El Mercurio
La actividad comenzará mañana con una caravana y una gala que se realizará en el Centro GAM. También habrá funciones gratuitas y exposiciones.
Eduardo Miranda
El año pasado, el Congreso aprobó que el primer sábado de septiembre, las artes circenses festejen su Día Nacional. Y en esta segunda celebración, el gremio ya se alista para una fiesta que se desplegará por Santiago y que tendrá espectáculos, exposiciones y clases gratuitas.
"Teníamos una deuda con el circo. Hace siete años que el ministerio creó su área de artes circenses y el gremio ha sido muy activo en la conformación de la ley de artes escénicas", explica la ministra de las Culturas, Consuelo Valdés, quien luego agrega: "Durante esta gestión pretendemos apoyar al circo, definitivamente. Yo, desde niña, fui muy fanática y lo sigo siendo".
Efectivamente, será la propia secretaria de Estado quien encabezará el festejo que comenzará mañana a las 10:00 horas con el llamado "Convite circense" , una caravana de artistas que recorrerán la Alameda, desde Los Héroes hasta al Centro GAM, donde se realizará un espectáculo de 50 minutos en su plaza central.
Aunque el Día Nacional es oficial desde 2017, el sindicato de artistas circenses lleva realizando esta celebración desde 2003. "Hemos acogido esta celebración con mucho entusiasmo, para homenajear a los artistas tradicionales que asombran a grandes y chicos", agrega Felipe Mella, director ejecutivo del GAM.
Un total de nueve distintos shows serán parte de la actividad que también tendrá una exposición y talleres: de hecho, en el mismo centro cultural se presenta la exposición "El circo hoy" , del fotógrafo Francisco Bermejo, quien retrata la vida de 60 circos tradicionales.
En el Teatro Caupolicán también se realizará la Gala del Congreso Internacional de Circos Sudamericanos , mientras que en las casas de circo del Barrio Matta se presentarán exposiciones de juguetes, afiches y también funciones de distintas agrupaciones del nuevo circo. A las 19:30 horas, además, habrá un acto circense en la Corporación Cultural de Las Condes.
Mañana también comienzan las funciones de "Cirquero" , una obra teatral que narra las vicisitudes de un hombre de circo a comienzos del año 1900 en Chile. Con dirección de Héctor Valencia y Carlos Gajardo, la puesta familiar está a cargo de la compañía Fundación Museo del Circo Chileno y tendrá funciones durante todo el mes en Mori Plaza Vespucio.
viernes, agosto 31, 2018
jueves, agosto 30, 2018
Tito Fernández lanza nuevo disco
En esta nueva producción grabado a principios de este año, el gran folclorista chileno hace una evocación poética de su infancia, con temas con los cuales todo el público se sentirá identificado.
Humberto Baeza Fernández, más conocido como Tito Fernández o El Temucano, nos presenta su nueva producción discográfica “Décimas por mis Raíces”, álbum que contiene 10 canciones, todas de su autoría y donde rememora sus primeros años de vida. Este nuevo disco, que se lanza ad portas de una nueva celebración del 18 de Septiembre, ya está disponible en formato físico y a partir del día Viernes 31 de Agosto se puede descargar en las plataformas de música digital.
“Décimas por mis Raíces” es el disco más íntimo del cantautor y a través de su poesía, busca que sus seguidores se sientan identificados con la descripción de su infancia, que resultará muy familiar para todos. Dentro de este álbum, se encuentran los temas “Junto al huacho Jacinto”, “De las yuntas y la vida trunca”, “Brindo por la construcción” y “El asao”, donde El Temucano se adentra en la epopeya campesina, donde se camina por el surco rural y donde encontramos el legado del ingenio campesino que tantas canciones ha inspirado.
Como parte de este lanzamiento, Tito Fernández realizará una firma de discos, este viernes 31 de agosto a las 18:00 hrs., en la disquería Punto Musical, ubicada en Estado 46, Santiago Centro. Y para celebrar estas Fiestas Patrias, se presentará en el concierto “Si vas para Chile”, en el Teatro Municipal de Las Condes del 7 al 12 de septiembre; en Coquimbo el día 15; en las Fondas del Parque O´Higgins el 16, en Valdivia el 17, en el Parque Padre Alberto Hurtado el 18 y en Calama el 19 de septiembre. Asimismo, El Temucano fue invitado para participar en el gran concierto de Palmenia Pizarro y Buddy Richard, que se realizará el 30 de septiembre en el Teatro Caupolicán.
Con una increíble trayectoria, más de 50 discos editados y 10 Discos de Oro, Tito Fernández lanza este nuevo disco de manos de Música y Marketing Chile Spa, sello que congrega a exitosos cantantes y grupos nacionales.
"Biografías" la gira que reúne a Isabel Parra e Inti Illimani en concierto por Chile
Comunicado de prensa
Después de dos concurridas presentaciones en Linares y Curicó los músicos preparan detalles para continuar un viaje que los llevará por diversos escenarios del país.
Se trata de un show único, que celebra los 50 años de Inti Illimani y homenajea la obra y carrera de Isabel Parra.
Con la finalidad de acercar la música a distintos rincones de Chile es que Isabel Parra e Inti Illimani recorrerán algunos de los escenarios más importantes del país presentando “Biografías”, un concierto con todo el virtuosismo de quienes son parte de la historia de la música chilena.
La gira, que fue inaugurada con dos presentaciones en Linares y Curicó, continúa su camino por la sexta región para presentar un concierto el sábado 08 de septiembre a las 20:30 hrs. en el Teatro Regional de Rancagua, para luego dar paso a las fechas programadas en Valparaíso y Santiago.
En esta ocasión interpretarán los temas más destacados de la cantautora, con nuevos arreglos musicales que la agrupación realizó especialmente para esta oportunidad. Además, presentarán algunos temas de la Cantata “Canto por una Semilla”, álbum basado en las décimas de Violeta Parra, que Isabel e Inti-Illimani grabaron en 1978.
“Este es un homenaje a la carrera y obra de Isabel Parra y una celebración de los 50 años de Inti-Illimani, pero sobre todo, es un reconocimiento a la música chilena y al salto enorme que ha tenido en las últimas décadas, en las cuales se ha posicionado en el mundo entero como una propuesta interesante y novedosa”, explica Jorge Coulon, líder de Inti-Illimani.
Se trata sin dudas de una gira única en cuanto a su esencia musical, que cuenta con todo el sentimiento de un tiempo pasado, pero completamente actual y pensado en el mañana. En él, sus protagonistas harán gala de sus historias musicales, que se entrelazan desde el comienzo de sus carreras, donde han colaborado en conciertos, giras y grabaciones.
El nombre de la gira fue tomado del término griego bios (“vida”) y graphein (“escribir”), es decir una narración que resume los principales hechos de la vida de una persona. En esta línea entonces, es que Isabel Parra e Inti-Illimani harán un repaso por sus historias, marcadas desde siempre por la música.
Isabel Parra es una de las grandes exponentes de los ritmos populares chilenos y latinoamericanos. Hija de Violeta Parra, ha dedicado su vida al folclore de las formas poéticas y musicales propias de nuestra tierra, formando una destacada discografía como solista y transformándose en la más destacada figura femenina de la Nueva Canción Chilena. Este año, la cantautora postula al Premio Nacional de Música, moción que Inti-Illimani apoya plenamente.
Por su parte, Inti-Illimani comenzó su carrera en 1967 como un grupo de estudiantes unidos por sus intereses e ideales. Desde entonces son parte fundamental de la música chilena, que se ha mantenido en el tiempo y traspasado generaciones. En 2017 la agrupación celebró el aniversario de sus 50 años y la conmemoración de los 100 años de la Violeta Parra, realizando un homenaje en su gira “El Canto de Todos”, donde entregaron un nuevo sonido a las composiciones de la gran artista nacional.
“Biografías” será una gira imperdible que contará con lo mejor de estos dos grandes de la música, quienes han dejado huella en la historia artística chilena.
Fechas de la gira “Biografías”:
- Teatro Regional de Rancagua - 08 de agosto - 20:30 horas
Valores de las entradas $14.000, $20.000, $28.000 y $36.000, a la venta a través de Ticketpro (más cargos por servicio).
- Teatro Municipal de Valparaíso - 31 de octubre - 20:30 horas
Valores de las entradas $6.000, $15.000, $20.000, $25.000 y $30.000, a la venta a través del sistema Ticketek (más cargos por servicio).
- Teatro Corpartes, Santiago - 18 de noviembre - 20:30 horas
Valores de las entradas $12.000, $20.000, $28.000, $32.000 y $37.000, a la venta a través del sistema Ticketek (más cargos por servicio).
Pollo Fuentes, Germán Casas, Wildo, Hermanos Zabaleta Agendan nuevas fechas de concierto
Comunicado de prensa
Todo un suceso resultó la reunión de estos seis grandes de la música chilena. Es por eso que José Alfredo Fuentes, Wildo, Germán Casas, Hermanos Zabaleta y la Orquesta del Maestro Horacio Saavedra anunciaron conciertos en Coquimbo, Concepción y Gran Arena Monticello.
Con la finalidad de revivir recuerdos y evocar a la nostalgia, José Alfredo Fuentes, Wildo, Germán Casas y los Hermanos Zabaleta junto a la Orquesta del Maestro Horacio Saavedra, desarrollaron el proyecto artístico llamado “Inolvidables de Siempre”. Su primera presentación fue el 5 de agosto en el Gran Arena Monticello, ocasión en la que un recinto sold out disfrutó, bailó y ovacionó a este grupo de artistas.
Convocados por una amistad de años y la inquietud de presentarse en un formato diferente, los “Inolvidables de Siempre” realizaron un concierto de primer nivel donde interpretaron lo mejor de sus exitosos repertorios. Debido a la gran convocatoria y al interés despertado por ver a estos grandes de la música nacional, es que decidieron agendar nuevos conciertos: el 14 de septiembre en el Enjoy de Coquimbo, el 28 de octubre en el Gimnasio Municipal de Concepción y el 25 de noviembre en el Gran Arena Monticello.
Asimismo, luego de su primer concierto y gracias a la increíble recepción del público, decidieron grabar el tema “Inolvidables”, donde plasmaron sus recuerdos de los años en que se hicieron de un nombre en la escena musical. De la autoría de Wildo, los arreglos musicales de Miguel Zabaleta y la producción de Fisu, el tema es interpretado por los cinco cantantes acompañados de la Orquesta de Horacio Saavedra.
En los siguientes conciertos, los “Inolvidables de Siempre” presentarán sus mejores canciones con una puesta en escena diferente e innovadora, músicos en vivo, coros e iluminación de primer nivel, que transforman a estos shows en únicos.
Los imperdibles espectáculos de los “Inolvidables de Siempre” se realizarán el viernes 14 de septiembre, a las 20:00 hrs., en el Enjoy de Coquimbo (entradas a la venta en Puntoticket); el domingo 28 de octubre, a las 16:00 hrs., en el Gimnasio Municipal de Concepción (entradas a la venta en Ticketpro) y el domingo 25 de noviembre, a las 17:00 hrs., en el Gran Arena Monticello (entradas a la venta en Ticketpro).
Todo un suceso resultó la reunión de estos seis grandes de la música chilena. Es por eso que José Alfredo Fuentes, Wildo, Germán Casas, Hermanos Zabaleta y la Orquesta del Maestro Horacio Saavedra anunciaron conciertos en Coquimbo, Concepción y Gran Arena Monticello.
Con la finalidad de revivir recuerdos y evocar a la nostalgia, José Alfredo Fuentes, Wildo, Germán Casas y los Hermanos Zabaleta junto a la Orquesta del Maestro Horacio Saavedra, desarrollaron el proyecto artístico llamado “Inolvidables de Siempre”. Su primera presentación fue el 5 de agosto en el Gran Arena Monticello, ocasión en la que un recinto sold out disfrutó, bailó y ovacionó a este grupo de artistas.
Convocados por una amistad de años y la inquietud de presentarse en un formato diferente, los “Inolvidables de Siempre” realizaron un concierto de primer nivel donde interpretaron lo mejor de sus exitosos repertorios. Debido a la gran convocatoria y al interés despertado por ver a estos grandes de la música nacional, es que decidieron agendar nuevos conciertos: el 14 de septiembre en el Enjoy de Coquimbo, el 28 de octubre en el Gimnasio Municipal de Concepción y el 25 de noviembre en el Gran Arena Monticello.
Asimismo, luego de su primer concierto y gracias a la increíble recepción del público, decidieron grabar el tema “Inolvidables”, donde plasmaron sus recuerdos de los años en que se hicieron de un nombre en la escena musical. De la autoría de Wildo, los arreglos musicales de Miguel Zabaleta y la producción de Fisu, el tema es interpretado por los cinco cantantes acompañados de la Orquesta de Horacio Saavedra.
En los siguientes conciertos, los “Inolvidables de Siempre” presentarán sus mejores canciones con una puesta en escena diferente e innovadora, músicos en vivo, coros e iluminación de primer nivel, que transforman a estos shows en únicos.
Los imperdibles espectáculos de los “Inolvidables de Siempre” se realizarán el viernes 14 de septiembre, a las 20:00 hrs., en el Enjoy de Coquimbo (entradas a la venta en Puntoticket); el domingo 28 de octubre, a las 16:00 hrs., en el Gimnasio Municipal de Concepción (entradas a la venta en Ticketpro) y el domingo 25 de noviembre, a las 17:00 hrs., en el Gran Arena Monticello (entradas a la venta en Ticketpro).
El músico tiene 32 años y raíces libanesas y mexicanas: El pianista francés Simon Ghraichy debuta hoy con la Sinfónica de Chile
El Mercurio
El artista de Deutsche Grammophon tocará el Concierto para piano de Grieg y "Rhapsody in Blue" de Gershwin. Dirige José Luis Domínguez.
Romina de la Sotta Donoso
El cotizado pianista Simon Ghraichy (1985) debuta en Santiago en el concierto que la Orquesta Sinfónica de Chile agendó con la Fundación CorpArtes para hoy en Rosario Norte 660.
"Antes que todo soy francés, llegamos a Francia cuando yo tenía cuatro años. Pero mi mamá es de México y mi papá, libanés; tengo los tres pasaportes y mis vínculos con las tres culturas son muy fuertes", dice, en castellano. Esto se ha traducido en una estrecha colaboración con el Festival Baalbeck, del Líbano, y con compositores libaneses radicados en París, por un lado. Por el otro, el 16 de septiembre celebrará la Independencia de México con un recital, e incluyó obras de Arturo Márquez y de Manuel María Ponce en "Heritages" (2017), el primer CD que grabó con Deutsche Grammophon.
"El próximo disco será lanzado en febrero. Su tema es la locura y el frenesí. Habrá una obra mayor del repertorio pianístico, 'Humoresque', Opus 20, de Schumann, y después un caleidoscopio de pequeñas obras de autores como Philip Glass y Michael Nyman. Tal vez el nuevo público compre el disco por una de estas obras, pero tendrá la chance de escuchar media hora de Schumann. Creo que hacer vínculos entre diferentes obras y compositores, del pasado y del presente, es más adecuado para nuestra época que grabar solamente una gran obra de repertorio", asegura. También grabará una obra del italiano Jacopo Baboni (1971), quien trabajó con Luciano Berio.
El concierto de la Sinfónica será dirigido por José Luis Domínguez y se harán presentes tres compositores que son pilares de la música estadounidense: Bernstein, con la obertura de su opereta "Candide" (1956) -solo cinco días después de su centenario-; Copland, con la suite del ballet "Billy the Kid" (1938), y Gershwin, con "Rhapsody in Blue" (1924). Se sumará un monumento noruego: el Concierto para piano de Grieg, de 1868. Las dos últimas contarán con la actuación solista de Simon Ghraichy.
Todas las obras elegidas contienen algún elemento de la música tradicional; Bernstein bebe de la música popular, Copland incorpora seis canciones cowboy y Gershwin introduce el jazz en la música de concierto.
Grieg, en tanto, integra melodías del folclor noruego en su romántico Concierto para piano. "Es cierto, y el final del tercer movimiento podría ser incluso una danza latinoamericana, pues tiene un swing que es muy raro para la música europea. Me encanta que Grieg combine elementos populares con la riqueza intelectual de la música clásica", dice Ghraichy.
Y respecto de "Rhapsody in Blue", aclara que "es puro jazz, pero jazz escrito. Gershwin lo puso todo en la partitura y ofrece sonoridades geniales".
El artista de Deutsche Grammophon tocará el Concierto para piano de Grieg y "Rhapsody in Blue" de Gershwin. Dirige José Luis Domínguez.
Romina de la Sotta Donoso
El cotizado pianista Simon Ghraichy (1985) debuta en Santiago en el concierto que la Orquesta Sinfónica de Chile agendó con la Fundación CorpArtes para hoy en Rosario Norte 660.
"Antes que todo soy francés, llegamos a Francia cuando yo tenía cuatro años. Pero mi mamá es de México y mi papá, libanés; tengo los tres pasaportes y mis vínculos con las tres culturas son muy fuertes", dice, en castellano. Esto se ha traducido en una estrecha colaboración con el Festival Baalbeck, del Líbano, y con compositores libaneses radicados en París, por un lado. Por el otro, el 16 de septiembre celebrará la Independencia de México con un recital, e incluyó obras de Arturo Márquez y de Manuel María Ponce en "Heritages" (2017), el primer CD que grabó con Deutsche Grammophon.
"El próximo disco será lanzado en febrero. Su tema es la locura y el frenesí. Habrá una obra mayor del repertorio pianístico, 'Humoresque', Opus 20, de Schumann, y después un caleidoscopio de pequeñas obras de autores como Philip Glass y Michael Nyman. Tal vez el nuevo público compre el disco por una de estas obras, pero tendrá la chance de escuchar media hora de Schumann. Creo que hacer vínculos entre diferentes obras y compositores, del pasado y del presente, es más adecuado para nuestra época que grabar solamente una gran obra de repertorio", asegura. También grabará una obra del italiano Jacopo Baboni (1971), quien trabajó con Luciano Berio.
El concierto de la Sinfónica será dirigido por José Luis Domínguez y se harán presentes tres compositores que son pilares de la música estadounidense: Bernstein, con la obertura de su opereta "Candide" (1956) -solo cinco días después de su centenario-; Copland, con la suite del ballet "Billy the Kid" (1938), y Gershwin, con "Rhapsody in Blue" (1924). Se sumará un monumento noruego: el Concierto para piano de Grieg, de 1868. Las dos últimas contarán con la actuación solista de Simon Ghraichy.
Todas las obras elegidas contienen algún elemento de la música tradicional; Bernstein bebe de la música popular, Copland incorpora seis canciones cowboy y Gershwin introduce el jazz en la música de concierto.
Grieg, en tanto, integra melodías del folclor noruego en su romántico Concierto para piano. "Es cierto, y el final del tercer movimiento podría ser incluso una danza latinoamericana, pues tiene un swing que es muy raro para la música europea. Me encanta que Grieg combine elementos populares con la riqueza intelectual de la música clásica", dice Ghraichy.
Y respecto de "Rhapsody in Blue", aclara que "es puro jazz, pero jazz escrito. Gershwin lo puso todo en la partitura y ofrece sonoridades geniales".
CHV Live busca acercar la televisión a los jóvenes sub 25
El Mercurio
La nueva plataforma del canal de Turner emitirá contenidos dirigidos a ese segmento, entre ellos eventos como el lanzamiento del nuevo disco de Javiera Mena o el programa de Natalia Valdebenito, "Café con Nata".
Patricia Cerda F.
Es un hecho. Los adolescentes y los jóvenes cada vez ven menos televisión abierta. No solo lo indica el que estén optando por nuevas tecnologías para entretenerse, sino, además, que no encuentran en la pantalla tradicional contenidos que se ajusten a sus intereses.
Precisamente con la idea de acercarse al segmento menor de 25 años es que CHV lanzó CHV Live, una plataforma digital a la que se puede acceder a través del sitio CHV.cl, Facebook, Instagram o Twitter. Roberto Cisternas, productor ejecutivo digital, comenta: "La televisión hoy no está generando contenidos para menores de 25 años, y ese es el vacío que queremos llenar".
Entre los eventos que la plataforma emitirá en las próximas semanas están el lanzamiento del nuevo disco de Javiera Mena; el concierto de Chancho en Piedra para celebrar los 20 años de su disco "Ríndanse terrícolas"; el Festival de Cine de Valdivia y la realización de programas como "Café con Nata" de la comediante Natalia Valdebenito.
Cisternas cuenta que hasta diciembre la plataforma estará en una fase exploratoria donde los contenidos serán casi exclusivamente dirigidos a los jóvenes, pero que después la oferta podría ampliarse, por ejemplo, a los niños. "Sentimos que ahí también existe todo un nicho por explorar y no solo con producciones dirigidas a ellos, sino que también con juegos y aplicaciones".
Aunque la búsqueda de CHV Live será bucear en los gustos de los jóvenes, el productor también plantea otro desafío. "Lo que queremos es ir en busca de los talentos jóvenes. De encontrar a quienes realicen contenidos dedicados a este segmento y que hoy piensan que para ellos la televisión murió", dice. Y agrega: "Quizás el aparato tradicional para ver televisión sí murió, pero la televisión podemos verla a través de muchas nuevas plataformas".
El ejecutivo enfatiza que es fundamental que los medios sigan dialogando con las audiencias jóvenes a través de sus contenidos. "Si no, no vamos a saber qué piensan, en qué están y solo vamos a estar enterados y a conocer al público que tiene sobre los 40 años y que sí ve televisión tradicional".
La nueva plataforma del canal de Turner emitirá contenidos dirigidos a ese segmento, entre ellos eventos como el lanzamiento del nuevo disco de Javiera Mena o el programa de Natalia Valdebenito, "Café con Nata".
Patricia Cerda F.
Es un hecho. Los adolescentes y los jóvenes cada vez ven menos televisión abierta. No solo lo indica el que estén optando por nuevas tecnologías para entretenerse, sino, además, que no encuentran en la pantalla tradicional contenidos que se ajusten a sus intereses.
Precisamente con la idea de acercarse al segmento menor de 25 años es que CHV lanzó CHV Live, una plataforma digital a la que se puede acceder a través del sitio CHV.cl, Facebook, Instagram o Twitter. Roberto Cisternas, productor ejecutivo digital, comenta: "La televisión hoy no está generando contenidos para menores de 25 años, y ese es el vacío que queremos llenar".
Entre los eventos que la plataforma emitirá en las próximas semanas están el lanzamiento del nuevo disco de Javiera Mena; el concierto de Chancho en Piedra para celebrar los 20 años de su disco "Ríndanse terrícolas"; el Festival de Cine de Valdivia y la realización de programas como "Café con Nata" de la comediante Natalia Valdebenito.
Cisternas cuenta que hasta diciembre la plataforma estará en una fase exploratoria donde los contenidos serán casi exclusivamente dirigidos a los jóvenes, pero que después la oferta podría ampliarse, por ejemplo, a los niños. "Sentimos que ahí también existe todo un nicho por explorar y no solo con producciones dirigidas a ellos, sino que también con juegos y aplicaciones".
Aunque la búsqueda de CHV Live será bucear en los gustos de los jóvenes, el productor también plantea otro desafío. "Lo que queremos es ir en busca de los talentos jóvenes. De encontrar a quienes realicen contenidos dedicados a este segmento y que hoy piensan que para ellos la televisión murió", dice. Y agrega: "Quizás el aparato tradicional para ver televisión sí murió, pero la televisión podemos verla a través de muchas nuevas plataformas".
El ejecutivo enfatiza que es fundamental que los medios sigan dialogando con las audiencias jóvenes a través de sus contenidos. "Si no, no vamos a saber qué piensan, en qué están y solo vamos a estar enterados y a conocer al público que tiene sobre los 40 años y que sí ve televisión tradicional".
Fernando Puiggrós: Muere histórico maestro apuntador del Municipal
El Mercurio
Víctima de un cáncer esta semana falleció Fernando Puiggrós, maestro apuntador del Teatro Municipal de Santiago, quien se desempeñaba en esa labor desde 1982 como el primer profesional estable en el cargo. Nacido en Montevideo en 1945, trabajó además en el Liceu de Barcelona como maestro de canto y apuntador, aquella persona que asiste y guía a los actores en escena cuando estos olvidan sus textos o su planta de movimientos. Fue protagonista en el proceso de creación de la reciente ópera "El Cristo de Elqui".
Víctima de un cáncer esta semana falleció Fernando Puiggrós, maestro apuntador del Teatro Municipal de Santiago, quien se desempeñaba en esa labor desde 1982 como el primer profesional estable en el cargo. Nacido en Montevideo en 1945, trabajó además en el Liceu de Barcelona como maestro de canto y apuntador, aquella persona que asiste y guía a los actores en escena cuando estos olvidan sus textos o su planta de movimientos. Fue protagonista en el proceso de creación de la reciente ópera "El Cristo de Elqui".
miércoles, agosto 29, 2018
Se estrenará "Ha encallado un barco absoluto", de Sebastián Vergara: Celebran la Batalla de Maipú con música de 1818 y del presente
El Mercurio
Esta tarde , la Camerata Uandes contrapone "Chile en cuatro cuerdas", de Gastón Soublette, un Quinteto de Beethoven, y un anónimo chiquitano.
Romina de la Sotta Donoso
"En este país siempre hemos hablado de 1810, pero 1818 es el año que marca realmente la Independencia de Chile, que se logró después de la Batalla de Maipú", dice Eduardo Browne, director de la Camerata Uandes. "Decidimos celebrarla con un concierto sobre qué se podría haber escuchado hace 200 años", agrega.
El programa "1818-2018. Identidad en movimiento" reúne un anónimo de la Chiquitanía de Bolivia como ejemplo de la música clásica latinoamericana que se escribía en la época, y las melodías populares que sonaban entonces en nuestro país, las cuales fueron recopiladas por Gastón Soublette en "Chile en cuatro cuerdas".
Asimismo, ofrecerán un contrapunto europeo, con el Quinteto Op.104 de Beethoven, que el genio alemán escribió en 1817 y estrenó justamente en 1818.
Los arreglos fueron hechos por el propio Browne, para una docena de instrumentistas.
El remate será el estreno mundial de la comisión que la Camerata Uandes le hizo a Sebastián Vergara (1978), compositor chileno al que han tocado tanto la Sinfónica como la Filarmónica y que ha demostrado grandes dotes como arreglador en proyectos con música de Chinoy y Manuel García para el Ensamble MusicActual.
"Le pedimos una obra que tuviera que ver con lo que podía haberse estado escuchando en 1818. Ese fue el punto de partida, y su punto de llegada fue completamente inusitado. Es lo maravilloso del trabajo de un artista", cuenta Browne.
La obra de Vergara, "Ha encallado un barco absoluto", se centra en la poco asumida identidad marítima de nuestro país y en la singular dualidad del mar, siempre en constante cambio, pese a parecer inmóvil.
La cita es a las 19:30 horas de hoy, en la Universidad de los Andes (Álvaro del Portillo 12455, $ 3 mil).
Esta tarde , la Camerata Uandes contrapone "Chile en cuatro cuerdas", de Gastón Soublette, un Quinteto de Beethoven, y un anónimo chiquitano.
Romina de la Sotta Donoso
"En este país siempre hemos hablado de 1810, pero 1818 es el año que marca realmente la Independencia de Chile, que se logró después de la Batalla de Maipú", dice Eduardo Browne, director de la Camerata Uandes. "Decidimos celebrarla con un concierto sobre qué se podría haber escuchado hace 200 años", agrega.
El programa "1818-2018. Identidad en movimiento" reúne un anónimo de la Chiquitanía de Bolivia como ejemplo de la música clásica latinoamericana que se escribía en la época, y las melodías populares que sonaban entonces en nuestro país, las cuales fueron recopiladas por Gastón Soublette en "Chile en cuatro cuerdas".
Asimismo, ofrecerán un contrapunto europeo, con el Quinteto Op.104 de Beethoven, que el genio alemán escribió en 1817 y estrenó justamente en 1818.
Los arreglos fueron hechos por el propio Browne, para una docena de instrumentistas.
El remate será el estreno mundial de la comisión que la Camerata Uandes le hizo a Sebastián Vergara (1978), compositor chileno al que han tocado tanto la Sinfónica como la Filarmónica y que ha demostrado grandes dotes como arreglador en proyectos con música de Chinoy y Manuel García para el Ensamble MusicActual.
"Le pedimos una obra que tuviera que ver con lo que podía haberse estado escuchando en 1818. Ese fue el punto de partida, y su punto de llegada fue completamente inusitado. Es lo maravilloso del trabajo de un artista", cuenta Browne.
La obra de Vergara, "Ha encallado un barco absoluto", se centra en la poco asumida identidad marítima de nuestro país y en la singular dualidad del mar, siempre en constante cambio, pese a parecer inmóvil.
La cita es a las 19:30 horas de hoy, en la Universidad de los Andes (Álvaro del Portillo 12455, $ 3 mil).
Canciones falsas y ningún responsable: Sony se desliga del caso Michael Jackson
La Tercera
En 2010 los fans se sorprendieron con un disco póstumo del Rey del pop que no tuvo buenas críticas. Al parecer, algunos de los temas no fueron interpretados por Michael Jackson. Después de un largo trámite legal, justo en el día en que hubiera cumplido 60 años, una corte se pronunció por las canciones.
Por Magdalena Bordalí
Bajo la conmoción mundial ante la noticia de la muerte de Michael Jackson, solo un año después apareció el primer disco póstumo del cantante. El álbum Michael causó furor inmediatamente entre sus fans, quienes apenas lo escucharon declararon que esa no era la voz del fallecido Rey del pop.
Las críticas siguieron en aumento. Para ese entonces, entre 2011 y 2014, no solo los fanáticos reclamaban que las canciones “Monster”, “Breaking news” y “Keep your head up”, incluidas en el material discrográfico, no eran cantadas por Michael Jackson, mientras su propia familia negaba que esos temas fueran realmente de su repertorio.
En ese entonces, la prensa desmantelaba un video de Paris Jackson hablando con sus amigos sobre el caso. “Todo este álbum no es de él. Vayan a verlo en YouTube y busquen a Jason Malachi, ¡él es! Debería saber si es él o no porque él me cantaba todo el tiempo”, alegaba la hija de Jackson.
En 2014, una fan llamada Vera Sevora demandó a Sony’s Epic Records, el sello que lanzó el disco, y también a la propiedad de Jackson y a sus productores, reclamando que había un fraude y que esos tracks estaban realmente interpretados por un imitador.
El lío legal ha seguido durante todos estos años y, hace apenas una semana en la corte estadounidense, Sony, en función de convencer a un juez de que no debería ser un defensor de este caso, hipotetizó que en el caso de que Jackson no fuese el cantante principal de dichas canciones, ellos tendrían el mismo derecho legal a vender música bajo su nombre.
Misterio sin resolver
Finalmente, los jueces dictaminaron que Sony y Michael Jackson, junto a sus productores, no pueden ser considerados responsables de las tres canciones en disputa. ¿La razón? Ninguna de las partes sabían con certeza si efectivamente Jackson era quien cantaba las canciones, ya que solo habían sido acuerdos de palabra y confianza.
Además, se dictaminó que la promoción del álbum y su portada nunca fueron declarados como representación exacta del contenido del disco, teniendo en cuenta que este es un producto comercial, por lo tanto no son elegibles para la demanda específica que hizo Serova cuatro años atrás.
Sobre todo porque en esos tratos de confianza entre productores y otros, se evidencia que nadie hizo una declaración sobre la verdadera identidad de las canciones. Esas, más bien, eran meras opiniones.
El caso queda sin resolver justo el día en que Michael Jackson cumpliría 60 años de edad. Y las canciones de dudosa procedencia siguen dando que hablar en una década donde su nombre, marca y legado ganan al rededor de $900 millones de dólares al año, muchísimo más de lo que ganaba cuando estaba vivo, antes de sufrir un fallo respiratorio debido a la intoxicación por propofol y benzodiazepina el fatídico 25 de junio de 2009.
En 2010 los fans se sorprendieron con un disco póstumo del Rey del pop que no tuvo buenas críticas. Al parecer, algunos de los temas no fueron interpretados por Michael Jackson. Después de un largo trámite legal, justo en el día en que hubiera cumplido 60 años, una corte se pronunció por las canciones.
Por Magdalena Bordalí
Bajo la conmoción mundial ante la noticia de la muerte de Michael Jackson, solo un año después apareció el primer disco póstumo del cantante. El álbum Michael causó furor inmediatamente entre sus fans, quienes apenas lo escucharon declararon que esa no era la voz del fallecido Rey del pop.
Las críticas siguieron en aumento. Para ese entonces, entre 2011 y 2014, no solo los fanáticos reclamaban que las canciones “Monster”, “Breaking news” y “Keep your head up”, incluidas en el material discrográfico, no eran cantadas por Michael Jackson, mientras su propia familia negaba que esos temas fueran realmente de su repertorio.
En ese entonces, la prensa desmantelaba un video de Paris Jackson hablando con sus amigos sobre el caso. “Todo este álbum no es de él. Vayan a verlo en YouTube y busquen a Jason Malachi, ¡él es! Debería saber si es él o no porque él me cantaba todo el tiempo”, alegaba la hija de Jackson.
En 2014, una fan llamada Vera Sevora demandó a Sony’s Epic Records, el sello que lanzó el disco, y también a la propiedad de Jackson y a sus productores, reclamando que había un fraude y que esos tracks estaban realmente interpretados por un imitador.
El lío legal ha seguido durante todos estos años y, hace apenas una semana en la corte estadounidense, Sony, en función de convencer a un juez de que no debería ser un defensor de este caso, hipotetizó que en el caso de que Jackson no fuese el cantante principal de dichas canciones, ellos tendrían el mismo derecho legal a vender música bajo su nombre.
Misterio sin resolver
Finalmente, los jueces dictaminaron que Sony y Michael Jackson, junto a sus productores, no pueden ser considerados responsables de las tres canciones en disputa. ¿La razón? Ninguna de las partes sabían con certeza si efectivamente Jackson era quien cantaba las canciones, ya que solo habían sido acuerdos de palabra y confianza.
Además, se dictaminó que la promoción del álbum y su portada nunca fueron declarados como representación exacta del contenido del disco, teniendo en cuenta que este es un producto comercial, por lo tanto no son elegibles para la demanda específica que hizo Serova cuatro años atrás.
Sobre todo porque en esos tratos de confianza entre productores y otros, se evidencia que nadie hizo una declaración sobre la verdadera identidad de las canciones. Esas, más bien, eran meras opiniones.
El caso queda sin resolver justo el día en que Michael Jackson cumpliría 60 años de edad. Y las canciones de dudosa procedencia siguen dando que hablar en una década donde su nombre, marca y legado ganan al rededor de $900 millones de dólares al año, muchísimo más de lo que ganaba cuando estaba vivo, antes de sufrir un fallo respiratorio debido a la intoxicación por propofol y benzodiazepina el fatídico 25 de junio de 2009.
Yein Fonda 2018
Comunicado de prensa
La fiesta se realizará los días 15, 16, 17, 18, 19 de septiembre en el Centro Cultural Chimkowe de Peñalolén, mientras que el espectáculo principal estará disponible entre el 16 y 18 de septiembre.
Para esta edición subirán al escenario Los Tres + Invitados, La Regia Orquesta, Maria Esther Zamora con Pepe Fuentes y Banda Conmoción, entre otros.
La Yein Fonda es parte de nuestro paisaje sonoro y musical, sobre todo si se habla de fiestas dieciocheras. Fundada en 1996, la banda chilena siguió el consejo de Roberto Parra e invitó a sus ídolos musicales de la música chilena para participar de un evento dedicado a rescatar y valorar la cultura y costumbres asociadas a la celebración. Uno de estos números fue María Esther Zamora y Pepe Fuentes quienes han sido un plato fuerte de todas las ediciones y estarán presentes nuevamente este 2018.
Por primera vez en los más de 20 años de la Yein Fonda se llevará a cabo en el Centro Cultural Chimkowe de Peñalolén los días 15, 16, 17, 18, 19 de septiembre con una increíble parrilla musical. Para la ocasión se habilitarán dos sectores, uno en el frontis del recinto que consistirá en un patio de comidas abierto a la comunidad sin cobro de entrada. Restaurantes, juegos para niños, comida típica, escenario pequeño con música en vivo, en horario continuado desde las 11 am. Este patio abrirá los días 15 a 19 de septiembre, entrada liberada para ir a disfrutar en familia.
PLATOS FUERTES
Mientras tanto, los días 16, 17, 18 de septiembre se presentará el espectáculo central con cobro de entrada, en el interior de recinto desde las 19 hrs con Restaurant Yein Fonda y una parrilla musical imperdible.
En el escenario principal estarán Gypsy Trio interpretando el famoso Jazz Huachaca; La Regia Orquesta (banda original de La Negra Ester), la pareja más legendaria de la cueca, Maria Esther Zamora y Pepe Fuentes; Los Norteños del sur con sus corridos mexicanos, la multitudinaria Banda Conmoción y los populares Santa Feria. Por supuesto, estarán Los Tres acompañados de amigos músicos como María Colores, Pedropiedra y Gepe que estarán insertos en el show del grupo para corear todo el clásico repertorio de la banda en distintas versiones.
Quienes quieran ir a compartir en familia durante el día podrán llegar entre 11 y 18 hrs en el sector principal y con entrada liberada. Abrirán restaurantes, comida típica, escenario con música en vivo y un sector infantil con juegos y películas para niños.
Los asistentes amantes de la memorabilia también podrán encontrarse con la “Feria Los Tres”, que tendrá productos, discos, libros, fotos, postales, posters, firma de autógrafos y todo lo relacionado a la historia del grupo, complementado con productos de la misma Yein Fonda.
YEIN FONDA
PATIO DE COMIDAS: 15, 16, 17, 18 y 19 de septiembre
SHOW MUSICAL ESTELAR: 16, 17 y 18 de septiembre
Centro Cultural Chimkowe( Av. Grecia 8787, Peñalolén)
Horario diurno: entre 11 y 18 hrs, entrada liberada
Horario nocturno y conciertos: 19 hrs $10.000 preventa y $15.000 en puerta
Pascuala Ilabaca lanzará álbum en el Teatro Oriente y comenzará gira por Chile
Comunicado de prensa
El Mito de la Pérgola, el nuevo álbum de la destacada cantautora porteña que ya se encuentra en todas las plataformas digitales, tendrá su lanzamiento oficial el próximo 12 de octubre en el Teatro Oriente. El espectáculo junto a la banda Fauna, reunirá diversas manifestaciones artísticas y marcará el inicio de una gira nacional.
La multinstrumentista, cantautora y compositora nacional Pascuala Ilabaca anunció que el viernes 12 de octubre presentará su sexto disco a través de un montaje que, en sus palabras, busca “reivindicar a la pérgola como un espacio que reúne al arte con la ciudadanía en el centro de la plaza, en el centro del mundo”. Así, seguirá acompañada de su hermana y artista visual, Danila Ilabaca, a cargo de diseñar la escenografía y una serie de intervenciones.
La nueva propuesta de la cantante ya confirmada para la próxima Cumbre en el Estadio Nacional, está llena de significados y sonidos populares reflejados en temas como “Te traigo flores” y "El baile del Kkoyaruna".
El Mito de la Pérgola cuenta con invitados como Nano Stern, Freddy Torrealba y Newen Afrobeat, entre otros. Fue editado por el Sello Petit Indie de España con apoyo de Sercotec del Gobierno de Chile, y a pocos meses de haber sido publicado, suma más de medio millón de reproducciones en Spotify, lo que confirma la excelente recepción de un trabajo que recoge una profunda investigación en torno a las músicas e instrumentos populares, que se fusionan en baile, reflexión y comunión.
Por lo mismo, complementará esta nueva etapa llevando el show de El Mito de la Pérgola a distintas ciudades del país, el que contará con una gran riqueza instrumental. “Me importa que los conciertos se hagan donde puedan ir personas de todas las edades, con entradas de valores diversos y acceso inclusivo”, señaló la ganadora de los Premios Pulsar como Mejor Cantautora por Rey Loj en 2016.
Los puntos que sumarán aún más recorrido a la extensa ruta de Pascuala Ilabaca -una de las trayectorias más prolíficas en cuanto a giras internacionales y destacada por la revista británica Songlines-, serán Concepción, Valdivia, Curicó, Rancagua y Puerto Natales. Pronto se conocerán los detalles del tour que sucederá el reciente periplo por Estados Unidos y Europa.
En tanto, el lanzamiento de El Mito de la Pérgola será el viernes 12 de octubre a las 20 hrs. en el recinto ubicado en Av. Pedro de Valdivia 099, Providencia. Las entradas están a la venta con precios que van desde los $8.000 hasta los $20.000, sin recargo en boleterías del teatro y con recargo a través de Puntoticket.
Festival Chile Jazz
Comunicado de prensa
CONCEPCIÓN | VALPARAíSO | SANTIAGO | LA SERENA
3 AL 6 DE OCTUBRE 2018
En su cuarta versión, el Festival Chile Jazz, organizado por la Corporación Cultural de la Cámara Chilena de la Construcción (CChC), tendrá entre sus filas y por primera vez en nuestro país, al saxofonista, improvisador y creador del movimiento M-Base del jazz mundial “Steve Coleman & The Five elements”; compartirán con él escenario y público unos renovados “Ángel Parra Trío” y “The Change”, el nuevo proyecto del chileno Federico Dannemann y Zhenya Strigalev que completarán el ambicioso programa estelar 2018.
Un nuevo año para el Festival Chile Jazz y su itinerancia por cuatro ciudades consolidadas como escenarios fijos para los shows que se presentarán en el mes de octubre. Concepción, Valparaíso, Santiago y La Serena volverán a recibir los acordes y la improvisación de un género que no sólo se ha ganado un espacio en nuestro país, sino que además escribe su propia historia en Chile.
La cita volverá a las mismas cuatro ciudades que acogieron el Festival el año pasado, pero esta vez, hay escenarios nuevos que recibirán la música en vivo y la cuidada puesta en escena de Chile Jazz: El Teatro Regional del Bío Bío de Concepción y un nuevo lugar por confirmar en La Serena, a ellos se les unirán los ya tradicionales Teatro Municipal de Valparaíso y Teatro Oriente de Santiago.
Nuevamente y a modo de descentralizar los hitos y eventos culturales en el país, la producción decidió repetir el lanzamiento de esta cuarta versión en CasaPlan de Valparaíso. Una instancia fijada para el jueves 6 de septiembre a las 20h y abierta a público. Allí tocarán las primeras notas de la jam session el Triángulo de Las Bermudas Trío, del músico local y destacado Gonzalo Palma. La agrupación será la encargada de dar el toque musical e invitar a todos los músicos presentes a participar de la improvisación que caracteriza al jazz.
Miguel Luis Lagos, creador y director del Festival Chile Jazz destaca que esta cuarta versión “ha sido posible porque confiamos plenamente en que este proyecto se abrirá a todo Chile. La cultura es parte integral de las personas, y buscamos un país más próspero en base a transmitir alegría, empatía y belleza, a través de estos grandes músicos, por todos los rincones de Chile”, manifestó.
Por su parte, Matías Awad, el gerente general de la Corporación Cultural de la Cámara Chilena de la Construcción (CChC), entidad que organiza este evento, indicó que “el Festival Chile Jazz es un proyecto que, gracias al apoyo de empresas e instituciones, puede ofrecer algunos de estos conciertos de octubre de manera gratuita al público”.
En el equipo de producción del festival continuará la curatoría de los reconocidos músicos chilenos Pedro Greene y su hijo, Felipe Greene. Los destacados músicos son los encargados de seleccionar el contenido musical del festival para cada ciudad.
Los escenarios y la imaginería del festival seguirán a cargo de la artista visual María José Concha. Junto a ella, en la dirección de luces, Luis Alcaide (Teatro Cinema), y el afiche para esta versión fue obra de AA. Estudio
COORDENADAS
LANZAMIENTO
Valparaíso, Jueves 6 de septiembre | Casaplan | 20h |Entrada Gratuita
FESTIVAL
Concepción, Miércoles 3 de octubre | Teatro Regional del Bío Bío| Entrada gratuita
Valparaíso, Jueves 4 de octubre | Teatro Municipal| Entrada gratuita
Santiago, Viernes 5 de octubre | Teatro Oriente | Valor por confirmar.
La Serena, Sábado 6 de octubre | Lugar por confirmar | Entrada gratuita
CONCEPCIÓN | VALPARAíSO | SANTIAGO | LA SERENA
3 AL 6 DE OCTUBRE 2018
En su cuarta versión, el Festival Chile Jazz, organizado por la Corporación Cultural de la Cámara Chilena de la Construcción (CChC), tendrá entre sus filas y por primera vez en nuestro país, al saxofonista, improvisador y creador del movimiento M-Base del jazz mundial “Steve Coleman & The Five elements”; compartirán con él escenario y público unos renovados “Ángel Parra Trío” y “The Change”, el nuevo proyecto del chileno Federico Dannemann y Zhenya Strigalev que completarán el ambicioso programa estelar 2018.
Un nuevo año para el Festival Chile Jazz y su itinerancia por cuatro ciudades consolidadas como escenarios fijos para los shows que se presentarán en el mes de octubre. Concepción, Valparaíso, Santiago y La Serena volverán a recibir los acordes y la improvisación de un género que no sólo se ha ganado un espacio en nuestro país, sino que además escribe su propia historia en Chile.
La cita volverá a las mismas cuatro ciudades que acogieron el Festival el año pasado, pero esta vez, hay escenarios nuevos que recibirán la música en vivo y la cuidada puesta en escena de Chile Jazz: El Teatro Regional del Bío Bío de Concepción y un nuevo lugar por confirmar en La Serena, a ellos se les unirán los ya tradicionales Teatro Municipal de Valparaíso y Teatro Oriente de Santiago.
Nuevamente y a modo de descentralizar los hitos y eventos culturales en el país, la producción decidió repetir el lanzamiento de esta cuarta versión en CasaPlan de Valparaíso. Una instancia fijada para el jueves 6 de septiembre a las 20h y abierta a público. Allí tocarán las primeras notas de la jam session el Triángulo de Las Bermudas Trío, del músico local y destacado Gonzalo Palma. La agrupación será la encargada de dar el toque musical e invitar a todos los músicos presentes a participar de la improvisación que caracteriza al jazz.
Miguel Luis Lagos, creador y director del Festival Chile Jazz destaca que esta cuarta versión “ha sido posible porque confiamos plenamente en que este proyecto se abrirá a todo Chile. La cultura es parte integral de las personas, y buscamos un país más próspero en base a transmitir alegría, empatía y belleza, a través de estos grandes músicos, por todos los rincones de Chile”, manifestó.
Por su parte, Matías Awad, el gerente general de la Corporación Cultural de la Cámara Chilena de la Construcción (CChC), entidad que organiza este evento, indicó que “el Festival Chile Jazz es un proyecto que, gracias al apoyo de empresas e instituciones, puede ofrecer algunos de estos conciertos de octubre de manera gratuita al público”.
En el equipo de producción del festival continuará la curatoría de los reconocidos músicos chilenos Pedro Greene y su hijo, Felipe Greene. Los destacados músicos son los encargados de seleccionar el contenido musical del festival para cada ciudad.
Los escenarios y la imaginería del festival seguirán a cargo de la artista visual María José Concha. Junto a ella, en la dirección de luces, Luis Alcaide (Teatro Cinema), y el afiche para esta versión fue obra de AA. Estudio
COORDENADAS
LANZAMIENTO
Valparaíso, Jueves 6 de septiembre | Casaplan | 20h |Entrada Gratuita
FESTIVAL
Concepción, Miércoles 3 de octubre | Teatro Regional del Bío Bío| Entrada gratuita
Valparaíso, Jueves 4 de octubre | Teatro Municipal| Entrada gratuita
Santiago, Viernes 5 de octubre | Teatro Oriente | Valor por confirmar.
La Serena, Sábado 6 de octubre | Lugar por confirmar | Entrada gratuita
Patricia Frías, Irene Llano, Alejandro de Rosas y Cristóbal se unen en concierto “Cómplices VIP”
Comunicado de prensa
Los cuatro destacados cantantes le dan vida a un show imborrable donde recordarán los mejores éxitos de los años ‘80 y ’90.
Un imperdible concierto es el que estarán presentando cuatro de los cantantes ícono de los años ´80 en nuestro país. Patricia Frías, Irene Llano, Alejandro de Rosas y Cristóbal, luego de años de amistad decidieron por fin realizar un espectáculo, donde además de interpretar sus exitosos repertorios, harán un repaso por los temas que han cruzado generaciones. “Cómplices VIP” se presentarán el día domingo 7 de Octubre en la sala SCD del Mall Plaza Egaña.
Con más de 30 años de trayectoria, cada uno de estos destacados intérpretes se hizo conocido durante los años ´80 y ´90, cuando participaron en programas de televisión como “Sábados Gigantes”, “Éxito”, “Festival de la Una” y “Martes 13”, entre otros. Y la idea de hacer algo en conjunto nació cuando volvieron a coincidir sobre el escenario en el programa “Rojo VIP” de 2005, proyecto que finalmente se materializa en este íntimo concierto
Temas como “Basta ya”, “Una niña una historia” y “Se te olvida” de Cristóbal; “No quiero verte así”, “Porque te quiero” y “Aventura” de Alejandro de Rosas; “Una promesa de amor” de Irene Llano y “No fue mi culpa”, “A veces” y “Estoy enamorada de ti” de Patricia Frías, son algunos de los hits que tuvieron gran rotación en radios y la televisión de esos años y que en esta oportunidad interpretarán con un sonido renovado.
“En este espectáculo presentaremos las canciones de nuestros repertorios que están en el ADN de las personas, porque son temas que fueron muy famosos y tocados en las radios. Además, realizaremos covers de los años ´80 y ´90, un mix del grupo Abba y muchas sorpresas más”, señala Patricia Frías.
“Cómplices VIP” es una increíble oportunidad para los amantes de la música, que encontrarán en la interpretación de estos cuatro grandes artistas, toda la magia de tremendos compositores en una experiencia imborrable. Las presentación se realizará el domingo 7 de Octubre en la Sala SCD del Mall Plaza Egaña.
Peñaflor celebra a Chile
El evento dieciochero gratuito más grande de la Región Metropolitana contará con grandes invitados, dentro de los que figuran Los Nocheros, Inti Illimani, Los Jaivas, CAMI, Shamanes, La Combo Tortuga y Noche de Brujas, entre muchos otros.
Entre los días 14 y 19 de septiembre, en el Parque Municipal El Trapiche, se realizará la gran fiesta “Peñaflor Celebra a Chile”, evento gratuito que por segundo año consecutivo se presenta como una imperdible alternativa para celebrar las Fiestas Patrias. Fue el alcalde de Peñaflor, Nibaldo Meza, quien dio a conocer la parrilla de artistas con que contará esta actividad, que en su primera edición convocó a cerca de 100 mil personas.
Al igual que el año pasado, esta fiesta contará con una programación que combina el show de grandes de la música nacional e internacional, juegos típicos, ferias de artesanos y productores, stand de gastronomía, food trucks y zona de niños y para la familia, así como también la participación de artistas locales y agrupaciones folclóricas de la comuna.
Durante estos seis días, el evento gratuito tendrá sobre su escenario central a músicos de primer nivel, dentro de los que figuran Los Prisioneros (con Narea y Tapia), Inti Illimani, Los Jaivas, CAMI, Shamanes, Noche de Brujas, La Combo Tortuga, Luis Lambis, Los Nocheros, Los Trukeros, Los Tricolores y la Banda Tropikal de Vallenar.
La Fiesta “Peñaflor Celebra a Chile” será inaugurada por su alcalde, Nibaldo Meza, el día viernes 14 de septiembre a las 18:00 horas en el Parque El Trapiche, ubicado en la calle Manuel Rodríguez 277. El horario, durante el resto de los días será desde las 11:00 a las 00:00 horas, mientras que el miércoles 19 de septiembre el cierre será a las 22:00 horas.
Esta imperdible actividad, que se ha convertido en el evento gratuito más grande de la Región Metropolitana, se realizará en el Parque Municipal El Trapiche, que se encuentra emplazado en un entorno natural privilegiado, con amplios estacionamientos, baños, zona de lactancia y mudadores. Y para la seguridad de todos los asistentes contará con una Tenencia de Carabineros temporal.
martes, agosto 28, 2018
Francisco Victoria: los nuevos pasos de la promesa del pop chileno
La Tercera
Tras un elogiado primer disco y una gira por Perú y Argentina, Francisco Victoria define su futuro en la música.
Por Bárbara Carvacho
“En cada lugar hubo una energía distinta”, cuenta Francisco Victoria, luego de su primera gira por Argentina. El solista, una de las voces más promisorias del pop local, se presentó la semana pasada en Buenos Aires, Rosario y Córdoba, donde encontró la misma buena recepción que ha tenido en Chile su debut discográfico, Prenda. Un elogiado LP producido por Álex Anwandter que también lo llevó a Perú, con dos fechas en Lima a comienzos de este mes.
“En Argentina todos se sabían las canciones y se produjo algo súper especial”, cuenta el músico, que utilizó de apodo a su tierra natal. El mismo pueblo del que escapó en cuanto cumplió 18 años, no sin antes haber viajado, todos los lunes durante tres meses, ocho horas seguidas hasta la capital.
Lo separaban 615 kilómetros del taller de composición que tomó en 2014 en la Corporación Cultural Balmaceda, con Anwandter como profesor. Así, el joven de 22 años vivió con un pie en cada ciudad, soñando con potenciar sus piezas mientras veía cómo Victoria se hundía en secretos de corte religioso, sexual y económico, acumulándose listos para explotar.
Es “milénico” con todas las de la ley. Se rige bajo la cultura queer y al ser consultado sobre gustos no tarda en agarrar el celular para enumerar los recientes: de Buscabulla a Serge Gainsbourg. Eso sí, de escolar pasó por “cosas más rockeras”, hasta que aterrizó en el Hot Billboard. “Cuando chico escuchaba a Los Tres, ponte tú, con sus letras de asesinato; y me di cuenta que andar con lentes de sol en la noche no era cool, que esta música no era la única ni la correcta. Apareció la melodía, aprecié bailar, me sentí mejor escuchando otras cosas. Tuvo que ver con que no soy muy heterosexual”, dice con risas.
“Salí de mi burbuja millennial para volver a escuchar las cosas que me llegaron primero”. Así recorrió a Violeta Parra. De hecho, Prenda no se llamaría así sin su fantasma rondándole la creatividad. “Tiene que ver con la idiosincrasia del campo, la escritura, con una prenda de vestir o quedar prendado con alguien”.
La palabra se repite en su disco, un largo y pulido codo a codo con Anwandter, su eterno profesor. Parte en una electrónica bailable, abre las puertas a un cuarteto de cuerdas y cambia a la acústica con varios músicos, logrando ocho canciones digeribles y apropiables por cualquier joven que dejó la adolescencia, pero que aún sufre los berrinches de la temprana edad. Una fórmula probada por el creador de Amiga, quien tuvo un rol importante en el registro sin meterse a dar órdenes. “Me dejó errar y perderme en los procesos para llegar a la solución. Confió mucho en mi criterio y esa es la mejor manera de aprender: que no te hagan las cosas”, cuenta Victoria.
Por de pronto, el intérprete de “Marinos” prepara su próximo show en vivo, programado para el 19 de octubre en el Bar Loreto, donde espera repetir el éxito que tuvo su lanzamiento el pasado 9 de junio en Matucana 100. Allí dio cuenta en escena de su propuesta estética y su imaginario, en el que se mezclan experiencias personales cursando educación católica y viviendo la violencia del pueblo chico e infierno grande.
“Todo lo que pasa donde crecí es oculto pero violento; acá es con megáfono”, dice sobre sus vivencias en Santiago, que inspiran parte del nuevo material que dará forma a su segundo álbum, distinto al relato construido en el sur que inspiró su debut. “El otro día fui con unas amigas a la marcha por el aborto libre ¡y apuñalaron mujeres! Es tan grande y en tu cara. Eso hace imposible encerrarse en uno y no estar viendo a los demás”, dice.
Tras un elogiado primer disco y una gira por Perú y Argentina, Francisco Victoria define su futuro en la música.
Por Bárbara Carvacho
“En cada lugar hubo una energía distinta”, cuenta Francisco Victoria, luego de su primera gira por Argentina. El solista, una de las voces más promisorias del pop local, se presentó la semana pasada en Buenos Aires, Rosario y Córdoba, donde encontró la misma buena recepción que ha tenido en Chile su debut discográfico, Prenda. Un elogiado LP producido por Álex Anwandter que también lo llevó a Perú, con dos fechas en Lima a comienzos de este mes.
“En Argentina todos se sabían las canciones y se produjo algo súper especial”, cuenta el músico, que utilizó de apodo a su tierra natal. El mismo pueblo del que escapó en cuanto cumplió 18 años, no sin antes haber viajado, todos los lunes durante tres meses, ocho horas seguidas hasta la capital.
Lo separaban 615 kilómetros del taller de composición que tomó en 2014 en la Corporación Cultural Balmaceda, con Anwandter como profesor. Así, el joven de 22 años vivió con un pie en cada ciudad, soñando con potenciar sus piezas mientras veía cómo Victoria se hundía en secretos de corte religioso, sexual y económico, acumulándose listos para explotar.
Es “milénico” con todas las de la ley. Se rige bajo la cultura queer y al ser consultado sobre gustos no tarda en agarrar el celular para enumerar los recientes: de Buscabulla a Serge Gainsbourg. Eso sí, de escolar pasó por “cosas más rockeras”, hasta que aterrizó en el Hot Billboard. “Cuando chico escuchaba a Los Tres, ponte tú, con sus letras de asesinato; y me di cuenta que andar con lentes de sol en la noche no era cool, que esta música no era la única ni la correcta. Apareció la melodía, aprecié bailar, me sentí mejor escuchando otras cosas. Tuvo que ver con que no soy muy heterosexual”, dice con risas.
“Salí de mi burbuja millennial para volver a escuchar las cosas que me llegaron primero”. Así recorrió a Violeta Parra. De hecho, Prenda no se llamaría así sin su fantasma rondándole la creatividad. “Tiene que ver con la idiosincrasia del campo, la escritura, con una prenda de vestir o quedar prendado con alguien”.
La palabra se repite en su disco, un largo y pulido codo a codo con Anwandter, su eterno profesor. Parte en una electrónica bailable, abre las puertas a un cuarteto de cuerdas y cambia a la acústica con varios músicos, logrando ocho canciones digeribles y apropiables por cualquier joven que dejó la adolescencia, pero que aún sufre los berrinches de la temprana edad. Una fórmula probada por el creador de Amiga, quien tuvo un rol importante en el registro sin meterse a dar órdenes. “Me dejó errar y perderme en los procesos para llegar a la solución. Confió mucho en mi criterio y esa es la mejor manera de aprender: que no te hagan las cosas”, cuenta Victoria.
Por de pronto, el intérprete de “Marinos” prepara su próximo show en vivo, programado para el 19 de octubre en el Bar Loreto, donde espera repetir el éxito que tuvo su lanzamiento el pasado 9 de junio en Matucana 100. Allí dio cuenta en escena de su propuesta estética y su imaginario, en el que se mezclan experiencias personales cursando educación católica y viviendo la violencia del pueblo chico e infierno grande.
“Todo lo que pasa donde crecí es oculto pero violento; acá es con megáfono”, dice sobre sus vivencias en Santiago, que inspiran parte del nuevo material que dará forma a su segundo álbum, distinto al relato construido en el sur que inspiró su debut. “El otro día fui con unas amigas a la marcha por el aborto libre ¡y apuñalaron mujeres! Es tan grande y en tu cara. Eso hace imposible encerrarse en uno y no estar viendo a los demás”, dice.
Noel Gallagher regresa a Chile en octubre
La Tercera
El ex Oasis, junto a su banda High Flying Birds, encabeza el festival Colors Night Lights que se hará en el Velódromo.
Por Andrés del Real
La veta psicodélica siempre estuvo presente en la música de Noel Gallagher, pero tuvieron que pasar casi 30 años para que el británico se decidiera a explotarla. Como buen seguidor de Los Beatles, ya en los últimos años de Oasis comenzó a incluir piezas con sitar indio (“To be where there’s life”), a las que sumó nuevas colaboraciones con The Chemical Brothers y un primer material solista de clara inspiración lisérgica que finalmente desechó: “Le dio miedo ser demasiado raro”, declararon tiempo después los productores de ese disco inédito, integrantes del dúo The Future Sound of London.
La revancha llegó a fines del año pasado con Who built the moon?, el tercer álbum de su proyecto en solitario The High Flying Birds. Un sólido trabajo de estudio en el que el cantautor combina su talento para tejer melodías y coros memorables -una marca de fábrica de todo su repertorio- con cierto afán experimental y reminiscencias al glam y el rock psicodélico de los años 60 y 70. Elogiado por la crítica especializada, el álbum es el motivo tras el regreso del músico a Sudamérica, con una fecha ya confirmada en Santiago para octubre junto a la banda que integran los ex Oasis Gem Archer y Chris Sharrock, además de Mike Rowe y Russell Pritchard.
Según confirma la productora que organiza Colors Night Lights, el festival del 31 de octubre en el Velódromo del Estadio Nacional, el mayor de los hermanos Gallagher será el plato fuerte del evento, que también contará con las actuaciones del DJ estadounidense Jinco y el cuarteto californiano Foster the People. Las entradas, en tanto, se pondrán a la venta mañana a través de Ticketplus.
Destino recurrente
Lo de octubre será la cuarta presentación del autor de “Wonderwall” en Chile desde el quiebre de Oasis, en 2009. Tras su debut como solista en Santiago, con un show en 2012 en el Teatro Caupolicán junto a su banda, Gallagher regresó como parte del cartel del festival Lollapalooza 2016 para volver un año después como telonero del concierto de U2 en el Estadio Nacional.
Justamente un mes después de esa presentación en Ñuñoa el británico publicó Who built the moon?, disco que ha estado presentando en Norteamérica, Europa y Asia desde febrero pasado con un tour bautizado como Stranded on the Earth. Allí, el inglés despliega un repertorio centrado en su último álbum, donde también hay espacio para algunos clásicos de Oasis (“Don’t look back in anger”, “Little by little”) y versiones de Los Beatles.
Junto a su próxima fecha en Chile, que el músico anunciará hoy en sus redes oficiales, se sumarán otras presentaciones en Sudamérica, además de los ya anunciados shows en Argentina para el 3 y 4 de noviembre.
El ex Oasis, junto a su banda High Flying Birds, encabeza el festival Colors Night Lights que se hará en el Velódromo.
Por Andrés del Real
La veta psicodélica siempre estuvo presente en la música de Noel Gallagher, pero tuvieron que pasar casi 30 años para que el británico se decidiera a explotarla. Como buen seguidor de Los Beatles, ya en los últimos años de Oasis comenzó a incluir piezas con sitar indio (“To be where there’s life”), a las que sumó nuevas colaboraciones con The Chemical Brothers y un primer material solista de clara inspiración lisérgica que finalmente desechó: “Le dio miedo ser demasiado raro”, declararon tiempo después los productores de ese disco inédito, integrantes del dúo The Future Sound of London.
La revancha llegó a fines del año pasado con Who built the moon?, el tercer álbum de su proyecto en solitario The High Flying Birds. Un sólido trabajo de estudio en el que el cantautor combina su talento para tejer melodías y coros memorables -una marca de fábrica de todo su repertorio- con cierto afán experimental y reminiscencias al glam y el rock psicodélico de los años 60 y 70. Elogiado por la crítica especializada, el álbum es el motivo tras el regreso del músico a Sudamérica, con una fecha ya confirmada en Santiago para octubre junto a la banda que integran los ex Oasis Gem Archer y Chris Sharrock, además de Mike Rowe y Russell Pritchard.
Según confirma la productora que organiza Colors Night Lights, el festival del 31 de octubre en el Velódromo del Estadio Nacional, el mayor de los hermanos Gallagher será el plato fuerte del evento, que también contará con las actuaciones del DJ estadounidense Jinco y el cuarteto californiano Foster the People. Las entradas, en tanto, se pondrán a la venta mañana a través de Ticketplus.
Destino recurrente
Lo de octubre será la cuarta presentación del autor de “Wonderwall” en Chile desde el quiebre de Oasis, en 2009. Tras su debut como solista en Santiago, con un show en 2012 en el Teatro Caupolicán junto a su banda, Gallagher regresó como parte del cartel del festival Lollapalooza 2016 para volver un año después como telonero del concierto de U2 en el Estadio Nacional.
Justamente un mes después de esa presentación en Ñuñoa el británico publicó Who built the moon?, disco que ha estado presentando en Norteamérica, Europa y Asia desde febrero pasado con un tour bautizado como Stranded on the Earth. Allí, el inglés despliega un repertorio centrado en su último álbum, donde también hay espacio para algunos clásicos de Oasis (“Don’t look back in anger”, “Little by little”) y versiones de Los Beatles.
Junto a su próxima fecha en Chile, que el músico anunciará hoy en sus redes oficiales, se sumarán otras presentaciones en Sudamérica, además de los ya anunciados shows en Argentina para el 3 y 4 de noviembre.
Red Bull Music Festival aterriza en Santiago en octubre
La Tercera
El regreso de Plastilina Mosh, la reunión de Señor Coconut y un concierto de cuatro horas celebrando los 30 años del rap en Chile encabezan el inédito encuentro de conversaciones, fiestas y música en vivo.
Por Alejandro Jofré
Entre el miércoles 24 y el domingo 28 de octubre el Red Bull Music Festival Santiago se tomará la capital chilena con una serie de shows en vivo, ferias en barrios tradicionales y fiestas que celebrarán los ritmos consagrados a la pista de baile, además de un gran tributo a las tres décadas de rap hecho en Chile.
El reggaetón será el protagonista en el evento Hasta Abajo, fiesta dedicada al perreo y el global bass que se realizará el miércoles 24 en el club Havana Salsa y que estará a cargo del brasileño MC Bin Laden, la chilena Tomasa Del Real, el peruano Deltratrón y los DJs Riobamba, Uproot Andy y El Buga.
El jueves, Teathronics será el evento donde los sonidos electrónicos, el diseño musical y el pop experimental estarán a cargo de la canadiense Jessy Lanza, la pianista italo-americana Suzanne Ciani y la chilena Kinética.
Para el viernes 26 está programado uno de los shows más importantes de la semana. Un tributo a los treinta años de rap chileno a cargo de sus más importantes exponentes: la seminal banda De Kiruza, los influyentes Tiro de Gracia y La Pozze Latina, así como artistas más contemporáneos como Liricistas, Nación Trizzy y Catana. Más de 20 actos en total y cuatro horas de show dedicados al género en el estelar Teatro Caupolicán.
El día sábado 27 habrá dos eventos, el primero completamente gratuito y para toda la familia, lleva por nombre Barrio Mío y activará cinco casonas del tradicional barrio Yungay a cargo de cinco sellos locales que ofrecerán música en vivo, workshops y ferias.
En la noche, la acción se trasladará al Centro Perrera Arte en pleno Parque de los Reyes, donde se realizará la fiesta Rave de Reyes con el productor y DJ norteamericano Jimmy Edgar, la francesa rRoxymore y los nacionales Valesuchi y Alejandro Paz.
Finalmente, el día domingo 28 de octubre, el Parque Fluvial Renato Poblete será testigo de Sonidos Latinos, show que verá la reunión después de casi una década del proyecto musical del alemán Uwe Schimdt, Señor Coconut; el retorno a Chile de la banda mexicana Plastilina Mosh, conmemorando los 20 años de su álbum debut; el proyecto musical Baianasystem, basado en las raíces del noreste brasileño y la influencia de ritmos africanos.
Finalmente el chileno Pedropiedra presentará en vivo su EP Bomba nuclear donde experimenta con sus canciones más conocidas en clave de cumbia.
Revisa el detalle de cada actividad a continuación.
Hasta Abajo: MC Bin Laden, Deltatron, Riobamba/Uproot Andy, Tomasa Del Real
Miércoles 24 de octubre
Havana Salsa (Dominica 142, Recoleta)
Horario: 22:00 hrs. – $10.000
En el legendario salón de baile Havana Salsa, en pleno Barrio Bellavista, Red Bull Music Festival Santiago celebra los ritmos latinos que están haciendo bailar al mundo entero. El global bass será revisado con perreo estricto en Hasta Abajo, una fiesta calurosa y sensual a cargo del brasileño MC Bin Laden, referente del funk carioca en su vertiente paulista; la chilena Tomasa Del Real, quien acaba de lanzar su disco Bellaca del año y vuelve a Chile luego de una larga gira mundial mostrando su neo perreo en Europa, México y EE.UU.; el productor y DJ limeño Paz Ferrand, más conocido como Deltatron, fundador del colectivo Terror Negro y exponente de un global bass con raíces de cumbia peruana. Finalmente la DJ neoyorkina, Riobamba y el canadiense Uproot Andy, encargados de protagonizar las mejores fiestas de ritmos latinos en la Gran Manzana con los códigos del reggaetón. Ambos conducen el programa mensual Bien Buena, que se transmite en Red Bull Radio. El encargado de abrir la fiesta será el DJ nacional David Bugueño, El Buga.
Theatronics: Jessy Lanza – Suzanne Ciani + Kinética
Jueves 25 de octubre
Teatro Cousiño (San Ignacio de Loyola 1249, Santiago)
Horario: 20:00 hrs. – $12.000
La noche del jueves estará protagonizada por el retorno a Chile de la canadiense Jessy Lanza, quien en 2014 vino a mostrar su álbum debut Pull my hair back y que vuelve con Oh no, su segundo disco editado en 2016. La cantante y productora viene a presentar su propuesta musical asociada a un pop experimental que mezcla con el R&B y el electro. También se presentará la pianista italo-americana Suzanne Ciani, una de las primeras mujeres músicos que durante los 70 trabajó en el diseño de sonido y el uso de la cuadrofonía, sistema musical que justamente utiliza en su último disco LIVE Quadrophonia. Finalmente estará Kinética, quien obtuvo el Premio Pulsar 2018 a la mejor artista electrónica gracias a su último disco III.
30 años de rap chileno: Tiro de Gracia, La Pozze Latina, Portavoz, Tapia Rabia Jackson + Zaturno, Liricistas, DeKiruza, Movimiento Original y +
Viernes 26 de octubre
Teatro Caupolicán (San Diego 850, Santiago)
Horario: 20:00 hrs. – $10.000
1988 fue el año en que se editó el álbum debut de la banda chilena De Kiruza, donde destacó el single “Algo está pasando”, la primera grabación de rap hecha en Chile. A tres décadas de este hito, el Teatro Caupolicán se vestirá de fiesta para celebrar al rap chileno en un show de casi cuatro horas con los protagonistas del género y su evolución a lo largo del tiempo: De Kiruza, Tiro de Gracia, La Pozze Latina, Movimiento Original, Michelle Espinoza (Mamma Soul), Zaturno & Tapia Rabia, Nemesis + DMS, Liricistas, Catana, Ceaese, Nación Triizy, Vitami y más.
Barrio mío: Discos Pegaos, Panal, Lunar Tapes, Cazería Cazador y Diamante
Sábado 27 de octubre
Barrio Yungay
Horario: 16:00 – 21.00 hrs. – Evento gratuito
El tradicional barrio Yungay de Santiago, que data de 1839, albergará durante la tarde del sábado 27 de octubre el evento Barrio Mío. Desde las cuatro de la tarde, cinco casas serán activadas por cinco sellos independientes vinculados a la escena hip hop y electrónica de nuestro país. La Peluquería Francesa (Compañía 2789), Casona Y (Huérfanos 2917), el Café Brunet (Compañía 2695), Casa Lavaud (Compañía 2799) y la Sastrería (Compañía 2808), tendrán como anfitriones a los sellos Discos Pegaos, Panal, Lunar Tapes, Cazería Cazador y Diamante, los que organizarán una serie de actividades musicales, workshops y ferias hasta las 21:00 hrs.
Rave de reyes: Jimmy Edgar, rRoxymore, Valesuchi y Ale Paz
Sábado 27 de octubre
Perrera Arte (Parque de Los Reyes, Quinta Normal)
Horario: 22:00 hrs. – $12.000
La noche del sábado, la actividad se concentrará en el Parque de los Reyes, donde se ubica el edificio construido a principios de siglo pasado y que durante sus primeros años funcionó como incinerador de basura. Luego pasó a ser la perrera de Santiago durante casi 20 años para quedar en el abandono. A mediados de los 90 y gracias al trabajo del artista visual y gestor cultural Antonio Becerro se crea el Centro Experimental Perrera Arte, donde se realizará una rave a cargo del músico y artista norteamericano Jimmy Edgar, con su propuesta vinculada a la escena techno de Detroit, junto a él estará la productora francesa Hermione Frank, más conocida como rRoxymore, con su techno abstracto y juguetón, quien será la encargada de cerrar la fiesta donde también estarán los ex alumnos de Red Bull Music Academy, clase del 2014, Valesuchi y Alejandro Paz.
Sonidos Latinos: Señor Coconut, Plastilina Mosh, BaianaSystem, Pedropiedra
Domingo 28 de octubre
Parque Fluvial Renato Poblete
Horario: 15:00 hrs. – $15.000
Desde las 15 horas del domingo 28 de octubre, en un escenario creado especialmente para aprovechar los espacios del Parque Fluvial Renato Poblete, ubicado en la rivera sur del Río Mapocho en la comuna de Quinta Normal, se realizará una tarde de parque donde se presentará la banda mexicana Plastilina Mosh, integrada por Alejandro Rosso y Jonás González, quienes estarán celebrando los veinte años de su álbum debut Aquamosh editado en 1998. Junto a ellos también se reunirá, por primera vez en diez años el proyecto musical Señor Coconut, que encabeza el productor y músico alemán radicado en Chile, Uwe Schmidt, quien durante la primera del 2000 editó discos como El baile alemán, dedicado a los pioneros del electro germano, Kraftwerk, Fiesta song, una alegre adaptación de clásicos del pop y Yellow fever, un tributo a la banda japonesa Yellow Magic Orchestra. El cartel de esta jornada tarde de música en el parque lo complementan la agrupación brasilera BaianaSystem, formada en 2009 en Salvador de Bahía y que mezcla los sonidos de la guitarra baiana con ritmos oriundos de dicha ciudad como la samba-reggae, el ijexá traído de Nigeria por esclavos que llegaron a Brasil o el popular ska. Cierra el elenco de artistas, el nacional Pedropiedra, quien estará presentando en vivo su EP Bomba nuclear, que incluye parte de su repertorio en clave cumbia.
Las entradas
Las venta de entradas para los diferentes shows del Red Bull Music Festival Santiago comienza hoy a través del sistema Ticketek.
Batuta titular de la Sinfónica de Puerto Rico: Maximiano Valdés es el nuevo director de la Sinfónica Nacional Juvenil
El Mercurio
En La Moneda se oficializó su nombramiento al mando del conjunto estrella de la Fundación de Orquestas Juveniles. "La excelencia musical es indispensable, pero no es lo único", señala el conductor chileno.
Maureen Lennon Zaninovic
"Es un privilegio tener a un director de su nivel. Para nuestros instrumentistas su designación será un ascenso muy significativo, porque, además de sus capacidades profesionales, Maximiano Valdés tiene amor y vocación por el mundo de las orquestas juveniles".
Son palabras de la Primera Dama, Cecilia Morel, quien -ayer en La Moneda- oficializó el nombramiento del músico chileno a cargo de la Orquesta Sinfónica Nacional Juvenil. La agrupación estrella de la Fundación de Orquestas Juveniles e Infantiles (FOJI) se encontraba desde hace más de dos años con su cargo titular vacante, desde que en enero del 2016 José Luis Domínguez se despidió oficialmente del conjunto.
El también director titular de la Orquesta Sinfónica de Puerto Rico y del Festival Casals -sin duda, una de las batutas chilenas con mayor proyección internacional- comenta que "a estas alturas de mi vida las cosas pasan por algo y sucedió que en los últimos meses comencé a acercarme más a la Nacional Juvenil. Estaba buscando un desafío de este tipo, porque estoy convencido de que la excelencia musical es indispensable, pero no es lo único. Desgraciadamente, la gente joven tiene cada vez menos conocimiento del real contenido de la música. Se limitan a tocar bien un instrumento, pero no logran asociar la música a la historia y a lo que ella representa para nuestra civilización". Y añade que "la primera e irrenunciable condición es que estos chicos toquen a un muy alto nivel, y la segunda, formarlos de manera integral".
Maximiano Valdés adelanta otros énfasis de su gestión que se extenderá por tres años. Advierte que su anhelo es "que sea verdaderamente una orquesta nacional, que pueda acoger a compositores, cantantes, directores, instrumentistas y repertorio chileno. También es clave incorporar al sector privado en este proyecto de excelencia. Una de mis tareas con Alejandra Kantor, directora ejecutiva de la FOJI, es tener una ronda de reuniones para que las empresas se comprometan, por ejemplo, con la visita de un músico internacional o apoyar una gira que, según se me ha dicho, tiene altas probabilidades de concretarse en 2019".
Cuidar el repertorio
Su diagnóstico de la Nacional Juvenil es claro: "Es una orquesta de jóvenes y hay integrantes que recién se han incorporado a sus filas y eso se notó en el último concierto donde los dirigí y donde también actuó Roberto Díaz (viola). Nos dimos cuenta de que el repertorio, en especial la obra de Berlioz, era muy complicado para ellos. Hay que saber manejar los programas, porque si no lo haces, generas muchas frustraciones. Voy a ser muy cuidadoso, con el apoyo de los instructores, en el diseño del repertorio para el 2019, pensando en el nivel de cada uno de los integrantes. Hay que fijarse metas, pero con lógica y considerando el recambio de los instrumentistas".
El conductor concluye que, para lo que queda de este año, su agenda está bastante copada. "A partir del verano del 2019, voy a tener más tiempo para desarrollar este cargo con mayor propiedad. Cada vez veo con más claridad tener una mayor estadía en mi país".
En Municipal de Santiago
El 4 y 5 de octubre dirigirá a la Filarmónica de Santiago en un programa que incluirá "Preludio sinfónico", de René Amengual; la Cuarta Sinfonía, de Brahms, y "Resurrección", de Krzysztof Penderecki. "Esta última es tremendamente exigente. En el Municipal tendremos al pianista Luis Alberto Latorre, quien está plenamente capacitado para asumir esta pieza", señala Maximiano Valdés.
En La Moneda se oficializó su nombramiento al mando del conjunto estrella de la Fundación de Orquestas Juveniles. "La excelencia musical es indispensable, pero no es lo único", señala el conductor chileno.
Maureen Lennon Zaninovic
"Es un privilegio tener a un director de su nivel. Para nuestros instrumentistas su designación será un ascenso muy significativo, porque, además de sus capacidades profesionales, Maximiano Valdés tiene amor y vocación por el mundo de las orquestas juveniles".
Son palabras de la Primera Dama, Cecilia Morel, quien -ayer en La Moneda- oficializó el nombramiento del músico chileno a cargo de la Orquesta Sinfónica Nacional Juvenil. La agrupación estrella de la Fundación de Orquestas Juveniles e Infantiles (FOJI) se encontraba desde hace más de dos años con su cargo titular vacante, desde que en enero del 2016 José Luis Domínguez se despidió oficialmente del conjunto.
El también director titular de la Orquesta Sinfónica de Puerto Rico y del Festival Casals -sin duda, una de las batutas chilenas con mayor proyección internacional- comenta que "a estas alturas de mi vida las cosas pasan por algo y sucedió que en los últimos meses comencé a acercarme más a la Nacional Juvenil. Estaba buscando un desafío de este tipo, porque estoy convencido de que la excelencia musical es indispensable, pero no es lo único. Desgraciadamente, la gente joven tiene cada vez menos conocimiento del real contenido de la música. Se limitan a tocar bien un instrumento, pero no logran asociar la música a la historia y a lo que ella representa para nuestra civilización". Y añade que "la primera e irrenunciable condición es que estos chicos toquen a un muy alto nivel, y la segunda, formarlos de manera integral".
Maximiano Valdés adelanta otros énfasis de su gestión que se extenderá por tres años. Advierte que su anhelo es "que sea verdaderamente una orquesta nacional, que pueda acoger a compositores, cantantes, directores, instrumentistas y repertorio chileno. También es clave incorporar al sector privado en este proyecto de excelencia. Una de mis tareas con Alejandra Kantor, directora ejecutiva de la FOJI, es tener una ronda de reuniones para que las empresas se comprometan, por ejemplo, con la visita de un músico internacional o apoyar una gira que, según se me ha dicho, tiene altas probabilidades de concretarse en 2019".
Cuidar el repertorio
Su diagnóstico de la Nacional Juvenil es claro: "Es una orquesta de jóvenes y hay integrantes que recién se han incorporado a sus filas y eso se notó en el último concierto donde los dirigí y donde también actuó Roberto Díaz (viola). Nos dimos cuenta de que el repertorio, en especial la obra de Berlioz, era muy complicado para ellos. Hay que saber manejar los programas, porque si no lo haces, generas muchas frustraciones. Voy a ser muy cuidadoso, con el apoyo de los instructores, en el diseño del repertorio para el 2019, pensando en el nivel de cada uno de los integrantes. Hay que fijarse metas, pero con lógica y considerando el recambio de los instrumentistas".
El conductor concluye que, para lo que queda de este año, su agenda está bastante copada. "A partir del verano del 2019, voy a tener más tiempo para desarrollar este cargo con mayor propiedad. Cada vez veo con más claridad tener una mayor estadía en mi país".
En Municipal de Santiago
El 4 y 5 de octubre dirigirá a la Filarmónica de Santiago en un programa que incluirá "Preludio sinfónico", de René Amengual; la Cuarta Sinfonía, de Brahms, y "Resurrección", de Krzysztof Penderecki. "Esta última es tremendamente exigente. En el Municipal tendremos al pianista Luis Alberto Latorre, quien está plenamente capacitado para asumir esta pieza", señala Maximiano Valdés.
Cecilia fue internada por problemas respiratorios
El Mercurio
La cantante está desde hace unos días en el Hospital del Tórax. La intérprete agradeció a ayer través de Twitter la preocupación y dijo estar "bastante mejorada" y atribuyó la situación a la mala calidad del aire en Santiago. Cecilia tiene programado un concierto para el 7 de octubre en el Teatro Caupolicán para celebrar sus 60 años de trayectoria.
La cantante está desde hace unos días en el Hospital del Tórax. La intérprete agradeció a ayer través de Twitter la preocupación y dijo estar "bastante mejorada" y atribuyó la situación a la mala calidad del aire en Santiago. Cecilia tiene programado un concierto para el 7 de octubre en el Teatro Caupolicán para celebrar sus 60 años de trayectoria.
La promisoria carrera de Drefquila, el cantante urbano del momento
El Mercurio
El chileno tiene solo 20 años, pero acumula cifras en internet que pocos intérpretes nacionales han alcanzado. Hoy se concentra en su nuevo trabajo, con el que espera dar el salto definitivo hacia la masividad.
Raimundo Flores S.
Actualmente, su canal de YouTube supera las 100 millones de reproducciones. Una cifra que muchos artistas chilenos soñarían con alcanzar y que Claudio Montaño -el verdadero nombre de Drefquila- superó con 20 años y una carrera que, hasta ahora, había sido trabajada desde la autogestión y la independencia, con internet como gran aliado.
A fines de julio, el cantante se unió al catálogo de Warner Music Chile, convirtiéndose en el primer chileno en más de 10 años en firmar contrato con el sello. Una señal clara de lo que promete su carrera y que, como él mismo admite, genera aún más expectativas por su próximos trabajos. "A esas expectativas hay que darles de comer y superarlas", señala en entrevista con "El Mercurio".
Con un estilo que sigue las últimas tendencias de la música urbana, como el trap y el dancehall , Drefquila combina en sus letras el romanticismo y sus ambiciones personales, además de ironizar con los lugares comunes a los que recurren sus compañeros de género. "Él se cree un maleante, con sicarios y gangsters, y que tiene pistolas pa'l drama. Yo no soy nada de eso, mami, yo soy cantante", canta en "Olvida el miedo".
Hoy, el cantante afina los detalles de su próximo disco, que llevará el nombre de "Aqua" y que grabará en Nueva York en los próximos meses. Mañana, a través de plataformas de streaming , dará a conocer "Fe", el primer sencillo de este trabajo y su video. En su opinión, marcará un antes y un después en la música chilena. "Espero que el disco genere el impacto que pienso que tiene que generar, que es que sea tomado como el mejor disco de música urbana que se haya hecho hasta el momento después de "Ser Humano", de Tiro de Gracia", dice.
"A largo plazo, quiero competir codo a codo con los que están en la palestra, porque si te preguntas qué chileno con 20 años ha logrado lo que yo he logrado hasta ahora, no hay ninguno. Tengo que competir contra Bad Bunny, Farruko, Drake, Kendrick Lamar o Nicki Minaj", expresa con entusiasmo. Aunque el plan suena ambicioso, Montaño tiene el respaldo de estar en una posición prácticamente inédita para algún cantante de su género en Chile, dada por su corta edad, sus números en plataformas de streaming y el apoyo de una multinacional como Warner.
Drefquila es consciente del buen momento que pasa la música urbana a nivel mundial y considera que es el momento para que este género llegue a un público más transversal. "Mi tarea va por posicionar la música urbana en el lugar que le corresponde", dice, y agrega: "Hoy día me escucha gente que tiene entre 12 y 35 años máximo y yo necesito que ese espectro sea mucho más grande, que me escuchen niños mucho más chicos y gente mucho más adulta".
Presencia en festivales
Drefquila es parte del cartel del Andes Fest, que estará en La Serena, Concepción y Temuco, entre octubre y noviembre. Además, tocará en La Cumbre el 12 de enero, en el Club Hípico.
El chileno tiene solo 20 años, pero acumula cifras en internet que pocos intérpretes nacionales han alcanzado. Hoy se concentra en su nuevo trabajo, con el que espera dar el salto definitivo hacia la masividad.
Raimundo Flores S.
Actualmente, su canal de YouTube supera las 100 millones de reproducciones. Una cifra que muchos artistas chilenos soñarían con alcanzar y que Claudio Montaño -el verdadero nombre de Drefquila- superó con 20 años y una carrera que, hasta ahora, había sido trabajada desde la autogestión y la independencia, con internet como gran aliado.
A fines de julio, el cantante se unió al catálogo de Warner Music Chile, convirtiéndose en el primer chileno en más de 10 años en firmar contrato con el sello. Una señal clara de lo que promete su carrera y que, como él mismo admite, genera aún más expectativas por su próximos trabajos. "A esas expectativas hay que darles de comer y superarlas", señala en entrevista con "El Mercurio".
Con un estilo que sigue las últimas tendencias de la música urbana, como el trap y el dancehall , Drefquila combina en sus letras el romanticismo y sus ambiciones personales, además de ironizar con los lugares comunes a los que recurren sus compañeros de género. "Él se cree un maleante, con sicarios y gangsters, y que tiene pistolas pa'l drama. Yo no soy nada de eso, mami, yo soy cantante", canta en "Olvida el miedo".
Hoy, el cantante afina los detalles de su próximo disco, que llevará el nombre de "Aqua" y que grabará en Nueva York en los próximos meses. Mañana, a través de plataformas de streaming , dará a conocer "Fe", el primer sencillo de este trabajo y su video. En su opinión, marcará un antes y un después en la música chilena. "Espero que el disco genere el impacto que pienso que tiene que generar, que es que sea tomado como el mejor disco de música urbana que se haya hecho hasta el momento después de "Ser Humano", de Tiro de Gracia", dice.
"A largo plazo, quiero competir codo a codo con los que están en la palestra, porque si te preguntas qué chileno con 20 años ha logrado lo que yo he logrado hasta ahora, no hay ninguno. Tengo que competir contra Bad Bunny, Farruko, Drake, Kendrick Lamar o Nicki Minaj", expresa con entusiasmo. Aunque el plan suena ambicioso, Montaño tiene el respaldo de estar en una posición prácticamente inédita para algún cantante de su género en Chile, dada por su corta edad, sus números en plataformas de streaming y el apoyo de una multinacional como Warner.
Drefquila es consciente del buen momento que pasa la música urbana a nivel mundial y considera que es el momento para que este género llegue a un público más transversal. "Mi tarea va por posicionar la música urbana en el lugar que le corresponde", dice, y agrega: "Hoy día me escucha gente que tiene entre 12 y 35 años máximo y yo necesito que ese espectro sea mucho más grande, que me escuchen niños mucho más chicos y gente mucho más adulta".
Presencia en festivales
Drefquila es parte del cartel del Andes Fest, que estará en La Serena, Concepción y Temuco, entre octubre y noviembre. Además, tocará en La Cumbre el 12 de enero, en el Club Hípico.
lunes, agosto 27, 2018
El Museo de Bellas Artes y el Histórico Nacional continúan sin director
Mientras aún no se abre la convocatoria pública para elegir al titular de la pinacoteca, ya se están revisando los antecedentes de los postulantes al cargo en el museo de Plaza de Armas.
Daniela Silva Astorga
Han pasado 48 días desde que Javier Díaz, director (s) del Servicio Nacional del Patrimonio Cultural, le pidió la renuncia al director del Museo de Bellas Artes (MNBA), Roberto Farriol, argumentando pérdida de confianza en su gestión. Y a partir de entonces, la pinacoteca ha operado con María Arévalo, de Relaciones Públicas, como directora provisoria, y con el mismo Díaz como el director que la reemplaza a ella. Así, por ejemplo, ocurrió el jueves pasado: él inauguró la exposición de José Venturelli, junto a la hija del artista.
¿Cuándo se definirá al nuevo director? Aún falta bastante tiempo, indican desde el Servicio del Patrimonio. Quizás en octubre aparezca el nombre. Por ahora, lo que se sabe es que el perfil del cargo -elaborado por RR.HH. del servicio- está siendo revisado por un comité de cinco personas del Ministerio de las Culturas, que esto debiera tardar mínimo un mes y que una vez transcurrido ese proceso recién se abrirá la convocatoria. Esta no será de alta dirección pública, pero tendrá ciertos requisitos, como haber trabajado al menos tres años en el Estado.
Como referencia, a las convocatorias abiertas últimamente para definir a directores de museos regionales -de Vicuña, Talca y Antofagasta- llegaron, en total, los datos de unos 2.100 postulantes. Por eso se estima que la revisión de los currículos que lleguen para el MNBA será extensa. Y, además, siempre existe la posibilidad de que el llamado se declare desierto -por no encontrar perfiles óptimos para el cargo- y que todo el proceso comience de nuevo.
Otro flanco todavía abierto en el MNBA es la investigación sumaria que el Servicio del Patrimonio inició -y que está en etapa indagatoria- en torno al caso de la curadora Gloria Cortés, quien en marzo presentó una denuncia al Instituto de Seguridad Laboral (ISL). A través de esta, la trabajadora solicitaba contención médica para una enfermedad de índole laboral, provocada por situaciones vividas dentro del museo desde 2015. El caso fue calificado como "centinela" en el ISL.
El Museo Histórico Nacional también está sin director titular, tras la renuncia de Pablo Andrade (en mayo, por la controversial muestra "Hijos de la libertad"). Allí, la directora subrogante es, tal como en períodos anteriores, Isabel Alvarado. Sin embargo, la convocatoria de este museo va más avanzada: ya cerró y se inició la revisión de los postulantes.
Otro cargo decisivo y aún vacante en el mundo cultural es el de director del Servicio del Patrimonio, que hoy ocupa de manera subrogante Javier Díaz. Desde el servicio indican que la decisión debiera tomarse -vía Alta Dirección Pública- antes del 18 de septiembre, porque la convocatoria cerró el 23 de julio y los antecedentes están en estudio.
Daniela Silva Astorga
Han pasado 48 días desde que Javier Díaz, director (s) del Servicio Nacional del Patrimonio Cultural, le pidió la renuncia al director del Museo de Bellas Artes (MNBA), Roberto Farriol, argumentando pérdida de confianza en su gestión. Y a partir de entonces, la pinacoteca ha operado con María Arévalo, de Relaciones Públicas, como directora provisoria, y con el mismo Díaz como el director que la reemplaza a ella. Así, por ejemplo, ocurrió el jueves pasado: él inauguró la exposición de José Venturelli, junto a la hija del artista.
¿Cuándo se definirá al nuevo director? Aún falta bastante tiempo, indican desde el Servicio del Patrimonio. Quizás en octubre aparezca el nombre. Por ahora, lo que se sabe es que el perfil del cargo -elaborado por RR.HH. del servicio- está siendo revisado por un comité de cinco personas del Ministerio de las Culturas, que esto debiera tardar mínimo un mes y que una vez transcurrido ese proceso recién se abrirá la convocatoria. Esta no será de alta dirección pública, pero tendrá ciertos requisitos, como haber trabajado al menos tres años en el Estado.
Como referencia, a las convocatorias abiertas últimamente para definir a directores de museos regionales -de Vicuña, Talca y Antofagasta- llegaron, en total, los datos de unos 2.100 postulantes. Por eso se estima que la revisión de los currículos que lleguen para el MNBA será extensa. Y, además, siempre existe la posibilidad de que el llamado se declare desierto -por no encontrar perfiles óptimos para el cargo- y que todo el proceso comience de nuevo.
Otro flanco todavía abierto en el MNBA es la investigación sumaria que el Servicio del Patrimonio inició -y que está en etapa indagatoria- en torno al caso de la curadora Gloria Cortés, quien en marzo presentó una denuncia al Instituto de Seguridad Laboral (ISL). A través de esta, la trabajadora solicitaba contención médica para una enfermedad de índole laboral, provocada por situaciones vividas dentro del museo desde 2015. El caso fue calificado como "centinela" en el ISL.
El Museo Histórico Nacional también está sin director titular, tras la renuncia de Pablo Andrade (en mayo, por la controversial muestra "Hijos de la libertad"). Allí, la directora subrogante es, tal como en períodos anteriores, Isabel Alvarado. Sin embargo, la convocatoria de este museo va más avanzada: ya cerró y se inició la revisión de los postulantes.
Otro cargo decisivo y aún vacante en el mundo cultural es el de director del Servicio del Patrimonio, que hoy ocupa de manera subrogante Javier Díaz. Desde el servicio indican que la decisión debiera tomarse -vía Alta Dirección Pública- antes del 18 de septiembre, porque la convocatoria cerró el 23 de julio y los antecedentes están en estudio.
Teatro UdeC: Brillante gala rossiniana en Concepción
El Mercurio
Juan Antonio Muñoz H.
Fue una gran fiesta y hubo mucho que celebrar. Desde ya, no es habitual en Chile un concierto con un repertorio como este; menos habitual aún es que la interpretación esté a tan alto nivel. Fueron tres funciones (22, 24 y 25 de agosto), con el Teatro de la Universidad de Concepción repleto y la participación de coro y orquesta sinfónica universitarios, más dos cantantes nacidos en la Región del Biobío -los barítonos Ricardo Seguel y Christian Senn-, la mezzosoprano argentina Florencia Machado y el director italiano Pietro Mianiti.
Además, la visita permitió apreciar la remodelación de la sala y la galería de arte que se ha acondicionado en el foyer de la misma, donde por estos días se exhibe vestuario de ópera del diseñador Germán Droghetti.
Ya la obertura de "La Italiana en Argel", con la que inició el programa, dio cuenta de la calidad del conjunto y del director musical, aunque de pronto el peso sonoro pudo ser algo excesivo para esta música tan ligera y burbujeante; sin embargo, en lo sucesivo, el maestro Mianiti realizó un trabajo rayano en la perfección, alcanzando la gloria con la obertura de "Guillermo Tell", de dimensiones enormes (para algunos es casi un poema sinfónico), con ese romántico inicio con los cellos en solitario, liderados por Francisco Pino. Lo mismo debe decirse en la unión de coro (dirección de Carlos Traverso) y orquesta en "L'Asia in faville" de "Aureliano en Palmira", con un magnífico solo de violín a cargo del concertino Dorian Lamotte.
Abrió los fuegos vocales el dúo "Oh, che muso", de "La Italiana", con Florencia Machado y Ricardo Seguel, ambos con un irresistible desplante teatral, quienes utilizaron algunos elementos de escena para dar cuenta de lo que sucedía (siempre se contó con sobretítulos, de manera que el público pudo gozar del ingenio de los textos). La mezzosoprano tiene una voz de bello color y su coloratura es precisa; si bien los agudos le causaron alguna dificultad en las evoluciones del rondó "Nacqui all'afano" ("La Cenerentola"), su "Pensa alla Patria" ("La Italiana") fue notable en gracia, sabor y aplomo.
El barítono Christian Senn ya lleva años cantando por el mundo y su voz se ha consolidado en todo el registro. Es un muy buen actor, goza con lo que hace y transmite al público su seguridad musical. La flexibilidad de su instrumento quedó manifiesta en la entrada de Dandini, "Come un'ape nei giorni d'aprile" ("La Cenerentola"), y en el único fragmento donizettiano de la jornada: el divertidísimo dúo "Cheti, cheti immantinente", con sus imposibles trabalenguas, cantado junto a Ricardo Seguel ("Don Pasquale") y precedido por el coro "Che interminabile andirivieni".
Punto máximo de la noche fue la magistral interpretación de Ricardo Seguel para "Là del ciel nell'arcano profondo", larga y difícil escena de bravura, que exige agilidad, registro extenso y dominio absoluto del verbo (fue escrita por Rossini para una reposición de "La Cenerentola" en 1820). El mismo barítono -que no por nada es llamado cada vez con mayor regularidad por teatros como el Colón de Buenos Aires y la Ópera de Oviedo- hizo una entrega notable de "A un dottor della mia sorte" ("El Barbero de Sevilla"), mientras que Senn deslumbró con su versión de "Largo al factotum" y en el dúo "Dunque io son", junto a Florencia Machado.
Todo colaboró al éxito, incluida la simpática idea de que los acomodadores estuvieran vestidos como personajes de algún título lírico: el hambre por escuchar y ver ópera en Concepción es grande, y como este año, por motivos presupuestarios, no pudo montarse un título completo, se optó por este proyecto que resultó un éxito. Un último punto: hay que agradecer el acucioso trabajo de preparación realizado por la pianista correpetidora Verónica Torres.
Juan Antonio Muñoz H.
Fue una gran fiesta y hubo mucho que celebrar. Desde ya, no es habitual en Chile un concierto con un repertorio como este; menos habitual aún es que la interpretación esté a tan alto nivel. Fueron tres funciones (22, 24 y 25 de agosto), con el Teatro de la Universidad de Concepción repleto y la participación de coro y orquesta sinfónica universitarios, más dos cantantes nacidos en la Región del Biobío -los barítonos Ricardo Seguel y Christian Senn-, la mezzosoprano argentina Florencia Machado y el director italiano Pietro Mianiti.
Además, la visita permitió apreciar la remodelación de la sala y la galería de arte que se ha acondicionado en el foyer de la misma, donde por estos días se exhibe vestuario de ópera del diseñador Germán Droghetti.
Ya la obertura de "La Italiana en Argel", con la que inició el programa, dio cuenta de la calidad del conjunto y del director musical, aunque de pronto el peso sonoro pudo ser algo excesivo para esta música tan ligera y burbujeante; sin embargo, en lo sucesivo, el maestro Mianiti realizó un trabajo rayano en la perfección, alcanzando la gloria con la obertura de "Guillermo Tell", de dimensiones enormes (para algunos es casi un poema sinfónico), con ese romántico inicio con los cellos en solitario, liderados por Francisco Pino. Lo mismo debe decirse en la unión de coro (dirección de Carlos Traverso) y orquesta en "L'Asia in faville" de "Aureliano en Palmira", con un magnífico solo de violín a cargo del concertino Dorian Lamotte.
Abrió los fuegos vocales el dúo "Oh, che muso", de "La Italiana", con Florencia Machado y Ricardo Seguel, ambos con un irresistible desplante teatral, quienes utilizaron algunos elementos de escena para dar cuenta de lo que sucedía (siempre se contó con sobretítulos, de manera que el público pudo gozar del ingenio de los textos). La mezzosoprano tiene una voz de bello color y su coloratura es precisa; si bien los agudos le causaron alguna dificultad en las evoluciones del rondó "Nacqui all'afano" ("La Cenerentola"), su "Pensa alla Patria" ("La Italiana") fue notable en gracia, sabor y aplomo.
El barítono Christian Senn ya lleva años cantando por el mundo y su voz se ha consolidado en todo el registro. Es un muy buen actor, goza con lo que hace y transmite al público su seguridad musical. La flexibilidad de su instrumento quedó manifiesta en la entrada de Dandini, "Come un'ape nei giorni d'aprile" ("La Cenerentola"), y en el único fragmento donizettiano de la jornada: el divertidísimo dúo "Cheti, cheti immantinente", con sus imposibles trabalenguas, cantado junto a Ricardo Seguel ("Don Pasquale") y precedido por el coro "Che interminabile andirivieni".
Punto máximo de la noche fue la magistral interpretación de Ricardo Seguel para "Là del ciel nell'arcano profondo", larga y difícil escena de bravura, que exige agilidad, registro extenso y dominio absoluto del verbo (fue escrita por Rossini para una reposición de "La Cenerentola" en 1820). El mismo barítono -que no por nada es llamado cada vez con mayor regularidad por teatros como el Colón de Buenos Aires y la Ópera de Oviedo- hizo una entrega notable de "A un dottor della mia sorte" ("El Barbero de Sevilla"), mientras que Senn deslumbró con su versión de "Largo al factotum" y en el dúo "Dunque io son", junto a Florencia Machado.
Todo colaboró al éxito, incluida la simpática idea de que los acomodadores estuvieran vestidos como personajes de algún título lírico: el hambre por escuchar y ver ópera en Concepción es grande, y como este año, por motivos presupuestarios, no pudo montarse un título completo, se optó por este proyecto que resultó un éxito. Un último punto: hay que agradecer el acucioso trabajo de preparación realizado por la pianista correpetidora Verónica Torres.
Pedro Robert: Joven pianista se presenta hoy en el Teatro Municipal
El Mercurio
El músico chileno de 27 años está invitado al ciclo organizado por la Sociedad Chopin. Tocará a Bach, Beethoven, Chopin y Liszt.
Maite Armendáriz Azcárate
La prensa especializada de Italia acaba de destacar la presentación del pianista chileno Pedro Robert (27) en el cierre del "Festival Pianistico di Primavera", realizado en Savigliano, ciudad de la provincia de Cuneo. "Estoy muy contento de cómo se han ido dando las cosas durante mi formación como intérprete de piano y, de manera especial, por la gran experiencia formativa de posgrado que actualmente curso en Italia", señala Robert, titulado en 2017 con distinción máxima en el Instituto de Música de la Universidad Católica de Chile.
Hace un par de semanas finalizó su primer año de magíster en interpretación de piano en el Conservatorio Giuseppe Verdi di Torino, y mientras pasa unos días de vacaciones en Santiago, se presentará hoy en el Ciclo de Jóvenes Pianistas, organizado por la Sociedad Chopin de Chile, en la Sala Arrau del Teatro Municipal.
El programa incluirá obras de los períodos Barroco, Clásico y Romántico. Se iniciará con la Suite Francesa N° 5 en Sol mayor, de J. S. Bach, y seguirá con la Sonata para piano N° 6, de Beethoven. Y la segunda parte estará enfocada en dos de los más grandes pianistas y compositores del período Romántico: Frederic Chopin y Franz Liszt. "Interpretaré los dos nocturnos Opus 27 y la Balada N° 2, de Chopin, y, finalmente, la Balada N° 2 en Si menor de Liszt".
"Siempre trato de ampliar mi repertorio abordando variados autores", asegura el pianista. "Sin embargo, si me hacen optar, me gusta mucho interpretar a Liszt y Debussy. Además, adoro toda la música de J. S. Bach. Trato de incluir alguna obra de él en mis programas y me gustaría poder tocar la mayor cantidad posible de su música para teclado a lo largo de mi carrera".
Becado por la Corporación de Amigos del Teatro Municipal entre 2011 y 2015, Robert fue aceptado en el Royal College of Music of London, en 2016, para realizar un programa de Master in Piano Performance, bajo la guía del profesor John Byrne. Y luego fue premiado en diciembre de 2017 por la De Sono Associazione per la Musica de Torino, en Italia, donde obtuvo una beca de 2 mil euros para financiar parte de sus estudios de posgrado en el Conservatorio Giuseppe Verdi di Torino.
Actualmente, junto con sus estudios de magíster, Robert está cursando un programa de perfeccionamiento de piano en la Accademia di Musica di Pinerolo, donde estudia bajo la guía del maestro Gabriele Carcano.
Entre sus próximos compromisos musicales destaca la participación en el proyecto "Serie Schumann", de la Agencia Unione Musicale di Torino. Se presentará el 5 de marzo de 2019 en el Teatro Vittoria de esa localidad, en un concierto donde tocará la Toccata Op. 7 y el Album Bunte Blätter Op. 99 del compositor alemán.
"Quisiera aprovecharlo al máximo mientras soy joven. A pesar de eso, de todas maneras me gustaría eventualmente vivir de la música y del ambiente cultural en Chile; tengo aquí a mis familiares y amigos, que son lo más importante. Mi proyecto profesional apunta a aprender lo que más pueda de mi experiencia en el extranjero, para así poder aportar, en la medida de lo posible y según mis capacidades, al ambiente musical aquí en Chile", confiesa Pedro Robert.
El músico chileno de 27 años está invitado al ciclo organizado por la Sociedad Chopin. Tocará a Bach, Beethoven, Chopin y Liszt.
Maite Armendáriz Azcárate
La prensa especializada de Italia acaba de destacar la presentación del pianista chileno Pedro Robert (27) en el cierre del "Festival Pianistico di Primavera", realizado en Savigliano, ciudad de la provincia de Cuneo. "Estoy muy contento de cómo se han ido dando las cosas durante mi formación como intérprete de piano y, de manera especial, por la gran experiencia formativa de posgrado que actualmente curso en Italia", señala Robert, titulado en 2017 con distinción máxima en el Instituto de Música de la Universidad Católica de Chile.
Hace un par de semanas finalizó su primer año de magíster en interpretación de piano en el Conservatorio Giuseppe Verdi di Torino, y mientras pasa unos días de vacaciones en Santiago, se presentará hoy en el Ciclo de Jóvenes Pianistas, organizado por la Sociedad Chopin de Chile, en la Sala Arrau del Teatro Municipal.
El programa incluirá obras de los períodos Barroco, Clásico y Romántico. Se iniciará con la Suite Francesa N° 5 en Sol mayor, de J. S. Bach, y seguirá con la Sonata para piano N° 6, de Beethoven. Y la segunda parte estará enfocada en dos de los más grandes pianistas y compositores del período Romántico: Frederic Chopin y Franz Liszt. "Interpretaré los dos nocturnos Opus 27 y la Balada N° 2, de Chopin, y, finalmente, la Balada N° 2 en Si menor de Liszt".
"Siempre trato de ampliar mi repertorio abordando variados autores", asegura el pianista. "Sin embargo, si me hacen optar, me gusta mucho interpretar a Liszt y Debussy. Además, adoro toda la música de J. S. Bach. Trato de incluir alguna obra de él en mis programas y me gustaría poder tocar la mayor cantidad posible de su música para teclado a lo largo de mi carrera".
Becado por la Corporación de Amigos del Teatro Municipal entre 2011 y 2015, Robert fue aceptado en el Royal College of Music of London, en 2016, para realizar un programa de Master in Piano Performance, bajo la guía del profesor John Byrne. Y luego fue premiado en diciembre de 2017 por la De Sono Associazione per la Musica de Torino, en Italia, donde obtuvo una beca de 2 mil euros para financiar parte de sus estudios de posgrado en el Conservatorio Giuseppe Verdi di Torino.
Actualmente, junto con sus estudios de magíster, Robert está cursando un programa de perfeccionamiento de piano en la Accademia di Musica di Pinerolo, donde estudia bajo la guía del maestro Gabriele Carcano.
Entre sus próximos compromisos musicales destaca la participación en el proyecto "Serie Schumann", de la Agencia Unione Musicale di Torino. Se presentará el 5 de marzo de 2019 en el Teatro Vittoria de esa localidad, en un concierto donde tocará la Toccata Op. 7 y el Album Bunte Blätter Op. 99 del compositor alemán.
"Quisiera aprovecharlo al máximo mientras soy joven. A pesar de eso, de todas maneras me gustaría eventualmente vivir de la música y del ambiente cultural en Chile; tengo aquí a mis familiares y amigos, que son lo más importante. Mi proyecto profesional apunta a aprender lo que más pueda de mi experiencia en el extranjero, para así poder aportar, en la medida de lo posible y según mis capacidades, al ambiente musical aquí en Chile", confiesa Pedro Robert.
domingo, agosto 26, 2018
Chinoy: "Soy reo de mí mismo y yo mismo me abro la jaula"
El Mercurio
El cantautor se despide de Chile estrenando en vivo un nuevo proyecto: "Giramante", en formato de dúo junto a su esposa Brenda Lucero, antes de radicarse en Argentina. "Adonde me vaya me irá mejor que acá", señala.
José Vásquez
La logística ya está definida. Chinoy cuenta que su principal preocupación -el tener un hogar en Córdoba, Argentina, donde se va a radicar a partir de septiembre- ya está resuelta. El plan del cantautor es instalarse en el sector de la sierra de la provincia trasandina y desde ahí tejer nuevas redes para hacerse un nombre en un circuito musical, donde, en todo caso, no aparece como un personaje desconocido.
"Quiero conocer el mercado argentino y siento que llegaré a un lugar ideal para empaparme de lo que sucede allá. He realizado shows en la zona y me han tratado bastante bien, lo que también es una de las razones del por qué hago el viaje", dice el músico, quien no esconde en su decisión una despedida marcada por un tono de decepción con la industria local.
"Llegué a la conclusión de que adonde me vaya me irá mejor que acá. Aunque en Argentina la economía esté más caída, las nuevas experiencias van a generar nuevas canciones. Al final, soy reo de mí mismo y yo mismo me abro la jaula".
El itinerario de Chinoy, tras instalarse en Córdoba, marca un recorrido que prontamente lo llevará a Alemania, donde su objetivo es entrar al estudio y grabar junto a Rodrigo González un registro que todavía no define si será solo un sencillo o un EP con alrededor de cinco temas. Tras eso, piensa regresar a Argentina y viajar, probablemente, a Chile para un compromiso puntual en noviembre.
Debut y despedida
El músico reconoce que está pasando por un momento dulce en lo creativo y eso es lo que piensa reflejar en vivo para la que determinó como su despedida de los escenarios locales, con dos fechas en el Centro Cultural Las Condes, este 30 y 31 de agosto. Lo sorpresivo es que no se tratará de un espectáculo con los éxitos de su repertorio, sino que será un adiós estrenando un nuevo material. Algo que irónicamente plantea como un debut y despedida.
"Será el inicio de un proyecto nuevo, la 'Giramante', la presentación de temas inéditos junto a mi mujer Lucero, que me va a acompañar con sus canciones. Es un trabajo en conjunto que recién ahora tendrá su estreno", cuenta el cantante.
Lo nuevo de Chinoy, señala, también es una apuesta poética, que en un principio se va a extender como un concierto por cerca de una hora en un formato de sintetizador y guitarra acústica. "Es un show más tirado al romance", admite y lo define como "música experimental, con canciones que transitan desde un tono bucólico a lo discotequero, acompañado por un bombo legüero. Todavía estamos equilibrando el formato que igual tiene un sonido moderno y contemporáneo", anticipa.
-¿Siente que deja cosas pendientes en Chile, quizás haber logrado la masividad con su música?
"Es que la ambición de llegar más lejos aquí no es mucha, no hay nadie que esté triunfando de manera rotunda. No siento que esté pasando mucho. Hay un montón de artistas geniales, que no solo tienen buenas canciones, sino que también son muy inteligentes, pero es bien difícil desarrollar una carrera acá. Igual a mí tampoco me va tan mal, lo que es contradictorio, como decía Walt Whitman, 'contengo multitudes'".
Nuevo libro
"Hace poco que estoy casado y a mi pareja le hice este 'Venusterio', que de alguna manera es la historia de nuestro encuentro, con capítulos de la 'Giramante' y composiciones de ella", cuenta el músico sobre su nueva obra.
El cantautor se despide de Chile estrenando en vivo un nuevo proyecto: "Giramante", en formato de dúo junto a su esposa Brenda Lucero, antes de radicarse en Argentina. "Adonde me vaya me irá mejor que acá", señala.
José Vásquez
La logística ya está definida. Chinoy cuenta que su principal preocupación -el tener un hogar en Córdoba, Argentina, donde se va a radicar a partir de septiembre- ya está resuelta. El plan del cantautor es instalarse en el sector de la sierra de la provincia trasandina y desde ahí tejer nuevas redes para hacerse un nombre en un circuito musical, donde, en todo caso, no aparece como un personaje desconocido.
"Quiero conocer el mercado argentino y siento que llegaré a un lugar ideal para empaparme de lo que sucede allá. He realizado shows en la zona y me han tratado bastante bien, lo que también es una de las razones del por qué hago el viaje", dice el músico, quien no esconde en su decisión una despedida marcada por un tono de decepción con la industria local.
"Llegué a la conclusión de que adonde me vaya me irá mejor que acá. Aunque en Argentina la economía esté más caída, las nuevas experiencias van a generar nuevas canciones. Al final, soy reo de mí mismo y yo mismo me abro la jaula".
El itinerario de Chinoy, tras instalarse en Córdoba, marca un recorrido que prontamente lo llevará a Alemania, donde su objetivo es entrar al estudio y grabar junto a Rodrigo González un registro que todavía no define si será solo un sencillo o un EP con alrededor de cinco temas. Tras eso, piensa regresar a Argentina y viajar, probablemente, a Chile para un compromiso puntual en noviembre.
Debut y despedida
El músico reconoce que está pasando por un momento dulce en lo creativo y eso es lo que piensa reflejar en vivo para la que determinó como su despedida de los escenarios locales, con dos fechas en el Centro Cultural Las Condes, este 30 y 31 de agosto. Lo sorpresivo es que no se tratará de un espectáculo con los éxitos de su repertorio, sino que será un adiós estrenando un nuevo material. Algo que irónicamente plantea como un debut y despedida.
"Será el inicio de un proyecto nuevo, la 'Giramante', la presentación de temas inéditos junto a mi mujer Lucero, que me va a acompañar con sus canciones. Es un trabajo en conjunto que recién ahora tendrá su estreno", cuenta el cantante.
Lo nuevo de Chinoy, señala, también es una apuesta poética, que en un principio se va a extender como un concierto por cerca de una hora en un formato de sintetizador y guitarra acústica. "Es un show más tirado al romance", admite y lo define como "música experimental, con canciones que transitan desde un tono bucólico a lo discotequero, acompañado por un bombo legüero. Todavía estamos equilibrando el formato que igual tiene un sonido moderno y contemporáneo", anticipa.
-¿Siente que deja cosas pendientes en Chile, quizás haber logrado la masividad con su música?
"Es que la ambición de llegar más lejos aquí no es mucha, no hay nadie que esté triunfando de manera rotunda. No siento que esté pasando mucho. Hay un montón de artistas geniales, que no solo tienen buenas canciones, sino que también son muy inteligentes, pero es bien difícil desarrollar una carrera acá. Igual a mí tampoco me va tan mal, lo que es contradictorio, como decía Walt Whitman, 'contengo multitudes'".
Nuevo libro
"Hace poco que estoy casado y a mi pareja le hice este 'Venusterio', que de alguna manera es la historia de nuestro encuentro, con capítulos de la 'Giramante' y composiciones de ella", cuenta el músico sobre su nueva obra.
Tiene 80 años de trayectoria: La Orquesta Sinfónica de Jerusalén debuta en Chile
El Mercurio
El conjunto celebra los 70 años del Estado de Israel con una gira sudamericana. La Fundación Beethoven los programó para este lunes, con el Concierto para violín de Tchaikovsky y la Sinfonía N° 1 de Brahms.
Romina de la Sotta Donoso
Un fuerte acento romántico tendrá la próxima función de la temporada "Fernando Rosas", mañana, a las 19:30 horas, en el Teatro Municipal de Las Condes. La Fundación Beethoven programó a la Orquesta Sinfónica de Jerusalén con dos obras masivamente conocidas de Tchaikovsky y Brahms.
Nacida en 1938 como una orquesta de cámara, y dependiente del Palestine Broadcasting Service, hoy sigue dependiendo de esas emisoras estatales, pero tiene 100 integrantes. "Todos son israelíes provenientes de distintos países, así que en los ensayos se oyen seis idiomas distintos, incluyendo el español. Pero los hacemos un 90% en hebreo, y un poco en inglés, más el italiano para las definiciones artísticas, por supuesto", cuenta Yeruham Scharovsky. Este músico israelí nacido en Argentina fue el elegido por la Sinfónica de Jerusalén para una gira sudamericana por siete ciudades, la que cerrará este lunes en Santiago.
Scharovsky ha colaborado con esta orquesta desde 1984: "Hemos hecho decenas de grabaciones y conciertos, y esta es la quinta gira internacional que realizamos juntos, pero es la primera vez que la orquesta viene a Chile y Perú. En cada concierto ha habido una standing ovation de 15 minutos y muy buenas críticas. En Río de Janeiro escribieron que si bien la orquesta no tiene el nombre de Viena o Berlín, su sonido no está bajo ellas. Además, esta gira tiene un significado especial, por el 70 aniversario del Estado de Israel".
Grandes románticos
Y como todo conjunto de una cadena radial estatal, la Sinfónica de Jerusalén tiene un compromiso con la música de ese país. "Todas las semanas presenta una obra de un compositor israelí, hasta el día de hoy. Yo mismo he grabado decenas de obras de compositores israelíes nuevos con esta orquesta", asegura Scharovsky.
Por lo mismo, todos los conciertos de la gira los están abriendo con "Hora", una pieza de Marc Lavry (1903-1967), compositor letón-israelí que se formó y trabajó en Alemania, pero se radicó en Israel, en 1935. La pieza se inspira justamente en la danza homónima tradicional, de Europa del Este, y Lavry la incluyó en su poema sinfónico "Emek" ("Valle"). "Se relaciona con la fundación del país, los pioneros de Israel bailaban esta danza, todas las tardes después de trabajar y antes de tomar las armas para cuidar su campo", detalla el director.
Las otras dos obras son muy conocidas y exhiben dos caras muy distintas del Romanticismo. Una será el archifamoso Concierto para violín (1878), de Tchaikovsky, que contará con el solista invitado Itamar Zorman (Tel Aviv, 1985), quien obtuvo medalla de plata en la Competencia Tchaikovsky de Moscú, en 2011.
"Este concierto de Tchaikovsky es un gran desafío para virtuosos, de tipo acrobático, y él lo supera con una sonrisa. Él sencillamente no sabe lo difícil que es, porque es un prodigio", asegura Scharovsky.
El programa se completará con la Sinfonía N° 1, de Brahms, quien la compuso entre 1862 y 1876. "Tomó mucho tiempo en escribirla, porque lo amenazaba la sombra de un gigante, que era Beethoven. Sin embargo, la hizo de manera tan perfecta que cuando uno estudia la forma Sinfonía, estudia la Primera de Brahms y no una de Haydn o Beethoven, que son los padres de la sinfonía", comenta el director. "Pero aparte de esta construcción tan perfecta, contienen un bagaje emocional impresionante, lleno de sentimientos, emoción y profundidad. Es música tan bonita, tan profunda, y sus melodías se conectan tan íntimamente con los auditores. Es una de las pocas obras que tanto el público como los músicos y el director adoran", agrega.
Son dos romanticismos distintos. "Los rusos desarrollaron su propio estilo, como si el resto del mundo no existiera, igual que los alemanes; claro que los alemanes influyeron en todo el planeta", cierra Scharovsky.
El conjunto celebra los 70 años del Estado de Israel con una gira sudamericana. La Fundación Beethoven los programó para este lunes, con el Concierto para violín de Tchaikovsky y la Sinfonía N° 1 de Brahms.
Romina de la Sotta Donoso
Un fuerte acento romántico tendrá la próxima función de la temporada "Fernando Rosas", mañana, a las 19:30 horas, en el Teatro Municipal de Las Condes. La Fundación Beethoven programó a la Orquesta Sinfónica de Jerusalén con dos obras masivamente conocidas de Tchaikovsky y Brahms.
Nacida en 1938 como una orquesta de cámara, y dependiente del Palestine Broadcasting Service, hoy sigue dependiendo de esas emisoras estatales, pero tiene 100 integrantes. "Todos son israelíes provenientes de distintos países, así que en los ensayos se oyen seis idiomas distintos, incluyendo el español. Pero los hacemos un 90% en hebreo, y un poco en inglés, más el italiano para las definiciones artísticas, por supuesto", cuenta Yeruham Scharovsky. Este músico israelí nacido en Argentina fue el elegido por la Sinfónica de Jerusalén para una gira sudamericana por siete ciudades, la que cerrará este lunes en Santiago.
Scharovsky ha colaborado con esta orquesta desde 1984: "Hemos hecho decenas de grabaciones y conciertos, y esta es la quinta gira internacional que realizamos juntos, pero es la primera vez que la orquesta viene a Chile y Perú. En cada concierto ha habido una standing ovation de 15 minutos y muy buenas críticas. En Río de Janeiro escribieron que si bien la orquesta no tiene el nombre de Viena o Berlín, su sonido no está bajo ellas. Además, esta gira tiene un significado especial, por el 70 aniversario del Estado de Israel".
Grandes románticos
Y como todo conjunto de una cadena radial estatal, la Sinfónica de Jerusalén tiene un compromiso con la música de ese país. "Todas las semanas presenta una obra de un compositor israelí, hasta el día de hoy. Yo mismo he grabado decenas de obras de compositores israelíes nuevos con esta orquesta", asegura Scharovsky.
Por lo mismo, todos los conciertos de la gira los están abriendo con "Hora", una pieza de Marc Lavry (1903-1967), compositor letón-israelí que se formó y trabajó en Alemania, pero se radicó en Israel, en 1935. La pieza se inspira justamente en la danza homónima tradicional, de Europa del Este, y Lavry la incluyó en su poema sinfónico "Emek" ("Valle"). "Se relaciona con la fundación del país, los pioneros de Israel bailaban esta danza, todas las tardes después de trabajar y antes de tomar las armas para cuidar su campo", detalla el director.
Las otras dos obras son muy conocidas y exhiben dos caras muy distintas del Romanticismo. Una será el archifamoso Concierto para violín (1878), de Tchaikovsky, que contará con el solista invitado Itamar Zorman (Tel Aviv, 1985), quien obtuvo medalla de plata en la Competencia Tchaikovsky de Moscú, en 2011.
"Este concierto de Tchaikovsky es un gran desafío para virtuosos, de tipo acrobático, y él lo supera con una sonrisa. Él sencillamente no sabe lo difícil que es, porque es un prodigio", asegura Scharovsky.
El programa se completará con la Sinfonía N° 1, de Brahms, quien la compuso entre 1862 y 1876. "Tomó mucho tiempo en escribirla, porque lo amenazaba la sombra de un gigante, que era Beethoven. Sin embargo, la hizo de manera tan perfecta que cuando uno estudia la forma Sinfonía, estudia la Primera de Brahms y no una de Haydn o Beethoven, que son los padres de la sinfonía", comenta el director. "Pero aparte de esta construcción tan perfecta, contienen un bagaje emocional impresionante, lleno de sentimientos, emoción y profundidad. Es música tan bonita, tan profunda, y sus melodías se conectan tan íntimamente con los auditores. Es una de las pocas obras que tanto el público como los músicos y el director adoran", agrega.
Son dos romanticismos distintos. "Los rusos desarrollaron su propio estilo, como si el resto del mundo no existiera, igual que los alemanes; claro que los alemanes influyeron en todo el planeta", cierra Scharovsky.
sábado, agosto 25, 2018
El sueño nunca termina para el líder de Crowded House
El Mercurio
El cantante Neil Finn lanzó ayer su primer disco junto a su hijo Liam, mientras se prepara para reemplazar a Lindsey Buckingham en los emblemáticos Fleetwood Mac.
Felipe Ramos
"Don't Dream is Over" y "Weather With You" marcaron los 80 y comienzos de los 90 como pocas canciones. Probablemente la primera es una de las baladas más emblemáticas de todos los tiempos. Con sus guitarras sacadas del rock al estilo Roy Orbison, letra fácil de corear y una melodía que invita a bailarla bien apretado, la obra suele sonar en las radios como si hubiese sido lanzada ayer. Por su parte, la segunda es una parada obligada en el cancionero de los años del grunge y el indie , y pese a que no cae en ninguno de esos dos géneros, tampoco se podría decir que fue un éxito del mainstream , ya que Crowded House siempre construyó su propio camino fuera de los cánones de la industria musical.
Veinticinco años después del lanzamiento de "Weather With You", esa canción que decía que uno siempre acarrea el tiempo con uno mismo, su compositor, Neil Finn, sigue trabajando, ya no junto a la banda neozelandesa, sino lanzando su primer disco junto a su hijo Liam, además de haber sido anunciado para reemplazar a Lindsey Buckingham en los legendarios Fleetwood Mac.
A sus 60 años, el cantante y compositor surgido en el grupo Slitz End y que luego formara Crowded House, alcanzando el éxito internacional con su disco homónimo (1986), "Temple of Low Men" (1989), "Woodface" (1991) y "Together Alone" (1993), hoy se muestra tan incansable como nunca, con varios proyectos a cuestas, partiendo por el lanzamiento de "Lightsleeper", el álbum que surgió a partir del matrimonio de Liam hace tres años en una isla griega. Para celebrar la ocasión, Neil compuso "Island of Piece", canción que abre el disco y se aleja de los sonidos más orgánicos de Crowded House, atraída hacia la composición independiente, los coros grandes y las baterías programadas.
Con sus atmósferas lo-fi , este es el primer disco que Neil Finn compone junto a Liam, quien con 34 años ha tenido una carrera respetada, participando en giras junto a Eddie Vedder de Pearl Jam, The Black Keys y Wilco. Al teléfono, desde Auckland, ambos Finn se muestran bastante contentos con el resultado final. Aunque uno vive en Nueva Zelandia y el otro en Londres, "Lightsleeper" les ha dado la oportunidad única de encontrarse dentro de lo que mejor saben hacer, que es componer y grabar. "En el disco hay varias referencias que tienen que ver con nuestra familia. En este período de nuestras vidas, cuando Liam tuvo a su primer hijo y, por ende, mi primer nieto, se siente como un cambio generacional, donde estas canciones han sido su banda sonora", señala Finn.
Consultado por si temían chocar durante la composición y grabación de las canciones, el patriarca de la familia dice que pese a trabajar antes los dos, tocando juntos en vivo o grabando, "nunca habíamos compuesto como equipo, así que sabíamos que teníamos una buena relación en el estudio, pero escribir música es una cosa muy personal, por lo que estábamos atentos a que podían venir momentos tensos y que no estaríamos en todo de acuerdo; sin embargo, eso mismo les dio a las canciones una profundidad y un drama mayor".
-De dónde surge el nombre "Lightsleeper"?
Neil Finn: "Liam me mandó una imagen para la portada del disco y a mí se me ocurrió ese nombre, pues el disco tiene una sensación onírica. Parte de la música pareciera provenir de un lugar donde no estás completamente despierto ni completamente durmiendo".
-Muchas de las canciones del disco tienen que ver con las relaciones y el amor, una temática que ha estado siempre en su trabajo por más de 30 años. ¿Se podría decir que ya es un experto en el tema?
N.F.: "A decir verdad, es un tema fascinante que no deja de tener importancia durante toda la vida de las personas. Siempre me han interesado las canciones que abren puertas a la imaginación de la gente en lugar de difundir ideas intelectuales. Es una aproximación impresionista, y con las diferentes ramas del amor, con sus dificultades y alegrías, hay muchas emociones a las que cuesta ponerles palabras, entonces las canciones ayudan a generar empatía y compañía".
-Liam, cuando "Don't Dream is Over" y "Weather With You" salieron editadas, usted era muy chico. ¿Cómo fue crecer sabiendo que su padre tenía esos dos megahits sonando en las radios?
Liam Finn: "Para mí fue una atracción natural hacer música y experimentar la alegría que eso da a uno mismo y a otra gente. Poder ver esas audiencias masivas cantando las canciones de la banda de mi padre y la energía que eso crea fue algo intoxicante que me hizo soñar y querer componer canciones y tocar en vivo. Lo bueno es que se me crió teniendo claro que lo que yo viviese sería mi propia experiencia, pero lo mejor es que me fomentó la pasión de crear canciones con que la gente se conecte, sin importar si eres un artista oscuro o un cantante de pop comercial".
N.F.: "Durante los shows que hicimos juntos antes de grabar el disco nos quedó claro que la audiencia estaba fascinada tanto por las canciones de cada uno como por nuestro trabajo en conjunto, por lo tanto a la hora de entrar en este disco había una sensación de igualdad, ya que así como él tuvo mis canciones mientras crecía, yo he absorbido su música".
Sin parar rumbo a Fleetwood Mac
Hace pocos meses la agrupación británica-norteamericana Fleetwood Mac, reconocida como una de las más importantes en la historia del rock, y que cuenta entre sus filas con leyendas como Stevie Nicks y Mick Fleetwood, anunció el despido de Lindsey Buckingham, guitarrista, vocalista y uno de los compositores principales de la banda que dio al mundo álbumes icónicos como "Rumours" y "Tusk". En su reemplazo se anunció que en la guitarra estará Mike Campbell, ex compañero de Tom Petty, y en la voz Neil Finn, haciendo del combo una verdadera multinacional. Consultado por la responsabilidad que significa ponerse detrás del micrófono en Fleetwood Mac, Finn señala que "acabo de cumplir 60, y ser llamado para hacer eso con una de las más grandes secciones rítmicas del planeta, junto a dos de las voces más grandes que son Stevie y Chris McVie, y un cúmulo de canciones maravillosas, se siente como un regalo hermoso. La banda está emocionada con esta nueva era y quieren pasarlo bien, así que es algo que espero con ansias".
El cantante Neil Finn lanzó ayer su primer disco junto a su hijo Liam, mientras se prepara para reemplazar a Lindsey Buckingham en los emblemáticos Fleetwood Mac.
Felipe Ramos
"Don't Dream is Over" y "Weather With You" marcaron los 80 y comienzos de los 90 como pocas canciones. Probablemente la primera es una de las baladas más emblemáticas de todos los tiempos. Con sus guitarras sacadas del rock al estilo Roy Orbison, letra fácil de corear y una melodía que invita a bailarla bien apretado, la obra suele sonar en las radios como si hubiese sido lanzada ayer. Por su parte, la segunda es una parada obligada en el cancionero de los años del grunge y el indie , y pese a que no cae en ninguno de esos dos géneros, tampoco se podría decir que fue un éxito del mainstream , ya que Crowded House siempre construyó su propio camino fuera de los cánones de la industria musical.
Veinticinco años después del lanzamiento de "Weather With You", esa canción que decía que uno siempre acarrea el tiempo con uno mismo, su compositor, Neil Finn, sigue trabajando, ya no junto a la banda neozelandesa, sino lanzando su primer disco junto a su hijo Liam, además de haber sido anunciado para reemplazar a Lindsey Buckingham en los legendarios Fleetwood Mac.
A sus 60 años, el cantante y compositor surgido en el grupo Slitz End y que luego formara Crowded House, alcanzando el éxito internacional con su disco homónimo (1986), "Temple of Low Men" (1989), "Woodface" (1991) y "Together Alone" (1993), hoy se muestra tan incansable como nunca, con varios proyectos a cuestas, partiendo por el lanzamiento de "Lightsleeper", el álbum que surgió a partir del matrimonio de Liam hace tres años en una isla griega. Para celebrar la ocasión, Neil compuso "Island of Piece", canción que abre el disco y se aleja de los sonidos más orgánicos de Crowded House, atraída hacia la composición independiente, los coros grandes y las baterías programadas.
Con sus atmósferas lo-fi , este es el primer disco que Neil Finn compone junto a Liam, quien con 34 años ha tenido una carrera respetada, participando en giras junto a Eddie Vedder de Pearl Jam, The Black Keys y Wilco. Al teléfono, desde Auckland, ambos Finn se muestran bastante contentos con el resultado final. Aunque uno vive en Nueva Zelandia y el otro en Londres, "Lightsleeper" les ha dado la oportunidad única de encontrarse dentro de lo que mejor saben hacer, que es componer y grabar. "En el disco hay varias referencias que tienen que ver con nuestra familia. En este período de nuestras vidas, cuando Liam tuvo a su primer hijo y, por ende, mi primer nieto, se siente como un cambio generacional, donde estas canciones han sido su banda sonora", señala Finn.
Consultado por si temían chocar durante la composición y grabación de las canciones, el patriarca de la familia dice que pese a trabajar antes los dos, tocando juntos en vivo o grabando, "nunca habíamos compuesto como equipo, así que sabíamos que teníamos una buena relación en el estudio, pero escribir música es una cosa muy personal, por lo que estábamos atentos a que podían venir momentos tensos y que no estaríamos en todo de acuerdo; sin embargo, eso mismo les dio a las canciones una profundidad y un drama mayor".
-De dónde surge el nombre "Lightsleeper"?
Neil Finn: "Liam me mandó una imagen para la portada del disco y a mí se me ocurrió ese nombre, pues el disco tiene una sensación onírica. Parte de la música pareciera provenir de un lugar donde no estás completamente despierto ni completamente durmiendo".
-Muchas de las canciones del disco tienen que ver con las relaciones y el amor, una temática que ha estado siempre en su trabajo por más de 30 años. ¿Se podría decir que ya es un experto en el tema?
N.F.: "A decir verdad, es un tema fascinante que no deja de tener importancia durante toda la vida de las personas. Siempre me han interesado las canciones que abren puertas a la imaginación de la gente en lugar de difundir ideas intelectuales. Es una aproximación impresionista, y con las diferentes ramas del amor, con sus dificultades y alegrías, hay muchas emociones a las que cuesta ponerles palabras, entonces las canciones ayudan a generar empatía y compañía".
-Liam, cuando "Don't Dream is Over" y "Weather With You" salieron editadas, usted era muy chico. ¿Cómo fue crecer sabiendo que su padre tenía esos dos megahits sonando en las radios?
Liam Finn: "Para mí fue una atracción natural hacer música y experimentar la alegría que eso da a uno mismo y a otra gente. Poder ver esas audiencias masivas cantando las canciones de la banda de mi padre y la energía que eso crea fue algo intoxicante que me hizo soñar y querer componer canciones y tocar en vivo. Lo bueno es que se me crió teniendo claro que lo que yo viviese sería mi propia experiencia, pero lo mejor es que me fomentó la pasión de crear canciones con que la gente se conecte, sin importar si eres un artista oscuro o un cantante de pop comercial".
N.F.: "Durante los shows que hicimos juntos antes de grabar el disco nos quedó claro que la audiencia estaba fascinada tanto por las canciones de cada uno como por nuestro trabajo en conjunto, por lo tanto a la hora de entrar en este disco había una sensación de igualdad, ya que así como él tuvo mis canciones mientras crecía, yo he absorbido su música".
Sin parar rumbo a Fleetwood Mac
Hace pocos meses la agrupación británica-norteamericana Fleetwood Mac, reconocida como una de las más importantes en la historia del rock, y que cuenta entre sus filas con leyendas como Stevie Nicks y Mick Fleetwood, anunció el despido de Lindsey Buckingham, guitarrista, vocalista y uno de los compositores principales de la banda que dio al mundo álbumes icónicos como "Rumours" y "Tusk". En su reemplazo se anunció que en la guitarra estará Mike Campbell, ex compañero de Tom Petty, y en la voz Neil Finn, haciendo del combo una verdadera multinacional. Consultado por la responsabilidad que significa ponerse detrás del micrófono en Fleetwood Mac, Finn señala que "acabo de cumplir 60, y ser llamado para hacer eso con una de las más grandes secciones rítmicas del planeta, junto a dos de las voces más grandes que son Stevie y Chris McVie, y un cúmulo de canciones maravillosas, se siente como un regalo hermoso. La banda está emocionada con esta nueva era y quieren pasarlo bien, así que es algo que espero con ansias".
Pepe Romero en El Municipal: La guitarra de dos mundos
El Mercurio
Gonzalo Saavedra
Pepe Romero (1944) tenía 9 años cuando su padre, Celedonio, le presentó al entonces ya popular Paco Ávila con la siguiente instrucción: "Tú le enseñarás a Paco guitarra clásica, y él te enseñará a ti flamenco". Cada tarde, durante tres años, los dos músicos estudiaban a Francisco Tárrega, Isaac Albéniz, Fernando Sor, pero enseguida acompañaban el zapateado de la novia de Ávila, que era bailaora. De esa combinación de flexibilidad, destreza y naturalidad de la tradición flamenca, y sensibilidad, foco y sentido del color de la clásica nace el sonido que ha caracterizado la larga carrera de Romero, y del que sigue gozando, como mostró en el recital que dio en el Municipal de Santiago, el jueves. Un sonido "dulce", que, asegura el propio intérprete en el sitio especializado Tonbase.co, es el mejor piropo que se le puede decir a un guitarrista.
La primera parte del programa estuvo dedicada a transcripciones de piezas de Bach, Schubert, Schumann y Brahms, hechas con enorme oficio por el propio Celedonio Romero, y la intrincada "Introducción y variaciones sobre un tema de La flauta mágica", de Sor, que permitió al solista lucirse en su apego a la tradición clásica: minucioso, equilibrado, pero siempre cuidando el sentimiento.
El siguiente bloque partió con la "Fantasía húngara", de Johann Kaspar Mertz (1806-1856), que se inspira en el folclor magiar y que muestra que su compositor fue un virtuoso del instrumento. Luego, obras españolas, "Invocación y danza" (1961), de Joaquín Rodrigo, un homenaje postrero a Manuel de Falla que comienza con armónicos -perfectos y resonantes en esta versión- que imitan campanas lejanas y le sigue una sección rítmica, en algunos momentos frenética, con trémolos y frases insistentes: aquí aparece fugaz una cita de "El sombrero de tres picos" y, hacia el final, "El amor brujo". Excelente. De Federico Moreno Tórroba, un introspectivo y romántico "Nocturno" (1926) y la "Fantasía sevillana" (1923), de Joaquín Turina, quien se sirve de los aires de su tierra lleno de originalidad e inventiva.
El guitarrista ofreció con generosidad su rasgueo característico y despertó el entusiasmo de un público feliz y entregado. Para rematar, la colorida "Suite andaluza", de Celedonio Romero, con cinco números contrastantes que incluyen un tango y un zapateado con golpes sobre el puente. Agradecido del aplauso entusiasta, el intérprete todavía quiso tocar "Recuerdos de la Alhambra" (1896), de Francisco Tárrega, un esperado y muy justificado hit , y, siempre homenajeando a su padre en su feliz idea de unir los mundos clásico y flamenco, una Malagueña de juventud.
Gonzalo Saavedra
Pepe Romero (1944) tenía 9 años cuando su padre, Celedonio, le presentó al entonces ya popular Paco Ávila con la siguiente instrucción: "Tú le enseñarás a Paco guitarra clásica, y él te enseñará a ti flamenco". Cada tarde, durante tres años, los dos músicos estudiaban a Francisco Tárrega, Isaac Albéniz, Fernando Sor, pero enseguida acompañaban el zapateado de la novia de Ávila, que era bailaora. De esa combinación de flexibilidad, destreza y naturalidad de la tradición flamenca, y sensibilidad, foco y sentido del color de la clásica nace el sonido que ha caracterizado la larga carrera de Romero, y del que sigue gozando, como mostró en el recital que dio en el Municipal de Santiago, el jueves. Un sonido "dulce", que, asegura el propio intérprete en el sitio especializado Tonbase.co, es el mejor piropo que se le puede decir a un guitarrista.
La primera parte del programa estuvo dedicada a transcripciones de piezas de Bach, Schubert, Schumann y Brahms, hechas con enorme oficio por el propio Celedonio Romero, y la intrincada "Introducción y variaciones sobre un tema de La flauta mágica", de Sor, que permitió al solista lucirse en su apego a la tradición clásica: minucioso, equilibrado, pero siempre cuidando el sentimiento.
El siguiente bloque partió con la "Fantasía húngara", de Johann Kaspar Mertz (1806-1856), que se inspira en el folclor magiar y que muestra que su compositor fue un virtuoso del instrumento. Luego, obras españolas, "Invocación y danza" (1961), de Joaquín Rodrigo, un homenaje postrero a Manuel de Falla que comienza con armónicos -perfectos y resonantes en esta versión- que imitan campanas lejanas y le sigue una sección rítmica, en algunos momentos frenética, con trémolos y frases insistentes: aquí aparece fugaz una cita de "El sombrero de tres picos" y, hacia el final, "El amor brujo". Excelente. De Federico Moreno Tórroba, un introspectivo y romántico "Nocturno" (1926) y la "Fantasía sevillana" (1923), de Joaquín Turina, quien se sirve de los aires de su tierra lleno de originalidad e inventiva.
El guitarrista ofreció con generosidad su rasgueo característico y despertó el entusiasmo de un público feliz y entregado. Para rematar, la colorida "Suite andaluza", de Celedonio Romero, con cinco números contrastantes que incluyen un tango y un zapateado con golpes sobre el puente. Agradecido del aplauso entusiasta, el intérprete todavía quiso tocar "Recuerdos de la Alhambra" (1896), de Francisco Tárrega, un esperado y muy justificado hit , y, siempre homenajeando a su padre en su feliz idea de unir los mundos clásico y flamenco, una Malagueña de juventud.
viernes, agosto 24, 2018
Rubén Blades: “Hay una evolución pero la necesidad, de luchar contra el abuso continúa”
La Tercera
A sus 70 años, y tras anunciar un retiro de los escenarios que nunca llegó, el multifacético artista panameño parece más activo que nunca. Antes de su regreso a Chile, el creador de Pedro Navaja habla de la muerte del rock, la crisis política de Nicaragua, su éxito en una serie de zombies y sus proyectos junto a Isabella Rossellini y Leonardo Padura.
Por William Padrón
Tras anunciar su retiro de los escenarios, el panameño Rubén Blades sorprendió a todos al ganar el Disco del Año por Salsa Big Band, en los últimos Latin Grammy. Meses después presentó a su alter ego: Medoro Madera, un cantautor octogenario formado en la calle que debutó en mayo con un álbum homónimo, en el que rinde homenaje a los soneros cubanos. Finalmente, aplazó el adiós para salir de gira con Roberto Delgado y su Orquesta, y después de actuar en México y Europa aterrizará en el Movistar Arena el 8 de septiembre, para mostrar un repertorio que supera la veintena de canciones.
Con 70 años recién cumplidos, el creador de clásicos como “Pablo Pueblo y Pedro Navaja” parece lejos de la jubilación, y se pasea entre el cine, la política y la música con el entusiasmo y la avidez de quien sabe que lo más valioso es el presente. En entrevista con Culto vía mail, mantiene la verborrea de sus encuentros en persona y esa agilidad para arropar diferentes ideas en un mismo contexto.
– Medoro Madera consiguió su objetivo y sacó un disco ¿Cómo logró convencerlo de editar este LP?
– Este era un proyecto aplazado pero impostergable. A Medoro no había que convencerlo, él exigía este trabajo hace tiempo. Me alegro de haber podido cumplir con su deseo.
– Los setlist disponibles en la web dan cuenta de un show que además de sus éxitos incluye covers de Tito Puente, Ray Barreto, Tony Bennett o Frank Sinatra. ¿Cómo proyecta su show en cada país que visita y cómo será el de Chile?
– Es la demostración de la variedad de arreglos y temas que puede ofrecer la banda de Roberto Delgado. Vamos desde el sexteto hasta la big band, hacemos temas con distintos arreglos e instrumentaciones. Ninguna banda de música afrocubana hoy presenta esta capacidad de variedad. En Chile vamos a ofrecer muestras de ello. Esta ha sido una de las principales razones para aún no haber terminado mis giras de salsa. Después de obtener el Album del Año en los Grammy Latinos, cosa que nunca había ocurrido para un trabajo de este género, decidí aplazar esa salida porque, una vez que lo haga, termina la posibilidad de ofrecer la variedad de temas que componen nuestro repertorio, y eso no ayuda a mantener la vigencia del género afrocubano o de salsa. Esta es una banda única, con un repertorio único… ¿Para qué retirarla ahora?
– Este 2018 se cumplen 40 años desde que lanzó Siembra. ¿Cómo contrasta aquel mensaje de orgullo cultural y justicia social en el contexto actual del continente americano?
– Lo que planteamos con Siembra sigue siendo pertinente. El fin de las ciudades y sociedades de Plástico, del consumismo exagerado e innecesario, del racismo, de la corrupción. Hay sorpresas para mí, por ejemplo, lo que dije en 1978: “Nicaragua sin Somoza”. Ahora se transforma, de manera casi fantástica, en “Nicaragua sin Ortega”. Hay una evolución donde no todo es negativo pero la necesidad de continuar luchando contra la maldad y el abuso continúa. Quizás resulte una tarea perpetua pero es necesaria.
– En una entrevista en España dijo que “la salsa no expira porque inspira”. Ahora que se habla de la muerte del rock, ¿qué piensa usted como amante del género?
– Nada muere, todo evoluciona. Me parece absurdo el aferrarse a lo que pasó para convertirlo en una forma de vida. Podemos aprender del hecho transcurrido, disfrutar de su recuerdo, pero pretender repetir algo que es, por naturaleza, imposible, es una tarea inútil y nos hace perder el tiempo que podemos utilizar creando. El rock de Heartbreak hotel y Elvis, la música de Bill Haley y The Comets, esos inicios siempre estarán a mano en los LPs y en la posibilidad digital de escucharlos. Todo evoluciona. En su momento lo de The Beatles fue distinto a lo de Gene Vincent, lo que ofreció David Byrne, Lou Reed, Jerry Garcia, Bowie, fueron interpretaciones personales del género rock y todas, aunque variadas, terminaron enriqueciendo al género a través de las décadas.
– Seguirle la pista es un trabajo minucioso. Dijo que tiene seis discos por publicar, una recopilación de escritos periodísticos, un libro de poemas, entre otros proyectos. ¿Qué más hay en el futuro inmediato de su carrera política y artística y cómo se organiza para todo eso?
– Básicamente es tratar de adelantarme al tiempo. Tengo varios álbumes ya grabados, otros en proceso de grabación y otros en construcción. Me acaban de nombrar “Visiting scholar” en la Universidad de Nueva York y comienzo el otro mes una serie de encuentros con estudiantes. En lo político, estoy releyendo la constitución de Panamá y el Código Judicial para proponer, por escrito, cambios que permitan enfrentar la corrupción que existe en los órganos Legislativo y Judicial y que amenazan la estabilidad del país y su seguridad jurídica. Además, ya está planeándose una gira por EE.UU. en 2019 con la banda de Roberto Delgado y estamos grabando el segundo álbum Big Band. En unas semanas saldrá el sencillo “No te calles” con el grupo de rock Making Movies. ¡Y se me olvidaba! Tenemos un primer guión, Leonardo Padura, Lucía [López Coll] y yo, para una película basada en una idea mía. Hay varias cosas cocinándose.
– Se confirmó su regreso en la quinta temporada de Fear the walking dead. ¿Cómo recibe este éxito televisivo?
– Para mí es una manera distinta de crear. Dar vida a Daniel Salazar me divierte muchísimo. Ese programa lo proyectan en 119 países, de pronto en Serbia me conocen no como músico, ¡sino como sobreviviente del holocausto zombie! Es muy difícil sostenerse como artista a través del tiempo. Poder hacerlo en la música, renovando mi audiencia y complementarlo con un programa de televisión es algo que agradezco todos los días. Además estaré trabajando con una de mis actrices favoritas, Isabella Rossellini, en una película titulada Centigrade. Ese es otro de los bonos que me da la vida, una bendición más a mis 70 años.
A sus 70 años, y tras anunciar un retiro de los escenarios que nunca llegó, el multifacético artista panameño parece más activo que nunca. Antes de su regreso a Chile, el creador de Pedro Navaja habla de la muerte del rock, la crisis política de Nicaragua, su éxito en una serie de zombies y sus proyectos junto a Isabella Rossellini y Leonardo Padura.
Por William Padrón
Tras anunciar su retiro de los escenarios, el panameño Rubén Blades sorprendió a todos al ganar el Disco del Año por Salsa Big Band, en los últimos Latin Grammy. Meses después presentó a su alter ego: Medoro Madera, un cantautor octogenario formado en la calle que debutó en mayo con un álbum homónimo, en el que rinde homenaje a los soneros cubanos. Finalmente, aplazó el adiós para salir de gira con Roberto Delgado y su Orquesta, y después de actuar en México y Europa aterrizará en el Movistar Arena el 8 de septiembre, para mostrar un repertorio que supera la veintena de canciones.
Con 70 años recién cumplidos, el creador de clásicos como “Pablo Pueblo y Pedro Navaja” parece lejos de la jubilación, y se pasea entre el cine, la política y la música con el entusiasmo y la avidez de quien sabe que lo más valioso es el presente. En entrevista con Culto vía mail, mantiene la verborrea de sus encuentros en persona y esa agilidad para arropar diferentes ideas en un mismo contexto.
– Medoro Madera consiguió su objetivo y sacó un disco ¿Cómo logró convencerlo de editar este LP?
– Este era un proyecto aplazado pero impostergable. A Medoro no había que convencerlo, él exigía este trabajo hace tiempo. Me alegro de haber podido cumplir con su deseo.
– Los setlist disponibles en la web dan cuenta de un show que además de sus éxitos incluye covers de Tito Puente, Ray Barreto, Tony Bennett o Frank Sinatra. ¿Cómo proyecta su show en cada país que visita y cómo será el de Chile?
– Es la demostración de la variedad de arreglos y temas que puede ofrecer la banda de Roberto Delgado. Vamos desde el sexteto hasta la big band, hacemos temas con distintos arreglos e instrumentaciones. Ninguna banda de música afrocubana hoy presenta esta capacidad de variedad. En Chile vamos a ofrecer muestras de ello. Esta ha sido una de las principales razones para aún no haber terminado mis giras de salsa. Después de obtener el Album del Año en los Grammy Latinos, cosa que nunca había ocurrido para un trabajo de este género, decidí aplazar esa salida porque, una vez que lo haga, termina la posibilidad de ofrecer la variedad de temas que componen nuestro repertorio, y eso no ayuda a mantener la vigencia del género afrocubano o de salsa. Esta es una banda única, con un repertorio único… ¿Para qué retirarla ahora?
– Este 2018 se cumplen 40 años desde que lanzó Siembra. ¿Cómo contrasta aquel mensaje de orgullo cultural y justicia social en el contexto actual del continente americano?
– Lo que planteamos con Siembra sigue siendo pertinente. El fin de las ciudades y sociedades de Plástico, del consumismo exagerado e innecesario, del racismo, de la corrupción. Hay sorpresas para mí, por ejemplo, lo que dije en 1978: “Nicaragua sin Somoza”. Ahora se transforma, de manera casi fantástica, en “Nicaragua sin Ortega”. Hay una evolución donde no todo es negativo pero la necesidad de continuar luchando contra la maldad y el abuso continúa. Quizás resulte una tarea perpetua pero es necesaria.
– En una entrevista en España dijo que “la salsa no expira porque inspira”. Ahora que se habla de la muerte del rock, ¿qué piensa usted como amante del género?
– Nada muere, todo evoluciona. Me parece absurdo el aferrarse a lo que pasó para convertirlo en una forma de vida. Podemos aprender del hecho transcurrido, disfrutar de su recuerdo, pero pretender repetir algo que es, por naturaleza, imposible, es una tarea inútil y nos hace perder el tiempo que podemos utilizar creando. El rock de Heartbreak hotel y Elvis, la música de Bill Haley y The Comets, esos inicios siempre estarán a mano en los LPs y en la posibilidad digital de escucharlos. Todo evoluciona. En su momento lo de The Beatles fue distinto a lo de Gene Vincent, lo que ofreció David Byrne, Lou Reed, Jerry Garcia, Bowie, fueron interpretaciones personales del género rock y todas, aunque variadas, terminaron enriqueciendo al género a través de las décadas.
– Seguirle la pista es un trabajo minucioso. Dijo que tiene seis discos por publicar, una recopilación de escritos periodísticos, un libro de poemas, entre otros proyectos. ¿Qué más hay en el futuro inmediato de su carrera política y artística y cómo se organiza para todo eso?
– Básicamente es tratar de adelantarme al tiempo. Tengo varios álbumes ya grabados, otros en proceso de grabación y otros en construcción. Me acaban de nombrar “Visiting scholar” en la Universidad de Nueva York y comienzo el otro mes una serie de encuentros con estudiantes. En lo político, estoy releyendo la constitución de Panamá y el Código Judicial para proponer, por escrito, cambios que permitan enfrentar la corrupción que existe en los órganos Legislativo y Judicial y que amenazan la estabilidad del país y su seguridad jurídica. Además, ya está planeándose una gira por EE.UU. en 2019 con la banda de Roberto Delgado y estamos grabando el segundo álbum Big Band. En unas semanas saldrá el sencillo “No te calles” con el grupo de rock Making Movies. ¡Y se me olvidaba! Tenemos un primer guión, Leonardo Padura, Lucía [López Coll] y yo, para una película basada en una idea mía. Hay varias cosas cocinándose.
– Se confirmó su regreso en la quinta temporada de Fear the walking dead. ¿Cómo recibe este éxito televisivo?
– Para mí es una manera distinta de crear. Dar vida a Daniel Salazar me divierte muchísimo. Ese programa lo proyectan en 119 países, de pronto en Serbia me conocen no como músico, ¡sino como sobreviviente del holocausto zombie! Es muy difícil sostenerse como artista a través del tiempo. Poder hacerlo en la música, renovando mi audiencia y complementarlo con un programa de televisión es algo que agradezco todos los días. Además estaré trabajando con una de mis actrices favoritas, Isabella Rossellini, en una película titulada Centigrade. Ese es otro de los bonos que me da la vida, una bendición más a mis 70 años.
"Inolvidables de siempre" grabaron un sencillo
El Mercurio
Conocidos cantantes chilenos lanzaron un tema luego de exitosos shows en conjunto.
JAVIERA GARAY A.
Tras el éxito del espectáculo "Los inolvidables de siempre" -que se ha presentado en varios escenarios del país-, con la participación de José Alfredo Fuentes, Wildo, los hermanos Zabaleta, Germán Casas y Horacio Saavedra en la dirección, el grupo grabó el single "Inolvidable".
Cerca de cuatro mil personas asistieron a un show que ofrecieron en el Arena Monticello, algo que sorprendió al "Pollo" Fuentes: "No me esperaba que esto tuviera tanto éxito. Pensé que tendríamos 2.500 personas, por lo lejos que está, y cuando vimos que había un taco de autos entrando, fue muy emotivo", dice.
Ante la convocatoria que lograron, decidieron lanzar un sencillo. La idea fue de Wildo, quien es el autor de la canción, y Miguel Zabaleta se encargó de los arreglos musicales. "Hicieron una maqueta, nos la mostraron a los demás y nos encantó. Después todos colaboramos con algún consejo, especialmente Germán Casas", dice Fuentes.
El single, que no será parte de un disco, incorpora trozos de composiciones como "Te perdí", de Fuentes; "Piensa", de los Zabaleta, y "Verano azul", de Wildo. "El tema es un toquecito de nostalgia, para que la gente de esos tiempos disfrute recordando los títulos de éxitos que marcaron la vida de mucha gente de la edad nuestra", expresa.
"Los inolvidables de siempre" tendrán nuevos conciertos. En Arena Monticello estarán nuevamente el 25 de noviembre; en Coquimbo actuarán el 14 de septiembre, y el 28 de octubre, en Concepción. En todas esas presentaciones cantarán el tema que grabaron en conjunto.
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