sudamérica para participar del festival colombiano Estéreo Picnic, visita que eventualmente iban a repetir en la región en una fecha posterior con paradas que iban a incluir a Santiago.
En Chile, el grupo realizó cuatro presentaciones, la primera, quizás la más recordada, la de 1998 en el Teatro Caupolicán convertido en una poderosa rave de espíritu punk . Luego regresaron en 2005 para participar en el festival electrónico Creamfields, en 2009 al Teatro Caupolicán, y en 2012 como parte del Festival Maquinaria.
Cuatro veces en Chile
Los shows de The Prodigy: Teatro Caupolicán (1998), Creamfields (2005), Teatro Caupolicán (2009) y Festival Maquinaria (2012).
Espectáculos
El Mercurio
El artista británico fue encontrado sin vida en su hogar en Essex. Su compañero de grupo Liam Howlett señaló que se había tratado de un suicidio. El grupo planificaba volver a Sudamérica en los próximos meses.
La fiesta fue dura, no solo sobre el escenario. La performance en vivo de Keith Flint al principio de su carrera, en The Prodigy, era la representación musical del espiral de excesos que lo consumían.
Frente a la gente, la electrónica con esteroides con que atacaba el conjunto británico era un beat machacante e irascible que cuando alcanzaron la fama mundial, en 1997 con "The fat of the land" -que incluyó sus mayores éxitos como "Firestarter", "Breathe" y "Smack my bitch up"-, también significó la amplificación de sus demonios.
En el peak de su carrera, sus adicciones al alcohol y las drogas pudieron acabar bruscamente con el éxito del proyecto. Igual que una depresión, que lo terminaron distanciando del grupo que en 2004 grabó recién el sucesor de su gran golpe mundial, bajo el título de "Always outnumbered, never outgunned", donde apenas él participó de la grabación.
Entonces vino la limpieza y el retiro. Flint se fue a vivir al campo, al condado de Essex, al costado este de Inglaterra. Ahí instaló su refugio contra sus males, de los que igual se contaron recaídas. Ese fue el último espacio donde estuvo a salvo y donde el sábado se le vio incluso participando de una corrida en el parque de Chelmsford. La mañana de ayer, fue el aviso de una mujer a la policía del lugar la que dio la alerta para encontrar sin vida el cuerpo del cantante en su hogar.
Según un portavoz de la fuerza pública local, "la muerte no estaba siendo tratada como sospechosa". Más tarde fue su compañero de grupo Liam Howlett, quien señaló que se había tratado de un suicidio, aunque no hubo una versión oficial del deceso.
"...No me puedo creer que esté diciendo esto, pero nuestro hermano Keith se quitó la vida este fin de semana. Estoy conmocionado, jodidamente rabioso, confuso y con el corazón destrozado", comunicó Howlett a través de las redes sociales.
Flint, quien había iniciado su carrera como bailarín, antes de tomar el micrófono en The Prodigy, estaba activo con el proyecto. En noviembre pasado el conjunto grabó su último álbum, "No tourists", con el que actualmente se encontraban de gira. Su último show lo realizaron a comienzos de febrero en Nueva Zelandia y en abril próximo habían agendado su regreso a Sudamérica para participar del festival colombiano Estéreo Picnic, visita que eventualmente iban a repetir en la región en una fecha posterior con paradas que iban a incluir a Santiago.
En Chile, el grupo realizó cuatro presentaciones, la primera, quizás la más recordada, la de 1998 en el Teatro Caupolicán convertido en una poderosa rave de espíritu punk . Luego regresaron en 2005 para participar en el festival electrónico Creamfields, en 2009 al Teatro Caupolicán, y en 2012 como parte del Festival Maquinaria.
Cuatro veces en Chile
Los shows de The Prodigy: Teatro Caupolicán (1998), Creamfields (2005), Teatro Caupolicán (2009) y Festival Maquinaria (2012).
Francisca Santa María y el sentido que tiene el canto
IÑIGO DÍAZ
Cultura
El Mercurio
"Cerca" es el debut de esta intérprete de standards , boleros y bossa nova, profesora de música y voz, que forjó su oficio en hoteles del mundo.
De paso por Chile para promocionar su disco "Turning pages", la cantante Claudia Acuña se detuvo para poner atención en lo que denomina "el cancionero standard latinoamericano" o, dicho en otras palabras, el libro canónico de los boleros. En sus discos de jazz ha grabado versiones de "Esta tarde vi llover", "Tú, mi delirio" y "Contigo en la distancia". Y en sintonía con esa idea también se ubica Francisca Santa María (38), otra cantante que viene a poner su nombre en los anuncios esta semana con el primer lanzamiento de un disco de jazz en 2019.
Con su cuarteto capitalino (vive en Concón, y en la Quinta Región se presenta con otro elenco), Santa María estrenará este viernes en el Club de Jazz de Casa Maroto (22:30 horas, $6.000) su debut, "Cerca". El título viene de la canción "Cerca de ti", que es al mismo tiempo una interpretación en castellano del standard de 1938 "The nearness of you". "Yo escribí la traducción, pero más bien diría que es una versión libre de ese texto, con una dedicatoria muy personal. Me gustaba cantarla en ritmo de bolero, fue una idea mía que (el pianista) Moncho Romero depuró como arreglo", dice Santa María acerca de ese contraste entre canción norteamericana y canción latinoamericana.
Pero no es el único contrapunto de este tipo en "Cerca". En la canción "What a difference", resulta aún más severo. "El original de esa melodía es el bolero de María Grever 'Cuando vuelva a tu lado', pero en el mundo se la conoce como el standard 'What a difference'. Hicimos la sección en inglés con ritmo de bolero, y la sección en castellano como si fuera jazz", anota. El grupo que grabó, el mismo que estrenará el disco en vivo, tiene a Moncho Romero (piano), Maximiliano Flynn (contrabajo) y Jorge Rodríguez Donoso (batería).
"Salvo colaboraciones con el pianista Giovanni Cultrera, nunca estuve muy presente en el circuito del jazz vocal de Santiago porque estuve cantando fuera. Estudié jazz en Barcelona y después canté en hoteles de cinco estrellas en Saigón y Nagoya, con tríos y en duetos de piano y voz. En Japón estuve una temporada viviendo en el piso 25 del hotel y cantando tres horas diarias en el piso 52", cuenta Santa María.
Ya casada y con hijos, realizó viajes a Australia, donde siguió presentándose en clubes y hoteles. En la Quinta Región fue voz residente del Sheraton Miramar. Con diez años como pasajera en tránsito, los hoteles han sido su escenario.
"Tanto tiempo de viaje fue postergando este disco. Solo necesitaba un empujón para grabar y ahora lo veo como el primero de una serie. No pienso dejarlo aquí, porque para mí el canto tiene un sentido", señala, entre su trabajo como profesora de música en Concón y su vida como nombre propio en la escena a la que hoy Francisca Santa María se está reintegrando.
Cultura
El Mercurio
"Cerca" es el debut de esta intérprete de standards , boleros y bossa nova, profesora de música y voz, que forjó su oficio en hoteles del mundo.
De paso por Chile para promocionar su disco "Turning pages", la cantante Claudia Acuña se detuvo para poner atención en lo que denomina "el cancionero standard latinoamericano" o, dicho en otras palabras, el libro canónico de los boleros. En sus discos de jazz ha grabado versiones de "Esta tarde vi llover", "Tú, mi delirio" y "Contigo en la distancia". Y en sintonía con esa idea también se ubica Francisca Santa María (38), otra cantante que viene a poner su nombre en los anuncios esta semana con el primer lanzamiento de un disco de jazz en 2019.
Con su cuarteto capitalino (vive en Concón, y en la Quinta Región se presenta con otro elenco), Santa María estrenará este viernes en el Club de Jazz de Casa Maroto (22:30 horas, $6.000) su debut, "Cerca". El título viene de la canción "Cerca de ti", que es al mismo tiempo una interpretación en castellano del standard de 1938 "The nearness of you". "Yo escribí la traducción, pero más bien diría que es una versión libre de ese texto, con una dedicatoria muy personal. Me gustaba cantarla en ritmo de bolero, fue una idea mía que (el pianista) Moncho Romero depuró como arreglo", dice Santa María acerca de ese contraste entre canción norteamericana y canción latinoamericana.
Pero no es el único contrapunto de este tipo en "Cerca". En la canción "What a difference", resulta aún más severo. "El original de esa melodía es el bolero de María Grever 'Cuando vuelva a tu lado', pero en el mundo se la conoce como el standard 'What a difference'. Hicimos la sección en inglés con ritmo de bolero, y la sección en castellano como si fuera jazz", anota. El grupo que grabó, el mismo que estrenará el disco en vivo, tiene a Moncho Romero (piano), Maximiliano Flynn (contrabajo) y Jorge Rodríguez Donoso (batería).
"Salvo colaboraciones con el pianista Giovanni Cultrera, nunca estuve muy presente en el circuito del jazz vocal de Santiago porque estuve cantando fuera. Estudié jazz en Barcelona y después canté en hoteles de cinco estrellas en Saigón y Nagoya, con tríos y en duetos de piano y voz. En Japón estuve una temporada viviendo en el piso 25 del hotel y cantando tres horas diarias en el piso 52", cuenta Santa María.
Ya casada y con hijos, realizó viajes a Australia, donde siguió presentándose en clubes y hoteles. En la Quinta Región fue voz residente del Sheraton Miramar. Con diez años como pasajera en tránsito, los hoteles han sido su escenario.
"Tanto tiempo de viaje fue postergando este disco. Solo necesitaba un empujón para grabar y ahora lo veo como el primero de una serie. No pienso dejarlo aquí, porque para mí el canto tiene un sentido", señala, entre su trabajo como profesora de música en Concón y su vida como nombre propio en la escena a la que hoy Francisca Santa María se está reintegrando.
Google critica reforma sobre derechos de autor
Vida Ciencia Tecnología
El Mercurio
Google llamó ayer a los eurodiputados a votar contra la reforma de los derechos de autor en la Unión Europea, que, según la empresa tecnológica, "sería nefasta para los creadores europeos en las próximas décadas".
La Eurocámara debe pronunciarse probablemente este mes sobre la adopción definitiva de este proyecto de legislación revisada, que la Comisión Europea presentó en 2016.
La reforma tiene como objetivo adaptar a la era digital la legislación europea sobre derechos de autor de 2001, una época en que YouTube, propiedad de Google, todavía no existía.
Los medios de comunicación y los artistas que quieren una mejor remuneración del uso de sus contenidos por las plataformas apoyan la reforma, a la que se oponen sin embargo gigantes como Google y los partidarios de una internet libre.
El Mercurio
Google llamó ayer a los eurodiputados a votar contra la reforma de los derechos de autor en la Unión Europea, que, según la empresa tecnológica, "sería nefasta para los creadores europeos en las próximas décadas".
La Eurocámara debe pronunciarse probablemente este mes sobre la adopción definitiva de este proyecto de legislación revisada, que la Comisión Europea presentó en 2016.
La reforma tiene como objetivo adaptar a la era digital la legislación europea sobre derechos de autor de 2001, una época en que YouTube, propiedad de Google, todavía no existía.
Los medios de comunicación y los artistas que quieren una mejor remuneración del uso de sus contenidos por las plataformas apoyan la reforma, a la que se oponen sin embargo gigantes como Google y los partidarios de una internet libre.
lunes, marzo 04, 2019
Guitarrista Nicolás Emilfork mantiene el legado de Ernesto Quezada
Romina de la Sotta Donoso
Cultura
El Mercurio
El premiado intérprete asume la dirección artística de la Fundación Guitarra Viva , que continúa la labor del recordado maestro fallecido en 2016. Este año estrenarán dos temporadas de conciertos y múltiples becas.
Ernesto Quezada Bouey (1945-2016) fue una de las figuras centrales de la guitarra chilena en el siglo XX. Virtuoso solista de laúd y pionero de la música antigua en nuestro país -fue uno de los fundadores de Syntagma Musicum-, dejó además un enorme legado como profesor de guitarra en la Universidad de Chile. Entre sus ex alumnos hay intérpretes tan célebres como Luis Orlandini, Carlos Pérez, Romilio Orellana, Wladimir Carrasco, José Antonio Escobar y Rodrigo Díaz.
Y entre los más jóvenes también han recibido premios, por ejemplo, Luis Guevara, Emmanuel Sowicz y Nicolás Emilfork.
"Más allá de lo guitarrístico, Ernesto Quezada fue un mentor artístico. Siempre nos inculcó el tratar de verter la idea del compositor, con solidez técnica y buscando la excelencia, pero también era capaz de individualizar las necesidades y problemáticas de cada estudiante y por eso todos sus exalumnos somos intérpretes muy distintos", comenta Nicolás Emilfork (1979).
"El maestro Quezada siempre se puso por detrás de los logros de sus alumnos", agrega. Y como quiere ayudar a extender hacia el futuro este legado, decidió volver a Chile tras siete años residiendo en Estados Unidos, y asumir como director artístico de la Fundación Guitarra Viva Ernesto Quezada.
Seguirán tres líneas de acción. Por un lado están las becas: de instrumento, participación en concursos, grabación y posgrado. También convertirán en una biblioteca los archivos y partituras del maestro, y harán dos temporadas gratuitas de conciertos (Fundacionguitarraviva.cl).
Ambas temporadas partirán en mayo. Una será en el Aula Magna de la Usach y actuarán ex alumnos de Quezada, como Carlos Pérez, Andrés Madariaga, Luis Guevara y Miguel Álvarez. También Renato Serrano, ex alumno de Alejandro Peralta, y Danilo Cabaluz, de Luis Orlandini.
Asimismo, estrenarán una serie de house-concerts en la sede de la fundación, a pasos del metro Bilbao. "Además de apoyar a los artistas en su perfeccionamiento, debemos crear audiencias para que la guitarra clásica sea sostenible", explica Emilfork. Igualmente, apoyarán a los jóvenes talentos en las áreas de gestión y organización de conciertos. "Son cosas que no te enseñan en la universidad", dice.
Emilfork cuenta, además, que está iniciando una nueva etapa de su carrera, y que se focalizará "en preparar conciertos, la enseñanza y la fundación". Ya fue fichado como profesor de guitarra y música de cámara en el Magister en Interpretación Musical de la U. de Chile, y además dictará un módulo en el diplomado en Apreciación Musical de la U. Adolfo Ibáñez.
El año pasado no sólo completó su doctorado en la U. de Texas en Austin, con el célebre Adam Holzman, sino que además obtuvo el primer premio en el 17 {+o} Festival de Guitarra de Texas. Como parte de ese premio, este jueves dará el concierto inaugural de la nueva edición del festival. Aprovechando su viaje a Estados Unidos, las universidades Texas A&M y McNeese State lo invitaron a dar l ecture-recitals y clases magistrales (Nicolasemilfork.com).
Para la gira eligió tocar tres sonatas que analizó en su investigación doctoral, todas escritas por compositores latinoamericanos no guitarristas: Carlos Guastavino, Roberto Sierra y Guido Santórsola.
Emilfork asegura que son obras escasamente tocadas, pero muy reveladoras: "Desafían el concepto que se asocia tradicionalmente a la música latinoamericana porque en vez de ser danzas, utilizan varias células rítmicas para crear un discurso más grande dentro de esta forma tan tradicional como es la sonata".
Gran maestro
Aunque Ernesto Quezada fue un virtuoso intérprete, advierte Nicolás Emilfork, "su amor por el instrumento era muy grande, y él se sentía realizado a través de los alumnos. Uno de sus grandes legados es que gran parte de sus exalumnos podemos vivir de esto. Haciendo la analogía con el fútbol, él fue un gran jugador y también un excelente técnico".
Cultura
El Mercurio
El premiado intérprete asume la dirección artística de la Fundación Guitarra Viva , que continúa la labor del recordado maestro fallecido en 2016. Este año estrenarán dos temporadas de conciertos y múltiples becas.
Ernesto Quezada Bouey (1945-2016) fue una de las figuras centrales de la guitarra chilena en el siglo XX. Virtuoso solista de laúd y pionero de la música antigua en nuestro país -fue uno de los fundadores de Syntagma Musicum-, dejó además un enorme legado como profesor de guitarra en la Universidad de Chile. Entre sus ex alumnos hay intérpretes tan célebres como Luis Orlandini, Carlos Pérez, Romilio Orellana, Wladimir Carrasco, José Antonio Escobar y Rodrigo Díaz.
Y entre los más jóvenes también han recibido premios, por ejemplo, Luis Guevara, Emmanuel Sowicz y Nicolás Emilfork.
"Más allá de lo guitarrístico, Ernesto Quezada fue un mentor artístico. Siempre nos inculcó el tratar de verter la idea del compositor, con solidez técnica y buscando la excelencia, pero también era capaz de individualizar las necesidades y problemáticas de cada estudiante y por eso todos sus exalumnos somos intérpretes muy distintos", comenta Nicolás Emilfork (1979).
"El maestro Quezada siempre se puso por detrás de los logros de sus alumnos", agrega. Y como quiere ayudar a extender hacia el futuro este legado, decidió volver a Chile tras siete años residiendo en Estados Unidos, y asumir como director artístico de la Fundación Guitarra Viva Ernesto Quezada.
Seguirán tres líneas de acción. Por un lado están las becas: de instrumento, participación en concursos, grabación y posgrado. También convertirán en una biblioteca los archivos y partituras del maestro, y harán dos temporadas gratuitas de conciertos (Fundacionguitarraviva.cl).
Ambas temporadas partirán en mayo. Una será en el Aula Magna de la Usach y actuarán ex alumnos de Quezada, como Carlos Pérez, Andrés Madariaga, Luis Guevara y Miguel Álvarez. También Renato Serrano, ex alumno de Alejandro Peralta, y Danilo Cabaluz, de Luis Orlandini.
Asimismo, estrenarán una serie de house-concerts en la sede de la fundación, a pasos del metro Bilbao. "Además de apoyar a los artistas en su perfeccionamiento, debemos crear audiencias para que la guitarra clásica sea sostenible", explica Emilfork. Igualmente, apoyarán a los jóvenes talentos en las áreas de gestión y organización de conciertos. "Son cosas que no te enseñan en la universidad", dice.
Emilfork cuenta, además, que está iniciando una nueva etapa de su carrera, y que se focalizará "en preparar conciertos, la enseñanza y la fundación". Ya fue fichado como profesor de guitarra y música de cámara en el Magister en Interpretación Musical de la U. de Chile, y además dictará un módulo en el diplomado en Apreciación Musical de la U. Adolfo Ibáñez.
El año pasado no sólo completó su doctorado en la U. de Texas en Austin, con el célebre Adam Holzman, sino que además obtuvo el primer premio en el 17 {+o} Festival de Guitarra de Texas. Como parte de ese premio, este jueves dará el concierto inaugural de la nueva edición del festival. Aprovechando su viaje a Estados Unidos, las universidades Texas A&M y McNeese State lo invitaron a dar l ecture-recitals y clases magistrales (Nicolasemilfork.com).
Para la gira eligió tocar tres sonatas que analizó en su investigación doctoral, todas escritas por compositores latinoamericanos no guitarristas: Carlos Guastavino, Roberto Sierra y Guido Santórsola.
Emilfork asegura que son obras escasamente tocadas, pero muy reveladoras: "Desafían el concepto que se asocia tradicionalmente a la música latinoamericana porque en vez de ser danzas, utilizan varias células rítmicas para crear un discurso más grande dentro de esta forma tan tradicional como es la sonata".
Gran maestro
Aunque Ernesto Quezada fue un virtuoso intérprete, advierte Nicolás Emilfork, "su amor por el instrumento era muy grande, y él se sentía realizado a través de los alumnos. Uno de sus grandes legados es que gran parte de sus exalumnos podemos vivir de esto. Haciendo la analogía con el fútbol, él fue un gran jugador y también un excelente técnico".
Diputados contratan presentación del grupo Saiko por $1.785.000
Nacional
El Mercurio
En el Salón de Honor del Congreso en Valparaíso se realizará un evento por la conmemoración del Día de la Mujer. El acto se hará el próximo miércoles. La Cámara contrató la presentación del grupo musical Saiko por $1.785.000 (según consta en mercadopublico.cl) para cerrar la actividad. También se hará un reconocimiento a quienes se han desempeñado como expresidentas de la Cámara y del Senado.
El Mercurio
En el Salón de Honor del Congreso en Valparaíso se realizará un evento por la conmemoración del Día de la Mujer. El acto se hará el próximo miércoles. La Cámara contrató la presentación del grupo musical Saiko por $1.785.000 (según consta en mercadopublico.cl) para cerrar la actividad. También se hará un reconocimiento a quienes se han desempeñado como expresidentas de la Cámara y del Senado.
Festival de Viña lamenta tragedia y suma crítica por show de Bad Bunny
Espectáculos
El Mercurio
La organización del Festival de Viña anunció el fallecimiento del técnico Fernando Canales Parra, quien perdió la vida ayer en el proceso de desmontaje del escenario. La compañía aseguró a través de un comunicado que el trabajador estaba cumpliendo sus labores con los implementos de seguridad necesarios.
Además, el Festival sigue sumando críticas. La diputada RN Ximena Ossandón se refirió al show del puertorriqueño Bad Bunny y afirmó que el certamen debe replantearse algunas cosas. "No veo el aporte que hacen artistas como Bad Bunny, que en sus letras instan al consumo de drogas y también muchas veces denigran a la mujer". Además, criticó que Camila Gallardo fuera la única cantante chilena en el escenario. "Actuó en el peor horario, casi la mitad del público se había retirado".
El Mercurio
La organización del Festival de Viña anunció el fallecimiento del técnico Fernando Canales Parra, quien perdió la vida ayer en el proceso de desmontaje del escenario. La compañía aseguró a través de un comunicado que el trabajador estaba cumpliendo sus labores con los implementos de seguridad necesarios.
Además, el Festival sigue sumando críticas. La diputada RN Ximena Ossandón se refirió al show del puertorriqueño Bad Bunny y afirmó que el certamen debe replantearse algunas cosas. "No veo el aporte que hacen artistas como Bad Bunny, que en sus letras instan al consumo de drogas y también muchas veces denigran a la mujer". Además, criticó que Camila Gallardo fuera la única cantante chilena en el escenario. "Actuó en el peor horario, casi la mitad del público se había retirado".
Grupo K-pop lanza cover de Luis Miguel
El Mercurio
La aclamada banda Super Junior realizó un cover de la exitosa canción del mexicano Luis Miguel "Ahora te puedes marchar". No es la primera vez que Super Junior canta en español. Hace un tiempo atrás la boy band realizó una colaboración con Reik.
* Nota de la redacción. La canción original es "I Only Want To Be With You" del año 1963, la versión de Luis Miguel es del año 1987, por lo tanto esta versión de "Super Junior" vendría a ser el cover del cover.
La aclamada banda Super Junior realizó un cover de la exitosa canción del mexicano Luis Miguel "Ahora te puedes marchar". No es la primera vez que Super Junior canta en español. Hace un tiempo atrás la boy band realizó una colaboración con Reik.
* Nota de la redacción. La canción original es "I Only Want To Be With You" del año 1963, la versión de Luis Miguel es del año 1987, por lo tanto esta versión de "Super Junior" vendría a ser el cover del cover.
Izan Llunas: "Solo soy un niño que ha tenido buena suerte"
Bárbara Castro
Espectáculos
El Mercurio
El cantante y actor infantil, conocido por su papel de Luis Miguel en la serie biográfica de Netflix, prepara su trabajo discográfico debut.
A su edad, es natural que cambie la voz. Una maduración propia de la pubertad, que en el caso de Izan Llunas (14), podría coincidir con el lanzamiento de su primer trabajo discográfico tras encarnar la infancia de Luis Miguel en la popular serie homónima de Netflix. Un papel que lo hizo conocido en el continente y que lo trajo a Chile el año pasado para presentar su espectáculo en que versiona el repertorio temprano de "El sol de México".
El adolescente, de origen español, que acaba de firmar con Sony Music, se muestra despreocupado por el cambio de registro, que en su momento marcó un antes y un después en la carrera de ídolos infantiles como Justin Bieber y Michael Jackson.
"Todo depende de cómo vaya cambiando mi voz y lo que esté de moda. Si lo lleva lo urbano, no puedo estar cantando con voz de heavy metal ", dice al teléfono desde Tenerife, a propósito de la transformación que ya fue retratada en la ficción con un adolescente Luis Miguel -personificado por Luis de la Rosa- batallando las desafinaciones propias de la edad, que casi ponen su futuro musical en jaque.
En la pantalla se demuestra que lo de Izan son las baladas románticas, pero en la vida real sus gustos gravitan estrictamente hacia la banda sonora de su generación. Entre sus favoritos está The Weeknd, Khalid y Ed Sheeran, artistas que coinciden en una propuesta que conjuga un pop melódico con toques de electrónica y hasta algunas pinceladas urbanas, un estilo que el nieto de Dyango espera replicar en su debut en solitario.
"Lo que me gusta de ellos es que hacen música popular, pero no por eso dejan de mostrar su capacidad vocal", afirma, y adelanta algunos de sus preparativos antes de entrar al estudio: está tomando clases de canto, piano y guitarra. Su plan es que este entrenamiento le permita tocar sus propios instrumentos sobre el escenario.
La fama no le incomoda y no es para él algo reciente -canta desde los 10 años y en 2017 fue parte del elenco de la versión infantil del programa de talentos "The voice"-, la percibe como sinónimo de éxito. "A veces los coches se detienen y se baja gente a pedirme fotos y que grabe stories de Instagram, pero no me molesta, significa que lo estoy haciendo bien", afirma, pero puntualiza que de vez en cuando debe regresar a la rutina que precedió su estrellato. "Ahora estoy a punto de salir del colegio y con exámenes, en momentos así me pongo en plan de niño normal", afirma el hijo del cantautor Marcos Llunas.
Ese mundo cotidiano incluye pasatiempos como su afición por el fútbol y el boxeo, este último un descubrimiento reciente gracias a un compañero del colegio, y es que entre compromisos artísticos el joven cantante trata de ajustarse lo más posible al calendario escolar. Además, como otros 150 millones de niños alrededor del mundo, se conecta a internet para disfrutar del popular videojuego Fortnite. "No soy un adicto como varios de mis amigos, pero sí me gusta echarme una partida de vez en cuando, cuando estoy solo en mi casa", señala.
Su apretada agenda abre la interrogante sobre su participación en el anticipado segundo ciclo de la serie de Netflix. "Aún no sé si voy a estar, lo que sí sé es que la segunda temporada se va a hacer y por eso haría lo que sea para poder ser parte de ella", dice. A la espera de la confirmación, y a días de comenzar las grabaciones de su álbum, Izan se toma su creciente celebridad con calma. "Siempre voy a tener los pies en la tierra; solo soy un niño que ha tenido buena suerte y que hace lo que pueda para sacar su carrera adelante", indica.
Espectáculos
El Mercurio
El cantante y actor infantil, conocido por su papel de Luis Miguel en la serie biográfica de Netflix, prepara su trabajo discográfico debut.
A su edad, es natural que cambie la voz. Una maduración propia de la pubertad, que en el caso de Izan Llunas (14), podría coincidir con el lanzamiento de su primer trabajo discográfico tras encarnar la infancia de Luis Miguel en la popular serie homónima de Netflix. Un papel que lo hizo conocido en el continente y que lo trajo a Chile el año pasado para presentar su espectáculo en que versiona el repertorio temprano de "El sol de México".
El adolescente, de origen español, que acaba de firmar con Sony Music, se muestra despreocupado por el cambio de registro, que en su momento marcó un antes y un después en la carrera de ídolos infantiles como Justin Bieber y Michael Jackson.
"Todo depende de cómo vaya cambiando mi voz y lo que esté de moda. Si lo lleva lo urbano, no puedo estar cantando con voz de heavy metal ", dice al teléfono desde Tenerife, a propósito de la transformación que ya fue retratada en la ficción con un adolescente Luis Miguel -personificado por Luis de la Rosa- batallando las desafinaciones propias de la edad, que casi ponen su futuro musical en jaque.
En la pantalla se demuestra que lo de Izan son las baladas románticas, pero en la vida real sus gustos gravitan estrictamente hacia la banda sonora de su generación. Entre sus favoritos está The Weeknd, Khalid y Ed Sheeran, artistas que coinciden en una propuesta que conjuga un pop melódico con toques de electrónica y hasta algunas pinceladas urbanas, un estilo que el nieto de Dyango espera replicar en su debut en solitario.
"Lo que me gusta de ellos es que hacen música popular, pero no por eso dejan de mostrar su capacidad vocal", afirma, y adelanta algunos de sus preparativos antes de entrar al estudio: está tomando clases de canto, piano y guitarra. Su plan es que este entrenamiento le permita tocar sus propios instrumentos sobre el escenario.
La fama no le incomoda y no es para él algo reciente -canta desde los 10 años y en 2017 fue parte del elenco de la versión infantil del programa de talentos "The voice"-, la percibe como sinónimo de éxito. "A veces los coches se detienen y se baja gente a pedirme fotos y que grabe stories de Instagram, pero no me molesta, significa que lo estoy haciendo bien", afirma, pero puntualiza que de vez en cuando debe regresar a la rutina que precedió su estrellato. "Ahora estoy a punto de salir del colegio y con exámenes, en momentos así me pongo en plan de niño normal", afirma el hijo del cantautor Marcos Llunas.
Ese mundo cotidiano incluye pasatiempos como su afición por el fútbol y el boxeo, este último un descubrimiento reciente gracias a un compañero del colegio, y es que entre compromisos artísticos el joven cantante trata de ajustarse lo más posible al calendario escolar. Además, como otros 150 millones de niños alrededor del mundo, se conecta a internet para disfrutar del popular videojuego Fortnite. "No soy un adicto como varios de mis amigos, pero sí me gusta echarme una partida de vez en cuando, cuando estoy solo en mi casa", señala.
Su apretada agenda abre la interrogante sobre su participación en el anticipado segundo ciclo de la serie de Netflix. "Aún no sé si voy a estar, lo que sí sé es que la segunda temporada se va a hacer y por eso haría lo que sea para poder ser parte de ella", dice. A la espera de la confirmación, y a días de comenzar las grabaciones de su álbum, Izan se toma su creciente celebridad con calma. "Siempre voy a tener los pies en la tierra; solo soy un niño que ha tenido buena suerte y que hace lo que pueda para sacar su carrera adelante", indica.
Muere profesor Osvaldo Silva Galdames
R. de la Sotta Donoso
Cultura
El Mercurio
Su "Prehistoria de América" es un manual de referencia.
Ayer falleció Osvaldo Silva Galdames, historiador que ejerció la docencia desde 1963 en el Departamento de Ciencias Históricas de la Universidad de Chile, el cual dirigió en dos períodos, en los años 80 y 90.
"Él dejó una impronta fuerte en esta organización", dice Mario Matus, director actual del departamento. "De todo su legado, creo que lo más importante es que él fue uno de los académicos que instalaron la disciplina de la etnohistoria en Chile", aclara, y destaca la abundante obra que dejó sobre la Prehistoria de nuestro país y continente: "Su 'Prehistoria de América' sigue siendo hoy día un manual de referencia para los estudiantes en Chile y el extranjero, y ha sido editado muchas veces".
También publicó "Breve Historia Contemporánea de Chile" (Fondo de Cultura Económica) y "Atlas de Historia de Chile" (Editorial Universitaria), y fue coautor con Sergio Villalobos, Patricio Estellé y Fernando Silva del Tomo I de "Historia de Chile" (Editorial Universitaria).
Su funeral será a las 14:45 de hoy en el Parque del Recuerdo.
Cultura
El Mercurio
Su "Prehistoria de América" es un manual de referencia.
Ayer falleció Osvaldo Silva Galdames, historiador que ejerció la docencia desde 1963 en el Departamento de Ciencias Históricas de la Universidad de Chile, el cual dirigió en dos períodos, en los años 80 y 90.
"Él dejó una impronta fuerte en esta organización", dice Mario Matus, director actual del departamento. "De todo su legado, creo que lo más importante es que él fue uno de los académicos que instalaron la disciplina de la etnohistoria en Chile", aclara, y destaca la abundante obra que dejó sobre la Prehistoria de nuestro país y continente: "Su 'Prehistoria de América' sigue siendo hoy día un manual de referencia para los estudiantes en Chile y el extranjero, y ha sido editado muchas veces".
También publicó "Breve Historia Contemporánea de Chile" (Fondo de Cultura Económica) y "Atlas de Historia de Chile" (Editorial Universitaria), y fue coautor con Sergio Villalobos, Patricio Estellé y Fernando Silva del Tomo I de "Historia de Chile" (Editorial Universitaria).
Su funeral será a las 14:45 de hoy en el Parque del Recuerdo.
domingo, marzo 03, 2019
Jerry Lee Lewis se recupera de un derrame cerebral
El Mercurio
El músico sufrió un derrame cerebral menor. Los médicos esperan su recuperación completa. Además, se anunció que el artista quiere volver a los estudios musicales.
El músico sufrió un derrame cerebral menor. Los médicos esperan su recuperación completa. Además, se anunció que el artista quiere volver a los estudios musicales.
A 30 años del debut de Rod Stewart: El show que inauguró los megaeventos
Raimundo Flores S.
Espectáculos
El Mercurio
El 7 de marzo de 1989, el escocés trajo al Estadio Nacional el concierto más espectacular que se hubiese visto hasta la fecha en el país y que abrió las puertas a la industria de los recitales masivos.
Hace 30 años, el concierto que dio el cantante británico Rod Stewart en el Estadio Nacional se convirtió en una especie de piedra fundacional de los eventos masivos en Chile, una industria acostumbrada hoy a tener en cartelera a grandes estrellas mundiales, pero que hace tres décadas causó conmoción con su llegada al país.
La expectación por el recital que Stewart programó para el 7 de marzo de 1989 se hizo notar con semanas de anticipación y se acrecentó con el aterrizaje del autor de "Da Ya Think I'm Sexy?". Más de 200 periodistas pidieron acreditarse y varios buses con fanáticos llegaron a esperarlo al aeropuerto.
La prensa estuvo atenta a cada movimiento del artista, detallando lo que comía o quién lo acompañaba a la piscina en sus horas de descanso. Un interés total que se vio reflejado en la conferencia que realizó antes del show y en la que fue interrogado acerca de temas como el heavy metal , acusaciones de plagio, el racismo, el consumo de drogas y, por supuesto, el contexto político del país. Ante esto último, respondió: "He venido acá a hacer música, no quiero hablar de política".
Aunque Stewart quisiera rehuir del tema, era inevitable no asociar el concierto al momento político que se vivía en el país, a meses del plebiscito que le dio el triunfo al No. "El concierto descubrió que el Estadio Nacional, que durante el período de la dictadura fue un lugar bien especial de sufrimiento, podía un poco limpiarse de esa imagen y servir de base para que vinieran otros artistas", dice el locutor de Radio Pudahuel, Pablo Aguilera.
Sergio "Pirincho" Cárcamo, lo complementa: "Era un grito de libertad por desahogo y el otro era el disfrute de poder tener por fin un evento con un rockero de verdad, sin desmerecer la calidad musical de Raphael, Camilo Sesto o Roberto Carlos, que eran quienes habitualmente venían al Festival de Viña, que eran grandes artistas, pero nada que ver con lo que a otro sector grande nos gustaba", señala.
Ernesto Clavería, cabeza de Prodin, la productora detrás del concierto, discrepa: "No lo veo así. Nosotros no nos metíamos en el contexto político. Para mí no tenía ninguna connotación política, tenía una connotación exclusivamente artística", plantea el empresario.
"Una noche maravillosa"
Toda la expectación llegó a su final ese martes 7 de marzo, a las 21:36 horas, cuando Stewart saltó al escenario del Estadio Nacional vestido con chaqueta blanca, corbata verde y pantalones y zapatos negros. Ante más de 65 mil personas, interpretó 20 canciones en poco más de dos horas, durante las cuales tuvo al público totalmente entregado ante la espectacularidad inédita en el país de un concierto así.
Aunque no todo en la producción del evento fue igual de espectacular que el resultado final. La infraestructura que venía desde Argentina tuvo problemas para llegar, debido a un cierre en el Paso Los Libertadores, y hubo que improvisar soluciones para problemas logísticos, como la seguridad en el estadio o el transporte del dinero recolectado por entradas. "Había que inventar muchas cosas e inventarlas bien", señala Clavería.
Con todos los contratiempos superados, el concierto se realizó con éxito y no solo dejó conforme al público, sino que también al mismo Stewart, que en diciembre de 2017 declaró a "El Mercurio": "La verdad es que quedé impresionado después de ese concierto. Todos sabían la mayoría de las letras y cantaban las canciones. Definitivamente, fue una noche maravillosa".
"Fue la fundación de la industria de megaeventos, la partida de los grandes conciertos en Chile. Al final, el balance fue positivo para todos: para los medios, para los artistas, para otras productoras y, sobre todo, para el público", sintetiza Clavería.
Espectáculos
El Mercurio
El 7 de marzo de 1989, el escocés trajo al Estadio Nacional el concierto más espectacular que se hubiese visto hasta la fecha en el país y que abrió las puertas a la industria de los recitales masivos.
Hace 30 años, el concierto que dio el cantante británico Rod Stewart en el Estadio Nacional se convirtió en una especie de piedra fundacional de los eventos masivos en Chile, una industria acostumbrada hoy a tener en cartelera a grandes estrellas mundiales, pero que hace tres décadas causó conmoción con su llegada al país.
La expectación por el recital que Stewart programó para el 7 de marzo de 1989 se hizo notar con semanas de anticipación y se acrecentó con el aterrizaje del autor de "Da Ya Think I'm Sexy?". Más de 200 periodistas pidieron acreditarse y varios buses con fanáticos llegaron a esperarlo al aeropuerto.
La prensa estuvo atenta a cada movimiento del artista, detallando lo que comía o quién lo acompañaba a la piscina en sus horas de descanso. Un interés total que se vio reflejado en la conferencia que realizó antes del show y en la que fue interrogado acerca de temas como el heavy metal , acusaciones de plagio, el racismo, el consumo de drogas y, por supuesto, el contexto político del país. Ante esto último, respondió: "He venido acá a hacer música, no quiero hablar de política".
Aunque Stewart quisiera rehuir del tema, era inevitable no asociar el concierto al momento político que se vivía en el país, a meses del plebiscito que le dio el triunfo al No. "El concierto descubrió que el Estadio Nacional, que durante el período de la dictadura fue un lugar bien especial de sufrimiento, podía un poco limpiarse de esa imagen y servir de base para que vinieran otros artistas", dice el locutor de Radio Pudahuel, Pablo Aguilera.
Sergio "Pirincho" Cárcamo, lo complementa: "Era un grito de libertad por desahogo y el otro era el disfrute de poder tener por fin un evento con un rockero de verdad, sin desmerecer la calidad musical de Raphael, Camilo Sesto o Roberto Carlos, que eran quienes habitualmente venían al Festival de Viña, que eran grandes artistas, pero nada que ver con lo que a otro sector grande nos gustaba", señala.
Ernesto Clavería, cabeza de Prodin, la productora detrás del concierto, discrepa: "No lo veo así. Nosotros no nos metíamos en el contexto político. Para mí no tenía ninguna connotación política, tenía una connotación exclusivamente artística", plantea el empresario.
"Una noche maravillosa"
Toda la expectación llegó a su final ese martes 7 de marzo, a las 21:36 horas, cuando Stewart saltó al escenario del Estadio Nacional vestido con chaqueta blanca, corbata verde y pantalones y zapatos negros. Ante más de 65 mil personas, interpretó 20 canciones en poco más de dos horas, durante las cuales tuvo al público totalmente entregado ante la espectacularidad inédita en el país de un concierto así.
Aunque no todo en la producción del evento fue igual de espectacular que el resultado final. La infraestructura que venía desde Argentina tuvo problemas para llegar, debido a un cierre en el Paso Los Libertadores, y hubo que improvisar soluciones para problemas logísticos, como la seguridad en el estadio o el transporte del dinero recolectado por entradas. "Había que inventar muchas cosas e inventarlas bien", señala Clavería.
Con todos los contratiempos superados, el concierto se realizó con éxito y no solo dejó conforme al público, sino que también al mismo Stewart, que en diciembre de 2017 declaró a "El Mercurio": "La verdad es que quedé impresionado después de ese concierto. Todos sabían la mayoría de las letras y cantaban las canciones. Definitivamente, fue una noche maravillosa".
"Fue la fundación de la industria de megaeventos, la partida de los grandes conciertos en Chile. Al final, el balance fue positivo para todos: para los medios, para los artistas, para otras productoras y, sobre todo, para el público", sintetiza Clavería.
Filarmónica de Santiago da inicio a su temporada más desafiante
Maureen Lennon Zaninovic
Cultura
El Mercurio
Dirigida por su titular Konstantin Chudovsky , el 7 y 8 de marzo abordará a Tchaikovsky, Prokofiev y Schnittke. Otros hitos serán la Séptima de Mahler y el "Mandarín maravilloso", de Bartók.
Un repertorio diverso, desafiante en cuanto a las piezas programadas y con una apuesta por la música e intérpretes nacionales. Así se podría definir la temporada 2019 de la Orquesta Filarmónica de Santiago.
"Para mí es un ciclo de conciertos golosos, singular y con una presencia inédita de solistas -tanto nacionales como internacionales-, como Roberto Díaz (viola)", señaló hace unas semanas a este diario Frédéric Chambert, director del Municipal. Enumeró también algunos hitos que marcarán la programación de este histórico escenario; entre otros, el regreso de Juan Pablo Izquierdo, quien dirigirá -el 13 y 14 de marzo- un homenaje a Béla Bartók, y dentro de este ciclo conducirá "Elegía", de Cirilo Vila. Miguel Farías, el aclamado compositor de "El Cristo del Elqui", regresará con una creación propia: "Nocturno", pieza que abrirá un concierto liderado por Paolo Bortolameolli, y cuyo plato fuerte será la Séptima Sinfonía de Mahler (8 y 9 de mayo); mientras que Konstantin Chudovsky, director titular de la Filarmónica de Santiago, abordará el 16 y 17 de octubre "Tres aires chilenos", de Enrique Soro.
Justamente, el director titular de este conjunto dará inicio al año musical este 7 y 8 de marzo, a las 19:00 horas, conduciendo obras de Tchaikovsky, Sergei Prokofiev y Alfred Schnittke. Germán Reyes Busch, destacado melómano chileno y colaborador-editor del Foro Mahler en español, comenta que la Filarmónica de Santiago abrirá los fuegos musicales con un interesante programa que podría resumir el tenor de toda la temporada 2019. "Se trata de un programa ruso que reúne tres épocas: los modos más cercanos al nacionalismo musical de Tchaikovsky en su 'Marcha eslava', la respetuosa modernidad de Prokofiev de 'Romeo y Julieta' y los modos más contemporáneos y crispados de Schnittke en 'Almas muertas'. Chudovsky es un director que ya ha mostrado sobrada afinidad con el repertorio, así que se espera un gran concierto".
Bortolameolli, a la altura
El experto también resalta que después de más de tres décadas, la Filarmónica volverá a enfrentarse a la Séptima de Mahler (el 7 de mayo, esta obra protagonizará la gala "El Mercurio"). "En 1988, fue Roberto Abbado y 104 filarmónicos quienes marcaron uno de los hitos de la historia sinfónica del país al estrenar la obra de un modo espectacular. Bortolameolli ya ha dado muestras de estar a la altura de estas circunstancias", dice.
También enumera otros imprescindibles del 2019, como la sinfonía "Alpina", de Richard Strauss (22 y 23 de octubre), bajo la conducción de Pedro-Pablo Prudencio, director residente de la Orquesta Filarmónica de Santiago, y el emérito Juan Pablo Izquierdo -"quien deberá imprimirle toda su analítica visceralidad al deslumbrante y sórdido 'Mandarín maravilloso', de Bartók"-. Suma a Attilio Cremonesi (2 y 3 de julio), con la Cuarta Sinfonía de Ralph Vaughan Williams; Messiaen, bajo la batuta de Maximiano Valdés (25 y 26 de junio) y "el espectacular programa bajo la conducción de Rodolfo Fischer (5 y 6 de diciembre)".
El colaborador-editor del Foro Mahler en español también valora la presencia de figuras de gran nivel; entre ellos, Filippo Gamba y Olli Mustonen; pero advierte que es una "pena que se haya bajado de la temporada el estreno de los 'Gurrelieder', de Schoenberg. Si eso no hubiese ocurrido, sin duda, 2019 habría sido una de las mejores temporadas de los últimos años".
Más información de valores de las entradas y programas en Municipal.cl
Cultura
El Mercurio
Dirigida por su titular Konstantin Chudovsky , el 7 y 8 de marzo abordará a Tchaikovsky, Prokofiev y Schnittke. Otros hitos serán la Séptima de Mahler y el "Mandarín maravilloso", de Bartók.
Un repertorio diverso, desafiante en cuanto a las piezas programadas y con una apuesta por la música e intérpretes nacionales. Así se podría definir la temporada 2019 de la Orquesta Filarmónica de Santiago.
"Para mí es un ciclo de conciertos golosos, singular y con una presencia inédita de solistas -tanto nacionales como internacionales-, como Roberto Díaz (viola)", señaló hace unas semanas a este diario Frédéric Chambert, director del Municipal. Enumeró también algunos hitos que marcarán la programación de este histórico escenario; entre otros, el regreso de Juan Pablo Izquierdo, quien dirigirá -el 13 y 14 de marzo- un homenaje a Béla Bartók, y dentro de este ciclo conducirá "Elegía", de Cirilo Vila. Miguel Farías, el aclamado compositor de "El Cristo del Elqui", regresará con una creación propia: "Nocturno", pieza que abrirá un concierto liderado por Paolo Bortolameolli, y cuyo plato fuerte será la Séptima Sinfonía de Mahler (8 y 9 de mayo); mientras que Konstantin Chudovsky, director titular de la Filarmónica de Santiago, abordará el 16 y 17 de octubre "Tres aires chilenos", de Enrique Soro.
Justamente, el director titular de este conjunto dará inicio al año musical este 7 y 8 de marzo, a las 19:00 horas, conduciendo obras de Tchaikovsky, Sergei Prokofiev y Alfred Schnittke. Germán Reyes Busch, destacado melómano chileno y colaborador-editor del Foro Mahler en español, comenta que la Filarmónica de Santiago abrirá los fuegos musicales con un interesante programa que podría resumir el tenor de toda la temporada 2019. "Se trata de un programa ruso que reúne tres épocas: los modos más cercanos al nacionalismo musical de Tchaikovsky en su 'Marcha eslava', la respetuosa modernidad de Prokofiev de 'Romeo y Julieta' y los modos más contemporáneos y crispados de Schnittke en 'Almas muertas'. Chudovsky es un director que ya ha mostrado sobrada afinidad con el repertorio, así que se espera un gran concierto".
Bortolameolli, a la altura
El experto también resalta que después de más de tres décadas, la Filarmónica volverá a enfrentarse a la Séptima de Mahler (el 7 de mayo, esta obra protagonizará la gala "El Mercurio"). "En 1988, fue Roberto Abbado y 104 filarmónicos quienes marcaron uno de los hitos de la historia sinfónica del país al estrenar la obra de un modo espectacular. Bortolameolli ya ha dado muestras de estar a la altura de estas circunstancias", dice.
También enumera otros imprescindibles del 2019, como la sinfonía "Alpina", de Richard Strauss (22 y 23 de octubre), bajo la conducción de Pedro-Pablo Prudencio, director residente de la Orquesta Filarmónica de Santiago, y el emérito Juan Pablo Izquierdo -"quien deberá imprimirle toda su analítica visceralidad al deslumbrante y sórdido 'Mandarín maravilloso', de Bartók"-. Suma a Attilio Cremonesi (2 y 3 de julio), con la Cuarta Sinfonía de Ralph Vaughan Williams; Messiaen, bajo la batuta de Maximiano Valdés (25 y 26 de junio) y "el espectacular programa bajo la conducción de Rodolfo Fischer (5 y 6 de diciembre)".
El colaborador-editor del Foro Mahler en español también valora la presencia de figuras de gran nivel; entre ellos, Filippo Gamba y Olli Mustonen; pero advierte que es una "pena que se haya bajado de la temporada el estreno de los 'Gurrelieder', de Schoenberg. Si eso no hubiese ocurrido, sin duda, 2019 habría sido una de las mejores temporadas de los últimos años".
Más información de valores de las entradas y programas en Municipal.cl
Morir de amor, despacio y en silencio
Cuentan Que
El Mercurio
Seguramente, Miguel Bosé se siente un poco padrino, aval de Michelle Bachelet. Y al ver la manera en que ella ha actuado en la crisis de Venezuela, no lo puede creer.
Con la paz de las montañas, te amaré. Con locura y equilibrio, te amaré. Arriesgando en lo prohibido, te amaré. En lo falso y en lo cierto. Con el corazón abierto. Por ser algo no perfecto, te amaré.
Eso le cantó Miguel Bosé a Michelle Bachelet en el cierre de su campaña presidencial de 2006; en vivo y en directo, ante todo Chile y el mundo, en un gigantesco escenario en la Alameda, tomando su mano y mirándola directo en sus ojitos que se le achinan al reír y al pensar.
Pero eso no fue todo. Mientras a millones de mujeres las carcomía la envidia, Miguel Bosé le dejó caer otros versos fulminantes a Bachelet:
Por ponerte algún ejemplo te diré, que aunque tengas manos frías, te amaré; con tu mala ortografía, y tu no saber perder; con defectos y manías, te amaré.
Miguel Bosé conocía bien a Michelle Bachelet. Se habían visto muchas veces antes y se verían muchas veces después. Los dos compartían una misma mirada de la realidad: estaban parados en la misma vereda de la historia.
El año 2008, por ejemplo, Miguel Bosé pasó a ver a Bachelet a La Moneda, aprovechando un concierto que vino a dar a Chile. Poco después viajó a Cuba para, junto a Silvio Rodríguez y otros artistas de la línea, ofrecer el recital "Paz sin Fronteras" en la mismísima plaza de la Revolución de La Habana.
Y si Miguel Bosé le terminó cantando a Michelle "te amaré, te amaré, hasta el último momento", ¿por qué ahora, cuando ese momento final aún no llega, le grita ante todo el mundo, en el concierto de la semana pasada, en la frontera con Venezuela, que mueva sus nalgas para que utilice su autoridad de comisionada de la ONU para ir a constatar las violaciones a los DD.HH. del régimen de Nicolás Maduro? Y eso no es todo. Con rabia concluyó ante una audiencia de millones de personas que si Bachelet no lo hacía, para esto no servía y que mejor... "¡fuera!".
Mi teoría es que los misterios que comienzan con música se resuelven con música. Entonces me fui a mirar el disco donde aparece la canción "Te amaré" y me encontré con que fue la producción que lanzó a la fama a Miguel Bosé y que abría los fuegos con la canción "Morir de amor". Hice doble clic sobre ella, para ver la letra, y qué creen... Bueno, no encontré tan clara la razón del vuelco de Bosé respecto de Bachelet, pero sí vi algunas rimas que me dejaron pensando.
"¿Qué es morir de amor? Morir de amor por dentro", se preguntaba el artista en su primer hit . Y se respondía de inmediato: "Es quedarme sin tu luz, es perderte en un momento".
Les soy sincero, yo creo que sé lo que le pasa a Bosé. Como todo gran astro, ve las cosas desde el encandilamiento que le produce su propio ser luminoso. Seguramente piensa que él tiene bastante responsabilidad en que Bachelet se convirtiera en un enorme fenómeno político. Se siente un poco su padrino, su aval. Y al ver la manera en que ella ha actuado en la crisis de Venezuela, no lo puede creer: se siente decepcionado y algo culpable al constar que Bachelet ni siquiera toma en cuenta los mensajes que él le ha mandado en privado y en público para que haga algo. Y entonces siente que ella le ha roto el corazón y, en un acto de despecho, la gritonea bien gritoneada en público...
Para así no tener que "morir de amor, despacio y en silencio".
El Mercurio
Seguramente, Miguel Bosé se siente un poco padrino, aval de Michelle Bachelet. Y al ver la manera en que ella ha actuado en la crisis de Venezuela, no lo puede creer.
Con la paz de las montañas, te amaré. Con locura y equilibrio, te amaré. Arriesgando en lo prohibido, te amaré. En lo falso y en lo cierto. Con el corazón abierto. Por ser algo no perfecto, te amaré.
Eso le cantó Miguel Bosé a Michelle Bachelet en el cierre de su campaña presidencial de 2006; en vivo y en directo, ante todo Chile y el mundo, en un gigantesco escenario en la Alameda, tomando su mano y mirándola directo en sus ojitos que se le achinan al reír y al pensar.
Pero eso no fue todo. Mientras a millones de mujeres las carcomía la envidia, Miguel Bosé le dejó caer otros versos fulminantes a Bachelet:
Por ponerte algún ejemplo te diré, que aunque tengas manos frías, te amaré; con tu mala ortografía, y tu no saber perder; con defectos y manías, te amaré.
Miguel Bosé conocía bien a Michelle Bachelet. Se habían visto muchas veces antes y se verían muchas veces después. Los dos compartían una misma mirada de la realidad: estaban parados en la misma vereda de la historia.
El año 2008, por ejemplo, Miguel Bosé pasó a ver a Bachelet a La Moneda, aprovechando un concierto que vino a dar a Chile. Poco después viajó a Cuba para, junto a Silvio Rodríguez y otros artistas de la línea, ofrecer el recital "Paz sin Fronteras" en la mismísima plaza de la Revolución de La Habana.
Y si Miguel Bosé le terminó cantando a Michelle "te amaré, te amaré, hasta el último momento", ¿por qué ahora, cuando ese momento final aún no llega, le grita ante todo el mundo, en el concierto de la semana pasada, en la frontera con Venezuela, que mueva sus nalgas para que utilice su autoridad de comisionada de la ONU para ir a constatar las violaciones a los DD.HH. del régimen de Nicolás Maduro? Y eso no es todo. Con rabia concluyó ante una audiencia de millones de personas que si Bachelet no lo hacía, para esto no servía y que mejor... "¡fuera!".
Mi teoría es que los misterios que comienzan con música se resuelven con música. Entonces me fui a mirar el disco donde aparece la canción "Te amaré" y me encontré con que fue la producción que lanzó a la fama a Miguel Bosé y que abría los fuegos con la canción "Morir de amor". Hice doble clic sobre ella, para ver la letra, y qué creen... Bueno, no encontré tan clara la razón del vuelco de Bosé respecto de Bachelet, pero sí vi algunas rimas que me dejaron pensando.
"¿Qué es morir de amor? Morir de amor por dentro", se preguntaba el artista en su primer hit . Y se respondía de inmediato: "Es quedarme sin tu luz, es perderte en un momento".
Les soy sincero, yo creo que sé lo que le pasa a Bosé. Como todo gran astro, ve las cosas desde el encandilamiento que le produce su propio ser luminoso. Seguramente piensa que él tiene bastante responsabilidad en que Bachelet se convirtiera en un enorme fenómeno político. Se siente un poco su padrino, su aval. Y al ver la manera en que ella ha actuado en la crisis de Venezuela, no lo puede creer: se siente decepcionado y algo culpable al constar que Bachelet ni siquiera toma en cuenta los mensajes que él le ha mandado en privado y en público para que haga algo. Y entonces siente que ella le ha roto el corazón y, en un acto de despecho, la gritonea bien gritoneada en público...
Para así no tener que "morir de amor, despacio y en silencio".
sábado, marzo 02, 2019
Humberto Gatica es reconocido con el Premio Ítalo Passalacqua
La Tercera
El productor chileno fue galardonado por la prensa mientras se desarrollaba la jornada final del Festival de Viña del Mar.
Durante la sexta y última noche del Festival de Viña del Mar 2019, los medios confirieron el Premio Ítalo Passalacqua a Humberto Gatica.
El sobrino de Lucho Gatica, “El Rey del bolero”, estuvo a cargo de la escenografía y musicalización del evento musical internacional. En la ocasión, agradeció el galardón y destacó el trabajo arduo: “Es un honor este premio que se me han otorgado. Ha sido una semana extremadamente larga, de poco dormir, de mucho trabajo”.
Además, Gatica hizo un llamado a apoyar a los artistas locales: “Denle todo el apoyo al talento chileno. Y lo más importante, que ustedes les ayuden a ellos a ser reconocidos acá en Chile, y no tengan que salir a otros países a ser reconocidos primero”.
El productor chileno fue galardonado por la prensa mientras se desarrollaba la jornada final del Festival de Viña del Mar.
Durante la sexta y última noche del Festival de Viña del Mar 2019, los medios confirieron el Premio Ítalo Passalacqua a Humberto Gatica.
El sobrino de Lucho Gatica, “El Rey del bolero”, estuvo a cargo de la escenografía y musicalización del evento musical internacional. En la ocasión, agradeció el galardón y destacó el trabajo arduo: “Es un honor este premio que se me han otorgado. Ha sido una semana extremadamente larga, de poco dormir, de mucho trabajo”.
Además, Gatica hizo un llamado a apoyar a los artistas locales: “Denle todo el apoyo al talento chileno. Y lo más importante, que ustedes les ayuden a ellos a ser reconocidos acá en Chile, y no tengan que salir a otros países a ser reconocidos primero”.
Ganadores de Perú y Argentina celebran sus dos gavio tas
Raimundo Flores S.
Espectáculos
El Mercurio
Los triunfadores en ambas categorías obtuvieron, además, el reconocimiento a Mejor Intérprete. Los chilenos Benjamín Walker y Neven Ilic, quedaron segundo en la competencia folclórica y tercero en la internacional, respectivamente.
Tanto la competencia folclórica como la internacional en la presente edición del Festival de Viña contaron con una particularidad. Los ganadores en ambas recibieron además la gaviota que premia al Mejor Intérprete, galardón que llegó de forma previa a la distinción principal y que, de cierta manera, ratificó los méritos de las dos canciones triunfadoras.
En la competencia folclórica, los ganadores fueron los argentinos Destino San Javier, con su canción "Justo ahora", que obtuvo un promedio final de 6,6. "Va a haber un antes y un después en nuestra carrera luego de conseguir estas dos gaviotas. La primera la recibimos con felicidad, pero la segunda no la esperábamos para nada", señala Bruno Ragone, integrante del grupo.
"Esto es como que me dijeran que Maradona volvió al fútbol, parece una mentira", lo complementa su hermano Paolo.
El grupo, que lo completa su primo Franco Favini, surgió luego de la muerte del padre de este último, quien integraba el Trío San Javier junto al padre de Ragone. "Nos dejaron un legado de canciones increíbles. Hace tres años y medio decidimos agarrar esas canciones y hacerlas propias, quisimos reversionarlas y que no quedaran en el olvido", explica Paolo Ragone.
A pesar de la alegría por el primer lugar, el grupo también esboza una crítica al sistema que se implementó este año, que permitió al público a calificar las canciones desde una aplicación. "Me parece muy bien que la gente participe. Tal vez lo único que tengo como objeción es el hecho de que, a veces, en vez de votar por la canción, votan por los países y otras, en contra de algunos", señala Favini.
El grupo ya está pensando en regresar a Chile apoyados por el impulso de esta victoria y esperan poder realizar una gira por el país durante este año.
Canción con mensaje
En el caso de la competencia internacional, la ganadora fue Susan Ochoa, la representante de Perú, quien interpretó "Ya no más", que logró un 6,8 de promedio. "Estoy realmente emocionada, mi corazón estalló de alegría, no lo podía creer. Creo que para los sueños que uno tiene no hay barreras. Gracias al público, un artista nace y se mantiene, así que yo estoy para ellos", sostiene Ochoa.
Su victoria tuvo un especial significado, ya que el tema habla sobre la violencia de género. "Es una canción con un mensaje para todos. Tiene un mensaje real, algo del día a día. Tú prendes un televisor y vas a escuchar un femicidio. Ya estamos cansados de ver tanta injusticia, tanta agresión y creo que la canción llegó al corazón de la gente", señala la intérprete.
A diferencia de los integrantes de Destino San Javier, Ochoa valoró la participación del público, aunque en un principio pensaba que la votación popular sería una desventaja. "Tenía miedo, porque mis compañeras tenían millones de seguidores y yo solo 30 mil, y no sabía cómo hacerlo", confiesa riendo.
Resultado de los chilenos
A pesar de que ambas canciones chilenas clasificaron para las finales de sus respectivas competencias, este año no hubo gaviotas para los participantes nacionales. En la competencia internacional, Neven Ilic y su "Por algo fue" quedaron en tercer lugar, detrás de Ecuador y Perú. "Mi balance es muy positivo. Aprendí mucho y crecí mucho. Sentí que conecté con el público y que hice que la gente vibrara conmigo," sostiene Ilic.
Benjamín Walker, quien quedó segundo en la competencia folclórica, comenta que la experiencia vivida en Viña fue hermosa.
"Creo que todo se resume con lo que pasó anoche. Nos quedamos en el bar del hotel hasta las 8:30 de la mañana con todos los músicos de todas las categorías, cada uno con sus instrumentos, bailando y celebrando, sin la carga de estar en el marco de una competencia", destaca el cantautor.
Espectáculos
El Mercurio
Los triunfadores en ambas categorías obtuvieron, además, el reconocimiento a Mejor Intérprete. Los chilenos Benjamín Walker y Neven Ilic, quedaron segundo en la competencia folclórica y tercero en la internacional, respectivamente.
Tanto la competencia folclórica como la internacional en la presente edición del Festival de Viña contaron con una particularidad. Los ganadores en ambas recibieron además la gaviota que premia al Mejor Intérprete, galardón que llegó de forma previa a la distinción principal y que, de cierta manera, ratificó los méritos de las dos canciones triunfadoras.
En la competencia folclórica, los ganadores fueron los argentinos Destino San Javier, con su canción "Justo ahora", que obtuvo un promedio final de 6,6. "Va a haber un antes y un después en nuestra carrera luego de conseguir estas dos gaviotas. La primera la recibimos con felicidad, pero la segunda no la esperábamos para nada", señala Bruno Ragone, integrante del grupo.
"Esto es como que me dijeran que Maradona volvió al fútbol, parece una mentira", lo complementa su hermano Paolo.
El grupo, que lo completa su primo Franco Favini, surgió luego de la muerte del padre de este último, quien integraba el Trío San Javier junto al padre de Ragone. "Nos dejaron un legado de canciones increíbles. Hace tres años y medio decidimos agarrar esas canciones y hacerlas propias, quisimos reversionarlas y que no quedaran en el olvido", explica Paolo Ragone.
A pesar de la alegría por el primer lugar, el grupo también esboza una crítica al sistema que se implementó este año, que permitió al público a calificar las canciones desde una aplicación. "Me parece muy bien que la gente participe. Tal vez lo único que tengo como objeción es el hecho de que, a veces, en vez de votar por la canción, votan por los países y otras, en contra de algunos", señala Favini.
El grupo ya está pensando en regresar a Chile apoyados por el impulso de esta victoria y esperan poder realizar una gira por el país durante este año.
Canción con mensaje
En el caso de la competencia internacional, la ganadora fue Susan Ochoa, la representante de Perú, quien interpretó "Ya no más", que logró un 6,8 de promedio. "Estoy realmente emocionada, mi corazón estalló de alegría, no lo podía creer. Creo que para los sueños que uno tiene no hay barreras. Gracias al público, un artista nace y se mantiene, así que yo estoy para ellos", sostiene Ochoa.
Su victoria tuvo un especial significado, ya que el tema habla sobre la violencia de género. "Es una canción con un mensaje para todos. Tiene un mensaje real, algo del día a día. Tú prendes un televisor y vas a escuchar un femicidio. Ya estamos cansados de ver tanta injusticia, tanta agresión y creo que la canción llegó al corazón de la gente", señala la intérprete.
A diferencia de los integrantes de Destino San Javier, Ochoa valoró la participación del público, aunque en un principio pensaba que la votación popular sería una desventaja. "Tenía miedo, porque mis compañeras tenían millones de seguidores y yo solo 30 mil, y no sabía cómo hacerlo", confiesa riendo.
Resultado de los chilenos
A pesar de que ambas canciones chilenas clasificaron para las finales de sus respectivas competencias, este año no hubo gaviotas para los participantes nacionales. En la competencia internacional, Neven Ilic y su "Por algo fue" quedaron en tercer lugar, detrás de Ecuador y Perú. "Mi balance es muy positivo. Aprendí mucho y crecí mucho. Sentí que conecté con el público y que hice que la gente vibrara conmigo," sostiene Ilic.
Benjamín Walker, quien quedó segundo en la competencia folclórica, comenta que la experiencia vivida en Viña fue hermosa.
"Creo que todo se resume con lo que pasó anoche. Nos quedamos en el bar del hotel hasta las 8:30 de la mañana con todos los músicos de todas las categorías, cada uno con sus instrumentos, bailando y celebrando, sin la carga de estar en el marco de una competencia", destaca el cantautor.
Viña 2019 Canal 13 y TVN logran subir rating y ya buscan artistas para 2020
Patricia Cerda y Martín Cifuentes
Espectáculos
El Mercurio
La organización evalúa que toda la galería sea numerada y quiere realizar contrataciones con más antelación. La 61° versión se hará entre el 23 y 28 de febrero próximo.
La sexagésima versión del Festival de Viña del Mar recién bajó el telón, pero la alianza TVN-Canal 13 ya tira líneas para la versión 2020. Uno de los temas a discutir es qué hacer con la galería de la Quinta Vergara. Este año se tomó la polémica decisión de dividirla con una reja, lo que implicó una diferenciación de precios y airadas protestas del público cada noche. La opción sería que vuelva a ser un solo sector, pero todo con asientos numerados.
Otro punto es buscar cómo evitar el retraso en la definición de la parrilla, como lo que pasó con la contratación de Backstreet Boys, la que fue anunciada solo un mes antes del inicio del evento. Por lo mismo, en reuniones que ha sostenido la comisión organizadora ya se han lanzado los primeros nombres que podrían estar en 2020. Uno de los que ha sonado es Julio Iglesias, quien se presentará en un concierto el próximo 23 de marzo en Movistar Arena y al que acudirán ejecutivos del Festival para ver en terreno la performance del español e iniciar conversaciones con su staff para ver si le interesaría estar presente en el evento, aunque el cantante ha dicho, en más de una ocasión a este diario, que no tiene interés en volver a este escenario.
Más allá de eso, tanto TVN como Canal 13 evalúan bien este primer evento como alianza. José Edwards, productor ejecutivo de la cita en representación del canal público, dice: "Llevamos 30,8 de rating acumulado. Y eso es bastante más de lo que el Festival tenía de sintonía desde 2011. Por lo tanto, estamos muy contentos con lo que hemos conformado como equipo".
En la era en que el certamen fue organizado por CHV su sintonía promedio osciló entre los 23,7 y 28,5 puntos, siendo de 25,1 en 2018.
Los organizadores decidieron adelantar la conferencia de prensa de balance, que usualmente se hacía tras el cierre del evento, para el mediodía de ayer. En la ocasión, se refirieron a los problemas con la galería y el nuevo sector de Tribuna Numerada, lo que incluso tuvo quejas en el Sernac.
Pablo Morales, productor ejecutivo por parte de Canal 13, se hace cargo: "La galería, como la conocemos, es una forma muy, muy antigua de ver este tipo de espectáculos. Cuando uno va al Movistar Arena, todos los eventos están siendo numerados por un tema de tranquilidad y buenos accesos. Es mejor que la gente espere en filas virtuales cómodas, a que esperen en filas reales donde hay calor y todo eso".
Algo que aún deben resolver es si María Luisa Godoy y Martín Cárcamo volverán a animar en la edición 2020. Los productores ejecutivos, junto con la alcaldesa de Viña, Virginia Reginato, se mostraron conformes con el desempeño de la dupla sobre el escenario.
"Es una decisión que vamos a ver en conjunto", dijo Edwards. "Mi percepción es que ellos debieran seguir trabajando juntos". Morales concuerda: "Nos encantaría que siguiera la misma dupla".
Extensión de jornadas
Viña 2019 partió sus transmisiones diarias pasadas las 21:35 horas, lo que determinó que los cierres fueran algo más temprano que en años anteriores, una idea muy discutida en la historia del evento.
Previo al inicio de esta versión, los mismos ejecutivos habían dicho que su intención era que cada jornada no terminara más allá de las 3:15 de la madrugada. Edwards explicó que hay que considerar el agarre comercial que tiene el certamen, que es lo que permite que este pueda realizarse. "Los compromisos comerciales hay que cumplirlos. Hicimos todo para comenzar el Festival lo más temprano posible. Y el primer artista estaba entre las 21:45 y las 22:05, todos los días", añade, mientras que en años anteriores, el primero pisaba el escenario a las 22:25 y el último se presentaba a eso de las 3:30 de la madrugada.
Por ejemplo, Camila Gallardo, quien salió a eso de las 2:14, finalizó su espectáculo a eso de las 3:10 de la madrugada. "Casi ningún artista ha superado los 100 minutos (sobre el escenario). Marco Antonio Solís ha sido el más largo, con un show de 105 minutos de duración, y el resto ha fluctuado entre los 70 y los 90 minutos", resaltó Edwards.
Entre las principales tareas para el futuro, está el traer a los números más importantes de la escena latina. "La idea es seguir en ese ámbito. Traer artistas de primer nivel, que convoquen audiencias masivas, que quieran participar y ojalá poder tener a un artista nacional relevante abriendo una noche del Festival 2020", dijo.
Próximos desafíos
Javier Urrutia y Alicia Zaldívar, directores ejecutivos de Canal 13 y TVN, respectivamente, tienen sus propias miradas de la edición del evento que terminó esta madrugada.
Urrutia enfatiza que se cumplió con los objetivos que se trazaron y que el certamen "está un nivel mucho mejor que los festivales de San Remo y de Acapulco". Menciona que para la escenografía se trajo a un profesional de Europa, que el sonido estuvo a cargo de una empresa animada y que las gráficas eran las mismas que se usaron en el Super Bowl.
Sobre los desafíos que se trazan para 2020 -los socios ganaron la licitación por cuatro años- comenta que tiene dos objetivos fundamentales. "Quisiera cerrar la parrilla de artistas antes. Este año, como ya los equipos de producción están armados, nos permitirá hacerlo y así estructurar mucho mejor cada noche", apunta.
El ejecutivo apoya la idea de tener una galería numerada. "Lo que queremos es modernizar este escenario y que la gente compre su ticket y tenga asegurado su asiento. Queremos terminar con las colas de seis o siete horas que existen ahora".
Alicia Zaldívar plantea que el evento también superó las expectativas como canal. "Hay cosas que mejorar, pero las evaluaremos en su momento. Cada uno de los socios tendrá su aporte que hacer en eso. Creo para ser un primer año, es una muy buena experiencia y pienso que solo nos queda sumar", señala.
Los preparativos para el próximo año ya comenzaron. Ayer por la tarde, la organización publicó en su Instagram las fechas de la edición 2020. El evento musical se realizará entre el domingo 23 y el viernes 28 de febrero, mientras que la gala, que da el puntapié inicial al certamen, tendrá lugar el viernes 21 de febrero.
Espectáculos
El Mercurio
La organización evalúa que toda la galería sea numerada y quiere realizar contrataciones con más antelación. La 61° versión se hará entre el 23 y 28 de febrero próximo.
La sexagésima versión del Festival de Viña del Mar recién bajó el telón, pero la alianza TVN-Canal 13 ya tira líneas para la versión 2020. Uno de los temas a discutir es qué hacer con la galería de la Quinta Vergara. Este año se tomó la polémica decisión de dividirla con una reja, lo que implicó una diferenciación de precios y airadas protestas del público cada noche. La opción sería que vuelva a ser un solo sector, pero todo con asientos numerados.
Otro punto es buscar cómo evitar el retraso en la definición de la parrilla, como lo que pasó con la contratación de Backstreet Boys, la que fue anunciada solo un mes antes del inicio del evento. Por lo mismo, en reuniones que ha sostenido la comisión organizadora ya se han lanzado los primeros nombres que podrían estar en 2020. Uno de los que ha sonado es Julio Iglesias, quien se presentará en un concierto el próximo 23 de marzo en Movistar Arena y al que acudirán ejecutivos del Festival para ver en terreno la performance del español e iniciar conversaciones con su staff para ver si le interesaría estar presente en el evento, aunque el cantante ha dicho, en más de una ocasión a este diario, que no tiene interés en volver a este escenario.
Más allá de eso, tanto TVN como Canal 13 evalúan bien este primer evento como alianza. José Edwards, productor ejecutivo de la cita en representación del canal público, dice: "Llevamos 30,8 de rating acumulado. Y eso es bastante más de lo que el Festival tenía de sintonía desde 2011. Por lo tanto, estamos muy contentos con lo que hemos conformado como equipo".
En la era en que el certamen fue organizado por CHV su sintonía promedio osciló entre los 23,7 y 28,5 puntos, siendo de 25,1 en 2018.
Los organizadores decidieron adelantar la conferencia de prensa de balance, que usualmente se hacía tras el cierre del evento, para el mediodía de ayer. En la ocasión, se refirieron a los problemas con la galería y el nuevo sector de Tribuna Numerada, lo que incluso tuvo quejas en el Sernac.
Pablo Morales, productor ejecutivo por parte de Canal 13, se hace cargo: "La galería, como la conocemos, es una forma muy, muy antigua de ver este tipo de espectáculos. Cuando uno va al Movistar Arena, todos los eventos están siendo numerados por un tema de tranquilidad y buenos accesos. Es mejor que la gente espere en filas virtuales cómodas, a que esperen en filas reales donde hay calor y todo eso".
Algo que aún deben resolver es si María Luisa Godoy y Martín Cárcamo volverán a animar en la edición 2020. Los productores ejecutivos, junto con la alcaldesa de Viña, Virginia Reginato, se mostraron conformes con el desempeño de la dupla sobre el escenario.
"Es una decisión que vamos a ver en conjunto", dijo Edwards. "Mi percepción es que ellos debieran seguir trabajando juntos". Morales concuerda: "Nos encantaría que siguiera la misma dupla".
Extensión de jornadas
Viña 2019 partió sus transmisiones diarias pasadas las 21:35 horas, lo que determinó que los cierres fueran algo más temprano que en años anteriores, una idea muy discutida en la historia del evento.
Previo al inicio de esta versión, los mismos ejecutivos habían dicho que su intención era que cada jornada no terminara más allá de las 3:15 de la madrugada. Edwards explicó que hay que considerar el agarre comercial que tiene el certamen, que es lo que permite que este pueda realizarse. "Los compromisos comerciales hay que cumplirlos. Hicimos todo para comenzar el Festival lo más temprano posible. Y el primer artista estaba entre las 21:45 y las 22:05, todos los días", añade, mientras que en años anteriores, el primero pisaba el escenario a las 22:25 y el último se presentaba a eso de las 3:30 de la madrugada.
Por ejemplo, Camila Gallardo, quien salió a eso de las 2:14, finalizó su espectáculo a eso de las 3:10 de la madrugada. "Casi ningún artista ha superado los 100 minutos (sobre el escenario). Marco Antonio Solís ha sido el más largo, con un show de 105 minutos de duración, y el resto ha fluctuado entre los 70 y los 90 minutos", resaltó Edwards.
Entre las principales tareas para el futuro, está el traer a los números más importantes de la escena latina. "La idea es seguir en ese ámbito. Traer artistas de primer nivel, que convoquen audiencias masivas, que quieran participar y ojalá poder tener a un artista nacional relevante abriendo una noche del Festival 2020", dijo.
Próximos desafíos
Javier Urrutia y Alicia Zaldívar, directores ejecutivos de Canal 13 y TVN, respectivamente, tienen sus propias miradas de la edición del evento que terminó esta madrugada.
Urrutia enfatiza que se cumplió con los objetivos que se trazaron y que el certamen "está un nivel mucho mejor que los festivales de San Remo y de Acapulco". Menciona que para la escenografía se trajo a un profesional de Europa, que el sonido estuvo a cargo de una empresa animada y que las gráficas eran las mismas que se usaron en el Super Bowl.
Sobre los desafíos que se trazan para 2020 -los socios ganaron la licitación por cuatro años- comenta que tiene dos objetivos fundamentales. "Quisiera cerrar la parrilla de artistas antes. Este año, como ya los equipos de producción están armados, nos permitirá hacerlo y así estructurar mucho mejor cada noche", apunta.
El ejecutivo apoya la idea de tener una galería numerada. "Lo que queremos es modernizar este escenario y que la gente compre su ticket y tenga asegurado su asiento. Queremos terminar con las colas de seis o siete horas que existen ahora".
Alicia Zaldívar plantea que el evento también superó las expectativas como canal. "Hay cosas que mejorar, pero las evaluaremos en su momento. Cada uno de los socios tendrá su aporte que hacer en eso. Creo para ser un primer año, es una muy buena experiencia y pienso que solo nos queda sumar", señala.
Los preparativos para el próximo año ya comenzaron. Ayer por la tarde, la organización publicó en su Instagram las fechas de la edición 2020. El evento musical se realizará entre el domingo 23 y el viernes 28 de febrero, mientras que la gala, que da el puntapié inicial al certamen, tendrá lugar el viernes 21 de febrero.
Mi Gaviota
HORACIO SALINAS, Presidente de la SCD y director musical de Inti-Illimani Histórico
Espectáculos
El Mercurio
"Respecto de su aporte a la canción chilena en estos 60 años, creo que ha sido muy poco, por no decir nada. Más que un Festival de la Canción es un gran programa de televisión que potencia todo lo aledaño a la industria musical: farándula, vestuario, rostros ligados al márketing, etcétera. La canción es un pretexto y lo esencial es el 'piscinazo', la rencilla. Es un gran aporte para los artistas que vienen; sus sueldos son inimaginables en otro país. El único recuerdo que tengo es la gran pifia que le regaló ese público a Lucho Gatica, ese producto de este Festival o fuego amigo llamado 'el monstruo'. Modificaría algo que invirtiera la mala educación de este evento, que ha terminado por desdeñar a los músicos chilenos, sometiéndolos a pruebas a veces indignas, y haría algo, finalmente, que pusiera a este certamen genuinamente palpitando con lo interesante que en Chile se produce musicalmente. Yo haría un Festival de la Canción y no un show televisivo con ese nombre".
Espectáculos
El Mercurio
"Respecto de su aporte a la canción chilena en estos 60 años, creo que ha sido muy poco, por no decir nada. Más que un Festival de la Canción es un gran programa de televisión que potencia todo lo aledaño a la industria musical: farándula, vestuario, rostros ligados al márketing, etcétera. La canción es un pretexto y lo esencial es el 'piscinazo', la rencilla. Es un gran aporte para los artistas que vienen; sus sueldos son inimaginables en otro país. El único recuerdo que tengo es la gran pifia que le regaló ese público a Lucho Gatica, ese producto de este Festival o fuego amigo llamado 'el monstruo'. Modificaría algo que invirtiera la mala educación de este evento, que ha terminado por desdeñar a los músicos chilenos, sometiéndolos a pruebas a veces indignas, y haría algo, finalmente, que pusiera a este certamen genuinamente palpitando con lo interesante que en Chile se produce musicalmente. Yo haría un Festival de la Canción y no un show televisivo con ese nombre".
El Festival de Viña se despidió convertido en una gran fiesta urbana
Equipo de Espectáculos
Espectáculos
El Mercurio
Anoche la Quinta Vergara se copó de un joven público ansioso de trap , que llegó a ver al artista del momento en el género: Bad Bunny. El cierre iba a estar a cargo de su colega Becky G y en el humor, Boncó Quiñongo debutó en ese escenario haciendo chistes sobre su color de piel y la situación en su país.
La última noche del Festival se encadenó urbana. El cierre de la fiesta viñamarina se ancló al ritmo de moda y logró tener en su escenario a uno de los nombres más requeridos en este estilo: Bad Bunny, quien llegó para iniciar la clausura de un evento que en su jornada final encontró también su guion más simétrico con Becky G como la encargada de despedir la función hasta el próximo año.
El puertorriqueño de 24 años entró al escenario a las 22.22 horas luciendo un buzo de color rosado y lentes oscuros. Inició su presentación con su exitoso tema "Estamos bien", que fue coreado por gran parte de los asistentes. Siempre muy serio, también mencionó al menor Renato Barrera, conocido en las redes sociales como "Chimuelo", y hasta se sacó una selfie con los animadores sobre el escenario.
Aunque las cuatro primeras canciones que interpretó son parte de su álbum debut, "X 100PRE", que fue estrenado hace dos meses y desde entonces está en el número uno del Billboard latino, la corta vida de ese trabajo no impidió que el público -muchos de ellos con orejas de conejo en la cabeza- cantara animadamente. Un poco antes de que cumpliera una hora sobre el escenario, y luego de interpretar "I like it" -la canción que lo tuvo nominado a un Grammy en la categoría Grabación del Año- le entregaron la Gaviota de Plata. Luego sería el turno de la de oro. Para el final, dejó "Krippy Kush" y "Chambea", coronando después de una hora y media de show. Cuando la transmisión ya estaba en comerciales, el cantante salió al escenario junto a los animadores para agradecer al público.
Su inclusión fue un acierto del evento, que como pocas veces logró tener en su parrilla a uno de los números globales del momento. El reggaetón y el trap se tomaron la clausura de un Festival que este año elevó su promedio de música urbana habitual desde la irrupción de Daddy Yankee en este escenario en 2006. Esta semana pasaron por la Quinta Vergara los retornados Wisin & Yandel y un Sebastián Yatra que coquetea con un urbano más pop.
Antes de la entrada de Bad Bunny el Festival quiso recordar que sigue siendo un certamen y les dio un lugar estelar a las canciones ganadoras de las Competencias Internacional y Folclórica: "Ya no más", de Perú (que ayer se supo que una de sus autoras es la conocida cantante Eva Ayllón), y "Justo ahora", de Argentina.
En la tarde de ayer, la estrella de la noche realizó su prueba de sonido, que se extendió por dos horas. El artista, que es el denominador común entre Viña del Mar, Coachella, Lollapalooza París y Sónar en Barcelona, es el nombre que está conquistando mercados que antes fueron ajenos a la música urbana y que llega al Festival como líder global del streaming : en 2018, la canción "Te boté remix", en la que participa junto a Casper, Darell y Nicky Jam, fue la más reproducida en YouTube.
Para su show y la seguridad del público, hubo un refuerzo en la seguridad del recinto, que al igual que el jueves, cuando actuó Backstreet Boys, aumentó a 220 guardias. Antes de que comenzara la jornada, una persona fue detenida por porte de armas. Poco después de la salida de Bad Bunny, Carabineros tuvo que llevarse a al menos tres miembros de la audiencia por conducta desordenada.
Bad Bunny no se presentó con una banda como apoyo y estuvo acompañado por bailarines en gran parte de su show, además de El Alfa y Arcángel como artistas invitados. El primero colaboró con él en "La romana", una de las canciones más exitosas de su último álbum. En el caso de Arcángel, él ha trabajado en más de una ocasión con el encargado de abrir la noche de ayer, en títulos como "Original" y "Me acostumbré". Esta última popularizada en Chile por el futbolista Arturo Vidal, quien solía compartir videos en redes sociales escuchándola.
"Llevo escuchando del Festival desde muy joven. Nunca lo he visto por televisión, pero sí por YouTube y siempre escuchaba lo que es el Festival de Viña del Mar por cantantes o por cuando en las noticias decían que un artista venía para Viña como algo bien grande. Y ese gran nombre que escuchaba desde pequeño, ahora me toca estar ahí, entonces se siente un poco esa presión", declaró.
Rutinas visadas
En el humor, anoche fue el turno del comediante cubano Boncó Quiñongo, quien salió a las 00:15 horas acompañado de un grupo de bailarinas y haciendo bromas por el color de su piel y la situación que se vive en su país. Reclamó por el lenguaje racista que habría en la sociedad, en que siempre se asocia lo malo a lo negro. El jueves adelantó que en su humor "hablo mucho sobre la negrología, como lo llamo yo. Vengo a un país que se está abriendo a la inmigración, por lo que vengo a ser un puente", dijo.
El cubano aterrizó la mañana siguiente a la presentación de Jani Dueñas. "He evitado ver el Festival, pero cuando ocurrió lo de ella estaba viajando y me recibieron con la noticia de que a alguien se lo devoró el 'Monstruo'", dijo, agregando que solidariza con su colega. "Con los comediantes que han estado en este escenario me quito el sombrero. Lo de Jorge Alís fue increíble", opinó.
Quiñongo añadió que creía que el apodo de "Monstruo" que se le da al público de la Quinta no es porque sea "malo". "Sé que el público recibe el humor con mucho cariño, y espera que el humorista le entregue de vuelta todo su respeto. Es un respeto que se merecen por la tradición que tiene un evento como este", afirmó.
Las rutinas de este año han sido revisadas antes de subir al escenario entre el equipo del Festival y el departamento jurídico de Canal 13, donde los artistas reciben sugerencias respecto de pasajes de sus libretos que podrían crear problemas posteriores. "Uno de los aspectos a tener en consideración son los criterios que utiliza para evaluar el Consejo Nacional de Televisión (CNTV) por posible cargos", señala Javier Urrutia.
Para el final, Becky G, la voz de "Mayores", era la encargada de volver a encender la fiesta en la Quinta con un show estipulado en 50 minutos sobre el escenario. Horas antes, la cantante encendió las alarmas entre sus seguidores al confesar en sus redes sociales que estaba enferma.
Rating La presentación de Bad Bunny marcó un peak de 32 puntos y un promedio de 29,4, la cifra más baja para el primer número musical de esta edición del Festival.
Espectáculos
El Mercurio
Anoche la Quinta Vergara se copó de un joven público ansioso de trap , que llegó a ver al artista del momento en el género: Bad Bunny. El cierre iba a estar a cargo de su colega Becky G y en el humor, Boncó Quiñongo debutó en ese escenario haciendo chistes sobre su color de piel y la situación en su país.
La última noche del Festival se encadenó urbana. El cierre de la fiesta viñamarina se ancló al ritmo de moda y logró tener en su escenario a uno de los nombres más requeridos en este estilo: Bad Bunny, quien llegó para iniciar la clausura de un evento que en su jornada final encontró también su guion más simétrico con Becky G como la encargada de despedir la función hasta el próximo año.
El puertorriqueño de 24 años entró al escenario a las 22.22 horas luciendo un buzo de color rosado y lentes oscuros. Inició su presentación con su exitoso tema "Estamos bien", que fue coreado por gran parte de los asistentes. Siempre muy serio, también mencionó al menor Renato Barrera, conocido en las redes sociales como "Chimuelo", y hasta se sacó una selfie con los animadores sobre el escenario.
Aunque las cuatro primeras canciones que interpretó son parte de su álbum debut, "X 100PRE", que fue estrenado hace dos meses y desde entonces está en el número uno del Billboard latino, la corta vida de ese trabajo no impidió que el público -muchos de ellos con orejas de conejo en la cabeza- cantara animadamente. Un poco antes de que cumpliera una hora sobre el escenario, y luego de interpretar "I like it" -la canción que lo tuvo nominado a un Grammy en la categoría Grabación del Año- le entregaron la Gaviota de Plata. Luego sería el turno de la de oro. Para el final, dejó "Krippy Kush" y "Chambea", coronando después de una hora y media de show. Cuando la transmisión ya estaba en comerciales, el cantante salió al escenario junto a los animadores para agradecer al público.
Su inclusión fue un acierto del evento, que como pocas veces logró tener en su parrilla a uno de los números globales del momento. El reggaetón y el trap se tomaron la clausura de un Festival que este año elevó su promedio de música urbana habitual desde la irrupción de Daddy Yankee en este escenario en 2006. Esta semana pasaron por la Quinta Vergara los retornados Wisin & Yandel y un Sebastián Yatra que coquetea con un urbano más pop.
Antes de la entrada de Bad Bunny el Festival quiso recordar que sigue siendo un certamen y les dio un lugar estelar a las canciones ganadoras de las Competencias Internacional y Folclórica: "Ya no más", de Perú (que ayer se supo que una de sus autoras es la conocida cantante Eva Ayllón), y "Justo ahora", de Argentina.
En la tarde de ayer, la estrella de la noche realizó su prueba de sonido, que se extendió por dos horas. El artista, que es el denominador común entre Viña del Mar, Coachella, Lollapalooza París y Sónar en Barcelona, es el nombre que está conquistando mercados que antes fueron ajenos a la música urbana y que llega al Festival como líder global del streaming : en 2018, la canción "Te boté remix", en la que participa junto a Casper, Darell y Nicky Jam, fue la más reproducida en YouTube.
Para su show y la seguridad del público, hubo un refuerzo en la seguridad del recinto, que al igual que el jueves, cuando actuó Backstreet Boys, aumentó a 220 guardias. Antes de que comenzara la jornada, una persona fue detenida por porte de armas. Poco después de la salida de Bad Bunny, Carabineros tuvo que llevarse a al menos tres miembros de la audiencia por conducta desordenada.
Bad Bunny no se presentó con una banda como apoyo y estuvo acompañado por bailarines en gran parte de su show, además de El Alfa y Arcángel como artistas invitados. El primero colaboró con él en "La romana", una de las canciones más exitosas de su último álbum. En el caso de Arcángel, él ha trabajado en más de una ocasión con el encargado de abrir la noche de ayer, en títulos como "Original" y "Me acostumbré". Esta última popularizada en Chile por el futbolista Arturo Vidal, quien solía compartir videos en redes sociales escuchándola.
"Llevo escuchando del Festival desde muy joven. Nunca lo he visto por televisión, pero sí por YouTube y siempre escuchaba lo que es el Festival de Viña del Mar por cantantes o por cuando en las noticias decían que un artista venía para Viña como algo bien grande. Y ese gran nombre que escuchaba desde pequeño, ahora me toca estar ahí, entonces se siente un poco esa presión", declaró.
Rutinas visadas
En el humor, anoche fue el turno del comediante cubano Boncó Quiñongo, quien salió a las 00:15 horas acompañado de un grupo de bailarinas y haciendo bromas por el color de su piel y la situación que se vive en su país. Reclamó por el lenguaje racista que habría en la sociedad, en que siempre se asocia lo malo a lo negro. El jueves adelantó que en su humor "hablo mucho sobre la negrología, como lo llamo yo. Vengo a un país que se está abriendo a la inmigración, por lo que vengo a ser un puente", dijo.
El cubano aterrizó la mañana siguiente a la presentación de Jani Dueñas. "He evitado ver el Festival, pero cuando ocurrió lo de ella estaba viajando y me recibieron con la noticia de que a alguien se lo devoró el 'Monstruo'", dijo, agregando que solidariza con su colega. "Con los comediantes que han estado en este escenario me quito el sombrero. Lo de Jorge Alís fue increíble", opinó.
Quiñongo añadió que creía que el apodo de "Monstruo" que se le da al público de la Quinta no es porque sea "malo". "Sé que el público recibe el humor con mucho cariño, y espera que el humorista le entregue de vuelta todo su respeto. Es un respeto que se merecen por la tradición que tiene un evento como este", afirmó.
Las rutinas de este año han sido revisadas antes de subir al escenario entre el equipo del Festival y el departamento jurídico de Canal 13, donde los artistas reciben sugerencias respecto de pasajes de sus libretos que podrían crear problemas posteriores. "Uno de los aspectos a tener en consideración son los criterios que utiliza para evaluar el Consejo Nacional de Televisión (CNTV) por posible cargos", señala Javier Urrutia.
Para el final, Becky G, la voz de "Mayores", era la encargada de volver a encender la fiesta en la Quinta con un show estipulado en 50 minutos sobre el escenario. Horas antes, la cantante encendió las alarmas entre sus seguidores al confesar en sus redes sociales que estaba enferma.
Rating La presentación de Bad Bunny marcó un peak de 32 puntos y un promedio de 29,4, la cifra más baja para el primer número musical de esta edición del Festival.
La nueva religión
JOSÉ VÁSQUEZ
Espectáculos
El Mercurio
Sesenta años y en marcha. El Festival de Viña armó su edición aniversario con una parrilla de artistas que saludaron su historia, como Raphael -que más bien miró hacia adelante remixando su catálogo tan sinfónico como electrónico-, pero también con nombres como Bad Bunny, que es presente y apunta a ser una carta sostenida en el futuro.
El puertorriqueño emerge como una figura global, atravesando la periferia musical en la que se inició ahora con un envoltorio más transversal, que provocó su rebalse digital.
Hoy Bad Bunny es el trending topic del trap , un multiplicador de cifras en el streaming que sostienen un éxito que lo tiene instalado en eventos como Coachella o este mismo Festival, donde anoche fue el patrón.
Ayer la Quinta Vergara presenció en vivo algo muy parecido a la reproducción de una playlist en directo. Bad Bunny está solo en el escenario, pero no se notan vacíos. Como nuevo héroe de la generación digital, fue el artista que mejor utilizó las pantallas del montaje, con gráficas chillonas y pirotecnia fría, un show de perfil discotequero que iba saltando de pista en pista y track por track su registro monótono, marca distintiva en modo aleatorio.
Hay canciones como "Si estuviésemos juntos", donde muestra que sabe conjugar otros tonos, pero el puertorriqueño no parece necesitar demostrarlo y suma amigos al escenario como El Alfa para cantar "La Romana" o Arcángel en "Tú no vive así" y "Me acostumbré", colaboraciones que materializa en Viña el presente de la industria discográfica en la era de los sencillos.
Su disco debut, "X 100pre" salió recién en Navidad, pero ayer era replicado palabra por palabra por una gradería que comulgaba fiel con la nueva religión que ayer Bad Bunny dictaminó.
Espectáculos
El Mercurio
Sesenta años y en marcha. El Festival de Viña armó su edición aniversario con una parrilla de artistas que saludaron su historia, como Raphael -que más bien miró hacia adelante remixando su catálogo tan sinfónico como electrónico-, pero también con nombres como Bad Bunny, que es presente y apunta a ser una carta sostenida en el futuro.
El puertorriqueño emerge como una figura global, atravesando la periferia musical en la que se inició ahora con un envoltorio más transversal, que provocó su rebalse digital.
Hoy Bad Bunny es el trending topic del trap , un multiplicador de cifras en el streaming que sostienen un éxito que lo tiene instalado en eventos como Coachella o este mismo Festival, donde anoche fue el patrón.
Ayer la Quinta Vergara presenció en vivo algo muy parecido a la reproducción de una playlist en directo. Bad Bunny está solo en el escenario, pero no se notan vacíos. Como nuevo héroe de la generación digital, fue el artista que mejor utilizó las pantallas del montaje, con gráficas chillonas y pirotecnia fría, un show de perfil discotequero que iba saltando de pista en pista y track por track su registro monótono, marca distintiva en modo aleatorio.
Hay canciones como "Si estuviésemos juntos", donde muestra que sabe conjugar otros tonos, pero el puertorriqueño no parece necesitar demostrarlo y suma amigos al escenario como El Alfa para cantar "La Romana" o Arcángel en "Tú no vive así" y "Me acostumbré", colaboraciones que materializa en Viña el presente de la industria discográfica en la era de los sencillos.
Su disco debut, "X 100pre" salió recién en Navidad, pero ayer era replicado palabra por palabra por una gradería que comulgaba fiel con la nueva religión que ayer Bad Bunny dictaminó.
viernes, marzo 01, 2019
Un año del Ministerio de las Culturas: El largo proceso de instalación
Gonzalo Cepeda y Cristofer Díaz
Cultura
El Mercurio
El paso de tres ministros , la reagrupación de estamentos y la definición de consejos y seremías marcaron esta primera etapa.
Luego de casi cinco años de tramitación legislativa, que se inició en el primer gobierno de Sebastián Piñera y continuó con el ingreso de una indicación sustitutiva durante la administración de Michelle Bachelet, en octubre de 2017 se promulgó la ley que creaba el Ministerio de las Culturas. Y hace justamente un año, el 1 de marzo de 2018, este nuevo organismo iniciaba sus funciones, reuniendo al Consejo Nacional de la Cultura y las Artes, creado en 2003, y a la Dirección de Archivos, Bibliotecas y Museos (Dibam), fundada en 1929 y dependiente del Ministerio de Educación.
Con ello, la nueva institucionalidad empezó a tomar forma: se crearon las subsecretarías de las Culturas y las Artes y la del Patrimonio Cultural, que a su vez incluye al Servicio Nacional del Patrimonio Cultural. Además, se tuvieron que crear las seremías y direcciones regionales del Patrimonio; el Consejo Asesor de Pueblos Originarios y el Consejo Nacional de las Culturas, las Artes y el Patrimonio. Según cifras del ministerio, hoy el organismo cuenta con 2.800 funcionarios.
Hay consenso en que la instalación ha sido el desafío más relevante de la nueva orgánica ministerial. "Al iniciar este gobierno no existían reglamentos, ciertos presupuestos, decretos de traspaso e incluso había carencia de los espacios físicos para funcionar", explica Juan Carlos Silva, ministro (s) de las Culturas y subsecretario de las Culturas y las Artes. "Hoy ya tenemos un ministerio andando, descentralizado y presente en el territorio a través de las seremías, coordinaciones regionales del Patrimonio y los 16 consejos regionales del ministerio", agrega. También suma la dictación de un nuevo reglamento para otorgar los premios nacionales.
Arturo Navarro, director del Centro Cultural Estación Mapocho, concuerda en que fue un proceso complejo. "Primero, porque coincidió con un cambio de gobierno; segundo, porque no fueron previstos todos los detalles y, tercero, porque entre los aspectos hasta ahora no considerados está mantener la participación de la sociedad civil. Elemento clave en el futuro", plantea. "Fue un primer año tormentoso, con la necesidad de instalar, con gran rapidez, nuevas instituciones que sucedieran a las que, hace exactamente un año, dejaron de existir", agrega.
Para Bárbara Negrón, directora del Observatorio de Políticas Culturales, es comprensible la dificultad del proceso, pero "hay ciertas partes dentro de este proceso donde es más extraño la lentitud. Por ejemplo, la instalación del Consejo Nacional de las Culturas, las Artes y el Patrimonio, que hace varios meses abrió el proceso para la postulación y aún no se sabe quiénes lo integrarán". Desde el ministerio aclaran que durante este mes debería quedar zanjado este tema.
En un frente inesperado, tres ministros fueron designados durante el año. La periodista Alejandra Pérez partió en marzo y luego asumió Mauricio Rojas, quien duró un fin de semana. La actual ministra, Consuelo Valdés, está firme en su cargo.
"Tres en un año significa una complejidad mayor y un retraso sin duda. Es uno de los elementos que más deben haber ralentizado el proceso de instalación", afirma Negrón y agrega: "Me parece que desde la administración actual, las cosas han ido teniendo ritmo más constante". Opinión compartida por Navarro, quien señala que la actual ministra ha generado mucha confianza en el mundo cultural.
Desde el ministerio aseguran que la rotativa de nombres no ha perjudicado el desarrollo del trabajo institucional. "La agenda no se vio afectada y los proyectos continuaron su curso", asegura Silva.
Desafíos de este año
El ministerio enfrenta un 2019 con nuevos desafíos. "Hay dos fundamentales. Primero, repensar los instrumentos de la política cultural, sobre todo lo del financiamiento, con herramientas que respondan a la realidad del sector cultural, ya que los procesos creativos van cambiando. Y segundo, la preocupación debe estar en la educación, porque desde ahí vienen los nuevos públicos para la cultura", expone Bárbara Negrón.
Arturo Navarro pone el foco en recuperar la participación de la sociedad civil en la gestación, aplicación y evaluación de las políticas culturales y le suma el debate sobre el financiamiento público a la cultura. "Los énfasis están dados, ya que provienen de las administraciones anteriores: la terminación de la gran sala del Centro Cultural Gabriela Mistral y el nuevo guion del Museo Histórico Nacional, que deberá ocupar a plenitud su nuevo espacio, resolviendo el riesgoso tema de un museo de la democracia", afirma.
Para Juan Carlos Silva, una de las tareas prioritarias del ministerio es revisar la actual Ley de Monumentos Nacionales, que data de 1970. "Entre marzo y abril esperamos ingresar al Congreso el proyecto de ley de patrimonio que nos pondrá al día en esta materia, con un foco claro en la descentralización de la gestión y protección del patrimonio a través de la creación de Consejos de Patrimonio Regionales resolutivos en el territorio".
Cultura
El Mercurio
El paso de tres ministros , la reagrupación de estamentos y la definición de consejos y seremías marcaron esta primera etapa.
Luego de casi cinco años de tramitación legislativa, que se inició en el primer gobierno de Sebastián Piñera y continuó con el ingreso de una indicación sustitutiva durante la administración de Michelle Bachelet, en octubre de 2017 se promulgó la ley que creaba el Ministerio de las Culturas. Y hace justamente un año, el 1 de marzo de 2018, este nuevo organismo iniciaba sus funciones, reuniendo al Consejo Nacional de la Cultura y las Artes, creado en 2003, y a la Dirección de Archivos, Bibliotecas y Museos (Dibam), fundada en 1929 y dependiente del Ministerio de Educación.
Con ello, la nueva institucionalidad empezó a tomar forma: se crearon las subsecretarías de las Culturas y las Artes y la del Patrimonio Cultural, que a su vez incluye al Servicio Nacional del Patrimonio Cultural. Además, se tuvieron que crear las seremías y direcciones regionales del Patrimonio; el Consejo Asesor de Pueblos Originarios y el Consejo Nacional de las Culturas, las Artes y el Patrimonio. Según cifras del ministerio, hoy el organismo cuenta con 2.800 funcionarios.
Hay consenso en que la instalación ha sido el desafío más relevante de la nueva orgánica ministerial. "Al iniciar este gobierno no existían reglamentos, ciertos presupuestos, decretos de traspaso e incluso había carencia de los espacios físicos para funcionar", explica Juan Carlos Silva, ministro (s) de las Culturas y subsecretario de las Culturas y las Artes. "Hoy ya tenemos un ministerio andando, descentralizado y presente en el territorio a través de las seremías, coordinaciones regionales del Patrimonio y los 16 consejos regionales del ministerio", agrega. También suma la dictación de un nuevo reglamento para otorgar los premios nacionales.
Arturo Navarro, director del Centro Cultural Estación Mapocho, concuerda en que fue un proceso complejo. "Primero, porque coincidió con un cambio de gobierno; segundo, porque no fueron previstos todos los detalles y, tercero, porque entre los aspectos hasta ahora no considerados está mantener la participación de la sociedad civil. Elemento clave en el futuro", plantea. "Fue un primer año tormentoso, con la necesidad de instalar, con gran rapidez, nuevas instituciones que sucedieran a las que, hace exactamente un año, dejaron de existir", agrega.
Para Bárbara Negrón, directora del Observatorio de Políticas Culturales, es comprensible la dificultad del proceso, pero "hay ciertas partes dentro de este proceso donde es más extraño la lentitud. Por ejemplo, la instalación del Consejo Nacional de las Culturas, las Artes y el Patrimonio, que hace varios meses abrió el proceso para la postulación y aún no se sabe quiénes lo integrarán". Desde el ministerio aclaran que durante este mes debería quedar zanjado este tema.
En un frente inesperado, tres ministros fueron designados durante el año. La periodista Alejandra Pérez partió en marzo y luego asumió Mauricio Rojas, quien duró un fin de semana. La actual ministra, Consuelo Valdés, está firme en su cargo.
"Tres en un año significa una complejidad mayor y un retraso sin duda. Es uno de los elementos que más deben haber ralentizado el proceso de instalación", afirma Negrón y agrega: "Me parece que desde la administración actual, las cosas han ido teniendo ritmo más constante". Opinión compartida por Navarro, quien señala que la actual ministra ha generado mucha confianza en el mundo cultural.
Desde el ministerio aseguran que la rotativa de nombres no ha perjudicado el desarrollo del trabajo institucional. "La agenda no se vio afectada y los proyectos continuaron su curso", asegura Silva.
Desafíos de este año
El ministerio enfrenta un 2019 con nuevos desafíos. "Hay dos fundamentales. Primero, repensar los instrumentos de la política cultural, sobre todo lo del financiamiento, con herramientas que respondan a la realidad del sector cultural, ya que los procesos creativos van cambiando. Y segundo, la preocupación debe estar en la educación, porque desde ahí vienen los nuevos públicos para la cultura", expone Bárbara Negrón.
Arturo Navarro pone el foco en recuperar la participación de la sociedad civil en la gestación, aplicación y evaluación de las políticas culturales y le suma el debate sobre el financiamiento público a la cultura. "Los énfasis están dados, ya que provienen de las administraciones anteriores: la terminación de la gran sala del Centro Cultural Gabriela Mistral y el nuevo guion del Museo Histórico Nacional, que deberá ocupar a plenitud su nuevo espacio, resolviendo el riesgoso tema de un museo de la democracia", afirma.
Para Juan Carlos Silva, una de las tareas prioritarias del ministerio es revisar la actual Ley de Monumentos Nacionales, que data de 1970. "Entre marzo y abril esperamos ingresar al Congreso el proyecto de ley de patrimonio que nos pondrá al día en esta materia, con un foco claro en la descentralización de la gestión y protección del patrimonio a través de la creación de Consejos de Patrimonio Regionales resolutivos en el territorio".
Fallece André Previn, el director de orquesta que borró las fronteras
A los 89 años, en Manhattan
María Soledad Ramírez R.
Cultura
El Mercurio
Comparado con Leonard Bernstein por su versatilidad, Previn no solo dirigió grandes orquestas, sino que también fue compositor y pianista, con una carrera en el jazz.
Parecía que todas las formas musicales le interesaban, ya que en su larga carrera acumuló trabajos en múltiples áreas. André Previn, fallecido ayer en Manhattan a los 89 años, fue director de orquesta -uno de los grandes del siglo XX-, compositor -de conciertos, de ópera, de música de cámara, y también para el cine y musicales- e intérprete -un pianista que iba del jazz a la música clásica.
Fue esa versatilidad lo que destacan sus obituarios al llamarlo "director sin fronteras", que traspasó las barreras musicales sin perder en ello su maestría y genialidad. Y esa característica hizo que lo compararan con el otro gran músico estadounidense, Leonard Bernstein. Para Previn eso no era problema: Bernstein era su ídolo y le agradecía que hubiese hecho posible el no especializarse en algún tipo de música.
Dueño también de una azarosa vida privada, cuando cumplió 80 años señaló en una entrevista que de su carrera profesional no lamentaba nada, pero sí de las decisiones tomadas en su vida personal. Se casó cinco veces -entre ellas con la actriz Mia Farrow y la violinista súper estrella Anne-Sophie Mutter, la última- y tuvo varios hijos.
Niño prodigio
Nacido en abril de 1929 en Berlín como Andreas Ludwig Prewin, de padre judío, su familia escapó en 1938 de la ya asfixiante Alemania nazi para refugiarse primero en París y luego en Los Angeles, Estados Unidos. Previn fue un niño prodigio que entró de seis años al conservatorio en su ciudad natal para estudiar piano y luego aprender con el compositor y director Mario Castelnuovo-Tedesco en Los Angeles, entre otros músicos que fueron sus profesores.
Nacionalizado en 1943, Previn inició su carrera en el mundo que tenía más cerca: Hollywood. Compuso música para el cine que fue todo un éxito, pero deseaba conocer más y se encaminó hacia el mundo de la música clásica. En una entrevista al diario The Guardian contó que dejó el contrato con el estudio MGM porque le ofrecía solo comodidad. "Sabías a donde iría tu trabajo el próximo año y que te iban a pagar. Pero era demasiado ambicioso musicalmente para quedarme en eso. Quería ver cuánto talento tenía".
En su lado clásico, Previn fue contratado en 1967 como director de la Sinfónica de Houston y en 1968, de la Sinfónica de Londres. Ahí estuvo 11 años, pero se mantuvo ligado a ella durante toda su vida: en 2015 tocó por última con ellos y en 2016 fue nombrado director emérito.
Grabó muchísimos discos con la orquesta londinense, le dio un sonido único y además la llevó hacia el público no especializado. En la BBC tuvo el programa André Previn's Music Night, que salía al aire todos los sábados en horario prime . Mucha gente vio por primera vez a la Sinfónica de Londres en esos encuentros televisados.
También trabajó con la Sinfónica de Pittsburgh (1976-1984), la Filarmónica Real de Londres (1985-1988), la Filarmónica de Los Angeles (1985-1989) y la Filarmónica de Oslo (2000-2006). En 2009 fue nombrado principal director invitado a la NHK Symphony Orchestra de Tokio.
Como compositor escribió conciertos, música de cámara, ópera y jazz. En estos dos últimos géneros también destacó. Cuando llegó a Estados Unidos conoció el jazz y no perdió la oportunidad de acercarse a él como pianista. Tocó junto a Ella Fitzgerald y grabó con Benny Carter y Mahalia Jackson, entre muchas otras colaboraciones.
En la ópera, es el creador de "Un tranvía llamado deseo" (1998), cuya premier fue en la Ópera de San Francisco con Renée Fleming en el rol de Blanche DuBois. También escribió "Brief Encounter" (2007), con libreto de John Caird.
"Soy naturalmente curioso sobre muchas disciplinas diferentes en la música y disfruto hacerlas", dijo una vez. Su legado confirma esa bendita curiosidad.
María Soledad Ramírez R.
Cultura
El Mercurio
Comparado con Leonard Bernstein por su versatilidad, Previn no solo dirigió grandes orquestas, sino que también fue compositor y pianista, con una carrera en el jazz.
Parecía que todas las formas musicales le interesaban, ya que en su larga carrera acumuló trabajos en múltiples áreas. André Previn, fallecido ayer en Manhattan a los 89 años, fue director de orquesta -uno de los grandes del siglo XX-, compositor -de conciertos, de ópera, de música de cámara, y también para el cine y musicales- e intérprete -un pianista que iba del jazz a la música clásica.
Fue esa versatilidad lo que destacan sus obituarios al llamarlo "director sin fronteras", que traspasó las barreras musicales sin perder en ello su maestría y genialidad. Y esa característica hizo que lo compararan con el otro gran músico estadounidense, Leonard Bernstein. Para Previn eso no era problema: Bernstein era su ídolo y le agradecía que hubiese hecho posible el no especializarse en algún tipo de música.
Dueño también de una azarosa vida privada, cuando cumplió 80 años señaló en una entrevista que de su carrera profesional no lamentaba nada, pero sí de las decisiones tomadas en su vida personal. Se casó cinco veces -entre ellas con la actriz Mia Farrow y la violinista súper estrella Anne-Sophie Mutter, la última- y tuvo varios hijos.
Niño prodigio
Nacido en abril de 1929 en Berlín como Andreas Ludwig Prewin, de padre judío, su familia escapó en 1938 de la ya asfixiante Alemania nazi para refugiarse primero en París y luego en Los Angeles, Estados Unidos. Previn fue un niño prodigio que entró de seis años al conservatorio en su ciudad natal para estudiar piano y luego aprender con el compositor y director Mario Castelnuovo-Tedesco en Los Angeles, entre otros músicos que fueron sus profesores.
Nacionalizado en 1943, Previn inició su carrera en el mundo que tenía más cerca: Hollywood. Compuso música para el cine que fue todo un éxito, pero deseaba conocer más y se encaminó hacia el mundo de la música clásica. En una entrevista al diario The Guardian contó que dejó el contrato con el estudio MGM porque le ofrecía solo comodidad. "Sabías a donde iría tu trabajo el próximo año y que te iban a pagar. Pero era demasiado ambicioso musicalmente para quedarme en eso. Quería ver cuánto talento tenía".
En su lado clásico, Previn fue contratado en 1967 como director de la Sinfónica de Houston y en 1968, de la Sinfónica de Londres. Ahí estuvo 11 años, pero se mantuvo ligado a ella durante toda su vida: en 2015 tocó por última con ellos y en 2016 fue nombrado director emérito.
Grabó muchísimos discos con la orquesta londinense, le dio un sonido único y además la llevó hacia el público no especializado. En la BBC tuvo el programa André Previn's Music Night, que salía al aire todos los sábados en horario prime . Mucha gente vio por primera vez a la Sinfónica de Londres en esos encuentros televisados.
También trabajó con la Sinfónica de Pittsburgh (1976-1984), la Filarmónica Real de Londres (1985-1988), la Filarmónica de Los Angeles (1985-1989) y la Filarmónica de Oslo (2000-2006). En 2009 fue nombrado principal director invitado a la NHK Symphony Orchestra de Tokio.
Como compositor escribió conciertos, música de cámara, ópera y jazz. En estos dos últimos géneros también destacó. Cuando llegó a Estados Unidos conoció el jazz y no perdió la oportunidad de acercarse a él como pianista. Tocó junto a Ella Fitzgerald y grabó con Benny Carter y Mahalia Jackson, entre muchas otras colaboraciones.
En la ópera, es el creador de "Un tranvía llamado deseo" (1998), cuya premier fue en la Ópera de San Francisco con Renée Fleming en el rol de Blanche DuBois. También escribió "Brief Encounter" (2007), con libreto de John Caird.
"Soy naturalmente curioso sobre muchas disciplinas diferentes en la música y disfruto hacerlas", dijo una vez. Su legado confirma esa bendita curiosidad.
Backstreet Boys volvieron con su energía a desatar el furor en Viña
Equipo de Espectáculos
Espectáculos
El Mercurio
En su regreso a la Quinta Vergara, 21 años después de su debut en este escenario, el quinteto estadounidense hizo un recorrido por sus pegajosos éxitos y deleitó a sus fanáticas, que los esperaban en el recinto desde muy temprano.
Alguna vez, los Backstreet Boys fueron una banda para adolescentes. Cuando tuvieron su momento de mayor fama, a finales de los 90, era este el público que llenaba las calles de Viña del Mar para verlos en su debut en Chile, en la Quinta Vergara, y entonaban con gritos y llantos sus canciones. Hoy, que los "boys" están de lleno en la adultez -el más joven, Nick Carter, tiene 39, y el mayor, Kevin Richardson, 47-, su audiencia se ha expandido.
"Hemos tenido hasta cuatro generaciones en nuestros conciertos", comentaba ayer Howard "Howie D" Dorough (45). "Al igual que nosotros cuando éramos niños, crecimos escuchando la música que escuchaban nuestros papás, (llegar a tantos públicos) es muy importante".
Aunque la transversalidad se notaba ayer, incluso entre los que esperaban ansiosos afuera del hotel Sheraton Miramar poder ver a uno de sus ídolos, el grueso de los seguidores de Backstreet Boys que repletaron hasta el último rincón de la Quinta, y que empezaron a llegar desde muy temprano, claramente los han acompañado desde sus primeros años en la fama. Y ellos parecen tenerlo claro. Aunque A.J. McLean había prometido "un viaje por los 26 años" del grupo, lo cierto es que el show de 17 canciones y cerca de 80 minutos de duración se centró principalmente en sus cuatro primeros álbumes, publicados entre 1997 y 2001.
Vistiendo de blanco, el primero de cuatro cambios de vestuario, comenzaron su show con "Larger than life", tema de su disco "Millennium" (2000), que activó desde el primer momento el furor de un público que cantaba palabra por palabra, mientras sus ídolos intercalaban coreografías y canto, con el apoyo de pistas grabadas y un cuerpo de bailarines, algo común en las estrellas pop, aunque en las baladas demostraron su fortaleza vocal en vivo. El paso de los años no ha mermado la energía del quinteto, que lanzó éxito tras éxito -incluso partes de las dos canciones en castellano de su primer álbum, "Nunca te haré llorar" y "Donde quieras yo iré"- a un público entusiasta a incansable que quedó con gusto a poco.
A tono con los nuevos tiempos, Nick Carter se aseguró de ir por su celular para poder filmar en vivo para las redes sociales parte del show . Mostrando siempre cercanía con los presentes, todos dedicaron palabras de agradecimiento a las fans, quienes, hayan entendido o no el inglés, respondieron fielmente cada una de las invitaciones del grupo. El público les regaló gaviotas de oro y plata -premio que no recibieron en su primera visita al evento- antes de que finalizaran el show con "Everybody (Backstreet's Back)", que también fue la canción elegida para cerrar su presentación hace 21 años en la Quinta.
Considerando las expectativas y la efervescencia del público, esta noche -y también mañana- se reforzó la seguridad en la Quinta, con 220 guardias de seguridad y 200 carabineros.
Volverán a Chile el 2020
Antes de su llegada a la Quinta, los Backstreet Boys dieron una distendida conferencia de prensa en un salón tan copado, que gran parte de los periodistas no pudieron entrar. Mientras, afuera del hotel, decenas de fanáticos esperaban vislumbrar a alguno de sus ídolos gritando sus nombres y entonando canciones. Kevin Richardson -que a diferencia de su compañero Nick Carter recordaba perfectamente su primera vez en el Festival- lo notó y recordó su anterior visita a Viña, cuando explicó por qué el grupo decidió hacerse parte del evento, pese a no estar en gira, como suele ocurrir con los números anglo que han estado aquí. "Venir ahora resultó, nos vino bien. Viña es un lugar muy especial. Recuerdo la primera vez que vinimos, haber estado en la terraza del hotel y ver a los fans cantar nuestras canciones en la playa todo el día y toda la noche. Hoy, mientras venía hasta acá cruzando las montañas, volvieron todos esos recuerdos", comentó.
La banda recibió una certificación de oro por el éxito del single "Don't go Breaking my Heart", de su último álbum "DNA", bromeó con los asistentes e incluso entonó parte de una de sus canciones en español, "Nunca te haré llorar". Hablaron sobre sus planes futuros con entusiasmo. "Llevamos dos años en Las Vegas y en abril terminamos nuestra residencia. En mayo parte la gira en Europa, y a principios del próximo año vendremos a Sudamérica. Las mejores fans de los Backstreet Boys están en Latinoamérica, las más apasionadas y leales", dijo Carter, confirmando que ese segmento de su tour los traerá nuevamente a Chile, aunque aún no están definidas las fechas. Explicó que estaban preparados para dedicarles dos años a las presentaciones en vivo, aunque esperan poder publicar un álbum de Navidad, un sueño que tienen hace tiempo, pero que no han podido concretar.
Sobre su sostenido éxito en un género decididamente efímero, que se expresó no solo en su convocatoria en este certamen sino en los buenos resultados de su disco más reciente, Howard Dorough lo atribuyó a que para el quinteto, la música siempre ha sido una prioridad.
"Siempre hemos dicho que queremos hacer buena música. No sacamos álbumes todos los años, porque nos gusta tomarnos nuestro tiempo. 'DNA' nos llevó tres años para estar plenamente satisfechos y que fuera algo que quisiéramos publicar", explicó. Agregó que grabaron más de 40 canciones, incluyendo una en español que finalmente no quedó en la selección final. "No cumplió nuestras expectativas", argumentó Richardson, quien sí dijo que estaba interesado en experimentar con sonidos locales. "Me gusta ese ritmo y creo que hace tiempo deberíamos haberlo hecho. Necesitamos un poco de ritmo latino".
Díficil comienzo
La presentación de Backstreet Boys siguió con el debut en el escenario del comediante chileno y psicólogo de profesión Mauricio Palma, quien entró visiblemente nervioso al escenario mientras las fanáticas seguían exigiendo el regreso de la banda. Los animadores incluso tuvieron que apoyarlo, aclarando que el quinteto ya había abandonado el recinto y no volvería.
De a poco fue ganándose al público, invitándolo a interactuar y apelando a su condición de chileno común y una rutina que mezcló nostalgia, situaciones cotidianas y aspectos políticos y coyunturales. La mayoría de la audiencia escuchó con respeto, y las risas se mezclaron con una que otra pifia. Tras 45 minutos sobre el escenario recibió la gaviota de plata. Ya más confiado, continuó su show con guitarra en mano, transformado en su personaje "Violento Parra". Su éxito se hizo definitivo con la gaviota de oro.
En su conferencia del miércoles, Palma se había mostrado tranquilo. "Creemos que nos tocó una noche maravillosa, queremos que la fiesta que va a iniciar Backstreet Boys continúe hasta la última canción de Camila Gallardo", comentó, en referencia a la artista que cerraría la noche, la única chilena de la parrilla musical. Palma dijo que, evidentemente, había algo de nervios, "no es un escenario al que uno esté acostumbrado", pero que "si no estás seguro, mejor no vengas".
Espectáculos
El Mercurio
En su regreso a la Quinta Vergara, 21 años después de su debut en este escenario, el quinteto estadounidense hizo un recorrido por sus pegajosos éxitos y deleitó a sus fanáticas, que los esperaban en el recinto desde muy temprano.
Alguna vez, los Backstreet Boys fueron una banda para adolescentes. Cuando tuvieron su momento de mayor fama, a finales de los 90, era este el público que llenaba las calles de Viña del Mar para verlos en su debut en Chile, en la Quinta Vergara, y entonaban con gritos y llantos sus canciones. Hoy, que los "boys" están de lleno en la adultez -el más joven, Nick Carter, tiene 39, y el mayor, Kevin Richardson, 47-, su audiencia se ha expandido.
"Hemos tenido hasta cuatro generaciones en nuestros conciertos", comentaba ayer Howard "Howie D" Dorough (45). "Al igual que nosotros cuando éramos niños, crecimos escuchando la música que escuchaban nuestros papás, (llegar a tantos públicos) es muy importante".
Aunque la transversalidad se notaba ayer, incluso entre los que esperaban ansiosos afuera del hotel Sheraton Miramar poder ver a uno de sus ídolos, el grueso de los seguidores de Backstreet Boys que repletaron hasta el último rincón de la Quinta, y que empezaron a llegar desde muy temprano, claramente los han acompañado desde sus primeros años en la fama. Y ellos parecen tenerlo claro. Aunque A.J. McLean había prometido "un viaje por los 26 años" del grupo, lo cierto es que el show de 17 canciones y cerca de 80 minutos de duración se centró principalmente en sus cuatro primeros álbumes, publicados entre 1997 y 2001.
Vistiendo de blanco, el primero de cuatro cambios de vestuario, comenzaron su show con "Larger than life", tema de su disco "Millennium" (2000), que activó desde el primer momento el furor de un público que cantaba palabra por palabra, mientras sus ídolos intercalaban coreografías y canto, con el apoyo de pistas grabadas y un cuerpo de bailarines, algo común en las estrellas pop, aunque en las baladas demostraron su fortaleza vocal en vivo. El paso de los años no ha mermado la energía del quinteto, que lanzó éxito tras éxito -incluso partes de las dos canciones en castellano de su primer álbum, "Nunca te haré llorar" y "Donde quieras yo iré"- a un público entusiasta a incansable que quedó con gusto a poco.
A tono con los nuevos tiempos, Nick Carter se aseguró de ir por su celular para poder filmar en vivo para las redes sociales parte del show . Mostrando siempre cercanía con los presentes, todos dedicaron palabras de agradecimiento a las fans, quienes, hayan entendido o no el inglés, respondieron fielmente cada una de las invitaciones del grupo. El público les regaló gaviotas de oro y plata -premio que no recibieron en su primera visita al evento- antes de que finalizaran el show con "Everybody (Backstreet's Back)", que también fue la canción elegida para cerrar su presentación hace 21 años en la Quinta.
Considerando las expectativas y la efervescencia del público, esta noche -y también mañana- se reforzó la seguridad en la Quinta, con 220 guardias de seguridad y 200 carabineros.
Volverán a Chile el 2020
Antes de su llegada a la Quinta, los Backstreet Boys dieron una distendida conferencia de prensa en un salón tan copado, que gran parte de los periodistas no pudieron entrar. Mientras, afuera del hotel, decenas de fanáticos esperaban vislumbrar a alguno de sus ídolos gritando sus nombres y entonando canciones. Kevin Richardson -que a diferencia de su compañero Nick Carter recordaba perfectamente su primera vez en el Festival- lo notó y recordó su anterior visita a Viña, cuando explicó por qué el grupo decidió hacerse parte del evento, pese a no estar en gira, como suele ocurrir con los números anglo que han estado aquí. "Venir ahora resultó, nos vino bien. Viña es un lugar muy especial. Recuerdo la primera vez que vinimos, haber estado en la terraza del hotel y ver a los fans cantar nuestras canciones en la playa todo el día y toda la noche. Hoy, mientras venía hasta acá cruzando las montañas, volvieron todos esos recuerdos", comentó.
La banda recibió una certificación de oro por el éxito del single "Don't go Breaking my Heart", de su último álbum "DNA", bromeó con los asistentes e incluso entonó parte de una de sus canciones en español, "Nunca te haré llorar". Hablaron sobre sus planes futuros con entusiasmo. "Llevamos dos años en Las Vegas y en abril terminamos nuestra residencia. En mayo parte la gira en Europa, y a principios del próximo año vendremos a Sudamérica. Las mejores fans de los Backstreet Boys están en Latinoamérica, las más apasionadas y leales", dijo Carter, confirmando que ese segmento de su tour los traerá nuevamente a Chile, aunque aún no están definidas las fechas. Explicó que estaban preparados para dedicarles dos años a las presentaciones en vivo, aunque esperan poder publicar un álbum de Navidad, un sueño que tienen hace tiempo, pero que no han podido concretar.
Sobre su sostenido éxito en un género decididamente efímero, que se expresó no solo en su convocatoria en este certamen sino en los buenos resultados de su disco más reciente, Howard Dorough lo atribuyó a que para el quinteto, la música siempre ha sido una prioridad.
"Siempre hemos dicho que queremos hacer buena música. No sacamos álbumes todos los años, porque nos gusta tomarnos nuestro tiempo. 'DNA' nos llevó tres años para estar plenamente satisfechos y que fuera algo que quisiéramos publicar", explicó. Agregó que grabaron más de 40 canciones, incluyendo una en español que finalmente no quedó en la selección final. "No cumplió nuestras expectativas", argumentó Richardson, quien sí dijo que estaba interesado en experimentar con sonidos locales. "Me gusta ese ritmo y creo que hace tiempo deberíamos haberlo hecho. Necesitamos un poco de ritmo latino".
Díficil comienzo
La presentación de Backstreet Boys siguió con el debut en el escenario del comediante chileno y psicólogo de profesión Mauricio Palma, quien entró visiblemente nervioso al escenario mientras las fanáticas seguían exigiendo el regreso de la banda. Los animadores incluso tuvieron que apoyarlo, aclarando que el quinteto ya había abandonado el recinto y no volvería.
De a poco fue ganándose al público, invitándolo a interactuar y apelando a su condición de chileno común y una rutina que mezcló nostalgia, situaciones cotidianas y aspectos políticos y coyunturales. La mayoría de la audiencia escuchó con respeto, y las risas se mezclaron con una que otra pifia. Tras 45 minutos sobre el escenario recibió la gaviota de plata. Ya más confiado, continuó su show con guitarra en mano, transformado en su personaje "Violento Parra". Su éxito se hizo definitivo con la gaviota de oro.
En su conferencia del miércoles, Palma se había mostrado tranquilo. "Creemos que nos tocó una noche maravillosa, queremos que la fiesta que va a iniciar Backstreet Boys continúe hasta la última canción de Camila Gallardo", comentó, en referencia a la artista que cerraría la noche, la única chilena de la parrilla musical. Palma dijo que, evidentemente, había algo de nervios, "no es un escenario al que uno esté acostumbrado", pero que "si no estás seguro, mejor no vengas".
Fantasía pop
José Vásquez
Espectáculos
El Mercurio
El anuncio de su regreso despertó la memoria emotiva inmediata en sus fans. La venida de los Backstreet Boys en 1998 fue un hito generacional, la llegada de una boyband en un apogeo popular que explotó más tarde en Estados Unidos.Para una generación fue su primer encuentro con sus ídolos, en una época donde además el Festival se transmitía solo por una señal, pero que lograba resultados de audiencia que ahora resultan irrepetibles, casi como si hubiera sido una cadena nacional.
A finales de los 90 no hubo como escapar de ellos. El grupo volvió luego otras tres veces a Chile, pero lo vivido en esa ocasión fue lo que despertó esta vez el fervor de repetir ese momento. En el público había fans que lucían con orgullo el ticket de esa primera vez y carteles como el de una joven veinteañera que, picarona, quería llamar la atención con un mensaje en inglés que se leía como "AJ, soy tu hija".
El ambiente anoche era una fiesta abrumadoramente femenina y el grupo, sobre una tarima, iniciaba una función concentrados en entregarse a cumplir con eso. Los pasos coreográficos son algo más robóticos que antes, y algunos miembros del grupo, como Kevin Richardson, el mayor del conjunto, parecía por momentos un espectador de su propio espectáculo. Pero cumplía con un show que sigue un guion aprendido de memoria tras tantas presentaciones afincadas en Las Vegas.
Pasan temas como "Larger than Life", una "Get down" en una versión remixada más funky, obra de las pistas que sonaban desde una banda ausente. La economía de recursos penó en un espectáculo que descansó en la idolatría del quinteto y que alcanzó sus momentos de mayor euforia en el repaso de los éxitos de sus primeros discos.
Aunque los Backstreet Boys acaban de lanzar "DNA", un álbum con un sencillo como "Don't go Breaking my Heart", que ayer los mostró en un competente presente, fueron las canciones de su etapa noventera las que desataron la mayor euforia. Temas como "Quit playing games", "As long as you love me" o "Everybody (Backstreet back)", parecieron teletransportar a una gradería completa a un retrofantasía pop de final feliz.
Espectáculos
El Mercurio
El anuncio de su regreso despertó la memoria emotiva inmediata en sus fans. La venida de los Backstreet Boys en 1998 fue un hito generacional, la llegada de una boyband en un apogeo popular que explotó más tarde en Estados Unidos.Para una generación fue su primer encuentro con sus ídolos, en una época donde además el Festival se transmitía solo por una señal, pero que lograba resultados de audiencia que ahora resultan irrepetibles, casi como si hubiera sido una cadena nacional.
A finales de los 90 no hubo como escapar de ellos. El grupo volvió luego otras tres veces a Chile, pero lo vivido en esa ocasión fue lo que despertó esta vez el fervor de repetir ese momento. En el público había fans que lucían con orgullo el ticket de esa primera vez y carteles como el de una joven veinteañera que, picarona, quería llamar la atención con un mensaje en inglés que se leía como "AJ, soy tu hija".
El ambiente anoche era una fiesta abrumadoramente femenina y el grupo, sobre una tarima, iniciaba una función concentrados en entregarse a cumplir con eso. Los pasos coreográficos son algo más robóticos que antes, y algunos miembros del grupo, como Kevin Richardson, el mayor del conjunto, parecía por momentos un espectador de su propio espectáculo. Pero cumplía con un show que sigue un guion aprendido de memoria tras tantas presentaciones afincadas en Las Vegas.
Pasan temas como "Larger than Life", una "Get down" en una versión remixada más funky, obra de las pistas que sonaban desde una banda ausente. La economía de recursos penó en un espectáculo que descansó en la idolatría del quinteto y que alcanzó sus momentos de mayor euforia en el repaso de los éxitos de sus primeros discos.
Aunque los Backstreet Boys acaban de lanzar "DNA", un álbum con un sencillo como "Don't go Breaking my Heart", que ayer los mostró en un competente presente, fueron las canciones de su etapa noventera las que desataron la mayor euforia. Temas como "Quit playing games", "As long as you love me" o "Everybody (Backstreet back)", parecieron teletransportar a una gradería completa a un retrofantasía pop de final feliz.
Bad Bunny: "Me he dado cuenta del alcance que tengo con la juventud"
Raimundo Flores S.
Espectáculos
El Mercurio
En la antesala de su debut en el Festival, el puertorriqueño habla de su nueva faceta, en la que ha abordado los derechos de las mujeres y la identidad de género.
Bad Bunny (24) llega a Viña en su mejor momento. La frase parece un cliché en época festivalera, pero en el caso del puertorriqueño los hechos lo avalan. En los últimos meses su nombre ha sido confirmado como cabeza de cartel en varios de los certámenes más importantes del mundo como Coachella, Sónar y Lollapalooza Paris; mientras que su álbum debut, "X 100PRE"-estrenado en la Navidad pasada-, lleva ocho semanas en el primer lugar del Billboard Latino.
"Tenía sed de hacer algo distinto, diferente. Como persona y como artista tenía ganas de hacer un álbum completo y creo que también ya muchos fanáticos los estaban pidiendo", explica a "El Mercurio" el puertorriqueño, quien desde que comenzó su carrera en 2017, había publicado un sinnúmero de sencillos y colaboraciones, pero nunca un trabajo de larga duración.
El álbum ha recibido positivos comentarios desde la crítica especializada -normalmente con reparos hacia la música urbana- por su apuesta arriesgada y por la variedad de estilos que el autor de "Amorfoda" incluyó en las 15 canciones que lo componen. "Estábamos trabajando de una manera distinta y yéndonos por lo seguro y ahora tuvimos la oportunidad de hacer las cosas a mi manera y experimentar un poco, pero las ganas de hacer cosas distintas siempre han estado", explica.
-S us últimos videos abordan temas como la violencia contra la mujer y la identidad de género. ¿Se siente un líder para los jóvenes?
"Sin quererlo ser, me han puesto en esa posición. Quizás yo, de primera instancia no le veía así, pero poco a poco me he dado cuenta del alcance que tengo con la juventud y un poco más allá de ellos. Entonces choqué con esa pared y dije: 'Coño, puedo quizás sembrar un poquito y dejar un mensaje indirecto'".
En la misma línea, hace unas semanas visitó junto a Residente a Ricardo Rosselló, gobernador de Puerto Rico, para discutir con él temas como la criminalidad y educación en su país.
-¿Existe un compromiso con las causas sociales?
"Estamos en una generación donde esa palabra, compromiso, da un poco de miedo, entonces creo que cuando uno tiene el espacio y el momento adecuado para decir las cosas, debe aprovecharlo. Y si mañana no quieres decir nada, pues no digas nada y la gente no te debe señalar por eso. Soy un ser humano igual que cualquiera y tengo mis luchas".
El boom latino
Bad Bunny abrirá hoy la jornada final del Festival, aunque confiesa que apenas ha visto el certamen para no aumentar la ansiedad por su show. "Vi un pedacito de la presentación de Wisin & Yandel y me puse nervioso como si ya me tocara".
"En el show vamos a complacer al público, vamos a tocar un poco de todo, de "X 100PRE" y los demás temas de mi trayectoria", adelanta y agrega riendo luego de escuchar lo que acaba de decir: "Eso suena como si llevará diez años, pero en realidad son los temas de hace unos meses".
El puertorriqueño, que ha estado trabajando en un EP junto a J Balvin, explica que pisar el freno no está dentro de sus planes y que viene más música para los próximos meses. "Voy a trabajar al ritmo que merezco yo y diría que un poco al ritmo de los fanáticos. Si veo que la gente esta pidiendo música, le vamos a dar música nueva. La clave es limitarnos de hacer música por hacer música o porque hay que sacar algo nuevo. Eso no, vamos a darle a la gente lo mejor", plantea.
-¿Cómo ve el presente de la música latina?
"Es el momento de la música latina, eso no se discute. Vemos cómo los números siguen subiendo, cada vez a los show van más personas de otros países, más gringos. Los artistas de Estados Unidos están buscando colaborar, ya no somos nosotros los que los buscamos a ellos. Eso se debe también a que cada vez los latinos están más regados en el mundo entero. En Estados Unidos hay cada vez más latinos y las culturas se mezclan. Es bien bonito y se han dado cuenta de que hay mucho talento también y están aprendiendo a respetarlo y a admirarlo. Poder ser parte de esa evolución y de ese crecimiento me pone contento y orgulloso".
-¿Ha sacrificado algunas cosas por dedicarse a la música?
"Estoy cien por ciento seguro de eso. Obviamente, estoy viviendo cosas que otras personas no viven, entonces hay un balance. Pero de igual manera extraño cosas que hacía antes, amigos que van a algún lugar y yo quisiera ir, quizás ir a un concierto de un artista y disfrutármelo como cualquier otro. Hay muchas cosas que me he perdido, pero estamos contentos. Esto es lo que queríamos y lo estamos logrando".
Noche de cierre Bad Bunny abrirá hoy la jornada final del Festival, que también contará con la actuación del comediante Bonco Quiñongo y Becky G.
Espectáculos
El Mercurio
En la antesala de su debut en el Festival, el puertorriqueño habla de su nueva faceta, en la que ha abordado los derechos de las mujeres y la identidad de género.
Bad Bunny (24) llega a Viña en su mejor momento. La frase parece un cliché en época festivalera, pero en el caso del puertorriqueño los hechos lo avalan. En los últimos meses su nombre ha sido confirmado como cabeza de cartel en varios de los certámenes más importantes del mundo como Coachella, Sónar y Lollapalooza Paris; mientras que su álbum debut, "X 100PRE"-estrenado en la Navidad pasada-, lleva ocho semanas en el primer lugar del Billboard Latino.
"Tenía sed de hacer algo distinto, diferente. Como persona y como artista tenía ganas de hacer un álbum completo y creo que también ya muchos fanáticos los estaban pidiendo", explica a "El Mercurio" el puertorriqueño, quien desde que comenzó su carrera en 2017, había publicado un sinnúmero de sencillos y colaboraciones, pero nunca un trabajo de larga duración.
El álbum ha recibido positivos comentarios desde la crítica especializada -normalmente con reparos hacia la música urbana- por su apuesta arriesgada y por la variedad de estilos que el autor de "Amorfoda" incluyó en las 15 canciones que lo componen. "Estábamos trabajando de una manera distinta y yéndonos por lo seguro y ahora tuvimos la oportunidad de hacer las cosas a mi manera y experimentar un poco, pero las ganas de hacer cosas distintas siempre han estado", explica.
-S us últimos videos abordan temas como la violencia contra la mujer y la identidad de género. ¿Se siente un líder para los jóvenes?
"Sin quererlo ser, me han puesto en esa posición. Quizás yo, de primera instancia no le veía así, pero poco a poco me he dado cuenta del alcance que tengo con la juventud y un poco más allá de ellos. Entonces choqué con esa pared y dije: 'Coño, puedo quizás sembrar un poquito y dejar un mensaje indirecto'".
En la misma línea, hace unas semanas visitó junto a Residente a Ricardo Rosselló, gobernador de Puerto Rico, para discutir con él temas como la criminalidad y educación en su país.
-¿Existe un compromiso con las causas sociales?
"Estamos en una generación donde esa palabra, compromiso, da un poco de miedo, entonces creo que cuando uno tiene el espacio y el momento adecuado para decir las cosas, debe aprovecharlo. Y si mañana no quieres decir nada, pues no digas nada y la gente no te debe señalar por eso. Soy un ser humano igual que cualquiera y tengo mis luchas".
El boom latino
Bad Bunny abrirá hoy la jornada final del Festival, aunque confiesa que apenas ha visto el certamen para no aumentar la ansiedad por su show. "Vi un pedacito de la presentación de Wisin & Yandel y me puse nervioso como si ya me tocara".
"En el show vamos a complacer al público, vamos a tocar un poco de todo, de "X 100PRE" y los demás temas de mi trayectoria", adelanta y agrega riendo luego de escuchar lo que acaba de decir: "Eso suena como si llevará diez años, pero en realidad son los temas de hace unos meses".
El puertorriqueño, que ha estado trabajando en un EP junto a J Balvin, explica que pisar el freno no está dentro de sus planes y que viene más música para los próximos meses. "Voy a trabajar al ritmo que merezco yo y diría que un poco al ritmo de los fanáticos. Si veo que la gente esta pidiendo música, le vamos a dar música nueva. La clave es limitarnos de hacer música por hacer música o porque hay que sacar algo nuevo. Eso no, vamos a darle a la gente lo mejor", plantea.
-¿Cómo ve el presente de la música latina?
"Es el momento de la música latina, eso no se discute. Vemos cómo los números siguen subiendo, cada vez a los show van más personas de otros países, más gringos. Los artistas de Estados Unidos están buscando colaborar, ya no somos nosotros los que los buscamos a ellos. Eso se debe también a que cada vez los latinos están más regados en el mundo entero. En Estados Unidos hay cada vez más latinos y las culturas se mezclan. Es bien bonito y se han dado cuenta de que hay mucho talento también y están aprendiendo a respetarlo y a admirarlo. Poder ser parte de esa evolución y de ese crecimiento me pone contento y orgulloso".
-¿Ha sacrificado algunas cosas por dedicarse a la música?
"Estoy cien por ciento seguro de eso. Obviamente, estoy viviendo cosas que otras personas no viven, entonces hay un balance. Pero de igual manera extraño cosas que hacía antes, amigos que van a algún lugar y yo quisiera ir, quizás ir a un concierto de un artista y disfrutármelo como cualquier otro. Hay muchas cosas que me he perdido, pero estamos contentos. Esto es lo que queríamos y lo estamos logrando".
Noche de cierre Bad Bunny abrirá hoy la jornada final del Festival, que también contará con la actuación del comediante Bonco Quiñongo y Becky G.
Fanáticas se reencuentran con Backstreet Boys en la Quinta después de 21 años
Bárbara Castro
Espectáculos
El Mercurio
Amigas desde el colegio, el trío de seguidoras regresó ayer al Festival de Viña para ver a sus ídolos en el mismo escenario que los vio debutar en el país en 1998.
Fue un amor análogo a primera vista. A los 13 años, Paula Orellana recibió un casete de regalo con pegajosos sencillos pop, que reprodujo en bucle hasta rayarlo en un viaje en auto entre Santiago y La Serena.
Tras ella, su compañera de curso Paulina Valencia descubrió entre las páginas de una revista TVGrama un póster de una atractiva boyband norteamericana.
La última en contagiarse fue Rocío Arcos, quien estallaba en gritos cada vez que pasaba frente a una tienda que ofrecía memorabilia de la banda de moda, Backstreet Boys.
El flechazo del trío de amigas comenzó el verano de 1997, en sintonía con el mejor momento del quinteto estadounidense, que en ese entonces confirmaba su éxito global con millones de copias vendidas y giras agotadas alrededor del mundo.
En ese momento lo creían imposible, pero en menos de un año estarían cumpliendo el sueño de ver a sus ídolos en directo, en lo que sería el debut de la banda en suelo nacional, en la edición número 39 del Festival de Viña del Mar.
Anoche, 21 años después de esa jornada, el trío revivió el paso del quinteto por la Quinta Vergara, una primera visita que quedó grabada en la historia del certamen, por la euforia de sus jóvenes seguidoras.
"Era histeria colectiva; si no fuera por los videos del concierto, no recordaríamos todo a la perfección, hubo mucho que se quedó ahí, entre las lágrimas", recuerda Arcos, quien además confiesa la existencia de un pacto secreto entre las amigas: ninguna podía desmayarse durante el concierto.
"No podíamos permitirnos perdernos el show, la que caía, debíamos despertarla a cachetadas", afirma Orellana entre risas, la única del grupo que consiguió tener un vistazo privilegiado de la banda aquel día. Apostada en la entrada del hotel, vio a los norteamericanos a través del cristal del bus que los trasladaba a la Quinta Vergara.
La emoción y los coros al unísono fueron precedidos por un momento de terror. Ubicadas en la fila para ingresar a la concha acústica desde las 20:00 horas, las jóvenes fueron testigos del colapso de las barreras, que fueron incapaces de contener a la multitud agolpada desde altas horas de la madrugada. Ignorando las instrucciones de carabineros, las amigas - y los padres que las acompañaban- se unieron a la estampida para conseguir una buena ubicación en el sector de la galería.
Ayer todas contaban con entradas numeradas y dos de ellas participaron del Meet & Greet exclusivo con la banda, que incluye un saludo y una foto. "Fue un sueño cumplido, algo que nunca creímos que pasaría, tenerlos tan cerca y compartir con ellos", afirma con visible emoción Arcos, a la salida del breve encuentro con sus ídolos, que duró alrededor de un minuto y que tuvo un costo de $230 mil para cada una de las 50 asistentes.
Unidas por una devoción
De adolescentes se juntaban a la salida de su colegio en La Cisterna para reunir el dinero para la colación y gastarlo en fotos, discos y poleras estampadas. Poco más de dos décadas más tarde, con 35 años, el vínculo se mantiene intacto.
"Los amamos porque nos unen. Una se toma libre del trabajo para hacer fila fuera del Movistar, otra presta la tarjeta de crédito para comprar las entradas. Esta es una amistad a ciegas", destaca Arcos, quien asistió a los cuatro conciertos del quinteto en territorio nacional y dos de su show de residencia en Las Vegas. El próximo año espera poder pagar el crucero oficial de la banda.
La mayoría de edad y la independencia no evitan que sean blanco de estereotipos. "La fan de más edad es mal mirada, nos tratan de locas e inmaduras, sin entender que en el día a día somos igual de adultas que todo el mundo", explica Orellana, aunque al ver sus hojas de vida, resulta innegable ver huellas del impacto de la boyband.
Inspirada por las letras de sus canciones, Arcos es profesora de inglés, mientras que Orellana enseña danza, vocación que se originó después de años bailando las coreografías del grupo.
Valencia, psicóloga de profesión, explica que su legado de aquella época está en otra parte. Su hija de 17 años es fanática del pop coreano, una afición que su madre impulsa y acompaña. En enero pasado, le compró un pase VIP al festival de k-pop SMTown.
"A veces se siente mal por el gasto que implica, pero yo le digo que son momentos como Viña 98, que nosotras nunca hemos olvidado. Y esa felicidad, de poder decir que estuvimos ahí, y que sigue igual después de 21 años, es inexplicable", afirma.
Espectáculos
El Mercurio
Amigas desde el colegio, el trío de seguidoras regresó ayer al Festival de Viña para ver a sus ídolos en el mismo escenario que los vio debutar en el país en 1998.
Fue un amor análogo a primera vista. A los 13 años, Paula Orellana recibió un casete de regalo con pegajosos sencillos pop, que reprodujo en bucle hasta rayarlo en un viaje en auto entre Santiago y La Serena.
Tras ella, su compañera de curso Paulina Valencia descubrió entre las páginas de una revista TVGrama un póster de una atractiva boyband norteamericana.
La última en contagiarse fue Rocío Arcos, quien estallaba en gritos cada vez que pasaba frente a una tienda que ofrecía memorabilia de la banda de moda, Backstreet Boys.
El flechazo del trío de amigas comenzó el verano de 1997, en sintonía con el mejor momento del quinteto estadounidense, que en ese entonces confirmaba su éxito global con millones de copias vendidas y giras agotadas alrededor del mundo.
En ese momento lo creían imposible, pero en menos de un año estarían cumpliendo el sueño de ver a sus ídolos en directo, en lo que sería el debut de la banda en suelo nacional, en la edición número 39 del Festival de Viña del Mar.
Anoche, 21 años después de esa jornada, el trío revivió el paso del quinteto por la Quinta Vergara, una primera visita que quedó grabada en la historia del certamen, por la euforia de sus jóvenes seguidoras.
"Era histeria colectiva; si no fuera por los videos del concierto, no recordaríamos todo a la perfección, hubo mucho que se quedó ahí, entre las lágrimas", recuerda Arcos, quien además confiesa la existencia de un pacto secreto entre las amigas: ninguna podía desmayarse durante el concierto.
"No podíamos permitirnos perdernos el show, la que caía, debíamos despertarla a cachetadas", afirma Orellana entre risas, la única del grupo que consiguió tener un vistazo privilegiado de la banda aquel día. Apostada en la entrada del hotel, vio a los norteamericanos a través del cristal del bus que los trasladaba a la Quinta Vergara.
La emoción y los coros al unísono fueron precedidos por un momento de terror. Ubicadas en la fila para ingresar a la concha acústica desde las 20:00 horas, las jóvenes fueron testigos del colapso de las barreras, que fueron incapaces de contener a la multitud agolpada desde altas horas de la madrugada. Ignorando las instrucciones de carabineros, las amigas - y los padres que las acompañaban- se unieron a la estampida para conseguir una buena ubicación en el sector de la galería.
Ayer todas contaban con entradas numeradas y dos de ellas participaron del Meet & Greet exclusivo con la banda, que incluye un saludo y una foto. "Fue un sueño cumplido, algo que nunca creímos que pasaría, tenerlos tan cerca y compartir con ellos", afirma con visible emoción Arcos, a la salida del breve encuentro con sus ídolos, que duró alrededor de un minuto y que tuvo un costo de $230 mil para cada una de las 50 asistentes.
Unidas por una devoción
De adolescentes se juntaban a la salida de su colegio en La Cisterna para reunir el dinero para la colación y gastarlo en fotos, discos y poleras estampadas. Poco más de dos décadas más tarde, con 35 años, el vínculo se mantiene intacto.
"Los amamos porque nos unen. Una se toma libre del trabajo para hacer fila fuera del Movistar, otra presta la tarjeta de crédito para comprar las entradas. Esta es una amistad a ciegas", destaca Arcos, quien asistió a los cuatro conciertos del quinteto en territorio nacional y dos de su show de residencia en Las Vegas. El próximo año espera poder pagar el crucero oficial de la banda.
La mayoría de edad y la independencia no evitan que sean blanco de estereotipos. "La fan de más edad es mal mirada, nos tratan de locas e inmaduras, sin entender que en el día a día somos igual de adultas que todo el mundo", explica Orellana, aunque al ver sus hojas de vida, resulta innegable ver huellas del impacto de la boyband.
Inspirada por las letras de sus canciones, Arcos es profesora de inglés, mientras que Orellana enseña danza, vocación que se originó después de años bailando las coreografías del grupo.
Valencia, psicóloga de profesión, explica que su legado de aquella época está en otra parte. Su hija de 17 años es fanática del pop coreano, una afición que su madre impulsa y acompaña. En enero pasado, le compró un pase VIP al festival de k-pop SMTown.
"A veces se siente mal por el gasto que implica, pero yo le digo que son momentos como Viña 98, que nosotras nunca hemos olvidado. Y esa felicidad, de poder decir que estuvimos ahí, y que sigue igual después de 21 años, es inexplicable", afirma.
Cami estrena tema en Viña y apunta a conquistar España con su primera gira
José Vásquez
Espectáculos
El Mercurio
La cantante debutaba anoche en la Quinta, donde iba a presentar "La entrevista", como adelanto de su nuevo disco. Además, anuncia presentaciones en varias ciudades españolas entre mayo y junio.
Las fórmulas son variadas, pero en general, el recetario apunta a que en la Quinta Vergara no hay que experimentar, algo que este año se han tomado al pie de la letra artistas como Marc Anthony y Marco Antonio Solís, quienes han arriesgado muy poco, descansando en la solidez de sus shows más que probados. Pero en su debut, Camila Gallardo, que estilizó su nombre artístico a solo Cami, decidió asumir el desafío e ir contra la corriente.
La cantante que más álbumes vendió en Chile el año pasado -18 discos de platino por su primer álbum "Rosa"- apostó por un estreno absoluto en el Festival y preparó el lanzamiento de su nuevo tema "La entrevista" en ese escenario.
Es el primer adelanto de su venidero título, aún sin fecha de salida y que, según ella misma, será un trabajo "con sonidos folclóricos más arriesgados". La canción, que anoche también estrenó su videoclip, profundiza en este género y la muestra en un registro en el que en ella asoma natural su gran poder interpretativo, el que ayer en la mañana ensayó en la Quinta, donde de madrugada realizaría el show más importante de su carrera hasta la fecha.
Cami se ha visto muy participativa durante este Festival desde su puesto en el jurado, mostrando cercanía principalmente con sus compañeros más jóvenes ahí, Becky G y Sebastián Yatra, con quienes se ha visto extrovertida en shows como el de Marc Anthony.
Su carrera, que en el país muestra un gran desarrollo, con dos presentaciones en el Movistar Arena separadas por apenas cuatro meses -para su regreso a ese recinto, el 7 de abril, ya se ha vendido el 70% de los 12 mil boletos disponibles-, ahora apunta al extranjero, a mercados hispanos importantes como Argentina, México y España, que son los países, después de Chile, donde más escuchan su música.
El plan de la cantante es en los próximos meses comenzar a consolidar terrenos donde sus cifras en streaming apuntan auspiciosas y entre mayo y junio ya confirmó su primera gira a la península ibérica, con presentaciones en Santiago de Compostela, Valencia, Madrid y Barcelona, en el taquillero Razzmatazz.
"Estoy ansiosa por la gira que parte ahora, saltar el charco y llegar a esas tierras", señala Gallardo, que en España es manejada por Rosa Lagarrigue, mánager que ha trabajado con Miguel Bosé y Alejandro Sanz y que ahora llegó a Viña del Mar acompañando a Raphael. "Vine con él y me he quedado para ver a Cami", dice a "El Mercurio" Lagarrigue, quien apuesta por un gran éxito para la cantante.
Agrega que conoció a la voz de "Abrázame" a través del reputado productor Sebastián Krys, quien le mostró su talento. "Me fascinó su voz increíble y su personalidad para ser alguien tan joven además. Ella tiene un futuro brutal y puede trabajar en el mercado que se lo proponga", señala.
Espectáculos
El Mercurio
La cantante debutaba anoche en la Quinta, donde iba a presentar "La entrevista", como adelanto de su nuevo disco. Además, anuncia presentaciones en varias ciudades españolas entre mayo y junio.
Las fórmulas son variadas, pero en general, el recetario apunta a que en la Quinta Vergara no hay que experimentar, algo que este año se han tomado al pie de la letra artistas como Marc Anthony y Marco Antonio Solís, quienes han arriesgado muy poco, descansando en la solidez de sus shows más que probados. Pero en su debut, Camila Gallardo, que estilizó su nombre artístico a solo Cami, decidió asumir el desafío e ir contra la corriente.
La cantante que más álbumes vendió en Chile el año pasado -18 discos de platino por su primer álbum "Rosa"- apostó por un estreno absoluto en el Festival y preparó el lanzamiento de su nuevo tema "La entrevista" en ese escenario.
Es el primer adelanto de su venidero título, aún sin fecha de salida y que, según ella misma, será un trabajo "con sonidos folclóricos más arriesgados". La canción, que anoche también estrenó su videoclip, profundiza en este género y la muestra en un registro en el que en ella asoma natural su gran poder interpretativo, el que ayer en la mañana ensayó en la Quinta, donde de madrugada realizaría el show más importante de su carrera hasta la fecha.
Cami se ha visto muy participativa durante este Festival desde su puesto en el jurado, mostrando cercanía principalmente con sus compañeros más jóvenes ahí, Becky G y Sebastián Yatra, con quienes se ha visto extrovertida en shows como el de Marc Anthony.
Su carrera, que en el país muestra un gran desarrollo, con dos presentaciones en el Movistar Arena separadas por apenas cuatro meses -para su regreso a ese recinto, el 7 de abril, ya se ha vendido el 70% de los 12 mil boletos disponibles-, ahora apunta al extranjero, a mercados hispanos importantes como Argentina, México y España, que son los países, después de Chile, donde más escuchan su música.
El plan de la cantante es en los próximos meses comenzar a consolidar terrenos donde sus cifras en streaming apuntan auspiciosas y entre mayo y junio ya confirmó su primera gira a la península ibérica, con presentaciones en Santiago de Compostela, Valencia, Madrid y Barcelona, en el taquillero Razzmatazz.
"Estoy ansiosa por la gira que parte ahora, saltar el charco y llegar a esas tierras", señala Gallardo, que en España es manejada por Rosa Lagarrigue, mánager que ha trabajado con Miguel Bosé y Alejandro Sanz y que ahora llegó a Viña del Mar acompañando a Raphael. "Vine con él y me he quedado para ver a Cami", dice a "El Mercurio" Lagarrigue, quien apuesta por un gran éxito para la cantante.
Agrega que conoció a la voz de "Abrázame" a través del reputado productor Sebastián Krys, quien le mostró su talento. "Me fascinó su voz increíble y su personalidad para ser alguien tan joven además. Ella tiene un futuro brutal y puede trabajar en el mercado que se lo proponga", señala.
El cantante ha realizado varios bises : Javier Camarena a un paso de batir un récord
Maureen Lennon Zaninovic
Cultura
El Mercurio
Mañana el Teatro Nescafé de las Artes transmitirá en vivo, desde el MET de Nueva York, la última función de "La hija del regimiento", de Donizetti.
Fue un suceso. Cuando el tenor mexicano Javier Camarena (1976) tuvo que reemplazar, en mayo del 2014, al peruano Juan Diego Flórez en las tres primeras funciones de la nueva producción de "La Cenicienta" (Rossini), en el Metropolitan Opera House de Nueva York (MET), su éxito fue atronador. Tanto lo aplaudieron en el aria "Si, ritrovarla io giuro" que le permitieron hacer un bis .
Por estos días el cantante nacido en Veracruz está nuevamente marcando un hito en el prestigioso coliseo neoyorquino. Mañana, a las 15:00 horas, el Teatro Nescafé de las Artes transmitirá en vivo la última función de "La hija del regimiento", de Donizetti, con Camarena en el papel protagónico de Tonio.
"'La hija del regimiento' ocupa un lugar muy destacado en el repertorio lírico, entre otras razones porque cuenta con un pasaje 'A mes amis... Pour mon âme', donde el tenor debe ascender nueve veces al Do agudo (una nota muy exigente). No se esperaba que desde que se estrenó la actual producción en el MET, Javier Camarena haya tenido que repetir ese difícil pasaje en todas las funciones, ante audiencias delirantes. Sólo resta una fecha, este sábado, y si repite hará historia", advierte Mario Córdova, director asociado de las transmisiones desde el MET de Nueva York.
El prestigioso crítico de ópera de The New York Times, Anthony Tommasini, escribió hace unos días que "Camarena lo ha vuelto a hacer", y destacó que "después de intercambiar miradas con el director de orquesta, Enrique Mazzola, el artista mexicano hizo el bis ¿El resultado? 18 notas altas por el precio de nueve".
Juan Antonio Muñoz, crítico de "El Mercurio", explica que los bises (repetir un fragmento tras una gran interpretación vocal) son tradicionales en la ópera desde hace siglos. "Por supuesto, al público lírico le encantan porque estimulan la pasión. En mi caso, tengo una opinión dividida porque indudablemente un bis tiene un aspecto fascinante: enfatiza el gran espectáculo, pero a la vez también interrumpe la acción dramática y cambia la atmósfera".
Más información de las entradas en Teatro-nescafe-delasartes.cl
Cultura
El Mercurio
Mañana el Teatro Nescafé de las Artes transmitirá en vivo, desde el MET de Nueva York, la última función de "La hija del regimiento", de Donizetti.
Fue un suceso. Cuando el tenor mexicano Javier Camarena (1976) tuvo que reemplazar, en mayo del 2014, al peruano Juan Diego Flórez en las tres primeras funciones de la nueva producción de "La Cenicienta" (Rossini), en el Metropolitan Opera House de Nueva York (MET), su éxito fue atronador. Tanto lo aplaudieron en el aria "Si, ritrovarla io giuro" que le permitieron hacer un bis .
Por estos días el cantante nacido en Veracruz está nuevamente marcando un hito en el prestigioso coliseo neoyorquino. Mañana, a las 15:00 horas, el Teatro Nescafé de las Artes transmitirá en vivo la última función de "La hija del regimiento", de Donizetti, con Camarena en el papel protagónico de Tonio.
"'La hija del regimiento' ocupa un lugar muy destacado en el repertorio lírico, entre otras razones porque cuenta con un pasaje 'A mes amis... Pour mon âme', donde el tenor debe ascender nueve veces al Do agudo (una nota muy exigente). No se esperaba que desde que se estrenó la actual producción en el MET, Javier Camarena haya tenido que repetir ese difícil pasaje en todas las funciones, ante audiencias delirantes. Sólo resta una fecha, este sábado, y si repite hará historia", advierte Mario Córdova, director asociado de las transmisiones desde el MET de Nueva York.
El prestigioso crítico de ópera de The New York Times, Anthony Tommasini, escribió hace unos días que "Camarena lo ha vuelto a hacer", y destacó que "después de intercambiar miradas con el director de orquesta, Enrique Mazzola, el artista mexicano hizo el bis ¿El resultado? 18 notas altas por el precio de nueve".
Juan Antonio Muñoz, crítico de "El Mercurio", explica que los bises (repetir un fragmento tras una gran interpretación vocal) son tradicionales en la ópera desde hace siglos. "Por supuesto, al público lírico le encantan porque estimulan la pasión. En mi caso, tengo una opinión dividida porque indudablemente un bis tiene un aspecto fascinante: enfatiza el gran espectáculo, pero a la vez también interrumpe la acción dramática y cambia la atmósfera".
Más información de las entradas en Teatro-nescafe-delasartes.cl
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