miércoles, julio 26, 2017

Cecilia y Fresia Soto regresan a los escenarios con dos shows

El Mercurio

La primera, después de recuperarse de una fuerte neumonía; y la segunda, luego de residir durante 32 años en Estados Unidos.  

Martín Cifuentes Fuentes 

Cecilia Pantoja (74), "La Incomparable", viste completamente de negro: chaqueta, blusa (con flores blancas), pantalones y zapatos. Justo hoy se cumple un año desde que, tras actuar en Antofagasta, una neumonía la hizo permanecer 66 días internada en una clínica. Durante el primer mes estuvo sedada y después, al ser dada de alta, vinieron los tratamientos. "Estoy con fonoaudióloga, porque la traqueotomía -la palabra que más le costará decir en esta entrevista- me puede haber afectado la garganta", dice. Justo, en ese momento, se asoma una figura en la puerta del estudio fotográfico de "El Mercurio" y ella, con dificultad, intenta pararse. "¿Fresia?", pregunta. Se levanta, acelera el paso, siempre con ayuda de su asistente, Jasmín Bau, y expresa con emoción. "¡Por la chucha, Fresia! ¡Qué estái bonita! ¿Hace cuánto no te veía?", le dice, levantando sus brazos. Fresia Soto (71) le responde con una sonrisa: "32 años". Y se abrazan con mucho cariño.

Ambas participarán en el concierto "La Nueva Ola Continúa", que se realizará este viernes en el Teatro Municipal de Valparaíso, a las 21:00 horas, y el domingo en Santiago, en el Teatro Caupolicán, a las 17:30 horas. Ahí estarán junto a Luis Dimas, Marisa, Larry Wilson, Wildo y Carmen Maureira. En la capital se sumará Gloria Simonetti.

Cecilia y Fresia Soto no se veían desde hace más de tres décadas, porque esta última se había radicado en Estados Unidos. "He estado sobreviviendo", le dice a Cecilia, siempre mirándola a los ojos. "Tú aún te ves tranquila. Yo, en cambio, todavía me mato de los nervios", dice entre risas.
Volver a las actuaciones

Fresia Soto regresó a Chile en diciembre pasado. Desde entonces no ha hecho ningún show. "Perdí el training ", asegura, a lo que Cecilia le responde: "Es que tienes que cantar en la casa o donde sea, porque eso no se pierde". Durante su estancia en Houston, Soto se dedicó, además de formar una empresa de limpieza, a cantar en coros de iglesia. "En la soledad, en la distancia y melancolía, decidí seguir a Cristo, y eso me ayudó", cuenta.

Para este show, Soto se prepara junto al grupo Cortesa, con quienes ha ensayado una vez a la semana. Su presentación incluirá sus clásicos temas "Corazón de melón" y "La bamba", entre otros. "Aún tengo sorpresas para el show, pero hay que cuidar el tiempo, porque somos varios los que actuaremos", dice.

Sobre sus proyectos futuros, precisa: "Ni siquiera tenía planeada esta presentación. Todavía me siento como si hubiese estado encerrada en una cápsula del tiempo", confiesa.

Cecilia interpretará cerca de ocho temas. "Tengo que cantar 'El tango de las rosas', 'Compromiso', 'Puré de papas', 'Baño de mar a medianoche, y otras", enumera. Su vuelta al canto ha sido paulatina, con un poco de miedo por sus cuerdas vocales. Durante los premios Pulsar cantó sentada junto a Anita Tijoux. ¿Cómo será esta vez? "Igual, pero a veces paradita, porque quiero que la gente me ayude a mejorar, porque tuve algo muy fuerte y no debería estar ni aquí".

Luego de estas presentaciones, Cecilia planea realizar una gira nacional (que podría comenzar a fin de año) y un nuevo disco, con reinterpretaciones de sus éxitos. El álbum estaría compuesto por 10 temas, de los cuales la mitad serían junto a bandas emergentes y el resto con reconocidas agrupaciones locales. "Después de todo esto voy a planificar. Cuando mejore sí, porque con kinesiólogo, fonoaudiólogo y médico, estaré por toda la vida. Si no estoy bien, ¿para qué hacer otras cosas?", lanza.

Siempre ídolas

A pesar del tiempo, la fiebre por la Nueva Ola aún la sienten. En el caso de Cecilia, la única sobreviviente en su familia y que ha creado un entorno que ella eligió, afirma que no puede "ni salir". "Estaba aquí, mientras usted estaba afuera mija, haciendo de todo", le dice a Fresia Soto. "Me alejé solo un año, pero no puedo salir afuera a almorzar, porque no me dejan tranquila", asegura, y con voz burlona replica: "Una fotito" (hace el gesto de una cámara con la mano, al estilo selfie ). "Apenas pude ir al velorio de Peter (Rock)", cuenta.

Después de aparecer en estas páginas en febrero pasado, a raíz de su regreso, Fresia Soto fue invitada a dos programas de TV. "Al día siguiente, una señora me vio en la feria y me dijo: 'Te vamos a ir a ver'. Cuando no me pinto, es fácil que no me reconozcan, pero ahora lo hago un poco más, para parecerme a como era antes", comenta risueña. "Hay veces en que me subo al metro y veo cómo la cara de la gente empieza a cambiar. Entonces les digo: "¿Quién cree que soy? Sí, soy yo. Fresia'".

Sus presentaciones

Las cantantes estarán este viernes en el Teatro Municipal de Valparaíso, a las 21:00 horas, y el domingo en Santiago, en el Teatro Caupolicán, a las 17:30 horas. 

Ginette Acevedo hará un repaso de su extensa carrera

El Mercurio

La cantante se presenta hoy, a las 19:30 horas, en el Centro Cultural Carabineros de Chile.  

El próximo concierto de Ginette Acevedo funcionará como una especie de anticipo de la celebración de sus 55 años de carrera, efeméride que conmemorará durante 2018.

La cantante presentará mañana, a las 19:30 horas, en el Centro Cultural Carabineros de Chile, "Ginette Acevedo en el tiempo", un espectáculo en el que repasará durante una hora y media su historia musical. "Será un paseo desde mis primeras canciones, con énfasis en el recuerdo de los temas que la gente seguramente quiere oír. Un recorrido latinoamericano desde composiciones de Violeta Parra, como 'Volver a los 17', al folclore tradicional argentino, país donde viví por seis años. Habrá boleros, tangos y, por supuesto, también mi gran canción, que es 'La torcacita'", anticipa.

Acevedo dice que este año, en el centenario del natalicio de la voz de "Gracias a la vida", todas las interpretaciones de la principal cantautora nacional tendrán una connotación especial. "Hace años que incluyo sus canciones en mi repertorio, pero ahora todos los intérpretes que actuarán en un escenario van a estar, de alguna u otra forma, celebrando a nuestra querida Violeta".

Actualmente la artista cuenta que trabaja en un proyecto en el que busca apoyar a talentos folclóricos de provincia con los cuales ya grabó un tema. Una obra que completará durante agosto en un estudio de Temuco registrando el resto de las canciones. "Hay mucho talento que no llega a Santiago, y los quiero ayudar", comenta la cantante, que dejó en pausa el estreno de un nuevo disco de tangos, que ya grabó.

Sellos disqueros se unen en gran festival de jazz

El Mercurio

Maratón en el Teatro Nescafé de las Artes.
Este 29 de julio, diez conciertos, lanzamientos de discos y presentación de documentales dan cuenta del robusto momento de la autogestión con plataformas como Pez Records, Discos Pendiente, Animales en la Vía y World Note.  

IÑIGO DÍAZ 

Ha transcurrido un tiempo suficiente como para escribir otro capítulo de la historia del jazz chileno. Es la época en que la autogestión de los músicos y la autoproducción de las grabaciones de discos se instalaron con todo a inicios de la década pasada. "La intención fue siempre que nosotros tuviéramos el control de nuestras cosas. Funcionando en alianzas hemos conseguido importantes resultados", confirma el guitarrista Nicolás Vera. Ese tiempo le dio la razón.

Su disco "Fiasco contemporáneo" (2003), editado entonces por el pionero sello Pez Records, fue el que inauguró esta historia reciente. Pero además el mismo Vera es cofundador de otro proyecto editorial que ha contribuido al catálogo actual: Discos Pendiente. Tras casi 15 años de gestión, ambas plataformas, junto a otros sellos chilenos activos como Animales en la Vía y World Note, serán protagonistas del próximo Indie Jazz Fest.

El encuentro tendrá lugar este 29 de julio en el Teatro Nescafé de las Artes ($8.000 y $10.000), y se presenta como una maratón de conciertos desde las 19:00 horas con diez proyectos vinculados a estas discográficas.

Por ejemplo, Nicolás Vera presentará allí a su nuevo trío, con Andy Baeza (batería) y Christian Gálvez (bajo), quien por su lado dirige Pez Records, con 60 títulos editados. "Aunque hemos publicado una serie de trabajos de fusión y otras músicas, siempre regresamos al jazz. Nuestro próximo gran lanzamiento será en este festival", anticipa Gálvez.

Junto al guitarrista de origen paquistaní Fareed Haque, el bajista chileno estrenará el disco de world jazz "The bridge", que se produjo entre Santiago, París, Madrid y Bangalore, en India, de donde provienen muchos músicos que grabaron vientos, percusiones y voces. "Después de tanto tiempo de gestiones, creo que un legado que dejamos con Pez Records fue decirles a los músicos que sí se podían hacer las cosas a nuestra manera", dice Gálvez.

Ese modelo se replicó y así fue que aparecieron Discos Pendiente y Animales en la Vía. Cada uno tiene 45 discos publicados y ha producido festivales como Jazz Duit, Thelonious Connection, Matucana Jazz o el ciclo de conciertos, talleres y conversatorios que durante cinco años estuvieron en las programaciones del GAM. Músicos pertenecientes a cada catálogo estarán en el Teatro Nescafé de las Artes.

El trompetista Sebastián Jordán volverá a la música del disco "Trapecista", la clarinetista Luz Cuadros hará lo propio con "Desestructura" y el pionero bajista de fusión Ernesto Holman, ganador del premio Pulsar, regresa a su álbum "De raíz". También estarán los ensambles Mousso Afro Jazz y Newentun, además del cuarteto estelar The Chilean Project, que en 2015 grabó un concierto en el club Blue Note de Nueva York y estrenará un documental sobre esa actuación. El contrabajista Roberto Carlos Lecaros completa la programación con su nuevo trío de jazz contemporáneo junto a Carmen Paz González (piano) y Matías Mardones (batería).


Los tres desafíos de Ola Rudner en Chile

El Mercurio

Trabajará con la Orquesta Sinfónica en tres programas diametralmente distintos, uno por semana.
El director sueco conducirá una creación cumbre de Manuel de Falla, piezas escritas en los últimos años y tres obras maestras del Impresionismo. Además, actuará con el famoso violinista Pinchas Zukerman. Aquí, su plan de acción.  

Romina de la Sotta Donoso 

El experimentado director sueco Ola Rudner (1953) acaba de dar inicio a tres intensas semanas de trabajo con la Orquesta Sinfónica Nacional de Chile. Juntos presentarán tres programas diametralmente distintos.

Este viernes y sábado, en el ex Teatro Baquedano (Ceacuchile.com), presentarán una obra cumbre de Manuel de Falla: "El sombrero de tres picos". "Me encanta su nitidez; puedes imaginarte toda la historia. Cuando oyes las danzas de la molinera, ¡sabes inmediatamente qué tipo de mujer es!", dice Rudner.

También tocarán "Ul Kaltum. Retratos de Arauco", del chileno Edgardo Cantón, pieza que califica como "fascinante, rítmicamente compleja y fácilmente comprensible".

El programa incluye el Concierto para timbal (2002), de Russell Peterson, con Gerardo Salazar como solista. "Estoy feliz de trabajar con él, porque lo conozco y sé que el resultado será excelente", asegura Rudner. "El lenguaje de esta obra es melodicista, tiene citas de jazz y de música del cine, y el timbal, que es el protagonista, es muy melódico, no percutido. Para lograr eso, hay que frasear doblemente, exagerar las articulaciones y las dinámicas", dice Salazar.

Tras ser un cotizado violinista, premiado en la competencia Paganini, y concertino en varias orquestas, Rudner fue elegido como asistente por el legendario músico Sandor Vègh, y su carrera como director musical y de ópera despegó, con compromisos en Salzburgo, La Fenice y el Maggio Musicale Fiorentino.

El 4 y 5 de agosto, en el ex Teatro Baquedano, Rudner y la Sinfónica ofrecerán dos jornadas netamente impresionistas. De Ravel tocarán "Mi madre la Oca" y el Concierto para piano en Sol Mayor, con Javier Lanis como solista, y cerrarán con "El Mar", de Debussy.

"Las tres son obras maestras", aclara Rudner, y destaca el carácter, la belleza y el romanticismo de la primera pieza de Ravel, y el virtuosismo y las innovadoras orquestación y rítmica de la segunda.

Respecto de la genialidad de Debussy en "El Mar", dice que "transmitir todas las imágenes que vemos a través de su música ya hubiera sido suficiente, pero él hace mucho más que eso. Logra extraerle colores increíbles a la orquesta, de una forma que nadie más lo ha hecho. Es como si hubiera escrito sensaciones y no armonías".

Su tercer compromiso con la Sinfónica será en el CA 660 (Corpartes.cl), el 10 de agosto. Ese día se alternará, como director, con el famoso violinista Pinchas Zukerman. "Estoy muy contento, él fue uno de mis intérpretes favoritos cuando yo estudiaba violín", comenta. Rudner dirigirá el Doble Concierto para violín y chelo, Op. 102, de Brahms, con Zukerman y Amanda Forsyth como solistas, y la Sinfonía N° 4, "Italiana", de Mendelssohn.

"Poco después de estrenar esta sinfonía, Mendelssohn la reescribió, porque la encontraba demasiado adorable y quería que sonara más como Beethoven, quien para él era insuperable. Brahms también le tenía un enorme respeto a Beethoven, y por eso esperó tanto para escribir su primera sinfonía, pero logró algo en común con él: en sus partituras el material temático está completamente resuelto", cierra Rudner.

Francisco Rettig deja Buenos Aires

El Mercurio

El director chileno Francisco Rettig, confirmado para dirigir esta semana la Orquesta Sinfónica Nacional, optó por dejar Buenos Aires y solidarizar con los músicos, tras saber que a estos no se les pagan los sueldos desde hace meses. Según informó el diario Página /12, Rettig terminó pagando hasta su hotel.

Un concierto de laúd y guitarra

El Mercurio

Los músicos Óscar Ohlsen y Eduardo Figueroa darán un concierto de dúos de laúd renacentista y de guitarra barroca, hoy, en la Fundación Cultural de Providencia. El programa contempla obras de compositores como Vincenzo Galilei, Francesco da Milano, John Dowland, William Lawes, Gaspar Sanz y Santiago de Murcia, además de piezas de la América colonial. La presentación, con entrada gratuita y cupos limitados, comienza a las 19:30 horas, en Av. Nueva Providencia 1995.

Lila Downs: "Ya se puede hablar de feminismo sin que se alteren demasiado los compañeros"

El Mercurio

La cantante defiende el empoderamiento de las mujeres, habla de su dueto con Mon Laferte, el miedo a la violencia en México y de su show en Chile junto a Ana Tijoux del 6 de agosto en el Teatro Municipal.  

José Vásquez 

El discurso se amplifica al micrófono. Lila Downs vuelve cantando sobre amores intensos y viscerales en su reciente disco "Salón, lágrimas y deseo", que presenta relatos de mujeres "peligrosas" como una lectura que se lee editorial de acuerdo a los tiempos. "Siento que vamos progresando", afirma al teléfono desde Oaxaca, en México, la artista que sin izar banderas, enarbola el empoderamiento feminista con una narración que se canta a ritmo de boleros estrujando los sentimientos.

"Me da mucho gusto ver que ahora se pueda hablar así. He estado yendo a Latinoamérica desde hace unos 10 años y antes no se podía decir tanto, pero ahora ya se puede salir del clóset para hablar de feminismo sin que se alteren demasiado los compañeros", dice con picardía la cantante que se presentará el próximo 6 de agosto en el Teatro Municipal, junto a Ana Tijoux y su proyecto Roja y Negro, con el que explora el sonido latinoamericano desde los boleros a los valses.

-¿En qué más ha notado estos cambios?
"Por ejemplo, en este tema del disco, 'Peligrosa' -donde realiza un intenso duelo vocal con Mon Laferte-, los hombres lo ven un poco como una afrenta y las mujeres están felices. Entonces es obvio que hay una percepción muy diferente. Antes nos satanizaban a las mujeres, aunque eso sigue ocurriendo todavía en algunas áreas".

-Usted ha hablado de autocensura en su último disco, por miedo a la violencia en su país. ¿Cómo explica esta dicotomía mexicana, que por otro lado proyecta alegría?
"Bueno, tenemos dos caras, es nuestra naturaleza. Creo que todos los latinos las tenemos un poco, porque así fue como sobrevivimos a todo lo que nos ha pasado. Pero, al mismo tiempo, ahora que tenemos nuestra independencia hay que lidiar con la realidad y la realidad es muy difícil; hay muchos hábitos muy malos, mucha corrupción, ahora se complica con las mafias y todo esto hace que estemos en un estado de violencia que percibimos. Vivimos en una sociedad donde todo funciona, todo marcha, pero todavía hay muchos problemas de justicia que no han sido esclarecidos y eso va pesando más y más, y es una pena porque tenemos tantas cosas tan lindas".

-¿Hay esperanza de que la situación cambie?
"Yo tengo fe en que sí. Hay más gente buena que se preocupa por nuestro país y que lo quiere y que lo siente suyo. Depende de todos nosotros poder cambiarlo. Tenemos que seguir luchando cada quien en su trinchera con lo que le toca hacer, yo componiendo más canciones desde mi punto de vista, ayudando, siendo una fuente positiva, aunque de repente me encuentro con mucha negatividad, pero hay que seguir y eso lo agradezco a las mujeres, porque las mujeres de México son extraordinarias, lidian con tantas cosas y convierten la oscuridad en luz".

-En este disco tiene invitados muy diversos, desde Mon Laferte a Andrés Calamaro, ¿qué los une a usted?
"Me gusta hacer colaboraciones porque siento que crezco musicalmente. El estilo de Calamaro me ha encantado desde hace mucho tiempo y el de Diego el Cigala ni se diga, lo respeto muchísimo. Me encantó lo que hizo Mon, me pareció que 'Peligrosa' fue una canción escrita para que ella la grabara conmigo y eso que la conocí hace solo seis meses cuando hicimos un concierto en Veracruz".

-En Santiago compartirá escenario con Ana Tijoux, ¿planea hacer algún dueto con ella en vivo?
"Aún no hay algo planificado, pero seguro que ahí armaremos alguna revolución. Todavía no conozco su proyecto Roja y Negro, pero ojalá podamos improvisar algo. En mi concierto una mitad será el nuevo disco y la otra los clásicos que el público me pida allá en el Cono Sur".

Duetos

Lila Downs grabó en su último disco "Salón, lágrimas y deseo" con Mon Laferte, Carla Morrison, Andrés Calamaro y Diego el Cigala.

Los Iracundos buscan prolongar la historia de la banda a través de nuevas generaciones

El Mercurio

El conjunto uruguayo cuenta cómo mantienen viva a la agrupación creando música, ya sin sus miembros fundadores. Se presentan este sábado en Santiago.

José Vásquez

La agenda de Los Iracundos no descansa. Aunque en la actual formación del conjunto uruguayo ya no aparecen miembros fundadores, sus nuevos integrantes se van renovando como una dinastía que se traspasa entre generaciones.

"Esto es como un equipo de fútbol. Puede que en el Colo Colo hoy no esté Iván Zamorano, pero el club sigue. Las canciones están y los seguidores continúan con nosotros. Para mí, lo más importante es que los temas continúan instalados en el corazón de la gente", dice Gianni Pivetta, cantante hace 21 años del grupo.

La muerte ha golpeado particularmente a los dueños de éxitos como "Puerto Montt". La última fue la de Leonardo Franco ("Leoni") en 2015, primera guitarra, un puesto que hoy es ocupado por su hijo Adán, quien ya integraba el conjunto antes de la partida de su padre. "En algún momento tampoco voy a estar yo, pero esto continuará. La banda es contemporánea", señala Pivetta antes de su próxima presentación en Santiago, este sábado 29 de julio, en Espacio Belloni.

El cantante cuenta, entusiasmado, que en abril lanzaron una nueva producción que titularon "Apago la luz y llegan los recuerdos", el primero con temas inéditos con la actual formación.

"Antes de que falleciera 'Leoni' teníamos el plan de grabar canciones nuevas, y tras su muerte decidimos que lo mejor era homenajearlo volviendo a grabar algunos éxitos y agregando seis temas nuevos. Nuestra idea es seguir grabando discos próximamente", dice Pivetta, cuyo plan es presentarse durante los próximos meses "en las tres Américas" -cuenta-, con shows en Estados Unidos, Centroamérica y nuevas ciudades de Sudamérica.

En Chile comenzaron su gira el 8 de julio en Tal Tal, con un tour que ya pasó por Valdivia, Temuco, Punta Arenas e Iquique.

Gira por Chile

Los Iracundos se presentan el sábado en Santiago. Antes realizaron shows desde Iquique a Punta Arenas.

B.I.G. extiende el dominio del pop coreano en la cartelera

El Mercurio

El quinteto Boys In Groove se presentará el próximo 21 de septiembre en el Teatro Coliseo.  

J. V. 

El modelo tipo "boyband" se regenera de forma incesante desde Asia. Mientras que en Occidente el formato aún sobrevive con galanes ya maduros, como los Backstreet Boys, Corea del Sur no para de exportar jóvenes proyectos que rápidamente están expandiendo las fronteras del K-pop, un fenómeno que tiene a Chile como una de sus plazas favoritas.

La cartelera local suma un nuevo nombre a una ya nutrida agenda de conciertos provenientes principalmente de Seúl que se realizarán en Santiago entre agosto y octubre. Los últimos confirmados son el quinteto B.I.G. (Boys In Groove), quienes se presentarán el próximo 21 de septiembre en el Teatro Coliseo.

La boyband, que interpreta el pop cruzado por el hip hop con atractivas coreografías, llegará al país gracias a una serie de singles que desde 2014, con "Hello", iniciaron una carrera que también los tiene triunfando en Japón.

Las entradas para el concierto del grupo integrado por J-Hoon, Benji, Gun Min, Min Pyo y Hee Do saldrán a la venta al mediodía del lunes a través de Puntoticket.

Cultura asiática

El furor por el pop coreano explotó en marzo pasado con los dos conciertos que realizó BTS en el Movistar Arena, los que se agotaron en tiempo récord. La cartelera K-pop continúa el 29 de agosto, con Seventeen, en el Movistar Arena, y Monsta X, el 14 de septiembre, en el mismo recinto. KARD realizará una gira por Chile, y se presentará entre el 27 de septiembre y el 1 de octubre en Valparaíso, Concepción y La Serena.

La cultura asiática también llega al país a ritmo de metal alternativo, con los japoneses de Maximum The Hormone, que se presentarán el 26 de octubre en el Teatro La Cúpula y los también rockeros nipones One Ok Rock, quienes actuarán en el Teatro Coliseo el 3 de octubre.

Rolling Stones grabará nuevo disco

El Mercurio

A través de su canal de YouTube, Keith Richards anunció que su emblemática banda volvería al estudio para grabar su primer disco de material original en 12 años "muy, muy pronto". La banda no publica un disco de canciones nuevas desde "A bigger bang" (2005) y el año pasado editó uno de cover titulado "Blue & lonesome".

domingo, julio 23, 2017

Joakín Bello: Notas hacia el silencio

El Mercurio

Algo parecido a un violín eléctrico resuena en el lago. Parece rebotar en los montes y enredarse entre los cactus en la senda que bordea el embalse Puclaro y las cabañas turísticas, y desemboca en el estudio del compositor y multiinstrumentista Joakín Bello, quien, tras vivir en distintos lugares del mundo, eligió radicarse en el lugar que había visto en sueños: el Valle de Elqui.  

Elisa Montesinos 

Hay que sacarse los zapatos para ingresar a su estudio. Ahí, en medio de las sillas, está Joakín Bello, de barba blanca, cabellos largos, túnica color crema y profundos ojos azules. Rodeado de sintetizadores y un piano, toca el instrumento que creó y construyó hace cuatro años, la Bellectra. Del techo cuelga su colección de instrumentos musicales de cuerdas y vientos, recolectados en viajes que lo han llevado de los Himalayas a los Andes, tal como el título de uno de sus discos y que dice relación con la creencia de que el centro magnético terrestre, antiguamente localizado en los Himalayas (Tíbet) se trasladó a los Andes, específicamente a esta zona del norte chico. Grandes ventanales dejan ver el agua del embalse y las montañas del Valle de Elqui. El compositor chileno encontró aquí el sitio ideal para componer y grabar bajo su propio sello disquero, Total Music, que creó en 1989, cuando vivía en Estados Unidos. "Para independizarme de todo aspecto más mercantil y de los vaivenes del mercado", dice.

La Bellectra, modificación del violín eléctrico, le permite un sonido que califica de "cósmico", parte de un estilo catalogado como New Age, y que él prefiere denominar Música Total. Una búsqueda que le ha llevado casi toda la vida y que hace dialogar la tradición clásica europea con la música no occidental, tanto de oriente como de los pueblos indoamericanos, y los sintetizadores y elementos electrónicos de la música contemporánea. Un largo camino que comenzó siendo niño, estudiando violín por una década en el Conservatorio Nacional de la Universidad de Chile con el maestro Jaime de la Jara, recientemente fallecido. Luego obtuvo una beca de la ex Unión Soviética para formarse durante cinco años en el Conservatorio Tchaikovsky con los grandes músicos de aquel entonces en Moscú. Sus jefes de cátedra fueron Aram Khachaturian en composición y Leonid Kogan en violín.

Al interior

Desde que se fue a la URSS a los 18 años, viajó mucho para dar conciertos o por motivos espirituales. Ahora ya no lo atrae recorrer el mundo ni hacer carrera. Prefiere quedarse en su estudio, componiendo, grabando, escribiendo sus libros u oyendo las aguas del embalse, que, según dice, recuerdan a los sonidos del útero materno. Solo sale para dar conciertos. "Me encanta tocar en el valle; he tocado desde en la Cruz del Tercer Milenio hasta en la Capilla de Huanta o en La Serena, Coquimbo, en las plazas, los campos, en los observatorios. Me gusta mucho tocar para la gente de acá".

Pero es en su propio estudio donde ofrece la mayoría de sus conciertos; cantantes como Cecilia Frigerio, bailarines, y poetas como Benjamín León y sus invitados a las Jornadas Mistralianas se han presentado también acompañados por él como anfitrión. Todas las actividades, incluidas charlas de astrónomos y observación en un telescopio que tienen en el lugar, son patrocinadas por la Corporación Cultural Elqui, asociación cultural sin fines de lucro creada por el músico y su asesora legal, Gilda González.

A Puclaro llegó en el 2000, tras buscar sin éxito el lugar que se le repetía en sueños. "Se me empezó a presentar recurrentemente un lugar en el Valle de Elqui. En cierta ocasión yo regresaba de La Serena en auto y advierto que el paisaje que observaba era el mismo de mis sueños. Fue increíble, compré el lugar y estoy feliz acá. Aquí es tremendamente inspirador para componer. Lo principal: hay silencio. Todos los días agradezco al cielo por estar en este lugar".

El cuerpo de la Pachamama

Incorporar las voces de la naturaleza ha sido uno de los gestos que lo han caracterizado desde que sacó el álbum "Detrás del Arcoíris (Beyond the Rainbow)", en 1988. Así como el compromiso con el planeta y la paz mundial. En los álgidos años 80 en Chile, organizó el aún recordado Primer Festival de Santiago por la Paz en el Parque O'Higgins. En 1992 participó en la Cumbre de la Tierra en Río de Janeiro, donde tocó su música ante el Dalai Dama y otros líderes políticos y espirituales del mundo.

El actor Robert Redford lo invitó junto a otros artistas a su rancho para elaborar un documento en defensa del planeta, que fue entregado a la ONU en 1991. La naturaleza es fundamental para él y al igual que varios de los vecinos de la zona, le preocupa el avance minero, simbolizado actualmente en el proyecto Alturas de Barrick Gold, en etapa de prospección. "Soy contrario a la actual Ley de Minería en Chile. Gran parte del agua del río Elqui se va para los relaves mineros. Creo que los minerales están bien donde están, al interior de la Tierra. El oro, el cobre, la plata vibran subterráneamente y, desde ahí, contribuyen magnéticamente al equilibrio del planeta. Extraer metales en grandes cantidades desequilibra al cuerpo más sutil de la Tierra, de la Pachamama".

Más información sobre los conciertos en www.islapuclaro.cl o al mail islapuclaro@gmail.com. Teléfono: 968184839.

Premio para Luis Rossi, clarinetista y luthier

El Mercurio

El músico argentino ha hecho una carrera internacional desde Chile.
A punto de cumplir 70 años , su carrera sigue igual de activa. Sus discos los distribuye Naxos, fabrica tres instrumentos al mes y ahora recibirá un reconocimiento en Orlando.  

Romina de la Sotta Donoso 

"Siento que he vivido aquí la mayor parte de mi vida", dice el clarinetista argentino Luis Rossi. En septiembre cumple 70 años, y se radicó en nuestro país hace 39 años, cuando lo eligieron como primer clarinete de la Orquesta Sinfónica de Chile, posición que ocupó durante tres años. Luego se cambió a la Filarmónica de Santiago, entre 1982 y 1986, y después integró por algunos años la Orquesta de Cámara de Chile.

Pero la práctica orquestal no le bastaba; quería ser un solista. "Dejé la orquesta para dar cursos en el exterior, para dar más recitales y tocar más Conciertos", reconoce. Y lo logró: labró una sólida carrera, actuando en reputados escenarios y ampliando el repertorio.

Sigue igual de activo. En 2016 asumió el desafiante "Cuarteto para el fin de los tiempos" (Messiaen), y pronto dará un recital con la pianista Paulina Zamora. También tiene festivales en Paraguay y Costa Rica; sus seis CD los distribuye Naxos, y trabaja en un nuevo disco con registros históricos suyos.

Además, Rossi tiene otras dos facetas musicales. Por un lado, fue una pieza clave en El Sistema de Venezuela. "José Antonio Abreu me encomendó formar una escuela nacional de clarinete, en 1980. Me lo tomé en serio; viajé cada tres meses a Venezuela por casi 30 años. En uno de esos viajes, en una semana enseñé a 55 alumnos en clases particulares. Ese era el rigor", recuerda. "Dejé de ir hace unos tres años; esos programas se cortaron por la situación económica. Afortunadamente, surgió una maestría en la U. de Chile", detalla.

Su tercera faceta es como luthier y le ha dado fama mundial. Los clarinetistas de la Filarmónica de Israel le encargan a él sus instrumentos. Y lo mismo en la Orquesta Estable del Teatro Colón, la Sinfónica de San Petersburgo y la Orquesta del Teatro Mariinsky. También Paquito d'Rivera lo hace.
Rossi fabrica tres clarinetes al mes. La gran mayoría en madera, pero también algunos son sintéticos. "Mi objetivo siempre fue un mejoramiento del diseño, porque los clarinetes están dominados por fábricas multinacionales, tanto en Francia como en Japón, y todo lo producen en serie. Estoy muy orgulloso de ver que las grandes fábricas han copiado muchas de las cosas que hice. Eso significa que he contribuido a la evolución del instrumento", dice. Sus mayores innovaciones son sus clarinetes sin anillos metálicos, y unos tornillos que los músicos pueden ajustar.

Estas tres facetas musicales serán premiadas el 26 de julio: la International Clarinet Association (ICA) lo nombrará Honorary Member en su congreso anual, en Orlando. Reconocimiento que ya recibieron figuras como el maestro de Rossi, John McCaw, solista de la Orquesta Philharmonia de Londres, Stantley Drucker y Michele Zukovsky, solistas de las filarmónicas de Nueva York y Los Angeles.

Rossi será el primer latinoamericano en recibirlo. "Me lo tomo con sorpresa y con alegría, porque es un muy buen regalo para mis 70 años", comenta. Viajará al congreso en Orlando, como lo ha hecho desde 1991, con clarinetes que les mostrará a sus colegas.

-¿Dónde está la clave del sonido de un clarinete?
"Por un lado, en el material, y por otro, en las dimensiones de las paredes del instrumento. Así como en un violín si la madera está muy gruesa el violín va a ser sordo, en el clarinete es más o menos lo mismo. Es un equilibrio muy delicado y hay muchas posibilidades para que el sonido sea más claro o más oscuro. Cada luthier tiene su receta".

¿Y si ponemos la música en el centro de la educación?

El Mercurio

En los últimos años, diversos estudios muestran los beneficios de aprender a tocar un instrumento en la infancia. En algunos países nórdicos, la enseñanza musical es considerada una parte esencial en el desarrollo de los niños. ¿Qué tiene que hacer Chile para mejorar en este ámbito?  

Guillermo Tupper 

Cuando iba en séptimo básico, Ana Leiva (21) se enamoró del cello. Fue en taller de música de su colegio, el Hispano Italiano de Iquique, donde pasó a formar parte de la orquesta del establecimiento. Después de las clases regulares, sus integrantes tenían lecciones particulares y un ensayo semanal para repasar el repertorio grupal. "Pasó a ser mi segunda prioridad después del colegio", dice. "Te enseña a relacionarte y a compartir con los demás. Y uno empieza a asimilar la frustración: como es un proceso de años, la música te va desarrollando la paciencia y disciplina. Y yo veía que me ayudaba mucho en otras áreas".

Originaria de Alto Hospicio, Leiva encontró su vía de escape a un entorno social precario. Gracias a la orquesta viajó por primera vez en avión y sus presentaciones cubrieron desde las poblaciones más peligrosas de Iquique hasta zonas rurales del sur. Hoy cursa tercer año de Licenciatura en Música en la Universidad Católica y rescata los múltiples beneficios de aprender a tocar un instrumento. "Yo pude ver cómo a mis compañeros de la orquesta les empezó a ir mejor en los ramos que tenían problemas, como matemática, porque se desarrolla una disciplina", señala. "Y no es un desarrollo obligado y latoso. Es algo que ejecutas por gusto".

La profesora de esta joven cellista, e ideóloga de la orquesta, fue Ximena Valverde, una docente de música que trabajó durante diez años en Iquique y Alto Hospicio. En vez de seguir los rígidos métodos de la academia, Valverde -quien hoy cursa un doctorado en España- decidió innovar en sus clases para acercar la música a sus alumnos. Una de sus ideas fue estimular la creación a través del estilo favorito de sus estudiantes: el reggaetón. "Trabajábamos los textos. Ya no vamos a hablar de sexualizar a la mujer, sino de las problemáticas sociales que atañen a la cultura de Alto Hospicio", dice. "Los chiquillos expresaron sus sentimientos y emociones a partir de su propia música".

En sus clases, Valverde pudo comprobar in situ los beneficios de este tipo de enseñanza. "Lo que logramos, al final, son estudiantes más creativos y expresivos, lo que es tremendo en un liceo de Alto Hospicio", apunta. "Hay indicadores cuantitativos que dicen que la educación musical mejora los niveles de autoestima y de trabajo en equipo. El problema que tenemos en Chile es que cada vez nos van reduciendo más las horas de clases. A largo plazo, los principales afectados son los estudiantes que, probablemente, no van a tener en su vida otra opción de acercarse a la música".

Música para el cerebro

En los últimos años, distintos estudios muestran que aprender a tocar un instrumento en la infancia contribuye al desarrollo cerebral de los niños. Esta práctica permite desarrollar una "distinción neurofisiológica" de ciertos sonidos, los que ayudan en la alfabetización y pueden traducirse en mejores resultados académicos. "Tocar un instrumento en la infancia afecta el procesamiento de sonido en el cerebro", dice Nina Kraus, profesora y neurocientífica de la Universidad de Northwestern de Estados Unidos. "El procesamiento del sonido es importante, no solo para la música, sino para la comunicación en general, por ejemplo, a través del habla".

En el 2014, Kraus lideró un estudio que concluyó que, para aprovechar los beneficios cognitivos de una clase de música, los niños no deben ser meros espectadores, sino que involucrarse de forma activa. Midiendo las respuestas cerebrales de un grupo de niños de bajos ingresos de Los Angeles (California) , se demostró que los que tocaban instrumentos tenían un mejor procesamiento neuronal que aquellos que solo apreciaban la música. "Cuando tocan un instrumento, se activan las redes sensoriales, cognitivas y de recompensa", dice.

En la última década, una serie de estudios han establecido que la práctica instrumental también puede ser una defensa adicional a la pérdida de memoria y el deterioro cognitivo. Dos de ellos fueron conducidos por la neuropsicóloga clínica estadounidense Brenda Hanna-Pladdy: en el primero, dividió en grupos a 70 adultos sanos, de entre 60 y 83 años, y determinó que el grupo de los músicos (los que habían tocado un instrumento por diez años o más) marcaba los puntajes más altos en memoria no verbal y visuoespacial. En el segundo, evaluó la edad de adquisición musical y su impacto cognitivo. "Los individuos con una edad de adquisición anterior a los nueve años de edad tuvieron puntuaciones más altas en la memoria de trabajo auditiva, en consonancia con períodos sensibles de desarrollo del lenguaje", dice la investigadora.

Según los expertos, los beneficios de la práctica instrumental van desde cosas simples, como el desarrollo de la psicomotricidad de los niños, hasta otras más profundas, como el desarrollo del pensamiento creativo. "No es solo desde la perspectiva artística, sino que desde la resolución de problemas: cómo un chico, con su instrumento musical, es capaz de descubrir caminos de resolución, por ejemplo, para la ejecución de cualquier tipo de repertorio", afirma Óscar Pino, musicólogo y profesor de música en el Instituto de Humanidades Luis Campino y la Academia de Humanismo Cristiano. "Te autoafirmas como persona, porque adquieres una forma de expresarte nueva que se complementa con las formas tradicionales en las que te relacionas con el mundo o tus pares. Y, tratándose de niños, eso es muy importante".

Los países nórdicos

Uno de los países que tiene a la música como un eje importante de su educación es Finlandia. En su educación general, que es gratuita, la música es una asignatura obligatoria de primero a octavo grado, con una clase semanal. En noveno grado se convierte en electivo y, entre décimo y duodécimo grado, hay un curso obligatorio de música. Sus contenidos son fijados por el Consejo Nacional de Educación -que depende del Ministerio de Educación- y los profesores gozan de mucha autonomía para determinar los materiales y métodos específicos de su enseñanza.

"Yo diría que la educación musical todavía tiene un rol importante en la educación finlandesa, a pesar de que las horas de música han sido poco a poco reducidas", dice Marja-Leena Juntunen, profesora de Educación Musical en la Academia Sibelius de la Universidad de las Artes de Helsinki. "Es considerada una parte esencial de la educación general, una asignatura que apoya el crecimiento holístico y comprensivo de un niño. Tiene un importante rol en su crecimiento, especialmente en los primeros años".

En el sistema de educación artística extracurricular destaca la Asociación Finlandesa de Escuelas Musicales. Activa desde 1956, esta entidad posee 97 escuelas y conservatorios repartidos a lo largo del país, con más de 60 mil alumnos, y sus gastos son financiados por el Estado (57%), la municipalidad (27%) y las familias (16%). Aquí, los estudiantes son instruidos para dominar un instrumento principal y saber de teoría musical, composición, historia de la música, tecnología musical y tocar en ensambles y orquestas. "Los niños son aprendices activos al hacer, experimentar y descubrir cosas", dice Timo Klemettinen, director de la Asociación de Escuelas Musicales en Finlandia y Europa.

Otro país nórdico con un fuerte acento en la educación musical es Suecia. Su modelo de escuelas municipales de música fue fundado en la década del 40, pero no fue hasta los 60 que se esparció rápidamente. Su objetivo general era darles a las nuevas generaciones la oportunidad de tocar un instrumento o cantar, sin importar sus antecedentes culturales o sociales. En la actualidad, existen 283 de estas escuelas en los 290 municipios del país nórdico, las que suman 230 mil alumnos. En los colegios "convencionales", en tanto, la educación musical es obligatoria hasta los 16 años de edad y, en la secundaria superior, los alumnos pueden elegir el "Programa de Estética", donde optan entre música, artes visuales y teatro, entre otras disciplinas.

"En un nivel más general, confío en que la importancia de la educación musical, primero y ante todo, es un asunto de democracia. Dar a los estudiantes acceso a toda la variedad de posibilidades que la música aporta: sociales, musicales y emocionales", apunta Eva Georgii-Hemming, profesora de musicología en la Universidad de Örebro (Suecia) y docente de música en la secundaria durante quince años. "Los estudiantes pueden obtener herramientas para ideas y expresiones y desarrollar un entendimiento de sí mismos y de los demás: cuestiones de identidad, colaboración y habilidades sociales, pero también emocionales y, quizás, existenciales".

 El caso chileno

A finales del siglo XIX, la música se transformó en una asignatura obligatoria en la educación pública chilena. Después de la Guerra del Pacífico, el gobierno de Domingo Santa María vio que a través de la música se podía desarrollar y reforzar una serie de características que el ciudadano promedio tenía que cumplir. "Todas esas cualidades de tipo valórico, como aprender a ser buen chileno, a ser patriota, respetar a las mujeres, las instituciones y los padres se podían enseñar a través de la música y, especialmente, a través del canto", dice Óscar Pino. "Se instaló en el currículum porque se hizo una conexión con ese objetivo moralizante, más que por la música en sí misma".

Entre los años 40 y 60, la Facultad de Artes de la U. de Chile fue el eje de una serie de instituciones aglutinantes -como la Orquesta y Coro Sinfónico y el Instituto de Extensión Musical- que convirtió a Chile en una vanguardia continental de educación musical. "Se instalaron instituciones de capacitación de profesores a nivel iberoamericano y primaba una visión más artística de la música. Así, en el currículo escolar empezaron las primeras indicaciones para que los chicos tocaran instrumentos e incorporaran repertorio folclórico", relata Pino. "Pero, después, con el régimen militar, perdimos la posibilidad de interactuar con el mundo. Mientras, a inicios de los 70, en Occidente se produce una revolución en educación musical súper potente, con la figura señera del canadiense (Raymond) Murray Schafer, que instala el concepto de paisaje sonoro y ecología acústica, nosotros nos perdimos de todo eso".

En julio del 2011, se instaló un debate académico cuando el Ministerio de Educación de la época fijó una reducción para el Subsector de Educación Artística (Artes Visuales y Artes Musicales) de tres a dos horas en quinto y sexto básico, en los establecimientos que no implementan la Jornada Escolar Completa; de cuatro a dos horas en séptimo y octavo básico en el mismo tipo de establecimientos; y de cuatro a tres horas en séptimo y octavo, en aquellos que cuentan con Jornada Escolar Completa. "A nivel de país no se le da la relevancia que tiene la educación musical para la formación, desde los niños de sala cuna en adelante", señala Patricia Vásquez, cantante profesional y decana de la Facultad de Artes y Educación Física de la Universidad Metropolitana de Ciencias de la Educación (UMCE). "Me encantaría que las autoridades entendiesen que la música, en ningún nivel de la formación de niños, es prescindible".

Más allá de esta medida, los expertos coinciden en que la educación musical nunca ha sido una prioridad. "Históricamente, ha tenido una visión bien accesoria en la educación. Mucho de esto tiene que ver con que la enseñanza básica no requiere de especialistas para este tema", señala Francisco Valdés, docente de Pedagogía en Música en la Universidad Alberto Hurtado. "¿Qué hacer para mejorarla? Una cosa muy importante es que todos los niños tengan la experiencia musical desde temprana edad, que se convierta en una actividad habitual y que puedan desarrollar su relación con la música a partir de la creatividad".

Elena Roger y Piazzolla: "La fuerza de esa música te atrapa, quieras o no"


La premiada intérprete de "Evita" y "Piaf" vuelve a Chile con el grupo Escalandrum y el espectáculo "3001 Proyecto Piazzolla". "Escalandrum evoluciona esta música, le aporta algo nuevo, pero no lo hace de manera rupturista, sino desde un lugar que al compositor le habría gustado mucho", dice.  

Juan Antonio Muñoz H. 

Todo llega a su tiempo. Y el tiempo también llegó para que Elena Roger (1974), la voz argentina femenina más destacada de los últimos años, se lanzara sobre la música de Astor Piazzolla. Por supuesto, no lo haría siguiendo los esquemas, digamos, tradicionales, sino buscando un sonido contemporáneo y aun futurista. En "3001 Proyecto Piazzolla", estrenado en 2016, trabaja directamente con Daniel "Pipi" Piazzolla, nieto del compositor, que sabe bien que a su abuelo le gustaba que se interpretaran sus obras, pero no que se hicieran como él las hacía: "Para eso estoy yo; ustedes hagan otra cosa", decía.

Son momentos de muchas conexiones en la vida Elena Roger. Y todo tiene que ver con hechos que se produjeron hace años, cuando ella era una adolescente de 15, comenzaba a estudiar canto y se integraba al grupo Fundación Vida Silvestre, el que levantó la Reserva Ecológica argentina. Eran los días en que se armaba su estructura como artista, y todo aportaba lo suyo.

Como también bailaba, de pronto se sorprendía lanzada sobre "El lago de los cisnes", pues era uno de los long play de su madre, que amaba la música clásica. "Hasta ópera cantaba; cosas como el vals de Mussetta ("La Bohème") o "Ah! Non giunge" ("La Sonámbula"). Pero por ahí iba con mi padre manejando por la 9 de Julio y sonaban los tangos y Piazzolla, y la fuerza de esa música te atrapa quieras o no. Es algo tremendo. Escuchaba, por ejemplo, que a mi madre no le gustaba tanto la corriente de Piazzolla en el tango, y yo trataba de entender por qué. Y estaba también mi hermana, que escuchaba rock, y eso también se me impregnó, con Cerati y Soda", relata con pasión desde Barracas, Buenos Aires, uno de sus hogares, pues el otro está en Ushuaia, en el sur-sur, de donde es su pareja, el actor y cantante Mariano Torre ("Los ricos no piden permiso"), con quien levanta una vida y también una familia y una casa autosustentable -"Nave Tierra", la primera construcción en América, hecha con botellas, neumáticos y paneles de lavarropas- que la tiene enamorada.

Con Mariano tienen a Bahía -"que significa hermosura en árabe"-, un nombre que escogieron porque no querían que su hija fuera referencia de nadie.

Esa poesía de Ferrer...

"3001 Proyecto Piazzolla" la une con Escalandrum, una banda dedicada, fundamentalmente, al jazz y donde no hay bandoneón. Hay contrabajo, piano, batería y tres vientos.

"Son unos hermosos; el sonido que logran es increíble. Esa articulación de los vientos con la que se consigue una fuerza tan poderosa... Trabajamos tan bien juntos; desde el inicio. De hecho, nuestro primer ensayo fue la prueba de sonido de una presentación; yo había estudiado 15 días con sus pistas en Ushuaia mientras ellos estaban en Buenos Aires. Y todo fue perfecto. Salimos a tocar y todo resultó".

¿La voz no se resiente cantando estas cosas? "No, no. Tal vez la única canción que me lleva hacia un momento de tensión es 'Balada para mi muerte', que es una maravilla de intensidad. Todas esa obras son increíbles y te traspasan; en especial las que tienen poesía de (Horacio) Ferrer, como 'Balada para un loco', 'Chiquilín de Bachín', 'La bicicleta blanca'... La imágenes de sus letras... Si escuchás frases como 'Que hoy Dios me deja de soñar...' o 'Mi penúltimo whisky quedó sin beber' o la palabra 'renaceré'... Escalandrum está acostumbrado a todo, tienen una capacidad increíble, y yo aporto lo mío, enfatizar lo que es más dramático o más romántico. Cuando Nico Guerschberg, el arreglador, presenta algo, de inmediato te emocionás... Escalandrum evoluciona la música de Piazzolla; le aporta algo nuevo, pero no lo hace de manera rupturista, sino desde un lugar que a Piazzolla le habría gustado mucho".

"Antes era muy gritona"

Elena ama los animales, las plantas y la vida natural; y quiere dejar bien claras las cosas que le interesan y también hacer una suerte de proclama: "Los artistas somos ejemplo", subraya.

"Estamos aquí por algo; tenemos un contacto con la gente que nadie más tiene. Nos metemos en sus casas y en sus vidas. No es cuestión de andar por ahí diciendo o haciendo tonterías. Para qué puedo hablar con un periodista si no puedo decir algo que sirva. Como digo, somos ejemplo para lo bueno y para lo malo. Aunque para algunos lo bueno nuestro sea considerado lo malo, y al revés. Es parte del juego. Yo soy una artista y canto, pero me gusta comunicar que hay que preocuparse del medio ambiente, ser conscientes de lo que bebemos y comemos, que hay que ocuparse de hacer algo más en la vida que no sea ganar más y más plata. Siempre he sido amante de los animales y ahora me muero por tener un perrito, pero no puedo porque vivimos en medio de viajes y la casa de Barracas aún no está lista. Sería malo para el perro. Tampoco me gusta llevar a los perros en un avión... He resuelto cosas en estos años, como la alimentación, por ejemplo; porque una cosa es querer ser vegetariana y otra es saber hacerlo, sin morir en el intento. Soy vegetariana casi vegana, pero tengo que decir que a veces me muero de ganas de comer lentejas o un buen jamón crudo, y claro que me lo como. No me gusta ser extrema en nada; de pronto uno asume un viaje, pero ese viaje no tiene por qué ser eterno. Uno cambia y la libertad está en eso, en poder volver, en seguir, en cambiar, en alternar. Hay que ejercer la libertad, incluso en el amor".

La vida de Elena Roger está poblada de otras mujeres. Cuatro, principalmente. Eva Perón en "Evita", que la llevó a Londres y Nueva York; Edith Piaf, que también paseó por el mundo; Mina, la extraordinaria cantante italiana, y la gran Lotte Lenya, la mujer de Kurt Weill. ¡Vaya señoras! Se llenó de premios con ellas, incluso el Laurence Olivier por Piaf.

"¿Me preguntás cómo salgo de ellas después de una función? Agotada. Son extraordinarias, pero exigen de uno todo y uno también quiere darles todo. Me he vuelto bastante zen después de ellas. También me ayudó el yoga y la meditación trascendental, supongo. Ahora soy una persona más tranquila. Antes gritaba todo el día, era muy gritona. En casa de mis padres todavía se discute a gritos. He ido puliéndome en todo; antes usaba cosméticos no probados en animales; ahora uso maquillaje solo para las obras".

Elena Roger y Escalandrum -Daniel "Pipi" Piazzolla, en batería y dirección; Nicolás Guerschberg, en piano y arreglos; Mariano Sívori (contrabajo), Damián Fogiel (saxo tenor), Gustavo Musso (saxo alto y soprano) y Martín Pantyrer (clarinete) estarán en el Teatro Nescafé de las Artes el domingo 30 de julio, a las 19:30 horas. Precios entre 54 mil y 25 mil pesos.

El Teatro Oriente reabre con gala estelar

El Mercurio

La Fundación Cultural de Providencia anunció que la reapertura oficial del Teatro Oriente será el viernes 25 de agosto con una Gala Internacional de Ballet, en la que estarán presentes destacados bailarines de compañías de primera línea. "El espectáculo tendrá una segunda función -26 de agosto- gratuita para los vecinos. Ha sido un esfuerzo tremendo para todo el equipo; quisimos darle un realce único a la reapertura del Oriente", comenta el abogado Jorge González Granic, baletómano y miembro del directorio de la Fundación Cultural de Providencia.

Evelyn Matthei, alcaldesa de Providencia, añade que "estamos ansiosos de que lleguen el 25 y 26 de agosto, para que nuestros vecinos sean parte de esta gran presentación, en un teatro más seguro, más cómodo y más acogedor, con espectáculos de calidad, muchos de ellos gratuitos".

Una de las estrellas será la primera bailarina del Ballet Nacional del Sodre de Montevideo, la uruguaya María Riccetto, premiada este año con el Benois de la Danse. "Es algo totalmente inédito que, en un mes, tengamos en Chile a dos de las más grandes estrellas de la danza latinoamericana y ganadoras del Benois de la Danse", dice Granic, refiriéndose a María Riccetto y Ludmila Pagliero (en el Teatro del Lago).

Riccetto integró el American Ballet Theatre hasta que Julio Bocca la convocó para primera bailarina del Ballet del Sodre. En el escenario de Providencia se presentará junto al brasileño Gustavo Carvalho, quien también fue nominado al Benois de la Danse. "Ellos bailarán lo que ya interpretaron en mayo, cuando María recibió el premio en el Teatro Bolshoi de Moscú: el pas de deux del balcón de 'Romeo y Julieta', en la versión de Kenneth MacMillan y que nunca se ha mostrado en Chile", adelanta Granic. También actuará Sebastián Vinet, ex solista del Ballet de Santiago y actual miembro de la Compañía Nacional de Danza de México. "Por primera vez en Chile tendremos a artistas de la Scala de Milán: Vittoria Valerio y Claudio Coviello", asegura el miembro del directorio de la Fundación Cultural de Providencia. Del Ballet de Santiago se confirmó a Gustavo Echeverría, al primer bailarín José Manuel Ghiso y a la primera bailarina estrella, Natalia Berríos.

Dificultades en construcción de nuevo teatro en el GAM amenazan con retrasar su entrega

El Mercurio

Obra registra un 35% de avance a cinco meses del plazo comprometido por el Gobierno.
Instalación de iluminación y sonido podría postergar hasta la próxima administración el pleno funcionamiento del recinto. MOP asegura que se trabajará para cumplir compromiso presidencial.  

Manuel Valencia 

Diciembre fue el plazo definido oficialmente para el término de la construcción del edificio del teatro en el Centro Cultural Gabriela Mistral (GAM) por los ministros de Obras Públicas, Alberto Undurraga, y de Cultura, Ernesto Ottone, en una visita a las faenas que realizaron en abril pasado.
El segundo semestre también aparece en los letreros de obra y se reitera en distintos artículos de prensa dedicados al proyecto.

Luego, en su mensaje del 1 de junio, la Presidenta Michelle Bachelet dijo que "la segunda etapa del GAM" empezaría "a funcionar a principios del próximo año".

Sin embargo, a cinco meses del término comprometido, la meta se avizora compleja. La obra recién completa el 35% de avance y según fuentes ligadas al proyecto, "es muy complejo terminar en diciembre y que el teatro funcione a inicios del próximo año. Hay que instalar la escenotecnia, con luces y audios que no se han usado en un edificio de esta magnitud en Chile. Estaría para junio del próximo año", señalan.

Esta situación se une a dificultades que ha tenido la ejecución de los trabajos, como inundaciones que lo afectaron tras la crecida del río Mapocho en 2016.

Según la directora de Arquitectura del Ministerio de Obras Públicas, Claudia Silva, el 35% de avance se refiere a lo que se ha pagado de la obra. "La empresa constructora nos ha declarado un avance sobre el 60%".

Admite que "no estamos holgados de tiempo, es una obra que está difícil, muy exigida, pero tenemos mucha energía puesta en ella. Es un compromiso tenerlo en verano".

En relación a la escenotecnia, Silva dice que lo más complejo fue definir "un sinfín de alternativas de iluminación y audio. Eso está comprado. Llegó una parte de los productos en junio y el resto llega en septiembre y octubre". A partir de lo anterior, reafirma que el compromiso de la cartera es entregar el teatro "equipado, con butacas, escenografía, vestuario escénico e iluminación". "El Mercurio" intentó conocer la opinión del director del GAM, pero desde el centro declinaron referirse al tema, debido a que aún está en manos del MOP.

Una vez recibida la obra, el centro cultural debe capacitar al personal que destinará a la administración del teatro, lo que podría tomar tres meses.

Para realizar una inauguración oficial del edificio, el Gobierno debe contar con la recepción final de obras de la infraestructura, lo que podría completarse con todos los equipos instalados. Las fuentes insisten que ello es difícil que se produzca antes del 11 de marzo próximo. "Se podría hacer una entrega del edificio, pero tener un cantante de ópera en la inauguración se ve difícil".

Impacto vial

El recinto fue diseñado con 800 estacionamientos, lo que preocupa a los vecinos del sector por el impacto vial que podría generar el teatro, cuando se realicen espectáculos con la capacidad total. "Acá se llena de autos, y con el teatro lleno los autos van a terminar estacionados en segunda fila", dice Cristina Carrasco, residente del barrio.

Para el especialista en transportes y urbanismo, Raimundo Cruzat, la cantidad de estacionamientos es razonable. "A estos lugares la gente no va sola en un auto. No se justifica tampoco hacer un estacionamiento por butaca", señala.

Louis de Grange, experto en transportes, coincide. "El teatro está cerca del metro y es accesible. Un estacionamiento de 800 cupos no es pequeño y si sale por la Alameda podría generar tacos", afirma.

FLUJO

Hoy, el GAM recibe a un millón de personas al año. Con el nuevo recinto operando se espera que esta capacidad aumente a 1,5 millones anuales. 

Detalles

La "gran sala" del GAM hará crecer en 15.800 m2 el recinto cultural, ubicado en el ex edificio de la Unctad. Hoy tiene 22 mil m2 y llegará a 37 mil m2 .

Características: La gran sala tendrá un escenario principal, un foso de orquesta, parrilla sobre el escenario, una caja escénica, sistemas de iluminación, cuatro plataformas eléctricas que ascenderán hasta la superficie, un diseño "electroacústico" y equipamiento de seguridad.

Capacidad: Tendrá 1.853 butacas retráctiles. Si se retiran, en el edificio pueden caber 2.500 personas como máximo.

Monto: El MOP destinará $41 mil millones en la construcción del proyecto que tiene como plazo de entrega oficial el segundo semestre de este año. De ese presupuesto, 75% corresponde a obras civiles y el 25% restante ($10 mil millones) se invertirán en la escenotecnia.

Perl Jam encabezaría el próximo Lollapalooza

El Mercurio

Según el medio brasileño Destak Jornal -que con frecuencia entrega adelantos del festival musical de Perry Farrell-, la banda liderada por Eddie Vedder estaría confirmada como uno de los shows principales de Lollapalooza 2018 en Sudamérica (Chile, Brasil y Argentina). Esta sería la segunda presentación de Pearl Jam en el evento realizado en el Parque O'Higgins, luego que en 2013 cerrara la tercera edición del festival. Además, la publicación señaló que The Killers es otro de los grupos que negocia su participación.

Palmenia Pizarro y Ensamble Musicactual. 22 Julio 2017


Desde que supe que iba a ocurrir este concierto quise darme el tiempo para poder darme una vuelta y finalmente fui.

La ocasión era un Concierto de Doña Palmenia Pizarro acompañada por Conjunto de Cámara dirigido y con arreglos de Sebastián Errázuriz, que iba a ocurrir en ese horrible adefesio arquitectónico de la Universidad San Sebastián entrando por calle Bellavista. 

By the way independiente de las actividades que ahí realicen ese edificio deberían echarlo abajo.

Volviendo a lo nuestro, el concierto comenzó casi puntual a las 19.00, en una sala llena, excelentemente habilitada, con capacidad para unas 500 personas si no me falla el cálculo. Partió la orquesta con un pequeño preludio que se unió a los primeros compases de Cariño Malo, momento en el cual hizo su presencia en el escenario Doña Palmenia Pizarro para  a interpretar el tema con la Orquesta.

Lo que vi en esa hora y media fue único. Cuando uno ve un concierto como este, uno se da cuenta que en ciertos caminos de la música si existen diversos idiomas musicales, diversas vías de la perfomance. Por un lado un músico popular, con una vasta carrera, que tiene flujos de interpretación propios, personales, y que se acompaña siempre por músicos que la conocen al revés y al derecho por los años que llevan juntos, y que saben leer, anticipar, adivinar, sentir, cada variación en los tempos, en cada rubbato, en cada acelerando que va a realizar y realiza, en las variaciones infinitas, en el sentimiento de agregar vueltas al final, en las pausas, y que finalmente se van plegando a la piel del músico y todo suena perfecto.

Por otro lado, es lo que vi en este concierto, están los músicos doctos que se apegan directamente a lo escrito en la partitura, a las directrices del director, a cierta rigidez en la interpretación, pero que no necesariamente llevan años tocando con un músico.

A que viene todo esto?, a que fueron varios los pasajes en el concierto en que los tiempos de la interpretación de la cantante y de la orquesta no fueron alineados, así era posible que Palmenia acelerara, o se tomara más tiempo en algunas frases, y la orquesta seguía por su camino a pesar de los esfuerzos del director de alinearse a las fuerzas interpretativas de Palmenia.

Pero no hay que dejar de reconocer que también hubieron varios pasajes del concierto en que los flujos interpretativos de Palmenia y de la Orquesta se aunaron, dando celestiales resultados. Ahí, uno podía percibir que los arreglos musicales estaban hechos con cariño, con respeto, en algunos casos tratando de emular el sonido de las Orquestas que acompañaban a los músicos en la década de 1950 o 1960 en las radios;  ya que para el director hubiera sido totalmente factible tomar un camino de arreglos difíciles, con enmarañados armonías y rítmicas, pero no, todo fue con respeto, con sincero homenaje a la cantante.

Mientras el concierto iba avanzando Doña Palmenia iba contando historias de cada una de las canciones con una memoria prodigiosa para recordar cada detalle, y esto también hacía que ella misma se fuera relajando mientras iba avanzando el concierto. Así por ejemplo, fue posible escuchar al final del concierto un bis de Cariño Malo brillante, si bien el concierto comenzó con este tema, el tema en su primera versión presentó los detalles de los tempos que comenté párrafos más arriba, pero ahora todo fue perfecto.

Tal vez si hubieran hecho una segunda función, todo hubiera salido perfecto; pero es claro que en muchos casos lo perfecto es enemigo de lo bueno. Y este concierto, en donde se aunaron dos universos de la música chilena, bien valía la pena las casi 3 horas de viaje en total, en una muy buena presentación de Palmenia Pizarro junto a la Orquesta dirigida por Sebastián Errázuriz.

Espero que un evento como este se pueda volver a repetir, y que ideas como estas, de juntar estos universos, puedan ser eternamente posibles.

Víctor Tapia



viernes, julio 21, 2017

Palmenia Pizarro grabará con ingeniero de los Rolling Stones


El Mercurio

La cantante dará mañana un concierto junto a los músicos de la Universidad San Sebastián, presentación que será registrada en vivo por Barry Sage.

JOSÉ VÁSQUEZ 

Juntar en una oración a Palmenia Pizarro con los Rolling Stones suena descabellado, pero el punto de unión se encuentra viviendo en Chile. La voz del "Cariño malo" no disimula su satisfacción: "Tengo a Barry Sage conmigo, lo que me pone muy orgullosa. Él me va a grabar, por lo que siento que definitivamente esto sí que es soñar en grande", expresa.

La cantante habla del ingeniero musical británico que a finales de los 70 y principios de los 80 trabajó con Mick Jagger y compañía en exitosos álbumes, como "Some girls" y "Tattoo you".

Sage -avecindado en el país hace cinco años- es uno de los cabecillas de Mapa Records, compañía nacional que editará el próximo proyecto de la artista: un concierto de cámara que será registrado en vivo y posteriormente lanzado en formato de disco compacto y DVD y que se transformará en la producción número 84 de Palmenia.

"Barry también hará la mezcla, por lo que la calidad está asegurada", dice la cantante sobre el ingeniero, que también cuenta en su currículum con trabajos con bandas chilenas como Solar y Alamedas, entre otras.

La artista admite sentir "algunos nervios" antes de la presentación que se realizará mañana -a las 19:00 horas en el Aula Magna de la sede de Bellavista de la Universidad San Sebastián, en Bellavista-, principalmente por la adaptación a los nuevos arreglos de cuerda de sus éxitos.

Hace un año, Sebastián Errázuriz, el director musical de la universidad, le propuso este proyecto centrado en su repertorio, pero interpretados por una orquesta de 12 músicos.

"Él respetó la esencia de algunas canciones, y los arreglos quedaron maravillosos", aplaudía la cantante después de uno de los ensayos durante esta semana del concierto que lleva por título "¡Qué lindo canta Palmenia!".

"Voy a cantar mis canciones desde la década del 60, pero con los nuevos matices de Sebastián (Errázuriz), muy en su estilo. Al tener mis canciones arraigadas, me he sorprendido de las nuevas versiones, cuando hay que hacer compases de espera, pero para eso hemos estado ensayando", cuenta la cantante.

Tributo a Juan Gabriel

El concierto también incluirá una sección de homenaje al fallecido ídolo mexicano Juan Gabriel. Se tratará de un espacio más íntimo, donde solo estará acompañada de un piano para interpretar un par de temas de él. La artista también tendrá la compañía de su director artístico, Roberto Trujillo, y la cantante Soledad del Río en un tema que anuncia como sorpresa.

"Siento que todavía puedo plantearme desafíos. Sebastián está muy entusiasmado, y a él le ha gustado mucho cómo está sonando todo, lo que finalmente nos ha dado mucha tranquilidad", señala Palmenia Pizarro.

Sábado 22 de julio a las 19 horas. Campus Bellavista. Bellavista 7, Recoleta, Santiago, Chile
Entrada Liberada
Puede confirmar su asistencia Acá

Cumbre chileno-argentina tributó a Violeta Parra en el Teatro Colón de Buenos Aires

El Mercurio

Músicos de ambos países realizaron la noche del miércoles un concierto sinfónico en el tradicional recinto trasandino por el centenario de la artista, algo que se busca replicar en Chile. La Presidenta Michelle Bachelet aplaudió el espectáculo desde un palco.

Jorge Soto

Buenos Aires
 Las voces de Javiera Parra y Soledad Pastorutti se unieron el miércoles para dar inicio a un homenaje sinfónico que también juntó a dos países. La obra de Violeta Parra, la festejada en el centenario de su natalicio, llegó hasta el tradicional Teatro Colón de Buenos Aires, que anoche abrió sus puertas a las composiciones de la principal cantautora chilena que fue tributada por artistas de ambos lados de la cordillera.

Parra y Pastorutti interpretaron "Run run se fue pa'l norte" en la obertura del espectáculo, que contó con los arreglos orquestales del maestro chileno Guillermo Rifo y que tuvo la dirección artística de Ángel Parra.

El ex guitarrista de Los Tres llegó la semana pasada a la capital trasandina, donde tuvo intensas jornadas de ensayo junto a Rifo, a quien agradeció a través de su cuenta de Instagram. "Él con sus arreglos y su humildad supo hacer de las canciones geniales de Violeta una realidad sinfónica".

El músico también utilizó esta red social para criticar a TVN por no transmitir en directo el espectáculo, "luego de mucho insistir", argumentó. Desde la señal pública admitieron poseer los derechos del evento, pero manifestaron que aún no definían el momento de su emisión. De todas maneras, ayer, el concierto fue llevado a las pantallas por la televisión pública argentina y se transmitió online en la página del Consejo de la Cultura.

El Miércoles, el espectáculo titulado "Concierto Sinfónico Violeta Parra 100 años" comenzó con el actor Patricio Contreras introduciendo a la obra de la cantautora, que con sus temas más representativos -como "Casamiento de negros", en la voz de Kevin Johansen; "El rin del angelito", en la interpretación de Gepe, o "La jardinera", a cargo de Sandra Mihanovich- se fue sucediendo durante la jornada.

Participaron también músicos como Camila Moreno, Roberto Márquez, Patricio Manns y Beto Cuevas por Chile y Loli Molina, por Argentina, entre otros, que se unieron al final de la presentación cantando un coreado "Gracias a la vida".

Admiración presidencial


Terminado el concierto, una entusiasmada Soledad Pastorutti declaraba que "este homenaje puede ir por el mundo, incluso pueden ser otros los intérpretes, la única que no puede cambiar es Violeta", proponía, y Javiera Parra, quien se declaraba todavía emocionada por la experiencia, celebraba que "un teatro tan importante, tan docto y, digamos, no dedicado al arte popular, se haya abierto para la Violeta".


La nieta de la cantautora contó que el proyecto se había iniciado hace seis meses, cuando comenzó a recibir los primeros audios con los arreglos orquestales y que recién hace dos días pudieron ensayar con todos los invitados. "Espero que tengamos homenajes de este nivel en Chile, estamos en conversaciones para poder replicar algo tan lindo como esto. Todavía no puedo anunciar una fecha, pero por cierto que queremos que sea en el Teatro Muncipal", apuntó Parra.

La Presidenta Michelle Bachelet, quien vio el espectáculo desde un palco del teatro, también manifestó su admiración por la artista. "Tanto la comunidad chilena como la argentina han tenido un momento especial, y yo creo que esta es una gran conmemoración a Violeta Parra, una gran mujer, gran luchadora. Preocupada de lo humano y a veces también de lo divino, y de los dolores y amores de nuestros pueblos".

La Mandataria señaló que se están preparando más actividades para conmemorar en el país el centenario de la cantautora. "No queremos que sea un solo día (el 4 de octubre). Queremos que la voz de Violeta esté siempre presente en las nuevas generaciones".

La Jefa de Estado estuvo acompañada por el ministro de Cultura, Ernesto Ottone; el embajador en Argentina, José Antonio Viera-Gallo, e Isabel Parra, hija de Violeta.




Muere Chester Bennington, líder de Linkin Park

El Mercurio

El cantante tenía 41 años y se habría quitado la vida en su hogar.  

El luto sigue persiguiendo a la música, Chester Bennington (41), la voz irascible de Linkin Park, fue encontrado sin vida ayer en su residencia de Palos Verdes, en California.

Agencias de noticias como The Associated Press y portales dedicados a las informaciones del mundo del espectáculo, como TMZ, divulgaron tempranamente la tesis del suicidio por ahorcamiento, lo que conmocionó a sus compañeros de grupo y seguidores.

"En shock y con el corazón roto, pero es verdad", comentó en redes sociales Mike Shinoda, miembro del conjunto que ayer tenía planificado reunirse para una sesión fotográfica que no se alcanzó a realizar.

La banda, que se presentó el pasado 9 de mayo en el Movistar Arena, estaba en completa actividad e iba a iniciar el próximo jueves 27 de julio un nuevo tour por Estados Unidos para promocionar su reciente disco, "One more light".

La vida de Bennington estuvo marcada por el dolor, al confesar un abuso sexual del que fue víctima cuando era niño. El cantante había contado que durante años luchó contra las drogas y el alcoholismo, señalando en 2011 que desde entonces llevaba seis años sobrio.

El músico era amigo cercano a Chris Cornell -el líder de Soundgarden que se quitó la vida en mayo pasado, donde Bennington incluso cantó "Hallelujah", de Leonard Cohen, en su funeral-, dejó a seis hijos, producto de dos relaciones.

Camerata Vocal da inicio a nueva temporada coral

El Mercurio

Obras de Janequin , Debussy, Saint-Saëns, Ravel, Poulenc y Duruflé interpretará el jueves 27 la Camerata Vocal de la U. de Chile, en la apertura el 27 de Julio de la Temporada Coral 2017 del ex Teatro Baquedano (19:40 horas, $6 mil). "He tratado de hacer una muestra de lo que son, a mi juicio, los períodos más significativos de la música francesa", asegura Juan Pablo Villarroel, director del conjunto.

La pianista Gabriela Montero estrena obra propia en el Teatro del Lago

El Mercurio

Junto con la YOA Orquesta de las Américas, y en el marco del Festival de Invierno, la intérprete venezolana tocará en Frutillar obras de Copland, Ravel y Stravinsky. También estrenará su propio Concierto para Piano N° 1.  

Daniela Silva A. 

En este territorio, por los conciertos que dio en 2013 y 2016, ya se la conoce, en vivo, como una virtuosa pianista, con grandes habilidades y gusto por la improvisación, y también como una acérrima opositora a los gobiernos de Hugo Chávez y de Nicolás Maduro. "Los músicos no somos artistas que vivimos en una nube donde nada nos toca o afecta. Con nuestro arte les damos voz a los que no la tienen", enfatizó, en 2016, durante una entrevista con "Artes y Letras".

Pero hoy, en el Teatro del Lago de Frutillar, el público local podrá apreciar otra faceta de la venezolana Gabriela Montero (1970), cuando estrene una obra compuesta por ella: su Concierto para Piano N° 1. Lo ejecutará en compañía de la YOA Orquesta de las Américas -con la que ganó un Grammy Latino (2015)-, y bajo la dirección del mexicano Carlos Miguel Prieto (1965).

Durante la presentación en el Espacio Tronador del teatro, la pianista también tocará "El salón México", de Aaron Copland; el Concierto para Piano en Sol Mayor, de Maurice Ravel, y "Petrushka", de Igor Stravinsky.

Así sigue el Festival de Invierno que el teatro desarrolla, junto con la YOA Orquesta de las Américas, hasta el 22 de julio. El encuentro, que terminará con el violonchelista Gautier Capuçon, ha contemplado conciertos de cámara -con músicos de la YOA y el Ensamble Residente del Teatro del Lago-, ensayos abiertos y conversaciones. "Calculamos que entre todas estas instancias, al cierre habremos convocado a unas 1.600 personas. Ha sido magnífico: proyectos como este, que cruzan lo artístico y lo educativo, nos hablan de la visión y el espíritu del teatro. Hemos reunido a jóvenes músicos de 24 países con grandes maestros, y con Montero y Capuçon. Y, además, desarrollamos actividades gratuitas y le mostramos el backstage al público", dice Carmen Gloria Larenas, directora artística del teatro.

En tanto, la pianista Gabriela Montero llevará al disco su concierto de hoy (para el sello Orchid Classics). Lo grabará con la asistencia en el sonido de Jonathan Allen, quien por 22 años trabajó en los Abbey Road Studios de Londres, y ha hecho registros en la Royal Opera House. Un momento -inédito en la historia de este escenario- que además será documentado por el canal franco-alemán ARTE.

 EL FESTIVAL

Continúa mañana con el concierto de Montero y el sábado con la presentación de Gautier Capuçon (Teatrodellago.cl).